EDUARDO MOMEร E La Visiรณn Fotogrรกfica
FICHA DE LECTURA. DATOS DEL ALUMNO/A: APELLIDOS: Díaz Ruiz NOMBRE: David CURSO: 1ºA Fotografía Artística FICHA BIBLIOGRÁFICA: Autor: Eduardo Momeñe Título del libro: Visión fotográfica. Curso de fotografía para jóvenes fotógrafos Año de edición: 2009 Editorial: AUTOR-EDITOR ISBN: 9788461322435 RESEÑA DEL CAPÍTULO 1. RESUMEN Lo cierto es que, buscamos plasmar al menos dos tipos de opiniones: Una opinión visual, y una opinión temática. Es tan solo una forma de expresarnos. En el primer caso nos referimos a lo que más nos importa: la fotografía como imagen, y en el segundo, la fotografía como documento, el que nos asocia con lo que vemos en ella, con el testimonio de que sirvió para la imagen. Nuestras fotografías tienen que ir creando una realidad paralela, la nuestra, un discurso visual, aquel documento convertido ya en una experiencia fotográfica. Es eso lo que nuestros espectadores, nuestros lectores, quieren realmente ver: nuestra opinión fotográfica sobre el mundo. Lo que la fotografía nos exige es que seamos ante todo buenos fotógrafos, esto es, capaces de obtener potentes imágenes, fotografías que nos miren, que nos hablen, que nos atrapen. La fotografía, un lugar mucho más incómodo. No nos enseñaron que la cámara, al igual que la pluma, sirve para describir, para hablar, pero con la tremenda dificultad de no poder explicar nada. La fotografía es un medio para hablar sobre el mundo pero sin disponer de una hoja en blanco sobre la que escribir o una boca con la que explicarnos. La fotografía es un extraño lenguaje que no permite vocalizar una sola palabra, pero si comunicar por otras vías, comunicar otras cosas, como le ocurre al músico. Una de las claves de las fotografías que admiramos es en muchos casos estar allí, no sólo donde creemos que existe un testimonio, sino donde creemos que podemos crear un acontecimiento con nuestra cámara.
En muy poco tiempo hay que controlar muchas cosas para que todo funcione bien, porque no olvidemos que una fotografía no es un retrato o un paisaje, no es la expresión de un rostro, o una excelente luz. Una fotografía lo es todo, cada milímetro cuadrado de imagen. Nosotros no sólo fotografiamos personas, sino cada píxel de la imagen. Nosotros no fotografiamos niños, puestas de sol u horrores, sino todo lo que hay en una fotografía, de lo cual el niño, el horizonte rojizo o el horror en primera persona no son más que un referente. Hay fotógrafos para quienes a luz sirve para iluminar, y hay fotógrafos que integran la luz como un elemento más de expresión, como pueden ser la composición, el hecho del espacio, o el lenguaje de los cuerpos. Este es un dato importante, y con el que debemos contar para definir nuestra mirada, para saber si nuestra visión fotográfica en el mundo es o no es un escenario donde simplemente ocurren cosas, al margen de si llueve o luce un sol radiante. Debemos atrapar la idea de que no se trata de decir que sí, de que la luz es muy importante para nosotros, y de que de hecho siempre tratamos de obtener una bella luz. La actitud de aquellos fotógrafos más pausados pude suponer un buen recordatorio de que quizás vemos antes con el cerebro que con los ojos. Hay personas que poseen un don por el cual lo que hacen tiene encanto. El llamado encanto es difícil de definir pero sabemos reconocerlo: se encuentra en las casas, en las calles, en las obras de arte, en las caras, en la expresión del cuerpo, en la música, en las palabras, en las personas de todo tipo, en las fotografías, en las instantáneas, es expresión en estado puro. Cada poco tiempo el mundo cambia, y la forma de entender la fotografía no es ajena a dicha transformación. Nuevos pensamientos modifican nuestra mirada y, con ella, el propio aspecto del mundo. La manera en la que lo miramos es diferente de la manera en que un día se miró. Los grandes maestros nos han mostrado el mundo con nuevos ojos, nuevas creencias y nuevos pensamientos. El reto para nosotros es volver a intentar de alguna manera, reinventar la apariencia de las cosas. El reto es sorprender y que nos sorprendan, hablamos de sorprender a la mente, a mentes que no son fáciles de sorprender. Llamemos vocabulario a lo que conforma la obra, a su estructura. Esa forma personal de decir lo que se dice. Si entendemos bien de qué tratan las imágenes de los clásicos, estaremos más capacitados para entender nuestras propias imágenes. Si no sabemos de qué tratan nuestras fotografías, difícilmente van a saberlo los demás, y si los demás no pueden acceder a saber de qué tratan nuestras imágenes, es que aún no somos fotógrafos. Si un fotógrafo no hace buenas fotografías es que aún no lo es, aún no ha aprendido a ver con una cámara. No vemos con los ojos sino con el cerebro. Los ojos no son más que el objetivo de la cámara. Esa es la razón por la que ver es un fenómeno complejo. Cuando miramos algo, todo estalla:
memoria, creencias, conocimiento, sentimientos…, nuestra formación, todo junto y mucho más, una especie de catarsis que debe resolverse. Se trata de cambiar viejos hábitos para otros nuevos. Mirar fotográficamente no es difícil si conseguimos romper con antiguos prejuicios enquistados, se trataría de romper las cadenas que nos atan, de desintoxicar nuestra mirada y apostar por la salud visual.
Cita Ralph Eugene Meatyard: Ralph Eugene Meatyard hizo una gran parte de su obra en el jardín de su casa en fines de semana. Formato cuadrado, de nuevo miramos el mundo en ángulo recto… Ralph Eugene Meatyard - Interesado en lo extraño y lo simbólico, con raros contenidos y una puesta en escena (niños enmascarados, muñecos mutilados, casas abandonadas) respondiendo siempre a una sesuda reflexión intelectual. “Trabajo en varios grupos diferentes de imágenes que actúan unas con otras, pasando por varias maneras abstractas a una forma de lo surreal. He sido llamado predicador, pero en realidad soy generalmente más filosófico. Nunca he realizado una fotografía abstracta sin contenido. Un educado fondo Zen influencia todas mis fotografías.” Con el nacimiento de su primer hijo, con 25 años, se compró una cámara para hacerle fotos. Se unió al Lexington Camera Club y a la Photographic Society of America. En el club se encontró con Van Deren Coke que sería una gran influencia en sus trabajos y con el que realizó la exhibición Creative Photography. La experiencia le gustó y a mediados de los 50 asistió como alumno para perfeccionar su técnica a algunos talleres de verano cuyos profesores eran Minor White (que también le introdujo en el zen) y Henry Holmes-Smith (del que aprendió a experimentar y a no tenerle miedo al riesgo). Continuó con su trabajo fotográfico, generalmente en los días de fiesta, en su cuarto oscuro en su casa, hasta su muerte en 1972. Su acercamiento a la fotografía era improvisado e influenciado muy fuertemente por la música de jazz de su tiempo. Cuando hacía fotos no era precisamente tradicional: reclutaba a sus hijos y amigos y los metía en bosques o edificios abandonados, enmascarándolos de tétricos animales humanoides, retrataba a muñecos mutilados, escenificaba escenas que, decía, nacían de sus sueños en vigilia. Galería Reportaje
Cita Guy Bourdin: Edward Meatyard hasta Guy Bourdin, desde Alfred Eisenstaedt hasta John Cohen? En realidad, no es necesario pertenecer al elenco de los elegidos, ya que la fotografía es un medio excelente para escribir nuestro diario, nuestro día a día, para conformar nuestro álbum. Guy Bourdin - Fue un fotógrafo de moda con gran talento y fuerza, evidentes incluso en sus primeras obras. Compartió con Helmut Newton el gusto por la controversia y la estilización. La fuerza narrativa de sus imágenes ha excedido de los límites de la fotografía publicitaria convencional. Rompiendo las expectativas y cuestionando los límites, Bourdin sentó las bases para un nuevo tipo de fotografía de moda. Era exigente, maniático, inconformista, cruel con las modelos y estaba rodeado de tragedias personales: madre maltratadora, esposa y novia suicidas. Su manera irreverente y sin convenciones de retratar ha influido decisivamente en la imagen contemporánea: Madonna plagió fotos de Bourdin en un vídeoclip. Afirmaba que "los únicos retratos honestos son los de personas muertas o inconscientes" y quizá no le falte razón: todo lo demás, peor o mejor ejecutado, es pose, manierismo y afectación. Autodidacta como fotógrafo y, según quienes trabajaron a sus órdenes, exigente hasta la tiranía, Bourdin fue un impecable creador de sets y ambientes en el estudio, pero también trabajaba con comodidad al aire libre. Sus fotos son reconocibles a primera vista por los colores hipersaturados y las composiciones inesperadas en las posturas de las modelos, a las que nunca retrató con la intención de embellecer, sino de perturbar. Casi todas parecen víctimas de un accidente.
"El irreverente Guy Bourdin barrió de un sólo golpe con todos los estándares de belleza y moral convencional", dice la comisaria de la exposición Ingo Taubhorn, que atribuye al fotógrafo la cualidad de "perturbar" el cuerpo de la mujer, adoptar visiones "indiscretas, feístas y fragmentarias". Galería Documental
Cita Alfred Eisenstaedt: Edward Meatyard hasta Guy Bourdin, desde Alfred Eisenstaedt hasta John Cohen? En realidad, no es necesario pertenecer al elenco de los elegidos, ya que la fotografía es un medio excelente para escribir nuestro diario, nuestro día a día, para conformar nuestro álbum… Alfred Eisenstaedt - Es muy conocido por su fotografía de la celebración del Día de la victoria sobre Japón y por sus imágenes espontáneas. Lo más importante, sus fotografías son un testimonio de acontecimientos transcendentales y personas clave, que a su vez, dieron forma al mundo contemporáneo. "Sueño con que algún día el paso entre mi mente y mi dedo ya no será necesario. Y simplemente mediante el parpadeo de los ojos, podré hacer fotos. Entonces creo que, realmente, me habré convertido en un fotógrafo". - Alfred Eisenstaedt "Lo más importante no es apretar el obturador, sino congeniar con el motivo" - Alfred Eisenstaedt En la primera parte de su carrera, la gran variedad de trabajos que realizó incluyeron captar imágenes de los encuentros de la alta sociedad, conciertos de music clásica, o celebridades como Marlene Dietrich y George Bernard Shaw. Cubrió las más extrañas y cómicas situaciones como en una ocasión en las que fotografió a unos camareros en el resort suizo de St. Montz
aprendiendo a servir bebidas mientras patinaban. Sus encargos también incluyeron fotografiar a Adolf Hitler y a otros líderes nazis en su ascenso al poder. Durante la Segunda Guerra Mundial, Eisenstaedt fotografió historias que reflejaban el impacto de la guerra en el pueblo americano. Una de ellas, de 1944, fue una serie de imágenes mostrando a soldados americanos dando emocionadas despedidas a esposas y novias en la Estación Pennsylvania de Nueva York. En el año siguiente, Eisenstaedt cubrió las consecuencias de la guerra. A principios de 1946, pasó cuatro meses en Japón y tomó fotografías de las ciudades devastadas de Hiroshima y Nagasaki. Esas fotografías incluían un conmovedor retrato de una madre y su hijo en frente de una ciudad desolada por la bomba nuclear. Después de la guerra, Eisensteadt continuó con su ocupada agenda de trabajos para Life. Fotos de Albert Einstein, John F. Kennedy, Ernest Hemingway y Winston Churchill intercaladas con numerosos viajes de trabajo enfocados en fotografiar a la gente normal en sus vidas diarias. Galería Alfred Eisenstaedt BBC Master Photographers (1983)
Cita John Cohen: Edward Meatyard hasta Guy Bourdin, desde Alfred Eisenstaedt hasta John Cohen? En realidad, no es necesario pertenecer al elenco de los elegidos, ya que la fotografía es un medio excelente para escribir nuestro diario, nuestro día a día, para conformar nuestro álbum…
John Cohen - Hace ya más de cinco décadas que John Cohen (Nueva York, 1932), llevado por la fascinación del Perú, inició como fotógrafo, músico y cineasta sus exploraciones de los pueblos, las culturas y los paisajes del país andino fotografiando a sus gentes, filmando sus vidas y costumbres y registrando su música. La documentación fotográfica y los registros musicales de sus repetidos viajes, hoy archivados en el Smithsonian Institute, son tan abundantes que no han podido todavía ser publicados en su totalidad. John Cohen fue miembro fundador de los New Lost City Ramblers. Algunas de sus mejores imágenes conocidas documentan la escena expresionista abstracta centrada en Cedar Bar de Nueva York; donde actuaban diversos artistas emergentes, como la llegada del joven Bob Dylan a Nueva York, los escritores de la Generación Beat durante el rodaje de la película de Robert Frank y Alfred Leslie Pull My Daisy y los músicos folk de los Apalaches. Su visión fotográfica se formó antes de que hubiera galerías de fotografía. En ese momento el único trabajo de un fotógrafo se encontraba en el fotoperiodismo o en la publicidad, y no era esto lo que quería hacer. En su lugar, hizo sus propias fotografías personales, así como documentación de cosas que eran importantes para él: en su mayoría artistas y músicos. Sus investigaciones fotográficas lo llevaron a los Andes y a los Apalaches, donde fotografió músicos tradicionales en sus propios lugares de origen. Galería Web Filmmaker John Cohen on the Mead Film Fest
Cita Peter Beard: Jacques Henri Lartigue lo supo desde muy pronto, y quizás también, Bernard Plossu, Peter Beard, o Nan Goldin, quien quizás sea tan famosa, entre otras cosas, por habernos mostrado su mundo con la profundidad y la calidad autobiográficas de Henri ToulouseLautrec. Cita Peter Beard - El fotógrafo, coleccionista, diarista y escritor de libros Peter Beard ha convertido su vida en una obra de arte; los diarios ilustrados que escribió desde muy joven
evolucionaron hacia una seria trayectoria como artista y le valieron un lugar destacado en el mundo del arte internacional. Fue retratado por Francis Bacon, pintado por Salvador Dalí y realizó diarios con Andy Warhol; se fue de gira con Truman Capote y los Rolling Stones; a todos ellos les da vida, literalmente y en sentido figurado, en su obra. Como fotógrafo de moda, se llevó a estrellas de Vogue como Veruschka a África y se trajo a otras, entre las que destaca Iman, de vuelta a EE. UU. Fue testigo del comienzo de la explosión demográfica de Kenia, que puso en jaque los recursos limitados del país e hizo mella en la fauna autóctona, especialmente entre los elefantes de Tsavo, los cuales, famélicos, fallecieron por decenas de miles en un territorio crecientemente desbrozado y baldío. Documentó lo que vio con diarios, fotografías y collages. Fue a contracorriente con la publicación de libros únicos y a veces escandalosos sobre esos temas. Puso los cadáveres sobre la mesa, consignando con detalle cada dato, a veces a máquina, a menudo a mano. Beard utiliza sus fotografías como un lienzo sobre el que fija hojas de contacto de múltiples capas, impresos diversos, objetos encontrados, recortes de periódicos que embellece laboriosamente con su meticulosa letra manuscrita, pinturas inspiradas en grandes maestros y, a menudo, bandas de sangre animal utilizadas como pintura. Galería Web Peter Beard Video
Cita Nan Goldin: La cámara nos convierte en los auténticos protagonistas de nuestra obra si entendemos que la fotografía también es un extraordinario cuaderno de notas, de apuntes, comentarios, renglones... Jacques Henri Lartigue lo supo desde muy pronto, y quizás también, Bernard Plossu, Peter Beard, o Nan Goldin… Nan Goldin - En 1976, Nan se mudó a Provincetown junto con David Armstrong y la pareja de éste. Ahí conocieron a Cookie Mueller. Esta actriz se convertiría en una protagonista importante
de la vida y la fotografía de Goldin. Mueller murió a causa de complicaciones derivadas del Sida en 1989 [7] y Nan publicó en 1991 el libro Cookie Mueller. Para entonces la vida de Nan Goldin deambulaba entre el consumo de drogas, la polivalencia sexual y la conformación de un círculo de amistades con el que la fotógrafa buscaba, desesperadamente, llenar el vacío de una familia propia. A partir del verano de 1976, Nan Goldin comienza a registrar la existencia de su círculo más cercano. Siempre con la cámara en la mano, el dispositivo se convierte en parte integral de Goldin quien fotografía todo y a todos. Nan atrapa en diapositivas las conversaciones más banales, fiestas, amigos en el baño o teniendo sexo, drogándose o simplemente pasando el rato jugando Monopoly. Hacia 1978 Goldin se muda a la ciudad de Nueva York y renta un loft en Bowery. Es una época de excesos y fiestas sin parar. Para entonces, Goldin acumula un número importante de fotografías, el diario visual y público de la fotógrafa. Su círculo se ensancha para formar parte de la bohemia neoyorkina, poblado por artistas, intelectuales, dragqueens y todo el ecosistema cultural de Lower East Side de Manhattan. Poco a poco sus amigos fueron sugiriendo música para acompañar a las imágenes y el pase de diapositivas se convertía en una experiencia pululante donde las fotografías adquirían un nuevo sentido junto a las canciones de James Brown, María Callas, The Velvet Underground, Nina Simone o Screamin’ Jay Hawkins, entre otros. Aquellas imágenes aisladas comenzaban a cobrar un auténtico sentido narrativo. Galería Nan Goldin - The Ballad of Sexual Dependency
Cita Bill Brandt: Bill Brandt Gran angular hasta el límite aceptable para que no resulten imágenes de una estilización gratuita. Uno de los grandes fotógrafos británicos, que fue pasando de un documentalismo realmente personal de luces y sombras a un mundo…
Bill Brandt - La exposición "Sombra y luz" condensará la carrera de uno de los fotógrafos más importantes de la historia. Comenzó como asistente de Man Ray en 1930 y se convirtió en el reportero más famoso de la fotografía inglesa. Su gran virtud era encontrar frescura en lo mundano y extrañeza en la vida cotidiana. Sostenía que tras cada foto era posible y necesario encontrar el "sentido de la maravilla", una conmoción que empezase por la mirada del fotógrafo y culminase en el impacto de la imagen sobre el espectador. Con esa filosofía se enfrentó a todos los géneros —hizo fotos de los londinenses durante los bombardeos nazis, desnudos de matiz surrealista, imágenes callejeras, reportajes sobre la pobreza, retratos de artistas e intelectuales... Nacido en Alemania —padre inglés y madre alemana—, Brandt terminaría por rechazar sus raíces germánicas a raíz del nazismo y en algunas entrevistas incluso mintió sobre su lugar de nacimiento, Hamburgo, porque sentía, como aclaró más tarde, "vergüenza" de ser alemán y prefería situar su cuna en Londres. Una vez establecido como fotógrafo, no se cerró a ningún campo ("esto no es un deporte, no tiene reglas, debes intentarlo todo", decía). En 1936 editó el libro The English at Home, donde mostraba su predisposición al trabajo extensivo y en profundidad de un tema. En este caso se trataba de la vida cotidiana y familiar de los ingleses, sin hacer distinción de clases sociales. Era revelador que la portada del volumen estuviera ocupada por un grupo de personas acomodadas y la contraportada por una familia pobre. Convertido en una especie de reportero nacional, admirado por su gran humanidad y nula pretenciosidad, su estilo era inmediatamente reconocido por el público y sus publicaciones se convertían en éxito en un tiempo en que los libros de fotografía tenían muy poco mercado. Durante los bombardeos nazis a Londres, Brandt era un reportero ubícuo que se reveló como la mirada de los ciudadanos de a pie. Galería Web Bill Brandt BBC Master Photographers (1983)
Cita Herbert List: Recordaríamos el sueño del profesor protagonista de esa obra maestra del cine, Fresas Salvajes de Ingmar Bergman ¿Qué diremos de ciertas fotografías de Herbert List, de la extraordinaria obra de Ralph Gibson? Herbert List - No es mencionado en las historias mundiales de la fotografía al uso; ni en la americana de Naomi Rosenblum, ni en la francesa dirigida por Michel Frizot aparece su nombre. Y, sin embargo, Herbert List es un creador de una especial modernidad. ¿A qué se debe esta ausencia, esta falta de atención sobre este gran fotógrafo?
En alguna ocasión se ha comparado con otro marginal, el pintor De Chirico; no sólo porque las fotografías de Herbert List pueden poseer, como en el caso del artista mencionado, un carácter inquietante, sino porque ambos se sitúan fuera del tiempo, como al margen de calificaciones y tendencias. Son ante todo la expresión de un mundo propio y personal. Pero, ¿cuál es exactamente el mundo de Herbert List? éste, procedente de una familia acomodada y con una gran cultura, es fundamentalmente un esteta que escogió la fotografía para autoexpresarse; ésta es la clave para introducirnos en su obra. En los años treinta, cuando se inició como fotógrafo, la fotografía era fotoperiodismo, era nueva objetividad, era los ensayos de la vanguardia y él participó de todo este mundo. Las fotografías de Herbert List son la expresión de un mundo imposible y perdido: una melancolía. Incluso en un trabajo que a priori se calificaría de fotoperiodismo, como la serie dedicada a Múnich, arrasada por los bombardeos después de la Segunda Guerra Mundial, la sensibilidad de List es la misma que cuando fotografía las ruinas griegas, la de un esteta; no capta tanto un evento, una actualidad o los efectos de los bombardeos como una nostalgia. Y más, parece que al final de su vida. Galería Herbert List. Pre-deportation photos of Crimea
Cita Alfred Stieglitz: Walker Evans Ciertamente la obra de Walker Evans representa una tremenda ruptura con toda la fotografía estilizada y con pretensiones de arte que imperaba en la fotografía norteamericana liderada por el fotógrafo Alfred Stieglitz. Alfred Stieglitz - Desde muy pronto, Stieglitz dejó patente su obsesión por conseguir que la fotografía gozase de un reconocimiento dentro de las Bellas Artes. Esta pasión, culminada por O’Keeffe, nace desde que Stieglitz regresara a Estados Unidos tras su ampliación de estudios en Europa, y comenzara a retratar la vida de las calles y gentes de Nueva York. Todo con el fin de demostrar que la cámara era el vehículo apropiado para captar esa era maquinal, de capturar la belleza escondida en un mundo industrial macizo, de reducir y saltear cualquier imposibilidad, de ver el futuro, de divisar entre umbrales. Como ejemplo podemos rescatar la imagen de 1910 titulada La antigua Nueva York y la nueva. En ella la ciudad nueva se dibuja a través de la antigua; es un contraste que deviene esperanza, un anhelo que puede advertir su giro posterior. Obras como Sol y sombra-Paula, de 1989, ya anuncian ese gusto por el contraste, por el enigma de dos versiones, de dos mundos, el visto y el imaginado, el real y el ideal, el pictoricista, el directo, el soñado, el figurado. Son maniobras de acercamiento y distancia, como sus Equivalentes, auténticas demostraciones de que la buena fotografía lo es independientemente de su temática. él mismo reconocía moverse bajo la imperiosa necesidad de convertir lo que le afecta en un equivalente imperecedero, “pero lo que yo retrato tiene que ser tan perfecto en sí mismo como la experiencia que ha provocado el sentimiento de haberme emocionado”. Galería Historia de la Fotografía - Alfred Stieglitz: La Fotografia como Arte
Cita Martir Parr: Ahora que ya lo sabemos, también sabremos mirar fotografías atendiendo a este elemento que una gran parte de la fotografía lo ha tratado como invisible, pero que para algunos fotógrafos es la razón de sus imágenes. Hay muchos ejemplos sobre los que siempre insistir: Shelby Lee Adams, Martir Parr…
Martir Parr - "Si le das al mundo historias tristes y deprimentes, nadie va a escucharte, o esa es la sensación que me da. Por eso, intento que mis fotos sean brillantes y coloridas y, con un poco de suerte, aceptablemente buenas" — Martin Parr. Martin es reconocido internacionalmente por su particular acercamiento a la fotografía de documentación social. Desde sus comienzos, que datan aproximadamente de los años setenta, ha mostrado una mirada diferente al resto de su generación: irónica, humorística y a veces incluso incómoda, pero a la vez corriente y cercana a la cotidianidad de la vida. Cuando se le pregunta de dónde salen las ideas de sus fotos, él solo asegura que es “una persona entrometida”. Y es que, si hay algo que caracteriza a su técnica es el sentido del humor. Para él, es el modo de salvarse del ridículo y la decadencia en nuestra vida diaria. Hoy en día, a pesar de sus cientos de exposiciones, publicaciones y prestigiosos premios, sigue reflejando en sus trabajos esa mirada “normal” que siempre descubre algo diferente, a veces hasta ridículo, en la simple cotidianidad. A veces sus fotografías se mal entienden. Si bien él solo toma y muestra el momento, se le ha acusado de tener un humor demasiado satírico, al que le gusta mostrar, para ridiculizar, las excentricidades de los lugares. “Hasta cierto punto, he sido mal entendido. Pero no me preocupa, porque hace que la gente mire mi trabajo. No me importa lo que la gente escriba o diga. Estoy muy relajado”. En resumen, Parr adora registrar los absurdos mundanos que hacen a Gran Bretaña encantadora y extraña. "Parte de lo que he hecho es hacer que el aspecto cotidiano sea más interesante", dice. Galería Web Video Martir Parr
Cita Clarence John Laughlin: Clarence John Laughlin Hizo una fotografía en 1939 que tituló Poseído por el pasado. Sí tenemos curiosidad, podemos tratar de encontrarla en algún libro o en algún lugar de internet. “No empecé como fotógrafo, sino como escritor … este hecho ha inspirado y dado color a algunos de mis conceptos” Su niñez dentro de un entorno cultural del sur y su interés por la literatura influenciaron fuertemente su trabajo. Laughlin era un niño introvertido con pocos amigos y una relación muy cercana con su padre, que le alentó su amor por la literatura y cuya muerte en 1918 destrozó a su hijo. Aunque no terminó sus estudios era un hombre educado y muy culto. Su vocabulario y amor a la literatura son evidentes en los subtítulos con los que acompañaba sus fotografías. Quería ser escritor y escribió inicialmente muchos poemas e historias en el estilo del simbolismo francés, la mayor parte de las cuales han quedado inéditas. Comenzó a trabajar como fotógrafo de arquitectura de forma independiente y fue empleado posteriormente por agencias tan variadas como Vogue Magazine y el gobierno de los E.E.U.U. , teniendo problemas con ambos, por lo que, después de eso, trabajó casi exclusivamente en proyectos personales utilizando una amplia gama de estilos y de técnicas fotográficos, desde abstracciones geométricas simples de características arquitectónicas a elaboradas alegorías utilizando modelos, trajes y escenografía. Muchos historiadores acreditan a Laughlin como el primer fotógrafo surrealista verdadero de los Estados Unidos. Sus imágenes son a menudo nostálgicas, influenciado por Eugene Atget y otros fotógrafos que intentaron capturar paisajes urbanos en fase de desaparición. Galería Documental
Cita Alexander Rodchenko: Alexander Rodchenko La visión de Alexander Rodchenko no es la que Andrea Mantegna hubiese plasmado. La vista de pájaro de muchas de las fotografías de Rodchenko no es la de un artista renacentista… Alexander Rodchenko - Alexander Rodchenko es uno de los tantos ejemplos de artistas rusos que desde sus propios movimientos, previos a 1917, se suman con entusiasmo a la nueva experiencia revolucionaria. Inicia sus estudios y actividad como pintor aunque también experimenta diferentes técnicas como el collage, que toma de la escuela de la Bauhaus, cartelismo, diseño, pequeñas esculturas y películas pero a lo largo de su vida tendrá más afinidad por la fotografía. Es un gran innovador, fundamental representante de las vanguardias soviéticas y de ideas bolcheviques. Antes de la revolución de octubre transita el futurismo, esto se nota en fotos posteriores a la revolución. La máquina símbolo de la modernidad, la geometría, la disposición de los objetos en el campo de trabajo, la línea articuladora del espacio, la repetición como creadora del ritmo y movimiento. Un arte ligado a la industria y despegado de la tradición. Un arte objetivo, ni descriptivo, ni narrativo. El fotomontaje es una influencia que toma de la Bauhaus, los dadaístas y otras vanguardias europeas. Un nuevo lenguaje que lo atrae mucho y será este el motivo que lo lleva a dedicarse por completo a la fotografía. Galería Graphic Design Pioneer—Alexander Rodchenko Russian Constructivist
Cita Lisette Model: Lisette Model ; Pudo influir la mirada de Lisette Model en la obra de Diane Arbus, veinte años más tarde?...
Lisette Model - Se regía por un lema: "Fotografía con el estómago". Una máxima que marcaría su trayectoria y que transmitió a sus alumnos durante su carrera como docente en Estados Unidos, de la que nacerían figuras como Diane Arbus, Bruce Weber o Larry Fink. Model no recibió jamás una sola clase de fotografía, pero siguió el consejo de uno de sus compañeros de oficio, Rogi André: "fotografía sólo aquello que te atraiga, aquello que te interese". Deja fuera una serie de reportajes "que se aleja de su forma de fotografiar" y que la artista realizó en torno a 1953 mientras era investigada por el Comité de Actividades Antiamericanas, durante la Caza de Brujas, cuando "el miedo la atenaza y sus imágenes no son tan directas". Esa mirada, siempre nítida, se completa con piernas a la carrera captadas casi a ras del suelo, en la frenética serie Running Legs, y con Pedestrians, peatones fotografiados en contrapicado. En un tiempo en el que crecían los totalitarismos y el antisemitismo, esas primeras imágenes de Lisette Model, de familia judía, "son una crítica social a esa burguesía que se refugió en la Costa Azul y que cerró los ojos ante los problemas que surgían en Europa". En el paseo marítimo o en la playa, estas instantáneas confirman la atracción de Model "por las cosas grandes y por los cuerpos voluminosos, de los que la artista, lejos de mostrar como monstruosos, quería destacar su personalidad". Lisette Model se dejaba fascinar por las personas, por la gente, y así lo demuestran otras de sus series norteamericanas, en la salida de la ópera de San Francisco, en las calles de Lower East Side, en Coney Island o en el Sammy's Bar de Nueva York, donde se adentra en el jazz, en el mundo del espectáculo y en la atmósfera de los bares nocturnos. Galería Documental
Cita Paul Outerbridge: Paul Outerbridge Podríamos encontrar un autorretrato de Paul Outerbridge que quizás hubiera podido gustar a Cindy Sherman? Son preguntas que vamos dejando en al aire y que quizás en algún momento, algún día, nos apetezca reflexionar sobre ellas… Paul Outerbridge - Fue un fotógrafo comercial y de modas, un pionero y un maestro de la fotograf ía en color, y un artista que creó fotografías de desnudos eróticas que no pudieron ser exhibidas en su vida. En su adolescencia, trabajó como ilustrador y diseñador de escenografías teatrales y esquemas de iluminación. Vívidos estudios desnudos en color de Paul Outerbridge incluyen principios fotos fetichistas y fueron considerados demasiado indecentes como para encontrar una amplia aceptación pública. Un escándalo sobre su fotografía erótica, lo llevó a retirarse como fotógrafo comercial y trasladarse a Hollywood en 1943. A pesar de la controversia, Paul Outerbridge siguió contribuyendo con fotos para revistas y escribir su columna mensual. sus primeras fotografías se centraron en abstracciones de estilos de vida, con objetos comunes como tazas, bombillas, botellas de leche, piezas de maquinaria y huevos. Trabajó como fotógrafo comercial, principalmente de moda, siendo conocido por la alta calidad de sus ilustraciones en color, realizadas por medio del proceso tricolor carbro, que era extremadamente complejo. “Una diferencia muy importante entre la fotografía de color y la monocromática es que, en blanco y negro sugieres, en color expones, muestras. Mucho puede ser implicado por la sugerencia, pero la exposición pide certeza… absoluta certeza.” Galería Video
Cita Cindy Sherman: Paul Outerbridge Podríamos encontrar un autorretrato de Paul Outerbridge que quizás hubiera podido gustar a Cindy Sherman? Son preguntas que vamos dejando en al aire y que quizás en algún momento, algún día, nos apetezca reflexionar sobre ellas. Cindy Sherman - Entre los logros más reconocidos de Cindy Sherman se encuentra el ser la autora de varias de las fotografías más caras de la historia, donde ella misma hace de modelo, maquilladora y fotógrafa. Cynthia Morris Sherman, más conocida como Cindy Sherman, es considerada una referencia en la fotografía de posguerra de Estados Unidos. Esta fotógrafa, directora de cine y artista americana ha expuesto su trabajo durante más de 30 años en las salas del Museo de Arte Moderno, algo que muy pocos consiguen. Nacida en una familia muy ajena al arte, demostró desde pequeña una afinidad a la creatividad que sacaba a la luz a través de sus disfraces. Con tan solo 12 años ya hacía de anciana junto a su amiga de infancia Janet Zink. Al crecer, con el apoyo de sus padres decide estudiar arte en el State University College de Buffalo, Nueva York. Allí se inicia en la pintura, carrera que abandonó más tarde para dedicarse al estudio de la fotografía. Sherman sentía que la pintura era solo una imitación insuficiente para desarrollar sus grandes ideas. No conectaba con ella de la misma forma que lo hacía con otros pintores, mientras que con la fotografía podía expresarse totalmente sin ningún tipo de limitación.
A pesar de que la mayoría de las imágenes son propias, éstas no son consideradas autorretratos. Son una vía para presentar distintos temas de la modernidad de esa época, así como una forma de representar el papel de la mujer y de los artistas en la sociedad, los medios de comunicación y el arte. De sus primeros trabajos destacan las series “Bus Riders” y “Murder Mistery People”, donde Cindy escenificó a supuestos autores de un crimen o ciudadanos comunes que utilizaban el transporte público de Nueva York. Más adelante realizó la serie “Complete Untitled Film Stills”, una de las más importantes de toda su carrera, que creó entre 1977 y 1980. Todo el proyecto tenía un aspecto parecido a fotogramas de cine gracias al atrezo, la vestimenta y algunos planos muy utilizados en el cine negro. Cada fotografía es una actuación que lleva a cabo Cindy, se pone en la piel de mujeres reales en su papel diario: la actriz, la ama de casa, la mujer que llora, la mujer en estado de peligro, la prostituta, la bailarina, la manipuladora, la estudiante, etc. Interpreta cada uno con un sentimiento profundo, como si fuese ella misma en la realidad. Galería Video Cindy Sherman
Cita Tina Barney: Weegee no sólo renunció a esa moral original y de la que probablemente nunca había oído hablar sino que mostró el camino a muchos fotógrafos entre los que probablemente se encuentren Diane Arbus, Tina Barney, Tina Barney - Su trabajo se centra en un pequeño microcosmos social, el de su propia familia, que de esa manera se convierte en un escenario de doble sentido para la autora: lugar de desenvolvimiento personal e introspección sociológica. Este segundo aspecto viene dado de una manera implícita; es decir, se trata de algo que surge de las propias imágenes, más que de la adopción de un punto de vista crítico por parte de la autora. Tina Barney, en efecto, se halla perfectamente integrada en ese ámbito y por ello comparte protagonismo en sus imágenes junto al resto de sus familiares. En este sentido su trabajo no se encuentra lejos de esas fotografías familiares a que tan aficionada ha sido siempre la alta burguesía, después imitada y
generalizada, como siempre, por las clases sociales inferiores. También José Luis Guerin hubiera podido reinventar su Tren de sombras a partir del álbum familiar de Barney. La inmediatez de la instantánea que recoge escenas cotidianas se combina a la perfección con determinadas estrategias formales: encuadres muy cuidados, desenfoques o empleo de grandes formatos que ahondan el sentido escenográfico de aquéllas; un sentido que los propios espacios poseen por sí mismos. El resultado es un “teatro de la conducta” como la propia autora define su trabajo, que también podríamos traducir como de “los modales”, habida cuenta de la relevancia de éstos en el marco social descrito. Un álbum de familia que es sinécdoque de toda una clase social, un ámbito confortable que sin embargo deja traslucir cierta desazón a través de las expresiones de los rostros de sus protagonistas. Galería Web Artist’s Perspective: Tina Barney: The Europeans
Cita Helmut Newton: Weegee no sólo renunció a esa moral original y de la que probablemente nunca había oído hablar sino que mostró el camino a muchos fotógrafos entre los que probablemente se encuentren Diane Arbus, Tina Barney, o Helmut Newton… Helmut Newton - Helmut Newton consideraba que su principal trabajo como fotógrafo de retratos era “seducir, divertir y entretener”. A los 16 años comenzó su carrera que terminó convirtiéndole en uno de los autores de referencia de la fotografía contemporánea y revolucionario de la fotografía de moda desde mediados de la década de 1970 en adelante. Retratos comienza con una conversación entre Newton y la escritora y comisaria Carol Squiers en la que el fotógrafo desvela algunas de las claves que inspiraban su creación artística. En esta entrevista Newton habla de algunos de los temas que más le han interesado en su carrera
fotográfica, como la prostitución o la pornografía; de sus series más polémicas como la de las mujeres vestidas con corsé ortopédico; de su aproximación a la fotografía de moda, el desnudo y el retrato, los tres pilares que marcaron su carrera. se recoge ese estilo que retorcía y alteraba los límites de la representación de la mujer tan característico del autor, y lo hace a través de 200 retratos entre los que se incluye una “sección personal”, a la que pertenecen una serie de retratos en blanco y negro de diferentes épocas. Desde imágenes de juventud en Berlín en el estudio de Yva, importante fotógrafo de moda de la época con el que Newton se formó, a imágenes de la década de los 80. Este álbum personal se completa con cuatro retratos de Newton con diferentes médicos que le atendieron en diferentes momentos de su vida y que luego se convirtieron en sus amigos. Como el mismo confiesa en la entrevista: “Amo a los médicos. Soy un hipocondriaco y en el momento en que siento que hay algo que no va bien, corro a ver a un médico, como si se tratara de un coche, quiero que me pongan a punto lo antes posible para poder continuar con mi vida”. Su aproximación al retrato supuso una auténtica revolución y un reto para todo aquel que se ponía frente a su cámara. Como señala Carol Squiers: “Como todo retratista hábil, Newton se convertía en parte esencial de su ecuación expresiva y además poseía una enorme ventaja ya que era capaz de inducir a los sujetos para que fantaseasen y se imaginasen a si mismo desde la mirada de Newton”. Galería Web Helmut Newton reveal the secrets behind their images.
Cita Erich Salomón: Weegee no sólo renunció a esa moral original y de la que probablemente nunca había oído hablar sino que mostró el camino a muchos fotógrafos entre los que probablemente se encuentren Diane Arbus, Tina Barney, o Helmut Newton, fotógrafo que nunca se cansó de proclamar su admiración por la obra de Weegee (y por la de Erich Salomon. Erich Salomón - En los años de posguerra, la fortuna de la familia se desvaneció en las tormentas inflacionarias que devastaron la economía alemana, y Salomon se vio obligado a vivir de su ingenio. Fundó un servicio de alquiler de motocicletas eléctricas. La empresa fracasó, pero se ofreció a dar asesoría legal y financiera gratuita para los clientes de coches de alquiler mientras gestionaba el servicio de atención de la editorial Ullstein y, en 1925, se le ofreció un trabajo en su departamento de promoción. En Ullstein, Salomon inmediatamente quedó fascinado por la
fotografía, y pronto comenzó a disparar fotos para los periódicos de Ullstein. Después de experimentar y dominar la técnica de grabar en interiores con luz existente, Salomon no tuvo problemas para convencer a Ullstein para dejarle hacer el reportaje en un juicio por el asesinato de policía para Berliner Illustrierte. Cualquier fotografía tomada en la sala del tribunal, donde la fotografía estaba prohibida, habría sido una primicia importante para el periodico pero las de Salomon eran extraordinarias. Salomon había logrado tomarlas al ocultar su cámara en un sombrero de jugador de bolos y cortar un agujero para el lente. En el último día, cuando un asistente de la corte finalmente se dio cuenta de lo que estaba haciendo y le exigió sus negativos, Salomon recurrió a un truco que utilizaba una y otra vez. Le entregó las planchas no expuestas, actuó arrepentido, y se fue con los expuestas todavía en los bolsillos. En 1928, sólo un año después de que él se había interesado en la fotografía, se puso en marcha la carrera de Salomon. Salomon pronto cubrió otro sensacional juicio por asesinato. Esta vez, Salomon ocultó su Ermanox en un maletín equipado con un intrincado conjunto de palancas para accionar el obturador. Cuando estas imágenes se publicaron ampliamente en toda Europa, dejó su posición personal en Ullstein para convertirse en un profesional de tiempo completo. Debido a su tenaz persistencia y resultados espectaculares, Salomon encontro cada vez menos barreras para su presencia en ámbitos en los que se excluyen todos los otros fotógrafos. De hecho, muchos fotografiados comenzaron a desarrollar una aceptación con buen humor de su ubicuidad. Erich Salomon, su esposa y su hijo menor murieron en Auschwitz en julio de 1944, un mes después de que los aliados desembarcaron en Normandía. Galería Erich Salomon the Photojournalist
Cita Martín Chambi: Nos preguntamos por ejemplo de dónde obtuvo Irving Penn su vocabulario. Velázquez, Goya, Van Dyck? ¿Las fotografías de Martín Chambí en su estudio de Cuzco? ¿Lecturas que cambiaron su vida? Y así sucesivamente. Martín Chambi - Chambi no es un ingenuo ni un nativo desinformado, tampoco "otro colonizado más" que mimetiza el progreso y la mecánica del dominante, sin disecar nunca en la parálisis quirúrgica de la representación etnográfica los escenarios, las costumbres, las fiestas, los credos, los oficios, los trajes, las grandezas y miserias de su maltrecho pueblo. Al contrario, en su estudio de fotos de encargo, para el que se publicita con un nuevo retratista "tipo Rembrandt", aprende técnicas, improvisa otras, monta artefactos, corre y descorre un juego de cortinas inventado que tamizan sol y sombra, rasguña y retinta sus negativos para darles ese aspecto de hoguera interior y se codea con los intelectuales indigenistas del momento, como Uriel García o Luis E. Valcárcel, que abogan por una restitución del quechua y del incanato y le reconocen, en su labor de mostrar al indio su robado rostro, una conquista más eficaz que todas las ideologías de las que ellos puedan dotarle. Saben que lo hace con el mejor sistema, evitando el localismo anecdótico, las figuras tópicas, las vistas habituales, pero también las reivindicaciones oportunistas, para concentrarse en la simplicidad angulosa de las piedras incas. Algo, de hecho, transforma estas fotografías desde dentro, y con ellas, el mundo que acogen. Una transformación pausada, sin alardes ni fogonazos, con el fuego íntimo de lo que arde profundo, a la manera de "un corazón, inflamado en luz, derritiendo lentamente el hielo en agua", como exhorta en quechua el sacerdote a los peregrinos de Koylloriti, en la festividad que también Chambi documenta (1931), cuando los indios suben a las montañas por nieve. Para Chambi, como para todos los fotógrafos exploradores de la época, las fotografías no constituyen un relato, tienen el efecto de los hechos, son un acto, un cuerpo visible, algo que se levanta personal e innegable junto a nosotros. Ante las suyas, se podría hablar también de lo que Sallenare llamaba "certificados de presencia", se podría hablar de integridad, imantación y
materia. En el modo estremecedor, por ejemplo, con que desde su hambre y su abandono nos mira para siempre su Niño mendigo, está produciéndose esa aparición de una lejanía, ese traer aquí de una distancia -irrevocablemente respetada- en que se cifra el aura de toda imagen. En eso radica su encanto, en que Chambi otorga a sus retratados el poder de alzar los ojos para responder de frente nuestra curiosidad de espectadores bien alimentados. El niño nos contempla, nos escruta casi, con una mezcla madura y épica de reproche, desconfianza, autonomía y reserva, dotado de posibilidad de réplica por este nuevo arte de ser visto, sujeto del proceso mismo de su observación, dueño por primera vez de su propia mirada. Galería Web La mirada mágica de Martín Chambí
2. VALORACIÓN PERSONAL “Nuestras fotografías tienen que ir creando una realidad paralela, la nuestra, un discurso visual, aquel documento convertido ya en una experiencia fotográfica. Es eso lo que nuestros espectadores, nuestros lectores, quieren realmente ver: nuestra opinión fotográfica sobre el mundo” Yo – Los que ven nuestras fotografías no esperan que repitamos un discurso ya dado de aquello que fotografiamos, sino nuestro punto de vista, que pueda ser diferente a lo ya visto y trasmitido.
“La fotografía es un medio para hablar sobre el mundo pero sin disponer de una hoja en blanco sobre la que escribir o una boca con la que explicarnos.” Yo – Por ello debemos jugar con las distintas reglas de la fotografía, con la composición, con el color, dependiendo de que sintamos en ese momento podrá ser contrastada o de colores frío o cálidos. Debemos pensar en imagen y no en palabras. “Cada poco tiempo el mundo cambia, y la forma de entender la fotografía no es ajena a dicha transformación. Nuevos pensamientos modifican nuestra mirada y, con ella, el propio aspecto del mundo. La manera en la que lo miramos es diferente de la manera en que un día se miró. Los grandes maestros nos han mostrado el mundo con nuevos ojos, nuevas creencias y nuevos pensamientos. El reto para nosotros es volver a intentar de alguna manera, reinventar la apariencia de las cosas. El reto es sorprender y que nos sorprendan, hablamos de sorprender a la mente, a mentes que no son fáciles de sorprender.” Yo – Con el tiempo nuestro pensamiento sobre las cosas, los lugares y los hechos pueden cambiar, nos hacemos más maduros o tal vez más realistas, por lo cuál eso que un día trasmitimos con nuestras fotografías, en otro momento podemos verlo de otra manera o entenderlo mejor, por lo cual tenemos que cambiar nuestros métodos o puntos de vista para volver hacerlo pero con nuestros nuevos pensamientos.