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EDUARDO MOMEร E La Visiรณn Fotogrรกfica

FICHA DE LECTURA. DATOS DEL ALUMNO/A: APELLIDOS: Díaz Ruiz NOMBRE: David CURSO: 1ºA Fotografía Artística FICHA BIBLIOGRÁFICA: Autor: Eduardo Momeñe Título del libro: Visión fotográfica. Curso de fotografía para jóvenes fotógrafos Año de edición: 2009 Editorial: AUTOR-EDITOR ISBN: 9788461322435 RESEÑA DEL CAPÍTULO 1. RESUMEN Antes de que se inventase la fotografía, la representación visual de las cosas, de los lugares y de las personas, se obtenía pintando, dibujando. De hecho, cuando la sociedad formada por Nicéphore Niépce y Louis Daguerre presentó el nuevo invento de la fotografía, lo definió como el medio para plasmar las vistas que la naturaleza nos brinda sin necesitar de un dibujante.

Antes de la llegada del Renacimiento, el mundo se representaba pictóricamente en un espacio, plano, sin perspectiva, sin profundidad, era un espacio no fotográfico, un espacio ficticio. En realidad, se pintaba más lo que se sabía, que lo que se veía, se representaban más lo que se inventaba con la imaginación, que lo que se encontraba en el mundo.

Hablamos de representaciones anteriores a 1420, año en el que Filippo Brunelleschi inventó la perspectiva central en Florencia.

El Renacimiento comienza a mostrar el mundo como es. Su gran hallazgo es el descubrimiento de la perspectiva, una perspectiva producto de la razón, de la matemática. Los pintores pintan lo que ven, muestran la apariencia del mundo tal como lo vemos, tal como lo comprendemos visualmente.

La cámara oscura certificaría la visión del Renacimiento: Coloquemos la cámara a la altura de nuestros ojos…, o de nuestra cintura, a un metro de altura como adelantó Alberti, si dibujamos sobre su cristal esmerilado lo que en él está proyectado, obtendremos la visión que se consiguió en el Renacimiento. La fotografía ha sido heredera de esa manera de entender la mirada, de esa manera de situar la cámara, de esa manera de situar a alguien delante de ella.

Durante varios siglos, hemos tomado prestada la mirada del Renacimiento. Nos gusta los lugares como los pintaba Ruysdael, y las personas como las representaba Rembrandt.

Fotógrafos que han situado la cámara como lo hubiese hecho un retratista renacentista: Lewis Carroll, Julia Margaret Cameron, Nadar, Eduard Curtis, Irving Penn, Richard Avedon, Robert Mapplethorpe.

Un dato importante de recordar es que muchas de las fotografías de retratistas como Lewis Carroll o Julia Margaret Cameron, pudieron exigir un tiempo de exposición de muchos segundos, incluso minutos, la emulsión sensible no permitía una mayor velocidad, la tecnología no permitía congelar la realidad.

El Renacimiento nos ha enseñado a mirar y a mostrar el mundo con orden, a mostrar el mundo claramente, de una manera racional.

La cámara fotográfica y su antecesora, la cámara oscura son un lugar ideal para que este acto casi mágico de cercar y ordenar el espacio sea posible.

El Renacimiento no solo muestra el mundo desde un punto de vista único, si no que hace consciente nuestro individualismo, nuestra intención de expresarnos como personas únicas, de mostrar el mundo según nuestra visión consciente y personal del mismo.

La mirada es intransferible, tal como lo hubiese proclamado el nuevo hombre renacentista, a no ser que no nos fiemos de la nuestra propia y decidamos caer en el error de copiar la de otros en lugar de aprender de ellas. La mirada, no supone tan sólo cómo vemos el mundo, sino cómo lo comprendemos. La comprensión es una acción que debe suceder a la visión, y tras la comprensión de lo que vemos, estaremos más preparados para disparar nuestra cámara. La mirada que exige la fotografía es producto de un pensamiento visual, más consciente, más culta, más divertida.

Lo primero que dice un fotógrafo con sus fotografías es yo estuve aquí.

Al fotografiar, tratamos de llevar la apariencia del mundo a nuestro terreno, a lo que queremos ver, por lo que podemos ampliar la idea, diciendo al espectador de nuestra imagen: Lo que estás viendo en esta fotografía es lo que definitivamente yo quise ver cuando disparé la cámara, se trata de ver el mundo como quiero verlo en mi fotografía.

Jan Van Eyck es uno de los más grandes pintores de la historia y uno de los primeros que demuestra que el mundo puede ser mostrado más fotográficamente, y con la consciencia de la propia visión. Los pintores ya comienzan a ser artistas, ya que tienen conciencia de ello: Leonardo, Miguel Ángel, Rafael, y un largo elenco de genios.

Estamos ante uno de los momentos más apasionantes de la historia de la mirada, nuestra educación visual comenzó mucho antes de que nos interesase coger una cámara. La lógica, la facilidad, con la que vemos un autoretrato de Rembrandt, Molino

de Viento cerca de Wijk, de Jacob Van Ruysdael, no es algo que deba darse por hecho, sino que debe ser entendido como consecuencia de un aprendizaje visual.

Para hacer mejores fotografías es muy importante conocer todo lo que podamos a cerca de la mirada estética, bien se plasme en un lienzo en un trozo de piedra, en una pantalla o en papel baritado. Consideraremos el Renacimiento como la primera gran revolución de la mirada.

La fotografía fue presentada como un nuevo invento en 1839, en París, y no fue hasta prácticamente cincuenta años más tarde cuando pudo ser usada con cierta comodidad por la gente de a pie. Hasta entonces la toma fotográfica había sido una actividad costosa y complicada en manos de profesionales o de aficionados muy implicados en el nuevo medio. Fue George Eastman, el creador de Kodak quien fabricó una cámara pequeña de película en rollo y con la sensibilidad suficiente para que fuese posible captar el movimiento y congelarlo. El éxito de esta nueva manera de hacer fotografías fue absoluto, la fotografía pudo estar en las manos de miles de inexpertos fotógrafos de fin de semana.

George Eastman democratizó la fotografía de la manera en la que ahora la entendemos. La fotografía ya no se limitaba tan solo a mostrar el aspecto de las personas, sino que podía hablar de cómo sentían y cómo vivían. Dio pié a una auténtica revolución visual, se trataba de imágenes que pertenecían a otro mundo, a años luz del arte. Imágenes en manos de analfabetos visuales, cámara en mano, sin la disciplina del trípode que aseguraban la visión clásica, el orden establecido.

Aquella revolución que había sido hecha por necesidad, era desbancada por otra nueva revolución hecha para desordenar lo ordenado, una revolución para mostrar el mundo como debía ser mostrado y una contra revolución para mostrar el mundo como no debería ser mostrado.

La instantaneidad es la gran revolución de la fotografía, produce un hallazgo visual sin precedentes y pertenece a la fotografía.

El mundo puede ser mostrado en su fluir, no es necesario que se pare y pose para nosotros. Le dejamos andar y lo atrapamos sin pedirle permiso, sin que apenas se entere.

El mundo ya puede ser representado sin normas, sin las ataduras que impone la forma en el arte, sin la dictadura del arte, ya puede ser mostrado no artísticamente. Hay un nuevo interés, el interés por el testimonio, por el documento, por el recuerdo, por la memoria, por el protagonismo. Un medio que ya había obligado a la pintura a buscar otros caminos, a romper con el orden clásico. Para unos el siglo XX nacerá con el Cubismo, y para otros con la instantánea.

La posibilidad de obtener una fotografía con tiempos que parten el segundo en décimas, nos va a garantizar que nuestras fotografías no van a salir movidas.

A finales del siglo XIX y principios del siglo XX, imágenes normalmente alegres, vitales, inocentes, que muestran un mundo que siente, que actúa, que ya está vivo.

Fotografías casi siempre anónimas, no porque no conozcamos al autor, sino porque las miradas que las produjeron eran anónimas. Fotografías anti-artísticas, y que sin embargo nos entusiasman, es una parte más de la magia de la fotografía, eso que es inexpresable y que porta toda gran imagen, ese disfrute, esa complicidad con imágenes supuestamente banales, vulgares, intranscendentes, una fotografía de más de cincuenta años, por este solo hecho, adquiere automáticamente una extraña dignidad, quizás sea la del silencio y, por qué no, la de los muertos.

El Renacimiento inaugura una nueva mirada, la fotografía asume esa mirada, la fotografía rompe esa mirada y las normas que la hicieron posible, se impone una nueva mirada, las más nuevas miradas pueden incluir a Leonardo Da Vinci y a los fabricantes de instantáneas familiares, es una nueva moral artística, estamos ante un medio que nos permite crear imágenes instantáneamente. Nos deja atrapar el mundo al vuelo con un artilugio que tiene una agilidad diabólica, que puede mirar como quiera. La fotografía permite saltarse las normas de la visión clásica, vamos a encontrarnos con una cámara en nuestras manos, con nuestros ojos relacionándose con el mundo, enfrentándose a él. Quizás también estemos inmersos en un pequeño caos, en todo caso, aún tenemos mucho tiempo para ir dominando ese caos. Lo que realmente importa, y debe animarnos, es que estamos en ello, estamos en que queremos entrar más en la fotografía.

Si nuestra cámara es una réflex, una compacta o una digital, están hechas para saltar a una velocidad de vértigo y congelar la vida en una milésima de segundo.

Si es de medio formato, miraremos probablemente hacia abajo, tendremos que enfocar con cuidado, tomándonos nuestro mucho o poco tiempo. O quizás nuestra cámara es de gran formato, pesada, nos hace falta un trípode, hacemos una toma y tenemos que cambiar la placa. Nuestra cámara puede ser como un animal poco ágil, torpe para deambular por la calle, pero sí de imponente presencia. Quizás debamos quedarnos en nuestro estudio, o actuar como quien posee una Rolleiflex, cámara de medio formato, no importándonos las incomodidades, ya que conocemos los resultados, seguramente excelentes.

Una cámara de 35mm, o su diseño equivalente en digital, está hecha para “cazadores”, todo va muy rápido. Una cámara de medio formato, nos sitúa en ese terreno intermedio que sin lugar a dudas si nos permite ir por la calle, pero con algo de lastre si queremos atrapar la presa al vuelo. Estaremos más cómodos en un mundo donde el azar pueda posar y nos permita mirar hacia abajo, podremos optar por vistas de ciudades, de paisajes, o bien por nuestro confortable estudio en el que todo lo que ocurre depende de lo que realmente queremos ver. ¿Qué decir de una cámara de gran formato, de placas? Definitivamente, un buen paisaje, o de nuevo nuestro estudio, en todo caso, un buen trípode. Podríamos situarnos en Venecia, como lo hizo el pintor Canaletto, quien utilizaba una cámara oscura para definir sus futuras vistas de la ciudad…, o bien como Man Rai en su estudio. La prensa de los años 40 y 50 obtiene fotografías, cámara en mano, con

cámaras de gran formato, como vemos en las películas de Billy Wilder, y entre ellos posiblemente Weegee sea el más grande.

Las cámaras digitales carecen de revelado en cuarto oscuro, carecen de película y su aspecto ya no delata su potencial, su formato se mide en megapíxeles y los píxeles no ocupan lugar.

Los nostálgicos de todas las Rolleiflex que en el mundo han sido si pueden tener razones para preocuparse, ya que una forma de enfocar y de mirar a través de la cámara, agachando la cabeza y no mirando de frente, ese metro de altura obligado, parece irse para siempre. Qué lejos quedan las palabras de Cartier Bresson cuando se lamentaba de que el uso del flash rompía la “moral original”.

Instantaneidad es esa velocidad que permite congelar el movimiento, es esa velocidad que nos permite hacer un tipo de fotografía. Sin embargo, todas las fotografías se pueden obtener instantáneamente aunque nuestra cámara pese veinte kilogramos y necesitemos un trípode.

La instantánea es un tipo de fotografía, una manera de fotografiar, de entender la fotografía, de obtener un tipo de fotografías.

Uno de los grandes fotógrafos del siglo XX fue Weegee, eran fotografías hechas con finalidad periodística, lo que entendemos por foto-reportaje, y que por una exigencia de calidad, la cámara pequeña era desplazada por una cámara de placas… en mano, representa la grandeza del mejor y más esforzado foto-periodismo. Estas ideas sobre las que estamos trabajando deben quedarnos claras, porque ello va a ayudarnos a ir centrando nuestros intereses fotográficos.

André Kertész y Henri Cartier-Bresson, no hicieron nada diferente a lo que hacen los millones de aficionados de todo el mundo con sus cámaras compactas. Tomaron instantáneas, y con un equipo fotográfico no muy diferente, probablemente peor, del que utilizan mucho aficionados.

La mayor parte de la historia de la fotografía se ha construido de una manera muy simple, por medio de personas que han cogido una cámara y han disparado un obturador. No hay nada especial, en lo que a medios se refiere, que haga que las fotografías de los grande fotógrafos sean mejores que las nuestras, la obra de los fotógrafos que estamos viendo son imágenes que tienen algo en común entre ellas y que las diferencian de otras muchas: son producto de la pasión por la fotografía, de una dedicación plena, y de un gran esfuerzo por poseer una gran memoria visual.

Los fotógrafos debemos encontrar nuestros espacios mágicos, esos lugares, situaciones, temáticas, donde nos sintamos cómodos y nuestras fotografías parezcan surgir más fácilmente. Si decidimos crear nuestra obra, o bien trabajar profesionalmente, tratemos de cercar nuestro espacio, digamos temático. Elijamos lo que queramos ver, lo que nos gustaría en convertir en fotografías. También debemos contar con que no hay situaciones excepcionales, sino que somos nosotros quienes creamos las situaciones privilegiadas, con nuestra cámara y con nuestra mirada. Cada

fotógrafo sentirá su particular afectividad por un tema, y a ellos debe aplicarse, pero debemos saber que cualquier tema es fotográfico. Tampoco olvidemos que vemos lo que queremos, lo que sabemos, lo que comprendemos.

Las preguntas a contestar pueden ser, entre otras: ¿Qué tema elegir? Un tema, un sujeto…, ¿Cuál son nuestros temas fotográficos?, ¿Cómo plantearlo? Nuestro punto de vista cultural, ideológico, nuestras creencias, nuestros compromisos, ¿Cómo fotografiarlos?, ¿Cómo fotografiar lo que queremos fotografiar? ¿Cómo se realiza la transferencia del testimonio a la fotografía?.

Siempre hay muchas cuestiones que podemos plantearnos cuando nos enfrentamos a un proyecto fotográfico. ¿Lo llevaremos a cabo en color?, ¿gran formato?, ¿digital?, ¿luz de flash?, ¿luz natural?.

Una reflexión más tangible: ¿Nos aceptaría Time con nuestras fotografías? ¿Qué es lo que hacen esos fotógrafos que publican Time o en Life para que les publiquen sus fotografías? Una pequeña pista: en principio, hablan inglés.

No hay por qué hacer fotografías si aún no hemos encontrado el momento, no se aprende hacer fotografías tan solo haciendo fotografías, no se aprende hacer auténticas imágenes tan solo haciendo fotografías sin antes buscar un tema, hace que facilite las cosas, limita la dispersión.

La mayor parte de los grandes artistas solo han tenido una idea feliz durante toda su vida, debe ser algo que tenga cierta afinidad con nosotros… ¿Tenemos algún tema sobre el que empezar a pensar? ¿Es simple, concreto, posible? Plantear un reportaje fotográfico sobre los paisajes de la Luna no es una buena idea a no ser que podamos viajar hasta allí. Un tema nos permite no alejarnos demasiado mentalmente al fin del mundo.

Cuando vemos excelentes reportajes, también podemos preguntarnos cuáles serían los conocimientos técnicos necesarios para hacer esas fotografías, si de hecho hiciesen falta más conocimientos, no habría problema porque nuestra curiosidad e interés los obtendría.

Lartigue comenzó en 1902, fotografiando como un niño y terminó de hacerlo el mismo año de su muerte… fotografiando también como un niño.

El método de trabajo, el de un niño que quería retener para siempre momentos extraordinarios, vividos. Ello fue posible porque la fotografía había inventado un sistema que permitía crear imágenes diferentes, imágenes con un gran poder de atracción.

Lo que diferencia a Cartier-Bresson de los miles de fabricantes de recuerdos, es que Cartier-Bresson es un fabricante de instantáneas culto, es un fotógrafo de mente clásica que descubre el poder fascinante de la instantánea, pero que al mismo tiempo ha visitado el Museo del Louvre cientos de veces.

De momento, pensemos en que el esfuerzo de llevar a cabo nuestro proyecto temático, quizás se vea amplificado por el hecho de que nuestra ansiedad puede ser indirectamente proporcional al tiempo de reflexión que hayamos dado a la visión fotográfica que queremos aplicar.

Cita Louis Daguerre: De hecho, cuando la sociedad formada por Nicéphore Niépce y Louis Daguerre presentó el nuevo invento de la fotografía, lo definió como el medio para plasmar las vistas que la naturaleza nos brinda sin necesitar de un dibujante.

Louis Daguerre - Si las obras de Daguerre expuestas en los salones de pintura no tuvieron un gran éxito, en revancha, los decorados que realizó de 1817 a 1822 para los espectáculos del teatro l’Ambigu-Comique o de la Opera, atrajeron las loas unánimes de la crítica y del público. Hizo prueba en efecto de originalidad en los juegos de luz, creando la salida de la luna, o bien soles en movimiento que permanecieron en las memorias. Llevó luego el arte del decorado al rango de verdadero espectáculo asociándose con otro estudiante de Prévost, Charles Marie Bouton (1781-1853) para crear « que llevará el nombre de Diorama ». http://www.photo-museum.org Video Daguerre’s Camera

Cita Filippo Brunelleschi: 1420, año en el que Filippo Brunelleschi inventó la perspectiva central en Florencia. Poco a poco se irá sabiendo la manera de representar el espacio tridimensional en un plano, en dos dimensiones, en términos reales.

Filippo Brunelleschi - Su interés por la perspectiva lo condujo al punto de fuga, y su pasión por la arquitectura lo llevó a realizar —pese a todo— la intrépida construcción de la cripta de Santa Maria del Fiore conocida en Florencia como Il Duomo. A principios del Quattrocento, Brunelleschi dedicó mucho tiempo a la perspectiva para estudiar la estructura tangible de la pintura, es decir, su construcción espacial en el plano pictórico, la planteó mediante experimentos visuales, mostrando ese rasgo suyo de volver tangible lo intangible. http://www.revistaciencias.unam.mx

How an Amateur Built the World's Biggest Dome

Cita Alberti: Coloquemos la cámara a la altura de nuestros ojos..., o de nuestra cintura, a un metro de altura como adelantó Alberti, el trípode bien fijado, la cámara paralela al horizonte.

Leon Battista Alberti - (1404-1472), utilizó un marco de forma rectangular, probablemente su formato correspondería a las proporción áurea, el cual dividido, mediante hilos tensados, en cuadrados iguales. Sobre el lienzo reprodujo el plano de la ventana a través de la cual miraba el modelo y dibujaba sobre el lienzo lo que veía a través del visor (ventana) posiblemente fue el primero que utilizó este proceso para pintar, también utilizaron este método otros pintores como Albrecht Dürer (1471 – 1528).

Sitúate delante de una ventana, a la distancia de tu brazo, provisto de un rotulador. Sin moverte del sitio, cerrando un ojo podrás dibujar, sobre el cristal de la ventana, todas las líneas que componen los objetos o paisajes que a través de él se ven. Algo parecido imaginó Alberti. http://www.todacultura.com Alberti vs Leonardo da Vinci

Cita Ruysdael: Lo cierto y lo que realmente nos importa es que durante varios siglos hemos tomado prestada la mirada del Renacimiento. De alguna manera, todo retratista fotográfico ha tendido a querer rozar la visión y la grandeza de una Gioconda..., y continuamos intentándolo. Nos gustan los lugares como los pintaba Ruysdael.

Salomon van Ruysdael – En 1623 ya pertenecía al gremio de pintores de Haarlem, pese a que sus primeras obras datan de 1627, como su Paisaje de invierno con esquiadores, del Kunsthistorisches Museum de Viena. En esta etapa es notoria la influencia de Van de Velde, así como la de Hendrick Avercamp y Pieter de Molijn. Sus temas preferidos son los paisajes, con algunas pequeñas figuras incluidas en ellos, marinas y representaciones de ríos. Durante la década de los treinta formó parte, junto con Van Goyen, del grupo de pintores llamados «tonales». Su pintura se caracterizó entonces por una restricción cromática severa, ciñendo sus colores a grises, verdes, amarillos, marrones y azules. Sin embargo, a partir de mediados de los años cuarenta volvió a cambiar el rumbo de su trayectoria artística, introduciendo una mayor variación e intensidad en el colorido. https://www.museothyssen.org The Art Of Salomon van Ruysdael

Cita Lewis Carroll: Veamos a algunos de los fotógrafos que han situado la cámara como lo hubiese hecho un retratista renacentista..., y los cinco siglos siguientes.

Busquemos en internet estos ejemplos de fotógrafos; algunos de ellos, entre otros, son: Lewis Carroll.

Lewis Carroll - En 1856, Dodgson descubrió una nueva forma de arte, la fotografía. La técnica de fotografía que se usaba entonces era la del colodión húmedo, que exigía un gran trabajo y técnica para obtener las fotografías. Dodgson alcanzó pronto la excelencia en este arte, que convirtió en expresión de su personal filosofía interior: la creencia en la divinidad de lo que él llamaba belleza, que para él significaba un estado de perfección moral, estética o física. A través de la fotografía, Carroll trató de

combinar los ideales de libertad y belleza con la inocencia edénica, donde el cuerpo humano y el contacto humano podían ser disfrutados sin sentimiento de culpa. En su mediana edad, esta visión se transformó en la persecución de la belleza como un estado de gracia, un medio para recuperar la inocencia perdida. http://www.cadadiaunfotografo.com Lewis Carroll pictures

Cita Julia Margaret Cameron: Un dato importante de recordar es que muchas de las fotografías de retratistas como Lewis Carroll o Julia Margaret Cameron, pudieron exigir un tiempo de exposición de muchos segundos, incluso minutos.

Julia Margaret Cameron - Se valió de la técnica flou, o efecto borroso, aplicando filtros especiales en el objetivo, de ahí que sus imágenes estén envueltas en una peculiar neblina. Sus colegas de profesión rechazaron esta intencionada "imperfección" por ir a contracorriente de los avances de la fotografía. Nunca fue reconocida en vida por ellos, sí sin embargo en los círculos intelectuales más elitistas.

Cameron repetía las copias una y otra vez, hasta que se sentía satisfecha del resultado.

Jamás retocaba o ampliaba sus negativos: sacaba copias de contacto de sus enormes placas húmedas. Trabajaba convertida en una ermitaña de su profesión, descuidada al vestir, sucia en su propio trabajo (sus negativos llevan manchas y huellas dactilares) y apasionada en sus creaciones. Realizaba exposiciones de 7 segundos en placas de 30x40 cm.

“Mis aspiraciones son ennoblecer la fotografía y alzarla a la categoría de Arte, combinando la realidad con la poesía y la belleza ideal" http://www.cadadiaunfotografo.com Masters of Photography - Julia Margaret Cameron

Cita Nadar: Veamos a algunos de los fotógrafos que han situado la cámara como lo hubiese hecho un retratista renacentista..., y los cinco siglos siguientes. Busquemos en internet estos ejemplos de fotógrafos; algunos de ellos, entre otros, son: Lewis Carroll, Julia Margaret Cameron, Nadar…

Nadar - Esta cita de Félix Nadar, recogida a su vez por Beaumont Newhall en Historia de la fotografía (Editorial Gustavo Gili) está escrita en los inicios de este arte, 1856, pero no ha perdido ni un ápice de vigencia. Resulta increíble que hoy podríamos utilizar cada una de las palabras que aquí se reviven.

“La fotografía es un descubrimiento maravilloso, una ciencia que ha atraído a los mayores intelectos, un arte que excita a las mentes más astutas… y que puede ser practicada por cualquier imbécil… La teoría fotográfica puede ser enseñada en una hora y su técnica básica en un día. Pero lo que no puede ser enseñado es tener el sentimiento de la luz… Es la forma en que una luz cae sobre un rostro lo que usted como artista debe capturar. Ni tampoco puede ser enseñado cómo captar la personalidad de cada persona. Para producir un parecido íntimo, y no un retrato trivial ni el resultado de un mero azar, usted debe ponerse en comunión con esa persona, medir sus pensamientos y su carácter mismo.”

Felix Nadar fue uno de los primerísimos grandes retratistas. Capturó en su cámara a muchos de los pintores y gentes de la literatura y de las artes: Baudelaire, Gautier, Monet, Dumas, Delacroix, Julio Verne, Victor Hugo, etc. http://novadehistoria.com Masters of Photography - Nadar

Cita Edward Curtis: Veamos a algunos de los fotógrafos que han situado la cámara como lo hubiese hecho un retratista renacentista..., y los cinco siglos siguientes.

Busquemos en internet estos ejemplos de fotógrafos; algunos de ellos, entre otros, son: Lewis Carroll, Julia Margaret Cameron, Nadar, Edward Curtis…

Edward Curtis - Fue un fotógrafo y etnólogo autodidacta de Estados Unidos que captó con su cámara la vida de los nativos americanos y les dio un espacio en los libros de historia.

En 1895, Curtis hizo su primer retrato a una nativa americana: Kikisoblu o Princess Angeline (1896), una anciana, hija del jefe Seathl, que vivía precariamente en Seattle.

Este retrato le catapultó a la fama y le empujó a retratar a otros nativos.

Tras un encuentro fortuito con el antropólogo George Bird Grinnell, que le puso en contacto con algunas tribus norteamericanas, se dedicó de manera casi exclusiva durante más de treinta años a documentar gráficamente y a recopilar por escrito su cultura, con el objetivo de conservar su memoria ante la amenaza de una desaparición inminente. http://culturainquieta.com Edward Curtis's life and photography

Cita Irving Penn: Veamos a algunos de los fotógrafos que han situado la cámara como lo hubiese hecho un retratista renacentista..., y los cinco siglos siguientes. Busquemos en internet estos ejemplos de fotógrafos; algunos de ellos, entre otros, son: Lewis Carroll, Julia Margaret Cameron, Nadar, Edward Curtis, Irving Penn…

Irving Penn - lanco y negro y estudiada teatralidad. Esos son dos de los principales rasgos del trabajo de Irving Penn (1917), el "Everest de la fotografía" según Bruce Weber y uno de esos hombres que con sus instantáneas ha contribuido a construir el imaginario colectivo del siglo XX. Auténtico precursor de la fotografía entendida como arte y documento, mezcló vanguardia y moda abriendo el paso a otras figuras como Richard Avedon o Mario Testino y viajó por todo el mundo realizando fotografías, de España a Guinea Ecuatorial. Casado con la modelo Lisa Fonssagrives y hermano del cineasta Arthur Penn, Irving se mantuvo fiel a Vogue USA, cabecera con la que colaboró hasta el final de sus días. http://www.vogue.es Irving Penn Galería

Cita Robert Mapplethorpe: Veamos a algunos de los fotógrafos que han situado la cámara como lo hubiese hecho un retratista renacentista..., y los cinco siglos siguientes. Busquemos en internet estos ejemplos de fotógrafos; algunos de ellos, entre otros, son: Lewis Carroll, Julia Margaret Cameron, Nadar, Edward Curtis, Irving Penn, Richard Avedon, Robert Mapplethorpe...

Robert Mapplethorpe - Controversia y erotismo describen a la perfección a este artista, singular fotógrafo conocido por su polémica vida e increíbles fotografías en blanco y negro de gran formato.

Robert Mapplethorpe le regaló al mundo un punto de vista muy singular de lo que era para él la sexualidad, donde muchas de sus fotografías llegaron a catalogarse como pornografía.

Con su cámara Hasselblad en la década de los 70, regalo de un amigo, se dedicó por completo a la fotografía y por su lente posaron muchos amigos suyos. Entre ellos, compositores, artistas y un gran elenco de actores pornográficos y miembros de la comunidad gay y sadomasoquista.

Muchas de las fotografías de Robert Mapplethorpe impactaron a la sociedad de ese momento, por su alto contenido sexual, totalmente explícito y sin tapujos. Sin embargo, mientras muchos se escandalizaban, otros le admiraban por su gran dominio técnico.

Se movía siempre entre volúmenes, curvas, luces y sombras y destacó los fetiches utilizando metal y cuero. Por su lado, la parte artística la subrayó buscando hasta el más mínimo detalle entre la piel y la musculatura de quien posase para él. https://culturafotografica.es A 70 años de Robert Mapplethorpe. Retrospectiva en el Museo de Arte del condado de Los Ángeles The Robert Mapplethorpe Foundation

Cita Jackson Pollock: Cámara inmóvil, centrada, recta, mejor con trípode, iluminación adaptada, fondo estudiado, pose estudiada, la construcción de un espacio, una fotografía reflexiva y pausada, como si estuviésemos rellenando un lienzo en blanco..., no a la manera de Jackson Pollock, sino quizás a la de René Magritte.

Jackson Pollock - El pintor norteamericano Jackson Pollock es el máximo representante del action painting y se ha convertido en una leyenda tanto por su revolucionaria forma de concebir el arte, como por su vida marcada por los excesos y su muerte, tras un accidente de coche, cuando se encontraba en la cumbre de su carrera artística.

En 1936 participó en un taller de David Alfaro Siqueiros, en el que pudo experimentar con distintas técnicas, como el aerógrafo o las pistolas de pintura, y el uso de lacas y otras pinturas sintéticas e industriales, que aparecerían más tarde en su obra.

La nueva situación económica permitió a Pollock comprar una casa de campo en The Springs, en East Hampton, y transformar un pajar en su estudio. Fue la época más prolífica del artista que, en 1946, comenzó a trabajar con sus lienzos colocados en el suelo, sobre los que lanzaba chorros de pintura, arena y otros elementos que otorgaban textura al lienzo. https://www.museothyssen.org https://www.jackson-pollock.org

Cita René Magritte: Cámara inmóvil, centrada, recta, mejor con trípode, iluminación adaptada, fondo estudiado, pose estudiada, la construcción de un espacio, una fotografía reflexiva y pausada, como si estuviésemos rellenando un lienzo en blanco..., no a la manera de Jackson Pollock, sino quizás a la de René Magritte.

René Magritte - René Magritte fue una figura central en el desarrollo del surrealismo, en especial en Bélgica, su país natal.

En 1926 Magritte fue el principal impulsor del surrealismo belga, un grupo que componían, entre otros, Camille Goemans y Paul Nougé, y un año más tarde viajó a París.

En sus obras de ese momento Magritte se apartó deliberadamente del mundo del inconsciente y desarrolló un tipo de surrealismo basado en la asociación absurda de objetos que pintaba con una minuciosidad fotográfica. A través de unas imágenes de aparente sencillez conseguía descubrir al espectador el lado más misterioso de su entorno familiar. https://www.museothyssen.org René Magritte y su obra

Cita Leonardo: Los pintores ya comienzan a ser artistas, ya que tienen conciencia de ello: Leonardo, Miguel Ángel, Rafael, y un largo elenco de genios. Estamos ante uno de los momentos más apasionantes de la historia de la mirada, en un punto de referencia obligado para quienes miran el mundo a través de un visor.

Leonardo Da Vinci - Leonardo fue el primero que vio la pintura como una ciencia. Y como la más ilustre de las artes, por encima de la música o la escultura. Fue de los primeros en emplear el óleo en Florencia, consiguiendo efectos lumínicos de una suavidad inusitada. Y como «hombre sin letras» -tal y como él se definía-, basaba su trabajo en la observación de la naturaleza, no en la copia de los modelos clásicos. Eso supuso un salto de gigante en la pintura del siglo XV italiana: el que va de la Edad Media a la Moderna. Fue él quien lo dio, abriendo el camino a Rafael y Miguel Ángel.

Su gran obra de esa etapa, La adoración de los Magos, revolucionario despliegue de dinamismo y estudiada naturalidad, ya lo demostraba. Pero quedó inacabada, como tantas otras. Su aristocrática desgana o el hartazgo del clima de perfidias florentinas

tendrían la culpa. Lo habían procesado por sodomía, debido a una acusación anónima de las muchas que corrían por la ciudad. Salió absuelto, pero desalentado. Pierde la juvenil confianza en los otros; al menos, en sus compatriotas: «A veces, cuando veo alguno de ellos con mi obra en la mano, se me ocurre pensar si van a llevársela, como los monos, a las narices y preguntar luego si es cosa de comer». http://www.xlsemanal.com Leonardo Da Vinci - Documental de la BBC

Cita Miguel Ángel: Los pintores ya comienzan a ser artistas, ya que tienen conciencia de ello: Leonardo, Miguel Ángel, Rafael, y un largo elenco de genios. Estamos ante uno de los momentos más apasionantes de la historia de la mirada, en un punto de referencia obligado para quienes miran el mundo a través de un visor.

Miguel Ángel - Las primeras obras de Miguel Ángel dan fe de esta influencia clásica. Entre ellas se cuentan los relieves de Lucha de centauros y lapitas, inspirados en los sarcófagos romanos.Ya en estos años su virtuosismo artístico era tal que se cuenta que una estatua suya fue vendida a un coleccionista haciéndola pasar por antigua. El engaño fue pronto delatado, pero el comprador, el cardenal Raffaele Riario, lejos de indignarse, se convirtió en mecenas del joven artista florentino.

Desde esta fase juvenil, el arte de Miguel Ángel presentaba rasgos originales, que iban más allá de la simple imitación de lo antiguo. Sus figuras traslucían una intensa fuerza, y aparecían como agarrotadas por una tensión interna. La obsesión por la representación del cuerpo humano fue una constante de su carrera. Sin duda, su personalidad fue tan áspera como dúctil su pincel. http://www.nationalgeographic.com.es

Documental - Miguel angel, una super estrella

Cita Rafael Sanzio: Los pintores ya comienzan a ser artistas, ya que tienen conciencia de ello: Leonardo, Miguel Ángel, Rafael, y un largo elenco de genios. Estamos ante uno de los momentos más apasionantes de la historia de la mirada, en un punto de referencia obligado para quienes miran el mundo a través de un visor.

Rafael Sanzio - Raffaello Sanzio fue uno de los más talentosos (sino el que más) de los artistas del alto renacimiento italiano.

Considerado uno de los pilares del Cinquecento, es también uno de los genios indiscutibles de la pintura de todos los tiempos por la perfección y gracia de sus trabajos.

A pesar de la excepcional prolificidad artística de Rafael Sanzio (circunstancia que ha hecho que una buena parte de críticos no se pongan de acuerdo con respecto a la autoría de determinadas obras, consideradas pertenecientes a su taller), son destacables de entre su producción los maravillosos frescos de las estancias vaticanas, donde crea historias con vida propia en las que se fusionan su habilidad como dibujante, su pericia como colorista, su conocimiento de las reglas perspectivas y el uso de las peculiares arquitecturas bramantescas, su aprecio por un naturalismo que no descarta la exacerbación, junto con un equilibrio y armonía completamente renacentistas (no siendo posible tampoco olvidar sus dulces y vívidas madonnas) http://www.arteespana.com ¿Fue Rafael el mejor pintor de la historia?

Cita E. H. Gombrich: Y si aún nos quedan nuevas ganas, compremos esa obra tan difundida, escrita por E. H. Gombrich llamada Historia del Arte, una narración magistral la mejor divulgación y el comienzo para muchos de nosotros, fotógrafos, de una apasionante aventura, la de querer saber cada día más sobre las imágenes, y de las cuales las fotografías una parte importante.

E. H. Gombrich - Ernst Hans Gombrich fue uno de los grandes historiadores del arte. Y lo fue, sobre todo, porque supo poner al servicio de una escritura transparente, y de una sorprendente capacidad de divulgación, un asombroso caudal erudito que se alimentó de las fuentes más diversas, del arte primitivo a las propuestas artísticas de mayor actualidad. Su Historia del Arte, de la que se han hecho multitud de ediciones en diferentes lenguas, lo hizo célebre.

Así, en el prólogo de su Historia del Arte, Gombrich no sólo se refiere a la titánica tarea de los límites que se ha impuesto -ocuparse sólo de una serie de obras históricamente significativas, más allá de cualquier gusto personal-, sino que subraya otros dos objetivos: tratar de aproximarse a 'las intenciones probables del artista' y la voluntad de 'situar las obras de que se ocupa en el correspondiente marco histórico'. https://elpais.com Ernst Gombrich (author) on Story of Art

Cita Velázquez “Las Meninas”: Sin embargo, sí hay un nuevo interés, por qué no, obsesivo: es el interés por el testimonio, por el documento, por el recuerdo, por la memoria, por el protagonismo de nuevo surge aquel Jan van Eyck estuvo aquí, pero también al otro lado de la cámara, protagonista visible, como Velázquez en Las Meninas.

Velázquez “Las meninas” - 1656. Óleo sobre lienzo, 318 x 276 cm.

Es una de las obras de mayor tamaño de Velázquez y en la que puso un mayor empeño para crear una composición a la vez compleja y creíble, que transmitiera la sensación de vida y realidad, y al mismo tiempo encerrara una densa red de significados. El pintor alcanzó su objetivo y el cuadro se convirtió en la única pintura a la que el tratadista Antonio Palomino dedicó un epígrafe en su historia de los pintores españoles (1724).

Lo tituló En que se describe la más ilustre obra de don Diego Velázquez, y desde entonces no ha perdido su estatus de obra maestra. Gracias a Palomino sabemos que se pintó en 1656 en el Cuarto del Príncipe del Alcázar de Madrid, que es el escenario de la acción. El tratadista cordobés también identificó a la mayor parte de los personajes: son servidores palaciegos, que se disponen alrededor de la infanta Margarita, a la que atienden doña María Agustina Sarmiento y doña Isabel de Velasco, meninas de la reina. Además de ese grupo, vemos a Velázquez trabajar ante un gran lienzo, a los enanos Mari Bárbola y Nicolasito Pertusato, que azuza a un mastín, a la dama de honor doña Marcela de Ulloa, junto a un guardadamas, y, al fondo, tras la puerta, asoma José Nieto, aposentador. En el espejo se ven reflejados los rostros de Felipe IV y Mariana de Austria, padres de la infanta y testigos de la escena. https://www.museodelprado.es Una explicación de Las Meninas de Velázquez | Análisis Completo

Cita Roland Barthes: En todo caso, en las fotografías, su antigüedad ya es un grado, una fotografía de más de cincuenta años, por este solo hecho, adquiere automáticamente una extraña dignidad, quizás sea la del silencio , por qué no, la de los muertos, tal como lo sentía el pensador francés Roland Barthes en su libro La chambre claire (La cámara lúcida).

Roland Barthes “La chambre claire”: En este estudio, desde la semiología, Barthes estudia la estructura propia del signo fotográfico y las relaciones entre el significante (la fotografía misma) y su significado (si es que se puede decir que la fotografía signifique). El autor sugiere que por las especificidades de lo que él llama nueva forma

de alucinación, falsa a nivel de la percepción, pero verdadera a nivel del tiempo quizá haya que estudiar lo fotográfico desde los márgenes, esos espacios teóricos nunca tocados antes y que han de ser inventados y amoldados justamente para su objeto de estudio. Para ello es necesario utilizar una perspectiva nueva e inventar un nuevo léxico con el que aproximarse a un medio completamente único, que justamente por su naturaleza, escapa a las metodologías tradicionales aplicadas al estudio del arte. Sea cual sea la relación que uno tenga con la fotografía: fotógrafo, fotografiado o receptor de imágenes; a lo largo del ensayo, el lector se siente constantemente cuestionado y seducido por los nuevos planteamientos que este autor propone. A través de un didáctico recorrido por fotografías que ejemplifican las reflexiones del semiólogo francés, el texto desgrana experiencias vitales en donde se acuñan términos que, a lo largo de los años, han resultado esenciales para aproximarse y profundizar en ese excepcional medio con todas sus peculiaridades. http://masdearte.com 2.3 Roland Barthes y los códigos en la visualidad

Cita Los Bach: Podremos establecer un símil, no muy riguroso pero quizás útil, atendiendo a la música occidental: Los Bach, Mozart, Beethoven... establecen un nuevo sonido, un nuevo arte Sus sucesores asumen esa moral.

Los Bach - La familia Bach sucedió en el período musical conocido como barroco.

Prácticamente todos los miembros de la familia fueron músicos luteranos. La mayoría de los músicos ejercieron trabajos relacionados con la Iglesia: unos como organistas, otros como Cantores o directores de los elencos de la Iglesia y también como compositores de música destinada a los servicios (cantatas religiosas, corales y preludios corales, música instrumental para acompañar los intermedios o las reflexiones). Otros músicos incursionaron en las orquestas o capillas de las cortes de los nobles, en los conjuntos municipales o se dedicaron a la enseñanza. Y Johann Sebastian. https://es.wikipedia.org The Best of Bach

Cita Mozart: Podremos establecer un símil, no muy riguroso pero quizá sutil, atendiendo a la música occidental: Los Bach, Mozart, Beethoven... establecen un nuevo sonido, un nuevo arte Sus sucesores asumen esa moral.

Mozart - Mozart aparece hoy como uno de los más grandes genios musicales de la historia. Fue excelente pianista, organista, violinista y director y destacaba por sus improvisaciones, que solía realizar en sus conciertos y recitales.

La música de Mozart, al igual que la de Joseph Haydn, es presentada como un ejemplo arquetípico del estilo clásico. En la época en la que comenzó a componer, el estilo dominante en la música europea era el estilo galante, una reacción contra la complejidad sumamente desarrollada de la música del Barroco. Pero cada vez más, y en gran parte en las manos del propio Mozart, las complejidades del contrapunto del Barroco tardío surgieron una vez más, moderado y disciplinado por nuevas formas y adaptado a un nuevo entorno estético y social. Mozart fue un compositor versátil y compuso en cada género principal, incluyendo la sinfonía, la ópera, el concierto para solistas y la música de cámara. Dentro de este último género, realizó composiciones para diversas agrupaciones de instrumentos, incluyendo el cuarteto y el quinteto de cuerda y la sonata para piano. Estas formas no eran nuevas, pero Mozart realizó avances en la sofisticación técnica y el alcance emocional de todas ellas. Casi sin ayuda de nadie desarrolló y popularizó el concierto para piano clásico.

Los rasgos centrales del estilo clásico están todos presentes en la música de Mozart. La claridad, el equilibrio y la transparencia son los sellos de su trabajo, pero cualquier noción simplista de su delicadeza enmascara el poder excepcional de sus obras maestras más finas. https://es.wikipedia.org The Best of Mozart

Cita Beethoven: Podremos establecer un símil, no muy riguroso pero quizás útil, atendiendo a la música occidental: Los Bach, Mozart, Beethoven... establecen un nuevo sonido, un nuevo arte Sus sucesores asumen esa moral.

Beethoven - Según el escritor ruso Wilhelm von Lenz, la carrera como compositor de Beethoven se divide en tres periodos: temprano, medio y tardío.

En su período temprano, el trabajo de Beethoven estuvo fuertemente influido por sus predecesores, Joseph Haydn y Wolfgang Amadeus Mozart, pero también exploró nuevas direcciones y gradualmente amplió el alcance y la ambición de su obra.

El periodo medio, también llamado heroico, comienza después de la crisis personal provocada por la creciente sordera del músico. Es destacada por las obras de gran escala que denotan el heroísmo y la lucha.

El periodo tardío comienza alrededor de 1815. Las obras de dicho periodo se caracterizan por su profunda carga intelectual, sus innovaciones formales y su intensidad, expresión sumamente personal. https://es.wikipedia.org The Best of Beethoven

Cita P. P. Rubens: Es un privilegiado, al igual que nosotros que sabemos que existe P. P. Rubens y las extraordinarias snapshots al margen del gran arte. La fotografía se hace madura en un mundo donde visualmente todo es posible... en principio.

P. P. Rubens - Su obra, muy abundante, ofrece gran versatilidad temática, e incluye pinturas de temas mitológicos, religiosos y de historia, retratos y paisajes. Su pintura es grandilocuente, pero también sabe ser delicada, y muestra gran habilidad técnica y sensibilidad hacia los ritmos de la composición y la psicología de los personajes. El éxito que disfrutó Rubens durante su vida se debe tanto a la capacidad de su arte para expresar la nostalgia que sentían sus contemporáneos por la Antigüedad como a su habilidad para ofrecer a sus coetáneos una imagen engrandecida de sí mismos, en un momento en el que los fundamentos de la cultura europea se estaban poniendo en duda. https://www.museodelprado.es Peter Paul Rubens: A collection of 832 paintings

Cita Robert Frank: Si nuestra cámara es una réflex, una compacta o una digital, Nikon, Canon, Leica, etc., estamos con cámaras que actúan como felinos, están hechas para agazaparse, para saltar a una velocidad de vértigo, y congelar la vida en una milésima de segundo. Representan la idea de instantaneidad en estado puro, y fotógrafos como Henri Cartier Bresson, William Klein o Robert Frank lo han sabido.

Robert Frank - Frank es un artista que experimenta con los límites físicos de la imagen.

En los años 70 introduce el lenguaje escrito de su puño y letra en las fotografías y también la pintura, lo que se explica, según la comisaria, por el hecho de que sus dos parejas sean pintoras. Ejemplo de ello son obras como Fire to the south, Mabou (1980) o In the Old City of Beyruth. November 18-28th (1991).

Desde 1955-1956 Frank viajó a través de los Estados Unidos – su ambición de producir un documento contemporáneo auténtico, el impacto visual fue tal que anuló la

explicación. Tomó cerca de 28.000 fotos en 43 estados, 83 marcos de las cuales se convirtieron en el libro “The Americans” publicado en Estados Unidos en 1959 por Grove Press.

“Cuando la gente mira mis fotografías yo quisiera que se sintieran de la misma manera que cuando desean leer una línea de un poema por segunda vez.”

“Hay una cosa que toda fotografía ha de tener: la humanidad del momento.”

https://clubdefotografia.net http://www.cadadiaunfotografo.com GALERÍA: LOS AMERICANOS DE ROBERT FRANK; LA SERIE COMPLETA Fundación MAPFRE | Área de Cultura | Robert Frank

Cita Bill Owens: Si nuestra cámara es de medio formato, miraremos probablemente hacia abajo, tendremos que enfocar con cuidado, tomándonos nuestro mucho o poco tiempo, y pediremos al mundo que nos dedique unos mínimos segundos de su precioso tiempo, un tiempo que no cesa de fluir, un tiempo que parece escaparse de nuestras manos. Son muchos los fotógrafos que lo saben: Dorothea Lange, Walker Evans, Bill Owens...

Bill Owens - Suburbia fue publicado por Bill Owens en 1973, en un momento en el que la urbanización de grandes suburbios en las afueras de las ciudades estaba vaciando a éstas de sus habitantes. Casi cuarenta años más tarde, los suburbios -pequeñas ciudades de 25.000 o 50.000 habitantes- acumulan más población que todas las grandes ciudades y pueblos de Estados Unidos juntos.

Owens retrató a sus protagonistas como habitantes del sueño americano: un sueño consumista que se escenificaba delante de sus ojos y que por aquel entonces parecía cumplido para una gran parte de su población. Owens se sentía parte de los suburbios y, aunque lo hizo, no pretendía desnudar la banalidad de la vida cotidiana de sus vecinos: él mismo afirma que no había intención crítica sino mera contemplación de una clase media que se sentía satisfecha de sí misma. La ironía no está sólo en el

trabajo fotográfico de Owens, sino en una mirada, la nuestra, que llega a estas imágenes cuarenta años más tarde. https://otraformademirar.org http://www.billowens.com/

Cita Edward Weston: Son muchos los fotógrafos que lo saben: Dorothea Lange, Walker Evans, Bill Owens... O quizás nuestra cámara es de gran formato, pesada, nos hace falta un trípode, hacemos una toma y tenemos que cambiar de placa. Así obtenía sus paisajes Edward Weston.

Edward Weston: Weston como otros fotógrafos de su generación, buscaba otorgar al medio la categoría de arte por sí misma, sin tener que tomar prestado de otras artes, como la pintura.

Por desgracia, en los primeros debates acerca del estatus artístico de la fotografía, en la década de 1850, predominaban las posiciones que negaban el valor artístico de la fotografía. ¿En qué se basaban para ello? Pues fundamentalmente en el carácter mecánico de fotografiar, en la aparente falta de acción detrás de la cámara.

En el pictorialismo se destaca la sensibilidad e inspiración de los autores, se busca mostrar sensaciones, y se otorga un papel secundario a la técnica.

Ya que se acusaba la fotografía de ser un medio mecánico para simplemente captar la realidad, el pictorialismo trata de captar imágenes que se alejen de la representación de la realidad.

Se buscan deliberadamente desenfoques, se colocan filtros, pantallas y otros utensilios que impiden ver claramente, se utilizan juegos de luces y sombras, etc.

En los paisajes se buscaban días nublados, de lluvia o niebla, condiciones que generasen imágenes poco nítidas y en retrato también se busca esa borrosidad, con poses clásicas, de mujeres principalmente, etc.

Y todo ello para provocar un efecto similar a la pintura impresionista, de ahí que también se conozca como fotografía impresionista.

Es decir, el pictorialismo quería romper con la visión de la fotografía academicista clásica, pero siguió apostando con llevar a la fotografía al lado de la pintura impresionista.

Estos fueron los orígenes de Edward Weston y otros muchos fotógrafos de la época.

Edward Weston, evoluciona con estos movimientos del pictorialismo de sus inicios, y a partir de 1920 realiza una fotografía más natural, centrándose en la búsqueda de la forma desvelada por el cuerpo humano desnudo, las formas de los vegetales y otros elementos naturales como las conchas o las curvas de una duna. http://www.theimagen.com http://edward-weston.com Photography Secrets of Edward Weston's Darkroom

Cita Samuel Bourne: Lo saben aquellos fotógrafos anteriores a la revolución de George Eastman y que no tuvieron otra opción que el auténtico gran formato, como Lewis Carroll sin salir de Oxford, como Samuel Bourne en India, pero también lo saben

fotógrafos clásicos con acceso a formatos menores como Ansel Adams, o contemporáneos como Joel Meyerowitz, o como Stephen Shore.

Samuel Bourne - Bourne empezó a hacer en Calcuta sus vistas fotográficas sobre paisajes, arquitecturas y monumentos hindúes, series fotográficas que comenzó alrededor de 1865 y que siguió haciendo hasta su vuelta a Inglaterra. Estas imágenes las realizaba en colodión (perfeccionado por Scott Archer), lo que le permitía una mayor rapidez y exactitud en la reproducción que la lograda hasta ese momento por la albúmina.

Sus fotografías al colodión se caracterizan por el tamaño, eran enormes, por lo que se necesitaba un espacio grande para ser expuestas y contempladas por el público, y esto sólo lo podían cubrir los museos y grandes galerías. Además de estos colodiones, Bourne realizó también albúminas que trataban los mismos temas que las anteriores y que tenían una mayor definición; éstas se conservan en perfecto estado, a pesar de lo delicado de esta técnica en cuanto a grados de conservación, y de las muestras itinerantes (Huston y Londres, 1989), en las que han sufrido la luz de exposición al público. http://www.mcnbiografias.com Galería India Views By Samuel Bourne - Farhat Art Museum- Tombe La Neige

Cita Joel Meyerowitz: Lo saben aquellos fotógrafos anteriores a la revolución de George Eastman y que no tuvieron otra opción que el auténtico gran formato, como Lewis Carroll sin salir de Oxford, como Samuel Bourne en India, pero también lo saben fotógrafos clásicos con acceso a formatos menores como Ansel Adams, o contemporáneos como Joel Meyerowitz, o como Stephen Shore.

Joel Meyerowitz - Pionero y maestro de la fotografía callejera en color, Joel Meyerowitz es uno de los grandes fotógrafos documentalistas de la vida

norteamericana. El único capaz de fotografiar las huellas del mayor atentado en la historia de Estados Unidos.

Más allá del contenido de sus fotografías, uno de los principales logros de Meyerowitz es haber transformado el color en un auténtico idioma visual. Acostumbrado a la fotografía monocromática para la disciplina callejera, el público pronto vio en el artista neoyorquino una alternativa creíble y de calidad a la omnipresente obra en blanco y negro. De hecho, debido a las dificultades técnicas para obtener colores verdaderos durante la impresión, la fotografía en color siempre se había resistido en el ámbito profesional hasta mediados de los 60. Pues bien, Meyerowitz fue probablemente el primero que comprendió el poder del color como forma de comunicación y fue capaz, gracias a sus imágenes llenas de vivos colores, de conseguir que el color fuese aceptado como una nueva forma de representación fotográfica a nivel mundial. Más allá del contenido de sus fotografías, uno de los principales logros de Meyerowitz es haber transformado el color en un auténtico idioma visual. Acostumbrado a la fotografía monocromática para la disciplina callejera, el público pronto vio en el artista neoyorquino una alternativa creíble y de calidad a la omnipresente obra en blanco y negro. De hecho, debido a las dificultades técnicas para obtener colores verdaderos durante la impresión, la fotografía en color siempre se había resistido en el ámbito profesional hasta mediados de los 60. Pues bien, Meyerowitz fue probablemente el primero que comprendió el poder del color como forma de comunicación y fue capaz, gracias a sus imágenes llenas de vivos colores, de conseguir que el color fuese aceptado como una nueva forma de representación fotográfica a nivel mundial.

Desde su obra inicial, Meyerowitz siempre demostró curiosidad por mostrar un mundo diferente al habitual y por disipar el estereotipo con el que se retrataba a la sociedad americana desde el extranjero. Por ello decidió embarcarse en un viaje por Europa en el que utilizó dos cámaras diferentes: una con película de color y otra con película en blanco y negro con el propósito de tomar la misma instantánea dos veces, con dos “ojos” diferentes. Tras doce meses fotografiando con las dos cámaras, casi siempre desde el coche con el que recorría el continente, decidió abrazar el color.

“Después de unas pocas semanas de trabajo, tuve la sensación de que estaba dentro de mi cámara, que el coche era un cuarto oscuro y yo estaba mirando por la ventana, que era el marco del visor.” https://hipertextual.com Galería Joel Meyerowitz - 'What you put in the frame determines the photograph'

Cita Stephen Shore: Lo saben aquellos fotógrafos anteriores a la revolución de George Eastman y que no tuvieron otra opción que el auténtico gran formato, como Lewis Carroll sin salir de Oxford, como Samuel Bourne en India, pero también lo saben fotógrafos clásicos con acceso a formatos menores como Ansel Adams, o contemporáneos como Joel Meyerowitz, o como Stephen Shore.

Stephen Shore - La ambición que desde la adolescencia sintió Stephen Shore por la fotografía le ha ayudado a retarse a sí mismo y a seguir investigando con la imagen hasta el día de hoy. Una de las anécdotas que recuerda el artista de sus 14 años fue el día que se presentó al director del MoMA, por entonces Edward Steichen, para enseñarle sus primeros trabajos. Precisamente las fotografías realizadas en ese momento son las encargadas de abrir la muestra en la primera sala, expuestas de forma inédita en esta exposición. En ellas percibimos la gran influencia del documentalista Walker Evans, que recayó en la afición de Shore por capturar escenas cotidianas o el interés por “documentar” sobre la cultura popular, pero siempre combinando lo plástico de la imagen.

En los años finales de los 60 encontramos en Shore series fotográficas experimentales, donde la influencia de la cultura pop y más concretamente de la persona de Andy Warhol, se hace patente. Además con Andy Warhol compartió durante una temporada parte de su tiempo en la Factory, lugar de trabajo del artista pop. Ejemplo del pensamiento de estos años es July 22, 1969, donde aparece su amigo Michael Marsh fotografiado cada 30 minutos durante un día entero, también se suman Circle Nº1 o Avenue of the Americans.

Con el cambio de siglo, Stephen Shore también se suma a seguir otra dirección, esta vez se inclina por captar el trasiego en las calles de Nueva York, con ese alho de interés por el movimiento. Junto a esa serie de los años 2000-2002se presentan otras dos conjuntos de fotografías sobre Ucrania y Winslow, y Arizona.

En los últimos años, el interés del fotógrafo está en las nuevas técnicas, gracias a la tecnología punta con la que contamos en esta era digital. Como ejemplo son Los POD books, series de ibooks que viene realizando desde el 2003 y que consisten en fotografías que hace durante un día.

http://www.descubrirelarte.es http://stephenshore.net En compañía de Stephen Shore

Cita Blow Up – Michelangelo Antonini: Una cámara de 35 mm, o su diseño equivalente en digital, está hecha para cazadores. Ni tan siquiera tendremos tiempo para adaptar la luz a nuestros intereses, la escopeta ya debe estar cargada, todo va muy rápido. Es la famosa Leica de Henri Cartier Bresson, que se esconde entre la gente, se esconde tras los arbustos. No actuaba así, en un parque, Thomas, el protagonista de la película Blow Up dirigida por Michelangelo Antonioni?

Blow Up de Michelangelo Antonini - Adaptación de un cuento de Julio Cortázar que narra la historia de Thomas (David Hemmings), un fotógrafo de moda que, tras realizar unas tomas en un parque londinense, descubre al revelarlas una forma irreconocible que resulta ser algo tan turbador como inesperado.

Está basada en un cuento de Julio Cortázar, “Las babas del diablo”, que narra una historia que se desarrolla en París a fines de los cincuenta. El protagonista de esta historia es un traductor chileno que recibió de Cortázar el nombre de Roberto Michel.

Como muchos de sus personajes, es un marginal, aunque de vez en cuando, para subsistir, se dedica a la fotografía de calle y a la fotografía pornográfica. Roberto Michel va un día a un conocido parque en las afueras de Londres y allí cámara en mano fotografía a una mujer que besa a un adolescente, en una situación confusa. https://narrativabreve.com Blow Up Trailer

Cita Luis Baylon: Una cámara de medio formato, por ejemplo ,, , incluso , nos sitúa en otro lugar, en ese terreno intermedio que sin lugar a dudas, sí nos permite ir por la calle, pero con algo de lastre si queremos atrapar la presa al vuelo; si bien lo hacen Luis

Baylon, Max Pam... en ese extraño formato cuadrado , extraño a nuestra verticalidad y a nuestra horizontalidad.

Luis Baylón - Luis Baylon pertenece a esa generación de fotógrafos de garra como lo son Alberto García Alix y Bernard Plossu. Esos que con sólo salir a la calle retratan el mundo que les rodea desde la intuición con el olfato de un lobo. De esos que encuentran miradas (y no miradas) que a nosotros se nos esquivan.

En Espacio Foto Arte presenta su trabajo sobre los habitantes de Pekin. Miradas de ojos rasgados. Rincones que se alejan de nuestro mundo occidental. Estampas callejeras de esas que siempre se agradecen. Porque nos hacen viajar desde el ojo del fotógrafo que se confunde con ellos como si fuera uno más. Sin elementos exóticos ni de portadas de revista. Su mundo visto desde la cercanía. Desde la verdad. Sin florituras.

Su valentía viene dada, en este trabajo y en todos los demás, por hablarnos de su entorno como quiere. Fumadores, escaparates, sombras, todo ello desde la pureza que da el blanco y negro. Cuando visitéis la exposición, si os da tiempo porque se acaba ya, echad un vistazo a sus libros publicados. Entenderéis de qué os hablo. https://www.xatakafoto.com http://www.luisbaylon.com Diálogo con Luis Baylón

Cita Max Pam: Una cámara de medio formato, por ejemplo ,, , incluso , nos sitúa en otro lugar, en ese terreno intermedio que sin lugar a dudas, sí nos permite ir por la calle, pero con algo de lastre si queremos atrapar la presa al vuelo; si bien lo hacen Luis Bailón, Max Pam...

Max Pam - Muchas veces entraban sin llamar. “¿Te gusta lo que te ofrezco?”. No había televisión en las habitaciones de los hoteles, que también eran burdeles. Con suerte tenías un buen libro para leer, pero ya está. Las paredes estaban forradas de espejos, los techos también. “Y de repente aparecía esa criatura preciosa de una cultura interesantísima, que se presentaba para estar contigo. Ser tu amiga, ir a ver una película, follar”. Cuenta el fotógrafo australiano Max Pam que la vida sexual en el Sudeste Asiático era algo público y obvio. Estaba pensada para la gente local, no para el turismo.

Recorrió Tailandia y Filipinas hace 20 años, fotografió sin prisa, sin robar, tratando de no ser un turista perdido en un mundo exótico. “Hay que evitar lo exótico como sea.

Cuando empecé a trabajar podía hablar del Oriente exótico porque nadie lo conocía y lo hacía en blanco y negro. Pero hoy esto es impensable”. Antes era posible llegar y emborracharse de todo lo extraño de un mundo distinto. Hoy, para no ser un turista impresionado, recomienda llegar con un plan. https://www.elespanol.com http://www.maxpam.com Max Pam | Autobiographies

Cita Man Ray: Podríamos situarnos en Venecia, como lo hizo el pintor Giovanni Antonio Canal, apodado Canaletto, quien utilizaba una cámara oscura para definir sus futuras vistas de la ciudad..., o bien como Man Ray en su estudio. Conocemos los retratos hechos por Man Ray, ¿qué sabemos de Man Ray? Man Ray - Tocó varias disciplinas artísticas. Realizó películas, esculturas, obra gráfica, pinturas dibujos, y sobre todo………fotografías.

Cuando el surrealismo se separa del dadaísmo en 1924, Ray es uno de sus fundadores y está incluido en la primera exposición surrealista en la galería Pierre de París en 1925.

Inspirado por su modelo y amante Alice Prin, conocida como Kiki de Montparnasse, hace Le Violon d’Ingres (1924), una de sus obras más famosas.

Como pionero de Dadá y Surrealismo su aproximación se caracteriza por lo irracional y lo incongruente, provocando erotismo y escándalo. “La búsqueda de la libertad y el placer; eso ocupa todo mi arte”, dirá. https://fotografiaperfecta.wordpress.com Galería Man Ray y el dadaismo, por Santiago Amón

Cita Billy Wilder: Hablamos de investigar en qué consiste una mente libre, una mirada libre. Un hecho interesante: La prensa de los años 40 y 50 obtiene fotografías, cámara en mano, con cámaras de gran formato, como vemos en las películas de BillyWilder, y entre ellos posiblemente Weegee sea el más grande.

Billy Wilder - Fue el rey de la comedia, del romanticismo y la inteligencia en la época dorada de Hollywood. Ningún aficionado al cine podrá considerarse como tal hasta que no haya visto las películas del que se ha ganado el calificativo de director de culto.

La Academia lo premió seis veces como mejor director.

Tras la Segunda Guerra Mundial inició su actividad como director, en la que destacó por su brillante dirección de actores, su fina ironía y la calidad de sus guiones (la mayoría de los cuales escribió en colaboración con I. A. L. Diamond), en los que gustaba de diseccionar, casi siempre en tono de comedia, las convenciones sociales de la clase media estadounidense y dejar a la luz sus contradicciones internas. https://www.biografiasyvidas.com Billy Wilder - Un Hombre Perfecto al 60%

Cita William Hogarth: Un pequeño paréntesis para detenernos en William Hogarth, aquél genio que entendió el concepto de instantánea, de reportaje, mucho tiempo antes de que la fotografía fuese posible. ¿Conoció Hogarth la obra de Jan Steen? Y así sucesivamente…

William Hogarth - Se le considera pionero de las historietas occidentales. Su obra varía desde el excelente retrato realista a una serie de pinturas al estilo de los cómics llamadas «costumbres morales modernas». Mucha de su obra, que llega a veces a ser despiadada, se burla de las costumbres y la política contemporáneas. Es el gran maestro de la sátira social y política. Se le considera uno de los «padres» de la escuela artística británica, tras varios siglos de predominio de artistas extranjeros en el país.

Su despegue como artista de renombre se puede situar en la década de 1730, cuando se volcó en sus temas satíricos. Lector de Jonathan Swift, criticaba la hipocresía de las clases altas. Su viaje a París en 1744 le hace conocer el rococó francés, lo que le influye en sus conversation pieces y en el tratamiento de los vestidos y las telas en sus cuadros. http://www.odisea2008.com William Hogarth: A collection of 207 paintings

Cita Jan Steen: Un pequeño paréntesis para detenernos en William Hogarth, aquél genio que entendió el concepto de instantánea, de reportaje, mucho tiempo antes de que la fotografía fuese posible. ¿Conoció Hogarth la obra de Jan Steen? Y así sucesivamente…

Jan Steen - Las primeras escenas que realizó se fechan en la década de 1640, y en ellas sus personajes tienen un aire grotesco.

El bautizo (Berlín, Gemäldegalerie) y La visita del doctor (Londres, Apsley House). Su estilo fue evolucionando hacia obras con menor número de personajes, a la vez que

aumenta su caracterización. En su última época estilizó sus figuras, matizó los colores y sus composiciones se abrieron a los nuevos gustos del cambio de siglo. Jan Steen fue un pintor muy productivo, en su obra además de una gran variedad de animadas escenas, tanto en interiores como en exteriores, destacan sus pinturas con temas alegóricos y religiosos junto a algunos retratos de encargo. Entre aquéllas hay que subrayar las historias religiosas. https://www.museothyssen.org PINTOR JAN STEEN, LA ENFERMA DE AMOR

Cita El Ojo Público – Joe Pesci: La película El ojo público, protagonizada por un irremplazable Joe Pesci, es una recreación ciertamente libre, una trama inventada, pero amena del universo de Weegee y que merece la pena ver, en nuestro caso por acercarnos a un fotógrafo que sin lugar a dudas deberíamos conocer.

El ojo público - Nueva York, años cuarenta. Todo el mundo conoce a Bernzy (Joe Pesci), la gente guapa y el submundo, la mafia y la policía, los políticos y las estrellas de cine.

Eso sin hablar de sus compañeros periodistas y fotógrafos, que le apodan El Gran Bernzy, porque consigue siempre, como si fuese un mago, llegar al lugar de la noticia incluso antes que la propia policía. A veces avisa a los agentes de un crimen que él sólo conoce, después de haber sacado las fotos, naturalmente. El secreto de Bernzy para introducirse en todas partes es que todo el mundo sabe que él jamás toma partido. Lo único que le interesa, por encima de cualquier otra consideración moral, es sacar y vender las fotos.Pero, una noche, el inquieto Bernzy acepta una invitación que va a cambiar su vida. Kay Levitz (Barbara Hershey), dueña del Café Society, el local nocturno más elegante de la ciudad, llama a Bernzy para encargarle una misión insólita: investigar a un tal Portivino (David Gianopoulos), socio de su fallecido marido.

Película

Cita Helmut Newton: Añadimos a ello algo que veremos más adelante, y es que las fotografías de Weegee con su formato y su flash aportan una particular visión, la potencia y el potencial de la instantánea en estado puro, una especial expresión y que muchos fotógrafos, entre ellos Diane Arbus o Helmut Newton, supieron entender.

Helmut Newton - Transgresor y sexual, esos han sido los calificativos que más veces han aparecido asociados al trabajo del alemán Helmut Newton, el creador del porno chic, el máximo representante del vouyerismo en la fotografía.

Newton comenzó a trabajar como aprendiz para la fotógrafa de moda Yva hasta que la amenaza de las SS le obligó a exiliarse, primero a Singapur y, después, a Australia donde residió durante diecisiete años. Allí sirvió durante un tiempo en la armada australiana, trabajó para la edición australiana de Vogue y conoció a la que sería su esposa, June.

Precisamente June rememoraba en Vogue España: "Una vez le pregunté si pensaba que era un genio. Él respondió: 'No, yo creo más bien que he recibido un regalo torcido. Veo el mundo de otro modo' -a lo que añade- Me informó de que la fotografía siempre sería su primer amor y yo el segundo".

Polémicas al margen, de lo que no cabe duda es de que sus imágenes atemporales y su toque naturalista le convirtieron en uno de los primeros fotógrafos en reinventar a la mujer del siglo XX. "Siempre he evitado la fotografía de estudio. Una mujer no se pasa la vida sentada o posando delante de un foco blanco" confesaba. http://www.vogue.es Galería Helmut Newton reveal the secrets behind their images

Cita Shelby Lee Adams: Siempre hay muchas cuestiones que podemos plantearnos cuando nos enfrentamos a un proyecto fotográfico. Por ejemplo: lo llevaremos a cabo en color, gran formato, ¿digital, luz de flash, luz natural: Estas cuestiones prácticas pueden ir decidiéndose ya con cierta comodidad. Luz de flash como Diane Arbus, o

Shelby Lee Adams, o Weegee, o Richard Avedon, o luz natural como Cartier Bresson, o Walker Evans, o August Sander, o en muchas ocasiones Irving Penn en su estudio?

Shelby Lee Adams - Shelby Lee Adams es el representante de la fotografía pura en el siglo XXI. Heredero de la tradición fotográfica americana, hoy en día sigue trabajando con cámaras de gran formato 4×5 en la zona de los Apalaches, en el estado de Kentucky, en los Estados Unidos.

Es una zona pobre de la América profunda que parece vivir como si el mundo no hubiera avanzado. Tienen problemas muy serios de endogamia, lo que da lugar a problemas de salud muy graves. Y esto, aunque parezca increíble, es lo que une a nuestro fotógrafo con esta comunidad, pues su tío fue el médico de la zona, por lo que es una persona respetada y querida por todos. Algo verdaderamente difícil dado el carácter duro de la zona. Es la América profunda.

Shelby Lee Adams decidió dedicarse a la fotografía cuando el presidente Lyndon B. Johnson llamó la atención sobre la degradada zona y los fotógrafos llegaron en masa para retratar la América profunda e irse rápido a sus oficinas.

Las noticias pasan de moda. Eso es lo único que no le gustó a Shelby de aquella historia, por lo que empezó a trabajar en la vertiente humana de la fotografía e hizo suyo un lugar que quedó vedado al resto de los mortales equipados con una cámara y un teleobjetivo. Él se acerca en los dos sentidos de los que hablaba Robert Capa.

Para conseguir ese poso de tranquilidad y de implicación ilumina todas sus fotografías con flashes portátiles. Es el sello de su estilo y de su cultura visual. Por cierto, muy influenciada por los maestros de la pintura, a los que acude continuamente para estudiar su luz y su composición, la manera que tienen de colocar a las personas en el plano. http://www.ferfoto.es Galería The True Meaning of Pictures

Cita Picasso: Buscar un tema facilita las cosas, limita la dispersión. Puede ocurrir que estemos perdidos, que no sepamos por dónde empezar, en dónde apoyarnos. Ante esta situación se impone una tranquilidad total. La mayor parte de los grandes artistas sólo han tenido una idea feliz durante toda su vida. Quizás Picasso sea tan famoso porque probablemente tuvo más de una idea en su vida. En todo caso, no cualquier tema.

Picasso - El artista español Pablo Picasso no sólo protagonizó junto con Georges Braque la invención del cubismo, uno de los primeros movimientos de vanguardia, sino que además fue el iniciador de la imagen del artista moderno. Su nombre quedará escrito en los libros de historia como la personalidad artística más relevante del siglo XX. Sus inicios figurativos de las épocas azul y rosa evolucionaron por influencia de la escultura ibérica presente en el Musée du Louvre y del arte africano del Musée d’Ethnographie du Trocadéro. En 1907, su obra Les Demoiselles d’Avignon (Nueva York, The Museum of Modern Art) abrió el camino a los movimientos de vanguardia.

De su estrecha colaboración con Georges Braque surgió el cubismo, un estilo revolucionario que acabó con el sistema tradicional de representación ilusionista del espacio, cuyas consecuencias han llegado hasta nuestros días. Ambos artistas, partiendo de las enseñanzas de Cézanne, inventaron un nuevo lenguaje basado en la fragmentación y simultaneidad de la representación de la forma, en la reinterpretación de los objetos, con una gran austeridad en el color (cubismo analítico) que fue haciéndose paulatinamente más abstracto (cubismo sintético). https://www.museothyssen.org Pablo Picasso: A collection of 855 works

Cita Sebastiao Salgado: Nunca queda de más revisar imágenes de Cartier Bresson, y de otros como él, y que poco a poco nuestra curiosidad debe ir descubriendo. Algún ejemplo más? Willy Ronis, David Seymour, Robert Doisneau, Sebastiao Salgado, este último un digno sucesor, toda una actitud hacia la fotografía que ya conocemos.

Sebastiao Salgado - La historia de Sebastião Salgado no podía ser más peculiar: Economista con doctorado dio un salto vocacional a los 40 años y se convirtió en una de las grandes súper estrellas en la fotografía documental contemporánea.

“Descubrí la fotografía por casualidad. Mi esposa es arquitecta, cuando éramos jóvenes y vivíamos en París, se compró una cámara para tomar fotos de edificios. Por primera vez miré a través de una lente – y la fotografía de inmediato comenzó a invadir mi vida.”

“Cuando me instalé en Inglaterra y desde ahí empecé a viajar a África por mi trabajo, la fotografía me proporcionaba más placer que los informes que debía hacer. Así que un día me metí con Lélia en un barquito de un estanque en Hyde Park y lo discutimos durante horas. Tenía una invitación para ser profesor en la Universidad de São Paulo, otra para trabajar en Washington en el Banco Mundial; para un joven economista era un futuro fabuloso.” Y, sin embargo, eligió a la fotografía.

A partir de entonces, Salgado “…comenzó a registrarlo todo: desde bodas y retratos de su esposa, hasta documentar dramas sociales y humanos, el de los refugiados y desplazados por el hambre y la guerra, y las agrestes condiciones de vida de agricultores y trabajadores de las minas de oro. Ahí, la hambruna en Etiopía, los yacimientos de petróleo ardiendo en la Guerra del Golfo, el genocidio en Ruanda en 1994… Ese encuadre en temáticas sociales también ha abarcado la explotación y la crueldad del modelo capitalista y el fenómeno, muchas veces doloroso, de los éxodos y migraciones humanos, acompañado de la violencia desalmada solventada por la misma especie…” https://oscarenfotos.com Sebastião Salgado: El drama silencioso de la fotografía Galería

Cita Lewis Hine: Supongamos que en cierta medida nos han facilitado las cosas y nos han aportado un tema, porque insistamos en que un tema nos permite no alejarnos demasiado mentalmente al fin del mundo, y por el contrario nos puede ayudar a ir atando, entrelazando, relacionando, uniendo imágenes. Por ejemplo: Sebastián Salgado hizo un trabajo sobre Las Migraciones Humanas, Lewis Hine sobre El trabajo de los niños en América 1908-1912.

Lewis Hine - Considerado por muchos el padre del reportaje social, empezó a realizar sus primeras fotografías relevantes en Ellis Island (Nueva York) con una cámara de fuelle de 13x18 cm, un trípode y un flash de magnesio. Allí, mientras retrataba a los inmigrantes que llegaban a Estados Unidos de todas las partes del mundo para trabajar, se adentró de lleno en el mundo del fotoperiodismo. Esto le permitió convertirse en uno de los pioneros de la fotografía documental, corriente que aún carecía de denominación propia.

"Quiero mostrar lo que debe ser corregido, corregir lo incorrecto. Quiero mostrar lo que debe ser visto", defendía. Su compromiso social era evidente, y así lo atestiguan sus trabajos más reconocidos en los que denuncia la situación laboral de hombres, mujeres y niños en los Estados Unidos.

Cuando comenzó a documentar el trabajo infantil dejó su puesto como profesor y se dedicó a viajar por Norteamérica para retratar a niños en las fábricas o las calles.

Cosiendo, vendiendo periódicos, en cadenas de montaje, en el campo...

Además de mostrar al mundo las sombras de la realidad laboral, la colaboración de Lewis Hine con el Comité por el Trabajo Infantil contribuyó al endurecimiento de las leyes que regulaban el trabajo infantil. En esta galería os mostramos una selección de dicho trabajo, disponible de forma íntegra en la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos. https://www.elconfidencial.com http://www.lewishinephotographs.com/ Galería

Cita Josef Koudelka: Supongamos que en cierta medida nos han facilitado las cosas y nos han aportado un tema, porque insistamos en que un tema nos permite no alejarnos demasiado mentalmente al fin del mundo, y por el contrario nos puede ayudar a ir atando, entrelazando, relacionando, uniendo imágenes. Por ejemplo: Sebastián Salgado hizo un trabajo sobre Las Migraciones Humanas, Lewis Hine sobre El trabajo de los niños en América 1908-1912, Josef Koudelka sobre La Invasión Soviética de Checoslovaquia en 1968.

Josef Koudelka - Fotografió a los gitanos y la invasión de Praga ’68. Koudelka es el nómada que se quiere convertir en la mirada misma.

Tuvo contacto con la fotografía gracias al panadero que era un fotógrafo aficionado.

Era 1952 y el adolescente Josef utilizaba una cámara de baquelita, quizá una checoslovaca Pionyr.

Logró comprar su primera cámara recogiendo fresas y vendiéndolas al hombre de la heladería.

Josef estudió ingeniería en la Universidad Técnica y se inicia en la fotografía. El propio Koudelka explica: “Cuando estaba en Checoslovaquia no sabía mucho de pintura y era el peor en la clase de dibujo. Algunas personas observan cierta influencia de la pintura en mis fotografías pero eso no es consciente.

Más que accidentes, se trataba de una potente intuición para aquilatar los elementos gráficos y compositivos. Utilizaba el lenguaje formal de la fotografía (enfoques, desenfoques, barridos, etc.) de una manera tan intuitiva como acertada.

Josef realiza su primera exposición que consistía “no tanto en una búsqueda de contenidos y de contextos como en una busca de formas y de composiciones insólitas acentuadas a menudo por un ángulo de visión particular… tenía una fuerza expresiva excepcional, una visión original próxima al grafismo moderno con una inventiva y un frescor en la forma poco habituales. https://oscarenfotos.com 10 FOTOGRAFÍAS IMPRESCINDIBLES DE JOSEF KOUDELKA Un día con Josef Koudelka - Fotógrafo

Cita Edward Steichen: Por ejemplo: Sebastián Salgado hizo un trabajo sobre Las Migraciones Humanas, Lewis Hine sobre El trabajo de los niños en América 1908-1912, Josef Koudelka sobre La Invasión Soviética de Checoslovaquia en 1968, o bien el fotógrafo Edward Steichen, que organizó una de las exposiciones más ambiciosas de la historia de la fotografía llamada The Family of Man (en el MOMA de Nueva York, en 1955).

Edward Steichen - Es una de las figuras más prolíficas e influyentes de la historia de la fotografía.

La carrera fotográfica de Steichen, de quien se ha dicho que es "el mejor fotógrafo de todos los tiempos", puede dividirse en tres etapas diferenciadas: el periodo pictorialista hasta la Primera Guerra Mundial, con sus desnudos, retratos y paisajes profundamente simbólicos y atmosféricos; el periodo moderno de entreguerras, caracterizado por una imaginería de la era industrial, de gran fuerza, claridad y precisión; y el periodo expositivo tras la Segunda Guerra Mundial, durante el cual produce monumentales exposiciones.

En la Segunda Guerra Mundial innova en el ámbito de la fotografía de guerra y tras el conflicto bélico, convertido ya en una figura clave de la fotografía moderna, Steichen fija su interés en la organización de grandes exposiciones, asumiendo la dirección del Departamento de Fotografía del MOMA de Nueva York. Allí organiza su obra magna, la muestra The Family of Man (1955) con 500 fotografías sobre la fraternidad y el compromiso humano en 68 países, que actualmente forma parte de la colección permanente del Château de Clervaux (Luxemburgo), única exposición en la lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO y cuya reconstrucción virtual se incluye de esta retrospectiva. En 2006 una fotografía de Steichen estableció el récord del precio más alto pagado por una fotografía en una subasta hasta la fecha. http://www.museoreinasofia.es Galería Masters of Photography - Edward Steichen

Cita Francesca Woodman: Las fotografías de Lartigue fueron expuestas por primera vez a nivel internacional en 1963 en el MOMA de Nueva York. Lartigue tenía entonces 69 años. Un buen momento para incluir otro tema, cuyo título podría ser algo así como Yo Misma, de la malograda Francesca Woodman.

Francesca Woodman - Francesca Woodman era ya, a los 15 años, toda una artista.

Mientras estudiaba en la Rhode Island School of Design los profesores elogiaban el trabajo de aquella joven rubia que aventajaba en todo a sus compañeros. “*Kim + Knopper apunta a que su obra podría ser considerada como un «preselfie», con un significado más profundo. Pero tal vez, en un época en la que abunda el exhibicionismo sin pudor en las redes sociales, sea más adecuado calificarla como el «anti-selfie», ya que paradójicamente mostrándonos tanto de ella consiguió mantener el misterio; desvelando su alma, no su presencia ni su vida.”

Woodman creó un corpus fotográfico donde exploró la corporeidad, el ser, la feminidad, la evanescencia, la relación con el espacio físico a través de tintes performáticos, ecos de simbolismo, notas surrealistas así como referencias a la literatura gótica.

El quehacer artístico de Francesca es, a pesar de su juventud, “Íntimo, directo y visceral, el trabajo de esta fotógrafa revela la inusual y coherente visión de una artista que *…+ ha influido considerablemente a posteriores generaciones de artistas.” https://oscarenfotos.com Galería Francesca Woodman (Arte)

Cita Jacob Riis: Dos fotógrafos, Jacob Riis y Lewis Hine, utilizaron la humilde instantánea sin pretensiones de orden artístico, de enmarcado artístico, de finalidad estética, muy ajenos a Cartier Bresson, para mostrar la otra cara de la vida, para mostrar cómo vivían los otros.

Jacob Riis - Durante años tomó instantáneas nocturnas en las tabernas ilegales y en los fumaderos de opio de Nueva York. Para esto fue uno de los primeros en usar el flash de polvo de magnesio.

Usó la fotografía para ilustrar sus artículos y conferencias. Casi siempre fotografiaba escenas de interiores y de gentes relacionadas con la inmigración: italianos, judíos, chinos, irlandeses, etc. Todos aparecen miserables, sucios y desdichados.

Vivió denunciando la calidad de vida que tenía la gente más pobre. Trabajó en Ellis Island fotografiando a los inmigrantes que llegaban de Europa. De aquí surge la idea de ilustrar los DNI, visados y pasaportes con una fotografía.

Su artículo llamado Cómo vive la otra mitad, alcanzó tal éxito que se le propuso convertir el tema a libro. Jacob Riis alcanzó tanta fama que el candidato a la presidencia de EEUU Theodore Roosevelt se fijó en él. Cuando llegó a la presidencia lo contrató como asesor, dejando así la fotografía. http://www.fotonostra.com Galería Tenement Life through the Eyes of Jacob Riis

Cita Lee Friedlander: En algún momento también podríamos preguntarnos por las instantáneas de fotógrafos como Robert Frank, Lee Friedlander, Garry Winnogrand, Diane Arbus, etc., pero ya habrá tiempo. Por el momento, pensemos en que el esfuerzo de llevar a cabo nuestro proyecto temático, quizás se vea amplificado por el hecho de que nuestra ansiedad puede ser indirectamente proporcional al tiempo de reflexión que hayamos dado a la visión fotográfica que queremos aplicarle.

Lee Friendlander - Lee Friedlander es un fotógrafo americano (nacido en Aberdeen en 1934) que publicó una amplia obra de investigación sobre el paisaje urbano y natural estadounidense, influyendo sobre toda una generación de fotógrafos.

“Me fascina que haya una variedad de sensaciones sobre lo que yo hago. No soy un fotógrafo premeditado. ‘Veo’ una un fotografía y la hago. Si tuviera la ocasión, estaría disparando a todas horas. No tienes que ir a buscar fotografías. El material es generoso. Sales y las imágenes te buscan a cada paso.”

Trabajó inicialmente con cámaras Leica de 35mm y película en blanco y negro, con un estilo que podríamos definir como "paisaje social", con una mezcla de imágenes sueltas de vida urbana, reflejos de escaparates, estructuras enmarcadas por vallas, carteles y señales de tráfico.

Friedlander trabaja actualmente con cámaras fotográficas de mediano formato (Hasselblad Superwide). Mientras que sufría de artritis se centró en fotografiar sus alrededores. Su libro Stems refleja su vida durante la época en que le operaron de la rodilla, con imágenes con texturas, lo que no era una característica de su trabajo anterior. De alguna manera, estas imágenes son similares a las de Josef Sudek que también fotografió los límites de su hogar y estudio. http://www.cadadiaunfotografo.com Galería Lee Friedlander

2. VALORACIÓN PERSONAL

“Antes de la llegada del Renacimiento, el mundo se representaba pictóricamente en un espacio, plano, sin perspectiva, sin profundidad, era un espacio no fotográfico…”

Yo – Se pintaba por los conocimientos que pudiese tener el pintor, no era una visión instantánea, no era un momento capturado y además podía ser ficticio.

“El Renacimiento comienza a mostrar el mundo como es” Yo – Al contrario que en la época anterior, ahora si se representaba la vida o la naturaleza tal como se nos presentaba, como era, situaciones reales de la vida cotidiana, de los hechos que ocurrían, incluso históricos, hechos que cambiaban la situación política y social.

“La fotografía ha sido heredera de esa manera de entender la mirada, de esa manera de situar la cámara, de esa manera de situar a alguien delante de ella.”

Yo – Como bien dice, la fotografía supo captar la intencionalidad del Renacimiento, lo que pretendían mostrar aquellos pintores con sus obras. Desde el mismo punto de vista.

“El Renacimiento nos ha enseñado a mirar y a mostrar el mundo con orden, a mostrar el mundo claramente, de una manera racional.

La cámara fotográfica y su antecesora, la cámara oscura son un lugar ideal para que este acto casi mágico de cercar y ordenar el espacio sea posible.”

Yo – No solo muestra un punto de vista sino que nos hace mostrar el puntoo de vista de cada uno, de cómo nos expresamos cada uno de nosotros, de mostrar al resto como vemos al mundo.