EDUARDO MOMEร E La Visiรณn Fotogrรกfica
FICHA DE LECTURA. DATOS DEL ALUMNO/A: APELLIDOS: Díaz Ruiz NOMBRE: David CURSO: 1ºA Fotografía Artística FICHA BIBLIOGRÁFICA: Autor: Eduardo Momeñe Título del libro: Visión fotográfica. Curso de fotografía para jóvenes fotógrafos Año de edición: 2009 Editorial: AUTOR-EDITOR ISBN: 9788461322435 RESEÑA DEL CAPÍTULO 1. RESUMEN La fotografía representaba un medio de reproducción mecánica y automática de la naturaleza y que no necesitaba del genio del artista. Muchos fotógrafos quisieron reclamar para la fotografía la categoría de medio artístico, y para ellos, la de artista. Planteemos algunas contra-preguntas: ¿Por qué la fotografía tiene obligatoriamente que ser un medio artístico?, ¿por qué no nos conformamos con que la fotografía sea tan solo un medio extraordinario para mostrar el mundo?. El Pictorialismo reclamaba para la fotografía la categoría de medio artístico…, pero en términos pictóricos. No se podía concebir que un medio de reproducción mecánica de la naturaleza, produjese imágenes nobles, dignas de ser consideradas obras de arte. La fotografía cayó en manos de personas con vocación pictórica frustrada, esta pretensión artística aún sigue vigente e insistamos en que debemos prevenirnos: la fotografía es otro mundo. Lo que muchas fotógrafos-artistas no lograban comprender es que la apariencia del mundo vista en un papel podría ser fascinante, siempre que estuviese mirado por un artista, por una persona con talento, por un cierto tipo de persona, un cierto tipo de inteligencia, un cierto tipo de entendimiento, de compresión de lo visible. Un artista es una persona capaz de crear obras de arte, muchas veces se confunde las personas que son artistas con las que tan solo poseen tendencias, aficiones artísticas. En nuestro caso, no sería un mal ejercicio preguntarnos si somos artistas o si tan solo poseemos gustos artísticos, si fuese lo primero, no debemos preocuparnos demasiado, pues el tiempo respaldará siempre que trabajemos y no nos dispersemos ese talento para el arte que poseemos. Si pertenecemos al segundo grupo y lo aceptamos nos
quitaremos un peso de encima, pues nos desembarazaremos de la responsabilidad de tener que hacer arte. Lo cierto es que muchas de las más extraordinarias fotografías de la historia han sido realizadas por fotógrafos. Cuando la instantánea, la vulgar instantánea, hizo su aparición, vino a suponer algo que nada tenía que ver con todo aquello, se trataba de algo inesperado, que venía de otro mundo para instalarse también en otro mundo. Siempre nos referimos al padre como sujeto que lleva acabo la tarea de los recuerdos familiares y ello se debe a que hasta hace muy poco tiempo era el padre y no la madre el fotógrafo “oficial” de la familia. Todo ello ha cambiado y si ampliamos el comentario diremos que son nombres de mujeres los que están revitalizando la fotografía contemporánea, una nueva sensibilidad, una nueva mirada, amplia de la fotografía contemporánea de una manera extraordinaria. Pensemos en que probablemente vayamos por buen camino si nuestras fotografías poseen libertad, la espontaneidad, y el estilo de aquellas instantáneas. Estamos optando por la fotografía en estado puro, porque la fotografía, fue inventada por estas, por aquel desbarajuste visual que rompió con unas normas formales sagradas hasta entonces. Aquella que nos interesa no proviene de los salones decimonónicos del arte con mayúsculas, sino de los que tan solo querían fotografiar la vitalidad, la realidad del mundo. Estas instantáneas, tienen un gran poder de atracción, ya que por múltiples razones el mundo visto en bruto en fotografías, puede ser muy atractivo. Las imágenes fotográficas, las más inocentes, las más indiferentes, pueden ser apasionantes. Una cámara de instantáneas (todas las cámaras lo son) en manos de un espíritu artístico con pretensiones artísticas puede producir resultados temibles, es el gesto que maquilla artificialmente el mundo, que lo convierte en una pobre caricatura de sí mismo. Cartier-Bresson cuenta cómo fueron sus comienzos, el gran fotógrafo hacía fotografías del mundo que le rodeaban, y poco a poco pensó en que quizás podría comenzar a tomárselo en serio. Fueron aficionados que se lo tomaron muy enserio. Así empiezan casi todos los grandes, poco a poco, cada vez con más interés, con más curiosidad, con más profundidad. ¿Qué es lo que hace posibles las buenas fotografías? Cartier-Bresson hablaba de ello mucho tiempo después de haber decidido hacer de su afición una forma de vida: La cámara fotográfica es para mí un cuaderno de bocetos, la controladora del instante, para significar el mundo es necesario sentirse implicado en lo que se encuadra a través del visor.
Esta actitud exige concentración, sensibilidad y sentido de la geometría. Fotografiar es retener la respiración cuando todas nuestras facultades convergen para captar la realidad que se escapa. Es poner en la misma línea de mira la cabeza, el ojo y el corazón. Es una manera de vivir. Concentración. Puede recordarnos a la práctica zen del tiro al arco. Es el olvido de uno mismo, como si la diana atrajese a la flecha. Con nuestra cámara en la mano, conocemos bien el arco y la flecha pero no muy bien la diana. Se dispara en el momento en el que el centro de la diana está donde tiene que estar. Un instante después y la diana móvil o nuestro ojo se ha movido. Es una capacidad para ver al milímetro todo lo que está ocurriendo en el visor. El fin de las buenas fotografías es aportar nuevos significados a lo que vemos, una cierta sensibilidad, un talento que no tiene por qué ser el del genio, pero si debe poseer una cierta compatibilidad con lo que se quiere hacer. Una manera de vivir. Asunto nada desdeñable, ya que en cierto modo la fotografía es un estilo de vida, mirar las cosas de otra manera, desde otra perspectiva. Momento decisivo, un concepto fácilmente entendible. Es el instante donde todo converge, expresión, significado, orden, armonía… Todo ello atrapado al vuelo, y previsualizado en décimas de segundo antes de disparar la cámara. Es necesario disparar antes de tan si quiera tener el arma en la mano. Para ello hay que entornar los ojos, mirar fijamente, una concentración absoluta y a partir de ahí se dispara de verdad. En definitiva, una manera de entender cómo se fotografía en la calle, cómo se lleva a cabo el reportaje que todos entendemos, fotografías universales que todo el mundo aprecia y disfruta. Dejaremos al mundo que hable en su entorno natural, si bien en muchas ocasiones intervendremos y también le preguntaremos si podemos hacerle un retrato, si tendría la amabilidad de posar un momento para nosotros. Otros tres nombres, si bien de diferentes momentos decisivos, de diferentes dianas. Robert Frank, Garry Winnogrand, Lee Friedlander… Quizás algunas de sus fotografías puedan provocarnos un cierto rechazo o indiferencia en un principio, ello se puede deber a que nuestra mirada fotográfica está muy condicionada por maneras muy arraigadas, muy unidireccionales, son imágenes que comienzan a exigir una complicidad que va más allá de la simple simpatía hacia un mundo humano, ordenado y transparente.
Cartier-Bresson es un clásico con una formación clásica y su sentido de la geometría no es el del aficionado que obtiene instantáneas familiares con el fin de atesorar recuerdos. Cartier-Bresson pone orden en una manera caótica de obtener imágenes, de presentar y representar el mundo. Trata de facilitarnos la imagen del mundo. Esto es lo que han intentado hacer todos los fotógrafos pero el de Cartier-Bresson es el de un clásico. Las fotografías no surgen ni de las buenas intenciones ni tan solo de la intuición o del azar, si no que exigen de esfuerzo, constancia, curiosidad, actividad, un bagaje de información, de formación, de datos culturales, de referencias, de conocimiento, de fracasos previos. La historia de la fotografía es, en su mayor parte, una colección de instantáneas cultas, adultas, extraordinarias, cada vez más y mejor trabajadas, más pensadas, de miradas más reflexivas, más conscientes, más inteligentes. Además de la tentación de la pretensión artística, otro de los problemas que pueden afectar puede provenir de la facilidad con la que se obtienen este tipo de imágenes, y lo cual a provocado en muchas ocasiones la falta de culminación en la obra fotográfica. Imagines la toma fotográfica como un si un rollo de película costase diez veces más, como si la tarjeta de nuestra cámara digital no pudiese borrarse y volver a grabarse. Por fortuna no es así, pero seguramente nuestras fotografías estarían más trabajadas. La extrema facilidad y el bajo coste con que se obtienen fotografías nos puede hacer olvidar que las fotografías necesitan ser elaboradas. El fotógrafo francés Bernard Plossu suele decir que sus fotografías están hechas en 1/60 de segundo más todos los años de su vida. Nuestro 1/60 de segundo fotográfico es la última pincelada de un proceso complejo y laborioso. Si creemos que tan solo ese instante es el necesario para la auténtica elaboración de la obra, no estamos mirando el mundo como los grandes fotógrafos, sino como el aficionado muchas veces pasivos. ¿A qué queremos referirnos cuando hablamos de fotografía inacabada, no terminada? Nos referimos a aquellas imágenes que no están conseguidas, a aquellas que no nos emocionan como la canción que más nos gustó. Podemos ser mejores o peores, más dotados o menos dotados, pero nunca negligentes, desinteresados o simplemente perezosos. Los objetos fotografiados existen realmente cuando son mirados, nombrados por ojos maestros, cuando extendemos y ampliamos su significado.
Digamos que todo el tiempo que empleemos en curiosear por las muchas páginas que hay en internet y en las que es seguro que encontraremos mucho de gran interés, estará muy bien aprovechado. Cita Pictoralismo: Este equivocar la realidad de la fotografía se plasmó sobre todo en una corriente que invadió la segunda parte del siglo XIX y que vino a denominarse Pictorialismo, y cuya pretensión fue una fotografía a la altura del gran arte, encerrándose en salones artísticos reservados a una supuesta élite, también artística. Pictorialismo – Movimiento artístico. El objetivo del pictorialismo claramente era que la fotografía alcance ese valor tan importante que tenía la pintura y la escultura y para esto fueron creando técnicas y efectos para acercarse a la pintura como la goma bicromada o el bromóleo (así se simulaba un dibujo), también utilizaban el desenfoque (efecto floue). Recurrían al juego con las luces y sombras, colocaban filtros u otros objetos para impedir ver claramente. Es decir que se apoyaba en el énfasis de tipo manual para que sean aceptadas como artes plásticas. Así, se encasilla al pictorialismo como hermana menor de la pintura. Algo que se hacia también era destruir el negativo y así acercarse a lo que era el concepto de obra de arte única. “Un selecto grupo de viejos fotógrafos academicistas y burgueses comenzaron a reunirse en pequeños círculos de Salones privados e independientes (los ‘Foto-Clubs’), desde donde se discutían las tendencias estéticas que habrían de dominar en la práctica fotográfica, de conformidad siempre con los movimientos imperantes a la sazón en pintura. El primero de este círculo de fotógrafos de élite, sería el Cámara-Club de Viena, donde tendría lugar en 1901 la primera muestra oficial de ‘fotografía pictorialista’. Surge así oficialmente el Pictorialismo como movimiento artístico fotográfico”. https://historiadelafotografia.wordpress.com
Cita Henry Peach Robinson: El resultado, alguien comentaría, fueron fotografías que parecían pinturas y que no eran ni fotografías ni pinturas. Algunos representantes de este movimiento fueron Henry Peach Robinson (1830-1901), Oscar Rejlander (18171875), Robert Demachy (1859-1937), Edward Steichen (1879-1973), y en España, José Ortiz de Echagüe (18861980). Henry Peach Robinson - Conocido principalmente por la utilización de múltiples negativos o impresiones para formar una sola imagen. Fue uno de los fotógrafos artísticos y comerciales de mayor éxito en el siglo XIX en Gran Bretaña. Con toda la revolución que supuso y sigue suponiendo el tratamiento fotográfico con Photoshop, resulta difícil pensar que en los primeros años de vida de la fotografía ya se hiciesen fotomontajes. Henry Peach Robinson, fue uno de los precursores y máximo exponente de la corriente pictorialista en fotografía. De este modo y remitiéndonos a una de sus fotografías más célebres, `Fading away´compuesta en 1858 quiso representar, por medio de cinco negativos distintos, el melodrama y exaltación sentimental en una imagen claramente de influencia pictórica. Como aficionado a la pintura, trabajaba sus obras con bocetos preliminares a mano para después dar forma a sus composiciones fotográficas. El proceso fotográfico lo conseguía mediante el uso del colodión húmedo, por el cual la placa de vidrio debía estar húmeda tanto en el momento de la toma como en el revelado. https://www.xatakafoto.com Galería Masters of Photography - Henry Peach Robinson
Cita Oscar Rejlander: El resultado, alguien comentaría, fueron fotografías que parecían pinturas y que no eran ni fotografías ni pinturas. Algunos representantes de este movimiento fueron Henry Peach Robinson (1830-1901), Oscar Rejlander (1817-1875), Robert Demachy (1859-1937), Edward Steichen (1879-1973), y en España, José Ortiz de Echagüe (1886 -1980).
Oscar Rejlander - Rejlander se especializó en escenas de género de la vida doméstica, con sus amigos y vecinos como modelos. Creyendo que la fotografía haría a los pintores dibujantes más cuidadosos, se ganó una vida modesta haciendo estudios fotográficos para artistas. Su obra fotográfica, realizada en estudio con el empleo de mucho atrezzo, se centra en temas como la alegoría, el mito y la historia. Para la obtención de la obra final realizaba bocetos previos y luego retocaba los negativos (montándolos, coloreándolos, etc.), imprimiéndolos en una sola hoja de papel, que volvía a fotografiar para crear una imagen completa y perfecta, con tal maestría que no se notaba el retoque. Se dedicó al retrato fotográfico y a la fotografía de desnudo, para la que empleaba como modelos a chicas del circo de Madame Wharton, chicos de calle y jóvenes prostitutas. Acometió diversos experimentos para mejorar sus fotografías, incluyendo un procedimiento de impresión fotográfica del cual parece ser su inventor. Fue amigo y maestro de Lewis Carroll, quien recopiló la obra inicial de Rejlander y colaboró en resolver los problemas técnicos de éste. En 1863 Rejlander visitó la Isla de Wight y colaboró con Julia Margaret Cameron. http://www.cadadiaunfotografo.com Galería How Rejlander May Have Produced "The Two Ways Of Life"
Cita Robert Demachy: El resultado, alguien comentaría, fueron fotografías que parecían pinturas y que no eran ni fotografías ni pinturas. Algunos representantes de este movimiento fueron Henry Peach Robinson (1830-1901), Oscar Rejlander (1817-1875), Robert Demachy (1859-1937), Edward Steichen (1879-1973), y en España, José Ortiz de Echagüe (1886 -1980).
Robert Demachy - A mitad de la década de 1870 descubrió la fotografía y se apasionó por ella. Desde ese momento dedicó su tiempo a la misma, realizando continuamente tomas fotográficas y se dedicándose a escribir sobre fotografía. Aunque nunca trabajó como profesional la fotografía fue la actividad a la que dedicaba un mayor tiempo. Fue de los primeros en emplear el procedimiento de la goma bicromatada introducido por A. Rouillé-Ladevèze en el Salón de París. Desarrolló un estilo que se basaba en una
gran manipulación de la imagen, tanto durante la toma, como en los procesos de revelado del negativo y de nuevo durante la impresión. Estas ideas que él mismo había experimentado las desarrolló en escritos teóricos y prácticos señalando sus conclusiones acerca de la estética y de la goma bicromatada, ayudando a divulgarlas entre los fotógrafos franceses. Entre otras ideas defendió el retoque de la fotografía con el fin de convertirlo en una copia única. En 1911 perfeccionó el proceso del bromóleo. Lo que le permitió llegar a ser incluso más audaz en su estilo visual y en su obra atrayendo pronto a un amplio público internacional. En los dos años siguientes expuso en París, Viena, Nueva York y Londres. Su dedicación a la fotografía era tan grande que provocó su divorcio en 1909. http://www.cadadiaunfotografo.com Galería Robert Demachy: Photography Using Gum-Bichromate Process
Cita José Ortiz de Echagüe: El resultado, alguien comentaría, fueron fotografías que parecían pinturas y que no eran ni fotografías ni pinturas. Algunos representantes de este movimiento fueron Henry Peach Robinson (1830-1901), Oscar Rejlander (18171875), Robert Demachy (1859-1937), Edward Steichen (1879-1973), y en España, José Ortiz de Echagüe (1886 -1980). José Ortiz Echagüe - En el campo de la fotografía artística es quizá el fotógrafo español más popular y uno de los más reconocidos internacionalmente. En 1935 la revista American Photography lo consideró uno de los tres mejores fotógrafos del mundo. Algunos críticos lo consideran el mejor fotógrafo español hasta el momento, lo cual es más meritorio porque la fotografía fue para él una afición a la que dedicaba ratos libres, especialmente los fines de semana y durante sus viajes. Desde el punto de vista artístico y por su formación y temática se le podría considerar el representante de la generación del 98 en la fotografía. Se le suele encuadrar dentro de la corriente fotográfica del pictorialismo, siendo el mejor representante del
llamado pictorialismo fotográfico español, aunque esta denominación no le gustaba. Su obra fotográfica se enfoca hacia la plasmación de los caracteres más definitorios de un pueblo: sus costumbres y atuendos tradicionales y sus lugares. Consigue expresar con sus fotografías una expresión personal más cercana a la pintura, casi siempre mediante efectos durante el positivado. En 1898 le regalaron su primera cámara; desde entonces y a lo largo de 75 años realizó miles de fotografías. Revelaba él mismo sus negativos usando la técnica del carbón fresson, bastante utilizada en su juventud. Él la usó en toda su obra artística, lo que daba un especial matiz a sus positivos, así como un mayor contraste, lo que hace que sus obras sean fácilmente reconocibles. Su producción es enteramente en blanco y negro. http://www.cadadiaunfotografo.com Galería José Ortiz Echagüe
Cita George Rodger: Si nos hubiésemos visto atrapados por la Segunda Guerra Mundial, podríamos haber puesto como ejemplo a George Rodger, y si tenemos la fortuna de encontrarnos en un mundo más afortunado, nuestro ejemplo podría ser el siempre oportunamente mencionado Ralph Gibson. George Rodger - Recibió la formación en clases de una ayudante, que contrató para la realización de la toma fotográfica, licenciado en la Escuela de Fotografía de Bloomsbury. Rodger se jactaba de no haber recibido educación fotográfica alguna: según él “no puede enseñarse algo que, en realidad, debe estar dentro de uno mismo”. Su trabajo consistía en retratar a todo personaje importante que hablaba en la BBC para su publicación en The Listener. Así comenzó una nueva etapa de aventuras y anécdotas, pero también de dolorosas tragedias personales que fueron moldeando su carácter y su obra. Rodger trabajó dos años para la BBC, los cuales le permitieron afianzar sus conocimientos técnicos para después renunciar y buscar una agencia de prensa que lo representara. Para entonces tenía muy claro que quería ser fotorreportero.
Rodger se jactaba de no haber recibido educación fotográfica alguna: según él “no puede enseñarse algo que, en realidad, debe estar dentro de uno mismo”. Así comenzó una nueva etapa de aventuras y anécdotas, pero también de dolorosas tragedias personales que fueron moldeando su carácter y su obra. Fue entonces, hacia 1937, cuando la fotografía empezó a parecerle interesante, fue también cuando cambió la aparatosa cámara de estudio por la versátil Leica y una Rolleiflex para entrar de lleno en su profesión. A Rodger le cabe el dudoso honor de ser el primer fotógrafo británico que penetra en el campo de Bergen-Belsen (1945) tras la huida de los alemanes. “Los niños pequeños apoyan la cabeza sobre los fétidos cadáveres de sus madres. Ni siquiera tienen fuerzas para llorar“, escribe en su cuaderno de notas. Su primera tarea en el exterior fue con los Franceses Libres: un viaje largo y arriesgado que culminó en China dos años más tarde a lo largo del cual retrató la situación de cerca de cincuenta países. https://maestrosdelafotografia.wordpress.com http://www.georgerodgerphotographs.com/ Galería Kordofan movie by George Rodger
Cita Ralph Gibson: Si nos hubiésemos visto atrapados por la Segunda Guerra Mundial, podríamos haber puesto como ejemplo a George Rodger, y si tenemos la fortuna de encontrarnos en un mundo más afortunado, nuestro ejemplo podría ser el siempre oportunamente mencionado Ralph Gibson.
Ralph Gibson - El fotógrafo estadounidense Ralph Gibson ha logrado durante más de cuatro décadas reconocimiento mundial. Su estilo audaz y gráfico es instantáneamente reconocible. Como consecuencia de ello, es una constante fuente de inspiración para otros fotógrafos y artistas en general. Un campeón de la expresión individual, Gibson insta a los fotógrafos a desarrollar un estilo personal, siguiendo sus propios instintos. “He sido fotógrafo toda mi vida… He fotografiado muchas cosas por muy diversas razones. Pero hay algo que cada vez se hace más y más evidente y es sencillamente que soy tan bueno como lo es mi próxima fotografía. Es lo que más importa. Es por este motivo que encuentro tanto placer al enfrentarme a un nuevo día y al revelar ese nuevo carrete. Es una forma de vivir genial”. Su época en la marina, lugar donde comienza su andadura en la fotografía ya que por azar ingresó en la Escuela Naval de Fotografía recibiendo una formación técnica que le permitió realizar retratos, fotografía aérea y otros trabajos de corte documental. Otro dato que se cuenta en su biografía es que cuando el barco hacía escala en Nueva York, era un asiduo a los clubes de jazz y asistía a lecturas de poesía. Factores que influyen, desde luego, puesto que tenía inquietudes culturales. Como cuentan, sólo con sus Leicas y con doscientos dólares en el bolsillo, se instaló en el Hotel Chelsea y muy pronto empezó a relacionarse en los ambientes culturales de esa gran urbe que le atrapaba por su fuente inagotable de inspiración. Conoció a Larry Clark y Mary Ellen Mark, se empezó a interesar por la narrativa surrealista e ingresó en un mundo de nocturnidad que le permitió llevar a cabo un trabajo más personal alejado de cualquier ápice que implicase la palabra comercial. https://www.xatakafoto.com http://culturainquieta.com http://www.ralphgibson.com/ Galería RALPH GIBSON :: MAKING AN EXHIBITION
Cita Eugéne Atget: Nuestras fotografías serán tan sólo buenas o muy buenas, quizás extraordinarias. Fue Eugène Atget un artista, lo fue August Sander? Ya tendremos tiempo para pensar en ello. Eugéne Atget - En su juventud, Eugéne Atget era marinero, y más tarde un actor que se ganaba la vida jugando papeles de menor importancia. En sus cuarenta y pocos años, ante la necesidad de ganarse la vida de otra manera, trató con la pintura y luego se volvió a la fotografía. Un amigo escribió sobre él: “Durante algún tiempo había tenido la ambición de crear una colección de todo lo que era artístico y pintoresco en París y sus alrededores. Un tema inmenso”. Con una devoción única, Atget comenzó su colección: arquitectura, árboles, estatuas, vidrieras, los vendedores ambulantes, fuentes, jarrones – miles de fotografías en docenas de categorías. No fue sino hasta poco antes de su muerte que las fotografías de Atget comenzaron a ser apreciadas en su propio derecho. Man Ray publicó unas pocas (sin crédito) en 1926 en su revista “La Révolution surréaliste”. Berenice Abbott reconoció el genio de Atget y fue en gran parte gracias a sus esfuerzos después de su muerte que su trabajo ha sido preservado y promovido. Ella predijo: “Será recordado como historiador urbanista, un auténtico romántico, amante de París, un Balzac de la cámara, de cuyo trabajo se puede tejer un tapiz grande de la civilización francesa”. https://clubdefotografia.net Galería Sesión 04.3 Fotografía Clásica Eugene Atget
Cita Edward Hopper: Se trataba de algo inesperado que venía de otro mundo para instalarse también en otro mundo. Es como si equiparásemos la actividad y la obra de un pintor como Edward Hopper es un ejemplo con la actividad y la obra de quien se dedica a pintar paredes… Edward Hopper - El pintor estadounidense Edward Hopper fue uno de los principales representantes del realismo del siglo XX. A pesar de que durante gran parte de su vida su obra pictórica no recibió la atención de la crítica ni del público y se vio obligado a trabajar como ilustrador para subsistir, en la actualidad sus obras se han convertido en iconos de la vida y la sociedad moderna. Su producción artística es relativamente escasa, ya que fue un pintor de ejecución lenta y pausada. En un primer momento se relacionó con la denominada American Scene, un grupo heterogéneo de artistas que compartían un mismo interés por los temas propios de América, pero pronto Hopper desarrolló su personal estilo pictórico. Su carácter taciturno y sus formas austeras, tuvieron un fuerte reflejo en su obra, que se caracteriza en su conjunto por la simplificada representación de la realidad y por la perfecta captación de la soledad del hombre contemporáneo. A través de su pintura nos acercamos a la América de la Gran Depresión, que para él simbolizaba la crisis de la vida moderna. https://www.museothyssen.org Los 20 mejores cuadros de Edward Hopper https://www.edwardhopper.net/ Galería
Cita Bill Viola: Es como si equiparásemos la actividad y la obra de un pintor como Edward Hopper es un ejemplo con la actividad y la obra de quien se dedica a pintar
paredes, algo así como si metiésemos en el mismo saco la actividad de Bill Viola con la del padre de familia con su cámara de vídeo filmando las vacaciones familiares. Bill Viola - Bill Viola (Nueva York, 1951) comenzó a experimentar con el videoarte a principios de la década de 1970 a raíz de su participación en el programa de Estudios Experimentales de la Universidad de Siracusa (Nueva York). Interesado en el misticismo, la poesía y las filosofías, tanto de Oriente como de Occidente, Viola empleó las posibilidades técnicas del vídeo como herramienta en su constante indagación acerca de la condición humana, el nacimiento y la muerte, o los procesos de cambio, renacimiento y transfiguración, temas destacados en su obra. Durante la última década y empleando diversos medios y formatos, Viola ha seguido mostrando lo fundamental de la experiencia de la vida, algo que ilustra de manera elocuente su empleo del agua en obras como Los inocentes (The Innocents, 2007), Tres mujeres (Three Women, 2008) y Los soñadores (The Dreamers, 2013), y su recorrido por el ciclo de la vida que se iniciará en la exposición con Cielo y Tierra (Heaven and Earth, 1992) y concluirá con un renacimiento en la obra Nacimiento invertido (Inverted Birth, 2014). http://www.hoyesarte.com Bill Viola, retrospectiva de un pionero http://www.billviola.com/
Cita Clementina Hawarden: Es también un buen momento para recordar a algunas tan sólo unas pocas de aquellas mujeres fotógrafas que fueron mucho más modernas que su época: Las siempre mencionadas Julia Margaret Cameron y Dorothea Lange, Clementina Hawarden, Condesa de Castiglioni, Leni Riefenstahl, Claude Cahun, Lee Miller, Aenne Biermann, Florence Henri… Clementina Hawarden - Lady Clementina Hawarden fue una fotógrafa escocesa que obtuvo un notable reconocimiento como fotógrafa en la Era Victoriana, a pesar de su prematura muerte. Es considerada una precursora de la fotografía de moda.
Es probable que comenzara a experimentar con la fotografía a partir de 1857, realizando inicialmente fotos estereoscópicas de paisajes en los alrededores de la finca. Pero en 1859 cuando la familia regresó a Londres, comenzó a fotografiar a sus hijas adolescentes en un estudio que se montó en el primer piso de su lujosa casa. La vizcondesa sentía gran pasión por el arte de la composición teatral y la luz que supo retratar con maestría. Se convirtió en una prolífica fotógrafa, produciendo unas 800 fotografías, la mayor parte de sus hijas adolescentes. En 1863 expuso por primera vez su trabajo en la Photographic Society of London y repitió exposición al año siguiente. En ambas oportunidades fue galardonada y muy aplaudida, pero no pudo recoger sus medallas, al morir prematuramente de neumonía a la temprana edad de 42 años. Se cree que su muerte estuvo relacionada con la prolongada exposición a los productos químicos fotográficos de la época que le debilitaron su sistema inmunológico. Trabajaba con negativos de colodión húmero y copias en albúmina. Sus fotografías representan la vida de una familia victoriana de clase alta. Las posturas, muchas veces provocativas de sus hijas, fueron muy criticadas. La sociedad victoriana estaba molesta por la idea de la sexualidad en la adolescencia, tema explícito en la obra de la vizcondesa. Al crear estas imágenes enigmáticas, replanteó nuevos retos al arte de la fotografía. Es por ello que está considerada por algunos especialistas como la primera artista de la imagen fotográfica. http://www.cadadiaunfotografo.com Galería V&A Exhibit at the Cerulean Gallery - The Photographs of Lady Clementina Hawarden
Cita Condesa de Castiglione: Las siempre mencionadas Julia Margaret Cameron y Dorothea Lange, Clementina Hawarden, Condesa de Castiglioni, Leni Riefenstahl, Claude Cahun, Lee Miller, Aenne Biermann, Florence Henri (aprovechemos para investigar la palabra Bauhaus, Margaret BourkeWhite… Condesa de Castiglione - La Condesa de Castiglione estaba obsesionada con su propia belleza y ejecutó meticulosamente la dirección artística de cientos de retratos de sí misma a lo largo de toda su vida. Aunque muchos la despreciaron por su egocentrismo, el conjunto de su obra... El sujeto de la foto ―una mujer llamada Virginia Oldoini, más conocida como Condesa de Castiglione— posó para cientos de inquietantes y extrañas fotografías en el transcurso de 40 años, entre 1856 y 1895, y el conjunto de obras resultante lleva intrigando a la gente desde hace generaciones. Sin embargo, no era una simple musa o una modelo pasiva: la condesa ejecutaba obsesiva y fastidiosamente la dirección artística de cada foto, a veces incluso eligiendo el ángulo de la cámara o retocando a mano las imágenes una vez impresas. Escribiendo acerca de sí misma en tercera persona, la condesa dijo, "El Padre Eterno no sabía lo que estaba creando el día que la envió al mundo; modeló y modeló la arcilla y cuando hubo terminado, contempló su maravillosa obra y quedó sobrecogido. La dejó en un rincón sin asignarle un lugar". https://broadly.vice.com Galería
Cita Leni Riefenstahl: Las siempre mencionadas Julia Margaret Cameron y Dorothea Lange, Clementina Hawarden, Condesa de Castiglioni, Leni Riefenstahl, Claude Cahun, Lee Miller, Aenne Biermann, Florence Henri (aprovechemos para investigar la palabra Bauhaus, Margaret BourkeWhite…
Leni Riefenstahl - Leni Riefenstahl fue una de las mejores cineastas del siglo XX. Aunque su vinculación al régimen nazi hicieron de Leni un personaje controvertido, admirado y odiado. A lo largo de su longeva vida, más de 100 años, esta alemana demostró tener una voluntad de hierro luchando por su pasión y defendiéndose de múltiples calumnias. Aprendiendo cine en la montaña La montaña sagrada fue su primer incursión en el mundo del cine como actriz. Desengañada de su carrera como bailarina, Leni conoció a Arnold Fanck, director de cine, geólogo y fundador de la Sociedad de Cine Deportivo y de Montaña de Frigurgo. Arnold quedó prendado de la belleza y decisión de Leni y la contrató. La luz azul, una leyenda de los Dolomitas fue su primera película como directora en la que también aparecía como actriz. Fue todo un éxito. En la Bienal de Venecia de 1932 conseguía la medalla de plata y la película se mantuvo en cartel más de un año en varias capitales europeas. Contacto con el Führer Estando de promoción de La luz azul en Alemania, Leni vio por primera vez a Adolf Hitler y toda su parafernalia propagandística en un acto público en el Palacio de Deportes de Berlín. Impresionada por la personalidad de Hitler no dudó en enviarle una misiva de felicitación que, sorprendentemente para ella, recibió respuesta. El Führer y Leni se conocieron poco tiempo después y la artista empezó a frecuentar los círculos políticos y festivos de la élite nacionalsocialista alemana. El triunfo de Leni Adolf Hitler se interesó por el trabajo artístico de Leni y, asesorado por sus colaboradores, decidió ofrecer a la artista la dirección de varios documentales del partido nazi. Leni aceptó. De 1933 a 1935 filmó lo que se conoce como La trilogía de Nuremberg, una serie de documentales sobre el nacionalsocialismo: Victoria de fe, El triunfo de la voluntad y Día de libertad. El silencio de Leni Cuando estalló la Segunda Guerra Mundial, el Tercer Reich puso en marcha una masiva producción de películas propagandísticas para ensalzar el régimen y de entretenimiento para mantener la moral del pueblo. Ante la negativa de la directora de rodar una película sobre la línea Sigfrido, espacio defensivo alemán en respuesta a la Línea Maginot francesa, Leni desapareció del mundo cinematográfico alemán. Empezó a rodar una película que hacía tiempo que quería hacer, Tierra baja, centrada
en la Alhambra de Granada, alejándose de la producción de documentales sobre el nacionalsocialismo. La condena de Leni Terminada la guerra, Leni Riefenstahl fue acusada de colaborar con el régimen nazi, fue encarcelada, interrogada y aunque, finalmente quedó en libertad, sus bienes fueron incautados. No sólo eso, su crecibilidad quedó en entredicho. Tuvo que luchar contra las voces que la acusaban de ser afín al nazismo e incluso haber sido amante de Hitler o de Goebbels, con quien tenían una relación más que hostil. http://www.mujeresenlahistoria.com Galería Film
Cita Claude Cahun: Las siempre mencionadas Julia Margaret Cameron y Dorothea Lange, Clementina Hawarden, Condesa de Castiglioni, Leni Riefenstahl, Claude Cahun, Lee Miller, Aenne Biermann, Florence Henri (aprovechemos para investigar la palabra Bauhaus, Margaret BourkeWhite, quien viajaba con su cámara de manera parecida a cómo lo hacía Amelia Earhart con su avión. Claude Cahun - Estudia en Oxford tratando de esquivar el clima antisemita, continuando con estudios de filosofía en la Sorbonne, momento en el que comienza a tener contacto con el mundo artístico e intelectual de París, reconociéndose como surrealista desde el principio, aunque no será hasta 1932 cuando se integre en el movimiento. Hay que decir que el surrealismo no fue especialmente liberador en cuestiones de sexualidad y valores de género, pero Cahun consigue hacerse un hueco y pronto sus colegas reconocerán su trabajo.
Algo que marca de manera definitiva su trayectoria artística fue la colaboración en 1929 en el Teatro de Investigaciones Dramáticas Le Plateau, un teatro postdadaísta donde Cahun, como actriz, representaría alternativamente al personaje masculino y femenino, lo que le permite desarrollar una vía de investigación autobiográfica. Esta cercanía del teatro y la fotografía parece una verdadera confirmación a la alusión de Roland Barthes en La cámara lúcida acerca de que la fotografía tiene sobre todo relación con el teatro, más que con la pintura. Construye una serie de personajes, de disfraces de hombre y de mujer, que son y no son ella. No se trata tanto de travestismo como de polimorfismo. Pone en juego la mutabilidad, está en continuo movimiento, acorde con la idea de “lo moderno”, como un fluir continuo. Por otra parte, en muchos de estos autorretratos aparece la inspiración de viejas fotos de personajes de feria y del cine de humor de los primeros años. http://www.salesdeplata.com Galería Claude Cahun
Cita Lee Miller: Las siempre mencionadas Julia Margaret Cameron y Dorothea Lange, Clementina Hawarden, Condesa de Castiglioni, Leni Riefenstahl, Claude Cahun, Lee Miller, Aenne Biermann, Florence Henri (aprovechemos para investigar la palabra Bauhaus, Margaret BourkeWhite, quien viajaba con su cámara de manera parecida a como lo hacía Amelia Earhart con su avión. Lee Miller - Su padre, de ascendencia alemana era muy aficionado a la fotografía e introdujo a Lee desde muy pequeña tanto en la técnica como en la posición de modelo fotográfica. A la edad de 7 años fue violada por un amigo de la familia, que nunca se denunció por miedo al escándalo. Con la terrible agresión sexual empezó a desarrollar extraños síntomas hasta que finalmente se descubrió que su agresor le había contagiado la gonorrea. A partir de ese momento y durante varios años, su madre tuvo que aplicarle curas. También, al parecer por motivos terapéuticos, su padre comenzó a fotografiarla desnuda y con posturas sexualmente explícitas.
John, su hermano mayor, recordaba cómo durante aquellas curas podía escuchar llorar a la niña desde el otro lado de la puerta. El dolor, la vergüenza y el miedo se convirtieron en las notas dominantes de la nueva y desdichada vida de la futura fotógrafa. Desde entonces apareció una sombra permanente que se manifestó en todas sus relaciones de pareja. Poseedora de una belleza muy acorde con la época, siendo una adolescente y de camino a clase por Manhattan un transeúnte evitó que muriera atropellada por un taxi. Su salvador y descubridor resultó ser Condé Nast, fundador de la revista Vogue y a los 20 años Miller apareció en la portada de su revista. Desde ese momento fue una de las modelos más cotizadas. El escándalo la sacudió cuando su imagen apareció anunciando un producto de higiene íntima ya que era la primera vez que una mujer posaba para anunciar tampones. Sin embargo, el disgusto inicial de Lee pronto se transformó en orgullo porque pese al enorme revuelo que se había organizado, terminó sintiéndose satisfecha por el papel que había cumplido en la causa feminista apareciendo en aquella campaña. Desde entonces su breve carrera no volvió a ser la misma y como consecuencia decidió pasarse al otro lado de cámara. Avanzó velozmente en su aprendizaje y reunió bagaje técnico suficiente para convertirse en una auténtica fotógrafa profesional con personalidad propia. En ese periodo muchas de las fotografías tomadas por Lee fueron falsamente atribuidas a Man Ray, de la misma forma, el descubrimiento de la técnica de la solarización fotográfica a partir de ensayos en los que Miller participó activamente, ha sido injustamente reconocida en algunos medios como de Man Ray, Miller fue perfeccionando esa nueva técnica convirtiéndose en una auténtica experta. Al estallar la Segunda Guerra Mundial el director de Vogue le encargó reportajes centrados en la contribución femenina, pero Lee también comenzó a elaborar artículos en los que no solamente ejercía como fotógrafa también escribía los textos. Cuando Estados Unidos, tras el bombardeo de Pearl Harbor, se incorporó a la guerra de Europa, las excelentes crónicas de Miller le valieron una de las escasas licencias como corresponsal oficial de guerra que concedía la US Army. Recorrió Francia fotografiando el asedio de Saint Malo, la liberación de París, la batalla de Alsacia y el horror en los campos de concentración de Buchenwald y Dachau, entre los muchos horrores de la guerra. Retrató también prisioneros que pedían clemencia después de una paliza, niños moribundos, cadáveres de todas las edades y condiciones, desde bebés hasta antiguos colaboracionistas o miembros de los regímenes locales que se habían suicidado para evitar las represalias. Pero pese a la dureza extrema de las imágenes nunca abandonó su mirada de artista. http://www.tribunafeminista.org
http://www.leemiller.co.uk/ Galería Lee Miller | In Hitler's Bathtub La foto más emblemática del fin de la guerra tiene lugar en cuarto de aseo del apartamento de Hitler, en la que Lee posa dándose un baño con el rostro vuelto a la cámara, pero la fotografía tiene otros puntos de interés testimonial, no exento de teatralidad: las botas militares de la reportera, una pequeña figura de un desnudo femenino y el retrato de Adolfo Hitler. Pero aun hay un dato más, la fotografía fue tomada el 30 de abril de 1945, el mismo día en el que el responsable máximo e ideólogo del exterminio genocida se suicidó.
Cita Aenne Biermann: Las siempre mencionadas Julia Margaret Cameron y Dorothea Lange, Clementina Hawarden, Condesa de Castiglioni, Leni Riefenstahl, Claude Cahun, Lee Miller, Aenne Biermann, Florence Henri (aprovechemos para investigar la palabra Bauhaus, Margaret BourkeWhite, quien viajaba con su cámara de manera parecida a como lo hacía Amelia Earhart con su avión. Aenne Biermann - Fue uno de los principales defensores de la Nueva Objetividad, un importante movimiento de arte que se desarrolló en Alemania en la década de los años 20. “Me di cuenta cada vez con mayor claridad que la iluminación era de vital importancia para la claridad de la obra. ... El efecto de la luz sobre la superficie pulida de un utensilio de metal, un juego de sombras apenas notado, sorprendentes contrastes de blanco y negro, el problema de lograr una buena composición espacial en una imagen, … crean inagotables sorpresas.”
us fotografías de minerales transformaron su práctica fotográfica hasta de ella una figura central en la Nueva Objetividad fotografía, un importante movimiento del arte en la República de Weimar. Su trabajo se dio a conocer internacionalmente a finales de los 20, cuando formaba parte de cada gran exposición de fotografía alemana. http://www.cadadiaunfotografo.com Galería
Cita Florence Henri: Las siempre mencionadas Julia Margaret Cameron y Dorothea Lange, Clementina Hawarden, Condesa de Castiglioni, Leni Riefenstahl, Claude Cahun, Lee Miller, Aenne Biermann, Florence Henri (aprovechemos para investigar la palabra Bauhaus, Margaret BourkeWhite, quien viajaba con su cámara de manera parecida a como lo hacía Amelia Earhart con su avión. Florence Henri - Su trabajo incluye la fotografía experimental, publicidad y retratos. Cuando la Primera Guerra Mundial estalló en 1914, Henri estaba atrapada en Berlín con sus salarios congelados. Para ganarse la vida, Henri tocó el piano para películas mudas. Después de visitar la Academia de las Artes de Berlín, Henri decidió profundizar en la pintura en lugar de música. A lo largo de este período, Henri se centró en estudios de figuras y paisajes. El trabajo de Florence Henri ocupó un lugar central en el mundo de la fotografía de vanguardia a finales de 1920. Ella se convirtió en un miembro del Cercle et Carré grupo en 1929. Con las fotos de Florence Henri, la práctica fotográfica entra en una fase de nuevo alcance de lo que habría sido inimaginable antes de hoy. Por encima y más allá de la composición documental precisa y exacta de estas fotos muy definidas, la investigación sobre los efectos de la luz se abordan no sólo a través de fotogramas abstractos, sino también en fotografías de sujetos de la vida real.
Después de haber establecido su estudio en París entre 1928, y 1930 dio clases a futuras grandes fotógrafas como Gisèle Freund y Lisette Model. http://www.heroinas.net http://www.florencehenri.org Galería
Bauhaus - La Bauhaus: revolución fotográfica del siglo XX El nacimiento de la fotografía en la Bauhaus es espontáneo, surge como una necesidad por parte de estudiantes y profesores aficionados de atrapar con sus cámaras la vida que acontece. En 1919 en Weimar, Alemania, se fundó el instituto Bauhaus, que buscaba fusionar al arte y a la ingeniería, pues ambas podían complementarse y, por ende, beneficiarse. De esa manera, la Bauhaus (como se conoce comúnmente) representó una revolución en el arte y el diseño. Dado el carácter innovador del instituto, en 1923 apareció el antecedente de lo que se convertiría en la asignatura de fotografía; fue un taller que estuvo a cargo de Lázlo Moholy-Nagy, quien enseñó técnicas como el fotomontaje, el montaje lumínico, la foto escultura y el collage. La asignatura, propiamente, surgió hasta 1929, dada la demanda hacia al taller del profesor Moholy-Nagy, y aportó a grandes fotógrafos como Walter Peterhans, Ellen Auerbach, Lucia Moholy, Otto Maximilian Unbehr (Umbo), entre otros. Los resultados son fascinantes, pues, a pesar de que los fotógrafos tuvieron una misma formación y existen rasgos parecidos en sus trabajos, es evidente el estilo de cada uno. http://galeriafotocreativa.com
Bauhaus: el rostro del siglo XX
Cita Margaret Bourke-White: Las siempre mencionadas Julia Margaret Cameron y Dorothea Lange, Clementina Hawarden, Condesa de Castiglioni, Leni Riefenstahl, Claude Cahun, Lee Miller, Aenne Biermann, Florence Henri (aprovechemos para investigar la palabra Bauhaus, Margaret BourkeWhite, quien viajaba con su cámara de manera parecida a como lo hacía Amelia Earhart con su avión. Margaret Bourke-White – “Me siento como si el mundo se hubiera abierto y yo tuviera todas las llaves.” Su padre era ingeniero y Margaret lo recordaba siempre inmerso en sus pensamientos e ideas “en los restaurantes dejaba la comida a un lado para hacer bosquejos de sus ideas en las servilletas”. Su madre era ama de casa pero siempre alentó cualquier nuevo interés de sus tres hijos rodeándolos de libros. De pequeña, a Margaret le interesaban los insectos, las tortugas, los libros y los mapas. Quería ser herpetóloga. “Me imaginaba a mi misma como una científica, yendo a la selva a por nuevos especímenes para los museos de ciencias naturales y haciendo todas las cosas que las mujeres no hacían.” Su interés por la naturaleza derivó más adelante hacia la industria. Una visita con su padre a una fundición la marcó para toda la vida. “De repente, la oscuridad se rompió con la luz del metal fluyendo y chispas de luz, no puedo describir mi alegría. En aquel momento, la fundición representaba el principio y el final de toda la belleza.” Años después, comenzó su carrera como fotógrafa tras terminar la universidad fotografiando el campus universitario y vendiendo las imágenes. El éxito fue inmediato y a partir de ahí desarrolló su carrera como fotógrafa arquitectónica e industrial. Sus fotografías del Ohio Still Mill fueron su primer gran trabajo reconocido. Conocida por sus compañeros como “Maggie la Indestructible” fue una de los cuatro fotógrafos de plantilla que tuvo la revista Life en sus inicios. De hecho, las fotografías que tomó de la construcción de la gran presa de Fort Peck en Montana fueron la portada del primer número de la revista en 1936, cuando Henry Luce la compró convirtiéndola en un referente del
fotoperiodismo. Las fotografías que Bourke realizó de los trabajadores de la presa nos permiten conocer cómo era la vida en los años 30 Estados Unidos. “Maggie” fue, en muchas ocasiones durante su vida, la primera mujer en algo y también la primera persona en conseguir muchos retos. En 1930 consiguió ser la primera persona autorizada a fotografiar la industria de la Unión Soviética. Y en 1941, cuando Alemania invadió la URSS era la única periodista que se encontraba en territorio soviético. Durante la II Guerra Mundial fue la primera mujer americana acreditada como fotógrafa de guerra y la primera en conseguir autorización para viajar en misiones de combate con el ejército en Europa. Así es como llegó a tomar las primeras fotografías documentando el horror del campo de concentración de Buchenwald, cuando fue liberado por el ejército americano. https://mujeresconciencia.com Galería Fotografía Clásica Margaret Bourke White
Cita Amelia Earhart: Las siempre mencionadas Julia Margaret Cameron y Dorothea Lange, Clementina Hawarden, Condesa de Castiglioni, Leni Riefenstahl, Claude Cahun, Lee Miller, Aenne Biermann, Florence Henri (aprovechemos para investigar la palabra Bauhaus, Margaret BourkeWhite, quien viajaba con su cámara de manera parecida a como lo hacía Amelia Earhart con su avión. Amelia Earhart - (Atchinson, 1898 - Pacífico Sur, 1937) Aviadora norteamericana. Entre sus proezas figura la travesía en solitario del Atlántico (1932), nunca antes realizada por una mujer, y el primer vuelo exitoso entre la isla de Hawai y el territorio continental de Estados Unidos (1935). Convertida en un ídolo nacional y en portavoz del feminismo, su misteriosa desaparición en 1937, cuando estaba a punto de completar la vuelta al mundo por la línea del ecuador, dio lugar a múltiples especulaciones y contribuyó a magnificar su leyenda.
Earhart saltó a la fama cuando, el 17 y 18 de junio de 1928, se convirtió en la primera mujer en realizar como pasajera la travesía del Atlántico, en un avión comandado por los pilotos Wilmer Stultz y Louis Gordon, que recorrió los 3.200 kilómetros que distan entre Terranova y Gales. https://www.biografiasyvidas.com La Misteriosa Desaparición de la Aviadora Amelia Earhart
Cita Surrealismo: Las imágenes fotográficas, las más inocentes, las más indiferentes, pueden ser apasionantes, lo diremos mil veces. Este poder de seducción a priori de las fotografías, ese azar tan querido por el Surrealismo, es algo que debe ser aprovechado por los fotógrafos, ya que gran parte del trabajo está ya hecho.
Surrealismo - El Surrealismo comienza en 1924 en París con la publicación del "Manifiesto Surrealista" de André Breton, quien estimaba que la situación histórica de posguerra exigía un arte nuevo que indagara en lo más profundo del ser humano para comprender al hombre en su totalidad. Siendo conocedor de Freud pensó en la posibilidad que ofrecía el psicoanálisis como método de creación artística. Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Intentan plasmar por medio de formas abstractas o figurativas simbólicas las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños. Para lo que utilizan recursos como: animación de lo inanimado, aislamiento de fragmentos anatómicos, elementos incongruentes, metamorfosis, máquinas fantásticas, relaciones entre desnudos y maquinaria, evocación del caos, representación de autómatas, de espasmos y de perspectivas vacías. El pensamiento oculto y prohibido será una fuente de inspiración, en el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica. http://www.arteespana.com El surrealismo - El umbral de la libertad
Cita Pequeño gran hombre/Arthur Penn: Una buena excusa para recordar aquella excelente película Pequeño Gran Hombre dirigida en 1970 por Arthur Penn, hermano del fotógrafo Irving Penn, y protagonizada por Dustin Hoffman. Pequeño Gran Hombre/Arthur Penn - En una residencia de ancianos, un historiador conoce a Jack, un anciano centenario, un verdadero indio, que dice ser el único superviviente blanco de "la última batalla de Custer". Desde el primer momento le empieza a contar su vida en el poblado, al lado de su hermana Caroline. Ambos se quedan huérfanos y son adoptados por una familia cheyenne. Con 14 años, el jefe de la tribu le pone el sobrenombre de "Pequeño gran hombre", y a partir de este momento se irá convirtiendo en uno de los guerreros más bravos de la tribu, pero en una de las peleas es derrotado por el hombre blanco y al capturarle se ve obligado a volver a la civilización. Con 25 años su vida ya no tiene nada en común con los indios, pero en un viaje que hace hacia el viejo Oeste, es capturado por un grupo de indios renegados. Jack termina volviendo a su originaria tribu, y al cabo de los años, su vida será un continuo ir y venir entre una civilización, y otra. Descontento de sí mismo se convierte en un vagabundo sin rumbo y en un borracho empedernido. http://www.fotogramas.es Pequeño gran hombre (1970) de Arthur Penn (El Despotricador Cinéfilo)
Cita Gordon Parks: Para ello hay que entornar los ojos, mirar fijamente, una concentración absoluta y a partir de ahí se dispara de verdad, y así Jack será capaz de romper tres botellas lanzadas al aire al mismo tiempo. Al igual que el tiro zen, al igual que Cartier Bresson, que Brassai, que Gordon Parks, al igual que tantos otros. Gordon Parks - “Me dí cuenta de que la cámara podría ser un arma contra la pobreza, contra el racismo, contra todo tipo de males sociales. Entonces supe que tenía que tener una”. En 1956, el fotógrafo autodidacta Gordon Parks se embarcó en una misión radical: para documentar la inconsistencia y la desigualdad que las familias negras en Alabama enfrentaban todos los días. Compiló las imágenes en un ensayo fotográfico titulado "Segregación Story" para la revista Life, esperando que la documentación de la discriminación podría tocar los corazones y las mentes de la opinión pública estadounidense, incitando a un cambio de una vez por todas. Parks recorrió iglesias, calles y campos del sur retratando la vida cotidiana de las víctimas de la segregación (oraciones, educación de niños y adultos, reuniones, discursos de movilización…), después la marcha en Washington de Luther King y por último a miembros de los Black Muslims, un colectivo contrario a las iniciativas de Luther King por su énfasis en la integración. Buscó en sus imágenes romper estereotipos y su éxito residió en su talento para superar barreras -empezando por las propias de origen-, en la perseverancia y en su capacidad persuasiva. http://www.gordonparksfoundation.org/ http://culturainquieta.com Galería Inside the lost photos of Gordon Parks
Cita Willy Ronis: Nunca queda de más revisar imágenes de Cartier Bresson, y de otros como él, y que poco a poco nuestra curiosidad debe ir descubriendo. Algún ejemplo más? Willy Ronis, David Seymour, Robert Doisneau, Sebastiao Salgado, este último un digno sucesor, toda una actitud hacia la fotografía que ya conocemos...
Willy Ronis - Retrató la vida de post-guerra en París y en Provenza, siendo considerado el fotógrafo parisino por excelencia. “La aventura no solo se mide en kilómetros. Las fuertes emociones no se encuentran solo en el Partenón. La emoción, si eres digno de ella, la sentirás en la sonrisa de un niño que vuelve a casa con los libros del colegio, en un tulipán en un jarrón tocado por un rayo del sol o en el rostro de una mujer enamorada.” Su primera vocación fue la música, soñando con ser compositor, pero al volver del servicio militar en 1932 tuvo que hacerse cargo del negocio familiar por la enfermedad de su padre. Los trabajos de los fotógrafos, Alfred Stieglitz y Ansel Adams le inspiraron para empezar a explorar el mundo de la fotografía. En 1937 se encontró con David Szymin y Robert Capa e hizo su primer trabajo para Plaisir de France. Con Cartier-Bresson, entra en la Association des Écrivains et Artistes Révolutionnaires y será siempre un hombre de izquierdas. Poco después se unió a la agencia Rapho, con Ergy Landau, Brassaï y Robert Doisneau. Su esposa Marie-Anne Lansiaux fue la modelo de su famosa foto de 1949, Desnudo Provenzal. La foto, mostrando a Marie-Anne lavándose en un lavabo con una jarra en el suelo y una ventana abierta desde la que el espectador puede ver el jardín, denota su habilidad para transportarnos las sensaciones de la vida provenzal. Ronis fue el primer fotógrafo francés en trabajar para la revista Life. En 1953, Edward Steichen incluyó a Ronis, Henri Cartier-Bresson, Doisneau, Izis y Brassaï en una exposición en el Museo de Arte Moderno, el MoMA titulada Five French Photographers. http://www.cadadiaunfotografo.com Galería Fotógrafo francés Willy Ronis habría cumplido 100 años en 2010
Cita David Seymour: Nunca queda de más revisar imágenes de Cartier Bresson, y de otros como él, y que poco a poco nuestra curiosidad debe ir descubriendo. Algún ejemplo más? Willy Ronis, David Seymour, Robert Doisneau, Sebastiao Salgado, este último un digno sucesor, toda una actitud hacia la fotografía que ya conocemos… David Seymour - Estudió artes gráficas en Leipzig y en 1933 comenzó a dedicarse a la fotografía para ganarse la vida. Este fue su modo de subsistencia al mudarse a París para seguir sus estudios en la Sorbona. Allí se conoció y se codeó con multitud de artistas internacionales refugiados de la Segunda Guerra Mundial. Chim fue reconocido en poco tiempo por su intensa plasmación de la política del Frente Nacional. Pronto pasó a ser uno de los colaboradores habituales de la revista comunista francesa Regards. Para ella trabajó y publicó numerosas fotografías tanto en portada como en páginas interiores. Al igual que Robert Capa y Gerda Taro cubrió la Guerra Civil española desde su comienzo en 1936 hasta su final en 1939. La diferencia con la pareja de fotógrafos es que, al revés que ellos, no tenía interés en trabajar y retratar lo que ocurría en el frente de batalla. Chim prefería centrarse en las personas que no participaban en la lucha. Compone con sus imágenes retratos formales de figuras importantes. Fotografía a grandes personalidades, a los soldados en la retaguardia o el duro trabajo de los campesinos. Fue consciente de la complejidad política de la guerra y empapó sus imágenes de un significado lleno de matices. Fue uno de los fundadores de la agencia fotográfica Magnum en 1947 junto a Robert Capa y Cartier Bresson. http://www.fotonostra.com Galería Chim: UNICEF's first international photographer
Cita Robert Doisneau: Nunca queda de más revisar imágenes de Cartier Bresson, y de otros como él, y que poco a poco nuestra curiosidad debe ir descubriendo. Algún ejemplo más? Willy Ronis, David Seymour, Robert Doisneau, Sebastiao Salgado, este último un digno sucesor, toda una actitud hacia la fotografía que ya conocemos… Robert Doisneau - La escuela de la calle le enseñó a Robert Doisneau que París es un gran teatro que fotografiar lleno de historias y personajes. Contemporáneo y amigo de Picasso, Kertész, Cartier-Bresson o del poeta Jacques Prevert entre otros muchos, compartió con todos ellos la inquietud y la fascinación en buscar historias en los suburbios de la ciudad del amor. Niños, adultos o artistas callejeros eran habituales protagonistas de sus imágenes. "Gestor normales de gente normal en situaciones normales" es una frase con la que Doisneau describe su trabajo. Sintió la picadura de la fotografía trabajando como ayudante en el Atelier Ullmann, y con el paso de los años se convirtió en una figura de la fotografía humanista con icónicas imágenes cargadas de humor y optimismo que leídas entre líneas descubren la crudeza del mundo. "París es un teatro en el que se paga asiento con el tiempo perdido. Y yo continúo esperando". Esta es una de las citas célebres del fotógrafo, un profesional de la imagen que esperaba al momento adecuado paseando por su París natal con una Rolleiflex. Con un planteamiento muy acorde a Cartier-Bresson y su 'momento decisivo', ambos trabajaron juntos tras la liberación de París en la agencia ADEP en 1945 gracias al extenso reportaje que Doisneau realizó durante la ocupación nazi. https://www.xatakafoto.com https://www.robert-doisneau.com Galería Contacts = Robert Doisneau (sub esp)
Cita Garry Winogrand: Otros tres nombres, si bien de diferentes momentos decisivos, de diferentes dianas. Veamos fotografías de Robert Frank, de Garry Winnogrand, de Lee Friedlander. Quizás algunas de ellas puedan provocarnos un cierto rechazo o indiferencia en un principio… Garry Winogrand - Garry Winogrand, el fotógrafo veloz de la liberación femenina. Aunque su trabajo como fotógrafo comercial le daba una forma de ganarse la vida y sus imágenes eran publicadas en revistas importantes, había comenzado a notar cosas, a interesarse en temas, a tener inquietudes que le distraían: Sentía que le faltaba algo a la fotografía editorial y comercial. Aquel viaje por la Route 66 era para él una liberación, una catarsis. Dan Weiner le había invitado a leer, antes de su viaje, el libro American Photographs de Walker Evans. La fotografía de Winogrand dio, entonces, un giro intempestivo hacia lo artístico. Fue un momento de claridad excepcional, una auténtica epifanía. Garry recorría los caminos de Estados Unidos haciendo propia un caminar como el del suizo Robert Frank, quien mostraría una América inédita y provocaría la revolución más grande en fotografía documental de la segunda mitad del siglo XX con su libro Les Américains. Garry Winogrand se convertiría, a finales de la década de 1960, en el heredero de la tradición iniciada por Evans, sólidamente afincada por Frank y que hallaría a un tercer exponente crucial en aquel joven neoyorkino de modos ásperos, locuacidad imparable y ojo inquieto. “las cámaras me intrigaban *…+ siempre han tenido algo seductor para mí. De pronto un cuarto oscuro estuvo disponible y en ese momento nada me detuvo. *…+ https://oscarenfotos.com Gallery Mi padre, las calles, Garry Winogrand - Fotógrafo
Cita Ezra Pound: Cuando el mundo le concede a Cartier Bresson un par de segundos, puede obtener un retrato como el de Ezra Pound, como el de Marcel Duchamp, o como el de Robert Flaherty. Ezra Pound - Poeta estadounidense. Enemigo del romanticismo y del discurso lógico, su obra resulta extremadamente compleja y difícil. Influyó, entre otros, sobre T. S. Eliot, su principal discípulo, y James Joyce, además de dirigir y aconsejar en sus primeros pasos literarios en París a su amigo Ernest Hemingway. Durante los años treinta publicó diversos ensayos sobre literatura y política. En esa época se trasladó a Italia y manifestó su simpatía por el fascismo. Durante la Segunda Guerra Mundial, de 1941 a 1943, realizó emisiones radiofónicas de propaganda para el régimen de Mussolini. A la caída de Italia, fue detenido por los aliados; declarado paranoico por los psiquiatras del ejército, permaneció doce años encerrado en un sanatorio cerca de Washington. Cuando en 1958 recobró la libertad, se trasladó definitivamente a Italia. https://www.biografiasyvidas.com Ezra Pound - Canto XLV (With Usura)
Cita Marcel Duchamp: Cuando el mundo le concede a Cartier Bresson un par de segundos, puede obtener un retrato como el de Ezra Pound, como el de Marcel Duchamp, o como el de Robert Flaherty.
Marcel Duchamp - Marcel Duchamp es considerado el artista más influyente del siglo XX. Se adelantó al arte conceptual, elevó el objeto cotidiano a categoría de arte y cambió radicalmente la idea de la belleza. En realidad era un gamberro, un punk que convirtió una broma en el dogma que hoy sigue la aborregada comunidad artística internacional. Impresionista a los 16 años, fauvista a los 19 y cubista a los 24, al final este iconoclasta encontró su voz como forajido, un terrorista que acabaría encontrando en el dadaísmo su libertad y la forma de reírse de todo y de todos, incluido él mismo. Este movimiento, condenado a su autodestrucción, trataría por todos los medios (sobre todo con ironía, absurdo y mala hostia) acabar con el arte narcotizado de las instituciones. Duchamp se olió que la pintura estaba muerta, pudriéndose en los museos/mausoleos, y descubrió la belleza en lo coyuntural, lo fugaz y lo superficial (algo que desgraciadamente es lo que prima en estos días). Pintando bigotes a la Gioconda descubrió que quizás estaba mejorando al original. Exponiendo un urinario en un museo abrió la caja de Pandora de catástrofes que hoy pueblan los museos de medio mundo, desde latas de mierda a aire de artista. https://historia-arte.com PINTORES (Marcel Duchamp) 1887-1968
Cita Bernard Plossu: El fotógrafo francés Bernard Plossu suele decir que sus fotografías están hechas en 160 de segundo más todos los años de su vida. Nosotros deberíamos decir que nuestras fotografías están tomadas en 160 de segundo después de haberlo pensado mucho.
Bernard Plossu - Uno de los grandes fotógrafos europeos actuales, fue galardonado con el Premio Nacional de Fotografía en Francia en 1988, mismo año en que el Centro Pompidou de París le dedicó una exposición retrospectiva. Plossu está considerado, gracias a su extenso trabajo paisajístico, como el fotógrafo viajero por excelencia. Su obra, mayoritariamente constituida por reportajes de todos los lugares que ha visitado, es un elogio al silencio y a la soledad. Paisajes insinuados y sugeridos más que proclamados, son lo que podemos observar en sus fotografías. Su trabajo está compuesto en su mayoría por imágenes de paisajes, pero no son las típicas fotografías de paisajes. Plossu va más allá, quiere mostrarnos a través de su
peculiar mirada fotográfica, y mediante una visión poética, aquellas cosas que no cuentan, o que cuentan por lo que no son, por lo que no tienen. La carencia y lo irrelevante se convierten en algo mágico si Plossu lo captura con su lente. Para capturar el lugar antes lo vive, lo observa, camina por sus vástagos desiertos y altas montañas, perdiendo su mirada al observar cada pequeño elemento por muy insignificante que sea. … la fotografía habla de momentos que parecen sin importancia pero que sí la tienen: momentos hechos de nada. De esta manera consigue que los elementos que componen la escena del lugar se relacionan entre sí, creando una escena subjetiva, con un paisaje casi invisible, consecuencia de sus peculiares excursiones que consisten en andar y mirar, y luego fotografiar. https://www.xatakafoto.com Galería
Cita Robert Flaherty: Cuando el mundo le concede a Cartier Bresson un par de segundos, puede obtener un retrato como el de Ezra Pound, como el de Marcel Duchamp, o como el de Robert Flaherty. También puede obtener excelentes paisajes que, en muchos casos, podrían ser una puesta al día de aquellas obras maestras de Jacob Ruysdael… Robert Flaherty - Cuando los hermanos Lumière descubrieron al mundo su gran invento y decidieron proyectar su primera película, El tren llegando a la estación, pusieron seguramente la primera piedra del cine documental.
Hubo directores que siguieron explotando el poder del cine para ofrecer una reproducción de las cosas y de los acontecimientos reales. Tras los primeros noticiarios de la factoría Pathé, con sus realidades reconstruidas, vinieron otras opciones, como la
planteada por Dziga Vertov en su Cine-ojo: el director debe filmar la realidad tal cual la encuentra y debe posteriormente organizarla en la fase de montaje. Frente a Vertov, Robert J. Flaherty (1884-1951), aportó al cine documental (o recuperó de los primeros noticiarios) el sentido dramático del que carecían los documentales "puros". Con Flaherty, tal y como describe Román Gubern, el documental alcanza la mayoría de edad fílmica. Una de las películas documentales que mejor refleja este hecho es Nanuk, el esquimal (Nanook of the North), rodada en el norte de Canadá entre 1920-22, periodo durante el cual Flaherty convivió con los Inuit. Flaherty hizo de explorador en sus trabajos de geólogo y cartógrafo y trató de dejar constancia visual de sus descubrimientos y sus relaciones con otras culturas. Perfeccionó su modo de rodar en muchas expediciones y llevaba consigo un laboratorio para revelar y proyectar según avanzaba el trabajo. Investigó grupos humanos e hizo descubrimientos técnicos sobre la utilización de objetivos y de tipos de películas que otros adaptarían después. http://www.ite.educacion.es Nanuk, el esquimal (1922) [Español]
Cita Raymond Depardon: …como todos los grandes documentalistas, como también aquellos que pensaron que el cine servía de manera extraordinaria para este propósito, como Edward Curtis, como Robert Flaherty, como Raymond Depardon, como Werner Herzog, como Jim Jarmusch... Raymond Depardon - conocido por haber fundado la agencia Gamma, comenzó su trabajo como fotógrafo para poco a poco ir otorgando movimiento a sus imágenes gracias al cine documental. De ahí que la tensión entre ambas disciplinas haya estado siempre patente en sus obras. Si observamos sus fotografías, basta con analizar un par de ellas para darnos cuenta de esa necesidad de contarnos instantes dilatados en el tiempo. Son fotogramas atrapados en una imagen cuyo comienzo y final vive a expensas de nuestra imaginación.
Y en ese sentido, su fotografía nos fascina porque nos hace partícipes de las tramas. No es mera contemplación. Nos invita a dar vida a sus personajes e imaginarlos en movimiento. Ocurre lo contrario con su cine documental. Su trabajo cada vez más se ha ido acercando hacia la imagen estática, de ahí que en una de sus últimas películas, "Profils paysans" los planos fijos tengan una fuerte presencia. Estados Unidos y concretamente la ciudad de Nueva York han sido sus escenarios emblemáticos. Desde un emotivo "10 minutos de silencio por John Lennon" hasta un documental sobre Manhattan, su obra se aleja de las palabras para centrarnos en la imagen, para regalarnos instantes casi en mute. Porque lo hipnótico viene dado por los fotogramas, por su poder como imágenes que ya por si solas nos cuentan algo. https://www.xatakafoto.com Galería Contactos - Raymond Depardon
Cita Werner Herzog: …nos lo ha señalado con el dedo, como todos los grandes documentalistas, como también aquellos que pensaron que el cine servía de manera extraordinaria para este propósito, como Edward Curtis, como Robert Flaherty, como Raymond Depardon, como Werner Herzog, como Jim Jarmusch... Werner Herzog - Werner Herzog no es un cineasta para los de estómago débil: sus películas, como él mismo dice, no son ficciones sino porciones de vida. A diferencia de muchos directores y productores, Herzog no tuvo una educación fílmica tradicional: era tan pobre que se enteró de la existencia del cine a los 11 años; financió sus primeras películas a través de varios oficios, y es famoso también por ser un consumado autodidacta. Para financiar su primer cortometraje, Herakles, trabajó más de 2 años en una fundidora. Sus películas y recientes documentales, ya sea que dirija o produzca, suelen dar mucho de qué hablar a la crítica y permanecen largo tiempo en la mente del espectador. Aguirre o la ira de Dios, Fitzcarraldo, Kaspar Hauser, Woyzeck o la reciente El acto de
matar, entre muchas otras, conforman una filmografía que explora lo más oscuro de la imaginación humana y su relación con el poder, la locura y lo real. “El mejor consejo que le puedo ofrecer a aquellos que se dirijan al mundo del cine es que no esperen que el sistema financie sus proyectos y que otros decidan su destino. Si no puedes costear una película de 1 millón de dólares, reúne $10,000 y prodúcela tú mismo. Es todo lo que se necesita para hacer un largometraje en estos días. Aléjate de los trabajos inútiles, secretariales y accesorios de las compañías de producción fílmica. En lugar de eso, en tanto tu cuerpo te lo permita, dirígete a donde está el mundo real. Arremángate y trabaja como sacaborrachos en un prostíbulo o como guardia en un asilo de locos o como operador de maquinaria en un rastro. Maneja un taxi por 6 meses y tendrás suficiente dinero para hacer una película.” http://culturainquieta.com Werner Herzog Ten Minutes Older The Trumpet Thousand Years Subtitulada en español
Cita Jim Jarsmuch: como también aquellos que pensaron que el cine servía de manera extraordinaria para este propósito, como Edward Curtis, como Robert Flaherty, como Raymond Depardon, como Werner Herzog, como Jim Jarmusch... Jim Jarsmuch - Cree que todo está conectado. El círculo de la vida, siendo la vida un puzle compuesto por pequeños momentos. A Jarmusch no le interesan los porqués, le interesan todas esas pequeñas cosas que ocurren en los márgenes y las personas que están en esos márgenes. “Mis películas van sobre personajes, no sobre lo que le pase a esos personajes. Aunque sí tienen argumento, al contrario de lo que se cree”. El cineasta, que empezó a creer que “todas las cosas son una sola” después de que Forest Whitaker le introdujera en filosofías orientales en el rodaje de Ghost Dog, el camino del samurái, encuentra una conexión para todo lo que ocurre en su vida. Así explica que sus dos últimas películas, el documental sobre The Stooges Gimme Danger, y Paterson, “un poema cinemático”. https://elpais.com
Jim Jarmusch | Los 10 Magníficos: los mejores directores de cine | TCM
Cita Gustavo Adolfo Bécquer: a veces quieto o dormido en estado latente esperando a que le hagamos una fotografía, como ocurría con el recurrente ejemplo de aquel arpa de Gustavo Adolfo Bécquer que esperaba cubierta de polvo a que alguien la tocase, y así pudiese mostrarse con toda su expresión y significación. Gustavo Adolfo Bécquer - Fue un hombre de múltiples contradicciones. Sus escritos reflejan el esfuerzo por encontrar, a través de la palabra, la síntesis de un universo dividido entre el sueño y la razón. En contacto permanente con el mundo de la pintura y gran conocedor de la música, este sevillano concibe todas las bellas artes como manifestaciones de un único sentimiento entusiasta. De ahí la suavidad y universalidad de composiciones literarias tales como las Rimas. Vinculado con El Museo Universal y El Contemporáneo, entre otras publicaciones, destaca, además de como periodista y narrador de leyendas, por ser el precursor de nuestra mejor poesía contemporánea. Su educación literaria, dirigida en el Instituto sevillano por Francisco Rodríguez Zapata, discípulo del gran ilustrado Alberto Lista, fue clasicista, con especial aprecio a los poetas latinos y españoles del Siglo de Oro: Fray Luis de León, Herrera o Rioja. A la búsqueda del ritmo musical, de la expresión ajustada y noble, se unía una inclinación prerromántica hacia lo sublime a la manera de Young, Rousseau o Chateaubriand. En octubre de 1854 se trasladó a Madrid, donde sufrió penalidades económicas hasta que en 1860 Rodríguez Correa le consiguió un empleo fijo de redactor en un El Contemporáneo.
En 1857 emprendió una obra importante, la Historia de los Templos de España. Se trataba, siguiendo a Chateaubriand, de estudiar el arte cristiano español uniendo el pensamiento religioso, la arquitectura y la historia. Para ganar algún dinero escribió en colaboración con sus amigos, comedias y zarzuelas como La novia y el pantalón (1856) La venta encantada, basada en el Quijote. Sus rimas y poesías fueron compiladas y publicadas póstumamente por sus amigos. Fue tan buen poeta como prosista. Las Rimas se encuadran dentro de dos corrientes heredadas del Romanticismo: la revalorización de la poesía popular y la llamada estética del sentimiento. http://www.cervantesvirtual.com Poemas de Gustavo Adolfo Bécquer Gustavo Adolfo Bécquer Autores románticos
2. VALORACION PERSONAL “En nuestro caso, no sería un mal ejercicio preguntarnos si somos artistas o si tan solo poseemos gustos artísticos, si fuese lo primero, no debemos preocuparnos demasiado, pues el tiempo respaldará siempre que trabajemos y no nos dispersemos ese talento para el arte que poseemos. Si pertenecemos al segundo grupo y lo aceptamos nos quitaremos un peso de encima, pues nos desembarazaremos de la responsabilidad de tener que hacer arte. Lo cierto es que muchas de las más extraordinarias fotografías de la historia han sido realizadas por fotógrafos.” Yo – El impacto visual es algo que hoy en día es fundamental, es necesario, es algo que todos estamos de alguna manera preocupados viendo que hacemos, estar más atentos de ver como lo desarrollamos. Que tenemos que tener impacto visual en nuestras
imágenes es algo que necesitamos sí o sí. El impacto visual es toda aquella cosa que te “sacude”, toda aquella cosa que te llama la atención y que de alguna manera no sabes cómo y por qué pero que ahí está. Lo que hacemos es cambiar la visualización a través de nuestras fotos. En esta época estamos afectados por miles y miles de imágenes diarias, a través del teléfono, portátil, televisión, internet, etc. Estamos todo el tiempo bombardeados por imágenes. Podríamos preguntarnos por qué alguna persona se detendría más de 30 segundos para ver alguna de nuestras fotos. Si no hay un impacto visual que lo cautive, que le llame la atención estamos en un problema, así que lo necesitamos. En la época de Cartier-Bresson… ¿cuánta fotografía veía una persona en su vida? ¿50 fotos? ¿100?... Ya ver una foto era algo impactante y fabuloso y es un tema que tenemos que tener en cuenta. Hoy en día vemos miles y miles de imágenes todo el tiempo, así que debemos incorporar a la evolución del lenguaje visual el impacto visual. Necesitamos cautivar al espectador de alguna manera y que éste se quede mirando la foto. No quiere decir que Cartier-Bresson no fuese un buen fotógrafo, ni que lo anterior no era muy bueno y lo de ahora llama más la atención, sino que la exposición que teníamos hace un tiempo no era la misma que tenemos ahora, incluso debemos incorporar nuevos recursos.