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FICHA DE LECTURA. DATOS DEL ALUMNO/A: APELLIDOS: Díaz Ruiz NOMBRE: David CURSO: 1ºA Fotografía Artística FICHA BIBLIOGRÁFICA: Autor: Eduardo Momeñe Título del libro: Visión fotográfica. Curso de fotografía para jóvenes fotógrafos Año de edición: 2009 Editorial: AUTOR-EDITOR ISBN: 9788461322435 RESEÑA DEL CAPÍTULO 1. RESUMEN Las fotografías nos enseñan el aspecto del mundo, pero lo hacen desde el objetivo de una cámara, un punto de vista único entre las infinitas opciones que pueden existir. La fotografía nos muestra el mundo tal como el fotógrafo quiere que lo veamos. Lo cierto es que lo que diferencia a los grandes fotógrafos de otros que no lo son tanto es que los primeros miran el mundo de una manera especial, lo miran para convertirlo en fotografías. Mirar el mundo con visión fotográfica supone tratar de obtener de él nuevas imágenes, nuevas apariencias, nuevas experiencias y nuevos significados y realidades.

Garry Winnogrand: “Hago fotografías para saber cómo se ve el mundo en fotografías” Sin una gran curiosidad, sin un gran interés por aprender, por conocer, no hay fotografías, al menos buenas fotografías. La fotografía es un medio para curiosos con constancia.

George Eastman: “Algún día fotografiar será tan fácil como pintar con un lápiz de colores” George Eastman, el hombre que fundó la compañía Kodak y que lanzó al mercado una cámara pequeña que revolucionó la práctica fotográfica haciéndola accesible a todo el mundo, pero Eastman se encontraría con el hecho de que quizás lo que obtenemos con tanta facilidad puede no ser muy interesante.

Damos por hecho que nosotros buscamos en la fotografía algo más que instantáneas para el recuerdo. Fotografiar es muy fácil, y obtener buenas fotografías no es tan fácil.

Una razón importante es que las buenas fotografías exigen mucha dedicación. ¿Una gran dedicación garantiza buenas fotografías? La respuesta es, en principio, negativa ya que la fotografía tal y como aquí la entendemos no es tan solo un oficio, sino un medio de expresión, de creación. La dedicación, incluso la mental, es fundamental para nuestra

obra, pero no garantiza el éxito. Es difícil ser un buen fotógrafo si no tenemos tiempo para hacer fotografías, requiere dedicación y tiempo.

Nuestra cámara puede ser mejor o peor, con mayores o menores posibilidades, pero su lente no va a sustituir nuestra mirada. En ciertas ocasiones, nuestras cámaras, nuestra colección de cámaras nos confunde, podría haber un exceso de parafernalia. Hacer fotografías requiere un considerable esfuerzo físico y mental, fotografiar es una tarea exigente. La búsqueda fotográfica puede generar la ansiedad de la creación, una sensación no siempre agradable.

Planificar nuestro trabajo fotográfico es como planificar un viaje, se trata de algo que requiere un orden: hemos de saber a dónde vamos, comprar los billetes, tener una cierta previsión… y después hay que partir.

Estudiemos el manual de instrucciones de nuestra cámara como si ello fuese necesario para nuestro examen de fin de carrera.

Pensemos en que es muy importante saber de qué trata la fotografía para que nuestras imágenes estén respaldadas por nuestro conocimiento del medio. Lo dicen muchos fotógrafos: La fotografía puede ser una pasión, e incluso una obsesión. La formación visual que exige el visor de una cámara no es un regalo, no es algo que nos llega de una manera automática, no es algo que nos den al comprar la cámara. ¿Qué entendemos por buena fotografía? ¿Qué es para cada uno de nosotros una buena fotografía? ¿Cómo se consigue una buena fotografía? ¿Qué tenemos que saber para obtener una buena fotografía? Planteado así, puede parecer una desagradable ráfaga de preguntas, pero si las tomamos una por una y les dedicamos unos segundos a cada una de ellas, estaremos ya hablando – quizás pensando – en términos fotográficos.

Hay más preguntas que pueden sernos útiles: ¿Podemos pensar en una fotografía ideal? ¿Podemos imaginarnos esa fotografía ideal? ¿Podemos imaginarnos esa fotografía ya colgada en la pared de nuestra casa? ¿A qué tamaño? ¿Cómo sería? ¿A qué se parecería? ¿Podemos recordar alguna fotografía de la que hayamos podido decir “ésta es la imagen que yo hubiera querido obtener? ¿Podemos llegar a intuir, a visualizar esa imagen? Si lo hacemos, estamos ya andando en nuestro aprendizaje.

Que nuestra meta no sea solo obtener fotografías de personas, cosas o lugares, sino obtener buenas fotografías. Hay que intentar pre visualizarlas, hay que imaginarlas, hay que colgarlas mentalmente en la pared de casa, de una galería. Las fotografías no se hacen tan solo cuando tenemos la cámara en la mano, sino mucho antes, la cámara tan solo certifica, da forma, pone en página, las imágenes que teníamos en la cabeza desde hace mucho.

Quizás las fotografías sean testimonios del mundo, per ante todo son testimonios de la mirada del fotógrafo.

“Voy a ver que hay por el mundo, voy a ver qué encuentro, voy a ver qué trozo de mundo convierto hoy en una de mis fotografías”. Richard Avedon no sale a la calle para ver que encuentra, sino qué se queda en su estudio, crea el espacio, su espacio, un decorado, un escenario y propone una representación ante su cámara. Esta

representación consiste en que sus modelos, sus actores, se prestan a ser retratados a la manera en que Richard Avedon desea, para finalmente obtener fotografías como Avedon desea que sean. ¿Nos atreveríamos a decir que Avedon provoca las imágenes, contrariamente a lo que hace Cartier – Bresson, que acepta el azar del mundo y, de hecho, juega con él? ¿Podemos ver la diferencia entre estas dos actitudes?

En muchas ocasiones puede parecer que el mundo de Cartier – Bresson también posa para la cámara. Pero se trata de un mundo encontrado, es un mundo por el que uno pasea y de vez en cuando alguien te dice “Hola”. Incluso los paisajes – ese trozo de mundo que siempre parece estar disponible de Cartier – Bresson, no parecerían cogidos al vuelo? Lo cierto es que Cartier – Bresson necesita ser un fotógrafo rápido, alguien que sabe que tiene que darse prisa, porque de no ser así, se le escapará su instante y, con él, la única fotografía posible, según su idea de cómo deben ser las fotografías. La expresión de esas personas que aparecen en sus fotografías es tan fugaz como el propio disparo de la cámara.

En el caso de Richard Avedon, el azar, hasta donde se puede, no debe formar parte de su fotografía. Avedon partiría de una imagen mental previa que tan solo necesitaban ser plasmada sobre un papel. ¿Es el propio Avedon quien ha “inventado” esa situación? Esa tristeza de Marilyn para la cámara? “Voy a ver que hay por el mundo, voy a ver que encuentro…”. “Cada paso que damos, podemos obtener ciento de fotografías, nuestras opciones son prácticamente infinitas”.

Kertesz dice: “Es el momento el que siempre dicta mi trabajo… Todo el mundo puede mirar, pero ello no significa necesariamente ver. Yo veo una situación y sé si es la correcta”. Se refiere a su momento fotográfico. Pensamos que se trata de algo más que de un momento, que de una situación. André Kertesz no fotografía de cualquier manera: tan solo encuadra aquello que pueda producir una de sus fotografías, una fotografía de la marca Kertesz. “No salimos de casa con la mente en blanco, sino con la idea de encontrar – de reconocer – lo que buscamos”. “No buscamos escenas o lugares pintorescos, sino miradas. Salimos de casa para aplicar nuestra mirada fotográfica”. “No buscamos otra cosa que no sea una imagen fotográfica que exprese, que emocione, que haga pensar, que sorprenda a nuestros ojos y a nuestra cabeza, una imagen que nos llene.

“Esto es, esto es lo que buscaba, lo que yo quería ver” – Howard Carter “Tumba de Tutankamon”. Probablemente la emoción que pudo sentir Howard Carter fue algo más intensa que la nuestra con nuestra gran fotografía, pero en ambos casos podemos utilizar la palabra descubrimiento. Una pregunta realmente útil: ¿Cómo se consigue esa imagen que expresa, que emociona, etc.? La respuesta que podríamos dar es: Aún no lo sabemos, pero estamos en ello. Al menos, estamos pensando ya seriamente en ello, lo cual es mucho. Reconocer lo correcto es la dificultad de la fotografía, en realidad es la única dificultad, nuestro único gran desafío.

Una pregunta incómoda: ¿En qué se parecen las fotografías de Cartier – Bresson y las de Kertesz?, ¿en qué se diferencian?. Podemos ya aplicarnos a analizar las buenas fotografías las buenas fotografías que vemos, las que conocemos, las que hemos descubierto, un ejercicio consistente en tratar de concretar a qué planteamiento de los mencionados anteriormente podrían pertenecer. “Pensemos en qué tipo de fotógrafo somos o queremos ser algún día”, “¿fotógrafo de blanco y negro o de color?. Nos puede

interesar el color y el blanco y negro como espectadores, pero como fotógrafos es importante que lleguemos a rozar la frustración que puede suponer obligarnos a elegir entre ambos planteamientos.

Otro paso: ¿Cuál sería el tema de nuestras fotografías?. Elegir un tema que sea posible hoy en día. No se aceptaría el tema “El ser humano”, demasiado amplio, demasiado inconcreto, difícilmente enfocable. Sin embargo hacer retratos de una determinada manera, sí parecería ser la propuesta de un “tema”. La fotografía necesita de simplificación, le entusiasma que simplifiquemos. Fotografiar es fácil, lo difícil es mirar: es ahí donde tiene que situarse nuestro aprendizaje.

Cita: Joseph Nicéphore Niépce obtuvo la primera imagen fotográfica en 1824, y este periodo de tiempo ya nos permite decir que las fotografías pueden servir para mostrar el mundo si bien, añadámosle una cierta manera.

1825-1829 — La invención de la fotografía En 1824, Niépce coloca piedras litográficas recubiertas de betún, en el fondo de una cámara obscura y obtiene por primera vez en el mundo, una imagen imperecedera de un paisaje. Necesita un tiempo de exposición extremadamente largo, de varios días a pleno sol. A partir de 1825, utiliza regularmente el cobre como soporte, y luego el estaño en 1826 realizando imágenes grabadas.

En 1827, Niépce va a Inglaterra donde encuentra a su hermano moribundo, incapaz de mostrarle ninguna mejora sobre el motor. Se da cuenta que no podrá obtenerse ningún provecho de esta invención en la cual habían fundado sus mayores esperanzas. Después de haber intentado vanamente de despertar el interés de la Photographic Royal Society por su procedimiento de reproducción de imágenes al cual llama Heliografía, Niépce vuelve a Francia y continua con obstinación a perfeccionar su invento. En 1828, descubre un nuevo método que lleva a obtener imágenes con medios tonos y con una calidad superior. Utilizando como soporte plata pulida y dejando actuar vapores de iodo sobre la imagen en betún, obtiene verdaderas fotografías en blanco y negro sobre metal.

La precisión de las imágenes es sorprendente para la época. El tiempo de exposición es siempre de varios días a pleno sol.

Cita: Mirar el mundo con visión fotográfica supone tratar de obtener de él nuevas imágenes, nuevas apariencias, nuevas experiencias y nuevos significados, nuevas realidades. El fotógrafo Garry Winnogrand expresaba irónicamente esta idea más o menos así: Hago fotografías para saber cómo se ve el mundo en fotografías.

Garry Winogrand nunca buscaba la foto bonita, con frecuencia su cámara estaba inclinada en el momento del encuadre lo que generaba unas fotografías con un horizonte no paralelo, lo que causaba la consiguiente extrañeza en el espectador. Realizó un retrato exhaustivo de la Norteamérica de los años 60 y 70 de la misma manera que anteriormente lo había hecho Robert Frank. Murió de cáncer en 1984, dejando más de 300.000 imágenes sin editar, muchas de las cuales ni siquiera había revelado.

“El trabajo nada más, eso tardará resultados. La técnica es fácil, la técnica fotográfica es sencilla, sí que lo es. Todo el proceso te perdona. Puedes cometer muchos errores y conseguir un negativo que se pueda revelar. No creo que se aprenda de los profesores,

aprendes trabajando. Creo que aprendes a ver… Tienes que ser tu crítico más duro, y solo se aprende trabajando, viendo el trabajo”.

La música fue parte muy importante en su vida, fanático obsesionado por la ópera y la música clásica. Era muy conocido por su trabajo en la calle (en las calles de NY siempre hay algo que fotografiar). Hijo: de camino a comer o a cualquier sitio en NY, había que seguir una norma, no podíamos ir delante de él. Tenías que estar a su lado o a un paso atrás, para dejarle la vista despejada y poder hacer fotos.

Garry: “Hace mucho que aprendí que terminas un trabajo y te olvidas de él porque así es como funciono yo. No los considero obras maestras, las veo como algo que me interesó en un momento dado. Puedo mirar una foto e interesarme por una o por otra razón y disfrutar de ella. Hace tiempo aprendí que ninguna exposición o selección es el fin del mundo, ni tampoco me va a catapultar al Olimpo. No es tan serio. Yo no lo veo así, nunca lo he hecho.”

Enlace 1 Youtube Cita 1: Vayamos creando nuestra propia fototeca y pinacoteca. El artista británico David Hockney lo hace clavando postales, fotografías, fotografías de cuadros, en un enorme tablero.

Cita 2: Aún más, nos atreveríamos a decir, gracias a David Hockney y a su obra Conocimiento Secreto (libro o Dvd), que quizás fueron las lentes las que hicieron posible la visión del Renacimiento. Conozcamos las teorías de David Hockney aunque sea tan sólo por puro placer.

David Hockney es un pintor, proyectista, escenógrafo, impresor, fotógrafo inglés. En NY asume públicamente su homosexualidad y la convierte en tema principal de gran parte de sus obras. En los Ángeles inicia su serie de obras reconocidas bajo el nombre de piscinas que compagina con sus primeras polaroids. Obras de marcado estilo colorista que representan una temática extraída de la cultura popular. Durante su estancia en Francia diseña diversas escenografías para diferentes óperas como la de Glyndebourne en Inglaterra o la Metropolitan Opera House de NY, para obras de Satie, Ravel o Stravinsky. Representante del Pop-Art británico, un auténtico referente del panorama artístico contemporáneo. Hockey dota a sus obras de un carácter especial.

Para ello recurre a la franqueza, la humanidad y la intimidad, su objetivo resulta tan sencillo como complicado, reflejar fielmente “la singularidad de su experiencia vital y su lugar en el mundo…”

Portrait of My Father

Myself and my Heroes, obra simbólica ya que en ella muestra “Las tres fuerzas motivadoras de su vida como hombre joven: pacifismo, vegetarianismo y la aceptación de la condición homosexual”

Ser objetor de conciencia y hacer pública su orientación sexual hicieron de Hockney un hombre libre que expresaba en sus obras, bajo un manto de creatividad, la percepción de su entorno. Hockney se compró una cámara de 35mm con la que comienza a realizar fotografías en blanco y negro. Sería el paso previo a la creación de sus pinturas. De forma paralela a la elaboración fotográfica introduce una nueva (especialidad) en su pintura, los retratos de amigos y familiares, constituirán el grueso de su obra.

Web Youtube Enlace Cita: Por ejemplo, si comentamos que El matrimonio Arnolfini de Jan van Eyck es una obra maestra de la pintura, tenemos la posibilidad de encontrarla fácilmente, también de averiguar quién es Jan van Eyck, su importancia, su mundo, etc.

Jan van Eyck pintó entre otras Las horas de Turín-Milán, Las tres Marías ante el sepulcro (Museo Boymans van Beuningen, Rotterdam) y un díptico, La crucifixión y El Juicio Final (Museo Metropolitano de Arte, Nueva York).

Su obra más famosa es el monumental retablo de Gante (1432, catedral de San Bavón, Gante), cuyos numerosos paneles exteriores se abren para mostrar El cordero místico.

Su obra se caracteriza por atmósferas ambientales y el estudio de la luz y el color. Se conservan firmadas y fechadas entre 1432 y 1439 nueve obras; cuatro de ellas son de tema religioso como La Virgen del canónigo van der Paele (1436, Museo Groeninge, Brujas) y las otras cinco son retratos como el de Giovanni Arnolfini y su esposa (1434, National Gallery, Londres).

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Cita: Lo mismo ocurriría si comentásemos que los retratos que hizo el fotógrafo norteamericano Richard Avedon de Marilyn Monroe, de Dwight D. Eisenhower, o de Groucho Marx, no sólo nos parecen extraordinarios, sino que su expresión nos podría remitir a aquellos retratos realizados a partir de finales del Renacimiento, cuando la melancolía hizo su aparición de una manera explícita en la pintura occidental.

Richard Avedon: Los Avedon, familia judeo-rusa residente en la Ciudad de Nueva York, parecían bastante convencionales. Sin embargo moldearon la vida de su hijo Richard y, sin pensarlo, criaron (y crearon) a uno de los grandes fotógrafos del siglo XX. Una característica muy peculiar de los Avedon era que sus fotografías familiares no eran las clásicas instantáneas vernáculas. Ellos construían las fotografías: Primero encontraban una casa que les gustara y luego procuraban incluir un automóvil lujoso (ajeno, por supuesto). Como un perro era esencial en este tipo de estampas, siempre conseguían uno prestado. Al final estas inusuales fotos de la familia Avedon no mostraban cómo eran, sino cómo aspiraban ser.

Avedon hizo fotografías de moda con un estilo inédito: Trabaja con modelos gráciles y elegantes con la agilidad de bailarinas de ballet y capacidad para reír y expresarse con facilidad. También dotó a las modelos con una identidad. En aquellos tiempos las protagonistas de las pasarelas eran punto menos que ganchos ambulantes para ropa, maniquíes animados. Avedon las transformó de rostros anónimos, auténticos objetos de consumo, en personas con nombre y apellido. Avedon transforma un género estático y monótono en algo vivo. Aprende que en la moda todo (peinado, maquillaje, ropa, cuerpo) se convierte en una performance. Esto no es de extrañar, pues Avedon amaba el teatro casi tanto como la fotografía.

Enlace The Richard Avedon Foundation

Cita: si comentásemos que los retratos que hizo el fotógrafo norteamericano Richard Avedon de Marilyn Monroe, de Dwight D. Eisenhower, o de Groucho Marx, no sólo nos parecen extraordinarios, sino que su expresión nos podría remitir a aquellos retratos realizados a partir de finales del Renacimiento, cuando la melancolía hizo su aparición de una manera explícita en la pintura occidental. Si entramos en Imágenes, de Google, y escribimos Rembrandt - Aristóteles, podremos comprobar a qué nos referimos.

Las dos etapas, próspera y adversa, de la vida de Rembrandt van Rijn se reflejan en sus obras, particularmente en los autorretratos, un género que el artista cultivó a lo largo de toda su carrera; mientras que los primeros son alegres, brillantes y un tanto superficiales, los de los últimos años tienen un carácter sombrío, sereno, y reflejan una profundidad muy superior. De los numerosos géneros que cultivó, el religioso y el retrato fueron los dos en que más brilló su talento de maestro del Barroco.

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Cita: Algún día, fotografiar será tan fácil como pintar con un lápiz de colores .Éste comentario lo hacía George Eastman, el hombre que fundó la compañía Kodak, y que a finales del siglo xx lanzaba al mercado una cámara pequeña que prometía revolucionar la práctica de la fotografía haciéndola accesible a todo el mundo.

El 12 de julio de 1854, nació George Eastman en Nueva York, descendiente de ingleses, revolucionó la película fotográfica y creó la marca más conocida en fotografía: Kodak.

Gran competidor, duro y práctico en los negocios era un hombre que pensaba en sus prójimos como lo demostró cuando en 1919 cedió a sus empleados un tercio de sus acciones en la empresa cuyo valor ascendía a diez millones de dólares. Y además estableció una pensión para jubilados, seguros de vida y un plan de ayuda por enfermedad.

Donó su mansión a la Universidad de Rochester, convertida en la sede del más antiguo de los museos del mundo dedicados a fotografía, la George Eastman House.

En 1923 creó la cámara de cine de 16 milímetros Cine-Kodak y en 1932 la cámara de 8 milímetros. Eastman no dejó de inventar y patentar nuevos modelos de cámaras fotográficas o de cine así como accesorios de todo tipo y materiales que aún guardan su patente y son utilizadas por todas las empresas del sector.

En 1884 había patentado una película transparente y flexible montada sobre papel. Esta primera película se enrollaba en un mecanismo de carretes acoplado en una cámara de cajón, la 'Kodak no. 1', que comercializó a 25 dólares. Estas cámaras se enviaban al fabricante para su revelado y se devolvían junto con la cámara nuevamente cargada de película nueva. Contrató al químico Henry Reichenbach y con él desarrolló un mejor soporte para sus emulsiones, una nueva película transparente llamada celuloide (que después resultaría decisiva en el surgimiento de la industria del cine), así a partir de 1899 bastaba enviar a la fábrica para su revelado el carrete utilizado. Se popularizó por entonces el slogan "Usted aprieta el botón, nosotros hacemos lo demás".

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Cita: El reverso de esta revolución de George Eastman se encontraría en el hecho de que quizás lo que obtenemos con tanta facilidad puede no ser muy interesante. Poca gente consigue con un lápiz de colores lo que conseguía Henri Matisse.

Henri Émile Benoît Matisse nació en Le Cateau-Cambrésis, Francia, el 31 de diciembre de 1869. Matisse está reconocido y es sin duda uno de los Grandes Pintores del siglo XX. Fue influenciado en su pintura por Vincent Van Gogh, Paul Gauguin, por las cerámicas persas, el arte africano y las telas moriscas.

Su pintura se destacó sobre todo por el uso origina del color, que fue de una gran sensualidad, aunque de forma equilibrada y bien estructurada, y lo fluido de su dibujo. Él mismo diría: “Sueño con un arte de equilibrio, de tranquilidad, sin tema que inquiete o preocupe, algo así como un lenitivo, un calmante cerebral parecido a un buen sillón.”

Otro de sus rasgos peculiares, es la sensación de bidimensionalidad de cuadros como se puede ver en “La habitación roja”, “Naturaleza muerta con berenjenas”, en los que la ilusión de profundidad se anula gracias al uso de la misma intensidad cromática en elementos que aparecen en primer o en último plano.

Tuvo como maestro en la Escuela, al simbolista Gustave Moreau, y como compañeros a Georges Henri Rouault, Charles Camoin yAlbert Marquet. durante esta época de estudiante hizo además amistad con Raoul Dufy, discípulo de Pierre Bonnard.

Youtube Obras

Cita: Poca gente consigue con un lápiz de colores lo que conseguía Henri Matisse. Con respecto a la fotografía ocurre algo parecido, ya que pocos consiguen las imágenes que obtenía con su limitadísima cámara, su particular lápiz de colores, el niño Jacques Henri Lartigue.

Jacques Henri Lartigue: “Desde pequeño sufro una especie de enfermedad, todo lo que me maravilla escapa sin que pueda guardarlo en mi memoria”. Esta frase sintetiza bien su pasión, la afición de toda su vida. En sus fotografías quiso detener momentos, instantes que sospechaba efímeros, como la misma felicidad que los habitaba y que a su modo quería perpetuar. Tuvo el privilegio de nacer en una familia aposentada, de modo que pudo entregarse sin preocupaciones a retratar el mundo. En 1902, su padre le dio su primera cámara, tenía ocho años y ya no paró de disparar hasta que murió, en 1986 con 84 años y muchos carretes acumulados. Muchos álbumes con sus correspondientes notas como dietarios para que nada se quedara en el olvido. Para él era un hobby, haciendo lo que quería, sus fotografías son ahora un documento único de su tiempo, un valioso testimonio. Supo captar la velocidad y el entusiasmo con la que se precipitaban los tiempos. Momentos de gran convulsión social y política, de guerras y desconciertos, en los que en cambio él se dedicó a retratar a la burguesía francesa. Lo más hermoso del trabajo de Lartigue es ese deseo de parar el tiempo, de conservar de algún modo la breve felicidad de un momento, sabiendo que eso es imposible, que dura demasiado poco, casi nada. Su objetivo era intentar darle un soporte físico para de algún modo perpetuarla, o al menos, conservar la ilusión de eternizarla simplemente teniendo una imagen de papel entre las manos. Sus fotos más bellas son las que toman el instante de una manera tan magistral que los retratados quedan suspendidos en el aire, otro modo absolutamente real pero muy mágico de captar la fragilidad de la existencia y la brevedad de la felicidad, pero también de lo que podemos alcanzar, aunque sea por un instante.

Obras Youtube Cita: Fotógrafos que nos han enseñado a ver de otra manera, que nos han mostrado una nueva apariencia del mundo, que han expresado el mundo en términos fotográficos, que nos han mostrado en fotografías el mundo según ellos, según lo vieron, según quisieron verlo... y mostrarlo. Algunos ejemplos de fotógrafos que han hecho fotografías para mostrarnos en qué consisten las buenas fotografías, siempre según su punto de vista?

Paul Strand.

Paul Strand: “Si permitís que la visión de otra gente se interponga entre el mundo y vuestra propia visión conseguiréis algo ordinario y sin sentido: fotografía pictorialista.

Pero si conserváis esta visión clara, conseguiréis algo que por lo menos será una fotografía con vida propia, al igual que un árbol o una caja de cerillas, siempre que creáis que estas cosas tienen vida propia. Para conseguir esto no existen atajos, ni fórmulas, ni reglas; únicamente en todo caso las que rigen la vida de cada uno. Sin embargo, es necesaria la autocrítica más rigurosa y el trabajo constante. Pero primero aprended a fotografiar. Para mí esto constituye ya un problema sin fin.”

Strand sabía cuál era su estilo, la straight photography, la fotografía directa, sin artificios ni manipulación, brutalmente pura y carente de trucos. Sus retratos no son favorables, no regalan nada al modelo, sólo muestra lo que ve y no hace nada por mejorarlo. Sólo esperaba el momento preciso, ese justo instante en el que merece la pena apretar el disparador, abrir y cerrar el obturador. Strand concibió la fotografía como un medio de compromiso social, dando notoriedad a personajes anónimos de las calles, manchas negras que recorren calles neoyorquinas.

Fundación Mapfre Youtube Cita: Fotógrafos que nos han enseñado a ver de otra manera, que nos han mostrado una nueva apariencia del mundo, que han expresado el mundo en términos fotográficos, que nos han mostrado en fotografías el mundo según ellos, según lo vieron, según quisieron verlo... y mostrarlo. Algunos ejemplos de fotógrafos que han hecho fotografías para mostrarnos en qué consisten las buenas fotografías, siempre según su punto de vista?

John Gutmann, John Gutmann llegó a Estados Unidos huyendo de un país que se estaba volviendo opresivo y se encontró con la libertad, la espontaneidad y la sensualidad de la calle americana, donde todo fluye, el escenario ideal para reinventarse como fotógrafo. Las escenas y los detalles más ordinarios o inclasificables tenían para él un carácter

novedoso. Como Evans, demostró una sensibilidad extraordinaria hacia la cultura popular, que describe y analiza sin identificarse con ella. Su mirada es la del extranjero que ha escapado de la estigmatización del diferente y encuentra fascinante la extravagancia de la vida americana, la libertad y la mezcla racial de las grandes ciudades.

Los retratos que toma en la fiesta del Martes de Carnaval en Nueva Orleans en 1937 son un claro ejemplo de esa fascinación por la movilidad y el atrevimiento de la sociedad americana. Constituyen un estudio sobre la convulsión social y la transgresión tolerada, cuando una población entera, los negros, se apoderan de la calle con espíritu de amotinados de carnaval. El genio de Gutmann se aprecia sobre todo en el encuadre, mediante el que formula el contenido de un mundo inarticulado tan animado como un circo, y en el que retrata el atractivo y la apacible sensualidad de los americanos: soñadores, animadoras, bailarines, cantantes, nadadores o equilibristas. Un paisaje fértil para la apreciación surrealista de los encuentros fortuitos.

Web Youtube Cita: Fotógrafos que nos han enseñado a ver de otra manera, que nos han mostrado una nueva apariencia del mundo, que han expresado el mundo en términos fotográficos, que nos han mostrado en fotografías el mundo según ellos, según lo vieron, según quisieron verlo... y mostrarlo. Algunos ejemplos de fotógrafos que han hecho fotografías para mostrarnos en qué consisten las buenas fotografías, siempre según su punto de vista?

Brassai Brassai: Si Doisneau era el fotógrafo del París de día y su alegría, Brassaï capturó la magia y el misterio de las noches parisinas. Eventualmente fue un gran retratista de artistas como Picasso, Matisse, Miró, Giacometti, Dalí y escritores como Michaux o Genet. Sin embargo lo que lo volvió famosos fue su retrato del París nocturno: Un largo recorrido por los adoquines y serpenteantes aceras de la ciudad luz que deambula en los interiores de clubes, bares, burdeles entre nieblas y humedades. En sus fotos se entrecruzan, como dijo Juan Manuel Bellever: “mendigos y aristócratas, canallas y prostitutas, héroes y villanos.”

Brassaï tenía un modus operandi fotográfico peculiar. En las escenas exteriores, su tiempo de obturación solía ser la duración de un cigarrillo. En interiores, colocaba su cámara en trípode, abría el obturador y, a veces, disparaba un destello de luz. Brassaï dijo que trabajó en “un tiempo, un lugar, un momento cuando una cierta fotografía es posible. Si uno falla, no puede recapturarla jamás.”

Obras Youtube Cita: Fotógrafos que nos han enseñado a ver de otra manera, que nos han mostrado una nueva apariencia del mundo, que han expresado el mundo en términos fotográficos, que nos han mostrado en fotografías el mundo según ellos, según lo vieron, según quisieron verlo... y mostrarlo. Algunos ejemplos de fotógrafos que han hecho fotografías para mostrarnos en qué consisten las buenas fotografías, siempre según su punto de vista?

Ansel Adams.

Ansel Adams: Fue un conservacionista ardiente y usó su arte para dar a conocer y proteger la naturaleza salvaje norteamericana. Tuvo como objetivo crear conciencia para la conservación del paisaje natural y de la vida animal.

Esta “obsesión” por fotografiar la naturaleza tuvo sus detractores, ya que raramente aparecían personas en sus imágenes. Cartier-Bresson llegó a decir de Adams “El mundo se está cayendo a trozos y todo lo que Adams y Weston fotografían son piedras y árboles”.

Estos trabajos le proporcionaron una proyección internacional que, a su vez, convirtió a sus fotografías en verdaderos iconos de la belleza natural estadounidense. Famosas son sus imágenes del Parque Nacional Yosemite, Las Montañas Rocosas, El Gran Cañón del Colorado, Yellowstone, etc.

Sus fotografías revelan, con un formidable juego de luces y sombras, toda la magnificencia de las montañas, nubes, desiertos, árboles, ríos y vegetación de Estados Unidos, y en particular, de toda la belleza original del Parque Natural Yosemite.

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Cita: Cuando veamos fotografías de grandes maestros, intentemos mirarlas como si estuviesen en el visor de nuestra cámara, como si fuesen las imágenes proyectadas en nuestra supuesta cámara oscura, imágenes como aquellas que fascinaron al gran William Henry Fox Talbot cuando colocó su cámara oscura frente al Lago de Como.

William Henry Fox Talbot: Científico y filólogo inglés que nació en 1800. En 1835, Talbot consiguió plasmar en papel una galería del sur de la Abadía de Lacock . Talbot siguió sus investigaciones con papeles de plata y procesos de revelado hasta que, en 1841, patentó en Inglaterra el "calotipo" y empezó la verdadera historia de la fotografía, en la versión que más ha durado: la del negativo-positivo.

La imagen desdibujada y tendente a desaparecer que ofrecía el calotipo tenía poco que hacer frente a la brillante, enfocada, y sobre todo bien fijada que obtenía el daguerrotipo. Transcurría 1840 y la 'daguerromanía', ese deseo irrefrenable de ser retratado mediante este método, se había instalado en la sociedad europea. Sin embargo, Fox Talbot se había anticipado a este procedimiento en 1833; aquel buen día, durante su viaje de novios, cuando sentado frente al Lago de Como, Suiza, su incapacidad para el dibujo le hizo soñar con “la posibilidad de imprimir de forma perdurable, aquellas imágenes naturales, y que permaneciesen fijadas al papel”. De regreso a Inglaterra, comenzó a trabajar en "el arte de fijar una sombra".

Obras Youtube Cita: ¿Más fotógrafos de excepción, ¿grandes clásicos? Sin pensar demasiado: Harry Callahan, William Klein, Dorothéa Lange, Weegee, Eugene Smith, Walker Evans, August Sander..., y otros muchos. Son tan sólo siete entre los miles que cogieron sus cámaras, salieron a la calle y atraparon un trozo de mundo.

Harry Callahan decía que si una fotografía no reflejaba tu propia vida, no merecía la pena. Había que eliminarla. No en vano, todas las mañanas salía a la misma hora a deambular por las calles para echar fotos. Y de las miles de tomas que iba realizando al cabo de los meses, sólo elegía, cuando finalizaba el año, una docena.

Fue un fotógrafo total, en el sentido en que se dedicó con igual talento al retrato o al paisajismo, y se pasó media vida fotografiando su entorno. Su mujer Eleanor, su hija Bárbara, las calles de su ciudad, grandes espacios vacíos llenos de estructuras geométricas.

Callahan es un genio del blanco y negro, y en su estilo destacan su amor por el reconocimiento del cuerpo desnudo como una suerte de geografía llena de regiones,

líneas y claroscuros; y su empleo del paisaje como lienzo sobre el que trazar paisajes minimalistas en los que la figura humana rompe el ritmo y desdibuja la monotonía.

Además experimentó con diversos materiales y técnicas, como la exposición múltiple (tan mal empleada hoy en día).

Obras Youtube Cita: ¿Más fotógrafos de excepción, ¿grandes clásicos? Sin pensar demasiado: Harry Callahan, William Klein, Dorothéa Lange, Weegee, Eugene Smith, Walker Evans, August Sander..., y otros muchos. Son tan sólo siete entre los miles que cogieron sus cámaras, salieron a la calle y atraparon un trozo de mundo.

William Klein, saltó a la fama internacional como fotógrafo de moda, gracias a su impecable, innovadora y particular visión del mundo, del espacio y de la estética. No obstante, Klein desarrolló a lo largo de su carrera un gusto especial por las fotografías movidas y borrosas y por las escenas callejeras más crudas, fiel reflejo de la sociedad neoyorquina de los años 50, pero también demostró un gusto exquisito para la fotografía de moda más refinada.

Nos tenemos que remontar a 1920 para entender la realidad que vivió el fotógrafo. Hijo de emigrantes judíos, vio cómo el derrumbe económico de los años 20 afectó a su familia que, dejando de lado los sueños que promulgaba el nuevo continente, tuvieron que mudarse a un barrio obrero de Nueva York cercano al famoso Harlem. Para muchos de los residentes de la gran manzana Harlem era sinónimo de cloaca, de delincuencia y de problemas (no debemos olvidar la segregación racial reinante en EEUU hasta 1964).

Existían dos realidades que coexistían pero no convivían. Y fue una de estas realidades la que se convirtió en foco de inspiración del fotógrafo. Imágenes del día a día de aquellas calles que solo pisaban quienes allí residían. Movimiento, fuerza, identidad.

Algunas de las fotografías de Klein parecen, realmente, escenarios en el que cada rostro expresa una emoción, una actitud ante la vida y ante el objetivo, un sin fin de interpretaciones y una técnica de difícil entendimiento.

Obras Youtube Cita: Habría una tercera opción para fotografiar, quizás aquella que consistiría en ir a la calle a ver que nos, sin momentos decisivos, con la esperanza de que alguien o nos pose, y nos permita colocar el trípode, aplicar del trípode? Quizás algo parecido al ritual de estudio. pero sin su silencio, sin el control del decorado, sin la total disposición de todos los elementos, sin el control absoluto, en un espacio que en principio no es el nuestro. ¿Pensaríamos en un cierto André Kertész, en August Sander, en Dorothea Lange, en Diane Arbus?

Dorothea Lange fue una de las fotógrafas más importantes del siglo XX, que sigue marcando la impronta de muchos de los que emprenden el camino de la fotografía. Hizo historia a través de la mirada que en los años 30 dejó posar sobre los padecimientos del pueblo durante la Gran Depresión.

Dorothe Lange toma relevancia en el mundo de la fotografía documental producto del trabajo desarrollado desde 1920 a 1940 donde sale de su estudio de San Francisco a registrar las condiciones de vida en las cuales viven los sectores más postergados de la sociedad en el marco de la Gran Depresión de 1930.

La Madre Migrante es una de sus fotografías más conocidas. Florence Owens Thompson, de 32 años y madre de 7 hijos, se convierte en la protagonista de una secuencia de 6 imágenes tomadas en Nipomo (California), en Marzo de 1936.

Lange retrató las calles donde miles vagabundeaban buscando empleo con sus trajes gastados, familias hacinadas en casas y sobre todo el rostro del hambre de una de las épocas donde el pueblo trabajador terminó padeciendo los efectos de la crisis capitalista.

A lo largo de su vida Dorothea realizó destacados trabajos sociales, uno de ellos fue censurado por las fuerzas militares de EEUU, porque en él denunciaba los malos tratos de los uniformados contra inmigrantes japoneses que se encontraban en territorio americano luego de salir de su país debido al ataque a Pearl Harbor en 1941, estas fotos fueron tomadas en los campos de concentración en EE.UU.

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Cita: Hablamos de investigar en qué consiste una mente libre, una mirada libre. Un hecho interesante: La prensa de los años 40 y 50 obtiene fotografías, cámara en mano, con cámaras de gran formato, como vemos en las películas de Billy Wilder, y entre ellos posiblemente Weegee sea el más grande. Fotografías de gran formato cuando ya era posible el pequeño formato, más rápido, más ágil..., pero de inferior calidad de imagen.

Weegee: El Nueva York de Fellig es el Nueva York de los años treinta y cuarenta, una ciudad marcada por las huellas de la depresión: la ciudad de los desocupados, los mendigos, las prostitutas de lujo y las miserables, la de las guerras de bandas de gángsters y la gente hermosa. Usher H. Fellig -cuyo apodo era Weegee- fue siempre el testigo ocular, el ojo público y crítico presente siempre donde estaban las fotografías que el se encargaría de capturar con su cámara.

Weegee tituló su primera exposición, realizada en la Photo League de Nueva York en 1941, de esta forma tan contundente y sincera: “Murder is my business” (EI asesinato es mi negocio). Aunque hizo fotografías de muy diversa índole, retratando todas las caras posibles de la Norteamérica que conoció, Fellig ha pasado a la posteridad por sus realistas instantáneas de cadáveres, asesinos y policías, personajes ideales para un recorrido sencillo y didáctico sobre el asfalto nocturno que Weegee recorrió fundiendo el reportaje y la crónica de la inmediatez con el arte visual y la poética cruda.

Obras Youtube Cita: ¿Más fotógrafos de excepción,n ¿grandes clásicos? Sin pensar demasiado: Harry Callahan, William Klein, Dorothéa Lange, Weegee, Eugene Smith, Walker Evans, August Sander..., y otros muchos. Son tan sólo siete entre los miles que cogieron sus cámaras, salieron a la calle y atraparon un trozo de mundo.

Eugene Smith: Devorado por su propia obsesión, la de captar la máxima pureza de la realidad a la que se acercaba con su cámara, el fotógrafo William Eugene Smith (19181978) se convirtió en un contumaz ensayista que escribía con la luz, como demuestran las series expuestas desde hoy en Valladolid.

Sus reportajes para revistas de gran tirada internacional como fueron Newsweek, en sus comienzos, y Life, a partir de 1939, dejaron patente que sus imágenes "no eran el complemento de los reportajes escritos, sino un ensayo en sí mismas", ha explicado hoy Enrica Viganó, comisaria de la exposición "Capturar la esencia".

La honestidad, como una prolongación de su propio ser, condujo a Smith al imposible de la objetividad plena, y derivó en una personalidad compleja que le pasó factura con

los editores y directores de las publicaciones y agencias a las que sirvió con series como las expuesta en Valladolid hasta el 28 de agosto.

Siempre antepuso el ser humano a cualquier alarde estético, con emotivos ensayos gráficos sobre el dolor, la tristeza, la soledad o el desamparo en forma de "relatos visuales", según Viganó, para reflexionar sobre el destino más frecuente del hombre.

Da fe de ello, siempre con la luz como aliado para enfatizar o matizar, en series como las dedicadas a la II Guerra Mundial cuando acompañó al ejército estadounidense en su ofensiva contra Japón en Saipán, Guam, Iwo Jima y Okinawa, donde retrató por igual a las víctimas y a los causantes del dolor, a los que no condenó, sino que también presentó como depositarios del infortunio.

Obras Franquismo Cita: Si nuestra cámara es de medio formato, miraremos probablemente hacia abajo, tendremos que enfocar con cuidado, tomándonos nuestro mucho o poco tiempo, y pediremos al mundo que nos dedique unos mínimos segundos de su precioso tiempo, un tiempo que no cesa de fluir, un tiempo que parece escaparse de nuestras manos. Son muchos los fotógrafos que lo saben: Dorothea Lange, Walker Evans, Bill Owens...

Walker Evans: Sería con su cámara de 15 x 20 con la que recorrería Estados Unidos, fotografiando el régimen Batista en su obra The crime of Cuba, una serie de fotografías como forma de protesta en la que mezcla retratos arquitectónicos con escenas callejeras.

Durante la depresión, trabajó para el programa Farm Security Administration que quería recoger a través de sus imágenes las situaciones tan difíciles que se vivían en las zonas rurales de Estados Unidos durante esa época.

Fue en colaboración con el escritor James Agee cuando sacarían el libro Let Us Now Praise Famous Men en 1941 en el que se publicaron las fotografías de Evans que había tomado durante su convivencia con una familia de una granja de Alabama durante seis semanas. Los resultados fueron excelentes retratos de su día a día, de forma simple y directa, desde una distancia considerada.

Todo cambia cuando comienza a usar la cámara Contax de 35 mm, pues la escondía debajo del abrigo tomando instantáneas de gente por la calle o en el metro, sin un encuadre concreto. El resultado de estas obras se publicaría en el libro Many are called.

Obras Youtube Cita: si fuésemos a hacer retratos utilizando como referencia aquellos que hacía August Sander, en la Alemania de entreguerras, o bien si fuésemos a hacer paisajes tomando como punto de partida los que hizo August Sander en la cuenca del Rin cuando el ascenso del nazismo le obligó a dejar de hacer retratos.

August Sander: El afán antropológico y catalogador de la sociedad que impulsó a August Sander a retratar a a los alemanes fue sin duda el proyecto que le hizo inmortal.

August Sander conceptualizó su proyecto en 1910 pero la realización de su serie de retratos llegó hasta después de la II Guerra Mundial.

Sean semicompletos o completos, los retratos de Sander están siempre colocados en un entorno simple. El artista daba indicios controlados e intencionales sobre el origen y la profesión de su sujeto, a través del fondo o de la ropa, del peinado o del gesto. Procuró integrar en todas sus obras la relación del sujeto fotografiado con su entorno hasta el último detalle.

El tema de ese trabajo nació de los retratos que realizó de campesinos de Westerwald, que consideraba arquetipo del hombre contemporáneo. Basándose en eso, Sander desarrolló una filosofía que posiciona el hombre dentro de un modelo cíclico de la sociedad. La clase de campesinos representa la base de la sociedad. Le siguen el artesano, la mujer, los trabajadores cualificados – que representan la base de la vida cívica, del abogado al miembro del parlamento, del soldado al banquero-, los intelectuales, artistas, músicos y poetas, la gran ciudad y el ciclo termina con los dementes, gitanos, mendigos, moribundos y muertos. Después Sander subdividió cada grupo en un total de 49 portfolios con título. Desgraciadamente, no tuvo la posibilidad de publicar el proyecto completo durante su vida.

Obras Youtube Cita: Plantado siempre de una manera simple: Nos atreveríamos a decir que Avedon provoca las imágenes, contrariamente a lo que hace Cartier Bresson, que acepta el azar del mundo , de hecho, juega con él? Podemos ver la diferencia entre estas dos actitudes?

Henri Cartier Bresson: Sagaz con la cámara y con la vida, Henri Cartier Bresson tenía el don de capturar el momento preciso, de evocar poesía en lo más profano de lo cotidiano, de inspirar historias a golpe de click.

Se encontraba muy atraído por imágenes de fotografía de carácter deportivo, publicadas en aquel entonces por revistas francesas y alemanas de los años 30. Fue uno de los padres del fotorreportaje y junto a Robert Capa fue también el cofundador de la agencia Magnum Photos.

Considerado por muchos el padre del foto reportaje. Predicó siempre con la idea de atrapar el instante decisivo, versión traducida de sus "images a la sauvette", que vienen a significar con más precisión "imágenes a hurtadillas". Se trataba, pues, de poner la cabeza, el ojo y el corazón en el mismo momento en el que se desarrolla el clímax de una acción.

“La fotografía es, en un mismo instante, el reconocimiento simultáneo de la significación de un hecho y de la organización rigurosa de las formas, percibidas visualmente, que expresan y significan ese hecho.

El aparato fotográfico es para mi un cuaderno de croquis, el instrumento de la intuición y de la espontaneidad, el maestro del instante que, en términos visuales, cuestiona y decide al mismo tiempo. Para significar el mundo, es preciso sentirse implicado con lo que se recorta a través del visor. Esta actitud exige concentración, sensibilidad, un sentido de la geometría. Es a través de una economía de medios y sobre todo el olvido de uno mismo como se llega a la simplicidad de la expresión.”

“Para mí, la fotografía es situar la cabeza, el corazón y los ojos en la misma línea visual. Es un estilo de vida.”

Obras Youtube Cita: Veamos un ejemplo entre muchos y que nos puede dará algún dato más sobre la posible naturaleza de la fotografía como medio de expresión y sobre el hecho de ser fotógrafo. Intentemos encontrar la fotografía realizada por Erwin Blummenfelden 1933 titulada: Christine, modelo de Aligiisto Radin para su obra El Beso, una gran fotografía, no muy conocida.

Erwin Blummenfelden: Muchas de las imágenes de las portadas de las revistas de moda que han pasado a la historia pertenecen a Erwin Blumenfeld. Tal vez una medida

de cuánto ha influido su trabajo en la fotografía de moda contemporánea, sea la familiaridad que despiertan aún cuando las vemos por primera vez. Cité de la Mode et du Design en París, retoma el trabajo del fotógrafo durante los años de la guerra y la posguerra en la exhibición „Studio Blumenfeld: New York 1941-1960, L‟Art en Contrebande‟.

“Decidí contrabandear cultura en mi nuevo país, a modo de agradecimiento por aceptarme.” Erwin Blumenfeld La calidad única del trabajo de Erwin Blumenfeld proviene de su deseo constante de enlazar los pedidos comerciales con puntos artísticos de referencia. Este estilo de fotografía está en deuda con el conocimiento cultural y el mundo del arte. En él podemos ver una mezcla jubilosa de pinturas renacentistas, Impresionismo, la Modernidad de los años 1920s, Dadaísmo, el mundo del cine, etcétera.

Fue uno de los pocos fotógrafos de su época que utilizó modelos que no se ajustaban a los estándares estéticos norteamericanos, incluso eligió fotografiar a personas desconocidas para las portadas. Jugó con las reglas y desafió los límites, pero especialmente, fue fiel a su singularidad.

Obras Cita: Pasea atento, percibe algo que puede dar para una de sus fotografías, mueve su cámara, selecciona el espacio, el momento, y encuentra en su visor la fotografía que él reconoce como posiblemente suya. Es cualquier trozo de espacio-tiempo que le permita hacer una fotografía... a la manera de Kertész. André Kertész no fotografía de cualquier manera: tan sólo encuadra aquello que pueda producir de sus fotografías, un documento, un acta notarial de la mirada de Kertész, una fotografía de la marca Kertész, una fotografía chez Kertész.

André Kertész: Mucha de su fotografía tiene que ver con esa captación de instantes en los momentos precisos. También con las formas inventadas, retorcidas, aumentadas.

Con las sombras colocadas en el lugar adecuado. Con las líneas de los escenarios perfectamente armónicas. Con la diferencia que existe entre alguien que coge la cámara para retratar recuerdos y él. Estamos hablando de fotografía en mayúsculas. Estamos hablando de arte.

Cada una de sus fotografías es totalmente intencionada. No hay recodos para el azar.

Cuando el espectador observa su obra, queda transportado a otra dimensión. A la dimensión del todo ordenado. De cada elemento en su lugar. No hay peros. Su trabajo se disfruta y se siente como una meta a seguir en esta profesión o, en este hobby.

“Yo escribo con luz” Esta frase de Andre Kertesz habla del trabajo de un fotógrafo. Escribir con luz. Con todo lo que ello conlleva. La poesía que esconde. La idea de creación. La importancia del autor sobre la cámara. Cuatro palabras que nos vienen a poner de manifiesto el papel del fotógrafo en la historia del arte.

Obra Youtube Cita: Todo el proceso es lento, nuestra cámara puede ser como un animal poco ágil, torpe para deambular por la calle, pero sí de imponente presencia. Quizás debamos quedarnos en nuestro estudio, o actuar como quien posee una Rolleiflex, cámara de medio formato, no importándonos las incomodidades, ya que conocemos los resultados, seguramente excelentes, como los de Diane Arbus.

Diane Arbus: Hay veces que distanciarnos entre la vida y la obra de un autor es fácil porque sus fotografías poco proyectan sobre su alma más allá de un gusto específico por realizar ese tipo de imágenes. En el caso de Diane Arbus, está todo tan unido, que prácticamente podemos afirmar que su fotografía es un estado de vida.

Utilizaba la fotografía como medio para poder realizar ciertas experiencias. La experimentación vital que podía satisfacer gracias a la toma de imágenes. Una actitud que la llevó a hacer de su obra un catálogo documental convertido en estudio de una época, pero alimentada con toda su presencia, porque en las instantáneas notamos su ser proyectado.

Comienza su andadura en la fotografía con su marido Allan Arbus, con quien trabaja en moda para revistas como Esquire, Vogue y Harper‟s Bazaar, hasta que el divorcio y la influencia visual de la fotógrafa Lisette Model, le hacen adentrarse en los barrios conflictivos de la Gran Manzana documentando escenas de prostitutas, enanos y otros personajes alejados de los cánones establecidos.

Diane Arbus no tuvo reparo en mantener relaciones sexuales con algunos de los que aparecen en sus tomas. Como decíamos era parte de ese proceso de experimentación que le permitía la fotografía.

Estilísticamente gustaba de utilizar poses frontales a cámara, directas. Donde se vieran los rasgos reales del fotografiado. Algo que reforzaba con el flash de mano, siendo pionera en su uso para fotografías de este tipo. La mirada a cámara, colocando al sujeto

en el plano central, sin encuadres armónicos, permitía también ese descoloque del espectador, esa inquietud y perturbación nada sosegada, nada amable.

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2. VALORACIÓN PERSONAL “Las fotografías nos enseñan el aspecto del mundo, pero lo hacen desde el objetivo de una cámara, un punto de vista único entre las infinitas opciones que pueden existir.”

Yo - Como bien dice, nos enseña el punto de vista de cada persona, como vemos cada uno de nosotros las cosas que nos rodean.

“Lo cierto es que lo que diferencia a los grandes fotógrafos de otros que no lo son tanto es que los primeros miran el mundo de una manera especial” Yo - Creo que para llegar a este punto nos debemos convertir en personas muy observadores y mirarlas desde lo más profundo de nosotros para convertirlas en fotografías que las distingan de todas las demás.

“Damos por hecho que nosotros buscamos en la fotografía algo más que instantáneas para el recuerdo. Fotografiar es muy fácil, y obtener buenas fotografías no es tan fácil.

Una razón importante es que las buenas fotografías exigen mucha dedicación.”

Yo - Dedicarle ese tiempo para hacer buenas fotografías no te garantiza que así sean pero te lleva al camino para conseguirlo.

“Es difícil ser un buen fotógrafo si no tenemos tiempo para hacer fotografías, requiere dedicación y tiempo.”

Yo - Como todas las artes, se requiere un estudio constante, a su vez requiere de tiempo y paciencia para ir mejorando en nuestro camino como fotógrafos, poder ser grandes fotógrafos algún día porque hemos conseguido trasmitir de una manera diferente eso que vemos y que no ven los demás.

“Nuestra cámara puede ser mejor o peor, con mayores o menores posibilidades, pero su lente no va a sustituir nuestra mirada. En ciertas ocasiones, nuestras cámaras, nuestra colección de cámaras nos confunde, podría haber un exceso de parafernalia.”

Yo – De nada sirve gastar en un gran equipo fotográfico, si con ese equipo resulta que tu fotografía es de la misma calidad o simpleza que las que hacías con tu anterior cámara con muchas menos prestaciones. Al final, debe ser nuestro estudio constante, nuestra forma de ser, nuestro carácter, nuestra pasión lo que debe reflejarse en nuestras fotografías, que las hagan únicas al resto.