Decireves Ene Feb

ENE/FEB 2011

5 OS AÑ

FEATURES:

ADIOS A DOS LEYENDAS: RITA GUERRERO & TRISH KEENAN. UN (NO) REVIEW: ACOSADOR DE MEDIA NO-

CHE

A L E X I C O FUTURA VIA : LO NUEVO DE BAM BAM BREVE VISTAZO A BROADCAST ENSAYOS SOBRE LA LIBERTAD

RADIOHEAD DISCOS BUENOS, DISCOS NO TAN BUENOS

discada: chelsea wolfe melodias belafonte jessy bulbo esben and the witch hypnomango fonogramaticos etc

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Enero / Febrero 2010

Para su distribución en la red.

Sin intermediarios, sin pagos, totalmente libre.

Con la única consigna de hacerte llegar la música que te gusta o te puede llegar gustar.

Distribuye y da a conocer este zine online a todo mundo.

CONTENIDO: Carta del Editor: Para ir calentando terreno.

Breve vistazo a Broadcast: En memoria de Trish Keenan.

La saga de Broadcast: Pequeña discografía comentada.

Thom Yorke Ilustrado: Ely Mock y una de sus asombrosas ilustraciones.

Radiohead y su King of Limbs: Discos buenos y discos no tan buenos (asegun dicen).

El registro audiovisual como futuro de la música popular: Un ensayo seriesón de Bul. Acosador de Media Noche: Un (no) review sobre la mas reciente acometida discográfica de Alexico.

Beam´s hipsters reviews: Damos la bienvenida al gran Beam con 3 reseñas jipsterosas.

Escribir para todos: De como generar códigos para entender el devenir musical “latino”.

Papercut: El sonido de Todo. ¿Que chingaos es la libertad?: Dos colaboradores se pusieron a reflexionar sobre eso.

Preguntas varias al Hypnomango: Charla via correo electrónico con este sorprendente talento regio.

Las palabras de Jaime Lopez: Breve extracto de una charla con alguien que no necesita presentación.

Como hacer tu propia revista: No seas un pelele como el “jefe” de Decireves, tu tambien puedes tener tu e-zine!!

Codex Festivus: De la fiesta en la calle hasta traer lo medieval al presente.

Diatribas de una fuereña: En la región de los cabritos y cabrones.

Rita Guerrero: Vivir sin miedo a la locura La otra llama: La Castañeda Ringo Deathstar: Viaje de colores Expecting Cinema: Addiciones y otras locuras Discada: Una sección con discos variopintos que no deja indiferente a nadie.

Las imagenes de: Esteban Calderón Colaboradores: beam Roger Ivan Camara jose luis flores Gibert Quiñones Ricardo Osorio Elisa Gzz delhi Homero Ontiveros Daniel Franco Laura E Cáceres Laura Ávalos Luis Resendiz Luis Alberto González Iván Quintero Iris Adriana Reyes Esteban Calderón Diseño: Elisa González Ochoa (http://elaisrad.tumblr.com twitter: @elaisrad @themocks) Editorial: Luis Alberto “Oso” González Proofreading: Beam Imágenes: Elisa González, Iván Quintero y Esteban Calderón.

CARTA DEL EDITOR

Revuelo ha causado en las redes sociales (concretamente en Twitter) el hecho de que el día de ayer (este editorial se escribió un 14 de febrero del 2011) Arcade Fire ganara un Grammy en la categoría de mejor Álbum o grabación (la verdad ignoro cuál fue el premio que se llevó la agrupación) dejando atrás a cosas tan dudosas musicalmente hablando como Katy Perry, Lady Gaga o Lady Antebellum, ahora resulta que por ganar un premio gracias a ese enorme disco que es y será “The Suburbs” (de lo mejor del 2010 para el staff de Decireves y de la mayoría de los medios musicales de este planeta) los canadienses consentidos de la crítica y la prensa alternativa han caído del pedestal por que se han “vendido” o peor aún han perdido la garra y la intensidad.

La música de Arcade Fire con todo y su ampulosidad es un madrazo directo a miles de bandas superfluas y carentes de talento (pero que no escatiman en poses trabajadas).

Su música no es de fácil digestión y tienen una de las discografías más interesantes de estos últimos tiempos (solo superados -en mi humilde opinión- por Radiohead quienes por cierto -al momento de escribir estas líneas- anuncias que sacaran nuevo disco) así que no veo porque el desgarramiento de las vestiduras, siendo mamones diríamos que Arcade Fire tenía todo para ganar, siendo objetivos no veo el rechazo de que una banda digamos “indie” gane un premio que a todas leguas es una mamada de tintes comerciales, no veo que Arcade han perdido la garra, tan solo su último disco tiene momentos que exudan vitalidad e intensidad y una identificación con una generación al parecer hastiada por la música procesada y que quiere canciones épicas al estilo de Bruce Springsteen, arena rock como ya no se hace en estos tiempos, entonces digamos que ese aliciente que es un Grammy (aunque sea un premio hipercomercial) les dará la pauta para que de aquí en adelante 1.- Hagan discos de la misma finura e intensidad 2.-Se pierdan en los abismos de la fama y el showbiz... Eso solo el tiempo nos lo hará saber. Por cierto, espero te guste este número, lo hicimos por ti y para ti.

Luis Alberto González Boss Decireves www.decireves.blogspot.com www.twitter.com/decireves

broadcast

breve vistazo a (EN MEMORIA DE TRISH KEENAN)

Por Luis Alberto González Macias www.decireves.blogspot.com ¿En qué momento una banda se vuelve de culto? No lo sé, quizás son muchos factores y puedo enlistarlo de una manera más o menos breve y aleatoria: 1. Discos con un buen equilibrio en música y contenido 2. Fuerza instrumental 3. Pocas presentaciones, solo para fans aguerridos.

Pocas bandas han logrado tener ese status que es como una carga pesada pero a la vez les da cierto status, ejemplos sobran, los Pixies (a pesar de ser los perpetradores de –dicen- el incipiente rock alternativo de la década de los noventa fueron desestimados por una banda de garage y canciones pop como lo fueron Nirvana y todo ese mito que se creó alrededor) los Residents, Wilco, Tom Waits, aquí en México tenemos a ese ente creado por José Manuel Aguilera en La Barranca cuyo status de comodidad le ha podido servir para crear obras imperecederas aunque ya les está haciendo falta un twist.

Una de las bandas de las que se podía tener una referencia exacta de sobre si era de culto o no fue Broadcast* agrupación “mediana” procedente de Birmingham Inglaterra, fundada en la década de los setenta por los entonces desconocidos Trish Keenan (cantante), Roj Stevens (teclado), Tim Felton (guitarra) y James Cargill (bajo) y cuyo trabajo musical se manifestó en diversas grabaciones (pasar al desmenuce de su pequeña discografía en este mismo número) cuya influencia directa se siente y resuena a lo largo de los tracks de cada disco original de estudio de la banda

(desde el Ha ha sound hasta el final Tender Buttons del 2005) y suena a The Information Society, Stereolab y The United States of America (la elaboracion de Tender Buttons tiene puntos de contacto con los sonidos y retruécanos electrosiderales del primer y único disco de la banda TUSOA) la voz de Trish era fría y robótica pero a la vez de un singular punto de inflexión que la hacía diferente a cualquier voz de las roqueras que coexisten en el orbe rocanrolero (a pesar de los devaneos pop sesenteros, esta banda ejercía una propuesta escénica que en momentos podía llegar a ser hipnótica e inquietante más que cualquier ejercicio pop de estos tiempos aunque bueno, hay una distancia enorme entre el la música de plástico y el pop de altos vuelos como el que se pergeña en otras ciudades primermundistas) Mi primer contacto con la banda fue precisamente Tender Buttons (Warp Records 2005). No podía creer lo que mis ojos leyeron el día 14 de enero en el sitio de Jenesaispop (hablando de pop, precisamente) me enteré que había muerto una de mis vocalistas favoritas.

Pero en efecto, la vocalista de la banda retroelectropop Broadcast, Trish Keenan había fallecido. Según el sitio, la vocalista venía padeciendo problemas derivados de una neumonía que se alargó dos semanas terminando con la vida de tan enigmática mujer. El sitio de Warp (casa de Broadcast) público un pequeño mensaje de condolencias y pide “respetar la privacidad de la agrupación y familiares de Trish”... mientras tanto los miembros de Broadcast, tenían planeado volver con una grabación, el cual quizás pueda aparecer como disco póstumo o quizás no. Tal vez tengan que pasar este tipo de cosas para hacer ver la importancia o trascendencia de alguna agrupación que siempre fue subestimada en su sonido. quizás Broadcast ya era una banda de culto y si no lo eran, con este hecho lamentable probablemente se consoliden de una vez por todas.

BREVE SEMBLANZA DISCOGRÁFICA de Broadcast Por Gerry Pacemaker Broadcast “Ha Ha Sound”

Broadcast “The Future Crayon”

Broadcast “Tender Buttons”

El primer gran disco del combo de Birmingham Inglaterra, con un manejo impresionante de texturas, colores y sonidos, esta agrupación elaboró un disco que sin renunciar al formato pop puso grandes canciones al servicio de su capacidad inventiva y sentido melódico (aunque en apariencia disfrazado detrás de ese capa de música robótica y la voz como témpano de hielo de Trish Keenan). Sobresalen las extraordinarias “Before we begin” (con la que abre el plato) la sesenteramente popsicodélica “Pendulum” ,la obscura “Black Umbrellas” y la estupenda “Ominus Cloud”. En este primer disco encontramos ciertas referencias sónicas a los trabajos de Stereolab, Information Society y esa gran y hoy revalorizada agrupación seminal The United States of America la cual fluye en el sonido de este “Ha ha sound” a través de los sonidos de retro vanguardia que pergeñaron hasta los límites los miembros de la banda.

Este trabajo broadcastiano tiene mucho de tramposo, como una especie de referencia discográfica a “The Beatles Anthology” o cualquier disco compilatorio de alguna banda longeva de rock, aquí en The Future Crayon es una pedacera de canciones, lados B, experimentos, outtakes que no quedaron en sus discos anteriores. La inicial y luminosa “Illumination” da la bienvenida con sus atmósferas bien trabajadas, poderosas secciones rítmicas, beats complejos y atrayentes como en “Still feel like tears” en este disco explotan una de sus máximas y prístinas composiciones como la gran “Belly Dance”, incluye la grandiosa, atrayente y misteriosa (y profética dadas las circunstancias en que ocurrió la muerte de su vocalista) “Poem of a dead song” que era un especie de mantra, quienes vieron a la banda en vivo aseguran que cuando tocaban esta canción la banda se fundía una atmosfera obscura y opresiva con Trish perdida entre las luces y proyecciones alucinantes en vivo.

“The Future Crayon” fue un disco transitorio en el devenir de la banda.

El disco con el cual explotan (a mi entender) en todo el mundo, Tender Buttons es un dechado de orfebrería pop, electrónica y musique concrète en donde la voz de Trish Keenan sobresale entre las alucinantes composiciones de este disco. Broadcast se da el lujo de introducir sutiles guitarras acústicas en su sonido, y de jugar con el krautrock sorprendiendo con una inusitada melancolía (Tears in the typing pool). Existen momentos avasallantes como el retruécano pop de “I found the F”, ritmos de vanguardia en “Black Cat”, “Goodbye girls” y “Michael a grammar” y ruido pop en “America’s Boys”. El disco finaliza con dos tétricas composiciones, la sideral y viajada “You and me, in time” y la atmosférica y envolvente “I found the end”, canción que parece sintetizar el microcosmos broadcastiano hasta el final de los tiempos de la misteriosa Trish Keenan.

ELISA GONZÁLEZ ILUSTRACIÓN

www.be.net/elisagonzalez

D

e manera inesperada y abrupta, mientras Arcade Fire ganaba su Grammy (ver editorial en este número) se anunciaba por esos días que Radiohead iba a sacar tanto física como digitalmente su nuevo flamante disco titulado “King of Limbs” (con referencias a un árbol antiquísimo que se encontraron en un poblado allá en su tierra natal). Si bien “King of Limbs” renuncia al formato de descarga gratuita de “In Rainbows”, muchos se apearon en su computadora para descargarse el nuevo trabajo de la banda inglesa consentida de la crítica (Los Beatles de este nuevo siglo les dicen) y muchos andan diciendo (entre ellos el que escribe) que este disco es quizás, su primer tropiezo discográfico.

Claro que tratándose de Radiohead, lo que impera es una necesidad de cambio radical, ya lo hicieron desde “Ok Computer”, su magnum opus del año 1997 que la critica aplaudió a rabiar, del rock progresivo de ese disco a la electrónica abstracta de “Kid A” es un enorme paso, el cual a su vez es complementado por el majestuoso “Amnesiac” del 2001, en este punto todos coincidían que Radiohead ya no tenía nada que ofrecer.

Cuando apareció “Hail to the thief” muchos se fijaron más en el contenido político de las letras y el supuesto puntapié a George Bush y su fraude que lo llevo a la presidencia estadounidense y sumir a los gringos en una guerra absurda (todavía esperamos las armas bioquímicas de Irak), sin embargo el disco es una variante con guitarreos rocanroleros y la sutileza de la melodía beatlesca. Para ese álbum Thom Yorke dejaba en claro “algunas canciones están más emparentadas con la melodía de The Beatles, es algo con lo que experimentamos y nos sentimos muy bien” (continúa sig. pagina)

RADIOHEAD: discos buenos, discos no tan buenos... dedicado a Fátima por Luis Alberto Gonzalez twitter: @decireves

Tuvieron que pasar casi cuatro años para que después de su truene con la disquera EMI Parlophone los de Radiohead viraran el barco a uno de los movimientos estratégicos más aplaudidos por los consumidores voraces de música, su nuevo disco “In Rainbows” se podía descargar gratis pagando lo que “yo quisiera” se sabe de antemano que ante tal reacción de la banda muchos grupos optaron por empezar a hacer algo similar (stream de discos, singles etc.) aunque como muchos otros saben este movimiento lo venía haciendo Wilco con su álbum Yankee Hotel Foxtrot en el 2001/2002 pero sin la exposición masiva de los medios al que Radiohead le dio énfasis con un aire de despreocupación y humor digno del buen Thom Yorke (“No tenemos que rendirles cuentas a una puta disquera”). “In Rainbows” despejaba las dudas sobre la capacidad de la banda para seguir creando melodías épicas, ahí está el delicado compás de “Nude” y su Ondes Martenot cargadísimo que se desliza como olas sobre un mar de dolor, ahí está la majestuosidad de “House of Cards” (y su video vanguardista hecho sin cámaras, si no con scanners ) ahí está “Arpeggi”, en fin, un discazo que los ponía en el pedestal.

“King of Limbs”, la apuesta radioheadiana en este 2011 es un disco que fácilmente se puede colocar como una compilación de (muy buenos) lados b, melodías atmosféricas que planean seguras y no se devanean tanto en conseguir resultados que asombren a los críticos. En fin, un disco sencillo en comparación con la tríada de grabaciones anteriores. La música rebosa en los tracks más difíciles con una cargada influencia de Aphex Twin, Prefuse 73, Plaid y Authecre, mientras que emergen de manera inaudita varios momentos conmovedores para el escucha.

Una influencia que a mi entender le da una dirección diferente a este disco es la inicial “Bloom”con su batería jazzeada y tocada en un intrincado compás, aparte que se agregan sonidos de metales fantasmagóricos y teclados espaciales y que remite de inmediato a Flying Lotus (hay que recordar la colaboración de Yorke con el sobrino de John Coltrane en el estupendo disco “Cosmogramma” del 2010) dos canciones magistrales cierran el disco, la sencilla y hermosa “Give up the ghost” y la terminal “Separator”

Dicen los que especulan que este es la primera parte de dos discos que en realidad está por lanzar la banda, varias frases y títulos de canciones sugieren este hecho, quizás no sea el disco del año, quizás sí, pero el solo hecho de que, la que muchos consideran mejor banda de rock (aunque otros digan que ya no hacen rock) de estos tiempos lance un disco es más que suficiente para ponerlos en portada y dedicarles unas cuantas líneas.

Iván QuinterO

El Registro Audiovisual como el futuro de la mUsica popular.

IlustraciÓn www.flickr.com/liqs

por. Roger Ivan Camara Lemarroy www.lamusicaesgratis.com

n la sociedad actual sigue estando vigente la función de la música como medio para contar historias que reflejen un espectro específico del estado social en el cual el artista se desenvuelve.

Anteriormente este medio contaba con la falibilidad de tener que confiar en la transmisión “de voz en voz” como el recurso mediante el cual se mantendría la integridad del mensaje original.

Esta falla se vio corregida con el surgimiento del disco y los medios de grabación, métodos mediante los cuales el artista ya no dependía de otras personas para difundir su mensaje de manera adecuada. Fue entonces que se creó una diferencia básica entre la presentación en vivo y la presentación grabada de la música.

Hoy en día esa diferenciación sigue siendo tan vigente como siempre, pero el estado de la música popular ha cambiado a la par de los tiempos.

En cuanto al ámbito cultural se refiere, el artista se ha llegado a dividir en dos facetas diferentes dentro de su mismo rango musical. Si hablamos de una función social, el disco (o la grabación y producción de una obra musical) se ha convertido en “el producto” mientras que la presentación del artista se ha convertido en “el servicio”. Ambas funciones sirven de una manera similar, sin embargo son interpretadas de formas completamente diferentes por el consumidor.

Un disco puede ser experimentado en la privacidad del hogar, mientras que la presentación en vivo implica la interacción social con otras personas, que pueden ser desde otros espectadores hasta los mismos músicos.

Foto: Google Images

E

Esta experiencia tiene una validez social mucho más grande (a diferencia de la validez artística) debido a que es vivencial e inmediatamente autorreferencial gracias a la misma restricción de que tiene que ser experimentada en grupo. Por lo tanto son dichas presentaciones más viables para tener un impacto común, y transmitir la idea de lo que está sucediendo en la escena musical de la cual el acto forma parte.

El registro audiovisual de un concierto busca capturar la música que se está presentando al mismo tiempo que el sentimiento y la percepción social creada en el momento y en el lugar donde sucede el evento. Es de esta forma que se puede presentar y reproducir, de una manera mucho más directa, lo que sucede en las escenas musicales locales, y por lo tanto representar una idea más fiel de lo que consta el mensaje cultural y social que buscan transmitir dichos artistas.

acosador de media noche un no review por ely mock

E

n el número pasado escribí sobre “Record Collection” de Mark Ronson explicando porqué me gusta el disco a mí y también explicando porqué no hago reviews.

Este número haré lo mismo pero con la diferencia que a Mark Ronson nunca lo he visto en persona en mi vida y Alexico es mi amigo desde la adolescencia.

Mucha gente podrá creer que es nepotismo usar esta plataforma para hablar del trabajo de un amigo y que mi opinión vá a ser influenciada por este hecho.

La verdad es que el primer día que conocí a Alexico yo estaba en un ensayo de mi banda de la prepa y él llegó por sorpresa a visitar al baterista que era su conocido y ahí nos presentaron. Inmediatamente Alexico que en esa epoca se hacía llamar Alex, sacó un cassette (sí, cassette) de su grupo “Mega Muffin” y puso la canción “Tanque Primate”, y yo pensé: “...y nosotros aquí en 1998 tocando grunge”.

Hay seis tracks en este Episodio y en algunas canciones se escuchan voces de amigos de Alex y algunas letras también fueron colaboraciones de los mismos.

Empieza redundantemente con un Intro compuesto de ruiditos, coros, partes melódicas y una voz distorsionada diciéndo cosas como: “nunca vas a ganar” y “condenado tu estás”. Como las voces en tu cabeza siempre diciéndote porqué eres un perdedor y como esto nunca vá a cambiar.

La verdad es que Alex me cayó bien instantáneamente y su música me gustó mucho también desde ese momento. Alex y yo nos hicimos amigos pero eso nunca influenció mi opinión sobre su música. De hecho siempre le digo cuales canciones me gustan, cuales no, donde desafina, donde se sale de tiempo, etc.

Alexico hizo su debút como Alexico con “Dios es lo máximo” amado por muchos, odiado por otros cuantos. Pero ya pasaron varios años de eso y porfín volvió a la vida con “Acosador de media noche”.

“Tu quieres eyaculación, yo quiero menstruación” no es sobre un raro vampiro que quiere sangre menstrual en su cara ni una tipa que quiere bebés... pero sí eso es lo que entiendes cuando escuchas la letra de “A mi no me dieron el don” pues ya es cuestión de que no estás canalizando tu Leon-o interno y no estás viendo más allá de lo evidente.

Episodio 2 de Acosador de Media Noche es tan solo un fragmento de una obra compuesta de trés partes. ¿Porqué empezó con el Episodio 2 y no con el 1? Con Alexico no es cuestión de ser alternativo u original ni artístico. Empezó con el Episodio 2 porque así debe ser en este caso.

No sé si deba decirlo pero esta serie de Episodios es algo personal para Alexico, no porque sea un acosador a ninguna hora pero en su mente sí lo fué un tiempo.

Alex no es un profeta ni está tratando de demostrar nada. Este episodio no está hecho para ser un disco “icónico” ni un comparable con otros discos clásicos ni modernos. Este episodio no es un ego-trip ni una tésis, no es un curriculum ni un examen. No está hecho para ser adorado, calificado o criticado. Está hecho para escucharse y esperar a ver qué te hace pensar (no sobre el disco si no sobre tí mismo).

“Gordo, grande y maríca” no es un himno homofóbico. Nombre del Perro no es rap. “Baby Cake” no es sobre un pastel bebé y “La Sombra” no es sobre una intervención real, ¡Por amor del cielo!

Pero bueno, esta es mi percepción personal: me gusta este disco de principio a fin y le diría a toda la gente que me agrada que lo escuche y ya lo que pase después debe ser espontáneo y no un análisis escolar.

Lo pueden bajar gratis en la página del label: www.belafonte.me

Beam’s Hipster Reviews foto: Laura Morfin

Por. Beam twitter: @Beam

alexico acosador de media noche (melodias belafonte 2011)

L

o primero que sobresale de la nueva entrega digital del músico regiomontano Alex Salais, Alexico, es el gran salto de calidad respecto a su disco anterior, “Dios es lo Máximo”, editado independientemente en 2007.

Un camino como el transitado la década paasada en “Dios es lo Máximo”, un disco conceptual sobre el dios cristiano, simple y sencillamente es una vereda que no puede ser recorrida dos veces. Únicamente la canción con la que abre este EP, titulada simplemente “Intro” emparenta con los experimentos sónicos de la primera y ambiciosa placa debut de Alexico.

A partir del segundo tema, “Gordo, Grande y Marica”, Alexico flexiona sus músculos sónicos y nos entrega una andanada de ritmos ochenteros que emparentan su música con bandas como Information Society y con Thomas Dolby.

Lanzar un disco tan ochentero en medio de una ola de nostalgia forzada por la década noventa y el intento empantanado de revivir la cumbia por parte de una chiquimafia de hipsters blogueros y tumbleros me parece una decisión arriesgada y ambiciosa. Si a esto le acompañan canciones tan buenas como “Nombre del perro” que suena a himno de Disney interpretado por New Order, el enérgico tema final del EP “La Sombra” y la anteriormente mencionada “Gordo, Grande y Marica” el resultado, además de un sonido pulido y honesto, es simplemente notable.

Me parece realmente deprimente que en el año 2011 artistas tan buenos como Alexico y muchos otros tengan que agradecer, en nombre de un poco de publicidad a sus trabajos, reseñas tan mediocres y estultas como la publicada hace unas semanas en el blog que le da el nombre a esta revista. ¿Qué no es suficiente para los artistas con hacer música buena y disfrutable y distribuirla de manera gratuita? ¿Tenemos una “industria” (por llamarla de alguna manera) musical mala o un “periodismo musical” deficiente y apenas letrado? ¿Es “pecado” “enfurecer” a algún crítico musical etern mente amateur, musiquillo frustrado o bloguero al no doblar la cerviz ante una pésima reseña, para colmo de males en mucho de los casos mal escrita y nulamente sustentada? ¿Hay que “fingir” que te agrada la indy cumbia o el pop sudamericano para “quedar bien” con los blogs a marras y recibir su “hype” independientemente de que este no sea útil en absoluto? ¿Si Alexico fuera chileno correrían todos los blogs iberos y latinos a proclamarlo como un “genio”? ¿Es el pecado de Alex Salais geográfico, más que musical? ¿A alguien le importa realmente la música, o todo lo relevante hoy en día son los likes, retweets, reblogs, posts y demás espaldarazos virtuales que existen?

Beam’s Hipster Reviews D

efinitivamente este no es el Bam Bam de la década pasada.

Después de transitar por años en la independencia musical –en teoría- voluntaria y de recorrer festivales y escenarios independientes bajo la bandera de Nene Records, Bam Bam presenta “Futura Vía”, con bombo y platillo, en la disquera Arts & Crafts México. Por si este espaldarazo no fuera suficiente, la banda conformada entonces por Mou, Meme, Luxor y Leo contó con la producción del veterano del “Menonita Rock”, Martin Thulin.

El resultado del trabajo de los Bam Bam con Thulin y Arts & Crafts, plasmado en “Futura Vía” es sobresaliente. Sin embargo, a pesar del éxito creativo alcanzado en temas como “Hipnódromo” (que suena a una versión “latina” de Autolux), la instrumental “Gira, gira Galileo” y “Ragatrón”, “Futura Vía” suena a victoria agridulce y pírrica, de una de las bandas que dejaron entrever un mayor potencial durante la explosión del “indie” norteño de finales de la década pasada.

Sin embargo, el saldo de “Futura Vía” fue el de un Bam Bam fracturado y a la deriva, que actualmente se presenta en festivales con una vocalista invitada y sin la participación de Meme (ex-baterista) y Luxor (ex-vocalista).

Luxor, a pesar de sus aparentes limitaciones técnicas como músico, era quien verdaderamente otorgaba un distintivo a la banda con sus aportaciones vocales.

Esto es notorio en el EP homónimo “Bam Bam”, en donde los temas más memorables son los cantados por ella.

No me puedo sacudir la impresión de que durante la grabación de “Futura Vía” la maquiavélica mente de Mou ya tramaba echar a Luxor de la banda y esto se refleja en la manera mezquina en que su voz aparece en los temas del disco: una vocecita en “Extraña Coincidencia” un corito en “Ragatrón”, otra aportación discreta en “Abismático”. ¿O fue culpa de Martin Thulin?

BAM BAM F UTURA vÍA (arts and crafts 2011) “Futura Vía” termina siendo un agridulce testimonio de una banda que sacrificó demasiado por lograr una meta ambiciosa. Me temo que de ahora en adelante Bam Bam será Bam Bam en nombre solamente y se tendrá que catalogar, de manera acorde, como una más de “las bandas de Mou”.

Beam’s Hipster Reviews

Por. Beam twitter: @Beam

Para comenzar, es el primer disco que no está disponible en sus páginas web somosalbum.com y lamusicaesgratis.com. La placa será lanzada por la disquera norteamericana Rockstar Records.

Album All Stars ) 1 1 0 2 s rd co e R r a st k oc (R

T

odo cambia. Lo que hace un tiempo era la banda nueva que remaba contra la corriente por atreverse a regalar sus discos en Internet ahora es una agrupación veterana en la escena “indie” de nuestro país, con prácticamente una década de experiencia en la música.

Durante su larga y fértil carrera Álbum lo ha experimentado prácticamente todo: desde un disco debut (“Eureka Sön”) aclamado en medios norteamericanos y presentaciones en Nueva York y en el SXSW, hasta una gira quijotesca en el centro de nuestro país la cual terminó con toda inquietud de la banda de presentarse en vivo; desde discos de dance experimental como “Quantization Proclamation” hasta fructíferos escarceos pop como “Cancer Baby”.

Pues bien, el nuevo disco de esta banda jaromontana, “All-Stars”, transgrede muchas de las reglas que Álbum se impuso la década pasada.

Segundo, es el primer disco de la banda que no es lanzado en un año consecutivo. Desde 2002 Álbum había lanzado una sucesión de aportaciones musicales año con año, hasta llegar al incómodamente silencioso 2010, en donde sus integrantes se dieron a la tarea de buscar otras salidas para su creatividad. Bandas como White Ninja, Fuck Her, or the Terrorists Win y Zozaya, conformadas por miembros del grupo, lanzaron discos el año pasado.

Tercero, “All-Stars” es el primer disco que no encaja dentro de una secuencia lógica del anterior. Sí “Microbricolages” era la secuencia lógica de “Eureka Sön”, “Álbum vs. Monterrey” fue un descanso-homenaje a las agrupaciones regiomontanas favoritas de la banda y “Quantization Proclamation” fue la respuesta más adecuada al aparente viraje pop de “Cancer Baby”.

“All-Stars” es, por así decirlo, el primer disco “incómodo” de Álbum y sin duda causará algo de polémica entre sus seguidores, pocos, pero apasionados. La nueva placa del grupo es un disco corrosivo, que destruye prejuicios basados en los trabajos anteriores a la banda y es de una difícil primera escucha.

Sin embargo, temas como “Automático”, “Rightfully Yours” y “No Attribution or compensation” no decepcionarán a los seguidores de la banda. Del resto del disco puedo decir que más que canciones, lo que nos presenta ahora Álbum son paisajes y experimentaciones sónicas.

A estas alturas, una banda como Álbum puede hacer lo que le venga en gana. Pueden decir, sin ser arrogantes, que fueron pioneros en la distribución digital de la música y de las netlabels en Latinoamérica. Cuentan con un legado musical envidiable e irrepetible y su creatividad ahora abarca a múltiples proyectos musicales. ¿Qué más puede pedir un músico independiente hoy en día?

IvÁn QuinterO Ilustración www.flickr.com/liqs

Escribir para todos

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apercut es un proyecto demasiado misterioso ubicado en los límites de la República Helénica y el Mar Mediterráneo; sus atmósferas parecen indicar que está más cerca del agua salada, que de la tierra dulce, aunque irónicamente, su sonido es más azucarado que salado.

por.José Luis Flores

L

o que siempre me ha gustado del rock en su complejidad la cual rebasa el propio mundo de la música y que aterriza en el mundo real es su invitación a ser adoptado por todos sin excepción. De ahí que cada uno lo cobije de acuerdo a su realidad, preferencia y vivencias.

Pero el rock también es un imaginario enmarcado en un contexto que ha pasado por el filtro de músicos, público, medios de comunicación, intelectuales, etc. Se la pueden pasar debatiendo largamente que es y que no es punk, que si tal grupo es o no es metal, etc. Es una ciencia humana, inexacta, pero cuya presencia se incorpora en la cultura popular.

Traído al contexto no anglo, la demarcación viene por un mal congénito, que pudo tener antecedente militarista: La nacionalización del rock. Así como los gobiernos populistas y de cierta tendencia política buscaban nacionalizar fábricas, empresas o lugares que se consideraban que les pertenecían al pueblo; lo mismo sucedía con el rock. La nacionalización del rock era una afirmación de que el rock ya no era extranjerizante; también era nuestro folclor, con sus propios personajes y esencia, que aunque podía sonar a algo de “fuera”, era nuestro. La nacionalización del rock sonaba muy bien en los 80’s, cuando los países latinoamericanos retornaban a la democracia, Televisa exportaba el Chavo del Ocho y grupos adolescentes a los demás y se sentía el fin de la Guerra Fría en el mundo.

Pero han pasado los años, y los contextos del rock nacional se han perdido en cuanto existen elementos que conectan las distintas geografías del rock y es posible elevar el imaginario a un contexto mayor, quizás latinoamericano, quizás hispanoamericano.

El “rock nacional” nunca va a desaparecer aunque quizás sí como etiqueta. No es malo que existan medios o páginas web que hablen que dediquen a hablar de lo que sucede en una ciudad determinada o un país. Obviamente uno puede escribir lo que le de la gana y escribirá sobre lo que conoce. Si es de música, hablará de lo que percibe, de lo que puede comprar en su ciudad, de lo que oyen sus amigos, o de lo que se escribe en su ambiente. Yo te invito a elevar el imaginario y no tienes que pensar como yo. Simplemente encontrar conexiones que puedan generar códigos de entendimiento entre muchas más personas, que trascienda geografías.

por. Gibert Quiñones www.radioalterno.com

El artista ateniense, que prefiere ocultar su persona para revelar sus sonido artístico, encontró en el cine, su película mental, su amante perfecto; y su gran amor, son los grandes compositores europeos de los años 50 y 60 como: Ennio Morricone, Nino Rota, John Barry, Roy Budd, entre otros; Portishead, Tim Buckley, Kraftwerk, son las olas que escucha últimamente.

El señor Papercut, como se hace llamar, estudió en el conservatorio, más tarde, realizó música para obras teatrales, cortometrajes, exposiciones de pintura y diseñó algunos remixes.

El idioma nos facilita comunicarnos pero a veces simplemente no tenemos idea que habla el otro. No es cuestión de ignorancia; es buscar crear el contexto más ideal o la invitación a que todos están invitados, a que todos tienen la chance de ser representados. Eso es difícil, pero ahí está el reto de escribir para todos.

Amante de la noche, las luces, el océano y la composición de la cena, el misterioso músico inició la grabación de su primera obra en Dinamarca, a mediados del 2010.

Tres días antes de que finalizara ese año, decide publicarla. El resultado fue un álbum homónimo editado a través del sello griego “The Sound of Everything”.

Las atmósferas creadas en secreto, abarcan el downtempo, dub, soul, trip hop, reflejos de Hooverphonic, Thievery Corporation y Portishead.

PAPERCUT

Si mañana fuera el fin del mundo, reuniríamos a nuestras personas favoritas, haríamos una fiesta en la playa y bailaríamos hasta caer rendidos, o hasta que la sombra desaparezca del mar.

Cuando la música suena oscura, arcana, es inevitable intentar descifrarla; sin embargo, es mejor no hacerlo. Ahora es momento de decir que Papercut es Erik Berglund y Ulrica Brunner.

LIBERTAD

LIBERTAD

por. Ricardo Osorio

por.Delhi

¿Q

ué es la libertad?, la conocemos, realmente vivimos con ella, nos sentimos seguros de tenerla.

Si buscamos un concepto podemos encontrar que la primera representación escrita para la “libertad” se cree que es la palabra cuneiforme sumeria Ama-gi. Traducido literalmente, significa “volver a la madre”. En castellano la palabra libertad proviene del latín libertas, - ātis, de igual significado. Como curiosidad, la palabra inglesa para libertad, freedom, proviene de una raíz indoeuropea que significa “amar”.

El ser “Libre” no se conceptualiza y su definición es algo muy propio de cada persona, que percibe en su propio entorno que lo rodea. Cada uno de nosotros nacemos y vivimos siendo libres para pensar, hablar, decidir, actuar, etc.

Hasta el día en que morimos y dejemos el martirio por no saber vivir en libertad, tal vez nuestra Alma la encuentre en algún otro lugar. A lo largo de la historia el hombre ha buscado ser libre, pero también ha mostrado el lado opuesto de esta, la esclavitud, la censura la represión. ¿Hasta cuándo termina nuestra libertad?, es mas ¿en qué momento comienza? ¿Somos lo verdaderamente capaces de interactuar y convivir con la libertades de los demás?

Un elemento que se le adhiere es el respeto. La libertad es una gran responsabilidad que no debe dejarse corromper por el libertinaje y es ahí donde el respeto se convierte en la conciencia de ella. El límite de hasta donde nuestras acciones o palabras pueden llegar a afectar a los demás puede ser una de las respuestas a hacia donde empieza o termina el ser libre.

La censura y autocensura también existen como contraparte a ella y estas son el gran medidor de nosotros, así sabemos que tan libres podemos llegar a ser al expresar todo aquello que nos acongoja. Este tema es uno de los cuales pueden ser extensos, mas no trillados.

L

ibertad es…

A manera de sensiblero spot de Coca-Cola, “libertad” arroja 89 millones de resultados en Google, mientras que esclavitud y censura juntas apenas superan los 7 millones de resultados….

Libertad = Elegir

Uno de los aspectos que identifica a nuestra revista es la música. Tal vez se preguntaran, porque no hago mención de la censura sobre las corrientes, propuestas y épocas por la cual la música en sus diversas ramas e intérpretes de este ámbito; han tenido que pasar para logar hacer escuchar su voz y sonido. La respuesta es porque no terminaría de enunciar, a miles de compositores y músicos que le han dedicado a su tiempo y poesía un impulso, a través de las notas musicales para hacer expresar algo tan interno y propio. Y porque la libertad no es cuestión solo de música, sino de un hibrido de ideas, de ciencia, de arte, de cultura y de humanidad.

A ver si te sirve este pensamiento y lo acomodas donde creas pertinente, así me dijo mi buen amigo Toño. ”Podrán tener atado y encarcelado mi cuerpo, pero jamás tendrán atada mi mente y mi alma y nunca dejaré de sonar en libertad”

Hace un año mi mejor amigo se fue de la ciudad en busca de un entorno más seguro para su familia, aun no empezaba lo más horrendo de esta guerra estúpida contra el narco.

Pensé en su momento que de tener las mismas agallas que él, también tomaría los pedazos de mi vida y huiría lo más lejos posible, pero no las tuve y sigo aquí. El caos desde entonces se ha vuelto cotidiano, el rumbo de las platicas entre la familia y en el trabajo va de cuántos soldados y camionetas sospechosas nos encontramos en el camino o de cuantas balaceras sucedieron en la semana.

En el noticiero matutino la chica del clima pronostica además de chubascos y tormentas eléctricas, un ambiente denso y peligroso por las noches, la muerte y la violencia es cosa común, espanta, pero llego el momento crítico en el que aunque parezca frio decirlo, nos estamos acostumbrando. Ya no somos libres de elegir estar seguros.

Por suerte las familias de clase media tienen en sus casas un sistema de alarma con sensores de movimiento, cámaras de circuito cerrado, rejas electrificadas y cerraduras tan eficientes y sofisticadas como las que se utilizan en prisión.

Pensar = ser Libre Bloqueo de redes y medios electrónicos en Egipto y ahora recientemente en Libia, la moda es censurar la libre expresión de un país entero cuando los conflictos políticos se salen de control. En últimas fechas los países árabes del norte de África han despertado para liberarse de su aletargado gobierno dictador y corrupto.

La razón: la rebelión comenzó en Túnez, en donde un grupo radical lanzó la invitación al movimiento vía internet, logrando derrocar a su presidente días después; Egipto hizo lo mismo con Mubarak y los ojos del mundo se dirigen hoy a los atentados de Libia donde inclusive miembros del ejército nacional han pedido asilo político por negarse a bombardear a manifestantes.

Localmente la seguridad y comodidad de un gobierno caótico se vio amenazada por una periodista que se atrevió a cuestionar el estado en el que fungía sus labores el presidente electo de este país, como resultado, un cuento mediático como no se veía desde la década de los 80´s, censurando la libertad de expresión tan alabada por el gobierno, donde hasta la ONU emitió su opinión. La rebelión también es sinónimo de libertad.

Que te hace libre: La felicidad es un concepto distinto sin embargo, mucho tiene en común, independencia, albedrío, desenvoltura, voluntad, seguridad; ser libre es saber, aunque el conocimiento puede volverse en contra, siempre será mejor estar por encima de la ignorancia. Ser libre es tener visión, confianza y decisión, tener oídos que escuchen y disciernan, y no pies que sigan causas ajenas, romper barreras ideológicas, dogmas, límites, distancias, atreverse a pensar y defender una opinión. Libertad podría ser semejante a la Felicidad, pero la felicidad no siempre es la mejor forma de ser feliz.

Escribir, el vasto universo de la música, el viento en la piel, abrir los ojos, leer gritar, imponer un estilo, una palabra, relajar los músculos, los v ernes, correr, pintar, mirar el pasado, un abrazo, llorar, defender una idea, alzar la voz, suspirar, coraje, madurar, ¿que te hace libre?

hypnomango

jaime lopez

Entrevista por. Decireves 01.-Antes que nada, ¿por qué Hypnomango?

R. Pues es un nombre que realmente no significa nada, solo una excusa para no poner mi nombre real, pero si tiene una historia, cuando yo estaba en la prepa empezaba a agarrarle el gustito a grabar canciones solo y necesitaba un nombre porque tenía que abrir una cuenta del entonces poderoso Myspace, recuerdo que tenía una lista con muchos nombres muy extraños y se la mostré a uno de mis amigos y escogió ese, no requerí más aprobación.

Entrevista por. Homero Ontiveros ... ese sentimiento grabamos diferentes tracks de feedback y algunos que ni están en el tono ni la nota, aparte de que lo cassetteamos y terminó escuchándose como me lo imaginaba.

06.- ¿Lees las reseñas de tu primer material? ¿Qué opinas de lo que se dice?

R. Si, si las leo, trato de estar pendiente de todo lo que escriben y está muy chido, realmente he estado recibiendo mucho, mucho apoyo de muchos medios 02.- ¿Que hacías antes de tener tu propio proyecto per- diferentes y ya el EP rompió record de descargas en sonal?

Nene Records, estoy muy feliz de que está teniendo tan R. Pues lo tengo desde que tengo conciencia, pero lo he buena recepción, siempre habrá uno que otro review alternado con una que otra banda de las que me he sa- amargo pero no pesan nada en comparación a los buelido muy rápido. La verdad nunca me he sentido cómodo nos y eso me hace muy feliz. en ninguna banda por mucho tiempo, no me he podido encontrar tanto musicalmente con personas de mi gen- 07.-Escucho también ciertos pasajes medio sesenteros eración, es culpa de mi hermana y sus CD’s de Nirvana. psicodélicos en algunas partes de tus canciones, fue Crecí escuchando música noventera y siempre ha sido porque te gusta la música de esa época o fue “sin mi obsesión, el ruido de los noventas. Ahorita los chavos querer queriendo”? no se en que andan, la otra vez fui a una tocada de vatos R. Si me gusta, suelo meterme a blogs donde suben como de dos generaciones abajo y todas las bandas to- compilaciones y discos así oscurones de bandas sesencaban puros covers de los Arctic Monkeys y los Strokes, teras, si me gusta mucho, aparte son el mejor soundeso realmente me deprime. track para ver Baby TV. 03.- ¿Como fue trabajar con Mou? R. Estuvo muy chido, Mou es una persona con la que puedes hacer un brainstorming bien chido. Ya desde hace rato traía ganas de que se aventara un EP de Hypnomango, me gusta mucho como hace sonar a las bandas que graba. Siempre ha sido una gran influencia.

“

Imágenes: Festival Nrmal

08.-Ya no se hacen buenos riffs en el rock hoy en día, es más, ¿crees que lo tuyo es rock?

R. Creo que nunca he sido guitarrero porque no fui metalero, cuando era pre púber me gustaban los Ramones y luego me empezó a gustar mucho Sonic Youth y mi percepción de la guitarra cambió me prohibí tocar power chords y hacer más de 2 canciones en una afi04. -Escucho muchos riffs medio noventeros, ¿será que nación. Me gusta ponerle mucha distorsión, inventarme estamos a punto de experimentar un revival de esa dé- una afinación y crear acordes, no sé si eso sea rock, cada? pero está chido.

R. Güey, estaría bien chido que así fuera, ¡ojalá, ojalá! pero que no se choteé.

09.- ¿Indie, hipster o generación equis?

R. Ni de aquí ni de allá, realmente no sé de qué gener05.- No puedo salir al mar se me hizo esquizoide y frené- ación soy ¿Generación Z? ¿La del narco? tica, como lograron esa sensación en ese Acabamos de tocar en el DF y nos fue muy chido, si track en particular? fue la gente a vernos tocar y eso que éramos la única R. Que chido que me digas eso porque era realmente banda. En vivo está más tronado y accidentado, se lo que quería transmitir, planeaba que fuera elevándose pone muy chido y me emociona también el recibir varios poco a poco para llegar a una cima de disonancia y ruimensajes de extraños que me dicen que están emocionado. Me gusta el ruido, aparte dicen que corre sangre esdos por ver a Hypnomango, se siente bonito” quizo por mi familia. Para lograr...

Dialogando una tarde lluviosa con Jaime López nació esta entrevista, en la cual nos habla de su más reciente libro “El Diario de un López” y de cómo fue su proceso y su postura ante el rock.

Entonces: ¿Qué tanto de música y qué tanto de literatura hay en este diario?

R. Este libro es como canciones visuales, sin embargo no me gustaría etiquetarlo completamente de esa forma. ¿Rehúyes de las etiquetas?

Aquí publicamos un fragmento de la entrevista que se R. Yo creo que las etiquetas si son importantes, el problema es que a veces no se aplican justamente. extendió más de una hora.

----------------------------------------------------------------------¿Qué es El Diario de un López?

R. Es como un falso diario, una serie de absurdos llevado al terreno de la ficción, un juego con la lengua y las ideas, jugar con el sin sentido para llegar a una especie de sentido. ¿Cómo nace este diario?

R. En 1990, en el suplemento cultural del periódico “El Nacional”, me invitaron a que participara escribiendo una columna. Ellos me pedían que escribiera sobre música, pero yo me negué a escribir sobre ese tema por no querer ser juez y parte, siendo que yo estaba activo en la música y no me gustaba la idea de tirar línea sobre otros colegas, entonces me decidí a hacer unas fabulas basadas en una canción que aparece en mi disco “Arando al aire”, llamada “Sexo Fricción”, entonces se me ocurrió, haciendo un guiño a Las Fabulas de Esopo, titular esa columna como “Las cábulas de López” , y todo comenzaba con: “lo que más risa me dio…” En algún momento aquello no continuó más y después me invitaron a participar en una revista que finalmente no salió editada, sin embargo yo comencé a hacer una especie de diario y a jugar con esa idea, en la que cada texto comenzaba diciendo: “Querido Darío”, y me adelante a hacer como 10 colaboraciones con estructura para la revista que repito, finalmente no salió. Entonces yo lo que hice fue adaptarlo al formato de Rhythym & Books, y me acordé que Jodorowsky le adapta al actor regiomontano Carlos Ancira una novela de Gógol llamada el Inspector, esta se la adaptó al teatro y salió el monologo: “El diario de un loco”, entonces pensando en todo eso fue que dije: “Ah bueno, yo hago un monologo a través de canciones y se llama `El diario de un López´”, tomando en cuenta mi idea de que las canciones son hojas dispersas de un diario, y bueno las ilustraciones corrieron a cargo del monero Manjarrez.

Entonces ¿Qué opinas de la etiqueta de rock mexicano?

R. Yo no creo en esa etiqueta, yo creo que hay rock o no hay rock simplemente. Para mí el rock es un idioma, es mi esperanto, es decir: yo conozco a un francés, un alemán, un holandés o un argentino y tenemos un idioma en común: El rock. Podríamos hablarnos casi en señas a través del rock. El rock tiene una gracia y es el hecho de ser el primer movimiento realmente global, donde por ser el folclore de los folklores se alimenta de varios ríos, así por ejemplo: el rock jamaiquino se llama reggae, lo que hacía Nina Hagen es la presencia alemana en el rock, lo que hacen Chico Buarque y Caetano (Veloso) es la presencia de los brasileños en el rock, y aunque no lo quieran Silvio Rodríguez es la presencia cubana en el rock. Lo que hace Camarón de la Isla es más rock que lo que hace Radio Futura. Para mí el rock mexicano es la música norteña.

COMOHACERTU

PROPIAREVISTA

Por. Daniel Franco Twitter: @dannopalooza

¿E

res lector habitual de publicaciones musicales? ¿Deseas iniciar una publicación en internet de la música que te gusta o de música en general pero no sabes por dónde arrancar? ¿Tienes Deja-vus al leer artículos o listas? No te hagas más preguntas, el siguiente texto tiene las respuestas que estás buscando.

Decireves se enorgullece en traer a todos sus lectores el “Manual perfecto para hacer una revista/web musical”.

1. A falta de ideas novedosas, refúgiate en el pasado.

Recurre a la vieja técnica del recuerdo: revisa que discos de los 60's cumplen 50 años en el mes actual y dedícales un artículo. Los 60's fueron una época generosa musicalmente, así que cada mes por todo un año podrás rellenar tu publicación con lindas y desgastadas revisiones de música otrora novedosa. Puedes multiplicar el efecto si consideramos que los discos hechos en los 70's cumplen 40 años esta década, los elaborados en los 80's cumplen 30, los de los 90 conmemoran su 20 aniversario etc. Si tienes visión a largo plazo, dentro de 10 años puedes empezar a reciclar los artículos que escribas hoy, aumentándoles una década nada más. No olvides usar títulos como: "El sargento pimienta cumple 50 años", "A 40 años del lado oscuro de la luna" "A 20 años de sumergirnos en el Nevermind" o "30 años sin Joy Division".

2. ¡Sobre el muerto, las coronas!

Una variante muy exitosa de la anterior es usar a aquellos músicos muertos a quienes se les rinde cierto culto, o que tuvieron una muerte trágica. Por ejemplo, cada año no puede faltar los clásicos reportajes "XX años de Kurt Cobain", una descripción idéntica al resto de cómo se mató accidentalmente Michael Hutchence de INXS, recuerda como Hendrix se murió ahogado en su Vómito, Morrison en la tina etc etc. Estos reportajes cobran mayor valor cuando el muerto en cuestión pertenece al "Club de los 27", ¡aprovéchalos!

No olvides la clásica mención: "El cantante, que hoy tendría 69 años" o la edad en turno. ¡Ojo! No vale la pena hacer reportajes sobre la ausencia de figuras importantes de la música contemporánea sin popularidad, muertes trágicas o tempranas. Esos muertos deben ser ignorados. Por ejemplo, Johnny Cash, John Entwistle, Miles Davis, Muddy Waters, Roy Orbison y otras figuras, que no atraen tanto público.

No olvides aprovechar las oportunidades que las muertes recientes traen. ¿Recuerdan que hace unos meses murió la vocalista de Broadcast o el reciente deceso de Eugenio Toussaint? Bueno, pues es de sabios y congruentes rendirles tributo muertos y no dar seguimiento de sus carreras mientras viven, y una vez muertos, mencionarlos como grandes artistas, con una enorme trayectoria, a la vanguardia, aunque la publicación nunca les haya prestado atención realmente. ¡Eso es aprovechar las oportunidades! En un par de semanas, tras el olvido del finado/a, ¡a esperar el siguiente fallecido y repetir la fórmula!

3. Reseñas No pueden faltar en tu publicación impresa o digital las reseñas. Estas suelen ser de álbumes de reciente cuño. Si las disqueras te envían discos, los reseñas, si no, pues no. Si no cuentas con la dicha de recibir material de disqueras o artistas y quieres la sección, puedes explorar en internet a ver qué hay de nuevo o usar contactos para recibir recomendaciones.

Un clásico de las reseñas es incluir estrellitas o frases que determinen la decidir si un disco de reggae merece tal o cual calificación.

Escúdate siempre en la subjetividad y en los ataques personales.

Hay muchas técnicas importantes que son vitales de dominar.

Puede que el disco a reseñar sea buenísimo, pero recuerda que la polémica atrae lectores incautos, así que calificarlo de basura puede atraer audiencia, así sean haters o trolls. Por otro lado, puedes echar flores de cuanto disco te pongan enfrente o seguir la marea de las publicaciones extranjeras ... (siempre consideradas superiores) para calificar. Por ejemplo, nadie se atreverá a calificar de malo al nuevo álbum de Radiohead, si lo haces, corres el riesgo de perder lectores, de ser considerado un ignorante, o en el mejor y más amigable de los casos, un pendejo. Calificar discos malos como buenos no tiene el mismo efecto, lo más probable es ser desdeñado ipso facto.

Si reseñar discos no te es suficiente y quieres incluir más material en la revista, siempre puedes incluir reseñas de libros, películas de estreno, videojuegos, DVD’s, y ¿por qué no?, antros, bares, restaurantes y más. Es vital para estos casos el incluir precios. (cont sig pag)

4. Entrevistas Las entrevistas son pieza medular, muchos lectores casuales se acercan cuando hay entrevistas de grupos o solistas que les agradan. Contar con exclusivas le da un bono extra a tu revista.

Los grupos, como parte de la promoción, dan muchas entrevistas al lanzar un nuevo álbum. Por lo tanto, las entrevistas deben girar en torno al nuevo álbum del grupo/solista en cuestión y DEBEN OBLIGATORIAMENTE ser, entre un pequeño despliegue de independencia y/o originalidad periodística, las siguientes: -¿Cuáles son las influencias detrás del nuevo álbum?

-¿Cómo fue el proceso de grabación en el estudio? (Aquí además, la respuesta es obligatoria casi casi: “Normalmente alguno de nosotros llega con una idea al estudio, la presenta y todos los demás aportamos nuestras ideas hasta tener la canción terminada”.)

- La canción (inserte el nombre aquí) me recordó al sonido de (inserte el nombre del grupo)… ¿influyeron en el proceso creativo?

- El disco en general transmite mucho (inserte la emoción de su gusto aquí) ¿Era ese el humor predominante en el grupo?

-¿Qué planes tienen para este año?

- ¿Por qué el nombre ________________?

-¡Qué sigue para la agrupación?

-No olviden omitir la pregunta incómoda ¿Cuándo se presentarán en ___________?

Si el/los entrevistados han tenido algún despliegue de incongruencia o vergüenza artística, es oro molido cuestionarlos al respecto. Puede que tu entrevista sea una vergüenza, pero si es “exclusiva” -aun si preguntas lo mismo que el resto de medios a los que se les concedió-, es LEY que el artista/grupo/naco entrevistado sea portada.

5. Amigos míos, vengan aquí Si el staff de tu revista/blog conoce a grupos, solistas potencialmente útiles para la publicación y tienen una relación amistosa, por favor nunca se expresen mal de su trabajo así su calidad sea dudosísima. Los amigos, amigos son y retacar tu publicación de reportajes sobre ellos tapizados de elogios y desdeñando otras opciones puede volverse tu sello distintivo.

Presumir la plantilla que colabora en la publicación es muy importante. No le hace que escriban puras burradas, personajes de (dizque) renombre y presumirlos a la menor provocación es siempre adecuado. Agrega nuevos colaboradores periódicamente. Lo ideal sería tener un buen filtro cualitativo en los artículos publicados pero si esto no es posible, pueden presumir que tu revista o website tiene 300 colaboradores (aunque el 98% escriban cosas lamentables o de auténtica pena).

Variedad vs Especialización Hay publicaciones enfocadas a un solo género musical, expertas y conocedoras. Por ejemplo Pitchfork, seguida bíblicamente por muchos en todo el mundo y autodenominándose una publicación especializada en música indie aunque usen el término a su antojo, reseña a U2, banda que de independiente solo tiene el recuerdo y no tiene ni una nota de, por ejemplo, Porcupine Tree, una gran banda que se ha gestado y desarrollado por muchos años en auténtica independencia (verifíquenlo por ustedes mismos).

Un recurso ultra gastado pero muy eficiente en las publicaciones para atraer al gran público es crear listas sin piedad: Los mejores discos del año, década o historia, aunque en la gran mayoría de las publicaciones la historia arranque en los 50’s. Cuando repases los discos (y hayas ignorado brutalmente a miles de ellos) síguete con las canciones, bandas, guitarristas, bateristas, cantantes, bajistas, tecladistas, luego con lo mejor de un género y de otro. Las listas pueden ser auténticamente ridículas, pero siempre habrá alguien que diga: “ La banda ________ fue considerada la mejor de todos los tiempos, de acuerdo al conteo elaborado por (inserta aquí el nombre de tu publicación)” y serás digno de mención. Limita la lista al número que te deje satisfecho. 10,25, 50, 100, 500, etc. Si te quedas sin ideas, mete algo de cascajo.

Básate en estas listas y entregas de premios para forjar una imagen de los que menciones en tus conteos y ¡oh éxito!, hazte presente.

Finalmente, no olvides tener contacto con lectores por medios electrónicos, hacerlos sentir partícipes es parte medular de atraer público, aun si ese “no es tu objetivo” (frase clásica e hipócrita). Defiende tu publicación a capa y espada y disfruta mucho ser igual al resto.

trayendo lo medieval al presente.

DIATRIBAS DE UNA FUEREÑA EN LA REGIÓN DE LOS CABRITOS Y CABRONES

Por: Ciudadana Herzeleid (www.ciudadanaherzeleid.blogspot.com)

Por: Ciudadana Herzeleid (www.ciudadanaherzeleid.blogspot.com)

Codex Festivus, la fiesta en la calle,

C

on todo esto, llegué a verlos varias veces en diciembre del año pasado, como a tres o cuatro cuadras del zócalo del Distrito Federal, donde la historia de los edificios se conjunta con un presente muy caótico, y a su vez contrastante: mira que cerrar una calle del centro a los carros y hacerla peatonal para encontrarte con ellos, eso no pasa todos los días. Y claro, así como uno ve esos grupos callejeros, se acerca a ver que tranza con ellos, pues ya imaginarán, iba la ciudadana caminando por las calles del Distrito Federal cuando en lontananza (realmente ha olvidado en que calle) vio a unos tipos con trajes al estilo medieval, como si pareciesen bufones y los tontos del pueblo, y a la ciudadana no le quedó otra cuestión que decir “¿y estos vatos que traen?” por lo que se acercó a escuchar.

Ya con el panorama mejorado se dio cuenta que los tipos traían esa onda, y lo mejor del caso es que parecían ubicarla en la época, ya que las gaitas tenían decorados de la época, como águilas o aves fénix, ya ni hablemos de los clarinetes ¿si son clarinetes?¿o son solo unas trompetas de madera? No, de madera no por que las trompetas son de metal, ah, y claro, de antemano se ponen en evidencia las gaitas y las percusiones que tanto odiaba Da Vinci ¿Entonces, regresando al meollo del artículo, quienes son los Codex Festivus? Ay, pues la memoria me falla, y correría el riesgo de equivocarme con los nombres, además de que ellos mismos, como buenos músicos que retoman la época medieval, pues se cambian sus nombres, y al final de los actos cada uno hace sus movimientos y sus bufonadas, tomando la actitud trovadora. Y por supuesto, al final de cada interpretación recogían las monedas y se retiraban, y también vendían discos, algunos con canciones bretonas, algo así como cosas alemanas y célticas pero en mexicano. Mi novio compró el disco, pero la verdad no pude copiarlo, prefería ir a verlos en vivo cuando tenía la oportunidad y donarles algunos pesitos.

Y ahora, cosas del destino, un amigo llamado Lupo me invitó al festival medieval en Guanajuato, ya saben, esas cosas en las que uno debe agarrar el personaje de un caballero melenudo, al estilo rosacruz u oscuro, o en el caso de las chavas, de una princesa, costurera o guerrera con mucha fortaleza. Y me vengo a enterar que ahí se van a presentar. ¡Claro, claro, tan medievales resultaron los muchachos! La ventaja es que no se esconden en la oscuridad de la época que quieren representar, al contrario, uno encuentra el Facebook y el MySpace, que ya está en plena decadencia, además de hartos videos en YouTube por personas que los han grabado, nomás échense el clavado, total, es curioso ver este tipo de cosas en el México actual, ya que resulta muy contrastante, pero a su vez muy divertido.

-¡A la verga, !

-Dijo ella después de haber releído y vuelto a releer esos relatos por la que tanto la tildaron de loca. “Mira que mamadas son esas de un animal llamado escarapuerco, y de un gato con tres paredes de ojos llamado Fono, y de esa aventura que vive en un bosque de penes, que mamadas” Era su crítica a “Ángeles enfermos” del autor Marko. A. Gonzalez, parte del movimiento fanzinero del D.F. Hacía una semana que la habían rechazado del equipo de natación por una pendejada -¡¡No, no, no, no vas a entrar, y no vas a entrar porque no me trajiste la papelería completa hace dos semestres, y no vas a entrar, no vas a entrar porque yo lo digo, si quieres entrar a la alberca paga!! -Le gritó la mediocre entrenadora.

Y pensar que ella se había hecho ilusiones de muchas cosas, ilusiones de una vida más saludable, ilusiones de formar parte de algo dentro de una ciudad industrializada que es Monterrey. “Industrializado tendrán el ano de tanto que la cagan y dejan que los caguen”, pensó. Aún le quedaba cierta nostalgia por el Distrito Federal, allá, pese a ser una extraña, había cierta comunidad, no negaba que costó el adaptarse allá, pasar de un ranchito igualmente industrializado y maquilero como lo era Reynosa, a estar en un monstruo cosmopolita como aquella ciudad podría haber vuelto loco in cluso a la más ecuánime persona, pero no negaba que podía entrar a bibliotecas, visitar museos, perderse dentro del metro y ser un anónimo más. En Reynosa por su naturaleza tan extraña nunca conoció a otros, y la mayoría de sus amigos eran amigos de sus hermanos, por lo tanto no eran suyos. Para irse de ese mundo tan seco que era Reynosa se ponía a viajar con la imaginación, soñaba con hombres peces, o con espíritus de leones que tomaban los cuerpos de las personas, eso era sólo un decir. Por circunstancias de la vida y un padre comprensible terminó en la capital del país estudiando un diplomado en creación literaria. Y escribió mucho, quizá como nunca lo hizo en su breve vida, desde los dieciocho años hasta los veinte quedó mucho material congelado. De aquí se puede hacer una elipsis, la historia es larga y no se terminará en estas páginas.

Regresando al presente, ella todavía recordaba a la entrenadora: “es que así son los mexicanos, le dan muchas vueltas al asunto, por eso es que esta chava que se dice entrenadora te llegó a gritar después de darte la vuelta durante un par de semestres” fue lo que dijo acertadamente una compañera de facultad. ¿Cómo es que cinco años antes algo como esto no le hubiera interesado? El día en que aquello sucedió le agarró una depresión que le duró hasta la relectura del libro.

Como siempre, el pronóstico que cargan los genes: diabetes, hipertensión, gracias padres por darle tan buena carga genética.

Sin embargo de un año al presente se hizo adicta a la bicicleta, pero eso también es plática de otra página o momento. Cuando vio aquel fanzine, estaba fechado en el 2006, ahora era el 2011 y veía con mucha envidia que alguien se hubiera atrevido a haber sacado algo con un consejo editorial del cual formaba parte Paco Ignacio II, en su colérica personalidad se le salían muchos “putas madre” y recordaba que ella solía escribir antes que ser deportista y tratar de adaptarse a lo “regio”.

Desde finales del 2008 está en Monterrey, no se puede decir que forma parte de la ciudad, incluso si de principio trabajó en Teleperformance donde obtuvo el odio de dos o tres personas por el hecho de afirmar que primero se la había pasado en México antes que llegar a la ciudad. Vino acá por consejo de su hermano mayor, después de haber sido dos veces rechazada de la UNAM y haber tratado de llevar la vida de estudiante y trabajadora que nunca pudo lograr, cuando llegó a Monterrey se dio cuenta de que esos chilangos cagantitos, racistas, mamones y pendencieros que tanto le habían contado en Reynosa de los que tuviera cuidado, los vino a encontrar en Monterrey. De ahí por inercia tomó el examen de la UANL y del CEDART juntos poco le importaba si lo rechazaban de ambos, total, no sería la primera vez, ya que continuaría luchando. Sin embargo su sorpresa fue ser aceptada en ambos, y la elección fue la universidad. ¿Olvidaba algo en el pasado? Pues claramente así era, y es que ella gustaba del escribir, y se le había olvidado al ser expuesta a tanta teorización y chaqueta mental, mientras en su facultad se preocupaban y la preocupaban a ella por autores que escribían, que a ella olvidaba esa norma básica de escribir por disfrutar escribir, sin el estorbo de la teorización. Y ahora se encontraba leyendo esos cuentos fantásticos y olvidados que tanto la movieron durante su adolescencia a querer repetirlos, capturarlos y rehacerlos. Vería si al editor de la revista a la que escribía por gusto le interesaría su punto de vista entremezclado entre realidad y ficciones que ella misma hizo anteriormente.

“A la verga”, fue su afirmación, luchando contra sí misma, para no perderse y continuar en lo que antes hacía bien, y eso era escritura, entonces se acordó de mandar los artículos para la revista, esperando provocar una tensión en el lector, o cuantijodidamente menos que dijeran “¡ah chingá!¿y ora esta que trae o que nos quiere decir?” Eso, dice ella, lo verá en su siguiente capítulo, a la misma hora en la misma revista que usted ahora lee.

entre las pocas que deambulan en ese ámbito que llaman rock nacional; sabes que es erróneo (y que ahora no tiene sentido mencionarlo) pero eran ellas, ellos, y Rita.

La ves en entrevistas, la lees en publicaciones, pero sobre todo la escuchas “buscar, buscando la luz… “. Un toque dark, lo suficiente para no sentirte parte de la fauna gótica que no entiendes, ni quieres entender; un toque medieval, lo necesario para involucrarte por minutos en historias que jamás habías escuchado; piscas de teatralidad en escena, siempre te ha gustado verle pequeña y enorme en la infinita ironía entre lo físico y lo espiritual.

RITA GUERRERO: VIVIR SIN MIEDO A LA LOCURA Por. aeromusa Twitter:@leaeromuse

L

as primeras veces te dejan un notable sabor en la punta de la lengua. Algo para que sea memorable, aunque quede en el olvido al día siguiente (a esto se le llama ironía). Las primeras veces tienen un toque mágico, algunas son como el aleteo de una mariposa derrumbando el mundo, y otras, sin conocer el arte de la discreción se dejan caer con la fuerza toda la fuerza destructora de la vida. Impredecibles, casuales, inteligibles.

Un día vas caminando como si nada, y de repente escuchas una voz desgarradora, como no queriendo la cosa te acercas a preguntar quién canta. Santa, te dicen; y te parece el peor nombre de la historia con ese bajeo tan oscuro y esa voz desgarradora. “Tratar de ver qué tienes adentro, resulta banal”.

Eres demasiado joven para tu propio bien. Impresionable, sí. Experimental, ¿por qué no? Y ves en la estantería del kiosco un número que te provoca una confusión absoluta: una jovencita Julieta en brazos de una vampiresa de cabellos largos y negros. Al lado, la fotografía de una pequeña mujer enfundada en un vestido rojo, canta mientras un rio de flores blancas cae por el micrófono piensas que así debe ser una cantante.

Como estrellarse violentamente contra lirios blancos y cables de alta tensión. “Abre tu mente y piensa que no estoy lejos”.

La casualidad de las primeras veces. Saliendo del cine vas de la mano del que piensas será el amor de tu vida, (sin darte cuenta que tendrás diferentes vidas en tu amor, eres demasiado joven para entender eso).

Caminan sin rumbo como se suele caminar en la adolescencia, y felices se tropiezan con el mayor tesoro: un contenedor de discos compactos, dividen el botín.

Ganas un disco raro,…un corazón plasmado en metal sobresale. Santa Sabina, Símbolos. Acaban de ver Entrevista con el vampiro, afortunadamente el disco no tiene rayón alguno. Cedes más de tres discos para quedarte con ese corazón de metal. “Déjame beber, tengo sed de saber…” Te das cuentas que en las relaciones como en la vida, hay que perder un poco para ganar.

No dejas de escuchar ese disco, investigas todo sobre ella… crees firmemente que pudieran ser otros músicos y seguiría teniendo el mismo efecto en ti. Boca roja, ojos negros… tu personal fetiche vampiro, lésbico, inteligente, creativo, voz hipnótica, ella y su voz de lirios blancos. “¿Qué te atemoriza? Mente amurallada. Para el amor yo soy mortal, yo soy la muerte” Le pides al “amor-de-tu-vida” un beso bajo su música, nunca confesaras la verdad, es un secreto entre ella y tú.

Adriana Díaz Enciso, Kafka, el director Alberto Cortés,… referencias obligadas. EZLN, la izquierda,… quieres creer en algo. Se distingue...(cont sig pag)

Debería de tener un baúl de “primeras veces”. Donde se acomode en orden alfabético, las veces que te tropezaste con ella y su correspondiente consecuencia.

Cuando Babel significaba entendernos, cuando Mar adentro de la sangre significaba ser cómplices, cuando Espiral significó no verte más con los mismos ojos de amor adolescente.

Cada vez que sueño con serpientes. Cada vez que leo a Villaurrutia, a Encino o Kafka. Cada día en que pierdo primeras veces, casualidades, cada día pienso en lo que debo acomodar en ese baúl imaginario, en donde sin proponértelo harás lo mismo que hacías sobre el escenario… llenarlo, estando y no estando. “Nada va a llenar el vacío mar que hay en su corazón”

LA CASTAÑEDA: LA OTRA LLAMA Por Laura E Caceres www.ciudadanaherze.blogspot.com

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espués de tres años a la salida de “La primera llama” se ha cumplido la segunda parte y decidiendo irse por el lado independiente, como muchos otros grupos de rock han hecho. En referencia al título de un libro de poesía hecho por Octavio Paz, el grupo ha decidido dejar de lado la temática de la locura y se van a temas más románticos, pero hay que aclarar que no caen en la cursileria, más referencias a mitologías y leyendas. De acuerdo a comunicados de prensa, lo que quisieron hacer fue tomar el fuego como un elemento, y se puede sentir en las melodías.

La voz de Salvador sigue vigente y continúa la experimentación con teclados y la bateria. “Alamar” comienza de forma melódica , entrando en el juego de palabras del mar que nos lleva “a la mar” y a su vez con otro personaje que desconocemos. “Lucrecia” sería otra referencia griega. En “Eterna noche” la melodía nos lleva la historia oscura de unos amantes“antropófagos del miedo”, aqui no han dejado de lado la locura que luego los ha caracterizado, pero eso no es un fallo, al contrario, suena con más fuerza que antes.

En “El ocaso” la preocupación por lo apocalíptico y los fallos de la época posmoderna “los hombres son mujeres, las mujeres son hombres, llega el ocaso” aquí comienza la fortaleza en las guitarras y lo melodioso solo se limita a la voz, mientras que las guitarras se mantienen en un riff perfecto y rítmico. La calma llega con “Llamando a Dios”, que tiene la referencia del primer single de David Bowie, pero en vez del tema astronómico sería el tema metafísico “¿que pasó con este experimento humano que falló? [...] hay exceso de mal”la letra y el piano son igual de poderosos en este tema. “Liberación” sería la autorreferencia al grupo, quien luego se ha caracterizado por tratar de encontrar la identidad del mexicano actual a través de invocaciones a viejos y nuevos dioses. “Braza” sería la noción a la lumbre en conjunto con el amor. La conclusión a todo es “El beso (de Rodin)” uno puede escucharla y pese a saberse el título no sabrán que hablan de la escultura, sino de la historia de los dos amantes que inspiraron a la obra, hasta que las letras finales hacen un remate “Tal beso celebramos que cambió todo por siempre, y desperté vuelto escultura, unido a ti, perennemente” así el fuego llega a calmarse con este tema. A grandes rasgos el álbum es bueno, si acaso fallaría con falta de experimentación, pero como fan de la banda, se los perdono, total, no por nada les estoy dedicando esta reseña. En cuanto a las demas personas que quieran escuchar el albúm, pueden visitar la página oficial de la Castañeda y podrán encontrarlo en línea para escucharlo, ellos mismos lo ofrecen, en cuanto a comprar el album, hay que pedirlo, precisamente por eso de que se han vuelto independientes de disqueras, y la verdad yo apoyo ese camino.

@LAPETITEMACHINE Por. Luis Resendiz twitter: @lapetitemachine The Depreciation Guild no canta mal las rancheras -, y el que lleva más lejos la fusión y la experimentación.

ringo deathstarr Colour Trip (Club AC30 2011)

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l noise, junto con sus primos hermanos, el shoegaze y el jangle, han experimentado una especie de resurrección musical en los últimos años. De mano de diversas agrupaciones de distintas partes del mundo – lo que sólo confirma el brillante estado de las amalgamas musicales -, como The Depreciation Guild, The Pain of Being Pure at Heart o estos Ringo Deathstarr que hoy nos ocupan, el género puede ser lo que sea, menos muerto.

Ringo Deathstarr, conformado por Elliot Frazier (guitarra y voz), Alex Gehring (bajo y voz), Renan Mcfarland (guitarra) y Daniel Coborn (batería), recupera así el mejor noise pop de The Jesus and Mary Chain. Cierto, pasado por un filtro que podría incluir a My Bloody Valentine o a Teenage Fanclub.

Así, después de muchísima expectación, la banda lanzó – al fin – su LP a principios de año. “Colour Trip” es quizá el mejor de estos discos de nuevo noise/shoegaze – aunque la brevísima carrera de

Es verdad que son terrenos musicales ya transitados.

No obstante, el valor del álbum radica en (re) visitar pasajes musicales ya conocidos y encontrar en ellos nuevas vetas dignas de exploración. Una revisión que suma a los recursos del género original la tecnología, la programación y los laboratorios musicales digitales contemporáneos. Un ejemplo claro es el primer track del álbum, ‘Imagine Hearts’, donde si todo nos remite al “Psychocandy” de The Jesus and Mary Chain, también hay algo del “Loveless” de My Bloody Valentine.

Y este es un tema suave, con un coro y un puente especialmente poperos y cautivadores. Claro: es pop del bueno.

“Do It Every Time”, el siguiente track del disco, es un rock filoso que remite a los exponentes más intensos del shoegaze: Ride, por ejemplo, o los citados Jesus and Mary Chain (entroncándose con el noise). El álbum comienza así con este triplete, conformado por los dos tracks anteriores y el pseudo acústico “So High”, una especie de balada noise que alterna entre el pop y los momentos musicalmente más inquietantes. Suaves vocalizaciones con eco se escuchan en “Day Dreamy”, y la intensidad noise vuelve en “You Don’t Listen”. El disco culmina con la estremecedora “Other Things”, donde la banda alcanza sus niveles más etéreos. No imagino mejor despedida para este álbum que prácticamente carece de lo que se conoce como canciones de relleno.

Ringo Deathstarr explora terrenos ya conocidos, en búsqueda de tesoros, y lo logra. Eso, en la música, no es poca cosa.

¨Leyendas de una pasión¨ (Legends of the Fall). Entiendo la búsqueda de un tema controversial en forma de drama por el estilo del director que para mi gusto se queda a medias porque ni aborda totalmente la guerra sucia de las compañías farmacéuticas, ni la enfermedad del Parkinson en jóvenes, sino mas bien pareciera un pretexto para contar la historia de amor entre los dos personajes principales.

EXPECTING CINEMA Por. Iris Reyes

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espués de mucha promoción en medios de De amor y otras adicciones, uno se daba la idea de que era una comedia romántica típica, pero habría que considerar que en inglés Love and other drugs# no significa lo mismo que adicciones y tampoco quiere decir drogas en su traducción literal, sino lo que conocemos como medicamentos o fármacos.

Entonces presentan como se da la ¨mafia¨ entre los representantes farmacéuticos donde Jake Gyllenhaal (Jamie) trabaja introduciendo el ya famoso Prozac (antidepresivo) en 1998 y tiene que ganarle el mercado al Zoloft en un pequeño pueblo cerca de Chicago. Jamie conoce a Maggie (Anne Hathaway) mientras ella cree que es doctor y le muestra sus senos a Hank Azaria que es el doctor titular para revisión médica, y así empieza la atracción sexual entre los personajes.

Existen escenas ¨eróticas¨ donde Anne muestra un poco más que Jake, sin caer en lo vulgar, sin embargo esas escenas no suelen ser comunes en las películas comerciales, pero tampoco hace que parezca cine de arte europeo pero los hombres agradecen las curvas de Anne y hace un poco más íntimos (y hasta divertidos) los momentos que comparten en la cama incluyendo un video casero sexual.

Después la película se dirige al drama que había estado planteando Maggie tiene Parkinson temprano y se dejan ver sus problemas que eso le representa, la medicación, aceptar la enfermedad mientras Jamie intenta apoderarse del ahora nuevo mercado del Viagra apoyado por su novia que le ayuda a reconocerse como una persona capaz de todo lo que desea.

Edward Zwick dirige, produce y escribió esta película, mejor conocido por ¨Diamantes de sangre¨(Blood diamonds), ¨El ultimo samurái¨ (The last samurai) y

Totalmente palomera, a algunas personas les hizo llorar, cosa que algunas películas que abordan enfermedades (como My sister’s keepers) a veces buscan como gancho, sin embargo podría esbozar la pregunta ¿el amor es más que una droga y hasta donde uno puede comprometerse en una relación con alguien ¨enfermo¨?

Después de ser la gran perdedora en el Oscar, Black Swan o Cisne Negro# donde Natalie Portman interpreta a Nina una bailarina del Ballet de New York quien ha sido solo criada para ese objetivo por una madre fálica Erica (Barbara Hershey) que tuvo que abandonar su carrera en el ballet por tener a Nina. Después de años de esfuerzo y dedicación es elegida para representar El lago de los cisnes desde una más moderna perspectiva donde hay un personaje que representa ambos cisnes el blanco que representa la bondad e ingenuidad y el negro que encarna la maldad y el arrebato de los impulsos carnales. Para su director Thomas Leroy (Vincent Cassel) Nina tiene toda la técnica correcta pero le falta pasión, elemento indispensable para interpretar al cisne negro, entonces la va guiando con técnicas ‘muy personales’a que encuentre ese lado obscuro y pasional que el personaje requiere y que Nina ha estado evitando toda su vida. Entonces llega Lily (Mila Kunis) quien baila disfrutándose sin considerar la técnica y como una chica liberal recién transferida que representa todo lo que Nina no es y desearía ser.

Si alguna vez alguien se preguntó como es el ¨volverse loco¨ esta película describe un panorama de de cómo puede sucede gracias a un juego visual que se va aproximando poco a poco a los delirios y alucinaciones del personaje donde Nina no sabe quién es ella, si la del espejo o se confunde con Lily, va perdiendo la realidad conforme se va enfrentando con el estrés de la presentación del show y con todo lo que el personaje que tiene que representar le va diseminando. Algo que llamó mucho la atención del público masculino es a Portman y Kunis en una escena lésbica, donde Portman hace evidentes sus alucinaciones cuando confronta a Lily por la noche anterior que para ella fue muy real.

Pareciera que Andres Heinz el escritor leyó a Sigmund Freud en el famoso caso de ¨El hombre de los lobos¨#, quien tiene un sueño donde una parte de su dedo se quiebra, muy parecido a lo que le pasa a Nina quien repetidamente cree que un dedo se le va despellejando y tiene problemas con una erupción en la espalda que se ha ido lastido dormida, así se van desarrollando experiencias alucinatorias corporales, auditivas y visuales.

Las películas que hablan de la locura suelen llamar mucho la atención y nos hacen sentir cosas que quizá desconocíamos de nosotros, precisamente Nina empieza a escindirse en esas dos partes con escenas donde la despersonalización es evidente en lo claro y lo oscuro con el juego visual del director Darren Aronofsky (‘Requiem for a dream’) que nos hace dudar de lo que realmente está pasando y que es irreal, viendolo desde la perspectiva como lo vive la protagonista. Abordan el submundo de los bailarines profesionales, la formación y competencia en ese ambiente demandante y elitista, iniciando y terminando con una metáfora de un sueño y lo que representa la perfección para Nina. Aronfosky es conocido por su uso de lo visual para alterar los sentidos de quien ve su trabajo, esta no es la excepción, es una película que te mantiene captivo en todo momento, muy recomendable y debe verse con miente abierta a sabiendas que es una historia de emociones fuertes de la que sales platicando inmediatamente después de salir de la sala de cine.

Por último, debido a al cumpleaños reciente del líder de Nirvana les recuerdo un documental muy interesante del 2007 Kurt Cobain About a Son# donde se usan las grabaciones hechas por Michael Azerrad que el periodista usaría para su libro‘Come as You Are: The Story of Nirvana’ publicado seis meses antes de la muerte de Cobain. Lo interesante de este documental a diferencia de los programas para televisión de la vida de Kurt es que aquí solo se escucha la voz de él narrando su vida, desde que era pequeño su relación con sus padres, como empezó en la música y como surgen sus primeros malestares estomacales por los que ha teorizado que inicio el abuso de sustancias e incluso pudo ocasionar su suicidio. .

En el documental no salen imágenes de él hablando, sino su voz e imágenes de lo que va describiendo (a veces repetitivas o aburridas) como se sentía con la música, el gran dolor que iba sintiendo en su cuerpo, su experiencia de las drogas, cuando conoció al amor de su vida y cuando fue padre, hace comentarios políticos, se queja de los medios y como lo persiguen y distorsionan su vida en todo un tono serio que suena a confidencia. Si se consideran fan de la banda es un filme que que no se pueden perder, para los que les interesa su vida es muy ilustrativo escuchar todo desde su discurso y no a través de terceros, aunque siempre queda posible la manipulación en la edición del material, pero a mí me dejó una sensación de haber tenido esa conversación intima con el mismísimo Kurt Cobain.

por. Luis Alberto Gonzalez

CHELSEA WOLFE THE GRIME AND THE GLOW 2010 PENDU SOUNDS

V.A. MELODIAS BELAFONTE UNO 2011

Poco se sabe de la artista de la cual estoy haciendo esta breve reseña, solo que su ciudad de operaciones es San Francisco California, este al parecer es su primer album despues de una larga tirada de EP’s, si definimos el disco con una sola palabra podria ser “aterrador” una suerte de oberturas quasi sinfonicas son las que ofrece esta cantautora de tintes espectrales, a la mar de poca informacion que ofrece en suMy Space este disco titulado especificamente El brillo de la suciedad es un trabajo impresionante, con ciertas referencias sonicas a los trabajos de Pj Harvey como tambien a la delicadez y crudeza sonica de los Breeders, hasta pasando por lo que estan haciendo ahorita desde Girls o las Warpaint, canciones asperas, sucias, corrompidas, abruptas, acordes gordos y pesados, guitarras que parecen acusticas pero que tienen un ligero twist que las hace escucharse mas corrosivas, el equivalente en imagen mental de este disco de Chelsea es el raspar un fierro oxidado y que de ahi se disparen sonidos a la mar de rudos, sobresalen canciones como la inicial “Advice and vices”, la viruleta “Cousins of Antichrist”, la experimental”Moses”, al obertura dramatica a base de pianos goticos en “Benjamin”, la hermosa y apesadumbrada “Fang”, la hasta cierto punto que remite a los trabajos de Einsterzunde Neubauten “The Whys” (guitarra incesante que no termina de gustar el escucha poco acostumbrado a sonidos apacibles y suaves), disco que merece varias escuchas para poder digerirlo en su totalidad, un trabajo impresionante que no busca el brillo de oropel por medio de tonadas “comerciales”. A temblar rockerillas.

Un disco sencillo que permite adentrarnos en ciertas bandas de la escena regia (Piyama Party, Uvilov, Alexico, The Mocks) con temas que invitan a la obtención de sus grabaciones (en todos los casos las bandas aquí citadas tienen materiales disponibles y de manera gratuita en diversos sitios de internet) podemos resaltar la grandeza de Uvilov ( “Las reinan no pueden escoger lo que su corazon quiere”) a los divertidos Piyama Party (su rock indie muy simple pero efectivo en “Olimpiadas alveolares”, “Tus padres estan mirandonos”) al loco de Alexico en dos canciones movidas y alocadas (“Cadaver Fresco” y “No se”) y a los grandes The Mocks (“Alive*” y “You made me change”) incluye un track deYa no llovera en septiembre (que antecede el trabajo deUvilov) y a la enorme Celesta en la Cesta (Laiza Onofre para la raza) con dos canciones redondas y bien instrumentadas, discos como este se agradecen, sencillos y directo al grano.

JESSY BULBO TELEMEME INDEPENDIENTE 2011 De forma aleatoria puse la nueva grabación de esta compositora netamente chilanga, para salir un poco del orden correcto de el disco como se debe de escuchar, en primera: aparece un track llamado Belzebú que parece un canto sacro apoyado en instrumentaciones dignas para un aquelarre, le sigue una canción llamada Flores y frutos que parece una version bizarra de las que le gustan hacer a Feist o a nuestraNatalia Lafourcade en mood pastoral, Hostil tiene un moodextraño y se apoya con la voz que cambia de tonos bajos a agudos con una velocidad pasmosa, letras irreverentes y pasadas son las que entrega esta mujer, la minisuite en onda garage Jaslo Casvie (partes I y II) ofrece trepidante seccion ritmica qu casi roza en lo tribal y gritos de brujas y chirriantes paredes de sonido, La Cruda Moral solo le falto el violin hillbilly para ser perfecta, la interpretacion es alocadisima, Me gustas es un rock pop con vocalizaciones enervadas, Permanentemente parece un rock sesentero (a mi me remite a Monday Monday de Mamas and the Papas) con coros interesantes, quiero ser tu destino si es tribal con un final mas que aterrador, Telememe parece un homenaje aM.I.A. o Santigold y su cauda de nombres sin sentido y su musica como de feria y de repente el acelere anfetaminico,Tirun dan diri es 100% un rock a gogo con la voz asombrosamente entonada y eterea donde el titulo de la cancion se convierte en un coro -a pesar de lo ñoño-muy interesante, Yo primero es un rock trepidante, nada aburrido y muy de espiritu desmadroso, buen disco que despeja el mal sabor de boca de Taras Bulba, su anterior disco.

ESBEN AND THE WITCH VIOLET CRIES 2011 Cuando uno se sienta en la comodidad de su hogar para poder oir alguna buena sorpresa discogràfica de pronto se topa con ciertas àmpulas en su camino que no le permiten oir a gusto ciertos trabajos en cuestiòn, el caso es que por mas que trate de agarrarles el paso a cierta banda de la cual todo mundo habla la verdad no le hallè lo grandioso, Esben and the Witchparece encajar en el clichè de todos esos grupos grandiosos que son reverenciados por algunos cuantos pero que de ahì no pasan, digo esto por que al escuchar su primer larga duraciònViolet Cries (2011) caigo en cuenta que ciertos casos de sobrevaloraciòn no son exclusivos del territorio mexicano, si tambien en paises cultos sucede y muy a menudo (con la complicidad mañosa de revistas de mùsica influyentisimas)Esben and the Witch suena a shoegaze, a post rock en mal pedo, a experimentaciones en la vena del krautrocksetentero, a GYBE pero con coros diabolicos, a las Warpainttratando de hacer pasajes apocalipticos, suena a Mono (el proyecto japonès) EATW a mi gusto es la banda mas inautentica del 2011, ensimismados, con capas y capas yuxtapuestas de esa electronica en forma de aquelarre sònico para apantallar al escucha, gritos espasmòdicos y colocados de exacta manera para asustar a los desprevenidos que se engancharàn con la primera escuchada, un disco difìcil de digerir, de atrapar, pero que los snobs e intelectuales de cafe (y twitter) ya estan revelando como el mejor disco del 2011...por favor.

V.A. ONCE JUVENTUD BRUTA COMPILACION CLUB FONOGRAMA 2011 No se que quiera decir el buen Carlos Reyes al ponerle el titulo de este compilado “Juventud Bruta” pero he de decir que la entrega numero 11 de el cèlebre sitio de musica latina (me niego a llamarlo un lugar donde hablen de rock por que la orientacion popera del site es mas que evidente y el buen Carlos no se empacha en decirlo -digo, solo como el para ponerle a un compilado el ironico titulo de “Nosotros los rockers” es su pagina y puntohallazgos para este que escribe con cosas asombrosas como Algodon Egipcio (“La Transformacion”) cumbias a cargo de Los Labios (“Calles Vacias”) ejercicios en low fi a cargo de Los Claveles(“Nacional 42”) reggaeton -duh!a cargo de Kali Mutsa(“Tunupa!”) el buen Telepedro (de Ella tiene dos androides) y la sorprendente Maqueta con un tema titulado (“Hada nada en la nada”) el rock garageado de Los Ginkas (“El gran salto”) los regios de She’s a tease (“Calabozos y dragones”) sin embargo la ambivalencia hace que por un lado admire el sonido de una revelacion como lo es Odio Paris , con su sonido muy ochentero, new wavero en una cancion rapida , poderosa y sin amagues (“Cuando nadie pone un disco”) y ponga cara de “mestanchoreando” al oir un cover del clasico de Juan Gabriel(“Siempre en mi mente”) a cargo de Odisea que no aporta nada mas que una atmosfera intelectual pero de ahi no pasa, complementan el suculento plato Nubes en mi casa, hypnomango, Fothers Mucker, el unico prietito en el arroz es esa madre inenarrable llamada Pipe Llorens, un guey que dizque canta pero que mejor deberia de vender hamburguesas en el Mc Donalds, tan feo -autotune incluido-como pegarle a Dios, tremenda recopilacion del bro Carlos Reyes quien tuvo el valor de decirle al sr Decireves que era jipster de closet, de ese tamaño es el gran Charles.

HYPNOMANGO EP NENE RECORDS 2011 EP sorprendente de este aun mas sorprendente musico avecindado en Monterrey N.L. Hypnomango es un proyecto sencillo y modesto pero con una economia de recursos sorprendentes, ayudado por Mou (frontman de Bam Bam) en las instrumentaciones y produccion de este material.

Hypnomango es una caja de sorpresas que arremete contra el escucha, desde la potente e inicial “El mundo no es real” sabemos que estamos ante un trabajo fuera de lo comun (cuando todos sabemos que lo comun muchas veces es suavecito, sin garra y sin pasion y responde al nombre de ...) “No te sientas mal” es un rock basado en riff noventero de una cachonderia envolvente, “No puedo salir al mar” es una cancion pesadillezca enclavada en un rock pixie que termina en envolventes paredes de sonido y gritos espasmodicos, “Neuronas” es una cancion hermosa, tranquila y acompasada que parece reverenciar asi sea de manera indirecta aJefferson Airplane , el track final “Flotando” cierra el circulo abierto con potentes baterias y un sentido melodico enervado y de tintes lisergicos, un discazo que augura grandes cosas siempre y cuando los reflectores y el oropel no distraigan la atencion de este talento regio.

RADIOHEAD THE KING OF LIMBS 2011 Què se puede decir de Radiohead a estas alturas de la vida? Que son unos genios? Si, que Jonny Greenwood es un talento escondido detràs de la banda? Si, que Thom Yorke es un ente cuyo bagaje musical esta años luz adelantado a lo que los simples mortales tenemos acceso, que es un showman bienfriki, aparte de contar con una de las presencias escenicas mas estremecedoras dentro del showbizz, etc etc... Sirva de preambulo chafa todo esto que dije para darles a conocer estareview del mas reciente material de la banda, no dire lo que todos ya dijeron (su distribucion, fechas, formatos, etc) la escucha atenta de este disco me plantea varias interrogantes, ¿que escucharon los miembros de la banda? acaso el encontronazo con Flying Lotus derivo en las atmosferashiperelectronicas de muchas canciones de este disco? desde la inicial “Bloom” (piano magro y una secuencia de fondo que remite de inmediato a todos esos pioneros del rock psicodelico sesentero y esa bateria tocada en ese ritmo imposible) la voz de Yorke es como un tempano pero que se disuelve entre murmullos y sonidos de metales fantasmagoricos , el segundo tema “Morning Mr Magpie” es un rock virulento apoyado en una secuencia guitarrera harto minimal y que tiene quizas el mas logrado trabajo vocal deYorke el cual aqui se explaya en toda su furia rocanrolera, el fraseo entre la tercia Yorke/Greenwood/O ‘ Brien es de lujo y el bajo del maestro Colin (el dude mas cool del grupo hay que decirlo) que sube y baja con velocidad pasmosa, el tercer track “Little by Little” (nada que ver con Oasis) es un rock acompasado cantado con intensidad y garra instrumental (ese beat medio latinizado y esas secuencias al reves le dan enfasis a la cancion) oigase el dialogo entre las voces Yorkianas en la parte media, “Feral” es una argucia electronica de esas que le gustan al del ojo caido, apoyada en ruidos raros, voces que tratan de ser o imitar saxofones, el tema que se lanzo como “single” es la extraordinaria “Lotus Flower”, un soft rock apoyado por notas poderosas de sintetizadores y una bateria amenazadora, el video que la acompaña no es un clasico radioheadiano ni se emparenta con las joyas audiovisuales de Karma Police, No Surprises, Paranoid Android, Street Spirit, There There, Pyramid Song, House of Cards, “Codex” es una oda a base de piano, apoyada en atmosfericos teclados, “Give up the ghost” es una delicadeza sonica con guitarra acustica y la penetrante voz deThom Yorke y una atmosfera medio pastoral al inicio que se desvanece entre coros que aparecen por todos lados, “Separator” es un rock sencillo pero a la vez enorme, una perfecta coda vocal/instrumental para este disco que al igual que el retruecano electro sideral de Kid A es una patada en el culo a la indiferencia, en mi caso, pocas oidas para enamorarme de este sonido con el cual abren la decada la banda mas trascendente del rock contemporaneo. Una joya de altos kilatajes.

ALEXICO ACOSADOR DE MEDIA NOCHE EP 2 MELODIAS BELAFONTE 2011

Por ahi hay dos discos que son emblematicos: Trout Mask Replica de Captain Beefheart and his Magic Band yPhilosophy of the World de The Shaggs, esos dos discos tienen lecturas medio extrañas, el primero tiene el merito de combinar con maestria el blues, la musica psicodelica, el free jazz y las vocalizaciones cavernosas de Don Van Vliet, se dice y se sabe que la forma en como opero al momento de grabar las voces fue que el Capitan no respeto los tiempos de las canciones, gruñendo, gritando, haciendo sonidos raros, razon por la cual ciertas canciones parecen descuadradas y hasta desafinadas, mas la intencion (involuntaria) quedo para la posteridad, un album sacro y en ciertos momentos irreverente, el disco de The Shaggs es otra muestra de la total antimusicalidad (que en este caso se vuelve lo contrario) 3 ninfas que no sabian de ritmos, armonias y melodias, le pegaban a los instrumentos como Dios (que es lo maximo) se los dictaba, el resultado son anticanciones que son reverenciadas hasta por el mas respingado criticos de musica y hasta por el buen Zappa que decia que “eran mejores que Los Beatles” (obvio sarcasmo tratandose de que viene de la boca del bigoton mas cabron del rock ) en el caso de Alexico, la musica es buena mas no lo que me han hecho creer, pero por Dios (que es lo maximo) que no cante (aunque para el caso es lo mismo el disco ya esta grabado y me chingue) no veo la revolucion, no veo esa vuelta de tuerca, no veo a Dios (que es lo maximo) asomandose para que le de un halo de genialidad al buen Alexico, letras insulsas (no pido un Dylan o un Springsteen chingao ) como “Tu quieres eyaculacion, yo quiero menstruacion” o “Baby soy infiel baby baby cake” (?) un disquito que hara salivar a los incondicionales de este musico, pero volvemos a lo mismo, quizas no entienda a los jovenes de hoy, quizas ya estoy ruco, pero parafraseando a alguien de la escena “Guacala los modernos y su electro chafa”. Tan tan, el que sigue.

F O T O G R A F Í A :

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