DEL DEISERTO JUNIO 2022 Arte Contemporáneo

DEL DESIERTO Águeda Lozano

GHENRIC NAHUAMI Hanna sofía JAVIER ESPINOSA MÓMOX BRAVAS COLECTIVA ZAC TRAVIS

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CONTENIDO ARTISTAS DEL DESIERTO

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ÁGUEDA LOZANO

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HANNA SOFÍA

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GHENRIC

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JAVIER ESPINOSA MÓMOX

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ZAC TRAVIS

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NAHUAMI

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BRAVAS COLECTIVA

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DEL DESIERTO FOTOGRAFÍA

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CARTA DEL DIRECTOR El 18 de mayo se celebró el día internacional de los museos y fue un mes lleno de inauguraciones, en esta edición presento varias entrevistas con artistas que inauguraron sus exposiciones en Chihuahua y Ciudad Juárez.

Leerás un artículo acerca de Águeda Lozano y por que su obra es importante tanto en Chihuahua como en todo México.

Al final de la revista podrás conocer a las cinco fotografías ganadoras del mes de mayo.

Luis Raygoza

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“DEL DESIERTO es el reflejo de la SOCIEDAD” ¡SÍGUENOS EN NUESTRA REDES SOCIALES!

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ARTISTAS DEL DESIERTO

Mónica Fernández @monicafernandezb 05 DEL DESIERTO

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Nahuami @nahuami 06 DEL DESIERTO

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Juan Ornelas @juanornelasart

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Hanna Sofía @hhhannasofia 08 DEL DESIERTO

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Javier Espinosa Mómox @vientorebelde

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Achac @achac.mex 10 DEL DESIERTO

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Águeda LOZANO Arte del desierto para el mundo

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Águeda Lozano se ha posicionado como una de las artistas mexicanas más importantes actualmente, es la única artista que tiene una obra en vida en París de inserción definitiva: Tierra de México en Tierra de Francia. Además, ha expuesto en los principales recintos de México como el Instituto Nacional de Bellas Artes, el Museo de Arte Moderno y el Museo Nacional de Antropología. Ha puesto en alto el nombre de Chihuahua con la exhibición de su arte en los principales museos y galerías de Francia, en el resto Europa, así como en distintos países de Asia y América.

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El Gobierno del Estado de Chihuahua, a través de la Secretaría de Cultura, Reabrió la Casa Redonda Museo Chihuahuense de Arte Contemporáneo el 18 de mayo de 2022 con las exhibiciones de artes plásticas “Horizontes Incontenibles”, de Águeda Lozano, y “Generando Infinitos”, de Eugenio Flores Reyes, aprovechando que fue el Día Internacional de los Museos.

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Águeda Lozano Fundó el Espacio Cultural que lleva su nombre en Ciudad Cuauhtémoc, Chihuahua, donde se alienta la celebración de distintos actos culturales de envergadura, música y artes escénicas, así como artes plásticas. Donó a la Universidad Autónoma de Chihuahua la más importante colección de arte contemporáneo europeo y de artistas de otras latitudes residentes de Europa que existe en México, consta de obra plástica y escultórica original de más de 60 grandes maestros.

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HANNA SOFÍA

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¿Qué artistas han influenciado en tu trabajo como artista?

Han sido un sin fin de artistas que han marcado mi carrera y mi persona, varixs de ellxs afortunadamente hoy puedo llamar colegas y amigxs.

De Javier Espinoza Mómox aprendí el proceso emocional de desapego a mis piezas, a aceptar el lado efímero de lo que hago.

Gracia Doré me enseñó a siempre auto cuestionarme y ver las cosas desde muchos panoramas.

A Ramón Valenzuela le aprendí el sacar piezas estéticamente limpias y bien pensadas, aún me falla jaja estoy en el camino pero siempre lo tomo en cuenta.

Con Gerardo Balaguer he aprendido muchísimo de teoría y humildad, gracias por compartirme de tus conocimientos Gera.

Nahuami, Isabel Paredes, Carlos Alvarado Dufour, Daniela Guzmán, Fabián Cháirez, Chula The Clown, Ana Gómez, Erika Sanada. Me faltan un sin fin de nombres pero cada unx tiene un lugar en mi trayectoria y corazón.

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¿Cuál es la técnica qué prefieres usar y por qué?

Barro, barro, barro... Desde que le conocí me enamoré, nada como trabajar con la tierra, con los elementos. El barro es hermoso porque es muy versátil, hay muchísimas maneras de prepararlo, tú como artista puedes tener tu propia pasta dependiendo qué es lo que necesitas, puedes jugar con la plasticidad, porosidad, estabilidad, acabado, etc. Puedes hacer y deshacer, si en el proceso o el resultado final (antes de la quema) no te convenció basta con destruirlo y echarle agua para volver a empezar, lo puedes reutilizar. El barro eternamente en mi corazón. ¿Puedes detallarnos tu proceso creativo y productivo?

No tengo como tal un proceso creativo o tal vez no lo he logrado identificar o no tengo la disciplina para eso.

Pero lo que puedo decir es que todo comienza con una idea en mi cabeza y un subidón de adrenalina, algo que debo mencionar es que no hago bocetos, mientras estoy modelando el material mi subconsciente me va guiando y yo confío en mí, también me ha pasado que hasta que termino la pieza sé cuál es el concepto detrás por todo lo que sentí y pensé en el proceso de creación.

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¿Cómo nace la exposición “Simbiosis”?

Nace en medio de la pandemia, esta etapa en la que estuve conmigo y lidiando con mis emociones, surge de la necesidad de conocerlas y gestionarlas, tras conversaciones y pensamientos compartidos con mi pareja, ya que fue un punto clave para el desarrollo de esta obra. ¿Cuál fue la escultura de “Simbiosis” que menos tiempo te llevó hacer y cuál te llevó más tiempo hacer?

La que menos tiempo me llevó fue la tristeza, esto por el tipo de hongos que correlacione a esta emoción. Realmente los hongos son figuras bastante complejas de hacer en barro, los tallos deben ser huecos para evitar que se rompan o fracturen en el proceso de quemado y como son delgados y algunos con formas irregulares, todo un mundo por hacer. Es por eso que Calma e Ira fueron los retos más grandes para mí desde que las saqué del molde. La escultura de Miedo la modifiqué un día antes de llevar la obra al museo porque no estaba enamorada del resultado anterior, fueron 17 horas de trabajo solo de pintura, quedé más que enamorada del resultado final.

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¿Cuál es la escultura más representativa de la exposición “Simbiosis”?

Ira. Durante toda mi vida había tenido una relación un poco extraña con la ira, y es que era mi manera de sacar todas las emociones acumuladas. Si me sentía triste lo interpretaba como enojo, si era feliz tarde o temprano se convertía en enojo porque no podía retener esa felicidad en mí. Luego de que conocí el término “Inteligencia emocional” y fue por ello que me he dado cuenta de mi mal gestión de emociones, así que poco a poco he ido deconstruyendo mis propias emociones y el cómo sentirlas.

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¿Qué planes tienes en mente para una nueva exposición?

Esculpir con micelio. Aún hay muchas cosas que pensar, experimentar y llevar acabo es por eso que no puedo extenderme tanto, pero estoy muy emocionada por iniciar, equivocarme y aprender.

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GHENRIC

Facebook: GHenric.Arte 22 DEL DESIERTO

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¿Cuál es tu proceso creativo?

Primero imagino en silencio, varios silencios, sueño la obra, escribo, investigo. Después comienzo con un sketch en ocasiones, o a veces voy directamente al lienzo, lápiz borrador, carboncillos, entre otros materiales para bocetar. Por lo general, escucho mi música favorita (que canto) o a veces música clásica. Finalmente fluyo con la imaginación y el color.

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¿Qué artistas han inspirado tu obra?

Me han inspirado artistas internacionales como Monet, Van Gogh, Picasso, Sorolla, Velázquez, Gerhard Richter y Pollock. También artistas nacionales como Orozco, Tamayo, Flores Reyes, entre otros. ¿Cómo nace tu exposición “Soul inside” “Alma adentro”?

El título expresa cómo pinto, es decir; una búsqueda siempre interior, pinto lo que siento.

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¿Cuál obra te ha llevado más tiempo hacer?

“Cerro Grande de Chihuahua”, esta obra muestra una vista nocturna de nuestro icónico Cerro Grande, habla un poco de mi amor por el paisajismo, es una versión contemporánea en hoja de oro y otros metales sobre fondo acrílico negro. Me tomó más de un año terminarla y esta realizada “a fuego lento” como en la mayoría de mis obras, denota mucho amor por mi profesión como pintora y artista plástica.

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¿Cuál de tus obras te ha gustado más al ver el resultado final?

Todas, en especial mis galaxias que son marca casi registrada de mi estilo propio y que con gusto les comparto.

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Javier espinosa mómox

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¿Qué te inspira a crear?

Mi obra artística se centra en la práctica de la cerámica como una experiencia estética que busca trasmitir más allá que simple información técnica. Con cada objeto quiero narrar una historia que funcione como un canal de comunicación que sumerja a quien observa en un ambiente emocional. Quizá mi mayor inspiración es saber que las piezas que creo son más que simples objetos estéticos. Para mí, funcionan como objetos portadores de un significado emocional que me identifica con quien los observa.

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¿Cuál es tu proceso creativo?

Me gusta definir mi trabajo como un proceso de investigación práctica en la que los elementos formales y conceptuales que construyen la obra, convergen a través de un proceso de reflexión que está construido por el trabajo en el taller y por la literatura consultada, pero al mismo tiempo por acciones simples como el deambular por el parque recolectando ramas, las vivencias cotidianas y hasta mi relación con otras personas.

El énfasis de esta investigación recae entonces en el proceso y no solamente en el resultado final. ¿Cuáles han sido tus cambios hasta llegar a tu obra actual?

Desde que estudié la licenciatura en Artes Visuales en la Universidad Veracruzana me han interesado mucho los procesos y los materiales de la cerámica. Al terminar la carrera, tuve la oportunidad de obtener una formación como artesano de Talavera tradicional y de ahí obtuve una ética de trabajo que ha caracterizado a mi proceso creativo. Gracias a los entornos en los que desarrollé mi trabajo, fue muy cómodo iniciarme como un profesional de la cerámica. Llegar a Chihuahua, para realizar el programa de Maestría en producción artística en la UACH, fue un reto muy grande para mi proceso cerámico pues el clima es poco propicio para trabajar el barro de manera cómoda. Uno de los cambios más importantes a los cuales me enfrenté en este proceso, fue justamente adaptarme a las condiciones “no favorables” del clima, lo cual provocó que surgieran nuevas formas de trabajar el barro y por lo tanto, una mejor técnica escultórica. ¿Cuáles son las ventajas de la técnica que usas?

Como profesional de las artes y artesano de Talavera tradicional, para mí es muy importante reconocer que detrás de las técnicas cerámicas que practico existe un valor trascendental que trae a la memoria los conocimientos y la ética de trabajo de mis antecesores. Asimismo, puesto que el proceso cerámico evoca manifestaciones creativas 29 DEL DESIERTO

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tan antiguas como el inicio del sedentarismo humano, nos conecta con nuestra historia como seres humanos culturales y más aún, con nuestra historia como seres vivos en contacto con la naturaleza.

La identidad de un objeto artesanal no se limita a su cualidad de utensilio por más utilitario que se le quiera hacer, sino que cada narrador-artesano imprime en ellos características culturales que cargan al objeto de trascendencia y valor simbólico, mis piezas son testimonios con una historia que incluye la narrativa del oficio por el cual fueron creadas y, al mismo tiempo, son características que representan mis emociones y mi relación con la naturaleza intrínseca de la técnica. La riqueza material de la cerámica adquiere un valor estético importante en mi obra pues, aunque muchas veces utilizamos materiales que se acercan más a la frontera de lo artificial, sigue siendo arcilla, tierra.

Intento mantener en mi narrativa un compromiso con la naturaleza y sus elementos, reconociendo que el gran valor de mi trabajo no radica en vencerlos, sino en sincronizar mis esfuerzos con los ritmos y tiempos que los definen. Me gusta ser consciente de que los objetos que produzco serán reabsorbidos por los ciclos naturales a los que pertenecen si no son “rescatados” por alguien que los consuma (el espectador). Así como una historia se pierde en la memoria al no ser contada. ¿Cómo se crea la exposición “El viento sopla de donde quiere”?

El viento sopla de donde quiere parte de la importancia de la investigación y reflexión en torno al proceso y su cualidad de experiencia estética. Para eso me ha sido útil el concepto de la Investigación Basada en la Práctica abordado por autores como Albert Colmenarez y Henk Borgdorf; este enfoque no busca limitar la investigación dentro de un único modelo de abordaje metodológico, sino que amplía el horizonte procedimental mediante las metodologías particulares presentes en cada uno de 30 DEL DESIERTO

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los contextos investigativos.

En el transcurso de la elaboración de este grupo de piezas, las acciones intuitivas se convirtieron en conceptuales, tal como lo planteó Guy Devord y los situacionistas con el concepto de la Derivé. Dichas acciones fueron el germen de piezas plásticas y experiencias performáticas que enriquecen de vuelta el contenido teórico de mi trabajo, convirtiendo el proceso creativo-investigativo en un camino de dos sentidos en el cual la praxis nutre el texto y el texto, junto con las fuentes consultadas y experiencias cotidianas, nutren de vuelta la elaboración de las piezas artísticas. Este camino es un práctica estética en sí, pero también filosófica; continuamente se renueva, se repiensa, evoluciona, se corrige a sí misma y, aunque no progresa en un sentido utilitario convencional, tampoco se frena, sino que avanza ofreciendo más preguntas que respuestas, las cuales dan a luz la creación.

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¿Cuál es el mensaje de la exposición “”El viento sopla de donde quiere”?

En esta exploración analizo el refugio desde un sentido fundamental, en el que la percepción de las características formales que definen estos lugares como: el orden de sus elementos, la disposición de la luz, los olores, los colores, los sonidos, etc. no se pone en relación con la vida pragmática, sino que se limita a su significado propio, el de objeto. Al mismo tiempo, mi investigación analiza también cómo dichas características se conjugan para depositar en nosotros sentimientos de protección y seguridad emotiva o intangible. El refugio sobrepasa su significado fundamental al representar espacios aislados, libres de fines aparentes, a los cuales se acude en busca de un abrigo emocional o espiritual, pues se han vuelto simbólicos por representar algo más que su significado inmediato y obvio. Tienen en nosotros un efecto inconsciente que nunca está definido con precisión o completamente explicado. Esta reflexión dialéctica pone de manifiesto el reflejo entre lo objetivo y lo subjetivo dentro del concepto de refugio en el momento en que las características físicas de un espacio influyen en nuestra percepción emocional de la realidad pero también, expone al refugio ante su contraparte: la amenaza, que al ser representada junto con los valores de protección que el refugio evoca, los complementa. Es decir, existe un desapego intencionado del concepto del “nido protector” para evocar la amenaza, aludiendo así a la idea de que aquello que no es, funciona también como representación complementaria de lo que es, concepto que como el espacio negativo, funciona aquí como balance de la composición, si no hay contraste, no hay forma. ¿Cuál fue la obra qué más tiempo te llevó hacer de la exposición “El viento sopla de donde quiere” y por qué?

Columna de fuego y guarida del trueno. Algo muy importante de mi obra y mi proceso es que intento mantener un compromiso con la naturaleza al respetar los ma32 DEL DESIERTO

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teriales que proporciona porque para mí, cuidar la tierra es cuidarme a mí mismo. De ahí que todas las ramas que utilizo para crear mis esculturas son recogidas y nunca arrancadas. Otra parte muy complicada de estas esculturas de ramas es que muy pocas ramas están amarradas y la mayoría están tejidas como están tejidos los nidos de las aves. Esto hace que las piezas sean de cierto modo efímeras a pesar de su complejidad.

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¿Cuál obra te gustó más hacer y su resultado?

Estoy muy contento con los resultados de esta investigación, puedo decir que cada una de las piezas fueron realizadas con el mismo empeño y que tuve especial cuidado en cada una de ellas. Sin embargo, creo que mis piezas favoritas son los poemas porque sirvieron como un elemento vinculante que terminó de entregar el mensaje que quería entregar. Me gustó mucho que estos textos terminan de formar el sentido emocional de las esculturas y que al mismo tiempo, los poemas, no tienen el mismo poder emocional sin el entorno de las piezas escultóricas. ¿Qué otras técnicas y materiales te gustaría usar para próximas exposiciones?

No tengo mucho interés en otras técnicas pero creo que quiero hacer más de ese trabajo que luce extremadamente laborioso y que tiene una esencia efímera. Cada vez me interesa más sustraer del objeto artístico el carácter funcional que nos obsesiona que tengan las cosas, por eso quiero hacer piezas que solamente sirvan para ser observadas de la misma manera que se contempla un poema.

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ZAC TRAVIS

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¿De dónde eres y cómo influye eso a tu trabajo?

Actualmente resido en Albuquerque, Nuevo México, donde recibí mi M.F.A. (Maestría en Bellas Artes) en 2019 mientras asistía a la Universidad de Nuevo México. Antes de mudarme a Nuevo México, vivía en Denton, TX, donde recibí mi B.F.A. (Licenciatura) en Estudio de Arte: Fotografía. Mientras vivía en Denton, mi obra de arte estaba mucho más basada en fotografías. Se centró en las ideas teóricas de la fotografía, la cámara como tecnología y la manipulación a través de programas informáticos como Adobe Photoshop. Diría que mi trabajo siempre se ha centrado en ideas de tecnología, específicamente en la fotografía. Después de mudarme a Nuevo México, comencé a ampliar mi interés en la tecnología y a centrarme en la computación y los procesos algorítmicos. No creo que este cambio en mi arte haya sido persuadido tanto por la ubicación como por el tiempo (2016). Noté cambios masivos en el uso de procesos algorítmicos utilizados por grandes corporaciones con fines políticos (fuentes de noticias de Facebook), para entretenimiento (algoritmos de personalización de Netflix) o a través de otras formas de uso diario de Internet y aplicaciones. La base de todos estos procesos algorítmicos se origina en la inteligencia artificial y el aprendizaje automático. Me sumergí en la investigación de estos procesos de inmediato y he estado aprendiendo y experimentando con ellos desde entonces. ¿Quiénes son tus mayores influencias artísticas?

Diría que una gran cantidad de mis influencias artísticas provienen de artistas posteriores a Internet y críticas sobre el arte posterior a Internet. Actualmente, mis influencias artísticas son personas como American Artist, Eva & Franco Mattes, Hito Steyerl, Allison Parrish y James Bridle. Por nombrar algunas influencias. ¿Dónde encuentras inspiración?

Encuentro inspiración en muchas cosas diferentes. Supongo que se podría decir que me distraigo fácilmente.

La música siempre ha sido algo fundamental para mi 37 DEL DESIERTO

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expresión creativa. Siempre estoy escuchando nueva música y nuevos sonidos. La lectura siempre ha sido algo que ha informado mi trabajo y práctica. Pero diría que las principales cosas en las que encuentro inspiración son la cultura popular, el gran entretenimiento, el humor absurdo y las nuevas tecnologías.

¿Qué te motiva a crear?

Creo que mi motivación está en constante cambio. Tener muchos canales diferentes de inspiración significa que mis ideas y motivación aumentan y disminuyen. Tiendo a mantener un espacio en mi disco duro externo dedicado a ideas detalladas de proyectos, notas y garabatos.

Mis ideas generalmente se encienden como una chispa o llama muy pequeña y, con el tiempo, comienzan a convertirse en proyectos más grandes y complejos. Pero creo que mis influencias, inspiraciones y motivaciones están todas entrelazadas. No creo que tendría uno sin los otros.

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¿Cómo se creó la exposición “”Love me, love me bot”?

La idea detrás de “Love me, love me bot” se desarrolló durante varios años. Comenzó como una pequeña idea que había escrito en mis notas y se desarrolló con el tiempo.

En el pasado, trabajé con el aprendizaje automático utilizando conjuntos de datos textuales de titulares de noticias, recetas de comida e incluso artículos sobre teoría del arte. Antes de que se desarrollara por completo “Love me, love me bot”, sabía que quería trabajar con música y letras populares como un conjunto de datos. Al principio, mientras asistía a la Universidad de Nuevo México, tuve el privilegio de una visita de estudio con Humberto Moro (anteriormente curador del Museo SCAD, ahora director adjunto del programa Dia Art Foundation). Durante mi visita al estudio, Humberto dijo algo que se cernía sobre mi práctica artística hasta que se creó “Love me, love me bot”. Me preguntó dónde estaba el elemento “humano” en mi arte. No pensé mucho en eso entonces, pero luego me llevó a ciertas ideas. Las máquinas no carecen de humanos, las máquinas son construidas por humanos y, por lo tanto, son más humanas de lo que pensamos. La tecnología como el aprendizaje automático y la inteligencia artificial se basan en nuestro conocimiento y experiencia como humanos (algún sesgo, pero eso es para otra conversación). Son ‘alimentados’ con información ‘histórica’ que ya conocemos porque los humanos y la inteligencia artificial regurgitan esa información. Durante el desarrollo de “Love me, love me bot” comencé a pensar en cosas que nos hacen intrínsecamente humanos; el amor, la creatividad, el fracaso y otras emociones y acciones profundamente arraigadas en la humanidad. Sabía que la música, el karaoke y el amor iban a ser los elementos fundamentales de “Love me, love me bot”. ¿Cuál es el mensaje principal de esa exposición?

El mensaje principal de “Love me, love me bot” trata sobre tecnologías invisibles. Hay una larga historia de tecnologías comerciales creadas a propósito para ser invisibles, 39 DEL DESIERTO

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impecables y limpias. Específicamente, cuando se piensa en algoritmos, inteligencia artificial y aprendizaje automático, estos procesos son inevitablemente invisibles, ocultos debajo de nuestras pantallas como líneas de código. A menos, por supuesto, que el código se haga visible o que la ‘cosa’ esté rota o defectuosa. Creo que cuando la tecnología es defectuosa es lo más parecido a imitar las cualidades humanas. Una vez que se rompe, ya no estamos ciegos a su existencia. Una vez que se rompe, podemos encontrarnos más informados de cómo funciona y funciona en nuestras vidas cotidianas. Lo más lejano que queremos es estar ciegos ante estas tecnologías complejas y deshumanizarlas. En manos de grandes corporaciones, A.I. y el Machine Learning, como cualquier otra tecnología, se puede utilizar contra la sociedad. En lugar de deshumanizar estas tecnologías, “Love me, love me bot” es un intento de humanizarlas.

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¿Te gustó hacer una exposición en Ciudad Juárez? ¿Por qué?

Me encantó y disfruté mucho tener una exposición en Ciudad Juárez. Me siento muy honrado con la invitación que recibí de parte de Victoria Vinamaragui y Christian Diego Diego para participar y mostrar mi trabajo en Antecámara de Proyectos y a la comunidad. Estoy agradecido de haber recibido el apoyo de ambos y también de mi socia/artista Hazel Batrezchavez por ayudarme a instalar y armar la exposición. Espero con ansias mi próxima visita, que será en julio para desinstalar la exposición.

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Conoce más de Zac Travis en su cuenta de Instagram: ok_data

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EL CONCEPTUAL

Duchamp y el perchero En 1917, Duchamp realizó este “ready-made” de un perchero de madera, con un acabado producido en serie, con seis percheros distintos que emergen de la base. Cuando uno ve Hat Rack (1917), uno no puede evitar preguntarse: “¿Cómo es exactamente esto una obra de arte?” El objeto que Marcel Duchamp elevó al estado de arte podría haber sido fácilmente cualquier objeto viejo, producido en masa, Hat Rack o similar de una tienda por departamentos o catálogo SEARS durante principios del siglo XX en Estados Unidos. Combinando las líneas del arte y la vida cotidiana, el marrón oscuro y 43 DEL DESIERTO

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opaco de la madera es el único color de la escultura. Además, a partir de una base redonda y circular, 6 puntas, los dedos de Hat Rack (1917) sobresalen 8 pulgadas hacia afuera en el espacio inmediato del piso de exhibición. La iluminación ambiental del piso de exhibición crea una proyección de la forma física de Hat Racks en las paredes blancas, creando una forma de sombra bidimensional que recuerda a una criatura con forma de araña.

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NAHUAMI

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¿Cómo surge tu nombre artístico Nahuami?

Cuando estaba haciendo mi cuenta de Instagram le pregunté a mi hermana por ideas para el user y me dijo ese, me gustó y ha permanecido desde entonces, desde el 2015 creo. ¿Qué colores identifican más a tu trabajo?

Me gusta mucho usar azul y rojo, porque esos dos colores tienen una dinámica linda, pero trato de usar de todos los colores.

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¿Cuáles artistas te han inspirado para crear tu obra?

Siempre batallo cuando me preguntan esto, porque hay muchos artistas que me gustan y me inspiran, pero se me olvidan los nombres. Me gusta ver Pinterest y robar ideas, buscar referencias, etc. sin pensar mucho en referentes de estilo, me gusta improvisar un poco. Pero uno de mis favoritos, que me ha hecho cuestionarme cómo funciona la pintura y el realismo es Mark Tennant, siempre que veo sus pinturas me quedo un buen rato analizando todo, porque es magistral, igual que Jenny Saville, que aparte de hacer pinturas bellísimas, tiene un mensaje de aceptación a los cuerpos femeninos. También me gusta mucho la obra de Fabián Cháirez, aspiro a pintar y conceptualizar así de bien algún día.

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¿Cómo fue tu proceso creativo durante la pandemia?

He vivido en tres lugares distintos durante la pandemia, entonces ha sido muy cambiante, por eso he trabajado mucho más en pintura que en otras disciplinas, porque se puede pintar en cualquier lado. Para tener material con el cual trabajar, hago carpetas en Pinterest para los proyectos en los que trabajo, y procuro tomar muchas fotos con mi celular, de mis amigos, de objetos y lugares, etc. porque es bueno tener referencias del entorno propio. Para pintar pongo un podcast o música y me siento en el piso, puede que no sea bueno para mi espalda, pero así me hallo.

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¿Cómo nace “Ciberpersona”?

El principio de la pandemia y la contingencia fue un momento que probablemente no se vuelva a repetir, todos estábamos conectados por internet, no había fomo porque nadie salía, me estresaba estar en mi casa y me estresaba salir, los días más emocionantes eran en los que hacía videollamada con mis amigos y habían detalles emocionantes de las clases en línea, como ver los cuartos de mis compañeros en la interfaz de Zoom. También vi cómo mi hermana se graduó de la universidad por videollamada, muchas cosas tuvieron que virtualizarse, incluso yo misma, creo que me hice adicta a la dopamina, o sea estar en el celular todo el tiempo, consumiendo contenido basura, recibiendo estímulos cada momento del día, ahora duermo con los audífonos puestos, escuchando videos o música ruidosa para arrullarme. La virtualidad tiene muchos temas que explorar, incluso creo que no estoy lista para dejar este proyecto, quiero seguir pintando cosas nuevas para ciberpersona.

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¿Cuál es tu obra de “Ciberpersona” que más tiempo te llevó hacer?

Es la más grande, se llama fantasmas. Me tardé un buen rato, creo que estuve más de un mes trabajando en esa pintura, aparte de que me tomó mucho tiempo, me estresó mucho, porque quería que tuviera una lógica y teoría del color correcta, pero al final fue muy satisfactorio terminar y verla. Son dos personas caminando en direcciones opuestas y/o en direcciones convergentes, en algunas partes no se sobreponen sus cuerpos, en algunas sí, están interactuando, pero no físicamente, son transparentes. Quise hablar un poco sobre las relaciones a distancia.

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¿Cuál consideras la obra de “Ciberpersona” con el mensaje más fuerte y por qué?

Tal vez sería alguna de las que son pantallas, creo que es un recurso visual que percibimos constantemente, en el celular o en la computadora, un recuadro negro que enmarca lo demás, puede ser una videollamada o un live de Instagram, tenemos la experiencia que nos permite saber cómo se ve una pantalla y aunque sea muy sencillo, me gustó mucho el concepto.

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¿Qué mensaje le dejas a futuros artistas y estudiantes de artes?

Si haces arte, eres artista, no existe una jerarquía del artista, no creo que necesites un título para ser artista.

Nunca sientas vergüenza de tu trabajo, no importa qué piensen los demás de tu obra mientras tú disfrutes de hacerla, hay muchas razones por las cuales hacemos lo que hacemos, siempre tendremos una justificación personal, consciente o inconscientemente. No reprimas tus impulsos de crear por querer encajar con los demás, trata de hacer obra que a ti te guste mirar.

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BRAVAS COLECTIVA

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¿Cómo se crea Bravas Colectiva?

Bravas Colectiva surge a partir de la necesidad de visibilizar el trabajo de mujeres artistas y disidencias, de crear espacios de aprendizaje fuera de las dinámicas masculinizadas en el arte urbano, de crear momentos para compartir nuestra diversidad de experiencias, sentires, pensamientos como mujeres y disidencias, de usar el arte urbano como medio para visibilizar la lucha social. Previo a la formación de la colectiva como tal varias de las integrantes con las que se inició la colectiva ya realizábamos talleres, intervenciones desde el trabajo colectivo y la lucha social visibilizando experiencias y exigencias de justicia por medio del arte, y a través de estas actividades es que nos dimos cuenta que las necesidades que atravesábamos como artistas no solamente eran propiamente individuales si no que este sentir era colectivo donde muchas mujeres expresaban estos mismos sentires. Previo al 8 de marzo del 2019 desde el espacio artístico cultural Cx16 se realizó la convocatoria “morras pintando muros” donde aproximadamente 16 mujeres artistas realizamos un mural de manera colectiva, siendo esta experiencia un impulso a la formación de la colectiva como tal, ya que la experiencia de trabajar colectivamente entre mujeres nos mostró que hacía falta crear redes entre mujeres artistas y que podíamos salir de las dinámicas que se fomentaban dentro del arte urbano, la cual mayormente estaba conformado por hombres. ¿Cuál es el mensaje de la exposición “Juntxs y visibles: Reclamando nuestros espacios”?

La exposición juntxs y visibles: reclamando nuestros espacios, va en torno a la idea de la apropiación del espacio, en este caso la apropiación del museo de arte. A partir del hecho que históricamente los hombres cis heteronormados han sido quienes han tenido mayor visibilidad en estos espacios, y también al cuestionar quienes son lxs que tienen el “derecho” a pertenecer/merecer estar en este tipo de espacios, a partir de ello ampliamos la 54 DEL DESIERTO

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convocatoria a la participación de mujeres y disidencias, independientemente de su trayectoria artística y sin importar si se reconocían como artistxs o no. Parte importante de la exposición fue la idea de reflejar el trabajo conjunto entre mujeres y comunidad LGBTTTQIA+, por lo que el proceso de las obras presentadas y de la instalación fue hecha de manera colectiva a través de talleres, en donde la experiencia y el compartir entre todxs fue parte importante del proceso creativo de nuestra exposición, expresando nuestra diversidad de sentires y exigencias que surgen a partir de vivir en una ciudad fronteriza como Ciudad Juárez.

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¿Cuántas artistas participan en la exposición?

Fuimos aproximadamente 31 participantes, quienes en su mayoría se sentían identificadas como mujeres y como no binaries.

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¿Cuál ha sido la reacción de los espectadores con relación a sus trabajos artísticos?

Las reacciones han sido diversas. Hay a quienes no les gusta por el hecho de no buscar ser un arte normativamente estético, o por el tipo de mensajes que contienen.

Por el contrario, hay a quienes les agrada, provocando en ellxs rabia, tristeza o alegría, dependiendo de cómo es que conectan con los mensajes expresados en los carteles y en las intervenciones realizadas. Mucha de la intención que tenemos de la apropiación del espacio es provocar al espectador, interactuar con ellxs y sus ideas.

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¿Cuál es la ventaja de usar el arte como medio de visibilidad y protesta?

Nos da la plataforma de hacer visibles en el espacio público la diversidad de luchas, las experiencias y los sentires, aprovechando el impacto de la imagen en las calles o en los diferentes espacios en los cuales se intervienen a través de lo que se ha llamado arte urbano. Nos ha ayudado además a crear redes con otras mujeres y disidencias, creando vínculos a través del proceso creativo y las acciones de intervención del espacio, lo cual ha sido también una ventaja para la organización colectiva entre mujeres. Al final de cuentas podemos decir que el arte urbano, como ejercicio simbólico y comunitario, es una herramienta poderosa para construir narrativas que sirvan para expresar, exigir y protestar, y también para acompañarnos en nuestra rabia y dolor.

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Algún mensaje que quieran dar a las nuevas generaciones de artistas.

Que resistan, que busquemos formar las bases para que tanto los futuros artistxs como los que actualmente nos dedicamos al arte podamos tener, en un futuro, condiciones más dignas para la creación. También que reconozcamos como creadorxs, el impacto social que el arte puede tener, y, por último, la invitación a no tener miedo de salirnos de los espacios academicistas y sus prácticas en búsqueda de nuestra libertad creativa.

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FOTOGRAFÍA Durante mayo de 2022 se llevó a cabo el cuarto concurso de fotografía en nuestro feed de Instagram (@deldesiertoarte), los concursantes tuvieron la oportunidad de mostrar sus mejores fotografías y cumplir con una serie de requisitos durante la competencia.

Les presentamos en las siguientes páginas las 5 fotografías ganadoras.

Este concurso se hace mensualmente, para participar puedes enviarnos un mensaje a cualquiera de nuestras redes sociales.

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PRIMER LUGAR

Álvaro Gutiérrez @jalvarogutierrez

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SEGUNDO LUGAR

Adriana Balderrama @adrianabalderrama 62 DEL DESIERTO

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TERCER LUGAR

Roman Cohen @romanscohenart 63 DEL DESIERTO

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CUARTO LUGAR

Jonh Wheels @jonathanwheels 64 DEL DESIERTO

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QUINTO LUGAR

Maiia Manzano @maiiadream

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Anuncia tu negocio con nosotros y apoya el arte Télefono: 614 427 9823 Correo: galeriadesiertocuu@gmail.com

“El arte es el reflejo de la sociedad”.

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