Vanguardia Futurista

L A RAZÓN ESPECIALES

VANGUARDIA FUTURISTA Lunes 01.02.2016

LA OLEADA DE ARTE MODERNO QUE EMERGIÓ EN RUSIA Y QUE ORIGINÓ NEOPRIMITIVISMO, SUPREMATISMO, CONSTRUCTIVISMO Y FUTURISMO

ARQUITECTURA

DISEÑO

CARTEL

PRODIGIO CULTURAL

VLADÍMIR TATLIN

ALEXANDR RÓDCHENKO

EL LISSITZKY

VASILI KANDINSKY

SERGÜEI EISENSTEIN

CINE

KAZIMIR MALÉVICH

NATHAN ALTMAN

PINTURA

VARVARA STEPÁNOVA

TEATRO

HASTA EL PRÓXIMO 7 de febrero, el Museo del Palacio de Bellas Artes presenta más de 500 obras de arte entre pinturas, maquetas, bocetos de vestuarios, filmes, carteles, libros, dibujos, collages, cerámicas, esculturas, instalaciones y documentos de más de cien artistas rusos, como Vladímir Tatlin, Alexandr Ródchenko, Kazimir Malévich, Serguéi Eisenstein, Vladímir Mayakovski, Natalia Goncharova, Olga Rozánova y Varvara Stepánova. Retrata una época en la que la creatividad se hizo evidente en la fotografía, las artes plásticas, el cine, la arquitectura, la música, el diseño, la literarura y el teatro.

LITERATURA

MÚSICA

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Vanguardia futurista

La Razón | Lunes 01.02.2016

Reúne a más de 100 artistas que decidieron dejar de hacer arte para innovar

VA N G U A R D I A

RUSA: ARTE

Y REVOLUCIÓN EL MUSEO del Palacio de Bellas Artes presenta la exposición Vanguardia Rusa.

El vértigo del futuro; las obras fueron producidas en el seno de una crisis en la que era posible imaginar y reinventar todo

Cecilia Guerrero

H

colaboradores@razon.com.mx

Esta exposición permite identificar los movimientos vanguardistas que germinaron en Rusia durante la primera mitad del siglo XX” Sergio Raúl Arroyo Curador

ay momentos en la historia en los que la imaginación y el ímpetu que despierta toman el protagonismo en la realidad. Todo, digamos, está entre signos de interrogación. Algunos lo definen como el momento revolucionario, sea que se presente en un ámbito específico o bien se extienda a prácticamente todas las esferas de la vida. Ya no se sabe si el rey es rey, si el cura habla en realidad por Dios o si el mismo Dios es Dios o sólo una idea. Todo puede cuestionarse, modificarse o desecharse.

“Si Dios no existe —dice Dostoievski en Los Hermanos Karamazov— todo está permitido”. En la revolución, la realidad es caótica y está ahí, lista para que se le pongan nombres, para que se le dirija, ofrecida tanto a los idealistas que ven posible construir finalmente aquella utopía soñada de la que apenas tenían una imagen, como a los avaros y los déspotas que descubren la oportunidad de poseer más de lo que alguna vez imaginaron, o al menos reinstaurar el orden en el que eran ellos los privilegiados.

Las ideas, las imágenes y las armas lo invaden todo: las calles, los púlpitos, las fábricas, las plazas, los campos, los templos.

Lo que está en juego es el futuro.

Es algo que apenas podemos imaginar, pero ése fue el ánimo que imperó en Rusia los primeros años del siglo XX. Desde el siglo XIX, el país soviético vivía una tensión entre su tradición política y religiosa, y las nuevas ideas provenientes de occidente

+ CIFRAS

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Núcleos temáticos conforman la expo

500 Piezas alberga la exhibición de arte

ticia e igualdad sólo se podría lograr trasto—como la libertad y la igualdad— que cuescando todos los órdenes tradicionales, que tionaban y amenazaban el régimen autose concebían como mecanismos de control crático del zarismo. y dominación para proteger los privilegios La tensión, sin embargo, no se daba sólo de unos cuantos. El Estado, la religión, la a nivel de las ideas, sino que encontraba institución familiar, la idea de educación... terreno fértil en un entorno de creciente operaban para mantener sometida a la clase pobreza e injusticia en el campo y entre la trabajadora y ponerla al servicio de un sisnaciente clase proletaria, que era abordada tema de privilegios y exclusión. Entre esa por propagandistas de los ideales tanto lidiversidad de elementos que se consideraberales como socialistas para impulsar una ba reflejaban y reproducían la desigualdad, transformación política y social radical. estaba el arte, tal y como operaba en las soEn 1917, estas tensiones se tornaron ciedades occidentales. insostenibles y el momento revolucionaEn 1917 existía en Rusia una pluralidad rio vería la luz: la Primera Guerra Mundial de artistas que comenzaban a cuestionar había cobrado la vida de más de millón y los métodos y principios del arte y la vida medio de soldados rusos y el Zar Nicolás II que se le asignaba en la sociedad. Al de-sase negaba a firmar la paz. Rusia carecía de la tarse la revolución, estos creadores enconcapacidad de producción y suministro de traron un ámbito propicio y favorable armamento así como de abastecimienpara el despliegue de sus ideas, e to de alimento, para mantener un incluso el apoyo de los partidos ejército de más de 8 millones de socialistas y en su momento soldados.

E ELDATO del régimen soviético.

En febrero de este año, traLAS OBRAS de Ródchenko, MaléLa subversión frente al arte bajadores de diversas fábrivich y Kandinski tal y cómo venía operando en cas de la ciudad de Petrograse aprecian en la occidente no dejó elemento do se levantaron en huelga. muestra. sin tocar: se criticó el hecho de El 23 de febrero las mujeres toque el arte se restringiera a una maron las calles para exigir pan, función de estatus y mero goce de y fueron apoyadas por los huellas clases privilegiadas. Se cuestionó la pinguistas. En los siguientes días las manifestura que estaba limitada por un marco y a taciones se intensificaron y las consignas la bidimensional del lienzo; a los museos fueron más allá de la exigencia por mejores como espacios que aniquilaban el espíritu condiciones de trabajo o el abastecimiento del arte y a la división entre el arte y la vida de pan: un “abajo la autocracia” era el grito política y social. El arte debía hacer revolude batalla para derribar por completo el orción, debía tener una utilidad social, como den establecido. un elemento prioritario para construir el El regimiento de Petrogrado, que había futuro que la revolución prometía, en una recibido la instrucción de sofocar la refórmula que marcaría al movimiento consvuelta, terminó por unirse a la insurgencia. tructivista del periodo, y que es sintetizada Finalmente, el 2 de marzo, el Zar abdicó y por Jorge Juanes en su libro Vanguardia arsu hermano rechazó la corona. El régimen tística ruso-soviéticas: había caído.

En Moscú —cuenta el historiador Marc Compromiso político + uso de materiales Ferro— los trabajadores obligan a su patrón y técnicas modernas + artista constructor + a aprender las bases del futuro derecho construcción de mundos nuevos = arte de obrero; en Odesa, los estudiantes dictaban vanguardia + edificación del socialismo. a su profesor el nuevo programa de historia de las civilizaciones; en Petrogrado soldaSe adivina ya que había una doble vertiente dos invitaban al capellán a sus reuniones en la relación arte/revolución dentro de la para que éste diera sentido a sus vidas. vanguardia rusa. Por un lado, la revolución La idea básica era que la verdadera jus-

ELTIP VANGUARDIA RUSA presenta una selección de obras de más de 27 colecciones del mundo.

PRINCIPALES EXPONENTES

La corriente artística alcanzó a pintores, arquitectos, directores de cine o de teatro, escritores y músicos.

ARTISTAS Y DISEÑADORES 1.

1. NATHAN ALTMAN Pintor cubista, escenógrafo e ilustrador de libros.

6.

6. SONIA DELAUNAY Pintora y diseñadora abstracta creadora del simultanismo.

11.

11. PÁVEL FILÓNOV Pintor, teórico y poeta.

Se relacionó con el futurismo ruso.

16.

16. YELENA GURÓ Francisco Infante-Arana Miembro del Grupo de Movimiento, fundado Lev Nussberg.

2. Oleksandr Arjípenko

7. Marc Chagall

12. Nina Genke-Meller

3. Vladímir Baranoff-Rossine

8. Ilyá Cháshnik

13. Natalia Goncharova

4. Aleksandr Bogomázov

9. Vladímir Burliuk

14. Róbert Falk

19. Velimir Jlébnikov

5. David Burliuk

10. Aleksandra Ekster

15. Naum Gabo

20. Wassily Kandinsky

17. Michail Grobman 18. Francisco Infante-Arana

Vanguardia futurista

Lunes 01.02.2016 | La Razón

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MUSEO DEL PALACIO DE BELLAS ARTES

Abierto de martes a domingo, de 10:00 18:00 horas, hasta el próximo 7 de febrero Boleto 60 pesos La entrada es gratuita de manera permanente para estudiantes, maestros, mayores de 60 años, menores de 13, discapacitados y pensionados Acceso libre al público en general los domingos Para mayor información de la exposición y del museo consultar el sitio web http://museopalaciodebellasartes.gob. mx/exposicion/vanguardia-rusa/

Fotos>Cortesía MPBA/ Adrián Villalobos

del arte, transitaría entre la pintura, la arquitectura y la escultura, creando, por ejemplo, sus famosos arquitectones, concepto que guiaría el diseño suprematista del ataúd en el que sería sepultado.

Este transitar, este desbordarse del arte por sobre las fronteras preestablecidas entre las distintas disciplinas y la subversión de la división entre el arte y la sociedad, llevaría a la noción del “artista total”, y permite comprender la centralidad que asumirían el teatro y el cine como posibilidades creativas y expresivas en las que las artes plásticas y la fotografía, el diseño y la arquitectura, así como la música y la literatura se fusionaban y servían como vehículos para representar y promover el nuevo orden social, la visión del presente y el pasado que sustentaría el nuevo futuro para Rusia.

El arte era, pues, una herramienta para quienes deseaban hacer la revolución, y al mismo tiempo nadie podía sumergirse realmente en el arte de la época sin asumir el espíritu revolucionario. “Si la revolución me condujo al arte —afirmó el cineasta vanguardista Serguéi Eisenstein—, el arte me llevó a la revolución.”

Pero el vanguardismo estaba destinado a desaparecer: murió en suicidios, prisiones, psiquiátricos o en la obediencia al régimen. “Si Dios no existe —citamos a Dostoievski— todo está permitido.” Ahí, sin embargo, no termina la frase en los Karamazov, pues sigue la advertencia: “Si todo está permitido, la vida es imposible”.

La inclinación por el orden y la obsesión soviética por el mismo, que encontraría en Stalin su máxima expresión, no podía soportar, no podía permitir, tanta libertad en el arte, tanta efervescencia de ideas y experimentos, y mucho menos si ésta buscaba transformar la sociedad. No podía permitir que nadie estuviera a la vanguardia más que el líder máximo, el dios restituido que habría de delimitar de nuevo las fronteras de lo permitido y lo prohibido, la línea única que debía de seguir la historia de Rusia a partir de un presente absoluto, aterrado por el arte de la revolución, aterrado por el vértigo del futuro. empleando la abstracción geométrica y el uso puro del color no como propiedad de los objetos, sino desde su esencia propia manifiesta en una composición.

DIBUJOS ERÓTICOS, carteles y pinturas conviven en Bellas Artes. en el arte, en la que estos personajes buscaron subvertir todo aquello que marcaba al arte occidental a favor de una nueva mirada sobre la noción de creación artística, su expresión material y su relación con la realidad. Por el otro, el arte para la revolución, el contenido y los ideales propios de un arte que promueve la transformación de la sociedad, desplegándose en dos órdenes que serían además la base de los dos polos principales dentro de la vanguardia, que en más de una ocasión se fusionarían: la transformación de la realidad material (constructivismo) y la transformación de la realidad espiritual (suprematismo).

El constructivismo implicaba la conjunción del arte y la técnica en la manipulación de la realidad material para la construcción de nuevas realidades, desplegándose, en trascender la mera estética, en disciplinas como la arquitectura o el diseño, a través, por ejemplo, del diseño de edificios públicos, carteles propagandísticos y publicitarios, y objetos de uso cotidiano como tazas, muebles, ropa, etc. Este tránsito o despliegue se ejemplifica claramente con el caso de

21.

Tatlin, quien pasó de la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura, a ilustrar poemarios de Maiakovski y a dirigir los talleres públicos del Departamento de Arte del Estado soviético, enfocándose en el diseño de objetos.

El suprematismo, por su parte, de una orientación predominantemente místicofilosófica, partía de una crítica a la insistencia del arte occidental por representar la realidad material, denunciando en ella una esclavitud de la creación y un limitante frente a sus aspiraciones espirituales.

Iniciado por Kazimir Malévich (con su manifiesto Del cubismo y el futurismo al suprematismo), esta corriente aspiraba a capturar la sensibilidad esencial del cosmos, no pervertida por los objetos, empleando la

21. GUSTAV KLUTSIS Fotógrafo constructivista conocido por la propaganda estalinista.

26.

abstracción geométrica y el uso puro del color no como propiedad de los objetos, sino desde su esencia propia manifiesta en una composición. De ahí uno de los ejemplos más claros del suprematismo: el Cuadrado Negro, pintado por Malévich en 1915.

Esta obra puede apreciarse hasta el 7 de febrero, de martes a domingo de las 10:00 a las 18:00 horas, en el Museo del Palacio de Bellas Artes. En este espacio, el arte de Malévich convive con piezas como la reconstrucción Modelo del Monumento a la Tercera Internacional, de Tatlin y Rojo puro, amarillo puro, azul puro, tríptico de Ródchenko.

Como Tatlin y prácticamente todos los artistas de la vanguardia rusa, Malévich experimentó con las diversas disciplinas

26. EL LISSITZKY Diseñador, fotógrafo, maestro, tipógrafo, y arquitecto contructivista.

31.

31. SOLOMÓN NIKRITIN Pintor y artista gráfico ucraniano neo-primitivista.

36.

36. ALEKSANDR RÓDCHENKO Escultor, pintor, diseñador gráfico y fotógrafo ruso.

22. Iván Kliun

27. Kazimir Malévich

32. Vadim Meller

37. Iván Puní

23. Alekséi Kruchónyj

28. Paul Mansouroff

33. Konstantín Mélnikov

38. Kliment Red’ko

24. Mijaíl Lariónov

29. Mijaíl Matiushin

34. Vsévolod Meyerhold

39. Olga Rózanova

25. Aristarj Lentúlov

30. Vladímir Mayakovski

35. Liubov Popova

40. Gueorgui y Vladímir Stenberg

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04 La Razón | Lunes 01.02.2016

Carl Gustav Jung introdujo al realizador en las imágenes de fantasía

FREUD INFLUYÓ EN TRAZOS ERÓTICOS DE EISENSTEIN LA NATURALEZA de la sexualidad y su influencia en el individuo fueron objeto de investigación del cineasta ruso; las imágenes fueron consideradas provocadoras

1

Por María Khaltunen*

L

* Se desempeña con directora de diversos proyectos en el Museo Hermitage de San Petersburgo, Rusia, y es una de las principales especialistas en Serguéi Eisenstein a nivel internacional.

a naturaleza de la sexualidad y su gran influencia en la conciencia del individuo fueron siempre objeto de investigación para Serguéi Eisenstein, ya que él estaba consciente de la fuerza e importancia de este fenómeno y quería conocer cómo podía utilizarse para reforzar el efecto emocional de sus películas. Sus dibujos eróticos eran, al mismo tiempo, material de investigación y bocetos de este mecanismo de influencia. Fuera de este contexto, los dibujos eróticos de Eisenstein, una de las cosas más extrañas en el arte de la primera mitad del siglo XX, son difícilmente explicables.

Resulta asombrosa la temeridad sin precedentes de las imágenes: Escenas homosexuales, de necrofilia, pedofilia, increíbles sacrilegios, sexo en grupo, desmembramientos. Asombrosa es también la inteligibilidad de la esencia de lo representado, reflejada en el dibujo perfecto, de construcción ideal y equilibrada. No se trata de un entretenimiento, sino de una obra de arte, una de las vertientes de la obra del gran cineasta. Estos dibujos son parte del laboratorio creativo del cineasta.

La riqueza de las imágenes surge gracias a la influencia de Freud, a quien el cineasta leyó desde muy joven. Justamente el sueño de Da Vinci, relatado y analizado por Freud, enseñó al futuro director cuán importantes son para la conciencia los modelos arquetípicos, sugiriéndole el camino de las asociaciones, la relación entre los fenómenos fundamentales: la muerte y el sexo, el miedo y el éxtasis, el éxtasis y el trance religioso.

Por otro lado, fue Carl Gustav Jung quien introdujo en Eisenstein el concepto arquetípico como esquema primigenio de imágenes de la fantasía, contenido en el subconsciente colectivo que se manifiesta en los mitos y creencias, los sueños y las obras de arte. Así, a par-

Fotos>Especial

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tir de Freud y Jung, Eisenstein descubre los estratos de su propio subconsciente para influir activamente en la percepción del espectador. Y muchas veces, en sus dibujos, el cineasta analiza la naturaleza de estas imágenes. “Los más reveladores y descarados –cuenta en sus memorias– salen implacablemente, a jirones, casi de inmediato, pero por desgracia son como escritura automática.

Pero, ¡Dios mío! ¡Qué obscena!”.

Eisenstein hacía los dibujos con la energía de la libido, que creaba el contacto entre el artista y el espectador.

Precisamente en el dibujo es posible crear las imágenes que él denominaba “protoplasmáticas”, en las cuales procuraba encontrar el primer impulso del surgimiento de la imagen simbólica y seguir su influencia en el subconsciente del individuo a nivel sensorial.

Los personajes están dotados de rasgos humanos en el rostro, proporciones y conductas también humanas; sin embargo, las plantas de los pies y las manos son amorfas, con forma de amiba: “me

ARTISTAS Y DISEÑADORES 41.

41. VARVARA STEPÁNOVA Diseñó obras cubo-futuristas para libros de artistas.

42. Léopold Survage 43. Vladímir Tatlin 44. Nadezhda Udaltsova

En México donde comenzó sus ciclos de dibujos eróticos. México, con sus éxtasis religiosos, el

alegre culto a la muerte y sus antiguas imágenes arquetípicas le dio al cineasta material nuevo”

parece —dice el artista—que el dibujo nació de las imágenes de las cuerdas con que ciñen los cuerpos de los mártires, de las huellas que deja el látigo en la superficie blanca del cuerpo, de la silbante hoja de la espada antes de caer en el cuello del condenado”.

Precisamente en México comenzó sus ciclos de dibujos eróticos. El país, con sus éxtasis religioso, el alegre culto a la muerte y sus antiguas imágenes arquetípicas que Eisenstein estaba dispuesto a ver en todo, le dio al cineasta material nuevo e increíblemente fecundo para el trabajo.

Podemos afirmar con certeza que Eisenstein hizo imágenes muy provocadoras que no han perdido su intensidad en todas las décadas que han pasado desde su creación. Esto no debe asombrarnos, precisamente así trabaja su sistema de efecto de las imágenes iniciales sobre la consciencia. El artista experimenta todas las variantes de la terapia de choque, la conversión de lo sagrado en impúdico y la sacralización de lo obsceno. Con la misma facilidad con la que lo hizo en la consciencia de sus contemporáneos, con sus dibujos, Eisenstein graba en nuestra consciencia lo terrible, lo deseable, lo inolvidable.

1. DIBUJO A los corazones de Verlaine y de Rimbaud (1931).

2. LA OBRA Faute d’ amant, de Sergüei Eisenstein.

CINEASTAS 45.

45. DZIGA VÉRTOV 48.

Revolucionó el cine experimental con la película El hombre de la cámara.

46. Vasili Yermílov 47. Aleksandr Zhdánov

48. ALEXANDER DOVZHENKO Obtuvo mayor éxito con Zvenigorá, en 1928.

49. Dziga Vértov 50. Grigori Aleksándrov 51. Lev Kuleshov

52.

52. SERGUÉI EISENSTEIN Su innovadora técnica de montaje inspiró al cine.

53. Vsévolod Pudovkin

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Foto>Notimex

Lunes 01.02.2016 | La Razón

El director británico publicó un libro de trazos

Cecilia Guerrero

P

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ELTIP LOS TRAZOS decorosos están en el Archivo Central de Rusia, mientras que los demás permanecen en la casa Moskvin, operadora de sus películas.

eter Greenaway hizo el pasado martes una pausa en la agenda de promoción de su película Eisenstein en Guanajuato en la Ciudad de México para conocer de primera mano los dibujos erótico-pornográficos de Serguéi Eisenstein, uno de los diez apartados de la exposición temporal Vanguardia rusa. El vértigo del futuro, que alberga actualmente el Museo del Palacio de Bellas Artes.

En el recorrido comentó que durante el rodaje del filme hizo 92 dibujos que fueron publicados recientemente. “Es un libro sobre mis dibujos eróticos asociados con México. Se llama Los fantasmas de

ESCRITORES 54.

Foto>Especial

EXPLORA DIBUJOS PORNOGRÁFICOS EN BELLAS ARTES

Eisenstein. Acaba de ser editado con cinco mil ejemplares y seguro lo pueden conseguir en cualquier librería de este país”, expresó el cineasta británico.

Eisenstein en Guanajuato retrata al cineasta soviético durante su estadía en México para rodar su película ¡Qué viva México!, en 1931. A lo largo de este filme, de 105 minutos, se puede apreciar el interés de Eisenstein por las asociaciones del subconsciente, como muerte y sexo, horror y éxtasis, pasión y religión, que invaden sus dibujos, elaborados durante su estancia en el país a principios de los años treinta. En varios de los bocetos exhibidos en la Sala Paul Westheim del recinto de mármol aún puede apreciarse el sello del Hotel Imperial, lugar donde dibujó la mayoría de ellos.

Greenaway recordó que el cineasta ruso fue criticado por el gobierno de su país “no sólo por realizar este tipo de dibujos eróticos sino porque combinaba la pornografía con el anticlericalismo”.

“Afortunadamente, Eisenstein se dedicó a la cinematografía y no al arte. Sus dibujos no tienen nada de extraordinarios; pueden ser falsificados. Incluso yo

GREENAWAY en el Museo del Palacio de Bellas Artes, el pasado 19 de enero.

Arte al ritmo de Calle 13, Ely Guerra y Nine Inch Nails

GREENAWAY LA VISITA se llevó a cabo en el marco de la presentación de Eisenstein en Guanajuato; “afortunadamente, se dedicó a la cinematografía y no al arte”, sentenció el realizador

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UN TEMA recurrente en los bocetos del cineasta ruso era la atracción sexual entre hombres.

DEBIDO al continuo interés de ofrecer contenidos innovadores y acercarse a sus diferentes públicos, el Museo del Palacio de Bellas Artes invita a recorrer esta sala en compañía de Trazos eróticos, playlist realizada junto con Spotify en la que, a través de intervenciones sonoras y una selección musical que contiene artistas, como Ely Guerra, Calle 13 y Nine Inch Nails.

Los visitantes disfrutan de una experiencia multisensorial. Para apreciar esta propuesta es necesario acceder al perfil del museo (mbellasartes) en la aplicación Spotify, ya sea desde una tableta, un smartphone o una computadora.

podría hacer mejores dibujos que éstos”, sentenció durante su paseo.

gó a comparar los trazos de sus lápices rojos y azules con las marcas de los latigazos y el color de las heridas. En palaEL DIBUJO COMO EXTENSIÓN DEL bras del propio creador, “si la revolución CINE. Bajo la influencia de Sigmund me condujo al arte, el arte me llevó eternamente por los caminos de la Freud, Eisenstein, quien es conorevolución”. Así, encontró en cido principalmente por sus ELDATO México y en su religiosidad trabajos cinematográficos material completamente —entre ellos los célebres El Cuando el cineasta falleció, nuevo e increíblemente acorazado Potemkin (1925) su esposa dividió fecundo para su trabajo. e Iván el Terrible (1945)— sus dibujos: los Dentro del conjunto de hizo decenas de dibujos decentes y los su obra proveniente de la eróticos que fueron consiobscenos. colección del Museo Estatal derados raros para su época. del Hermitage de San PetersEl dibujo era para él parte natuburgo sobresalen en la exposición ral de la creación de la imagen cinematográfica; es decir, una serie de hojas piezas como A los corazones de Verlaine con diferentes dibujos correspondían a y de Rimbaud (1931), Seducción del solun conjunto de cuadros combinados en dado Gabriel (1931), Rumor (1933), Sobre una mesa de vidrio (1931), Vista inferior el largometraje.

Sus trazos estuvieron impregnados (1931), Corrida (1931), Anunciación de los sentimientos prominentes en los (1931), La manzana y la serpiente (1931) tiempos de las vanguardias. Incluso lle- y Zeus y Dánae (1934).

ARQUITECTOS 54. VELIMIR JLÉBNIKOV Coautor del reconocido manifiesto La bofetada al gusto del público.

55. Vladímir Mayakovski

59.

59. KONSTANTÍN MÉLNIKOV Arquitecto y la mayor figura del constructivismo ruso del siglo XX.

65.

65. ILYÁ GÓLOSOV Para él, el constructivismo era sólo una forma de decorar las edificaciones.

63. Yákov

56. Alekséi Kruchónyj

60. Mijaíl Matiushin

57. Benedikt Lifshits

61. Vadim Meller

64. Moisei Ginzburg

58. Serguéi Tretyakov

62. Alekséi Rémizov

66. Iván Leonídov

Chernijov

68.

68. ALEKSANDR VESNÍN Combinó la práctica de la arquitectura y de la pintura.

67. Konstantín Mélnikov 68. Vladímir Shújov

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Vanguardia futurista

La Razón | Lunes 01.02.2016

Spotify apoya el proyecto

ACERCAN EL ARTE A LOS

¡DISFRUTA LA PLAYLIST! Cuatro pasos sencillos a considerar:

JÓVENES MEXICANOS 1 A TRAVÉS DE LA MÚSICA TODOS LOS SENTIDOS EN UN SOLO ESPACIO Cada muestra tiene una playlist diseñado para mejorar la experiencia del visitante.

EL VÉRTIGO DEL FUTURO

“Be Above It” Artista: Tame Impala “Cosas imposibles” Artista: Gustavo Cerati

Por Martha Cotoret

L

“Wordless Chorus” Artista: My Morning Jacket

CAMBIO DE ÁNGULO “Escaleras” Artista: Monocardio “Shadowplay” Artista: Joy Division “Photographs” Artista: Damon Albarn

LABORATORIO MÁGICO

“Zoo Station” Artista: U2

“Fashion” Artista: David Bowie “A Design for Life” Artista: Manic Street Preachers

TRAZOS ERÓTICOS “Closer” Artista: Nine Inch Nails “Tengo frío” Artista: Ely Guerra “Mala suerte con el 13” Artistas: Calle 13 y La Mala Rodríguez

COMPOSITORES 71. ARTHUR LOURIÉ Su música refleja su relación con escritores contemporáneos.

2

SEGUIR la cuenta mbellasartes

martha.cotoret@razon.com.mx

“Renegades Of Funk” Artista: Rage Against The Machine

71.

“QUEREMOS INVITAR al público que no está involucrado con el arte”, explica la subdirectora de Difusión en entrevista para La Razón; hay temas de David Bowie y Cerati

BAJAR la aplicación Spotify en el smartphone o tablet

73.

73. NIKOLÁI MÉDTNER Su obra se compone 14 sonatas para piano y 3 sonatas para violín.

70. Samuil Feinberg

74. Aleksandr Mosólov

72. Nikolái Borísovich Obújov

75. Nikolái Róslavets

os museos de todo el mundo reconocen y enfrentan retos importantes.

Uno de ellos, frente a su misión de difundir el arte en todos los sectores de la población, es lograr propiciar en las nuevas generaciones el interés por conocer el patrimonio artístico nacional e internacional. En esta línea, el Museo del Palacio de Bellas Artes se ha colocado a la vanguardia con un proyecto inédito de la mano de Spotify, la plataforma más importante en el ámbito musical, en la que millones de usuarios tienen acceso a música de todos los géneros y épocas.

Desde el concepto curatorial de una exhibición, Spotify y el Museo en trabajo conjunto hacen una selección de piezas musicales, éxitos contemporáneos entre los jóvenes que, desde distintas perspectivas, se relacionan con las obras presentadas dentro de la exposición. La selección se integra en una lista de reproducción específica, que el público puede reproducir durante su visita o fuera de ella.

“La idea surge para crear contenido que vaya más allá de la exposición. Iniciamos con la muestra Picasso revelado por David Douglas Duncan, en 2014, y trabajamos con líderes de opinión musical. En aquella ocasión fue con la banda La Vida Bohème. Nosotros le enviamos de qué trataba la exhibición y ellos hicieron su propia investigación sobre qué música se escuchaba en el tiempo que la muestra quería rescatar, así como la música que estarían escuchando ahora, a través de una relectura de música contemporánea”, explica Mónica Mora, subdirectora de Difusión del Museo del Palacio de Bellas Artes, en entrevista para La Razón.

La lista de reproducción, además, incorpora inserciones de audio en las que se plantean al visitante diversas miradas que le permiten apreciar las obras en otro nivel, y dialogar con ellas desde nueva información, pero también desde un lugar que le es familiar y atractivo: la música.

“Queremos invitar al público que no necesariamente está involucrado con el arte, que le tienen miedo, o que no lo entiende, es una manera de decir que no pasa nada, que el arte es una experiencia personal.

Y si les late la música y les gusta las bandas que trae la playlist no se deben cohibir”, apunta Mora.

Este esquema ha llamado la atención de miles de espectadores. Además de quienes escuchan las listas de reproducción en sus visitas al Museo del Palacio de Bellas Artes, el perfil del recinto, en la que pueden escuchar la música de las exhibiciones sin importar el lugar en el que se encuentren, cuenta ya con más de siete mil quinientos seguidores. El éxito del proyecto ha atraído la mirada de museos de todo el mundo, entre ellos el Museo de Louvre, de París, que experimentan ya con su implementación.

Actualmente, Vanguardia Rusa. El vértigo del futuro ofrece al público cuatro listas de reproducción, con temáticas específicas como la fotografía o los dibujos eróticos de Eisenstein, con música de artistas como U2, David Bowie, Ely Guerra, Calle 13, entre otros artistas.

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VISITA la exposición

COLOCAR los audífonos y pulsar “play”

Lo que se busca es invitar al público que no necesariamente está involucrado con el arte, que le tiene miedo, o que no lo entiende... es una manera de decir que el arte es una experiencia personal” Mónica Mora Subdirectora de Difusión del Museo de Bellas Artes

Vanguardia futurista

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Zelfira Tregulova en México

CUADRADO NEGRO DIO ORIGEN A LA ABSTRACCIÓN

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colaboradores@razon.com.mx

elfira Tregulova, actual directora de la Galería Estatal Tretyakov de Moscú y de la Asociación de Museos de Rusia, visitó México en diciembre. Invitada por el Museo del Palacio de Bellas Artes (MPBA), acudió a la exposición Vanguardia Rusa. El vértigo del futuro, que presenta más de 500 obras de artistas paradigmáticos durante los primeros años del régimen soviético, como Aleksandr Ródchenko, Kazimir Malévich, Vládimir Tatlin, Kandinsky y Eisenstein.

Involucrada en esta exhibición desde su concepción, Tregulova impartió una magna conferencia en torno a una de las obras más trascendentes en la historia del arte, que marcaría un antes y después en la producción y apreciación artística y que puede encontrarse hoy en el Museo del Palacio de Bellas Artes: el Cuadrado Negro, de Malévich.

Durante una conversación que tuvimos en el Jardín Centenario de EELDATO Coyoacán mientras LA GALERÍA desayunaba un Estatal Tretyakov, omelette de huitfue fundada en 1856 lacoche —que por por el comerciante cierto, consideró moscovita Pável como “lo más rico Tretyakov. que había probado en México”— hablamos sobre la trascendencia de la exposición de Vanguardia Rusa. El vértigo del futuro.

Enfatizó la dificultad de presentar un movimiento tan complejo y diverso en artistas, disciplinas y experimentación conceptual y estética, un movimiento que posee aristas no sólo dentro del arte, sino dentro de la historia política y social contemporánea. Ella conoce bien esa complejidad debido a que en 1992 coordinó la exposición más grande a nivel internacional que se ha dado sobre el periodo, con más de 1500 objetos.

A pesar de ello, dijo, “lo que presenta hoy el MPBA es único. Exhibe piezas que nunca se habían presentado al público a través de un concepto curatorial que no sigue las reglas que típicamente se han aplicado a la vanguardia”.

“El trabajo curatorial y el diseño museográfico de la muestra es interesantísimo y ofrece una experiencia que no había encontrado en ninguna otra exhibición de las vanguardias ruso-soviéticas”, afirmó la directora.

La exposición —comentó Tregulova— muestra cómo en Rusia, en las décadas de 1910, 1920 y principios de 1930, casi

LA EMBLEMÁTICA obra de de Kazimir Malévich forma parte de la exposición Vanguardia Rusa.

El vértigo del futuro; en su realización, el artista trabajó con una concentración muy por encima de la usual

El mundo ignora el valor del muralismo

Foto>Especial

Por Carlos González

CUADRADO NEGRO, de Malévich, exhibido en la Galería Tretyakov.

Lo que presenta el MPBA es único.

Exhibe piezas que nunca se habían presentado al público con un concepto que no sigue las reglas”

+ CIFRAS

130

Mil obras de arte conforman la colección de la Galería Estatal Tretyakov

160

Años de la creación del museo de Moscú se cumplen en 2016

100 Años de creación tiene el Cuadrado negro de Malévich

Zelfira Tregulova Directora de la Galería Estatal de Moscú todos los artistas, y no sólo Malévich, desarrollaron conceptos innovadores que son clave para la evolución de las artes en el siglo XX. Vanguardia Rusa —dijo— revela este momento de total exploración en el arte y en el pensamiento social y político. Un momento netamente revolucionario, en el que además la revolución en las artes, que se muestra en la exhibición, precedió a la revolución de las instituciones, como intento de revolucionar la conciencia.

Durante su conferencia, Tregulova detalló la trascendencia del Cuadrado Negro presente en Vanguardia Rusa.

Sobre la pieza señaló que “es el inicio de la abstracción geométrica, que se convirtió

La Razón SUPLEMENTO ESPECIAL

»COORDINADORA Martha Cotoret

en una de las tendencias más importantes en el arte del siglo XX, como lo es el expresionismo abstracto. El Cuadrado Negro marcó también el final del sistema tradicional del arte clásico”. La emblemática obra, dijo, es un iniciar de cero.

En su realización —relató Tregulova—Malévich trabajó con una concentración muy por encima del trabajo usual de los artistas, una energía que es proyectada en cada uno de los cuadros negros que pintó.

Ante un auditorio repleto y con los murales del Palacio de Bellas Artes como escenario, la Directora de la Galería Estatal de Moscú explicó que el Cuadrado Negro es un testimonio de la filo-

»REDACTORES Carlos González María Khaltunen

»DISEÑO Bertín Cova Cruz Paulina Hernández

DURANTE ESE DESAYUNO a la mexicana en una plaza emblemática de Coyoacán, Tregulova dejó por un momento de lado el tema de la Vanguardia Rusa y expresó el impacto que tuvo sobre ella la visita a los murales de Siqueiros, Diego Rivera y Orozco en Bellas Artes.

“Claro que conocía la obra, que sabía de estos murales y algunas cosas sobre el movimiento, pero estar frente a ellos, analizarlos a detalle y repensarlos modificó muchísimo mi perspectiva sobre ellos”, contó. Al muralismo mexicano, me queda claro hoy, no se le conoce como debería a nivel internacional.

Tregulova reconoció y lamentó el hecho de que al movimiento no se le reconozca su lugar en la historia del arte, una falta que —explicó— nace de la ignorancia sobre el mismo. Después de conocerlos, de estar frente a ellos, no dudó en afirmar que nadie puede realmente comprender la evolución del arte en el siglo XX si no conoce a detalle el trabajo de mexicanos como Diego Rivera, José Clemente Orozco o David Alfaro Siqueiros. sofía que funda Malévich para el arte: el realismo no es, ni debe ser, figurativo, no es una representación del mundo, o de la naturaleza: En Malévich se trata, más bien, de un realismo que es concepto y creación de lo nuevo.

El Cuadrado Negro, en palabras de la directora de la Galería Estatal Tretyakov, es comparable sólo con las Señoritas de Avignon de Picasso y la Bicicleta de Duchamp como los tres pilares del arte en el siglo XX. Reconociendo y apreciando el trabajo del Museo del Palacio de Bellas Artes en la difusión del arte ruso-soviético en México, la Directora de la Asociación de Museos de Rusia expresó su interés por colaborar en difundir a nivel internacional el muralismo mexicano y en general el arte y la cultura de nuestro país.

Su experiencia de México la vivió entre el muralismo, huitlacoche y, al final, una blusa huichol que no pudo evitar llevarse a tierras rusas: “la había visto de lejos, nada más, y supe que la quería”. Ese sábado, el mercado de Coyoacán era el lugar indicado para encontrarla.

»RETOQUE DIGITAL Luis de la Fuente Eduardo Carrillo

»CORRECCIÓN Carlos Olivares Baró

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08

Vanguardia futurista

La Razón | Lunes 01.02.2016

En el Coloquio Internacional Híbridos: el cuerpo como imaginario

REVELAN ESTUDIOS

SOBRE HIBRIDACIÓN SE DESARROLLARÁN diversos paneles, con la participación de artistas y académicos; los avances sobre la fusión entre el cuerpo humano y la naturaleza serán el centro de la discusión; la entrada al evento será gratuita, con previo registro PIEZA El venado herido, de la pintora Frida Kahlo (1946).

Por Martha Cotoret

E

martha.cotoret @razon.com.mx

ELTIP EL PÚBLICO podrá ver el coloquio vía streaming, a través de www. museopalaciodebellasartes.gob. mx

Foto>Especial

l híbrido desafía el orden, lo reinventa.

Habita en el imaginario, pero emana de lo real y lo transforma. El híbrido es lo completamente otro. En él, el ser humano se proyecta, se cuestiona y encuentra el reflejo en el que rearticula sus identidades. El cuerpo se manipula, el cuerpo se equipara, el cuerpo se fusiona.

“Durante muchas épocas se ha explorado el tema. Muchísimas culturas de distintas geografías manifiestan en su arqueología y en sus expresiones culturales y artísticas este tema de la hibridación, que se ilustran como una especie de mezcla entre hombre y animal... es un tema recurrente del ser humano”, explica Roxana Romero, subdirectora de Difusión y Enlace del Museo del Palacio de Bellas Artes.

El coloquio HíbriELDATO E dos: el cuerpo como CASEY MCKEE es imaginario, orgaconocido por ser nizado de manera pionero en desarroconjunta por el llar la técnica de la Museo del Palacio hibridación en la de Bellas Artes y el pintura.

Museo Nacional de Antropología, a partir del concepto original desarrollado por Tatyana Franck, directora del Musée de l’Elysée en Lausana, Suiza y Valentine Losseau del Laboratoire d’Anthropologie Sociale/Cemca, reúne a destacadas figuras del arte y la academia para dialogar en torno al fenómeno de la hibridación.

En un encuentro entre la ciencia, la antropología y el arte, el coloquio ofrecerá una mirada inédita sobre la idiosincrasia, las prácticas socioculturales y la producción artística en diversas etapas y contextos de la historia humana.

El trabajo conjunto entre el Museo del Palacio de Bellas Artes y el Museo Nacional de Antropología representa, además, uno de los proyectos más ambiciosos de diálogo entre el arte y la historia, en el reconocimiento de la trascendencia del diálogo transdisciplinario. Para ello, se desarrollarán diversos paneles, con la participación de especialistas y académi-

ALGUNOS PANELISTAS Profesionistas de diversas áreas disertarán acerca de los avances sobre la hibridación y su influencia en las manifestaciones artísticas.

Eduardo Matos Moctezuma, antropólogo.

HÍBRIDOS: EL CUERPO COMO IMAGINARIO

Cuándo: 3 y 4 de febrero Organizan: Museo del Palacio de Bellas Artes y el Museo Nacional de Antropología Entrada gratuita

El semiólogo Peeter Torop aborda el simbolismo.

Michel Pastoureau representa a los historiadores.

ro, el coloquio Híbridos: el cuerpo como imaginario incluirá temas como la construcción y deconstrucción de la imagen híbrida, la metamorfosis de los cuerpos, la creación y el arte contemporáneo y el análisis de las hibridaciones dentro de los sistemas culturales actuales.

“El concepto de la hibridación ha sido trabajado de muchas formas, desde la an-

cos como la artista plástica ORLAN, antropólogos como el mexicano Eduardo Matos Moctezuma, Carlos Severi o Nestor García Canclini, historiadores de la talla de Michel Pastoureau, Jean-Hubert Martin, el semiólogo Peeter Torop, así como uno de los pensadores más importantes de la actualidad: James Clifford.

A celebrarse los días 3 y 4 de febre-

Muchísimas culturas manifiestan en su arqueología y en sus expresiones culturales y artísticas este tema de la hibridación que se ilustran como una especie de mezcla entre hombre y animales” tropología, las ciencias sociales, la sociología... y por supuesto, muchos artistas han recurrido al tema en sus obras. Por ejemplo algunas de las piezas de Frida Kahlo en la que aparece con cuerpo de venado o casos más extremos de personalidades del arte que llegan a modificar su cuerpo a través de cirugías plásticas y así tener una especie de hibridación. Por eso nos interesaba realizar este coloquio en el que se presentarán, desde distintas perspectivas del fenómeno, ponentes internacionales especialistas en el tema que estarán revelando los últimos estudios que se han realizado en torno al tópico”, concluye.

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