Glosario de términos propios del arte moderno y contemporáneo, ejemplos visuales happening, performance, arte brut, arte feminista, arte matérico, arte público, esténcil y pintas, arte de la tierra, ready-made y sitio específico,
Happening Es una función de teatro y danza presentada ante una audiencia que a menudo supone su participación al final. Término acuñado por el artista Allan Krapow en 1959 a partir de su espectáculo multimedia en una galería de Nueva York. Performance Acción relacionada con la danza y el teatro. Sus orígenes se encuentran en el happening de Nueva York, los artistas buscaban escenarios en proximidad a su público. Durante la década de los años 1960 se caracterizó por el uso del cuerpo en el desarrollo de la obra, como elemento escultórico. En la década de los 70 los artistas fueron influidos por la cultura popular, los espectáculos unipersonales y el video; sacaron de las galerías los performances hacia la calle u otros lugares. El happening, acciones o performances son considerados como "arte vivo o de acciones"
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Yoko Ono
Chris Burden artista de acciones. El 19 noviembre de 1971 pidió a un amigo que le disparara durante una performance en la galería F-Space de Santa Ana. El artista pretendía despertar el mundo del arte en una época convulsa, en plena guerra de Vietnam, auge de la psicodelia y la contracultura. En 1972 Burden asombró aceptando participar en un programa de entrevistas de Channel 3. La periodista Phyllis Lutjeans le preguntó porqué sus obras desafiaban a la muerte y el respondió con una de sus obras: Sacó un cuchillo y amenazó con degollarla. El cuchillo, la grabación en directo y un par de fotos se conservan en el Orange County Museum of Art de Newport Beach y son todo lo que queda de TV Hijack. Dos años después, en Trans-Fixed, se hizo clavar en las palmas de las manos al techo de un volkswagen sedan, representando así el martirio de la sociedad consumista y la incipiente veneración californiana por las autopistas. Posteriormente realizó una serie de instalaciones.
Metropolis II Los Angeles County Museum of Art.
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El Art Brut o Arte Marginal, -acuñado por Jean Dubuffet-, es la reproducción artística de las personas que operan fuera de las normas oficiales de la cultura, y que crean más por necesidad que por hacer un arte oficial y para formar parte del mundo del arte. De los practicantes del Art Brut, el artista más reconocido es Adolf Wölfli. En sus obras, creadas entre 1899 y 1930, año de su muerte, hay pinturas, textos literarios y composiciones musicales. Todo ello lo realizó mientras era un paciente interno en el Waldau Sanitarium, un hospital psiquiátrico.
Adolf Wölfli (1864-1930)
Wölfli fue víctima de abusos sexuales en su infancia, y quedó huérfano a los diez años, pasó años internado en distintos orfanatos. Años después fue acusado por intento de abuso a menores, condenado a pena de cárcel, y tras su liberación por los mismos cargos terminó ingresado en el hospital por psicosis y alucinaciones. Su plástica, su prosa y su música, permanecieron conectados a su psicosis.
Séraphine Louis (1864-1942) Murió sola y olvidada el 11 de diciembre de 1942 en un hospital psiquiátrico en Francia. Padecía de esquizofrenia paranoide, y dejó de pintar el día que de casa en casa fue anunciando el inminente fin del mundo, además de tener delirios de persecución. Hasta ese momento, creía que con su arte naïf, el cual desarrolló a partir de los 42 años de edad, y sin formación académica comunicaba la segunda venida de Cristo tal como la virgen María y los ángeles se lo pedían; obras que fueron descubiertas en 1912 por el coleccionista de arte Wilhelm Uhde mientras ella misma trabajaba como empleada doméstica de la burguesía local, y que llegaron a ser expuestas bajo la curaduría del coleccionista el mismo año de su muerte sin que ella lo supiese. “Sus obras eran intensas confesiones extáticas de su mundo interior, afectado por su estado psíquico anormal”.- Wilhelm Uhde.
Max Beckmann (1884-1950) El pintor alemán Max Beckmann, quien expuso por primera vez su obra en 1912, de clara influencia impresionista, tuvo éxito desde un principio por lo que pudo dedicarse por completo al arte. Tras estallar la Primera Guerra Mundial, sirvió como médico, pero tuvo que ser dado de baja tras sufrir una crisis nerviosa. Las experiencias de la guerra le marcarían de tal manera que sus obras pasaron a adoptar un estilo expresionista. A menudo sus obras mostraron cuerpos mutilados, lo que alude a sus propias experiencias.
Autorretrato de Beckmann después de la guerra
Perdió a su madre cuando tenía once años. A partir de 1911 se empleó como institutriz de diversas familias de la aristocracia y de la burguesía alemana, conociendo así al emperador Guillermo II, estando encargada de sus hijos. Se enamoró perdidamente del Káiser y en su imaginación compartían una historia de amor. Tras la gran Guerra, Alöise regresó con su familia a Lausana, donde se enamoró de una especie de gurú, y a partir de ello perdió la razon. En el año 1918 la hospitalizaron en el asilo de Céry, por esquizofrenia y la trasladaron definitivamente a otra institución, La Rosiére, donde empezó a pintar y escribir.
Aloïse Corbaz (1886-1964)
El principal soporte de sus obras es el papel de envolver, que cosía para crear piezas de gran formato. Su universo artístico está poblado de mujeres de pechos prominentes generalmente desnudos, grandes ojos azules, acompañadas de flores o animales a manera de collage. “En gran medida los dibujos recreaban toda una existencia paralela, quizá la que desearían haber llevado si hubiesen podido cruzas los muros del manicomio”. Fauchereau, Serge. En torno al Art Brut
Sufría depresiones. Nació en una familia judía en Letonia. Se cree que en su niñez pudo haber presenciado actos de violencia ocasional hacía los judíos. De este periodo manifestó alguna vez el artista: “Los Cosacos se llevaron a los judíos del pueblo hacia los bosques y les hicieron cavar una fosa común [...] Imaginé esa tumba cuadrada tan claramente que no estaba seguro si realmente la masacre ocurrió durante mi existencia. Siempre estuve atormentado por la imagen de esa tumba y que de alguna manera profunda estaba encerrada en mi obra pictórica”. Esta memoria se ha asociado por muchos críticos de arte a sus obras de composiciones rectangulares, como representación o metáfora de su recuerdo de la tumba. Estos recuerdos, por otra parte, han sido cuestionados, ya que no hubo ninguna ejecución masiva en el periodo que él dice recordar.
Mark Rothko (1903-1970)
Al final de su trayectoria artística, sus obras cambiaron de tonalidad, siendo cada vez más frías y de tonos mucho más oscuros; se cree que esto habla de la depresión con la que vivía y que le condujo a suicidarse en uno de los más fuertes episodios de esta enfermedad, cortándose las venas de ambas muñecas además de tomar una sobredosis de antidepresivos.
Mark Rothko
Yayoi Kusama Esquizofrenia Llena sus galaxias con círculos, figura que ha definido su obra durante toda su vida artística, asociando la idea del fin de un ciclo y la renovación en el interior de cada ser humano. Los círculos los asocia con algo que vivió, o un proceso en el que se encuentre.
Vincent Van Gogh Trastorno bipolar Durante parte de su vida sufrió una enfermedad maníaco-depresiva. Este trastorno bipolar iba acompañado de alucinaciones, tanto de voces como de visiones, y de una epilepsia psicomotora caracterizada por un estado de confusión y amnesia. Pero durante la irrupción de la psicosis, su capacidad creadora se desarrolló cuantitativa y cualitativamente. Algunos de sus cuadros más famosos los pintó durante la fase más aguda de su enfermedad, cuando estuvo internado en el manicomio de SaintRémy.
Edvard Munch Depresión “Enfermedad, muerte y locura fueron los ángeles negros que velaron mi cuna y, desde entonces, me han perseguido durante toda mi vida”.
Se ha dicho que este pintor expresionista noruego padecía esquizofrenia, pero al parecer no la tuvo, pues años después le diagnosticaron depresión caracterizada por su introversión, los excesos alcohólicos y por la continua relación con la enfermedad y la muerte, ya que su hermana Sophie y su madre se murieron de tuberculosis.
William Utermohlen Alzheimer El artista estadounidense William Utermohlen comenzó a pintar desde joven; en 1995 fue diagnosticado con Alzheimer. Su enfermedad se presentó como una oportunidad para la ciencia, se abría la posibilidad de estudiar por primera vez la relación entre el Alzheimer y la producción artística.
Martín Ramírez- Esquizofrenia Pintor autodidacta mexicano quien pasó las últimas tres décadas de su vida recluido, en silencio, en un centro psiquiátrico en el norte de California. En 1930 le diagnosticaron esquizofrenia, depresión aguda, catatonia y psicosis. Fue entonces cuando comenzó a pintar de manera habitual. En sus obras, líneas que se repiten infinitamente, destacan temas como figuras religiosas, trenes en túneles y animales; así como escenas de su vida en México que retrata con personajes bailando, toreros y animales en ranchos. Martín Ramírez, el campesino, el migrante, el loco, es reconocido por la crítica de arte como un gran artista del siglo XX.
«Marcos de reclusión». Museo Reina Sofía 2010
Louis Wain- Esquizofrenia Conocido como el pintor de los gatos. Louis los pintó a lo largo de su vida, en todas sus formas, expresiones, tamaños y colores. A los 57 años le detectaron esquizofrenia progresiva y autismo. Los últimos 15 años de su vida estuvo internado en un centro psiquiátrico. No dejó de dibujar, pero, con el paso de los años, sus gatos se deformaban cada vez con colores más llamativos, síntoma del progreso de su enfermedad.
La producción plástica como terapia es un método aplicado en clínicas mentales, donde la pintura ofrece, para un determinado grupo de pacientes, una oportunidad de expresión que es muy útil. Esta terapia les permite salir de su aislamiento al perder la sociabilidad o el lenguaje expresivo comunicativo.
Arte Feminista
Propuesta sin precedente en la historia del arte. Estética que exhibe discursos patriarcales y jerárquicos allí donde las implicaciones de género nunca se habían cuestionado; de perfil esencialista. De grandes repercusiones en el siglo XX, se extiende a partir del movimiento feminista.
Georgia O'Keeffe impone su estilo personal frente al escenario de vanguardia fundamental para sus contemporaneos. Black Mesa Landscape, New Mexico/Out Back of Marie's II Paisaje de llanura negra, Nuevo México, respaldo de Marie II 1930, óleo sobre tela sobre superficie rígida 62.5 x 93.6 cm. ©Georgia O'Keeffe Museum
Aurora Reyes, muralista mexicana preocupada por los temas de género “Mujer de la guerra” 1937 Óleo sobre tela
Louise Bourgeois Femme Maison. Casa mujer 1984. Photogravure
These works do not illustrate… they are an exorcism… that is what i am after… to dig and to reveal* *en la colección especial dedicada a Louise Bourgeois The complete prints & books. MoMA
Carmen Laffón, temas costumbristas cercanos a su vida cotidiana La máquina de coser cubierta, 1978 (Imagen en www.arcadja.com Subasta Sotheby´s 14 nov. 2007 Londres)
En el año de 1974 Judy Chicago inició el trabajo de su obra “La Cena” que en realidad es un gran tributo a las mujeres. Trabajó durante 5 años para concluir el proyecto. Se presentó en el año de 1979 en el Museo de Arte Moderno de San Francisco EU
Laura Delia Urquijo Velarde artista mexicana Contemporánea Pintora hiperrealista Licenciada en Artes por la Universidad de Monterrey (UDEM). Artista hiperrealista, expone sus miedos y los de la sociedad. “Sin Dar La Cara” es muestra del miedo colectivo. Es una serie que retrata la postura detrás de la historia y los sentimientos de las mujeres que sufren maltrato familiar, en especial por su pareja.
Blanca E. Ortiz Rodríguez
Te maldigo. Me acorralas en tu falso deseo. Maldigo tus gritos sofocantes. Lames las cicatrices de mi cuello con tu gruesa lengua. Maldigo tus feroces manos sobre mi piel. Me acechas como bestia hambrienta. Maldigo tu capacidad de convertir mis virtudes en vicios. Arrancas mis ojos, masticas mi corazón dulce y salado. Me arrastras hacia mi muerte sin el menor esfuerzo. Y muero.
Eva Ma. Lucia Soy la sirviente de las llagas. Soy cómplice de tu injusticia y de mi dolor todos los días. No deseo nada. Mi balcón da al olvido. No hablo, solo soy. Lloro y observo. Sueño con mi pasado, pero los sueños se van. Me someto a mi oscuro destino acompañada de tu mano feroz y domadora. Lloro y pienso en todo lo que pudiera llegar a ser si no fuera yo.
María de los Ángeles Quiroz de la Fuente Mis ojos son indiscretos y ya están secos. Mis labios viven en silencio. Mis sonrisas se extinguieron. Mis oídos viven aturdidos bajo el ruido de tus secretos. Mi nariz golpeada por tu cólera. Mi cerebro en un coma definitivo. Doy la espalda porque dice mas que mi cara.
Miss me artista de Suiza residente de Montreal, CanadĂĄ. Artista del estencil, pegas y pintas de fuerte crĂtica a la hegemonĂa de los hombres de estado.
Ana Mendieta Usó su cuerpo construyendo su conexión y su denuncia. Su cuerpo como pieza central, lanzó una crítica social y política dirigida a la violencia, la discriminación. Artista cubana radicada en Estados Unidos. Realizó importante obra de intervención en la naturaleza dejando huellas que el mismo medio ambiente borra, como el tiempo en la sociedad.
Magali Lara artista mexicana Preocupada por el tiempo y la desmemoria aborda temas propios de la vida cotidiana, lo que carece de importancia, lo rutinario u ordinario, lo que diario incide en su vida, lo que día a día construye su tiempo.
Quería irme Lápiz y pastel al óleo sobre papel 44.5 x 58 cm Dibujos sucios del mes de Julio 1984
Minerva Cuevas artista mexicana que aborda los problemas del arte político con su proyecto MVC (“Mejor Vida Corp” MVC) va más allá de señalar los conflictos nacionales cotidianos, del cuestionamiento de los procesos económicos, el capitalismo extremo neoliberal y con ello la estructura del gobierno disciplinario contra su propia ciudadanía, así establece un espectáculo que ironiza la corrupción de la vida actual para sensibilizar e invitar a la reflexión, compromiso social activo y mordaz. Lo privado es público. Egresada de la ENAP actual FAD Facultad de Artes y Diseño UNAM
Arte Matérico. Se desarrolló desde finales de los años cuarenta y principios de los años cincuenta; corriente pictórica del informalismo europeo posterior a la Segunda Guerra Mundial. Se trata de pintura abstracta que se realiza con materias diversas a las tradicionales, incluyendo en la producción: arena, chatarra, madera, aserrín, vidrio, yeso, trapos, etc. Además los pintores actúan sobre la obra rompiéndola, arañándola, con cortes, perforaciones o desgarrones, haciendo uso de sus propias manos. Ya habían existido otros artistas precedentes que introdujeron en el lienzo elementos extraños a la pintura, como los dadaístas o los cubistas y sus collages en los que introducían cajetillas de tabaco o tiras de periódico. Los artistas posteriores al expresionismos abstracto recuperaron esta idea de introducir en la tela objetos cotidianos.
Antoni Tápies
En la fundación Antoni Tapies
Homenaje a Picasso 1983. Barcelona
Arte público Término que con el que se designa a una obra artística realizada para el espacio público, fuera de la galería o del museo; floreció en la década de 1960 con la asignación de fondos del estado para proyectos comunitarios, los artistas comenzaron a hacer obras de exteriores en gran escala. Características: • Se desarrolla en lugares de acceso público, en este sentido las calles o las plazas de las ciudades continúan siendo los espacios que, por su accesibilidad, afluencia y diversidad de personas que los transitan, mejor ejemplifican esa ubicación de “lo público”. • Los límites entre lo público y lo privado, sobre todo a raíz de la incursión de las nuevas tecnologías en el hogar y en las estructuras de la ciudad (la televisión e Internet; las cámaras de video-vigilancia y los medios de masas, etcétera) La idea de un arte público adquiere hoy una nueva dimensión ligada a un factor ideológico, que supone la comprensión de la ciudad como un entramado complejo: un contexto sociopolítico con carácter específico que depende de la comunicación, la educación, y otros ámbitos de la cultura; espacio público debiese ser la esfera social específica, lugar de debate donde todos los ciudadanos pueden desarrollar y ejercer su voluntad política Productores de arte público: Siah Armajani, Vito Acconci, Lawrence Weiner, Dan Graham, Jenny Holzer, Barbara Kruger, Dennis Adams, Antoni Muntadas, Matta-Clark.
Maqueta –estudio para «Fallujah», actualiza la denuncia contra el sufrimiento de la población civil en los conflictos bélicos realizada por Pablo Picasso en el “Guernica”. Este trabajo alude a una de las miles de casas destruidas durante el asedio a la ciudad iraquí de Fallujah en 2004 y a la muerte de la familia que la habitaba. Armajani señala que cada generación artística tiene la responsabilidad de reavivar el trabajo del pintor español adaptándose a las circunstancias de su tiempo.
Armajani . Centro de Arte y Naturaleza. Fundación Beulas Huesca, Aragón
Gordon MattaClark. Splitting, 1974
Vito Acconci Water Park City on Fort York Boulevard Toronto
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Bรกrbara Kruger
Jenny Holzer Florencia 1996
Melbourne 2009
Dennis Adams Tributaries, 1995. Drinking Fount, 14-30 Broadway, Queens, NY
Dan Graham Pabellón en Berlín
Galería Lisson Londres
Antoni Muntadas. Pionero del media art y del arte conceptual en España plantea una reflexión crítica sobre cuestiones claves en la configuración de la experiencia contemporánea. Su objetivo es detectar y decodificar los mecanismos de control y poder a través de los cuales se construye la mirada hegemónica, explorando el papel decisivo que en este proceso juegan los medios de comunicación de masas. En sus obras, que tienen siempre una clara dimensión procesual y en las que a menudo se apela directamente a la participación de los espectadores, Muntadas recurre a múltiples soportes, lenguajes y estrategias discursivas, desde las intervenciones en el espacio público al vídeo y la fotografía, desde la edición de publicaciones impresas a la utilización de Internet y las nuevas herramientas digitales, desde las instalaciones multimedias a la puesta en marcha de proyectos de investigación multidisciplinares y colaborativos.
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El arte publico no se trata acerca de uno mismo, sino de los demás. No se trata de los gustos personales, sino de las necesidades de los demás. No se trata acerca de la angustia del artista, sino de la felicidad y bienestar de los demás. No se trata del mito del artista, sino de su sentido cívico. No pretende hacer que la gente se sienta empequeñecida e insignificante, sino de glorificarla. No se trata acerca del vacío existente entre la cultura y el publico, sino que busca que el arte sea publico y que el artista sea de nuevo un ciudadano. Siah Armajani Siah Armajani. Siah Armajani en Madrid: Museo Reina Sofia, 2000, p. 73
Keizer… El Banksy egipcio. Estencil y pintas “Eliminar iconos, destruir el tejido de la realidad, destruir tabúes sociales …” es el lema del artista que pinta en las paredes del Cairo escondido una sudadera con capucha y la oscuridad de la noche. En Egipto ya han pasado tres años de la revolución que expulsó a Hosni Mubarak del poder, desde entonces los mensajes de Keizer. Pintadas que nos hacen reflexionar y ver lo que a veces pasa desapercibido ante nuestros ojos. Igual que Banksy la mayoría de sus obras están realizadas con esténcil y spray.
Ejemplos de las pintas mas representativas: “La Dama de las Damas”, homenaje a “los trabajadores y empleados que hacen la vida posible en Egipto”, o las hormigas gigantes, utilizadas como símbolo (al igual que las ratas de Banksy). “Las hormigas son las olvidadas, sin voz, anónimas, marginadas, víctimas del capitalismo. (…) Forman una colonia que lucha, hace sacrificios ciegamente por la reina y su monarquía (…) Es hora de que el pueblo diga a su reina que sólo gracias a él tiene mucho poder “, según Keizer.
Primera retrospectiva ‘no autorizada’ de la obra de Banksy
El espacio de exposiciones londinense S|2 de Sotheby´s exhibió la primera retrospectiva “no autorizada” de la obra de Banksy. Steve Lazarides, antiguo agente del artista urbano, es el comisario de una muestra que abarca desde sus primeros años spray en mano en las calles de Bristol hasta su consagración a mediados de la pasada década.
Banksy proclama su aversión a la comercialización de sus trabajos en galerías de arte. “BANKSY The Unauthorised Retrospective” reúne 70 piezas. Varias de las obras nunca se han mostrado en público, un retrato de un niño muerto de hambre con una corona de Burger King, una imagen de la Reina de Inglaterra como un mono (Monkey Queen, 2003), entre otros.
Un grafiti de Banksy en un remolque se vende por 625.400 euros. La pieza cuenta con una certificado de autenticidad del artista callejero, según la casa que la subastó en París. El País, 15 junio 2015
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Arte de la tierra Es una forma de arte que utiliza elementos naturales; se desarrolla a mediados de la década de 1960 en respuesta a la creciente comercialización del arte y contra la condición tradicional de la galería o el museo, el arte de la tierra entabla un diálogo directo con el entorno. Algunos artistas llevaron la naturaleza a la galería, otros trabajaron en el paisaje transformándolo en formaciones abstractas mediante actividades de arado, cavado, nivelado y corte, lo que a menudo exigía el uso de aparatos y equipos Estas producciones son en consecuencia efímeras y están sometidas a las fuerzas erosivas de la naturaleza, dependen de la fotografía y video –y/o audio- como medio de documentación.
Andy Goldsworthy Stone House 1997
Roof 2
Richard Long Hamburger Bahnhof en BerlĂn
Beverly Pepper Sol I Ombra Park 1987-92. Ceramic tile, Cement, Cast Iron, Earth, Grass, Trees (35,000 Square m) Barcelona, Spain
Four Ways 90 x 498 x 58 cm
Beverly Pepper Waccabuc Amphitheatre, 2008. Mixed Media Land Art Theatre, Private Commission New York State
Ready Made Término acuñado originalmente por Duchamp para designar un «objeto encontrado» y seleccionado por el artista, para su ubicación en un nuevo contexto.
«La fuente» de Marcel Duchamp
Haim Steinbach artista de Israel
Untitled (sneakers) 2013 Wood, plastic laminate and glass box; sneakers 123.2 x 92.7 x 48.3 cm
it is III-1, 2008 plastic laminated wood shelf; “Frosted Flakes� cereal box and 3 rubber dog chews / 80.6 x 129.5 x 40.6 cm
Martin Roller artista alemรกn
Bertrand Lavier artista francĂŠs
Joseph Beuys artista alemán
Schlitten (Sled), 1969. Courtesy The Broad Art Foundation, Santa Monica. © 2012 Estate of Joseph Beuys/Artists Rights Society (ARS), New York/VG Bild-Kunst, Bonn
Obra para sitio específico Es la propuesta que se concibe y produce para un emplazamiento o entorno concreto, el significado de una obra específica de un lugar está estrechamente relacionado a menudo con el lugar donde se ubica, se toman en consideración aspectos sociales políticos o geográficos. La experiencia y la interpretación de la obra son dadas por el espectador, adopta a menudo en la forma de instalación, arte de la tierra o arte público.
Krzysztof Wodiczko artista polaco (1943) radicado en Boston. Conocido por sus más de 40 proyecciones al aire libre, que han sido instaladas en más de una docena de países. Sus obras suelen ser de conciencia social y a menudo de naturaleza política. Ejemplos de éstas incluyen proyecciones sobre edificios de manos o caras de personas que hablan de sus experiencias personales o crímenes que han sufrido, lo que permite la emisión pública de problemas que generalmente se mantienen en privado. Él ha calificado este estilo de arte como «Diseño Interrogativo». Su proyección más conocida tuvo lugar en el año 1985, cuando se mostró la imagen de una esvástica en la Embajada de Sudáfrica durante una marcha de protesta en crítica del sistema de apartheid del país.
Krzysztof Wodiczko
Krzysztof Wodiczko Astor Building, New York, 1984 Public Projection At The Astor Building, New York Organized By The New Museum Of Contemporary Art, New York Š Krzysztof Wodiczko Courtesy Galerie Lelong, New York
Krzysztof Wodiczko Bunker Hill Monument, Boston, 1998 Public Video Projection At Bunker Hill Monument, Boston, Massachusetts Presented By The Institute Of Contemporary Arts, Boston, ICA/Vita Brevis Series Let Freedom Ring Š Krzysztof Wodiczko Courtesy Galerie Lelong, New York
The Tijuana Projection, 2001 Public projection: Centro Cultural de Tijuana, MĂŠxico
Richard Serra «La materia del tiempo» Museo Guggenheim de Bilbao
Fulcrum (1987), situada en la entrada oeste de la estación de metro de Liverpool Street, en el complejo Broadgate, Londres.
Imágenes, videos –por orden de aparición- y apoyos bibliográficos: http://www.yoko-ono.com/ http://www.gagosian.com/ http://www.theguardian.com/artanddesign/2015/may/11/chris-burden-sculptor-andperformance-artist-dies-aged-69-at-home-in-california Rizo-Patrón de Lerner, Rosemari; Rivas Seminario, Arturo; Ascárate Coronel, Luz. La locura de las Musas. Estudio fenomenológico sobre la imaginación y la creación artística de los pacientes con esquizofrenia del Hospital Víctor Larco Herrera. Universidad Católica del Perú: Lima, 2013 Morgentahler, Walter. Madness & Art: The Life and the Works of Adolf Wölfli. University of Nebraska Press: Estados Unidos, 1992 http://www.museoreinasofia.es/exposiciones/martin-ramirez-marcos-reclusion Serrano de Haro, Mujeres en el Arte, Plaza & Janés. España 2000 Chadwick Whitney, Woman, Art & Society, 5ª edition. Thames & Hudson world of art, London 2012 http://www.irational.org/minerva/resume.html http://www.miss-me-art.com/ http://www.southbankcentre.co.uk/whatson/festivals-series/ana-mendieta/exhibitionana-mendieta
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