LA
POCHADE EDITORA EN JEFE
PAMELA OCAMPO
pamela.ocampo@globalgroup.mx
Éditorial Bienvenue. Nous vous ouvrons les portes à cette petite ébauche. La pochade este née d’un concept universitaire avec 4 étudiants curieux et assoiffés pour la tradition mexicaine, le talent, le luxe et la mode.Cette curiosité nous a emmené à découvrir les talents mexicains encore cachés.La pochade aide à que ces ébauches devient vivre. Nous espérons que vous formez partie de notre famille. - Les 4 étudiants Bienvenidos. Te abrimos las puertas a este pequeño boceto. La Pochade nace de un concepto académico con 4 estudiantes curiosos y sedientos por la tradición mexicana, el talento, el lujo y la moda. Esta curiosidad nos llevó a descubrir los talentos mexicanos aun escondidos. La Pochade ayuda a que estos bocetos cobren vida. Esperamos formes parte de nuestra familia.
DIRECTORA CREATIVA
PATRICIA ECHÁVARRI
patricia.echavarri@globalgroup.mx
REDACCIÓN Y DIGITAL
BENJAMÍN RAMÍREZ
benjamin.ramirez@globalgroup.mx
ARTE Y FOTOGRAFÍA
GABRIELA HERNÁNDEZ
gabriela.hernández@globalgroup.mx
- Los 4 estudiantes MODA Y LOGÍSTICA
KAREN ÁLVAREZ
karen.alvarez@globalgroup.mx
La Pochade México, año 1, No.1 es una publicación de MLH Global Com S.A. de C.V. Montecito No.38 Piso 39 Oficina 34, Col. Nápoles, Delegacion Benito Juárez, C.P. 03810, World Trade Center México, México D.F. Tels.26156245 Website: www.lapochade.com, email: lapochade@globalgroup.mx. Editora Responsable: Pamela Ocampo Gómez. Reservas de Derecho de uso exclusivo en trámite. ISSN en trámite. Número de certificado de Licitud en Trámite. Imprenta: Compañía Impresora El Universal S.A. de C.V., Allende No. 174, Col. Guerrero C.P. 06300, México D.F. Tel.57224551. Distribución interior y locales cerrados: DIMSA, Mariano Escobedo 218 Col.Anahuac C.P. 11320, México D.F. Precio $35.00. Todos los derechos reservados.
ÍNDICE L’HERITAGE El Telar El pueblo Tzotzil La Personnalité
LA ZONE NOIRE 10 14 18
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LES TENDANCES
Á L’AFFICHE Exposiciones
Yakampot
Las tendencias en el diseño 46 Runway 56
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AUJOURD’HUI México en línea
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Le project La recette Le Bon Appetit
58 60 62
TIENDAS DISTRITO FEDERAL Isabela Católica 30 Col. Centro
Lago Zurich 245 Local A-11 PB Col. Nuevo Polanco
Paseo de la Reforma 325 Col. Cuauhtémoc
Campos Elíseos 215 Esq. Galileo Col. Polanco
SHOW ROOM C贸rdoba #67 Int.7 Col. Roma Horarios L-S : 12hrs-17hrs
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Un instrumento de gran importancia para los tejedores, diseñadores, maquileros, costureros o cualquier persona que ame sentir un hilo correr por sus dedos. Pero ¿qué tanto conocemos la historia detrás de esta herramienta?
L´Heritage El Telar
Por Benjamín Ramírez
En la Era Paleolítica, hace aproximadamente 6,000 y 10,000 años de antigüedad, el hombre fue en busca de abrigo para protegerse de la intemperie tratando de imitar a la naturaleza; los nidos de pájaros y diversas raíces, fibras vegetales y animales y comenzó a entrelazarlas hasta formar un tejido. En la Era Neolítica se empieza a trabajar con los metales, la rueda, la agricultura, la domesticación de animales y los primeros telares.
Primero fue el estilo de calada, que permitía levantar los hilos y trazar lizos cortos que estaban atados a un palo de madera para atravesar la calada y formar la trama. Luego se inventó el peine, formado por varios palitos de madera con sus orificios y separados por una ranura. Los hilos se formaban en dos capas, una pasaba por los orificios y otra por las ranuras. Esto permitía formar una calada favoreciendo al atado al palo atravesar tantas veces mientras el peine subía y bajaba en cada pasada.
El primer telar, parecido a un arco de fútbol, en la cual pendían las fibras desde el travesaño hasta el suelo y colocaban piedras para tensar las fibras y formar una urdimbre más firme y así tejían desde abajo hasta arriba. Esta labor facilitó el manipuleo de las fibras siendo más finas y suaves, favoreciendo la textura en la indumentaria textil. Este telar llevaba el nombre de Penélope y se utilizó en Medio Oriente y al norte de Europa. En América se utilizaban los telares de cintura, en la cual el hombre estaba sentado en el suelo, con la urdimbre atada al cinturón que llevaba puesto, lo sujetaba con el peso del cuerpo y tejía manteniendo su posición. El telar egipcio era similar al de los tapices y alfombras siendo de manera vertical, de suelo y horizontal.
Luego llegaron los telares de pedal, que separaban la urdimbre con la presión de los pies y accionaban unos bastidores que contenían los lizos que estaban enhebrados. Leonardo Da Vinci inventó, en el siglo XVI, la lanzadera, que permite realizar los tejidos en forma manual para completar la labor de manera más eficiente. Estos telares produjeron un avance tecnológico textil, que aumentó la producción en gran escala, favoreciendo la economía mundial y la vida de los pueblos.
Con el desarrollo de la humanidad y los avances industriales que iban progresando, avanzaron la tejeduría con otros modelos de telares que facilitaban el diseño de la trama.
En la actualidad abundan diferentes tipos de telares que responden a cada uso de acuerdo con sus necesidades y tiempos, como el telar de triángulos, cuadrados, hexágonos, redondos, de peine, tanto manuales como eléctricos. Cada tejedor utiliza su telar y lo va trabajando a su modo de hacer, tiempo y sentido. El telar es una herramienta que forma parte de la moda pero sobre todo teje las ideas de muchos.
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En la primera etapa de las artes textiles mesoamericanas en la cual se manejaban las fibras duras, las pieles de animales y las cortezas de árboles, el telar utilizado era el de urdimbre colgante tejida con los dedos. Sin embargo, este último presentaba ciertas dificultades para tejer el algodón, por lo que fue poco a poco reemplazado por el telar de cintura, el cual tiene un valor histórico de gran importancia ya que además de persistir aun en nuestros días, se origina y caracteriza a esta etapa prehispánica.
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La estructura básica de este telar consiste en un tendido de hebras en dirección longitudinal (urdimbre) que se entrecruza con otros hilos atravesados en ángulo recto (trama), los cuales son llevados por una lanzadera a la cual los aztecas le llamaban chochopaxtli. Aunque el telar de cintura es un artefacto muy sencillo, permite lograr tejidos complejos y hermosos. Lograr franjas, cuadros o cualquier diseño depende siempre de la disposición de la urdimbre como de la trama.
La longitud del tejido que se realiza en un telar de cintura depende de la distancia entre cada uno de los palos de otate localizados entre la tejedora y el árbol. El ancho del tejido se determina por la cantidad de hilos de urdimbre que haya en el telar, es decir, mientras más hilos tensados, más ancha será la tela. El tejido se aprieta con una tablilla de madera pesada y afilada llamada espada con la que la tejedora jala con fuerza hacia sí. Este es el implemento con más fino acabado, y el más apreciado por ella. A partir del tafetán se derivan otro tipo de ligamentos más complicados los cuales ofrecen diferentes texturas y relieves, como es el caso del taletón o la esterilla. Si se juega un poco con los colores de la trama y la urdimbre, o bien con el manejo y acomodo de éstas, se pueden lograr tejidos y telas con variadas texturas ycolores, así como motivos y dibujos muy diversos.
Los antiguos indígenas lograron diferentes ligamentos, con los que dieron color, textura y forma a sus telas. Ya entonces se trabajaban ligamentos como el tafetán, la estarilla, el taletón, el kilim, la sarga, entre otros. Las primeras evidencias encontradas acerca de los tejidos fueron redes, cordeles y cestas, objetos con una antigüedad aproximada a los 5000 y 2500 años a.C. No obstante las primeras muestras de telas o tejidos propiamente dichos, son de fechas más recientes que corresponden al primer milenio de nuestra era.
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El Pueblo Tzotzil Por Gabriela Hernรกndez
Se puede ubicar con cierta precisión en los municipios de Amatán, El bosque, huitiupán, Simojovel, Chalchihuitán, Pantelhó, Soyalhó, Bochil, Chenalhó, San Andrés Larráinzar, Chamula, Zinacantán, Ixtapa, Acala, Huixtán, San Lucas y San Cristóbal de las Casas. La etnia tzotzil no es homogénea, ya que puede percibirse una primera gran división dada su extensión geográfica: la región tzotzil de los Altos de Chiapas, con clima frío y geografía montañosa; y la región tzotzil de la zona baja, con clima tropical y geografía menos accidentada. En la vida cotidiana, las mujeres tzotziles son las que conservan en mayor medida la ropa típica. En las fiestas y actos públicosimportantes, los hombres visten también ropa tradicional, como son capas y chalecos de lana negra o blanca, sandalias de suela muy ancha y talonera de cuero,llamadas xonob, y cierto tipo de sombreros. Los hombres de Huixtán, en lugar de pantalón, visten una prenda blanca muy especial, formada por varios lienzosque se atan a lacintura, que los identifica con San Miguel Arcángel, su santo patrón. Sin embargo, es importante mencionar que los atuendosconsiderados “tradicionales” han ido sufriendo cambios con el tiempo: se han agregado nuevos elementos, diseños y materiales. Por ejemplo, los zinacantecos,antes más sobrios en su manera de vestir, actualmente utilizan prendas bordadas en colores muy intensos.
El pueblo tzotzil habita en el centro y centro norte del estado de Chiapas, en el sureste mexicano. Forma parte de la familia mayense, junto con otras etnias en los estados de tabasco, Yucatán, Campeche, Quintana Roo, San Luís Potosí y en los países centroamericanos de Guatemala, Belice y Honduras. En sólo una generación, los diseños pasaron de sencillos tejidos de un color con una franja de otro color al medio, a telas brocadas hipersofisticadas, con distintos colores y complejos bordados de flores... Flores, flores, flores. En los mercados de zinancatán, puedes encontrar diseños de telas brocadas, con distintos colores y complejos bordados. La producción de tejidos es enorme. Una persona que se considere respetable debe lucir un traje nuevo dos veces al año, para la fiesta de San Sebastián del 18 al 20 de enero y para la de San Lorenzo del 8 al 10 de agosto. Una modista tiene que mostrar un traje nuevo para cada día de la fiesta. ¿Cuáles son las modistas? "Todas estas que ves tejiendo". Actualmente, los diseños y algunos bordados se hacen a mano, se teje con telar de pedal y de cintura, pero se usa máquina para rellenar. Los tejidos expresan sus creencias y sus realidades. En Zinacantán, por ejemplo, a partir de los años 70 se comienzan a ver bordados de flores que con el paso de los años se van complejizando. Esto coincide con el desarrollo de la industria del cultivo de flores que hizo prosperar al pueblo. El aumento de la riqueza permitió que la ropa fuera algo más que un atuendo conveniente, la moda comenzó a sofisticarse. "La palabra flor en tzotzil, nichim, significa sagrado. El cielo es el lugar de flores y vas a ver que la iglesia está llena de flores. Ser florida es ser santificada, y en cierta forma, con las flores, ellas están hablando de la belleza sagrada; no de este mundo, sino del otro".
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Amberes 70 Col.Napoles Distrito Federal
La Personnalité Por Gabriela Hernandez
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DANIELLA TRIGO
PROPIETARIA Y FUNDADORA DE YEMA TEXTILES La diseñadora mexicana nos cuenta sobre sus inicios, experiencia y desafíos al ser independiente en la industria del diseño y la moda. Daniela Trigo, originaria de la ciudad de México, quien antes de sus estudios universitarios no imaginaba que terminaría en el diseño textil, ahora cuenta con ocho años de labor en ello. Desde temprana edad empezó a desarrollar su creatividad pintando cuadros y cosiendo ropa para sus muñecas, luego para amigos, familia e incluso para sí misma.
Estudió Diseño de Estampados en Central Saint Martins, Londres. Creó la marca Yema, en la que mezcla la serigrafía tradicional con procesos contemporáneos y materiales ecológicos para producir pequeños tirajes de sus estampados y desarrolla diseños a partir de una idea que pasa por experimentaciones visuales. A través de Yema busca no solo comercializar, sino aumentar el valor del diseño independiente y de lo hecho a mano, especialmente en México. En su taller emplea a trabajadores locales para apoyar con la serigrafía y costura de las piezas. Actualmente puedes encontrar sus diseños en Mob, Happening Store y Design MX, entre otros; además de en importantes eventos de diseño como Habitat Expo y La Lonja Mercantil. LP: Cuéntanos un poco sobre tu estancia en Central Saint Martins. ¿Cuál fue la mejor experiencia? Central Saint Martins fue algo revolucionario para mí. Estar con alumnos de todo el mundo, personas con procesos creativos tan diferentes y con maestros igualmente talentosos fue muy inspirador. Donde se pone más énfasis es en la creatividad de cada quien, en que desarrolles tus ideas profundamente. Al final de cada proyecto nos preguntaban si estábamos contentos con nuestro trabajo; lo importante era lograr tu expresión creativa tal como la visualizabas. Mi mejor experiencia no fue una sola, sino aprender a ahondar en métodos creativos, a atreverme en mis decisiones y saber que todo se vale en el diseño. Claro, que también algo muy valioso fue aprender la serigrafía textil. Me encantaba estar en el taller de estampado trabajando y viendo el trabajo de los compañeros; pasaban los maestros a comentar, ¡había buen rollo!
LP: ¿Podrías platicarnos un poco sobre cómo fue el inicio del proceso para desarrollar Yema Textiles? ¿Qué obstáculos has encontrado en el camino y qué consideras que ha sido un impulso? Quería iniciar mi propio negocio de serigrafía textil con la idea de hacer telas sobre pedido, que el cliente usara su tela para diferentes cosas, desde ropa hasta tapiz para muebles. Busqué todos los materiales que son necesarios para esto; algunos los encontré aquí, otros no existen en México. Así armé un espacio como taller en mi casa y empecé. Dada la falta de opciones en el mercado de accesorios textiles para casa, decidí enfocarme en esto y en hacer productos terminados para vender bajo la marca Yema. Ahora tengo un taller y también hago telas y otros trabajos sobre pedido, a veces con mis diseños y a veces en colaboración con otros diseñadores. Ha habido obstáculos, como mencioné, de materiales; pero todo se resuelve haciendo algunos ajustes. Creo que el mayor obstáculo es lo poco que se valora todavía el diseño y lo hecho a mano en México. Apenas se está abriendo camino y, por lo mismo, es difícil comercializar diseño independiente. Pero justamente esto también es un impulso y una motivación para hacer diseño contemporáneo y original y buscar que el público lo valore. LP: ¿Cómo encuentras la escena de diseño en México en este momento? Creo que se están haciendo cosas muy padres, pero que hay poca difusión y, como ya mencioné, que la comercialización del diseño independiente es difícil. Finalmente el diseño es funcional, sirve para algo y se debería valorar conceptual y económicamente como tal. Desafortunadamente todavía se ve como un lujo o como algo prescindible. Sin embargo, tengo fe en las nuevas generaciones de consumidores que están al tanto de lo que pasa en el mundo y que quieren gozar de objetos o productos bien diseñados.
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LP: ¿Qué opinas sobre el uso de nuevas tecnologías aplicadas al diseño contra el reencuentro con técnicas artesanales? ¡Me emocionan las nuevas tecnologías de diseño tanto como las técnicas artesanales! Creo que cada uno tiene su lugar en el diseño y respeto igualmente un diseño superproducido para impresora digital de telas, por ejemplo, que un teñido tradicional ikat. Lo importante es que esté bien diseñado y bien hecho. Aunque estoy a favor de generar empleos humanos y de lo handmade, también entiendo que ciertas cosas se logran solo con equipos específicos y se vale. LP: ¿Puedes mencionarnos diseñadores favoritos?
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alguno
de
tus
Hay una serie de estampados soviéticos propagandistas de los años veinte y treinta que me encantan por su uso de líneas, movimiento y temas loquísimos que normalmente no se ven en telas. Frank Lloyd Wright también tiene por ahí unos diseños de telas geométricos art déco bellísimos. Y me fascinan los diseños de telas de la famosa alemana, AnnieAlbers, que son sencillos pero muy refinados. En cuestiones de diseño textil para moda, hay una pareja en Londres, EleyKishimoto, que hace estampados divertidos y contundentes. Tuve la oportunidad de trabajar con Jonathan Saunders, un escocés que también tiene estampados fuertes en su marca de ropa.
LP: Tienes algunos objetos predilectos que ayuden a tu creatividad? Las libretas de composición con portada estampada blanco y negro. Me gusta mucho el estampado de la portada, es un clásico; también las pastas duras y el espacio al frente para poner tu nombre o un título para la libreta. Nuevamente sencillo, pero sólido a la vez. Tengo una colección de cajas estampadas que utilizo para guardar diferentes cosas; lo que está padre es que las he conseguido a través de los años en diversos lugares, sin querer formar una colección, y de pronto las veo y todas son estampadas. ¡Siempre me han gustado los estampados!
80 Años del Palacio de Bellas Artes
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La construcción del Palacio de Bellas Artes, transcurrió entre varias épocas por lo que en esta exposición se presentará las variantes en su proyecto arquitectónico, comenzando con el antecedente del antiguo Teatro Nacional, donde Adamo Boari, el creador original del Palacio, también iba a intervenir, modificándolo, antes de que se decidiera hacer el nuevo Teatro Nacional, hasta la intervención del Arquitecto Federico Mariscal, treinta años después, a quien se encargó concluir las obras del edificio, con las adecuaciones propias de la nueva época, convirtiéndolo en el Palacio de Bellas Artes. HORARIOS Y PRECIOS: del 22 de octubre de 2014 al 18 de enero de 2015 De martes a domingo , 09:00 - 18:00 hrs. $26 Entrada general. Acceso gratuito a maestros, estudiantes y tarjetahabientes del INAPAM, niños menores de 13 años y personas con discapacidad. Domingo entrada libre al público en general. LUGAR: Palacio de Bellas Artes - Museo Nacional de Arquitectura
À L’AFFICHE
Presentación de Bernardo Atxaga Uno de los representantes más importantes de la literatura vasca, es el poeta Bernardo Atxaga, quien visita nuestro país, hablará de su propia obra y la literatura contemporánea en esta región de España. HORARIOS Y PRECIOS: 03 de diciembre de 2014 Día miércoles , 19:00 - 20:30 hrs. Entrada libre LUGAR: Palacio de Bellas Artes - Sala Adamo Boari Av. Juárez S/N , Esquina con Eje Central Lázaro Cárdenas
LUGAR: Museo Nacional de Antropología Paseo de la Reforma y Gandhi, Bosque de Chapultepec s/n , Esquina con Gandhi Col. Polanco V Sección C.P. 11560, Deleg. Miguel Hidalgo México, Distrito Federal INFORMES: Ventas y reservaciones (55) 5553 2365 y 5553 3822/ reservacionestci@inah.gob.mx, de lunes a viernes de 9:30 a 18.00 horas
Diego Rivera en los murales del Palacio Nacional y Museo de las Culturas Recordaremos al artista visitando los murales en Palacio Nacional que dan cuenta de la epopeya del pueblo de México, desde la época prehispánica hasta la época moderna. Luego continuaremos la visita en el Museo Nacional de las Culturas, que alberga un acervo de distintas civilizaciones y culturas de todo el mundo. Este edificio fue la antigua Casa de Moneda y, posteriormente, el primer Museo Nacional. Fecha del paseo: 6 de diciembre HORARIOS Y PRECIOS: del 12 de noviembre al 05 de diciembre de 2014 De lunes a viernes , 10:00 - 18:00 hrs. Estos son horarios de reservaciones. El punto y hora de reunión serán indicados al momento de su reservación.
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A través de entrevistas, testimonios e imágenes, se plática cómo y por qué algunos individuos partieron de su ciudad de origen, cómo cruzaron la frontera, cuál fue su primer trabajo y las dificultades que tuvieron que superar para lograr sus metas. HORARIOS Y PRECIOS: del 31 de octubre al 28 de noviembre de 2014 Día viernes , 21:00 - 21:30 hrs. LUGAR: Canal 22 Atletas 2 Col. Country Club
Aujourd’hui Por Gabriela Hernandez
México en línea Cuatro propuestas de moda mexicana online.
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MEXCOUTURE Una propuesta reciente que reúne artículos de una variedad de diseñadores, como Yakampot, Sandra Weil, Alfredo Martínez, Cynthia Buttenklepper, Isaac Rankuroi, entre otros. Su interfaz es amigable con el lector, parecido a sitios extranjeros como Net à Porter o La Garçonne. Fue fundado por Sara Galindo y María José Hernández, e impulsado por ProMéxico.
NAKED BOUTIQUE
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Un concepto que va de la mano con su tienda física, creado por Deya Tarno. Su objetivo: expandir las opciones de compra y venta de diseño en el ámbito nacional e internacional, de manera que tanto los creadores de la disciplina como sus clientes puedan mantener un lazo seguro. En nakedboutique.com puedes encontrar marcas emergentes comoDriguez, Natalie Amkie, Gala Is Love, Paola Hernandez, Julia y Renata. A través de su newsletter puedes enterarte de las novedades en el catálogo.
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SACIONAL
Antes Snob Cultural, la plataforma en línea fundada en 2012 por Mariana Villarreal y Francisco Cordero ha implementado el modelo de bazar. ¿Cómo funciona? Los diseñadores pueden dar a conocer sus productos a través del sitio web. Reúne a firmas emergentes como Endémico, Amor Vegetal, Rosa Corazón y Joyería Urbana
World Wide Limited inició como un blog de moda y evolucionó hacia una plataforma en línea con propuestas de diseño nacional. Carla Valdivia, directora y creativa del concepto, buscó dar un lugar de exposición a los talentos mexicanos —desde los más hasta los menos conocidos a nivel internacional. Algunas de las marcas que se encuentran en el catálogo son Mancandy, Gypsy Sport, PDA y Roberto Sánchez. A estos artículos se suman los diseños de Valdivia firmados bajo el nombre de la tienda: prendas básicas y únicas de ánimo casual.
WWLTD 27
Av. 20 Noviembre 82-209, Centro Histórico, D.F. Horarios de atención. Lunes a Sábado, 10 hrs – 16 hrs.
info@taller-fdp.com
TALLER es un espacio en el Centro Histórico de la Ciudad de México creado para promover el desarrollo de la industria de la moda en México, impartiendo cursos de capacitación para profesionales, interesados y público en general.
- Comunicación de marcas y servicios de moda - Sastrería creativa I - Patronaje innovador básico y avanzado - Ilustración de moda - Prototipos de moda (confección)
La zone noire Por Karen Alvarez
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Toda la vida conviví con el foclore
Toda la vida conviví con el foclore local y“2@”@ textiles
tradicionales y el trabajo comunitario a través de la influencia de mis padres y del lugar donde vivía y eso me marco desde niño.
Me inicie en el mundo de diseño de moda después de estudiar Artes Plásticas y ahí fue donde descubrí que tenía pasión por la elaboración de objetos y empecé a tener una experimentación al realizar patronaje y costura de manera autodidacta. Soy un apasionado del textil tradicional mexicano, me parece que la indumentaria tradicional guarda elementos significativos que hablan sobre los seres humanos y su entorno.
Valoro mucho la honestidad, siento que es el principio de todas las relaciones y a mí en lo personal me ha servido para poder tener un acercamiento más profundo sobre los grupos y cooperativas de mujeres con las que trabajo. Mi posesión más preciada es una colección de diseños de iconografía floral del sur de México, es una colección que me trae muy buenos recuerdos. Tengo dos marcas:
Arroz con leche y
Yakampot.
Arroz con leche nace acerca de 11 años con la idea de ofrecer moda para niños de calidad y también con la idea de ayudar a promover el rescate y conservar las técnicas tradicionales de la artesanía textil.
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Yakampot se creó porque su marca hermana (Arroz con leche) cumple 10 años y sentíamos que esta empresa necesitaba nuevos retos, necesitaba crecer. El trabajo que hacemos en Yakampot está inspirado en México, en la artesanía textil y en las mujeres que colaboran para hacer este proyecto. El hecho de que la tela se haga a mano me permite ir incorporando materiales que no había usado pero el elemento que es constante en mis colecciones sobre la silueta, tiene que ver con que siempre existe una influencia mexicana en los temas que selecciono y al final siempre hay una coyuntura en la que se está mostrando elementos de la indumentaria tradicional en México con la fusión contemporánea del ready to wear que yo quiero lanzar.
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Yakampot ha servido para reivindicar social y culturalmente algunos elementos del prejuicio de la moda mexicana en los mexicanos pero ha servido como punto de lanza para que se volteen las cosas que están hechas en México pero también las que están hechas en la sierra de Oaxaca, en la sierra de Chiapas, Hidalgo o cualquier otra comunidad y ha servido para irle encontrando un regusto y un sabor importante a este tipo de detalles del handmade. Estoy convencido de que existen muchos diseñadores talentosos en México. Hace falta pensar en la moda como un negocio creativo, me parece que de nada sirve el talento si no existe un plan de negocios, una inversión, un cliente meta. Producimos moda que nadie consume porque primero creamos y después analizamos la viabilidad del negocio y evidentemente así no funciona.
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La nueva colección parte del trastorno de la belleza y del duelo que ésta genera. Desde los tiempos de Freud la humanidad ha pasado por muchas primaveras rodeadas de invierno. Todos los cambios y avances del siglo xx son presagios de la calidez, pero la gran primavera no ha regresado. 36
Con esta idea llevo a una hipotética de Freud por todo el siglo que nos precede, por sus contrastes y duelos. Por esta razón se puede decir que la primavera de esta colección está tocada de invierno. Los colores son oscuros y las prendas tienen rasgos invernales.
Se rescatan siluetas y detalles propios de la Europa de principios del siglo pasado, teniendo siempre en cuenta a la mujer contemporánea y las particularidades de la vida en las grandes ciudades de la actualidad. Uno de los grandes cambios del siglo xx se relaciona con la difuminación del ideal femenino, lo que expresa de manera muy clara en la vestimenta, por lo que retomé elementos y siluetas del guardarropa masculino de la época y las incluí en la imagen de la mujer.
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Recientemente resulté ganador del concurso “Who’s on next”, organizado por Vogue México, la cual es una iniciativa convocada por la revista, que busca apoyar a un nuevo talento local de diseño de modas.
Yakampot significa lugar donde nace el agua en la lengua tzotzil. Desde su creación en 2011 la marca ha sobresalido por su inspiración y reinterpretación de la indumentaria indígena mexicana.
Junto conmigo, concursaron en la final Alexia Ulibarri y Vanessa Guckel, de la firma Cihuah. Personas increíblemente talentosas.
En Yakampot puedes reconocer a México y eso es un factor diferenciador.
Me inspiré en la indumentaria indígena y los procesos artesanales con que desarrolla sus creaciones.
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Ser un diseñador es una mezcla de muchas cosas, pero sobre todo (tener) una idea original, una voz original, algo que quizás no ves en el mercado y que representa bien a México.
El jurado fue compuesto por expertos internacionales que incluyó a diseñadores como el israelí Yigal Azrouël, el hindú Naeem Khan y el español Josep Font. Crecí toda mi vida rodeado de este contexto, deriva de ahí… Es un trabajo que realizo con muchísimo respeto, han sido mucho años de experimentación y trabajo comunitario para aprender y entender el lenguaje que desarrollo con los artesanos, pero se busca algo que no sea literal, busco llevar estos ejercicios creativos a la contemporaneidad y a la ropa que se puede vender y usar, que puede hablar de México en otras partes del mundo
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D.F. Guanajuato Le贸n Morelia Guadalajara
¿Qué hay de nuevo en el diseño?
1D.I.Y.
Por Benjamín Alvarez
El DiY (Do it Yourself) o Hazlo tú Mismo es un término que puede referirse a una amplia gama de prácticas que van desde renovaciones de espacios hasta pequeños proyectos científicos. Sus principales características son la utilización del empirismo para adquirir conocimiento, la apropiación de técnicas de producción, y la dinámica prueba-error como estrategia creativa.
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Pero su importancia va más allá de crear o innovar productos y espacios de uso cotidiano. En muchos casos es una revolución social y económica que permite a sus creadores volverse dueños de los medios de producción, y con ello construir una realidad extraordinaria. El origen aceptado de las prácticas del DiY sugiere que inició en la Inglaterra punk de los años setenta como un movimiento necesario para la exploración creativa lejos de la censura, en el que se puso en segundo plano la “calidad” de producción para priorizar los contenidos. Para los exponentes o hacedores transmitir y reproducir el mensaje era indispensable. Actualmente esta práctica se ha diversificado en términos que engloban la exploración, la autoconstrucción y la autoproducción. .Y!
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¡Conoce id
AQUÍ
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Como si se tratara de una expresión social del DiY, este movimiento fue un impulso para perderle el respeto a la tecnología y de esta manera intervenirla, modificarla y adaptarla. En México estos artefactos auto-fabricados están en todas partes. Un carro de supermercado es utilizado como un local ambulante para vender elotes en la calle, como bici-máquinas o como instrumento musical de la banda callejera tapatía Reciclation. Pero los hay más sofisticados. Otra de las consecuencias culturales del DiY punk de los setenta son los «hacedores» o «makers», enfocados en los medios electrónicos o la robótica básica. Sus objetivos parten de enfoques constructivistas del aprendizaje y la producción, pero su mayor fortaleza es la replicabilidad: fomentar la cultura de la experimentación para transmitir el saber hacer. En uno de los libros más relevantes del tema, Makers, the New Industrial Revolution(2012), Chris Anderson explica la posibilidad de realizar ideas con un mínimo de recursos, además de difundirlas, fondearlas y promocionarlas. Miles de ideas se han gestado de esta manera en un campo de cultivo de crecimiento acelerado. Manejar herramientas de construcción electrónica-digital y de comunicación masiva ha permitido democratizar los medios de producción. También constituye un giro que cada vez cobra más importancia. Las dinámicas del Hágalo Usted Mismo pueden convertirse en ejemplos de empirismo para trascender su estatus de entretenimiento y, así, consolidarse como soluciones alternativas.
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DISEÑO 3D
Por supuesto, la intención de Cody Wilson fue demostrar la inutilidad de las normas legislativas respecto del control de armas. También dirigió la atención sobre los graves riesgos que representa permitir el desarrollo no controlado de una tecnología tan poderosa como la impresión de 3D. Ahí la controversia.
El futuro del diseño 3D aún es incierto, pero su uso vislumbra escenarios fascinantes que mejorarán los ámbitos de la ciencia, la medicina o la vida cotidiana. No obstante, también posee una cara antagónica. La tensión generada entre estos dos polos ha desatado una polémica más allá de los límites de la disciplina.
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En los meses recientes los medios de comunicación especializados en diseño han celebrado con un ánimo típicamente acrítico la aparición de impresoras 3D, que permiten a los usuarios materializar sus propios diseños o utilizar plantillas de objetos ideados por diseñadores reconocidos. Algunos de los productos originados a través de este proceso son órganos humanos, alimentos, ropa e incluso, materiales para fabricar edificios. No obstante, en 2013 el estudiante de la Universidad de Texas, Cody Wilson, creó una pistola a partir de este proceso. Cuando se dieron a conocer los primeros logros de la impresión en 3D, los medios de comunicación celebraron la nueva tecnología. Sin embargo, con la aparición de la pistola creada por Cody Wilson mostraron animadversión, ¿por qué crees que haya existido esta reacción?, como si no supieran de antemano que cualquier tecnología se ha utilizado lo mismo con fines benévolos que bélicos.
Desde que se dieron a conocer las primeras impresoras 3D no se dejan de anunciar objetos creados a través de este tecnología: órganos humanos, pero también tenis, ropa o edificios, ¿crees que estará al alcance de cualquier persona crear objetos a través de sus propios diseños?, y en todo caso, ¿qué implicaciones tendría no sólo en el diseño sino en los modos de producción o el comercio? Vivimos en una época donde los avances en la tecnología digital están transformando nuestra vida cotidiana a una velocidad sin precedentes y a una escala hasta ahora inimaginable. Aunque mucha gente aún encuentra este proceso aterrador, existen personas que están tan acostumbradas a la vertiginosa velocidad de los cambios que cada vez se sienten más cómodos e incluso más entusiasmados con este fenómeno.
La reacción inicial frente al desarrollo de la impresión en 3D fue extremadamente optimista, especialmente en los círculos del diseño, pero la controversia alrededor de la pistola en 3D de Cody Wilson agregó a la escena una oportuna y necesaria señal de precaución. ¿Crees que haya objetos que se puedan imprimir sólo en 3D? En principio, la impresión en 3D puede crear solamente cualquier tipo de objeto sólido. Y, por supuesto, es probable que, a medida que la tecnología evolucione, los diseñadores aprovechen la oportunidad de desarrollar diferentes clases de objetos completamente nuevos, así como ha sucedido con la aparición de nuevas tecnologías a través de la historia. Será fascinante ver qué sucede.
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DISEÑO COLABORATIVO El diseño colaborativo pretende establecer una relación entre diseñadores y comunidades incentivando la participación. No obstante, esto puede ser una especie de paradoja: en su esencia, el diseño es una actividad en la que el diseñador desarrolla normalmente la etapa creativa en solitario, recogiendo, analizando y clasificando información, planteando límites al proyecto, generando conceptos, alternativas, propuestas, etc… para finalmente construir los parámetros generadores de un proyecto o un producto. 50
Pero lo curioso, es que en la realización de todo lo anterior, su actividad no la puede desarrollar en solitario, ya que toda la información recogida y seleccionada debe ser validada con otros quienes de forma básica y en el fondo, ayudan a construir un proyecto. Visto de forma global, y evidenciando el modo cómo se replica la actividad “operativa” del diseñador en los entornos productivos, debemos entender que el diseñador no puede ni debe trabajar en solitario; entonces, tomando esto como punto de partida, se plantea un escenario opuesto: el diseño colaborativo.
En esencia y en la práctica, el diseño colaborativo es un proceso de generación de ideas, dentro de una estructura organizativa, en la que dos o más unidades de negocio, no individuos, trabajan juntas, en el cumplimiento de metas comunes. Internamente, dos o más departamentos dentro de una sola empresa, aunque en ciertas circunstancias también son externas, como en el caso de proveedores de bienes o de servicios, trabajarán en estrecha colaboración y coordinación, durante un proceso de desarrollo del producto. Externamente, las empresas establecen relaciones con otras empresas en la construcción de una cadena de suministro y de valor para trabajar colaborativamente, hacia un objetivo común.
4 DISEÑO DIGITAL
La clave del diseño está en la matriz de una pieza, que posteriormente puede ser personalizada. Es una forma completamente distinta de pensar la disciplina impacto en la vida cotidiana. Hace 10 años la impresión en 3D y la producción digital se encontraban en un estado sofisticado: no eran tecnologías accesibles para un sector amplio. Lo que se imprimía en 3D era extremadamente caro. La gente pueda comprar su propia impresora, la Makerbot, por ejemplo, es un acontecimiento más lúdico de lo que solía ser. Por otro lado, es una regresión útil porque un mayor número de personas comprende y usa la producción digital. . En el MoMA seleccionamos este tipo de impresiones desde 2005. En ese entonces cualquier objeto impreso por MGX by Materialise o One Shot, de Patrick Jouin, era caro porque no existían aplicaciones de diseño digital de alto rendimiento. Actualmente hay una gran variedad de aplicaciones interdisciplinarias y procesos postindustriales, así como usuarios que se involucran en los métodos de impresión, un ejercicio un poco infantil, como solía ser.
Hay un paralelismo entre la producción digital y los inicios de la autoedición y el diseño de escritorio. A mediados de la década de los ochenta o principios de la de los noventa habían ejemplos terribles de diseño web, pero eran pruebas necesarias porque reencontraban en un proceso de maduración. En estos momentos el diseño digital está atravesando por un estado similar en la opinión pública. La gente tiene cada vez más acceso a estas tecnologías. El resultado: objetos un tanto graciosos. No obstante, es un buen síntoma que la fabricación digital esté madurando, se está convirtiendo en un método de producción sofisticado dentro del espectro de los procesos postindustriales.
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La cultura creadora está creciendo y dentro de ella se pueden mencionar expresiones como el diseño Hágalo Usted Mismo, la impresión digital o los diseños hechos a mano. Es interesante que la gente se sienta más cómoda diseñando y creando. También hay un desarrollo importante en la distribución de los medios de producción en regiones del mundo donde no solía haberla. Desde hace algunos años las Fab Labs [Laboratorios de fabricación] ayudan a las comunidades que carecen de planes industriales. Son un leapfrogging. Aunque este término es utilizado normalmente para las telecomunicaciones, en este contexto significa saltar por encima de los límites. Por ejemplo: algunas regiones de África no cuentan con líneas telefónicas porque carecen de los cables necesarios. Así, la única opción es la tecnología satelital de comunicación inalámbrica, un recurso accesible. A través de este proceso las comunidades usan la última tecnología para dar un salto al presente. 52
Actualmente ya no existen tantas diferencias entre las tareas y los roles de un diseñador. A través de la impresión en 3D se puede crear una silla en cualquier momento, con el diseño y color que se desee. La clave del diseño está en la matriz de una pieza, que posteriormente puede ser personalizada.Existen diseñadores que hacen objetos, pero otros observan el mundo como si fuera una familia de objetos conformados por un mismo ADN que, además, pueden adquirir diferentes formas: un tenedor, una cuchara, un cuchillo… El espectador tendrá mayor interés, participación y compromiso. Si la técnica es buena el usuario puede obtener más precisión al momento de adaptar una pieza. Las desventajas tienen que ver con las molestias que esto último pueda causar. Un ejemplo simple: los seguros para el retiro son complicados. En algunas ocasiones un administrador puede hacer todo el trámite, pero en otras uno tiene que hacerlo por sí mismo. Invertir en un seguro para el retiro es algo que francamente yo no sé hacer, prefiero que alguien preparado para ello se encargue. En el diseño es similar. Quizás alguien desee personalizar su propia silla, o tal vez piense: “¿Quiero un diseñador que haga esto por mí?, ¿por qué tendría que hacerlo yo?”. Es gracioso, pero es probable que la desventaja sea que hay gente que no está interesada en personalizar los objetos. Si la impresión 3D, la producción digital o los prototipos rápidos tienen un mayor alcance, pueden ser geniales para unos y molestos para otros, como sucede con todo.
Desde hace más de tres décadas la producción digital —videojuegos, imágenes por computadora, realidad virtual… ha transformado nuestra relación con el mundo. Actualmente señala un cambio de paradigma en el vínculo entre diseñadores y usuarios. “En el diseño de nuestros sistemas de producción se hacen visibles los valores y las normas de nuestra sociedad”. Jan Boelen Conceptualizar un objeto y materializarlo implica una conciencia del presente de esa pieza en el mundo. Por otro lado, es importante pensar en el código abierto y el altruismo generados. La fabricación digital ha rebasado la noción de propiedad intelectual que teníamos en el pasado. Los Creative Commons y en general los movimientos que han establecido nuevas dinámicas de intercambio son posibles gracias al mundo digital, tanto en la fabricación como en el diseño de interfaces. Sin embargo, como sucede con otros fenómenos, hay efectos contrarios. Recientemente dimos a conocer en el MOMA una página de Internet sobre diseño y violencia. La exposición promueve debates en torno a la idea que las sociedades tienen de la violencia a través de objetos de diseño. Uno de ellos abordó la pistola impresa en 3D por Cody Wilson.
La intención era cuestionar los alcances del código abierto: ¿existen límites?, ¿es correcto difundir planos de bombas o pistolas? Las personas dedicadas al diseño y piensan en él como una disciplina dedicada para el bien común. Pero muchas veces el diseño se convierte en algo malo. Se dice que las personas son las que provocan daño a otras personas, pero si alguien hace posible o facilita ciertas condiciones, entonces también es responsable. Aunque las personas no son armas ni objetos, sus prácticas son inevitablemente sugestivas.
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DISEÑO SUSTENTABLE
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La palabra sustentable describe una conducta bienintencionada de los diseñadores contemporáneos. Pero ¿a qué nos referimos cuando hablamos de él? Y, mejor aún: ¿qué caminos debemos tomar para hacer de esta disciplina un medio efectivo para resolver las problemáticas de las sociedades actuales? Se entiende al diseño sustentable como un concepto relacionado con el ambiente, pero también con la economía y lo social, analizando la producción Industrial. La sustentabilidad como una forma de diseño y producción es una cuenta pendiente en muchas industrias latinoamericanas que se esfuerzan por superar el reciclaje o el rehúso de materiales, pensados para ser durables y ahorrar recursos (energía y agua). El diseño sustentable tiene mucho por recorrer en el siglo XXI: debe repensar casi todo lo que produjo la cultura material en los últimos 225 años con la inercia propia de la Revolución Industrial para replantearlo bajo las nuevas coordenadas. Es necesario refrescar información: el 80% del impacto ambiental de los productos, servicios e infraestructuras que nos rodean se definen en su etapa de diseño (Annual Review 2002 del Design Council). Así, las decisiones que toman los diseñadores dan forma a los procesos ocultos tras los productos que usamos, los materiales y la energía que se requieren para fabricarlos, la manera en que operamos con ellos en nuestra vida cotidiana, y lo que les ocurre una vez que ya no los necesitamos.
Quizá no era nuestra intención, quizá lamentamos, pero lo cierto es que nosotros mismos hemos diseñado el camino hacia los problemas que hoy en día debemos enfrentar, señala el filósofo inglés John Thackara. En este camino la gente debería comprometerse en sus hábitos cotidianos a través del consumo responsable. Entre los deshechos no orgánicos hay un elemento de consumo global ultra masivo que nadie cree que pueda ser una fuente poderosa de rehúso: Sí, la goma de mascar. En Gran Bretaña el diseñador David Wesson fue uno de los precursores de esta idea con grummybin, un display que se instala en la vía pública para que los usuarios tires sus chicles que luego son tratados con un proceso de criogenización para hacer alfombras de goma de caucho de alta densidad, las mismas que se usan en los laterales de las canchas de futbol. Echando mano de uno de esos ejemplos que suelen esconderse detrás de los tabúes también se puede mencionar el famoso moon cup (1930), un tampón ecológico de látex que además de ahorrar millones de toallas íntimas diarias, es más higiénico.
En América Latina el diseño puede potenciar a los artesanos a través de una estructura que les permita maximizar su rédito, ligado al uso de materiales y técnicas nativas. El caso de la ONG Artesol, en Brasil, es emblemático. Muchos diseñadores, latinoamericanos o internacionales, pertenecen a este grupo: han desarrollado productos eficaces de manera independiente o han apostado a objetivos masivos e industriales trabajando para empresas, como la cosmética Natura, de Brasil. El cono sur merece una mención. Ha invertido significativamente en recursos y campañas para la concientización del uso de refills en lugar de costosos packagings a partir de productos de plantas propias de la región.
Premios como el Red Dot, que promueven el diseñó comprometido con su tiempo y su lugar (la boquilla LifeStraw para purificar el agua en África es más que emblemática), o el Design for the Other 90%, que se expuso en el museo Cooper Hearwitt de Nueva York, hacen que redirijamos la mirada hacia las necesidades de la época que no pertenecen al vertiginoso ritmo que dicta el mercado sino a las consecuencias de esa velocidad/inercia.
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VALENTINO RESORT 2015
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RUN WAY CHLOÉ SPRING SUMMER 2015
MARCHESA SPRING SUMMER 2015
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ISABEL MARANT SPRING SUMMER 2015
Paso 1 Aplica vaselina en la suela para evitar que esta se pinte. Paso 2 Sigue el procedimiento que se especifique en el empaque del colorante y coloca el líquido en un recipiente de plástico lo suficientemente grande para poder meter la punta de tus tenis. Paso 3 Sumerge únicamente la punta de tus tenis en el colorante. 58
Paso 4 A continuación, y con la ayuda de un trapo o esponja, distribuye el colorante hacia la parte trasera de tus tenis para crear el degradado. Paso 4. Deja secar una noche.
LE
PROJECT
En esta época de hazlo tu mismo, lo mejor es poder reciclar tu propia ropa, creando moda de ropa vieja. ¿Te atreves? ¿Cuál te gusta más? Paso 1. Marca la altura donde vas a colocar el cierre y corta. Paso 2. Vuelve a unir ambas piezas, pero esta vez colocando el cierre en medio de ellas.
¿Tienes prendas en tu armario que no han visto la luz solar desde hace años?¿no sabes qué hacer con las camisas que tienes amontonadas hasta el fondo del closet? No te preocupes nosotros te damos una solución creativa para estas prendas. Lo primero que tienes que hacer es darle la vuelta, ¡sí!, la espalda de la camisa será nuestro delantero. Ajusta de manera que te quedé cómoda y con ayuda de una pluma o plumón lavable marca en dónde quieres que quede el escote y los hombros. Con mucho cuidado corta el escote y las mangas, ten en cuenta que debes dejar un tramo largo de la manga, de preferencia conserva la parte más cercana al torso. Luego con un bies del color de la camisa cóselo al derecho de la prenda y luego por el revés de manera que quede oculto. Por último atrévete a experimentar y darle un nuevo uso a todo aquello que se quedó olvidado.
¿Tienes alguna idea? mándanos tu sugerencia a: leproject@lapochade.com.mx
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LA RECET TE Ingredientes 100 ml de mantequilla a temperatura ambiente 200 g de azúcar morena 3 huevos 180 g de harina 40 g de cocoa 1 cucharadita de polvo para hornear 120 ml de leche entera 1 cucharadita extracto de vainilla 1⁄2 taza de cajeta quemada Para adornar 1 taza de crema para batir 1/3 de taza de cajeta quemada
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Preparación 1. Precalienta el horno a 180oC. Engrasa y enharina los moldes para cupcake. 2. Mezcla los ingredientes secos. Acrema la mantequilla con el azúcar. Añade los huevos uno por uno. 3. Incorpora la leche con la cocoa y el extracto de vainilla. Integra a la mezcla alternando con los ingredientes secos. 4. Vierte la preparación en los moldes. Añade 1⁄2 cucharadita de cajeta, revuelve un poco con un palillo. 5. Hornea por 20 minutos o hasta que al insertar un palillo, salga limpio.
Ingredientes 1 base para pizza 2 jitomates guaje en rebanadas delgadas 1 taza de hojas de albahaca 150 g de queso mozzarella en rebanadas 1 cebolla picada 3 dientes de ajo picados 1 cucharada de tomillo picado 300 ml de puré de jitomate 1 cucharada de pimentón ahumado 2 cucharadas de aceite de oliva
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Preparación 1. En una olla grande fríe la cebolla con el ajo y el tomillo. Cuando dore, agrega el puré de jitomate. Salpimienta y cocina por 25 minutos, mueve continuamente. 2. Salsea las bases y coloca las rebanadas de jitomate con las de queso mozzarella intercaladas. Coloca hojas de albahaca y hornea por 20 minutos o hasta que la masa esté cocida.
T I T E P P A N O LE B ¿A DÒNDE IR? 4 A primer vistazo, su muy bien cuidada decoración no hace obvio el hecho de que se trata de un bistro mexicano.
La Terraza 62
A espaldas de la Catedral Metropolitana, este lugar conocido simplemente como “la terraza del España”, es un espacio en el que las constantes son la vanguardia gastronómica y las propuestas musicales. Más allá de ser el restaurante o cafetería de un museo, esta terraza sigue la línea y se vuelve una extensión del centro cultural dando a conocer propuestas emergentes tanto nacionales como internacionales que sacan a relucir sus mejores notas musicales en los miércoles de jazz, los jueves de rock y los viernes y sábados de DJs. El techo y pared de cristal ponen en evidencia las ruinas del Templo Mayor, mientras que enfrente, la arquitectura novohispana de la catedral contrasta con este lado rebelde. En el interior, la decoración es minimalista con mesas de madera y aluminio que se alumbran con velitas en las mesas y luces que van dirigidas hacia el escenario. El plan consiste venir a escuchar música en vivo mientras tomas una cerveza, una copa de vino o degustas platillos exóticos de la cocina española y alguna de las recomendaciones del cheff como los pimientos del piquillo, calamares a la andaluza o paella negra.
Un segundo paseo con la vista por el lugar y por la carta deja claro que aquí la propuesta es una interpretación contemporánea de lo mexicano, aunque también es posible encontrar un camembert frito en salsa de frutos rojos, ensalada capresse o salmón a la parrilla. Pero a lo que nos truje: el antojo botanero recibirá bien unas chalupas de plátano macho (servidas con tinga de res) o unas picaditas de jaiba. Después, compartir una cazuela de cochinita pibil en domo de maíz (acompañada con frijoles y salsa casera) o concentrarse en una cecina de res al carbón con mixiote de nopales saciará casi cualquier hambre.
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Nueve Nueve
Bukhara El lugar se llama como la capital de Uzbekistán, los propietarios y chefs vienen de India y desde algunas mesas hay una vista privilegiada hacia la Plaza de la Constitución. Además de este panorama ecléctico el inesperado restaurante de comida india en el mezzanine del Portal de Mercaderes –la entrada está a un lado de la sombrerería Tardan– ofrece un ambiente verdaderamente genuino, y esto a veces significa pringoso o torpemente atendido, pero también pagable. No hay que esperar un restaurante de lujo, pero sí una experiencia de lujo.
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Rosetta Toda esa casona afrancesada, de techos altos e interior en tonos pastel, despide aroma a mantequilla: son el pan y las pastas. Podrás sentarte en el patio, de paredes blancas y discretos motivos florales. Los muebles vintage por momentos y con detalles modernos, crean un aire bucólico. La carta está compuesta por cocina tradicional italiana, aquí nada de clichés. Los platillos son sencillos y hacen uso de ingredientes –sobre todo marinos– son justo como los que cocinaría una abuela italiana. El menú cambia frecuentemente para ajustarse al clima y a los ingredientes estacionales. Sin embargo, te recomendamos, de entrada, la burrata, y para plato fuerte, los risottos o el short rib, que puedes acompañar con la amplia variedad de vinos tintos, blancos, rosados y espumosos que el restaurante ofrece.