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MUSEO SOUMAYA ............PAG 3 CENTRO COMERCIAL “EL TOREO”.... PAG. 10 MUSIC HALL ........ PAG 14 PAG 3
TORRE ALTUS....... PAG 18 ISLA DE AGUA ...... PAG 20 MUSEO DE CHOCOLATE ..... PAG 22 EMBAJADA DE MÉXICO EN BERLÍN ...... PAG 27
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LABORATORIOS NÉSTLE .... PAG 31 LIVERPOOL INTERLOMAS...... PAG 40 CONJUNTO CALAKULM : “La Lavadora”...... PAG 45 PASEO NÉSCAFE ...PAG 47 MUSEO DEL ACERO.... 57 ANISH KAPOOR ......... PAG 63
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l Museo Soumaya Plaza Carso se encuentra ubicado en Nuevo Polanco(antes Ampliación Granada). Fue inaugurado el 29 de marzo del 2011 por el entonces presidente Felipe Calderón Hinojosa, con la asistencia del escritor colombiano Gabriel García Márquez y de muchos otros personajes.
El edificio tiene un diseño que consiste en una estructura asimétrica plateada de formas suaves, con reminiscencias a la obra escultórica de Rodin. Tiene una altura de 46 metros y está recubierto por más de 16.000 placas de aluminio hexagonales, sin más aberturas visibles que la puerta de entrada.
Es llamativo el hecho de que los paneles no se apoyan en el suelo ni se tocan entre sí, por lo que dan la impresión de flotar alrededor del edificio. La cubierta es semitransparente y permite que la planta superior se ilumine directamente por la luz del sol. Fue diseñado por el arquitecto mexicano Fernando Romero, con la asesoría de Ove Arup y Frank Gehry.
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El Museo Soumaya Plaza Carso
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l Museo Soumaya Plaza Carso se encuentra ubicado en Nuevo Polanco(antes Ampliación Granada). Fue inaugurado el 29 de marzo del 2011 por el entonces presidente Felipe Calderón Hinojosa, con la asistencia del escritor colombiano Gabriel García Márquez y de muchos otros personajes. El edificio tiene un diseño que consiste en una estructura asimétrica plateada de formas suaves, con reminiscencias a la obra escultórica de Rodin. Tiene una altura de 46 metros y está recubierto por más de 16.000 placas de aluminio hexagonales, sin más aberturas visibles que la puerta de entrada. Es llamativo el hecho de que los paneles no se apoyan en el suelo ni se tocan entre sí, por lo que dan la impresión de flotar alrededor del edificio. La cubierta es semitransparente y permite que la planta superior se ilumine directamente por la luz del sol. Fue diseñado por el arquitecto mexicano Fernando Romero, con la asesoría de Ove Arup y Frank Gehry.
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La obra tuvo un costo aproximado de 4 millones de euros. El estilo del edificio ha sido comparado con el Edificio Selfridges en Birmingham, y con el del Museo Guggenheim Bilbao. El interior del museo está dividido en 6 plantas conectadas entre sí mediante ascensores y una rampa exterior en espiral. Generalmente, se invita a los visitantes a subir en el ascensor y descender cómodamente por la rampa, ya que el museo no tienen un discurso cronológico, sino temático.
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El repertorio del Museo Soumaya es extenso y abarca piezas europeas y americanas de 30 siglos de arte. La conformación de la colección del Museo Soumaya es heterogénea y proviene de distintas adquisiciones ya fueran una a una o en colecciones. El antecedente directo del inicio de la colección del museo es la adquisición por parte de Carlos Slim del 60 por ciento de las acciones de la Imprenta Galas de México en Parte de dicha transacción implicó la compra de un estimado de mil 500 obras originales, provenientes de cromos publicitarios reproducidos por Galas de México y ejecutados por diversos artistas mexicanos, entre los que se contaron Jorge González Camarena y Jesús de la Helguera, que fijaron en el imaginario colectivo sus creaciones. En 1986 Slim formaliza su interés en formar una colección artística con miras a exhibirla en un museo y adquiere la colección de arte novohispano de Gonzálo Obregón. Dicho compendio incluía, además de pinturas de grandes maestros novohispanos como Juan Correa, Cristóbal de Villalpando o Miguel Cabrera. Marfiles, estofados, miniaturas y platería de esa época. En ese mismo año conformó la asociación civil: Fundación Carlos Slim. En 1989 la fundación adquirió el fondo numismático de Ligio Lagos, que abarca monedas novohispanas y mexicanas desde 1732, siendo una de las principales colecciones sobre monedas mexicanas. También en esa época la asociación compró el fondo relacionado a México de la Compañía Estadounidense de Billetes. A partir de ello, la colección de Museo Soumaya creció haciendo adquisiciones, algunas en casas como Christie's y Sotheby's, o la mexicana López Morton con el fin, según Slim, de recuperar obras de orígen mexicano y traerlas de vuelta al país, además de exponerlas al público en México, así como procurar su investigación y restauración. 8 ARCH
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Centro comercial
“EL TOREO” E
l centro comercial “El toreo” con sus cinco niveles será uno de los mas espectaculares y completos del país. Con un esquema claro y eficiente apartir de la forma triangular del medio se crea un interesante espacio de anchos pasillos ligados por puentes, todo ello techado de una espectacular cubierta que permite ver el cielo y tener una ventilación natural. Además en el segundo nivel se ubicará un parque de 6,000 metros cuadrados con árboles naturales. Está plaza cuenta con un conjunto de oficinas y un hotel. Las oficinas se conforma por tres torres alineadas. Estas torres tienen diferentes alturas descendiendo de norte a sur. La torre 1 cuenta con 29 niveles, la torre 2 con 18 y la torre 3 tiene 14 niveles. El Hotel es una torre de 18 niveles que alberga 140 habitaciones y en varios de sus niveles se conecta al centro comercial.
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HISTORIA
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l Toreo de cuatro caminos
fue una edificación que existióen los límites de la Ciudad de México (Distrito Federal) y el municipio de Naucalpan de Juárez, Estado de México. Fue inagurado el 23 de noviembre de 1947 por Lorenzo Garza, Luis Castro “El soldado” y Jorge Medina con toros de San Mateo y funcionó hasta 1968, sin embargo, nunca fue terminado en su totalidad. Para 1968, le fue añadido un domo de hierro y láminas de acero que finalmente se adaptó como auditorio para la realización de multiples eventos.
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Music Hall y Centro de Deportes
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a arquitecta mexicana Tatiana
Bilbao ha diseñado un music hall y centro de deportes en Irapuato, Mexico. El edificio es una construcción circular de 5 niveles que albergará una gran variedad de eventos, como conciertos de música internacional, peleas de boxeo, shows tradicionales mexicanos y otros. Esta arena está equipada con alta tecnología en acústica e iluminación para que incluso la gente sentada hasta el final del lugar (a 23 mts. del escenario) pueda disfrutar de su show favorito. La forma exterior, tan característica, incluye bares, restaurantes y terrazas que dan nueva vida al edificio durante el día, incluso si el interior no está siendo usado
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o impresionante de esta
obra, es la manera en que esta se encuentra construida, por dentro es un auditorio redondo que va decsendiendo, como en forma de embudo, gracias a esta forma el sonido se puede escuchar hasta en la ultima fila. Por fuera hicieron una construccion en forma de espiral, esto para poder acceder a los diferentes niveles del music hall, sus resataurantes y bares.
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Torre Altus
Ubicada en Bosques de las Lomas, Paseo de los Laureles. Cada departamento cuesta entre 2 y 4 millones de dólares. Es uno de los edificios más altos de América Latina y la torre residencial más alta de la Ciudad de México. Ha soportado 2 temblores desde que se inauguró en 1998. Es para uso residencial cuenta con 42 pisos y mide 195 metros. Tiene 41 departamentos y un Pent House, además de contar con comodidades como alberca techada, jacuzzi, gimnasio, spa y helipuerto. El diseño arquitectónico es postmodernista. Los arquitetcos son Augusto H. Álvarez José Adolfo Wiechers. La empresa desarrolladora fue BCBA Impulse y la constructora CAABSA, se invirtieron 73 millones de pesos en el desarrollo. La fachada Este es de color azul y la Oeste es de color amarillo, se encuentra a 2512 metros sobre el nivel del mar y su ubicación radica en la zona de gran plusvalía de la Ciudad.
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En Isla de Agua tiene la oportunidad de vivir en un proyecto único, considerando la ventaja de tener resueltas todas sus necesidades, para así poder gozar de una plena convivencia familiar, donde se complementan de forma armónica la calidad, confort y seguridad. Es un exclusivo conjunto residencial con 50,000 m2 de construcción desarrollados en 5 torres cómodamente distribuidas con 60 departamentos cada una. Las primeras 3 torres cuentan con 2 sótanos de estacionamiento y las 2 restantes con 5.
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Museo de Chocolate. Situado sobre la lateral de la autopista en la entrada de Toluca, en el extremo de una anodina instalación industrial que con sus trescientos metros de largo pasaba desapercibida, el nuevo objeto aparece con la espectacularidad de una vitrina. A medio camino entre La serpiente de Mathias Goeritz y El grito de Munch, este origami zigzagueante se levanta del nivel del jardín y se convierte en la entrada a un mundo mágico, al recorrido por la fábrica de chocolate que poco tiene que envidiar de la de Tim Burton. Los seiscientos metros cuadrados de la nueva construcción elevada sobre el jardín, albergan un área de recepción; un teatro que prepara a los jóvenes visitantes para el viaje al mundo del chocolate; el pasaje hacia el túnel existente que circula sobre las áreas de producción en el interior de la fábrica; y la tienda de chocolates y gadgets afines, al final de recorrido una escalera posterior engulle a los grupos de escolares por un prisma atrompetado y facetado. Los triángulos del caleidoscopio desplegado se maquillan de diferentes blancos para acentuar las diferencias de planos.
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Los triángulos del caleidoscopio desplegado se maquillan de diferentes blancos para acentuar las diferencias de planos. El vestíbulo se abre sobre el paisaje de una periferia anodina de cables de alta tensión, espectaculares y autopista para dar cabida a los grupos, entre el mostrador de atención y los sofás en forma de tabletas de chocolate. El teatro de este pequeño EPCOT encierra a los visitantes unos minutos para introducirlos virtualmente al líquido mundo de los dulces. De ahí inicia el recorrido por pasillos, túneles y miradores sobre las salas de la fábrica. Antes de salir, una tienda invita a perpetuar el momento con objetos para llevar y tronos que convierten en príncipes por un instante. Este juguete a escala urbana invita a un recorrido emocional y da rienda suelta a la exuberante creatividad de Michel Rojkind. El rojo por fuera y blanco por dentro, este museo irrumpe como ícono único en la periferia toluqueña.
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Arquitectos: Teodoro González de León
Cliente:Gobierno de México
Francisco Serrano Cacho Colaboradores: José Arce, Oscar Rodríguez, ASSMANN BERATEN
Localización: Berlín, Alemania
Fecha realización: 2000 – 2000 Metros cuadrados del terreno 2,317 Metros cuadrados del proyecto: 3,300
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Con motivo del cambio de gobierno y el Parlamento Alemán a la ciudad de Berlín, la mayoría de las embajadas extranjeras acreditadas en Bonn, han tenido que trasladarse en los últimos años a dicha ciudad. México no fue la excepción y por tal motivo la Secretaría de Relaciones Exteriores convocó a un concurso para diseñar la nueva sede. El proyecto de la Embajada de México en Berlín es el resultado de un concurso realizado en 1997 en el que participaron ocho grupos de arquitectos. Los miembros del Jurado seleccionaron como ganador la propuesta de los arquitectos Teodoro González de León y Francisco Serrano. La intención fue crear un edificio que tuviera una imagen inconfundible que quedara registrada en la memoria urbana. Una forma distinta que represente a nuestro país y, por supuesto, que se ajuste a las normas urbanas de ese privilegiado sitio.
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La fachada principal es un pórtico de 18 metros de altura que enmarca dos planos de parteluces verticales; uno inclinado y otro alabeado. Incluso también ofrece una fuerte impresión de plasticidad arquitectónica porque se compone de un paramento diagonal y otro oblicuo que se entrelazan en el acceso, estos planos están formados por cristal y columnas de concreto blanco colocadas en forma vertical, mismas que además sirven como elementos de construcción. En su confluencia se forma un hueco que señala la entrada. En la fachada lateral de la calle Rauch se repite otro pórtico más angosto con parteluces verticales. Los parteluces permiten una total transparencia desde el interior y, dan una imagen cambiante de solidez y transparencia desde el exterior; un efecto dinámico que depende de la posición del observador. El juego de pórticos y planos de parteluces crea un efecto de monumentalidad, ligereza y transparencia, con el que se quiere expresar la realidad compleja de nuestro país: un país joven mezclado con culturas milenarias. En la parte posterior el pórtico desaparece y da lugar a un juego de dos volúmenes, un cilindro perforado y un paralelepípedo sobre un corte en diagonal de los dos pisos superiores que alivian el espacio de las dos calles peatonales. 28 ARCH
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Desde la fachada principal se transparenta el gran vestíbulo del edificio: un cilindro de 18 metros de altura y 14 de diámetro cubierto con cristal. La mitad del cilindro queda en voladizo sobre un jardín interior escalonado. Aloja las circulaciones verticales y será el lugar de encuentro y el espacio simbólico de la Embajada. El edificio se desarrolla en seis niveles: un basamento semihundido que aloja servicios y el estacionamiento de vehículos; la planta baja es un espacio de doble altura que contiene –aparte del vestíbulo y jardín interior– el hall de entrada, un salón de usos múltiples, un centro de información y en mezzanine los servicios consulares y de cultura; los dos niveles superiores los ocupa la cancillería; el último nivel es un jardín desde el cual se tienen vistas estupendas del Tiergarten y los monumentos del Berlín central. Todo el edificio está construido con concreto blanco cincelado, en interiores y exteriores. Es un acabado ideado y experimentado en muchas obras realizadas en México, que ahora se aplica en Berlín. En el interior del edificio, llama la atención la generosidad de los espacios compuestos a partir de diagonales, áreas con diversas alturas y cubiertas, así como el juego interesante de iluminación.
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Laboratorios Nestlé. haber colaborado con Nestlé en el 2007 con el Museo del Chocolate en Toluca, Michel Rojkind vuelve a trabajar para la firma con el proyecto para un laboratorio, esta vez en Querétaro. En este laboratorio la firma desarrollará nuevos productos y sistemas de embalaje. Al observar el Laboratorio, con sus formas complejas de medias cúpulas tanto externas como internas, se piensa en la ayuda de un programa digital para realizarlo, pero con un simple sistema de cúpulas semi esféricas realizadas con arcos de acero y anillos se consiguió el efecto deseado y una fácil construcción llevada a cabo con los trabajadores locales. Este segundo proyecto del arquitecto Michel Rojkind para la firma Nestlé fue construido en la periferia industrial de la ciudad de Querètaro, ubicada a 221 km al norte-noroeste de la Ciudad de México y declarada Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO en 1996.
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El centro urbano de esta ciudad de México es patrimonio cultural de la humanidad desde 1996 lo que conlleva respetar ciertas exigencias arquitectónicas, como la utilización obligatoria de los arcos en las construcciones. Rojkind reinterpreta la normativa y horada las fachadas de su edificio, formado por tres volúmenes ortogonales, con unos arcos muy especiales, esferas seccionadas, cuyas curvas y excavaciones contrastan con la rigurosa linealidad del exterior. El resultado final de las combinaciones que se realizan en el edificio, es una serie de contrastes unificados, exterior metálico contrastado con el interior brillante y colorido, planos abstractos en las cajas exteriores contra la exuberancias de los espacios obtenidos con la conexión de las esferas en el interior.
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La fuerza de este proyecto es, probablemente, este juego de opuestos que de una forma din谩mica y en funci贸n de la posici贸n del observador, puede ser dominante en determinado momento o discreta en el siguiente, haciendo que el edificio industrial recupere de este modo parte de lo que en determinado momento aport贸 a la arquitectura: claridad y fuerza
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Liverpool Interlomas
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Entendiendo el nuevo papel que juegan los centros comerciales en la sociedad moderna, en la que se han convertido en un centro de encuentros sociales y de intercambios culturales, se le dio a Rojkind Arquitectos la comisión de crear una fachada para la tienda departamental de 30,000m2 como parte de una nueva era en la imagen de la compañía. Las tiendas Liverpool, con una historia de 164 años, han sido de las principales tiendas “gancho” en lo grandes centros comerciales en México. Su ubicación estratégica juega un rol importante en el contexto urbano inmediato. Ubicada en la zona de Interlomas, al norte de la Ciudad de Mexico, este suburbio relativamente nuevo se caracteriza por la falta de espacios públicos abiertos y la innumerable cantidad de calles exclusivas para automóviles y en las cuales los peatones no son bienvenidos. 41 ARCH
La fachada responde al paso veloz de la vida diaria en este suburbio encerrado, ubicada en medio de una intersección congestionada de calles y puentes, que le dan una sensación emergente futurística, tipo “Blade Runner”. La idea detrás del diseño fue basada en el proceso de fabricación directa de los Modelos en 3D. La velocidad se convirtió en un aspecto muy importante de cómo el proyecto se debe experimentar. Los principios del proceso de este diseño son la flexibilidad, la fluidez y el dinamismo.
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La fachada de dos capas alberga a la tienda y a los usuarios de su ambiente caótico. Su exterior de acero inoxidable que nos recuerda a una máquina elegante aparenta evolucionar de una manera muy fluida mientras el sol intenso la baña durante el día. En una contradicción al caos de su entorno, una yuxtaposición que se convierte en un nuevo símbolo para esta parte de la ciudad. Durante la noche, la cavidad hueca que contiene la estructura de la fachada doble baña el espacio con una luz sutil que se escapa por los finos relieves de los dobleces. La fachada se transforma de noche, dejando de tener la apariencia monocroma aparente durante el día, para convertirse en un objeto dinámico acentuado por la luz. Cuando entra el visitante, se encuentran con un atrio de tres niveles lleno de movimiento y la luz que se filtra alienta al visitante a moverse por la tienda departamental. Los balcones cur vos, iluminados a contraluz son un recordatorio de la fluidez de la fachada exterior pero a una escala más humana, a diferencia de la escala urbana de la fachada exterior. Este juego entre el interior y el exterior intenta crear un sentido de descubrimiento para el usuario, que culmina en el jardín terraza.
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Conjunto Calakmul : “La Lavadora”
La arquitectura de este edificio, inaugurado en 1997, hace alusión a la antigua y majestuosa ciudad Maya de Calakmul en el estado de Campeche, ya que cada uno de los elementos que lo conforman son la imagen de una deidad o símbolo maya. El arquitecto es Agustín Hernández. Esta obra ubicada en Santa Fe es una de las más vanguardistas y coloquialmente conocida como “la lavadora” El Edificio Calakmul fue premiado por el IMEI (instituto mexicano del edificio inteligente). El simbolismo que pretende Agustín Hernández con este edificio inteligente es que el cuadrado es la tierra y el circulo es el cielo.
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Paseo Nescafe
Este portal, que se convierte en una nueva pieza pública sobre Paseo de la Reforma, y concebido por medio del diseño espacial, se activa a través de los ciudadanos así como el estímulo diario de la Ciudad de México. Nescafé comisionó a 8 artistas (Francisco Serrano, Mario Schjetnan, Bernardo Gómez-Pimienta,Fernanda Canales, Manuel Cervantes, Alejandro Quintanilla y Alejandro Castro) para desarrollar instalaciones específicas con el requerimiento básico de utilizar un máximo de 1500 tazas metálicas de café. La idea del portal se lleva a cabo uniendo un objeto cotidiano, la taza, con un material arquitectónico de construcción básico, la varilla corrugada La varilla es usada como la estructura principal para las tazas, que son unidas mecánicamente a cada intersección de la malla de acero. La pieza es entretejida combinando 41 arcos principales, variando en longitud de10 a 12 metros, con dos capas adicionales de 56 diagonales cada una, que crean 1497 nodos para las tazas. 47 ARCH
La forma final del portal, junto con los distintos colores de taza elegidos, refuerzan el sentido de movimiento de la pieza, siendo éste uno de los roles fundamentales en la conceptualización del proyecto. Las macetas de acero anclan la estructura y permiten que las enredaderas crezcan entre las varillas con la idea de que éstas cubran todo el exterior dela estructura con un follaje verde, mientras el interior presenta el degradado cromático delas tazasEl juego de patrones creados por la sombra, y proyectados en la acera, aportan una capa adicional que cambia durante el día. La instalación estará en sitio durante los meses de invierno, proporcionando un espacio de expresión e interacción del dominio público. 48 ARCH
Jeep
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Entrevista Uruchurtu metió el freno y tomó el modelo gringo de que la ciudad debía crecer con automóviles, porque el Metro le parecía espantoso: "Eso es para las ratas", decía. Claro que él tenía casa en Los Ángeles. Por un lado alentó el automóvil y por el otro frenó totalmente el crecimiento, bajo el argumento de que la ciudad no debía crecer sino llenar sus huecos. Y los huecos existían, por supuesto, pero él no pensaba que cuando hay crecimiento demográfico la gente ya está pensando en comprar aquí y comprar allá. El proyecto de Miguel Alemán con Mario Pani se hizo, justamente, para librar la congelación del borde de la ciudad que provocó Uruchurtu. M.A.: Muchos inversionistas, como Basurto, se fueron, y se desparramó la mancha urbana. T.G.L.: Sí, salieron de la ciudad, ya no les quedó nada. Barragán se fue al Pedregal, pero como último reducto. Esa época es de grandes anomalías: se congela el crecimiento, pero a la vez hay una gran expansión informal, porque es el momento en que se hace Nezahualcóyotl, Ciudad Azteca y todos los asentamientos irregulares masivos, pero se hacen a lo bestia. Empiezan entonces a poblarse las laderas del Distrito Federal con gente pobre, y así van creciendo, construyéndose solas, sin ninguna regulación.
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M.A.: Pero con cierto orden en el trazado. T.G.L.: Tienen una traza perfecta. El Pedregal, por ejemplo, era una zona brutalmente irregular, y el trazo que hicieron fue perfectamente regular. Esos asentamientos estaban todos controlados por el PRI, y ahora muchos son controlados por el PRD. Pero entonces eran todos del PRI, y eso es una forma de populismo disfrazado, porque los partidos nunca daban la cara, jamás dijeron que eran ellos, pero sin duda eran sus líderes. Yo lo sé porque en el Instituto de Vivienda los tratábamos. M.A.: ¿Qué opinas sobre la situación del Lago de Texcoco? ¿Es un caso reversible? T.G.L.: Soy pesimista, porque quienes están construyendo el aeropuerto no han querido aceptar que una vecindad de agua sería maravillosa para el aeropuerto, y para el desarrollo urbano alrededor. Están pensando en drenar el terreno y poner una gran barda. Una vez más en nuestra historia, en lugar de pactar con
el agua, aceptarla y sacarle provecho, se tiende a sacarla. El Valle de México ha ido perdiendo su condición privilegiada entre lagos y montañas al desecarse. Y ahora es la última ocasión que tenemos de recuperar el Lago de Texcoco. El proyecto que proponen es una tristeza: en lugar de tener una gran masa de agua, que protegería el aeropuerto y que alentaría el desarrollo urbano del único pedazo del valle abierto al crecimiento, deciden aplicar una norma gringa que nadie cumple —que a milla y media no se puede tener un cuerpo de agua. Cuando tú vas a Nueva York llegas por agua... Lo que está realmente mal en la ciudad es que se han congelado todos los proyectos de infraestructura. Desde que gobierna el PRD se han congelado todos los programas viales. El problema de la red vial no se va a resolver con segundos pisos, ni con plebiscitos para saber si la gente quiere segundos pisos. En ningún lado del mundo se plebiscita un proyecto como ése; además no existe el proyecto.
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Con los ciento veinte millones de pesos que cuesta el plebiscito podría mandarse hacer un estudio de tráfico respetable, con expertos internacionales: un estudio que sacara a la luz las verdaderas prioridades del problema de tráfico y de circulación. Entonces López Obrador tendría una buena baraja para elegir. M.A.: Pese a tu pesimismo, sigues aportando ideas. Con Alberto Kalach estás proponiendo optimizar una alternativa al segundo piso.... T.G.L.: Detectamos qué lugares eran conflictivos y les buscamos solución. Pero esa propuesta ya se la apropiaron.
M.A.: ¿El corredor turístico de Reforma podría ser un ejemplo? M.A.: ¿Qué hacer con el Centro Histórico? T.G.L.: Vivienda de nivel social más alto del que está ahí. Mezclar gente y diversificar los cambios de uso, como sucedió en Times Square de Nueva York, por ejemplo. Esa zona estaba muy deteriorada, llena de antros y venta de droga. Alentaron los cambios de uso y volvieron a recuperar todos los teatros, cambiando los espectáculos porno por entretenimiento de Disney, y pegó.
Creo que la primera estrategia para mejorar el Centro Histórico es hacer vivienda y pequeñas intervenciones ejemplares que contagien el entorno inmediato. Algo tan simple como lo que hizo Hank en varios lugares del Estado de México, eso de arreglar la plaza de toros y pintar todo el pueblo de blanco dignificó el espacio urbano. La idea es llevar a cabo pequeñas intervenciones: dos palmeras en el fondo de esta calle, una fuente en este rincón, cosas de ese tipo, puntuales. Pequeñas intervenciones de calidad que ayudarán a regenerar su zona próxima. Es el primer paso para que, como ciudadanos, nos apropiemos de la ciudad; después vendrán las intervenciones estratégicas, las infraestructuras.
T.G.L.: El azar es el factor número uno del crecimiento de la ciudad. Cuando me di cuenta de esto, creo que escandalicé a los planeadores urbanos de los años sesenta. Pero para mí fue una liberación y aprendí a observar los accidentes, las casualidades. Y también a incorporar algún edificio que dé orden, o que llame la atención en un desorden. En el fondo, así es la ciudad moderna, la de América, porque Europa no conoció la ciudad moderna sino hasta después de la Segunda Guerra.
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M.A.: ¿Hacia dónde crees que vaya la ciudad del futuro? T.G.L.: Yo creo que a donde nos lleven las infraestructuras. Lo que nos dicte el transporte y el agua: ése va a ser el gran problema del futuro y puede ser la salvación de la ciudad. La primera condición es el transporte: para que puedas llegar a cualquier lado rápidamente, tienes que hacer tu estrategia personal y buscar trabajo cerca de tu vivienda. Con agua recuperaríamos los lagos, sanearíamos la atmósfera. Eso sería una solución maravillosa... M.A.: No obstante ese entusiasmo, ¿eres optimista o pesimista? T.G.L.: Hay razones para el pesimismo. Sobre todo con una clase política que pone oídos sordos. Pero hay que seguir aportando ideas para recuperar esto. O apropiarnos de lo otro: de plano hacer la ciudad. Recientemente propusimos la recuperación de Los Pinos para la ciudad, y ahora estamos formulando unas ideas para la Villa de Guadalupe... ¡Hay que estar constantemente asediando a los políticos! -
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Museo del Acero Horno 3 nace de la intención de rescatar la estructura original del último horno de fundición de acero de la Fundidora que dio origen al Monterrey Industrial. El diseño involucra arqueología industrial y diversas estrategias sustentables como el uso de materiales reciclables de acero encontrados en el sitio y la cosecha y reciclaje del agua de lluvia. El proyecto paisajístico, desarrollado por el estudio mexicano Harari Landscape Architecture bajo la dirección de la destacada Claudia Harari, se basa en la narrativa del proceso de la manufactura del acero desde la extracción del mineral de acero en la mina hasta su fundición en un producto terminado.Además de la arquitectura exterior y de las plazas y fuentes, una parte importante del proyecto consiste en sus áreas de techos verdes. Particularmente interesante es el techo verde de tipo “extensivo” de 700 m2, ubicado en sobre la estructura de acero circular, formando una superficie plegada de secciones triangulares plantadas con sedums; volviéndose este techo verde en un símbolo y máximo exponente del proyecto. Otros 1,000 m2 de techos verdes de tipo “intensivo” son cubiertos con pastos nativos. Juntos representan un área de 1,700 m2, constituyendo uno de los techos verdes más grandes en América Latina y el único con esa geometría tan particular.
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La conciencia ecológica y la responsabilidad social están inmersas en la estructura y concepto rector del museo. La arquitectura del edificio cuenta con elementos que ayudan a la sustentabilidad, tales como un sistema de climatización por desplazamiento, bancos de hielo, calefacción hidrónica, techos de tierra que funcionan como aislantes, sistemas de recolección de agua de lluvia, reciclaje de aguas grises para inodoros y uso de equipo y grifería reductores del consumo de agua. También se utilizaron cristales duovent con especificación Low Wind, así como louvers o tejas metálicas en muros y techos que permiten un colchón de aire que ayuda a que el sol no incida directamente en las paredes, aislando de esta manera el interior del recinto. El arduo trabajo de un equipo multicultural y multidisciplinario dedicado en cuerpo y alma a este proyecto, aunado a una sociedad que lo impulsó incondicionalmente, han hecho historia en un recinto de clase mundial con características sin precedente, que une lo mejor del pasado, presente y futuro. 58 ARCH
El museo fue creado basado en la recuperación y reutilización de la estructura original de la fundidora de acero, la cual fue rescatada y restaurada completamente para el disfrute de los usuarios. Las galerías del museo narran la historia de la producción de acero con el fin de que tanto las generaciones que recuerdan la historia del sitio así como los visitantes que no están conscientes de la industria que forjó y dio forma a la ciudad industrial de Monterrey, conozcan esta parte importante de la ciudad. La línea principal de pensamiento que dio origen al diseño del edificio involucra tanto la arqueología industrial como la sustentabilidad. De la misma manera, los principios y las directrices de sustentabilidad son el núcleo del diseño del paisaje del Horno 3. Mediante la propuesta de reutilización de materiales y artefactos industriales encontrados, así como con la incorporación de nuevas tecnologías verdes que trabajan en conjunción con la arquitectura y el paisaje, el diseño crea espacios para exhibiciones exteriores ligadas al edificio pues interpretan los usos históricos celebrando al mismo tiempo oportunidades artísticas para el futuro. 59 ARCH
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La historia de la producción de acero es el elemento principal y el hilo conductor en la narrativa del diseño paisajístico. Gran parte del acero que se obtuvo del sitio se utilizó ampliamente para ayudar a definir las plazas públicas y a delinear fuentes y terrazas ajardinadas. Objetos y maquinaria de acero descubiertos durante la excavación se incorporaron al diseño como huellas en los jardines que rodean al edificio.
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ANISH KAPOOR Escultor o arquitecto?
Para este escultor nacido en Bombay (1954) y residente en el Reino Unido, el origen o las raíces nada tienen que ver con la obra de un artista: «No creo en la idea del origen étnico (...). Para mí, ser un artista español,
americano o inglés viene a ser igual. Lo importante es la obra». Esto sorprende sobremanera cuando Anish Kapoor es hijo de padre hindú y de madre judía, criado en la India y formado en Gran Bretaña, sin embargo, nunca ha querido reducir su obra a las peculiaridades de sus
orígenes porque, para él, lo realmente importante son las cualidades símbolicas y formales de su trabajo. Pero lo cierto es que no ha podido desvincularse de los colores brillantes de su tierra natal.
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Sus primeros años los pasó estudiando en la Doon School de Bombai y, más tarde, en 1973, se trasladó a Londres para estudiar en la Chelsea School of Arts and Design. Siendo todavía estudiante, participó en diferentes concursos y muestras como la exposición Art into landscape, en 1974, en la Serpentine Gallery de Londres. Se fraguaba ya la figura de uno de los máximos representantes de la denominada nueva escultura británica, junto a otros artistas como Richard Deacon y Toni Cragg. Son los años en los que el artista experimenta
escultor, no tengo elección, continuaronexponiéndose en museos de todo el mundo como la me interesan los objetos». Surgen así obras como 1000 Tate Gallery o la Hayward Gallery de Nombres (1, 000 Names) que Londres, el Deutsche Guggenheim luego expondría en la Galerie de Berlín, el Reina Sofía de Madrid, o Patrice Alexandre de París, en el Kunsthalle de Basilea, y en todos 1980, en su primera exposi- ellos iba evolucionando e innovanción individual.Aquí empezó do. Durante estos años, Kapoor realiza algunas de sus obras más su éxito, engrandecido representativas como En el centro de después por otros logros las cosas (At the Hub of Things), que obtenidos en diferentes exposiciones en Gran Bretaña se considera obra cumbre de los y Estados Unidos, en las que, conocidos como «vacíos» y que da paso también a la serie de esculturas en ocasiones, sus obras se vendían incluso antes de la que realizaría después en piedra, entre las que destaca Adam (1988), inauguración, como fue el caso de la que realizó en la considerada una de sus obras más Barbara Gladstone Gallery de fundamentales ya que supone la Nueva York. Después llegaron plasmación de sus estudios e ideas los premios y reconocimien- sobre el espacio, una de las constantos como el Premio Duemila altes preocupaciones de su trabajo. Mejor Artista Joven, por su Para él, una obra no debe guardar marcas de su manofactura o de su proceso 64 ARCH
de creaci贸n; debe ocupar su propio lugar y tener su propio valor, m谩s all谩 del artista que la ha hecho, porque lo que importa es su contemplaci贸n.
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No contento con la simple escultura, decide dar a sus obras un carácter arquitectónico y en su obra Descenso al limbo (1992), con la que participa en Documenta IX, necesitó, por primera vez, la construcción de un edificio que la albergara. Después vinieron una serie de pequeñas realizaciones independientes que demostraron aun más el interés del artista por el control del espacio. De hecho, su primera visita a nuestro país, en 1992, fue para colaborar con el arquitecto David Connor en la creación de Edificio para un vacío, en la Expo de Sevilla. Pero su espíritu inquieto necesitaba de nuevas expresiones y será también en estos años cuando empiece a experimentar con los espejos, tal y como hace en su obra Poniendo el mundo bocabajo (Turning the World Upside Down), de 1995.
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En estos primeros años de la década de los noventa, el artista parece especialmente interesado en las dimensiones, en cómo aumentarlas, en cómo incluir al espectador en ellas: «La escala lo es todo en escultura. No temo hacer piezas grandes pues la enormidad es una de las herramientas de la escultura. Por eso es importante tener en cuenta el significado y el sentido de una pieza que nos seduce con su poesía». Esta búsqueda, esta inquietud fue evolucionando hasta desembocar en una de sus obras más representativas, Marsyas, creada para la Tate Modern de Londres, para la serie Unilever, de la Sala de las Turbinas, en 2002. Con ella, el artista juega descaradamente con la escala humana haciendo que sus dimensiones
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Mientras, con su título de Comandante de la Orden del Imperio Británico bajo el brazo en reconocimiento por su contribución a las artes, da otro salto más en el estilo de su obra y crea Mi patria roja (My Red Homeland) (2003) donde el color de una enorme masa de roja lo inunda todo, mientras un rodillo arrastra la cera muy lentamente formando un enorme círculo que se crea y se destruye a la vez, en una especie de autocreación que lleva al origen de las cosas: «Siento que soy realmente un artista abstracto y que hago arte abstracto. Una de las condiciones de la abstracción es precisamente su idoneidad para ir hacia el principio de las cosas (...). Es por eso por lo que me interesa que los objetos se autocreen, aunque sea una ficción».
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Un año después, Anish Kapoor realizará su primera obra de carácter público en los Estados Unidos. Se trata de la famosísima Puerta de las nubes (Cloud Gate), instalada en el Millenium Park de Chicago. Creada a base de placas de acero inoxidable, muy pulidas, se convierte en un gigantesco arco que refleja y distorsiona a la vez el entorno en el que está. Es casi imposible sustraerse a ella y los visitantes del parque sienten una atracción especial que les empuja a traspasarla, a rodearla, a acercarse a ella. Después de esto, su prestigo le lleva a protagonizar numerosas exposiciones alrededor del mundo: en Nueva York, en Italia, en Tokio, en Brasil, sin dejar nunca de buscar nuevas formas de impactar en el espectador y de alterar los espacios en los que este se mueve. Y así surgió otra de sus grandes obras creada para un espacio público, Espejo del cielo (Sky Mirror), situada en el Rokefeller Center de Manhattan en 2006. Muchas fueron las interpretaciones que trataron de definir esta obra: un espejo que reflejaba el cielo, el cielo traído a la tierra; pero la realidad era, nuevamente, que el artista volvía a jugar con el espacio y con la percepción del mismo: a la habitual marabunta de tráfico y personas se contraponía el espacio de un cielo atrapado en el centro cóncavo del espejo, mientras en la parte convexa, los transeúntes podían verse a sí mismos.
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Llegados a este punto, cualquiera puede comprender que Anish Kapoor no renuncia a ninguna vía; ninguna posibilidad esta descartada en su imaginación. Pasa de la piedra a la cera y de esta al acero más puramente bruñido, creando obras de cualquier tamaño imaginable y traspasando cualquier barrera que podamos imaginar. ¿Cómo si no fue capaz de idear, en 2008, su proyecto Valle de los Soportes Gigantes (Tees Valley Giants)? Solo alguien que no teme al espacio y a la percepción crea una escultura llamada Temenos (en griego, «terreno sagrado») que quedaría instalada en 2010; una enorme red «cazamariposas» de 55 metros de altura y 110 de longitud como primera de una serie de esculturas públicas repartidas por Teeside, al nordeste de Inglaterra, y que realiza en colaboración con el ingeniero Cecil Balmond. Sin duda, nos está invitando a que vivamos experiencias nuevas y únicas con su arte, lleno de incertidumbre y de sorpresas e irremediablemente impactante.
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Estos logros le llevan al encargo de realizar la gran Órbita ArcelorMittal (ArcelorMittal Orbit) para las Olimpiadas de 2012 de Londres, otra vez junto al ingeniero Cecil Balmond, creando una enorme torre de acero que gira sobre sí misma y de la que se puede descender por una enorme escalera de caracol. Todos los estudios, reflexiones y cálculos los hizo el artista al tiempo que organizaba diferentes exposiciones por todo el mundo. Sus obras se mostraron al público en Londres, San Petesburgo y Bilbao. Aquí, su exposición de 2011 en el Museo Gugenheim llenó de color las salas con obras tales como Amarillo o Mi patria roja, y el exterior, con sus reflejos, que se plasmaron en El gran árbol y el ojo, hecha a base de enormes bolas de acero inoxidable.
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Sus creaciones han seguido recorriendo el mundo, llenando con sus «vacíos» tanto los espacios públicos como las salas de los museos. En 2012, lo vimos en la Lisson Gallery de Londres, en una retrospectiva de su carrera, tras las tres décadas de colaboración entre ambos. Después en Seul, en Sidney, en Estambul. Y en 2013, lo encontramos en Matsushima (Japón) con un enorme auditorio móvil para albergar los conciertos solidarios del festival Ark Nova, surgido tras el tsunami de 2011. Un ambicioso proyecto realizado en colaboración con el arquitecto japonés Arata Isozaki y que ha supuesto un nuevo concepto de edificio público: una gran membrana inflable que puede desmontarse tras el espectáculo y trasladarse a otro espacio.
Sus creaciones han seguido recorriendo el mundo, llenando con sus «vacíos» tanto los espacios públicos como las salas de los museos. En 2012, lo vimos en la Lisson Gallery de Londres, en una retrospectiva de su carrera, tras las tres décadas de colaboración entre ambos. Después en Seul, en Sidney, en Estambul. Y en 2013, lo encontramos en Matsushima (Japón) con un enorme auditorio móvil para albergar los conciertos solidarios del festival Ark Nova, surgido tras el tsunami de 2011. Un ambicioso proyecto realizado en colaboración con el arquitecto japonés Arata Isozaki y que ha supuesto un nuevo concepto de edificio público: una gran membrana inflable que puede desmontarse tras el espectáculo y trasladarse a otro espacio.
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