Recopilaciﾃｳn hecha por: Angie Lorena Franco R. Universidad Sergio Arboleda Trabajo acﾃ｡demico para la clase DISEﾃ前 DE MEDIOS IMPRESOS 26 de noviembre de 2015 Bogotﾃ｡ D.C
INTRODUCCIÓN A finales de los años 60´s, se empezó a experimentar en todo el mundo el despertar de la libertad y de la irreverencia en todo sentido, social, cultural en incluso política y económica. Distintos tipos de movimientos creativos y artísticos se estaban tomando el mundo, y uno de ellos, estaba naciendo, la revolución del Graffiti. En 1967, se vio una explosión de nombres sobre edificios y paredes en todas partes de la ciudad de Filadelfia, Estados Unidos. Grupo de personas o graffiteros, escribían su camino por los lemas políticos que reflejaban el cambio social de una nación. Ese fue el momento en el cual los adolescentes en la ciudad de Nueva York empezaron a escribir sus nombres en las paredes de sus barrios, aunque en realidad utilizaban pseudónimos, creándose así una identidad propia en la calle. Estos chicos escribían para sus amigos o incluso para sus enemigos. Quizás el ejemplo más significativo y a la vez el más conocido por todos sea el de Taki 183, un chico de origen griego que a la edad de 17 años comenzó a poner su apodo. La mayor parte de los números reflejó la numeración de la calle en la que los autores vivían, por ejemplo: Taki 183, SEN TFK, Franquean 207, Tree 127, Julio 204, Cay 161, Junior 161, Eddie 181; eran todos los grafiteros del lado superior del oeste de Manhattan, en la mayor parte de historias del temprano graffiti en
Nueva York. En los otros distritos municipales por lo general se hicieron pequeños cambios, pero no hay que negar que Lee 163, del Bronx, Undertaker Ash y Friendly Freddie, de Brooklyn y muchos otros han sido tan significativos como los de Manhattan. A partir de ese momento, se hizo necesaria la creación de un estilo, tanto en la caligrafía, como en los métodos de ejecución o incluso los lugares utilizados para dicho fin. Sobre 1970 y durante toda esa década van naciendo diferentes estilos de graffitis, en una especie de “guerra de tribus” que permitió apuntalar el crecimiento de esta expresión artística. Brogway Elegant, Brooklyn y Bronx son algunos de los estilos mencionados, que marcaban diferencias en cuanto al tipo de tipografías desarrolladas o los motivos empleados para hacer graffitis. Como se mencionó anteriormente, este sistema “inocente” de firmar los muros se convirtió en toda una moda, y jóvenes particularmente de la etnia afro-americana y seguidores de la música Rap y Hip-hop; estampaban sus firmas en los lugares más insólitos y la mayor cantidad de las veces posibles, la idea era superar a otros que como ellos hacían lo mismo y sin quererlo gestaron una de las culturas urbanas más contagiosas y extendidas de todos los tiempos, no solamente en Estados Unidos de Norte América, sino también en Europa y posteriormente en todo el mundo.
INDICE Ledania..........................................................................................................Colombia Blu...................................................................................................................Italia Banksy............................................................................................................ Inglaterra Nunca..............................................................................................................Brasil Axel Void........................................................................................................EE.UU. Keith Haring...................................................................................................EE.UU Os gemelos......................................................................................................Brasil Obey.................................................................................................................EE.UU. Wes21...............................................................................................................Suiza Boa Mistura.....................................................................................................España A squid called Sebastian................................................................................Bélgica Lady Pink.........................................................................................................Ecuador La Piztola.........................................................................................................México Pichi y Avo.......................................................................................................España Jana y JS...............................................................................................Australia y Francia Pez.....................................................................................................................España Deih..................................................................................................................España Roa....................................................................................................................Bélgica Kobra................................................................................................................EE.UU
Diana Ordóñez “Ledania” es una de las artistas más destacadas de la escena bogotana. Su trabajo es notorio en fotografía, diseño gráfico, publicidad, maquillaje artístico y grafiti, así como en la aplicación de su obra a objetos de decoración, ropa y accesorios. Ledania ha desarrollado un lenguaje reconocido en el movimiento gráfico de su ciudad, y por eso no sorprende ir por las calles de Chapinero y ver elementos suyos en cualquier esquina, en una estación de TransMilenio, o al entrar a una tienda de diseño y encontrar accesorios que ella ha diseñado y que seguramente el caminante querrá adquirir. Ledania cumple su palabra, y cuando dijo que le haría el amor a las hojitas, a las paredes y a
la tela, se lo tomó de manera tan seria que hoy es ampliamente admirada en el campo del diseño gráfico, el arte y la ilustración Ledania es una artista que con su particular visión del mundo se ha destacado en el mundo del grafiti y el arte urbano. Sus “pintadas” se distribuyen en muchos de los muros de la capital, desde la Macarena, la calle 30, hasta demostrac-
ciones artísticas en el norte de ¿Cómo llega al mundo del grafiti y al arte urbano? Mi formación artística viene desde mi familia. Mi papá también es artista y con él hice muralismo cuando era pequeña, después ingresé a la Javeriana y estudié arte con énfasis en la parte grafica, siempre me llamó la atención el dibujo y la ilustración. De ahí llegue a una galería a pintar muros para hacer instalaciones, hasta que conocí a un chico que me presentó el aerosol y arranque a pintar paredes. Al principio trabajaba con vinilos y pinceles, porque era muy mala con las latas. Hice varios trabajos
horribles, hasta que aprendí. ¿Cuál es su percepción sobre la policía frente a los grafiteros y artistas? Pues los “tombos” hacen su trabajo, pero creo que a veces se les va la mano en las cosas que hacen. El problema es que pintar es en si un acto irreverente y transgresivo, por lo que algunas personas tienen problemas con eso y se molestan. Yo he hecho pintadas ilegales y también legales, aunque ahorita me dedico más al arte “legal” por decirlo así. ¿Por qué es importante el arte gráfico urbano? Es un medio de expresión. No importa si es un grafiti polí-
tico o de fútbol (aunque personalmente no me gustan), lo que importa es que la persona que lo hizo tenía una intención de contar algo. ¿Qué piensa de los grafiteros que se mantienen en el anonimato? Es respetable y entendible. Lo que pasa es que aquellos que trabajan en la calle con obras ilegales tienen que mantenerse ocultos. Yo como hago más intervenciones urbanas que grafitis como tal pues no tengo problema en que sepan quien soy. ¿Cómo se mantiene económicamente? Con freelance. Me toca hacer trabajos independientes, para eventos o cosas así. Además tengo una marca de accesorios de diseño que se llama Sugar on me, entonces la idea es seguir trabajando con esa marca para poder mantenerme, aunque no me va mal.
Blu es el pseudónimo de un artista italiano que decidió permanecer en el anonimato.1 Lo poco que se sabe sobre su identidad es que vive o vivió en Bolonia, Italia y que participa en la escena del arte urbano desde 1999.2 Su obra fue premiada por el Festival internacional de cortometraje de Clermont-Ferrand.3 La fama de Blu comenzó en 1999, a causa de una serie de graffitis ilegales pintados en el centro histórico y suburbios de Bolonia, capital de la región italiana de Emilia-Romaña. En el comienzo de su carrera su técnica se limitaba al uso de pintura en aerosol, el medio más común en la cultura del graffiti. Si bien el Street Art ha sido considerado tradicionalmente como puro vandalismo y intención de ensuciar y degradar espacios públicos es hoy día una de las disciplinas más ‘trendy’ que constituye una de las formas artísticas más virales de Internet. Reivindicar el es-
pacio público trabajando principalmente en el efecto sorpresa desatado en el observador de las obras, con la finalidad de transmitir un mensaje por encima de únicamente elaborar una decoración de los exteriores. Uno de los grandes exponentes de esta disciplina tan de moda hoy día es, sin lugar a dudas, BLU. Este artista basado en Buenos Aires realiza animaciones mediante la conocida técnica del Stop Motion para dar vida a sus impresionantes graffitis, realizados en lugares emblemáticos a lo largo y ancho del globo, mezclando el sentido de aventura con la rutina urbana en videos a cada cuál más sorprendente y más elaborado que el anterior. Podéis consultar algunas de las obras de este impecable artista urbano (graffitis, dibujos, videos y merchandaising) en su propia web o ver los tres vídeos realizados y publicados en la red hasta la fecha. Si todavía no conoces a este artista ni visto sus videos ponte cómodo en tu silla, sube el volúmen y disfruta. Originario de Italia y multidisciplinario por excelencia, Blu se especializa en murales, videoarte, y diseño gráfico en general. Comenzó a
trabajar las calles durante el año 2000 y a lo largo de su carrera sus trabajos se han caracterizado por incluir personajes que rayan en la frontera de lo fantástico, lo mounstroso, y también, lo cotidiano. Blu opera desde su natal Bolonia, al norte de Italia, donde a pesar de su relativo anonimato, su figura es reconocida como uno de los talentos locales. So obra ha recorrido diversos países alreedor del mundo, y fue incluido en la exposición realizada el año pasado en la fachada y muros exteriores de la Modern Tate Gallery, en Lóndres. Las piezas de Blu denotan influencias muy variadas, desde una marcada inspiración en los dibujos de los comics underground o independientes, hasta una presencia propia de los frescos, técnica muy popular desde hace siglos en su país natal. Este talentoso artista callejero también maneja con destreza distintas técnicas de animación y videoarte, bajo su proyecto denominado Muto. Una de las cosas que más pueden disfrutarse alrededor de su obra es cuando entrelaza sus dos pasiones creativas, la callejera y la videasta, y a través de la técnica del
Banksy es el pseudónimo de un prolífico artista del street art británico. Nació en Liverpool, en 1971, pero los datos acerca de su identidad son inciertos y se desconocen detalles de su biografía. Según Tristan Manco, Banksy «nació en 1971 y creció en Bristol, Inglaterra. Hijo de un técnico de fotocopiadoras, se formó como carnicero pero se vio implicado en el graffiti durante el boom del aerosol en Bristol de finales de la década de 1980». Su trabajo, en su gran mayoría piezas satíricas sobre política, cultura pop, moralidad y etnias, combina escritura con graffiti con el uso de estarcidos con plantilla (conocidos generalmente como stencils, del inglés). Su arte urbano combina escritura con una técnica de estarcido muy distintiva, similar a Blek le Rat, quien empezó a trabajar con estarcidos en 1981 en París; y miembros de la banda de anarco-punk Crass, que mantuvieron una campaña en las instalaciones del metro de Londres a finales de la década de los setenta del siglo XX e inicios de los ochenta. Banksy reconoció la influencia de Blek diciendo "cada vez que creo que he pintado algo ligeramente original, me doy cuenta de que Blek le Rat lo hizo mejor, sólo que veinte años antes."1 Sus obras se han hecho populares al ser visibles en varias ciudades del mundo, especial-
mente en Londres. Graffiti atribuido a Banksy, en Liverpool, Inglaterra. Recientemente se publicó el libro Freedom Through Football: The Story Of The Easton Cowboys & Cowgirls en donde se confirma la primera fotografía tomada a Banksy mientras realizaba un graffiti en Chiapas, México en 2001. IDENTIDAD OCULTA Banksy oculta su identidad real a la prensa general. Muchos periódicos han apuntado que su nombre podría ser Robert Banks o Robin Banks, pero este rumor podría haberse originado a partir de una broma por la similitud fonética entre el nombre, Robin Banks, y «robbing banks («robando bancos», en inglés). Otro nombre sugerido incluye el de Robin Gunningham. Simon Hattenstone, de Guardian Unlimited, una de las pocas personas en entrevistarlo cara a cara, lo describe como «una mezcla entre Jimmy Nail y el rapero inglés Mike Skinner» y «un varón de 28 años que se presentó en un par de jeans y una camiseta con un diente de plata, una cadena de plata y un arete de plata». Gene-
ralmente se cree que es un varón blanco, de pelo rubio, alto, que viste ropa típica del grafitero y que tiene entre 28 y 35 años. Comenzó su obra en las calles de Bristol, su ciudad natal, entre 1992 y 1994. En el año 2000 organizó una exposición en Londres y después de esto ha plasmado sus pintadas en ciudades de todo el mundo. Banksy utiliza su arte urbano callejero para promover visiones distintas a las de los grandes medios de comunicación. Esta intención política detrás de su llamado «daño
Francisco Rodrigues da Silva también conocido como "Nunca" es un artista brasileño que utiliza una técnica de graffiti para crear imágenes que se enfrenta Brasil moderno urbano con su pasado indígena. Su nombre Nunca ("Nunca" en portugués) es una afirmación de su determinación de no estar obligado por las limitaciones culturales o psicológicos. Comenzó su carrera a la edad de 12 como miembro de una pandilla pulverización pichações - lemas de crudo y la etiqueta de graffiti en las paredes - en Itaquera, el barrio pobre en el este de São Paulo, donde vivía la familia. Adoptó la etiqueta Nunca para significar una rebelión contra las limitaciones psicológicas y culturales. Tres años más tarde, después de que la familia se trasladó a Aclimação, en la parte sur-central de la ciudad, hizo nuevos amigos y desarrolló un interés en Grafite, una forma más consciente artística. Él ha descrito esto como una progresión natural - que siempre le había gustado dibujar. Él comenzó a producir figuras llamativas, intensamente coloreadas inspirados en la cultura brasileña indígena que atrajo primero la atención local y extranjera. Empezar a recibir invitaciones para exponer en Europa comenzó a
pintar lienzos y producir esculturas, rechazando una postura más radical que le negaría la oportunidad de exponer en galerías. Aunque disfruta de su trabajo en la calle que estaba dispuesto para producir un trabajo más elaborado y vio esto como otra progresión natural. INFLUENCIAS Y REFERENCIAS Nunca fue descrito como "una de las estrellas emergentes de la escena del graffiti São Paulo" en el libro de 2005 Graffiti Brasil [2], que dedica un capítulo entero a su trabajo. Él ha trabajado en estrecha colaboración con otras figuras importantes en la escena del graffiti São Paulo incluyendo Os Gêmeos (los gemelos artista Otavio y Gustavo Pandolfo) y
la esposa de Octavio Pandolfo, Nina. IMPACTO CULTURAL Después de haber desarrollado su reputación en São Paulo Nunca y se invitó a los Pandolfos a participar en una exposición de la calle-arte en la Galería Tate Modern en Londres, que dio lugar a una significativa reevaluación de su trabajo por su ciudad natal. Tras la presentación por el alcalde de São Paulo, Gilberto Kassab, del "Cidade Limpa" ("Ciudad Limpia") ley destinado a eliminar las formas de contaminación visual, incluyendo graffiti, una campaña oficial limpieza llevó a muchas imágenes que se perdió y otros daños . Un mural de 680 metros pintado por el Pandolfos, Nunca y la esposa de Octavio Pandolfo Nina en muros de contención a lo largo de la autopista 23 de Mayo fue arrasada-media con pintura gris a pesar de haber sido aprobado oficialmente. El reconocimiento en el extranjero de la importancia del trabajo de los artistas estimuló un debate público sobre lo que constituye el arte que dio lugar a la creación de un registro de arte callejero
Axel Void (Alejandro Hugo Dorda Mevs) nació en 1986 en Miami para una madre haitiana y padre español. Desde la edad de tres años en adelante, que se crió en España. Desde muy temprana edad, ha sido fuertemente influenciada por la pintura clásica y el dibujo. Desde 1999, Axel Void ha estado en contacto con la escritura graffiti. Estudió Bellas Artes de Cádiz, Granada y Sevilla, y se basó en Berlín hasta que se mudó a Miami en 2013, donde reside actualmente. Alejandro Dorda Mevs, conocido artísticamente como Axel Void (Miami, 1986), vive y trabaja actualmente en la ciudad andaluza de Sevilla. Pinta de manera autodidacta desde muy niño a la vez que desarrolla una gran afición musical animado e inspirado por su abuelo que le regala un saxofón en 1997, instrumento que aprende a tocar junto con la trompeta y otros. Puede decirse que pintura y música son los dos polos en los que gravita actualmente su carrera artística. Tras varios años de trabajo y estudio, es en 1999 cuando se adentra en el mundo del graffiti, aportando casi desde sus inicios un gran conceptualis-
mo a su obra. Ha trabajado con célebres escritores de graffiti de la talla de Os Gemeos, Fafa, Ed o Seleka, manteniendo a su vez una actividad paralela expositiva importante que le ha llevado a participar en colectivas como AKI Universidad de Arte Contemporáneo de Enschede (Holanda), Bienal de Arte Contemporáneo (Sevilla), Forum de Barcelona, además de proyectos pictóricos personales tanto en ciudades españolas (Cádiz, Granada, Sevilla, Madrid, Vitoria, Barcelona) y en centros internacionales tales como Burdeos, París, Ámsterdam, Berlín, Londres, Miami, Nueva Orleans ,San Francisco, Olguin (Cuba), entre otros. Vista general de la exposición Homeless, Montana Shop & Gallery (Sevilla) Cortesía de la galería. Vista general de la exposición Homeless, Montana Shop & Ga-
llery (Sevilla) Cortesía de la galería. Su pseudónimo, Void, surge de la composición de sus trabajos, la contraposición de las nociones forma y vacío, sonido y silencio y de la manera de combinar y confundir espacio abierto y espacio cerrado.[1] La obra de este artista se encuentra muy influida por su trayectoria personal -crece en un ambiente heterogéneo y complicado, donde continuos cambios, viajes y problemas familiares han marcado su vida-, siendo el concepto de hogar y el mundo de la drogadicción los temas más recurrentes de su trabajo. Al contemplar el desarrollo de sus proyectos uno puede percatarse de la continua impronta de la fotografía en su obra: pareciera que sus pinturas sean traslados viscerales de sensaciones que produce el medio fotográfico; pero además este artista multidisciplinar incorpora en su creación instalaciones, esculturas y dibujos, amén de la importante presencia de la música, pues no en vano la practica con frecuencia y es miembro de diversas
Keith Allen Haring (Reading, Pensilvania, 4 de mayo de 1958 - Nueva York, Nueva York, 16 de febrero de 1990) fue un artista y activista social cuyo trabajo refleja el espíritu de la generación pop y la cultura callejera de la Nueva York de los años 1980. Nacido en Kutztown (Pensilvania) en 1958, desde muy pequeño empezó a dibujar inspirándose en los dibujos animados de la televisión. Estudió arte en la Ivy School of Art de Pittsburgh y posteriormente continuó sus estudios en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York.1 En 1980 comenzó a hacer grafitis, dibujando con rotulador imágenes similares a dibujos animados sobre anuncios en el metro de Nueva York. Más tarde le siguieron unas historietas dibujadas con tiza blanca sobre los paneles negros del metro reservados para publicidad. Fue arrestado en varias ocasiones por dañar la propiedad pública. Su primera
exposición individual fue en la galería Tony Shafrazi de Nueva York en 1982.2 En 1986 pintó un trozo del muro de Berlín. En ese mismo año, abrió la boutique Pop Shop, donde vendía sus productos. En 1989 creó la Fundación Keith Haring, cuyo objetivo es luchar por la solución de los problemas sociales. Murió víctima del sida en Nueva York el 16 de febrero de 1990.3. Keith Haring intentó combinar en su obra el arte, la música y la moda, rompiendo barreras entre estos campos. La típica iconografía de sus sencillos dibujos incluye animales y figuras danzando, perros, bebés gateando, pirámides, televisores, teléfonos y platillo.Prosiguió sus estudios en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York, duran-
te 1978 y 1979, bajo la dirección de Keith Sonnier y Joseph Kosuth. En el verano de 1979 presentó una performance titulada Poetry-Word-Things en el Club 57 de Manhattan; al año siguiente, sin embargo, se volcó en los graffiti, dibujando imágenes como las de los dibujos animados, hechas con un rotulador directamente sobre anuncios en el metro de Nueva York.
A esto le siguieron una serie de historietas, hechas con tiza blanca sobre los paneles negros del metro reservados para publicidad; la iconografía era una mezcla de elementos sexuales con platillos volantes, personas y perros, a los que se añadieron más tarde figuras corriendo, bebés gateando, halos, pirámides, televisiones, teléfonos y
referencias a la energía nuclear; el tratamiento de Keith Haring de temas como el poder y el miedo a la tecnología sugiere angustia y refleja su inquietud moral. El soporte pictórico que utilizaba Haring era variado y accesible (papel, fibra de vidrio, lienzo, piezas de acero esmaltado, camisetas, vasos y vaciados en escayola de obras de arte conocidas); sus fuentes son el arte esquimal, africano, maya y de los aborígenes, así como la caligrafía china y los all-over de Alechinsky, Warhol y Tobey, a partir de los cuales evolucionó hacia su estilo semiabstracto característico, una especie de new wave azteca que recuerda a Pollock y a Penck. Gruesas líneas negras bordean figuras esquemáticas en una composiciones dominadas por un horror vacui evidente que vibran con una energía irresistible y llamativa.
Os Gêmeos (portugués para los Mellizos, nacido en 1974 en São Paulo, Brasil, como Octavio y Gustavo Pandolfo) son artistas de graffiti y hermanos gemelos idénticos. Comenzaron el graffiti pintura en 1987 y se convirtió gradualmente en una mayor influencia en la escena local, ayudando a definir un estilo propio de Brasil. Su trabajo a menudo cuenta con personajes de piel amarilla - tomado del tinte amarillo tanto de los gemelos tienen en sus sueños - pero es de otra manera diversa y va desde etiquetas a murales complicados. Los temas van desde retratos de familia al comentario de las circunstancias sociales y políticas de São Paulo, así como el folclore brasileño. Su estilo graffiti fue influenciado tanto por el estilo tradicional de hip hop y la cultura brasileña. [1] La cultura hip hop llegó a Brasil a finales de los años ochenta y apeló a una gran cantidad de adolescentes del país en ese momento. Los gemelos comenzaron como breakdancers, y se
involucraron con el aspecto de graffiti más adelante. Por supuesto, sus primeros pasos en el mundo del graffiti eran intentos de emular piezas de hip hop estadounidense, a principios de estilo de Nueva York. [2] No fue hasta unos años después de que comenzaron a poner conscientemente elementos e influencias culturales brasileños en su graffiti. [3] Su primera influencia artística significativa fuera de su entorno inmediato, y su limitado acceso a hip hop estadounidense (Style Wars, Subway Art, Beat Street), provenían de un encuentro casual con Barry McGee (también conocida como la torcedura), que pasó a ser en Brasil durante varios meses en un estudio en el extranjero programa a través del Instituto de Arte de San Francisco en 1993. La técnica y la experiencia se comparte, y McGee les proporcionó una gran cantidad de ejemplos fotográficos de la escena de graffiti estadounidense. A través de Barry McGee, Os Gemeos reunió Allen Benedikt (fundador de 12 oz Profeta Magazine y también forma parte de Brasil), que junto con Caleb Neelon (también conocido como Sonik) se convirtió en el primero en entrevistar a ellos después de un viaje a Brasil en 1997 (12 oz Profeta Magazine Número 6; 1998), que se convirtió en la in-
troducción Os Gemeos 'a audiencias fuera de América del Sur [4]. El 2008 la exposición Tate Modern Art Street cierra, apropiadamente, con la eliminación de graffiti en una gran escala. Aquí, una enorme figura de Os Gêmeos, una de las seis obras de arte en la fachada al río, se elimina por especialistas utilizando chorros de vapor que operan desde una grúa. Su último trabajo es una pared en Miami, Florida pintado para Art Basel Miami Beach. Antes de eso fue una pintura de 16 a 10 metros en el centro de Heerlen, Holanda. Esta pintura determina parte del festival cultural Cultura Nova. Era la fuente de inspiración del gran acto de apertura donde el personaje de cabeza volvió a la vida en asociación con el grupo francés La Plasticiens Volant. El espectáculo "L'Etranger" fue en el estreno el 29
Frank Shepard Fairey, OBEY, (nacido el 15 de febrero de 1970 en Charleston, Carolina del Sur, Estados Unidos) es un artista urbano y diseñador gráfico estadounidense, famoso por sus pegatinas con la imagen del luchador televisivo André el Gigante y por sus diseños que toman elementos del cartelismo de propaganda política de mediados del Siglo XX. Incluyendo lemas como "Piensa y crea, imprime y destruye", que mezclan lo subversivo con el entretenimiento, su temática y estética viene a ser a menudo una mezcla entre caricatura y revival de la propaganda política, las ideas situacionistas y las revoluciones estético-filosóficas de los años sesenta, trasfondos temáticos muy comunes en el arte de finales de los 90 y principios del presente siglo. Su situación como artista es controvertida, manteniendo trabajos de diseño gráfico y publicidad con grandes marcas por un lado, y enfrentándose a detenciones en diversos países por vandalismo urbano con sus intervenciones, siendo de esta manera un representante
marcado de la discusión sobre el papel del artista y su ideología en el momento presente de la historia de las sociedades capitalistas. Reivindica el espacio público como espacio principal para la vida artística y cultural, proponiendo una crítica a la hegemonía estética y presencial de la publicidad, encabezada por las grandes corporaciones financieras. Shepard Fairey fue uno de los primeros artistas de graffiti de finales del siglo 20 en propagar la técnica de pegatinas como intervención callejera. Sus primeras pegatinas mostraban una foto
en alto contraste de André el Gigante, como mensaje sin contenido y con la principal intención de sorprender al viandante y espectador. Define este trabajo como "un experimento de fenomenología". Comenzó a repartir de forma gratuita estas pegatinas, convirtiéndose poco a poco en un icono de la cultura popular contemporánea. Ha realizado diferentes versiones del mismo tema, y también las ha incluido en exposiciones, posters, camisetas, diseños para estampados de monopatín, etc. Otros de sus trabajos callejeros más destacados son los posters de grandes dimensiones, con los que empapela paredes a la vista de los viandantes en diferentes países a
los que viaja. En estos posters suele estar presente una temática política velada o una sugerencia de reflexión sobre los estereotipos de discusión estética, social o política. Su estilo está basado en parte en el cartelismo ruso de la era del comunismo y en el arte pop, con elementos claros del comic estadounidense. Entre los motivos de esta temática están las efigies de Lenin o del Subcomandante Marcos, aunque Fairey afirma no estar haciendo propaganda, sino buscar una provocación o un contraste. Se conoce bajo el nombre de Obey la obra callejera más representativa de Shepard Fairey. Como en otros artistas de graffiti, este nombre sirve tanto para el acrónimo de la obra como para el pseudónimo de Fairey durante su ejecución. Consiste en una serie de pegatinas -más tarde posters- con el rostro de André el Gigante(André the GIANT) en diferentes variaciones de alto contraste. El lema/nombre original era GIANT HAS A POSSE (=El Gigante tiene una pandilla), pero más tarde el concepto de Fairey empezó a hacer más presentes aspectos de filo-
Wes 21 es el alter ego de Remo Lienhard (1989) es miembro de Schwarzmaler, un colectivo de dibujantes de graffiti, artistas callejeros e ilustradores suizos. El artista crea impresionantes y detalladas obras que desdibujan los límites entre la realidad y la fantasía. Nacido en Biel, su carrera artística comenzó en 2001 cuando comenzó a interesarse por la pintura. Varios años después, en 2009, se convierte en diseñador gráfico, comienza a trabajar como ilustrador freelance y empieza a participar en proyectos de murales a gran escala. Wes21 trabaja constantemente en el desarrollo de su propio vocabulario y técnica que caracterizan su obra visual. El artista pretende unir los mundos de diseño gráfico y arte contemporáneo, ofreciendo así un producto artístico emocionante y nuevo. Trabajos impactantes bañados en colores vivos y todo lujo de detalles, en una selección de imágenes dónde la incorporación de elementos de fantasía, dotan a su obra de una complejidad única. Wes21 o Remo Lienhard, es un artista de graffiti que nació en Biel, Suiza, en mayo del 1989. Sus esfuerzos artísticos comenzaron en 2001 cuando comenzó a interesarse por la pintura. Varios años después, en 2009, asistió a la escuela Wes21 diseño, en última instancia, con-
vertirse en un diseñador gráfico. Esto llevó Wes21 para convertirse en un freelance ilustrador / diseñador, participando en proyectos tales como murales a gran escala, lienzos y esculturas en 3D para añadir un lado impredecible a lo que normalmente se espera de los grafiteros. Wes21 trabaja constantemente en el desarrollo de su vocabulario y técnicas que caracterizan su obra visual. En concreto, se pretende unir magistralmente ambos mundos de diseño gráfico y arte contemporáneo para ofrecer un producto artístico que es emocionante y nuevo para su público. Al observar el arte de Wes21, se obtiene la sensación de que existe esta
colisión intencional de tipo entre ambos métodos, haciendo que sus fans realmente se detienen y aprecian lo mejor de ambos mundos. Por otra parte, a la vanguardia de las obras de Wes21 son imágenes impactantes que se bañaban en colores vivos y detalles. Dentro de su selección de las imágenes de todos los días es la incorporación de elementos de fantasía para agregar una complejidad única de su trabajo. Específicamente, Wes21 combina imágenes que no necesariamente van de la mano, pero tienen sentido cuando se ve como un todo. Estos símbolos son entonces exageradas con las técnicas
modernas para dar una sensación más contemporánea a sus obras de arte. Como miembro de Schwarzmaler, un colectivo de escritores destacados grafiteros, artistas callejeros, y los ilustradores, Wes21 destaca por encima del resto mediante la captura con éxito un momento, ya sea real o imaginario. Sus trabajos detallados son, sin duda, impresionante en la naturaleza, que nos lleva a un mundo artístico a diferencia de ningún otro. Este muy joven artista (* 1989) de Biel ha encontrado su propio estilo al principio de su carrera. Tiene una capacidad de asombrar al espectador con sus motivos y la increíble precisión de su técnica de pulverización. Remo Lienhard se inició en la escena de graffiti, aunque esto es sólo rara vez se manifiesta en su obra. Dicho esto, trabaja con aerosol junto al óleo y acrílico. En los últimos años ha perfeccionado su técnica de producción de alto detalle. Se aplica la pintura, y antes de que se seque se "procesa" el uso de dife-
Boa Mistura es un grupo de artistas urbanos originado en Madrid a finales del 2001. El término "Boa Mistura" del portugués, tiene el significado de "buena mezcla", que hace referencia a las distintas formaciones de los miembros del grupo. Los integrantes son el arquitecto Javier Serrano "Pahg", el ingeniero de caminos Rubén Martín "rDick", el publicista Pablo Purón "Purone" y los licenciados en Bellas Artes Pablo Ferreiro "Arkoh" y Juan Jaume "Derko". Su obra se desarrolla en el espacio público principalmente y su objetivo es mandar mensajes positivos e inspiraciones en diferentes lenguas y culturas, es por eso que han llevado a cabo proyectos en Sudáfrica, Noruega, Berlín, Sao Paulo, París, Nueva Delhi y Panamá. También han colaborado en proyectos sociales junto a la Fundación ONCE, Intermon Oxfam, Cruz Roja o la Fundación Antonio Gala e impartido conferencias en Universidades como las de Madrid, Sevilla, Cuenca o Alcalá de Henares De pequeña pintaba las paredes de mi casa por detrás de las cortinas, pensando que así mi madre no se enteraría. Cómo explicarle que en un papel no era lo mismo. Después, pese a que conservé mi gusto por la pintura, aun abandonada la técnica, jamás logré apreciar
un graffiti en una pared. Llámenme clásica, antigua si quieren, pero siempre me parecían formas de suciedad o manifestaciones del aburrimiento juvenil. Me faltaba, claro, la historia, o alguien que me convenciera de que aquellas palabras pintarrajeadas en los muros tenían un contenido loable. O, si no lo tenían por no tener que tenerlo (aquello del arte por el arte, ya saben), que al menos cumplieran alguna misión estética. Ha sido con este corto documental del colectivo de arte urbano Boamistura que salí del cascarón. Y es así que el color irrumpe entre estas páginas en blanco y negro. Aun cuando de sobra es conocida la obra de Banksy, cuyo arte se vende como si de un pintor se tratara, o la de Obey, famoso por colaborar con campañas presidenciales de políticos americanos, ambos se situan un escalón por encima de la misma esencia del graffiti callejero. El arte urbano de Boamistura, en cambio, conversa con el mundo, habla con las paredes, ilustra las calles de los barrios más grises con una explosión de sensaciones que son luz en un callejón oscuro. Ni los habitantes de la favela Vila Brasilândia, a las afueras de
Sao Paulo, ni los de los suburbios de Cape Town en Sudáfrica, se imaginaban participando en la pintura mural de sus propias calles, porque si algo tiene el graffiti es que pertenece al entorno en el que se crea, y coexiste con sus ciudadanos. Menos aún que el proyecto, integrado dentro de la serie Crossroads de intervenciones participativas en comunidades desfavorecidas, tendría la repercusión mediática que ha tenido, haciéndose eco en la prensa internacional como “el arte capaz de cambiar el mundo”. Boamistura (“buena mezcla”, en portugués) lo integran un arquitecto, un ingeniero de caminos, un publicista y dos licenciados en bellas artes. Y no es el comienzo de un chiste, sino la suma de cinco talentos que poco a poco se dieron cuenta de que aquello que hacían por diversión —pintar en las calles de su barrio— podía convertirse realmente en su profesión. Aquellos graffiteros que ilustraban los muros de la Alameda de Osuna, empezaron como empiezan los grandes grupos de rock: en un garaje. Su barrio fue de siempre núcleo de efervescencia artística y cultural en muchas de las disciplinas calleje-
ras, a saber: la música, la danza (el breakdance), los malabares (otra forma de danza) y el graffiti (otra forma de pintura, de ilustración, de poesía…). Solo después de muchos encargos ya remunerados cambiaron el garaje por un estudio en el barrio de Conde Duque de Madrid, que ellos mismos decoraron para sentirse como en casa.
Nacido en los EE.UU. y criado en Europa, hago pinturas, dibujos, wheatpastes y tal vez voy a hacer algo en 3D en el futuro. Mi trabajo es en su mayoría bastante autobiográfica, aunque eso no siempre puede ser visible. Me gusta que mis obras para contar algún tipo de historia. Hemos visto todos los extremos en el realismo vs batallas abstractas en la palabra de la pintura. Creo que nuestras expresiones personales son la única forma de pintura que todavía seguirá siendo interesante en el futuro. Nuestra personal manera de pensar y proyectar nuestras ideas a los espectadores es algo que nadie más puede hacer, no en la forma en que lo hacemos por lo menos. Nunca he sido capaz de centrarse siempre en otra cosa que el arte. Trabajé como un áspero en pre prensa publicidad por un tiempo después de mis estudios, pero fue creativamente demasiado agotador. Pronto me di cuenta de que yo no estaba trabajando en proyectos personales y que el trabajo que estaba haciendo no estaba desafiando mí o gratificante de ninguna manera. Dibujo otras ideas de la gente para los productos cojos y personas creativamente romos que tiran de las cuerdas. Un montón de artistas, muertos y vivos, la gente, la vida, la pasión, el consumismo, la rebelión, cómics, los medios de comunicación en todas sus formas, la nostalgia ... básicamente ingredientes que me hacen quien soy como persona hoy. Así que la mayor parte de mi inspiración viene de mi entorno y pasado, y la forma
en que los llevo dentro y procesarlos. Rick Molyneux, graffiteur y voluntario en la asociación Pintada, vio el potencial de esa pared. Él quiere dar a los jóvenes en varios lugares oportunidad de desarrollar su concepto Wallin. La ciudad de Gante tuvo con la asociación de Graffiti, el Servicio de Prevención para la Seguridad y Servicio de la Juventud los preparativos necesarios para que la apertura de la pared como zona legal. En 1980, cuando contaba con tan solo 19 años de edad, Basquiat tomó parte en la exposición Times Square Show , atrayendo la atención de la crítica y prensa especializada. Al año siguiente, expuso en el P.S.1, donde su éxito fue considerable, y donde comenzó su amistad con una de las personalidades más famosas y controvertidas de la época, ANDY WARHOL. Warhol y Basquiat se admiraban mutuamente, y colaboraron en casi un centenar de obras. En 1983 Basquiat viajó a la ciudad italiana de Módena, donde asistió a su primera exposición individual. Este publicitado evento supuso un extraordinario éxito, convirtiéndolo en el artista afroamericano más respetado del momento. Pero este éxito tuvo también su lado negativo: Basquiat comenzó a abusar sobremanera de las
drogas, lo que a menudo lo transportaba a un terrible estado de paranoia. El 12 de agosto de 1988, Basquiat fue hallado muerto por sobredosis en su apartamento. Tenía tan solo 27 años de edad. Estilísticamente, la obra artística de Basquiat es mucho más complicada de explicar que lo que un análisis superficial puede hacer pensar, y está inspirada en múltiples referencias, tales como artistas contemporáneos como Picasso o Pollock, la música jazz , la cultura del África primitiva, e incluso quizás el abuso de la heroína. En el año 2002, su obra Profit I fue vendida en Christie's por más de 5.5 millones de dólares. La pintura fue creada en 1982, cuando Basquiat tenía sólo 21 años de edad. Boa Mistura es un grupo de artistas urbanos originado en Madrid a finales del 2001. El término “Boa Mistura” del portugués, tiene el significado de “buena mezcla”, que hace referencia a las distintas formaciones de los miembros del grupo. Los integrantes son el arquitecto Javier Serrano “Pahg”, el ingeniero de caminos Rubén Martín “rDick”, el publicista Pablo Purón “Purone” y los licenciados en Bellas Artes Pa-
Se crió en Queens, y comenzó su carrera escribiendo graffitis en 1979 a raíz de la pérdida de su novio que había sido enviado a vivir a Puerto Rico después de haber sido arrestado. Ella exorcizó su dolor etiquetando el nombre de su novio en toda la ciudad. Poco después comenzó a etiquetar el nombre de Pink Lady, derivado de su amor por los romances históricos, Inglaterra, la época victoriana, y la aristocracia. Lady Pink estudió en la Escuela Superior de Arte y Diseño en Manhattan. Mientras estudiaba allí, fue introducida al graffiti y comenzó a escribir desde los quince años.1 En pocos años LADY PINK empezó a correr con las pandillas TC5 (The Cool 5) y TPA (The Animals Públicas). Lady Pink pintó trenes del metro en los años 1979 a 1985. Sandra Fabara, aka, Lady Pink, creció en Queens, Nueva York, y estudió en la Escuela Superior de Arte y Diseño en Manhattan. Mientras que un estudiante no fue presentada a graffiti y comenzó a escribir a los quince años. Dentro de unos pocos año SEÑORA ROSA empezó a correr con TC5 (The Cool 5) y
TPA (Los Animales Públicos) tripulaciones y fue bien pronto conocido como el único capaz femenina de competir con los chicos en la subcultura del graffiti. SEÑORA ROSA pintado de metro los trenes de los años 1979-1985. En 1980, fue incluido en la histórica Nueva York espectáculo “GAS: Graffiti Art éxito” en Fashion Moda, que viajado en una forma modificada del centro de El Nuevo Museo de Arte Contemporáneo. Joven, accesible, quickwitted, y uno de los pocos escritores de graffiti femeninos, ¡SEÑORA ROSA convirtió en uno de los más fotografiados y entrevistados artista de graffiti de su tiempo! En 1983, ella apareció en los cines en el papel protagonista de Rose en la película de Charlie Ahearn Wild Style. Ese mismo año, trabajado en una serie de pinturas con el artista Jenny Holzer, la pareja tiene ya colaborado en varias times. While todavía en la secundaria ella ya estaba exhibiendo pinturas en galerías de arte, y por la edad de veintiún años, se montó en su primer trabajo en solitario espectáculo, “Femmes Fatales-”, en la Escuela Moore de Arte y Diseño en Filadelfia. Después de 1987, SEÑORA ROSA tomó un hiato de pintura al aire libre, pero regresó en 1993 después de conocer a su futuro esposo, la leyenda de graffiti compañero SMITH, con quien colabora en murales y trabajos comerciales. Sus pinturas de estudio, a menudo incorporan imágenes del metro de Nueva York que tejen
a través de descomposición, paisajes urbanos POP-surrealistas, han sido ampliamente exhibido en los Estados Unidos y en el extranjero. Como un participante líder en el surgimiento del arte basado en el graffiti, lienzos SEÑORA ROSA han entrado en el arte importante colecciones como las del Museo Whitney, el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Brooklyn Museo y el Museo de Groningen de Holanda. Ella misma ha establecido en el mundo del arte fino, y sus pinturas son muy apreciados por los coleccionistas. Hoy en día, SEÑORA ROSA sigue creando nuevas pinturas sobre lienzo que expresan su visión personal único. Ella también comparte sus 30 años de experiencia en la realización de talleres de murales con los adolescentes y la docencia activamente a los estudiantes universitarios todo el noreste.
El colectivo La Piztola utiliza el arte urbano como forma de expresión y comunicación con el público. En esta entrevista hablamos con Roberto Arturo y Rosario Martínez acerca de la historia del colectivo, de las diferencias entre trabajar en la calle y en espacios cerrados, cuál es el papel de la fotografía en su proceso de creación y de lo que van a desarrollar en Santos. ¿COMO SURGIÓ LA IDEA DE HACER EL COLECTIVO? Se crió en Queens, y comenzó su carrera escribiendo graffitis en 1979 a raíz de la pérdida de su novio que había sido enviado a vivir a Puerto Rico después de haber sido arrestado. Ella exorcizó su dolor etiquetando el nombre de su novio en toda la ciudad. Poco después comenzó a etiquetar el nombre de Pink Lady, derivado de su amor por los romances históricos, Inglaterra, la época victoriana, y la aristocracia. Lady Pink estudió en la Escuela Superior de Arte y Diseño en Manhattan. Mientras estudiaba allí, fue introducida al graffiti y comenzó a escribir desde los quince años.1 En pocos años LADY PINK empezó a correr con las pandillas TC5 (The Cool 5) y TPA (The Animals Públicas). Lady Pink pintó
trenes del metro en los años 1979 a 1985. Sandra Fabara, aka, Lady Pink, creció en Queens, Nueva York, y estudió en la Escuela Superior de Arte y Diseño en Manhattan. Mientras que un estudiante no fue presentada a graffiti y comenzó a escribir a los quince años. Dentro de unos pocos año SEÑORA ROSA empezó a correr con TC5 (The Cool 5) y TPA (Los Animales Públicos) tripulaciones y fue bien pronto conocido como el único capaz femenina de competir con los chicos en la subcultura del graffiti. SEÑORA ROSA pintado de metro los trenes de los años 1979-1985. En 1980, fue incluido en la histórica Nueva York espectáculo “GAS: Graffiti Art éxito” en Fashion Moda, que viajado en una forma modificada del centro de El Nuevo Museo de Arte Contemporáneo. Joven, accesible, quickwitted, y uno de los pocos escritores de graffiti femeninos, ¡SEÑORA ROSA convirtió en uno de los más fotografiados y entrevistados artista de graffiti de su tiempo! En 1983, ella apareció en los cines en el papel protagonista de Rose en la película de Charlie
Ahearn Wild Style. Ese mismo año, trabajado en una serie de pinturas con el artista Jenny Holzer, la pareja tiene ya colaborado en varias times. While todavía en la secundaria ella ya estaba exhibiendo pinturas en galerías de arte, y por la edad de veintiún años, se montó en su primer trabajo en solitario espectáculo, “Femmes Fatales-”, en la Escuela Moore de Arte y Diseño en Filadelfia. Después de 1987, SEÑORA ROSA tomó un hiato de pintura al aire libre, pero regresó en 1993 después de conocer a su futuro esposo, la leyenda de graffiti compañero SMITH, con quien colabora en murales y trabajos comerciales. Sus pinturas de estudio, a menudo incorporan imágenes del metro de Nueva York que tejen a través de descomposición, paisajes urbanos POP-surrealistas, han sido ampliamente exhibido en los Estados Unidos y en el extranjero. Como un participante líder en el surgimiento del arte basado en el graffiti, lienzos SEÑORA ROSA han entrado en el arte importante colecciones como las del Museo Whitney, el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Brooklyn Museo y el Museo de Groningen de Holanda. Ella misma ha establecido en el mundo del arte fino, y sus pinturas son muy apreciados por los coleccionistas. Hoy en día, SEÑORA ROSA sigue creando nuevas
Sergio Hidalgo Paredes es un artista contemporáneo de Barcelona conocido como arte de Sixe o Sixeart. Él comenzó a pintar el graffiti a finales de 1980. A mediados de los años 90 desarrolló sus talentos multidisciplinarios en los campos de la escultura y la pintura de estudio. En 2008, Sixeart, Blu, Faile, JR, Nunca, Os Gêmeos pintaron la Tate Modern de Londres para la exposición Arte en la calle. Sixeart pertenece al colectivo El Equipo Plástico con los artistas Nuria Mora, Nano4814 y Eltono. Kati Krause escribió en el Wall Street Journal: "Sergio Hidalgo, alias Sixeart, ... que fue uno de los artistas que aparecen en la exposición de la Tate Modern, comenzó a garabatear su nombre en las paredes de su Badalona natal, un suburbio de Barcelona, en . los finales de los 80 ', cuando el graffiti era todavía una novedad en España A pesar de carecer de una formación artística formal, se decidió añadir un pincel y lienzo para sus herramientas habituales, con gran efecto: Su surrealista, estilo infantil tocó la fibra sensible con el público y el arte . coleccionistas de todo el mundo este encuentro, que se mencio-
nan - y exhibieron -. junto con la talla de Joan Miró y Antoni Tàpies. Sergio Hidalgo Desfiles, Sixeart, nació en 1975. Él es un artista contemporáneo de Barcelona. Su carrera artística comenzó cuando empezó a pintar graffiti en los años 80. Esto lo llevó a establecer su propio estilo graffiti. A mediados de los años 90 comenzó a probar otras formas de expresión, como la escultura y la pintura. Sorprendentemente, Sergio nunca ha participado en la formación artística formal, a pesar de que no parece hacer una diferencia en su éxito. Se trata de mantenerse fiel a sus raíces; él todavía vive y trabaja en el borde exterior de Barcelona y
pinta graffitis siempre que sea posible. Sixeart no tiene mucho tiempo libre ya, sin embargo, pasa hasta 13 horas al día trabajando en las piezas que estarán en sus exposiciones. A pesar de su popularidad, Sergio aún se considera un graffitero, o artista de graffiti, antes de que un artista tradicional. Sixart tuvo una infancia sin problemas y le gusta incorporar esto en sus pinturas. Él dice que la pintura es como una terapia para él y sin él moriría. Mencionó que la naturaleza y la experiencia han influido en su arte inmensamente. Aunque artistas clásicos no le han influido, algunos de sus favoritos son Picasso, Basquiat, Miró y Mano-
lo Millares, y Keith Haring. Sergio ha hecho un par de expediciones hasta el momento, y planea en hacer muchos más en el futuro. Él es también una parte de El Equipo Plástico con los artistas Nuria Mora, Nano4814 y Eltono. Sixeart es una muy interesante e inspirado artista / graffitero; su obra se ofrece durante todo Barcelona. Sergio Hidalgo es un artista español multidisciplinar que expresa con su obra colorista un universo propio a través de varias disciplinas. Sixeart empezó su trayectoria artística en el mundo del graffiti a finales de los 80. Al principio bombardeando en las calles de Barcelona, ha ido desarrollando su propio
estilo graffitero, A mitades de los 90 empezó experimentarse con la escultura y la pintura hasta que en el año 98 vio la necesidad de tener su propio taller. Teniendo su taller ha podido definirse como artista plástico.
SU OBRA PICTÓRICA SE DIVIDE EN TRES SERIES: NIÑOS MALOS CON FLEQUILLOS, CIRCUITOS ANIMALES MUTANTES. Sixeart expresa a través de su estilo infantil sus sixeartvivencias del paisaje urbano, la melancolía de la ciudad, sus preocupaciones por la evolución y sus consecuencias, la manipulación genética, un romanticismo para el mundo que se queda atrás,
Dúo Español, reconocidos por su habilidad para crear relaciones entre arte, arquitectura, escultura, espacio y contextos sociales, adoptando un enfoque altamente atractivo y performativo, rotundo en su discurso artístico y plenamente innovador en sus fusiones. En su arte podemos identificar la perfecta deconstrucción del arte clásico y del más actual Arte Urbano para crear una nueva fusión que siendo fiel a su herencia clásica produce una visión del arte. PichiAvo son uno desde 2007, huyendo del egocentrismo del graffiti,se unen para dar a luz una obra individual que recita una poética conceptualmente urbana,nacida del formalismo artístico de la calle,transfiriendo fragmentos del muro al lienzo y viceversa en una visión personal. Pichi y Avo es un arte de la calle dúo de Valencia , España . Todo comenzó en 2007, con lo que un toque espectacular lúcida del color de Mediterannean a las calles de Valencia y toda España, Pichi y Avo han infundido un nivel impresionante de detalles figurativa en su trabajo. Sugerencias del surrealismo saltan y bofetada al espectador acerca mientras dibujo en una explosión radiante de talento sin límites , aerosol pintado. Crear un revuelo
enorme en su ciudad natal y a punto de establecer el resto de Europeablaze . Pichi y Avo son uno, huyendo del egocentrismo del graffiti y se unen para dar a luz una sola obra , dos visiones similares del mundo son el resultado de su trabajo. A pesar de que la tendencia va hacia lo surreal, el detalle figurativo que logran en cada graffiti es asombroso. Esta galería nos muestra una serie de pintas que incluye a la mitología griega y sus dioses, en donde podemos ver cómo estos elementos se mezclan con colores, tipografías y demás rasgos del graffiti. El detalle de sus cuerpos, sus rostros y hasta el cabello es para destacar y es esa mezcla entre dos mundos distintos, lo que hace tan atractivo a estos murales.
DOS NUEVAS JOYAS DE PARED A los vecinos y turistas de Puerto de la Cruz les lleva doliendo el cuello toda la semana. ¿La explicación? Muy sencillo: el proyecto para embellecer las paredes medianeras del municipio, Puerto Street Art, acomete su tercera fase y es inevitable alzar la vista para disfrutar
del proceso. Los divertidos valencianos Pichi & Avo y el cosmopolita argentino Martín Ron llevan toda la semana coloreando sendos muros de Puerto de la Cruz, que se suman a los 13 ya existentes, mientras las calles viven Periplo, el Festival Internacional de Literatura de Viajes y Aventuras. Las inmediaciones de la Placeta Benito Pérez Galdós, en la calle Carrillo, se encuentra la gran medianera en la que Pichi & Avo, de 38 y 30 años, llevan toda la semana trabajando. Estos amigos trabajan juntos, concentrados, sin hablar, con confianza ciega en el otro y pintando este o aquel detalle dejando un úni-
co sello personal, que los caracteriza. "Lo importante es el arte, no quién lo haga: nosotros somos solo unos mediadores", argumentan. La primera fase de su mural fue la de llenarla de esas típicas letras grafiteras con la que todo artista callejero comienza. La segunda fase consiste en pintar una diáfana escultura grecorromana, un alarde de técnica hiperrealista de los valencianos. Este choque de estilos es el sello con el que trabajan Pichi & Avo, sobre todo de cara a galerías. "Es una mezcla que nos recuerda de dónde venimos y hacia dónde vamos", cuenta Pichi. Antes de viajar a la Isla, el equipo de Puerto Street Art les pasó la imagen y dirección de la pared ofrecida.
Jana y js son una pareja de artistas austro-alemán, cuya obra se puede encontrar tanto en las zonas urbanas, así como en el espacio cerrado. inspirado por la ciudad y su arquitectura a través de las edades, así como por los residentes y los espectadores, que rocían los paisajes urbanos, los detalles de la arquitectura y retratos (la gente a menudo fotografiadas) con un juego de reflejos y transparencias. utilizan el (ouvrier post-artiste juntos en WCA colectiva) Técnica de la plantilla, en la que trabajan exclusivamente con sus propias fotos. Después de que se vivieron durante varios años en Madrid y París, que ahora vive en Austria, Salzburgo, nuestras obras se pueden encontrar en Francia, París, en el abierto Galería deespacio, en Lille técnica como galería, en Austria, Viena, en la galería inoperable, Graz, en la galería de Andreas Lendl - Haus der Kunst, en Alemania, Düsseldorf, en la galería de prettyportal y en Estados Unidos, Miami, en la galería de gregg Shienbau
Bellas Arte. Con una idea en la cabeza y una lata de aerosol en mano, esta pareja artística han estado haciendo su huella en los paisajes urbanos de las metrópolis del mundo desde hace años. Jana y Jean-Sébastien se reunieron en Madrid durante un año en el extranjero; el arte llegó después de eso. Inspirado por la escena del Arte de Madrid Calle, el parisino nacido Jean-Sébastien - que no es un pintor naturales - comenzó a interesarse en dibujar. Creación de plantillas de fotos, comenzó a evocar impresiones realistas en todas las paredes. En la patria austriaca de Jana, la pareja pasear por sus edificios y desiertos favoritos abandonados. Ya sea un muro de fábrica o de un tronco de árbol, que están en una búsqueda incesante de un nuevo escenario para su arte. A través de sus imágenes Jana y Jean-Sébastien dan lugares descuidados nueva vida. Esta es una conversación acerca de la estética de los escombros, arte de la calle comercial y la política de la calle. ¿Cómo conociste? JS: Yo nací en París y Tours estudié economía. Por mi semestre en el extranjero, me fui a Madrid donde conocí a Jana. Jana: Yo he venido a Madrid como au pair pero dejar el trabajo temprano, así
que tuve que encontrar un nuevo apartamento y un nuevo trabajo. Jean-Sébastien ya vivía en el apartamento que me mudé. ¿Cómo dos compañeros de piso en Madrid se convierten en dos jóvenes artistas-padres en Salzburgo? Jana: Después de nuestro tiempo en Madrid, regresó a Viena y Jean-Sébastien a París. Sólo un año más tarde, se trasladó a París para que pudiéramos estar juntos. Y luego nos mudamos a Salzburgo en 2008, porque quería estudiar allí. ¿Cuándo comenzó a trabajar juntos? Jana: Yo ya estaba dibujando y fotografiando todo el tiempo. Jean-Sébastien realmente no lo era. Pero, extrañamente, fue él quien primero demostró la técnica de esténcil para mí. JS: Aprendí la técnica en Francia, de la artista Artiste-Obrero. Yo ya había querido trabajar creativamente durante mucho tiempo, pero siempre fue mala suerte con mis piezas. La técnica de la plantilla era perfecta para mí, no es un problema si se puede dibujar o no, siempre que
Pez es un artista del graffiti de Barcelona, nacido en 1976. Se inició en su ciudad natal en el año 1999. Concretamente, empezó escribiendo su firma, que fue evolucionando hasta que sus trazos adquirieron forma de un pez. Ya usando esa firma, e influenciado por el comic y las subculturas urbanas, se interesa por crear un personaje cuyo lenguaje fuera universal. Descubre ese lenguaje universal y atemporal en la sonrisa. Ésta sería la manera que su personaje debía expresarse.1 “Un día decidió pintar un pez, como personaje, al lado de su firma. El Pez había nacido! Un personaje muy sonriente. Encontró en su gran sonrisa una manera de contagiar buenas vibraciones a los transeúntes en las calles de su ciudad, Barcelona”. Así empezó a dirigirse a los barceloneses a través de su graffiti. En menos de un año, a principios del 2000, Pez es invitado a concursos de graffiti y exhibiciones de arte urbano por toda España: Madrid, Pamplona, Las Palmas, Valencia, Bilbao, Sevilla. En poco tiempo el personaje de risa descomunal, se propaga por toda Europa y más allá de los muros. Es invitado a exponer su obra en galerías de arte: París, Amsterdam, Berlín, Milán, entre otros países. En 2006, viaja a Sudamérica para pintar en Caracas, Bogotá
y Lima. Unos meses después Pez es invitado por K-Swiss, una marca asiática líder en el mercado de pinturas, formando parte del Tour K-swiss, junto a dos conocidos graffiteros: London Police (Londres) y Flying Fortress (Munich). El tour le traslada a Asia, recorriendo Hong Kong, Singapur, Shanghai, Tokio, Seúl, Taipei. Durante los últimos años Pez ha estado exponiendo su arte alrededor del mundo: Barcelona, Bogotá, París, Londres, Nueva York, Portland, Los Ángeles, Miami, Hamburgo Oslo, ... En los últimos años Pez ha desarrollado un mundo de personajes: demonios, ángeles, jirafas, marcianos ... reconocibles por su desmesurada y contagiosa sonrisa. Fruto de su afán por llevar más allá sus graffitis, y con el ánimo de contagiar su “buen rollo” a más personas, en el 2011 decide crear su propia línea de productos. En la actualidad, Pez expone su arte en galerías, participa en festivales y eventos de arte urbano, exhibe en ferias de arte, y diseña sus propias colecciones de producto. Pez no representa a ninguna organización de grafiteros, él pinta con el mundo y para el
mundo. La razón de la firma tan única de Pez en sus palabras: “esperaba que fuera diferente a la de otros grafiteros, he encontrado una nueva forma de mezclar letras y logo.” Pez “no juega el juego competitivo” palabras textuales del artista, él solo pinta porque ama pintar. La pintura que Pez usa es hecha en Barcelona, “Montana” es la marca favorita de Pez, pero no teme usar cualquier pintura. Cuando se le preguntó qué prefiere pintar, dijo: “me encanta pintar en paredes descuidadas en el centro de la ciudad. También me gusta pintar en los anuncios que hay en las carreteras. Busco lugares en donde mis pinturas permanezcan el mayor tiempo posible.” A Pez le gusta pintar en donde sea: fiestas de Reggae, salones de baile, playas caribeñas, ekosystem. org, caracteres felices, Bob Sponja, entradas libres y cerveza gratis. A Pez le desagradan los helicópteros con policías, programas basura de televisión, los aeropuertos, la hipocresía, la guerra y las preguntas típicas del arte urbano.
De «ilustrador» de muros de moda, a impartir clases de graffiti por la calle. El Colegio Territorial de Arquitectos de Valencia ha fichado a DEIH, dibujante urbano de renombre, para realizar unos talleres con la técnica del aerosol o el dibujo a mano alzada. En un claro intento por «alejarse de la mala fama y el vandalismo» que acompaña en muchas ocasiones a estos artistas callejeros, el grafiti explora otros ámbitos como este de trabajar conjuntamente con los profesionales de la arquitectura valenciana. Tal como apuntan éstos, se trata de «una experiencia única que está haciendo furor en las grandes capitales europeas y de Estados Unidos, que arrancará a partir del 29 de enero, a cargo de los más renombrados urban sketchers». «Son salidas en grupo tuteladas por profesores para practicar en el exterior utilizando lápiz, rotulador, acuarela, graffiti, recursos digitales...», explican desde el CTAV. El tutor de la segunda salida, el 19 de febrero, será el reconocido Deih (www. eldeih.com), cuya obra se ha podido ver en museos y galerías como el Muvim, Museu del Centre del Carme, Sala Josep Renau (UPV), UNAM (Mexico D.F.), Avart,
Crewest Gallery (L.A.), The Fridge(Washington D.C) y en festivales como Poliniza, Mislatas Representan, o Poliniza Mexico. Según apuntan desde el colegio de arquitectos, Deih es «una auténtica referencia en el universo del comic y el graffiti ilustrado». Licenciado en
La Facultad de Bellas Artes de San Carlos UPV, su trayectoria está centrada en la pintura mural. En reinventar y probar «nuevos prototipos narrativos como el spoken hip-hop, el freestyle junto a su grupo Stalker, la ilustración, el cómic, el video o los dibujos animados», destacan los organizadores. Los alumnos dispondrán desde aerosoles y pintura plástica, hasta tizas, para desarrollar la actividad en un muro autorizado a tal efecto. Esta experiencia pionera ofrece una ocasión exclusiva para explorar la faceta lúdica del dibujo a mano alzada en sí, «como fin en sí mismo, como forma de expresión, anotación y como vehículo de comunicación entre
personas». Se trata de salidas no académicas, abiertas a todos (no sólo a arquitectos colegiados), en grupo y el objetivo es dibujar la ciudad, los paisajes urbanos y la arquitectura. No es preciso saber dibujar ni tener ningún tipo de experiencia previa, aclaran. Una exposición en el mes de junio en la Sala de Exposiciones del CTAV, cerrará el curso. Ya hacia algún tiempo que venía rondándome la idea de escribir algo sobre el grafiti. Este movimiento artístico del siglo XX, que como todo lo vanguardista y nuevo ha sufrido la incomprensión de la época. Van pasando las décadas desde que apareciese en los años 60
en Nueva York, como uno de los cuatro elementos básicos de la cultura hip-hop. Posteriormente han ido adoptando este concepto otras manifestaciones, como las pintadas generalmente de protesta político o social que en su ejecución no albergan ninguna intención artística. El “grafitti” es por otro lado el nombre de inscripciones de época romana que han quedado grabadas en paredes.
(C nacido. 1976) ROA [1] es el pseudónimo de un artista de graffiti de Gante, Bélgica. Ha creado obras en las calles de ciudades de Europa, Estados Unidos, Australia y Nueva Zelanda. [2] ROA generalmente pinta animales salvajes / urbanas y aves que son nativas de la zona a pintar. [3] ROA generalmente utiliza una paleta mínima de color, como el negro, blanco y rojo, pero también crea obras con colores vibrantes que representa la carne y / o interna sistemas dentro de los animales y aves. [2] En 2010 el ROA llegó a particular, publicado en el Reino Unido cuando el consejo Hackney amenazó con pintar sobre una de sus pinturas, un alto conejo 3.5m. El conejo había sido pintado legalmente en la pared del local Estudios en Hackney Road, Londres. [1] Una campaña se puso en marcha para mantener el mural, por los propietarios del edificio y los residentes locales, lo que obligó al Ayuntamiento a cambiar de opinión. [4] Mientras que exhibe obras en Forma Galería de
Perth, ROA fue encargado por el Ayuntamiento de Fremantle a dejar su huella en Fremantle, en alrededor de 12 horas ROA creó un mural 25 metros de un Numbat que eligió porque es una especie en peligro de extinción local. [5] En 2011, el ROA participó en el Festival CityLeaks Colonia y pintó un mural en Ehrenfeld en Senefelderstrasse 5 [6] En agosto de 2012 el ROA participó en el festival de arte callejero See No Evil en Bristol, Inglaterra, creando un alto zorro de dos pisos en el lado de un edificio. A una edad muy joven Roa recuerda queriendo ser un arqueólogo o algo aventurero y la recogida de pequeños cráneos de aves y roedores para dibujar en casa. Él creció en los años ochenta y, naturalmente, se inspiró en la vida estadounidense; música, patinaje y así sucesivamente. El amor por la música, más en particular, de hiphop, se unió rápida-
mente su curiosidad en el graffiti. Al igual que la mayoría de los muralistas, comenzó rociando tiro-ups bajo los puentes y paredes. Durante sus primeros años, Roa expresó una mezcla activa, ecléctica de estilos. En ese momento, no había movimiento prevaleciente en Bélgica. Conforme pasó el tiempo, la evolución de la escena se desarrolló aún más como visitantes extranjeros dejaron atrás una variada colección de talentos y habilidades. Lento pero seguro Roa se convirtió en adicto a la naturaleza del arte urbano. Roa es conocido principalmente por su fuerte obsesión por los animales y roedores. A menudo se combina la vida, la muerte y la vida después de la muerte en sus murales, que lo distingue de forma rápida entre los muralistas tradicionales. Sus animales están pintadas incluir órganos esqueleto e internos, por lo que la vista aún más realista. Los estados artista, “Órganos son las sustancias vitales de nuestro cuerpo y que representan una gran parte del simbolismo que me gusta!” Uno de amor por los ani-
El muralista y el equipo de Estudio Kobra trabajando en el lugar todos los días de 8 am a las 19h, por el trabajo para estar listo por el 10 de noviembre, días antes del GP de Fórmula 1 de Interlagos (que tendrá lugar el 15 de noviembre). El mural "La leyenda de Brasil", de 41 metros por 17,5 metros, está en la calle de la Consolación, 2608 (en la esquina de Av. Paulista, en frente de la Plaza José Molina), en São Paulo. Muestra, con colores brillantes, el piloto y casco de mirada expresiva. Senna es una de las grandes referencias de la vida de Eduardo Kobra. "Tengo muchos años el sueño de hacer un gran mural en este ejemplo de talento, determinación y capacidad de recuperación", dijo Kobra, que ha pintado varios murales en el triple campeón del mundo de Fórmula 1. "Es sin duda la persona más pintado en mi vida . Había unas diez pequeñas y medianas murales, además de una pantalla. Aunque no estoy muy conectado con el deporte, Senna ha sido siempre uno de mis grandes ídolos. Es un honor para celebrar ahora un enorme mural en Sao Paulo en esta notable São Paulo y Brasil ", dice Kobra. El 26 de agosto, Kobra comenzó su obra más grande en el extranjero. Lo hace en Minneapolis, Minnesota, Estados Unidos, un recuento de la cantante y compositor estadounidense Bob Dylan, en una pared de 50 metros por 20 metros en un edificio Art Deco en la esquina de Henneping con S. 5th Street , en el centro de la
ciudad. Kobra se encuentra en los EE.UU. hace una semana, acompañado por los artistas Agnaldo Brito, Silvio Cesar y Marcos Rafael, todos de Estudio Kobra. En el trabajo también se contará con la colaboración de dos trabajadores estadounidenses. “Vamos a mostrar pared en tres diferentes etapas de la carrera de Dylan, inspirado en el título de una de sus canciones más importantes,” Los tiempos están cambiando “. Será un panel permanente de unos mil metros cuadrados “, dice Kobra. En la primera quincena de abril, Kobra hizo dos intervenciones en Tokio que “hablar el uno al otro.” La primera en Shibuya Scramble Crossing, la más famosa esquina del barrio de Shibuya en Tokio. En una pared de 18 metros de largo y 4,5 de alto, pintó estilos musicales y personajes imaginarios de la música brasileña. El nombre del trabajo es “Ritmos de Brasil.” Al otro lado de la calle, en una pared de 7,3 metros por 13,7 metros, Kobra pintó un japonés del siglo 19, la observación de la otra obra, en una especie de portal del tiempo. “Este personaje clásico en
busca de trabajo y encontrar en Brasil un país de gran diversidad musical”, dice Kobra. El corazón de Sao Paulo se convirtió en más colorido. Avenida Paulista la esquina de la calle de la Consolación, el artista y el graffiti artista Eduardo Kobra hizo un gran panel de nuevo, que honra el triple campeón de la Fórmula 1 y el ídolo nacional Ayrton Senna (1960-1994). Con 41 metros de altura y 17,5 de ancho, el panel retrata el piloto y su casco, todo en colores llamativos y que ya están familiarizados Kobra. El sábado, día 28, a las 11 horas, la Galería de Arte de la lona abre sus puertas para mostrar lo que es mejor en el graffiti nacional. La exposición “artistas de Graffiti”, que reúne obras de artistas como cráneo, Kobra, nunca, Orión y Binho, se puede dar hasta el 14 de marzo de lunes a viernes de 10h a 19h, y los sábados de 11h a 15h con Ratchet Entrada gratuita. Para cráneo, artista conocido por sus personajes indígenas que pueblan las paredes y pasos a desnivel en la ciudad y se ha logrado un gran prestigio