Baila conmigo . MFM by enfasis

Baila conmigo

Editorial María Fernanda Meneses Gálvez

"la danza, como arte promordial y natural por excelencia, tiene un valor universal y simbólico, porque expresa un sentimiento, un estado del alma: es decir, tiene el carácter fundamental, esencial de una creación estética." T.H. RIBOT

TANGO es una onomatopeya del sonido del tambor.viene del latín ‘tangere’ que significa ‘tocar’. viene de una lengua africana que significaba ‘lugar de encuentro’.

Tango

Historia L

a historia del tango no tiene un origen claro ni preciso, es posible determinar aproximadamente su surgimiento y el entorno en el cual se desenvuelva. La historia del tango comienza entonces a finales del siglo XIX en la ciudad de Buenos Aires, en los arrabales. Es un baile que se ejecuta en las pistas de los burdeles, y que tiene fuertes connotaciones eróticas, lo cual provoca el desprecio de las clases altas. La historia del tango comienza en Buenos Aires a fines del siglo XIX, y está ligada con la ciudad

porteña y sus costumbres. En los orígenes, el tango no era más que una forma de bailar la música del momento (mazurcas, poleas, habaneras, vals, para la población blanca, y para la población negra el candombe). A comienzos de la historia del tango, la música es interpretada por grupos modestos, de violín, flauta y guitarra, y otros tan humildes que se acompañaban con peine utilizado como instrumento de viento, envuelto en papel de fumar, para los grupos que carecían de guitarra. El bandoneón se

acopla tardíamente a la historia del ango, pues llega alrededor de 1900, sustituyendo a la flauta.Al principio, en el tango se interpretaban melodías ya existentes, adaptándolas. Luego se comenzaron a componer melodías de tango propiamente, pero sin registro escrito, con lo cual se prestó para que quienes sí sabían escribir música, se acreditaran la autoría de dichas melodías, siempre que las mismas contaran el favor popular.

‘‘Funyi’’ El sobrero del tango es un rasgo infantable en la indumentaria de un tanguero. Hacia finales de 1800 se caracterizaban por ser negros y tener una copa muy alta. En el siglo XX la tendencia se inclina por la utilización de sombreros grises y copas no tan altas.

La Argentina duplicó su población a fines del siglo XIX, y la mitad de su población estaba radicada en Buenos Aires, donde el porcentaje de extranjeros alcanzó el 50%, que se unían a los gauchos e indios provenientes del interior del país.En este ambiente surge la historia del tango, que se baila en burdeles y tugurios, academias, con las prostitutas como única presencia femenina. Esto también llevo a que la forma de bailar el tango fuera demasiado corporal y provocadora para la época.Cuando llegan las letras a la historia del tango, para acompañar la música, sus contenidos son procaces, y ya lo anuncian desde el título.

‘‘Fueshe’’ Más conocido como Bandoneón es un istrumento musical de viento que proviene de Alemania. los argentinos lo adoptaron de marineros e imigrandes y fue así como este intrumento ayudó a la formaion del sonido particular del tango.

ciudad del t a n go

Argentina 7

Es el nombre que le dan ave pico, que tiene cuello y patas muy largas. Tiene un plumaje rojizo que a lo lejos parece flamas de fuego.

Flamenca

Flamenco Proviene de la expresión árabe ‘Felag mengu’ que quiere decir ‘campesino huido’’.

Historia Los orígenes del flamenco son inciertos. Aún no se conocen con exactitud los auténticos mecanismos sociales y culturales que hicieron posible el nacimiento de un arte popular donde se combinan los más ilustres sedimentos de la música oriental almacenados en Andalucía. Es posible imaginar la génesis musical del flamenco como un crisol de muy profusos y entremezclados ingredientes orientales: hindúes, griegos, bizantinos, persas, árabes, hebreos. Todos ellos fueron fundiéndose a lo largo de la historia en el solar andaluz. Luego los gitanos, con posible colaboración de los moriscos, serían los refundidores de toda esa música oriental andaluza. El flamenco es una cultura auténtica que tiene valores mestizos, cuenta con su parte árabe, judía, gitana y andaluza. Los ocho siglos de dominación musulmana dejaron en Andalucía una muy variada y manifiesta raigambre cultural. El clima expresivo de una vieja melodía tunecina puede crear un placer estético muy parecido al que suscita un cante gitano-andaluz. Del mundo árabe proviene

claramente la zambra. Así mismo la guitarra flamenca alterna el rasgueado, característico de la guitarra castellana, con el punteado, proveniente de la guitarra morisca. Los judíos tampoco crearon el arte flamenco pero colaboraron en su conservación. Existen claras semejanzas entre ciertos rasgos de cante sinagogales y las más antiguas variantes de seguiriyas. No deja de ser revelador que algunas modalidades de oración cantada por los sefarditas conserve una manifiesta similitud con las tonás de donde brotaron las saetas. Otro cante cuya procedencia hebrea sería muy difícil de negar es la petenera. Por otra parte el baile flamenco, su cabalístico lenguaje a través del gesto y de las manos, conserva una clara analogía con las danzas sagradas hindúes.Esa personalidad expresiva que se evidencia en la música popular andaluza, enriquecida con los aportes musicales árabes y hebreos, va a ser reinterpretada por los gitanos, luego de su entrada a la Península Ibérica en el S XV. No puede

hablarse de cante flamenco antes de llegar los gitanos a Andalucía. Pero tampoco de un arte exclusivamente gitano debido a que en ningún otro lugar del mundo los gitanos cantan flamenco. Los gitanos asimilan y reelaboran esos elementos dispares con los que se encuentran a través de sus conductos expresivos y de su extraordinaria capacidad interpretativa.La expulsión de los judíos y la conquista del último reducto árabe en el sur de España, coincide aproximadamente con la llegada de las primeras tribus de gitanos. Se fueron conformando de este modo, comunidades clandestinas. Todo lo que se relacionaba con lo gitano, incluso sus seductoras versiones de cante y baile, fue asociado a la delincuencia y a los bajos fondos.Es por eso, que el flamenco permanece oculto, o quizás en estado embrionario, sin trascender de esos reducidos ámbitos sociales bajoandaluces en los que se irá desarrollando.En realidad, el cante y el baile flamenco, tal como ha llegado hasta nosotros, apenas cuenta con dos siglos de vida.

Cajón Castañuelas

Fué creado por negros esclavos en el perú, depués de que la iglesia prohibiera los tambores por considerarlos paganos . La difución internacional del cajón peruano se debió a su adopción por parte de Paco de Lucia para el flamenco en 1977 tras una gira por

Son un instrumento de percución cuyo origen se remonta a los fenicios (año 100 A.C.) Parecen dericarce de los antiguos crótalos ,de mayor tamaño que las castañuelas de hoy, de metal , barrococido o madera y enlazados por un cordel o cinta. España ha sido el país que ha conservado y desarrollado su uso desde entonces.

Zapatos flamencos Son particularmente importantes porque se utilizan como instrumentos de percusión que acompañan a la música. Esto es asi porque los zapatos tienen uñas especiales en los tacones y en las punteras que potencian el sonido

Samba El nombre de la música carnavalesca brasileña más famosa puede provenir de la lengua congonesa quioco, en la cual samba significa ‘hacer cabriola, saltar, divertirse como un cabrito. La otra posibilidad es que provenga de la palabra del idioma kikongo sémba, que se refiere a un baile en el cual un bailarin o bailarina

Historia L

Samba 12

a samba es sin dudas la música nacional del Brasil, un estilo que actualmente ha recibido muchas fusiones y es muy variado. Los orígenes de este género deben retraerse al África previa a la época en que sus habitantes fueran esclavizados y llevados a América, específicamente en Angola. Aquellos orígenes musicales fueron llevados a Brasil por los africanos y el estilo comenzó a difundirse. Hay que hacer una salvedad y es que no debe confundirse la

samba brasilera con la zamba, que es un ritmo típico del norte argentino. A comienzos del siglo XX el ritmo de la samba se comenzó a expandir

fuertemente en Río de Janeiro, por aquel entonces capital del país. Provenía de Bahía, donde existía la mayor descendencia africana, y en la capital comenzó a perfeccionarse y delimitarse como género musical. Se considera que la primera grabación de samba corresponde al tema “Pelo Telefone”, interpretado por Donga y Mauro Almeida en 1917. El éxito del nuevo estilo musical fue rotundo y comenzó a ser escuchado por

Agogo

Caixa

Cuica

La samba y el caranaval de Rio de janeiro En 1888, la esclavitud se terminó en Brasil, lo cual provocó una migración en masa a la ciudad de Rio de Janeiro. La llamadas Escolas do samba comenzaron a surgir y se propagaron por tola la ciudad.Durnte el carnaval, la samba era tocada en los barrios y suburbios pero la clase alta la juzgaba como obcena..La primera vez que se tocó samba en un carnaval fue en el año 1917. Para la década del 20, la samba se habia convertido en la música más escuchada durante el carnaval.

Es un instrumento musical descendiente de las campanas dobles de hierro africanas.. Cada una de las campanas tiene un tomaño y un sonido diferente.

Pandeiro

Es uno de los intrumentos más representativos de la persecuci{on brasileña. El instrumento se compone de un arco cerrado hecho de madera o acr{ilico donde se fijan tornillos de afinación.

Es un instrumento descendiente directo del tambor conocido como tarole, un tambor militar europeo.

Apito

Originalmente hecho de madera, genera tres tonos y tiene un orificio en cada uno de los lados que permite alterar la nota. LLeva en el interior una blita que al ponerse en movimiento por la presión del aire emitido por la boca produce una acentuada vibración

Es un tambor de fricción que se produce en África, con el secrean melodías improvizadas dentro de la samba

Repinique

Es el instrumento responsable de todos los cortes y entradas de la samba . Se puede toc

Historia D

urante el siglo XVII, antes del reinado del Emperador Pedro el Grande, la danza en Rusia solo existía entre la gente del campo y la clase más baja que vivían fuera de la ciudad, entonces Pedro el Grande decidió desarrollar el arte en su país invitando artistas de otros países para ayudar a modernizar a Rusia y en el siglo XVIII, la historia del Ballet también se originó en las ciudades de

Moscú y San Petersburgo por un grupo de academias que se dedicaron a este arte. En 1744 por primera vez en la historia del ballet ruso, Jean Baptiste Landen fue uno de los primeros coreógrafos de ballet que llegó a Rusia con sus bailarinas para presentar un espectáculo para la emperatriz Ana. Los bailarines de Jean Baptiste organizaron un gran espectáculo, con el

que en 1738 la emperatriz decidió fundar una escuela de ballet. Esta escuela era conocida como la “Escuela del Ballet Imperial”, y más tarde se le conoció como la “Academia Vaganova”, que estuvo dirigida por Agripina Vaganova. Catalana la Grande también fundó una escuela de ballet, los estudiantes fueron de familias pobres de un orfanato en Moscú.

Ballet Ruso La palabra viene del latín ‘ballo’ ‘ballere’ que significa ‘bailar’ que a su vez viene del griego ‘balló’ que significa ‘para bailar, para saltar sobre él’.

Escenografías Rusas León Bakst

Antigua vestimenta Ballet ruso En los trajes se resaltaba la paleta de color utilizada, predominaban los azules y algunos colores tierra.Al mismo tiempo ,la coposición de los trajes estaba dado por aplicaciones de pedazosde telas de otros colores y texturas generando nuevas composiciones casi siempre geométricas

Las obras de ballet ruso que se presentaron en París causaron un fuerte impacto por sus diseños escenográficos y de vestuario que mezclaban lo oriental con lo occidental, la vanguardia con lo primitivo. Leon Bakst, su diseñador más famoso, realizó vestidos cuya estravagancia y orientalismo causaron un auténtico shock al público. La producción de Sheresade fue un derroche de ricos colores que inspiraron la tendencia decorativa Art Deco y del diseño de interiores.

Zapatos para bailar ballet

La caracteristica principal del ballet ruso fue la reducción de la danza al cuerpo humano para expresar historias y emociones, ello explica el desarrollo y el virtuisismo de sus bailarines. Artistas visuales de vanguardia de Matisse, Picasso,Braque, Derain, Goncharova , Laurencien o Channel participaron en el diseñode vestuarios y escenografías.

El Tutú

El uso de las zapatillas de ballet y de los zapatos en punta es reciente. Marie Taglioni fue la primera bailarina de la que hay registro que bailaba en punta (1832). Sus vapatos estaban cosidos en los lados pero la punta estaba abierta, como si no llevara zapatos.

El origen se remonta a las cortes francesas del siglo XVI. Los trages eran grandes y pesados y dificultaban sus movimientos.A los italianos se les atribuye haber aplicado los principales cambios del traje en el siglo XIX que era una falda m{as liviana con 16 capas justo pordebajo de la rodilla.

Irish Dance Step dancing El baile en Irlanda tiene sus raíces en los rituales de la civilización celta. Las evidencias demuestran que los primeros pobladores bailaban en honor al árbol , particularmente el roble, y al sol. Ciertas características de sus danzas circulares sobreviven en algunos bailes de hoy, que a lo largo del tiempo fueron incorporando cambios que permitieron adaptar los movimientos primitivos, a la música tradicional de Irlanda. Se podría decir que la estructura de la danza irlandesa tiene su origen en el baile individual, o stepdance, mientras que la raíz histórica está en el céilí dance; los bailes de conjunto.

Arpa celta

Bouzouki irlandes

Historia Los comienzos de la historia de la danza irlandesa revelan un cambio constante de población producida por las migraciones y las invasiones. Cada una de estas poblaciones trajeron sus propios estilos de danza y música. Sólo hay vagas referencias sobre los comienzos de la danza irlandesa, pero hay evidencia que entre los primeros practicantes, se encontraban los druidas, quienes bailaban en rituales religiosos haciendo honor al roble y al sol. Cuando los celtas llegaron a Irlanda desde Europa central aproximadamente dos mil años

atrás, trajeron con ellos sus danzas folclóricas. Alrededor del 400 dc, luego de la conversión al cristianismo, los nuevos sacerdotes usaron el estilo pagano de ornamentación en sus manuscritos, mientras que los campesinos retuvieron las mismas costumbres en la música y la danza. Durante el siglo dieciocho, apareció en Irlanda lo que se llamó "dancing master". Era un bailarín profesor que viajaba de pueblo en pueblo, enseñando las danzas a los campesinos. Cada maestro tenía su propio distrito y nunca enseñaba en el distrito

de otro. No era extraño para un maestro ser raptado por los residentes de un distrito vecino. Cuando los maestros se encontraban en las ferias, competían unos con otros en un concurso público que sólo terminaba cuando uno de ellos se daba por vencido. Muchas versiones del mismo baile podían ser encontradas en diferentes partes de Irlanda. De este modo una nutrida herencia de bailes se ha tratado y modificado durante los siglos. Hoy se bailan, jigs, reels, hornpipes, sets, polkas y step dances.

Adaptado de un instrumento griego y traído a Irlanda en la década de 1960, el buzuki irlandés es la última incorporación a nuestro arsenal de música tradicional. De aspecto parecido al de una mandolina gigante, este instrumento se ha popularizado gracias a la leyenda del folk irlandés Dónal Lunny quien usa uno en sus grupos Planxty y LAPD. Hoy en día es muy normal ver buzukis en cualquier sesión de música tradicional.

Cuando un instrumento aparece en la bandera nacional, en las monedas de Euro y en la forma de un puente en Dublín, sabes que ese instrumento se ha convertido ya en mito. Estamos hablando del arpa celta. En Irlanda se llevan tocando diferentes versiones de este instrumento triangular con cuerdas de tripa desde el siglo X, cuando arpistas nómadas viajaban por Irlanda tocando canciones a cambio de comida o una cama confortable. En 1792 se organizó el Festival del Arpa en Belfast, en el que los mejores arpistas competían para ganar premios.

Hard shoe ghillies Ésta es la disciplina más popular de la danza irlandesa. Es el zapateo irlandés promovido altamente por espectáculos como Lord of the Dance o Riverdance. Se baila con unos zapatos especiales que suelen tener el medio de la suela blando y los tacos y punta hechos íntegramente de una resina especial. Hay veces que se les ponen un taco común pero con clavos, depende del sonido que se quiera generar.

Bodhran Se pronuncia "bau-ron". Esta gran pandereta está cubierta de piel de animal estirada y se golpea con una baqueta (fabricada tradicionalmente con hueso de nudillo) para darle a la música el vibrante ritmo que consigue convertir al público en cuerpo de baile.

Danza clásica japonesa ‘Nihon Buyou’

Más allá de su belleza, los movimientos lentos y pausados del Nihon Buyo encierran la historia de las artes escénicas de Japón. Nihon Buyo se traduce literalmente como "danza tradicional japonesa" y es una de las representaciones culturales más importantes de ese país.

Historia Cara blanca

Nagauta El Nagauta o canción larga, es un tipo de canción popular acompañada por el shamisen ( g u i t a r r a japonesa) y tambores de mano (kotsuzumi y kotsuzumi) y tambor de baquetas o taiko. También puede incluir una flauta de bambu. La ausencia de voz, puede indicar la ausencia de intención narrativa de la danza y por lo tanto la expresión estará dada por la danza.

La pintura blanca en la cara es un derivado del teatro Kabuki. Se realzan asi los ojos, las cejas y los labios y da al cuello y las manos, la textura de una muñeca de porcelana. La escenografía para esta clase de danzas es más compleja y pueden representarse casas, jardines, puentes, y locaciones exteriores.

Abanico Osensu Es lo que define a la danza japonesa tradicional. Básicamente encarna su espíritu. Puede hacer alusión a diversos objetos durante un baile. Puede ser una pipa, un remo, un barril de sake, un instrumento musical, un arco, una espada etc). También puede representarse con él las condiciones climáticas del tiempo como la nieve, el viento, la brisa, etc. Y dependiendo de la forma de uso, el espectador descubrirá si el personaje es hombre o mujer, adulto, niño o viejo.

Kimono El kimono, con sus telas y diseños apropiados al acontecimiento, época del año y edad de la persona que lo viste, otorga a los eventos el aire de formalidad que tiñe a la cultura japonesa. Si bien en la actualidad la ropa occidental es lo corriente, para eventos especiales los japoneses recurren a su atuendo tradicional pues se lo asocia aún día, como una prenda de vestir exquisita, de alto contenido sentimental y de extrema elegancia.

Este estilo de danza nacido hace más de 300 años en Japón, posee ciertas características que definen a la cultura nipona. Es un espectáculo concienzudamente planeado para ser presentado sobre un escenario y deleitar a los espectadores en todos sus sentidos.La sensualidad del espíritu japonés se expande cuando mediante la danza, logra atravesar la discresión que impone el kimono. Sus orígenes se encuentran en las danzas ceremoniales de la Corte (Bugaku), en las danzas con sentido ritual (Kagura), en los bailes y festejos populares y en las danzas budistas llamadas Ennen. Las expresiones artísticas medievales como el Noh y el Kowaka mai, también imprimieron razgos importantes en sus técnicas y principios

estéticos. Posteriormente el teatro Kabuki terminó por definir el estilo de lo que se califica como danza japonesa “tradicional”. desmenuzando el signficado 舞 Bu o Mai, se utilizaba para referirse a danzas antiguas, preferentemente de la zona de Kansai (actuales regiones de Osaka y Kyoto) que eran conocidas como Kamigata mai. Sus movimientos son suaves y tranquilos y solo se mueve la parte superior del cuerpo. Las piernas se deslizan sigilosamente al ras del piso y se caracterizaban por ser danzas destinadas a la Alta Corte y clases altas. Se asociaban a los bailes populares y al kabuki que comenzó a desarrollarse en el período Edo (16001868) principalmente en la zona de la actual Tokyo y sus alrededores. Aqui la

parte baja del cuerpo toma relevancia y se marca el ritmo con pasos ligeros y pausas llamados “ma”. Kiku Técnica de baile: El Nihon Buyou tiene un elemento fundamental: LA TIERRA. A diferencia de la estética occidental donde toda la danza aspira a “elevarse” hacia los cielos. La danza tradicional japonesa se caracteriza por afirmarse bien en la tierra. Y el cuerpo, como un árbol de raíces firmes, hunde sus pies y se afirma. Las piernas algo inclinadas y los pasos cortos, presentan a los bailarines como seres sólidos y compactos. Los hombros siempre permanecen alineados y los delicados y precisos movimientos de cabeza se encargan de transmitir toda la energía y expresión del espíritu japonés.

Historia L

Derviches

os derviches tienen su origen en uno de los momentos más esplendorosos de la historia del Islam, el siglo XIII en Turquía. Son un grupo nacido dentro del sufismo; es decir, pertenecen a la rama mística, filosófica, científica y poética del Islam. La orden de los derviches danzantes fue fundada por Jelaluddin Mevlana Rumi, de quien proviene el nombre de Mevlevi, con el cual conoce el mundo islámico esta singular congregación religiosa. Rumi nació en el 1207 y falleció el 17 de Diciembre del 1273. Por lo tanto los

derviches celebran la fecha en que Rumi fue a encontrarse con Mahoma y Alá como mejor saben hacerlo: Danzando. La danza tiene un significado claramente cósmico y apegado al devenir de la vida humana. Al entrar al templo, los derviches llevan sobre sí un sayal negro que significa la última morada, la tumba. Se despojan luego de esta capa y quedan vestidos de blanco, color que viene a significar la mortaja. Luego comienzan a girar sobre su eje para vencer la muerte. Extienden sus manos, la derecha recibe la energía del mundo

La palabra Derviche significa “camino al portal”, un camino sembrado de una alegría casi onírica. Los derviches son hijos del trance y el juego. Giran hasta que el mundo material se borre, las penas se desdibujen, la cotidianidad se desvanezca, hasta que el ego se desintegre. Cuando ya no sean el YO, sino algo que flota.

espiritual, superior de los cielos. La izquierda la dirigen a la tierra. Originalmente, el sheik representaba al Sol y los danzantes eran planetas. Así era el cosmos que quería representar Rumi. Esta ceremonia gloriosa y única, es conocida como sema. El sema no es un acto teatral y ni siquiera es un hecho público. Sin embargo, el carácter tolerante, jubiloso y decididamente intelectual del sufismo impregna a los derviches danzantes, de modo que al representar un triunfo sobre la oscuridad, es un acto decididamente lúdico y pleno de alegría.

La música está encaminada a un estado de celebración extática mediante ritmos y danzas. El canto sufí es una instrucción iniciática en torno a un maestro y su grupo de discípulos. La música instrumental con el Oud, tambores y címbalos y la repetición del nombre de Dios (dikr) conforman la melodía.

Sikke

Sayal blanco

Los largos gorros en forma cónica simbolizan el control del pensamiento y de las emociones que todo iniciado debe poseer. Durante la danza mística, que puede durar horas, Los derviches forman un círculo y cada uno de ellos se mueve en armonía al ritmo de la música, aumentando lentamente la velocidad e intensidad de los movimientos hasta que todo termina en una cumbre de exaltación espiritual.

Las largas ropas blancas que los derviches visten representan la pureza conseguida después de la eliminación o muerte del ego.

Sayal negro El vestuario usado por los danzarines tiene un simbolismo especial. Al entrar al templo, los derviches llevan sobre sí un sayal negro que significa la última morada, la tumba. Poco a poco se despojan de esta capa y debajo aparece otra blanca. Primero hay que eliminar lo oscuro y subconsciente para que más tarde aparezca lo blanco y puro.

Pentozali Historia La importancia de la música en grecia data de tiempos tan antiguos como los de Platon que consideraba qu {esta era la base de la educaci{on. Los griegos formaron una m{usica que los identifica a partir de ideas extraidas de la cultura de mesopotamia y Egipto. La mayor{ía de los instrumentos de cuerda utlizados por ellos provinieron de oriente medio. Las danzas griegas varian considerablemente

de región en región, y en principio pueden ser clasificadas como danzas de Grecia continental y danzas isleñas.El pentozali , la danza m{as importante nació en Rathmno, Creta, en 1775. Ese año, el jefe rebelde crtence, Daskologlanis, encarg{ó al músico, Stephanos Triadaflakis que escribiera una canci{on para alentar a sus hombres en la guerra contra los otomanos. ël compuso una musica de

ritmo acelerado y espiritual que guió a los ejércitos al campo de batalla.Hoy en día, la típica danza cretense inspirada en la música de Triadafilakis es de las más populares y difíciles de Grecia. Su versión lenta se realiza tomándose de las manos y la versión rápida, de los hombros. Puesde ejecutarse en el lugar o girando en sentido inverso a las agujas del reloj.

El origen mitológico

Danza pírrica

El origen mitológico de algunos bailes, se encuentra la historia de Theseo, que mató al minotauro en el laberinto de Knossos. En su regreso a Atenas, Teseo se detuvo en Delos para ofrecer un sacrificio a los dioses por haberlo salvado, durante este sacrificio, el elaboró un baile con moviemientos de serpiente que representaba su camino tortuoso a travez del laberinto donde la pelea con el minotauro tuvo lugar. Este es el baile del laberinto o Geranos, como es conocido en los textos antiguos, actualamente es bailado en varias regiones de Grecia. La danza podemos encontrarla en el mismo origen del ser humano, pues ya el hombre primitivo la utilizó, muy tempranamente, como forma de expresión y de comunicación, tanto con los demás seres humanos, como con las fuerzas de la naturaleza que no dominaba y que consideraba divinidades.

Tenemos que considerar que el elemento fundamental de la danza está en la propia naturaleza humana: el ritmo, que le viene dado por su propio funcionamiento orgánico, con la respiración y los latidos del corazón. El mismo principio que hace nacer la música en los orígenes de la humanidad, hace también nacer la danza, que están unidas indisolublemente. Pintura fúnebre. Museo arqueológico nacional. Nápoles Los primeros en reconocer la danza como un arte fueron los griegos, que le dedicaron en su mitología una musa: Terpsícore. Su práctica estaba ligada al culto del dios Dionisos y, junto con la poesía y la música, era elemento indispensable de la tragedia griega, donde la catarsis ponía al individuo en relación con los dioses, aunque también entre los griegos cumplía la danza una función de comunicación y cohesión social.

Platón reconoció tres especies de danzas, dos de «honestas» y una de «sospechosa: La primera, de pura imitación, que con dignidad y nobleza se ajusta a las expresiones del canto y de la poesía. La segunda, destinada a procurar la salud, ligereza y buena gracia en el cuerpo. La tercera o sospechosa era de las bacantes y otras semejantes que con pretexto de cumplir con ciertos ritos religiosos imitaba la embriaguez y se abandonaban a toda suerte de excesos. Por esta razón, al paso que juzgó las dos primeras de la más grande utilidad para la república, desterró la última como contraria a la moral y buenas costumbres.

Fan dance Corea

Historia Mientras que los arqueólogos han encontrado cerámica que representa danzas folclóricas chinas que datan de alrededor de 4000 al año 2000 aC, se cree que la danza de los abanicos que han comenzó durante la dinastía Han. Es decir, alrededor de 200 ADC. Fue también durante la dinastía Han que se hizo el primer esfuerzo para recopilar y preservar las danzas folklóricas del país. Afortunadamente, esta

práctica se convirtió en importante para las siguientes generaciones y danzas folklóricas de edad que todavía se comparten en la actualidad. La danza china se divide en la danza civil o militar y sus movimientos pueden variar dependiendo de su clasificación. Los bailes Bailes de fans civiles tienden a ser más fluidos y detallados, tienen que demostrar celebración,

gracia y belleza. Estos bailes se originan en los bailes antiguos donde se celebraba la distribución de la comida obtenida de la caza y la pesca; la gente bailaba sosteniendo pancartas con plumas. El baile militar se hizo con armas, en coordinación movimientos grupales. Esto evolucionó en los movimientos utilizados en ejercicios militares.

El abanico chino y su baile acompañante son elementos culturales básicos hoy en día. Representando habilidad, belleza y tradición, el baile con abanico chino tiene una historia larga y atesorada en China. Significado Muchos bailes con abanicos chinos comenzaron como rituales ceremoniosos, y aun cuando los movimientos de baile tradicionales no

La danza de los abanicos

han cambiado, su uso sí. Estos bailes actualmente son representaciones de belleza, gracia, habilidad, tradición e historia. Los bailes con abanico todavía pueden ser usados en ceremonias y celebraciones chinas (como el año nuevo chino) e incluso se han transformado en rutinas de ejercicio únicas y modernas.

Zulu

Historia Nativa de Sudáfrica, la tribu Zulu tiene muchos rituales que han pasado de generación en generación a lo largo del tiempo. Bailar es uno de los rituales más comunes de la comunidad y se incorpora en casi todas las ceremonias Zulu. Los bailes Zulu son símbolos de felicidad y suceden en cualquier evento importante. Significado histórico corkonian/iStock/Getty Images De acuerdo con Zulu Culture.com, miles de vírgenes Zulu bailan en

el Palacio Real Zulu Enyokeni cada septiembre en el festival Reed Dance o Umkhosi Womhlanga. La tradición comienza cuando las jóvenes vírgenes juntan unas plantas parecidas a pasto del río y las llevan al rey Zulu. Las niñas bailan con las plantas en frente del rey y después él elige a su novia. Además de la elección de novia, uno de los principales propósitos de este baile era alentar a las niñas a

permanecer siendo vírgenes hasta el matrimonio. Ocasiones corkonian/iStock/Getty Images Hay varios tipos de bailes Zulu que suceden a lo largo del año y en muchas ocasiones que ameritan un baile. Algunos ejemplos de estos periodos de tiempo importantes incluyen bodas, nacimientos e iniciaciones a la adultez. Otras ocasiones de baile incluyen las inauguraciones de reyes Zulu y victorias de guerra.

Hay muchos tipos de bailes Zulu además del baile de las plantas. El baile Ingoma es considerado una de las formas más puras de baile Zulu, de acuerdo con Zululand Ecoadventures. Este baile se realiza junto con un canto y durante las ceremonias de transición como convertirse en adultos, bodas y periodos antes de caza o batallas. El Ingoma es un baile que se baila de manera frenética e incorpora movimientos con patadas altas. El baile Indlamy es el baile tradicional de los guerreros hombres y muestra fuerza muscular y movimientos imitando peleas. El baile Imvunulo solo tiene a un bailarín y se hace para mostrar el atuendo tradicional Zulu y su posición en la sociedad. El baile Isicathamiya se realiza por un grupo de hombres o niños en una línea recta para simbolizar la vida y los problemas en la comunidad. En las bodas, se realizan los bailes Ingoma e Indalmu junto con los bailes Umbholoho. Este tipo de bailes se realizan por las dos familias de la pareja recién casada.

Música

Vestimenta

Los bailes Ignoma se realizan con el sonido de los cantos de los bailarines. En la forma Isishameni del Ingoma, los niños y las niñas bailan separados y los géneros opuestos aplauden al ritmo. El baile Indalamy se hace con tambores y silbatos. Los bailes Isicathamiya y Umbholoho se bailan con tambores y canciones.

Las niñas llevan el pecho descubierto y utilizan faldas de lana y cascabeles de tobillo durante los bailes Ingoma y de las plantas. Los niños y hombres por lo general sólo usan taparrabos para cubrir sus genitales y parte trasera durante el baile Ingoma. Los hombres usanel atuendo completo de guerra que incluye taparrabos, aros de cabeza, cascabeles de tobillos, cinturones ceremoniales y escudos durante el baile Indalamu. En el baile Imvunulo, las mujeres usan faldas de piel y delantales cosidos mientras los hombres usan amabeshu (taparrabos). Solo las mujeres casadas pueden usar cuentas rojas en sus delantales.

Salsa significa ‘aderezo’ y viene de la palabra sal.popularmente se ha adoptado como una palabra asociada metafóricamente con el sabor, la alegría y la fuerza de la vida. En 1933, el músico cubano Ignacio Piñero utilizó por primera vez el término en un tema del son cubano titulado ‘echale salsita’. Un disc jockey venezolano Philias Danilo quien difundia la música latina prodicida en Nueva Yorck fue quien uso por primara vez el término para referirse al género musical. el boom de la palabra ‘salsa’ se dió hasta los años setenta por el surgimiento de la orquesta la fania all stars.

Salsa

Historia Hay quien no duda en afirmar que la Salsa es un género musical surgido en Nueva York que se empieza a gestar en los años 60 y vive su momento culminante en la década siguiente. Lo definen como una realidad musical diferenciada surgida en los barrios hispanos de la capital cultural y económica de Norteamérica y, muy especialmente, en la importante comunidad puertorriqueña allí asentada.Desde el punto de vista factual, esta visión del fenómeno es correcta pero tiene la debilidad de una descontextualización que en nada ayuda a comprender y analizar bien el proceso. Es curioso que un fenómeno latinoamericano y de habla española como es la salsa haya tenido su eclosión en Nueva York y de hecho resulta exótico si no se tienen en cuenta las continuadas relaciones musicales entre Estados Unidos y la música del caribe, especial y

notoriamente, la música de Cuba. Tras cuatro décadas de bloqueo norteamericano contra la Perla de las Antillas, resulta casi inesperado descubrir al volver la vista atrás, lo profunda y continuada que fue la relación, no digamos entre ambos pueblos pero si al menos, entre Nueva York y la música cubana. En los años 40 y 50 durante el apogeo de las big bands norteamericanas, los músicos cubanos muestran una gran porosidad hacia la influencia de sus vecinos del norte. En algunos sones se parafrasean melodías de jazz norteamericanas pero, sobre todo, se reconstruyen las formaciones musicales tradicionales para dar entrada a una sección de viento siguiendo el ejemplo de las bandas de Miller, Basie o Kenton . Las influencias son bidireccionales de modo que nombres tan importantes como Dizzie Gillespie o Charlie Parker introducen percusiones e incluso

percusionistas cubanos en sus bandas. Al mismo tiempo, los norteamericanos en general no son nada remisos a aceptar los nuevos ritmos alumbrados en Cuba. En realidad, gracias a ellos triunfan comercialmente el mambo primero y el chacha-chá después. Lo mismo ocurre con las formaciones. Benni Moré, Perez Prado, Machito, Tito Rodríguez o el puertorriqueño Tito Puente encuentran su lugar en Nueva York que tiene en la calle 52 la meca de la música latina, el Palladium Dancehall. Durante esos años además, la Habana estaba repleta de turistas norteamericanos que recalaban en sus night clubs, parte de ellos junto a los hoteles que los albergaban, controlados ya por la mafia que planeaba trasladar su paraíso artificial de las Vegas allí, para eludir la presión fiscal y policial que se cernía sobre ellos en Estados Unidos.

Salsa en cali El reconocimiento mundial de Cali como ciudad salsera, empezó a forjarse desde hace muchos años, gracias a dos plataformas de gran importancia para el desarrollo e impulso de la salsa en Cali: La Feria de Cali y Juanchito. A partir de 1957 se inició en Cali la tradición de celebrar anualmente la Feria de Cali, que aunque en un principio fue una feria puramente taurina, poco a poco se fueron implementando los conciertos y shows de artistas, bailarines y orquestas, para brindar entretenimiento a los ciudadanos en las épocas decembrinas. Esto dio pie a que muchos importantes artistas de salsa, reconocidos a nivel mundial tales como Willie Colon, Héctor Lavoe, Celia Cruz, entre muchos otros, fueran invitados a formar parte de los conciertos de la feria, lo cual por supuesto hizo que Cali adquiriera la reputación a nivel mundial de ciudad rumbera y salsera, que era destino obligado de los cantantes y orquestas más importantes de la salsa. Por su parte, Juanchito, un corregimiento del municipio de Candelaria, a orillas del río Cauca se convirtió en uno de los sitios más importantes para la rumba salsera en el país, con el surgimiento masivo de grilles y discotecas que se dio, influenciado por el movimiento salsero que se desarrollaba en Cali y los ritmos provenientes de los inmigrantes que llegaban de la región pacifica de Colombia.

B- Boy B-girl

ROPA BREAK DANCE

HISTORIA El Break Dance o Breaking es una danza urbana que forma parte de la cultura Hip-Hop surgida en las comunidades afro-americanas de los barriosneoyorquinos como Bronx y Brooklyn en los 70. Si bien es cierto que alcanzaría un reconocimiento más alto en la década de los 80, gracias a la influencia de diversos artistas como James Brown, y películas como Breakin’ y Beat Street que extendieron el movimiento hacia los países europeos y Latinoaméri-

ca. El término fue impuesto por los medios de comunicación al baile conocido como B-Boying, así llamado originalmente por un número significativo de practicantes (B-boys). Se piensa que este nombre tenía motivos comerciales, y por eso algunos “B-boys” prefieren seguir llamando a su baile del modo original. (1968-1974) Esta fase sentó las bases del breakdance. Comenzó siendo una consecuencia de las guerras entre

Las chaquetas de nylon con capucha les permiten hacer windmills y giros de cabeza con mucha facilidad y principalmente les servían a los artistas a escapar de la policía después de hacer grafitis en el metro. Quienes iban en contra de la cocaína usaban gafas.En los 80’s algunos grupos o “crews” combinaban sus camisetas sombreros y zapatos para crear homogeneidad y así intimidar a la competencia con el número de integrantes.

La ropa de los breakdancers no era fina ni costosa. Lo barato se imponía en el grupo cuando alguno de sus miembros lo llevaba con estilo y seguridad. En los 70’s usaban tenis de suela plana de goma gruesa que les servían para no electrocutarse con los rieles del metro. Usaban cordones gruesos con patrones,pantalones de sudadera de nylon que les daba más movilidad que otros materiales al bailar ya que no produce mucha fricción.

bandas locales que plagaban el Bronx yBrooklyn. Se sucedían continuas peleas entre ellas en los guetos, sobre todo entre integrantes blancos y negros, entre los que observamos había una espiral de odio continua. Este agresivo espíritu de lucha, fue utilizado por el primer chico b-boy dandin que lo introdujo en su forma de bailar, caracterizándola con este estilo callejero.

Vals Historia El vals (del galicismo valse, que a su vez procede del germanismo Walzer, término proveniente del verbo alemán wälzen, ‘girar, rodar’). En su origen tenía un movimiento lento aunque, ahora se ha convertido en una danza de ritmo vivo y rápido. Su característica

más significativa es que sus compases son de 3/4. En el compás del vals, el primer tiempo siempre es considerado como el tiempo fuerte (F), y los otros dos son débiles (d). Así, el patrón es “F, d, d”. Al oír la palabra “vals”, enseguida se relaciona con

música clásica, pero lo cierto es que el vals sólo es una forma musical y puede estar en cualquier estilo, por ejemplo en forma de rancheras mexicanas, aunque el Swing siempre es el ritmo más usado (el cual es de 4/4, en patrón F, d, F, d).

VALS VIENES

El vals (del galicismo valse, que a su vez procede del germanismo Walzer, término proveniente del verbo alemán wälzen, ‘girar, rodar’).

El vals vienés.El Danubio azul de Johann Strauss (hijo) en una caja de música. Con este nombre se conoce la danza de pasos rápidos, en un tempo que comprende entre 110 y 180 intervalos por minuto. Existen también versiones lentas (tempo de 60 a 80) denominados vals inglés o boston. En los concursos de baile, el vals vienés se atiene, en la actualidad, a dos formas: El estilo internacional: las parejas de baile permanecen siempre enlazadas, lo que limita el número de figuras. Este estilo de danza es mucho más elegante.

dANZA ARABE

Historia Danza Oriental es una de las danzas más antiguas del mundo, que combina elementos de diferentes países del Medio Oriente y Norte de África, aunque sus orígenes precisos son inciertos. En los países árabes esta danza se conoce como Raks Sharki que significa literalmente Danza Oriental. El nombre Danza del vientre se empieza a utilizar en el siglo XIX por los europeos que viajaron a los países exóticos en busca de nuevas culturas, costumbres y paisajes. Estos

viajeros le dieron este termino sorprendidos por los movimientos de vientre y cadera que no existían en las danzas europeas. Tenemos que distinguir entre el Raks Sharki (Danza Oriental) y el Raks Baladi (Danza del Pueblo). El raks báladi es una danza más elemental, prácticamente sin desplazamientos y con movimientos de cadera predominantes. El raks sharkies más refinado y rico. Incluye movimientos del folklore egipcio, la

danza clásica y la danza contemporánea, con grandes desplazamientos, vueltas y movimientos para todas las partes del cuerpo, aunque los de cadera son también los más importantes. En algunos pueblos de la antiguedad se pensaba que la fertilidad humana estaba directamente relacionada con la tierra. A las mujeres, que eran las que creaban nuevas vidas, se les atribuían poderes mágicos.

lA DANZA ES LA POESIA CON BRAZOS Y PIERNAS, ES LA MATERIA GRACIOSA, TERRIBLE Y ANIMADA POR EL MOVIMIENTO.

TRAJE

CRÓTALOS

Es la pieza más completa y costosa del vestuario de danza del vientre, el precio cambia bastante según la calidad de cada traje, hay desde trajes de danza muy sencillos para alumnas, hasta los trajes profesionales más trabajados y muy caros. Los trajes de danza del vientre son top más falda con el cinturón, aunque vienen por separado o juntos, el sujetador y el cinturón son las piezas que más trabajo cuestan por ser de lentejuelas y pedirías, los trajes para alumnas normalmente son de talla única y luego se ajustan según la medida y los trajes profesionales se hacen A medida. Egipto y Turquía son los proveedores más conocidos de los trajes de danza del vientre a nivel internacional especialmente en los trajes profesionales, países como Brasil y China.. tienen también su estilo de traje.

Los crótalos o chinchines son unos pequeños instrumentos placófonos Los crótalos son unos diminutos platillos de bronce, que se anudan mediante tiras de cuero a los dedos pulgar y medio. Para hacerlos sonar, se los entrechoca entre sí. En los tiempos de la civilización egipcia la danza era acompañada por palmas o chasquidos de los dedos de las bailarinas, pero luego se impusieron los crótalos

Historia

Kossacs

Hace muchos años en una tierra muy lejana, Rusia era un minúsculo pueblo perdido en el bosque, era gobernado por un enano al que para ironizar llamaban Pedro el Grande, él como toda persona que carece de algo y quiere compensarla con otra cosa, quería expandir su reino hasta la Luna, sino era posible, cuando menos que fuera el país más grande que existiese. Sin embargo no podía simplemente llevar a su ejército a matar como cualquier otro rey haría, generalmente éstos quedan sin cabeza colgados de algún incómodo árbol invernal. No, debía ser diferente, así entre borracheras, ballet,

equilibristas, circo de animales y un reto de juego Limbo, surgió el afamado baile cosaco, con el que (no pregunten cómo) Pedro logró hacer el Imperio Ruso, que es el país territorialmente hablando, más grande del mundo, luego se consiguió a Catalina la grande, y lo aplastó, pero eso se ven en clases de historia en la universidad. La Rusopedia, una copia de Inciclopedia pero en ruso y vigilada por el administrador Stalin Stalone, ha revelado la importancia histórica de este baile para la cultura de ese país. Todos los hombres corpulentos, barbados y alcohólicos (o sea, todos)

lo bailaban, las mujeres bailaban ballet como cisnes y esas mariqueras, ese era el orden natural de las cosas. Pero pasó que el Zar Nicolás II se desligó de la tradición y comenzó con un ritmo hereje llamado La Macarena, cosa que conjugándose con la tiranía, el hambre y la agonía de su pueblo, llevó a que unos tipos que daba muy buenos pasos en las fiestas llamados Comunistas, lo destituyeran de su cargo y se quedaran supliéndolo unos 75 años.

¿PORQUÉ SALTAN TANTO?

TRAJE TRADICIONAL

Con frecuencia se considera que los saltos singulares y la gesticulación enérgica de los danzarines rusos son consecuencia del clima frío de un país nórdico. Prisiadka, kozá (cabra), raznozhka (de nozhka, pie), chort (diablo), pistolet (pistola), koltsó (anillo), bochónok (barril pequeño) y otros fueron inventados por los rusos exclusivamente para entrar en calor.

En la realización del baile popular es muy importante el vestuario que se crea a parir del traje tradicional, aligerándolo al máximo para que sea más cómodo para los artistas. El vestuario ruso es muy bonito, de colores vivos y decorado con abundantes bordados. Las mujeres solían hacerse una trenza con diferentes cintas y lazos.Los hombres también se vestían con elegancia (camisas con bordados y de diferentes colores, entre los cuales el rojo y el blanco son los más populares, los tejidos de los cinturones también son muy variados). Los pantalones se hacían de lienzo con dibujos y arabescos.

Esa teoría podría tener su justificación ya que la mayoría de las fiestas tradicionales rusas se celebraban en otoño e invierno, cuando finalizaban las labores del campo. La alegría empezaba con una oración, después una bebida abundante con comida, cantos y bailes y para finalizar se realizaba un pugilato (pelea “muro contra muro” entre los varones).

Cosaco se refiere a un pueblo, que se estableció de forma permanente en las estepas del sur de lo que es actualmente Rusia y Ucrania aproximadamente en el siglo X. Los cosacos fueron conocidos por su destreza militar y la confianza que tenían en sí mismos. El nombre deriva posiblemente de la palabra túrquica quzzaq, «aventurero», «hombre libre». Este término se menciona por primera vez en un documento ruteno que data de 1395.

YONNA

historia L

a Yonna es un rito comportamental de múltiples connotaciones simbólicas que mantiene dentro de la cultura wayuu tres atributos esenciales: búsquedadel equilibrio social, solidaridad colectiva y relación entre el cosmos y el hombre. Básicamente los wayuu se reencuentran a través de este baile que consolida y perpetúa sus tradiciones.Sus orígenesse remontan hasta la lejanía de los tiempos mitológicos, constituye la manifestación más autentica de la diversión wayuu. A lo largo del baile la mujer persigue al hombre al son del tambor. Ella vaabriendo la manta con ambas manos y él se desplaza hacia atrás con largos pasos evitando caerse. Finalmente cuando ya no puede más,

cae e inmediatamente ambos son reemplazados por otra pareja. Si elhombre abandona el baile por cansancio, sin ser tumbado, es felicitado por los otros varones y a la mujer se le reconoce su elegancia. Se le considera una danza libre; sin embargo, sí está constituidapor ciertas secuencias que son marcadas por el tamborero: Skua kaarai o karaikuya (los pasos del alcaraván), Shi chirai´ra Majayülü (movimiento de los senos de la señorita), Sukua Patajuwa (pasos decataneja) y Jayamulerüyaa (hacer como las moscas, única parte donde varias mujeres bailan alrededor de un solo hombre). En el caso del presente estudio se analiza el paso llamado Shi chirai’ra Majayülü(movimiento de los senos de la señorita), el

cual es una de las variantes de la Yonna utilizado para animar a los hombres, la mujer muestra su sensualidad y belleza; los ánimos se caldean más y más,la alegría se acentúa poco a poco, el sonido del tambor es mejor y más sentido

La yonna se celebra unas veces por motivos especiales de la vida material y espiritual del wayuu, tales como: Ofrecimiento, revelaciones, curaciones, por la salida y presentación de una majaûlû, para animar las carreras de caballo, por mandato de Seyuu, de las lani a. Para exponer y ver el walaa. La yonna tiene diferentes pasos por que al wayuu le ha gustado observar e imitar todo lo que se encuentra entorno. 1. SAMUTKUYA: Paso del gallinazo 2. MUSHALEKUAYA: Paso del Caricia 3. JAYUMULERKUAYA: Paso de la mosca 4. KARAYKUAYA: Paso del aclaraban 5. CHOCOKUAYA: Paso del trompo 6. JEYUKUAYA : Paso de la hormiga; para su ejecución se necesita que el parejo sea un muchacho pequeño para que cuando se caiga lo levanten y carguen así como la hormiga carga un terrón. 7. PETKUAYA: Paso de la perdiz 8. ANUWANAKUAYA: Paso del rey del gallinazo 9. WAINPIRUAIKUAYA: Paso del pauralata 10.WAWACHIKUAYA: Paso de la torta

Historia El cancán apareció por primera vez en los salones

CAN CAN

de baile de la clase trabajadora de Montparnasse en París, alrededor de 1830. Era una versión más animada del galope, un baile rápido en un compás de 2/4, el cual solía ser la figura final en la cuadrilla. Por lo tanto, el cancán era originalmente una danza para parejas, las cuales realizaban patadas altas y otros gestos con los brazos y las piernas. Se cree que éstos fueron influenciados por los movimientos de un popular animador de los años 1820s, Charles Mazurier, quien era muy conocido por sus demostraciones acrobáticas, las cuales incluían el

grand écart, que más tarde sería una característica popular del cancán. Para este momento, y durante la mayor parte del siglo XIX en Francia, el baile fue también conocido como el chahut. Ambos términos son franceses, cancan significa “escándalo”, mientras que chahut significa “ruido” o “alboroto”. A medida que los bailarines de cancán se volvieron más habilidosos y arriesgados, fue desarrollando gradualmente una existencia paralela como entretenimiento además de la forma participativa. Unos pocos hombres fueron estrellas del cancán entre los años 1840s y 1860s, pero las mujeres bailarinas fueron mucho más populares.

Éstas eran mayormente cortesanas de mediana categoría, y sólo animadoras semiprofesionalesa diferencia de las bailarinas de los 1890s, tal como La Goulue y Jane Avril, quienes eran muy bien remuneradas por sus presentaciones en el Moulin Rouge y en otros lugares. Estas mujeres desarrollaron los variados movimientos de cancán que fueron luego incorporados por el coreógrafo Pierre Sandrini en el espectacular “Cancán Francés”, el cual presentó en el Moulin Rouge en los 1920s y en su propio Bal Tabarin a partir de 1928. En 1924 se estrenó la primera presentación en Londres del musical “Can Can”.

El cancán (a veces escrito can-can ) es un baile rápido y vivaz de reputación escandalosa, cuyas principales características son los movimientos provocativos, las patadas altas y el alzamiento y movimiento de las faldas. Se originó en el siglo XIX en París y fue inmortalizado en la ópera de OffenbachOrfeo en los Infiernos (1858).

CAN CAN El pintor francés Henri de Toulouse-Lautrec produjo varios cuadros y una gran cantidad de carteles de las bailarinas de cancán.

RENDIMIENTO beneficio de los turistas, y el French Cancan nació-a gran coreografía de rutina dura diez minutos o más, la oportunidad para que las personas muestran sus “especialidades”. Las principales medidas son la patada alta o battement, el rond de jambe, el puerto d’armes, la voltereta y la gran compra. Se ha convertido en práctica común para los bailarines a grito y grito mientras se realiza el cancan, pero esto es de ninguna manera esencial.

El cancán se baila en 2/4 vez, y ahora se suele realizar en el escenario en el estilo de coro-line. En Francia, en el siglo 19 el cancán permaneció un baile para los artistas individuales, que llevan a cabo en una pista de baile. En el Reino Unido, los Estados Unidos y en otros lugares, el cancán logró popularidad en los teatros de variedades, donde fue bailado por grupos de mujeres en las rutinas coreografiadas. Este estilo fue importado en Francia en la década de 1920 para el

sON CUBANO

EN LA HABANA “El son es lo más sublime para el alma divertir, se debiera de morir quien por bueno no lo estime“. IGNASIO PIÑERO

INSTRUMENTOS

HISTORIA El músico y escritor Laureano Fuentes Matons recogió en su libro Las artes en Santiago de Cuba, publicado en 1893, la canción «Son de la Ma Teodora», considerándola como el primer son conocido. Esta canción aparece como escrita en Santiago de Cuba en 1562 por las hermanas Micaela y Teodora Ginés, dos negras libertas originarias de Santo Domingo. Por otro lado, historiadores como Alberto Muguercia y Danilo Orozco consideran equivocada esa afirmación, llegando incluso a poner en tela de juicio la existencia de dicha canción, considerándola como apócrifa y carente de documentos históricos que avalen su creación. No obstante, es innegable que en

el «Son de la Ma’ Teodora» reproducido por Fuentes Matóns en 1893, están presentes características del género del son cubano, como lo es el diálogo entre solista y coro.Si bien presenta elementos de música bantú y española, el son surgió en la región oriental de Cuba a finales del siglo XIX. Su origen está íntimamente vinculado al changüí, considerado por algunos autores como el ritmo madre del son. En 1892, el tresista baracoense de ascendencia

Los grupos soneros originalmente estaban conformados por un tres cubanos (especie de guitarra de tres pares de cuerdas), un bongó (que realizaba una improvisación virtuosa constante), maracas, unas claves, y una marímbula que hacia las veces de bajo en el son tradicional cubano. Más tarde, se añadió la guitarra, el contrabajo sustituyó la marímbula y se adicionó la trompeta en 1927, elemento característico de la formación de los septetos de son.

haitiana Nené Manfugás lo llevó del monte a los carnavales de Santiago de Cuba. El son llegó de Oriente a La Habana alrededor del 1909, coincidiendo con el traslado de los soldados del ejército permanente. El Cuarteto Oriental, creado en 1916 y que en 1918 se convirtió en el Sexteto Habanero, estableció el formato de las bandas de son en lo adelante.Con la llegada de la radiodifusión comercial, en los años veinte, comenzó el auge y popularización del son, siendo el Septeto Nacional de Ignacio Piñeiro uno de los principales representantes de esa época.

rOCK AND ROLL HISTORIA El género también estaba influyendo por géneros tradicionales como el Hillbilly, la música folc lórica de Irlanda, la música gospel y la música Country, géneros que ya estaban muy desarrollados. La fusión de estos y otros géneros musicales en el antiguo distrito Five Points de Nueva York, a mediados delsiglo XIX, dio como resultado el Rock and Roll, y, el Rock. El término “rock and roll” era en su origen un término náutico, que ha sido usado por los marineros durante

siglos. Se refiere al “rock” (movimiento hacia atrás y delante) y “roll” (movimiento hacia los laterales) de un barco. La expresión puede encontrarse en la literatura inglesa remontándose al siglo XVII, siempre referida a botes y barcos. El término se coló en la música espiritual negra en el siglo XIX, pero con un significado religioso, y fue grabado por primera vez en soporte fonográfico en 1916, en una grabación de gospel en el sello Little Wonder llamado The Camp Meeting Jubilee. Antes de 1947, la única

gente que solía hablar de “rocking” eran los cantantes negros de gospel. “Rocking” era un término usado por los afroamericanos para denominar la “posesión” que experimentaban en determinados eventos religiosos, y el término también hacía referencia al poderoso ritmo que se hallaba en la música que acompañaba dicha experiencia religiosa. Esta música llegó a ser tan poderosa y popular, que casi cada artista afroamericano sacaba un disco de este nuevo género.

Explosión

Llegada la música, lo que necesitaba era un nombre. R&B (acuñado en 1949) era un término demasiado ambiguo, porque R&B era una categoría que incluía todas las formas de música negra excepto el jazz y el gospel. Cualquier otro estilo era considerado R&B pero como esta música “rocking” era nueva y revolucionaria, necesitaba un nuevo nombre, así

que los disc jockeys, liderados por uno de Cleveland llamado Alan Freed, comenzaron a llamarlo “rock and roll”. Esto sucedió en 1951 y muchos DJ’s usaron ese término, que también era utilizado para comercializar la música a una audiencia más amplia.

Hubo una gran explosión entre 1954 y 1960. De repente, Elvis, Bill Haley, Chuck Berry, Little Richard y otros estaban tocando “rock and roll” perfectamente desarrollado, como si hubiese surgido de la nada. Algunos lo describen como un momento mágico en un estudio de grabación, con músicos haciendo el indio durante un descanso y tocando algo no ensayado, y de repente, accidentalmente inventan un tipo de música completamente nueva. Cuando el “rock and roll” se arraigó por completo tras la llegada del “rockabilly”, y más aún con la invasión británica de principios de los 60, se convirtió en una música basada en la guitarra, y los guitarristas, buscaban de modo natural a otros guitarristas como pioneros de la música. Así, las compañías discográficas se mostraron interesadas en reeditar el material antiguo en tanto y cuanto hubiese

un guitarrista al frente. Pero el “rock and roll” de antes de 1954 estaba basado en el saxofón, con muy poca guitarra. Y mientras el saxo se había retirado virtualmente del “rock and roll” a partir de 1956, muchas de las estrellas primigenias permanecieron olvidadas. Lo mismo con el piano, que fue probablemente el instrumento en el que se tocó “rock and roll” por primera vez. A mediados de los 50, cuando el “rock and roll” era popular, cada compañía discográfica importante tenía unas cuantas megaestrellas que intentaban vender. Y luego surgieron los Beatles, grupo que marcaría una revolución, no solo en el aspecto musical, si no también en la moda, y la sociedad misma. Con ellos se daría el fenómeno conocido como “la ola inglesa”.El movimiento a su vez influyó en muchas agrupaciones norteamericanas ( como los byrds)alcanzaría su punto más álgido en 1965 y 1967.

HISTORIA La danza contemporánea surge como una reacción a las formas clásicas y probablemente como una necesidad de expresarse más libremente con el cuerpo. Es una clase de danza en la que se busca expresar, a través del bailarín , una idea, un sentimiento, una emoción, al igual que el ballet clásico, pero mezclando movimientos corporales propios del siglo XX y XXI. Su origen se remonta hasta finales del siglo XIX. En los inicios se buscaba una alternativa a la estricta t é c n i c a del ballet c l á s i c o , empezaron a aparecer bailarines d a n z a n d o descalzos y realizando saltos menos rígidos que los tradicionales en el escenario. Con el tiempo, fueron apareciendo variaciones en las que la técnica clásica brillaba por su ausencia e incluso se introducían movimientos de otros estilos de baile, como movimientos aflamencados, movimientos tribales, acrobacias, contacto físico. Hasta el final de la Segunda Guerra Mundial, este

dANZA CONTEMPORANEA

renovado estilo de danza se llamó danza moderna, pero su evolución desde finales de los años 1940 en adelante llevó a que se prefiriese a partir de entonces emplear la expresión danza contemporánea. Hoy en día, las técnicas modernas dejan paso a un torbellino de mezclas de estilos,

llegándose incluso a no dejar claro a qué estilo se asemeja o qué patrones se siguen. Se dice que en la danza contemporánea (hoy día) “todo vale’’ Se pueden distinguir en los inicios dos escuelas, la Americana y la Europea. Una característica distintiva es el uso de multimedia para acompañar las coreografías, como video e imágenes usados de fondo. La danza clásica tiene una dramaturgia con principio,

clímax y desenlace. La danza contemporánea puede seguir esta estructura o bien, contar historias de una forma no lineal. La danza contemporánea puede hablar de un concepto, proponer un ambiente o presentar movimientos con el propósito de conseguir una estética determinada, no siempre tiene que contar una historia. Por otro lado, la danza clásica se construye a través de pasos ya existentes y siempre codificados mientras que la danza contemporánea busca la innovación y la creación de nuevas formas de movimiento de acuerdo con las necesidades del coreógrafo o el intérprete. La danza clásica busca el preciosismo, lo estructurado y perfecto, la conexión con lo etéreo, con lo celestial; más bien está ligada al concepto de lo apolíneo. La danza contemporánea busca la conexión con lo terrenal, con lo humano y sus pasiones, la no estructura, la transgresión; está ligada al concepto de lo dionisíaco.

Isadora duncan Da origen al movimiento basándose en la escultura griega. Optó por bailar descalza, apartando las clásicas zapatillas de ballet. Con una sencilla túnica como atuendo. Localizando el origen del movimiento en el chacra del plexo solar y Creando danzas en las que alternaba la resistencia y el abandono a la ley de gravedad.

Ruth Sain Denis La danza del futuro ya no se interesará más en las destrezas del cuerpo sin sentido. Si recordamos que en realidad somos el microcosmo, el universo en miniatura, el Baile Divino del futuro debería ser capaz de transmitir con sus gestos más leves algún significado importante del universo. En la medida que nos elevemos en la comprensión de nosotros mismos, las discrepancias nacionales y raciales se disolverán en el ritmo universal de la Verdad y el Amor. Sentiremos nuestra unidad con todas las personas que se mueven con este glorioso ritmo.

Mary wigman Muy Inspirada en el mundo asiático y oriental. En sus trabajos, en grupo o como solista, recurrió en muchas ocasiones a máscaras. Los cuatro aspectos básicos de la danza de M. Wigman son: expresionismo, espacio, la danza sin música y el principio de tensiónrelajación.

Va a haber una fiesta bailarĂŠ hasta que el zapato me ruegue parar ahĂ paro, tiro el zapato y bailo el resto de la vida. El Chacal