>Dcp | Magazine
Diseño & Cultura Pública
PROYECTO UDLA | PUBLICACIÓN GRATUITA | AGOSTO | 2011
>DAIM Cuando el arte callejero se transforma en metedología proyectual.
Lucía Rodriguez Realísmo cotidiano.
Nº_20
>Alex Prager La fotografía cinematográfica de una destacada.
>Casa SkyBreak Norman Foster y la naranja mecánica.
Dcp Magazine | N20 | 2011
25 >INDEX
Interview Alex Prager
"La verdad es que la mayoría de mis fotografías suelen ser mejor cuando experimento. Tengo que sentirme muy cómoda para así poder tomar mi tiempo y saber hacia donde quiero ir con la siguiente fotografía."
12 Bell & Ross Nascafe Racer "El equipo de Shaw Speed & Custom quiere defender el título de Campeón del Mundo y para ello está creando una criatura que va a dar mucho que hablar en la ciudad estadounidense de Sturgis, Dakota del Sur"
staff
>INDEX
Creadores: WF + CV Director: Werner Fett Diseño y dirección de arte: www.bureau.cl Edición: Daniela Hurtado Colaboradores: Juan PabloFuentes , Rodolfo García, Pablo Serrano, Viviana Hormazabal, Michael Schepis, Francisco Costa, Alejandro Polanco, Guillermo Tejeda, Marianne Kunsemüller, Rodrigo Farías, , Andrés Daly, Matías Amenabar, Marco Cordero, Andrea Wolf, Manuela Jacard, Ricardo Lorca, Pablo Rosenvaig, Matías Irarrazaval, Pablo Jansana (desde NYC), Matías Callone (desde Argentina), Cecilia Castillo, Jordi Casanueva. Distribución Librerías Contrapunto, Tiendas Zoo, Surfer Paradise (omnium), Ocean & Earth (omnium), SantaPiza Mall Sport /Parque Arauco, Tiendas adidas original, Sonik (nueva de lyon), Librerías Que Leo, Cómodo, Bazar The Clinic, Global Corner (drugstore), Tiendas MO.
UN PROYECTO
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Interview DAIM "Desarrollar un estilo propio. Encontrar la inspiración adentro y afuera de la escena del graffiti. Ayudar a otros y trabajar juntos. Estar abierto a nuevas ideas y respetar a todos aquellos que aman el graffiti tanto como tú."
Gadgets &Trends Motorola Droid X2 Motorola y Verizon Wireless lanzaron la nueva generación en la línea de teléfonos inteligentes Droid, el X2. El teléfono contará con un procesador de 1 GHz de doble núcleo, pantalla de 4.3 pulgadas resistente a los arañazos, con tratamiento anti-reflejo, salida HDMI , la capacidad para reproducir Adobe Flash y una cámara de 8 megapíxeles.
www.motorola.com
2012 Porsche 911 Carrera 4 GTS El buque insignia de Porsche, el Carrera 911, hace su relanzamiento con una variante a la cual han llamado Carrera 4 GTS. Este nuevo auto estará disponible tanto en un modelo cupé como descapotable, los cuales cuentan con un gutural GTS de 408 CV y seis cilindros y tracción a las cuatro ruedas. En cuanto a la rapidez del modelo Coupé llegará a 62 mph en 4,6 segundos mientras que el descapotable llega a la misma velocidad en 4.8.
www.porsche.com
Panasonic Lumix G3 Panasonic no solo adelgazó su DSLR, sino que agrandó el tamaño de su sensor con un chip de 16 megapíxeles capaz de disparar imágenes de 15,8 megapíxeles. El G3 1606400 También promociona la sensibilidad ISO, disparo continuo de 4 fps, y una pantalla de 3 pulgadas giratoria.
www.panasonic.com
Paul Budnitz Bicycles A estas alturas no es un secreto que las bicicletas están de moda… y así también lo entiende Paul Budnitz, diseñador, artista, entrepreneur y fundador de la conocidísima toy brand Kidrobot, quien después de diseñar algunos de los juguetes de vinilo mas conocidos del planeta puso talento en desarrollar Paul Budnitz Bicycles cuyo propósito es crear una bicicletas de uso urbano con características premium como el cuadro y manubrio de titanio… trasmisión vía correa dentada en detrimento de la tradicional cadena, frenos a disco y toques exclusivos a pedido como sillines realizados por la famosa compania británica Brooks. A un precio base de USD 5000 hay dos modelos. Nº1 y Nº2 para elegir, con distintos conceptos, que se venden a través de su website. por http://www.visioninvisible.com.ar .
http://www.budnitzbicycles.com/
Nikon Coolpix AW100
http://www.nikonusa.com/Nikon-Products/ Product/Compact-Digital-Cameras/26293/ COOLPIX-AW100.html
AIAIAI x MOMOT – Paper Toys
La estupenda compania danesa de auriculares y accesorios AIAIAI unio fuerzas con los geniales diseĂąadores de paper toys coreanos MOMOT, a traves de la tienda IconSupply, para lanzar un par de figuras con su correspondiente soundsystem cubiertas con el pattern de la marca europea quien pronto los pondra disponibles a traves de su tienda online por http://www.visioninvisible.com.ar
http://www.aiaiai.dk/
Jack Spade iPhone 4
Hard Cases
http://www.jackspade.com/shop/home. php?cat=368
YOUR FRIENDS AT JACK DANIEL’S REMIND YOU TO DRINK RESPONSIBLY. JACK DANIEL’S and OLD NO. 7 are registered trademarks. © 2009 Jack Daniel’s. Distilled and Bottled by JACK DANIEL DISTILLERY, Lynchburg (POP. 361), Tennessee, U.S.A.
BEBER CON MODERACIÓN. PROHIBIDA SU VENTA A MENORES DE 18 AÑOS.
IT’S NOT SCOTCH. IT’S NOT BOURBON. IT’S JACK.
Wim Crouwel: la odisea gráfica Wim Crouwel para quienes no lo conocen, es un tipógrafo y diseñador gráfico holandés, co-fundador del estudio Total Design, ahora llamado Total Identity. Ha sido el encargado de los posters y catálogos del museo municipal de Amsterdam (The Stedelijk Museum Amsterdam) desde 1964. Experimentando con la tecnología de aquel tiempo, logró adaptar su trabajo a las pantallas e instrumentos que utilizaban los tubos de rayos catódicos para obtener la visualización. Estos solo tenían trazos verticales y horizontales y no permitían mucho nivel de detalle como la tipografía convencional. Así creó la fuente New Alphabet, solo con líneas verticales y horizontales, en una rejilla de 5×9 unidades con esquinas de 45 grados. Algunas de las letras no son convencionales y hasta son difíciles para reconocer, no hay diferenciación entre mayúsculas y minúsculas. Debido a esto, obtuvo algunas críticas no muy buenas de parte de sus compañeros y algunos se atrevieron a decir que era un proyecto demasiado experimental y que fue muy lejos. Para Crouwel era sobre todo un ejercicio teórico: “New Alphabet era excesiva y no debería usarse nunca. Es Ilegible”. Crouwel también hizo dos fuentes más, Fodor y Gridnik. La primera enfocada e inspirada en la geometría, pero siendo totalmente legible y funcional, y la segunda, también geométrica, es la versión digital de la tipografía de maquina de escribir de Olivetti Politene.
Gavin Evans: bien! Nice Meek: buena luz
Jack Teagle: ilustración y textura Jack teagle cuenta con una ilsutración fantástica, llena de caracter y textura. Personajes conocidos y otros no tanto llenos de gráfica y en algunos casos tipografías hechas por el mismo.
Nice Meek es una fotógrafo que se sitúa en una buena posición comercial, ya que realiza trabajos constantememnte para grandes marcas. Lo interesante del trabajo de Nice Meek es que sabe trabajar con la luz de una manera muy sutíl, sus imágenes son deslavadas pero llenas de cuerpo.
por Werner Fett
En su serie de fotos TOUCH, Gavin Evans explora los límites entre los sujetos y su realidad. En definitiva el concepto detrás de este serie es poder ver la reacción de cada sujeto al minuto de tomar la mano y la interacción del momento fotografiado. La reacción y la acción de cada individuo. No nos parece consistente el concepto pero si el resultado, la perspectiva y el trabajo de imagen.
BELL & ROSS NASCAFE RACER Dsn
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Adios al cromo
Indagando por el espacio internauta relacionado con el mundo del motor, uno se encuentra con muchas curiosidades, proyectos imposibles y noticias exclusivas. Pues bien, en este caso nos encontramos dentro de la categoría de proyectos imposibles que un mago los hace posibles. Y es que el taller inglés de preparación y construcción de impresionantes motos custom, Shaw Speed & Custom, quiere sorprender a público y jurado en el evento del AMD, en Sturgis. El equipo de Shaw Speed & Custom quiere defender el título de Campeón del Mundo y para ello está creando una criatura que va a dar mucho que hablar en la ciudad estadounidense de Sturgis, Dakota del Sur. Allí se celebrará en agosto uno de los mayores festivales de motos custom, en el que se organiza una de las pruebas del Campeonato del Mundo de preparación custom. Shaw Speed & Custom va a presentar este modelo, el Bell & Ross Nascafe Racer, que hace un tiempo ganó el AMD del Dublín International Show. La creación está hecha sobre la base de
la Harley Davidson Softail Nightrain FXSTB, aunque poco se aprecia de ella. Se ha despojado hasta el último tornillo de la antigua Harley Davidson dando paso a una cantidad innombrable de horas de trabajo traducidas en una obra de arte que, a parte del dinero que puede haber costado, impresiona hasta al público menos interesado en el mundo motorizado. El motor destaca por todo el trabajo de anodizado de cada una de sus piezas, a parte de sus escalofriantes 1690cc. Como detalles, podemos ver el impresionante acabado de las suspensiones con un aerografiado que simula madera, el reloj analógico en el depósito, las llantas y el disco delantero atornillado a la rueda posterior y un largo etcétera que es mejor comprobarlo en las imágenes. La estética de la moto gustará más o menos, y para gustos los colores, pero la primera impresión es que hay un trabajo exquisito y detallista en todas y cada una de las partes del monstruo creado por los chicos de Shaw Speed & Custom. diseño | Dcp Magazine | Diseño & Cultura Pública
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por Mathias Fernรกndez
Codina House A4estudio
Ubicada en Mendoza, Argentina, esta casa fue diseñada por A4estudio (Leonardo Codina Arco y Juan Manuel Filice Arco). Llamada Codina, la casa está situada en un terreno de 1.500 metros cuadrados en una zona residencial. El proyecto es una oportunidad para repensar las instalaciones de las casas suburbanas en entornos emergentes en América Latina. Tratar de entender el espacio como un estimulador, lo que sugiere geometrías sensibles que optimizan las condiciones climáticas y operara desde la conciencia verde. La casa está en torno a un patio central interior, la apertura de los espacios principales se proyecta hacia un jardín lateral de gran tamaño. Estos espacios están organizados en una orientación norte, ganando el calor directo de la radiación solar, los espacios más pequeños y privados, están orientadas hacia el este, dejando las áreas de servicios hacia el oeste. Debido al movimiento natural de las masas de aire, el volumen de aire en el patio central se eleva, debido a la temperatura, haciendo que los beneficios ambientales del perímetro de jardín a través de los espacios interiores de la casa sean muy agradables.
http://www.a4estudio.com.ar/
arquitectura | Dcp Magazine | Diseño & Cultura Pública
Jussi Puikkonen Este fotógrafo de 30 años estudió fotografía en el Instituto de Diseño en la Universidad de Ciencias Aplicadas de Lahti. Es también Cofundador y director de la revista Kasino A4. Sus fotografías han aparecido en diferentes exhibiciones, tanto acompañado de otros artistas como en solitario, desde 2002. Actualmente vive en Amsterdam, y su trabajo más conocido es “On Vacation”, un viaje de nueve meses en el que explora las saunas y los baños de lugares como Hanki or Naantali donde incluso en los meses de invierno un solplo de actividades vacacionales se mantiene tangible.
www.jussipuikkonen.com
©2008 Finlandia Vodka Worldwide Ltd., Helsinki, Finland. Finlandia Vodka 40% Alc./Vol. Imported by Brown-Forman Beverages, Louisville, Kentucky USA
We come bearing Nature‘s gifts...
Vodka from a Purer Place
Glacial spring water. Six-row barley. The Midnight Sun. Perfection. Keep your judgement pure. Drink responsibly.
finlandia.com
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Michael Elmgreen & Ingar Dragset: lúgubres y emocionales El trabajo de EImgreen & Dragset se enfrenta a la definición de escultura invistiendo las formas del minimalismo y el movimiento moderno con nuevo contenido social y político. Desde sus Powerless Structures (1997-), una serie de obras en las que los artistas tantean los límites de los espacios institucionales, hasta la muy reciente Memorial for the Homosexual Victims of the Nazi Regime (2008), han estado utilizando el arte para poner en cuestión las convenciones arquitectónicas e institucionales con un peculiar gusto por la paradoja. Por ejemplo, en su monumento conmemorativo subvierten la tradición de los monumentos del movimiento moderno mostrando dentro de un bloque de cemento abstracto un breve vídeo de una pareja gay besándose. Para The Welfare Show (2005), los artistas convirtieron la exposición en una terrorífica investigación del estado del bienestar occidental y sus estructuras de poder: salas vacías y estancias desoladas que evocan hospitales y aeropuertos con bebés
abandonados, siniestras cintas transportadoras sin equipaje y guardias de seguridad solitarios que se vigilan los unos a los otros. Toda la instalación es un lúgubre retrato de nuestra sociedad. Puede detectarse otro enfoque crítico de las convenciones en Drama Queens (2007), una obra que EImgreen & Dragset estrenaron en el Skulptur Projekte Münster 07. En lugar de actores reales, siete reproducciones a tamaño real de otras tantas obras maestras de la escultura del siglo XX, como el (Jomo che cammina de Giacometti (1947), Elegy 111 de Barbara Hepworth (1966) y Rabbitde Jeff Koons (1986), se mueven sobre el escenario operadas por control remoto y con las voces de actores profesionales. Mediante unos diálogos hilarantes y comentarios sarcásticos, las esculturas ríen las unas de las otras, rompen algunos de los más sólidos tabúes y escriben una historia del arte tan irreverente como absolutamente personal.
Nu_Art | Por Cecilia Castillo | Dcp Magazine | Diseño & Cultura Pública
de MATÍAS CALLONE WWW.matiascallone.blogspot.com/
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Reportaje
como escapar de un campo de prisioneros Nazi con un cajón de salto
Un campo de prisioneros que llegó a tener casi 11.000 presos, diseñado como el más seguro entre los campos nazis, puede resultar al mismo tiempo, un disparador para las situaciones más ingeniosas a la hora de concretar una fuga. La historia debería comenzar con otra historia no menos curiosa. El Teniente inglés Aubrey Niner, antes de comenzar la Segunda Guerra Mundial, dedicaba gran parte de su tiempo a la gimnasia. Una vez desatada la guerra, Aubrey Niner se incorpora a la Royal Air Force, en donde en una misión protagonizaría un aterrizaje de emergencia en territorio enemigo, no precisamente en un descampado. El 19 de julio de 1942, en medio de una misión, el avión de Aubrey Niner fue alcanzado por fuego antiaéreo, un ataque que termina prendiendo fuego el ala del aparato.
Sagan (en la actual Polonia), el campo sería el lugar de algunas de las fugas de prisioneros más cinematográficas de la Guerra, literalmente transformadas en películas como “El Gran Escape”. Pero no es de ésta fuga de la que hablaremos, sino de otra en la que el Teniente Niner tendría una participación diferente. La gimnasia volvería a ser útil, ésta vez dentro de un campo de prisioneros, y para servir a una historia que ilustra lo mejor del ingenio humano a la hora de buscar la libertad: un manual sobre como escapar de un campo de prisioneros Nazi valiéndose de un cajón de salto, un “inocente” aparato de gimnasia. El principal problema para escapar de Stalag Luft III a través de un túnel, era la distancia entre las cabañas de alojamiento y la valla perimetral,
A riesgo de que explotara el tanque de combustible, Niner transforma su percance con potencial de tragedia en un espectáculo en pleno centro de Lille, en la única zona abierta disponible para un aterrizaje en el Parque Champs de Mars. La maniobra, milimétrica, le permite aterrizar con éxito en medio de una multitud atraída por la curiosidad. Toda la tripulación sobrevive en un aterrizaje heroico, que provoca la admiración de los propios alemanes que debían capturarlos. Los sobrevivientes fueron enviados al campo de prisioneros Stalag Luft III, en donde comienza una segunda historia aún más curiosa. El campo de prisioneros Stalag Luft III, fue uno de los más seguros de todos los campos Nazis. Situado en medio de un bosque junto a la ciudad de
Entonces, el caj贸n de salto era nuevamente llevado a las casas de alojamiento, y las bolsas de tela y tierra eran distribuidas para dispersarla en un trabajo lento y minucioso.
Escena de la Película The Wooden Horse El caballo de salto, fue construido con maderas de un modo algo improvisado con el permiso de las autoridades del campo. En una primera etapa, el cajón de salto era llevado cada día al mismo sitio un par de horas para practicar el ejercicio. Luego de un par de semanas, tras despertar las sospechas de los guardias, el cajón de salto fue inspeccionado sin encontrar nada extraño. La segunda etapa del plan daba comienzo. Dentro del cajón, cada día iría oculto uno o hasta dos de los reclusos, para iniciar y proseguir una excavación día a día desde el mismo punto en que era apoyado el cajón. Mientras que la tierra extraída era alma-
demasiado extensa como para demorar la construcción de un túnel por meses en caso de hacerlo desde los recintos de prisioneros. La forma de acortar tiempos, era precisamente acortar la distancia. El túnel, debía atravesar varios vallados de alambre, una cerca de gran altura, y torres de vigilancia que por las noches rastrillaban cada rincón con reflectores, vigilancia a la que se sumaba un gran número de perros guardianes sueltos. El problema, sobre todo, era como comenzar a construir un túnel desde un sector cercano al vallado, delante de las narices de los guardias de segurida. Entre las pocas actividades permitidas, un grupo de reclusos practicaba saltos valiéndose de un cajón de salto que cada día desplazaban hasta una zona cercana al vallado, para luego volver a guardar al finalizar.
Eric Williams, uno de los protagonistas de la fuga,escribe posteriormente el libro The Wooden Horse, sobre la historia de la fuga, también llevada al cine en el año 1950. En él, cuenta detalles como el uso de sismógrafos por parte de los guardias para detectar la posible construcción de un túnel en la prisión. Williams, junto al teniente Richard Codner, fueron los ideólogos del plan con el cajón de salto. El piloto y gimnasta Aubrey Niner, que fue uno de los participantes en las maniobras de dis-
cenada en bolsas de tela colgadas en el interior del cajón, al finalizar la jornada, el hueco de ingreso al túnel era tapado con unas tablas de madera y cubierto de tierra seca que llevaban cada día en una caja de cartón. Entonces, el cajón de salto era nuevamente llevado a las casas de alojamiento, y las bolsas de tela y tierra eran distribuidaspara dispersarla en un trabajo lento y minucioso. La construcción del túnel se toma varios meses, mientras arriba, los presos realizaban gimnasia ininterrumpidamente para no despertar sospechas. La huida se concreta el 29 de octubre de 1943. En base al plan original, tres de los presos consiguen huir, valiéndose de documentos falsos, dinero alemán, y algo de comida y ropa para pasar la frontera como trabajadores franceses. Sobre la historia del viaje para salir del territorio sobre control alemán, podría escribirse un libro completo. Los tres, concretan su huida con éxito llegando a Suecia.
de MATÍAS CALLONE WWW.matiascallone.blogspot.com/
tracción con sus prácticas de salto, no participa de la fuga. Según sus propias declaraciones, la tarea física fue ardua, dando salto tras salto durante días a lo largo de varios meses como verdaderos simuladores, además de cargar con el caballo de madera demasiado pesado como para aparentar que no lo era. Niner en cambio, fue evacuado del campo de prisioneros durante uno de los inviernos más fríos de la historia, en momentos del avance del ejército soviético. Obligados a dirigirse hacia el oeste, aún en manos alemanas, Niner fue también uno de los sobrevivientes de La Gran Marcha de Marzo en la que miles de prisioneros se vieron obligados a desplazarse en las peores condiciones que se puedan imaginar.
Reportaje
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por Bolten Inc/Rodrigo Rangel http://bolteninc.mx/bio/rodrigo-rangel
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¿Qué parte del día te inspira más para trabajar? Probablemente las lluvias de ideas me llegan más cuando estoy sola. Me podría quedar muchísimo tiempo pensando. Lo que es dificil es realmente a la hora de hacer click.
¿Quién o qué, es tu inspiración más grande? Debe de ser William Eggleston, porque probablemente si no hubíera conocido su trabajo y la manera en la que trabaja con el color, no estaria haciendo lo que hoy hago.
¿Cómo definirías tu trabajo? ¿Qué busca? Yo diría que basicamente mi trabajo está inspirado por la moda y el estilo de vida de hace varias decadas y por como la gente se vestía, pero con un sentido de lo que es vivir en el mundo hoy.
Si pudieras conocer a un artista, vivo o muerto ¿quién sería? ¡Abraham Lincoln!
Define la evolución que ha tenido tu trabajo. Comencé tomando fotos blanco y negro de escenas callejeras… Una cosa condujo a la otra y ahora soy toda una fotógrafa de alimentos. Que les puedo decir, ¡la vida es impredescible! En el proceso creativo, ¿experimentas o prefieres un método estable? La verdad es que la mayoría de mis fotografías suelen ser mejor cuando experimento. Tengo que sentirme muy cómoda para así poder tomar mi tiempo y saber hacia donde quiero ir con la siguiente fotografía.
¿Qué música escuchas últimamente? En Spotify, ultimamente estoy escuchando mucho a Chet Baker, Arctic Monkeys, Phoenix, Yeah Yeah Yeahs, Beirut, Radiohead, Marie Laforet y Rufus Wainwright. Una película que nos recomiendes… ¿por qué? Cualquier película de Jean Luc Godard. Pienso que hizo todas sus películas sin ningún miedo y con una completa indiferencia sobre lo que los demás dirían. Realmente admiro su valor. Una ciudad/lugar/rincón en el mundo que te mueva… ¿por qué? Definitavamente tiene que ser Los Angeles. Siempre me recuerda y no deja de ser como esa ciudad de las peliculas antiguas.
photo | Dcp Magazine | Diseño & Cultura Pública
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Tête à Tête http://www.soetr.nl
Tête à Tête es una combinación de cine, fotografía y stop motion. En tres historias cortas, y una serie de retratos de un tema contemporáneo. La representación de un fenómeno existente ~ (Social) Máscaras. A partir de una cierta visión, para que la gente este más consciente de su comportamiento social, el cual está formada por el medio ambiente y por las elecciones que cada individuo realiza. Sin hacer ruido positivo o negativo, esta es simplemente una observación tomada de la existencia diaria. La combinación de humor y molestia. Creado por Axel de Wilde.
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Allison Grant
UnsØileÐ
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En la serie Unsoiled, me aproximo a una naturaleza prístina a través de fotografías a gran escala de desechos plásticos. Me inspiro en las representaciones de la naturaleza que veo en la cultural visual, usando a menudo publicidades, películas y otros recursos como punto de partida para mis construcciones. Tomo materiales familiares –que a un nivel molecular son similares– e imito estas escenas, de manera que no parezcan intervenidas a primera vista, revelando su secreto al observar detenidamente, de cerca. También integro a mis composiciones imágenes apropiadas, plantas de interior, residuos de jardín y otros materiales encontrados, para así hacer más difusa las proporciones y escalas. Éstas son reliquias de la vida diaria que nos recuerdan la forma en que tratamos de controlar la naturaleza. O de imaginarla. Debajo de la superficie de la ilusión, mis fotografías sugieren la presencia de ficciones profundamente conflictivas dentro de nuestras nociones de vida silvestre y belleza natural, y dentro del mismo medio fotográfico también. Ante la crisis ambiental, nos hemos dado cuenta de que nuestros productos puede sobrevivir a la naturaleza tal como la conocemos. Usando la ilusión, me refiero a la simulación de la naturaleza en nuestro medio ambiente artificial y la cultura visual, y el deterioro simultáneo de la vida silvestre en la realidad. En mi trabajo se pueden encontrar las tensiones entre la realidad y la réplica, la naturaleza y lo artificial, la permanencia y facilidad de disposición. Esto replica lo salvaje de nuestra existencia moderna: construido, idealizado, mediatizado y, por tanto, inaccesible. photo | Dcp Magazine | Diseño & Cultura Pública
Lucia Rodriguez
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Edad? 22 años ¿De dónde eres? Santiago, Chile ¿Qué y dónde estudiaste? Licenciatura en Arte en la UC ¿Cómo te inspira la ciudad en la que vives? Creo que Santiago me inspira por la información visual que me entrega. Ver carteles, publicidad, y a las mismas personas en la calle… uno mira a su alrededor y de ahí surgen ideas nuevas. También el lento traslado en una ciudad llena se transforma, inevitablemente, en tiempo para pensar e idear cosas. ¿A quién no se le ocurre una idea en la micro, el metro o el auto? ¿Cómo definirías tu pintura? Es difícil definir el trabajo propio, sobretodo porque al ser tan joven me siento en una etapa de constante ensayo y error, estoy buscando cosas. Además, se necesita tiempo y distancia para sacar conclusiones, y creo que aún me falta camino para tener las cosas más claras. Pero creo que de a poco se puede comenzar a ver un hilo conductor en lo que uno hace. En mi caso creo que hay una continua intención de capturar la realidad para convertirla en algo nuevo que sólo funciona dentro del espacio de la tela. Ya sea un paisaje, objetos o la figura humana (que es lo que más me interesa) me inquieta la posibilidad de captar un trozo del mundo cotidiano, mediante la similitud y a la vez cruzar esa realidad con elementos externos a ella… Estos pueden ser netamente visuales, como el chorreo o la inclusión de elementos gráficos, hasta temáticos, como la relación entre retratados y personajes ficticios. Sin embargo, siempre desde la sutileza. No busco generar un choque ruidoso sino más un tejido sutil de diferentes elementos. Así puedo generar imágenes que son nuevas y que funcionan dentro de la tela, pero que a la vez no se vuelven demasiado abstractas o herméticas porque tienen un constante nexo con una reali-
dad cotidiana, reconocible para todos. Y ese es uno de mis intereses fundamentales. ¿En qué te inspiras para hacerlas? Creo que me inspiro en aquello que me gusta, en mi baúl de imágenes mentales. Desde mi amor por Disney hasta algunas gráficas de MTV. Me inspiran enormemente todo tipo de imágenes ricamente trabajadas, con una minuciosidad que no necesariamente la convierta en una imagen demasiado compleja o sobrecargada, pero si impecable. Esto es desde los fondos de La Bella Durmiente de Disney realizados por Eyvind Earle, hasta las pinturas de Jenny Saville. Por otro lado, últimamente he estado trabajando con la idea de los personajes femeninos de los cuentos infantiles, asique también me inspiro en ese tipo de literatura. En general me gusta recurrir a cosas a las que todos tenemos accesos para dar un punto de partida que sea accequible a todos, sin embargo llevándolos a otro nivel. La inocencia con un toque de perversión o la realidad que se desvanece en la misma imagen mostrando la pintura misma. Todo esto, asumiendo que cada uno, según sus conocimientos, su sensibilidad y su interés, llegará a diferentes conclusiones o interpretaciones de mis imágenes. Y eso es gran parte de la gracia. ¿Cómo definirías tu metodología de trabajo? En general, mi punto de partida es bastante intuitivo. Si bien tengo la intención de generar cierto tipo de imagen, me cuesta visualizarla. Creo que la pintura, en gran medida, se construye en el proceso por eso trato de no forzarme a generar una imagen concreta. Solo tiendo a definir un par de elementos que quiero que participen, como pies forzados. En primera instancia hay una idea, un tema o un concepto, pero bastante vago. Pienso más en qué tipo de imagen quiero generar. Una atmosfera, una sensación o el uso de ciertos elementos visuales. Trato de no ponerme demasiados márgenes o reglas en cuanto a la idea, sino que defino elementos que quiero que estén presentes porque me he dado cuenta que detrás de mis intereses visuales puedo descubrir las ideas que me interesan. En el proceso de Interview | Dcp Magazine | Diseño & Cultura Pública
la pintura, en la realización de la imagen (que es lo que al final me gusta hacer, pintar!!) aparecen conceptos, ideas que no tenía previamente concebidas. Creo mucho en la intuición, y en la medida en que me permito trabajar más libremente obtengo mejores resultados. Así, llego a conclusiones que luego me permiten avanzar, definir hacia donde voy. Entonces, sigo adelante hacia una nueva imagen. Más coherente y consistente. O al menos eso intento. ¿Cuáles son tus referencias? La verdad es que mis referencias van cambiando y trato de no limitarme a un solo campo. Me interesan las imágenes del arte, el diseño, la ilustración, el comic. Mis gustos van desde Disney hasta Pollock. En pintura me interesa el trabajo de Zak Smith y Jeffrey Hein. Gráficamente me gusta mucho el trabajo de Murakami y Toki Doki. Me interesan en general las imágenes visualmente atractivas. Ahí es cuando el lenguaje del diseño y/o la publicidad me atrapan y creo que es un plus llevar ese tipo de lenguaje al arte y mezclarlo. La persuasión es una forma de atraer a la gente hacia tu trabajo, pero a la vez entregarle algo más, algo que hay detrás de esa estrategia. No me interesa la pura visualidad que se consume, y la pintura es una herramienta poderosa para lograrlo. Porque tiene una carga y un peso propio como lenguaje. Finalmente creo que internet es una herramienta que me permite estar viendo cosas nuevas constantemente y sin duda uno puede inspirarse al ver la enorme cantidad de cosas buenas que se están haciendo en todas partes. ¿Qué opinas del arte en Chile? Personalmente, creo que al arte en chile le hace falta mayor libertad y menos seriedad. Por un lado es muy hermético, muy denso y “elevado”. También hay ciertas cosas que son las aceptadas y establecidas. Sí hay muchas cosas
interesantes, pero creo que se mantienen dentro de un círculo intelectual al que todos podríamos acceder si tuviéramos las herramientas. Con esto me refiero al arte que sale de las universidades en general. Por otro lado hay un montón de gente joven haciendo imágenes, ilustrando, pintando, dibujando, rayando y creo que todo eso debería mezclarse más con ese mundo más académico, más intelectual. Así podrían expandirse más los campos de trabajo, y habría una alimentación mutua que es necesaria tanto para los espectadores como para los creadores. Sin duda hay campos separados, diferenciados, pero los límites son cada vez más ambiguos y creo que es una ventaja que debe aprovecharse. Ojalá ser parte de eso, aunque sea colaborando de a poco. Por eso me gusta mantener proyectos paralelos en ilustración, pintura y quizás otros campos que se me puedan presentar de aquí en adelante.
http://www.luciarodriguez.cl/
Interview pg_36 Interview | Dcp Magazine | Diseño & Cultura Pública
opinión
la adicción y su objeto
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Está muy arraigada en el sentido común la idea de que un adicto se convierte en adicto por la relación enfermiza con un determinado objeto y que basta dejar ese objeto para que los problemas se solucionen. Vemos día a día que por ejemplo alguien deja el cigarro y se hace adicto a la comida o a los chicles o a lo que sea. El objeto de las adicciones puede cambiar mucho más fácil que las relaciones adictivas, ya que al fin y al cabo, el objeto es un lugar en donde depositamos la adicción y no la adicción misma. El problema más grave del adicto, es que importa tanto una sola cosa, que todo lo demás empieza a desaparecer a su alrededor. Muchas veces llegan a la consulta como una forma de encontrar un salvavidas al mundo que ha empezado a desaparecer cada vez más. En los adictos a la pornografía podemos ver
por ejemplo como sus fantasías se empiezan a estereotipar cada vez más y no se construyen nuevas o se le da la posibilidad al otro(su pareja) de poder compartir algo de esto. En el fondo, que la televisión no responda, no se calle, o no te discuta, comienza siendo seductor pero se transforma en una relación cada vez más alejada del mundo donde todo y todos los demás terminan siendo un decorado. Ese objeto que empezó sirviendo para tapar algunas carencias terminó tapando todo lo demás y sin él ahora sólo hay vacío y angustia. Los adictos terminan quedándose muchas veces solos porque se han dejado de relacionar con las cosas reales y dentro de eso, están incluidas las relaciones. Donde hay aburrimiento, negativas, silencios y opciones. Y sufren de eso. Es como si te pidieran volver al inicio en donde todo era más fácil…gran paradoja. Columna | Pablo Rosenzvaig // pablorosenzvaig.blogspot.com
La huella ecológica de comer carne pg_40
Eco-friendly
Toda acción que realizamos tiene o deja una huella ecológica. El comer carne no es la excepción. Hoy en día es tentativamente cuantificable el impacto sobre el medio ambiente que significa agregar una hamburguesa a nuestro sándwich, por ejemplo. El “producir carne” de vacuno a nivel industrial (ganadería intensiva) involucra satisfacer las demandas de comida y bebida de esas miles de vacas, además de sus necesidades fisiológicas y de salud. Vamos por parte. Hay que partir de la base de que las proteínas que consumen los animales son proteínas que nosotros podríamos consumir directamente. Hoy, más del 40% de los cereales del mundo, y más de un tercio de las capturas pesqueras, son utilizados para alimentar ganado. Para obtener un kilogramo de proteína de origen animal, debemos usar entre tres y 20 kg. de proteína de origen vegetal (según las especies y los métodos de cría intensiva utilizados), dándose absurdos de que, para poner x cantidad de calorías sobre la mesa, se deben consumir 4x o más de calorías en su proceso. En 1990, en Estados Unidos, el ganado consumía el 70% del grano producido ahí; en la UE, el 57%; y en Brasil, el 55%, promediando un 50% a nivel global de la producción de grano destinada a forraje. El dato se vuelve además socialmente insostenible, si pensamos que la quinta parte de la población humana no tiene alimentación suficiente. El “Consejo para la Alimentación Mundial” de la ONU calculó que dedicar entre el 10% y el 15% del grano que actualmente se destina para alimentar ganado, bastaría para satisfacer las necesidades calóricas de esa quinta parte, erradicando el hambre del mundo. Como ven, hay un tema de eficiencia energética, tema clave en estos días y no sólo relacionado a la generación de electricidad. Por ejemplo, una misma cantidad de m2 de tierra puede producir 26 veces más proteínas si en ella se realizan cultivos vegetales para consumo humano, en reemplazo de alimento para ganado. Hoy en día, en el hemisferio norte sólo el 30% de los cereales se consumen directamente. El 70% restante se utiliza para alimentar animales, mientras que en el sur el porcentaje de consumo directo sube a 85%.
La deforestación del Amazonas está en estrecha relación a la necesidad de terrenos cultivables para sostener la demanda mundial de soya para forraje. Si fuésemos eficientes en mantener una proporción inteligente de superficie de cultivo v/s proteínas generadas, muchos bosques aún existirían. Otra consecuencia no menor de la cría intensiva de ganado son sus emisiones de gases de efecto invernadero. El 6% del CO2 generado a nivel global es producto de los gases, peos o ventosidades emitidos por las vacas, y eso sin contar sus flatulencias y excrementos. Según un estudio de la FAO, en niveles de emisión de GEI, ¡la población ganadera contamina más que todo el sector Transportes!. Además, es responsable del 37% de todo el metano producido, gas que es 23 más veces más perjudicial que el CO2 y que se origina en su mayor parte en el sistema digestivo de los rumiantes. ¿Y qué hay de la huella hídrica? Para producir un kilogramo de bistec, requerimos ¡15.500 litros de agua! En el cálculo se estima que la mayoría del agua se va en producir el grano y los pastos que servirán para alimentar la res, y el resto para consumo directo del animal a lo largo de sus, más o menos, tres años de vida media, que terminarán en unos 200 kg de carne sin hueso. No quiero seguir bombardeando números. Lo importante es dimensionar, con esta pequeñísima muestra, lo contaminante que es nuestra cultura carnívora, sobre todo considerando que no he abordado en profundidad temas como la erosión del suelo por la difusión de plaguicidas y fertilizantes que derivan de la ganadería intensiva, que las vacas europeas se alimentan con pescado de Perú o soya de Brasil, para luego volver al tercer mundo en forma de productos derivados, etc. En conclusión, una dieta sustentable debiera reducir drásticamente el consumo de carnes (y no consumir de ganadería intensiva), buscando mantenerse lo mas abajo posible en la cadena trófica, comiendo verde y rozando la tierra. *La mayoría de las cifras fueron sacadas del estudio de Jorge Riechmann “Dos cuestiones de ética aplicada: comer"
EcoFriendly | Nicolás Sánchez | www.veoverde.com
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The UFO Look Book
Casa SkyBreak de Norman Foster: La Naranja Mecรกnica
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La película cuenta la historia de un joven cuyos principales intereses son la violación, la ultraviolencia, y Beethoven. Alex tiene sus propios métodos para divertirse y descargar su agresividad y lo consigue disfrutando de la tragedia y la desgracia de los demás. La casa donde atacaron al escritor y a su esposa violada es una casa llamada Sky break en el Warren, Radlett, Hertfordshire. La casa fue diseñada por N orman Foster y Wendy Foster con R ichard Rogers cuando formaban Equipo 4 (Team 4). ANÁLISIS ARQUITECTÓNICO
El análisis de la casa Sky Break tiene como objetivo mostrar el valor arquitectónico que posee. Esta se encuentra en un cerro con una pendiente no muy pronunciada y e stá dispuesta de forma tal, que se siente que su objetivo principal es tener buena vista y mucha luz. Su ubicación es norte lo que permite la iluminación en todo su centro. Los muros laterales no tienen perforaciones lo que te condiciona a apreciar el paisaje que no muestra atraves de los ventanales en distintos niveles, estos muros paralelos también dividen los sectores públicos y privados, demarcándolos. La cubierta, forma rectángulos que siguen la pendiente del terreno y crean espacios con una vista privilegiada hacia un bosque. El interior de la casa se divide por los niveles, lo que muestra diferentes espacios. Esta casa discrepa totalmente con las otras locaciones ya que es la mas pulcra y ordenada, que de alguna manera tiene que ver con la estruc-
tura de la película que muestra una sociedad, si bien, malévola y casi anárquica, algo lineal. A su vez el diseño de la casa con sus líneas rectas pareciera a ratos que no pertenece al lugar donde está emplazada sino más bien a un lugar futurista. En la escena de la violación, donde la esposa del escritor es la víctima, uno puede percibir que la casa es un lugar confortable y cálido, con lo que al ser invadida por estos delincuentes, se entiende que no solo están violando a la mujer, sino también la intimidad y tranquilidad de este pacifico hogar, ubicado en un sector tranquilo sin mayores ruidos que los propios en la naturaleza. La música en la escena juega un papel primordial, sometiendo al público al trauma mismo de la violación propiamente tal y mezclada con esa atmósfera de tranquilidad que reinaba en la casa, la que se transforma en un caos de impotencia y dolor para el escritor que es el personaje que habita la casa. CONCLUSIÓN El trabajo realizado por Kubrick, el cual se desarrolla atraves de varias variables, alguna de ellas, están presentes en la casa sky break, como el contraste de la tranquilidad y el caos. El primero provocado por muros blancos, vistas cercanas y tranquilas y el segundo con la violación del espacio por el protagonista de la película, el cual produce terror y temor a los personajes que habitan la casa, creando un trauma en el ambiente que nunca será superado.
cine | Por Andrés Daly + Andrés Guajardo C. | www.35milimetros.org
INTERVIEW
DAIM &
DAIM por Michael Schepis | http://www.visualkontakt.com
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DAIM (nacido en Lüneburg, Alemania) fue atrapado por los tentáculos de las ciudades cercanas a Hamburgo, profundamente atraído por la subcultura de ese entorno, cuando era muy joven. En 1989, comenzó su carrera como un artista libre y grafitero virtuoso. Sólo un año después se le encomendó su primer trabajo encargado y en 1992 el cambio de alias, tan importante para un artista del graffiti, se llevó a cabo. Este último, por supuesto, juega un papel importante dentro de la caligrafía moderna callejera.
Tanto el arte, como sus lecturas en conferencias, pronto lo elevaron junto a grupos de connotados artistas transnacionales, como GBF, Suk, FBI y FX. Dentro de esas escalas de nuevos estilos y técnicas, DAIM desarrolló una gama de habilidades que le permitió ir más allá de sus raíces. Los muros de hormigón fueron sustituidos por telas, mientras que las latas de spray se fueron modificando por clics del mouse en programas como Photoshop e Illustrator. Primero, las imágenes en dos dimensiones fueron evolucionando a gráficos en tres dimensiones con una profundidad y una perspectiva aparentemente ilimitada, sólo para convertirse finalmente en esculturas que abandonan el confinamiento de las superficies planas del todo. ¿Cuánto tiempo has estado trabajando en el graffiti y de qué equipos has formado parte? Siempre he estado interesado en el arte e hice muchos dibujos y pinturas. A través del hip hop y mi primer viaje a los Estados Unidos, me enamoré del graffiti. Empecé a escuchar rap cuando tenía 15 años de edad y dos años más tarde (en 1989) descubrí el Spray como una herramienta para dedicarme a la pintura. Ciertamente, al principio hice cosas ilegales. En aquellos días eso era bastante normal. Como novato, no había otro camino, ya que no existían paredes que pudieras pintar legalmente. Me atraparon muy pronto, lo que me ayudó a salir del underground y la ilegalidad. Antes de ese episodio, ni mis viejos, ni mis profesores, ni mis amigos sabían lo que estaba haciendo. Después, tuve que salir a dar explicaciones y dije: "estoy haciendo graffitis. Denme muros legales". Mi primer trabajo legal tenía un contrato que me permitió apenas pagar las latas; lo que me mostró una perspectiva del arte y el graffiti fundamental para mi futuro. Yo creo que el graffiti tiene mucho que ver con la búsqueda de uno
mismo. Al probar diferentes técnicas, explorando en tus propios límites y ganándote el respeto de un grupo de personas, uno puede encontrar su camino personal y autoestima. Especialmente durante la pubertad, el proceso de esa búsqueda es muy importante… aunque nunca deja de serlo. Además, las normas dentro de tu grupo de pares cambian, lo que conduce a un contexto diferente de trabajo. Le agradezco a mis padres por haber comprendido esto y por darme el espacio, cuando aún era un adolescente, para desarrollar mis ideas. Para mi, ellos siempre han sido un gran pilar. Aunque conozco a mucha gente que le ha pasado lo contrario. ¿Quienes dirías que han sido tus mayores inf luencias artísticas en los últimos años? Cualquier persona con la que trabajes tiene una influencia sobre ti y sobre tu propio trabajo de una manera u otra. Crear compromisos cuando trabajas en colaboración con otros artistas es algo muy típico del graffiti. Después de empezar a concentrarme en la definición de mi posición como artista, dejé de trabajar con tanta frecuencia junto a otros como lo hacía antes. A pesar de que siempre me ha gustado trabajar con otras personas, he empezado a disfrutar la oportunidad de sólo tener que ser considerado por mi propia excentricidad. Sin embargo, con toda la intensa interacción que se da durante las exposiciones, la inspiración nunca cesa por completo. ¿Qué es lo que más te gusta de la cultura graffiti como arte? Lo especial de arte del graffiti es que siempre ha sido parte de una cultura juvenil. Los rayadores activos están muy motivados y dinamizan toda la escena. En combinación con los de mayor edad y que poseen habilidades más desarrolladas, la escena tiene una base cada vez más amplia y
compleja. Se garantiza la autenticidad, siempre y cuando todos puedan trabajar en su propio nicho, adecuado en una determinada área y a un estilo particular de graffiti. Si esta rica diversidad se mantiene, el graffiti seguirá desarrollandose de forma positiva. ¿Quiénes son tus grafiteros favoritos? No puedo decir que admire a uno en específico. Sin embargo, cualquiera que se mantenga fiel a sí mismo a través de un largo periodo de tiempo con tal de realizar una meta, perfeccionar su técnica o provocar una controversia constructiva, merece mi admiración. Cuando la gente ve tu trabajo y dice que raya en las fronteras del graffiti y el arte, ¿cómo lo ves? Siempre he estado fascinado - incluso antes de involucrarse en el graffiti - por ilustraciones foto realistas y el arte. Es por eso que empecé en 1991a tratar de hacer que mis piezas se vieran en tres dimensiones. Omitiendo el esquema de estilo cómic y definiendo la carta a través de la iluminación y las sombras parecería obvio. También fue el momento en que los computadores personales se hicieron ampliamente disponibles y los gráficos en 3D se hicieron posible. Un par de artistas, por ejemplo Erni and Delta, empujaron en esa dirección. Ciertamente, yo también he tratado de contribuir a este desarrollo. A pesar de que podría ser difícil de creer, para mí los efectos 3D no son la expresión primaria de mis obras. Es sólo una técnica de ilustración que he elegido para transportar mi contenido. La escritura de mi nombre junto con la iconografía en cuestión es más importante para mí. Además, los paralelismos y las diferencias entre un procesos de trabajo análogos y digitales me fascinan. Este último tiene una gran influencia en el diseño actual. Déjenme darles un ejemplo: mis últimas obras se pegan con sólo tres cintas de diferentes colores (no rociados). Por un lado, esto tiene un tremendo impacto en el diseño pero también en el contenido y la forma de mi trabajo. Aquí los aspectos 3D son secundarios. Sin embargo, cuando se trata de dar forma y trasladar mi estilo en esculturas en un entorno 3D real, me concentro en el efecto 3D. Este es un nuevo e importante paso que he estado desarrollando durante la mayor parte de los últimos 10 años. Este proceso comenzó durante mis estudios de arte en Suiza y está lejos de concluir. La perspectiva de construir mis estilos en esculturas físicas y fusionarlos con la arquitectura, me sigue fascinando.
¿Cómo equilibras tu trabajo como grafitero con tu vida familiar? La vida de un artista no sólo consiste en la producción de "obras de arte” durante todo el día. La parte de la organización de proyectos, tales como enormes paredes, pueden tardar una gran cantidad de tiempo. Además, hay pocas oportunidades para el ocio, que en su mayoría prefiero gastar en mi familia. ¿Qué pasa con los rayados, que te mantienen interesado después de todo este tiempo? La lata de spray siempre ha sido mi principal herramienta. Pero el desarrollo de un esquema en el computador tarda mucho más que la realización de un trabajo en una pared con un spray. Mientras tanto, hay un nuevo método llamado Tapings. Este tiene fuertes paralelismos con los gráficos vectoriales que he construido, por lo que la transformación de una técnica a otra es, de nuevo, lo más emocionante para mí. ¿Cuál es tu mejor consejo para los jóvenes grafiteros? Desarrollar un estilo propio. Encontrar la inspiración adentro y afuera de la escena del graffiti. Ayudar a otros y trabajar juntos. Estar abierto a nuevas ideas y respetar a todos aquellos que aman el graffiti tanto como tú. ¿En qué estás trabajando ahora? Después de turbulentos años con muchos viajes, exposiciones y proyectos en los que también estuve participando en la organización, necesitaba una etapa de concentración en mi trabajo artístico. Esto significó para mí concentrarme en pocos proyectos, pero de renombre. Quería reencontrarme con el sentimiento en el que estoy con mi trabajo como artista y también como un rayador activo en la escena del graffiti. Por ejemplo, pora la serie de exposiciones Urban Discipline y los libros publicados, había momentos en los que me preguntaba si estaba liderando una agencia de eventos o si era un editor de libros más que un artista. Pero, en el fondo, siempre estuvo claro en mi mente que mi trabajo artístico tiene que ser mi pilar y me he dedicado con esfuerzo en los últimos años para que tal efecto se logre de nuevo. Interview pg_55
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¡Feliz cumpleaños jeans Levi's®! El famoso jeans cumple 138 años de su creación, a manos de Levi Strauss, el imigrante proveniente de Bavaria que llegó a la California en pleno auge del oro y que jamás imaginaría que su invento uniría a seis generaciones y se transformaría en la prenda más polular, democrática y vigente en el mundo.
No por nada la Revista Time la eligió, hace un tiempo ya, como “la prenda más influyente del siglo XX”. Sin embargo, aún muchos no conocen los detalles de su origen y de las curiosidades que empapan la historia de su evolución. Fue exactamente un 20 de mayo de 1873 en que el inmigrante bávaro Levi Strauss junto a su socio Jacob Davison patentaron el blue jeans como su creación, en un principio como una resistente vestimenta de trabajo para los mineros americanos. De ahí a su explosiva masificación, primero en los años 20’ donde, aún llamándose “overoles de cintura”, se convirtieron en el atuendo más popular en las zonas rurales de toda la costa oeste de Estados Unidos. Vendrían los años 30’, en pleno apogeo del cine western, donde íconos como John Wayne y Gary Cooper lucían sus Levi’s® en pantalla grande. La segunda Guerra Mundial marcaría un antes y un después para el antecesor del jeans, cuando se incorporaronn además las chaquetas como atuendo oficial de los soldados norteamericanos y donde, poco a poco, comenzaron a asociarse como prendas para sociabilizar y no tan sólo para trabajar. Al término del conflicto, la expansión a Europa era un hecho e íconos de la juventud rebelde como James Dean y Marilyn Monroe los incorporaban a sus habituales vestimentas desatando la locura de seguidores que quieren imitar sus respectivos estilos. Con Woodstock estrenando los
modelos “campana” y oficializando su nombre como jeans, la prenda ya se ha transformado como parte esencial del clóset de millones de personas en el mundo, adaptándose a diversos estilos, formas y diseños y, lo más importante, siguiendo vigente como el primer día hasta la actualidad. Algunas cosas que no sabes de los jeans Levi’s® El par de jeans más antiguo del mundo aún existe Apodado el "XX", estos jeans se hicieron en 1879 y se almacenan en una caja fuerte incombustible bajo vigilancia en Levi Strauss & Co. Archives en San Francisco, California. Hoy en día, valen más de US$150.000. De “mono” a “jeans” Los mineros fueron los primeros usuarios de los nuevos “monos acinturados con remaches”. Este nombre fue utilizado hasta los años 60, cuando el término más moderno "jeans" fue utilizado por primera vez. Libertad para ellas El primer producto Levi Strauss & Co. hecho para mujeres se llamó "Freedom-Alls" en 1918. Era una sola pieza de vestuario (tipo túnica- pantalón) hecha para el trabajo y el ocio, ideal para las mujeres del oeste americano que tenían una vida activa (y una vestimenta bastante restrictiva). Curiosamente dos años más tarde, las mujeres ganan el derecho al voto en EE.UU.
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La Bóveda del pasado Dentro del Levi’s® Headquarters en San Francisco está The Vault, nuestro museo Levi’s® donde los visitantes pueden encontrar moda de sus momentos favoritos del cine y prendas icónicas de algunas de las más grandes estrellas de Hollywood. The Vault es gratuito y está abierto al público, en especial para los fans de toda la vida de Levi’s®, quienes no pueden dejar de visitarlo. Red Tab, símbolo distintivo La Red Tab fue incorporada a los jeans Levi's® en 1936, debido a que la competencia estaba imitando varias caraterísticas, especialmente el Arqueado o “Batwing”, la costura-símbolo de los bolsillos traseros. Uno de cada 10 Red Tabs en el bolsillo trasero de un jeans Levi's® es una etiqueta roja vacía y no incluye la palabra Levi's®. ¡Prohibida la costura del diseño trasero! Durante la Segunda Guerra Mundial, el gobierno americano prohibió a la empresa la realización de la costura del diseño trasero en sus bolsillos; el “Arqueado” o “Batwing” en su modelo 501®, ya
que el uso de ese hilo no tenía ninguna funcionalidad y simplemente era un elemento decorativo. Así, LS&CO decidió pintar el “Arcuate” de sus bolsillos traseros en los jeans 501® (para hombres) y el 701® (para mujeres) durante el período que duró la guerra. Spikes Brillantes
En 1985 LS&Co. presentó Spikes, un pantalón de algodón pulido para hombres y niños, en colores naranja, limón y lima: los tonos exactos de un famoso postre de gelatina. Diseñadores Top Transforman la Levi's® Trucker Jacket En 1986 Levi Strauss & Co. llevó a cabo su primera subasta de jeans decorados por celebridades a beneficio de instituciones de ayuda al SIDA. Conocidos diseñadores transformaron las Levi's® Trucker Jacket y posteriormente fueron subastadas. Yves Saint Laurent fue el creador de esta chaqueta.
Jeans reciclables 25.500 pares de jeans reciclados actúan como aislantes en el interior de las paredes de la reciente remodelada sede central de Levi Strauss & Co. en San Francisco. Autos edición Levi's® Durante los 70's, la American Motors Corporation ofreció paquetes "fashion" de varios modelos, y la edición especial Levi's® venía completa, con los asientos en jeans y botones de cobre y logo rojo "batwing" cercano a la cavidad de la ruedas delanteras. Una excentricidad de los tiempos. Abajo el muro, arriba el jeans Con la caída del Muro de Berlín en 1989, muchos consumidores del bloque oriental compraron un jeans Levi’s® por primera vez fuera del mercado negro, como símbolo de libertad e independencia. En casa de herrero… A pesar de su furor, Levi Strauss nunca usó un par de jeans en su vida. Ni por curiosidad. Pero aclaremos el contexto: los overalls o trajes de
trabajo eran justamente sólo para los trabajadores de obra gruesa, y él era un próspero hombre de negocios por lo que no eran adecuados a su vestimenta habitual. Sobre Levi's® Desde su invención por Levi Strauss en 1873, los jeans de Levi’s® se han convertido en las prendas más reconocidas e imitadas en todo el mundo – capturando por generaciones la imaginación y lealtad de las personas. Hoy, Levi’s® sigue evolucionando con su espíritu innovador e incansablemente vanguardista. Nuestra gama de jeans y accesorios está disponible en más de 110 países, permitiendo así expresar el estilo personal a todos los individuos del mundo. Para mayor información acerca de la marca Levi’s® y de sus productos y tiendas visita www.levi.cl Foursquare: www.foursquare.com/Levis_cl Facebook: www.facebook.com/Leviscl Twitter: www.twitter.com/Levis_CL
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Emiliana presenta sus Nuevas Etiquetas
Viña Emiliana, uno de los mayores referentes a nivel mundial en producción orgánica y biodinámica, realizó importantes cambios a su imagen corporativa con el fin de dar mayor visibilidad y re-posicionar la marca. Como parte de una completa renovación en su imagen corporativa, Viña Emiliana trabajó en la redefinición de sus logo incorporando los conceptos de elegancia, solidez y buena lectura; además de aportar de equilibrio y simpleza al diseño. A simismo, se definió un endoso con el nombre de la marca que fuera igual para todas las líneas, ubicado en la parte inferior de cada etiqueta y que pretende ser elegante, limpio y simple. Por otro lado, se rediseñó el packaging de cada uno de los productos. En las líneas Gê y COYAM se buscó entregar valores más premium
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a la etiqueta considerando el nivel de vino de calidad. Novas Winemaker´s Selection fue reemplazada por la línea SIGNOS DE ORIGEN, que intenta crear mayor identidad y una relación directa con su terroir o lugar de origen. Se realizó también un up-grade en el diseño de NOVAS, dando mayor carácter a la etiqueta, buscando elementos diferenciadores. En la línea ADOBE se aspira a interpretar de una manera más contemporánea la marca acorde a su nuevo posicionamiento y segmento al cual está dirigido este producto. Con esto, la compañía ha decidido dar un giro en su imagen, desarrollando una nueva identidad que pretende fortalecer y potenciar aún más la marca.
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