Pintura segunda parte

Benemérita y Centenaria Escuela Normal del Estado de San Luis Potosí Ciclo Escolar 2017-2018 Licenciatura en educación preescolar Educación Artística

“Pintura” 2da parte Mtra.: Nayla Jimena Turrubiartes Cerino Docentes en formación: Diana Laura Rodríguez Márquez Erika Fernanda González Arriaga Mónica Araceli Pereda García Fernanda Elizabeth Monsivais Guerra 6° semestre grupo B

Pintura

Cubismo El Cubismo es un arte mental, se desliga completamente de la interpretación o semejanza con la naturaleza, la obra de arte tiene valor en sí misma, como medio de expresión de ideas.

La desvinculación con la naturaleza se consigue a través de la descomposición de la figura en sus partes mínimas, en planos, que serán estudiados en sí mismos y no en la visión global de volumen. Así un objeto puede ser visto desde diferentes puntos de vista, rompiendo con la perspectiva convencional y con la línea de contorno.

Las formas geométricas invaden las composiciones. Las formas que se observan en la naturaleza se traducirán al lienzo de forma simplificada, en cubos, cilindros, esferas.

El término “cubismo” aparece en el transcurso de la experimentación plástica de comienzos del s XX. En el contexto de la pintura fauve, Louis Chasevent habló en 1906 de la “precisión de los cubos” y, en 1908, el crítico Louis Vauxcelles se refería irónicamente a la nueva pintura de Braque diciendo que “reduce todo a esquemas geométricos, a cubos”. Estos y otros comentarios posteriores acabaron por dar nombre al movimiento.

Etapas del Cubismo Se distinguen diversas fases en el desarrollo del Cubismo.

Cubismo Analítico caracterizado por la descomposición de la forma y de las figuras en múltiples partes, todas ellas geométricas. El objetivo es examinarlas y ordenarlas por separado. Es el cubismo más puro y el de más difícil comprensión.

Cubismo Sintético es la libre reconstitución de la imagen del objeto disuelto. El objeto ya no es analizado y desmembrado en todas sus partes, sino que se resume su fisonomía esencial. La síntesis se realiza resaltando en el lienzo las partes más significativas de la figura que serán vistas por todos sus lados.

Algo fundamental en esta etapa es la técnica del collage, la inserción en el cuadro de elementos de la vida cotidiana como papeles, telas y objetos diversos.

Pintores Cubistas Pablo Ruiz Picasso ( Málaga, 1881 - Moulins, Francia, 1973) Pintor español. A lo largo de su dilatada trayectoria, Pablo Picasso exploró incesantemente nuevos caminos e influyó en todas la facetas del arte del siglo XX, encarnando como ningún otro la inquietud y receptividad del artista contemporáneo.

Las Señoritas de Avignon anuncian su producción cubista, donde rompe con todas las normas tradicionales de la pintura figurativa fragmentando la perspectiva en volúmenes cuadrados y angulosos.

Con los presupuestos del cubismo analítico realiza Desnudo con toalla, La fábrica de Horta de Ebro, y retrato de Ambosio Vollard.

En Naturaleza muerta con silla de rejilla, Guitarra y en Naturaleza muerta introduce el collage.

George Braque (1882-1963) En L´Estanque, cerca de Marsella descubrió que se pueden simplificar las formas reduciéndolas a prismas y cilindros. Son características sus naturalezas muertas, empleando con frecuencia la guitarra, el violín o la mandolina.

En Naturaleza muerta con naipes reduce el cromatismo a colores grises y geometriza y descompone las formas para crear una nueva realidad mediante superposiciones y transparencias.

También introducirá en sus pinturas los collages.

Sus obras más destacadas son El bodegón de la guitarra, El bodegón del violoncelo, El taller del pintor.

Juan Gris (1887-1927) José Victoriano González-Pérez conocido como Juan Gris, nació en Madrid el 23 de marzo de 1887.

Su cubismo es fundamentalmente sintético y coloreado. Sus composiciones tienen una firme estructura y un ritmo armonioso. Esta mezcla de suavidad y energía la observamos en la ordenación de sus bodegones, realizados a base de planos muy violentos. Los elementos que aparecen son vasos, botellas, diarios, fruteros, pipas, arlequines, elementos musicales. Apenas trata otro tema que el del bodegón.

Naturaleza muerta, El desayuno, Naturaleza muerta sobre una silla.

Fernand Leger (1881-1955) fue un destacado pintor cubista francés de la primera mitad del siglo XX. La principal colección de sus obras puede verse Museo nacional Fernand-Léger, localizado en Biot en los Alpes Marítimos, un museo del Estado francés inaugurado en 1960.

El cubismo de Leger tiende hacia formas de aspecto mecánico y tubular. Le importa la vida cotidiana y el maquinismo de la gran ciudad. En su Partida de cartas, los protagonistas han sido convertidos en una especie de robots metálicos. Seguirán otros cuadros como Los acróbatas, Los cilindros, Las hélices, etc. Sus personajes son vistos con cierto carácter de autómatas.

El comienzo de la Primera Guerra Mundial fracciona el Cubismo, pero seguirá existiendo en experiencias como el purismo, la Sección Aurea o Sección de Oro y el constructivismo ruso.

Expresionismo

Expresionismo Es una de las primeras vanguardias en las artes plásticas, que surge a principios del siglo XX. Se caracteriza por darle prioridad a la expresión, lo cual abarca muchas cosas como el ejercicio de la libertad de creación, la prioridad puesta en las emociones, una subjetividad que trata de presentarse objetivamente (en el lienzo), uso de símbolos; pero sobre todo el uso de los colores que pueden sugerir fuerza, violencia, drama. El historiador del arte J. F. Rafols escribió: “El expresionismo no acepta la realidad tal como ésta se presenta: quiere ir directamente a la esencia, coger el espíritu con las manos y, además, expresarlo en su pureza, en la tela o en la escultura.”

Edvard Munch (1863-1944) Considerado el primer expresionista, de origen noruego tuvo no obstante una gran influencia en Alemania.

Las primeras obras de Munch seguían las normas del arte académico decimonónico, aunque era visible su interés por avanzar sobre la expresividad interna del alma humana.

El artista completó su formación iniciada en la escuela de dibujo de Oslo a través de numerosos viajes a París, Alemania e Italia. No era pues, un artista aislado sino que mantenía activos contactos con los pintores de su época, además de interesarse, como buen hombre de su tiempo, por el psicoanálisis.

La pintura de Munch combinaba de modo muy eficaz el dibujo cerrado, de continuidad ondulada a través de un color forzado e irreal. El expresionismo nórdico se inspira claramente en su producción.

Ernst Ludwig Krichner (1880-1938) Las características de este movimiento eran el fuerte componente gráfico, el uso de una línea angulosa y atormentada, con la que los motivos se deformaban hasta alcanzar efectos caricaturezcos y el gusto a los colores duros, a los que se daba un significado emotivo: todos estos rasgos se hallaban relacionados con la pintura clásica alemana que se proponía como alternativa al academicismo burgués.

Además, podría decirse que superficialmente, estaban emparentados con el Fauvismo en relación al uso de colores vivos.

Pero mientras éstos investigaban el color a fin de buscar una unidad a la pintura, los jóvenes artistas de Die Brüke , deseaban hallar para el color un significado simbólico.

Kirchner fue sin duda una figura de referencia del grupo y se inspiró claramente en Munch, Van Gogh y Gauguin, así como en el arte primitivo.

Karl Schmidt-Rottluff (1884-1976) Fue el pintor mรกs jรณven del grupo y defendiรณ una pintura exasperada de pincelada libre, contornos bien limitados y amplias zonas de color. En los trazos estilizados se advierte la influencia de la escultura africana y polinesia.

Características conceptuales del expresionismo Lo importante en este movimiento es la forma y el sentimiento del autor, pese a que -como tendencia artística- revive en la escultura y la pintura, ésta es la más importante. Las soluciones del expresionismo rara vez se reducen a un concepto simple, se busca mostrar el sentimiento humano abiertamente y se toma a la pintura como un medio de desahogarse y de ver la vida con otro punto de vista.

Esta tendencia parte del supuesto que "la naturaleza tiene dificultades por su propia estética", por lo que el hombre debe descubrirla con sus sentimientos.

Las técnicas de construcción prefieren la tradición artesanal a la tecnología moderna: los chorros de pintura industrial, los grandes tamaños del formato, el uso del color y el olvido del pincel son comunes al interior de este estilo.

Características en la pintura Fuerza psicológica y expresiva mediante colores fuertes y puros, cuyas combinaciones son al azar, con líneas que expresan la angustia que estos autores sienten frente a la vida.

Los colores puros, son colocados en la tela para provocar distorsión de sus líneas y de las figuras que forman, pero su disposición en la tela reflejan un simbolismo que va más allá de las líneas simples.

Se pintan máscaras y paisajes donde los protagonistas son el agua, el cielo, las masas de vegetación o la simple intención de mostrar el ritmo de los sentimientos.

Destacan en sus pinturas los colores azul, amarillo y verde para contrastar con la simplicidad del blanco y el negro. Son frecuentes los rostros desfigurados y tristes

abstracto Es un fenómeno artístico propio, pero no generalizable, de lo que estéticamente se define como arte moderno y cronológicamente como contemporáneo en los siglos XX y XXI.

La primera artista en crear una obra abstracta fué Hilma af Klint, reconocimiento que no se le ha demostrado.

Kandinsky realizó su Primera acuarela abstracta entre 1910 y 1913; y teorizó sobre la pintura abstracta en Uber das Geistige in der Kunst (1911).

Acerca de pintura abstracta ●

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Las dos formas de pintura abstracta pueden aparecer juntas en una obra, también se puede dar la supresión de detalles, en que ya no puedan distinguirse los elementos figurativos, como ejemplo: las obras de: Ivon Hitchens, Roger Bissiére, Jean Bazaine, Maurice Estéve, etc.

Los dos tipos de pintura abstracta continuaron caracterizando el 'Vorticismo'.

Las formas principales son la pintura abstracta expresiva y la pintura abstracta geométrica.

La pintura abstracta expresiva se contempla en el 'Expresionismo abstracto', el 'Tachismo', y sus movimientos derivados.

Surrealismo El Surrealismo comienza en 1924 en París con la publicación del "Manifiesto Surrealista" de André Breton, quien estimaba que la situación histórica de posguerra exigía un arte nuevo que indagara en lo más profundo del ser humano para comprender al hombre en su totalidad.

Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Intentan plasmar por medio de formas abstractas o figurativas simbólicas las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños.

Exponentes del surrealismo Ernst (1891-1979) Llegó a ser uno de los principales exponentes del Surrealismo utilizando la técnica del frotagge.

Consiste en frotar una mina de plomo o lápiz sobre un papel que se apoya en un objeto y se deja así su huella en dicho papel, con todas sus irregularidades. Las imágenes surgidas aparecerán cargadas de misteriosas evocaciones, de signos de catástrofe y desolación.

Ciudades, Europa después de la lluvia.

Tanguy (1900-1985) Representa sueños desligados a toda referencia a la realidad. Los horizontes, la sensación de infinito, la presencia de objetos misteriosos y sin correspondencia con la realidad objetiva y las alusiones a signos sexuales caracterizan su obra consiguiendo provocar angustia y misterio. Unos transportes; Días de lentitud; Mamá, papá está herido.

Masson (1896-1987) Analiza la estructura del objeto para convertirlo en una elucubración intelectual. Parece que el color, conjugado de modo personal y con una valoración casi abstracta es lo que más le importa. Su modo es más vital, sin la opresión angustiosa de la mayoría de los surrealistas. Dibujo automático, Desnudo, Ánfora.

Chagall (1887-1985) Presenta hechos sacados de la realidad pero dentro de un ambiente ensoñador. Sus figuras vuelan sobre el paisaje. Yo y la aldea, evoca una serie de elementos reales de su tierra natal (casas, vacas...), pero la magia del sueño lo transmuta. La vaca acoge en su cabeza a una lechera ordeñando, la campesina puede andar con la cabeza en el suelo, etc.

Salvador Dalí (1904-1989) Dalí es más escandaloso y extravagante de todo el grupo.

Sus cuadros presentan figuras imposibles fruto de su imaginación.

Le caracteriza la provocación y su método "paranoico-crítico". Su primera etapa surrealista es furiosa y ácida, las formas se alargan, se descomponen o resultan de apariencia equívoca. Utilizará alusiones al sexo y la paranoia.

Más adelante su estilo se hará más barroco en Leda atómica y en El Cristo de San Juan de la Cruz, donde el sentido de la composición y del espacio es más clásico, pero siempre inquietante.

Su pintura resulta excepcional en sus calidades plásticas por la corrección en el dibujo y por la presencia de la luz, transparente y limpia.

Obras destacadas Nombre: El regreso del poeta. 1911.

Esta obra indujo a Bretón a comparar al pintor con el poeta precursor del surrealismo. Se cree que el poeta del que habla el cuadro es el poeta Isidore Ducasse, llamado Conde de Lautréamont, a quien los surrealistas rescataron del olvido e hicieron de él uno de los precursores de su movimiento

SALVADOR DALÍ La tentación de San Antonio y el Sueño Causado por El Vuelo de una Abeja Antes de Despertar.

ANDRÉ MASSON El laberinto

Técnicas Imágenes de la pintura surrealista: – Formas abstractas o figurativas simbólicas que intentan plasmar las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños.

– Animación de lo inanimado – Aislamiento de fragmentos anatómicos

– Evocación del caos – Representación de autómatas, de

– Elementos incongruentes

espasmos y de perspectivas vacías

– Metamorfosis

-Realidades oníricas

– Máquinas fantásticas

– Perspectivas vacías

– Relaciones entre desnudos y maquinaria

– Universos figurativos propios

Aplicación en el preescolar Para definir de una manera fácil el surrealismo para niños podríamos decir que se basa en el mundo de los sueños, de la fantasía y que va más allá de la realidad.

Podemos plantear dos ejercicios para que los niños trabajen o intenten comprender el surrealismo: 1. Por un lado podemos indicar a cada niño que imagine un objeto, un animal, una persona o una cosa preferida y que lo transforme buscando lo más absurdo posible.

2. Por otra parte podemos crear una obra que se acerque al automatismo surrealista, partiendo de la idea de que se puede crear a partir de todo, una forma de crear que se nutre del inconsciente colectivo donde lo no racional es la base de la creación. La toma de decisiones debe ser inmediata, igual que ocurrió, por ejemplo, cuando Salvador Dalí y Luis Buñuel escribieron el guión de la película El Perro Andaluz, donde cada uno aportaba lo que en ese momento le venía a la mente, aunque no tuviera continuidad ni relación con lo que se había planteado anteriormente. No existen propósitos concretos en la creación, sino que se asumen todos los riesgos necesarios.

Como decía el propio André Bretón "el funcionamiento real del pensamiento en ausencia de todo control ejercido por la razón fuera de cualquier preocupación estética o moral"

Referencias http://www.arteespana.com/surrealismo.htm http://www.pinturayartistas.com/surrealismo-los-pin tores-de-suenos/ http://www.fundacionunam.org.mx/arte-y-cultura/ pintura-expresionista/ https://arte.idoneos.com/expresionismo/ http://www.portaldearte.cl/terminos/expresio.htm http://arteexpresionismo.blogspot.mx/2010/08/prin cipales-caracteristicas-del.html