Arte contemporáneo. Esenciales del arte

ARTE

CONTEMPORÁNEO

Para Simon, Mary y Jem

Con un gran agradecimiento a mis padres, Ann y Tony Rudd -

Título original Contemporary Art

Diseño April

Traducción Antonio Díaz Pérez

Revisión de la edición en lengua española Llorenç Esteve de Udaeta

Historiador de Arte

Coordinación de la edición en lengua española Cristina Rodríguez Fischer

Primera edición en lengua española 2023

© 2023 Naturart, S.A. Editado por BLUME

Carrer de les Alberes, 52, 2.°, Vallvidrera

08017 Barcelona

Tel. 93 205 40 00 e-mail: info@blume.net

© 2023 Thames & Hudson Ltd., Londres

© 2023 del texto Natalie Rudd

I.S.B.N.: 978-84-19499-50-9

Depósito legal: B.22706-2022

Impreso en Eslovenia

Todos los derechos reservados. Queda prohibida la reproducción total o parcial de esta obra, sea por medios mecánicos o electrónicos, sin la debida autorización por escrito del editor.

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Cubierta: Yayoi Kusama, Sala de espejos infinitos – Luces resplandecientes, 2008. Espejo, panel de madera, LED, metal y panel acrílico, 2,87 × 4,15 × 4,15 m. Photo Suhaimi Abdullah/Getty Images. Cortesía de Ota Fine Arts and Victoria Miro. © YAYOI KUSAMA

Portada: KAWS, VACACIONES, 2019. Objeto hinchable, 37 m de longitud. Victoria Harbour, Hong Kong. Fotografía de @harimaolee. © KAWS

Pág. 4: Doris Salcedo, Sin título, 2003 (detalle de la pág. 162). 1550 sillas de madera, 10 × 6,1 × 6,1 m. 8.ª Bienal Internacional de Estambul, Estambul, 2003. Courtesy White Cube. © Doris Salcedo

Portadillas: pág. 8 Takashi Murakami, Flower Ball (3-D), Kindergarten, 2007 (detalle de la pág. 41); pág. 22 Annette Messager, Ellos y nosotros, nosotros y ellos, 2000 (detalle de la pág. 38); pág. 46 Urs Fischer, Tú, 2007 (detalle de la pág. 65); pág. 70 Bruce Nauman, Dance or Exercise on the Perimeter of a Square (Square Dance), 1967-1968 (detalle de la pág. 73); pág. 71 Reproducido en Jane Livingston y Marcia Tucker, Bruce Nauman: Works from 1965 to 1972, Los Angeles County Museum of Art y Praeger, Los Ángeles y Nueva York, 1972; pág. 94 Louise Bourgeois. Museo Guggenheim, Bilbao, con la obra de Louise Bourgeois titulada Mamá, 2001 (detalle de la pág. 18); pág. 118 El Anatsui, Dusasa II, 2007 (detalle de la pág. 131); pág. 140 Ai Weiwei, Vasijas coloreadas, 2007 (detalle de la pág. 155).

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ARTE

CONTEMPORÁNEO

¿CÓMO HEMOS LLEGADO HASTA AQUÍ?

¿CUÁLES SON LAS REGLAS DEL JUEGO?

¿POR QUÉ HACER ALGO DE LA NADA?

¿QUÉ HACEN LOS ARTISTAS EN SU DÍA A DÍA?

¿POR QUÉ CUENTAN HISTORIAS LOS ARTISTAS?

¿CREAR ARTE SIGUE TENIENDO IMPORTANCIA?

¿PUEDE EL ARTE MEJORAR EL MUNDO?

reflexiones sobre la contemplación de arte

encontrar arte contemporáneo

TAKASHI MURAKAMI n. 1962, CIUDAD DE ITABASHI, TOKIO, JAPÓN

Reside y trabaja en Tokio, Japón, y en Nueva York, Estados Unidos

Es fácil entender por qué a Takashi Murakami se lo compara a menudo con el artista pop Andy Warhol. Al igual que Warhol, Murakami ha buscado inspiración en la alta y la baja cultura y ha maximizado el potencial comercial de su arte. Warhol estableció The Factory en un loft neoyorquino en el que tuvo empleados que le permitieron tener una prolífica producción. Fundada en 2001, la empresa comercial de Murakami con sede en Tokio, Kaikai Kiki Co. Ltd., da trabajo en la actualidad a cientos de personas para producir y comercializar su obra. El interés de Murakami por la cultura japonesa abarca un amplio abanico de géneros, desde la tradicional pintura de flores hasta los últimos estrenos de anime y manga. Murakami ha creado su propio lenguaje visual a base de tomar elementos de estas distintas fuentes. Su arte es de colores brillantes y tiene una precisión de cómic «superplano». Sus imágenes cuentan con un enorme elenco de personajes, entre ellos DOB, que suele representar al propio artista. Hay una inocencia infantil en sus imágenes y un evidente interés por el concepto japonés de lo kawaii («mono» o «cuco»). Sin embargo, esta candidez almibarada apenas oculta la presencia de temas adultos y trasfondos siniestros.

Murakami realiza pinturas y esculturas para importantes galerías y museos. Su gran exposición itinerante «© Murakami» estuvo de gira durante dos años, de 2007 a 2009, y pasó por Los Ángeles, Nueva York, Fráncfort y Bilbao. Murakami también es conocido por producir una notable gama de productos, desde camisetas y colchas hasta alfombrillas para el ratón y juguetes para golosinas. La colaboración que realizó con la casa de moda Louis Vuitton (2003-2015) dio lugar a una exclusiva gama de bolsos y carteras. Aparte del precio, hay poco que distinga el arte de Murakami de sus artículos comerciales: todas sus piezas tienen el mismo estilo característico, las mismas imágenes distintivas. Sin necesidad de recurrir a la ironía, Murakami nos recuerda las estrechas conexiones entre el arte y la empresa comercial, actividades ambas resultantes de nuestra sociedad basada en las mercancías.

Takashi Murakami

Bola de flores (3D), guardería, 2007 Acrílico y pan de oro plateado sobre lienzo montado en tabla 100,3 x 100,3 cm Gagosian Gallery, Nueva York

Murakami considera que las flores son tanto seductoras como depredadoras. En esta pintura, las sonrientes flores podrían interpretarse como una imagen mona, pero la misma multitud sonriente podría verse como algo amenazante. El interés de Murakami por las yuxtaposiciones también se da en la combinación de su característica superficie pictórica «superplana» con la sugerencia general de esfericidad.

HECHOS CLAVE

Takashi Murakami se doctoró en la Geidai o Universidad Nacional de Bellas Artes y Música de Tokio. Su formación incluyó una amplia dedicación al nihonga, la pintura tradicional japonesa.

En 2001, Murakami comisarió la exposición colectiva «Superflat» en el Museum of Contemporary Art de Los Ángeles, en la cual presentó la obra de artistas influidos por la estética bidimensional de la cultura japonesa.

El arte de Murakami suele denominarse «pospop» o «neopop» por sus estrechas conexiones con el pop art.

OBRAS DESTACADAS

727, 1996, Museum of Modern Art, Nueva York, Estados Unidos Invocar la vitalidad de un universo más allá de la imaginación, 2014, Gagosian Gallery, Nueva York, Estados Unidos

OTOBONG NKANGA n. 1974, KANO, NIGERIA

Reside y trabaja en Amberes, Bélgica

Otobong Nkanga comenzó a interesarse por el arte y las cuestiones medioambientales desde una temprana edad. De niña, en Lagos, Nigeria, recogía minerales y utilizaba trozos de brillante mica para hacer dibujos en las aceras. De adolescente, Nkanga se trasladó a París con su familia y estudió en varias instituciones artísticas de Nigeria y Europa. Desde entonces ha desarrollado una considerable práctica artística con la que explora la compleja relación entre el ser humano y el entorno natural. Su obra expresa un deseo primordial de proteger el medioambiente y fomentar el uso responsable de sus preciados recursos.

Nkanga pretende que su arte establezca conexiones en lugar de generar fronteras o divisiones. La artista usa una amplia gama de materiales y técnicas, desde la escultura y el tapiz hasta la performance, la fotografía y el vídeo. La instalación le proporciona un vehículo útil con el que establecer vínculos entre estas distintas prácticas. En las poéticas acumulaciones de Nkanga se fusionan cuerpos, terrenos y recursos naturales para arrojar luz sobre complejas cuestiones geopolíticas, como el comercio mundial de materias primas y las irreversibles cicatrices medioambientales provocadas por la despiadada extracción.

Nkanga se inspira en la idea de la «emocionalidad material», según la cual toda la materia puede albergar recuerdos y sentimientos. Así, trata de empoderar sus materiales para comunicar el impacto de la violenta explotación del medioambiente. En la obra de Nkanga resulta evidente también el deseo de alternar entre lo micro y lo macro, entre las cuestiones locales y las globales. Para Nkanga, todo está conectado y todo el mundo está implicado.

Otobong Nkanga Revelaciones, 2020 Tejido con fotografía (hilos de algodón, viscosa, lino, árnica, técnico, Elirex, poliéster y Sidero; 18 imágenes fotográficas en Forex)

Edición de 5 + 1 prueba de artista

240 x 180 cm

Influida por los artesanos de África Occidental y Bélgica, Nkanga ha producido numerosos tapices en los que ha combinado sus principales intereses con motivos visuales recurrentes. En las obras de Nkanga suelen aparecer figuras sin cabeza. En esta pieza, una solitaria figura ocupa un paisaje mineral cubierto de cicatrices. Una estructura molecular oculta la cabeza y los hombros; además, la inclusión de imágenes fotográficas abre las puertas a las implicaciones globales.

HECHOS CLAVE

Nkanga obtuvo en 2015 el prestigioso Yanghyun Prize, destinado a apoyar y celebrar el trabajo de artistas a mitad de carrera. Nkanga ejerció en 2019 de artista residente en el Gropius Bau en Berlín, Alemania. Esta residencia dio lugar a una importante exposición individual, «There’s No Such Thing as Solid Ground».

OBRAS DESTACADAS

En busca de la ostentación: coalición, 2014, Lumen Travo Gallery, Ámsterdam, Países Bajos

El peso de las tradiciones, 2015, Lumen Travo Gallery, Ámsterdam, Países Bajos

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«Una inspiradora guía con la que abordar algunas de las grandes cuestiones que han animado el mundo del arte, además de una herramienta perfecta con la que aprender a divertirse con el arte contemporáneo». -

Cecilia Alemani, comisaria de la 59.ª Bienal de Venecia y directora de High Line Art

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