“Samurai XXXIV” obra del artista colombiano Omar Rayo (1986)
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Vista de la suite principal hotel Casablanca Marina
Dormitorio principal de la torre hotel Casablanca Marina
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/ÍNDICE
30 16 64 50 92
A R Q U I T ECT U R A , I N T E R I O R I S M O , D I S E Ñ O Y A R T E
Personaje
John Seabrook escribe el perfil de la arquitecta angloiraquí Zaha Hadid. Ganadora del Premio Pritzker en el 2004. Fiel representante de la corriente del deconstructivismo y referente de diseño arquitectónico contemporáneo.
Conversatorio
Tres diseñadores industriales se reúnen en la casa de dos de ellos para dialogar sobre diseño, inspiración y creatividad. El resultado, una reflexión sobre la importancia de la identidad cultural al momento de crear.
Megaproyecto
Elogio
Este es un ensayo sobre el color rojo, donde se expone la percepción que se tiene sobre esta tonalidad atrevida, llamativa y representativa. Sus usos icónicos y su presencia en grandes obras y festividades en el mundo.
el Artista
Rosa Chávez nos presenta una entrevista hecha a Hugo Salazar, un artista de formación y vigilante por ocupación. Quien ha encontrado entre el solitario oficio de cuidar lotes vacíos el escenario ideal que le permite hacer grandes creaciones de arte.
Un ambicioso complejo arquitectónico de lujo aterrizará en Casablanca, Marruecos. Este se impondrá con nuevas zonas que buscan darle impulso a una ciudad que vive cada vez más de los negocios y el turismo.
Esta publicación no puede ser reproducida ni en todo ni en parte, ni registrada, ni transmitida en ninguna forma ni por ningún medio, sea mecánico, electrónico, magnético, por fotocopia o cualquier otro, sin el permiso previo y por escrito de los editores.
DIRECTOR EDITORIAL
Huberth Jara
hj@etiquetanegra.com.pe
PRODUCTORA
Ángela Santander produccioneditorial@etiquetanegra.com.pe
REDACTORES
Diego Olivas Arana Juan Raoúl de la Sierra Rodríguez. Daniel Barrenechea Kennek Cabello David Himelfarb Rosa Chávez FOTÓGRAFOS
Andrés García Benjamín Sueno Le conde Photographers Mark Mahaney DISEÑO Y DIAGRAMACIÓN
David Echevarria ARTE FINAL
Héctor Huamán Escate DIRECTOR COMERCIAL
Gerson Jara
gj@etiquetanegra.com.pe
GERENTE DE VENTAS
Henry Jara
hjara@etiquetanegra.com.pe
PUBLICIDAD
xxxxxxx
MARKETING
Huberth Jara Trujillo marketing@etiquetanegra.com.pe
PREPRENSA E IMPRESIÓN
Iso Print
(+511) 441-3693 / 440-1404 /998-441268
Marcas & Patentes 332-2211 / 431-5698
Línea es una publicación de Pool Editores SAC Federico Villarreal 581, San Isidro, Lima 27, Perú Teléf.: (511) 440-1404 / 441-3693
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A R Q U I T ECT U R A , I N T E R I O R I S M O , D I S E Ñ O Y A R T E
/ C O L A B O R A D O R ES
DIEGO OLI VA SARANA
Colombia. Periodista cultural y actor. Trabajó en la sección de arte y cultura del noticiero en Canal Capital. Ha realizado crónicas y entrevistas para la revista Altus en línea en su país. Vive en Bogotá.
KENNEK CABELLO
Perú. Arquitecto y Diseñador de Interiores. Actualmente es socio y Director de Diseño de Johnston+Barrenechea Architecture & Interiors en New York City y Director Creativo de Ecoarki en Lima. Desarrolla proyectos de arquitectura, interiores y planificación urbana en New York y Lima.
DAVID HIMELFARB
Perú. Periodista. Estudió Literatura en la Universidad Nacional Mayor de San Marcos (UNMSM). Ha escrito para revistas como Asia Sur, Aleste y viù! Vive en Lima.
Perú. Estudiante de último año de Periodismo en la PUCP. Realizó un intercambio académico en la Universidad de Helsinki. Ha escrito para las revistas Línea, Carta Abierta, Impresión, Brújula y la web Espacio360. Publicó un texto en el libro Entrevistas Humanas, de la PUCP. Ha sido profesor de español en Finlandia y de fotografía y radio en proyectos en hospitales mentales de Lima.
JUAN RAOÚL DE LA SIERRA RODRÍGUEZ
Perú. Estudiante de Periodismo en la PUCP. Estudió Diseño y Arquitectura de Interiores. Trabajó en el proyecto La calle es el cielo - Fotografías de Daniel Pajuelo. Actualmente prepara su tesis sobre el poeta Juan Gonzalo Rose. Vive en Lima.
DANIEL BARRENECHEA
España. Periodista. Ha trabajado en El País de España y en la comunicación de diversos eventos. También ha sido asistente de edición de Etiqueta Negra y ha escrito para revistas y guías de la misa casa editorial como Gold’s Gym, Lima Inside y la Guía anual de Restaurantes.
ROSA CHÁVEZ
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A R Q U I T ECT U R A , I N T E R I O R I S M O , D I S E Ă‘ O Y A R T E
/ C A R TA
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Tatust, id utet fugiaer atibusapere quiat doluptatin re sitat labor remquae volore num rehenia voluptaeptas dis aceri de vid maximus ipidunt earum nobit quundis sitinveliam facero blantempor alia perio. Ut erat. Olor as istrum ut di aut quos dolut officimusam es is debistrum delestis aut am aligendaeped eossitati delluptat aut vellesti ius dem eturi ut ratur a sent odipici llore, auta porehen ienditem am quatur aut quiae vent volorporro
quas ut lautatusa isit aut auditiur rero in cus doluptasim que volupta sperore sciaturi sed quis adipictae sum quas consequ iditesti rehenistiis sant autatur alitatur maximpe re quiae soluptatecae volorunt la venihiciis quosam, volupta ducia volum fugit eumquia nditiscit fugiti te nos eaturest ipictur aute nobis dolendae voluptius et landanti rem autempelecta nihicae veliquo et fugia plam hit veliqui beatian dignat que quas aperspe ristrum fugit milit, commole ctatur? Aritem aciis as iusdae dipiduc illesci lluptium, ommolorero expe nimi, quae mo omnimpe aut eatiat omni tem abor asperum consenim quam hitatibus ide cume sae nimendis qui totatur eperae la nullori que si sanditaquam, et quuntur, sequissit quatur, officia ecestios assi que pernatibus evendel igendae voloritiur, ommolutenes eius di quo el event et est aliquunt volestio quodis ium faceatur sande velibus at ma quiam volessint a volum et aboritatquo est, sam hilitis asitat rem que rae nullaci llandicia commodis aut repratibuste pos volut velenis si imolesecus molupta quodisc illatem. Soluptatem dolo mo ea non consendam eatur? Icia consererum, ommosae. Ant parit que mo occum quis et errovit rendit vidunt veles di dellabor sequo consed moloratur as rem dellab is sitem quiderf erist, quod eum eiumeni molupti te voluptat. Nem quiberr ovideles rem faccus asiti rero quodit pel mod explaut am la consequ iscillu ptiunda voluptae nulparum rem volorit qui occusant. Cum nest faccus, omnihiliqui opti dolecepudis reserovit illoribus, nos recta nus sita vollo te eaquam invent asperchictor sapedi cus vendis rem sumquisim exceribusam faccusam et pos undi aute assequas est, volupti onsequi sserferepudi dolenit vendic tem corerfe rspidun torerore volor accupta turiorpori venecta solor audi comnim deratempores qui doles dis etus sus sum voloratem. As dolorrorum aut aut dicianissus quid et rersperum fuga. Soluptatem assust, conse core lat fugitiossume sit et quam ati conectes id et atio con pre as placerum haribusti blam, et rae doluptae maios a de ipicipi cipissum aliquiam, secepernatus il eum vid que dolorup tiores maiorec aborestem velit doloris nullis et veliaes tibero odis cuptat militestiur, sam exceate sed et hicium harum explis simporeium quid quis que moluptam, ullabo. Optatenisi
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Personaje
John Seabrook escribe el perfil de la arquitecta angloiraquí Zaha Hadid. Ganadora del Premio Pritzker en el 2004. Fiel representante de la corriente del deconstructivismo y referente de diseño arquitectónico contemporáneo.
Conversatorio
Tres diseñadores industriales se reúnen en la casa de dos de ellos para dialogar sobre diseño, inspiración y creatividad. El resultado, una reflexión sobre la importancia de la identidad cultural al momento de crear.
Megaproyecto
Elogio
Este es un ensayo sobre el color rojo, donde se expone la percepción que se tiene sobre esta tonalidad atrevida, llamativa y representativa. Sus usos icónicos y su presencia en grandes obras y festividades en el mundo.
el Artista
Rosa Chávez nos presenta una entrevista hecha a Hugo Salazar, un artista de formación y vigilante por ocupación. Quien ha encontrado entre el solitario oficio de cuidar lotes vacíos el escenario ideal que le permite hacer grandes creaciones de arte.
Un ambicioso complejo arquitectónico de lujo aterrizará en Casablanca, Marruecos. Este se impondrá con nuevas zonas que buscan darle impulso a una ciudad que vive cada vez más de los negocios y el turismo.
Esta publicación no puede ser reproducida ni en todo ni en parte, ni registrada, ni transmitida en ninguna forma ni por ningún medio, sea mecánico, electrónico, magnético, por fotocopia o cualquier otro, sin el permiso previo y por escrito de los editores.
DIRECTOR EDITORIAL
Huberth Jara
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Diego Olivas Arana Juan Raoúl de la Sierra Rodríguez. Daniel Barrenechea Kennek Cabello David Himelfarb Rosa Chávez FOTÓGRAFOS
Andrés García Benjamín Sueno Le conde Photographers Mark Mahaney DISEÑO Y DIAGRAMACIÓN
David Echevarria ARTE FINAL
Héctor Huamán Escate DIRECTOR COMERCIAL
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Marcas & Patentes 332-2211 / 431-5698
Línea es una publicación de Pool Editores SAC Federico Villarreal 581, San Isidro, Lima 27, Perú Teléf.: (511) 440-1404 / 441-3693
P
Portraits by Mark Mahaney
D
a
v
i
d
Rockwell el arquitecto estrella de las artes UN TEXTO DE DANIEL BARRENECHEA
«Nuestro estudio siempre ha promocionado una cultura de diseños basados en los preceptos de curiosidad profesional. Motivamos a nuestro talentoso grupo de diseñadores a experimentar con ideas y materiales y llevarlos hasta las últimas consecuencias; todo esto asumiendo que algunos de estos experimentos serán a veces fracasos y otras veces éxitos rotundos».
Portraits by Mark Mahaney
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Rockwell el arquitecto estrella de las artes UN TEXTO DE DANIEL BARRENECHEA
«Nuestro estudio siempre ha promocionado una cultura de diseños basados en los preceptos de curiosidad profesional. Motivamos a nuestro talentoso grupo de diseñadores a experimentar con ideas y materiales y llevarlos hasta las últimas consecuencias; todo esto asumiendo que algunos de estos experimentos serán a veces fracasos y otras veces éxitos rotundos».
aRQUITECTURA, INTERIORISMO, DISENO Y ARTE
e
/entrevista
l Rockwell Group, creado por el arquitecto David
¿De qué modo vivir en estas ciudades alimentó tu vocación
Rockwell, es uno de los estudios de diseño más
como arquitecto y diseñador? ¿Por qué decidiste convertirte
prestigiosos e innovadores en el mundo. En su
en arquitecto?
portafolio de obras podemos encontrar diseños de hoteles, spas, restaurantes, bares, interiores de
—El Arte Escénico y el Teatro siempre han influenciado tremendamente mi trabajo. Parte de mi infancia la viví en
aeropuertos, teatros únicos —como aquellos que se utilizan
New Jersey, donde la cochera de mi casa era convertida en
para los premios Oscar y las charlas Ted— escenografías para
una casa club de fantasía y en sala de juegos para mis cuatro
cine o espectáculos de Broadway, parques infantiles, casinos,
hermanos y yo. Esta cochera era transformada una y otra vez
museos y exhibiciones. Además, el Rockwell Group desarrolla
en sala de teatro o casa encantada en Halloween. Mi madre,
diseños para estadios, centros deportivos y distintos tipos
que era bailarina y coreógrafa, también administraba una
de eventos. Su obra creativa es indefinible. Cada proyecto
compañía teatral local. Luego de años entendí que mi interés
se inicia con una simple temática: explorar y relatar una
por la iluminación y el movimiento en escenarios, y el interés
historia. Desarrollar una narrativa que otorgue algún matiz
por los espacios fueron el resultado de una formación producto
nuevo a un proyecto ya tantas veces elaborado. Su último
de los innumerables días y noches que mis hermanos y yo
libro, llamado What if...? The architecture and design of
acompañábamos a mi madre al teatro donde trabajaba. Mi
david rockwell (¿Qué pasaría si...? Arquitectura y diseño de
destino se consumó a los doce años, un día en que visitaba
david rockwell) ofrece muestras de su proceso creativo; una
Nueva York y asistí a la producción original de El violinista
visión detrás de las cortinas del escenario del Rockwell Group.
sobre el tejado en Broadway. A la salida de la obra musical, la
Entre 1997 y 2001 fui integrante del estudio de David
familia entera cenó en el restaurante Schraftt’s (famosa cadena
Rockwell como Senior Designer. Fueron épocas de algunos
de restaurantes en esa época). El violinista sobre el tejado
de sus proyectos bandera como el restaurante Nobu del
fue un evento que transformó mi vida. Mientras cenábamos
chef nipón Nobu Matsuhisa —un viejo conocido para los
en Schraftt’s descubrí que los restaurantes compartían
peruanos—; los primeros W Hotels, del grupo hotelero
componentes con el arte escénico y su tradición de narrativas y
Starwood, con los que Rockwell Group catapultó la tendencia
relatos. Estas inquietudes se materializaron cuando mi familia
de los hoteles boutique; y de su primer teatro para la Academia
se mudó a la ciudad de Guadalajara, en México, cuando tenía
de Artes y Ciencias Cinematográficas (el antes Teatro Kodak,
once años. Vivir en Guadalajara día a día era un evento público,
ahora renombrado Teatro Dolby, en Hollywood). Todos los
toda actividad ocurría en la calles: sus mercados, las pequeñas
que hemos formado parte de este estudio llevamos como un
plazas de toros, los partidos de futbol callejeros, escuchar las
galardón el paso por este taller. La experiencia es como un
bandas musicales en sus plazas. Desarrollé un interés personal
Master en diseño: una experiencia que te transforma.
por los espacios públicos, curiosidad que profundicé estudiando
Es primavera en Nueva York, mayo de 2015, y acordamos con David Rockwell encontrarnos en su taller de toda la vida:
Portraits by Tim Street Porter
en la facultad de arquitectura en la Universidad de Syracuse, y luego en el Architectural Association en Londres.
un edificio histórico frente al parque Union Square. Durante una hora conversaremos sobre viejos proyectos y nuevas propuestas: su primer hotel en Sudamérica, el Trump Hotel Río de Janeiro, será inaugurado en 2016, antes del inicio de los Juegos Olímpicos. Porque si hay algo que caracteriza a David Rockwell, es que siempre se las ingenia para atraer proyectos envidiables.
SOBRE EL ORIGEN Y LAS INFLUENCIAS DE UNA VOCACIÓN David Rockwell nació en Chicago —la cuna del desarrollo
Tu madre fue una bailarina y coreógrafa conocida, y nos cuentas que de niño ibas a los teatros acompañándola. ¿En algún momento pensaste en ser actor o un intérprete como tu madre? —Me encanta tocar el piano. De niño pensé muy seriamente en convertirme en un músico concertista. ¿Recuerdas alguna experiencia en particular donde la
industrial en los Estados Unidos— y, debido a las giras
idiosincrasia de una obra teatral podría ser vinculada con el
de su madre, que era una talentosa bailarina de Vodevil,
diseño de espacios públicos?
pasó su niñez en ciudades tan diferentes en arquitectura y costumbres como New Jersey y Guadalajara (México). 12
ARQUITECTURA, ESPACIOS PUBLICOS Y ESPECTaCULO
—En nuestra práctica arquitectónica aspiramos a crear
Portraits by Paul Warchol
entornos que elaboren la historia y narrativa de nuestros Superior: 2010 Academy Awards at The Kodak Theatre /
Inferior: Ted Theatre, Vancouver
aRQUITECTURA, INTERIORISMO, DISENO Y ARTE
e
/entrevista
l Rockwell Group, creado por el arquitecto David
¿De qué modo vivir en estas ciudades alimentó tu vocación
Rockwell, es uno de los estudios de diseño más
como arquitecto y diseñador? ¿Por qué decidiste convertirte
prestigiosos e innovadores en el mundo. En su
en arquitecto?
portafolio de obras podemos encontrar diseños de hoteles, spas, restaurantes, bares, interiores de
—El Arte Escénico y el Teatro siempre han influenciado tremendamente mi trabajo. Parte de mi infancia la viví en
aeropuertos, teatros únicos —como aquellos que se utilizan
New Jersey, donde la cochera de mi casa era convertida en
para los premios Oscar y las charlas Ted— escenografías para
una casa club de fantasía y en sala de juegos para mis cuatro
cine o espectáculos de Broadway, parques infantiles, casinos,
hermanos y yo. Esta cochera era transformada una y otra vez
museos y exhibiciones. Además, el Rockwell Group desarrolla
en sala de teatro o casa encantada en Halloween. Mi madre,
diseños para estadios, centros deportivos y distintos tipos
que era bailarina y coreógrafa, también administraba una
de eventos. Su obra creativa es indefinible. Cada proyecto
compañía teatral local. Luego de años entendí que mi interés
se inicia con una simple temática: explorar y relatar una
por la iluminación y el movimiento en escenarios, y el interés
historia. Desarrollar una narrativa que otorgue algún matiz
por los espacios fueron el resultado de una formación producto
nuevo a un proyecto ya tantas veces elaborado. Su último
de los innumerables días y noches que mis hermanos y yo
libro, llamado What if...? The architecture and design of
acompañábamos a mi madre al teatro donde trabajaba. Mi
david rockwell (¿Qué pasaría si...? Arquitectura y diseño de
destino se consumó a los doce años, un día en que visitaba
david rockwell) ofrece muestras de su proceso creativo; una
Nueva York y asistí a la producción original de El violinista
visión detrás de las cortinas del escenario del Rockwell Group.
sobre el tejado en Broadway. A la salida de la obra musical, la
Entre 1997 y 2001 fui integrante del estudio de David
familia entera cenó en el restaurante Schraftt’s (famosa cadena
Rockwell como Senior Designer. Fueron épocas de algunos
de restaurantes en esa época). El violinista sobre el tejado
de sus proyectos bandera como el restaurante Nobu del
fue un evento que transformó mi vida. Mientras cenábamos
chef nipón Nobu Matsuhisa —un viejo conocido para los
en Schraftt’s descubrí que los restaurantes compartían
peruanos—; los primeros W Hotels, del grupo hotelero
componentes con el arte escénico y su tradición de narrativas y
Starwood, con los que Rockwell Group catapultó la tendencia
relatos. Estas inquietudes se materializaron cuando mi familia
de los hoteles boutique; y de su primer teatro para la Academia
se mudó a la ciudad de Guadalajara, en México, cuando tenía
de Artes y Ciencias Cinematográficas (el antes Teatro Kodak,
once años. Vivir en Guadalajara día a día era un evento público,
ahora renombrado Teatro Dolby, en Hollywood). Todos los
toda actividad ocurría en la calles: sus mercados, las pequeñas
que hemos formado parte de este estudio llevamos como un
plazas de toros, los partidos de futbol callejeros, escuchar las
galardón el paso por este taller. La experiencia es como un
bandas musicales en sus plazas. Desarrollé un interés personal
Master en diseño: una experiencia que te transforma.
por los espacios públicos, curiosidad que profundicé estudiando
Es primavera en Nueva York, mayo de 2015, y acordamos con David Rockwell encontrarnos en su taller de toda la vida:
Portraits by Tim Street Porter
en la facultad de arquitectura en la Universidad de Syracuse, y luego en el Architectural Association en Londres.
un edificio histórico frente al parque Union Square. Durante una hora conversaremos sobre viejos proyectos y nuevas propuestas: su primer hotel en Sudamérica, el Trump Hotel Río de Janeiro, será inaugurado en 2016, antes del inicio de los Juegos Olímpicos. Porque si hay algo que caracteriza a David Rockwell, es que siempre se las ingenia para atraer proyectos envidiables.
SOBRE EL ORIGEN Y LAS INFLUENCIAS DE UNA VOCACIÓN David Rockwell nació en Chicago —la cuna del desarrollo
Tu madre fue una bailarina y coreógrafa conocida, y nos cuentas que de niño ibas a los teatros acompañándola. ¿En algún momento pensaste en ser actor o un intérprete como tu madre? —Me encanta tocar el piano. De niño pensé muy seriamente en convertirme en un músico concertista. ¿Recuerdas alguna experiencia en particular donde la
industrial en los Estados Unidos— y, debido a las giras
idiosincrasia de una obra teatral podría ser vinculada con el
de su madre, que era una talentosa bailarina de Vodevil,
diseño de espacios públicos?
pasó su niñez en ciudades tan diferentes en arquitectura y costumbres como New Jersey y Guadalajara (México). 12
ARQUITECTURA, ESPACIOS PUBLICOS Y ESPECTaCULO
—En nuestra práctica arquitectónica aspiramos a crear
Portraits by Paul Warchol
entornos que elaboren la historia y narrativa de nuestros Superior: 2010 Academy Awards at The Kodak Theatre /
Inferior: Ted Theatre, Vancouver
Portraits by Joan Marcus
aRQUITECTURA, INTERIORISMO, DISENO Y ARTE
/entrevista
diseños. Nuestra selección de materiales y acabados continúan esta tendencia narrativa. Aspiramos a que los usuarios de nuestros proyectos usen todos sus sentidos al visitar nuestros ambientes mediante el uso de un lenguaje diverso en materiales, la calidad de sus superficies y la textura de las fibras y telas usadas, además de un medio ambiente definido por la selección de colores y motivos. La repetición de patrones visuales ayuda a generar una estética formal con un contenido, un mensaje. Creo que en ese sentido hacemos el vínculo entre la narrativa del arte escénico y el diseño de ambientes. Tus primeros dos libros, Placer y espectáculo, están titulados con palabras que definen rotundamente tu trabajo. ¿Podrías mencionar ejemplos de lo que consideres ingredientes claves —diseño de iluminación, selección de materiales, manejo de espacios—que encarnen el ‘Placer’ y el ‘Espectáculo’? —Algunos años atrás, cuando pensábamos en nuestro treinta aniversario como taller de diseño y arquitectura, decidimos que sería interesante publicar un segundo libro monográfico. El proceso de diseño y redacción del libro What if… the architecture and design of david rockwell (qué pasaría si... La arquitectura y el diseño de david rockwell) me ayudó a enfocarme en la trayectoria de nuestros proyectos, los cuales nos han llevado por tantas rutas intensas en el diseño. Decidí entonces buscar un común denominador que enlace todos estos proyectos y obras. Esta monografía explora el aspecto creativo y dogmas de nuestro estudio: el factor diversión y de apertura que nos empuja a preguntar: ¿Qué pasaría si…? El libro está organizado alrededor de un set de ideas centrales que están presentes en todas nuestras obras: el Mash-up —la fusión o mezcla con diversos elementos—, la materialidad, la Broadway Show: On the 20th Century
narrativa, nociones escenográficas —en nuestros verdaderos proyectos escénicos y los arquitectónicos— y conceptos de transformación, que definimos como la habilidad y el reconocimiento de que nada es estático y permanente, aun cuando uno aspire a esto. La experiencia de Rockwellgroup en proyectos escénicos
en Vancouver, Canadá, fue un proyecto de ensueño, una obra
VIVIR EN LAS CIUDADES Y CONECTAR A LAS PERSONAS: LA CULTURA ROCKWELL HOY
evolucionado esa visión siete años después? —Nueva York ha pasado por un período de transformación
para la cual he estado ‘ensayando’ durante treinta años. Es el producto de nuestro compromiso con la exploración y
lugares para conectar a la gente unos con otros. ¿Cuánto ha
En tu presentación del Ted Talk de 2007, a propósito del
durante los últimos catorce años. La ciudad es más receptiva a
y teatrales ha influenciado otros proyectos del estudio.
experimentación con entornos transformables y estructuras
diseño que ideaste para la plataforma de observación frente
proyectos públicos/privados, y esto ha permitido el desarrollo de
¿Qué aspectos del mundo escénico han impactado más en
ligeras. En lugar de insertar la experiencia de las conferencias
a la Zona Zero en Nueva York, explicas que una de las
espacios exteriores públicos que han sido instrumentos valiosos
sus diversos proyectos?
Ted dentro de un teatro convencional, creamos una sala
consecuencias del atentado del 11 de septiembre es que los
en la recuperación de la ciudad desde el 11 de septiembre. Existe un interés latente en proyectar espacios urbanos que
íntima para mil doscientos espectadores, preparada para
arquitectos debían ponerse a pensar por qué la gente vive
experiencias fugaces tienen tanto impacto y fuerza como
un evento de cinco días de duración, para todo tipo de
en ciudades —«Por qué vivimos en un lugar donde hay tanta
contribuyan al bienestar de los neoyorquinos: parques, ciclovías,
las estructuras permanentes. Eso me animó a experimentar
presentaciones, diálogos y experiencias espontaneas sociales
gente diferente que choca todos los días entre sí»—, que era
la recuperación de nuestros entornos frente al mar. En otras
con la creación de estructuras temporarias, portátiles y
típico de cada Ted Talk.
importante empezar a pensar en los espacios públicos como
palabras: recuperar la ciudad para los neoyorquinos.
—Mi pasión por el teatro me hizo descubrir que las
14
flexibles con la finalidad de relatar historias. El Ted Theatre
15
Portraits by Joan Marcus
aRQUITECTURA, INTERIORISMO, DISENO Y ARTE
/entrevista
diseños. Nuestra selección de materiales y acabados continúan esta tendencia narrativa. Aspiramos a que los usuarios de nuestros proyectos usen todos sus sentidos al visitar nuestros ambientes mediante el uso de un lenguaje diverso en materiales, la calidad de sus superficies y la textura de las fibras y telas usadas, además de un medio ambiente definido por la selección de colores y motivos. La repetición de patrones visuales ayuda a generar una estética formal con un contenido, un mensaje. Creo que en ese sentido hacemos el vínculo entre la narrativa del arte escénico y el diseño de ambientes. Tus primeros dos libros, Placer y espectáculo, están titulados con palabras que definen rotundamente tu trabajo. ¿Podrías mencionar ejemplos de lo que consideres ingredientes claves —diseño de iluminación, selección de materiales, manejo de espacios—que encarnen el ‘Placer’ y el ‘Espectáculo’? —Algunos años atrás, cuando pensábamos en nuestro treinta aniversario como taller de diseño y arquitectura, decidimos que sería interesante publicar un segundo libro monográfico. El proceso de diseño y redacción del libro What if… the architecture and design of david rockwell (qué pasaría si... La arquitectura y el diseño de david rockwell) me ayudó a enfocarme en la trayectoria de nuestros proyectos, los cuales nos han llevado por tantas rutas intensas en el diseño. Decidí entonces buscar un común denominador que enlace todos estos proyectos y obras. Esta monografía explora el aspecto creativo y dogmas de nuestro estudio: el factor diversión y de apertura que nos empuja a preguntar: ¿Qué pasaría si…? El libro está organizado alrededor de un set de ideas centrales que están presentes en todas nuestras obras: el Mash-up —la fusión o mezcla con diversos elementos—, la materialidad, la Broadway Show: On the 20th Century
narrativa, nociones escenográficas —en nuestros verdaderos proyectos escénicos y los arquitectónicos— y conceptos de transformación, que definimos como la habilidad y el reconocimiento de que nada es estático y permanente, aun cuando uno aspire a esto. La experiencia de Rockwellgroup en proyectos escénicos
en Vancouver, Canadá, fue un proyecto de ensueño, una obra
VIVIR EN LAS CIUDADES Y CONECTAR A LAS PERSONAS: LA CULTURA ROCKWELL HOY
evolucionado esa visión siete años después? —Nueva York ha pasado por un período de transformación
para la cual he estado ‘ensayando’ durante treinta años. Es el producto de nuestro compromiso con la exploración y
lugares para conectar a la gente unos con otros. ¿Cuánto ha
En tu presentación del Ted Talk de 2007, a propósito del
durante los últimos catorce años. La ciudad es más receptiva a
y teatrales ha influenciado otros proyectos del estudio.
experimentación con entornos transformables y estructuras
diseño que ideaste para la plataforma de observación frente
proyectos públicos/privados, y esto ha permitido el desarrollo de
¿Qué aspectos del mundo escénico han impactado más en
ligeras. En lugar de insertar la experiencia de las conferencias
a la Zona Zero en Nueva York, explicas que una de las
espacios exteriores públicos que han sido instrumentos valiosos
sus diversos proyectos?
Ted dentro de un teatro convencional, creamos una sala
consecuencias del atentado del 11 de septiembre es que los
en la recuperación de la ciudad desde el 11 de septiembre. Existe un interés latente en proyectar espacios urbanos que
íntima para mil doscientos espectadores, preparada para
arquitectos debían ponerse a pensar por qué la gente vive
experiencias fugaces tienen tanto impacto y fuerza como
un evento de cinco días de duración, para todo tipo de
en ciudades —«Por qué vivimos en un lugar donde hay tanta
contribuyan al bienestar de los neoyorquinos: parques, ciclovías,
las estructuras permanentes. Eso me animó a experimentar
presentaciones, diálogos y experiencias espontaneas sociales
gente diferente que choca todos los días entre sí»—, que era
la recuperación de nuestros entornos frente al mar. En otras
con la creación de estructuras temporarias, portátiles y
típico de cada Ted Talk.
importante empezar a pensar en los espacios públicos como
palabras: recuperar la ciudad para los neoyorquinos.
—Mi pasión por el teatro me hizo descubrir que las
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flexibles con la finalidad de relatar historias. El Ted Theatre
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Portraits by Eric Gregory powell
aRQUITECTURA, INTERIORISMO, DISENO Y ARTE
/entrevista
—Nuestro estudio hoy está conformado por grupo energético de doscientos cincuenta diseñadores con distintas habilidades y experiencias, que trabajan en un taller creado para motivar intercambios y conversaciones entre diferentes sub-estudios e individuos, sin las cargas de jerarquías ni títulos ni tiempo de servicio. Las mejores ideas son exploradas sin importar su proveniencia. Soy un convencido que esta estructura de trabajo más informal, más colaborativa y menos jerárquica, ha producido nuestros mejores proyectos.
UNA EXPERIENCIA EN SUDAMeRICA: EL TRUMP HOTEL RiO DE JANEIRO Aparte de su tradición en la música, su cultura popular y el fútbol, Brasil es un país de rica tradición en el mundo del diseño moderno, con excelente mano de obra artesanal y ejecución de obras, además de ser tierra de gigantes como Oscar Niemeyer, Roberto Burle Marx, Lucio Costa y los hermanos Campana. ¿Hubo elementos brasileños que influenciaron de alguna manera el diseño del Trump Hotel Río? —El hotel tiene un importante entorno y relación de espacios externos con espacios internos, tan característico de la tradición arquitectónica brasileña. Nuestra selección de materiales, colores y luminarias son un reflejo de la gran influencia de los grandes diseñadores y arquitectos del siglo veinte, como Oscar Niemeyer, y también un reflejo de la gran energía de la ciudad de Río. ¿Cómo caracterizaría Rockwell Group esta primera experiencia en América Latina? ¿Qué ventajas y desventajas enfrentaron en la región? —El proyecto fue un reto por los aspectos logísticos y la necesidad de buscar alternativas locales y regionales de acabados y materiales. Además, la asesoría brasileña de
Nobu Beijing
especialistas, la excelente mano de obra local, su gran tradición artesanal y el placer de trabajar con la gama de profesionales ¿Qué lecciones fueron aprendidas de esta experiencia? —Nuestro estudio siempre ha promocionado una cultura de diseños basados en los preceptos de curiosidad profesional.
comuniquen estos conceptos? —Cuando terminamos el diseño de la Plataforma de
y especialistas del diseño de Brasil hicieron de esta experiencia
segundo parque Imagination Playground se está construyendo en
algo placentero para todo mi equipo de trabajo.
el distrito de Brownsville, en el condado de Brooklyn. También
Motivamos a nuestro talentoso grupo de diseñadores a
Observación del World Trade Center, evaluábamos cómo un
se han fabricado tres mil versiones portátiles de este concepto
experimentar con ideas y materiales y llevarlos hasta las últimas
estudio de diseño podría contribuir de forma proactiva. En
de parque para usos escolares, parques infantiles y centros
consecuencias; todo esto asumiendo que algunos de estos
2005 iniciamos un proceso de investigación y observación de
recreativos a nivel internacional.
experimentos serán a veces fracasos y otras veces éxitos rotundos.
todos los parques infantiles ubicados en el Bajo Manhattan que
La experiencia de trabajar en la Plataforma de Observación en
fueron clausurados luego de los ataques del 11 de septiembre.
el World Trade Center me ayudó a entender que arquitectos y
Esto inició un proceso de investigación de cinco años de
diseñadores pueden y deben ser proactivos en iniciar sus propios
duración —autofinanciado y completamente pro bono— que
proyectos. Se puede presentar la oportunidad de ser cliente y
concluyó con el diseño de un nuevo parque infantil: Imagination
diseñador; suena contradictorio, pero esta fue mi experiencia en
Playground at Burling Slip. Además se desarrollaron versiones
algunos de los proyectos más representativos. 16
¿Existen proyectos recientes del Rockwell Group que
en distintos parques en toda la ciudad. En la actualidad, un
portátiles de componentes de este parque que son utilizados
La cultura de diseño del Rockwell Group ha desarrollado una gran diversidad de proyectos con el concepto de narrativas y relatos, celebrando los espacios públicos y escénicos que estos crean. ¿Cómo define la cultura Rockwell en el presente, luego de treinta años de proyectos y una multitud internacional de colaboradores?
¿Qué descubrimientos de Río o de Brasil lo sorprendieron? —Sus espectaculares paisajes y cordilleras son algo extraordinario visualmente y esto tuvo un impacto directo en el diseño de ciertas piezas estratégicas, como las alfombras hechas a medida, las baldosas, los acabados de terrazo en sus pisos y las piezas de arte especialmente comisionadas para el hotel. ¿Qué elementos especiales o únicos resaltarán en el diseño del Trump Hotel, su primer proyecto en Brasil? —El Lobby del Hotel tiene como ingrediente visual más importante una escultural pantalla metálica que divide 17
Portraits by Eric Gregory powell
aRQUITECTURA, INTERIORISMO, DISENO Y ARTE
/entrevista
—Nuestro estudio hoy está conformado por grupo energético de doscientos cincuenta diseñadores con distintas habilidades y experiencias, que trabajan en un taller creado para motivar intercambios y conversaciones entre diferentes sub-estudios e individuos, sin las cargas de jerarquías ni títulos ni tiempo de servicio. Las mejores ideas son exploradas sin importar su proveniencia. Soy un convencido que esta estructura de trabajo más informal, más colaborativa y menos jerárquica, ha producido nuestros mejores proyectos.
UNA EXPERIENCIA EN SUDAMeRICA: EL TRUMP HOTEL RiO DE JANEIRO Aparte de su tradición en la música, su cultura popular y el fútbol, Brasil es un país de rica tradición en el mundo del diseño moderno, con excelente mano de obra artesanal y ejecución de obras, además de ser tierra de gigantes como Oscar Niemeyer, Roberto Burle Marx, Lucio Costa y los hermanos Campana. ¿Hubo elementos brasileños que influenciaron de alguna manera el diseño del Trump Hotel Río? —El hotel tiene un importante entorno y relación de espacios externos con espacios internos, tan característico de la tradición arquitectónica brasileña. Nuestra selección de materiales, colores y luminarias son un reflejo de la gran influencia de los grandes diseñadores y arquitectos del siglo veinte, como Oscar Niemeyer, y también un reflejo de la gran energía de la ciudad de Río. ¿Cómo caracterizaría Rockwell Group esta primera experiencia en América Latina? ¿Qué ventajas y desventajas enfrentaron en la región? —El proyecto fue un reto por los aspectos logísticos y la necesidad de buscar alternativas locales y regionales de acabados y materiales. Además, la asesoría brasileña de
Nobu Beijing
especialistas, la excelente mano de obra local, su gran tradición artesanal y el placer de trabajar con la gama de profesionales ¿Qué lecciones fueron aprendidas de esta experiencia? —Nuestro estudio siempre ha promocionado una cultura de diseños basados en los preceptos de curiosidad profesional.
comuniquen estos conceptos? —Cuando terminamos el diseño de la Plataforma de
y especialistas del diseño de Brasil hicieron de esta experiencia
segundo parque Imagination Playground se está construyendo en
algo placentero para todo mi equipo de trabajo.
el distrito de Brownsville, en el condado de Brooklyn. También
Motivamos a nuestro talentoso grupo de diseñadores a
Observación del World Trade Center, evaluábamos cómo un
se han fabricado tres mil versiones portátiles de este concepto
experimentar con ideas y materiales y llevarlos hasta las últimas
estudio de diseño podría contribuir de forma proactiva. En
de parque para usos escolares, parques infantiles y centros
consecuencias; todo esto asumiendo que algunos de estos
2005 iniciamos un proceso de investigación y observación de
recreativos a nivel internacional.
experimentos serán a veces fracasos y otras veces éxitos rotundos.
todos los parques infantiles ubicados en el Bajo Manhattan que
La experiencia de trabajar en la Plataforma de Observación en
fueron clausurados luego de los ataques del 11 de septiembre.
el World Trade Center me ayudó a entender que arquitectos y
Esto inició un proceso de investigación de cinco años de
diseñadores pueden y deben ser proactivos en iniciar sus propios
duración —autofinanciado y completamente pro bono— que
proyectos. Se puede presentar la oportunidad de ser cliente y
concluyó con el diseño de un nuevo parque infantil: Imagination
diseñador; suena contradictorio, pero esta fue mi experiencia en
Playground at Burling Slip. Además se desarrollaron versiones
algunos de los proyectos más representativos. 16
¿Existen proyectos recientes del Rockwell Group que
en distintos parques en toda la ciudad. En la actualidad, un
portátiles de componentes de este parque que son utilizados
La cultura de diseño del Rockwell Group ha desarrollado una gran diversidad de proyectos con el concepto de narrativas y relatos, celebrando los espacios públicos y escénicos que estos crean. ¿Cómo define la cultura Rockwell en el presente, luego de treinta años de proyectos y una multitud internacional de colaboradores?
¿Qué descubrimientos de Río o de Brasil lo sorprendieron? —Sus espectaculares paisajes y cordilleras son algo extraordinario visualmente y esto tuvo un impacto directo en el diseño de ciertas piezas estratégicas, como las alfombras hechas a medida, las baldosas, los acabados de terrazo en sus pisos y las piezas de arte especialmente comisionadas para el hotel. ¿Qué elementos especiales o únicos resaltarán en el diseño del Trump Hotel, su primer proyecto en Brasil? —El Lobby del Hotel tiene como ingrediente visual más importante una escultural pantalla metálica que divide 17
aRQUITECTURA, INTERIORISMO, DISENO Y ARTE
Portraits by Rockwell Group
/entrevista
los espacios de Bar y Lounge del hotel. Gracias a nuestro diseño de iluminación directa e indirecta, la pantalla hace de candelero gigante emitiendo reflejos en tonos dorados y ámbar. Los patrones del piso en terrazo están basados en la forma orgánica de la circulación en los espacios públicos. Además, todas las habitaciones con vista al mar tendrán generosas terrazas con mini piscinas y divisiones y mamparas de vidrio, que permitan las vistas ininterrumpidas de los paisajes playeros cariocas.
LA VISIÓN ROCKWELL
“Nuestro estudio siempre ha promocionado una cultura de diseños basados en los preceptos de curiosidad profesional. Motivamos a nuestro talentoso grupo de diseñadores a experimentar con ideas y materiales y llevarlos hasta las últimas consecuencias”
La gran diversidad de proyectos que ingresan al estudio es un reflejo de los temas que te interesan. Recuerdo una conversación que tuvimos en la que definías que esto era un requisito para las proyectos que te ofrecían. ¿Es tu curiosidad la que te empuja a terrenos inexplorados, a iniciar proyectos
ha diseñado varios restaurantes de gastronomía asiática.
en áreas con las que el estudio no está familiarizado?
Nuestra intención fue la de relatar una historia diferente,
—Mientras desarrollábamos los diseños del parque
Downtown. Si bien es cierto que no es el primer restaurante
procedencias comparten el deseo de crear, inventar y edificar.
con una gigantesca y heroica estatua Buda, quisimos crear una
Estas actividades son muy importantes en el juego diario,
experiencia diferente, una que tuviera un vínculo con Nueva
tanto como los juegos más tradicionales de escalar, correr
York y la energía de las calles del Downtown y no estuviera
y las actividades deportivas. Este instinto creativo que todo
enfrascada en una idea genérica. Nuestra solución fue la
niño desarrolla durante el juego se convierte en un instinto
instalación de una estatua Quan Yin de cinco metros de alto
de colaboración cuando adulto. Proyectos más recientes,
y combinarla con una proyección digital en 3D de animación
como los de Cornell Tech, que fue diseñado por nuestro estudio
y tecnología mapping. La estatua se transforma de un objeto
especializado en tecnología LAB, comparten el mismo Adn con
estático a una hermosa escultura cinética.
el parque Imagination. El proyecto Cornell Tech es un campus urbano temporal para la facultad de Ingeniería Informática, y sus programas de Masters. Está ubicado dentro del centro corporativo de Google en Nueva York. Concebimos el espacio como un ambiente completamente abierto, compuesto de módulos y componentes movibles, que crea un entorno que puede ser reprogramado por estudiantes y profesores. La idea de transformación complementada por el uso tecnología de vanguardia en un centro educativo, primer proyecto universitario para nuestro estudio. La tecnología está presente cada vez más como un
Portraits by Eric Laignel
¿Te animarías a pronosticar el futuro para David Rockwell y el Rockwell Group? —Resumo el futuro en lo siguiente: continuar creando proyectos innovadores, siempre rompiendo esquemas. Vemos cada proyecto como una oportunidad para la exploración de nuevos conceptos y, potencialmente, el desarrollo de nuevos tipos de proyectos. Cuando terminamos la situación de ‘entrevista’, la conversación se distiende y deriva en un intercambio de novedades, en historias de nuestras familias y chicos. Hablamos de futuros proyectos y sueños. Le pregunto por la
ingrediente importante en ambientes diseñados por el
posibilidad de desarrollar un proyecto en el Perú. Si los factores
estudio. ¿Como decide Rockwell Group cuando un espacio
sedan y el proyecto es interesante, dice Rockwell. Le advierto,
o ambiente merece este tipo de alternativa y qué ejemplo
casi con cinismo, que los honorarios no son los que se manejan
reciente muestra esta mezcla de tecnología y diseño dentro
en Estados Unidos. Me responde casi automáticamente, con
de algún espacio público?
honestidad, que el aspecto financiero no siempre gobierna
—El ejemplo más reciente es el del restaurante Tao
18
de matices más complejos para nuestra versión de Tao
Imagination descubrimos que niños de todas las edades y
sus decisiones. Antes de despedirnos, generoso como siempre,
Downtown en el Maritime Hotel en Nueva York, completado
David Rockwell me dedica una copia de su último libro, que
a finales del 2014. Nuestro cliente, El Grupo Tao, tiene varias
abro mientras bajo por el ascensor: «A Daniel, deseando futuras
versiones de Tao’s en Nueva York y las Vegas. Rockwell Group
aventuras en el mundo del diseño» Superior: Trump Hotel Rio /
Inferior: TAO Downtown
aRQUITECTURA, INTERIORISMO, DISENO Y ARTE
Portraits by Rockwell Group
/entrevista
los espacios de Bar y Lounge del hotel. Gracias a nuestro diseño de iluminación directa e indirecta, la pantalla hace de candelero gigante emitiendo reflejos en tonos dorados y ámbar. Los patrones del piso en terrazo están basados en la forma orgánica de la circulación en los espacios públicos. Además, todas las habitaciones con vista al mar tendrán generosas terrazas con mini piscinas y divisiones y mamparas de vidrio, que permitan las vistas ininterrumpidas de los paisajes playeros cariocas.
LA VISIÓN ROCKWELL
“Nuestro estudio siempre ha promocionado una cultura de diseños basados en los preceptos de curiosidad profesional. Motivamos a nuestro talentoso grupo de diseñadores a experimentar con ideas y materiales y llevarlos hasta las últimas consecuencias”
La gran diversidad de proyectos que ingresan al estudio es un reflejo de los temas que te interesan. Recuerdo una conversación que tuvimos en la que definías que esto era un requisito para las proyectos que te ofrecían. ¿Es tu curiosidad la que te empuja a terrenos inexplorados, a iniciar proyectos
ha diseñado varios restaurantes de gastronomía asiática.
en áreas con las que el estudio no está familiarizado?
Nuestra intención fue la de relatar una historia diferente,
—Mientras desarrollábamos los diseños del parque
Downtown. Si bien es cierto que no es el primer restaurante
procedencias comparten el deseo de crear, inventar y edificar.
con una gigantesca y heroica estatua Buda, quisimos crear una
Estas actividades son muy importantes en el juego diario,
experiencia diferente, una que tuviera un vínculo con Nueva
tanto como los juegos más tradicionales de escalar, correr
York y la energía de las calles del Downtown y no estuviera
y las actividades deportivas. Este instinto creativo que todo
enfrascada en una idea genérica. Nuestra solución fue la
niño desarrolla durante el juego se convierte en un instinto
instalación de una estatua Quan Yin de cinco metros de alto
de colaboración cuando adulto. Proyectos más recientes,
y combinarla con una proyección digital en 3D de animación
como los de Cornell Tech, que fue diseñado por nuestro estudio
y tecnología mapping. La estatua se transforma de un objeto
especializado en tecnología LAB, comparten el mismo Adn con
estático a una hermosa escultura cinética.
el parque Imagination. El proyecto Cornell Tech es un campus urbano temporal para la facultad de Ingeniería Informática, y sus programas de Masters. Está ubicado dentro del centro corporativo de Google en Nueva York. Concebimos el espacio como un ambiente completamente abierto, compuesto de módulos y componentes movibles, que crea un entorno que puede ser reprogramado por estudiantes y profesores. La idea de transformación complementada por el uso tecnología de vanguardia en un centro educativo, primer proyecto universitario para nuestro estudio. La tecnología está presente cada vez más como un
Portraits by Eric Laignel
¿Te animarías a pronosticar el futuro para David Rockwell y el Rockwell Group? —Resumo el futuro en lo siguiente: continuar creando proyectos innovadores, siempre rompiendo esquemas. Vemos cada proyecto como una oportunidad para la exploración de nuevos conceptos y, potencialmente, el desarrollo de nuevos tipos de proyectos. Cuando terminamos la situación de ‘entrevista’, la conversación se distiende y deriva en un intercambio de novedades, en historias de nuestras familias y chicos. Hablamos de futuros proyectos y sueños. Le pregunto por la
ingrediente importante en ambientes diseñados por el
posibilidad de desarrollar un proyecto en el Perú. Si los factores
estudio. ¿Como decide Rockwell Group cuando un espacio
sedan y el proyecto es interesante, dice Rockwell. Le advierto,
o ambiente merece este tipo de alternativa y qué ejemplo
casi con cinismo, que los honorarios no son los que se manejan
reciente muestra esta mezcla de tecnología y diseño dentro
en Estados Unidos. Me responde casi automáticamente, con
de algún espacio público?
honestidad, que el aspecto financiero no siempre gobierna
—El ejemplo más reciente es el del restaurante Tao
18
de matices más complejos para nuestra versión de Tao
Imagination descubrimos que niños de todas las edades y
sus decisiones. Antes de despedirnos, generoso como siempre,
Downtown en el Maritime Hotel en Nueva York, completado
David Rockwell me dedica una copia de su último libro, que
a finales del 2014. Nuestro cliente, El Grupo Tao, tiene varias
abro mientras bajo por el ascensor: «A Daniel, deseando futuras
versiones de Tao’s en Nueva York y las Vegas. Rockwell Group
aventuras en el mundo del diseño» Superior: Trump Hotel Rio /
Inferior: TAO Downtown
aRQUITECTURA, INTERIORISMO, DISENO Y ARTE
/dossier
HOTEL ST. REGIS NUEVA YORK minimalismo clasico a tu altura Un texto de Kennek Cabello
El coronel John Jacob Astor IV, uno de los hombres más adinerados de Estados Unidos a principios del siglo pasado, tenía cuarenta y siete años cuando abordó el Titanic. Cuando el transatlántico británico encalló en el fondo del mar, el Hotel St. Regis, una de las propiedades que el coronel Astor había construido en 1902, sobre la Quinta Avenida y la Calle 55 en Manhattan, pasó a manos de su hijo Vincent.
aRQUITECTURA, INTERIORISMO, DISENO Y ARTE
/dossier
HOTEL ST. REGIS NUEVA YORK minimalismo clasico a tu altura Un texto de Kennek Cabello
El coronel John Jacob Astor IV, uno de los hombres más adinerados de Estados Unidos a principios del siglo pasado, tenía cuarenta y siete años cuando abordó el Titanic. Cuando el transatlántico británico encalló en el fondo del mar, el Hotel St. Regis, una de las propiedades que el coronel Astor había construido en 1902, sobre la Quinta Avenida y la Calle 55 en Manhattan, pasó a manos de su hijo Vincent.
aRQUITECTURA, INTERIORISMO, DISENO Y ARTE
e
/dossier
l joven heredero, abrumado con la administración de las propiedades que dejó su padre, decidió vender el hotel al Duque de Carolina de Norte, Benjamín Newton, renombrado empresario textil y tabacalero. El flamante propietario remodeló el hotel, hasta conseguir ampliar
la capacidad del hospedaje a más de quinientas habitaciones, e incrementar en dos plantas la altura del edificio de dieciocho
Hoy el Hotel St. Regis Nueva York es el lugar predilecto de los viajeros selectos que encallan en la ciudad del arte contemporáneo
pisos. Así, en corto tiempo el Hotel St. Regis se convirtió en el ícono de la escena neoyorquina. Al momento de su construcción se le consideró el primer rascacielos de la ciudad. Diseñado originalmente por los
las construcciones. De lo alto se desprende una gran araña de
arquitectos Trowbridge y Livingston, en su arquitectura se
cristal de Waterford Crystal. Las molduras que enmarcan el techo
aprecia una marcada influencia de la escuela francesa, estilo
y las paredes, están matizadas en dorado. El piso presenta un
donde predomina la simetría entre los espacios del recinto. El
diseño geométrico, que junto al counter, están preparados en
coronel Astor no escatimó gastos en la edificación: invirtió más
piedra de mármol italiano.
de cinco millones de dólares para poseer el hotel de mayor lujo en la Gran Manzana. Desde entonces, el hotel de la Quinta Avenida ha
La última remodelación millonaria del Hotel St. Regis Nueva York estuvo a cargo de la firma HDC, reconocida empresa de interiorismo que brinda servicio de diseño y arquitectura
pasado por múltiples remodelaciones y ampliaciones. Pero
de interiores a hoteles cinco estrellas, como a proyectos
fue la intervención de 1988, la que devolvió al St. Regis el
residenciales de alta gama. Los diseñadores de HDC han logrado
esplendor de sus primeras décadas. Hoy el hotel cuenta con
rediseñar una estética que se resume en: lo atemporal es moderno.
casi doscientas habitaciones y más de sesenta suites. Posee
Sin perder la tradición del estilo refinado, el hotel se ha erigido
una variedad de muebles de estilo Luis XVI, forrados en
como un ícono histórico de la ciudad.
colores intensos con fino terciopelo. En los baños resaltan
Los acabados y el interiorismo de La sala Fontainebleau es
los glamorosos espejos biselados y los acabados en piedra de
una oda a la escuela pictórica del mismo nombre, surgida a
mármol. Las paredes de las habitaciones están revestidas con
finales del siglo XIX en Francia. El estilo Fontainebleau tiene
seda, en tonalidades neutras; las luminarias y las lámparas
como particularidad el uso desmedido del estuco en las
fueron encargadas a la casa Waterford Crystal, una de los
molduras y en los marcos de los cuadros. La sala principal del St.
mejores fabricantes de vidrio del mundo. Piezas de artes
Regis presenta en las paredes y el techo, un trabajo minucioso
diferentes culturas están distribuidas en el interior del hotel.
con las nervaduras: han sido estilizadas y resaltadas en color
Una antigua biblioteca con delicado trabajo de ebanistería
oro. Estos ornamentos que dibujan formas alegóricas nos
en las molduras superiores resguarda más de tres libros
remiten a la época del manierismo italiano, por el uso excesivo,
encuadernados en cuero y repujados en oro, que están a
pero sin perder en ningún momento la distinción en los detalles.
disposición del ilustre huésped. El Hotel St. Regis fue declarado
Las cortinas en tonalidad purpura engalanan la sala. Las arañas
Patrimonio de la Ciudad de Nueva York en 1988.
de cristal y las luminarias adosadas a las paredes, enmarcadas
El St. Regis cuenta con dos ingresos, ambos cubiertos por una alfombra roja que conduce al visitante al lobby del hotel.
por ribetes, complementan la propuesta. Del nuevo rediseño destacan por su elegancia la colección de
En las barandas, ventanales y las puertas giratorias, prevalece
Suites Designer. La Suite Dior; donde predomina la excepcional vista
el color dorado, tonalidad que se asocia a la belleza y la
al corazón verde de Manhattan, el Central Park, está inspirada
elegancia. Ingresar al hotel es formar parte de la composición
en los ateliers de la firma de alta costura en París. En su interior
de un cuadro, con el más refinado gusto por el arte francés de
prevalece la tradicional paleta cromática de colores tenues,
finales del siglo XVIII. Estilo, diseño y arquitectura se funden
característica distintiva de la marca parisina, acompañado de
y dan como resultado un ambiente majestuoso, coronado
osados purpuras que proporcionan el acento vanguardista. Las
por un mural en la cúpula del techo, ejecutado con la técnica
paredes han sido revestidas en lujosos textiles de encaje y tul, que
trompe loeil (engaño al ojo), que tiene como fin engrandecer
rememoran la hechura a mano de la casa parisina.
aRQUITECTURA, INTERIORISMO, DISENO Y ARTE
e
/dossier
l joven heredero, abrumado con la administración de las propiedades que dejó su padre, decidió vender el hotel al Duque de Carolina de Norte, Benjamín Newton, renombrado empresario textil y tabacalero. El flamante propietario remodeló el hotel, hasta conseguir ampliar
la capacidad del hospedaje a más de quinientas habitaciones, e incrementar en dos plantas la altura del edificio de dieciocho
Hoy el Hotel St. Regis Nueva York es el lugar predilecto de los viajeros selectos que encallan en la ciudad del arte contemporáneo
pisos. Así, en corto tiempo el Hotel St. Regis se convirtió en el ícono de la escena neoyorquina. Al momento de su construcción se le consideró el primer rascacielos de la ciudad. Diseñado originalmente por los
las construcciones. De lo alto se desprende una gran araña de
arquitectos Trowbridge y Livingston, en su arquitectura se
cristal de Waterford Crystal. Las molduras que enmarcan el techo
aprecia una marcada influencia de la escuela francesa, estilo
y las paredes, están matizadas en dorado. El piso presenta un
donde predomina la simetría entre los espacios del recinto. El
diseño geométrico, que junto al counter, están preparados en
coronel Astor no escatimó gastos en la edificación: invirtió más
piedra de mármol italiano.
de cinco millones de dólares para poseer el hotel de mayor lujo en la Gran Manzana. Desde entonces, el hotel de la Quinta Avenida ha
La última remodelación millonaria del Hotel St. Regis Nueva York estuvo a cargo de la firma HDC, reconocida empresa de interiorismo que brinda servicio de diseño y arquitectura
pasado por múltiples remodelaciones y ampliaciones. Pero
de interiores a hoteles cinco estrellas, como a proyectos
fue la intervención de 1988, la que devolvió al St. Regis el
residenciales de alta gama. Los diseñadores de HDC han logrado
esplendor de sus primeras décadas. Hoy el hotel cuenta con
rediseñar una estética que se resume en: lo atemporal es moderno.
casi doscientas habitaciones y más de sesenta suites. Posee
Sin perder la tradición del estilo refinado, el hotel se ha erigido
una variedad de muebles de estilo Luis XVI, forrados en
como un ícono histórico de la ciudad.
colores intensos con fino terciopelo. En los baños resaltan
Los acabados y el interiorismo de La sala Fontainebleau es
los glamorosos espejos biselados y los acabados en piedra de
una oda a la escuela pictórica del mismo nombre, surgida a
mármol. Las paredes de las habitaciones están revestidas con
finales del siglo XIX en Francia. El estilo Fontainebleau tiene
seda, en tonalidades neutras; las luminarias y las lámparas
como particularidad el uso desmedido del estuco en las
fueron encargadas a la casa Waterford Crystal, una de los
molduras y en los marcos de los cuadros. La sala principal del St.
mejores fabricantes de vidrio del mundo. Piezas de artes
Regis presenta en las paredes y el techo, un trabajo minucioso
diferentes culturas están distribuidas en el interior del hotel.
con las nervaduras: han sido estilizadas y resaltadas en color
Una antigua biblioteca con delicado trabajo de ebanistería
oro. Estos ornamentos que dibujan formas alegóricas nos
en las molduras superiores resguarda más de tres libros
remiten a la época del manierismo italiano, por el uso excesivo,
encuadernados en cuero y repujados en oro, que están a
pero sin perder en ningún momento la distinción en los detalles.
disposición del ilustre huésped. El Hotel St. Regis fue declarado
Las cortinas en tonalidad purpura engalanan la sala. Las arañas
Patrimonio de la Ciudad de Nueva York en 1988.
de cristal y las luminarias adosadas a las paredes, enmarcadas
El St. Regis cuenta con dos ingresos, ambos cubiertos por una alfombra roja que conduce al visitante al lobby del hotel.
por ribetes, complementan la propuesta. Del nuevo rediseño destacan por su elegancia la colección de
En las barandas, ventanales y las puertas giratorias, prevalece
Suites Designer. La Suite Dior; donde predomina la excepcional vista
el color dorado, tonalidad que se asocia a la belleza y la
al corazón verde de Manhattan, el Central Park, está inspirada
elegancia. Ingresar al hotel es formar parte de la composición
en los ateliers de la firma de alta costura en París. En su interior
de un cuadro, con el más refinado gusto por el arte francés de
prevalece la tradicional paleta cromática de colores tenues,
finales del siglo XVIII. Estilo, diseño y arquitectura se funden
característica distintiva de la marca parisina, acompañado de
y dan como resultado un ambiente majestuoso, coronado
osados purpuras que proporcionan el acento vanguardista. Las
por un mural en la cúpula del techo, ejecutado con la técnica
paredes han sido revestidas en lujosos textiles de encaje y tul, que
trompe loeil (engaño al ojo), que tiene como fin engrandecer
rememoran la hechura a mano de la casa parisina.
La Suite Tiffany es un homenaje a una de las marcas
Actualmente, la esplendida obra descansa sobre un roble
legendarias de Nueva York: Tiffany & Co. John Loring,
alargado que funge de marco, y es acompañado por el mobiliario
director emérito de diseño de la casa neoyorquina, participó
circular forrado en refinado cuero.
en la idea y el diseño de la suite, logrando plasmar la
Cuenta la leyenda que Fernand Petiot, el barman del King
en 113 años de historia, se ha convertido en el sello genuino del
entre los pasillos del St. Regis contando y asustando, a los
hotel de la Quinta Avenida.
huéspedes con sus lúgubres historias.
Hoy el Hotel St. Regis Nueva York es el lugar predilecto de los viajeros selectos que encallan en la ciudad del arte
elegancia de una pieza de la joyería estadounidense. En
Cole Bar en 1934, perfeccionó la receta de un cóctel que mezclaba
contemporáneo. Es el lugar soñado de políticos, diseñadores
las paredes del comedor resalta el característico azul
vodka y jugo de tomate, y lo apodó Bloody Mary. El apelativo usado
de modas, artistas, y la realeza. Es conocido que a través de
Mas sobre el Hotel St. Regis Resorts El St. Regis Hotels & Resorts ofrece experiencias excepcionales
aturquesado, tonalidad que refleja la estética moderna y la
por Fernand fue considerado subido de tono para la clientela de
su historia ha atraído a celebridades, como al excéntrico
en más de treinta hoteles de lujo en las principales ciudades del
visión contemporánea de lo tradicional. Desde sus amplios
hotel y la época; al corto tiempo el brebaje fue rebautizado como
Salvador Dalí, su esposa Gala y su mascota, un ocelote
mundo. Desde la apertura del primer St. Regis Hotel en Nueva York,
ventanales en el piso catorce, se aprecia el esplendor de la
Red Snapper. Al presente, el Bloody Mary es considerado el trago
(leopardo enano). La familia Dalí no dudó en instalarse
la marca ha mantenido su compromiso brindando un servicio a
Quinta Avenida y la Calle 55.
exclusivo de la marca St. Regis.
en los inviernos y otoños de 1960 y 1970, y pasar largas
la medida de cada uno de sus distinguidos huéspedes. Los planes
temporadas en la suite del hotel. El maestro del Surrealismo
de la marca son ampliar sus opciones, ahora incluyen el St. Regis
El mural que acompaña el bar del Hotel St. Regis, el Old
El hotel mezcla la opulencia y el glamour que se vivió en la época
King Cole, lo realizó el artista Maxfield Parrish, por encargo del
previa a la Primera Guerra Mundial. Actualmente ese símbolo de
paseaba por las instalaciones del recinto con su ocelote,
Hotels & Resorts en Asia, donde St. Regis ha anunciado planes
coronel Astor. La obra permaneció una temporada en la barra
riqueza y sofisticación clásica se han fundido con los nuevos avances
que lucía en el cuello una elegante correa con piedras
para abrir hoteles en Changsha, Chengdu, Haikou, Kuala Lumpur,
del desaparecido Knickerbocker Hotel de Nueva York; de donde se
de la tecnología. Ambientes como el lobby, la sala Fontaneibleau, las
tachonadas. Aún queda también, el recuerdo tenebroso
Lijiang, Macao, Quingshui Bay, Sanya Haitang Bay y Zhuhai.
trasladó en 1932, al King Cole Bar del Hotel St. Regis.
suites, es una muestra ello. El refinado estilo que se ha desarrollado,
de Alfred Hitchcock, el señor del suspenso, deambulando
Además, tiene planes de crecer en Europa y el Medio Oriente
La Suite Tiffany es un homenaje a una de las marcas
Actualmente, la esplendida obra descansa sobre un roble
legendarias de Nueva York: Tiffany & Co. John Loring,
alargado que funge de marco, y es acompañado por el mobiliario
director emérito de diseño de la casa neoyorquina, participó
circular forrado en refinado cuero.
en la idea y el diseño de la suite, logrando plasmar la
Cuenta la leyenda que Fernand Petiot, el barman del King
en 113 años de historia, se ha convertido en el sello genuino del
entre los pasillos del St. Regis contando y asustando, a los
hotel de la Quinta Avenida.
huéspedes con sus lúgubres historias.
Hoy el Hotel St. Regis Nueva York es el lugar predilecto de los viajeros selectos que encallan en la ciudad del arte
elegancia de una pieza de la joyería estadounidense. En
Cole Bar en 1934, perfeccionó la receta de un cóctel que mezclaba
contemporáneo. Es el lugar soñado de políticos, diseñadores
las paredes del comedor resalta el característico azul
vodka y jugo de tomate, y lo apodó Bloody Mary. El apelativo usado
de modas, artistas, y la realeza. Es conocido que a través de
Mas sobre el Hotel St. Regis Resorts El St. Regis Hotels & Resorts ofrece experiencias excepcionales
aturquesado, tonalidad que refleja la estética moderna y la
por Fernand fue considerado subido de tono para la clientela de
su historia ha atraído a celebridades, como al excéntrico
en más de treinta hoteles de lujo en las principales ciudades del
visión contemporánea de lo tradicional. Desde sus amplios
hotel y la época; al corto tiempo el brebaje fue rebautizado como
Salvador Dalí, su esposa Gala y su mascota, un ocelote
mundo. Desde la apertura del primer St. Regis Hotel en Nueva York,
ventanales en el piso catorce, se aprecia el esplendor de la
Red Snapper. Al presente, el Bloody Mary es considerado el trago
(leopardo enano). La familia Dalí no dudó en instalarse
la marca ha mantenido su compromiso brindando un servicio a
Quinta Avenida y la Calle 55.
exclusivo de la marca St. Regis.
en los inviernos y otoños de 1960 y 1970, y pasar largas
la medida de cada uno de sus distinguidos huéspedes. Los planes
temporadas en la suite del hotel. El maestro del Surrealismo
de la marca son ampliar sus opciones, ahora incluyen el St. Regis
El mural que acompaña el bar del Hotel St. Regis, el Old
El hotel mezcla la opulencia y el glamour que se vivió en la época
King Cole, lo realizó el artista Maxfield Parrish, por encargo del
previa a la Primera Guerra Mundial. Actualmente ese símbolo de
paseaba por las instalaciones del recinto con su ocelote,
Hotels & Resorts en Asia, donde St. Regis ha anunciado planes
coronel Astor. La obra permaneció una temporada en la barra
riqueza y sofisticación clásica se han fundido con los nuevos avances
que lucía en el cuello una elegante correa con piedras
para abrir hoteles en Changsha, Chengdu, Haikou, Kuala Lumpur,
del desaparecido Knickerbocker Hotel de Nueva York; de donde se
de la tecnología. Ambientes como el lobby, la sala Fontaneibleau, las
tachonadas. Aún queda también, el recuerdo tenebroso
Lijiang, Macao, Quingshui Bay, Sanya Haitang Bay y Zhuhai.
trasladó en 1932, al King Cole Bar del Hotel St. Regis.
suites, es una muestra ello. El refinado estilo que se ha desarrollado,
de Alfred Hitchcock, el señor del suspenso, deambulando
Además, tiene planes de crecer en Europa y el Medio Oriente
The Royal Plaza
Suite-SUITE SCOTT FITZGERALD Un texto de Kennek Cabello
El Royal Plaza se inauguró en octubre de 1907, frente al Central Park, en la zona residencial de mayor opulencia de la época. El mítico hotel se eleva 19 pisos, y en su arquitectura se aprecia una marcada influencia renacentista francesa, donde prevalecen los Châteaux (palacios castillos), una mezcla del estilo clásico del Renacimiento italiano instaurado en Francia y el estilo Gótico. Actualmente, el Royal Plaza es considerado un lugar de interés histórico nacional; y es en el piso 18 de este majestuoso hotel donde se rinde homenaje a unos de sus huéspedes predilectos, al gran F. Scott Fitzgerald, uno de los escritores más importantes del siglo XX.
The Royal Plaza
Suite-SUITE SCOTT FITZGERALD Un texto de Kennek Cabello
El Royal Plaza se inauguró en octubre de 1907, frente al Central Park, en la zona residencial de mayor opulencia de la época. El mítico hotel se eleva 19 pisos, y en su arquitectura se aprecia una marcada influencia renacentista francesa, donde prevalecen los Châteaux (palacios castillos), una mezcla del estilo clásico del Renacimiento italiano instaurado en Francia y el estilo Gótico. Actualmente, el Royal Plaza es considerado un lugar de interés histórico nacional; y es en el piso 18 de este majestuoso hotel donde se rinde homenaje a unos de sus huéspedes predilectos, al gran F. Scott Fitzgerald, uno de los escritores más importantes del siglo XX.
aRQUITECTURA, INTERIORISMO, DISENO Y ARTE
u
/dossier
no de los retratistas más agudos de la sociedad aristocrática norteamericana tiene su suite en el Hotel Plaza: la Suite Fitzgerald. Espacio recreado, también, para celebrar el lanzamiento de la adaptación de la película El Gran Gatsby (2013),
de Baz Luhrmann. La suite fue diseñada en poco más de sesenta metros cuadrados por la australiana Catherine Martin, ganadora del Óscar 2013 al mejor diseño de vestuario y producción de la película El gran gatsby. Desarrolla en la suite un estilo dramático Art deco, donde predomina el lujo de los materiales en los acabados finales, y hace uso frecuente de motivos geométricos en los diseños de tapices,
Gran parte de los elementos que sirven como decoración en la Suite Scott Fitzgerald han sido utilizados en la película EL GRAN GATSBY, como el juego de naipes diseñado por la prestigiosa casa Tiffany & Co. creado para complementar el decorado de la suite
que cubren las paredes por sectores. Con su propuesta deja en evidencia la aplaudida y desenfrenada época del Jazz, género musical que avivó las interminables celebraciones en los fastuosos salones de los años veinte en Nueva York. La puerta de ingreso a la suite nos advierte del tesoro que
Gran parte de los elementos que sirven como decoración en la Suite Scott Fitzgerald han sido utilizados en la película
guarda en su interior la habitación con número 1839 del Royal
el gran gatsby, como el juego de naipes diseñado por la
Plaza. Enmarcada por una moldura en color marfil, deja ver
prestigiosa casa Tiffany & Co. creado para complementar
en la parte central de la puerta una aplicación rectangular
el decorado de la suite. Asimismo, fotografías de Douglas
forjado en hierro con figuras simétricas doradas donde se
Kirkland, encargado de registrar a los personajes del filme,
luce una especie de escudo con las iniciales JG (Jay Gatsby),
como el retrato de Leonardo DiCaprio representando a Jay, se
nombre del personaje principal de la novela.
luce al ingreso del dormitorio de la suite.
La suite ha sido equipada por RH Restoration Hardware,
Las estanterías de la habitación están cubiertas por
exclusiva marca de lujo en el mercado mobiliario, que posee
las obras que escribió Scott, y de los libros que sirvieron de
colecciones auténticas de menaje de distintos periodos de la
inspiración para la realización de la película; acompañados de
historia. RH se encargó de recrear parte del lujo y estilo de la
accesorios de la época, como un sujeta libro en hierro forjado
época, como los imponentes candelabros Odeon Vidrio Fringe,
de 1920, con forma del Puente de Brooklyn.
de 1920, que caen sobre la sala de estar y la cama.
«Primero uno se toma un trago, luego el trago se toma otro
El piso de la habitación está acabado en roble, rodeado por
trago, y luego el trago te toma a ti», solía decir el autor de Suave
un zócalo moldeado en tono blanco marfil, que recorre la parte
Es La Noche. Es sabida su entrega al licor y su preferencia por la
baja de la pared. Las paredes presentan un doble acabado:
Ginebra, especialmente al coctel gin rickey. La suite cuenta con un
están pintadas en tonalidades neutras; y además, se han
bar que transporta al huésped a las noches de los años veinte,
dibujado marcos de moldura, que a su vez, encuadran un fino
donde los martinis y las ginebras se servían sin escatimar. El bar
tapiz, donde se distinguen sutiles figuras geométricas. Detalle
cuenta con el menaje y las copas talladas de esos tiempos.
característico del estilo Art deco. El dormitorio como la sala de estar, exhiben el techo una
La Suite de Scott Fitzgerald no solo es un cúmulo de elementos que nos evocan el glamour de los agitados años twenty de los
forma de cúpula, que va enmarcado con una moldura amplia,
Estados Unidos, también es un suma de lujos y extravagancias
dejando a la araña de hierro y vidrio lucirse en lo alto. Los
que logra ofrecer un hotel de cinco estrellas como el Royal Plaza.
cristales de la luminaria fueron diseñados de manera que cuando
El espacio intenta recrear la época vivida por Scott Fitzgerald en
las pequeñas piezas de cristal rocen entre sí, suenen como el
el Hotel Royal Plaza, él fue testigo de excepción de un periodo
tintineo de un par de copas de champagne. Las alfombras fueron
que conoció mejor que nadie. Su amigo Ernest Hemingway
confeccionadas a mano, cubren por sectores la habitación y
alcanzó decirle: «No me importaría dejar mi hígado a Princeton,
logran recrear con sus diseños el estilo clásico francés Art deco.
pero mi corazón se quedará siempre en el Plaza»
aRQUITECTURA, INTERIORISMO, DISENO Y ARTE
u
/dossier
no de los retratistas más agudos de la sociedad aristocrática norteamericana tiene su suite en el Hotel Plaza: la Suite Fitzgerald. Espacio recreado, también, para celebrar el lanzamiento de la adaptación de la película El Gran Gatsby (2013),
de Baz Luhrmann. La suite fue diseñada en poco más de sesenta metros cuadrados por la australiana Catherine Martin, ganadora del Óscar 2013 al mejor diseño de vestuario y producción de la película El gran gatsby. Desarrolla en la suite un estilo dramático Art deco, donde predomina el lujo de los materiales en los acabados finales, y hace uso frecuente de motivos geométricos en los diseños de tapices,
Gran parte de los elementos que sirven como decoración en la Suite Scott Fitzgerald han sido utilizados en la película EL GRAN GATSBY, como el juego de naipes diseñado por la prestigiosa casa Tiffany & Co. creado para complementar el decorado de la suite
que cubren las paredes por sectores. Con su propuesta deja en evidencia la aplaudida y desenfrenada época del Jazz, género musical que avivó las interminables celebraciones en los fastuosos salones de los años veinte en Nueva York. La puerta de ingreso a la suite nos advierte del tesoro que
Gran parte de los elementos que sirven como decoración en la Suite Scott Fitzgerald han sido utilizados en la película
guarda en su interior la habitación con número 1839 del Royal
el gran gatsby, como el juego de naipes diseñado por la
Plaza. Enmarcada por una moldura en color marfil, deja ver
prestigiosa casa Tiffany & Co. creado para complementar
en la parte central de la puerta una aplicación rectangular
el decorado de la suite. Asimismo, fotografías de Douglas
forjado en hierro con figuras simétricas doradas donde se
Kirkland, encargado de registrar a los personajes del filme,
luce una especie de escudo con las iniciales JG (Jay Gatsby),
como el retrato de Leonardo DiCaprio representando a Jay, se
nombre del personaje principal de la novela.
luce al ingreso del dormitorio de la suite.
La suite ha sido equipada por RH Restoration Hardware,
Las estanterías de la habitación están cubiertas por
exclusiva marca de lujo en el mercado mobiliario, que posee
las obras que escribió Scott, y de los libros que sirvieron de
colecciones auténticas de menaje de distintos periodos de la
inspiración para la realización de la película; acompañados de
historia. RH se encargó de recrear parte del lujo y estilo de la
accesorios de la época, como un sujeta libro en hierro forjado
época, como los imponentes candelabros Odeon Vidrio Fringe,
de 1920, con forma del Puente de Brooklyn.
de 1920, que caen sobre la sala de estar y la cama.
«Primero uno se toma un trago, luego el trago se toma otro
El piso de la habitación está acabado en roble, rodeado por
trago, y luego el trago te toma a ti», solía decir el autor de Suave
un zócalo moldeado en tono blanco marfil, que recorre la parte
Es La Noche. Es sabida su entrega al licor y su preferencia por la
baja de la pared. Las paredes presentan un doble acabado:
Ginebra, especialmente al coctel gin rickey. La suite cuenta con un
están pintadas en tonalidades neutras; y además, se han
bar que transporta al huésped a las noches de los años veinte,
dibujado marcos de moldura, que a su vez, encuadran un fino
donde los martinis y las ginebras se servían sin escatimar. El bar
tapiz, donde se distinguen sutiles figuras geométricas. Detalle
cuenta con el menaje y las copas talladas de esos tiempos.
característico del estilo Art deco. El dormitorio como la sala de estar, exhiben el techo una
La Suite de Scott Fitzgerald no solo es un cúmulo de elementos que nos evocan el glamour de los agitados años twenty de los
forma de cúpula, que va enmarcado con una moldura amplia,
Estados Unidos, también es un suma de lujos y extravagancias
dejando a la araña de hierro y vidrio lucirse en lo alto. Los
que logra ofrecer un hotel de cinco estrellas como el Royal Plaza.
cristales de la luminaria fueron diseñados de manera que cuando
El espacio intenta recrear la época vivida por Scott Fitzgerald en
las pequeñas piezas de cristal rocen entre sí, suenen como el
el Hotel Royal Plaza, él fue testigo de excepción de un periodo
tintineo de un par de copas de champagne. Las alfombras fueron
que conoció mejor que nadie. Su amigo Ernest Hemingway
confeccionadas a mano, cubren por sectores la habitación y
alcanzó decirle: «No me importaría dejar mi hígado a Princeton,
logran recrear con sus diseños el estilo clásico francés Art deco.
pero mi corazón se quedará siempre en el Plaza»
hotel citizenM del aeropuerto internacional Charles de Gaulle Un texto de Kennek Cabello Fotos de Richard Powers para Concrete
El Aeropuerto Internacional Charles de Gaulle, en París, es el segundo más transitado del planeta, con un promedio de ciento ochenta mil personas al día: dos veces el aforo total del estadio Camp Nou. El terminal aéreo aloja en sus instalaciones para la exhibición al público el único avión supersónico utilizado para el transporte de pasajeros: el Aérospatiale BAC Concorde, de la empresa Air France. Aeronave considerada ícono de la aviación y maravilla de la ingeniería.
hotel citizenM del aeropuerto internacional Charles de Gaulle Un texto de Kennek Cabello Fotos de Richard Powers para Concrete
El Aeropuerto Internacional Charles de Gaulle, en París, es el segundo más transitado del planeta, con un promedio de ciento ochenta mil personas al día: dos veces el aforo total del estadio Camp Nou. El terminal aéreo aloja en sus instalaciones para la exhibición al público el único avión supersónico utilizado para el transporte de pasajeros: el Aérospatiale BAC Concorde, de la empresa Air France. Aeronave considerada ícono de la aviación y maravilla de la ingeniería.
a
un lado de la proeza de la aeronáutica mundial, se levanta el nuevo hotel citizenM Paris Charles de Gaulle Airport: una estructura sólida y rectangular cubierta con basalto negro, roca de origen volcánico, y una de las más abundantes en
la corteza terrestre. A la distancia la edificación se asemeja a una pieza de Lego gigante. La construcción es de seis pisos y cuenta con más de doscientas habitaciones, cada una con
El arte juega un papel importante en la concepción del hotel citizenM, este se ha convertido en una fuente de inspiración para sus huéspedes
capacidad para un solo huésped. El diseño y conceptualización del proyecto estuvo a cargo del estudio Concrete Architectural Associates, y se inauguró en junio de 2014. El hotel ha sido creado teniendo como referencia el cargotecture, sistema de construcción mediante contenedores. La edificación del citizenM estuvo compuesto por bloques de construcción modulares prefabricados, con revestimientos de alta resistencia y refinado gusto. El hotel está acondicionado para crecer cuatro plantas más, en su próxima ampliación. Las ventanas exteriores de aluminio negro demarcan el tamaño de la habitación individual, y el volumen desigual de sus marcos genera, a la distancia, la impresión de estar frente a una pieza arquitectónica de arte contemporáneo. Impresión que se enfatiza con la propuesta artística del inglés Julian Opie, quien diseñó un mural en todo el frontis del hotel. El artista británico es reconocido por su propuesta visual y minimalista, la representación de rostros y cuerpos se reducen a trazos firmes. La obra visual se despliega en los seis pisos de la fachada del citizenM, y presenta sobre un fondo turquesapastel, a cinco jóvenes —dos varones y tres damas— transitando en la misma vía, pero mirando a direcciones contrarias. En otra ocasión, el artista había realizado otra obra visual en citizenM del Times Square, en Nueva York. El trabajo de arquitectura e interiorismo en el citizenM tiene como concepto ofrecer a los ciudadanos del mundo más por menos. Ha eliminado los elementos innecesarios con el propósito de ofrecer una experiencia de lujo a un costo asequible. Es decir, ha simplificado espacios con el propósito de economizar costos. El tamaño promedio de las habitaciones es de catorce metros cuadrados. Y en todas predominan dos elementos importantes: la cama y la ducha. Ambos elementos juegan un papel capital en la propuesta del hotel. La cama, una super king de pared a pared, de casi dos metros cuadrados, está acondicionada para recibir al viajero con el confort y la sensación de estar llegando a descansar a su propio hogar. Las almohadas y la ropa de cama son blancas.
La ducha, por otro lado, es una cabina semicircular adosada a una de las paredes de la habitación, elaborada en vidrio pavonado, sobre un techo de luces que varía de tonalidad según el gusto. Frente a la ducha hay un mueble bajo con los bordes redondeados que resalta por su funcionalidad: puede usarse como una repisa de tocador o una mesa de trabajo. La apuesta por estos dos elementos está basado en la creencia de que una cómoda cama y una ducha de lluvia, es todo lo que se necesita durante un viaje a la ciudad o de negocios. La iluminación natural es una de las características principales que conviertan al citizenM en una de las mejores opciones para el viajero que llega a París. Los grandes ventanales están diseñados y dispuestos en todas las habitaciones del hotel, con el propósito de aprovechar al máximo la luz natural durante el día, convirtiendo el ambiente del edificio en un espectáculo de la luminosidad. La iluminación de noche en las habitaciones es manejada por un dispositivo electrónico, que nos da la posibilidad de construir la atmósfera que queramos. La sala de estar es el corazón del citizenM: la zona donde confluye toda la actividad fuera de la habitación. Ha sido organizada por áreas, y en cada una de ellos resalta a la vista el mobiliario. Cada espacio creado cuenta con muebles de un diseño específico. Diseñadores como Ronan & Erwan Bouroullec, Jean-Louis Domecq y Jean Prouvé, de la casa Vitra, empresa Suiza que cuenta con renombrados especialistas en la fabricación de muebles, han trabajado en el concepto y la fabricación del mobiliario de la sala de estar. Espacios como el denominado French Corner, donde las mesas circulares y la Organic Chair, silla creada por Charles Eames y Eero Saarinen para el concurso «Organic Design in Home Furnishings» de 1940, organizado por el MoMA, cobran protagonismo. Con los bordes contorneados, el ancho respaldar y los posabrazos alargados y amplios, ofrecen un confort único.
a
un lado de la proeza de la aeronáutica mundial, se levanta el nuevo hotel citizenM Paris Charles de Gaulle Airport: una estructura sólida y rectangular cubierta con basalto negro, roca de origen volcánico, y una de las más abundantes en
la corteza terrestre. A la distancia la edificación se asemeja a una pieza de Lego gigante. La construcción es de seis pisos y cuenta con más de doscientas habitaciones, cada una con
El arte juega un papel importante en la concepción del hotel citizenM, este se ha convertido en una fuente de inspiración para sus huéspedes
capacidad para un solo huésped. El diseño y conceptualización del proyecto estuvo a cargo del estudio Concrete Architectural Associates, y se inauguró en junio de 2014. El hotel ha sido creado teniendo como referencia el cargotecture, sistema de construcción mediante contenedores. La edificación del citizenM estuvo compuesto por bloques de construcción modulares prefabricados, con revestimientos de alta resistencia y refinado gusto. El hotel está acondicionado para crecer cuatro plantas más, en su próxima ampliación. Las ventanas exteriores de aluminio negro demarcan el tamaño de la habitación individual, y el volumen desigual de sus marcos genera, a la distancia, la impresión de estar frente a una pieza arquitectónica de arte contemporáneo. Impresión que se enfatiza con la propuesta artística del inglés Julian Opie, quien diseñó un mural en todo el frontis del hotel. El artista británico es reconocido por su propuesta visual y minimalista, la representación de rostros y cuerpos se reducen a trazos firmes. La obra visual se despliega en los seis pisos de la fachada del citizenM, y presenta sobre un fondo turquesapastel, a cinco jóvenes —dos varones y tres damas— transitando en la misma vía, pero mirando a direcciones contrarias. En otra ocasión, el artista había realizado otra obra visual en citizenM del Times Square, en Nueva York. El trabajo de arquitectura e interiorismo en el citizenM tiene como concepto ofrecer a los ciudadanos del mundo más por menos. Ha eliminado los elementos innecesarios con el propósito de ofrecer una experiencia de lujo a un costo asequible. Es decir, ha simplificado espacios con el propósito de economizar costos. El tamaño promedio de las habitaciones es de catorce metros cuadrados. Y en todas predominan dos elementos importantes: la cama y la ducha. Ambos elementos juegan un papel capital en la propuesta del hotel. La cama, una super king de pared a pared, de casi dos metros cuadrados, está acondicionada para recibir al viajero con el confort y la sensación de estar llegando a descansar a su propio hogar. Las almohadas y la ropa de cama son blancas.
La ducha, por otro lado, es una cabina semicircular adosada a una de las paredes de la habitación, elaborada en vidrio pavonado, sobre un techo de luces que varía de tonalidad según el gusto. Frente a la ducha hay un mueble bajo con los bordes redondeados que resalta por su funcionalidad: puede usarse como una repisa de tocador o una mesa de trabajo. La apuesta por estos dos elementos está basado en la creencia de que una cómoda cama y una ducha de lluvia, es todo lo que se necesita durante un viaje a la ciudad o de negocios. La iluminación natural es una de las características principales que conviertan al citizenM en una de las mejores opciones para el viajero que llega a París. Los grandes ventanales están diseñados y dispuestos en todas las habitaciones del hotel, con el propósito de aprovechar al máximo la luz natural durante el día, convirtiendo el ambiente del edificio en un espectáculo de la luminosidad. La iluminación de noche en las habitaciones es manejada por un dispositivo electrónico, que nos da la posibilidad de construir la atmósfera que queramos. La sala de estar es el corazón del citizenM: la zona donde confluye toda la actividad fuera de la habitación. Ha sido organizada por áreas, y en cada una de ellos resalta a la vista el mobiliario. Cada espacio creado cuenta con muebles de un diseño específico. Diseñadores como Ronan & Erwan Bouroullec, Jean-Louis Domecq y Jean Prouvé, de la casa Vitra, empresa Suiza que cuenta con renombrados especialistas en la fabricación de muebles, han trabajado en el concepto y la fabricación del mobiliario de la sala de estar. Espacios como el denominado French Corner, donde las mesas circulares y la Organic Chair, silla creada por Charles Eames y Eero Saarinen para el concurso «Organic Design in Home Furnishings» de 1940, organizado por el MoMA, cobran protagonismo. Con los bordes contorneados, el ancho respaldar y los posabrazos alargados y amplios, ofrecen un confort único.
Hacia el otro extremo de la sala de estar, un sofá amplio de tres cuerpos, con mesa de centro, tapizados en el mismo material, sobre una alfombra purpura, demarca el área de descanso. Una colección de pantallas esféricas achatadas y en formas de zeppellin, aportan un cielo de luces teatrales. Atravesando la sala de estar, frente a los ascensores del hotel, se instala el bar del citizenM. Una isla alargada y rectangular cercada por la estructura metálica de un mueble alto, donde se almacena un centenar de botellas transparentes con contenido escarlata. El mueble bajo funciona como barra para la atención de los visitantes. Un falso techo voladizo matizado de color negro cubre el área. En la dinámica del hotel el bar se convierte en el punto de socialización de los huéspedes. Está a disposición las veinticuatro horas del día. El hotel cuenta también con el servicio de panadería, que ofrece productos recién salidos del horno, durante todo el día. Las estanterías que están repartidas en la sala, sirven según su tamaño y utilidad, para acoger o lucir una pieza de arte o para ordenar libros, guías de viaje y catálogos. El arte juega un papel importante en la concepción del hotel citizenM, este se ha convertido en una fuente de inspiración para sus huéspedes, no sólo mediante la intervención de la fachada, sino también, exhibiendo en el hotel las grandes colecciones artísticas del dueño de citizenM, Kul Rattan Chadha. El hotel citizenM Paris Charles de Gaulle Airport ha sido creado para encontrar un hogar lejos de casa, y está cerca de encontrarlo.
Mas sobre el citizenM El mundo ha sido testigo de la evolución de un nuevo tipo de viajeros. Exploradores, excursionistas, profesionales, compradores. Son independientes, comparten un respeto por las diferentes culturas y son jóvenes de corazón. citizenM es una empresa hotelera, que refleja y aprende de las necesidades de estos nuevos ciudadanos del mundo. Entre estas necesidades está el deseo de lujo a precios asequibles, al alcance de todos los ciudadanos móviles en el mundo. Para esto citizenM está creando una cartera de hoteles, ubicados en lugares privilegiados de la ciudad, y en los principales aeropuertos internacionales. Hay hoteles en Londres, Nueva York, Ámsterdam, Roma, Estambul, Zurich, Barcelona, Hong Kong, Yakarta, Singapur, Tokio y Sydney
Hacia el otro extremo de la sala de estar, un sofá amplio de tres cuerpos, con mesa de centro, tapizados en el mismo material, sobre una alfombra purpura, demarca el área de descanso. Una colección de pantallas esféricas achatadas y en formas de zeppellin, aportan un cielo de luces teatrales. Atravesando la sala de estar, frente a los ascensores del hotel, se instala el bar del citizenM. Una isla alargada y rectangular cercada por la estructura metálica de un mueble alto, donde se almacena un centenar de botellas transparentes con contenido escarlata. El mueble bajo funciona como barra para la atención de los visitantes. Un falso techo voladizo matizado de color negro cubre el área. En la dinámica del hotel el bar se convierte en el punto de socialización de los huéspedes. Está a disposición las veinticuatro horas del día. El hotel cuenta también con el servicio de panadería, que ofrece productos recién salidos del horno, durante todo el día. Las estanterías que están repartidas en la sala, sirven según su tamaño y utilidad, para acoger o lucir una pieza de arte o para ordenar libros, guías de viaje y catálogos. El arte juega un papel importante en la concepción del hotel citizenM, este se ha convertido en una fuente de inspiración para sus huéspedes, no sólo mediante la intervención de la fachada, sino también, exhibiendo en el hotel las grandes colecciones artísticas del dueño de citizenM, Kul Rattan Chadha. El hotel citizenM Paris Charles de Gaulle Airport ha sido creado para encontrar un hogar lejos de casa, y está cerca de encontrarlo.
Mas sobre el citizenM El mundo ha sido testigo de la evolución de un nuevo tipo de viajeros. Exploradores, excursionistas, profesionales, compradores. Son independientes, comparten un respeto por las diferentes culturas y son jóvenes de corazón. citizenM es una empresa hotelera, que refleja y aprende de las necesidades de estos nuevos ciudadanos del mundo. Entre estas necesidades está el deseo de lujo a precios asequibles, al alcance de todos los ciudadanos móviles en el mundo. Para esto citizenM está creando una cartera de hoteles, ubicados en lugares privilegiados de la ciudad, y en los principales aeropuertos internacionales. Hay hoteles en Londres, Nueva York, Ámsterdam, Roma, Estambul, Zurich, Barcelona, Hong Kong, Yakarta, Singapur, Tokio y Sydney
LA ABSTRACCIONISTA Un texto de John Seabrook Una Ilustración de Hector Huaman
Es la primera mujer que ganó el Premio Pritzker, el más importante en arquitectura. Sus proyectos parecen sacados del mundo digital, pues suele despreciar las líneas rectas y los ángulos de noventa grados. Un cronista asiste a la inauguración del Museo Nacional para las Artes del Siglo XXI, en Roma, uno de sus trabajos más importantes. ¿Cuan complicado fue llevar a cabo el proyecto de Hadid?, le preguntaron al contratista que lo construyó: «Muy di-fí-cil», dijo.
u
na tarde inusualmente templada del último abril,
de llevársela a la boca. La retorcida geometría de una ordinaria papa
Zaha Hadid, arquitecta nacida en Bagdad y afincada en
frita, como las curvadas líneas de los modernos autos o teléfonos
Londres, se hallaba sentada a la mesa del Mercer, en
celulares, nos recuerda cuán pocas construcciones en la actualidad
Soho, su hotel preferido en Nueva York, disfrutando de
se ven realmente acordes con el mundo digital. Hadid está dedicada
un panini de pollo. Pequeñas migajas caían mientras
a poner la arquitectura a tono con nuestra era. En sus obras, los
hablaba con voz ronca. Su rostro es especialmente emotivo,
muros no son nunca totalmente verticales, ni los pisos permanecen
y puede pasar de una dulzura infantil a una furia volcánica
planos por grandes extensiones, y las esquinas no forman ángulos
en instantes (puede que pegues un brinco al contemplarla
de noventa grados, sino el tipo de curvas que podrían hallarse en
transformarse por primera vez). Una franja anaranjada corona
los parques y rampas para skateboarding. («Hay otros trescientos
su oscuro cabello, y bajo cierta luz parece refulgir, como si se
cincuenta y nueve ángulos», le gusta decir. «¿Por qué limitarse a
calentara bajo la presión de sus pulsantes ideas. Desde que
uno?») Formas raras veces repetidas, como columnas, ventanas o
andaba en sus veintes, Hadid se ha vestido de una forma muy
marcos, te guían a través de sus espacios. Por ello algunos, al entrar
llamativa, y aquel día no era la excepción. Ataviada con unas
por primera vez a un edificio de Zaha Hadid, son transportados a
mallas negras y un top de manga larga a juego, su cuerpo parecía
sus más tempranas experiencias dentro de grandes estructuras: se
constituido por globos negros atados entre sí, y su impactante
desorientan. No puedes afirmar «estaré en la parte de atrás», porque
capa negra (le gusta como a Frank Lloyd Wright), de bordes
no existe tal cosa. Tampoco un frente que puedas identificar.
ondulados, remitía a una suerte de chal rústico, pero de alta costura, que producía un efecto regio y humilde a la vez. El emparedado venía acompañado por papas fritas, y Hadid
Hadid no se desplaza por lugares públicos sin uno o dos asistentes orbitándola. Su trabajo consiste tanto en canalizar las llamadas, correos electrónicos y mensajes de texto que
examinaba detenidamente cada una, que giraba lentamente con
fluyen incesantemente provenientes de clientes, contratistas
sus dedos, largos y afilados, con uñas de escarlata brillante, antes
y amigos ubicados a lo largo y ancho del mundo, como para 19
LA ABSTRACCIONISTA Un texto de John Seabrook Una Ilustración de Hector Huaman
Es la primera mujer que ganó el Premio Pritzker, el más importante en arquitectura. Sus proyectos parecen sacados del mundo digital, pues suele despreciar las líneas rectas y los ángulos de noventa grados. Un cronista asiste a la inauguración del Museo Nacional para las Artes del Siglo XXI, en Roma, uno de sus trabajos más importantes. ¿Cuan complicado fue llevar a cabo el proyecto de Hadid?, le preguntaron al contratista que lo construyó: «Muy di-fí-cil», dijo.
u
na tarde inusualmente templada del último abril,
de llevársela a la boca. La retorcida geometría de una ordinaria papa
Zaha Hadid, arquitecta nacida en Bagdad y afincada en
frita, como las curvadas líneas de los modernos autos o teléfonos
Londres, se hallaba sentada a la mesa del Mercer, en
celulares, nos recuerda cuán pocas construcciones en la actualidad
Soho, su hotel preferido en Nueva York, disfrutando de
se ven realmente acordes con el mundo digital. Hadid está dedicada
un panini de pollo. Pequeñas migajas caían mientras
a poner la arquitectura a tono con nuestra era. En sus obras, los
hablaba con voz ronca. Su rostro es especialmente emotivo,
muros no son nunca totalmente verticales, ni los pisos permanecen
y puede pasar de una dulzura infantil a una furia volcánica
planos por grandes extensiones, y las esquinas no forman ángulos
en instantes (puede que pegues un brinco al contemplarla
de noventa grados, sino el tipo de curvas que podrían hallarse en
transformarse por primera vez). Una franja anaranjada corona
los parques y rampas para skateboarding. («Hay otros trescientos
su oscuro cabello, y bajo cierta luz parece refulgir, como si se
cincuenta y nueve ángulos», le gusta decir. «¿Por qué limitarse a
calentara bajo la presión de sus pulsantes ideas. Desde que
uno?») Formas raras veces repetidas, como columnas, ventanas o
andaba en sus veintes, Hadid se ha vestido de una forma muy
marcos, te guían a través de sus espacios. Por ello algunos, al entrar
llamativa, y aquel día no era la excepción. Ataviada con unas
por primera vez a un edificio de Zaha Hadid, son transportados a
mallas negras y un top de manga larga a juego, su cuerpo parecía
sus más tempranas experiencias dentro de grandes estructuras: se
constituido por globos negros atados entre sí, y su impactante
desorientan. No puedes afirmar «estaré en la parte de atrás», porque
capa negra (le gusta como a Frank Lloyd Wright), de bordes
no existe tal cosa. Tampoco un frente que puedas identificar.
ondulados, remitía a una suerte de chal rústico, pero de alta costura, que producía un efecto regio y humilde a la vez. El emparedado venía acompañado por papas fritas, y Hadid
Hadid no se desplaza por lugares públicos sin uno o dos asistentes orbitándola. Su trabajo consiste tanto en canalizar las llamadas, correos electrónicos y mensajes de texto que
examinaba detenidamente cada una, que giraba lentamente con
fluyen incesantemente provenientes de clientes, contratistas
sus dedos, largos y afilados, con uñas de escarlata brillante, antes
y amigos ubicados a lo largo y ancho del mundo, como para 19
aRQUITECTURA, INTERIORISMO, DISENO Y ARTE
/PERfil
La retorcida geometría de una ordinaria papa frita, como las curvadas líneas de los modernos autos o teléfonos celulares, nos recuerda cuán pocas construcciones en la actualidad se ven realmente acordes con el mundo digital
servir de coro a los variopintos pensamientos, protestas y coloquios que suele derrochar, en temas tan variados, como las nociones de arquitectura del príncipe Carlos, su próxima cita con la dentista, o algún chisme del mundo del arte capturado al vuelo en la gala de la noche anterior. En Nueva York se las arreglaba con sólo un asistente, Roger Howie, sentado con ella a la mesa del Mercer. Ya iba por la tercera batería de su celular en lo que había avanzado del día. El mayor edificio completado por Hadid para entonces, el Museo Nacional de Artes del Siglo XXI, o Maxxi, en Roma, se inauguraba aquel otoño, y los planes para la gran celebración estaban en pleno proceso de gestación. Hadid y Howie revisaban la lista de personas que pensaban invitar, y discutían todas las cosas que debían hacer antes de partir hacia Corea del Sur, al día siguiente, para asistir a la puesta de una primera piedra en Seúl. La fría brisa de la calle pareció insuflar un súbito cambio de ánimo en Hadid. Empezó a quejarse amargamente por el frío. «Siente mis manos», dijo. Estaban tan frías como un juego de cubiertos a bordo de un avión. «Oh, vaya», dijo Howie. Con el ceño fruncido, Hadid ordenó a un mesero que apagase el aire acondicionado; el administrador le indicó que no se encontraba encendido. Una estufa de calefacción se hallaba ya ubicada en la banqueta, a su lado. Un mensaje de texto se coló dentro del perímetro digital de Howie hasta el teléfono de Hadid. La gente recibe mensajes de ella a toda hora, según donde se encuentre y cuán tan tarde permanezca despierta. «Zaha es un ave nocturna», me dijo un miembro italiano de su compañía. Aaron Betsky, director del Museo de Arte de Cincinnati y connotado crítico arquitectónico, se hallaba una vez sentado a la primera fila de una conferencia que ofrecía Hadid en la Universidad de Columbia, cuando se percató con estupor de que ella había enviado un mensaje de texto mientras se dirigía a la audiencia. Le señaló esto a Hani Rashid, el arquitecto neoyorquino sentado junto a él. Hadid hizo una pausa y le espetó, «¡Presta atención, Aaron!». 20
«¡Oh, Dios!», exclamó Hadid, leyendo la pantalla de su
Su éxito resulta tan improbable como inmenso. Su radical
hechos de plexiglás, cartón, o madera. Si se alcanza un cierto nivel
celular con ojos entrecerrados y sacudiendo la cabeza. «Me
postura profesional no ha variado desde sus tiempos de estudiante.
de confianza en la probabilidad de ganar el concurso, puede que
estoy helando», dijo, mientras soltaba el aparato. «Es imposible,
Por años ha enviado dibujos y pinturas abstractas para ilustrar sus
hasta unas veinte personas se sumen al proyecto, y el ritmo de
no lo soporto, me voy a mi cuarto». Diciendo esto se marchó.
ideas, porque —como explica con absoluta convicción a clientes
trabajo se incrementa a medida que la fecha de entrega se acerca.
dubitativos— la abstracción resulta la mejor manera de capturar
Cada proceso se extiende durante unas seis o siete semanas.
múltiples perspectivas en dos dimensiones, y de entremezclarlas Siendo una arquitecta tan aclamada, Hadid cuenta con una
Las muestras de los sucesivos proyectos pasados están
en un «campo de distorsión». Tiene la temeridad de ataviarse
diseminadas por toda la oficina: modelos, pinturas e impresiones
como una artista temperamental en un campo en el que se espera
digitales, denominadas en la oficina los Cuadros Plateados.
obra relativamente escasa. Ha completado trece estructuras.
que todos manejen un perfil de profesional sobrio y, aunque su
Darse una vuelta por el viejo edificio escolar equivale a ver
Estas incluyen la Estación de Bomberos Vitra, en Weil am
excentricidad irrite a algunos, resulta inspiradora para otros. En la
lo imposible, hacerse inevitable en un abrir y cerrar de ojos.
Rhein, Alemania (1994); una estación de tren en Estrasburgo
ceremonia de premiación del Pritzker, en San Petersburgo, mucha
Hay una imagen de tres torres de oficinas «bailarinas» en
(2001); un resort para esquiadores en Innsbruck, con un
gente entre el público se sintió conmovida hasta las lágrimas. Es
Dubái, que se ven como briznas de pasto (la construcción
restaurante adosado (2002); el Centro Richard Rosenthal de
una mujer que se desenvuelve en la más masculina de las artes,
está por comenzar). Una estación de trenes de alta velocidad
Arte Contemporáneo, en Cincinnati (2003); el Centro Científico
y una árabe (iraquí, nada menos) con una firme postura política y
en Nápoles, programada para su culminación en el 2013, se
Phaeno, en Wolfsburgo, Alemania (2005); el edificio central de
una historia familiar imbuida de política iraquí. Nunca ha encajado
aprecia distorsionada, como la vista de un tren que pasa a toda
la planta de Bmw, en Leipzig (2005); y el Maxxi, en Roma (2009).
naturalmente, para decirlo de cierta manera, con los amables
velocidad. Hay también planos para proyectos de Singapur,
Hadid tiene una suerte de avidez y se halla particularmente
y conservadores varones que manejan el dinero asignado a los
Estambul y El Cairo, ganadores de importantes concursos en
cómoda con los cambios súbitos de escala; disfruta trabajar
grandes proyectos. Sin embargo, Zaha Hadid Arquitectos (Zha) es la
los que los bloques de edificaciones tienen una apariencia
en proyectos pequeños, como muebles o zapatos, mientras
empresa detrás de sus construcciones.
biomórfica, como el coral que crece sobre la roca.
desarrolla el diseño de grandes estructuras, como museos y
El pasado otoño visité la oficina donde se gestan sus
Pero las imágenes que más llaman la atención son las
estaciones ferroviarias. Su Mesa Aqua, una mesa de comedor,
revolucionarios diseños: un edificio institucional de dos
pinturas generadas por Hadid en los ochenta. En lugar de intentar
hecha de resina y silicona, que diseñó en 2005 para Established
pisos, anteriormente usado como una escuela pública, sobre
representar espacios rectilíneos con dibujos en perspectiva
& Sons, y que ha llegado a venderse hasta por doscientos
Bowling Green Lane, en Clerkenwell, Londres. Cuando Hadid
—como se ha estilado siempre en los planos arquitectónicos
mil dólares, se parece al techo del Centro Acuático, al este de
se instaló allí, en 1985, su equipo contaba con cinco personas
desde el Renacimiento—, Hadid intentaba incorporar reducción
Londres, una estructura en construcción, pieza principal de
y ocupaba un solo ambiente, el Nº 9, rebautizado como Studio
por perspectiva en las propias estructuras, de modo que los
exhibición arquitectónica para las Olimpiadas del 2012.
9. Hoy, con más de trescientas personas a su cargo, ocupa casi
rectángulos se convertían en trapezoides. Más aún, Hadid
todo el edificio. El lugar mantiene una atmósfera académica,
apuntaba no sólo a una única perspectiva, sino a cinco o seis
detectarse, como una marca de agua, la suavidad futurista que
excepto que los estudiantes son ahora mayores, y arquitectos.
perspectivas yuxtapuestas en un solo plano, que unía en planos
emana de sus edificaciones. Algunos temas son recurrentes,
Provienen de muchas nacionalidades, y casi la mitad de ellos
distorsionados que remiten a la vez a cuadros cubistas y a
como el uso de ciertos materiales (vidrio, acero, concreto), sus
está por debajo de los treinta años, todos sentados en silencio,
fotografías tomadas usando un lente ojo de pez. Quizás haya sido
líneas (corredores que trazan a menudo fluidos arabescos,
hombro contra hombro, con la mirada fija en sus pantallas,
una coincidencia afortunada que las herramientas de diseño por
mientras los recargados techos forman zigzagueantes ángulos),
agrupados geográficamente por proyecto: Lejano Oriente por
computadora llegaran en el momento preciso de la evolución de
sus estructuras (prefiere los espacios abiertos y libres de
aquí, Medio Oriente por allá, Europa más allá, Norte América
Hadid, alrededor de 1990, cuando su lenguaje estaba ya formado,
columnas) y sus esculturales y asimétricas fachadas. En todo su
por otro lado. Todos con un aire entre serio y alerta, como
pero sus proyectos eran juzgados imposibles de construir por la
trabajo, Hadid muestra interés por el movimiento y la velocidad,
alumnos ejemplares.
gran mayoría. O quizás ella era la profeta de lo que vendría a ser
No existe un estilo único atribuible a Hadid, aunque puede
tanto en la manera como la gente habrá de moverse a través de
Los proyectos generalmente llegan al despacho de Hadid
conocido como arquitectura digital. En todo caso, la computadora
sus edificios como en la forma como una línea de vista atraviesa
a través de concursos. (En Estados Unidos, todos los edificios
fue tan solo la herramienta que le ayudó a realizar una visión
espacios de luces y sombras. Sus exteriores parecen estar
del sector público deben convocar a concursos abiertos para
preexistente; no influyó sobre su estética.
modelados por el movimiento existente dentro y fuera de ellos,
seleccionar a un arquitecto). ZHA participa en unos treinta al
antes que por una noción predeterminada.
año. Un arquitecto es asignado a cada proceso en particular,
Después de recibir el premio Pritzker, el más grande
desmenuza el resumen ejecutivo y discute el proyecto con Hadid.
honor otorgado en arquitectura, en 2004 (es la primera mujer
Ella hace algunos bocetos a mano alzada, trabajando con líneas
en alcanzarlo) Hadid, de cincuenta y un años, ha ganado
inspiradas por las «fuerzas» del proyecto. (Hadid rara vez usa la
tuvo su propia oficina. Llegaba a últimas horas de la mañana,
Hadid se sentó a la mitad del Studio 9 por muchos años; nunca
concursos para proyectos de gran envergadura, incluido un
palabra «espacio» al referirse a sus diseños; prefiere palabras como
dibujaba en silencio por cerca de una hora, luego solicitaba ver
museo de arte en Vilnius, un centro cultural en Bakú, y una
«energía», «campo» y «condiciones del suelo»). Es el dinamismo
algunos proyectos, y sus trabajadores la inundaban de planos y
instalación para artes escénicas en Abu Dhabi. En total, tiene
de la ciudad, antes que las formas estáticas que contiene, el que
dibujos. En los últimos años, sin embargo, ha dejado que su socio
cuarenta y cinco proyectos en cartera. La recesión global, que
le sirve de fuente de inspiración. Luego, tres o cuatro arquitectos
alemán, Patrik Schumacher, de cuarenta y ocho años y un racional
ha aquejado a muchos de sus colegas, apenas parece haber
expanden sus bocetos y los llevan a dibujos tradicionales de dos
hasta el tuétano, dirija la oficina, mientras ella trabaja y tiene
afectado a su oficina.
dimensiones, representaciones digitales en 3d, y modelos físicos
reuniones desde una casa, a cinco minutos de camino por entre las 21
aRQUITECTURA, INTERIORISMO, DISENO Y ARTE
/PERfil
La retorcida geometría de una ordinaria papa frita, como las curvadas líneas de los modernos autos o teléfonos celulares, nos recuerda cuán pocas construcciones en la actualidad se ven realmente acordes con el mundo digital
servir de coro a los variopintos pensamientos, protestas y coloquios que suele derrochar, en temas tan variados, como las nociones de arquitectura del príncipe Carlos, su próxima cita con la dentista, o algún chisme del mundo del arte capturado al vuelo en la gala de la noche anterior. En Nueva York se las arreglaba con sólo un asistente, Roger Howie, sentado con ella a la mesa del Mercer. Ya iba por la tercera batería de su celular en lo que había avanzado del día. El mayor edificio completado por Hadid para entonces, el Museo Nacional de Artes del Siglo XXI, o Maxxi, en Roma, se inauguraba aquel otoño, y los planes para la gran celebración estaban en pleno proceso de gestación. Hadid y Howie revisaban la lista de personas que pensaban invitar, y discutían todas las cosas que debían hacer antes de partir hacia Corea del Sur, al día siguiente, para asistir a la puesta de una primera piedra en Seúl. La fría brisa de la calle pareció insuflar un súbito cambio de ánimo en Hadid. Empezó a quejarse amargamente por el frío. «Siente mis manos», dijo. Estaban tan frías como un juego de cubiertos a bordo de un avión. «Oh, vaya», dijo Howie. Con el ceño fruncido, Hadid ordenó a un mesero que apagase el aire acondicionado; el administrador le indicó que no se encontraba encendido. Una estufa de calefacción se hallaba ya ubicada en la banqueta, a su lado. Un mensaje de texto se coló dentro del perímetro digital de Howie hasta el teléfono de Hadid. La gente recibe mensajes de ella a toda hora, según donde se encuentre y cuán tan tarde permanezca despierta. «Zaha es un ave nocturna», me dijo un miembro italiano de su compañía. Aaron Betsky, director del Museo de Arte de Cincinnati y connotado crítico arquitectónico, se hallaba una vez sentado a la primera fila de una conferencia que ofrecía Hadid en la Universidad de Columbia, cuando se percató con estupor de que ella había enviado un mensaje de texto mientras se dirigía a la audiencia. Le señaló esto a Hani Rashid, el arquitecto neoyorquino sentado junto a él. Hadid hizo una pausa y le espetó, «¡Presta atención, Aaron!». 20
«¡Oh, Dios!», exclamó Hadid, leyendo la pantalla de su
Su éxito resulta tan improbable como inmenso. Su radical
hechos de plexiglás, cartón, o madera. Si se alcanza un cierto nivel
celular con ojos entrecerrados y sacudiendo la cabeza. «Me
postura profesional no ha variado desde sus tiempos de estudiante.
de confianza en la probabilidad de ganar el concurso, puede que
estoy helando», dijo, mientras soltaba el aparato. «Es imposible,
Por años ha enviado dibujos y pinturas abstractas para ilustrar sus
hasta unas veinte personas se sumen al proyecto, y el ritmo de
no lo soporto, me voy a mi cuarto». Diciendo esto se marchó.
ideas, porque —como explica con absoluta convicción a clientes
trabajo se incrementa a medida que la fecha de entrega se acerca.
dubitativos— la abstracción resulta la mejor manera de capturar
Cada proceso se extiende durante unas seis o siete semanas.
múltiples perspectivas en dos dimensiones, y de entremezclarlas Siendo una arquitecta tan aclamada, Hadid cuenta con una
Las muestras de los sucesivos proyectos pasados están
en un «campo de distorsión». Tiene la temeridad de ataviarse
diseminadas por toda la oficina: modelos, pinturas e impresiones
como una artista temperamental en un campo en el que se espera
digitales, denominadas en la oficina los Cuadros Plateados.
obra relativamente escasa. Ha completado trece estructuras.
que todos manejen un perfil de profesional sobrio y, aunque su
Darse una vuelta por el viejo edificio escolar equivale a ver
Estas incluyen la Estación de Bomberos Vitra, en Weil am
excentricidad irrite a algunos, resulta inspiradora para otros. En la
lo imposible, hacerse inevitable en un abrir y cerrar de ojos.
Rhein, Alemania (1994); una estación de tren en Estrasburgo
ceremonia de premiación del Pritzker, en San Petersburgo, mucha
Hay una imagen de tres torres de oficinas «bailarinas» en
(2001); un resort para esquiadores en Innsbruck, con un
gente entre el público se sintió conmovida hasta las lágrimas. Es
Dubái, que se ven como briznas de pasto (la construcción
restaurante adosado (2002); el Centro Richard Rosenthal de
una mujer que se desenvuelve en la más masculina de las artes,
está por comenzar). Una estación de trenes de alta velocidad
Arte Contemporáneo, en Cincinnati (2003); el Centro Científico
y una árabe (iraquí, nada menos) con una firme postura política y
en Nápoles, programada para su culminación en el 2013, se
Phaeno, en Wolfsburgo, Alemania (2005); el edificio central de
una historia familiar imbuida de política iraquí. Nunca ha encajado
aprecia distorsionada, como la vista de un tren que pasa a toda
la planta de Bmw, en Leipzig (2005); y el Maxxi, en Roma (2009).
naturalmente, para decirlo de cierta manera, con los amables
velocidad. Hay también planos para proyectos de Singapur,
Hadid tiene una suerte de avidez y se halla particularmente
y conservadores varones que manejan el dinero asignado a los
Estambul y El Cairo, ganadores de importantes concursos en
cómoda con los cambios súbitos de escala; disfruta trabajar
grandes proyectos. Sin embargo, Zaha Hadid Arquitectos (Zha) es la
los que los bloques de edificaciones tienen una apariencia
en proyectos pequeños, como muebles o zapatos, mientras
empresa detrás de sus construcciones.
biomórfica, como el coral que crece sobre la roca.
desarrolla el diseño de grandes estructuras, como museos y
El pasado otoño visité la oficina donde se gestan sus
Pero las imágenes que más llaman la atención son las
estaciones ferroviarias. Su Mesa Aqua, una mesa de comedor,
revolucionarios diseños: un edificio institucional de dos
pinturas generadas por Hadid en los ochenta. En lugar de intentar
hecha de resina y silicona, que diseñó en 2005 para Established
pisos, anteriormente usado como una escuela pública, sobre
representar espacios rectilíneos con dibujos en perspectiva
& Sons, y que ha llegado a venderse hasta por doscientos
Bowling Green Lane, en Clerkenwell, Londres. Cuando Hadid
—como se ha estilado siempre en los planos arquitectónicos
mil dólares, se parece al techo del Centro Acuático, al este de
se instaló allí, en 1985, su equipo contaba con cinco personas
desde el Renacimiento—, Hadid intentaba incorporar reducción
Londres, una estructura en construcción, pieza principal de
y ocupaba un solo ambiente, el Nº 9, rebautizado como Studio
por perspectiva en las propias estructuras, de modo que los
exhibición arquitectónica para las Olimpiadas del 2012.
9. Hoy, con más de trescientas personas a su cargo, ocupa casi
rectángulos se convertían en trapezoides. Más aún, Hadid
todo el edificio. El lugar mantiene una atmósfera académica,
apuntaba no sólo a una única perspectiva, sino a cinco o seis
detectarse, como una marca de agua, la suavidad futurista que
excepto que los estudiantes son ahora mayores, y arquitectos.
perspectivas yuxtapuestas en un solo plano, que unía en planos
emana de sus edificaciones. Algunos temas son recurrentes,
Provienen de muchas nacionalidades, y casi la mitad de ellos
distorsionados que remiten a la vez a cuadros cubistas y a
como el uso de ciertos materiales (vidrio, acero, concreto), sus
está por debajo de los treinta años, todos sentados en silencio,
fotografías tomadas usando un lente ojo de pez. Quizás haya sido
líneas (corredores que trazan a menudo fluidos arabescos,
hombro contra hombro, con la mirada fija en sus pantallas,
una coincidencia afortunada que las herramientas de diseño por
mientras los recargados techos forman zigzagueantes ángulos),
agrupados geográficamente por proyecto: Lejano Oriente por
computadora llegaran en el momento preciso de la evolución de
sus estructuras (prefiere los espacios abiertos y libres de
aquí, Medio Oriente por allá, Europa más allá, Norte América
Hadid, alrededor de 1990, cuando su lenguaje estaba ya formado,
columnas) y sus esculturales y asimétricas fachadas. En todo su
por otro lado. Todos con un aire entre serio y alerta, como
pero sus proyectos eran juzgados imposibles de construir por la
trabajo, Hadid muestra interés por el movimiento y la velocidad,
alumnos ejemplares.
gran mayoría. O quizás ella era la profeta de lo que vendría a ser
No existe un estilo único atribuible a Hadid, aunque puede
tanto en la manera como la gente habrá de moverse a través de
Los proyectos generalmente llegan al despacho de Hadid
conocido como arquitectura digital. En todo caso, la computadora
sus edificios como en la forma como una línea de vista atraviesa
a través de concursos. (En Estados Unidos, todos los edificios
fue tan solo la herramienta que le ayudó a realizar una visión
espacios de luces y sombras. Sus exteriores parecen estar
del sector público deben convocar a concursos abiertos para
preexistente; no influyó sobre su estética.
modelados por el movimiento existente dentro y fuera de ellos,
seleccionar a un arquitecto). ZHA participa en unos treinta al
antes que por una noción predeterminada.
año. Un arquitecto es asignado a cada proceso en particular,
Después de recibir el premio Pritzker, el más grande
desmenuza el resumen ejecutivo y discute el proyecto con Hadid.
honor otorgado en arquitectura, en 2004 (es la primera mujer
Ella hace algunos bocetos a mano alzada, trabajando con líneas
en alcanzarlo) Hadid, de cincuenta y un años, ha ganado
inspiradas por las «fuerzas» del proyecto. (Hadid rara vez usa la
tuvo su propia oficina. Llegaba a últimas horas de la mañana,
Hadid se sentó a la mitad del Studio 9 por muchos años; nunca
concursos para proyectos de gran envergadura, incluido un
palabra «espacio» al referirse a sus diseños; prefiere palabras como
dibujaba en silencio por cerca de una hora, luego solicitaba ver
museo de arte en Vilnius, un centro cultural en Bakú, y una
«energía», «campo» y «condiciones del suelo»). Es el dinamismo
algunos proyectos, y sus trabajadores la inundaban de planos y
instalación para artes escénicas en Abu Dhabi. En total, tiene
de la ciudad, antes que las formas estáticas que contiene, el que
dibujos. En los últimos años, sin embargo, ha dejado que su socio
cuarenta y cinco proyectos en cartera. La recesión global, que
le sirve de fuente de inspiración. Luego, tres o cuatro arquitectos
alemán, Patrik Schumacher, de cuarenta y ocho años y un racional
ha aquejado a muchos de sus colegas, apenas parece haber
expanden sus bocetos y los llevan a dibujos tradicionales de dos
hasta el tuétano, dirija la oficina, mientras ella trabaja y tiene
afectado a su oficina.
dimensiones, representaciones digitales en 3d, y modelos físicos
reuniones desde una casa, a cinco minutos de camino por entre las 21
aRQUITECTURA, INTERIORISMO, DISENO Y ARTE
/PERfil
estrechas callejuelas del vecindario. Es dueña del piso superior en un edificio poco llamativo de cinco pisos, en el que vive sola (jamás se casó). El espacio enteramente blanco está atiborrado de muebles y pinturas, todos creados por ella misma. Hadid no colecciona obras de otros, a menos que cuentes su ropa (que ocupa un inmenso armario, diseñado también en su oficina) y sus joyas, apiladas como un botín de pirata sobre la mesa de su tocador. Dejando de lado lo que contiene, su vivienda es sorprendentemente convencional, y es así como le gusta. «No es uno de mis proyectos», dijo alguna vez. Hadid nació en el seno de una familia pudiente, en Bagdad, en 1950, y se crió en un tiempo en que la capital de Irak era una ciudad secular, cosmopolita y progresista, llena de ideas nuevas y experimentos culturales. En su discurso por el premio Pritzker, Hadid rememoró el utópico espíritu de la época: «Una inquebrantable fe en el progreso y un gran sentido de optimismo sobre el potencial de construir un mundo mejor». Sus padres, ambos provenientes de muy distinguidas familias, eran dueños de una gran casa construida en los treinta. «El estilo de los muebles en mi habitación era angular y modernista», me contó Hadid. «Me recuerdo de niña intentando saber por qué estas cosas se veían tan diferentes. ¿Por qué este sofá era distinto a un sofá ordinario?» Tenía un espejo asimétrico. «Estaba fascinada con ese espejo», le dijo una vez al Times de Londres. «Fue el inicio de mi amor por la asimetría». Había algunos muebles tradicionales también, incluidas las enormes alfombras persas de intrincados patrones, de los que los intérpretes de su obra encuentran un eco en las densamente entretejidas líneas de sus dibujos. Hadid me explicó: «Tienes que entender que no existe el arte figurativo en la tradición árabe. Todo se trata de patrones decorativos extraídos del diseño geométrico. Por supuesto, esas cosas te influencian».
Futuro Centro de las Artes Escénicas de Abu Dabi
Su padre Muhammad Hadid era una importante figura política durante los cuarenta y cincuenta, como líder del Partido Democrático Nacional. Sirvió de ministro de Finanzas en el gobierno
de identidad, y los cambios políticos, y de los sueños de
las dos ciudades que mejor conoció, como niña y adolescente).
en planeamiento urbano y vivienda pública llevados a cabo en
del primer ministro Abd al-Karim Qasim, que asumió el poder tras el
nacionalismo», cuenta. Solía volver a Bagdad en sus vacaciones.
En 1972 Hadid se mudó a Londres, donde fue aceptada en la
los sesenta. «Fue el momento en que el modernismo se declaró
golpe de Estado de 1958, conocido como la Revolución del 14 de Julio,
«Era un lugar genial, y a menudo me venía a la mente. Aún
Escuela de la Asociación de Arquitectura, a la que —le dijo un
oficialmente muerto, y nadie sabía adónde redireccionarse»,
en el que el rey King Faisal II y otros miembros de la familia real
lo hace», dice. Pero no ha vuelto desde 1980; la casa en la que
amigo de Foulath— era el único lugar al cual valía la pena ir.
me contó Bernard Tschumi, un arquitecto franco suizo, un
Hachemita fueran ejecutados. «La gente siempre estaba entrando
creció aún se levanta, aunque tapiada.
y saliendo de nuestra casa», recuerda Hadid. «Y todos hablaban de
joven miembro de la facultad por entonces. «Lo que es una
es la más antigua escuela independiente de arquitectura en
gran ventaja para un arquitecto», añadió. Algunos instructores,
política en el gran salón». Una vorágine de personas que se mueven
doce años». No le interesaba enrolarse en Cambridge, sino en la
el Reino Unido. Muchos estudiantes de la materia tienen una
como León Krier, natural de Luxemburgo, pensaron que la
a través de un espacio moderno y cosmopolita es una imagen que se
Universidad Americana, en Beirut, adonde se dirigió en 1968, a
relación casi medieval de maestro discípulo con sus profesores;
arquitectura debía preservar lo mejor del pasado, que podía
refleja en su obra. La carrera política de su padre vio su fin cuando el
estudiar matemáticas, en vez de arquitectura, porque la Escuela
en la A.A., sin embargo, los alumnos han sido desde tiempo
ser mejorado gracias a las innovaciones tecnológicas. La visión
Partido Batista asumió el control de Irak, en 1963.
de Arquitectura era parte del Departamento de Ingeniería, y «no
atrás motivados a desafiar los paradigmas y visitar a los
de los viejos centros europeos como «terminados», requiriendo
quería ir allí, porque hubiera sido la única mujer en la facultad».
docentes para defender sus ideas y diseños en público, y que
sólo restauración y rescate de viejos edificios, empezaba a
fue enviada a escuelas de internado en Inglaterra y Suiza
Como Bagdad, Beirut era el epicentro de la cultura y las ideas.
haya un bar justo afuera del auditorio principal ayuda a avivar
emerger. Sin embargo, otros instructores, como el arquitecto
cuando tenía dieciséis. Sus dos hermanos, Foulath y Haytham,
Pero estaba, a su vez, condenada: la ciudad se vería pronto
estas discusiones. Hadid llegó en un momento en que la fe
holandés Rem Koolhaas, el griego Elia Zenghelis y el polaco
que le llevaban doce y quince años, respectivamente, habían
dividida por la guerra civil que se inició en 1975. (El aspecto
pública en la arquitectura modernista, que había sido el estilo
americano Daniel Libeskind querían seguir investigando el
estudiado ambos en Cambridge, de modo que solía pasar
facetado de sus primeros trabajos, en que los entornos y las
dominante para construcciones de gran escala por la mayor
modernismo. «Nuestra idea era que había puntos ciegos que el
mucho tiempo con ellos en Londres. «Eran los sesenta, y estaba
construcciones parecen estallar desde dentro, puede tener algo
parte del periodo de posguerra, se encontraba en recesión,
modernismo había dejado pasar y que podíamos desarrollar»,
empezando a darme cuenta de todos estos nuevos conflictos
que ver con el hecho de haberse convertido en una exiliada de
debido principalmente al resultado de experimentos fallidos
me ha confiado Koolhaas recientemente.
Los padres de Hadid permanecieron en el país, pero Zaha
22
Hadid supo que quería ser arquitecta «cuando tenía once o
La Asociación de Arquitectura (A.A.), en Bedford Square,
23
aRQUITECTURA, INTERIORISMO, DISENO Y ARTE
/PERfil
estrechas callejuelas del vecindario. Es dueña del piso superior en un edificio poco llamativo de cinco pisos, en el que vive sola (jamás se casó). El espacio enteramente blanco está atiborrado de muebles y pinturas, todos creados por ella misma. Hadid no colecciona obras de otros, a menos que cuentes su ropa (que ocupa un inmenso armario, diseñado también en su oficina) y sus joyas, apiladas como un botín de pirata sobre la mesa de su tocador. Dejando de lado lo que contiene, su vivienda es sorprendentemente convencional, y es así como le gusta. «No es uno de mis proyectos», dijo alguna vez. Hadid nació en el seno de una familia pudiente, en Bagdad, en 1950, y se crió en un tiempo en que la capital de Irak era una ciudad secular, cosmopolita y progresista, llena de ideas nuevas y experimentos culturales. En su discurso por el premio Pritzker, Hadid rememoró el utópico espíritu de la época: «Una inquebrantable fe en el progreso y un gran sentido de optimismo sobre el potencial de construir un mundo mejor». Sus padres, ambos provenientes de muy distinguidas familias, eran dueños de una gran casa construida en los treinta. «El estilo de los muebles en mi habitación era angular y modernista», me contó Hadid. «Me recuerdo de niña intentando saber por qué estas cosas se veían tan diferentes. ¿Por qué este sofá era distinto a un sofá ordinario?» Tenía un espejo asimétrico. «Estaba fascinada con ese espejo», le dijo una vez al Times de Londres. «Fue el inicio de mi amor por la asimetría». Había algunos muebles tradicionales también, incluidas las enormes alfombras persas de intrincados patrones, de los que los intérpretes de su obra encuentran un eco en las densamente entretejidas líneas de sus dibujos. Hadid me explicó: «Tienes que entender que no existe el arte figurativo en la tradición árabe. Todo se trata de patrones decorativos extraídos del diseño geométrico. Por supuesto, esas cosas te influencian».
Futuro Centro de las Artes Escénicas de Abu Dabi
Su padre Muhammad Hadid era una importante figura política durante los cuarenta y cincuenta, como líder del Partido Democrático Nacional. Sirvió de ministro de Finanzas en el gobierno
de identidad, y los cambios políticos, y de los sueños de
las dos ciudades que mejor conoció, como niña y adolescente).
en planeamiento urbano y vivienda pública llevados a cabo en
del primer ministro Abd al-Karim Qasim, que asumió el poder tras el
nacionalismo», cuenta. Solía volver a Bagdad en sus vacaciones.
En 1972 Hadid se mudó a Londres, donde fue aceptada en la
los sesenta. «Fue el momento en que el modernismo se declaró
golpe de Estado de 1958, conocido como la Revolución del 14 de Julio,
«Era un lugar genial, y a menudo me venía a la mente. Aún
Escuela de la Asociación de Arquitectura, a la que —le dijo un
oficialmente muerto, y nadie sabía adónde redireccionarse»,
en el que el rey King Faisal II y otros miembros de la familia real
lo hace», dice. Pero no ha vuelto desde 1980; la casa en la que
amigo de Foulath— era el único lugar al cual valía la pena ir.
me contó Bernard Tschumi, un arquitecto franco suizo, un
Hachemita fueran ejecutados. «La gente siempre estaba entrando
creció aún se levanta, aunque tapiada.
y saliendo de nuestra casa», recuerda Hadid. «Y todos hablaban de
joven miembro de la facultad por entonces. «Lo que es una
es la más antigua escuela independiente de arquitectura en
gran ventaja para un arquitecto», añadió. Algunos instructores,
política en el gran salón». Una vorágine de personas que se mueven
doce años». No le interesaba enrolarse en Cambridge, sino en la
el Reino Unido. Muchos estudiantes de la materia tienen una
como León Krier, natural de Luxemburgo, pensaron que la
a través de un espacio moderno y cosmopolita es una imagen que se
Universidad Americana, en Beirut, adonde se dirigió en 1968, a
relación casi medieval de maestro discípulo con sus profesores;
arquitectura debía preservar lo mejor del pasado, que podía
refleja en su obra. La carrera política de su padre vio su fin cuando el
estudiar matemáticas, en vez de arquitectura, porque la Escuela
en la A.A., sin embargo, los alumnos han sido desde tiempo
ser mejorado gracias a las innovaciones tecnológicas. La visión
Partido Batista asumió el control de Irak, en 1963.
de Arquitectura era parte del Departamento de Ingeniería, y «no
atrás motivados a desafiar los paradigmas y visitar a los
de los viejos centros europeos como «terminados», requiriendo
quería ir allí, porque hubiera sido la única mujer en la facultad».
docentes para defender sus ideas y diseños en público, y que
sólo restauración y rescate de viejos edificios, empezaba a
fue enviada a escuelas de internado en Inglaterra y Suiza
Como Bagdad, Beirut era el epicentro de la cultura y las ideas.
haya un bar justo afuera del auditorio principal ayuda a avivar
emerger. Sin embargo, otros instructores, como el arquitecto
cuando tenía dieciséis. Sus dos hermanos, Foulath y Haytham,
Pero estaba, a su vez, condenada: la ciudad se vería pronto
estas discusiones. Hadid llegó en un momento en que la fe
holandés Rem Koolhaas, el griego Elia Zenghelis y el polaco
que le llevaban doce y quince años, respectivamente, habían
dividida por la guerra civil que se inició en 1975. (El aspecto
pública en la arquitectura modernista, que había sido el estilo
americano Daniel Libeskind querían seguir investigando el
estudiado ambos en Cambridge, de modo que solía pasar
facetado de sus primeros trabajos, en que los entornos y las
dominante para construcciones de gran escala por la mayor
modernismo. «Nuestra idea era que había puntos ciegos que el
mucho tiempo con ellos en Londres. «Eran los sesenta, y estaba
construcciones parecen estallar desde dentro, puede tener algo
parte del periodo de posguerra, se encontraba en recesión,
modernismo había dejado pasar y que podíamos desarrollar»,
empezando a darme cuenta de todos estos nuevos conflictos
que ver con el hecho de haberse convertido en una exiliada de
debido principalmente al resultado de experimentos fallidos
me ha confiado Koolhaas recientemente.
Los padres de Hadid permanecieron en el país, pero Zaha
22
Hadid supo que quería ser arquitecta «cuando tenía once o
La Asociación de Arquitectura (A.A.), en Bedford Square,
23
aRQUITECTURA, INTERIORISMO, DISENO Y ARTE
/PERfil
No existe un estilo único atribuible a Hadid, aunque puede detectarse, como una marca de agua, la suavidad futurista que emana de sus edificaciones
Hadid acudió a Koolhaas para cambiarse a la unidad que
como escribió Koolhaas en su reporte final para la A.A.—, un
amplio número de técnicas, dibujando a tinta, agrandando los
planeta girando en su propia e inimitable órbita».
recuerda Koolhaas. «Se vestía de una manera que te forzaba
bocetos, y transfiriéndolos, usando papel carbón, al lienzo, que
a fijarte en ella, pero con mucho estilo. También recuerdo su
luego pintaba empleando acrílico. A veces, para crear un efecto
bellamente expresivo rostro del Medio Oriente». Hadid fue
de luz que se desvanecía, suavizaba los bordes de sus pinturas
aceptada, y Koolhaas la educó en dibujo técnico, y la instaló
con un pincel húmedo, un método que denominó whooshing .
La siguiente vez que nos encontramos fue en Londres, el pasado
en un ático de la A.A. y la hizo dibujar durante muchas horas
Mientras trabajaba, la influencia de otro gigante del avant-garde
octubre, cuando asistimos a la gala de inauguración de la Frieze
cada día. «La firmeza de su mano era notable, al trazar esas
ruso, Wassily Kandinsky, a quien también estudió bajo la tutela de
Art Fair, una muestra anual de arte contemporáneo. Muchos de los
líneas largas y ondulantes», me contó Koolhaas. «Había un
Koolhaas, empezó a emerger en sus diseños, particularmente en
amigos de Hadid se hallaban en la ciudad para la ocasión, y había
fuerte elemento caligráfico que emergía (la influencia de
las líneas flotantes que conectaban las formas sólidas, inspiradas
sido invitada a no menos de diez cenas para esa misma noche.
su formación arábiga era bastante clara). Era como si cada
en Malevich. (Kandinsky hizo impresiones de caligrafía árabe
«¡Diez cenas!», exclamó Roger Howie con una risotada cuando
constructivismo, que habían florecido tras la Revolución
boceto fuera un testamento». Hadid recordaba: «Buena parte
durante una visita extendida a Túnez en 1905, y algunos críticos
escuchó esto. «¡Con suerte consigo que me inviten a una!». Desde
Bolchevique, le resultaban de particular interés. Estas corrientes
del trabajo era estudiar proyectos de Koolhaas y Tschumi,
identifican la influencia de esos estudios en su trabajo posterior).
que nos vimos en Nueva York, Hadid había estado en El Cairo, donde
se desarrollaron hasta que Stalin hizo público su desagrado por
junto con otros arquitectos, para edificaciones que no tenían
ese estilo, y sus ambiciosos y utópicos diseños arquitectónicos
la mínima esperanza de ser construidas. Quizás por esa
la animó a seguir. «Eso me dio una tremenda confianza», me
además había tropezado, en el hotel Four Seasons, y se lastimó la
fueron reemplazados por los bloques monolíticos clásicos de la
ausencia de esperanza, la atmósfera se percibía supercargada
confesó. Trabajaba como fanática, desvelándose noches enteras,
rodilla), y en España, donde su firma había ganado el concurso para
arquitectura estalinista. Aun sí, al no haberse inventado aún las
e increíblemente intensa; charlas de cinco horas, sesiones
fumando (finalmente lo dejó, SDA de por medio, al cumplir los
crear un plan maestro para la península de Zorrozaurre, en Bilbao, y
etiquetas ideológicas que categorizarían a los arquitectos mientras
de dibujo de noches enteras, ideas alocadas y salvajes. Estas
cincuenta), hasta que al fin los sólidos bidimensionales en los
está construyendo una nueva sede central para la autoridad regional
Hadid era estudiante (los deconstruccionistas y posmodernistas
personas tomaban riesgos, y eso me mostró el valor de
cuadros de Malevich empezaron a ceder, y a flotar como volúmenes
de tránsito. Había recibido el premio Praemium Imperiale de
a la izquierda, los neotradicionalistas y nuevos urbanistas a la
arriesgarse, de ponerte en la línea de fuego».
translúcidos, ordenados por capas en el espacio.
Arquitectura, en Japón, y estaba a punto de ausentarse por algunos
La vanguardia rusa y el movimiento conocido como
derecha), arquitectos que luego se hallarían ubicados en lados
Como parte de su trabajo de investigación sobre el avant
No mucha gente entendió lo que Hadid hacía, pero Koolhaas
«La abstracción abrió un abanico de posibilidades para la
construye un hotel y una torre de oficinas cerca del Nilo (y donde
días para asistir a la ceremonia. Mientras tanto, la apertura de
opuestos de la franca rivalidad ideológica, eran aún colegas, y a
garde ruso, la unidad de Hadid estudió el supremacismo,
invención, libre de restricciones», decía Hadid en su discurso por la
menudo enseñaban uno al lado del otro. El director de A.A., Alvin
movimiento abstracto fundado por el pintor Kazimir Malevich.
premiación del Pritzker. Cuando le pedí que se explayara en cómo,
Boyarsky, se aseguró de que los catedráticos y exponentes invitados
Malevich pintaba masas geométricas superpuestas. Su sencillo
me explicó que la abstracción le proporcionaba una manera de
Regent’s Park, donde unas ciento sesenta y cinco galerías de arte
representaran un rango global de ideas.
cuadrado negro sobre un campo blanco, que se mostró por
ver cómo las líneas se intersecaban. Cuando dibujaba, prosiguió.
habían instalado stands temporales para mostrar sus pinturas.
primera vez en 1915, se ha convertido en la más icónica de
«Quería capturar una línea, y la forma como esa línea cambia y
Al entrar Hadid, una especie de nube oscura parecía envolverla.
por León Krier. (Las clases en la A.A. siguen un sistema de
estas imágenes. Presentó su obra como un estudio de geometría
se distorsiona cuando tratas de seguirla a través de un edificio,
Era visible el esfuerzo con que entornó las comisuras de sus
unidades, en que cada grupo de estudiantes pasa el año entero
no euclidiana, pero en su interior subyace una suerte de
mientras cruza zonas de luces y sombras. ¿Te has fijado que cuando
labios para lograr la sonrisa que me dirigió; un momento después
junto, bajo el mismo instructor). «Zaha era muy inquieta»,
misticismo espacial; Malevich habló sobre el descubrimiento
ves dentro de un edificio a través de una ventana, desde el exterior,
colapsaron de nuevo, como jaladas por grandes plomadas. «No
recordaba Krier no hace mucho, que se encontraba en Estados
de una tercera y hasta una cuarta dimensión en un cuadro,
la línea que sigues se distorsiona en el espacio? Eso es lo que
creo que me quede. Es demasiado», dijo, con un estremecimiento.
Unidos poco después de la publicación de su libro Dibujando
mediante la yuxtaposición de geometrías. Estaba también
trataba de ver en mis cuadros y mis líneas salpicadas».
Tenía cita con el dentista al día siguiente, me contó, y «la porcina»,
para arquitectura. «Ella estaba obviamente muy comprometida,
profundamente interesado en la arquitectura. En «El mundo no
pero no muy segura de qué hacer con ello. No podía dibujar,
objetivo», un manifiesto de 1926, en que escribió: «El nuevo arte
de honor por su portafolio, que incluía La Tectónica de
a Japón. Anduve contemplando las pinturas durante diez minutos.
en realidad. Andaba por todas partes, siempre derrochando
del supremacismo, que ha producido nuevas formas y relaciones
Malevich, un hotel de catorce pisos que se eleva sobre el puente
Para cuando nos volvimos a cruzar, la nube se había disipado y el
energía y colaborando con la clase, y prácticamente se convirtió
de formas al dar expresión externa al sentimiento pictórico, se
Hungerford en Londres, y que deja fragmentos de la estructura
sol se había abierto paso a través de ella.
en mi asistente. Pero realmente le costaba, y su carácter era
convertirá en una nueva arquitectura: transferirá estas formas
central dispersos sobre el Banco Sur. Como se explica en Zaha
tempestuoso. La envié a hacer un proyecto en la plaza Trafalgar.
de la superficie del lienzo al espacio». Malevich produjo una
Hadid: Obras completas, «los catorce niveles de la estructura
un ajustado top negro y mallas del mismo color, y botas cortas
La idea era reducirla y asemejarla más a una plazuela de estilo
serie de modelos abstractos para construcciones, que denominó
se adhieren sistemáticamente a la tectónica, y convierten
marrones con cierres de metal. Llevaba consigo un pesado brazalete
italiano. Bueno, eso no era lo suyo en lo absoluto».
architektons, que vieron la luz a mediados de 1920. Para inicios
todas las limitaciones concebibles en posibilidades de espacio».
plástico. Prada en la muñeca izquierda y un bolso Issey Miyake de
Para entonces, Koolhaas se había unido a la Facultad de A.A.
de la siguiente década, bajo la política de arte estalinista, los
El proyecto fue ampliamente aclamado, aunque jamás se
un gris ligero, que parecía estar vacío salvo por un par de enormes
Había pasado parte del año anterior en Nueva York, donde estuvo
artistas abstractos como Malevich eran juzgados burgueses,
construyó. Aaron Betsky, del museo de Arte de Cincinnati,
anteojos para sol. Un asistente cargaba con sus otras cosas, en su
trabajando en lo que eventualmente se convertiría en Delirante
porque su trabajo no expresaba la realidad social de la lucha de
comentó: «No puedes desestimar el impacto que tuvo su
propio y abultado bolso.
new york (1978). Hadid participó en muchas de sus charlas, en
clases. Las exhibiciones de Malevich fueron vetadas. Falleció de
proyecto. Realmente fue uno de esos momentos en los que se
las que él articulaba su visión de la ciudad. Nueva York, para
cáncer, en 1935, a los cincuenta y seis años.
abre una fisura en el campo de la arquitectura, y una manera
que hizo un retrato suyo, exhibido en la Galería Nacional de
distinta de ver las cosas emerge a través de ella. Ya no tenemos
Retratos, en la plaza Trafalgar. El cuadro se exhibe en una
En su tercer año, Hadid fue asignada a una unidad dirigida
Koolhaas, era una mutante, incontrolable ciudad que crecía como
24
y rectángulos. En el curso de la siguiente década, intentó un
él y Elia Zenghelis manejaban. «Ella era fácil de distinguir»,
Hadid vio algo en los architektons, e hizo propio el proyecto
En su año final en la A.A., en 1977, Hadid ganó el diploma
Maxxi, en Roma, estaba programada para mediados de noviembre. La exhibición se realizaba en una amplia carpa ubicada en
una vacuna contra la influenza, que quería recibir antes de volar
Hadid vestía un saco negro con manga tres cuartos, sobre
Hadid se cruzó con Michael Craig Martin, un artista británico
las bacterias. Hadid se sintió inspirada. «Había un atisbo de la
de completar la labor de Malevich, realizando efectivamente
que estar limitados por la gravedad. No tenemos que aceptar
pantalla de computadora: el rostro de Hadid, sus ojos y su
idea de que uno puede crear cosas nuevas», me confió. «La actitud
el diseño de un edificio abstracto. Hizo un gran esfuerzo
la realidad. Ella desarrollaba su propia realidad». Al graduarse,
cabello que cambia constantemente de color, merced a una
de Krier era la de quien no puede hacer nada mejor que lo que se
hasta escalar los diseños y ubicarlos en un contexto urbano,
Hadid recibió una oferta para asociarse a la firma de Koolhaas,
aleatoria rutina de computadora. «¡Porque es así como eres!»,
había hecho en el pasado, así que para qué intentarlo».
manteniendo las formas geométricas, en su mayoría cuadrados
pero solo se quedó en el puesto durante un año. «Ella era —
declaro Craig Martin, mientras reía. «Sí, pero hizo que mi cara 25
aRQUITECTURA, INTERIORISMO, DISENO Y ARTE
/PERfil
No existe un estilo único atribuible a Hadid, aunque puede detectarse, como una marca de agua, la suavidad futurista que emana de sus edificaciones
Hadid acudió a Koolhaas para cambiarse a la unidad que
como escribió Koolhaas en su reporte final para la A.A.—, un
amplio número de técnicas, dibujando a tinta, agrandando los
planeta girando en su propia e inimitable órbita».
recuerda Koolhaas. «Se vestía de una manera que te forzaba
bocetos, y transfiriéndolos, usando papel carbón, al lienzo, que
a fijarte en ella, pero con mucho estilo. También recuerdo su
luego pintaba empleando acrílico. A veces, para crear un efecto
bellamente expresivo rostro del Medio Oriente». Hadid fue
de luz que se desvanecía, suavizaba los bordes de sus pinturas
aceptada, y Koolhaas la educó en dibujo técnico, y la instaló
con un pincel húmedo, un método que denominó whooshing .
La siguiente vez que nos encontramos fue en Londres, el pasado
en un ático de la A.A. y la hizo dibujar durante muchas horas
Mientras trabajaba, la influencia de otro gigante del avant-garde
octubre, cuando asistimos a la gala de inauguración de la Frieze
cada día. «La firmeza de su mano era notable, al trazar esas
ruso, Wassily Kandinsky, a quien también estudió bajo la tutela de
Art Fair, una muestra anual de arte contemporáneo. Muchos de los
líneas largas y ondulantes», me contó Koolhaas. «Había un
Koolhaas, empezó a emerger en sus diseños, particularmente en
amigos de Hadid se hallaban en la ciudad para la ocasión, y había
fuerte elemento caligráfico que emergía (la influencia de
las líneas flotantes que conectaban las formas sólidas, inspiradas
sido invitada a no menos de diez cenas para esa misma noche.
su formación arábiga era bastante clara). Era como si cada
en Malevich. (Kandinsky hizo impresiones de caligrafía árabe
«¡Diez cenas!», exclamó Roger Howie con una risotada cuando
constructivismo, que habían florecido tras la Revolución
boceto fuera un testamento». Hadid recordaba: «Buena parte
durante una visita extendida a Túnez en 1905, y algunos críticos
escuchó esto. «¡Con suerte consigo que me inviten a una!». Desde
Bolchevique, le resultaban de particular interés. Estas corrientes
del trabajo era estudiar proyectos de Koolhaas y Tschumi,
identifican la influencia de esos estudios en su trabajo posterior).
que nos vimos en Nueva York, Hadid había estado en El Cairo, donde
se desarrollaron hasta que Stalin hizo público su desagrado por
junto con otros arquitectos, para edificaciones que no tenían
ese estilo, y sus ambiciosos y utópicos diseños arquitectónicos
la mínima esperanza de ser construidas. Quizás por esa
la animó a seguir. «Eso me dio una tremenda confianza», me
además había tropezado, en el hotel Four Seasons, y se lastimó la
fueron reemplazados por los bloques monolíticos clásicos de la
ausencia de esperanza, la atmósfera se percibía supercargada
confesó. Trabajaba como fanática, desvelándose noches enteras,
rodilla), y en España, donde su firma había ganado el concurso para
arquitectura estalinista. Aun sí, al no haberse inventado aún las
e increíblemente intensa; charlas de cinco horas, sesiones
fumando (finalmente lo dejó, SDA de por medio, al cumplir los
crear un plan maestro para la península de Zorrozaurre, en Bilbao, y
etiquetas ideológicas que categorizarían a los arquitectos mientras
de dibujo de noches enteras, ideas alocadas y salvajes. Estas
cincuenta), hasta que al fin los sólidos bidimensionales en los
está construyendo una nueva sede central para la autoridad regional
Hadid era estudiante (los deconstruccionistas y posmodernistas
personas tomaban riesgos, y eso me mostró el valor de
cuadros de Malevich empezaron a ceder, y a flotar como volúmenes
de tránsito. Había recibido el premio Praemium Imperiale de
a la izquierda, los neotradicionalistas y nuevos urbanistas a la
arriesgarse, de ponerte en la línea de fuego».
translúcidos, ordenados por capas en el espacio.
Arquitectura, en Japón, y estaba a punto de ausentarse por algunos
La vanguardia rusa y el movimiento conocido como
derecha), arquitectos que luego se hallarían ubicados en lados
Como parte de su trabajo de investigación sobre el avant
No mucha gente entendió lo que Hadid hacía, pero Koolhaas
«La abstracción abrió un abanico de posibilidades para la
construye un hotel y una torre de oficinas cerca del Nilo (y donde
días para asistir a la ceremonia. Mientras tanto, la apertura de
opuestos de la franca rivalidad ideológica, eran aún colegas, y a
garde ruso, la unidad de Hadid estudió el supremacismo,
invención, libre de restricciones», decía Hadid en su discurso por la
menudo enseñaban uno al lado del otro. El director de A.A., Alvin
movimiento abstracto fundado por el pintor Kazimir Malevich.
premiación del Pritzker. Cuando le pedí que se explayara en cómo,
Boyarsky, se aseguró de que los catedráticos y exponentes invitados
Malevich pintaba masas geométricas superpuestas. Su sencillo
me explicó que la abstracción le proporcionaba una manera de
Regent’s Park, donde unas ciento sesenta y cinco galerías de arte
representaran un rango global de ideas.
cuadrado negro sobre un campo blanco, que se mostró por
ver cómo las líneas se intersecaban. Cuando dibujaba, prosiguió.
habían instalado stands temporales para mostrar sus pinturas.
primera vez en 1915, se ha convertido en la más icónica de
«Quería capturar una línea, y la forma como esa línea cambia y
Al entrar Hadid, una especie de nube oscura parecía envolverla.
por León Krier. (Las clases en la A.A. siguen un sistema de
estas imágenes. Presentó su obra como un estudio de geometría
se distorsiona cuando tratas de seguirla a través de un edificio,
Era visible el esfuerzo con que entornó las comisuras de sus
unidades, en que cada grupo de estudiantes pasa el año entero
no euclidiana, pero en su interior subyace una suerte de
mientras cruza zonas de luces y sombras. ¿Te has fijado que cuando
labios para lograr la sonrisa que me dirigió; un momento después
junto, bajo el mismo instructor). «Zaha era muy inquieta»,
misticismo espacial; Malevich habló sobre el descubrimiento
ves dentro de un edificio a través de una ventana, desde el exterior,
colapsaron de nuevo, como jaladas por grandes plomadas. «No
recordaba Krier no hace mucho, que se encontraba en Estados
de una tercera y hasta una cuarta dimensión en un cuadro,
la línea que sigues se distorsiona en el espacio? Eso es lo que
creo que me quede. Es demasiado», dijo, con un estremecimiento.
Unidos poco después de la publicación de su libro Dibujando
mediante la yuxtaposición de geometrías. Estaba también
trataba de ver en mis cuadros y mis líneas salpicadas».
Tenía cita con el dentista al día siguiente, me contó, y «la porcina»,
para arquitectura. «Ella estaba obviamente muy comprometida,
profundamente interesado en la arquitectura. En «El mundo no
pero no muy segura de qué hacer con ello. No podía dibujar,
objetivo», un manifiesto de 1926, en que escribió: «El nuevo arte
de honor por su portafolio, que incluía La Tectónica de
a Japón. Anduve contemplando las pinturas durante diez minutos.
en realidad. Andaba por todas partes, siempre derrochando
del supremacismo, que ha producido nuevas formas y relaciones
Malevich, un hotel de catorce pisos que se eleva sobre el puente
Para cuando nos volvimos a cruzar, la nube se había disipado y el
energía y colaborando con la clase, y prácticamente se convirtió
de formas al dar expresión externa al sentimiento pictórico, se
Hungerford en Londres, y que deja fragmentos de la estructura
sol se había abierto paso a través de ella.
en mi asistente. Pero realmente le costaba, y su carácter era
convertirá en una nueva arquitectura: transferirá estas formas
central dispersos sobre el Banco Sur. Como se explica en Zaha
tempestuoso. La envié a hacer un proyecto en la plaza Trafalgar.
de la superficie del lienzo al espacio». Malevich produjo una
Hadid: Obras completas, «los catorce niveles de la estructura
un ajustado top negro y mallas del mismo color, y botas cortas
La idea era reducirla y asemejarla más a una plazuela de estilo
serie de modelos abstractos para construcciones, que denominó
se adhieren sistemáticamente a la tectónica, y convierten
marrones con cierres de metal. Llevaba consigo un pesado brazalete
italiano. Bueno, eso no era lo suyo en lo absoluto».
architektons, que vieron la luz a mediados de 1920. Para inicios
todas las limitaciones concebibles en posibilidades de espacio».
plástico. Prada en la muñeca izquierda y un bolso Issey Miyake de
Para entonces, Koolhaas se había unido a la Facultad de A.A.
de la siguiente década, bajo la política de arte estalinista, los
El proyecto fue ampliamente aclamado, aunque jamás se
un gris ligero, que parecía estar vacío salvo por un par de enormes
Había pasado parte del año anterior en Nueva York, donde estuvo
artistas abstractos como Malevich eran juzgados burgueses,
construyó. Aaron Betsky, del museo de Arte de Cincinnati,
anteojos para sol. Un asistente cargaba con sus otras cosas, en su
trabajando en lo que eventualmente se convertiría en Delirante
porque su trabajo no expresaba la realidad social de la lucha de
comentó: «No puedes desestimar el impacto que tuvo su
propio y abultado bolso.
new york (1978). Hadid participó en muchas de sus charlas, en
clases. Las exhibiciones de Malevich fueron vetadas. Falleció de
proyecto. Realmente fue uno de esos momentos en los que se
las que él articulaba su visión de la ciudad. Nueva York, para
cáncer, en 1935, a los cincuenta y seis años.
abre una fisura en el campo de la arquitectura, y una manera
que hizo un retrato suyo, exhibido en la Galería Nacional de
distinta de ver las cosas emerge a través de ella. Ya no tenemos
Retratos, en la plaza Trafalgar. El cuadro se exhibe en una
En su tercer año, Hadid fue asignada a una unidad dirigida
Koolhaas, era una mutante, incontrolable ciudad que crecía como
24
y rectángulos. En el curso de la siguiente década, intentó un
él y Elia Zenghelis manejaban. «Ella era fácil de distinguir»,
Hadid vio algo en los architektons, e hizo propio el proyecto
En su año final en la A.A., en 1977, Hadid ganó el diploma
Maxxi, en Roma, estaba programada para mediados de noviembre. La exhibición se realizaba en una amplia carpa ubicada en
una vacuna contra la influenza, que quería recibir antes de volar
Hadid vestía un saco negro con manga tres cuartos, sobre
Hadid se cruzó con Michael Craig Martin, un artista británico
las bacterias. Hadid se sintió inspirada. «Había un atisbo de la
de completar la labor de Malevich, realizando efectivamente
que estar limitados por la gravedad. No tenemos que aceptar
pantalla de computadora: el rostro de Hadid, sus ojos y su
idea de que uno puede crear cosas nuevas», me confió. «La actitud
el diseño de un edificio abstracto. Hizo un gran esfuerzo
la realidad. Ella desarrollaba su propia realidad». Al graduarse,
cabello que cambia constantemente de color, merced a una
de Krier era la de quien no puede hacer nada mejor que lo que se
hasta escalar los diseños y ubicarlos en un contexto urbano,
Hadid recibió una oferta para asociarse a la firma de Koolhaas,
aleatoria rutina de computadora. «¡Porque es así como eres!»,
había hecho en el pasado, así que para qué intentarlo».
manteniendo las formas geométricas, en su mayoría cuadrados
pero solo se quedó en el puesto durante un año. «Ella era —
declaro Craig Martin, mientras reía. «Sí, pero hizo que mi cara 25
aRQUITECTURA, INTERIORISMO, DISENO Y ARTE
/PERfil
fuera verde y mis ojos violetas», me susurró Hadid. «No estoy
el proyecto de Peak, y aunque nunca se concretó (el desarrollador
segura de que sea así como quiero verme».
se fue a la bancarrota) fue el primer anuncio para muchos en el
Dando la vuelta, Hadid exclamó que se hallaba sorprendida por el número de pinturas abstractas presentadas, y se detuvo un momento a estudiar una colorida abstracción del artista
«arquitecta de papel». Durante sus primeros años, Hadid trabajaba desde una
británico Peter Davies. Mencionó varias veces cuán «gráfica» era
pequeña casa en Kensington, la mayor parte del tiempo por su
la exhibición, sobre todo, y cuántas pinturas podían hallarse, en
cuenta, aunque a veces contrataba asistentes. Usualmente alumnos
lugar de instalaciones. Un cambio que claramente gozaba de su
de la A.A. a menudo trabajaban hasta muy tarde en la noche, y
aprobación, notando la «distorsión» en muchos de los lienzos.
a veces hacían jornadas de amanecida para cumplir los plazos
«Es como lo que solía hacer antes de las computadoras. Ahora lo
fijados. Zaha entonaba alguna canción de rato en rato, cantando lo
hacen contra las computadoras».
que fuera que hubiera en la radio, aunque era en realidad adepta
Sentada sobre una banca, en un breve descanso, rememoró
al blues: tenía una voz excelente. El equipo podía también ver
una epifanía que tuvo un invierno, durante un vuelo a Nueva York,
películas en su videograbadora. Las películas de Richard Gere eran
cuando el avión, que empezaba a descender, pasó sobre Atlantic
de su particular predilección. Hadid podía ser una jefa exigente,
City. «El sol se ponía, y el agua se veía roja, los edificios negros, y las
pero era a la vez generosa y leal. «Es dura, es volátil, a veces
calles blancas, porque acababa de nevar, y me di cuenta, bajando
explosiva, pero también justa y honesta», me contó un ex miembro
la mirada, de que el paisaje era como una de mis pinturas. Me
del equipo. «Puede vociferar y gritarte, y luego ser la primera
probó que esas condiciones abstractas que intentó plasmar en
persona en ayudarte si te hallas enfermo o dolido». En 1980 fundó
mis cuadros existen en el mundo real, y yo las había pintado antes
Zaha Hadid Arquitectos, y se mudó al edificio de Clerkenwell cinco
de verlas. Fue una de las más extraordinarias experiencias de mi
años después; Patrik Schumacher se unió a ella en 1988.
vida». Una pequeña vestida de rosado capturó su atención. Hadid la
En 1990 Rolf Fehlbaum, CEO de Vitra, una compañía de
vio sacar un pie del zapato y enredar un tobillo alrededor del otro.
muebles futuristas, le solicitó construir una estación de bomberos
Observó: «¿Sabes?, pensamos que la gente desarrolla una identidad
para el departamento de voluntarios en la planta de producción
reconocible recién a cierta edad, y que los niños son seres sin
de la compañía, en Weil am Rhein. (Primero —dice Fehlbaum— le
formar, pero puedes ver, ¿o no?, que son seres únicos e individuales
había pedido a Hadid diseñar una silla, pero luego de seis meses
desde muy temprana edad».
Hadid le decía que era imposible. «Hay muchas sillas», le dijo).
Su asistente se acercó a anunciar, con serena firmeza, que
Pabellón Mobile Art de Chanel
Es un edificio intensamente angular, con una proa de concreto probable que se pronunciara una fatwa en la construcción.
Hadid realmente había de retirarse; la cena de gala a la que
como un pico de ave que se proyecta sobre la entrada, y un
el otro. El escenario principal era asimétrico, y el auditorio estaba
había elegido asistir, cuyo anfitrión era Robert H. Tuttle, ex
cuerpo estilizadamente alargado. Está construido íntegramente
encasillado en vidrio y con vista abierta hacia la bahía de Cardiff.
embajador americano en Gran Bretaña, se ofrecía en un club
de concreto expuesto. Por dentro los muros divisorios terminan
«Era un diseño absurdamente brillante, tanto desde un punto
privado y no podía permitirse llegar tarde (aunque lo haría).
a medias entre habitaciones que forman ángulos inesperados, y
de vista artístico como funcional», me señaló Lord Peter Palumbo,
estudió en la A.A., el proyecto de Cardiff Bay fue un ejemplo
Tenía que ir a casa y cambiar su indumentaria antes. «Y tengo
los pasadizos se abren hacia distintas partes de la estación y su
un antiguo presidente del Concejo de Artes y miembro del jurado.
tangible de la arrogancia modernista con la que Carlos, Príncipe
esa horrible ‘porcina’ mañana», dijo Hadid como un lastimero
parqueadero de bicicletas.
(Su esposa, Hayat, es una vieja amiga de Hadid de su época de
de Gales, había tomado un interés personal en poner trabas. El
universitaria en Beirut). Pero el jurado no tenía control sobre los
príncipe Carlos había reclutado a su campo, entre otros, a León
el teatro de ópera de Cardiff Bay, una nueva sede central para la
fondos, que provenían de la Comisión Nacional del Fondo Nacional
Krier, que había sido asesor de la Corona desde 1986. Krier servía
de 1977, y su primera comisión de importancia, para el Centro de
ópera nacional galesa. El concurso estaba dirigido por los notables
de Lotería Millennium, dinero que había sido puesto a disposición,
de planificador maestro en Poundbury, una «extensión urbana»
Arte Contemporáneo, en Cincinnati, de 1997, se extiende un largo
de la casa y dirigido por Nicholas Crickhowell, quien más tarde
por la Lotería del Reino Unido, para su inversión en obras públicas
neotradicional del pueblo de Dorchester, construido sobre
lapso de veinte años en los que Hadid construyó tan sólo un edificio,
escribió el libro La lotería de la casa de ópera, acerca de la guerra
destinadas a celebrar el advenimiento del 2000.
terrenos de propiedad del propio príncipe, ejemplo claro del
una pequeña estación de bomberos en Weil am Rhein, Alemania,
cultural que hizo erupción a raíz del diseño de Hadid. Los miembros
convertido hoy en un museo. Se ha hecho famosa, pero más por
del comité confiaban en que un edificio espectacular hiciera para
juegan a la lotería subsidiando un teatro de ópera para unos
pequeño, denso, amigable con el peatón, discreto. Krier, quien
su personalidad y por los edificios que no ha llegado a construir.
Cardiff lo que la sede de la ópera de Sídney había hecho por esta
pretenciosos aristócratas, y que el lugar fuera diseñado
mantiene una buena relación con Hadid, no hizo comentarios
Ofreció populares charlas en Harvard, Columbia, y la A.A., donde
ciudad: hacer de la ciudad un destino cultural. El plan de Hadid,
por una dama árabe interesada en la pintura abstracta,
públicos sobre el proyecto de Cardiff Bay, pero otros en el círculo
pasó diez años después de graduarse enseñando y manejando un
que se describió como un «collar invertido» con «una sarta de
no cayó muy bien a muchos de los galeses. Cuando circuló
de Carlos sí lo hicieron. Crickhowell cita a Colin Amery, un
estudio. Hizo la curaduría de importantes exhibiciones, como la
gemas», fue elegido entre doscientas sesenta y nueve propuestas.
el rumor de que el Millennium Stadium, la nueva sede
crítico arquitectónico, que había descrito que el edificio de Hadid
muestra de avant-garde ruso en el museo Guggenheim de Nueva
Era una construcción espectacular, aunque no especialmente
deportiva del equipo galés de rugby, podría no ser construido
había sido diseñado para «ese pequeño grupo internacional
York, en 1992, mientras enviaba propuestas a diversas convocatorias
bonita. («No diseño edificios lindos. No me gustan», ha dicho). Como
a causa del costo generado por lo que se vino a denominar
de arquitectos que trabajan básicamente para ellos mismos,
de importancia, incluida la residencia del primer ministro irlandés,
en la Estación de Vitra, había muchos ángulos puntiagudos, y el
peyorativamente el «collar de cristal», algunos se sintieron
como una suerte de circo itinerante... que representa el tipo
en Dublín (1979-80); Parc de la Villette, en París (1982-83), y un
entramado del interior mezclaba habitaciones y corredores de un
francamente contrariados. Un galés dijo que el diseño del
de arrogancia arquitectónica del que el público ha aprendido
centro de descanso y recreación en Peak, Hong Kong, en 1983. Ganó
modo que hacía difícil saber cuándo terminaba uno y empezaba
teatro era «idéntico al santuario de La Meca», y que era muy
a desconfiar hace tiempo». En 1995 la Comisión Millennium
aullido mientras la guiaban fuera. Entre su proyecto final de graduación, el puente de Hungerford,
26
mundo de la arquitectura de que no se trataba solamente de una
En 1994 Zha entró a un concurso internacional para construir
La idea de un grupo de testarudos proletarios que
Para los neotradicionalistas, cuya oposición a los arquitectos con ideas de avanzada se había radicalizado desde que Hadid
tipo de arquitectura y planeamiento urbano que Carlos prefiere:
27
aRQUITECTURA, INTERIORISMO, DISENO Y ARTE
/PERfil
fuera verde y mis ojos violetas», me susurró Hadid. «No estoy
el proyecto de Peak, y aunque nunca se concretó (el desarrollador
segura de que sea así como quiero verme».
se fue a la bancarrota) fue el primer anuncio para muchos en el
Dando la vuelta, Hadid exclamó que se hallaba sorprendida por el número de pinturas abstractas presentadas, y se detuvo un momento a estudiar una colorida abstracción del artista
«arquitecta de papel». Durante sus primeros años, Hadid trabajaba desde una
británico Peter Davies. Mencionó varias veces cuán «gráfica» era
pequeña casa en Kensington, la mayor parte del tiempo por su
la exhibición, sobre todo, y cuántas pinturas podían hallarse, en
cuenta, aunque a veces contrataba asistentes. Usualmente alumnos
lugar de instalaciones. Un cambio que claramente gozaba de su
de la A.A. a menudo trabajaban hasta muy tarde en la noche, y
aprobación, notando la «distorsión» en muchos de los lienzos.
a veces hacían jornadas de amanecida para cumplir los plazos
«Es como lo que solía hacer antes de las computadoras. Ahora lo
fijados. Zaha entonaba alguna canción de rato en rato, cantando lo
hacen contra las computadoras».
que fuera que hubiera en la radio, aunque era en realidad adepta
Sentada sobre una banca, en un breve descanso, rememoró
al blues: tenía una voz excelente. El equipo podía también ver
una epifanía que tuvo un invierno, durante un vuelo a Nueva York,
películas en su videograbadora. Las películas de Richard Gere eran
cuando el avión, que empezaba a descender, pasó sobre Atlantic
de su particular predilección. Hadid podía ser una jefa exigente,
City. «El sol se ponía, y el agua se veía roja, los edificios negros, y las
pero era a la vez generosa y leal. «Es dura, es volátil, a veces
calles blancas, porque acababa de nevar, y me di cuenta, bajando
explosiva, pero también justa y honesta», me contó un ex miembro
la mirada, de que el paisaje era como una de mis pinturas. Me
del equipo. «Puede vociferar y gritarte, y luego ser la primera
probó que esas condiciones abstractas que intentó plasmar en
persona en ayudarte si te hallas enfermo o dolido». En 1980 fundó
mis cuadros existen en el mundo real, y yo las había pintado antes
Zaha Hadid Arquitectos, y se mudó al edificio de Clerkenwell cinco
de verlas. Fue una de las más extraordinarias experiencias de mi
años después; Patrik Schumacher se unió a ella en 1988.
vida». Una pequeña vestida de rosado capturó su atención. Hadid la
En 1990 Rolf Fehlbaum, CEO de Vitra, una compañía de
vio sacar un pie del zapato y enredar un tobillo alrededor del otro.
muebles futuristas, le solicitó construir una estación de bomberos
Observó: «¿Sabes?, pensamos que la gente desarrolla una identidad
para el departamento de voluntarios en la planta de producción
reconocible recién a cierta edad, y que los niños son seres sin
de la compañía, en Weil am Rhein. (Primero —dice Fehlbaum— le
formar, pero puedes ver, ¿o no?, que son seres únicos e individuales
había pedido a Hadid diseñar una silla, pero luego de seis meses
desde muy temprana edad».
Hadid le decía que era imposible. «Hay muchas sillas», le dijo).
Su asistente se acercó a anunciar, con serena firmeza, que
Pabellón Mobile Art de Chanel
Es un edificio intensamente angular, con una proa de concreto probable que se pronunciara una fatwa en la construcción.
Hadid realmente había de retirarse; la cena de gala a la que
como un pico de ave que se proyecta sobre la entrada, y un
el otro. El escenario principal era asimétrico, y el auditorio estaba
había elegido asistir, cuyo anfitrión era Robert H. Tuttle, ex
cuerpo estilizadamente alargado. Está construido íntegramente
encasillado en vidrio y con vista abierta hacia la bahía de Cardiff.
embajador americano en Gran Bretaña, se ofrecía en un club
de concreto expuesto. Por dentro los muros divisorios terminan
«Era un diseño absurdamente brillante, tanto desde un punto
privado y no podía permitirse llegar tarde (aunque lo haría).
a medias entre habitaciones que forman ángulos inesperados, y
de vista artístico como funcional», me señaló Lord Peter Palumbo,
estudió en la A.A., el proyecto de Cardiff Bay fue un ejemplo
Tenía que ir a casa y cambiar su indumentaria antes. «Y tengo
los pasadizos se abren hacia distintas partes de la estación y su
un antiguo presidente del Concejo de Artes y miembro del jurado.
tangible de la arrogancia modernista con la que Carlos, Príncipe
esa horrible ‘porcina’ mañana», dijo Hadid como un lastimero
parqueadero de bicicletas.
(Su esposa, Hayat, es una vieja amiga de Hadid de su época de
de Gales, había tomado un interés personal en poner trabas. El
universitaria en Beirut). Pero el jurado no tenía control sobre los
príncipe Carlos había reclutado a su campo, entre otros, a León
el teatro de ópera de Cardiff Bay, una nueva sede central para la
fondos, que provenían de la Comisión Nacional del Fondo Nacional
Krier, que había sido asesor de la Corona desde 1986. Krier servía
de 1977, y su primera comisión de importancia, para el Centro de
ópera nacional galesa. El concurso estaba dirigido por los notables
de Lotería Millennium, dinero que había sido puesto a disposición,
de planificador maestro en Poundbury, una «extensión urbana»
Arte Contemporáneo, en Cincinnati, de 1997, se extiende un largo
de la casa y dirigido por Nicholas Crickhowell, quien más tarde
por la Lotería del Reino Unido, para su inversión en obras públicas
neotradicional del pueblo de Dorchester, construido sobre
lapso de veinte años en los que Hadid construyó tan sólo un edificio,
escribió el libro La lotería de la casa de ópera, acerca de la guerra
destinadas a celebrar el advenimiento del 2000.
terrenos de propiedad del propio príncipe, ejemplo claro del
una pequeña estación de bomberos en Weil am Rhein, Alemania,
cultural que hizo erupción a raíz del diseño de Hadid. Los miembros
convertido hoy en un museo. Se ha hecho famosa, pero más por
del comité confiaban en que un edificio espectacular hiciera para
juegan a la lotería subsidiando un teatro de ópera para unos
pequeño, denso, amigable con el peatón, discreto. Krier, quien
su personalidad y por los edificios que no ha llegado a construir.
Cardiff lo que la sede de la ópera de Sídney había hecho por esta
pretenciosos aristócratas, y que el lugar fuera diseñado
mantiene una buena relación con Hadid, no hizo comentarios
Ofreció populares charlas en Harvard, Columbia, y la A.A., donde
ciudad: hacer de la ciudad un destino cultural. El plan de Hadid,
por una dama árabe interesada en la pintura abstracta,
públicos sobre el proyecto de Cardiff Bay, pero otros en el círculo
pasó diez años después de graduarse enseñando y manejando un
que se describió como un «collar invertido» con «una sarta de
no cayó muy bien a muchos de los galeses. Cuando circuló
de Carlos sí lo hicieron. Crickhowell cita a Colin Amery, un
estudio. Hizo la curaduría de importantes exhibiciones, como la
gemas», fue elegido entre doscientas sesenta y nueve propuestas.
el rumor de que el Millennium Stadium, la nueva sede
crítico arquitectónico, que había descrito que el edificio de Hadid
muestra de avant-garde ruso en el museo Guggenheim de Nueva
Era una construcción espectacular, aunque no especialmente
deportiva del equipo galés de rugby, podría no ser construido
había sido diseñado para «ese pequeño grupo internacional
York, en 1992, mientras enviaba propuestas a diversas convocatorias
bonita. («No diseño edificios lindos. No me gustan», ha dicho). Como
a causa del costo generado por lo que se vino a denominar
de arquitectos que trabajan básicamente para ellos mismos,
de importancia, incluida la residencia del primer ministro irlandés,
en la Estación de Vitra, había muchos ángulos puntiagudos, y el
peyorativamente el «collar de cristal», algunos se sintieron
como una suerte de circo itinerante... que representa el tipo
en Dublín (1979-80); Parc de la Villette, en París (1982-83), y un
entramado del interior mezclaba habitaciones y corredores de un
francamente contrariados. Un galés dijo que el diseño del
de arrogancia arquitectónica del que el público ha aprendido
centro de descanso y recreación en Peak, Hong Kong, en 1983. Ganó
modo que hacía difícil saber cuándo terminaba uno y empezaba
teatro era «idéntico al santuario de La Meca», y que era muy
a desconfiar hace tiempo». En 1995 la Comisión Millennium
aullido mientras la guiaban fuera. Entre su proyecto final de graduación, el puente de Hungerford,
26
mundo de la arquitectura de que no se trataba solamente de una
En 1994 Zha entró a un concurso internacional para construir
La idea de un grupo de testarudos proletarios que
Para los neotradicionalistas, cuya oposición a los arquitectos con ideas de avanzada se había radicalizado desde que Hadid
tipo de arquitectura y planeamiento urbano que Carlos prefiere:
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aRQUITECTURA, INTERIORISMO, DISENO Y ARTE
/PERfil
Hadid apuntaba no sólo a una única perspectiva, sino a cinco o seis perspectivas yuxtapuestas en un solo plano, que unía en planos distorsionados que remiten a la vez a cuadros cubistas y a fotografías tomadas usando un lente ojo de pez
triángulos, rectángulos, cuadrados. En un esfuerzo por distorsionar estas formas —dice Schumacher— usaban la herramienta de ampliación en la fotocopiadora. Colocaban los dibujos diagonalmente sobre el cristal y daban instrucciones a la máquina para achicarlas o expandirlas; al apretar y estirar la imagen, la máquina distorsionaba las líneas. Los arquitectos movían los dibujos sobre el cristal mientras la barra luminosa se desplazaba, lo que creaba triángulos que se descolgaban, como embarazados, o cuadrados que se veían como molares. «Para hacer los dibujos y los modelos, nos convertimos en armadores de naves», anotó Schumacher, «porque al fabricar los cascos de las naves trabajaban con las curvas elásticas que estábamos usando». Largas y flexibles
descartó el proyecto, para lo que argumentó, entre otras cosas,
varillas de madera se doblaban empleando peso para crear
que el edificio no era suficientemente «distintivo».
entramados curvos, o arcos. Los matemáticos han estudiado las
«El modo como me trataron fue asqueroso», me relató Hadid,
naves y alambicado fórmulas para explicarlas, pero hasta que estas
cuando la vi en su casa, al día siguiente de la Frieze Art Fair. «Estas
fórmulas fueron incorporadas en el software de modelado no fueron
mujeres británicas se contaban chistecitos. “¿Dónde está tu esposo?”,
de mucha utilidad para los arquitectos.
preguntaban. Yo respondía: “No tengo un esposo”. “Oh, ¿está en la
programa denominado Model Shop, creado por Apple. Para fines de
«Eran personas que no podían siquiera mirarme a los ojos».
la década, habían migrado a Maya, desarrollado por animadores
Hadid se había convertido en un símbolo de lo que los
para modelar elementos volátiles, como cortinas y cabello agitado
conservadores del sistema detestan sobre la aproximación de
por la brisa; se convirtió en el programa estándar para diseño
«arquitecto estrella» a los proyectos de alto perfil. Ella aún se siente
por computadora. Aunque a Hadid no le agradaba trabajar en la
«estigmatizada» por la debacle de Cardiff Bay, y es la razón principal
computadora (odia el mouse) aprehendió rápidamente sus ventajas
de que haya hecho tan poca obra en su patria de adopción; el
como una herramienta de diseño en 3d, y la facilidad con la que
Centro Acuático, para las Olimpiadas del 2012, será su primera
se puede luego alterar la escala de los dibujos. Con el viraje a la
construcción de envergadura. «Hasta hoy el sistema no me otorga
computadora, su arquitectura empezó a cambiar; los marcados
un proyecto corporativo en Gran Bretaña», dice. «Estoy bloqueada
ángulos de sus primeros diseños inspirados en Malevich dieron paso
aquí, en términos efectivos». El año pasado fue a una reunión con
a formas más biomórficas.
un importante desarrollador de propiedades en Londres, y le dijeron
Sin embargo, persistía el problema de ingeniería: ¿Cómo llevar
que no entendían sus dibujos. «Esto está sucediendo después de
a la práctica las visiones de Hadid? Los arquitectos —se dice— no
que construí la fábrica de Bmw. ¿No entienden los dibujos?», añadió.
construyen, dibujan. Traducir sus diseños a data inteligible para
«Creo que no pueden aceptar la idea de una mujer fuerte. No sé por
maestros de obra y contratistas ha sido siempre el punto álgido
qué. Quizás sea porque tienen pitos pequeños», dijo, y soltó una risa
de su práctica profesional. Una de las razones por las que decidió
estruendosa, gutural, mientras sus oscuros ojos relampagueaban.
permanecer en Gran Bretaña (se hizo ciudadana británica en 1989)
«Perder el proyecto de Cardiff Bay fue el punto de quiebre
era la extraordinaria ductilidad de los ingenieros ingleses, una
de la carrera de Zaha», me ha relatado Lord Palumbo en Londres
tradición que se remonta a la era Victoriana, cuando se creaban
recientemente. «Estaba absolutamente devastada, pero el proceso la
obras maestras de ingeniería, como el Crystal Palace (originalmente
revitalizó por completo. Se dijo: “Bien, no voy a dejar que esto vuelva
erigido en Hyde Park para albergar la Gran Exhibición, en 1851) y
a suceder”». El nombre ‘Hadid’ —me recordó— significa «hierro»
la estación Paddington (1854). A inicios de su práctica profesional,
en árabe. «He aquí una dama con una voluntad de hierro». En los
se dio cuenta de que los ingenieros civiles, que construían caminos
siguientes tres años, Hadid ganó cinco concursos de primer nivel, y
y puentes, tenían mucho que ofrecerle, pues en ingeniería civil los
esta vez los diseños se edificaron.
materiales empleados al llevar a cabo los diseños son a la vez las
El software de modelado por computadora llegó a la oficina de
28
A inicios de los noventa, su equipo empezó a trabajar con un
cárcel? Je, je”. Era horrible. “¡No queremos una fatwa! ¡Ji, ji!”», añadió.
estructuras de soporte de las obras. (En una carretera de concreto,
Hadid en 1990. Antes de eso —me contaba Patrik Schumacher—,
por ejemplo, la estructura, forma y superficie son todos creados con
el equipo tenía dificultades al modelar los excéntricos diseños, con
el mismo material.) Los ingenieros estructurales fueron también
múltiples perspectivas, hechos por Hadid. Tradicionalmente los
importantes para ella, pero ninguno más que Peter Rice, el ingeniero
arquitectos dibujan planos y secciones a mano con herramientas
irlandés que ayudó a erigir la casa de ópera en Sídney y el Centro
de dibujo técnico, usando formas geométricas comunes, círculos,
Pompidou, en París, a quien conoció y colaboró con ella durante los
El Riverside Museum, es un nuevo edificio concebido por Zaha Hadid para el Museo de Transporte de Glasgow, finalizado el 20 de junio de 2011. Está ubicado en el Pointhouse Quay, distrito de regeneración del puerto de Glasgow, Escocia.
aRQUITECTURA, INTERIORISMO, DISENO Y ARTE
/PERfil
Hadid apuntaba no sólo a una única perspectiva, sino a cinco o seis perspectivas yuxtapuestas en un solo plano, que unía en planos distorsionados que remiten a la vez a cuadros cubistas y a fotografías tomadas usando un lente ojo de pez
triángulos, rectángulos, cuadrados. En un esfuerzo por distorsionar estas formas —dice Schumacher— usaban la herramienta de ampliación en la fotocopiadora. Colocaban los dibujos diagonalmente sobre el cristal y daban instrucciones a la máquina para achicarlas o expandirlas; al apretar y estirar la imagen, la máquina distorsionaba las líneas. Los arquitectos movían los dibujos sobre el cristal mientras la barra luminosa se desplazaba, lo que creaba triángulos que se descolgaban, como embarazados, o cuadrados que se veían como molares. «Para hacer los dibujos y los modelos, nos convertimos en armadores de naves», anotó Schumacher, «porque al fabricar los cascos de las naves trabajaban con las curvas elásticas que estábamos usando». Largas y flexibles
descartó el proyecto, para lo que argumentó, entre otras cosas,
varillas de madera se doblaban empleando peso para crear
que el edificio no era suficientemente «distintivo».
entramados curvos, o arcos. Los matemáticos han estudiado las
«El modo como me trataron fue asqueroso», me relató Hadid,
naves y alambicado fórmulas para explicarlas, pero hasta que estas
cuando la vi en su casa, al día siguiente de la Frieze Art Fair. «Estas
fórmulas fueron incorporadas en el software de modelado no fueron
mujeres británicas se contaban chistecitos. “¿Dónde está tu esposo?”,
de mucha utilidad para los arquitectos.
preguntaban. Yo respondía: “No tengo un esposo”. “Oh, ¿está en la
programa denominado Model Shop, creado por Apple. Para fines de
«Eran personas que no podían siquiera mirarme a los ojos».
la década, habían migrado a Maya, desarrollado por animadores
Hadid se había convertido en un símbolo de lo que los
para modelar elementos volátiles, como cortinas y cabello agitado
conservadores del sistema detestan sobre la aproximación de
por la brisa; se convirtió en el programa estándar para diseño
«arquitecto estrella» a los proyectos de alto perfil. Ella aún se siente
por computadora. Aunque a Hadid no le agradaba trabajar en la
«estigmatizada» por la debacle de Cardiff Bay, y es la razón principal
computadora (odia el mouse) aprehendió rápidamente sus ventajas
de que haya hecho tan poca obra en su patria de adopción; el
como una herramienta de diseño en 3d, y la facilidad con la que
Centro Acuático, para las Olimpiadas del 2012, será su primera
se puede luego alterar la escala de los dibujos. Con el viraje a la
construcción de envergadura. «Hasta hoy el sistema no me otorga
computadora, su arquitectura empezó a cambiar; los marcados
un proyecto corporativo en Gran Bretaña», dice. «Estoy bloqueada
ángulos de sus primeros diseños inspirados en Malevich dieron paso
aquí, en términos efectivos». El año pasado fue a una reunión con
a formas más biomórficas.
un importante desarrollador de propiedades en Londres, y le dijeron
Sin embargo, persistía el problema de ingeniería: ¿Cómo llevar
que no entendían sus dibujos. «Esto está sucediendo después de
a la práctica las visiones de Hadid? Los arquitectos —se dice— no
que construí la fábrica de Bmw. ¿No entienden los dibujos?», añadió.
construyen, dibujan. Traducir sus diseños a data inteligible para
«Creo que no pueden aceptar la idea de una mujer fuerte. No sé por
maestros de obra y contratistas ha sido siempre el punto álgido
qué. Quizás sea porque tienen pitos pequeños», dijo, y soltó una risa
de su práctica profesional. Una de las razones por las que decidió
estruendosa, gutural, mientras sus oscuros ojos relampagueaban.
permanecer en Gran Bretaña (se hizo ciudadana británica en 1989)
«Perder el proyecto de Cardiff Bay fue el punto de quiebre
era la extraordinaria ductilidad de los ingenieros ingleses, una
de la carrera de Zaha», me ha relatado Lord Palumbo en Londres
tradición que se remonta a la era Victoriana, cuando se creaban
recientemente. «Estaba absolutamente devastada, pero el proceso la
obras maestras de ingeniería, como el Crystal Palace (originalmente
revitalizó por completo. Se dijo: “Bien, no voy a dejar que esto vuelva
erigido en Hyde Park para albergar la Gran Exhibición, en 1851) y
a suceder”». El nombre ‘Hadid’ —me recordó— significa «hierro»
la estación Paddington (1854). A inicios de su práctica profesional,
en árabe. «He aquí una dama con una voluntad de hierro». En los
se dio cuenta de que los ingenieros civiles, que construían caminos
siguientes tres años, Hadid ganó cinco concursos de primer nivel, y
y puentes, tenían mucho que ofrecerle, pues en ingeniería civil los
esta vez los diseños se edificaron.
materiales empleados al llevar a cabo los diseños son a la vez las
El software de modelado por computadora llegó a la oficina de
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A inicios de los noventa, su equipo empezó a trabajar con un
cárcel? Je, je”. Era horrible. “¡No queremos una fatwa! ¡Ji, ji!”», añadió.
estructuras de soporte de las obras. (En una carretera de concreto,
Hadid en 1990. Antes de eso —me contaba Patrik Schumacher—,
por ejemplo, la estructura, forma y superficie son todos creados con
el equipo tenía dificultades al modelar los excéntricos diseños, con
el mismo material.) Los ingenieros estructurales fueron también
múltiples perspectivas, hechos por Hadid. Tradicionalmente los
importantes para ella, pero ninguno más que Peter Rice, el ingeniero
arquitectos dibujan planos y secciones a mano con herramientas
irlandés que ayudó a erigir la casa de ópera en Sídney y el Centro
de dibujo técnico, usando formas geométricas comunes, círculos,
Pompidou, en París, a quien conoció y colaboró con ella durante los
El Riverside Museum, es un nuevo edificio concebido por Zaha Hadid para el Museo de Transporte de Glasgow, finalizado el 20 de junio de 2011. Está ubicado en el Pointhouse Quay, distrito de regeneración del puerto de Glasgow, Escocia.
aRQUITECTURA, INTERIORISMO, DISENO Y ARTE
/PERfil
En todo su trabajo, Hadid muestra interés por el movimiento y la velocidad, tanto en la manera como la gente habrá de moverse a través de sus edificios como en la forma como una línea de vista atraviesa espacios de luces y sombras
amplio. Un antiguo parqueadero situado entre una estación de tren y una fábrica de Volkswagen, con una milla de extensión originalmente construida en 1938 y aún operativa. Desde el exterior, la edificación se ve tanto como un paisaje como una muestra de arquitectura, un bloque de concreto de tres lados, que se antoja un glaciar erróneamente a la espera del deshielo, en una futura Edad del Hielo, salpicado de ventanas irregularmente delineadas. Está hecho de concreto «autocompactante», desarrollado en Japón a fines de la década de 1980 para construir puentes y túneles, y no requiere vibración para afirmarse o una mezcladora para prepararlo. La estructura de quinientos pies de largo se eleva veintitrés pies por encima del suelo, soportada por
ochenta. Aunque su colaboración no resultó en ninguna edificación, «me enseñó que la ingeniería es esencialmente sentido común». Cerca del año 2000, un software diseñado para la industria aeronáutica fue reconfigurado por la oficina de Frank Gehry, y se creó el programa llamado Digital Project, que permitió a los arquitectos transmitir sus planos directamente a los maestros y contratistas; los dibujos interpretativos de ingeniería no eran ya necesarios. Esto significaba que aún las estructuras de gran escala podían trasladarse a instrucciones sencillas, además de la locación. Cada pieza venía estampada con un código de barras, de manera que el contratista supiera exactamente dónde colocar cada una, y la estructura podía ensamblarse en el sitio, como un juego de Lego. El modelo fordiano de estructuras producidas en masa, que devino en la construcción de rascacielos, había terminado. Con un pequeño costo extra, los arquitectos podían diseñar edificios en los que ningún par de ventanas o marcos o muros fueran iguales. El mundo real finalmente se había puesto a la par de la visión de Hadid.
diez gigantescos conos de concreto reforzado que albergan en su interior instalaciones de servicio, que incluyen una librería, una sala de conferencias, un teatro con doscientos cincuenta asientos, y la entrada al centro de investigación. El interior, con sus pisos curvados, es como un mar de dunas, o un campo de golf cerca del mar. Los niños corretean encantados por entre las distintas exhibiciones, con sus cortos pasitos que resuenan sobre las redondeadas formas diseñadas por Hadid. El edificio Bmw, en Leipzig, posee también un escultural interior de concreto, pero el propósito es en este caso el trabajo, no el juego. La construcción sirve de espacio de trabajo para unos seiscientos administradores y trabajadores. Se levanta entre las tres enormes instalaciones de fabricación del complejo: la planta de Cuerpo en blanco, donde los chasises de acero de los autos son ensamblados; el Taller de pintura, y la instalación de ensamblaje, en que los componentes finales se instalan en las carrocerías. Parte del requerimiento original era la creación de condiciones para una mejor comunicación entre los trabajadores de oficina y los de planta. Zha diseñó un espacio abierto, elevado, en el que los escritorios se organizan en andenes ascendentes, como los
Antes de la apertura de Maxxi, en Roma, cualquier viajero interesado en experimentar la arquitectura de Hadid a gran escala tenía que salirse de su ruta usual. Para los americanos, el Centro de Arte Contemporáneo, en Cincinnati, es el ejemplo más cercano. El edificio se erige sobre un área relativamente pequeña, pero Hadid la ha provisto de una barroca muestra de extrañas vistas. La vereda exterior de acceso continúa dentro del edificio como un sendero de concreto que cruza la recepción, como ejemplo de lo que Hadid denomina la «alfombra urbana». En la parte superior se eleva un atrio de dos niveles, con pasajes tallados que se derivan de él. Si tomas las escaleras, y el arquitecto desea que lo hagas, te ves recompensado con un nuevo y sorpresivo atrio, en el segundo piso, que revela los siguientes cuatro pisos de la estructura, aunque sea imposible decir dónde termina uno y dónde empieza el siguiente. El Centro Científico Phaeno, completado en 2005 en Wolfsburgo, Alemania, se levanta sobre un terreno bastante más
30
terraplenes para cultivo de arroz en Bali. Los autos, que pasan lentamente sobre una faja transportadora, se mueven desde una parte de la planta hasta la siguiente. Las rampas están abiertas, rodeadas por muros bajos, e iluminados desde el fondo con luz de azul Bmw, el color de la corporación; los vehículos relucen con el suave brillo del azul. El portavoz de la planta, Michael Janssen, que me acompañó durante el paseo por las instalaciones, me aseguró que la comunicación entre los obreros y los administradores ha mejorado dramáticamente. Hadid llegó a Roma tres días antes de la ceremonia de inauguración de Maxxi, el 12 de noviembre, desde Zúrich, donde se había reunido con un cliente, y se había refugiado en el lujoso hotel de Russie, a un paso de la Piazza del Popolo, mientras su equipo se quedaba cerca, en el menos ostentoso hotel Locarno. Por lo general, los museos no abren hasta que las piezas de arte estén instaladas. Pero el Maxxi abriría sus puertas vacío, parcialmente porque el museo no había adquirido aún suficiente arte contemporáneo
para ocupar las vastas galerías (de hecho, no será un museo
Un reportero belga inquirió si, al hacer un edificio tan
completamente funcional hasta la próxima primavera, por lo
llamativo, Hadid corría el riesgo de opacar el arte que se mostrase
menos). Además, los italianos, que pagaron ciento cincuenta
en él. «¿Puede el propio museo ser una obra de arte?», consultó.
millones de euros por la construcción, han estado esperando diez
«Si usted piensa que el museo debe ser una caja blanca, asumo
años para verlo. Vacío, sin embargo, el orden natural de las cosas
que su punto de vista puede ser válido», respondió Hadid. «Pero
parece ligeramente fuera de foco. La arquitectura —como sugirió
muestras de arte han sido exhibidas durante siglos en lugares
Walter Benjamin— se aprecia mejor periféricamente. El Maxxi,
barrocos, como palacios o iglesias, y la gente no piensa que esto
vacío, te forzaba a observarlo con detenimiento.
las disminuya en absoluto».
El día de la apertura me dirigí hasta el museo, en el barrio
«¿Qué opinaba sobre las críticas que señalaban que sus
residencial de Flaminio, desde la Piaza del Popolo, a pie por unos
creaciones eran apabullantes? ¿Cree que son acogedoras para
veinticinco minutos. Grandes banderolas anunciaban «Zaha
el ser humano?», preguntó un periodista alemán. «¿Qué dirían
Hadid» y «Maxxi» mientras flameaban a un lado de la estructura
sobre un paisaje natural?», replicó Hadid. «Se siente la gente
de tres pisos. No existe una fachada principal, y no puedes
sobrecogida cuando se dirige a un parque o una montaña? No.
identificar un frente o una parte posterior en un sentido real. La
Van a relajarse. Tratamos de hacer algo que cause la misma
parte más impactante del edificio, la ornamentada galería que
impresión que un paisaje».
se pronuncia desde el tercer piso, no se orienta hacia la entrada
Poco más tarde, conocí al artista británico Brian Clarke,
principal. La estructura está constituida por franjas cruzadas,
reconocido por su trabajo con acero inoxidable en contextos
como un arreglo de fettuccini. Estos espacios ondeados resultan
arquitectónicos, y le consulté si encontraba el lugar algo
asombrosamente fieles a los bocetos que Hadid dibujó en 1998, al
intimidante. «¡Diablos, todo lo que veo son las posibilidades!»,
inicio del concurso por el Maxxi, a tinta sobre papel cuadriculado.
respondió. «Sigo viendo cosas que me dan ideas, y eso no puede ser
Al ingresar al edificio, la escalera central, iluminada desde
nada malo. Dios, ¿se imagina lo que haría Calder con este espacio?”.
abajo por una brillante luz blanca, atrapa la vista. Es como
Aquella noche, Hadid estaba de vuelta en el Maxxi para
relámpago de energía que zigzaguea hasta el gran atrio bajo el
una cena de doscientas personas en su honor, servida en
cielo raso de vidrio, donde arcos de acero, que sujetan hojas que se
la galería del primer piso. Había recibido tantos saludos y
cierran si el sol brilla muy fuerte, dan vida a los arabescos trazados
felicitaciones durante el día que funcionaba ya en piloto
por la pluma de Hadid once años atrás.
automático. («Gracias», contestó, cuando la saludé). Vestía
Un estruendoso aplauso recibió el ingreso de Hadid al atrio,
su más impactante capa, una pieza de Junya Watanabe con
cerca de las 10:30 a.m., con una capa corta, diáfana en su azul
cadenas doradas en la espalda y una bulbosa capucha. Su look
petróleo, que flotaba tras ella. Vestía un pendiente de oro blanco
era un híbrido entre un porte isabelino y la apariencia de una
que se veía un poco como una taza de sommelier y un anillo con
abeja reina. El atrio, como una colmena, zumbaba con besos
una gran pieza rectangular de plata, como una manopla estilizada.
volados de un lado a otro.
Dio un corto discurso en la asimétrica galería del primer piso, en
Me encontré con uno de los constructores, Emiliano Cerasi,
que recordó su primer viaje a Roma, con sus padres, cuando tenía
a quien le consulté cómo había encontrado su labor en el Maxxi;
diez años. Parecía algo preocupada por lo que los romanos harían
giró los ojos al cielo y juntó las manos con fervor, y dijo: «muy
cuando llegase el momento de colocar los cuadros. (Hadid quiere
di-fí-cil». El concreto autocompactante funciona mejor servido a
suspender las pinturas de los arcos en el techo, a la mitad de las
temperaturas entre quince y veinticinco grados centígrados –me
galerías). «Estoy convencida de que regresaré para asegurarme de
dijo–, lo que en Roma significa solo seis meses del año.
que no hayan hecho nada raro», dijo, mientras los encargados del museo la miraban. «Estoy observándolos. ¿Ok?». Seguidamente se retiró a una de las galerías en un
Hadid avanzó lentamente por la galería trapezoidal con bordes escalopados, en el piso superior. Se sentó en una aguda esquina, al lado de Su Real Majestad la princesa Wijdan Ali de Jordania,
nivel superior, donde solo selectos miembros de la prensa
mientras su hermano Foulath, su sobrino Hussein, Lord Palumbo
eran admitidos, mientras dejaba una bulliciosa multitud
y su esposa Hayat formaban una barrera a su alrededor. Durante
de periodistas excluidos, en su mayoría italianos, que se
unos diez minutos, Hadid se las arregló para convertir una esquina
apretujaban cerca de la puerta. Una periodista de televisión
de su nuevo espacio en la sala de su juventud, en Bagdad. El sonido
italiana que se las había arreglado para ingresar preguntó,
árabe que inundaba su círculo interior. Pero los ávidos concurrentes
grandilocuentemente: «¿Qué se siente ser la primera mujer en
con ganas de saludarla no podían ser ignorados, y forzaron el paso a
diseñar un edificio público en la ciudad de los emperadores?».
través de la barrera. Hadid estuvo pronto rodeada de gente, y sólo el
Hadid replicó: «No lo sé. Siempre he sido una mujer. No voy por
destello anaranjado de su cabello se distinguía entre la multitud
ahí pensando a diario acerca de mi condición de mujer».
Publicado originalmente en la revista The New Yorker, en diciembre 2009.
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aRQUITECTURA, INTERIORISMO, DISENO Y ARTE
/PERfil
En todo su trabajo, Hadid muestra interés por el movimiento y la velocidad, tanto en la manera como la gente habrá de moverse a través de sus edificios como en la forma como una línea de vista atraviesa espacios de luces y sombras
amplio. Un antiguo parqueadero situado entre una estación de tren y una fábrica de Volkswagen, con una milla de extensión originalmente construida en 1938 y aún operativa. Desde el exterior, la edificación se ve tanto como un paisaje como una muestra de arquitectura, un bloque de concreto de tres lados, que se antoja un glaciar erróneamente a la espera del deshielo, en una futura Edad del Hielo, salpicado de ventanas irregularmente delineadas. Está hecho de concreto «autocompactante», desarrollado en Japón a fines de la década de 1980 para construir puentes y túneles, y no requiere vibración para afirmarse o una mezcladora para prepararlo. La estructura de quinientos pies de largo se eleva veintitrés pies por encima del suelo, soportada por
ochenta. Aunque su colaboración no resultó en ninguna edificación, «me enseñó que la ingeniería es esencialmente sentido común». Cerca del año 2000, un software diseñado para la industria aeronáutica fue reconfigurado por la oficina de Frank Gehry, y se creó el programa llamado Digital Project, que permitió a los arquitectos transmitir sus planos directamente a los maestros y contratistas; los dibujos interpretativos de ingeniería no eran ya necesarios. Esto significaba que aún las estructuras de gran escala podían trasladarse a instrucciones sencillas, además de la locación. Cada pieza venía estampada con un código de barras, de manera que el contratista supiera exactamente dónde colocar cada una, y la estructura podía ensamblarse en el sitio, como un juego de Lego. El modelo fordiano de estructuras producidas en masa, que devino en la construcción de rascacielos, había terminado. Con un pequeño costo extra, los arquitectos podían diseñar edificios en los que ningún par de ventanas o marcos o muros fueran iguales. El mundo real finalmente se había puesto a la par de la visión de Hadid.
diez gigantescos conos de concreto reforzado que albergan en su interior instalaciones de servicio, que incluyen una librería, una sala de conferencias, un teatro con doscientos cincuenta asientos, y la entrada al centro de investigación. El interior, con sus pisos curvados, es como un mar de dunas, o un campo de golf cerca del mar. Los niños corretean encantados por entre las distintas exhibiciones, con sus cortos pasitos que resuenan sobre las redondeadas formas diseñadas por Hadid. El edificio Bmw, en Leipzig, posee también un escultural interior de concreto, pero el propósito es en este caso el trabajo, no el juego. La construcción sirve de espacio de trabajo para unos seiscientos administradores y trabajadores. Se levanta entre las tres enormes instalaciones de fabricación del complejo: la planta de Cuerpo en blanco, donde los chasises de acero de los autos son ensamblados; el Taller de pintura, y la instalación de ensamblaje, en que los componentes finales se instalan en las carrocerías. Parte del requerimiento original era la creación de condiciones para una mejor comunicación entre los trabajadores de oficina y los de planta. Zha diseñó un espacio abierto, elevado, en el que los escritorios se organizan en andenes ascendentes, como los
Antes de la apertura de Maxxi, en Roma, cualquier viajero interesado en experimentar la arquitectura de Hadid a gran escala tenía que salirse de su ruta usual. Para los americanos, el Centro de Arte Contemporáneo, en Cincinnati, es el ejemplo más cercano. El edificio se erige sobre un área relativamente pequeña, pero Hadid la ha provisto de una barroca muestra de extrañas vistas. La vereda exterior de acceso continúa dentro del edificio como un sendero de concreto que cruza la recepción, como ejemplo de lo que Hadid denomina la «alfombra urbana». En la parte superior se eleva un atrio de dos niveles, con pasajes tallados que se derivan de él. Si tomas las escaleras, y el arquitecto desea que lo hagas, te ves recompensado con un nuevo y sorpresivo atrio, en el segundo piso, que revela los siguientes cuatro pisos de la estructura, aunque sea imposible decir dónde termina uno y dónde empieza el siguiente. El Centro Científico Phaeno, completado en 2005 en Wolfsburgo, Alemania, se levanta sobre un terreno bastante más
30
terraplenes para cultivo de arroz en Bali. Los autos, que pasan lentamente sobre una faja transportadora, se mueven desde una parte de la planta hasta la siguiente. Las rampas están abiertas, rodeadas por muros bajos, e iluminados desde el fondo con luz de azul Bmw, el color de la corporación; los vehículos relucen con el suave brillo del azul. El portavoz de la planta, Michael Janssen, que me acompañó durante el paseo por las instalaciones, me aseguró que la comunicación entre los obreros y los administradores ha mejorado dramáticamente. Hadid llegó a Roma tres días antes de la ceremonia de inauguración de Maxxi, el 12 de noviembre, desde Zúrich, donde se había reunido con un cliente, y se había refugiado en el lujoso hotel de Russie, a un paso de la Piazza del Popolo, mientras su equipo se quedaba cerca, en el menos ostentoso hotel Locarno. Por lo general, los museos no abren hasta que las piezas de arte estén instaladas. Pero el Maxxi abriría sus puertas vacío, parcialmente porque el museo no había adquirido aún suficiente arte contemporáneo
para ocupar las vastas galerías (de hecho, no será un museo
Un reportero belga inquirió si, al hacer un edificio tan
completamente funcional hasta la próxima primavera, por lo
llamativo, Hadid corría el riesgo de opacar el arte que se mostrase
menos). Además, los italianos, que pagaron ciento cincuenta
en él. «¿Puede el propio museo ser una obra de arte?», consultó.
millones de euros por la construcción, han estado esperando diez
«Si usted piensa que el museo debe ser una caja blanca, asumo
años para verlo. Vacío, sin embargo, el orden natural de las cosas
que su punto de vista puede ser válido», respondió Hadid. «Pero
parece ligeramente fuera de foco. La arquitectura —como sugirió
muestras de arte han sido exhibidas durante siglos en lugares
Walter Benjamin— se aprecia mejor periféricamente. El Maxxi,
barrocos, como palacios o iglesias, y la gente no piensa que esto
vacío, te forzaba a observarlo con detenimiento.
las disminuya en absoluto».
El día de la apertura me dirigí hasta el museo, en el barrio
«¿Qué opinaba sobre las críticas que señalaban que sus
residencial de Flaminio, desde la Piaza del Popolo, a pie por unos
creaciones eran apabullantes? ¿Cree que son acogedoras para
veinticinco minutos. Grandes banderolas anunciaban «Zaha
el ser humano?», preguntó un periodista alemán. «¿Qué dirían
Hadid» y «Maxxi» mientras flameaban a un lado de la estructura
sobre un paisaje natural?», replicó Hadid. «Se siente la gente
de tres pisos. No existe una fachada principal, y no puedes
sobrecogida cuando se dirige a un parque o una montaña? No.
identificar un frente o una parte posterior en un sentido real. La
Van a relajarse. Tratamos de hacer algo que cause la misma
parte más impactante del edificio, la ornamentada galería que
impresión que un paisaje».
se pronuncia desde el tercer piso, no se orienta hacia la entrada
Poco más tarde, conocí al artista británico Brian Clarke,
principal. La estructura está constituida por franjas cruzadas,
reconocido por su trabajo con acero inoxidable en contextos
como un arreglo de fettuccini. Estos espacios ondeados resultan
arquitectónicos, y le consulté si encontraba el lugar algo
asombrosamente fieles a los bocetos que Hadid dibujó en 1998, al
intimidante. «¡Diablos, todo lo que veo son las posibilidades!»,
inicio del concurso por el Maxxi, a tinta sobre papel cuadriculado.
respondió. «Sigo viendo cosas que me dan ideas, y eso no puede ser
Al ingresar al edificio, la escalera central, iluminada desde
nada malo. Dios, ¿se imagina lo que haría Calder con este espacio?”.
abajo por una brillante luz blanca, atrapa la vista. Es como
Aquella noche, Hadid estaba de vuelta en el Maxxi para
relámpago de energía que zigzaguea hasta el gran atrio bajo el
una cena de doscientas personas en su honor, servida en
cielo raso de vidrio, donde arcos de acero, que sujetan hojas que se
la galería del primer piso. Había recibido tantos saludos y
cierran si el sol brilla muy fuerte, dan vida a los arabescos trazados
felicitaciones durante el día que funcionaba ya en piloto
por la pluma de Hadid once años atrás.
automático. («Gracias», contestó, cuando la saludé). Vestía
Un estruendoso aplauso recibió el ingreso de Hadid al atrio,
su más impactante capa, una pieza de Junya Watanabe con
cerca de las 10:30 a.m., con una capa corta, diáfana en su azul
cadenas doradas en la espalda y una bulbosa capucha. Su look
petróleo, que flotaba tras ella. Vestía un pendiente de oro blanco
era un híbrido entre un porte isabelino y la apariencia de una
que se veía un poco como una taza de sommelier y un anillo con
abeja reina. El atrio, como una colmena, zumbaba con besos
una gran pieza rectangular de plata, como una manopla estilizada.
volados de un lado a otro.
Dio un corto discurso en la asimétrica galería del primer piso, en
Me encontré con uno de los constructores, Emiliano Cerasi,
que recordó su primer viaje a Roma, con sus padres, cuando tenía
a quien le consulté cómo había encontrado su labor en el Maxxi;
diez años. Parecía algo preocupada por lo que los romanos harían
giró los ojos al cielo y juntó las manos con fervor, y dijo: «muy
cuando llegase el momento de colocar los cuadros. (Hadid quiere
di-fí-cil». El concreto autocompactante funciona mejor servido a
suspender las pinturas de los arcos en el techo, a la mitad de las
temperaturas entre quince y veinticinco grados centígrados –me
galerías). «Estoy convencida de que regresaré para asegurarme de
dijo–, lo que en Roma significa solo seis meses del año.
que no hayan hecho nada raro», dijo, mientras los encargados del museo la miraban. «Estoy observándolos. ¿Ok?». Seguidamente se retiró a una de las galerías en un
Hadid avanzó lentamente por la galería trapezoidal con bordes escalopados, en el piso superior. Se sentó en una aguda esquina, al lado de Su Real Majestad la princesa Wijdan Ali de Jordania,
nivel superior, donde solo selectos miembros de la prensa
mientras su hermano Foulath, su sobrino Hussein, Lord Palumbo
eran admitidos, mientras dejaba una bulliciosa multitud
y su esposa Hayat formaban una barrera a su alrededor. Durante
de periodistas excluidos, en su mayoría italianos, que se
unos diez minutos, Hadid se las arregló para convertir una esquina
apretujaban cerca de la puerta. Una periodista de televisión
de su nuevo espacio en la sala de su juventud, en Bagdad. El sonido
italiana que se las había arreglado para ingresar preguntó,
árabe que inundaba su círculo interior. Pero los ávidos concurrentes
grandilocuentemente: «¿Qué se siente ser la primera mujer en
con ganas de saludarla no podían ser ignorados, y forzaron el paso a
diseñar un edificio público en la ciudad de los emperadores?».
través de la barrera. Hadid estuvo pronto rodeada de gente, y sólo el
Hadid replicó: «No lo sé. Siempre he sido una mujer. No voy por
destello anaranjado de su cabello se distinguía entre la multitud
ahí pensando a diario acerca de mi condición de mujer».
Publicado originalmente en la revista The New Yorker, en diciembre 2009.
31
nuevas torres de casa blanca Un texto de David Himelfarb Fotos de WATG|designing y Wimberly Interiors
En Casablanca, la ciudad más importante de Marruecos, un complejo arquitectónico de lujo se convertirá en el nuevo símbolo de la bonanza económica. Sus edificios modernos buscan darle la mano a las calles intrincadas y a la vida tradicional del puerto más grande del norte de África. 33
nuevas torres de casa blanca Un texto de David Himelfarb Fotos de WATG|designing y Wimberly Interiors
En Casablanca, la ciudad más importante de Marruecos, un complejo arquitectónico de lujo se convertirá en el nuevo símbolo de la bonanza económica. Sus edificios modernos buscan darle la mano a las calles intrincadas y a la vida tradicional del puerto más grande del norte de África. 33
aRQUITECTURA, INTERIORISMO, DISENO Y ARTE
A
/megaproyecto
finales de 1942, en plena Segunda Guerra Mundial,
que todavía hoy existe, fue el primer paso. Desde entonces, la
dos barcos de guerra estadounidenses que navegaban
carrera de la empresa fundada por Wimberly es el sueño que
por la costa de Marruecos disparaban una última
podrían haber tenido los Beach Boys si alguna vez hubieran
andanada contra el submarino alemán U-173. Fueron
soñado con ser promotores inmobiliarios. Un paseo de lujo
los disparos definitivos. El hundimiento del submarino
construyendo hoteles en los lugares más paradisíacos del
supuso la derrota del ejército nazi contra los aliados en la
Pacífico Sur y el Asia Oriental. Después de Waikiki, un hotel en
Batalla de Casablanca. Al día siguiente, la ciudad se rendía y se
Tahití. Luego Bora Bora, donde construye el primer alojamiento
convertía así en un puesto clave para los aliados en su avance
con cabañas sobre el agua. De ahí los jardines de Shangri-
desde el norte de África hacia Europa.
La en Singapur y un premio por el hotel Tangjong Jara en
Pendiente como estaba el mundo de los avances de la guerra, fue normal que durante los días que siguieron a la batalla no se hablara de otra cosa. No obstante, pocos iban a pensar que eso
Norteamérica, Sudamérica y Europa, pero el hito llega en 1992. Cuenta la leyenda que hace mucho tiempo una tribu nómada
afectaría al estreno de una película que se acababa de rodar en
del norte de África cruzó todo el continente buscando una tierra
el alegre Hollywood, a medio mundo de distancia de la guerra.
sagrada que se le había aparecido en sueños a su rey. Un día,
Diez días después de la caída de la ciudad marroquí, en el mid-
al llegar a un valle frondoso y soleado, el rey supo que habían
town de Nueva York, a seis calles del Central Park, una cola de
encontrado el lugar. La tribu, en honor al líder que los había guiado
gente esperaba para entrar al Hollywood Theatre. Se estrenaba
hasta su utopía particular, construyó una ciudad hermosa, llena de
un filme que tendría que haberse estrenado en la primavera
torres de adobe, estatuas de animales y un magnífico palacio. Pero
del año siguiente, pero el final de la batalla reciente precipitó
un día el cielo amaneció gris. Los animales de la ciudad empezaron
su premiere. Cuando las luces se apagaron en la sala, la pantalla
a aullar asustados y, de golpe, un crujido sacudió el valle. La tierra
mostró imágenes de la ciudad caída, y al poco, la inconfundible
se agitó y se abrió, y se llevó con ella la ciudad sagrada que tanto
cara de Humphrey Bogart. El 26 de noviembre de 1942, diez días
esfuerzo había costado encontrar. Siglos después, en 1992, alguien
después del último disparo de los destructores estadounidenses,
se encargaba de investigar el origen de la ciudad, y reconstruirla
se estrenaba Casablanca, y nacía el mito de una ciudad que ha
tan fidedignamente como fuera posible.
acompañado a muchos hasta hoy.
En 1992, Watg cuenta esta historia a sus futuros clientes. Y
El sueño de esa ciudad envolvente y viva que retrata la
aunque es una historia ficticia, el Palacio de la Ciudad Perdida
película que protagoniza Ingrid Bergman, ha sido una fuente de
es tan majestuoso que empuja a creerla. El que es uno de los
inspiración para muchos de los que han pensado en el Marruecos
mejores hoteles del mundo está construido sobre un cráter
misterioso de principios de siglo veinte. Y aunque su mercadillo
extinto a doscientos kilómetros de Johannesburgo, la ciudad
sigue respirando el mismo aroma que desprendía cuando nació
más poblada de Sudáfrica. Al complejo lo llaman Las Vegas
hace cinco siglos, sus alrededores se modernizan. La ciudad más
de África. Un resort con veintidós hectáreas, el equivalente a
poblada de Marruecos, el puerto que precipitó el auge Bogart, se
trescientos campos de fútbol, de jungla artificial. Un parque
ha modernizado. En pleno siglo veintiuno, Casablanca crece y
temático enclavado en la sabana africana con puentes
se expande, con nuevas zonas que buscan darle impulso a una
colgantes, cascadas, lagos y serpentarios donde hasta se puede
ciudad que vive cada vez más de los negocios y el turismo.
tropezar con un parque acuático. Casinos, gimnasios, spa,
Subido a esta ola, el antiguo puerto industrial de la ciudad
media docena de restaurantes, campo de golf. El nuevo palacio,
se remodela. Las grúas y los contáiners dan paso a los amarres
el culmen del complejo, está rematado por diez cúpulas que
para yates. Una de las estrellas de este cambio es Marina
lucen estatuas de animales como las que en el sueño de
Casablanca. El proyecto hotelero que cambiará la cara a la
alguien poblaron la Ciudad Perdida.
costa cercana al centro, está a cargo de Watg, Wimberly Allison
La opulencia de este complejo concentra la esencia del
Tong & Goo,una empresa de diseño de destinos turísticos que
trabajo de Watg a lo largo de su historia. La exclusividad y
nació en 1945, el año que acababa la guerra que la Batalla de
el lujo llevados a otro nivel. Desde entonces hasta hoy, varios
Casablanca había ayudado a ganar.
hitos más. Se expande por todo el mundo e incluye servicios de
Ese año, Casablanca, a un mundo de distancia de
34
Malasia. Más adelante, su trayectoria los hará expandirse por
asesoría en diseño de paisajes u oficinas. Sólo siete años después
Casablanca, en las islas Hawaii, George Pete Wimberly
de inaugurar el Las Vegas de África, Watg llega a Las Vegas, la
empezaba su propia historia. La empresa que ahora le cambia
original y construye entre otros, dos casinos míticos, el Caesar’s
la cara a la costa de Marruecos comenzó en Honolulu, un
y el Venecia. Ya en 2005 el Emirates Palace de Abu Dhabi, uno
nombre que sólo suena a mar, su primer proyecto hotelero.
de los hoteles más caros de la historia. Hoy desembarca en
La remodelación del Royal Hawaiian Resort, un hotel de 1927
Casablanca, en el otro extremo de África. Vista exterior del puerto y la torre hotelera Casablanca Marina
aRQUITECTURA, INTERIORISMO, DISENO Y ARTE
A
/megaproyecto
finales de 1942, en plena Segunda Guerra Mundial,
que todavía hoy existe, fue el primer paso. Desde entonces, la
dos barcos de guerra estadounidenses que navegaban
carrera de la empresa fundada por Wimberly es el sueño que
por la costa de Marruecos disparaban una última
podrían haber tenido los Beach Boys si alguna vez hubieran
andanada contra el submarino alemán U-173. Fueron
soñado con ser promotores inmobiliarios. Un paseo de lujo
los disparos definitivos. El hundimiento del submarino
construyendo hoteles en los lugares más paradisíacos del
supuso la derrota del ejército nazi contra los aliados en la
Pacífico Sur y el Asia Oriental. Después de Waikiki, un hotel en
Batalla de Casablanca. Al día siguiente, la ciudad se rendía y se
Tahití. Luego Bora Bora, donde construye el primer alojamiento
convertía así en un puesto clave para los aliados en su avance
con cabañas sobre el agua. De ahí los jardines de Shangri-
desde el norte de África hacia Europa.
La en Singapur y un premio por el hotel Tangjong Jara en
Pendiente como estaba el mundo de los avances de la guerra, fue normal que durante los días que siguieron a la batalla no se hablara de otra cosa. No obstante, pocos iban a pensar que eso
Norteamérica, Sudamérica y Europa, pero el hito llega en 1992. Cuenta la leyenda que hace mucho tiempo una tribu nómada
afectaría al estreno de una película que se acababa de rodar en
del norte de África cruzó todo el continente buscando una tierra
el alegre Hollywood, a medio mundo de distancia de la guerra.
sagrada que se le había aparecido en sueños a su rey. Un día,
Diez días después de la caída de la ciudad marroquí, en el mid-
al llegar a un valle frondoso y soleado, el rey supo que habían
town de Nueva York, a seis calles del Central Park, una cola de
encontrado el lugar. La tribu, en honor al líder que los había guiado
gente esperaba para entrar al Hollywood Theatre. Se estrenaba
hasta su utopía particular, construyó una ciudad hermosa, llena de
un filme que tendría que haberse estrenado en la primavera
torres de adobe, estatuas de animales y un magnífico palacio. Pero
del año siguiente, pero el final de la batalla reciente precipitó
un día el cielo amaneció gris. Los animales de la ciudad empezaron
su premiere. Cuando las luces se apagaron en la sala, la pantalla
a aullar asustados y, de golpe, un crujido sacudió el valle. La tierra
mostró imágenes de la ciudad caída, y al poco, la inconfundible
se agitó y se abrió, y se llevó con ella la ciudad sagrada que tanto
cara de Humphrey Bogart. El 26 de noviembre de 1942, diez días
esfuerzo había costado encontrar. Siglos después, en 1992, alguien
después del último disparo de los destructores estadounidenses,
se encargaba de investigar el origen de la ciudad, y reconstruirla
se estrenaba Casablanca, y nacía el mito de una ciudad que ha
tan fidedignamente como fuera posible.
acompañado a muchos hasta hoy.
En 1992, Watg cuenta esta historia a sus futuros clientes. Y
El sueño de esa ciudad envolvente y viva que retrata la
aunque es una historia ficticia, el Palacio de la Ciudad Perdida
película que protagoniza Ingrid Bergman, ha sido una fuente de
es tan majestuoso que empuja a creerla. El que es uno de los
inspiración para muchos de los que han pensado en el Marruecos
mejores hoteles del mundo está construido sobre un cráter
misterioso de principios de siglo veinte. Y aunque su mercadillo
extinto a doscientos kilómetros de Johannesburgo, la ciudad
sigue respirando el mismo aroma que desprendía cuando nació
más poblada de Sudáfrica. Al complejo lo llaman Las Vegas
hace cinco siglos, sus alrededores se modernizan. La ciudad más
de África. Un resort con veintidós hectáreas, el equivalente a
poblada de Marruecos, el puerto que precipitó el auge Bogart, se
trescientos campos de fútbol, de jungla artificial. Un parque
ha modernizado. En pleno siglo veintiuno, Casablanca crece y
temático enclavado en la sabana africana con puentes
se expande, con nuevas zonas que buscan darle impulso a una
colgantes, cascadas, lagos y serpentarios donde hasta se puede
ciudad que vive cada vez más de los negocios y el turismo.
tropezar con un parque acuático. Casinos, gimnasios, spa,
Subido a esta ola, el antiguo puerto industrial de la ciudad
media docena de restaurantes, campo de golf. El nuevo palacio,
se remodela. Las grúas y los contáiners dan paso a los amarres
el culmen del complejo, está rematado por diez cúpulas que
para yates. Una de las estrellas de este cambio es Marina
lucen estatuas de animales como las que en el sueño de
Casablanca. El proyecto hotelero que cambiará la cara a la
alguien poblaron la Ciudad Perdida.
costa cercana al centro, está a cargo de Watg, Wimberly Allison
La opulencia de este complejo concentra la esencia del
Tong & Goo,una empresa de diseño de destinos turísticos que
trabajo de Watg a lo largo de su historia. La exclusividad y
nació en 1945, el año que acababa la guerra que la Batalla de
el lujo llevados a otro nivel. Desde entonces hasta hoy, varios
Casablanca había ayudado a ganar.
hitos más. Se expande por todo el mundo e incluye servicios de
Ese año, Casablanca, a un mundo de distancia de
34
Malasia. Más adelante, su trayectoria los hará expandirse por
asesoría en diseño de paisajes u oficinas. Sólo siete años después
Casablanca, en las islas Hawaii, George Pete Wimberly
de inaugurar el Las Vegas de África, Watg llega a Las Vegas, la
empezaba su propia historia. La empresa que ahora le cambia
original y construye entre otros, dos casinos míticos, el Caesar’s
la cara a la costa de Marruecos comenzó en Honolulu, un
y el Venecia. Ya en 2005 el Emirates Palace de Abu Dhabi, uno
nombre que sólo suena a mar, su primer proyecto hotelero.
de los hoteles más caros de la historia. Hoy desembarca en
La remodelación del Royal Hawaiian Resort, un hotel de 1927
Casablanca, en el otro extremo de África. Vista exterior del puerto y la torre hotelera Casablanca Marina
aRQUITECTURA, INTERIORISMO, DISENO Y ARTE
/megaproyecto
Entrada principal al complejo Casablanca Marina
Un torre frente al mar De nuevo el lujo va en busca, o a la caza, de los
ahuyentar el calor desértico. La torre tiene una forma espiralada,
para luego ir a disfrutar los restaurantes de los hoteles, o del
desde lo alto de una torre.
y busca dar con ello una sensación de movimiento y dinamismo.
lujoso puerto de para yates que coronará el complejo. Siempre
El movimiento que atrae negocios, turismo y dinero es a lo que
iluminados por los reflejos irisados de la gran torre.
Es justamente una torre sobre el mar el emblema del
lugares con aroma a historia antigua. Los muy modernos
proyecto Marina Casablanca. Una torre que mira a otra torre.
hoteles de los Emiratos Árabes simulan antiguos palacios
Frente a la novedad, la tradición. A pocos metros de Marina
nazaríes, las habitaciones de los hoteles hawaianos imitan
Casablanca se alza la sobrecogedora mezquita de Hassan II,
Uno es el faro que ha guiado desde siempre a Casablanca. El
dominaba el puerto de la ciudad. Durante medio milenio la
tradicionales cabañas nativas con techo de paja y en Cuba
un imponente templo, el segundo más grande del mundo
otro es el faro que quiere guiar el futuro. La ciudad es joven.
ciudad ha sido un puerto importante del norte de África y,
los resorts emulan pueblos coloniales españoles. Justamente
después de la sagrada Meca, que luce el minarete más alto
Más de la mitad de la población tiene menos de cincuenta
como muchos puertos, una puerta cerrada al mar para los
en Barcelona, España, se ha obviado la ley de costas para
de la tierra. Un símbolo religioso que domina toda la ciudad y
años, y la juventud del país está cada vez más formada. Marina
habitantes de la ciudad. El mundo y la economía cambian,
construir un hotel sobre la misma playa de la ciudad.
define su horizonte. Marina Casablanca no ha querido romper la
Casablanca quiere atraer a estos jóvenes y hacerlos sentir
y las formas de crecer también. Casablanca se abre ahora al
Construida para recordar a un velero, la torre del hotel se
hegemonía de la mezquita. El minarete mide doscientos metros
en comunidad. Para ello, la Marina incluye cuatro hoteles de
mar. Quizás no para para todos los ciudadanos de la antigua
cierne sobre el tradicional barrio pesquero de la ciudad. Cada
de altua, el edificio de la Marina ciento sesenta. La torre del
cuatro estrellas, uno de cinco y un paseo marítimo desde el que
Anfa, que seguirán viendo las olas desde su zoco tradicional.
noche en su habitación más humilde cuesta un tercio del
proyecto quiere complementar la tradición de la ciudad. Es por
disfrutar la poderosa brisa que azota la costa africana. Una plaza
Pero la Casablanca pujante, moderna y de vanguardia ya tiene
sueldo de uno de esos pescadores que se esconde de la mirada
eso su color blanco espejado, que recuerda a las técnicas clásicas de enyesado de las paredes de las casas árabes, que servían para
pública, como eran las plazas de los zocos tradicionales, donde
un sitio desde el que acariciar el agua con las manos y mirar
los asistentes al nuevo centro de convenciones podrán reunirse
la mezquita desde una torre
del velero de piedra. La opulencia moderna siempre busca 36
acercarse a la autenticidad, aunque sólo sea para mirarla
hace referencia esta forma movediza. La idea es que el minarete y la Marina se complementen.
Dicen que Casablanca se llama así porque los colonos portugueses veían una casa branca en la colina de Anfa que
37
aRQUITECTURA, INTERIORISMO, DISENO Y ARTE
/megaproyecto
Entrada principal al complejo Casablanca Marina
Un torre frente al mar De nuevo el lujo va en busca, o a la caza, de los
ahuyentar el calor desértico. La torre tiene una forma espiralada,
para luego ir a disfrutar los restaurantes de los hoteles, o del
desde lo alto de una torre.
y busca dar con ello una sensación de movimiento y dinamismo.
lujoso puerto de para yates que coronará el complejo. Siempre
El movimiento que atrae negocios, turismo y dinero es a lo que
iluminados por los reflejos irisados de la gran torre.
Es justamente una torre sobre el mar el emblema del
lugares con aroma a historia antigua. Los muy modernos
proyecto Marina Casablanca. Una torre que mira a otra torre.
hoteles de los Emiratos Árabes simulan antiguos palacios
Frente a la novedad, la tradición. A pocos metros de Marina
nazaríes, las habitaciones de los hoteles hawaianos imitan
Casablanca se alza la sobrecogedora mezquita de Hassan II,
Uno es el faro que ha guiado desde siempre a Casablanca. El
dominaba el puerto de la ciudad. Durante medio milenio la
tradicionales cabañas nativas con techo de paja y en Cuba
un imponente templo, el segundo más grande del mundo
otro es el faro que quiere guiar el futuro. La ciudad es joven.
ciudad ha sido un puerto importante del norte de África y,
los resorts emulan pueblos coloniales españoles. Justamente
después de la sagrada Meca, que luce el minarete más alto
Más de la mitad de la población tiene menos de cincuenta
como muchos puertos, una puerta cerrada al mar para los
en Barcelona, España, se ha obviado la ley de costas para
de la tierra. Un símbolo religioso que domina toda la ciudad y
años, y la juventud del país está cada vez más formada. Marina
habitantes de la ciudad. El mundo y la economía cambian,
construir un hotel sobre la misma playa de la ciudad.
define su horizonte. Marina Casablanca no ha querido romper la
Casablanca quiere atraer a estos jóvenes y hacerlos sentir
y las formas de crecer también. Casablanca se abre ahora al
Construida para recordar a un velero, la torre del hotel se
hegemonía de la mezquita. El minarete mide doscientos metros
en comunidad. Para ello, la Marina incluye cuatro hoteles de
mar. Quizás no para para todos los ciudadanos de la antigua
cierne sobre el tradicional barrio pesquero de la ciudad. Cada
de altua, el edificio de la Marina ciento sesenta. La torre del
cuatro estrellas, uno de cinco y un paseo marítimo desde el que
Anfa, que seguirán viendo las olas desde su zoco tradicional.
noche en su habitación más humilde cuesta un tercio del
proyecto quiere complementar la tradición de la ciudad. Es por
disfrutar la poderosa brisa que azota la costa africana. Una plaza
Pero la Casablanca pujante, moderna y de vanguardia ya tiene
sueldo de uno de esos pescadores que se esconde de la mirada
eso su color blanco espejado, que recuerda a las técnicas clásicas de enyesado de las paredes de las casas árabes, que servían para
pública, como eran las plazas de los zocos tradicionales, donde
un sitio desde el que acariciar el agua con las manos y mirar
los asistentes al nuevo centro de convenciones podrán reunirse
la mezquita desde una torre
del velero de piedra. La opulencia moderna siempre busca 36
acercarse a la autenticidad, aunque sólo sea para mirarla
hace referencia esta forma movediza. La idea es que el minarete y la Marina se complementen.
Dicen que Casablanca se llama así porque los colonos portugueses veían una casa branca en la colina de Anfa que
37
Comedor principal dela torre hotel Casablanca Marina
Vista del lobby del hotel Casablanca Marina
Detalles de la decoraci贸n con productos org谩nicos y reservas de vino del restaurante principal del hotel
Comedor principal dela torre hotel Casablanca Marina
Vista del lobby del hotel Casablanca Marina
Detalles de la decoraci贸n con productos org谩nicos y reservas de vino del restaurante principal del hotel
Vista de la suite principal hotel Casablanca Marina
Dormitorio principal de la torre hotel Casablanca Marina
P
A R Q U I T ECT U R A , I N T E R I O R I S M O , D I S E Ñ O Y A R T E
/ C O L A B O R A D O R ES
DIEGO OLI VA SARANA
Colombia. Periodista cultural y actor. Trabajó en la sección de arte y cultura del noticiero en Canal Capital. Ha realizado crónicas y entrevistas para la revista Altus en línea en su país. Vive en Bogotá.
KENNEK CABELLO
Perú. Arquitecto y Diseñador de Interiores. Actualmente es socio y Director de Diseño de Johnston+Barrenechea Architecture & Interiors en New York City y Director Creativo de Ecoarki en Lima. Desarrolla proyectos de arquitectura, interiores y planificación urbana en New York y Lima.
DAVID HIMELFARB
Perú. Periodista. Estudió Literatura en la Universidad Nacional Mayor de San Marcos (UNMSM). Ha escrito para revistas como Asia Sur, Aleste y viù! Vive en Lima.
Perú. Estudiante de último año de Periodismo en la PUCP. Realizó un intercambio académico en la Universidad de Helsinki. Ha escrito para las revistas Línea, Carta Abierta, Impresión, Brújula y la web Espacio360. Publicó un texto en el libro Entrevistas Humanas, de la PUCP. Ha sido profesor de español en Finlandia y de fotografía y radio en proyectos en hospitales mentales de Lima.
JUAN RAOÚL DE LA SIERRA RODRÍGUEZ
Perú. Estudiante de Periodismo en la PUCP. Estudió Diseño y Arquitectura de Interiores. Trabajó en el proyecto La calle es el cielo - Fotografías de Daniel Pajuelo. Actualmente prepara su tesis sobre el poeta Juan Gonzalo Rose. Vive en Lima.
DANIEL BARRENECHEA
España. Periodista. Ha trabajado en El País de España y en la comunicación de diversos eventos. También ha sido asistente de edición de Etiqueta Negra y ha escrito para revistas y guías de la misa casa editorial como Gold’s Gym, Lima Inside y la Guía anual de Restaurantes.
ROSA CHÁVEZ
P
aRQUITECTURA, INTERIORISMO, DISENO Y ARTE
/proyectos
UNA VISTA AL MAR:
HOTEL ECOLÓGICO PLAYA BONANZA Un texto de Daniel Barrenechea Fotos de Johnston+Barrenechea
p
laya Escondida es una encantadora caleta de pescadores, ubicada a unos veinte kilómetros de la ciudad de Tumbes, al norte del Perú. Aunque con cierta presencia hotelera, su entorno todavía no ha sido afectado por la tendencia de los lujosos hoteles
boutique. Pequeños hospedajes y búngalos son todavía la
1
referencia, que lo diferencia de playas más concurridas como Máncora y Punta Sal. El estudio Johnston+Barrenechea (J+B) ha desarrollado un concepto arquitectónico y de interiores
32
La propuesta arquitectónica es simple: habitaciones con
para Playa Escondida, habitado por un grupo de jóvenes
vista al mar, agrupadas de manera escalonada y en forma
familias, propietarios de una envidiable parcela de terreno
piramidal —una reseña a la arquitectura precolombina de la
frente a las arenas blancas de esta playa.
región— con vistas a una gran piscina y un patio en forma de
En vez de desarrollar un grupo de residencias familiares o una
escenario. Los grandes muros portantes de concreto armado
propuesta más comercial, el estudio optó por una solución
son acabados en colores cálidos. Los cuartos frente al mar
híbrida, frecuente en países con marcadas temporadas de
poseen terrazas con divisiones en mamparas de madera y
verano. El concepto es simple: diseñar el proyecto como un
cubiertas con toldos retractiles de lona, permitiendo controlar
hotel, con los atractivos típicos del rubro. Restaurant y bar,
el impacto del sol casi ecuatorial. Puertas plegadizas de
piscina y patio mirador, además de amplias terrazas frente
metal y vidrio ofrecen vistas panorámicas de la playa y el
al mar. Lo novedoso es que los propietarios del complejo
atardecer. Los interiores están marcados por una decoración
tienen la flexibilidad de usar los espacios cuando deseen o
de estilo espartano, además de una colección ecléctica de
ponerlas a disposición del complejo hotelero, como cualquier
muebles, iluminación y accesorios selectos por sus formas
habitación de huésped. Veinticuatro unidades independientes
escultóricas y colores. El baño es una invitación voyerista: su
se convierten, en combinación, en doce suites de uso familiar
división de ambiente está formada con listones verticales de
para propietarios e invitados. Esta opción permite usar
madera y repisas decorativas. Espacios públicos incluyen bar,
las instalaciones todo el año, algo imposible si solo fueran
restaurant, y salón de juegos, además de un Sky Bar Lounge en
residencias unifamiliares.
la azotea
2
3
1. Vista panorámica del patio e Infiniti pool frente al mar. 2. Vista interior de la habitación tipo loft desde la terraza. 3. Área del baño semiprivada con vista al mar.
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UNA VISTA AL MAR:
HOTEL ECOLÓGICO PLAYA BONANZA Un texto de Daniel Barrenechea Fotos de Johnston+Barrenechea
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laya Escondida es una encantadora caleta de pescadores, ubicada a unos veinte kilómetros de la ciudad de Tumbes, al norte del Perú. Aunque con cierta presencia hotelera, su entorno todavía no ha sido afectado por la tendencia de los lujosos hoteles
boutique. Pequeños hospedajes y búngalos son todavía la
1
referencia, que lo diferencia de playas más concurridas como Máncora y Punta Sal. El estudio Johnston+Barrenechea (J+B) ha desarrollado un concepto arquitectónico y de interiores
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La propuesta arquitectónica es simple: habitaciones con
para Playa Escondida, habitado por un grupo de jóvenes
vista al mar, agrupadas de manera escalonada y en forma
familias, propietarios de una envidiable parcela de terreno
piramidal —una reseña a la arquitectura precolombina de la
frente a las arenas blancas de esta playa.
región— con vistas a una gran piscina y un patio en forma de
En vez de desarrollar un grupo de residencias familiares o una
escenario. Los grandes muros portantes de concreto armado
propuesta más comercial, el estudio optó por una solución
son acabados en colores cálidos. Los cuartos frente al mar
híbrida, frecuente en países con marcadas temporadas de
poseen terrazas con divisiones en mamparas de madera y
verano. El concepto es simple: diseñar el proyecto como un
cubiertas con toldos retractiles de lona, permitiendo controlar
hotel, con los atractivos típicos del rubro. Restaurant y bar,
el impacto del sol casi ecuatorial. Puertas plegadizas de
piscina y patio mirador, además de amplias terrazas frente
metal y vidrio ofrecen vistas panorámicas de la playa y el
al mar. Lo novedoso es que los propietarios del complejo
atardecer. Los interiores están marcados por una decoración
tienen la flexibilidad de usar los espacios cuando deseen o
de estilo espartano, además de una colección ecléctica de
ponerlas a disposición del complejo hotelero, como cualquier
muebles, iluminación y accesorios selectos por sus formas
habitación de huésped. Veinticuatro unidades independientes
escultóricas y colores. El baño es una invitación voyerista: su
se convierten, en combinación, en doce suites de uso familiar
división de ambiente está formada con listones verticales de
para propietarios e invitados. Esta opción permite usar
madera y repisas decorativas. Espacios públicos incluyen bar,
las instalaciones todo el año, algo imposible si solo fueran
restaurant, y salón de juegos, además de un Sky Bar Lounge en
residencias unifamiliares.
la azotea
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1. Vista panorámica del patio e Infiniti pool frente al mar. 2. Vista interior de la habitación tipo loft desde la terraza. 3. Área del baño semiprivada con vista al mar.
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DE VUELTA AL OCÉANO:
CABANA CLUB DEL SAWGRASS MARRIOTT RESORT Un texto de Daniel Barrenechea Fotos de Johnston+Barrenechea
E
34
l estudio Johnston+Barrenechea fue invitado por el grupo hotelero Marriott a rediseñar una Casa Club propiedad de Sawgrass Marriott Golf Resort & Spa en la playa Ponte Vedra, Florida, famoso hotel dentro del circuito profesional del Golf: el PGA Tour. La tarea
al lado fueron transformados en un gran bar externo, para
fue crear un concepto que revitalice este entorno con veinte
aquellos invitados que desean instalarse cerca del agua.
años de antigüedad en una nueva propuesta de diseño, además
Un edificio rústico de dos pisos alberga al restaurante.
de convertirlo en un nuevo destino culinario y de eventos
La propuesta consiste en transformar los exteriores de la
sociales. La envidiable ubicación de la Casa Club ofrece vistas
edificación retirando los muros perimétricos que bloquean
panorámicas del Océano Atlántico, además de interminables
la vista al mar e insertando mamparas de vidrio y balcones
vistas hacia el sur inmediato, cerca de la ciudad de Jacksonville.
cubiertos con delicadas marquesinas en listones de madera. En
Con entornos tan perfectos, esta casa de arquitectos solo tiene
días de clima agradable, estos ventanales pueden ser abiertos
que dar literalmente un paso atrás, y dejar que su propuesta
en su totalidad, permitiendo que la división entre espacios
creativa asuma un rol secundario en la historia.
internos y externos desaparezca. En el nivel del bar, se extiende
Como la arquitectura de la casa no podía cambiar, los
un patio adyacente al área convirtiéndolo en un suntuoso
arquitectos optaron por transformar los espacios abiertos
lounge abierto al complejo. Grandes linternas y pantallas
mediante el uso de un selecto grupo de muebles, textilería,
ligeras crean una diversidad de espacios y asientos con
iluminación y pequeños pabellones. Esta estrategia es un
numerosas variantes. La estrategia simplemente busca devolver
recurso que permite convertir estos componentes en luminarias
las vistas panorámicas a los comensales e invitados desde
y reflectores. Alrededor de la piscina se instalarán grandes
cualquier ubicación de la nueva casa club. El diseño incluye
topiarios en diversidad de formas, creando una hilera de
una propuesta gastronómica basada en la cocina peruana de
columnas verdes alrededor de este gran espacio. Los pabellones
pescados y mariscos, además de un gran Cebiche Bar.
1. Piscina principal, se convierte en espejo de agua reflejando bar y lounge durante eventos nocturnos. 2. Vista del restaurante, el cual goza de una excelente panorámica del océano atlántico. 3. Vista del patio exterior. Se convierte en la extensión “al fresco” del bar para tertulias en el crepúsculo.
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DE VUELTA AL OCÉANO:
CABANA CLUB DEL SAWGRASS MARRIOTT RESORT Un texto de Daniel Barrenechea Fotos de Johnston+Barrenechea
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l estudio Johnston+Barrenechea fue invitado por el grupo hotelero Marriott a rediseñar una Casa Club propiedad de Sawgrass Marriott Golf Resort & Spa en la playa Ponte Vedra, Florida, famoso hotel dentro del circuito profesional del Golf: el PGA Tour. La tarea
al lado fueron transformados en un gran bar externo, para
fue crear un concepto que revitalice este entorno con veinte
aquellos invitados que desean instalarse cerca del agua.
años de antigüedad en una nueva propuesta de diseño, además
Un edificio rústico de dos pisos alberga al restaurante.
de convertirlo en un nuevo destino culinario y de eventos
La propuesta consiste en transformar los exteriores de la
sociales. La envidiable ubicación de la Casa Club ofrece vistas
edificación retirando los muros perimétricos que bloquean
panorámicas del Océano Atlántico, además de interminables
la vista al mar e insertando mamparas de vidrio y balcones
vistas hacia el sur inmediato, cerca de la ciudad de Jacksonville.
cubiertos con delicadas marquesinas en listones de madera. En
Con entornos tan perfectos, esta casa de arquitectos solo tiene
días de clima agradable, estos ventanales pueden ser abiertos
que dar literalmente un paso atrás, y dejar que su propuesta
en su totalidad, permitiendo que la división entre espacios
creativa asuma un rol secundario en la historia.
internos y externos desaparezca. En el nivel del bar, se extiende
Como la arquitectura de la casa no podía cambiar, los
un patio adyacente al área convirtiéndolo en un suntuoso
arquitectos optaron por transformar los espacios abiertos
lounge abierto al complejo. Grandes linternas y pantallas
mediante el uso de un selecto grupo de muebles, textilería,
ligeras crean una diversidad de espacios y asientos con
iluminación y pequeños pabellones. Esta estrategia es un
numerosas variantes. La estrategia simplemente busca devolver
recurso que permite convertir estos componentes en luminarias
las vistas panorámicas a los comensales e invitados desde
y reflectores. Alrededor de la piscina se instalarán grandes
cualquier ubicación de la nueva casa club. El diseño incluye
topiarios en diversidad de formas, creando una hilera de
una propuesta gastronómica basada en la cocina peruana de
columnas verdes alrededor de este gran espacio. Los pabellones
pescados y mariscos, además de un gran Cebiche Bar.
1. Piscina principal, se convierte en espejo de agua reflejando bar y lounge durante eventos nocturnos. 2. Vista del restaurante, el cual goza de una excelente panorámica del océano atlántico. 3. Vista del patio exterior. Se convierte en la extensión “al fresco” del bar para tertulias en el crepúsculo.
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A R Q U I T E CT U R A , I N T E R I O R I S M O , D I S E Ă‘ O Y A RT E
_ E LO G I O A L C O LO R
Con el no caben matices. A diferencia del timorato azul, el rojo es un color orgulloso, lleno de ambiciones y sediento de poder, un color que requiere dejarse ver y que esta decidido imponerse a todos los demas . Michel Pastoureau - Dominique Simonnet Breve historia de los colores
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_ E LO G I O A L C O LO R
Con el no caben matices. A diferencia del timorato azul, el rojo es un color orgulloso, lleno de ambiciones y sediento de poder, un color que requiere dejarse ver y que esta decidido imponerse a todos los demas . Michel Pastoureau - Dominique Simonnet Breve historia de los colores
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_ E LO G I O A L C O LO R
el rojo es la atracción por lo indebido
H
ay una roja necesidad de ver las cosas. Si el negro es
las sirenas, el pigmento de la emergencia y lo inesperado. Los
misterio y el verde es vida, el rojo es la atracción por lo
neurólogos dicen que es el primer color que percibe el hombre.
indebido. Entrar al mar en bandera roja, ser expulsado
Quienes sufren de una lesión cerebral, quienes padecen de una
de un partido por una tarjeta roja, acelerar con el
ceguera temporal del color empiezan a percibir el rojo antes que
semáforo en rojo son actos que transitan por la delgada
cualquier otro. La vida sin él sería muy opaca.
línea de la incorrección. Desde tiempos mitológicos asociamos
En la naturaleza, el rojo es un señal de lo exótico. Las arañas
ese color con el lado opuesto de la paz. ¿Acaso el indeciso rosa, el
suelen ser negras para ocultarse en la oscuridad y cazar a sus
profundo turquesa o el radiactivo amarillo servirían para describir
presas; cuando se tíñen de ocre, su veneno es más peligroso que
el temperamento de Ares y Marte, dioses de la guerra de griegos
su andar sigiloso. Las estrellas de mar bermellón pueden tener
y romanos? No fue casualidad que el manto de los centuriones
que medir un metro y atacar a buzos y a veces intentan arrancar
fuera de ese color o que el ejército inglés vistiera a su ejército con
sus máscaras. Y en el mundo de los anfibios y entomología, el rojo
casacas rojas. En la semiótica del combate no se puede razonar
sólo puede anunciar toxicidad.
con quien viene a pelear vestido del color del desacuerdo. Aunque en estos días el uniforme no haga más que intentar
Quien desea pasar inadvertido debe evitar utilizar esa tintura. ¿Podría otro color llamar la atención de un toro de media tonelada?
mimetizarse en el ambiente, en las arenas modernas el rojo es
Seducidos por el riesgo vestimos de rojo para ser magnetos de
una expresión temeraria. Sólo los red devils del Manchester United
miradas. El vestido de Julia Roberts en Mujer bonita, el pequeño
podrían haber alineado a Eric Cantona, el fubolista francés que
corvette rojo de Prince, la casaca de Michael Jackson en Thriller. En
pateó el rostro de un miembro de su propia barra. Cantona sabía
un mundo donde los tonos neutros son un cinturón de seguridad y
que uno puede aguantar una pifia, pero jamás una descortesía.
una minifalda roja es un accidente, la lencería roja es un alarde a la
A pesar de la sanción, su acto de salvajismo se sintió justificado.
vista. Quizás sea algo natural que los deportivos rojos sean los más
Tan sólo se comportó como alguien vestido con camiseta roja.
proclives a los accidentes, que los ferraris negros se vean más lentos
Salvo Gandhi, la rebeldía ha usado ese color para oponerse a
que sus pares rojos, que los tacos tipo aguja sólo sean dignos si son
lo establecido. Los escribas egipcios escribían con tinta roja las
rojos. ¿Será esa la razón por la que nos atraen los labios escarlata?
palabras sucias. El Moulin Rouge fue el más grande cabaret en
En los hombres, el terno rojo es una mala broma. Hay cosas que
una época donde enseñar una fracción de hombro era un tabú. El
nunca debería tener ese tinte. Dispuestos al riesgo, pero jamás al
diamante de Moussaieff debe su excesivo costo de diez millones de
ridículo, los pañuelos deberían ser blancos, al igual que el cuello de las
dólares a su rojitud. Desafiar lo oficial puede ser excitante, excepto
camisas. Las correas oscuras jamás de cuero rojo. Aunque muchos se
en los estados bancarios.
tropiecen con la tentación de vivir en un mundo rojo, para aprovechar
Hace unos meses, cinco de los blogs del The new york times
su magnetismo y ser el centro de atención. La elegancia que brinda en
invitaron a los lectores a actualizar el vocabulario de los colores.
sus dosis mínimas para subrayar lo sobrenatural es una magnitud que
Sugirieron tonos como «rosa post-it», «blanco iPhone», «naranja
todos deberían abrazar
Guantánamo» y «rojos saldo bancario». Las crisis, las alertas,
¿POR QUÉ SE TIÑEN DE ROJO? U n a t o r r e e n To k i o q u e d e s a f i a e l c i e l o Una arboleda artificial en Bruselas Una juerga callejera en Nueva Orleans Un flamenco en el centro financiero de Chicago
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el rojo es la atracción por lo indebido
H
ay una roja necesidad de ver las cosas. Si el negro es
las sirenas, el pigmento de la emergencia y lo inesperado. Los
misterio y el verde es vida, el rojo es la atracción por lo
neurólogos dicen que es el primer color que percibe el hombre.
indebido. Entrar al mar en bandera roja, ser expulsado
Quienes sufren de una lesión cerebral, quienes padecen de una
de un partido por una tarjeta roja, acelerar con el
ceguera temporal del color empiezan a percibir el rojo antes que
semáforo en rojo son actos que transitan por la delgada
cualquier otro. La vida sin él sería muy opaca.
línea de la incorrección. Desde tiempos mitológicos asociamos
En la naturaleza, el rojo es un señal de lo exótico. Las arañas
ese color con el lado opuesto de la paz. ¿Acaso el indeciso rosa, el
suelen ser negras para ocultarse en la oscuridad y cazar a sus
profundo turquesa o el radiactivo amarillo servirían para describir
presas; cuando se tíñen de ocre, su veneno es más peligroso que
el temperamento de Ares y Marte, dioses de la guerra de griegos
su andar sigiloso. Las estrellas de mar bermellón pueden tener
y romanos? No fue casualidad que el manto de los centuriones
que medir un metro y atacar a buzos y a veces intentan arrancar
fuera de ese color o que el ejército inglés vistiera a su ejército con
sus máscaras. Y en el mundo de los anfibios y entomología, el rojo
casacas rojas. En la semiótica del combate no se puede razonar
sólo puede anunciar toxicidad.
con quien viene a pelear vestido del color del desacuerdo. Aunque en estos días el uniforme no haga más que intentar
Quien desea pasar inadvertido debe evitar utilizar esa tintura. ¿Podría otro color llamar la atención de un toro de media tonelada?
mimetizarse en el ambiente, en las arenas modernas el rojo es
Seducidos por el riesgo vestimos de rojo para ser magnetos de
una expresión temeraria. Sólo los red devils del Manchester United
miradas. El vestido de Julia Roberts en Mujer bonita, el pequeño
podrían haber alineado a Eric Cantona, el fubolista francés que
corvette rojo de Prince, la casaca de Michael Jackson en Thriller. En
pateó el rostro de un miembro de su propia barra. Cantona sabía
un mundo donde los tonos neutros son un cinturón de seguridad y
que uno puede aguantar una pifia, pero jamás una descortesía.
una minifalda roja es un accidente, la lencería roja es un alarde a la
A pesar de la sanción, su acto de salvajismo se sintió justificado.
vista. Quizás sea algo natural que los deportivos rojos sean los más
Tan sólo se comportó como alguien vestido con camiseta roja.
proclives a los accidentes, que los ferraris negros se vean más lentos
Salvo Gandhi, la rebeldía ha usado ese color para oponerse a
que sus pares rojos, que los tacos tipo aguja sólo sean dignos si son
lo establecido. Los escribas egipcios escribían con tinta roja las
rojos. ¿Será esa la razón por la que nos atraen los labios escarlata?
palabras sucias. El Moulin Rouge fue el más grande cabaret en
En los hombres, el terno rojo es una mala broma. Hay cosas que
una época donde enseñar una fracción de hombro era un tabú. El
nunca debería tener ese tinte. Dispuestos al riesgo, pero jamás al
diamante de Moussaieff debe su excesivo costo de diez millones de
ridículo, los pañuelos deberían ser blancos, al igual que el cuello de las
dólares a su rojitud. Desafiar lo oficial puede ser excitante, excepto
camisas. Las correas oscuras jamás de cuero rojo. Aunque muchos se
en los estados bancarios.
tropiecen con la tentación de vivir en un mundo rojo, para aprovechar
Hace unos meses, cinco de los blogs del The new york times
su magnetismo y ser el centro de atención. La elegancia que brinda en
invitaron a los lectores a actualizar el vocabulario de los colores.
sus dosis mínimas para subrayar lo sobrenatural es una magnitud que
Sugirieron tonos como «rosa post-it», «blanco iPhone», «naranja
todos deberían abrazar
Guantánamo» y «rojos saldo bancario». Las crisis, las alertas,
¿POR QUÉ SE TIÑEN DE ROJO? U n a t o r r e e n To k i o q u e d e s a f i a e l c i e l o Una arboleda artificial en Bruselas Una juerga callejera en Nueva Orleans Un flamenco en el centro financiero de Chicago
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_ E LO G I O A L C O LO R
LA TORRE DE TOKIO ¿Por qué es roja la estructura más alta de una ciudad gris?
e
s el símbolo de Tokio. Todos en Japón le tienen una
kilómetros por hora. Este gran armatoste rojo, tiene una historia
cerrada admiración. Está inspirada en la Torre Eiffel
con mucha significación para los japoneses. Fue construida en
pero es ocho metros más alta (332.5 metros). Aparece
acero, y una tercera parte era chatarra tomada de los tanques
en cómics, series y películas del país del Sol Naciente.
estadounidenses que fueron dañados en la Guerra de Corea. Es
Aunque es una antena de transmisión de televisión y
más: cuando la antena de 90 metros se colocó el 14 de octubre
radio es un gran imán para el turismo. Recibe tres millones de
de 1958, la Torre de Tokio se convirtió en la torre autosoportada
visitantes al año, más de tres veces el número de visitantes que
más alta del mundo, arrebatándole el título a la Torre Eiffel. Sigue
llegan cada año a Machu Picchu. Es, desde luego, roja. Pero roja a
siendo la estructura artificial más alta del Japón. Sin embargo,
la fuerza: debía cumplir regulaciones de aviación: seguridad aérea.
una nueva torre de 610 metros llamada la Tokyo Sky Tree será
Aunque es poco conocida en este lado del mundo, fue construida
inaugurada en unos meses. La Torre de Tokio, un objeto casi
en 1958, tras el resurgimiento de la economía japonesa. Aquella
sagrado, no obstante, seguirá en pie. Anécdota de despedida: la
nación emprendedora buscaba un monumento que simbolizara
historia del anime Magic Knight Rayearth, de gran popularidad,
el ascenso de su poder y tecnificación. Fue trazada por Tachu
comienza cuando las tres protagonistas se conocen en la Torre
Naito, gran diseñador de rascacielos. La hicieron tan fuerte que
de Tokio, y son llevadas a otra dimensión, siendo este su último
es capaz de resistir terremotos con el doble de intensidad que el
recuerdo en la tierra. La torre se convierte en un portal simbólico
Gran Terremoto de Kanto de 1923 o tifones que superaran los 220
entre la tierra y el otro mundo
74
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LA TORRE DE TOKIO ¿Por qué es roja la estructura más alta de una ciudad gris?
e
s el símbolo de Tokio. Todos en Japón le tienen una
kilómetros por hora. Este gran armatoste rojo, tiene una historia
cerrada admiración. Está inspirada en la Torre Eiffel
con mucha significación para los japoneses. Fue construida en
pero es ocho metros más alta (332.5 metros). Aparece
acero, y una tercera parte era chatarra tomada de los tanques
en cómics, series y películas del país del Sol Naciente.
estadounidenses que fueron dañados en la Guerra de Corea. Es
Aunque es una antena de transmisión de televisión y
más: cuando la antena de 90 metros se colocó el 14 de octubre
radio es un gran imán para el turismo. Recibe tres millones de
de 1958, la Torre de Tokio se convirtió en la torre autosoportada
visitantes al año, más de tres veces el número de visitantes que
más alta del mundo, arrebatándole el título a la Torre Eiffel. Sigue
llegan cada año a Machu Picchu. Es, desde luego, roja. Pero roja a
siendo la estructura artificial más alta del Japón. Sin embargo,
la fuerza: debía cumplir regulaciones de aviación: seguridad aérea.
una nueva torre de 610 metros llamada la Tokyo Sky Tree será
Aunque es poco conocida en este lado del mundo, fue construida
inaugurada en unos meses. La Torre de Tokio, un objeto casi
en 1958, tras el resurgimiento de la economía japonesa. Aquella
sagrado, no obstante, seguirá en pie. Anécdota de despedida: la
nación emprendedora buscaba un monumento que simbolizara
historia del anime Magic Knight Rayearth, de gran popularidad,
el ascenso de su poder y tecnificación. Fue trazada por Tachu
comienza cuando las tres protagonistas se conocen en la Torre
Naito, gran diseñador de rascacielos. La hicieron tan fuerte que
de Tokio, y son llevadas a otra dimensión, siendo este su último
es capaz de resistir terremotos con el doble de intensidad que el
recuerdo en la tierra. La torre se convierte en un portal simbólico
Gran Terremoto de Kanto de 1923 o tifones que superaran los 220
entre la tierra y el otro mundo
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EL FLAMINGO DE CHICAGO ¿Qué objetivo tiene colocar una gran ave roja en el centro de una ciudad?
l
as formas simétricas y lo obvio ponían de mal humor al
básica para su obra de dieciseis metros de alto, la anatomía de
famoso escultor neoyorkino Alexander Calder. Cuando
un flamenco. ¿Dinamismo? ¿Elegancia? ¿Sensación de altura y
el gobierno de Estados Unidos le propuso diseñar una
ligereza a pesar de estar hecha con cincuenta toneladas de acero?
escultura que se convirtiera en el ícono de la Plaza
Lo que sí se sabe es el porqué del rojo: Alexander quiso darle un
Federal de la ciudad de Chicago, una que no olvidaran
corazón a la Ciudad del Viento. Uno saludable, pues se sabe que
nunca sus ciudadanos, Alexander pensó en el rojo. Para este hijo
mientras más rojas las plumas de estas aves, más sanas y nutridas
de escultores y admirador de Joan Miró, Marcel Duchamp y Piet
están. Flamingo se desveló para el público en 1974, pero no fue la
Mondrian, la Plaza Federal de Chicago era un cuadrilátero gris, sin
única escultura roja del escultor: Big Bird, La Grande Vitesse, Five
vida, inmóvil: una ilustración sin colores, un día sin sol y lluvioso,
Swords también lo son. Pero los seguidores de su obra coinciden
una fiesta sin música. No se sabe por qué eligió, como estructura
en que Flamingo fue uno de sus proyectos más importantes
76
A R Q U I T E CT U R A , I N T E R I O R I S M O , D I S E Ñ O Y A RT E
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EL FLAMINGO DE CHICAGO ¿Qué objetivo tiene colocar una gran ave roja en el centro de una ciudad?
l
as formas simétricas y lo obvio ponían de mal humor al
básica para su obra de dieciseis metros de alto, la anatomía de
famoso escultor neoyorkino Alexander Calder. Cuando
un flamenco. ¿Dinamismo? ¿Elegancia? ¿Sensación de altura y
el gobierno de Estados Unidos le propuso diseñar una
ligereza a pesar de estar hecha con cincuenta toneladas de acero?
escultura que se convirtiera en el ícono de la Plaza
Lo que sí se sabe es el porqué del rojo: Alexander quiso darle un
Federal de la ciudad de Chicago, una que no olvidaran
corazón a la Ciudad del Viento. Uno saludable, pues se sabe que
nunca sus ciudadanos, Alexander pensó en el rojo. Para este hijo
mientras más rojas las plumas de estas aves, más sanas y nutridas
de escultores y admirador de Joan Miró, Marcel Duchamp y Piet
están. Flamingo se desveló para el público en 1974, pero no fue la
Mondrian, la Plaza Federal de Chicago era un cuadrilátero gris, sin
única escultura roja del escultor: Big Bird, La Grande Vitesse, Five
vida, inmóvil: una ilustración sin colores, un día sin sol y lluvioso,
Swords también lo son. Pero los seguidores de su obra coinciden
una fiesta sin música. No se sabe por qué eligió, como estructura
en que Flamingo fue uno de sus proyectos más importantes
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LA SECUENCIA DE ARNE QUINZE Un bosque de maderas rojas junto al parlamento flamenco
c
entenares de vigas de madera pintadas de rojo,
rojo bosque en una de las calles más transitadas de este país
una caótica telaraña escarlata se levanta a lo largo
europeo. Arne Quinze, lo ha confesado, es un «devoto del caos,
de quince metros por encima del suelo, como una
de la ausencia de sistemas». Es un interesado en las normas; las
enredadera, en la calle de la Leuvenseweg, en el ombligo
estudia, las analiza, aprende todo sobre ellas solo para evitarlas
de Bruselas, Bélgica. El culpable de este bello enredo
luego. Un dato de su juventud fortalece su creencia. Desde
es el artista belga Arne Quinze. Su obra inunda el espacio, lo
temprana edad, la ciudad ha sido su lienzo. Comenzó en 1985
vitaliza y lo transforma. The Sequence, su inmensa escultura,
con el grafiti. «Lo que me gustaba del grafiti —dice Quince— es
es una presencia viva, orgánica e inesperada. Se extiende de
que resultaba increíblemente directo y eso ha permanecido
manera irregular por un espacio urbano frío, ordenado y gris.
siempre conmigo. Acción, justo en la cara. Que no haya forma de
The Sequence demuestra rotundidad en el rojo, rotundidad en
salir corriendo y esconderse». Y esto es lo que The Sequence es:
la forma, rotundidad en el desorden. Fue concebida con papel
acción, un golpe de color, vitalidad y ordenado desorden justo en
y lápiz, creció en un ordenador y llegó a la madurez en 2008,
ante nuestros ojos. Y no podemos salir corriendo y escondernos,
cuando los ochenta trabajadores de Quinze comenzaron, pedazo
salvo cuando esta obra sea incinerada, frente a todos, en el 2012.
por pedazo y de forma aparentemente aleatoria, a colocar este
Tanta vitalidad debe morir algún día
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A R Q U I T E CT U R A , I N T E R I O R I S M O , D I S E Ñ O Y A RT E
_ E LO G I O A L C O LO R
LA SECUENCIA DE ARNE QUINZE Un bosque de maderas rojas junto al parlamento flamenco
c
entenares de vigas de madera pintadas de rojo,
rojo bosque en una de las calles más transitadas de este país
una caótica telaraña escarlata se levanta a lo largo
europeo. Arne Quinze, lo ha confesado, es un «devoto del caos,
de quince metros por encima del suelo, como una
de la ausencia de sistemas». Es un interesado en las normas; las
enredadera, en la calle de la Leuvenseweg, en el ombligo
estudia, las analiza, aprende todo sobre ellas solo para evitarlas
de Bruselas, Bélgica. El culpable de este bello enredo
luego. Un dato de su juventud fortalece su creencia. Desde
es el artista belga Arne Quinze. Su obra inunda el espacio, lo
temprana edad, la ciudad ha sido su lienzo. Comenzó en 1985
vitaliza y lo transforma. The Sequence, su inmensa escultura,
con el grafiti. «Lo que me gustaba del grafiti —dice Quince— es
es una presencia viva, orgánica e inesperada. Se extiende de
que resultaba increíblemente directo y eso ha permanecido
manera irregular por un espacio urbano frío, ordenado y gris.
siempre conmigo. Acción, justo en la cara. Que no haya forma de
The Sequence demuestra rotundidad en el rojo, rotundidad en
salir corriendo y esconderse». Y esto es lo que The Sequence es:
la forma, rotundidad en el desorden. Fue concebida con papel
acción, un golpe de color, vitalidad y ordenado desorden justo en
y lápiz, creció en un ordenador y llegó a la madurez en 2008,
ante nuestros ojos. Y no podemos salir corriendo y escondernos,
cuando los ochenta trabajadores de Quinze comenzaron, pedazo
salvo cuando esta obra sea incinerada, frente a todos, en el 2012.
por pedazo y de forma aparentemente aleatoria, a colocar este
Tanta vitalidad debe morir algún día
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A R Q U I T E CT U R A , I N T E R I O R I S M O , D I S E Ñ O Y A RT E
_ E LO G I O A L C O LO R
CIUDADES QUE SE VISTEN DE ROJO ¿Por qué ciudadanos de New Orleans celebran empapados del color más atrevido?
A
liste su sentido del humor, póngase las prendas rojas
pistas que dejaban las liebres (quienes marcan la ruta). A los
que usted quiera —un vestido, un pijama, pantuflas,
competidores se les «castiga» con cerveza y comida por equivocar
una mini— y salga a correr, trotar, rodar o gatear por
el camino o por llevar puestos zapatos nuevos. ¿Cómo comenzó
cerveza y comida. Cuando llegue a la meta, no será más
esta tradición? Una vez, una mujer fue invitada a una carrera
delgado, pero habrá ganado, tal vez, una resaca y una
hash run, una de las tantas que realiza Hash House Harriers en el
indigestión. Pero eso no es todo: también el agradecimiento de
mundo, una agrupación internacional cuyos miembros se reúnen
muchos desafortunados. Sucede que el dinero recaudado de las
para divertirse, completar un tramo, beber y ayudar a los centros
inscripciones de esta peculiar marea roja va a parar a las manos
de caridad. Aquella mujer, en lugar de zapatillas, pantalonetas y
de los más necesitados de la ciudad donde se realiza. Esto es lo
polo, lo que usualmente usa la gente normal cuando va a trotar, se
que se hace cada año en la ciudad de Nueva Orleans, Luisiana.
presentó con un vestido rojo, convencida de que la habían invitado
Pero no es la única ciudad (hay Red Dress Runs en casi todo el
a una fiesta común, corriente y calurosa en la Bourbon Street.
mundo). Sin embargo ésta es la más multitudinaria. En la última
Desde ese entonces, y como para no olvidar ese cómico momento,
red Dress Run, un mar de ocho mil personas vestidas de rojo se
hoy los que participan de esta carrera se visten de rojo. Ellas
burlaron de ellos mismos mientras intentaban terminar una
generalmente con vestido; ellos, también con vestido. En la última
carrera de seis kilómetros. Es una competencia cuyo recorrido
Red Dress Run, que se corrió en agosto de este año, se recaudó más
debe descubrirse en el camino, como cuando se avanza con una
de 80 mil dólares para la caridad. Al fin y al cabo, no está mal
vela en una noche sin luna ni alumbrado público, olfateando las
hacer el ridículo si la causa es noble
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A R Q U I T E CT U R A , I N T E R I O R I S M O , D I S E Ñ O Y A RT E
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CIUDADES QUE SE VISTEN DE ROJO ¿Por qué ciudadanos de New Orleans celebran empapados del color más atrevido?
A
liste su sentido del humor, póngase las prendas rojas
pistas que dejaban las liebres (quienes marcan la ruta). A los
que usted quiera —un vestido, un pijama, pantuflas,
competidores se les «castiga» con cerveza y comida por equivocar
una mini— y salga a correr, trotar, rodar o gatear por
el camino o por llevar puestos zapatos nuevos. ¿Cómo comenzó
cerveza y comida. Cuando llegue a la meta, no será más
esta tradición? Una vez, una mujer fue invitada a una carrera
delgado, pero habrá ganado, tal vez, una resaca y una
hash run, una de las tantas que realiza Hash House Harriers en el
indigestión. Pero eso no es todo: también el agradecimiento de
mundo, una agrupación internacional cuyos miembros se reúnen
muchos desafortunados. Sucede que el dinero recaudado de las
para divertirse, completar un tramo, beber y ayudar a los centros
inscripciones de esta peculiar marea roja va a parar a las manos
de caridad. Aquella mujer, en lugar de zapatillas, pantalonetas y
de los más necesitados de la ciudad donde se realiza. Esto es lo
polo, lo que usualmente usa la gente normal cuando va a trotar, se
que se hace cada año en la ciudad de Nueva Orleans, Luisiana.
presentó con un vestido rojo, convencida de que la habían invitado
Pero no es la única ciudad (hay Red Dress Runs en casi todo el
a una fiesta común, corriente y calurosa en la Bourbon Street.
mundo). Sin embargo ésta es la más multitudinaria. En la última
Desde ese entonces, y como para no olvidar ese cómico momento,
red Dress Run, un mar de ocho mil personas vestidas de rojo se
hoy los que participan de esta carrera se visten de rojo. Ellas
burlaron de ellos mismos mientras intentaban terminar una
generalmente con vestido; ellos, también con vestido. En la última
carrera de seis kilómetros. Es una competencia cuyo recorrido
Red Dress Run, que se corrió en agosto de este año, se recaudó más
debe descubrirse en el camino, como cuando se avanza con una
de 80 mil dólares para la caridad. Al fin y al cabo, no está mal
vela en una noche sin luna ni alumbrado público, olfateando las
hacer el ridículo si la causa es noble
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aRQUITECTURA, INTERIORISMO, DISENO Y ARTE
/conversatorio
Disenar objetos es construir memoria Un texto de Diego Olivas Arana Fotos de hAndrez Garcia
Tres diseñadores industriales en busca de una identidad cultural: Álvaro Chang-Say conversa con Coque Andrade y Estrella Jibaja sobre diseño, inspiración y creatividad.
1
aRQUITECTURA, INTERIORISMO, DISENO Y ARTE
/conversatorio
Disenar objetos es construir memoria Un texto de Diego Olivas Arana Fotos de hAndrez Garcia
Tres diseñadores industriales en busca de una identidad cultural: Álvaro Chang-Say conversa con Coque Andrade y Estrella Jibaja sobre diseño, inspiración y creatividad.
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aRQUITECTURA, INTERIORISMO, DISENO Y ARTE
l
/conversatorio
a casa de Coque Andrade y Estrella Jibaja en La Aurora,
hecho, el acercamiento que tienen es más al nivel de la experiencia
en el barrio limeño de Miraflores, parece el lugar perfecto
y los objetos. Pienso que es una aproximación diferente, donde la
para hablar de diseño. Allí se pueden ver estanterías con
estructura no puede darse así nomás.
compuertas que se abren simulando las alas de un ave como si fueran las puertas del DeLorean, el automóvil de
Volver al futuro; hay un monumento de madera que representa a una familia de osos humanoides de tamaño natural; superficies
Estrella Jibaja: Es partir de algo local, ancestral, pero que se sienta contemporáneo. En ese proceso influyen mucho las percepciones personales.
Coque Andrade: Sí ponemos mucho de nuestro mundo
con púas de esponja esmeralda como secadoras en la cocina;
interno en los diseños. Trabajar con objetos en diseño industrial es
robots nostálgicos; afiches bellos y enormes; paredes cubiertas
algo muy particular. Creo que se necesita una perspectiva diferente,
de bloques de lego en la habitación de sus dos hijos y juguetes de
digamos, que la del arquitecto.
diseño representando distintos personajes. La lista es interminable.
Álvaro Chang-Say: Cierto, pero también están los arquitectos
Un sábado de mayo por la tarde, este hogar fue el escenario de
que diseñan objetos, acaso desde el punto de vista de su carrera.
una conversación sobre el origen de la inspiración para crear
El arquitecto es más un escultor. Podríamos decir que el discurso
un objeto, el significado de la identidad culutral en el diseño, la
es más largo y filosófico, pero igual están haciendo productos. De
situación de las nuevas generaciones de diseñadores industriales,
la misma forma se acercó también la española Patricia Urquiola.
la concepción del diseño que tienen los limeños y la complejidad
Una arquitecta que se retiró, que dejó de hacer porque la escala es
e importancia de la creatividad durante el proceso de creación.
más asequible. Uno puede estar ensayando, te lo llevas a tu casa. Es
Durante más de una hora, Álvaro Chang-Say, Coque Andrade y
diferente, pero sucede.
Estrella Jibaja conversaron sobre aquello que los apasiona, y los ha
Coque Andrade: Sí, pero no comparten la mirada de quien
convertido en exponentes de una corriente moderna que desdibuja
hace exclusivamente diseño, que es muy particular, ajena a la
los límites entre el arte y la producción industrial. Esta es parte de
arquitectura. Por otra parte, si me dices que diseñe una casa
una conversación entre tres profesionales que buscan transmitir
probablemente podría hacerlo, quizás necesite la asistencia de un
experiencias o conmover a través de la creación de objetos y
arquitecto pero sí podría hacerlo [risas].
espacios de todos los días:
Álvaro Chang-Say: Volviendo al trabajo que hacen, ¿cómo es que terminan enfocándose en elementos de un pasado histórico?
Álvaro Chang-Say: Aquí en su sala están reunidos muchos diseños, incluso algunos míos o de ustedes, lo que me remite a lo
Coque Andrade: Tiene que ver ciertamente con la necesidad
que hacemos: objetos con cierta identidad cultural, que hablan de
de hacer que la gente descubra algo con el diseño. Es decir: no
la memoria.¿Hay un valor simbólico en todo esto? ¿Cómo surgen y
basta con tener algo bonito para la casa, queremos hacer diseños
desarrollan esos elementos?
que causen un impacto a nivel estético y emocional. Que genere
Coque Andrade: Lo curioso es que esto es por la ocasión. No
una inquietud por saber qué hay detrás.
suelo tener ninguno de mis objetos, de estos diseños, aquí en mi
Estrella Jibaja: Para eso sirve explorar el interior, la propia
casa. No me nace: me parece algo soberbio, como si un novelista
experiencia. Eso genera referentes. Por ejemplo, en nuestro caso, las
tuviera solamente sus libros en su biblioteca. Yo diseño para los
visitas al Museo Arqueológico Rafael Larco Herrera. Observar las
otros. Definitivamente nuestra línea de diseño va de la mano con
culturas preincaicas, aprender de ellas.
nuestra identidad cultural. Tratamos de que el origen de las ideas
Coque Andrade: Claro, eso fue muy importante. El diseño
de los productos que venimos desarrollando siempre esté basado
sobre los huaco retratos se inspiró de ahí, por ejemplo. Me
en el contexto local.
marcaron desde esos tiempos. Creo que también tiene que ver
Estrella Jibaja: Claro, ya sea desde una perspectiva histórica
mucho el concepto de la memoria y la nostalgia. Yo tengo muy
—cabeza clava-chavín o huaco retrato-moche, por ejemplo— o
presente a la cabeza clava, por ejemplo, o al Señor de Sipán, por mi
únicamente en la cultura viva —camiones de madera / San Pedro /
infancia, por el colegio, las circunstancias. Los viajes, a su vez, te
hoja de coca—. De manera general, yo creo que al diseñar tratamos
nutren de descubrimientos, de sensaciones.
de basarnos en nuestra propia experiencia o vivencia con esos
Álvaro Chang-Say: Entonces todo viene a formar parte tu
contextos para poder conceptualizarlo a través del proceso de
memoria y tus recuerdos, ¿no? Pero los viajes son esenciales para la
diseño y convertirlo en un producto tangible.
creación, y ese parece ser un buen ejercicio creativo para ustedes.
Álvaro Chang-Say: Lo que pasa es que en el caso de la cabeza clava hay un valor simbólico, que tiene que ver con la memoria y
3
¿Está relacionado a la identidad cultural, como mencioné antes?
¿Dirían que cada viaje es una suerte de lluvia de ideas?
Estrella Jibaja: Exacto, que nos encante viajar influye.
lo que representa. Esas son las satisfacciones que te da el objeto
La gran mayoría de veces ese es el punto de partida. Todo lo
que no son funcionales, sino más bien psicológicas y simbólicas. De
presenciado, recorrido o experimentado representa múltiples
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/conversatorio
a casa de Coque Andrade y Estrella Jibaja en La Aurora,
hecho, el acercamiento que tienen es más al nivel de la experiencia
en el barrio limeño de Miraflores, parece el lugar perfecto
y los objetos. Pienso que es una aproximación diferente, donde la
para hablar de diseño. Allí se pueden ver estanterías con
estructura no puede darse así nomás.
compuertas que se abren simulando las alas de un ave como si fueran las puertas del DeLorean, el automóvil de
Volver al futuro; hay un monumento de madera que representa a una familia de osos humanoides de tamaño natural; superficies
Estrella Jibaja: Es partir de algo local, ancestral, pero que se sienta contemporáneo. En ese proceso influyen mucho las percepciones personales.
Coque Andrade: Sí ponemos mucho de nuestro mundo
con púas de esponja esmeralda como secadoras en la cocina;
interno en los diseños. Trabajar con objetos en diseño industrial es
robots nostálgicos; afiches bellos y enormes; paredes cubiertas
algo muy particular. Creo que se necesita una perspectiva diferente,
de bloques de lego en la habitación de sus dos hijos y juguetes de
digamos, que la del arquitecto.
diseño representando distintos personajes. La lista es interminable.
Álvaro Chang-Say: Cierto, pero también están los arquitectos
Un sábado de mayo por la tarde, este hogar fue el escenario de
que diseñan objetos, acaso desde el punto de vista de su carrera.
una conversación sobre el origen de la inspiración para crear
El arquitecto es más un escultor. Podríamos decir que el discurso
un objeto, el significado de la identidad culutral en el diseño, la
es más largo y filosófico, pero igual están haciendo productos. De
situación de las nuevas generaciones de diseñadores industriales,
la misma forma se acercó también la española Patricia Urquiola.
la concepción del diseño que tienen los limeños y la complejidad
Una arquitecta que se retiró, que dejó de hacer porque la escala es
e importancia de la creatividad durante el proceso de creación.
más asequible. Uno puede estar ensayando, te lo llevas a tu casa. Es
Durante más de una hora, Álvaro Chang-Say, Coque Andrade y
diferente, pero sucede.
Estrella Jibaja conversaron sobre aquello que los apasiona, y los ha
Coque Andrade: Sí, pero no comparten la mirada de quien
convertido en exponentes de una corriente moderna que desdibuja
hace exclusivamente diseño, que es muy particular, ajena a la
los límites entre el arte y la producción industrial. Esta es parte de
arquitectura. Por otra parte, si me dices que diseñe una casa
una conversación entre tres profesionales que buscan transmitir
probablemente podría hacerlo, quizás necesite la asistencia de un
experiencias o conmover a través de la creación de objetos y
arquitecto pero sí podría hacerlo [risas].
espacios de todos los días:
Álvaro Chang-Say: Volviendo al trabajo que hacen, ¿cómo es que terminan enfocándose en elementos de un pasado histórico?
Álvaro Chang-Say: Aquí en su sala están reunidos muchos diseños, incluso algunos míos o de ustedes, lo que me remite a lo
Coque Andrade: Tiene que ver ciertamente con la necesidad
que hacemos: objetos con cierta identidad cultural, que hablan de
de hacer que la gente descubra algo con el diseño. Es decir: no
la memoria.¿Hay un valor simbólico en todo esto? ¿Cómo surgen y
basta con tener algo bonito para la casa, queremos hacer diseños
desarrollan esos elementos?
que causen un impacto a nivel estético y emocional. Que genere
Coque Andrade: Lo curioso es que esto es por la ocasión. No
una inquietud por saber qué hay detrás.
suelo tener ninguno de mis objetos, de estos diseños, aquí en mi
Estrella Jibaja: Para eso sirve explorar el interior, la propia
casa. No me nace: me parece algo soberbio, como si un novelista
experiencia. Eso genera referentes. Por ejemplo, en nuestro caso, las
tuviera solamente sus libros en su biblioteca. Yo diseño para los
visitas al Museo Arqueológico Rafael Larco Herrera. Observar las
otros. Definitivamente nuestra línea de diseño va de la mano con
culturas preincaicas, aprender de ellas.
nuestra identidad cultural. Tratamos de que el origen de las ideas
Coque Andrade: Claro, eso fue muy importante. El diseño
de los productos que venimos desarrollando siempre esté basado
sobre los huaco retratos se inspiró de ahí, por ejemplo. Me
en el contexto local.
marcaron desde esos tiempos. Creo que también tiene que ver
Estrella Jibaja: Claro, ya sea desde una perspectiva histórica
mucho el concepto de la memoria y la nostalgia. Yo tengo muy
—cabeza clava-chavín o huaco retrato-moche, por ejemplo— o
presente a la cabeza clava, por ejemplo, o al Señor de Sipán, por mi
únicamente en la cultura viva —camiones de madera / San Pedro /
infancia, por el colegio, las circunstancias. Los viajes, a su vez, te
hoja de coca—. De manera general, yo creo que al diseñar tratamos
nutren de descubrimientos, de sensaciones.
de basarnos en nuestra propia experiencia o vivencia con esos
Álvaro Chang-Say: Entonces todo viene a formar parte tu
contextos para poder conceptualizarlo a través del proceso de
memoria y tus recuerdos, ¿no? Pero los viajes son esenciales para la
diseño y convertirlo en un producto tangible.
creación, y ese parece ser un buen ejercicio creativo para ustedes.
Álvaro Chang-Say: Lo que pasa es que en el caso de la cabeza clava hay un valor simbólico, que tiene que ver con la memoria y
3
¿Está relacionado a la identidad cultural, como mencioné antes?
¿Dirían que cada viaje es una suerte de lluvia de ideas?
Estrella Jibaja: Exacto, que nos encante viajar influye.
lo que representa. Esas son las satisfacciones que te da el objeto
La gran mayoría de veces ese es el punto de partida. Todo lo
que no son funcionales, sino más bien psicológicas y simbólicas. De
presenciado, recorrido o experimentado representa múltiples
aRQUITECTURA, INTERIORISMO, DISENO Y ARTE
/conversatorio
direcciones para inspirarse, sobre todo en un país tan rico y
muy diferente a la de hace casi veinte años cuando éramos
variado como el nuestro.
estudiantes de la Facultad.
Coque Andrade: Eso puede llegar a ser bien fuerte. No
Coque Andrade: Era una época distinta. La adversidad
hace mucho realizamos un viaje con el diseñador Ricardo
y la escasez de recursos en general hacen que uno se forme
Geldres y visitamos la huaca de Cao Viejo, en el complejo
diferente, que sea necesariamente más creativo, más práctico
arqueológico El Brujo. Allí conocí a la Señora de Cao y fue una
en la búsqueda de soluciones inmediatas, muchas veces más
revelación. Eso provocó que termináramos haciendo un diseño
efectivo, más eficiente con los pocos elementos con los que
sobre ella. Viajar es vital.
dispone. Esto es una marca imborrable en nuestra formación y
Álvaro Chang-Say: ¿Y qué pasa después, si hablamos del proceso, cuando tienes que graficarlo o dibujarlo? ¿Es una liberación, como vaciar el disco duro?
Coque Andrade: Sucede justamente algo así. Hay una angustia, una necesidad de expresar lo que tienes en mente. En
en la vida que uno lleva como estudiante.
Álvaro Chang-Say: La tecnología ha influido mucho en los procesos que implican nuestro trabajo, es muy cierto. El tema de la inmediatez es un problema. Estamos hablando como viejos, qué miedo [risas].
mi caso soy mucho de dibujar en los primeros intentos o ideas
Estrella Jibaja: Obviamente. No existía la laptop, el
que tengo, de ahí ya lo comparto con el equipo de trabajo. Trato
smarthphone, el wi-fi, el rapid prototyping, el 3D printing, el
de traducir mis primeros trazos para que luego se comprenda
CNC de fácil acceso. Todas estas herramientas lógicamente
en su totalidad. Estrella es básicamente mi traductora en la
facilitan las cosas desde el punto de vista del concepto de diseño
concepción de una idea, después ya toca plasmar.
Estrella Jibaja: Siempre diseñamos juntos. Vamos conversando y todo fluye, es un proceso especial. Es como si
e investigación. Tampoco estaba Facebook, solamente e-mail. Imprimir a color en formato A3 era un lujo.
Coque Andrade: Hoy los chicos cuentan con eso y más,
habláramos un idioma único sólo nosotros. Vamos hablando todo el
lo cual hace muchas veces que la actitud generacional sea de
día sobre un diseño en particular: en la cocina, en el auto, la cama,
‘facilismo’: todo rápido, fácil y con poco esfuerzo. He conocido
el supermercado, verbalizamos y vamos diseñando en el camino.
jóvenes diseñadores que incluso no saben dibujar ni un cubo. Una
Coque Andrade: Muchas veces diseñamos sin papel y lápiz. Estrella Jibaja: Sólo conversando.
vez les mostré el Señor de Sipán a unos chicos y me dijeron ‘es el mismo del Tumi, ¿no?’ [risas].
Coque Andrade: Ganamos mucho tiempo diseñando de esa manera. Al final, cuando ya ves dibujada tu idea sucede esa
***
liberación, es suerte de catarsis, porque ya botas lo que tenías dentro, que estaba muy configurado y consolidado en tu mente.
otras formas de creación, como el cine, intenta decir, expresar,
Estrella Jibaja: Ya tiene forma, ya te lo puedes imaginar. Botas,
proponer. Cada uno está tratando de vivir o de revivir. Esto
sacas, pones, quitas, todo en la cabeza. Mientras más haces ese
guarda relación con el elemento cultural del diseño, ¿verdad?
ejercicio más tienes la capacidad de contemplar y ver un objeto sin
El diseño que proponemos implica la emoción a través del
que exista en la realidad, poder imaginarlo y verlo en detalle.
recuerdo, el contexto. Un tipo de discurso.
Álvaro Chang-Say: Me llama la atención la interacción con tu
Coque Andrade: La finalidad, como yo la veo, está
equipo a la hora de consolidar una idea. ¿Cómo asimila este tipo de
relacionada con la memoria y con el factor emocional. Antes no
diseño la juventud, los nuevos egresados de diseño industrial?
se hablaba de este tema, pero en la adquisición de un producto, de
Coque Andrade: Con los jóvenes hay siempre buen
un objeto de diseño hay una necesidad de recordar, un llamado al
feedback. A la hora de materializar los dibujos de mis ideas hay un diálogo. Es un proceso de crítica y construcción, hasta dar
pasado. Reacciones a nuestros recuerdos.
Álvaro Chang-Say: Sí. Por ejemplo, el caso de los robots de
forma al objeto que tengo en la cabeza en cierta manera. Puede
Ricardo Geldres es algo nostálgico. La gente que lo ha comprado
ser complicado, pero funciona. Sin embargo, creo que es necesario
es por una cuestión de apelación al recuerdo.
motivarlos más. Muchos se van por otro lado.
Estrella Jibaja: «Todo tiempo pasado fue mejor», tal como dice la cita [risas]. No digo que el pasado fue perfecto, tampoco
5
Álvaro Chang-Say: El diseño, como lo hacen también
Cuando concibes un diseño en tu mente es como si lo vieras.
Coque Andrade: Claro, y la mayoría de los compradores, incluso, son de su generación. Funciona perfectamente. Ahora, un objeto tiene que vender ternura.
desmerezco en lo absoluto el trabajo académico de los docentes
Estrella Jibaja: Tiene que conmover.
que forman a los egresados o critico el nivel con el que los
Coque Andrade: Yo espero, por ejemplo, que el Señor de
chicos concluyen su período de estudios, pero debemos aceptar
Sipán y la Señora de Cao hagan un click emocional por un tema
que el mundo y sobre todo el Perú actual vive una realidad
de ternura más que por el tótem. Podría decirse que es una
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/conversatorio
direcciones para inspirarse, sobre todo en un país tan rico y
muy diferente a la de hace casi veinte años cuando éramos
variado como el nuestro.
estudiantes de la Facultad.
Coque Andrade: Eso puede llegar a ser bien fuerte. No
Coque Andrade: Era una época distinta. La adversidad
hace mucho realizamos un viaje con el diseñador Ricardo
y la escasez de recursos en general hacen que uno se forme
Geldres y visitamos la huaca de Cao Viejo, en el complejo
diferente, que sea necesariamente más creativo, más práctico
arqueológico El Brujo. Allí conocí a la Señora de Cao y fue una
en la búsqueda de soluciones inmediatas, muchas veces más
revelación. Eso provocó que termináramos haciendo un diseño
efectivo, más eficiente con los pocos elementos con los que
sobre ella. Viajar es vital.
dispone. Esto es una marca imborrable en nuestra formación y
Álvaro Chang-Say: ¿Y qué pasa después, si hablamos del proceso, cuando tienes que graficarlo o dibujarlo? ¿Es una liberación, como vaciar el disco duro?
Coque Andrade: Sucede justamente algo así. Hay una angustia, una necesidad de expresar lo que tienes en mente. En
en la vida que uno lleva como estudiante.
Álvaro Chang-Say: La tecnología ha influido mucho en los procesos que implican nuestro trabajo, es muy cierto. El tema de la inmediatez es un problema. Estamos hablando como viejos, qué miedo [risas].
mi caso soy mucho de dibujar en los primeros intentos o ideas
Estrella Jibaja: Obviamente. No existía la laptop, el
que tengo, de ahí ya lo comparto con el equipo de trabajo. Trato
smarthphone, el wi-fi, el rapid prototyping, el 3D printing, el
de traducir mis primeros trazos para que luego se comprenda
CNC de fácil acceso. Todas estas herramientas lógicamente
en su totalidad. Estrella es básicamente mi traductora en la
facilitan las cosas desde el punto de vista del concepto de diseño
concepción de una idea, después ya toca plasmar.
Estrella Jibaja: Siempre diseñamos juntos. Vamos conversando y todo fluye, es un proceso especial. Es como si
e investigación. Tampoco estaba Facebook, solamente e-mail. Imprimir a color en formato A3 era un lujo.
Coque Andrade: Hoy los chicos cuentan con eso y más,
habláramos un idioma único sólo nosotros. Vamos hablando todo el
lo cual hace muchas veces que la actitud generacional sea de
día sobre un diseño en particular: en la cocina, en el auto, la cama,
‘facilismo’: todo rápido, fácil y con poco esfuerzo. He conocido
el supermercado, verbalizamos y vamos diseñando en el camino.
jóvenes diseñadores que incluso no saben dibujar ni un cubo. Una
Coque Andrade: Muchas veces diseñamos sin papel y lápiz. Estrella Jibaja: Sólo conversando.
vez les mostré el Señor de Sipán a unos chicos y me dijeron ‘es el mismo del Tumi, ¿no?’ [risas].
Coque Andrade: Ganamos mucho tiempo diseñando de esa manera. Al final, cuando ya ves dibujada tu idea sucede esa
***
liberación, es suerte de catarsis, porque ya botas lo que tenías dentro, que estaba muy configurado y consolidado en tu mente.
otras formas de creación, como el cine, intenta decir, expresar,
Estrella Jibaja: Ya tiene forma, ya te lo puedes imaginar. Botas,
proponer. Cada uno está tratando de vivir o de revivir. Esto
sacas, pones, quitas, todo en la cabeza. Mientras más haces ese
guarda relación con el elemento cultural del diseño, ¿verdad?
ejercicio más tienes la capacidad de contemplar y ver un objeto sin
El diseño que proponemos implica la emoción a través del
que exista en la realidad, poder imaginarlo y verlo en detalle.
recuerdo, el contexto. Un tipo de discurso.
Álvaro Chang-Say: Me llama la atención la interacción con tu
Coque Andrade: La finalidad, como yo la veo, está
equipo a la hora de consolidar una idea. ¿Cómo asimila este tipo de
relacionada con la memoria y con el factor emocional. Antes no
diseño la juventud, los nuevos egresados de diseño industrial?
se hablaba de este tema, pero en la adquisición de un producto, de
Coque Andrade: Con los jóvenes hay siempre buen
un objeto de diseño hay una necesidad de recordar, un llamado al
feedback. A la hora de materializar los dibujos de mis ideas hay un diálogo. Es un proceso de crítica y construcción, hasta dar
pasado. Reacciones a nuestros recuerdos.
Álvaro Chang-Say: Sí. Por ejemplo, el caso de los robots de
forma al objeto que tengo en la cabeza en cierta manera. Puede
Ricardo Geldres es algo nostálgico. La gente que lo ha comprado
ser complicado, pero funciona. Sin embargo, creo que es necesario
es por una cuestión de apelación al recuerdo.
motivarlos más. Muchos se van por otro lado.
Estrella Jibaja: «Todo tiempo pasado fue mejor», tal como dice la cita [risas]. No digo que el pasado fue perfecto, tampoco
5
Álvaro Chang-Say: El diseño, como lo hacen también
Cuando concibes un diseño en tu mente es como si lo vieras.
Coque Andrade: Claro, y la mayoría de los compradores, incluso, son de su generación. Funciona perfectamente. Ahora, un objeto tiene que vender ternura.
desmerezco en lo absoluto el trabajo académico de los docentes
Estrella Jibaja: Tiene que conmover.
que forman a los egresados o critico el nivel con el que los
Coque Andrade: Yo espero, por ejemplo, que el Señor de
chicos concluyen su período de estudios, pero debemos aceptar
Sipán y la Señora de Cao hagan un click emocional por un tema
que el mundo y sobre todo el Perú actual vive una realidad
de ternura más que por el tótem. Podría decirse que es una
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suerte de trampa, que se encanten por lo visual y que luego descubran toda una idea, un sentimiento detrás.
Álvaro Chang-Say: De eso se habla ahora en la teoría del diseño. Antes tú no enfocabas, sólo veías la forma y ya,
Nosotros por ejemplo nos vamos más a lo emocional.
Álvaro Chang-Say: Eso que mencionas, de desarrollar un
ahora empiezas a experimentar. Entonces nuestra propuesta o
estilo, es un tema de una complejidad fuerte. Creo que tiene
alternativa es esta mezcla entre el diseño y la artesanía.
que ver mucho con la creatividad. ¿Cuál es el aporte de la
Estrella Jibaja: Es sobre transmitir algo más allá del diseño. Álvaro Chang-Say: El problema es que aquí las personas
creatividad en todo esto?
Coque Andrade: Como dices, la parte creativa es
por lo general todavía no comprenden qué tanto abarca la idea
complicada, no todos pueden. No hay muchas personas que
del diseño. No visualizan que estos objetos son los huacos del
posean la facilidad de crear algo original.
futuro, lo que las civilizaciones del mañana encontrarán como vestigios de nuestra época. Estamos generando de alguna forma cultura material. Historia. Cuando desentierras una ciudad antigua
Álvaro Chang-Say: Lo que pasa es que hay tiempo y energía creativa. Es una apuesta personal.
Coque Andrade: El potencial creativo tiene mucho que ver
aparecen la arquitectura y los objetos. Nosotros estamos plagados
con encontrar el punto más sensible. Mientras uno es sensible,
de muchas referencias, muchas marcas. Creo que estos intentos
tiene la capacidad para crear.
hacen que de alguna forma estemos marcando un camino, ¿no? ¿Qué percepción tiene la gente de lo que hacemos?
Estrella Jibaja: Hay público de todo tipo. Hay usuarios que
Estrella Jibaja: La creatividad es la capacidad de crear desde cero, de ser original, inventar, dar respuestas, soluciones a problemas y el diseño justamente está lleno de problemas
disfrutan del diseño y buscan comprender el objeto que están
por solucionar dentro de todo su proceso y en todas sus
comprando. Por otra parte hay muchos que únicamente lo
etapas: hay retos en cuanto a los conceptos a plantear,
adquieren porque es una cuestión de status.
tecnológicos, productivos, funcionales, como la relación
Álvaro Chang-Say: Así es. Si lo ven en una revista o en la televisión, lo comprarán. Es muy posible el escenario en
hombre-objeto, por ejemplo.
Álvaro Chang-Say: La originalidad está basada en la
el que alguien de clase socioeconómica alta, por llamarlo de
capacidad que alguien tiene en campos como el diseño, el arte,
alguna forma, compra el diseño que a ti tanto tiempo, esfuerzo
la cocina, de hacer algo distinto, que otros no practican, de ver
o cariño te costó crear, para luego dejarlo en un solo lugar, para
más allá de lo evidente.
mostrarlo nada más, sin usarlo jamás.
Coque Andrade: Es una realidad, pero también depende
Coque Andrade: La creatividad es la esencia de cualquier propuesta de diseño y es en realidad la cualidad fundamental
del diseño. Hay muchos que no tienen funcionalidad, como
que el diseñador debería de tener en su perfil, a pesar de que
mi cabeza clava. Se supone que tenemos que hacer cosas
las técnicas o métodos creativos a veces no forman parte de
utilitarias. Pero, además, es vital no quitarle el respeto que se
su formación.
merece haciéndolo utilitario a menos que la función realmente
Estrella Jibaja: Ahora también hay diseñadores que buscan
lo amerite, como en el caso del huaco retrato, el poner tu foto en
referencias antiguas, se apropian de elementos de una forma muy
ese objeto refuerza la idea.
simple o evidente y crean algo que no es original. Para nosotros
Estrella Jibaja: Claro, otros diseños en cambio son más
copiar o imitar no es el camino correcto. Siempre tiene que haber
como para tenerlos en tu sala o dormitorio y lo aprecies, lo
aporte, tiene que haber creación involucrada. La creatividad tiene
atesores, lo quieras.
mucho que ver, volviendo al tema del ‘facilismo’, resulta más fácil
Álvaro Chang-Say: Ya, pero en líneas generales la gente no entiende del todo que significa el diseño o ser diseñador.
apropiarse de algo que conceptualizarlo desde cero.
Álvaro Chang-Say: De hecho, apostar por el diseño
Todavía no hay una noción de nuestra verdadera función, en la
emocional y la creatividad en nuestra realidad es una empresa
industria y la sociedad en sí, no entienden la gran importancia
difícil. Pero es la identidad con la que nos sentimos reflejados,
que tiene el diseñador industrial en sus vidas, en la sociedad. Mira
donde hay un sentimiento de pertenencia del cual nos podemos
al ser humano: primero es diseñador industrial que arquitecto.
apropiar, para crear. Es porque somos optimistas.
Habita cuevas, pero si va a construir, primero tiene que crear las herramientas para efectuar la construcción.
Estrella Jibaja: La diferencia está en que el diseñador
7
Coque Andrade: Exacto, y dentro de esa definición se desarrolla una idea, un estilo. Cada diseñador industrial lo busca.
Coque Andrade: A pesar de todo, lo somos. Álvaro Chang-Say: Porque si no lo fuéramos, no estaríamos haciendo estas cosas.
industrial va a un tema más altruista, de ayuda. Por lo general
Estrella Jibaja: El diseñador es un soñador.
diseñamos para mejorar la calidad de vida de la gente. Objetos
Álvaro Chang-Say: Un diseñador romántico [risas].
que propongan una vida más decente.
Coque Andrade: Así es
aRQUITECTURA, INTERIORISMO, DISENO Y ARTE
/conversatorio
suerte de trampa, que se encanten por lo visual y que luego descubran toda una idea, un sentimiento detrás.
Álvaro Chang-Say: De eso se habla ahora en la teoría del diseño. Antes tú no enfocabas, sólo veías la forma y ya,
Nosotros por ejemplo nos vamos más a lo emocional.
Álvaro Chang-Say: Eso que mencionas, de desarrollar un
ahora empiezas a experimentar. Entonces nuestra propuesta o
estilo, es un tema de una complejidad fuerte. Creo que tiene
alternativa es esta mezcla entre el diseño y la artesanía.
que ver mucho con la creatividad. ¿Cuál es el aporte de la
Estrella Jibaja: Es sobre transmitir algo más allá del diseño. Álvaro Chang-Say: El problema es que aquí las personas
creatividad en todo esto?
Coque Andrade: Como dices, la parte creativa es
por lo general todavía no comprenden qué tanto abarca la idea
complicada, no todos pueden. No hay muchas personas que
del diseño. No visualizan que estos objetos son los huacos del
posean la facilidad de crear algo original.
futuro, lo que las civilizaciones del mañana encontrarán como vestigios de nuestra época. Estamos generando de alguna forma cultura material. Historia. Cuando desentierras una ciudad antigua
Álvaro Chang-Say: Lo que pasa es que hay tiempo y energía creativa. Es una apuesta personal.
Coque Andrade: El potencial creativo tiene mucho que ver
aparecen la arquitectura y los objetos. Nosotros estamos plagados
con encontrar el punto más sensible. Mientras uno es sensible,
de muchas referencias, muchas marcas. Creo que estos intentos
tiene la capacidad para crear.
hacen que de alguna forma estemos marcando un camino, ¿no? ¿Qué percepción tiene la gente de lo que hacemos?
Estrella Jibaja: Hay público de todo tipo. Hay usuarios que
Estrella Jibaja: La creatividad es la capacidad de crear desde cero, de ser original, inventar, dar respuestas, soluciones a problemas y el diseño justamente está lleno de problemas
disfrutan del diseño y buscan comprender el objeto que están
por solucionar dentro de todo su proceso y en todas sus
comprando. Por otra parte hay muchos que únicamente lo
etapas: hay retos en cuanto a los conceptos a plantear,
adquieren porque es una cuestión de status.
tecnológicos, productivos, funcionales, como la relación
Álvaro Chang-Say: Así es. Si lo ven en una revista o en la televisión, lo comprarán. Es muy posible el escenario en
hombre-objeto, por ejemplo.
Álvaro Chang-Say: La originalidad está basada en la
el que alguien de clase socioeconómica alta, por llamarlo de
capacidad que alguien tiene en campos como el diseño, el arte,
alguna forma, compra el diseño que a ti tanto tiempo, esfuerzo
la cocina, de hacer algo distinto, que otros no practican, de ver
o cariño te costó crear, para luego dejarlo en un solo lugar, para
más allá de lo evidente.
mostrarlo nada más, sin usarlo jamás.
Coque Andrade: Es una realidad, pero también depende
Coque Andrade: La creatividad es la esencia de cualquier propuesta de diseño y es en realidad la cualidad fundamental
del diseño. Hay muchos que no tienen funcionalidad, como
que el diseñador debería de tener en su perfil, a pesar de que
mi cabeza clava. Se supone que tenemos que hacer cosas
las técnicas o métodos creativos a veces no forman parte de
utilitarias. Pero, además, es vital no quitarle el respeto que se
su formación.
merece haciéndolo utilitario a menos que la función realmente
Estrella Jibaja: Ahora también hay diseñadores que buscan
lo amerite, como en el caso del huaco retrato, el poner tu foto en
referencias antiguas, se apropian de elementos de una forma muy
ese objeto refuerza la idea.
simple o evidente y crean algo que no es original. Para nosotros
Estrella Jibaja: Claro, otros diseños en cambio son más
copiar o imitar no es el camino correcto. Siempre tiene que haber
como para tenerlos en tu sala o dormitorio y lo aprecies, lo
aporte, tiene que haber creación involucrada. La creatividad tiene
atesores, lo quieras.
mucho que ver, volviendo al tema del ‘facilismo’, resulta más fácil
Álvaro Chang-Say: Ya, pero en líneas generales la gente no entiende del todo que significa el diseño o ser diseñador.
apropiarse de algo que conceptualizarlo desde cero.
Álvaro Chang-Say: De hecho, apostar por el diseño
Todavía no hay una noción de nuestra verdadera función, en la
emocional y la creatividad en nuestra realidad es una empresa
industria y la sociedad en sí, no entienden la gran importancia
difícil. Pero es la identidad con la que nos sentimos reflejados,
que tiene el diseñador industrial en sus vidas, en la sociedad. Mira
donde hay un sentimiento de pertenencia del cual nos podemos
al ser humano: primero es diseñador industrial que arquitecto.
apropiar, para crear. Es porque somos optimistas.
Habita cuevas, pero si va a construir, primero tiene que crear las herramientas para efectuar la construcción.
Estrella Jibaja: La diferencia está en que el diseñador
7
Coque Andrade: Exacto, y dentro de esa definición se desarrolla una idea, un estilo. Cada diseñador industrial lo busca.
Coque Andrade: A pesar de todo, lo somos. Álvaro Chang-Say: Porque si no lo fuéramos, no estaríamos haciendo estas cosas.
industrial va a un tema más altruista, de ayuda. Por lo general
Estrella Jibaja: El diseñador es un soñador.
diseñamos para mejorar la calidad de vida de la gente. Objetos
Álvaro Chang-Say: Un diseñador romántico [risas].
que propongan una vida más decente.
Coque Andrade: Así es
aRQUITECTURA, INTERIORISMO, DISENO Y ARTE
/inspiración
aRQUITECTURA, INTERIORISMO, DISENO Y ARTE
cabeza clava Contexto.
Las cabezas clavas son monolitos escultóricos
pertenecientes a la cultura preincaica Chavín. Fueron descubiertas en 1920 por Julio C. Tello en Chavín de Huántar, en el Departamento Áncash, donde estaban incrustadas en las paredes,
9
o sobrenaturales, con diseños de ojos de ave, rasgos de felino o cabello de serpientes, además de antropomorfas.
Experiencia, concepto.
Proceso-Concepto.
«Quería verla y que todos los elementos que me
han gustado estuvieran presentes en ella, pero sin ninguna utilidad. Tenía que ser totalmente decorativa». Así se inició el proceso de la cabeza clava
Coque fue articulando el diseño
como silueta armable, una reinterpretación que parte de la intersección de
equidistantes y en fila horizontal. Se les bautizó y se hicieron
de la cabeza clava sobre la base de la memoria. «Nació de la imagen
planos verticales. De esta forma puede ser fácilmente armada y colgada
conocidas como ‘clavas’ debido a su forma espigada en la parte
nostálgica e infantil que tenemos de la cabeza clava, esa que vemos
en las paredes. «Buscamos que la cabeza sea lo contrario a lo que es
posterior, que les permitía adherirse o fijarse en las paredes o
en el colegio, en los cursos de historia y las láminas escolares. Es una
normalmente: pesada, de piedra y de volumen tosco. Durante el proceso,
muros de los templos como clavos. Su funcionalidad permanece
imagen fuerte, que te marca visualmente». La intención era trasladar
el equipo no parecía convencido de la propuesta y la composición. Les
incierta. Se dice que servían como estoicos protectores de los
el monolito histórico que refleja parte del pasado personal a una
extrañaba la ausencia de funcionalidad. Les dije que era viable porque
templos, para asustar a los espíritus malignos. Tello postuló que
estancia más amable y cercana, a la cotidianeidad del hogar. Hacerlo
las personas podían identificarse, por ser un recuerdo fuerte, sobre todo
representaban cabezas trofeo de enemigos. De Habich sostuvo
nuevamente parte de su entorno y realidad. «En los primeros dibujos
la gente de mi generación. Tuvimos que trabajar en ello, un proceso de
que eran retratos de sacerdotes chavines en pleno trance ritual
se reflejaba mi necesidad de consolidarlo como un personaje de
corrección y crítica constante. No existen bloqueos, sólo caminos errados. Se
con alucinógenos. Kauffman Doig, por su parte, defendía la
mi niñez, de ver a E.T., ver mi infancia». Un vigilante que proteja el
trata de entender que un diseño con un arraigo cultural puede llegar a tocar
teoría de las cabezas como una interpretación de seres míticos
hogar y ahuyente las malas vibras o a las personas indeseadas.
a las personas de una manera diferente»
Izquierda (*) Fotografía de Cabeza Clava en su ubicación original, uno de los muros del templo o castillo de Chavín de Huántar. Sirvió como fuente de inspiración y referencia visual. (**) Serie de bocetos y esquemas del proceso de desarrollo del producto (***) Prototipo físico de Cabeza Clava. Derecha Producto final: Cabeza Clava, versión blanca. 10
aRQUITECTURA, INTERIORISMO, DISENO Y ARTE
/inspiración
aRQUITECTURA, INTERIORISMO, DISENO Y ARTE
cabeza clava Contexto.
Las cabezas clavas son monolitos escultóricos
pertenecientes a la cultura preincaica Chavín. Fueron descubiertas en 1920 por Julio C. Tello en Chavín de Huántar, en el Departamento Áncash, donde estaban incrustadas en las paredes,
9
o sobrenaturales, con diseños de ojos de ave, rasgos de felino o cabello de serpientes, además de antropomorfas.
Experiencia, concepto.
Proceso-Concepto.
«Quería verla y que todos los elementos que me
han gustado estuvieran presentes en ella, pero sin ninguna utilidad. Tenía que ser totalmente decorativa». Así se inició el proceso de la cabeza clava
Coque fue articulando el diseño
como silueta armable, una reinterpretación que parte de la intersección de
equidistantes y en fila horizontal. Se les bautizó y se hicieron
de la cabeza clava sobre la base de la memoria. «Nació de la imagen
planos verticales. De esta forma puede ser fácilmente armada y colgada
conocidas como ‘clavas’ debido a su forma espigada en la parte
nostálgica e infantil que tenemos de la cabeza clava, esa que vemos
en las paredes. «Buscamos que la cabeza sea lo contrario a lo que es
posterior, que les permitía adherirse o fijarse en las paredes o
en el colegio, en los cursos de historia y las láminas escolares. Es una
normalmente: pesada, de piedra y de volumen tosco. Durante el proceso,
muros de los templos como clavos. Su funcionalidad permanece
imagen fuerte, que te marca visualmente». La intención era trasladar
el equipo no parecía convencido de la propuesta y la composición. Les
incierta. Se dice que servían como estoicos protectores de los
el monolito histórico que refleja parte del pasado personal a una
extrañaba la ausencia de funcionalidad. Les dije que era viable porque
templos, para asustar a los espíritus malignos. Tello postuló que
estancia más amable y cercana, a la cotidianeidad del hogar. Hacerlo
las personas podían identificarse, por ser un recuerdo fuerte, sobre todo
representaban cabezas trofeo de enemigos. De Habich sostuvo
nuevamente parte de su entorno y realidad. «En los primeros dibujos
la gente de mi generación. Tuvimos que trabajar en ello, un proceso de
que eran retratos de sacerdotes chavines en pleno trance ritual
se reflejaba mi necesidad de consolidarlo como un personaje de
corrección y crítica constante. No existen bloqueos, sólo caminos errados. Se
con alucinógenos. Kauffman Doig, por su parte, defendía la
mi niñez, de ver a E.T., ver mi infancia». Un vigilante que proteja el
trata de entender que un diseño con un arraigo cultural puede llegar a tocar
teoría de las cabezas como una interpretación de seres míticos
hogar y ahuyente las malas vibras o a las personas indeseadas.
a las personas de una manera diferente»
Izquierda (*) Fotografía de Cabeza Clava en su ubicación original, uno de los muros del templo o castillo de Chavín de Huántar. Sirvió como fuente de inspiración y referencia visual. (**) Serie de bocetos y esquemas del proceso de desarrollo del producto (***) Prototipo físico de Cabeza Clava. Derecha Producto final: Cabeza Clava, versión blanca. 10
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/inspiración
Señor de Sipán y Señora de Cao Contexto.
El Señor de Sipán fue un gran guerrero y
Experiencia.
«Al Señor de Sipán lo encontraron cuando
Proceso-Concepto.
La idea era volver a ambos personajes
gobernante de la cultura moche alrededor del año 250 d.C. Su
yo era todavía un niño. Ello me tenía sin cuidado pero mi mamá
más amigables y modernos, alejándolos en parte de sus atributos
tumba fue descubierta por el arqueólogo Walter Alva y su equipo
quiso llevarme al museo. Creí que vería un esqueleto, eso era lo que
señoriales. «El señor de Sipán está compuesto por una serie de planos
en 1987 en las ruinas de Huaca Rajada, en Sipán, en la ciudad de
estaba bueno para mí, lo que al menos esperaba ver. Pero cuando
que conforman un objeto escalonado. En las huacas tienes que subir
Chiclayo. Su hallazgo fue una gran revelación: era la primera vez
lo vimos descubrí que lo increíble de pronto no era su cuerpo,
escalones, rampas, niveles; y los dos personajes salieron de huacas, uno
que se encontraban con un sepulcro real preincaico, que además
que su significado se reflejaba más en lo que traía consigo: todas
de Huaca Rajada y el otro de Cao Viejo. Esta serie de escalones que tienen
no había sido profanado por los saqueadores. De la misma forma,
esas joyas ceremoniales, esos cerámicos y piezas maravillosas. La
las huacas me llevó a pensar que el diseño debía tener estos niveles
la Señora de Cao fue una lideresa moche fallecida alrededor del
imagen fue muy poderosa, se grabó en mi memoria para siempre».
como detalle, que el personaje se construya a través de una huaca.
año 400 d.C., que gobernó la región norteña del Perú durante el
La experiencia, que Coque de niño contempló como una decepción,
Los niveles en su cuerpo son parte del concepto de la huaca. Es muy
Siglo IV. Su tumba fue hallada en el 2006 por Regulo Franco Jordán
se transformó en admiración y deseo de ver más. Se trata de una
interesante cómo salen las ideas. Es automático. El lenguaje de cómo
y su equipo, en la huaca de Cao Viejo, en el sitio arqueológico El
transformación que ha hecho de un recuerdo de su infancia, acaso
plasmarlo, traerlo a la vida con algo de aquí, como la huaca. Así, salió el
Brujo, en el Departamento La Libertad. Su hallazgo fue el primer
con una perspectiva diferente. Coque y Estrella descubren a la
proyecto y ahora es parte de mi vida». Ambos personajes causaron un
registro del poder de las mujeres en el antiguo Perú. Debido a sus
Señora de Cao juntos, en un viaje al norte que los llevó al Museo
fuerte impacto, que es lo mismo que Coque busca traducir con el diseño
lugares de origen y al tiempo aproximado de su existencia, se
de Cao. «Ella estaba allí, llena de joyas y tatuajes en una urna
que han armado. «El diseño de la Señora de Cao se desarrolló en base
han hecho muchas comparaciones entre ambos personajes de la
momificada. Fue una suerte de catarsis, algo muy especial para
al proyecto del Señor de Sipán. Tratamos de diseñar a través de nuestra
realeza mochica. Al igual que su contraparte masculina, estaba
mí». Allí decidieron vincular a los personajes. «Vivieron en épocas
experiencia». Los primeros dibujos eran muy cercanos al resultado final,
cubierta de distintos adornos, vestidos, collares o diademas que
similares, pertenecieron a culturas similares y fueron encontrados
era el camino que querían seguir desde el inicio
confirmaban su soberanía.
en situaciones similares. Teníamos que hacerlo».
11
Izquierda (*) Fotografía de la réplica del Señor de Sipán que se encuentra expuesta en el museo arqueológico en Chiclayo. (**) Fotografía de la réplica de la Señora de Cao que se encuentra expuesta en el Museo Cao ubicado en el complejo arqueológico El Brujo. (***)Bocetos y esquemas del proceso de desarrollo del producto. Derecha Producto final: Señor de Sipán y Señora Cao. 12
aRQUITECTURA, INTERIORISMO, DISENO Y ARTE
/inspiración
Señor de Sipán y Señora de Cao Contexto.
El Señor de Sipán fue un gran guerrero y
Experiencia.
«Al Señor de Sipán lo encontraron cuando
Proceso-Concepto.
La idea era volver a ambos personajes
gobernante de la cultura moche alrededor del año 250 d.C. Su
yo era todavía un niño. Ello me tenía sin cuidado pero mi mamá
más amigables y modernos, alejándolos en parte de sus atributos
tumba fue descubierta por el arqueólogo Walter Alva y su equipo
quiso llevarme al museo. Creí que vería un esqueleto, eso era lo que
señoriales. «El señor de Sipán está compuesto por una serie de planos
en 1987 en las ruinas de Huaca Rajada, en Sipán, en la ciudad de
estaba bueno para mí, lo que al menos esperaba ver. Pero cuando
que conforman un objeto escalonado. En las huacas tienes que subir
Chiclayo. Su hallazgo fue una gran revelación: era la primera vez
lo vimos descubrí que lo increíble de pronto no era su cuerpo,
escalones, rampas, niveles; y los dos personajes salieron de huacas, uno
que se encontraban con un sepulcro real preincaico, que además
que su significado se reflejaba más en lo que traía consigo: todas
de Huaca Rajada y el otro de Cao Viejo. Esta serie de escalones que tienen
no había sido profanado por los saqueadores. De la misma forma,
esas joyas ceremoniales, esos cerámicos y piezas maravillosas. La
las huacas me llevó a pensar que el diseño debía tener estos niveles
la Señora de Cao fue una lideresa moche fallecida alrededor del
imagen fue muy poderosa, se grabó en mi memoria para siempre».
como detalle, que el personaje se construya a través de una huaca.
año 400 d.C., que gobernó la región norteña del Perú durante el
La experiencia, que Coque de niño contempló como una decepción,
Los niveles en su cuerpo son parte del concepto de la huaca. Es muy
Siglo IV. Su tumba fue hallada en el 2006 por Regulo Franco Jordán
se transformó en admiración y deseo de ver más. Se trata de una
interesante cómo salen las ideas. Es automático. El lenguaje de cómo
y su equipo, en la huaca de Cao Viejo, en el sitio arqueológico El
transformación que ha hecho de un recuerdo de su infancia, acaso
plasmarlo, traerlo a la vida con algo de aquí, como la huaca. Así, salió el
Brujo, en el Departamento La Libertad. Su hallazgo fue el primer
con una perspectiva diferente. Coque y Estrella descubren a la
proyecto y ahora es parte de mi vida». Ambos personajes causaron un
registro del poder de las mujeres en el antiguo Perú. Debido a sus
Señora de Cao juntos, en un viaje al norte que los llevó al Museo
fuerte impacto, que es lo mismo que Coque busca traducir con el diseño
lugares de origen y al tiempo aproximado de su existencia, se
de Cao. «Ella estaba allí, llena de joyas y tatuajes en una urna
que han armado. «El diseño de la Señora de Cao se desarrolló en base
han hecho muchas comparaciones entre ambos personajes de la
momificada. Fue una suerte de catarsis, algo muy especial para
al proyecto del Señor de Sipán. Tratamos de diseñar a través de nuestra
realeza mochica. Al igual que su contraparte masculina, estaba
mí». Allí decidieron vincular a los personajes. «Vivieron en épocas
experiencia». Los primeros dibujos eran muy cercanos al resultado final,
cubierta de distintos adornos, vestidos, collares o diademas que
similares, pertenecieron a culturas similares y fueron encontrados
era el camino que querían seguir desde el inicio
confirmaban su soberanía.
en situaciones similares. Teníamos que hacerlo».
11
Izquierda (*) Fotografía de la réplica del Señor de Sipán que se encuentra expuesta en el museo arqueológico en Chiclayo. (**) Fotografía de la réplica de la Señora de Cao que se encuentra expuesta en el Museo Cao ubicado en el complejo arqueológico El Brujo. (***)Bocetos y esquemas del proceso de desarrollo del producto. Derecha Producto final: Señor de Sipán y Señora Cao. 12
LA REBELdíA DEL LUJO Un texto de David Himelfarb Fotos de YOO panama inspired by Starck
Un diseñador está condenado al anonimato. Philippe Starck, el creativo más exitoso y revolucionario de las últimas décadas lo sabe. Por eso construye para que se recuerde su obra. En un mundo siempre tildado de elitista, él quiere abanderar el diseño democrático, pero su último proyecto son unos condominio de lujo en Panamá. ¿Se pueden dar la mano la revolución y la riqueza? PHILIPPE STARCK, el ideólogo
p
ayuda a mejorar el mundo en el que vivimos. Uno de sus grandes proyectos es Yoo, un proyecto con con tres lustros de edad que
hilippe Starck es uno de esos nombres que nos resulta
construye hoteles y casas de lujo en las principales ciudades del
familiar, pero que no sabríamos colocar en un ámbito
mundo. En breve llegará a Lima con el proyecto Malecón, ubicado
concreto. Como le pasa a los arquitectos opacados
en la exclusiva costanera del barrio de Miraflores. ¿Qué tiene de
por sus edificios o a esos futbolistas de los que hemos
revolucionario alguien que construye edificios para ricos?
visto algún gol pero no sabemos en qué equipo militan.
Pocas personas pueden explicar su historia a través de un
Philippe Starck es un diseñador. Para los profanos de este mundo,
exprimidor de naranjas. Sin embargo, el diseñador de motocicletas
esto significa que su nombre queda escondido tras los objetos
Aprilia, televisores Thompson, muebles con Lenny Kravitz, tiendas
que fabrica. Pero Philippe Starck, ese nombre que nos suena, es el
de Jean Paul Gaultier, librerías para Taschen, zapatos para Puma,
diseñador más reconocido, prolífico y vanguardista de las últimas
aeropuertos para París u hoteles en Miami, Nueva York y Londres,
décadas. Una mente brillante y ecléctica de sesenta y cinco años
tiene en un exprimidor de cítricos que inventó mientras comía
que diseña desde naves espaciales hasta calzoncillos. Yates para
calamares, su producto más emblemático. El Juicy Salif es el
millonarios rusos y cepillos de dientes. El diseñador de referencia
objeto que todo diseñador famoso y desconocido a la vez querría
de los últimos treinta años.
concebir. Por lo exclusivo de su creaciones, los diseñadores están
En las últimas décadas Starck se ha fabricado un discurso
en la mayoría de ocasiones abocados al anonimato de sus nombres
a medida sólido, que sustenta sus creaciones desde una base
entre el gran público. En una charla TEDx, Starck decía que el
filosófica y política que dice extrañar al comunismo y reivindicar
diseño surge de la abundancia. En las épocas de oscuridad el
la ecología y la democracia del diseño. Philippe Starck ha llegado
diseño, la belleza y el arte se pierden en favor de la supervivencia.
a declararse anarquista. Y dice que su trabajo sólo tiene sentido si
Starck es consciente de lo elitista de su trabajo y así de lo reducido
LA REBELdíA DEL LUJO Un texto de David Himelfarb Fotos de YOO panama inspired by Starck
Un diseñador está condenado al anonimato. Philippe Starck, el creativo más exitoso y revolucionario de las últimas décadas lo sabe. Por eso construye para que se recuerde su obra. En un mundo siempre tildado de elitista, él quiere abanderar el diseño democrático, pero su último proyecto son unos condominio de lujo en Panamá. ¿Se pueden dar la mano la revolución y la riqueza? PHILIPPE STARCK, el ideólogo
p
ayuda a mejorar el mundo en el que vivimos. Uno de sus grandes proyectos es Yoo, un proyecto con con tres lustros de edad que
hilippe Starck es uno de esos nombres que nos resulta
construye hoteles y casas de lujo en las principales ciudades del
familiar, pero que no sabríamos colocar en un ámbito
mundo. En breve llegará a Lima con el proyecto Malecón, ubicado
concreto. Como le pasa a los arquitectos opacados
en la exclusiva costanera del barrio de Miraflores. ¿Qué tiene de
por sus edificios o a esos futbolistas de los que hemos
revolucionario alguien que construye edificios para ricos?
visto algún gol pero no sabemos en qué equipo militan.
Pocas personas pueden explicar su historia a través de un
Philippe Starck es un diseñador. Para los profanos de este mundo,
exprimidor de naranjas. Sin embargo, el diseñador de motocicletas
esto significa que su nombre queda escondido tras los objetos
Aprilia, televisores Thompson, muebles con Lenny Kravitz, tiendas
que fabrica. Pero Philippe Starck, ese nombre que nos suena, es el
de Jean Paul Gaultier, librerías para Taschen, zapatos para Puma,
diseñador más reconocido, prolífico y vanguardista de las últimas
aeropuertos para París u hoteles en Miami, Nueva York y Londres,
décadas. Una mente brillante y ecléctica de sesenta y cinco años
tiene en un exprimidor de cítricos que inventó mientras comía
que diseña desde naves espaciales hasta calzoncillos. Yates para
calamares, su producto más emblemático. El Juicy Salif es el
millonarios rusos y cepillos de dientes. El diseñador de referencia
objeto que todo diseñador famoso y desconocido a la vez querría
de los últimos treinta años.
concebir. Por lo exclusivo de su creaciones, los diseñadores están
En las últimas décadas Starck se ha fabricado un discurso
en la mayoría de ocasiones abocados al anonimato de sus nombres
a medida sólido, que sustenta sus creaciones desde una base
entre el gran público. En una charla TEDx, Starck decía que el
filosófica y política que dice extrañar al comunismo y reivindicar
diseño surge de la abundancia. En las épocas de oscuridad el
la ecología y la democracia del diseño. Philippe Starck ha llegado
diseño, la belleza y el arte se pierden en favor de la supervivencia.
a declararse anarquista. Y dice que su trabajo sólo tiene sentido si
Starck es consciente de lo elitista de su trabajo y así de lo reducido
aRQUITECTURA, INTERIORISMO, DISENO Y ARTE
/interiorismo
de su público. Lo que le queda entonces al diseñador es la fama de sus productos. El exprimidor de Starck es el ejemplo. Un objeto cotidiano en forma de araña o de nave espacial, que se ha convertido en un objeto de coleccionista del diseño industrial reconocible en todo el mundo. Uno de esos aparatos que no sabíamos que conocíamos, pero que seguramente ya habremos visto cuando lo busquemos en Google. Juicy Salif es la insignia que Starck querría si no la tuviera, porque aúna en dos palmos la cotidianeidad, la belleza, la trangresión, el lujo y la ubicuidad.
Según Philippe Starck, sus padres lo educaron para que acabara construyendo estaciones espaciales. Pero el objeto más famoso del diseñador más prolífico es un hoy un exprimidor de cítricos
En todas sus charlas y entrevistas el ateo Starck —«Dios sólo es la respuesta cuando no encontramos otras respuestas»— repite su discurso como un mantra: el diseño sólo sirve si hace mejor la vida de la mayor cantidad de personas. Philippe Starck clasificaba el trabajo de sus colegas en tres categorías. Está el diseño cínico, cuya única máxima es que lo feo se vende mal. Eso convierte al diseño es una simple arma de marketing. La venta como único fin
bebidas alcoholicas, ni de tabaco. Tampoco para juegos de video
de la belleza. Luego está el diseño narcicista, que es cuando un
ni organizaciones religiosas, ni petroleras. En su vida diaria evita
diseñador fantástico fabrica y vende sólo para otros diseñadores
el coche, se moviliza en bicicleta, come alimentos orgánicos y
fantásticos, limitando el mundo de la creatividad a un círculo
tiene su residencia en una decena de casas en las que a menudo
cerrado. Finalmente está la gente como Starck, que está tan
no dispone de agua caliente. Para Starck, todo lo que hacemos es
apenada por lo inútil de su trabajo que se esfuerzan en crear
siempre un fragmento de un discurso político.
objetos no por el objeto en sí mismo, si no por el resultado y el provecho que la humanidad puede sacar de él.
EL PROYECTO YOO, la idea
Quizás la idea ética del diseño de Starck proviene de la mala consciencia. Su padre era un diseñador aeronáutico que fabricaba
porque el proyecto se extiende por más de treinta ciudades en
Starck tienen un nombre de empresa que incluso a Philippe debe
los cinco continentes. Democrático también porque nació hace
recordar al súperhéroe de Marvel. Según la educación que le dio
quince años, cuando la idea de llevar las más altas cotas de diseño
su padre, Starck, el hijo, debería haber acabado siendo un creador
a cualquier lugar del mundo era todavía un sueño de locos. Existe
de aeronaves espaciales, algo más propio de Iron Man que de un
algo de democrático en Yoo desde el mismo nombre del proyecto.
diseñador de exprimidores cítricos.
Yoo, you, tú, en inglés, nos habla de nosotros, nos interpela, nos
¿Qué hace un diseñador que se hizo famoso decorando
deja claro que el principal elemento de estos nuevos espacios
exclusivos clubs nocturnos para ser ético? Aquí es donde llega la
seremos nostro mismos. En una época en la que el individuo es lo
otra parte del discurso de Starck. Al revisar las dieciocho páginas de
principal, un proyecto de condominios nos hace sentir especiales.
currículum de Starck, llenas de listas de objetos, edificios, muebles
Yoo surgió en 1999 del impulso empresarial de John Hitchcox
y proyectos, se hace difícil entender que el protagonista de esta
y de la mente creativa de Starck. Hitchcox es un emprendedor
lista diga que él se siente como Robin Hood. Philippe Starck afirma
inmobiliario que empezó creando innovadores hogares en antiguos
orgulloso que es el único que ha estado en los dos extremos. El
edificios industriales londinenses. Su idea al pensar en Yoo es
único gran diseñador capaz de desarrollar hoteles de millones de
que nuestra casa, nuestro techo, es el lugar más importante de
dólares y un biberón de apenas dos. Su idea es que los encargos
nuestras vidas. La centralidad del hogar en nuestra vida nos habla
de los ricos le sirven para estudiar como abaratar proyectos
de seguridad, de identidad, de independencia, placer y familia.
para gente con menos dinero. El diseño, como el arte, tiene que
De comunidad. El objetivo de estas nuevas casas era construir un
democratizarse. No obstante, una silla de cien dólares sigue siendo
lugar donde la gente fuera feliz. Para ello era necesario que la idea
una silla cara. Quizás el camino esté en proyectos como P.A.T.H,
primigenia de hogar se encontrara con los nuevos conceptos de
donde Philippe Starck crea casas sostenibles de construcción
diseño, belleza y pragmatismo. Fue casi una necesidad que Hitchcox
rápida con lo último del diseño y la mejor tecnología ecológica.
se diera la mano con Starck. La filosofía de Hitchcox para Yoo
Desde que fundó su empresa hace veinticinco años, Starck no trabaja ni para la industria de las armas, ni para marcas de 12
Existe algo de democrático en el proyecto Yoo. Democrático
aviones en las dos guerras mundiales. Los famosos aviones
—«queríamos mejorar la vida de las personas a través del diseño»—, es la misma que Starck lleva treinta años defendiendo.
aRQUITECTURA, INTERIORISMO, DISENO Y ARTE
/interiorismo
de su público. Lo que le queda entonces al diseñador es la fama de sus productos. El exprimidor de Starck es el ejemplo. Un objeto cotidiano en forma de araña o de nave espacial, que se ha convertido en un objeto de coleccionista del diseño industrial reconocible en todo el mundo. Uno de esos aparatos que no sabíamos que conocíamos, pero que seguramente ya habremos visto cuando lo busquemos en Google. Juicy Salif es la insignia que Starck querría si no la tuviera, porque aúna en dos palmos la cotidianeidad, la belleza, la trangresión, el lujo y la ubicuidad.
Según Philippe Starck, sus padres lo educaron para que acabara construyendo estaciones espaciales. Pero el objeto más famoso del diseñador más prolífico es un hoy un exprimidor de cítricos
En todas sus charlas y entrevistas el ateo Starck —«Dios sólo es la respuesta cuando no encontramos otras respuestas»— repite su discurso como un mantra: el diseño sólo sirve si hace mejor la vida de la mayor cantidad de personas. Philippe Starck clasificaba el trabajo de sus colegas en tres categorías. Está el diseño cínico, cuya única máxima es que lo feo se vende mal. Eso convierte al diseño es una simple arma de marketing. La venta como único fin
bebidas alcoholicas, ni de tabaco. Tampoco para juegos de video
de la belleza. Luego está el diseño narcicista, que es cuando un
ni organizaciones religiosas, ni petroleras. En su vida diaria evita
diseñador fantástico fabrica y vende sólo para otros diseñadores
el coche, se moviliza en bicicleta, come alimentos orgánicos y
fantásticos, limitando el mundo de la creatividad a un círculo
tiene su residencia en una decena de casas en las que a menudo
cerrado. Finalmente está la gente como Starck, que está tan
no dispone de agua caliente. Para Starck, todo lo que hacemos es
apenada por lo inútil de su trabajo que se esfuerzan en crear
siempre un fragmento de un discurso político.
objetos no por el objeto en sí mismo, si no por el resultado y el provecho que la humanidad puede sacar de él.
EL PROYECTO YOO, la idea
Quizás la idea ética del diseño de Starck proviene de la mala consciencia. Su padre era un diseñador aeronáutico que fabricaba
porque el proyecto se extiende por más de treinta ciudades en
Starck tienen un nombre de empresa que incluso a Philippe debe
los cinco continentes. Democrático también porque nació hace
recordar al súperhéroe de Marvel. Según la educación que le dio
quince años, cuando la idea de llevar las más altas cotas de diseño
su padre, Starck, el hijo, debería haber acabado siendo un creador
a cualquier lugar del mundo era todavía un sueño de locos. Existe
de aeronaves espaciales, algo más propio de Iron Man que de un
algo de democrático en Yoo desde el mismo nombre del proyecto.
diseñador de exprimidores cítricos.
Yoo, you, tú, en inglés, nos habla de nosotros, nos interpela, nos
¿Qué hace un diseñador que se hizo famoso decorando
deja claro que el principal elemento de estos nuevos espacios
exclusivos clubs nocturnos para ser ético? Aquí es donde llega la
seremos nostro mismos. En una época en la que el individuo es lo
otra parte del discurso de Starck. Al revisar las dieciocho páginas de
principal, un proyecto de condominios nos hace sentir especiales.
currículum de Starck, llenas de listas de objetos, edificios, muebles
Yoo surgió en 1999 del impulso empresarial de John Hitchcox
y proyectos, se hace difícil entender que el protagonista de esta
y de la mente creativa de Starck. Hitchcox es un emprendedor
lista diga que él se siente como Robin Hood. Philippe Starck afirma
inmobiliario que empezó creando innovadores hogares en antiguos
orgulloso que es el único que ha estado en los dos extremos. El
edificios industriales londinenses. Su idea al pensar en Yoo es
único gran diseñador capaz de desarrollar hoteles de millones de
que nuestra casa, nuestro techo, es el lugar más importante de
dólares y un biberón de apenas dos. Su idea es que los encargos
nuestras vidas. La centralidad del hogar en nuestra vida nos habla
de los ricos le sirven para estudiar como abaratar proyectos
de seguridad, de identidad, de independencia, placer y familia.
para gente con menos dinero. El diseño, como el arte, tiene que
De comunidad. El objetivo de estas nuevas casas era construir un
democratizarse. No obstante, una silla de cien dólares sigue siendo
lugar donde la gente fuera feliz. Para ello era necesario que la idea
una silla cara. Quizás el camino esté en proyectos como P.A.T.H,
primigenia de hogar se encontrara con los nuevos conceptos de
donde Philippe Starck crea casas sostenibles de construcción
diseño, belleza y pragmatismo. Fue casi una necesidad que Hitchcox
rápida con lo último del diseño y la mejor tecnología ecológica.
se diera la mano con Starck. La filosofía de Hitchcox para Yoo
Desde que fundó su empresa hace veinticinco años, Starck no trabaja ni para la industria de las armas, ni para marcas de 12
Existe algo de democrático en el proyecto Yoo. Democrático
aviones en las dos guerras mundiales. Los famosos aviones
—«queríamos mejorar la vida de las personas a través del diseño»—, es la misma que Starck lleva treinta años defendiendo.
aRQUITECTURA, INTERIORISMO, DISENO Y ARTE
/interiorismo
En estos edificios uno va de descubrirse a uno mismo. En
cantado en directo. Desde que empezara en Londres, el proyecto
palabras de Starck, es crear una «alta costura» en la arquitectura,
inspirado por Starck ha construido veinticinco complejos. Miami,
una casa que se adapte al inquilino como un traje a medida.
Melbourne, Boston, Copenhaguen, Singapur, Dubai o Nueva York.
Entrar en tu casa tiene que ser como verte con tus mejores galas
Por el camino, más de una treintena de premios. No hay ciudad
ante el espejo. Recrear la sensación de encontrarte a ti mismo
emblema o futura potencia que no quiera acoger a la smart tribe.
antes de salir de casa, gustarte y sentirte diferente es lo que se
No es casualidad entonces que ciudades como Lima, líder en
ha buscado. La gente creativa,independiente y emprendedora, la
turismo sudamericano, o Ciudad de Panamá, un polo emergente
smart tribe que encuentra en el valor añadido del diseño la casa
del comercio, se hayan apuntado a la tendencia.
donde sentirse a gusto. El primer proyecto de Yoo nació en Londres, en un
YOO PANAMA, la realización
momento en el que la idea de asociar una marca a un proyecto inmobiliario era poco común. Desde entonces, el proyecto ha
14
El último estreno de Yoo está en la ciudad del canal
crecido hasta convertirse en el emprendimiento inmobiliario más
marítimo más famoso del mundo. En el único país donde uno
exitoso. La mitad de los apartamentos construidos en Montreal
puede ver el amanecer en el océano Atlántico y la puesta de
se vendieron a las setenta y dos horas de su lanzamiento. En
sol en el Pacífico, un edificio emblemático no podía estar en
Dubai, el proyecto Atria se vendió por completo en apenas
otro lugar que frente al mar. Como todos los otros proyectos
cinco horas. La arquitectura y el diseño nos hacen sentir tan
de Yoo, la premisa es disfrutar. Las dos torres que conforman
especiales como nuestro tema favorito de los Rolling Stones
el complejo panameño, impulsadas por la promotora Habitat
aRQUITECTURA, INTERIORISMO, DISENO Y ARTE
/interiorismo
En estos edificios uno va de descubrirse a uno mismo. En
cantado en directo. Desde que empezara en Londres, el proyecto
palabras de Starck, es crear una «alta costura» en la arquitectura,
inspirado por Starck ha construido veinticinco complejos. Miami,
una casa que se adapte al inquilino como un traje a medida.
Melbourne, Boston, Copenhaguen, Singapur, Dubai o Nueva York.
Entrar en tu casa tiene que ser como verte con tus mejores galas
Por el camino, más de una treintena de premios. No hay ciudad
ante el espejo. Recrear la sensación de encontrarte a ti mismo
emblema o futura potencia que no quiera acoger a la smart tribe.
antes de salir de casa, gustarte y sentirte diferente es lo que se
No es casualidad entonces que ciudades como Lima, líder en
ha buscado. La gente creativa,independiente y emprendedora, la
turismo sudamericano, o Ciudad de Panamá, un polo emergente
smart tribe que encuentra en el valor añadido del diseño la casa
del comercio, se hayan apuntado a la tendencia.
donde sentirse a gusto. El primer proyecto de Yoo nació en Londres, en un
YOO PANAMA, la realización
momento en el que la idea de asociar una marca a un proyecto inmobiliario era poco común. Desde entonces, el proyecto ha
14
El último estreno de Yoo está en la ciudad del canal
crecido hasta convertirse en el emprendimiento inmobiliario más
marítimo más famoso del mundo. En el único país donde uno
exitoso. La mitad de los apartamentos construidos en Montreal
puede ver el amanecer en el océano Atlántico y la puesta de
se vendieron a las setenta y dos horas de su lanzamiento. En
sol en el Pacífico, un edificio emblemático no podía estar en
Dubai, el proyecto Atria se vendió por completo en apenas
otro lugar que frente al mar. Como todos los otros proyectos
cinco horas. La arquitectura y el diseño nos hacen sentir tan
de Yoo, la premisa es disfrutar. Las dos torres que conforman
especiales como nuestro tema favorito de los Rolling Stones
el complejo panameño, impulsadas por la promotora Habitat
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/interiorismo
Developments, están pensadas para pasarlo bien desde el momento de entrar. Para Philippe Starck el humor es fundamental. Algo que se extiende a lo largo de toda su obra. No hay que olvidar que él, junto a su equipo, diseña al completo el interior de los edificios. Es el humor el que nos permite ver las cosas de manera distinta e innovar. Tener humor es reírse, y muchas veces, reírse es jugar. En la decoración del condominio el juego es algo presente desde la entrada. En el lobby de entrada un balancín para adultos hecho con un caballo rosa sorprende e invita a subirse, a distraerse mirándolo o a seguir buscando el siguiente desafío. Llega pronto. El hall, de dos niveles, combina los elementos que se repiten en todos los edificios del Yoo. La alternancia entre la seriedad de las líneas rectas y los colores sobrios con la rotura de formas redondas y decoraciones casi circenses. De esta manera, las columnas rotundas de cemento gris forman estancias que esconden pequeños mundos coloridos. El siguiente juguete es un futbolín naranja eléctrico. En otro compartimento, una estatua amarillo chillón de un soldado napoleónico comparte espacio con osos del mismo color que miran a un sofá que recuerda más a una mansión victoriana que a un edificio puntero del siglo XXI. De eso se trata el diseño, o el juego. De transgredir los límites que tenemos preestablecidos. Para Starck, el futuro sólo pasa por la libertad de poder escoger lo que uno quiera en cada momento. Y eso es lo que transpira su edificio. En Yoo la libertad pasa por vivir la vida que uno quiere en esos “pueblos verticales” que son los edificios. El catálogo de comodidades incluye librerías, gimnasio, spa, baño turco, juice bar y hasta escaleras mecánicas de brillantes colores para moverse de un piso al otro. Por supuesto, el juego está presente en todas las salas. ¿Cuántos gimnasios conocen con un sofá de cuero en su interior? En los departamentos el juego de formas rectas, curvas y diversión continúa. La cocina es sobria y espaciosa. El comedor, abigarrado y ecléctico. La mesa simplemente blanca choca con butacas rojas y lámparas de araña. Los ventanales del techo al suelo se iluminan una televisión enmarcada como si fuera un caballete de pintor, rodeada de pequeñas mesas de luz que recuerdan a figuras moai. Los juegos son diferentes en cada casa y en cada espacio, para adaptarse a todos los diferentes que que quieran vivir en esta ciudad vertical. Tras ocho años de trabajo las torres de Yoo Panamá se alzan en la bahía panameña orgullosas de ser el sexto edificio más alto de América Central. El proyecto que hace quince años se decidió a hacer del diseño una democracia y de la arquitecura un juguete ha llegado a una ciudad más. Sus creadores aún no se han cansado de jugar, y esperan que la risa dure todavía quince años más 16
aRQUITECTURA, INTERIORISMO, DISENO Y ARTE
/interiorismo
Developments, están pensadas para pasarlo bien desde el momento de entrar. Para Philippe Starck el humor es fundamental. Algo que se extiende a lo largo de toda su obra. No hay que olvidar que él, junto a su equipo, diseña al completo el interior de los edificios. Es el humor el que nos permite ver las cosas de manera distinta e innovar. Tener humor es reírse, y muchas veces, reírse es jugar. En la decoración del condominio el juego es algo presente desde la entrada. En el lobby de entrada un balancín para adultos hecho con un caballo rosa sorprende e invita a subirse, a distraerse mirándolo o a seguir buscando el siguiente desafío. Llega pronto. El hall, de dos niveles, combina los elementos que se repiten en todos los edificios del Yoo. La alternancia entre la seriedad de las líneas rectas y los colores sobrios con la rotura de formas redondas y decoraciones casi circenses. De esta manera, las columnas rotundas de cemento gris forman estancias que esconden pequeños mundos coloridos. El siguiente juguete es un futbolín naranja eléctrico. En otro compartimento, una estatua amarillo chillón de un soldado napoleónico comparte espacio con osos del mismo color que miran a un sofá que recuerda más a una mansión victoriana que a un edificio puntero del siglo XXI. De eso se trata el diseño, o el juego. De transgredir los límites que tenemos preestablecidos. Para Starck, el futuro sólo pasa por la libertad de poder escoger lo que uno quiera en cada momento. Y eso es lo que transpira su edificio. En Yoo la libertad pasa por vivir la vida que uno quiere en esos “pueblos verticales” que son los edificios. El catálogo de comodidades incluye librerías, gimnasio, spa, baño turco, juice bar y hasta escaleras mecánicas de brillantes colores para moverse de un piso al otro. Por supuesto, el juego está presente en todas las salas. ¿Cuántos gimnasios conocen con un sofá de cuero en su interior? En los departamentos el juego de formas rectas, curvas y diversión continúa. La cocina es sobria y espaciosa. El comedor, abigarrado y ecléctico. La mesa simplemente blanca choca con butacas rojas y lámparas de araña. Los ventanales del techo al suelo se iluminan una televisión enmarcada como si fuera un caballete de pintor, rodeada de pequeñas mesas de luz que recuerdan a figuras moai. Los juegos son diferentes en cada casa y en cada espacio, para adaptarse a todos los diferentes que que quieran vivir en esta ciudad vertical. Tras ocho años de trabajo las torres de Yoo Panamá se alzan en la bahía panameña orgullosas de ser el sexto edificio más alto de América Central. El proyecto que hace quince años se decidió a hacer del diseño una democracia y de la arquitecura un juguete ha llegado a una ciudad más. Sus creadores aún no se han cansado de jugar, y esperan que la risa dure todavía quince años más 16
BIOHOTEL Un texto de Juan Raoul de la Sierra Rodriguez FOTOS DE LE CONDe PHOTOGRAPHERS
Diseñado desde su origen con los más rigurosos estándares de sostenibilidad, este proyecto, pionero en Colombia, no solo involucra una infraestructura biológicamente amigable, sino también una filosofía ecológicamente eficiente para el mercado internacional.
u
na obra de arte se mide por el impacto que genera cuando se expone frente a nosotros. Al hacerlo, todos sus componentes —concepto, diseño y ejecución, entre otros— generan empatía y revelan el objetivo de su creador, que puede traducirse en un beneficio para su
público. La arquitectura, en este sentido, traspasa la barrera de lo abstracto y se erige como un pilar en la naturaleza humana. Hablar de Biohotel es referirse a un hábitat, del mismo modo que se utiliza para hablar del ambiente que ocupa una especie en la ecología. Un espacio bioarquitectónico que reúne las condiciones adecuadas para que sus huéspedes puedan residir en armonía con el funcionamiento del medioambiente y aprender a través de su diseño y filosofía. Es un proyecto que nace del concepto de sostenibilidad entendido como un equilibrio entre los ámbitos social, ambiental y económico. «El hecho de traer la vegetación a la ciudad es una vocación que tenemos de chiquitos, que viene del campo, de esa parte rural de nuestra idiosincrasia», explica el arquitecto bogotano Felipe Borda Clopatofsky, creador del diseño de Biohotel. «Muchos tuvimos abuelos que tenían fincas, historias de las tierras que solían ser potreros y cuyos habitantes eran ganados
BIOHOTEL Un texto de Juan Raoul de la Sierra Rodriguez FOTOS DE LE CONDe PHOTOGRAPHERS
Diseñado desde su origen con los más rigurosos estándares de sostenibilidad, este proyecto, pionero en Colombia, no solo involucra una infraestructura biológicamente amigable, sino también una filosofía ecológicamente eficiente para el mercado internacional.
u
na obra de arte se mide por el impacto que genera cuando se expone frente a nosotros. Al hacerlo, todos sus componentes —concepto, diseño y ejecución, entre otros— generan empatía y revelan el objetivo de su creador, que puede traducirse en un beneficio para su
público. La arquitectura, en este sentido, traspasa la barrera de lo abstracto y se erige como un pilar en la naturaleza humana. Hablar de Biohotel es referirse a un hábitat, del mismo modo que se utiliza para hablar del ambiente que ocupa una especie en la ecología. Un espacio bioarquitectónico que reúne las condiciones adecuadas para que sus huéspedes puedan residir en armonía con el funcionamiento del medioambiente y aprender a través de su diseño y filosofía. Es un proyecto que nace del concepto de sostenibilidad entendido como un equilibrio entre los ámbitos social, ambiental y económico. «El hecho de traer la vegetación a la ciudad es una vocación que tenemos de chiquitos, que viene del campo, de esa parte rural de nuestra idiosincrasia», explica el arquitecto bogotano Felipe Borda Clopatofsky, creador del diseño de Biohotel. «Muchos tuvimos abuelos que tenían fincas, historias de las tierras que solían ser potreros y cuyos habitantes eran ganados
aRQUITECTURA, INTERIORISMO, DISENO Y ARTE
/un jardin
y que hoy están urbanizadas. Digamos que cuando existe
natural y puro de la terraza: «Una cobertura intensiva que
contexto a la arquitectura contemporánea y de alguna manera
nosotros pisamos: el césped. Pero sobre los techos laterales hay
plasmarlo para el beneficio de la gente, la reacción más usual es
una cubierta que se llama ‘extensiva’, hecha de una especie
considerarlo llamativo e impactante».
de plantas que se denominan suculentas por su capacidad
La naturaleza hace que las personas se sientan cómodas.
para retener mucha agua; no es necesario estarlas regando
A simple vista esta edificación despierta la curiosidad y atrae la
no obstante esa cubierta no es transitables». Esas cubiertas
atención con su imponente jardín vertical hidropónico que cubre
son las que reciben el agua de lluvia tan usual como los días
su frente. No obstante, hay más que su fachada por descubrir. «Yo
soleados en Bogotá. De aquí se desprende otro aporte a la
quería que la gente se llevara consigo una experiencia del hotel
eficiencia ecológica del proyecto: la estrategia de ahorro de
—dice Borda Clopatofsky—. Por eso tomé como referencia los pisos
agua del hotel. En conjunto, se estima que el Biohotel ahorra
térmicos colombianos. Quería plasmar una analogía muy clara:
cerca de un cuarenta seis por ciento de agua en comparación
cada nivel representa un piso climático dependiendo de la altura.
con un hotel convencional.
En este orden de ideas cada piso está simbolizado por un color y un animal característico de ese hábitat». A partir de esta idea se elevan las siete plantas de Biohotel.
En la parte trasera del primer nivel se encuentran los cuatro salones de eventos y convenciones como antesala a una de las particularidades más cautivadoras del proyecto: La huerta.
El clima cálido recibe a las personas en el primer y segundo
Fue, tal vez, el propósito más interesante de todos. Las más de
nivel. El amable rostro del líder sudafricano Nelson Mandela
setecientas macetas, sus colores —negro, verde y blanco— y
alegra desde el fondo del lobby justo al lado de un árbol interior
su disposición fueron idea del arquitecto para desarrollar dos
que descubre un amplio hall donde se conectan la recepción, el
objetivos claros: «En primera instancia la huerta está pensada
restaurante y los elevadores.
como una manera de incorporar a Biohotel carácter educativo.
Los tonos amarillo y verde complementan el tercer y el cuarto
Hay más de treinta especies de plantas aproximadamente. Cinco
nivel. Son una representación clara del clima templado. Por encima
tipos de lechuga, romero, yerbabuena, cebollas, ají, tres tipos de
de ellos, el quinto piso exhibe un color verde opalino que se atribuye
albahaca e incluso berenjenas. La idea es que también la gente
el clima frío, y el sexto en color azul, que simboliza uno de los
venga y aprenda algo. El jardinero encargado es una persona
ecosistemas autóctonos de Sudamérica: el páramo. En estas plantas
experta con un espíritu muy educativo. Por otra parte, aporta
decía ‘sáqueme a ver el verde’. Porque es sinónimo de paz y de
se encuentran la mayor parte de las 72 habitaciones construidas con
un sello para asegurar que en su cocina se usan productos
aire puro. Entonces la gente se transporta a ese entorno y lo que
materiales no contaminantes.
orgánicos. Asimismo, las macetas son transportables y sus
procuramos es generar un ambiente fresco y distinto. Lo último
colores funcionan para escribir en el muro de veinticuatro
que quería era un hotel convencional. Por eso no va encontrar un
metros en que está ubicada la huerta».
solo ladrillo. No porque esté personalmente en contra de ellos, sino
Tapetes confeccionados con fibras recicladas y además la madera que se utiliza al igual que los acabados corresponden a productos que vienen de cultivos de tala controlada. Para incorporar
La huerta y el jardín vertical hidropónico de la fachada
porque quería que fuera algo distinto. Que la experiencia fuera
El jardín vertical, tanto en el exterior como en el interior, captura partículas de polvo, genera oxígeno y fortalece estéticamente la filosofía sostenible del hotel
muebles ecológicos, los responsables del proyecto se asociaron con la
tienen objetivos distintos. Todo el concepto de sostenibilidad
con una historia para contar. Como indiscutiblemente el hotel
firma española Carré, que tiene una amplia experiencia en el rubro.
comprende respuestas en arquitectura pasiva y respuestas en
lleva inmerso el concepto ‘vida’ en su nombre, la vegetación y la
arquitectura técnica para mejorar el rendimiento del edificio.
naturaleza son los primeros rasgos que marcan una diferencia con
clima glacial, es el que se roba el show. Diseñado para las
«A nivel de bioclimática o arquitectura pasiva —explica Borda
los demás hoteles».
zonas húmedas y la terraza, en él se despliega una formidable
Clopatofsky—, que es simplemente no invertir específicamente
cubierta verde, un elemento de arquitectura pasiva interesante
más allá de la obra tenemos las fachadas verdes o jardines
y dos paneles solares que generan diciséis kilovatios por
que funciona como un sistema impermeabilizante acorde con
verticales. Son sistemas interesantes pues aprovecha las
hora, tiene tres plantas de tratamiento de aguas, y puede
que esta es una profesión profundamente humanística y así lo
la línea del hotel. De la misma forma el techo verde trabaja
energías y el clima del entorno otorgando confort interior en
subsistir por sí mismo durante dos semanas. Biohotel
asevera la reacción del arquitecto colombiano:
temas de aislamiento térmico y acústico».
Organic Suites está en proceso de certificación oro de Leed
El séptimo nivel, ambientado por el color blanco del
como un aislante natural del ruido y el calor, además de
Para generar parte de su consumo el hotel utiliza setenta
«Yo trabajo para la gente. Son ellos quienes viven, respiran y se
(Leadership Energy and Enviromental Design) que evalúa el
mueven dentro de lo que yo hago. Nosotros definimos la vida de la
cubierta debido a la transpiración de las plantas, suprimiendo
captura partículas de polvo, genera oxígeno y fortalece
comportamiento medioambiental que tendrá un edificio en su
gente: determinamos si la gente en su diario vivir va a estará feliz
así el uso de aires acondicionados.
estéticamente la filosofía sostenible del hotel. Es un beneficio para
ciclo de vida.
triste o frustrada. Entones nosotros tenemos que ser absolutamente
hacer más frescos los espacios inmediatamente inferiores a la
«Los techos en Bogotá, y en general en el mundo, tienen un
El jardín vertical, tanto en el exterior como en el interior,
el público. Si bien ambos cumplen objetivos distintos, integran el
En marzo pasado, en una charla Ted titulada “Por qué los
dependientes de la gente. Eso fue lo que trate de hacer acá, y
diseño de impermeabilización que los hace muy brillantes con
mismo sistema de riego automatizado. Todos los nutrientes que
edificios del futuro serán diseñados por ti”, el joven arquitecto
cuando veo que la gente sale relajada de su habitación y respira con
el objetivo que los rayos del sol reboten y no calienten el interior
necesitan las plantas del jardín vertical hidropónico los reciben a
estadounidense Marc Kushner expuso que, según la Agencia de
paz dentro del hotel, ese como el premio que recibo».
de los edificios; al suceder esto los rayos vuelven a la atmosfera
través del agua. Por el contrario, la fertilización de la huerta se hace
Protección Ambiental de Estados Unidos, el noventa por ciento
Más que hospedarse en Bihotel el huésped experimentará un
a través de la tierra, de acuerdo los requerimientos de cada especie.
de su tiempo las personas la pasan dentro de edificaciones, en
vínculo simbiótico. Es la posibilidad de sentirse en un lugar que le
espacios diseñados por la arquitectura. Una cifra que evidencia
de paz como si fuera un hogar
generando el efecto invernadero que calienta las ciudades», explica el arquitecto. 20
Dos tipos de cubierta cohabitan y crean el ambiente
todo ese relato, cuando se pude de alguna manera traer ese
«Cuando mi mamá vivía en Bogotá —ahora vive en el campo—,
21
aRQUITECTURA, INTERIORISMO, DISENO Y ARTE
/un jardin
y que hoy están urbanizadas. Digamos que cuando existe
natural y puro de la terraza: «Una cobertura intensiva que
contexto a la arquitectura contemporánea y de alguna manera
nosotros pisamos: el césped. Pero sobre los techos laterales hay
plasmarlo para el beneficio de la gente, la reacción más usual es
una cubierta que se llama ‘extensiva’, hecha de una especie
considerarlo llamativo e impactante».
de plantas que se denominan suculentas por su capacidad
La naturaleza hace que las personas se sientan cómodas.
para retener mucha agua; no es necesario estarlas regando
A simple vista esta edificación despierta la curiosidad y atrae la
no obstante esa cubierta no es transitables». Esas cubiertas
atención con su imponente jardín vertical hidropónico que cubre
son las que reciben el agua de lluvia tan usual como los días
su frente. No obstante, hay más que su fachada por descubrir. «Yo
soleados en Bogotá. De aquí se desprende otro aporte a la
quería que la gente se llevara consigo una experiencia del hotel
eficiencia ecológica del proyecto: la estrategia de ahorro de
—dice Borda Clopatofsky—. Por eso tomé como referencia los pisos
agua del hotel. En conjunto, se estima que el Biohotel ahorra
térmicos colombianos. Quería plasmar una analogía muy clara:
cerca de un cuarenta seis por ciento de agua en comparación
cada nivel representa un piso climático dependiendo de la altura.
con un hotel convencional.
En este orden de ideas cada piso está simbolizado por un color y un animal característico de ese hábitat». A partir de esta idea se elevan las siete plantas de Biohotel.
En la parte trasera del primer nivel se encuentran los cuatro salones de eventos y convenciones como antesala a una de las particularidades más cautivadoras del proyecto: La huerta.
El clima cálido recibe a las personas en el primer y segundo
Fue, tal vez, el propósito más interesante de todos. Las más de
nivel. El amable rostro del líder sudafricano Nelson Mandela
setecientas macetas, sus colores —negro, verde y blanco— y
alegra desde el fondo del lobby justo al lado de un árbol interior
su disposición fueron idea del arquitecto para desarrollar dos
que descubre un amplio hall donde se conectan la recepción, el
objetivos claros: «En primera instancia la huerta está pensada
restaurante y los elevadores.
como una manera de incorporar a Biohotel carácter educativo.
Los tonos amarillo y verde complementan el tercer y el cuarto
Hay más de treinta especies de plantas aproximadamente. Cinco
nivel. Son una representación clara del clima templado. Por encima
tipos de lechuga, romero, yerbabuena, cebollas, ají, tres tipos de
de ellos, el quinto piso exhibe un color verde opalino que se atribuye
albahaca e incluso berenjenas. La idea es que también la gente
el clima frío, y el sexto en color azul, que simboliza uno de los
venga y aprenda algo. El jardinero encargado es una persona
ecosistemas autóctonos de Sudamérica: el páramo. En estas plantas
experta con un espíritu muy educativo. Por otra parte, aporta
decía ‘sáqueme a ver el verde’. Porque es sinónimo de paz y de
se encuentran la mayor parte de las 72 habitaciones construidas con
un sello para asegurar que en su cocina se usan productos
aire puro. Entonces la gente se transporta a ese entorno y lo que
materiales no contaminantes.
orgánicos. Asimismo, las macetas son transportables y sus
procuramos es generar un ambiente fresco y distinto. Lo último
colores funcionan para escribir en el muro de veinticuatro
que quería era un hotel convencional. Por eso no va encontrar un
metros en que está ubicada la huerta».
solo ladrillo. No porque esté personalmente en contra de ellos, sino
Tapetes confeccionados con fibras recicladas y además la madera que se utiliza al igual que los acabados corresponden a productos que vienen de cultivos de tala controlada. Para incorporar
La huerta y el jardín vertical hidropónico de la fachada
porque quería que fuera algo distinto. Que la experiencia fuera
El jardín vertical, tanto en el exterior como en el interior, captura partículas de polvo, genera oxígeno y fortalece estéticamente la filosofía sostenible del hotel
muebles ecológicos, los responsables del proyecto se asociaron con la
tienen objetivos distintos. Todo el concepto de sostenibilidad
con una historia para contar. Como indiscutiblemente el hotel
firma española Carré, que tiene una amplia experiencia en el rubro.
comprende respuestas en arquitectura pasiva y respuestas en
lleva inmerso el concepto ‘vida’ en su nombre, la vegetación y la
arquitectura técnica para mejorar el rendimiento del edificio.
naturaleza son los primeros rasgos que marcan una diferencia con
clima glacial, es el que se roba el show. Diseñado para las
«A nivel de bioclimática o arquitectura pasiva —explica Borda
los demás hoteles».
zonas húmedas y la terraza, en él se despliega una formidable
Clopatofsky—, que es simplemente no invertir específicamente
cubierta verde, un elemento de arquitectura pasiva interesante
más allá de la obra tenemos las fachadas verdes o jardines
y dos paneles solares que generan diciséis kilovatios por
que funciona como un sistema impermeabilizante acorde con
verticales. Son sistemas interesantes pues aprovecha las
hora, tiene tres plantas de tratamiento de aguas, y puede
que esta es una profesión profundamente humanística y así lo
la línea del hotel. De la misma forma el techo verde trabaja
energías y el clima del entorno otorgando confort interior en
subsistir por sí mismo durante dos semanas. Biohotel
asevera la reacción del arquitecto colombiano:
temas de aislamiento térmico y acústico».
Organic Suites está en proceso de certificación oro de Leed
El séptimo nivel, ambientado por el color blanco del
como un aislante natural del ruido y el calor, además de
Para generar parte de su consumo el hotel utiliza setenta
«Yo trabajo para la gente. Son ellos quienes viven, respiran y se
(Leadership Energy and Enviromental Design) que evalúa el
mueven dentro de lo que yo hago. Nosotros definimos la vida de la
cubierta debido a la transpiración de las plantas, suprimiendo
captura partículas de polvo, genera oxígeno y fortalece
comportamiento medioambiental que tendrá un edificio en su
gente: determinamos si la gente en su diario vivir va a estará feliz
así el uso de aires acondicionados.
estéticamente la filosofía sostenible del hotel. Es un beneficio para
ciclo de vida.
triste o frustrada. Entones nosotros tenemos que ser absolutamente
hacer más frescos los espacios inmediatamente inferiores a la
«Los techos en Bogotá, y en general en el mundo, tienen un
El jardín vertical, tanto en el exterior como en el interior,
el público. Si bien ambos cumplen objetivos distintos, integran el
En marzo pasado, en una charla Ted titulada “Por qué los
dependientes de la gente. Eso fue lo que trate de hacer acá, y
diseño de impermeabilización que los hace muy brillantes con
mismo sistema de riego automatizado. Todos los nutrientes que
edificios del futuro serán diseñados por ti”, el joven arquitecto
cuando veo que la gente sale relajada de su habitación y respira con
el objetivo que los rayos del sol reboten y no calienten el interior
necesitan las plantas del jardín vertical hidropónico los reciben a
estadounidense Marc Kushner expuso que, según la Agencia de
paz dentro del hotel, ese como el premio que recibo».
de los edificios; al suceder esto los rayos vuelven a la atmosfera
través del agua. Por el contrario, la fertilización de la huerta se hace
Protección Ambiental de Estados Unidos, el noventa por ciento
Más que hospedarse en Bihotel el huésped experimentará un
a través de la tierra, de acuerdo los requerimientos de cada especie.
de su tiempo las personas la pasan dentro de edificaciones, en
vínculo simbiótico. Es la posibilidad de sentirse en un lugar que le
espacios diseñados por la arquitectura. Una cifra que evidencia
de paz como si fuera un hogar
generando el efecto invernadero que calienta las ciudades», explica el arquitecto. 20
Dos tipos de cubierta cohabitan y crean el ambiente
todo ese relato, cuando se pude de alguna manera traer ese
«Cuando mi mamá vivía en Bogotá —ahora vive en el campo—,
21
Casa Chaucha
decorar con ideas propias Fotos de Maria Tórtora
Con más de setenta mil seguidores en Facebook y decenas de miles de visita en su portal web, Casa Chaucha demuestra que el diseño de interiores no es solo sinónimo de sofisticación ni de dinero.
m
aría Tótora, la creadora de Casa Chaucha, es una
Un interior bonito se puede comprar. Se contrata a un
argentina de treinta y tres años que se ha convertido
decorador, y listo. Pero si el camino de armarlo es más largo, más
a la vez en el ojo de la cerradura y en una vidriera
de introspección y accionar, de aciertos y desaciertos, de búsqueda,
para aquellos que decoran personalmente sus hogares
de cariño, resulta una casa linda que tiene historia y refleja la
y buscan reinventar sus espacios con una mirada
intención de sus hacedores.
propia. Si tuviese que explicarle de qué se trata su sitio a alguien que nunca lo ha visto, su fundadora le diiría que es «la puerta de
Hoy, que existen miles de posibilidades y alternativas para
entrada a mundos privados interesantes y formas de vida que
inspirarse en la web, ¿por dónde crees que pasa la originalidad?
abren la cabeza».
¿A qué podemos llamar hoy “original? Tenemos muchísima información al alcance, y eso es
¿Cómo decidiste comenzar con Casa Chaucha y por qué? Para mí decorar siempre fue una herramienta: para sentirme
espectacular. La originalidad llega, sin duda, cuando procesamos todo eso y lo mezclamos, las variables de cada uno: el contexto,
a gusto en mi casa, para pulir mi sentido estético y para trabajar la
las referencias, la economía, el estilo de vida. Así obtenemos ideas
creatividad. Fui una gran consumidora de revistas del rubro, hasta
únicas. Sin este cóctel, sólo es copiar.
que me di cuenta de lo opuesto de mi punto de vista: la moda, el consumo y las tendencias no deberían entrar en nuestro espacio íntimo. La casa pierde sus ‘poderes’ si queremos hacer que encaje
¿Cuál crees que es la clave del éxito de Casa Chaucha? La idea original (que perdura hasta ahora) fue transmitir un
en las ideas de otro. Y seguir esa línea, la de ‘decorar para tener
mensaje a través de contenido dedicado. No comulgo para nada con
una casa decorada’, te aleja por completo de la experiencia que
los lugares comunes, y en materia de decoración era lo único que
en verdad puede darte. Entonces decidí mostrar mi mirada. Lo
existía, porque el foco está puesto en el negocio. No es éste el caso.
hice más como un ejercicio de decir «si quiero, lo hago. Así dejo de quejarme», que pensando en el éxito que tendría. ¿Qué crees que hace falta para intervenir un espacio interior y convertirlo en algo único, en algo digno de mostrar a otros? Justamente: sacarse de encima la meta asociada a la mirada de otros. Hace falta encontrar una motivación personal y sumergirse en el recorrido, sacándole peso a los resultados. Buscar que tu lugar te genere sensaciones que quizás vos solo comprendas. ¿Cuál es la diferencia entre un diseño interior bonito y uno que refleje historia y personalidad?
¿Nos puedes contar un par de anécdotas emocionantes o significativas que te han sucedido desde que iniciaste casa chaucha? Uf, hay muchísimas. En principio, visité personalmente más de 150 casas y en cada uno de esos encuentros, pasa algo lindo. Me hice muchos amigos. Pero lo más emocionante, sin dudas, fue el apoyo inesperado que recibió el proyecto cuando decidimos editar un libro. Lo hicimos a través de una plataforma de financiamiento colectivo —http://idea.me/casa chaucha— y setescientas personas lo compraron antes de que el libro existiera. Esos meses de ‘campaña’ fueron muy movilizantes
Casa Chaucha
decorar con ideas propias Fotos de Maria Tórtora
Con más de setenta mil seguidores en Facebook y decenas de miles de visita en su portal web, Casa Chaucha demuestra que el diseño de interiores no es solo sinónimo de sofisticación ni de dinero.
m
aría Tótora, la creadora de Casa Chaucha, es una
Un interior bonito se puede comprar. Se contrata a un
argentina de treinta y tres años que se ha convertido
decorador, y listo. Pero si el camino de armarlo es más largo, más
a la vez en el ojo de la cerradura y en una vidriera
de introspección y accionar, de aciertos y desaciertos, de búsqueda,
para aquellos que decoran personalmente sus hogares
de cariño, resulta una casa linda que tiene historia y refleja la
y buscan reinventar sus espacios con una mirada
intención de sus hacedores.
propia. Si tuviese que explicarle de qué se trata su sitio a alguien que nunca lo ha visto, su fundadora le diiría que es «la puerta de
Hoy, que existen miles de posibilidades y alternativas para
entrada a mundos privados interesantes y formas de vida que
inspirarse en la web, ¿por dónde crees que pasa la originalidad?
abren la cabeza».
¿A qué podemos llamar hoy “original? Tenemos muchísima información al alcance, y eso es
¿Cómo decidiste comenzar con Casa Chaucha y por qué? Para mí decorar siempre fue una herramienta: para sentirme
espectacular. La originalidad llega, sin duda, cuando procesamos todo eso y lo mezclamos, las variables de cada uno: el contexto,
a gusto en mi casa, para pulir mi sentido estético y para trabajar la
las referencias, la economía, el estilo de vida. Así obtenemos ideas
creatividad. Fui una gran consumidora de revistas del rubro, hasta
únicas. Sin este cóctel, sólo es copiar.
que me di cuenta de lo opuesto de mi punto de vista: la moda, el consumo y las tendencias no deberían entrar en nuestro espacio íntimo. La casa pierde sus ‘poderes’ si queremos hacer que encaje
¿Cuál crees que es la clave del éxito de Casa Chaucha? La idea original (que perdura hasta ahora) fue transmitir un
en las ideas de otro. Y seguir esa línea, la de ‘decorar para tener
mensaje a través de contenido dedicado. No comulgo para nada con
una casa decorada’, te aleja por completo de la experiencia que
los lugares comunes, y en materia de decoración era lo único que
en verdad puede darte. Entonces decidí mostrar mi mirada. Lo
existía, porque el foco está puesto en el negocio. No es éste el caso.
hice más como un ejercicio de decir «si quiero, lo hago. Así dejo de quejarme», que pensando en el éxito que tendría. ¿Qué crees que hace falta para intervenir un espacio interior y convertirlo en algo único, en algo digno de mostrar a otros? Justamente: sacarse de encima la meta asociada a la mirada de otros. Hace falta encontrar una motivación personal y sumergirse en el recorrido, sacándole peso a los resultados. Buscar que tu lugar te genere sensaciones que quizás vos solo comprendas. ¿Cuál es la diferencia entre un diseño interior bonito y uno que refleje historia y personalidad?
¿Nos puedes contar un par de anécdotas emocionantes o significativas que te han sucedido desde que iniciaste casa chaucha? Uf, hay muchísimas. En principio, visité personalmente más de 150 casas y en cada uno de esos encuentros, pasa algo lindo. Me hice muchos amigos. Pero lo más emocionante, sin dudas, fue el apoyo inesperado que recibió el proyecto cuando decidimos editar un libro. Lo hicimos a través de una plataforma de financiamiento colectivo —http://idea.me/casa chaucha— y setescientas personas lo compraron antes de que el libro existiera. Esos meses de ‘campaña’ fueron muy movilizantes
La revElación ¿POR QUÉ?
Convivencia en un departamento divino. Pero alguien tuvo una revelación: ¿Qué pasaría si unieran sus trabajos en uno solo? ¿Y qué pasaría si esa empresa resultante se mezclara con su vida personal? Dejaron todos los lugares que habitaban (vivienda + estudios) y alquilaron una casa más grande, esta casa, para vivir más tranquilos, disfrutar de lo que hacen.
¿QUÉ LE FALTA?
Buscan un sillón más grande para aprovechar más el living y el hogar en invierno.
La revElación ¿POR QUÉ?
Convivencia en un departamento divino. Pero alguien tuvo una revelación: ¿Qué pasaría si unieran sus trabajos en uno solo? ¿Y qué pasaría si esa empresa resultante se mezclara con su vida personal? Dejaron todos los lugares que habitaban (vivienda + estudios) y alquilaron una casa más grande, esta casa, para vivir más tranquilos, disfrutar de lo que hacen.
¿QUÉ LE FALTA?
Buscan un sillón más grande para aprovechar más el living y el hogar en invierno.
nada sobra ¿QUIÉN? Hernán ¿QUÉ? Departamento alquilado de dos ambientes. ¿DÓNDE? Rosario (Centro), Provincia de Santa Fe. Argentina ÉXITO Su meta fue hacer un lugar con todas las comodidades, pero que a la vez fuera despojado. También buscó conseguir calidez sin sobrecargas. Sin duda alguna la alcanzó.
nada sobra ¿QUIÉN? Hernán ¿QUÉ? Departamento alquilado de dos ambientes. ¿DÓNDE? Rosario (Centro), Provincia de Santa Fe. Argentina ÉXITO Su meta fue hacer un lugar con todas las comodidades, pero que a la vez fuera despojado. También buscó conseguir calidez sin sobrecargas. Sin duda alguna la alcanzó.
OMAR RAYO: LA HUMANIDAD DE LA GEOMETRiA Un texto de Juan Raoul de la Sierra Rodriguez Fotos de Fundación Museo Rayo
t
odo es geometría. Con la visión adecuada todo puede entenderse geométricamente. Es un argumento bastante abstracto, es cierto, pero no carece de fundamentos. Este sistema de conceptos en formas, áreas, colores y flujos han enmarcado
perspectivas tan artísticas como importantes a lo largo de la historia. Hoy todo se vuelve óptico con un toque de destreza creativa. La realidad, y todo aquello que vive bajo su dominio, adquiere un sin número de apariencias. La obra de Omar Rayo, uno de los artistas colombianos más importantes del siglo XX, fallecido en 2010, es una de ellas: una de las más auténticas de América Latina: “La ilusión tiene una estructura que es geométrica. Dios es un Creador Geométrico. Los santos eran hombres caos que buscaban su pureza a través de una geometría interior, la oración”. La vida de Omar Rayo se manifestó en forma de experiencia óptica en 1931 cuando él tenía tres años de edad: tenía un perrito que era mi mascota, se llamaba Sombra. Un día, en Roldanillo, su pueblo natal ubicado en el Valle del Cauca, el perrito se quedó dormido de pie. Era ya tarde así que su sombra se reflejaba en la pared. “Ese fenómeno para mí era muy extraño, muy curioso”, ha contado Rayo. “Fui corriendo al fogón de mi casa y saqué un tizón e hice el ceño de la sombra en la pared”. Esa experiencia, ese tizón, esa pared de cal, esa sombra ha sido parte de su carácter y de su estilo. Porque siempre ha usado la sombras y la luz. Siempre ha usado el blanco y el negro. Siempre ha usado la nostalgia.
OMAR RAYO: LA HUMANIDAD DE LA GEOMETRiA Un texto de Juan Raoul de la Sierra Rodriguez Fotos de Fundación Museo Rayo
t
odo es geometría. Con la visión adecuada todo puede entenderse geométricamente. Es un argumento bastante abstracto, es cierto, pero no carece de fundamentos. Este sistema de conceptos en formas, áreas, colores y flujos han enmarcado
perspectivas tan artísticas como importantes a lo largo de la historia. Hoy todo se vuelve óptico con un toque de destreza creativa. La realidad, y todo aquello que vive bajo su dominio, adquiere un sin número de apariencias. La obra de Omar Rayo, uno de los artistas colombianos más importantes del siglo XX, fallecido en 2010, es una de ellas: una de las más auténticas de América Latina: “La ilusión tiene una estructura que es geométrica. Dios es un Creador Geométrico. Los santos eran hombres caos que buscaban su pureza a través de una geometría interior, la oración”. La vida de Omar Rayo se manifestó en forma de experiencia óptica en 1931 cuando él tenía tres años de edad: tenía un perrito que era mi mascota, se llamaba Sombra. Un día, en Roldanillo, su pueblo natal ubicado en el Valle del Cauca, el perrito se quedó dormido de pie. Era ya tarde así que su sombra se reflejaba en la pared. “Ese fenómeno para mí era muy extraño, muy curioso”, ha contado Rayo. “Fui corriendo al fogón de mi casa y saqué un tizón e hice el ceño de la sombra en la pared”. Esa experiencia, ese tizón, esa pared de cal, esa sombra ha sido parte de su carácter y de su estilo. Porque siempre ha usado la sombras y la luz. Siempre ha usado el blanco y el negro. Siempre ha usado la nostalgia.
aRQUITECTURA, INTERIORISMO, DISENO Y ARTE
/PERsonaje
Las formas, las sombras, la luz y los colores son, en
manuales, y veía los colores que ella usaba, me parece
Rayo, un testimonio universal. Una prueba abstracta de que
asombrosa la similitud que tenían con mi geometría”, ha
podemos reconocer el micro universo que generamos. Dicho
contado Rayo. “Hay una similitud muy curiosa entre su
sea de paso, su obra, que va desde 1947 a 1990 fluctuando en
geometría clásica. Ahora ya viejo y profesional cansado,
distintas tendencias, demuestra que nuestra esencia humana
observo y me asombra la similitud entre sus obras y las mías”.
no es simple emotividad, instinto y pasión sino un sistema inteligente que no desdeña la espontaneidad creativa de su ser. Es así como podríamos entender el arte de Rayo, quién creó a partir de varios ángulos de cuales ninguno dependía de
“Por mis venas no corre sangre sino el arcoíris”, dijo
él: la tierra donde nació, la idiosincrasia que lo crio, el clima
alguna vez, con una sonrisa en el rostro. Una que revelaba su
que lo moldeó, la historia que lo educó, la cultura y la tradición
completa conciencia sobre sí mismo. Se encontraba dentro de
que lo inspiró. Así Omar Rayo, con este aprendizaje y esa
lo que fue su última expresión para su tierra: El Museo Rayo.
compenetración con las estéticas precolombinas, aceptó que
Ocho módulos de cemento que en mil quinientos metros
podía ir a cualquier parte pues su patria la llevaba dentro.
albergan quinientas obras de artistas latinoamericanos y dos
A comienzos de los años cincuenta en Bogotá, los inicios
mil del propio Rayo conformando el Museo Latinoamericano
de Rayo parecen calcarlo como un Toulouse Lautrec, cuando
de Dibujo y Grabado, uno de los más activos centros
frecuentaba el café favorito de los intelectuales en la capital
culturales del país.
colombiana; en silencio, en el último rincón del café, tomaba
Omar Rayo tenía más amigos poetas que pintores por una
apuntes y documentaba los rostros más emblemáticos de
razón: creía firmemente que, en efecto, “sí hay buena crónica
aquel lugar.
de arte, y la hacen los poetas, que son, justamente, los que
De la misma forma sus periplos por América latina —de 1953
deberían hacer crítica de arte”. Sentía que los poetas son los
a 1958 visita Perú, Ecuador, Bolivia, Chile, Argentina, Uruguay
que más se acercan al arte y a la cultura plástica. “La verdad
y Brasil—, hacen recordar a Paul Gauguin pero de Bananao, un
es que no hay en ninguna otra parte una combustión tan bella
caserío indígena en la cuenca del Amazonas, cerca de Manaos.
de la poesía y la pintura, como en estos encuentros de poesía,
Una comunidad indígena donde indios tubulares, sin caderas,
en Roldanillo. Es una sola familia, una sola belleza, una sola
y todos tatuados en forma geométrica, lo recibieron con
idea, una sola emoción. Es muy interesante observar toda esa
desconfianza en la playa, para terminar aceptándolo gracias a
magia, a través de la palabra, de la palabra española.”
su caricaturesca habilidad como dibujante. Para el momento que se establece en Nueva York,
Su temperamento en el momento en que pintó lo hizo por medio del color. Sobre el color el maestro anota: “El rojo
en 1960, gracias a la Beca Guggenheim, afina su estilo
es más fuerte y sólido que el negro, porque el negro se apoya
pictórico mediante la representación de bandas intercaladas
en él, fluye en él, se derrite en la sombra frente a él. Sólo de
sombreadas. Una nueva exploración de lo que ya había
noche el rojo cede al poder de la luz que lo devora… y sin
iniciado un año antes en México, cuando la OEA lo premió
embargo, los incendios hacen retroceder la noche. El rojo es
con otra beca, y gracias a la cual desarrolló sus grabados
la fuerza, es el fuego, pelea cuerpo a cuerpo con el blanco y el
conocidos como ‘intaglios’ y realiza pinturas geométricas
negro sin el dominio de ninguno. Sólo se transforma”.
abstractas sin sombreado. Una tarea que realizaba con el
Entre tanta poesía, estructura, colores y relieves la
objetivo de sacarles poesía y mística a los objetos cotidianos.
fuerza del humano se nota. Porque a pesar de que no estaba
Tan presentes y vitales en la cultura popular neoyorquina.
preparado para ser héroe ni para ser santo, “estaba preparado
O la de cualquier parte del mundo, mostrando la profunda
para ser un artista y lo estaba logrando… y lo logré; porque
humanidad de la geometría.
mi discurso ha llegado a todas partes”.
Para ser un artista geométrico se requiere ser, además
Si bien el lenguaje de Omar Rayo enriqueció la estética
una suerte de filósofo y poeta. Así lo sentía este hombre
de esta frontera del continente también reafirmó sus raíces.
del trópico. Su técnica nunca lo ató, pudo expresarse con
El acrílico sobre tela que se manifiesta en nuestra portada
éxito mediante el dibujo, las tintas, el óleo, la acuarela, el
tiene posee la misma naturaleza que su creador. Es sobria y
grabado en todas sus modalidades, el intaglio, la serigrafía, las
equilibradamente inquietante; decora, pero tiene identidad.
técnicas modernas de xerografía y el acrílico.
Cambia. Y esta es la máxima aportación del artista colombiano,
De esta forma encontró también detalles de sí mismo: “Cuando recuerdo los tejidos de mi madre, que eran todos 20
Sangre a colores
de ahí su necesidad de llegar a un público, porque el proceso real sólo termina cuando la obra cumple su destino
1. Omar Rayo, Samurai XXXIV, 1986, Superior izquierda / 2.Omar Rayo, Embrion de dragón XV, 1997 / Superior derecha 3. Omar Rayo, Semilla del sol XXIV, 2002, Inferior izquieda / 4. Omar Rayo, Criatura Abisal XXV, 2001, Inferior derecha
21
aRQUITECTURA, INTERIORISMO, DISENO Y ARTE
/PERsonaje
Las formas, las sombras, la luz y los colores son, en
manuales, y veía los colores que ella usaba, me parece
Rayo, un testimonio universal. Una prueba abstracta de que
asombrosa la similitud que tenían con mi geometría”, ha
podemos reconocer el micro universo que generamos. Dicho
contado Rayo. “Hay una similitud muy curiosa entre su
sea de paso, su obra, que va desde 1947 a 1990 fluctuando en
geometría clásica. Ahora ya viejo y profesional cansado,
distintas tendencias, demuestra que nuestra esencia humana
observo y me asombra la similitud entre sus obras y las mías”.
no es simple emotividad, instinto y pasión sino un sistema inteligente que no desdeña la espontaneidad creativa de su ser. Es así como podríamos entender el arte de Rayo, quién creó a partir de varios ángulos de cuales ninguno dependía de
“Por mis venas no corre sangre sino el arcoíris”, dijo
él: la tierra donde nació, la idiosincrasia que lo crio, el clima
alguna vez, con una sonrisa en el rostro. Una que revelaba su
que lo moldeó, la historia que lo educó, la cultura y la tradición
completa conciencia sobre sí mismo. Se encontraba dentro de
que lo inspiró. Así Omar Rayo, con este aprendizaje y esa
lo que fue su última expresión para su tierra: El Museo Rayo.
compenetración con las estéticas precolombinas, aceptó que
Ocho módulos de cemento que en mil quinientos metros
podía ir a cualquier parte pues su patria la llevaba dentro.
albergan quinientas obras de artistas latinoamericanos y dos
A comienzos de los años cincuenta en Bogotá, los inicios
mil del propio Rayo conformando el Museo Latinoamericano
de Rayo parecen calcarlo como un Toulouse Lautrec, cuando
de Dibujo y Grabado, uno de los más activos centros
frecuentaba el café favorito de los intelectuales en la capital
culturales del país.
colombiana; en silencio, en el último rincón del café, tomaba
Omar Rayo tenía más amigos poetas que pintores por una
apuntes y documentaba los rostros más emblemáticos de
razón: creía firmemente que, en efecto, “sí hay buena crónica
aquel lugar.
de arte, y la hacen los poetas, que son, justamente, los que
De la misma forma sus periplos por América latina —de 1953
deberían hacer crítica de arte”. Sentía que los poetas son los
a 1958 visita Perú, Ecuador, Bolivia, Chile, Argentina, Uruguay
que más se acercan al arte y a la cultura plástica. “La verdad
y Brasil—, hacen recordar a Paul Gauguin pero de Bananao, un
es que no hay en ninguna otra parte una combustión tan bella
caserío indígena en la cuenca del Amazonas, cerca de Manaos.
de la poesía y la pintura, como en estos encuentros de poesía,
Una comunidad indígena donde indios tubulares, sin caderas,
en Roldanillo. Es una sola familia, una sola belleza, una sola
y todos tatuados en forma geométrica, lo recibieron con
idea, una sola emoción. Es muy interesante observar toda esa
desconfianza en la playa, para terminar aceptándolo gracias a
magia, a través de la palabra, de la palabra española.”
su caricaturesca habilidad como dibujante. Para el momento que se establece en Nueva York,
Su temperamento en el momento en que pintó lo hizo por medio del color. Sobre el color el maestro anota: “El rojo
en 1960, gracias a la Beca Guggenheim, afina su estilo
es más fuerte y sólido que el negro, porque el negro se apoya
pictórico mediante la representación de bandas intercaladas
en él, fluye en él, se derrite en la sombra frente a él. Sólo de
sombreadas. Una nueva exploración de lo que ya había
noche el rojo cede al poder de la luz que lo devora… y sin
iniciado un año antes en México, cuando la OEA lo premió
embargo, los incendios hacen retroceder la noche. El rojo es
con otra beca, y gracias a la cual desarrolló sus grabados
la fuerza, es el fuego, pelea cuerpo a cuerpo con el blanco y el
conocidos como ‘intaglios’ y realiza pinturas geométricas
negro sin el dominio de ninguno. Sólo se transforma”.
abstractas sin sombreado. Una tarea que realizaba con el
Entre tanta poesía, estructura, colores y relieves la
objetivo de sacarles poesía y mística a los objetos cotidianos.
fuerza del humano se nota. Porque a pesar de que no estaba
Tan presentes y vitales en la cultura popular neoyorquina.
preparado para ser héroe ni para ser santo, “estaba preparado
O la de cualquier parte del mundo, mostrando la profunda
para ser un artista y lo estaba logrando… y lo logré; porque
humanidad de la geometría.
mi discurso ha llegado a todas partes”.
Para ser un artista geométrico se requiere ser, además
Si bien el lenguaje de Omar Rayo enriqueció la estética
una suerte de filósofo y poeta. Así lo sentía este hombre
de esta frontera del continente también reafirmó sus raíces.
del trópico. Su técnica nunca lo ató, pudo expresarse con
El acrílico sobre tela que se manifiesta en nuestra portada
éxito mediante el dibujo, las tintas, el óleo, la acuarela, el
tiene posee la misma naturaleza que su creador. Es sobria y
grabado en todas sus modalidades, el intaglio, la serigrafía, las
equilibradamente inquietante; decora, pero tiene identidad.
técnicas modernas de xerografía y el acrílico.
Cambia. Y esta es la máxima aportación del artista colombiano,
De esta forma encontró también detalles de sí mismo: “Cuando recuerdo los tejidos de mi madre, que eran todos 20
Sangre a colores
de ahí su necesidad de llegar a un público, porque el proceso real sólo termina cuando la obra cumple su destino
1. Omar Rayo, Samurai XXXIV, 1986, Superior izquierda / 2.Omar Rayo, Embrion de dragón XV, 1997 / Superior derecha 3. Omar Rayo, Semilla del sol XXIV, 2002, Inferior izquieda / 4. Omar Rayo, Criatura Abisal XXV, 2001, Inferior derecha
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HUGO SALAZAR
EL PINTOR DE LAS VIGILIAS por ROSA ChaVEZ fotos BENJAmiN SUENO
Ha creado más de quinientas obras y ha tenido cinco exposiciones personales. Su relación con el arte inició en las últimas hojas de sus cuadernos escolares, donde dibujaba zombis para divertir a sus compañeros de aula y también por el placer de sentirse talentoso. Dibujó con obsesión durante años, pero olvidó hacerlo cuando se convirtió en vigilante. Hugo Salazar, sin embargo, ha encontrado el balance entre el solitario oficio de cuidar lotes vacíos y el oficio de la pintura.
HUGO SALAZAR
EL PINTOR DE LAS VIGILIAS por ROSA ChaVEZ fotos BENJAmiN SUENO
Ha creado más de quinientas obras y ha tenido cinco exposiciones personales. Su relación con el arte inició en las últimas hojas de sus cuadernos escolares, donde dibujaba zombis para divertir a sus compañeros de aula y también por el placer de sentirse talentoso. Dibujó con obsesión durante años, pero olvidó hacerlo cuando se convirtió en vigilante. Hugo Salazar, sin embargo, ha encontrado el balance entre el solitario oficio de cuidar lotes vacíos y el oficio de la pintura.
aRQUITECTURA, INTERIORISMO, DISENO Y ARTE
Robert Laime Molina
D
/EL ARTISTA
esde hace unos años, el pintor limeño Hugo Salazar vive solo en un colegio deshabitado. Una edificación de 34 salones vacíos, lunas rotas y pisos polvorientos ubicada frente al Instituto Cultural Peruano Norteamericano (ICPNA) de Miraflores, en donde el cuadro que lo hizo
conocido en 2011, La máquina de mi madre, aún se exhibe. Salazar ocupa dos habitaciones de ese local: un cuarto largo y angosto cerca de la entrada que hace las veces de su departamento, y un salón iluminado de grandes ventanas que funciona como su taller de pintura. Hugo Salazar sabe que es todo lo que le hace falta, las demás habitaciones del lugar están allí para resguardarlas. Porque todos los días, de diez de la mañana a siete de la noche, Hugo Salazar trabaja vigilando que nadie invada el ex colegio que ahora es un edificio en decadencia. En medio del polvo, las telarañas y el eco de sus pisadas el pintor y guardián ha encontrado el espacio idóneo para imaginar las criaturas de sus cuadros —bestias antropomorfas, hombres penetrando a mujeres, tambores de pistolas, objetos marinos, él mismo— y disfrutar de la compañía de Caspa, su perra chusca de nueve meses. Y aunque Hugo Salazar sabe muy bien que dentro de poco derrumbarán el reciento para construir un supermercado, no pierde su sonrisa de medio lado y ni Robert Laime Molina
el semblante sereno. Él confía en que encontrará otro lugar —quizá más pequeño, más limpio y menos caótico— para vivir y pintar. Ser vigilante debe ser un oficio muy solitario. Sí y no me incomoda para nada. Cuando era niño dibujaba en solitario y cuando empecé a trabajar de vigilante me reencontré con esa etapa. ¿Cómo empezaste a dibujar? Empecé de niño, siguiendo a mi hermano. Dibujaba zombis. Primero con lápiz, luego con lapicero. Me sentía tan seguro de mí, pensaba: «dibujo con lapicero porque no necesito borrar». Empecé a dibujar con lápiz a los siete años y a los diez años ya dibujaba con lapicero. Me encariñé con él. ¿En qué momento llegó la pintura? Como dibujante estuve hasta los dieciocho años. Al año siguiente conseguí trabajo como vigilante y me olvidé del dibujo. Me volví ludópata. Iba al tragamonedas a jugar, gasté toda mi plata. Necesitaba algo de dinámica en mi vida. Decidí dejarlo porque no me llevaba a nada, tomé la decisión de elegir algo para reemplazar el juego. Me dije: «voy a hacer que la gente me valore de nuevo». Y recordé la única vez que me he sentido valorado como persona: cuando estaba en el colegio y los niños me buscaban para ver mis dibujos. Yo quería sentir eso de nuevo. Y empecé a dibujar. Estuve 3
4
aRQUITECTURA, INTERIORISMO, DISENO Y ARTE
Robert Laime Molina
D
/EL ARTISTA
esde hace unos años, el pintor limeño Hugo Salazar vive solo en un colegio deshabitado. Una edificación de 34 salones vacíos, lunas rotas y pisos polvorientos ubicada frente al Instituto Cultural Peruano Norteamericano (ICPNA) de Miraflores, en donde el cuadro que lo hizo
conocido en 2011, La máquina de mi madre, aún se exhibe. Salazar ocupa dos habitaciones de ese local: un cuarto largo y angosto cerca de la entrada que hace las veces de su departamento, y un salón iluminado de grandes ventanas que funciona como su taller de pintura. Hugo Salazar sabe que es todo lo que le hace falta, las demás habitaciones del lugar están allí para resguardarlas. Porque todos los días, de diez de la mañana a siete de la noche, Hugo Salazar trabaja vigilando que nadie invada el ex colegio que ahora es un edificio en decadencia. En medio del polvo, las telarañas y el eco de sus pisadas el pintor y guardián ha encontrado el espacio idóneo para imaginar las criaturas de sus cuadros —bestias antropomorfas, hombres penetrando a mujeres, tambores de pistolas, objetos marinos, él mismo— y disfrutar de la compañía de Caspa, su perra chusca de nueve meses. Y aunque Hugo Salazar sabe muy bien que dentro de poco derrumbarán el reciento para construir un supermercado, no pierde su sonrisa de medio lado y ni Robert Laime Molina
el semblante sereno. Él confía en que encontrará otro lugar —quizá más pequeño, más limpio y menos caótico— para vivir y pintar. Ser vigilante debe ser un oficio muy solitario. Sí y no me incomoda para nada. Cuando era niño dibujaba en solitario y cuando empecé a trabajar de vigilante me reencontré con esa etapa. ¿Cómo empezaste a dibujar? Empecé de niño, siguiendo a mi hermano. Dibujaba zombis. Primero con lápiz, luego con lapicero. Me sentía tan seguro de mí, pensaba: «dibujo con lapicero porque no necesito borrar». Empecé a dibujar con lápiz a los siete años y a los diez años ya dibujaba con lapicero. Me encariñé con él. ¿En qué momento llegó la pintura? Como dibujante estuve hasta los dieciocho años. Al año siguiente conseguí trabajo como vigilante y me olvidé del dibujo. Me volví ludópata. Iba al tragamonedas a jugar, gasté toda mi plata. Necesitaba algo de dinámica en mi vida. Decidí dejarlo porque no me llevaba a nada, tomé la decisión de elegir algo para reemplazar el juego. Me dije: «voy a hacer que la gente me valore de nuevo». Y recordé la única vez que me he sentido valorado como persona: cuando estaba en el colegio y los niños me buscaban para ver mis dibujos. Yo quería sentir eso de nuevo. Y empecé a dibujar. Estuve 3
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aRQUITECTURA, INTERIORISMO, DISENO Y ARTE
/EL ARTISTA
un año como autodidacta y luego fui al instituto de artes visuales
¿Te alcanza para vivir el sueldo de vigilante?
Edith Sachs para aprender más porque solo a través de los libros
No, ahora no. No sé cómo hacía antes. Eso de haber entrado al
había cosas que se me escapaban. Necesitaba comprender más.
mercado hizo que me acostumbrara a tener una vida un tanto holgada y ahora me afecta porque ya no la tengo. Todo lo que
Y luego fuiste a Bellas Artes. Fui a Bellas Artes sobre todo como un reto, porque la gente me
gané lo invertí en mi arte, en mi familia, casi nunca pienso en ahorrar, solo pienso en el momento.
decía que era difícil ingresar. Pero para mí no lo fue, porque ya tenía base.
¿Te incomoda haberte convertido en un artista conocido? Al principio sí, pero luego accedí a dar entrevistas porque un
¿Terminaste los estudios allí?
amigo me dijo que debía hacerlo, que serviría para decirle a la
No. Estaba en el cuarto año de la escuela cuando gané un premio
gente que hay vigilantes como yo que tienen algo que mostrar.
de pintura en el ICPNA, en 2011. Entonces me solicitó una galería
Algunas personas que hacen este trabajo de vigilante quizá no
y firmé un contrato que estipulaba que todos los cuadros que
han nacido para ello, entonces la idea es ser un referente para
pintara los comprarían ellos. Además ese año tuve una muestra.
este grupo, decirle que uno puede seguir su pasión. En mi caso, el
Dejé Bellas Artes porque habían muchas cosas que me quitaban
dibujo es lo que más me llena.
el tiempo para pintar. En ese entonces tenía un ritmo de pintura bastante acelerado, era muy compulsivo. ¿Qué temas abordas en tu obra? Al ser humano exponiendo su intimidad, al ser humano relacionándose con seres o elementos simbólicos que le afectan o nutren su devenir en la vida. Con ello siempre termino representando, lúdicamente, escenas de represión sexual, falta de sueño o eremitismo. ¿Cómo surgieron tus primeras exposiciones? Siempre han venido de manera casual. Nunca busqué tener exposiciones. Una vez que entré al mercado comenzaron a buscarme las galerías. Algunas me convenían. Así empecé a hacer muestras, pero nunca las vi con un afán lucrativo, yo quería llegar a la gente. No veo la pintura como algo con lo cual deba lucrar. Sí lo he hecho, pero no es algo que haya pretendido. Cuando me pasó me volví un poco falso, pensaba solo en lo comercial. Yo pretendo ser un poco más sincero. Pero sí compran tus cuadros.
¿En qué momentos dibujas? Lo hago en el transcurso en el que estoy pensando en qué pintar. La pintura para mí es algo muy serio, El dibujo no, es más espontáneo, lo puedes hacer en cualquier momento. Lo hago en un cuaderno o en unas tablitas. Le doy color con acuarela y luego trazo con estilógrafo. ¿Cuántas veces a la semana pintas? No lo hago siempre. Hay momentos en que estoy como con una ‘fiebre artística’ y pinto todos los días, pero a veces también hay calma. Cuando no fluye un cuadro me pongo a hacer otras cosas. Pareces ser un artista de inspiración no de constancia. Tengo mis momentos. Cuando me meto en un cuadro puedo estar toda una semana pintando de diez de la mañana hasta las seis de la tarde. Pero ahora no sé, se me hace un poco más difícil pintar. Solo me quedo mirando al cuadro y es difícil pero una vez que te has metido en el cuadro te quedas de largo.
Sí, he vendido varios. Pero cuando eso pasó me volví algo falso, pensaba en el dinero, en qué hacer para agradarle a la gente, en
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¿Qué o a quién disfrutas pintar más?
qué hacer para vender. Al comienzo yo era muy sincero cuando
Si hablo de la técnica, disfruto pintar más las primeras
pintaba, lo hacía solo para mí. Era un poco egoísta tal vez, pero
manchas porque es un proceso más emocional y de allí nacen
trataba de mantener una conexión con ciertas obras de arte que
otros elementos o texturas que no estaban planeadas. Siempre
me inspiraron a pintar. Obras que vi cuando tenía diecisiete años
pienso más en el goce que te deja el resultado de cada obra. En
y que conectaron con ciertas emociones que tenía y no sabía
general me resultan más placenteras las escenas donde está el
expresarlas. Eso ocasionó que quisiera hacer algo al respecto.
mar o un bote o madera flotando 6
aRQUITECTURA, INTERIORISMO, DISENO Y ARTE
/EL ARTISTA
un año como autodidacta y luego fui al instituto de artes visuales
¿Te alcanza para vivir el sueldo de vigilante?
Edith Sachs para aprender más porque solo a través de los libros
No, ahora no. No sé cómo hacía antes. Eso de haber entrado al
había cosas que se me escapaban. Necesitaba comprender más.
mercado hizo que me acostumbrara a tener una vida un tanto holgada y ahora me afecta porque ya no la tengo. Todo lo que
Y luego fuiste a Bellas Artes. Fui a Bellas Artes sobre todo como un reto, porque la gente me
gané lo invertí en mi arte, en mi familia, casi nunca pienso en ahorrar, solo pienso en el momento.
decía que era difícil ingresar. Pero para mí no lo fue, porque ya tenía base.
¿Te incomoda haberte convertido en un artista conocido? Al principio sí, pero luego accedí a dar entrevistas porque un
¿Terminaste los estudios allí?
amigo me dijo que debía hacerlo, que serviría para decirle a la
No. Estaba en el cuarto año de la escuela cuando gané un premio
gente que hay vigilantes como yo que tienen algo que mostrar.
de pintura en el ICPNA, en 2011. Entonces me solicitó una galería
Algunas personas que hacen este trabajo de vigilante quizá no
y firmé un contrato que estipulaba que todos los cuadros que
han nacido para ello, entonces la idea es ser un referente para
pintara los comprarían ellos. Además ese año tuve una muestra.
este grupo, decirle que uno puede seguir su pasión. En mi caso, el
Dejé Bellas Artes porque habían muchas cosas que me quitaban
dibujo es lo que más me llena.
el tiempo para pintar. En ese entonces tenía un ritmo de pintura bastante acelerado, era muy compulsivo. ¿Qué temas abordas en tu obra? Al ser humano exponiendo su intimidad, al ser humano relacionándose con seres o elementos simbólicos que le afectan o nutren su devenir en la vida. Con ello siempre termino representando, lúdicamente, escenas de represión sexual, falta de sueño o eremitismo. ¿Cómo surgieron tus primeras exposiciones? Siempre han venido de manera casual. Nunca busqué tener exposiciones. Una vez que entré al mercado comenzaron a buscarme las galerías. Algunas me convenían. Así empecé a hacer muestras, pero nunca las vi con un afán lucrativo, yo quería llegar a la gente. No veo la pintura como algo con lo cual deba lucrar. Sí lo he hecho, pero no es algo que haya pretendido. Cuando me pasó me volví un poco falso, pensaba solo en lo comercial. Yo pretendo ser un poco más sincero. Pero sí compran tus cuadros.
¿En qué momentos dibujas? Lo hago en el transcurso en el que estoy pensando en qué pintar. La pintura para mí es algo muy serio, El dibujo no, es más espontáneo, lo puedes hacer en cualquier momento. Lo hago en un cuaderno o en unas tablitas. Le doy color con acuarela y luego trazo con estilógrafo. ¿Cuántas veces a la semana pintas? No lo hago siempre. Hay momentos en que estoy como con una ‘fiebre artística’ y pinto todos los días, pero a veces también hay calma. Cuando no fluye un cuadro me pongo a hacer otras cosas. Pareces ser un artista de inspiración no de constancia. Tengo mis momentos. Cuando me meto en un cuadro puedo estar toda una semana pintando de diez de la mañana hasta las seis de la tarde. Pero ahora no sé, se me hace un poco más difícil pintar. Solo me quedo mirando al cuadro y es difícil pero una vez que te has metido en el cuadro te quedas de largo.
Sí, he vendido varios. Pero cuando eso pasó me volví algo falso, pensaba en el dinero, en qué hacer para agradarle a la gente, en
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¿Qué o a quién disfrutas pintar más?
qué hacer para vender. Al comienzo yo era muy sincero cuando
Si hablo de la técnica, disfruto pintar más las primeras
pintaba, lo hacía solo para mí. Era un poco egoísta tal vez, pero
manchas porque es un proceso más emocional y de allí nacen
trataba de mantener una conexión con ciertas obras de arte que
otros elementos o texturas que no estaban planeadas. Siempre
me inspiraron a pintar. Obras que vi cuando tenía diecisiete años
pienso más en el goce que te deja el resultado de cada obra. En
y que conectaron con ciertas emociones que tenía y no sabía
general me resultan más placenteras las escenas donde está el
expresarlas. Eso ocasionó que quisiera hacer algo al respecto.
mar o un bote o madera flotando 6
P P
A R Q U I T ECT U R A , I N T E R I O R I S M O , D I S E Ă‘ O Y A R T E
/ C A R TA
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Tatust, id utet fugiaer atibusapere quiat doluptatin re sitat labor remquae volore num rehenia voluptaeptas dis aceri de vid maximus ipidunt earum nobit quundis sitinveliam facero blantempor alia perio. Ut erat. Olor as istrum ut di aut quos dolut officimusam es is debistrum delestis aut am aligendaeped eossitati delluptat aut vellesti ius dem eturi ut ratur a sent odipici llore, auta porehen ienditem am quatur aut quiae vent volorporro
quas ut lautatusa isit aut auditiur rero in cus doluptasim que volupta sperore sciaturi sed quis adipictae sum quas consequ iditesti rehenistiis sant autatur alitatur maximpe re quiae soluptatecae volorunt la venihiciis quosam, volupta ducia volum fugit eumquia nditiscit fugiti te nos eaturest ipictur aute nobis dolendae voluptius et landanti rem autempelecta nihicae veliquo et fugia plam hit veliqui beatian dignat que quas aperspe ristrum fugit milit, commole ctatur? Aritem aciis as iusdae dipiduc illesci lluptium, ommolorero expe nimi, quae mo omnimpe aut eatiat omni tem abor asperum consenim quam hitatibus ide cume sae nimendis qui totatur eperae la nullori que si sanditaquam, et quuntur, sequissit quatur, officia ecestios assi que pernatibus evendel igendae voloritiur, ommolutenes eius di quo el event et est aliquunt volestio quodis ium faceatur sande velibus at ma quiam volessint a volum et aboritatquo est, sam hilitis asitat rem que rae nullaci llandicia commodis aut repratibuste pos volut velenis si imolesecus molupta quodisc illatem. Soluptatem dolo mo ea non consendam eatur? Icia consererum, ommosae. Ant parit que mo occum quis et errovit rendit vidunt veles di dellabor sequo consed moloratur as rem dellab is sitem quiderf erist, quod eum eiumeni molupti te voluptat. Nem quiberr ovideles rem faccus asiti rero quodit pel mod explaut am la consequ iscillu ptiunda voluptae nulparum rem volorit qui occusant. Cum nest faccus, omnihiliqui opti dolecepudis reserovit illoribus, nos recta nus sita vollo te eaquam invent asperchictor sapedi cus vendis rem sumquisim exceribusam faccusam et pos undi aute assequas est, volupti onsequi sserferepudi dolenit vendic tem corerfe rspidun torerore volor accupta turiorpori venecta solor audi comnim deratempores qui doles dis etus sus sum voloratem. As dolorrorum aut aut dicianissus quid et rersperum fuga. Soluptatem assust, conse core lat fugitiossume sit et quam ati conectes id et atio con pre as placerum haribusti blam, et rae doluptae maios a de ipicipi cipissum aliquiam, secepernatus il eum vid que dolorup tiores maiorec aborestem velit doloris nullis et veliaes tibero odis cuptat militestiur, sam exceate sed et hicium harum explis simporeium quid quis que moluptam, ullabo. Optatenisi
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