Muestra Educación Plástica General by EditorialKamarS.A

1 Enseñanza Básica

De acuerdo al Currículum Nacional Base

Quinta Edición Copyright © 2020 Colección: Educación Plástica Autor: Arquitecto Eduardo Campo Marsicovetere Ilustración y diseño: Grupo Técnico Editorial Kamar S.A. Revisión de texto: Grupo Técnico Editorial Kamar S.A. La presentación y disposición en conjunto de la colección es propiedad del Editor. Ninguna parte de esta obra puede ser reproducida o transmitida, mediante ningún sistema o método electrónico o mecánico sin consentimiento por escrito de la Editorial.

Editorial Kamar Publicaciones Educativas

4a. avenida 8-63, zona 1. Tels: (502) 2232-5827 / 2464-9514 Guatemala, C.A. www.editorialkamar.com e-mail: ventaseditorialgt@gmail.com

Introducción Los libros de Educación Plástica, que presentamos, no son una simple exposición de temas de las Artes Plásticas, sino que son una obra didáctica que se a realizado con el objeto de orientar el curso dentro de la libre expresión, propiciando una formación integral del estudiante; es por ello que, empleamos en ella el título de Educación Plástica, pues con ello abarcamos todas las actividades que el alumno realiza dentro del curso escolar como lo son: dibujo, pintura, modelado, plegado, recorte, pegado, etc. No lo titulamos como oficialmente se denomina el curso: Artes Plásticas, pues pareciera que el alumno toma este curso como si se pretendiera formar artistas con él, que es un curso de enseñanza de los temas artísticos reservados a los mejores dotados; y es por eso que sustituimos la palabra Artes por Artística, pues con ello completamos el sentido y las competencias del curso: 1. Desarrolla la sensibilidad y la capacidad de apreciar la belleza, para que al asumir la responsabilidad que como ciudadano tendrá en el futuro dentro de la sociedad, contribuya como medio y signo de la más alta calidad de vida. 2. Revela y suscita las vocaciones de aquellos que serán los más capaces como especialistas de la creación de formas y diseños, para que conociendo su vocación, busquen los medios de aprendizaje donde desarrollen todo su potencial artístico. Para lograr estas competencias es necesario profundizar en los contenidos del Currículum Nacional Base y establecer procedimientos y objetivos particulares de la enseñanza de la materia, estableciendo tres direcciones pedagógicas fundamentales: 1. Desarrollar la sensibilidad para ser capaces de comprender la significación de formas, valores tonales, colores, materiales, etc. 2. Practicar de los medios de expresión, como el dibujo, la pintura, el modelado, etc. 3. Ejercitarse en el desarrollo de las facultades creadoras, mediante el juego plástico de manejo de las técnicas. Los temas considerados en los bloques son: a) Introducción a las unidades para que el alumno tenga una idea de lo que comprende su estudio y a la vez, conozca el concepto de la unidad de que se trate.

b) Competencias de cada bloque, inscritos en tres dominios: • Dominio Cognoscitivo, para la adquisición de conocimientos y juicio critico. • Dominio Afectivo, para lograr cambios en las actitudes, intereses y valores. • Dominio Psicomotriz, para el aprendizaje de habilidades y destrezas. c) Los Principios Básicos de cada tema, han sido expuestos al nivel que curso el estudiante, como corresponde a su edad, para que adquiera la confianza necesaria en sus propios medios de expresión; y que el maestro o maestra ampliará si lo considera conveniente. d) Interpretación de ejemplos, el estudiante debe de leer los principios básicos y examinar los ejemplos que se le presentan con la profusión necesaria para que fije las ideas y principios; como preparación a realizar los ejercicios correspondientes y todo lo que el profesor le indique. e) Aprestamiento, bajo este título presentamos el desarrollo de ejemplos guías para que el alumno se prepare y pueda realizar sin dificultad los ejercicios requeridos en cada tema. f) Desarrollo de Ejercicios, en le presentamos al alumno el espacio correspondiente al desarrollo de cada ejercicio, en una hoja desprendible, marginada y con las casillas correspondientes para la identificación personal. g) Lo que debo recordar, encontrará el alumno una síntesis de las ideas y definiciones esenciales que deberá fijar bajo su propio criterio. Además, en los libros de Educación Plástica, creemos importante ofrecer: 1. El perfil terminal del alumno egresado de Primaria en la asignatura de Artes Plásticas. 2. Una exposición de los instrumentos y materiales, en forma general, para que el alumno conozca y forme su equipo de trabajo. El Autor

Tabla de Contenidos Bloque I

Bloque II

Bloque III

Bloque IV

El Punto

La Línea

El Área

La Perspectiva

23-46

47-84

85-116

117-138

El Punto Artista Guatemalteco: César Izquierdo Tipos de Punto Sombreado con puntos Colorear con puntos

Calco por transparencia Estarcido con patrones naturales Estarcido con patrones recortados Desarrollo de ejercicios

La Línea Artista Guatemalteco: Guillermo Grajeda Mena Clasificación de la línea Forma estructural de la línea Línea recta Línea curva

La línea recta por su posición en el espacio Valor expresivo de la línea recta Valor expresivo de la línea curva

División de la línea por su calidad de trazo La línea técnica La línea plástica Funciones de la línea plástica

La línea en la artesanía guatemalteca Desarrollo de ejercicios

El Área

Artista Guatemalteco: Carlos Mérida ¿Sabes que es el área? El área geométrica

División de una línea en partes iguales Trazo de perpendiculares Trazo de figuras geométricas planas

El área artística Orla Festón Grecas Rosetones

La Perspectiva Artista Guatemalteco: Hugo Godínez Solórzano El horizonte Proyecciones hacia un punto Elementos de la perspectiva Clases de perspectiva Perspectiva frontal

Construcción de figuras geométricas

Figuras generatrices Historia de la escritura

Construcción del cuadrado en perspectiva Construcción de piso de ladrillos Construcción del cubo en perspectiva

Simetría

Construcción de un círculo en

El área en el Arte

Construcción de un cilindro Desarrollo de ejercicios

La rotulación Estudio de las letras Simetría real Simetría aparente

Estampación por pliegue Desarrollo de ejercicios

frontal

perspectiva

Tabla de Contenidos Bloque V

Bloque VI

Bloque VII

Bloque VIII

El Claroscuro

El Color

La Textura

El Volumen

139-152

153-172

173-190

191-206

Claroscuro Artista Guatemalteco: Ernesto Boesche Rizo Luz y sombra Luz directa e indirecta Posición y dirección de la luz

Sombra Sombra de borde cortado Sombra de borde esfumado Escala de valores

Desarrollo de ejercicios

¿Qué es el color? Artista Guatemalteco: Hugo González Ayala ¿Qué es el color? ¿Porqué vemos diferentes colores? ¿Cómo hacer un disco de Newton? Los Colores Círculo cromático Colores primarios Colores secundarios Colores intermedios Colores complementarios

Sensación térmica del color Sensación térmica en el arte Desarrollo de ejercicios

Origen de la textura Artista Guatemalteco: Roberto Cabrera Padilla Origen de la Textura Percepción de la textura Textura con puntos

Textura con lineas

Textura táctil o tridimencional Textura visual o bidimensional Textura gráfica Textura gráfica orgánica Textura gráfica geométrica Desarrollo de ejercicios

El Volumen Artista Guatemalteco: Rodolfo Galeotti Torres El volumen La escultura Modelado con plastilina Elaboración de estrella en 3D Técnica de Iris plegado

Desarrollo de sólidos geométricos Desarrollo de ejercicios

Perfil Terminal del Alumno Conocimientos Al finalizar el curso, el estudiante desarrollará los procesos intelectuales que le permitan: 1. Emplear la terminología básica relacionada con las Artes Plásticas. 2. Practicar la teoría básica sobre el punto, la línea, el área, la perspectiva, el claroscuro, el color, la textura y el volumen. 3. Distinguir la teoría básica de algunas técnicas propias de las Artes Plásticas. 4. Representar algunas artesanías y artes populares de su país.

Habilidades y destrezas Al finalizar el curso, el estudiante adquiere las siguientes destrezas desarrollando los procesos corporales que le permitan: 1. Manejar eficazmente sus habilidades y destrezas en el manejo de instrumentos y materiales del equipo artístico. 2. Adopte destrezas de la expresión plástica, mediante la realización de ejercicios de aprestamiento.

Autoevaluación Es el proceso donde el alumno valoriza su propia actuación. El alumno (evaluado) es quien se evalúa. Participa de una manera crítica en la construcción de su propio aprendizaje. Coevaluación Identifica los logros personales y grupales. Emite juicios valorativos acerca de otros en un ambiente de libertad, compromiso y responsabilidad. Indicadores Son los rasgos o caracterizadores cualitativos de una conducta en el proceso de un trabajo específico. Ponderación Ayuda a evaluar los trabajos teniendo como referencia los diferentes parámetros indicados en la escala; asignándoles un valor a criterio del maestro.

Actitudes y valores Al finalizar el curso, el estudiante interiorizará los valores que le permitan: 1. Utilizar su libertad creadora responsablemente. 2. Aplicar creativamente las diferentes técnicas artísticas aprendidas. 3. Respetar y apreciar las manifestaciones artístico-culturales de su comunidad. 4. Manifestar una actitud creativa individual y de grupo. 5. Ejercer una expresión artístico creadora para canalizar sus emociones.

Criterio*

Indicadores

Autoevaluación Necesita mejorar 0.5

6. Producir satisfacción en el desenvolvimiento de sus ideas creativas.

Creatividad

Coevaluación

Satisfactorio

Excelente

Manejo de instrumentos/Técnica

Evaluación

Limpieza

Es de vital importancia innovar el proceso de enseñanza paralela de la evaluación.

Composición

¿Que beneficios obtenemos de una Escala de Apreciación?

Heteroevaluación Permite al alumno y al docente, identificar carencias que es necesario reforzar antes de seguir adelante con el programa. Trabaja en el diseño de actividades remediales, destinadas a los alumnos que lo necesitan.

Heteroevaluación

2 0.5

Armonía de color Presentación

Exactitud X

puntualidad

Nota final

6.5/10

Competencias temáticas • Conoce las distintas expresiones artísticas en las imágenes de tu entorno aprendiendo a diferenciar unas de otras. • Observa, percibe, comprende e interpreta de una manera crítica, la historia del arte como manifestación de la expresión artística, para valorar la trascendencia e influencia de las culturas antiguas en el arte actual. • Analiza los diferentes conceptos del lenguaje del arte, los significados y valores que se le dan a creaciones artísticas en el contexto inmediato, en otros lugares y en otros tiempos. • Aprecia de forma estética, sensibilizándote frente a obras significativas del patrimonio artístico nacional y las distintas manifestaciones de la producción artesanal del país. Desarrollo El aprendizaje en esta primera unidad, es principalmente conceptual, como preparación a las subsiguientes, en las que se desarrollaran las habilidades gráfico-plásticas. Aporta las bases teóricas indispensables, para que comprendas el significado de términos frecuentemente utilizados en la Educación Plástica. Describe, de manera breve los materiales e instrumentos comúnmente utilizados en el desarrollo de las distintas técnicas plásticas. Además viajarás sobre una línea del tiempo que, de forma breve y gráfica, describirá momentos relevantes en la historia del arte, para acercarte a culturas milenarias que representan los pilares de la expresión artística y así, valorar la trascendencia e influencia de las culturas antiguas en el arte actual. Para acercarte más a las Artes Plásticas te presentamos una descripción teórico-visual de conceptos, ejemplificados con muestras de artistas nacionales.

Bellas Artes Que se les nombra como artes liberales, porque en ellas tienen primordial importancia el intelecto y la imaginación, y son las que se orientan hacia la realización de lo bello. Examinadas a su vez las bellas artes, podríamos subdividirlas en:

Expresiones Artísticas

1. Las Artes del Movimiento. 2. Las Artes Fonéticas. 3. Las Artes Plásticas.

Artes del Movimiento

El mundo que te rodea está lleno d e o b j eto s d i st i nto s e impresionantes que quizás nunca te has detenido a observar, en ellos puedes descubrir como éramos hace muchos años atrás, como son otras culturas y países. El arte es un componente propio de la cultura, en el cual se refleja la concepción de mundo de una persona o grupo social. A través del arte se transmiten ideas, historias y valores, los cuales permiten permear a las generaciones siguientes de la identidad del grupo.

La danza suaviza ese tránsito de las artes plásticas a las fonéticas. Las expresiones de belleza en el espacio son unidas, en su rítmico movimiento, a las expresiones de belleza en el tiempo (música).

¿Qué es pues el Arte?

Conocimientos Generales

Artes Fonéticas Las artes fonéticas emplean, como medio de expresión, el sonido musical y articulado. Música, canto, elocuencia y poesía; hablan al oído y se desenvuelven en el tiempo, sin ocupar espacio.

Educación Plástica 1 © Editorial Kamar, S.A.

El arte se entiende como cualquier actividad o producto realizado por el ser humano con una finalidad estética o comunicativa, a través de la cual se expresan ideas, emociones o una visión del mundo, valiéndose de la materia, de la imagen o del sonido, imita o expresa lo material o lo inmaterial, y crea, copiando o fantaseando. El arte se materializa mediante diversos recursos, como los plásticos, lingüísticos, sonoros o bien mixtos. Así los cuadros los hacen los pintores, las esculturas los escultores, las canciones las componen y tocan los músicos y los poemas o libros los escritores. Conforme a éstas, las varias manifestaciones del arte, que forman el conjunto de las artes, pueden clasificarse en dos categorías básicas: Bellas Artes y Artes Aplicadas.

Educación Plástica 1

Artes Plásticas Pintura, escultura y arquitectura constituyen las tres artes plásticas que se desarrollan en el espacio. La primera, bajo dos dimensiones, y las dos últimas bajo tres. Son características esenciales de las artes plásticas, la objetividad y la extensión. La pintura representa las formas o imágenes reales, irreales o abstractas, sobre alguna superficie plana (tela, papel, cartón, metales, etcétera), mediante el dibujo y el color. La pintura está basada en el uso de pigmentos colorantes.

Mujeres. Oleo de Rafael Pereyra (1935 -1966), Guatemala.

Las formas de pintura varían de acuerdo con la forma de aplicar, extender y fijar el color. Desde el punto de vista técnico, se dice que es al fresco cuando se aplica utilizando colores

Pintura

Acuarela

Óleo Hilanderas de Atitlán. Témpera de Alfredo Gálvez Suárez. (1899-1946). Museo Nacional de Arte Moderno, Guatemala.

Crayón Acrílico

Educación Plástica 1 © Editorial Kamar, S.A.

disueltos en agua y cal. Al óleo, cuando ha sido elaborada con colores disueltos en aceite secante, por lo general, sobre una tela. La pintura al pastel se realiza con lápices blandos y pastosos. La acuarela emplea colores transparentes diluidos en agua. En Guatemala contamos con pintores de renombre artístico a nivel nacional e internacional. Observa los ejemplos.

Fragmento de Coqueta. Crayón del Maestro Manolo Gallardo. Guatemala.

Pintura en acrílico del Maestro Efraín Recinos. Guatemala.

Educación Plástica 1

Conocimientos Generales

Santa Gertrudis. Escultura tallada en madera policromada. Siglo XVIII, Guatemala.

Detalle de San Sebastián. Escultura tallada en madera policromada, de Alonso de la Paz. Siglo XVIII, Guatemala.

Escultura

La escultura, es el arte y técnica de crear formas originales de tipo figurativas (reales) o abstractas, de tres dimensiones o volúmenes. El escultor tradicional crea formas volumétricas modelando sustancias dotadas de plasticidad (cera, arcilla húmeda), tallando materias duras (piedra, granito, madera, marfil) o diseñando moldes que le permiten reproducir el relieve.

Tonatiuh.Escultura en bronce del Maestro Roberto Gonzalez Goyri. Guatemala.

En Guatemala, durante la época colonial, se desarrolló el arte escultórico, llegando a ser la máxima expresión artística. Con la llegada de la vida independiente, en el siglo XIX, la producción de esculturas menguó. Hasta que en la década de 1920, se comienza a observar una escultura con tendencias modernistas, que preparó el camino y la sensibilidad de las generaciones posteriores, para que respondieran a una expresión guatemalteca, artísticamente independiente.

Conocimientos Generales

Actividad sugerida:

Música grande. Escultura en madera, del Maestro Efraín Recinos. Museo Nacional de Arte Moderno, Guatemala.

-- Investiga datos acerca de la vida y obra de: Roberto González Goyri, Rodolfo Galeotti Torres. -- Busca el significado de la palabra policromía.

Educación Plástica 1

Educación Plástica 1 © Editorial Kamar, S.A.

Actualmente el escultor moderno crea formas utilizando materiales de desecho: hierro fundido, láminas de cinc y aluminio, alambre, cintas de acero y materiales plásticos variados.

La arquitectura, es el arte y técnica de proyectar y construir de acuerdo con un programa, tiene fundamentos científicos y obedece a técnicas complejas. Se convierte en arte, cuando la construcción representa el espíritu de una época. La Arquitectura transforma el espacio. Logra unir la belleza y la utilidad, una depende de la otra, una obra no es hermosa si no se adapta al fin para el cual se destina. Durante la época colonial, la arquitectura guatemalteca estuvo influenciada por un estilo arquitectónico de características especiales, que fue variando debido a los constantes sismos propios de la zona. En el siglo XIX y la primera mitad del siglo XX, la arquitectura se vio influenciada por corrientes estilísticas europeas. Arquitectura Maya, templo del Gran Jaguar.

Arquitectura Colonial, Universidad de San Carlos de Borromeo.

Arquitectura

Educación Plástica 1© Editorial1 Kamar, S.A. Kamar, S.A. Educación plástica y Visual © Editorial

Sin embargo, fue hasta 1944 que se establece en el país un estilo más internacional. Se comienza a utilizar el concreto visto y busca integrar el arte de la época con elementos precolombinos, creando murales, volúmenes y texturas ornamentales. La arquitectura se transforma por la constante influencia de las variadas corrientes y estilos de la globalización internacional. La cantidad de edificios y la altura de los mismos aumentan a pesar de que las condiciones geológicas del país no han variado y Guatemala sigue siendo un país con actividad sísmica. Educación Plástica 1

Arquitectura contemporánea, edificio de ANACAFÉ.

Actividad sugerida: -- Identifica los edificios más altos del país. (Altura, niveles). Diseñador, fecha de edificación y tiempo de ejecución. Estilo. -- Comparte el trabajo con el grupo. Arquitectura Contemporánea, Edificio Tikal Futura.

Conocimientos Generales

Artes Aplicadas Reciben también el nombre de artes mecánicas, y tienen por propósito la preparación de objetos útiles, y que genéricamente se llaman oficios o artesanías.

Actualmente, las artesanías se conservan y forman parte de la cultura material de los guatemaltecos, gracias a la particularidad que tienen de permanecer de generación en generación, por medio de la transmisión del aprendizaje a través de la cohesión familiar y cultural que predomina, particularmente, en el interior de nuestro país. El arte popular, o artesanía, se caracteriza exactamente porque, las técnicas empleadas son transmitidas directamente, pues existe una tendencia imitativa

Conocimientos Generales

de generación en generación. Se aprende sin más guía que el ejemplo, por comunicación directa en el trato familiar. Los niños ven hacer el objeto y adquieren la noción de un arte útil a la colectividad. La artesanía es ante todo, manualidad, prevalecen en ella la libertad y la iniciativa personal; lo que hace que cada pieza sea un objeto único, ya que, al repetirlo nunca será igual al anterior, a pesar de que al realizar la actividad de una manera periódica y constante, elabore su producto en serie. El arte popular es anónimo. El artesano ignora la trascendencia de su obra; el sólo elabora, repitiendo, nociones estéticas tradicionales a las cuales ha llegado a través de la práctica reiterada y la observación constante, dentro de un marco personal y doméstico.

Educación Plástica 1 © Editorial Kamar, S.A.

La producción artesanal de Guatemala se remonta muchos siglos en la historia. Los mayas elaboraban herramientas, recipientes tallados en piedra y madera, así como, diferentes tejidos.

Educación Plástica 1

En Guatemala existe gran cantidad de artesanías como producto de la variedad multicultural, de manera que en los talleres domésticos y en los mercados regionales podemos observar textiles, cerámica, platería, jícaras, jarcia, cestería, cerería y otras artesanías menores que forman el patrimonio cultural guatemalteco. Los textiles son la producción artesanal más grande con que cuenta el país. Su elaboración es muy variada en cuanto a diseño y colorido de acuerdo con la región donde se produzcan. Para su elaboración se utilizan los telares de cintura o de palitos, que son de origen prehispánico y el telar de pedales o palancas:

introducido por los españoles durante la Colonia.

Educación Plástica 1 © Editorial Kamar, S.A.

Textiles

A partir de 1980 la venta artesanías tuvo un crecimiento comercial con la elaboración de nuevos productos. Los diseños tradicionales de las artesanías se enriquecieron con nuevos diseños, con las mismas técnicas de elaboración, pero acordes con las exigencias del mercado moderno occidental. Dichos trabajos no dejan la peculiaridad como artesanía local, aunque se utilizan máquinas industriales para la confección de las prendas, la materia prima, el diseño y el trabajo manual predominan, por lo que no dejan de ser productos artesanales.

Actividad sugerida: -- Observa los diseños textiles de la página. -- Identifica los colores más utilizados. -- Investiga acerca del significado de los diseños zoomórficos, fitomorfos y geométricos en los textiles.

Educación Plástica 1

Conocimientos Generales

Cerámica

Hay dos clases de cerámica en Guatemala unas de origen maya y otras de origen español, y estas se pueden distinguir por su colorido o por su diseño.

Cerámica de origen maya Esta cerámica es elaborada a mano, con instrumentos sencillos. Hay una gran variedad de utensilios como comales (piezas planas y circulares donde se hacen las tortillas de maíz), ollas, cántaros, jarrones, floreros, escudillas, pichachas (olla con agujeros para colar maíz cocido), silbatos, alcancías con formas de animales y frutas e incensarios que se utilizan para las procesiones o para las misas, también para los rituales.

Cerámica de origen español

Educación Plástica 1 © Editorial Kamar, S.A.

La cerámica española se distingue por tres tipos: la vidriada, la mayólica y la pintada. Para la elaboración de la vidriada y de la mayólica se utilizan tornos y se pintan con esmaltes, por ejemplo, tazas, escudillas, fruteros, cafeteras, etc. Se realizan en talleres con varios artesanos. La cerámica pintada es más decorativa y se utilizan más en la elaboración de alcancías. Sus formas son pájaros, verduras y frutas, este tipo de cerámica se hornea una vez y se pinta. El torno y el horno son los pilares para la fabricación de la cerámica se necesitan además pinceles y varillas para la decoración. 8

Conocimientos Generales

Educación Plástica 1

Uso de la cerámica La cerámica desde el principio de su invención, tuvo como uso fundamental, el de recipiente para alimentos; más adelante se utilizó para hacer figuras supuestamente de carácter mágico, religioso o funerario. También se empleó como material de construcción en forma de ladrillo, teja, baldosa o azulejo, tanto para parámentos como para pavimentos. La técnica del vidriado le proporcionó gran atractivo, se utilizó también para la escultura. Actualmente también se emplea como aislante eléctrico. La cerámica es el producto que más se comercializa del departamento. En la actualidad se exporta a Centroamérica y Europa. En los municipios de Cubulco, Rabinal, El Chol, San Jerónimo, Salamá y San Miguel Chicaj se fabrican tinajas, ollas y platos; con decoraciones creativas y coloridas que se venden los días del mercado.

Materiales cerámicos porosos No han sufrido vitrificación, es decir, no se llega a fundir el cuarzo con la arena. Su fractura (al romperse) es terrosa, siendo totalmente permeables a los gases, líquidos y grasas.

Uso de la cerámica

Educación Plástica 1 © Editorial Kamar, S.A.

Materiales cerámicos impermeables Se los ha sometido a temperaturas bastante altas en las que se vitrifica completamente la arena de cuarzo. De esta manera se obtienen productos impermeables y más duros. Cuando la cerámica se produce con arcillas o barros poco depurados en la elaboración de vasijas, tinajas, macetas, incensarios y cualquier forma decorativa se le denomina alfarería, Los ejemplos más conocidos son: los candeleros de Rabinal, incensarios de Totonicapán, los “patos” de San Luis Jilotepeque, los pajaritos de Antigua Guatemala y las tinajas y adornos de Chinautla. Educación Plástica 1

Actividad sugerida: -- Investiga la diferencia entre cerámica y alfarería. -- Observa dos piezas de cerámica e identifica las similitudes y las diferencias. -- Comparte tus hallazgos con el grupo.

Conocimientos Generales

Rapidógrafos Los rapidógrafos se utilizan en la elaboración de trabajos a tinta. Se clasifican de acuerdo con el grosor del trazo, desde el 0.1 mm que es el más fino, hasta 2.0 mm, el más grueso. Se cargan con tinta china especial en variedad de colores. En el mercado encontramos marcadores clasificados de acuerdo con el grosor de su trazo que sustituyen a los rapidógrafos y con un precio accesible. Papel y cartulina Existe una gran variedad de tipos de papel, por lo que es necesario elegir el más adecuado al trabajo que se va a realizar, de ello depende, en gran parte, el resultado final. El papel es una hoja delgada hecha de sustancias vegetales que se utiliza, principalmente, para dibujar. La cartulina, es papel más grueso y resistente. Tablero

Colores

El tablero es una plancha de madera o plywood que permite fijar y mantener firme el formato u hoja de papel, para realizar los trabajos con precisión.

El color es un elemento expresivo y emotivo que está presente en nuestro entorno y es un elemento esencial en el arte. Existen diversas formas para aplicar color a los diseños, entre las más comunes están: las tintas, las témperas y las acuarelas. Educación Plástica 1 © Editorial Kamar, S.A.

Las tintas son soluciones coloreadas y entre las más conocidas está la tinta china, que es utilizada en dibujos, es fluida, indeleble y de secado rápido. Las témperas son solubles en agua, espesas y opacas. En el mercado las puedes encontrar en pastillas, tubos o en frascos. Las acuarelas son pigmentos colorantes de origen vegetal, animal o mineral, aglutinados con agua y goma arábiga. Se pueden encontrar en tubos o pastillas. Son solubles en agua y al pintar sobre el papel sus colores son transparentes. 10

Conocimientos Generales

Educación Plástica 1

Competencias temáticas

• Reconoce el punto como elemento

estructural, configurativo y constructor de formas e imágenes. • Examina la importancia del punto en diversos campos de expresión, tanto práctico como artístico. • Analiza el punto como un elemento primario de la forma y como elemento constructor de efectos visuales relacionados con la expresión artística. • Describe el proceso y experimenta con la técnica del estarcido. • Organiza de forma flexible el proceso de realización de una obra con intención plástica, valorando los distintos pasos y los resultados conseguidos para adecuarlos al propósito que se pretende.

Desarrollo El punto es la unidad mínima de comunicación visual, es un elemento gráfico fundamental. Los trazos o formas que realizamos en la expresión gráfica, sobre cualquier superficie plana, parten de un punto.

Pintura del Maestro guatemalteco, César Izquierdo.

Obras del Artista

César Izquierdo

César Antonio Izquierdo Echeverría (1937-2015). Nació en Santa Cruz del Quiché, Guatemala. En 1957 presentó su primera exposición en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, ENAP, compuesta por 32 obras. Tan sólo un año después, el Palacio de Bellas Artes de México lo invitó a exhibir tres de sus obras. Posteriormente realizó más de cuarenta exposiciones, en Estados Unidos de América, México, Centroamérica, España y Panamá. Durante su carrera, fue profesor de dibujo, pintura, anatomía y diseño y ocupó el cargo de “Director de Arte”, en varias agencias publicitarias.

El Punto

Educación Plástica 1 © Editorial Kamar, S.A.

Su obra se encuentra en galerías, museos y forma parte de colecciones privadas en varias partes del mundo.

Educación Plástica 1

El punto es el primero de los elementos del lenguaje visual, que estudiaremos y comenzamos con él por ser la mínima expresión que se puede realizar en la comunicación visual, y de él parten todo trazo o composición que se puede realizar en el diseño y dibujo sea este artístico o no. Así tenemos que el punto lo podemos diferenciar en dos tipos: el punto geométrico que es un concepto abstracto por definición y el punto gráfico

plástico que es el menor de los elementos del lenguaje plástico capaz de producir formas, además puede ser de diferente tamaño, así como variar su color y tener textura. Pero el punto es un elemento que nos dice algo según su disposición de concentración en el plano y así se expresa con pesadez, uniformidad, concentración o dispersión. Pero además el punto es capaz de componer según sea su disposición en el plano o dentro de una imagen; puede centrar la atención, desequilibrar o sugerir un orden de lectura visual, guiando la vista por todo el diseño.

Te lo presentamos...

El punto 1. Definición

El punto es la unidad mínima de la comunicación visual

Punto gráfico plástico

Punto geométrico

Expresar

Componer

Es el menor de los elementos del lenguaje plástico capaz de producir formas. Puede tener forma, color, tamaño y textura.

Es el resultado del corte o intersección de dos líneas o el centro de una circunferencia.

Según la disposición de puntos en el plano, estos pueden expresar: pesadez, uniformidad, concentración o dispersión.

Según la posición del punto en una imagen, la composición puede estar: centrada, desequilibrada o sugerir un orden de lectura (la vista va de un punto a otro).

Educación Plástica 1 © Editorial Kamar, S.A.

3. Funciones

2. Tipos

Educación Plástica 1

El Punto

Tipos de Punto Geométricamente, el punto es invisible y se puede definir como el cruce de dos líneas en el espacio. El punto, expresado gráficamente, es el resultado del encuentro de un instrumento (lápiz, punzón, aguja, etcétera), con una base (papel, madera, metal, u otro). El instrumento al encontrarse con la base, deja una marca y la base queda afectada. Entonces, el punto se materializa, se vuelve visible, puede ser una marca muy pequeña o llegar a ser hasta círculos los que pueden ser de distintos tamaños, con colores variados, en negativo (llenos) o en positivo (vacíos). Ejemplo 1.

1. Cuando los puntos llegan a una magnitud visual dentro del plano y por su tamaño dejan de ser puntos, los consideramos círculos.

Esto nos ayuda a representar el espacio, forma, volumen y textura, dependiendo de la posición, dispersión, alineación y repetición; así como de su interrelación con otros puntos o elementos como la línea y el plano. Ejemplo 2.

2. Los puntos se pueden concentra o dispersar.

Cuando se varía el tamaño y la distancia entre los puntos en la forma a representar, podemos producir gradaciones de luz y sombra (claroscuro). Ejemplo 4.

3. El punto puede representarse con distintos colores en el diseño.

El Punto

4. Los grupos de puntos producen diferentes tonos de gris.

Educación Plástica 1

Educación Plástica 1 © Editorial Kamar, S.A.

Los puntos en un diseño se pueden representar con distintos colores y combinarlos con líneas, para definir las formas. Ejemplo 3.

Observa los ejemplos en esta página sobre el punto en dispersión y el punto en concentración. Elige dos ejemplos y elabora tus propios diseños en los siguientes espacios.

Educación Plástica 1

El Punto

Con el ordenamiento de los puntos sobre un diseño, lograrás magníficos resultados. Desarrolla cuatro diseños en los que el punto se desarrolle ordenadamente, en los espacios de la izquierda.

El Punto

Educación Plástica 1

Sombreado con puntos Cuando se varía el tamaño o la distancia entre los puntos en la forma a representar, podemos producir gradaciones de luz y sombra (claroscuro). Con el punto se pueden representar objetos reales, definiendo sus contornos y volumen, a través de la concentración o dispersión de puntos. La concentración produce zonas de color oscuro o sombras, en cambio, la dispersión produce zonas claras o iluminadas. La variación del tamaño de los puntos produce la sensación de profundidad, pues los puntos de mayor tamaño parecerán estar más cercanos que los de menor tamaño.

3. Composición de caracoles de mar resueltos rapidógrafo de punta media.

2. Pájaro resuelto con marcador de punta fina.

1. La concentración puntos, produce la sensación de zonas de color oscuro o sombras, en cambio, la dispersión de claras o iluminadas

Observa los ejemplos. El ejemplo 1 y el ejemplo 2, fueron elaborados por alumnos del primer curso básico, como ejercicios de clase.

Educación Plástica 1 © Editorial Kamar, S.A.

El ejemplo 3 y 4 fue elaborado por el autor y el ejemplo 5, fue realizado por un profesional del diseño como parte de una campaña publicitaria, para una revista. 4. Representación de una tetera resuelta con marcador de color negro de punta fina.

Actividad sugerida: 5. Dibujo realizado a tinta por dibujante profesionales en donde se puede observar el dominio de la técnica de dibujo a punto y el control de las luces y las sombras, el claroscuro.

Educación Plástica 1

-- Observa cada ejemplo. -- Compara: la densidad y grosor del punto en cada imagen. -- Conversa acerca del manejo de la luz y de la sombra en los ejemplos.

El Punto

Colorear con puntos Cuando se utilizan puntos de colores sobre posición para obtener una figura o dibujo se le da el nombre de puntillismo. Esta técnica consiste en modelar la figura, las luces y las sombras con puntos de color, sobreponiéndolos por capas con el cuidado de lograr los tonos adecuados para matizar los colores. Los dibujos que ilustran esta página y la siguiente, fueron realizados por alumnos y alumnas de primer grado básico. Se utilizó la técnica de calco por transparencia. El dibujo se realizó sobre cartulina blanca, con marcadores de punta fina. Es aconsejable que la cartulina sea compacta y con cierto grado de satinado en la superficie, esto dará como resultado un punto definido.

2. Interpretación puntillista de círculos en que semejan esferas o planetas flotando en el espacio.

1. Interpretación puntillista de figuras geométricas.

Es necesario que se utilice marcador o rapidógrafo de punto fino. Los puntos muy gruesos tienden a unificarse y la figura no se define adecuadamente.

3. Atardecer en el desierto, se logró la sensación de un día soleado y caluroso con predominio de color amarillo y rojo; las sombras con algunos azules y negro.

El Punto

4. Interpretación puntillista de planetas en el espacio.

Educación Plástica 1

Educación Plástica 1 © Editorial Kamar, S.A.

Los ejemplos que te presentamos en esta página fueron realizados por jóvenes de tu edad en el curso de Artes Plásticas.

Recrea la sensación de luz y sombra en el dibujo que se te proporciona en esta página. Guíate por el código siguiente: a. puntos muy unidos b. puntos unidos c. puntos dispersos

a. puntos muy unidos

b. puntos unidos

c. puntos dispersos

Educación Plástica 1

El Punto

Criterio*

Heteroevaluación

Indicadores

Autoevaluación Necesita mejorar

Coevaluación

Satisfactorio

Creatividad Manejo de instrumentos/Técnica Limpieza Composición Armonía de color Presentación Exactitud

Nota final

Excelente

Ahora utilizando tu criterio, crea la sensación de luz y sombra en el dibujo con la técnica de puntillismo.

puntos muy unidos

puntos unidos

puntos dispersos

Educación Plástica 1

El Punto

Criterio*

Heteroevaluación

Indicadores

Autoevaluación Necesita mejorar

Coevaluación

Satisfactorio

Creatividad Manejo de instrumentos/Técnica Limpieza Composición Armonía de color Presentación Exactitud

Nota final

Excelente

1. Original a colores de guacamayas que sirvió para realizar el calco por transparencia.

Técnicas de representación Calco por transpariencia El calcado por transparencia es una técnica gráfico-plástica utilizada en la elaboración de trabajos con puntos.

2. Observa el resultado del dibujo puntillista de Guacamayas, por el método de calco por transparencia con puntos realizados con rapidógrafo y tinta negra sobre cartulina blanca.

La técnica se puede desarrollar de diferentes maneras, las más comunes son: utilizar papel calco o albanene y la otra, es "pasar por mesa de luz". En la primera, se coloca el papel calco sobre el dibujo a reproducir y se fija con cinta adhesiva para que no se mueva la hoja, se realiza el punteado de acuerdo con el dibujo o fotografía. En las zonas claras se realiza un punteado disperso y en las áreas oscuras el punteado será más concentrado o apretado. Poco a poco se irá perfilando la figura y obteniendo zonas de luz y sombra, que modelarán el volumen de la figura.

Educación Plástica 1 © Editorial Kamar, S.A.

En calcado "por mesa de luz", éste se realiza colocando la fotografía o litografía sobre un vidrio (se puede trabajar en una ventana) y se coloca la fuente de luz (lámpara) detrás del vidrio. Sobre la fotografía o litografía se fija el papel o cartulina y de esta manera se trabaja con una imagen clara por transparencia.

Educación Plástica 1

El Punto

Diferentes técnicas de representación del punto Existen diversas técnicas e instrumentos para representar el punto. Con la utilización de una plantilla de círculos y rapidógrafo se pueden elaborar diseños de alta precisión, (ejemplo 1). Observa el ejemplo 2, con un gotero se dejan caer, sobre el papel o cartulina, pequeñas gotas de tinta a diferentes distancias de altura. Como resultado se obtendrán pequeños círculos de variadas dimensiones. Se puede utilizar plantillas de papel de distintas formas y levantarlas una vez la tinta se haya secado.

Ejemplo 2

Ejemplo 1

Con un hisopo mojado con tinta o témpera de colores, se pueden realizar puntos grandes y medianos de acuerdo con la presión que se ejerza sobre el papel o cartulina. Al utilizar el hisopo con la misma carga de tinta, la intensidad del color varía, con lo que se obtienen degradaciones y tonalidades del color, ejemplo 3.

Ejemplo 3

El Punto

Educación Plástica 1 © Editorial Kamar, S.A.

En el ejemplo 4, se utilizaron los círculos que se obtienen con el sacabocados. Los círculos se pueden ordenar a partir de un diseño preconcebido o al azar.

Ejemplo 4

Educación Plástica 1

Técnicas de Representación Existen muchas formas de aplicación del punto con una gran infinidad de materiales e instrumentos, realiza los siguientes ejercicios como se te indican. 1. Utilizando círculos de papel de colores hechos con sacabocados, o bien recortados con tijeras, pégandolos sobre los espacios 1 y 2 desarrolla dos formas astractas. 2. Con un hisopo humedecido en tinta y aplicándolo en forma de sello sobre el papel, desarrollados formas abstractas en los espacios 3 y 4.

Educación Plástica 1

El Punto

Criterio*

Heteroevaluación

Indicadores

Autoevaluación Necesita mejorar

Coevaluación

Satisfactorio

Creatividad Manejo de instrumentos/Técnica Limpieza Composición Armonía de color Presentación Exactitud

Nota final

Excelente

3. Utilizando una plantilla, realiza círculos negativos y positivos creando formas abstractas en los espacios 5 y 6 de la siguiente página. 4. Con un gotero, dejando caer sobre el papel pequeñas cantidades de tinta a diferentes distancias, desarrolla dos formas abstractas en los espacios 7 y 8 de la siguiente página.

Educación Plástica 1

El Punto

Criterio*

Heteroevaluación

Indicadores

Autoevaluación Necesita mejorar

Coevaluación

Satisfactorio

Creatividad Manejo de instrumentos/Técnica Limpieza Composición Armonía de color Presentación Exactitud

Nota final

Excelente

Estarcido con patrones naturales Esta técnica es utilizada en trabajos con puntillismo. Es sencilla y fácil de aplicar; se utiliza en la elaboración de fondos o como efecto en los diseños. Consiste en aplicar tinta, témpera u otra pintura en forma de rocío o pequeñas gotitas. Para experimentar con esta técnica, es necesario colocar sobre la hoja de papel o cartulina, diferentes objetos: clavos, tuercas, piedritas, hojas de plantas, tijeras, etcétera. Una vez colocados los objetos, se realiza la pulverización con la tinta elegida. Para pulverizar la tinta se pueden utilizar diferentes instrumentos: cepillos de dientes, brochas de cerda dura, pinceles, aspersores de boquilla, aerógrafo o utilizar pintura en aerosol (spray).

Paso 2. Estarcido con patrones naturales.

Paso 1. Estarcido con patrones naturales.

Paso 3. Estarcido con patrones naturales.

Estarcido con patrones recortados Esta técnica es fácil de aplicar, y también se utiliza en fondos o como efecto en los diseños.

Educación Plástica 1 © Editorial Kamar, S.A.

Necesitas los materiales siguientes: un trozo de cartulina o cartón resistente a la humedad (plantilla), formato de cartulina, cepillo de dientes y tintas de colores. Traza el diseño sobre el cartón o cartulina y recórtala cuidadosamente, de manera que obtengas las plantillas, una en forma de silueta y otra en hueco (vacío que deja la primera figura al ser recortada), una en negativo y otra en positivo. Coloca la plantilla sobre la hoja de trabajo para que cubra las partes del diseño que no quieres pintar y pulverízalo. Luego, desplaza el patrón varias veces, pulverizándolo con tinta o témpera. El cepillo de dientes se humedece con tinta y se rasca con el dedo pulgar, o con algún otro objeto (aguja capotera o palillo de dientes), sobre el área a pintar. Acércalo al papel, (mayor condensación de puntos) o aléjalo, (menor condensación de puntos). Observa el ejemplo de esta página.

Paso 4. Estarcido con patrones naturales.

Estarcido con patrones recortados. Al realizar las impresiones de los patrones, se debe evitar la saturación de tinta en cada aspersión.

Educación Plástica 1

El Punto

En este diseño se recrea un tema marino. El primer paso es trazar el diseño con lápiz. Se elaboran y recortan las plantillas (peces, burbujas y planta) en una cartulina gruesa, resistente a la humedad (se puede utilizar papel autoadhesivo), se posicionan dentro del diseño, fijándolas con cinta adhesiva de doble cara o con rubber cement. Luego, se realiza el estarcido del fondo, con cepillo y tinta azul oscuro. Una vez la tinta está completamente seca se retiran las plantillas y se retoca el diseño con crayones o marcadores, variando las tonalidades de los peces y demás elementos. Se retoca el fondo con crayón, sobre el estarcido, así se logra da la sensación de granos de arena y de aspereza a las rocas.

2. Cubre con las plantillas las partes que no se pintan.

Educación Plástica 1 © Editorial Kamar, S.A.

Para estarcir se puede utilizar casi cualquier material para pintar (anilina, acuarela, témpera, tinta, pintura comercial de uso doméstico, pintura acrílica automotriz, entre otras). Es recomendable que al realizar el estarcido, la pintura caiga como llovizna perpendicular hacia las plantillas, para que no manche.

1. Realiza el diseño con lápiz.

5. Utiliza crayones o marcadores para retocar y pintar el diseño, para definir el detalle de las figuras y contrastar los colores.

3. Entinta el cepillo de dientes y rascarlo con el dedo pulgar o con una aguja capotera.

El Punto

4. Cuando esté seco, levanta las plantillas con cuidado.

Educación Plástica 1

Ejemplos de diseños realizados con estarcido

6. En este caso se usó un mismo patrón y el estarcido se realizó únicamente en el borde de la figura con lo que se logró un resultado interesante.

5. El uso del estarcido de forma libre sin el uso de patrones permite obtener resultados al azar, en este caso, se combinaron diferentes colores en superposición.

Educación Plástica 1 © Editorial Kamar, S.A.

7. Este ejemplo se realizó combinando técnicas: el fondo es un estarcido con cepillo en forma libre, sin plantilla, utilizando distintos colores. La figura se pintó con acuarela y pincel para matizar los colores y lograr el efecto de transparencia.

8. Este ejemplo al igual que el anterior, se realizó combinando técnicas: el fondo es un estarcido con cepillo en forma libre, sin plantilla, utilizando distintos colores. La figura se pintó con tempera y pincel para que los colores de la figura cubrieran el fondo.

Educación Plástica 1

El Punto

Desarrollo de proyecto de estarcido con patrones recortados Materiales: Formato de cartulina, papel kraft grueso o cartoncillo para la plantilla; cepillo de dientesy témperas. Paso 1. Recortar el pájaro 1. No interesa el pájaro, sino la silueta. Fijar con cinta adhesiva o con un sujetador de papel (clip), la plantilla sobre el formato. Paso 2. Rociar el borde de la figura, sin cubrir el espacio recortado. Paso 3. Recortar el fondo 1 y retirar la plantilla. Secar. Paso 4. Rociar otra capa, cubrir el área restante. Reducir la concentración de tinta en el área de las patas del pájaro. Paso 2

Paso 1

Paso 3

Paso 5. Cubrir con una hoja el fondo pintado (paso 4). Recortar el fondo 2. Dejar el pájaro 2 sobre la cartulina. Rociar la tercera capa, mayor concentración en la parte superior, formar un degradé o desvanecido en el fondo.

El seguimiento de instrucciones garantizará que los resultados sean los deseados.

Paso 4

Paso 5

El Punto

Paso 6

Educación Plástica 1

Educación Plástica 1 © Editorial Kamar, S.A.

Paso 6. Retirar la hoja que cubre el fondo 1, el patrón del pájaro 2 y el fondo 3, que forma el marco del diseño.

-- Trasladar las figuras de ésta página a una cartulina o cartón, lo suficientemente resistente para utilizarlo varias veces; recuerda que debes recortar las figuras con sumo cuidado, sin romper el fondo y de esa manera tendrás dos patrones; uno positivo y uno negativo. -- Luego, realiza un diseño, en un formato, utilizando la técnica del estarcido con cepillo. Puedes utilizar diferentes colores sobre una misma plantilla.

46 El Punto Educación Plástica 1 Educación Plástica 1 © Editorial Kamar, S.A.

2 Enseñanza Básica

De acuerdo al Currículum Nacional Base

Editorial Kamar Publicaciones Educativas

4a. avenida 8-63, zona 1. Tels: (502) 2232-5827 / 2464-9514 Guatemala, C.A. www.editorialkamar.com e-mail: ventaseditorialgt@gmail.com

Tabla de Contenidos Bloque I

Bloque II

Bloque III

Bloque IV

El Punto

La Línea

El Área

La Perspectiva

21-36

37-66

67-104

105-122

El Punto Artista: Georges Seurat El punto gráfico Expresividad del punto El punto construye imágenes El punto colorea

El punto en el arte El puntillismo en las Artes Gráficas Lo que puede hacer un punto...tras otro Desarrollo de ejercicios

La Línea

Artista guatemalteco: Arnoldo Ramírez Amaya ¿Pero, qué es la línea? Expresividad de la línea

La línea en el espacio La línea, estructura el espacio La línea construye formas La línea crea sombras La línea colorea La línea crea texturas

Agrupamiento de las funciones de la línea Aspecto expresivo Aspecto formal o constructivo Aspecto representativo

El ritmo lineal

El ritmo rectangular El ritmo rectocurvado El ritmo curvo La asociación rítmica

Diseño formal Equilibrio

La línea en el arte

El uso de la línea en el arte óptico Arte óptico, imágenes en 3D Desarrollo de ejercicios

El área Artista guatemalteco: Pablo Tobar Henry El área El área como soporte de formato Valor expresivo del área

El área geométrica

Trazos geométricos básicos Dividir la circunferencia en partes iguales Trazo de un óvalo Trazo de un espiral Trazo de un triángulo equilátero Trazo de un hexágono regular Trazo del cuadrado Trazo del pentágono regular

El área artística

Polígonos estrellados

Figuras generatrices La silueta La mancha El monotipo Húmedo sobre húmedo Estampado por huella Dibujo de la figura humana Desarrollo de ejercicios

La Perspectiva Artista guatemalteco: Jorge Mazariegos Rodríguez En busca de las tres dimensiones La perspectiva Perspectiva oblicua o de dos puntos de fuga Construcción de un arco Construcción de un cilindro Construcción de un cono Construcción de objetos

Desarrollo de ejercicios

Tabla de Contenidos Bloque V

Bloque VI

Bloque VII

Bloque VIII

El Claroscuro

El Color

La Textura

El Volumen

123-134

135-146

147-160

161-173

Claroscuro Artista guatemalteco: Fabián Hernández El Claroscuro ¿Pero, qué es el claroscuro?

Zonas de claroscuro Sombras de borde cortado Sombras de borde esfumado

Desarrollo de ejercicios

El Color Artista guatemalteco: Félix Vidal Chacón Luz y color Los colores El color y su clasificación

El lenguaje del color

Efectos psicológicos del color El significado de los colores en la cosmovisión de los Pueblos Simbología del color Efecto térmico del color

Desarrollo de ejercicios

Origen de la textura Artista guatemalteco: Efraín Recinos La textura La textura visual La textura táctil

Técnica del mosaico Imitación de mosaicos Realización de texturas Técnica de cera Técnica de esgrafiado Técnica de crayón derretido Técnica de crayón húmedo

Desarrollo de ejercicios

El Volumen Artista guatemalteco: Max Leiva Buhler Volumen Modelado en papel maché Paso a paso, cómo hacer figuras en papel maché. Elaboración de globo de papel Elaboración de marco de papel Elaboración de caja de papel

Desarrollo de ejercicios

Autoevaluación Es el proceso donde el alumno valoriza su propia actuación. El alumno (evaluado) es quien se evalúa. Participa de una manera crítica en la construcción de su propio aprendizaje. Coevaluación Identifica los logros personales y grupales. Emite juicios valorativos acerca de otros en un ambiente de libertad, compromiso y responsabilidad. Parámetros Son los rasgos o caracterizadores cualitativos de una conducta en el proceso de un trabajo específico. Ponderación Ayuda a evaluar los trabajos teniendo como referencia los diferentes parámetros indicados en la escala; asignándoles un valor a criterio del maestro.

Criterio*

Indicadores X

6. Producir satisfacción en el desenvolvimiento de sus ideas creativas.

Coevaluación

Necesita mejorar

Satisfactorio

Excelente

0.5

Manejo de instrumentos/Técnica X

Limpieza

Es de vital importancia innovar el proceso de enseñanza paralela de la evaluación.

Composición

2 0.5

Armonía de color X

Presentación

Exactitud

Criterios Heteroevaluación Permite al alumno y al docente, identificar carencias que es necesario reforzar antes de seguir adelante con el programa. Trabaja en el diseño de actividades remediales, destinadas a los alumnos que lo necesitan.

Autoevaluación

Creatividad

Evaluación

¿Que beneficios obtenemos de una Escala de Apreciación?

Heteroevaluación

puntualidad

Nota final

6.5/10

Competencias temáticas • Reconoce las distintas expresiones artísticas que la humanidad ha hecho a través del tiempo. • Interpreta críticamente las obras de arte como manifestación de la expresión artística, y valora la trascendencia e influencia de las culturas antiguas en la actualidad • Aprecia las diferentes creaciones artísticas en el contexto inmediato, en otros lugares y en otros tiempos.

Desarrollo El aprendizaje en esta primera unidad, es principalmente conceptual y apreciativo, como preparación a los temas subsiguientes. Además viajarás sobre una línea del tiempo breve y gráfica, describiendo los momentos más importantes que suscitaron durante un ciclo de la humanidad. Para acercarte más a las Artes Plásticas te presentamos una descripción teórico-visual de conceptos, ejemplificados con muestras de artistas nacionales. Con esto tendrás una disposición para compartir y experimentar con tus compañeros de clase la percepción generada por las posiciones básicas de tu persona.

En Grecia nació la democracia (gobierno del pueblo); los gobernantes y poderosos eran respetuosos de la libertad; el rey no era un dios, como en otros pueblos, sino que era un ser inteligente y justo; estas creencias influyeron grandemente en la manifestación de su arte.

Arte Griego

700 años a. de C. / 31 años a. de C.

Escultura

Conocimientos Generales

Escultura Arcaica

700 años a. de C. / 475 años a. de C.

Todos los pueblos que habitaron en las costas del mar Egeo adoraban muchos dioses y, a diferencia de Persia que representa a sus dioses con formas de bestias enormes y terroríficas, los griegos introducen en su religión y en su arte un espíritu nuevo en el que el hombre se siente al mismo nivel que la naturaleza. Las esculturas de principios del siglo V A. de C. eran aún tensas y rígidas; el cuerpo humano aparecía cubierto con amplios ropajes. La diosa Core de Eutidico, escultura realizada en mármol, hacia el 505 a. de C.

Atenea, diosa griega de la Sabiduria, de las Artes, de las Ciencias y de de la Industria, hija de Zeus.

Educación Plástica 2

Educación Plástica 2 © Editorial Kamar, S.A.

La tendencia cultural occidental hacia el realismo en el arte, el naturalismo, se originó en Grecia. Las esculturas de principios del siglo V a. de C. eran aún tensas y rígidas mostrando muchas semejanza con el arte egipcio y mesopotámico; sus dioses representados con cuerpo humano, eran cubiertos con amplios ropajes; pero con el tiempo artistas innovadores y audaces empezaron a apartarse de las antiguas fórmulas y a modelar las figuras en posturas más naturales y espontáneas cuando los artistas, empleados ya no sólo por los sacerdotes que les exigían objetos para el culto, empezaron a participar en la gran aventura intelectual que se iniciaba en Atenas, dedicándose a buscar las normas absolutas de la belleza. Los maestros griegos estudiaron seguramente anatomía, física y óptica, así como la de la época técnica de la escultura, de la pintura, Escultura arcaica. Rigidez y de la arquitectura, de la cerámica y h i e r a t i s m o . M u y parecida a la escultura de la orfebrería. egipcia en su posición.

Durante el período clásico griego, el culto a la naturaleza cedió su puesto al de los dioses con forma humana que, según la mitología, habitaban la cumbre del Monte Olimpo. Cuando los griegos representaron estos dioses, lo hicieron con las formas humanas más perfectas que pudieron imaginar y crear: flexibles y dominadores como atletas y, sin embargo, solemnes y dignos como dioses.

esculpen las figuras del Partenón, donde el estilo griego "clásico" brilla con todo su esplendor y pureza inigualada. El Doríforo, representa a un joven atleta que portaba una lanza desaparecida. El tema es una excusa para plasmar el ideal de belleza masculina según el escultor Policleto basado en la proporción armónica entre todas las partes del cuerpo y una altura total de la figura igual a siete veces la medida de la cabeza. También es característico de Policleto, representar las distintas partes del cuerpo usando volúmenes contundentes y aristas bien definidas como podemos observar en el tratamiento de los pectorales, la cintura, las caderas o la curva inguinal. El volumen de la cabeza se aproxima a la forma esférica y el modelado del cabello, carente de volumen, tiene reminiscencias arcaicas.

El pueblo griego desarrolló el amor a la libertad y a la belleza; las cuales sentía, necesitaba y proyectaba en todas sus manifestaciones de arte.

Escultura Clásica

475 años a. de C. / 323 años a. C.

Educación Plástica 2 © Editorial Kamar, S.A.

Los griegos buscaban la belleza por sí misma, no en función de la religión, como en Egipto y otros pueblos; aun así, en un principio el arte griego recibe mucha influencia del arte egipcio. Después de tres siglos de ensayos, los escultores griegos dominaron al fin la anatomía humana y las reglas de las proporciones, entonces se dedican a crear formas perfectas, de cuerpos flexibles, de piel suave y líneas onduladas; de esa cuenta cuando en el año 483 a. de C. Grecia derrota a los invasores persas, se Educación Plástica 2

Las estatuas, que manifestaban gracia y serenidad, adornaban las plazas, los frentes de los templos, el interior de los edificios; se esculpían en mármol o se realizaban en bronce, aunque también utilizaban el barro cocido y entonces le llamaban terracota. El Doríforo, escultura griega del periodo clásico, realizada por Policleto en el siglo V a. de C. Policleto, junto con Mirón y sobre todo con Fidias se consideran los escultores más importantes del arte clásico griego. Discóbolo. Hacia 450 a. de C. Copia romana del original de Mirón, artista que recoge la experiencia de sus antecesores y se apartó de las reglas convencionales de la escultura llegando a perfeccionar el nuevo estilo, como nos lo muestra en esta obra que aparece en una actitud de máxima tensión, de energía contenida, a punto de ponerse en acción.

Conocimientos Generales

Arquitectura Griega

700 años a. de C. / 31 años a. de C.

Arquitectura El mismo espíritu de solemnidad, señorío y naturalidad de la escultura, inspiró toda la arquitectura griega. Los arquitectos clásicos, usaron las formas más simples de la arquitectura: la columna

y el arquitrabe, que si bien nacieron en Egipto, fueron perfeccionados en Grecia, hasta alcanzar su más bella forma. En arquitectura, los griegos se destacaron en la construcción de templos, los cuales fueron de moderadas y armoniosas proporciones; no eran tan monumentales como los de los egipcios. El templo griego era la residencia de la divinidad, la cual era representada por una estatua, como el Partenón en honor a la diosa Atenea Palias; como el templo de Zeus, dedicado este dios, en Atenas.

Arquitectura Clásica

El Partenón es la obra maestra de la arquitectura griega, construido en la Acrópolis de Atenas (siglo V A. de C.), de forma rectangular, con 8 columnas en la fachada y 15 columnas de cada lado, dedicado a la diosa Atenea Palias, obra de los arquitectos Ictinos y Calícrates, bajo la dirección de Fidias que decoró toda la construcción.

La Acrópolis (Ciudad Alta) es el conjunto arquitectónico más grandioso e importante de la Grecia clásica. Es también un gran ejemplo de la elaboración de un proyecto cuidadosamente estudiado, donde, para resaltar cada uno de sus templos erigidos en la cumbre, se trazó un paseo o "caminamiento" que conducía al visitante de manera que pudiera admirar sucesivamente los varios edificios desde ángulos diferentes: desde el más pequeño al inicio hasta terminar frente al mismo Partenón.

Conocimientos Generales

Detalle de la Tribuna de las Cariátides o columnas con forma de mujer, que pertenece a la fachada occidental del templo del Erecteón en la Acrópolis de Atenas.

Educación Plástica 2

Educación Plástica 2 © Editorial Kamar, S.A.

500 años a. de C./ 301 años a. de C.

El templo griego era una combinación de columnas y entablamentos, y en esto radica la importancia de los órdenes y estilos de las columnas griegas, pues de ellos se derivan las diferentes combinaciones de columnas usadas por las culturas occidentales que les precedieron y, sobre todo, las usadas durante el Renacimiento. Tres son los estilos de columna desarrolladas por los arquitectos griegos, en los que usaron para su construcción la piedra y el mármol.

Orden o estilo de la arquitectura clásica

Construyeron también casas pequeñas y sencillas; gimnasios y palestras para los deportes; estadios para las luchas y carreras; hipódromos para la carreras de carros y teatros con graderíos circulares donde realizaban sus representaciones dramáticas. Los teatros griegos se construían en las laderas de montañas para aprovechar el desnivel de las mismas y convertirlo en el graderío donde se situada el público, dejando la tribuna y el escenario en la parte más baja para que la visibilidad y la acústica de la obra se pudiera apreciar desde cualquier ángulo.

En la arquitectura griega clásica el orden fijaba la relación entre el elemento que sustenta (la columna) y el sustentado (el dintel).

Educación Plástica 2 © Editorial Kamar, S.A.

Orden Dórico: desarrollado en el siglo V a. de C. alcanza en la segunda mitad de éste su aspecto clásico, siendo de los tres estilos el más sencillo en líneas y detalles. Como se puede apreciar hoy en día en el Partenón de Atenas. Orden Jónico: de columna con esterillas más elegantes que la anterior y una base que desarrolla diferentes molduras. Orden Corintio: el fuste de la columna es liso pero contrarresta esta línea con un capitel muy adornado.

Educación Plástica 2

Conocimientos Generales

Pintura

De la pintura es muy poco es lo que se conoce de los pintores griegos, sin embargo, si es de conocimiento la maestría que se manifestaba en los increíbles efectos de realismo que sabían producir por descripciones de algunas pinturas, por referencias de las reproducciones romanas y por los objetos de cerámica;. Pero su obra se ha perdido toda, ya que, de la pintura griega no queda nada; toda fue destruida por la acción del tiempo y de los hombres que no la supieron apreciar; y lo que ha quedado son copias y fragmentos que nos dan una idea clara de cómo era aquella pintura.

Cerámica La cerámica, constituye la mejor y más variada expresión en lo que a decorado y pintura se refiere. Esta variedad nos da una muy completa evolución de su cultura. Con un estilo y técnicas propias, se caracteriza por tener formas variadas y originales, predominan los elementos geométricos dispuestos en franjas, las tonalidades del barro, desde el amarillo hasta el gris castaño, presenta figuras en rojo sobre fondo negro o rojo el fondo y figuras negras, predominan formas animales y humanas. 6

Conocimientos Generales

El arte romano es una imitación del arte griego y del etrusco; sin embargo, se superó a tal grado que se puede considerar como propio.

Arte Romano

El Coliseo se terminó de construir en el año 80 d. de C. durante el gobierno del emperador Tito.

509 años a. de C. / 476 años a. de C.

Vista aérea de el Coliseo, donde se observan sus majestuosas dimensiones, con una capacidad para 50,000 espectadores los que ingresaban gratis a los juegos y espectáculos. Sin embargo, cada ciudadano ocupaba un lugar de acuerdo con su clase social; fue el proyecto más ambicioso jamás construido para los juegos entre gladiadores muy populares en el mundo romano, el que se mantuvo en funciones hasta el año 523 d. de C. A partir de esta fecha se produce una degradación y ruina progresiva, y con el tiempo se transformó en una cantera de materiales de construcción.

Educación Plástica 2 © Editorial Kamar, S.A.

Pintura y cerámica griega

Después de Grecia, Roma ocupó el primer lugar en el mundo antiguo, en cuanto a civilización y poderío.

Educación Plástica 2

las representaciones dramáticas, construyeron casas de habitación, entre las cuales se distinguieron la de varios pisos, con muchas ventanas en la fachada para la iluminación y ventilación, llamadas ínsulas y las de desarrollo horizontal, sólo de un piso y con una única ventana junto a la puerta de entrada, llamadas domus. Construían además murallas, puentes, acued uctos; estos últimos para conducir el agua a las ciudades, como el acueducto de Segovia; y arcos de triunfo para conmemorar las victorias de sus emperadores, como el Arco de Triunfo de Tito en Roma.

Arquitectura Los romanos eran más prácticos, en sus realizaciones, que verdaderos artistas; así su arquitectura es arquitrabada y abovedada. Tomaron el arco y la bóveda de los etruscos, la cúpula de los mesopotámicos y las col umn as en sus tres órdenes: dórico, jónico y corintio de los griegos. Sus construcciones eran monumentales; empleaban el ladrillo y algo prop io de ellos: el concreto reforz ado u hormigón; los materiales nobles como el estuco y el mármol, los empleaban para revestimientos de las paredes de sus edificios.

Los romanos construyeron puentes y acueductos con atrevidas estructuras de grandes arcos de piedra, ladrillo y argamasa. Y por primera vez en la historia, fue posible encerrar grandes espacios bajo un techo, gracias a las técnicas perfeccionadas de la construcción romana. El resultado fue que todos los pueblos sometidos, cercanos y remotos, gozaron de la misma arquitectura que Roma.

Educación Plástica 2 © Editorial Kamar, S.A.

Arquitectura Romana

Sobresalen también las basílicas que eran edificios públicos que servían para administrar justicia y realizar negocios; las termas o baños públicos que eran centros de diversión, donde había salas de juego, paseos, gimnasios, biblioteca, salas de conferencias y baños; las vías o calzadas empedradas como la Vía Apia; anfiteatros como el Coliseo de Roma, donde se libraban luchas de gladiado res o fieras; los circos, como el Circo Máximo de Roma, donde se realizaban las carreras de carros. También había teatros, semejantes a los griegos, para Educación Plástica 2

Las termas romanas, espacios para el baño y la conversación que disponían de vestuarios, sala de calor seco, sala de agua caliente, sala de agua fría, sala de agua templada, piscina al aire libre, gimnasio, servicio de masajes y biblioteca.

Acueducto de Segovia, España. Construido en el reinado de Trajano (98-117 d. de C.). Está formado por 128 arcos y una longitud de 813 m.

Conocimientos Generales

Busto de matrimonio romano.

Pintura Romana

La escultura griega era muy apreciada por los romanos, pues se servían de las estatuas griegas para adornar sus casas. Sin embargo, los romanos esculpían sus propias estatuas, como la de Augusto; bustos y cabezas, como el de Julio César, Augusto y Constantino. Roma introduce el retrato y el relieve histórico, de fuerte realismo, diferente a la idealización que hacían los griegos de sus obras.

Pintura Con la expansión del imperio Romano, al que se habían incorporado muchos pueblos del Mediterráneo oriental, se difundieron varios cultos religiosos por el mundo clásico. Al debilitarse el poderío romano y con la difusión del cristianismo, el arte romano adquirió una trayectoria radicalmente nueva.

Escultura Romana

Soldados de la guardia pretoriana en un relieve del siglo II.

En el año 313 de nuestra era, el emperador Constantino reco n o ció o ficial m ente al cristianismo. Los planos de las primeras iglesias se copiaron de los de las antiguas basílicas (mercados y lugares de reunión). Eran salones rectangulares con naves laterales y techos inclinados, Basílica de San Pedro, primitiva de la época de Constantino. Pintura realizada de mad era. La primera gran al fresco. Se conserva en la cripta de El Vaticano. basílica de Roma fue la de San Pedro, reconstruida en varias ocasiones. Adquirió finalmente su aspecto actual entre los siglos XV y XVI. 8

Conocimientos Generales

Venus castigando a Cupido. Fresco de Pompeya.

La pintura romana tenía sentido ornamental y ser vía para decorar los interiores de los edificios públicos o bien las ricas mansiones de los romanos acaudalados, como el fresco de la Casa de Baños y el fresco de la Villa de los Misterios, en Pompeya. Manejaron bien la técnica del mosaico, en la combinación de piezas de piedra o mármol de colores, para la realización de obras artísticas y decoración de muros. Educación Plástica 2

Educación Plástica 2 © Editorial Kamar, S.A.

Durante tres siglos la Roma oficial persiguió a los cristianos, que se refugiaron en las catacumbas, donde enterraban a sus muertos y en cuyos muros, entre nichos y arcos, pintaron símbolos r e l i g i o s o s y d e s c r i b i e ro n escenas del Antiguo y del Nuevo Testamento.

En el año 330 de nuestra era, el emperador Constantino fundó la nueva capital del imperio romano en Constantinopla la antigua Bizancio, ciudad griega y actualmente Estambul en Turquía; lugar estratégico en el cruce de las rutas de los peregrinos y del comercio entre Oriente y Occidente. De esta manera El Imperio Romano se fraccionó en Imperio Romano de Occidente y el Imperio Romano de Oriente o Imperio Bizantino. El Imperio Romano había llegado a la cima de su poderío; la cor rupción campeaba por todas partes; el patriotismo había desaparecido.

Entonces las tribus germanas del norte, de raza blanca o caucásica, lo invaden y saquean, y simultáneamente los hunos, tribus de raza mongólica que procedían de Asia, lo atacan, saqueándolo hasta destruir el Imperio Romano de Occidente en el año 476 de nuestra era. Mientras tanto, el Imperio Romano de Oriente o Bizantino resistió los ataques y subsistió por 10 siglos más, hasta el año de 1454, cuando fue destruido por los turcos.

A pesar de que el gusto oriental al que la nueva capital se inclinaba (brocados, sedas, marfiles y manuscritos ricamente decorados) fue precisamente en Bizancio donde se mantuvo vivo el legado del arte clásico griego durante la Edad Media.

El Imperio Bizantino alcanzó su época de oro en el siglo VI, durante el reinado de Justiniano. El dinámico estilo pictór ico, creado por los artistas helénicos y transmitido más tarde a Roma, El arte que desarrolló Bizancio fue el arte de la iglesia continuó viviendo en Bizancio, si cristiana oriental y brilló siempre con mayor esplendor bien modificado por la inspiración que el de Occidente. Reflejó el gusto asiático por cristiana. la expresión mística, así como la necesidad de los emperadores de rodearse de un ceremonial al estilo de Oriente, es decir, casi divino.

Arte Romano de Oriente o Arte Bizantino

Educación Plástica 2 © Editorial Kamar, S.A.

330 años a. de C. / 1,454 años a. de C.

El Arte Bizantino es un arte dirigido a lo místico, cuya función era elevar la mente hacia el plano de lo divino. A través de la contemplación y de la vivencia de lo magnífico, el hombre adivinaba la omnipotencia de Dios.

Educación Plástica 2

La corte de Justiniano. Mosaico del siglo VI perteneciente San Vitale de Ravena. Durante el gobierno del Emperador Justiniano se construyó la Catedral de Santa Sofía (año 532-537), con su gran cúpula y con sus interiores cubiertos de mosaicos.

Conocimientos Generales

Pintura

Arquitectura

La catedral de Constantinopla, llamada Hagia Sophia (la Divina Sabiduría), es el monumento más grandioso de la arquitectura bizantina. La cúpula descansa sobre cuatro pechinas, como la bóveda de arista de los romanos. Todo el interior estaba decorado con mosaicos, que fueron cubiertos de yeso cuando los turcos convirtieron la iglesia en mezquita, pero que hoy están nuevamente descubiertos, conservándose intacta la espléndida estructura original.

Pintura Bizantina incienso, y por tal motivo se pintaban sobre diseños atrevidos, de brillantes colores que pudieran distinguirse en la penumbra, de manera que los artistas empezaron a decorarlos con láminas de oro o con pintura dorada. Este estilo se difundió en el oriente y occidente de Rusia, y hasta en algunas regiones de Italia, como Siena. La pintura cedió en dos modalidades: la mural, destinada a la decoración del interior del templo; y la de caballete, que produce pequeñas piezas sobre tablas de madera, Iconos, es decir, imágenes.

En esta página tres vistas de la monumental Catedral de Constantinopla, llamada Hagia Sophia (la Divina Sabiduría), que nos muestra el desarrollo y majestuosidad que alcanzó la arquitectura bizantina. Las cuatro torres fueron agregadas al convertirla en mezquita.

Conocimientos Generales

Educación Plástica 2

Educación Plástica 2 © Editorial Kamar, S.A.

Arquitectura Bizantina

En el curso de los siglos, la tradición oriental comenzó a in filtrarse poco a poco en Bizancio, especialmente en los estilos y técnicas de los artistas y artesanos formados en el cercano oriente. Como resultado se desarrolló el "ícono" que es una imagen de Cristo o de la Sagrada Familia, de ángeles o de santos, hecho sobre madera, y destinado, en aquel entonces, a la misma veneración que la Cruz en el altar. Los íconos eran frecuentemente venerados en iglesias oscuras, saturadas de

Competencias temáticas • Utiliza el tamaño como cualidad constructora de efectos visuales relacionados con la expresión artística. • Conoce la aplicación de la perspectiva y su aplicación en el dibujo. • Realizar figuras geométricas de objetos en perspectiva oblicua. • Aplicar los conocimientos adquiridos para realizar la proyección de un cubo en las diferentes perspectivas.

Desarrollo En este tema surge un nuevo concepto de dimensión, la profundidad, y con ella se completa la extensión espacial, pues la asociación de longitud, ancho y profundidad determinan el volumen real de un cuerpo. La perspectiva se basa en esquemas y busca representar la realidad, es una abstracción, que ha pasado a lo largo de la historia por diversas etapas de desarrollo antes de adoptar la forma actual.

Guatemala, Bienales de Arte Paiz, Juegos florales San Marcos. Sus obras se encuentran en Bancos Privados de Guatemala, Museo de Arte de Uruguay, Museo Nacional de Singapur, Varias Empresas importantes de Guatemala y en el extranjero, Embajadas de Guatemala en el exterior, Residencia Real de la Infanta Elena en España, Colección de su Santidad Juan Pablo II, y en colecciones privadas de familias distinguidas.

Obras del Artista

Jorge Mazariegos Rodríguez

Jorge Mazariegos Rodríguez Este pintor, originario de San Marcos, se gradúo en la Escuela Nacional de Artes Plásticas”, obtiene el Profesorado de “Artes Plásticas” y de “Folklore de Guatemala y Conservación de Monumentos”, en las Universidades Mariano Galvez y San Carlos de Guatemala respectivamente. En Madrid, acude a la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando.

Educación Plástica 2 © Editorial Kamar, S.A.

Continúa sus estudios, y posteriormente da a conocer su obra por los continentes de América, Europa y parte de Asia; quedando muchas de sus creaciones en Museos, Embajadas. Domina en su temática realista de costumbrismo y retrato, las técnicas de crayón, óleo, lápiz, acrílico, mixta, tinta y acuarela. Con las que ya ha pintado unos cuatro mil cuadros, incluidos algunos de 6 x 10 metros y miniaturas de un centímetro. Ha recibido premios y distinciones en: Certamen Arturo Martínez, Cervecería Nacional, Premio Shell de 106 La Perspectiva

Educación Plástica 2

Ya sabes que la realidad es tridimensional, es decir, cualquier objeto de tu alrededor, una silla por ejemplo, tiene tres dimensiones, esto es, tiene una altura, un ancho y una profundidad. La perspectiva como posibilidad expresiva del dibujo y la pintura, visualmente rompe la superficie de trabajo y representando una profundidad inexistente y

consigue que los cuerpos destaquen con relieve visual, en la superficie plana del cuadro, dando la impresión de formas reales en nuestra representación, sean imágenes reproducidas de formas reales (figuras humanas, edificios, o cualquier objeto), o invención de formas imaginarias.

Te la presentamos...

La perspectiva 1. Definición

Educación Plástica 2 © Editorial Kamar, S.A.

Perspectiva es el método que nos enseña a representar sobre un plano de dos dimensiones, las tres dimensiones de un modelo, con la ilusión óptica de la realidad misma del objeto en el espacio.

3. Funciones

2. Tipos Perspectiva Lineal

Perspectiva artística

Construir modelos

Servir de soporte

Es la perspectiva basada en esquemas, es una abstracción de la realidad, una elaboración lineal, que busca la veracidad en la relación entre el dibujo y el modelo y no es la forma natural de ver las cosas.

La perspectiva artística no se basa en números y medidas precisas, el artista no se conforma con la apariencia abstracta y esquemática de la perspectiva técnica, sino que su objetivo es que lo representado se asemeje a la realidad.

La función primordial de la perspectiva lineal es construir un modelo a escala de la realidad, de manera que se pueda deducir las medidas reales del modelo a partir de las medidas del dibujo.

La función de la perspectiva artística, es ser el esqueleto de otros valores artísticos, como la forma, el color, el sombreado, etc. que se le superponen.

Pintura convento de Capuchinas Antigua, del Maestro Henry Tobar.

Línea de horizonte

Línea de tierra

Calle de Salama, pintura del Maestro Ernesto Boesche.

Educación Plástica 2

La Perspectiva 107

En busca de las tres dimensiones En dibujo y pintura la representación ilusoria y ficticia del espacio se simula mediante la perspectiva. Por medio de ella en la superficie material del cuadro, que es plana con sus dimensiones de altura y anchura, se disponen las formas representadas y son transformadas visualmente como tridimensionales, convirtiendo el área en un espacio figurado en el que se sitúan los objetos; de este modo el cuadro es como una "ventana" a través de la cual nos parece estar viendo el espacio.

La perspectiva Durante el Renacimiento en Italia, se empieza a aplicar las reglas de la perspectiva, y es a Leonardo da’ Vinci que se le atribuye la sistematización que resolvió el problema de la profundidad en el dibujo y la pintura, ya que se le ocurrió dibujar sobre un vidrio todo lo que veía a través de él.

Educación Plástica 2 © Editorial Kamar, S.A.

Al terminar observó la ilusión óptica tridimensional; notó cómo las cosas con forme se alejan parecen ser más pequeñas y cómo todas las líneas convergen hacia un mismo punto. Más adelante fue profundizando en sus observaciones hasta que, utilizando la ciencia y la geometría, creó las bases de la perspectiva que conocemos hasta hoy.

108 La Perspectiva

Educación Plástica 2

Existen diferentes tipos de perspectiva, dependiendo de la posición del objeto con respecto al observador, en este primer curso estudiamos el más simple de ellos, la perspectiva frontal que es de mucha utilidad en el dibujo artístico así como en el dibujo técnico. Ahora en este segundo curso veremos las proyecciones en perspectiva cónica oblicua o de dos puntos de fuga, con la cual se pueden representar los objetos desde vistas que no sean de frente.

Perspectiva oblicua o de dos puntos de fuga. Perspectiva de tres puntos de fuga.

Perspectiva Frontal o de un punto de fuga.

También aprendiste a trazar el cuadrado y el círculo en perspectiva, que son las bases de cualquier figura que desees realizar. Ejemplos 2 y 3.

Paso 4

Paso 3

Paso 5

Educación Plástica 2 © Editorial Kamar, S.A.

Paso 1

Paso 2 Ejemplo 2

Paso 6

Recuerda que para realizar el círculo, primero debes dibujar el cuadrado en perspectiva y seccionarlo con diagonales y perpendiculares. Luego escoge una diagonal y divídela en tres partes iguales. Toma uno de los puntos, en este caso el B, y traza a partir de él un cuadrado auxiliar y encuentra los ocho puntos por los que se traza a mano alzada la circunferencia. Ejemplo 3

Educación Plástica 2

La Perspectiva 109

Perspectiva oblicua o de dos puntos de fuga En ella los objetos se encuentran situados con dos de sus caras en posición oblicuas al observador, permaneciendo la tercera dirección perpendicular al plano de tierra. Se trata de un tipo de perspectiva con dos puntos de fuga, situados en la línea del horizonte. En la de perspectiva oblicua, ninguna de las caras del objeto es paralela al plano del cuadro, por tanto, eso quiere decir que tiene sus caras en direcciones oblicuas respecto al observador y ninguna de las caras aparecerá en verdadera magnitud. En este tipo de perspectiva existen dos puntos de fuga (F1 y F2) situados sobre una línea horizontal o línea del horizonte, hacia cada uno de los cuales convergerán las aristas del objeto que sean paralelas entre sí. Esta línea puede estar situada por encima del objeto dibujado, por debajo o entre la parte inferior y la superior.

Las líneas verticales permanecen verticales Las líneas de profundidad se convierten en convergentes hacia dos puntos de fuga.

Modelo

Plano del cuadro Línea de ho

rizonte

Proyección Línea de tie

Lineas de pr oyección

Punto d

e Vista

110 La Perspectiva

Plano ge

ometral

Educación Plástica 2

Educación Plástica 2 © Editorial Kamar, S.A.

rra

Educación Plástica 2 © Editorial Kamar, S.A.

Puedes dibujar cualquier cosa en perspectiva de dos puntos de fuga.

Educación Plástica 2

La Perspectiva 111

Diferencia en el trazo del cuadrado y el cubo en perspectiva frontal y oblicua Trazo del cuadrado y el cubo en perspectiva frontal o de un punto de fuga.

Trazo del cuadrado y el cubo en perspectiva oblicua o de dos puntos de fuga.

1º Paso

2º Paso

P.F2

P.F1

P.F2

P.F1

P.F2

Educación Plástica 2 © Editorial Kamar, S.A.

3º Paso

P.F1

112 La Perspectiva

Educación Plástica 2

En el espacio en blanco, desarrolla la proyección de un cubo en perspectiva oblicua. En los esquemas encontrarás el desarrollo paso a paso.

Educación Plástica 2

La Perspectiva 113

En el espacio de la izquierda desarrolla la proyección de un piso en perspectiva oblicua. En los esquemas inferiores encontrarás el desarrollo paso a paso.

114 La Perspectiva

Educación Plástica 2

En el espacio en blanco, desarrolla la proyección del cubo en perspectiva oblicua, en dos posiciones diferentes con respecto la línea del horizonte. En los esquemas inferiores, encontrarás el desarrollo paso a paso.

P.F1

P.F2

P.F1

P.F2

P.F1

P.F2

P.F1

P.F2

Educación Plástica 2

P.F1

P.F2

La Perspectiva 115

En el espacio en blanco, desarrolla la proyección de varios cubos en perspectiva oblicua, en diferentes posiciones. En los esquemas inferiores a la izquierda, encontrarás el desarrollo paso a paso.

P.F1

P.F2

116 La Perspectiva

Educación Plástica 2

Construcción de un arco en perspectiva oblicua Paso 1 - Se traza la proyección de un piso en perspectiva oblicua, según procedimiento visto con anterioridad y como indica la ilustración. Paso 2 - Sobre la proyección del piso en perspectiva oblicua, se trazan líneas perpendiculares a este, marcando el ancho de las columnas de soporte del arco, en este caso el ancho de una baldosa, con una altura suficientes para el espacio que ocupará el arco. Paso 3 - Trazadas las líneas perpendiculares al piso, se procede a determinar la altura sobre la línea perpendicular que toca la linea de tierra. El alto es arbitrario, pero lo suficiente para poder trazar el arco apuntado; luego se trazan dos líneas hacia los puntos de fuga F1 y F2 que marcaran el alto en la profundidad del dibujo. F1

Línea de horizonte

Línea de tierra

Educación Plástica 2 © Editorial Kamar, S.A.

Línea de horizonte

Línea de tierra

Educación Plástica 2

La Perspectiva 117

Paso 4 - Se traza una línea auxiliar por encima del horizonte a partir de donde arrancara el primer arco, punto 1; haciendo centro en 1 y con radio 1-2 se traza el primer segmento de curva. Luego haciendo centro en 2 y con el mismo radio se traza el segundo segmento de curva, hasta intersectarlo con el primero, completando el primer arco. Haciendo centro en 1 y con radio 1-3 se procede a trazar el segmento de curva que forma el segundo arco y con el mismo radio 1-3 se encuentra el punto 4, desde donde se traza el tercer segmento de curva para formar el ultimo arco.

Paso 5 - Con los segmentos de curva trazados se completa la forma de los arcos y se procede a delimitar el resto de la forma que conforma el desarrollo de la perspectiva oblicua. Paso 6 - Con el trazo de las paredes y los arcos terminados se procede a marcar las baldosas que quedan a la vista en el corredor que forma el arco, en este caso se dibujo con color en forma alterna con las que dejan sin pintar, para que se observen las baldosas como blancas y de color. Paso 7 - Las paredes y los arcos los puedes pintar de colores a tu gusto, marcando los planos o áreas que estén en la luz con colores claros, y los planos que estén en sombra con colores más oscuros, con lo que se logra una sensación de volumen más marcada que solo con el trazo de la perspectiva cónica oblicua de dos puntos de fuga.

Línea de horizonte

Línea de tierra

Línea de horizonte

Línea de tierra

Línea de horizonte

Educación Plástica 2 © Editorial Kamar, S.A.

Línea de tierra

118 La Perspectiva

Educación Plástica 2

Construcción de un cilindro Para hacer un cilindro en perspectiva de dos puntos, realiza primero un cubo, y en las caras superior e inferior de éste, utilizando los procedimientos aprendidos de cómo trazar circunferencias en perspectiva, traza dos circunferencias. Paso 1 Cubo en perspectiva oblicua.

Paso 1

Luego une los círculos por medio de lineas verticales y tangentes obteniendo así el cilindro.

Construcción de un cono Como en el cilindro, debes partir del cubo en perspectiva oblicua. Luego, secciona la cara inferior con lineas diagonales y perpendiculares y traza la circunferencia. Seguidamente saca el centro de la cara superior y une por medio de lineas, las dos caras frontales del cubo con el círculo.

Paso 2

Educación Plástica 2 © Editorial Kamar, S.A.

Paso 2

A partir del cubo, debes trazar la pirámide

Paso 3 Paso 3

Luego debes trazar a partir de la pirámide, el cono.

Construcción de un cilindro Educación Plástica 2

Construcción de un cono La Perspectiva 119

Construcción de objetos en perspectiva oblicua

Educación Plástica 2 © Editorial Kamar, S.A.

Observa en los objetos siguientes y verás cómo se puede realizar cualquier modelo, basándote siempre en las figuras básicas hechas en perspectiva de dos puntos.

120 La Perspectiva

Educación Plástica 2

A continuación encontrarás la construcción del cilindro en tres pasos, los que te servirán de guía, para que lo desarrolles a partir del cuadrado en perspectiva.

Educación Plástica 2

La Perspectiva 121

A continuación encontrarás la construcción del cono en tres pasos, los que te servirán de guía, para que lo desarrolles a partir del cuadrado en perspectiva.

122 La Perspectiva

Educación Plástica 2

3 Enseñanza Básica

De acuerdo al Currículum Nacional Base

Editorial Kamar Publicaciones Educativas

4a. avenida 8-63, zona 1. Tels: (502) 2232-5827 / 2464-9514 Guatemala, C.A. www.editorialkamar.com e-mail: ventaseditorialgt@gmail.com

Tabla de Contenidos Bloque I

Bloque II

Bloque III

Bloque IV

El Punto y la línea

El Área

La Perspectiva

El Claroscuro

21-44

45-76

77-96

97-116

El Punto y la línea Artista: Joan Miró i Ferrà El ritmo en el punto y la línea Clases de ritmos

La dirección en el punto El punto generador de dirección Dirección de la línea El Diseño Enredos o garabateos con puntos y líneas Desarrollo de ejercicios

El Área Artista Guatemalteco: Marco Augusto Quiroa Configuración de la forma La forma y su entorno Figura fondo

Aplicación de figuras geométricas Dibujo de Rosetones Redes modulares La rotulación La proporción Escalas numéricas Desarrollo de ejercicios

La Perspectiva Artista Guatemalteco: José Alfredo García Gil Los espacios en perspectiva Procedimiento de división de espacios Perspectiva oblicua o de tres puntos de fuga Recuerda algunas ideas básicas Todo cabe dentro de un cubo Desarrollo de ejercicios

El Claroscuro Artista Guatemalteco: Jorge A. Morales ¿Qué es el claroscuro? ¿Cómo surgió el claroscuro? Escala de valores El dibujo a lápiz Sombras proyectadas Perspectiva de las sombras El claroscuro con colores Escala de valores con colores Desarrollo de ejercicios

Tabla de Contenidos Bloque V

Bloque VI

Bloque VII

El Color

La Textura

El Volumen

117-134

135-144

145-162

El Color Artista Guatemalteco: Sergio Alvarado Luz blanca y los colores Propiedades del color El matiz Valor o luminosidad Saturación e intensidad

Colores complementarios Los colores complementarios en el arte El Armonicolor Desarrollo de ejercicios

La Textura Artista Guatemalteco: Elmar René Rojas Azurdia Otra clasificación de textura Textura orgánica Textura geométrica

Desarrollo de ejercicios

El Volumen Artista Guatemalteco: Efraín Recinos Esculturas en papel Bajo relieve en papel Desarrollo de ejercicios

Autoevaluación Es el proceso donde el alumno valoriza su propia actuación. El alumno (evaluado) es quien se evalúa. Participa de una manera crítica en la construcción de su propio aprendizaje. Coevaluación Identifica los logros personales y grupales. Emite juicios valorativos acerca de otros en un ambiente de libertad, compromiso y responsabilidad. Parámetros Son los rasgos o caracterizadores cualitativos de una conducta en el proceso de un trabajo específico. Ponderación Ayuda a evaluar los trabajos teniendo como referencia los diferentes parámetros indicados en la escala; asignándoles un valor a criterio del maestro.

Criterio*

Indicadores X

6. Producir satisfacción en el desenvolvimiento de sus ideas creativas.

Coevaluación

Necesita mejorar

Satisfactorio

Excelente

0.5

Manejo de instrumentos/Técnica X

Limpieza

Es de vital importancia innovar el proceso de enseñanza paralela de la evaluación.

Composición

2 0.5

Armonía de color X

Presentación

Exactitud

Autoevaluación

Creatividad

Evaluación

¿Que beneficios obtenemos de una Escala de Apreciación?

Heteroevaluación

puntualidad

Nota final

6.5/10

Competencias temáticas • Conoce las diferentes expresiones artísticas en las imágenes que te rodean. • Comprende que toda obra artística lleva un mensaje con significado para la sociedad en la que fue creado. • Comprende que el estilo artístico es la manera de manifestarse de un grupo de artistas. • Adquiere sensibilidad estética a través del conocimiento del desarrollo de la historia de la pintura. Desarrollo Conocimientos generales aporta las bases indispensables, para que comprendas que, sólo los hombres somos capaces de establecer racionalmente lo que es estético o no; por lo tanto, el arte es algo que pertenece al razonamiento lógico del hombre y a los principios fundamentales de la humanidad; y por lo tanto, la evolución del arte está influenciada básicamente por los cambios sociales, culturales, políticos y religiosos, y estos siempre se reflejan en el arte, a través de la cual ha quedado un registro histórico de la evolución de la sociedad. Viajarás de forma breve y gráfica sobre una línea del tiempo que, describirá momentos relevantes en la historia del arte, a través de la pintura, presentada en una cronología histórica de los principales estilos artísticos haciendo hincapié en la presentación gráfica de las obras correspondientes a cada período artístico y no en los aspectos puramente históricos, para una comprensión visual de la evolución de los estilos a través del tiempo.

En la actualidad, nuestro entorno está lleno de cientos de imágenes, algunas de ellas con fines comerciales y otras con fines expresivos como las artísticas. En la antigüedad, la imagen artística era considerada con una finalidad sublime, utilizada con propósitos míticos, sagrados y religiosos. Este concepto con el paso del tiempo se ha ido modificando, pues la sociedad ha evolucionado constantemente, al grado de presentar actualmente de forma directa los procesos a los que su creador se enfrenta dentro de su entorno al realizar una obra artística. En un lapso de tiempo relativamente corto, que comprende de la segunda mitad del siglo XIX a los primeros tres cuartos del siglo XX, se originaron los cambios más apreciables en las manifestaciones artísticas

como resultado de los grandes sucesos sociales, políticos y culturales que cambiaron el entorno en que vivían los artistas y los llevó a manifestarse de diferentes formas a las establecidas por mucho tiempo, convirtiéndose la imagen artística en el medio de expresión, de las nuevas inquietudes y retos que presentaba una cambiante sociedad; la imagen artística no sólo como obra expresiva, sino una crítica hacía la sociedad y la política de su momento. Muchas de las obras producidas por los movimientos expresionistas fueron creadas con un inmenso deseo de poder hacer reflexionar al espectador acerca de lo visto en su entorno. Pero antes de continuar realicemos unas consideraciones de lo que se entiende por entorno o medio ambiente, ya que éste afecta y condiciona especialmente las circunstancias de vida de las personas ó la sociedad en

su conjunto. Pues comprende el conjunto de valores naturales, sociales y culturales existentes en un lugar, y además en un momento determinado, que influyen en la vida del ser humano y en las generaciones venideras. Es decir, no se trata sólo del espacio en el que se desarrolla la vida sino que también abarca seres vivos, objetos, agua, suelo, aire y las relaciones entre ellos, así como elementos tan intangibles como la cultura. Por lo anterior, el arte se puede considerar como una consecuencia de esa búsqueda incesante por expresar sentimientos, los que influidos por el entorno, se eternizan al momento de materializar las imágenes de lo vivido y percibido y de ahí la importancia del arte como comunicador de la realidad a partir de la experiencia de cada artista.

La batalla de Guatemala. Marco Augusto Quiroa, Maestro de la pintura Guatemalteca. Nuestro entorno está lleno de cientos de imágenes, algunas de ellas con fines comerciales.

Estilos Artísticos

Otras imágenes surgen espontáneamente dentro de un ámbito decorativo o artístico en las calles como expresión popular.

Las imágenes son comunicadoras de la realidad, a partir de la influencia del medio ambiente y de la experiencia personal de cada artista.

Educación Plástica 3

Educación Plástica 3 © Editorial Kamar, S.A.

Decoradoras místicas. Elmar René Rojas, Maestro de la pintura Guatemalteca.

El lenguaje visual, es un lenguaje que utiliza como medio de comunicación las imágenes; es directo, preciso y universal, porque no utiliza los límites del idioma, del vocabulario y de la gramática. Además se caracteriza porque los mensajes son globales y rápidos de captar. Pero es necesario saber que el lenguaje visual por el hecho mismo de tratarse de un proceso creado y elaborado por el ser humano, generalmente posee elementos que comunican algo. Esto quiere decir que el lenguaje visual, siempre busca la comunicación, ya que las imágenes se producen para que otras personas las miren. Y para lograr esto se desarrolla un proceso de elaboración, una difusión y una recepción de los mensajes visuales, de manera que los elementos que intervienen en la comunicación visual son:

Elementos que intervienen en la comunicación Emisor

Mensaje Código

Receptor

Canal

Los elementos que intervienen en la comunicación visual son: emisor, mensaje, código, canal y receptor.

Mensaje: Claut Monet pintor impresionista perseguía como objetivo una representación del mundo de manera espontánea y directa, plasmando en sus lienzos la vibración cromático-lumínica, no importando el objeto pintado, del que elimina los detalles minuciosos sugiriendo las formas con el color que es el medio para representar la luz, la que sufre variaciones a lo largo del día.

Emisor - Mensaje (medio o canal) - Receptor • El emisor emite el mensaje (imágenes) para informar, expresar o agradar. • El medio o canal, que es el medio utilizado para que circule el mensaje, canal visual. • El código es el conjunto de reglas y recursos que permite dar forma al mensaje. • El mensaje es el conjunto de signos visuales puestos en juego en todo acto de comunicación. • El receptor recibe el mensaje, lo percibe e interpreta para extraer sus significados. Educación Plástica 3

Estilos Artísticos

¿Por qué las imágenes artísticas cambian? Algo que debemos tener bien claro, es que el arte sólo puede ser apreciada por los seres humanos. Sólo los hombres somos capaces de establecer racionalmente lo que es estético o no; por lo tanto, el arte es algo que pertenece al razonamiento lógico del hombre y a los principios fundamentales de la humanidad; y por lo tanto, la evolución del arte está influenciada básicamente por los cambios sociales, culturales, políticos y religiosos y estos siempre se reflejan en el arte, a través de la cual ha quedado un registro histórico de la evolución de la sociedad. Así mismo, es interesante conocer los modos de concebir y representar los objetos en diversos períodos, épocas y estilos de la historia.

Las imágenes artísticas cambian según las épocas y la influencia de los cambios sociales, culturales, políticos y religiosos.

Estilos Artísticos

Educación Plástica 3

La escala de iconicidad básicamente se puede reducir a tres grandes grupos o estilos que engloban las diversas tendencias estilísticas: el realismo, la figuración y la abstracción. Realismo, cuando una imagen representa objetos o escenas cotidianas con una perfección casi fotográfica, decimos que tiene un estilo realista.

reales, siempre inferiores a los del estilo realista, decimos que tiene un estilo figurativo. Abstracción,cuando las formas de una obra de arte no guardan ninguna relación con las que vemos cotidianamente nos encontramos ante una obra de estilo abstracto. El arte abstracto, por tanto, no pretende representar seres u objetos concretos, sino formas y colores, a los que se les pueden dar diferentes significados.

Abstrac c ió n

Figuración, cuando una imagen representa objetos o escenas con diferentes grados de iconicidad, es decir, de semejanza con las formas

Realism o

Es impensable, quizás hoy más que nunca, un mundo sin imágenes. Todo es imágenes: las noticias de los periódicos y televisión, la video-vigilancia urbana, la credencial con fotografía, los juegos electrónicos interactivos, los héroes en murales, estatuas y libros de texto, los rayos X y las tomografías, los logotipos, los iconos del software, las top models, las huellas dactilares, las celebridades y la doble hélice del ADN. En ese gigantesco mundo de imágenes, vamos formando diariamente nuestra idea de realidad, la construimos por medio de imágenes. Siempre ha sido así, desde principios de la humanidad. Las

imágenes artísticas influidas por las tendencias estéticas de su época, crean estilos o maneras propias de representar las formas.

Figurac ió n

Estilos artísticos

Educación Plástica 3

Estilos Artísticos

Estilo Gótico. La pintura gótica se desarrolló en la primera etapa del estilo gótico, sobre

El estilo artístico

Función estética de la pintura a través del tiempo

todo en las vidrieras de las catedrales. Si bien el vitral se utilizó también durante parte de la Edad Media, en el estilo románico, fue en el gótico que tuvo su esplendor, debido a los avances tecnológicos en la construcción, que posibilitaron que las ventanas fuesen más grandes y por extensión, los vitrales.

Vitral románico, de tamaño pequeño comparado al gótico.

Lo que hace peculiar a una obra de arte, es su función estética, y ésta es lo más alejado del sentido práctico y materialista. La estética es la capacidad para producir sentimientos y provocar placer. Incluso algunas tendencias modernas han defendido la concepción del arte por el arte.

Prieto Cavallini 1240-1308.

Iluminación lineal.

El Giotto 1267-1337.

Vitrales de La Catedral de Notre Dame 1163-1345.

La estética de una obra de arte va ligada a lo que se denomina estilo artístico y éste es la forma de manifestarse de un artista o una colectividad mediante unas características comunes que se repiten durante una determinada época. El estilo, se trata pues, de un concepto fundamental, sin él, lo característico que unifica los elementos distintivos de las creaciones de una misma época y el sentido de la evolución de las formas, seria imposible de clasificar. Se considera que el Estilo Gótico inicia como tal, en el 6

Estilos Artísticos

Vitrales góticos, La Santa Capilla 1242-1248.

Vitrales de La Catedral de Colonia 1248-1880.

1200

Vitrales Góticos

Códices ilustrados 400-1300.

Retablo pintado por Duccio di Buoninsegna, italiano, 1255-1319.

La iluminación alcanzó perfección con la especialización. Ilustración de libros Góticos

Retablo pintado por Martini Simone, italiano, 1284-1344. Retablos Góticos

1250

Educación Plástica 3

A lo largo de la historia ha variado lo que se considera lo más importante a la hora de valorar una obra de arte, la Estética.

También la pintura gótica encuentra su desarrollo en su primera etapa, en la ilustración de libros, los que durante el románico están ilustrados de diferentes maneras, pero en el gótico es desarrollada por artistas llamados “iluminadores”, que se dedicaban a decorar los libros con sus pinturas. Pero donde alcanzó la pintura gótica su mayor importancia y esplendor fue en la pintura en tabla y más concretamente con los retablos.

Andra Mantengna, italiano 1431-1506.

El Masaccio, italiano, 1401-1428.

Taddeo de Bartoli, italiano, 1362-1422.

Fra Angelico 1387-1455.

Estilo Gótico

La fusión de las tradiciones artísticas del norte de Europa y de Italia que tuvo lugar a principios del siglo XV, se conoce como estilo gótico internacional. Entre las muchas características que definen la pintura de este período se encuentra la exquisita atención a los detalles, que denota una perspicaz observación de los seres humanos y de la naturaleza por parte del pintor.

Jan van Eyck 1386-1441.

Rogier van der Weyden, belga, 1399-1464.

1300

Educación Plástica 3

Hugo van der Goes, belga, 1440-1482.

Petrus christus, holandés, 1415-1473.

Domenico Grirlandaio, italiano 1449-1494.

Jean Fouquet, francés 1420-1481.

1400

Hanas Memling, alemán 1430-1494.

1475

Sandro Boticelli, italiano 1445-1510.

Termina Estilo Gótico

1500

Estilos Artísticos

Estilo del Renacimiento

Esta revolución cultural de los siglos XV y XVI se origina en Italia y uno de los primeros pasos de este período lo realizó, hacia 1427, Masaccio -uno de los grandes innovadores del período- en la iglesia de Santa María del Carmine, en Florencia, una notable serie de frescos que revelan su atenta observación del comportamiento humano, al tiempo que demuestran su conocimiento del arte antiguo. Los maestros más destacados por sus obras en renacimiento italiano, fueron Leonardo da Vinci, Rafael, Miguel Ángel, Tiziano, Tintoreto, El Caravaggio, Rubens, Boticelli y otros muchos.

Miguel Ángel Bounarroti, italiano 1475-1564.

Giovanni di Mone Cassai, Masaccio, italiano 1401-1428.

Sandro Boticelli, italiano 1445-1510. Matthias Grünewald, aleman 1470-1528.

Jan van Eyck, belga 1390-1441.

Alberto Durero, alemán 1471-1528.

Giovanni Bellini, italiano 1430-1516

Estilo Renacentista se concidera que inicia en el 8

Estilos Artísticos

El Perugino, italiano 1450-1523.

1500

Leonardo da Vinci, italiano 1452-1519.

Piero Somone, italiano, 1475-1554.

1525

Educación Plástica 3

Se le llama Renacimiento al período de la historia europea, caracterizada por un renovado interés por el pasado grecorromano clásico y especialmente por su arte. Con el Renacimiento, el hombre centra toda su actividad, en el hombre como tal, es decir, después del aletargamiento medieval el hombre piensa ahora con una libertad de espíritu, que le conducirá a la libertad de pensamiento, el culto a la vida y el amor a la naturaleza son otros aspectos importantes, además el Renacimiento estableció como fuentes de inspiración el equilibrio y la serenidad. Pero lo más característico de esta época es la separación entre lo cívico y lo religioso.

Tiziano Vecellio, italiano, 1477-1576.

Pieter Paul Rubens, alemán 1577-1640. Giorgio Vasari, italiano 1511-2574.

Rafale Sanzio, italiano, 1483-1520.

Jacopo Comin, Tintoretto, italiano 1518-1594.

Annibale Carraci, italiano, 1560-1609.

Jacopo Comin, Tintoretto, italiano, 1518-1594.

1525

Paolo Cagliari, El Veronés, italiano, 1528-1588.

Educación Plástica 3

Pieter Bruegel el viejo, belga 1525-1569.

Michelangelo Merisi, El Caravaggio, 1571-1610.

Termina Estilo Renacentista

1550

Estilos Artísticos

Pieter Paul Rubens, alemán 1577-1640.

El estilo barroco del siglo XVII se caracteriza por su aspecto dinámico, en contraste con el estilo clásico, relativamente estático, del renacimiento. Esta tendencia se distingue por las líneas compositivas diagonales, que proporcionan el sentido del movimiento y por el empleo de un marcado claroscuro. Con ambas técnicas se consiguió un estilo dramático, grandioso, apropiado al espíritu fundamental de la Contrarreforma. En Italia, el período barroco fue una época de innovación artística. Numerosos palacios romanos están decorados con los espléndidos frescos de Annibale Carracci y Guido Reni. Entre los innovadores artistas del barroco italiano fue probablemente Caravaggio quien, con su estilo denominado tenebrista, de fuertes efectos de claroscuro tanto en las pinturas religiosas como en las de género, de más influencia, ejerció sobre otros pintores italianos. Dos pintores franceses en particular asimilaron el estilo de Caravaggio. Georges de la Tour, en principio pintor de temas religiosos, fue un maestro de la luz y la sombra: su virtuosidad queda patente en su manera de iluminar los rostros y las manos, con la luz de una sola vela. Y Louis Le Nain quien empleó también dramáticamente la luz en sus obras de gran formato sobre la vida campesina. En España tanto José de Ribera como Francisco de Zurbarán asimilaron el tenebrismo de Caravaggio, si bien Estilo Barroco se concidera que inicia en el año 10

Estilos Artísticos

Guido Reni, italiano, 1575-1642.

Bartolomé Esteban Murillo, español. 1617-1682.

José de Ribera, español 15911652.

Georges de La Tour, francés, 15931652.

Diego Velázquez, español, 1593-1660.

Louis Le Nain, francés, 1601-1648.

Francisco de Zurbarán, español, 1598-1664.

1550

Anthony Van Dyck, holandés,1599-1641.

1575

Rembrandt van Rinjn, holandés, 1606-1669.

1600

Johannes Vermeer, holandés, 1632-1675.

Termina Estilo Barroco

1650

Educación Plástica 3

Estilo Barroco

cada uno aportó intereses y tendencias diferentes a su obra. El artista español más importante de la época fue Diego Velázquez, consumado maestro del tono y del color, pintor de Felipe IV.

Competencias temáticas • Conoce la forma en que los artistas guatemaltecos aplican el color. • Aplica los conocimientos adquiridos sobre el color, en trabajos de expresión creativa. • Desarrolla habilidades y destrezas para elaborar trabajos a color, utilizando las diferentes técnicas. • Analizar y apreciar el uso expresivo del color en la obras artísticas de los pintores expresionistas, como parte sensibilización personal.

Desarollo La luz producida o emitida por el sol o por una fuente lumínica, es el agente que posibilita el acto de ver y apreciar los colores. La luz se propaga en ondas lumínicas de dist int as long it ud es que se desplazan a diferentes velocidades (como el sonido que se propaga en ondas sonoras) que percibidas por nuestros ojos, producen en nuestro cerebro, la sensación que llamamos Color. Entonces, para poder ver un objeto y su color, es necesario que haya luz, la que puede provenir, en forma directa o indirecta, de una fuente natural o artificial.

Premios obtenidos: 2000 Primer lugar de pintura organizado por el G&T y centro cultural el Sitio, Antigua Guatemala 2004 – ,005 Mejor artista Quetzalteco, Helvetas. 2006 – 2007 – 2011 Primer Lugar Concurso Nacional de pintura Arturo Martínez, en la rama de paisaje. 2011 Primer lugar en el III certamen de pintura al aire libre, en Antigua Guatemala. Exposiciones colectivas internacionales. 2006 Gallery Wisconsin, USA. 2011 Holguín, Cuba. 2012 Viaje de estudio a París, Francia. 2014 Isla de Roatán, Honduras. Su obra se encuentra en colecciones privadas en Guatemala, y del mundo.

Nació en Salcajá, Quetzaltenango. Realizó su formación artística con los maestros Rafael Mora, Cesar Pinto y en la Escuela regional de Arte Humberto Garavito. Aunque ha recibido cursos libres de arte se considera un pintor autodidáctico, lo que le ha llevado a alcanzar un estilo propio. Ha expuesto a nivel personal y colectivo: 1999 hasta 2007 Salón de matrimonios en Salcajá, Quetgo. 2002 Proyecto cultural el Sitio, Antigua Guatemala 2002 Galería las Calas, Quetzaltenango. 2003 Palacio Nacional de La Cultura, Ciudad de Guatemala. 2007 Galería de arte de Salamá, Baja Verapaz. 2008 Museo de Salcajá. 2011 Paraíso Terrenal, La Antigua Galería de Arte, Antigua Guatemala. 2013 Experiencias Vívidas, La Antigua Galería de Arte, Antigua Guatemala. 2014 Campiña Revestida, El Attíco, Ciudad de Guatemala 118 El Color

Obras de Artista

Sergio Alvarado

Sergio Alvarado (1976-).

Educación Plástica 3

El color se percibe de manera precisa por el sentido de la vista, debido a componentes químicos y físicos que poseen los elementos que componen los cuerpos de los objetos inertes y vivos. Gracias a ésta propiedad vemos los colores, los que aparte de aportar información visual, expresan estados anímicos y emociones de muy concreta significación psíquica que afectan nuestros sentimientos y emociones.

También nos producen sensaciones térmicas y así decimos “colores cálidos” y “colores fríos”. De la misma manera los colores siempre se han asociado con un significado simbólico cultural, así como con un simbolismo patriótico y practico en la sociedad.

Te los presentamos...

El color 1. Naturaleza

3. Funciones

2. Propiedades

Color luz

Color pigmento

Tono

Valor

Es un fenómeno físico producido por la descomposición de la luz, la que, al incidir en la retina de los ojos como rayos luminosos reflejados por los cuerpos producen la impresión de color.

Son sustancias coloreadas, que poseen diferentes composiciones químicas y físicas, que hacen que éstas sean capaces de absorber determinadas longitudes de onda lumínica y de reflejar otras.

El matiz es la propia cualidad que distingue un color de otro color.

Es la variación de luminosidad hacia el blanco o el negro de un color.

Saturación La saturación de un color radica en su pureza de pigmentación.

Atraer la atención

Valor Expresivo

Las imágenes con color suscitan siempre interés. El color elemento muy eficaz para llamar la atención.

Los colores afectan sentimientos, emociones, y tienen una significación psíquica.

El color produce impresiones.

Descomposición de la luz a travéz de un prisma.

Absorción de la luz y reflexión de los colores que vemos.

Educación Plástica 3

Colores primarios saturados por sus complementarios.

Primarios

Secundarios

Cálidos

Fríos

El color transmite estados de ánimo y sentimientos.

El Color 119

Luz blanca y los colores Apreciamos los colores gracias a una de las “máquinas” más perfectas y fascinantes de nuestro organismo: los ojos. La retina, comprende una capa de células foto receptivas, las cuales forman una especie de mosaico. Estas células, cuando se estimulan con la luz, dan una respuesta eléctrica que son las encargadas de transmitir al cerebro el color por un lado y la forma por otro. Hay dos tipos de células foto receptiva, conos y bastoncillos: Los conos – mandan la sensación de color al cerebro. Trabajan con luz intensa y son los encargados de la visión en detalle.

Los conos posibilitan la separación cromática. Son de tres tipos: A: sensibles a las radiaciones cortas, es decir a los azules. V: sensibles a las radiaciones medias, es decir, a los verdes. R: sensibles a las radiaciones largas, es decir, a los rojos.

Ultravioleta

Infrarrojo

Espectro visible

4 0 0

4 3 5

5 0 0

4 7 0

6 0 0

4 2 5

7 0 0

Espectro donde se aprecia la longitud de onda de la descomposición de la luz y diagrama de longitud de los colores donde se aprecia el rango de longitud de cada uno.

Dato curioso El sistema de definición de colores aditivos RGB (del inglés Red, Green, Blue; “rojo, verde, azul”), es el usado en las pantallas de TV. de computadoras y en general en diseño gráfico digital y en diseño Web, y parte de tres colores primarios, rojo, verde y azul, a partir de los cuales es posible obtener todos los demás colores del espectro. En cualquier pantalla electrónica, la sensación de color se produce por la mezcla aditiva de rojo, verde y azul. Hay una serie de puntos minúsculos llamados píxeles. Cada punto de la pantalla es un píxel y cada píxel es, en realidad, un conjunto de tres subpíxeles; uno rojo, uno verde y uno azul, cada uno de los cuales brilla con una determinada intensidad.

120 El Color

Educación Plástica 3

Los bastoncillos – cubren toda la retina, excepto la fóvea, que está nutrida de conos. Trabajan con luz baja y son insensibles a los colores. Son los encargados de ver las formas, los contornos. Nos dan una visión muy poco detallada.

Propiedades del color Matiz

La gama de combinaciones de los diferentes colores entre sí, es inmensa y si a esto le sumamos que se pueden combinar además con el blanco y con el negro, es casi infinita. Por este motivo se diseño un sistema de clasificación para poder organizar todas las variaciones que podemos obtener mezclando los colores primarios, el negro y el blanco. La clasificación se fundamenta en las propiedades del color, que son, matiz, valor y saturación. Basándose en estas tres cualidades se pueden confeccionar las tres escalas básicas de colores: la escala de matiz (círculo cromático), la escala de valor o claro-oscuro y la escala de saturación o escala de grises.

Valor o Luminosidad

Saturación

El matiz

AMARILLO

AZUL

ROJO

Educación Plástica 3

3 1

1 1

1 3

AM-VD

VD-AM

VERDE

VD-AZ

AZ-VD

3 1

1 1

AZ-VIO

VIO-AZ

VIOLETA

VIO-RJ

RJ-VIO

3 1

1 1

1 3

NJ-AM

AM-NJ

RJ-NJ

NJ-RJ

NARANJA

AZUL

1 3

ROJO

AMARILLO

El matiz es la propia cualidad que tiene un color como color, es lo que permite clasificar los colores como amarillo, verde, azul, violeta, rojo, etc. es decir, el rojo es rojo porque su matiz es rojo, el matiz del azul es azul y el matiz del amarillo es amarillo. Matiz son todos los colores del círculo cromático, primarios, secundarios e intermedios. Podemos decir que cuando nos movemos de un color a otro en el círculo cromático, se produce un cambio de matiz al modificar un color puro hacia uno de los dos sentidos del círculo de los colores, sin perder pureza cromática. Así, un determinado verde puede ser denominado, con más precisión, verde azulado, o un rojo inclinado hacia el naranja, rojo anaranjado. El Color 121

La luminosidad se consigue mezclando a cada uno de los colores o tonos del círculo cromático con pigmentos blancos para ganar luminosidad o con el negro para oscurecerlo, en proporciones variadas. Para realizar la escala de claro-oscuro, es decir, los diferentes valores de un color tenemos que tener en cuenta que no todos tienen la misma luminosidad. Si se tuviese una escala graduada del 1 a 10, el amarillo estaría en el número 9, el naranja en el 8, el rojo y el verde en el 6, el azul en el 4 y el violeta en el 3.

Adición de negro

La variación de valor o luminosidad se consigue mezclando un color con pigmentos blancos o negros en proporciones variadas. Añadiendo blanco se obtiene más luz o brillo, añadiendo negro se obtienen valores más oscuros.

Adición de blanco

Valor o luminosidad

Rojo

Anaranjado

Amarillo

Verde

Azul

Violeta

Saturación o intensidad

Rojo

Verde

Ammarillo

Violeta

Azul

Naranja

122 El Color

Para recordar Cuando decimos color abarcamos Tinte, Saturación y Matiz y no basta una de estas cualidades por sí solas para definirlo con exactitud. Si uno modifica el Valor se modifica también la saturación. Al modificar la Saturación, si se hace con blanco o negro, se modifica también su valor. Al modificar el Matiz, modificamos también su valor. No se puede alterar una de las características del color sin hacer variar las otras dos. Educación Plástica 3

Cuando un color pertenece al círculo cromático se dice que está saturado, que tiene el máximo de intensidad. Los colores muy saturados o de fuerte intensidad, son los más brillantes y vivos que pueden obtenerse, son los pigmentos puros. Pero no siempre nos encontramos los colores puros, sino que suelen estar compuestos por mezclas complejas, con cantidades desiguales de colores primarios. Para cambiar la saturación de un color hay que mezclarlo con su complementario, y así se obtiene la escala de saturación o de grises.

Pinta con colores tempera el cuadro de doble entrada que se encuentra en la parte inferior, en el que obtendrás diferentes valores de luminosidad al mezclar el color verde con blanco y negro en las proporciones indicadas gráficamente por las gotas. 1

1 1

1 2

Educación Plástica 3

1 3

1 2

1 3

1 1

1 3

El Color 123

Criterio*

Heteroevaluación

Indicadores

Autoevaluación Necesita mejorar

Coevaluación

Satisfactorio

Creatividad Manejo de instrumentos/Técnica Limpieza Composición Armonía de color Presentación Exactitud

Nota final

Excelente

Utilizando colores tempera, pinta el cuadro de doble entrada que se encuentra en la parte inferior, en el que obtendrás diferentes tonos del rojo al amarillo al mezclar los colores en las proporciones indicadas gráficamente por los goteros de color.

Educación Plástica 3

El Color 125

Criterio*

Heteroevaluación

Indicadores

Autoevaluación Necesita mejorar

Coevaluación

Satisfactorio

Creatividad Manejo de instrumentos/Técnica Limpieza Composición Armonía de color Presentación Exactitud

Nota final

Excelente

Colores complementarios Se denominan colores complementarios a aquellos que, en la composición cromático, se complementan. Si observamos el círculo cromático, son los colores que están situados diametralmente opuestos, por lo que el complementario de un primario será un secundario, y el de un secundario será un primario y el de un intermedio será otro intermedio, por ejemplo: el complementario del amarillo es el violeta y viceversa, observa los pares de colores complementarios que en relación directa, se muestran con las flechas en la ilustración.

Cuando dos complementarios se mezclan tienden a neutralizarse y agrisarse mutuamente, llegando a producir un gris oscuro casi negro cuando se realiza en proporciones iguales. Los colores complementarios tienen la propiedad de resaltarse mutuamente en forma notable, cuando se colocan uno al lado del otro, produciendo un contraste extremo, aunque estos, es posible que no armonicen si son iguales en extensión y fuerza. Los complementarios armonizan cuando uno es puro y el otro es alterado en valor, buscando un complementario no directo dentro de la gama del círculo cromático, por ejemplo si el amarillo es el complementario del morado se suaviza usando anaranjado o una gama de intermedios naranjas. Los colores complementarios se encuentran simétricos opuestos en el círculo cromático. Estos colores se refuerzan mutuamente, de manera que un mismo color parece más vibrante e intenso cuando se halla asociado a su complementario. Estos contrastes son, pues, idóneos para llamar la atención y para proyectos donde se quiere un fuerte impacto a través del color. Educación Plástica 3

El Color 127

Los colores complementarios en el arte Los pintores impresionistas, tomaron como punto de referencia las nuevas investigaciones realizadas sobre los colores primarios y secundarios, cargándose así sus pinturas de tonalidades puras, de colores primarios como el cyan, el magenta y amarillo. Además aplicaron los colores complementarios como el naranja, el verde y el violeta. Con esa técnica lograron dar una ilusión de realidad, aplicando directamente sobre el lienzo pinceladas de color cortas y logrando gran brillo en sus pinturas. Esta forma de pintar hacía que las sombras y los contornos dejaran de existir. La impresionista no es una técnica basada en el dibujo, sino en el color.

Salvador Dali, “Cadaqués de espaldas” 1921.

En esta pagina se te presentan cuatro ejemplos magistrales del uso de los colores complementarios.

Vincen van Gogh, Lysstaerke farver, 1888.

Así el maestro Vincent van Gogh desarrollo la técnica de los complementarios de forma magistral, oponiendo a la gama de morados sus complementarios amarillos y amarillos-naranja.

Joaquin Sorolla, Estudio de río, San Sebastián 1890

128 El Color

También los maestros de la pintura española utilizaron esta técnica de pintura, como puedes observar la obra de Salvador Dalí, abajo el fragmento de una obra del maestro Sorralla, en la que usan los colores complementarios para lograr la brillantes de luz representada en sus obras.

Vincen van Gogh, La siesta, 1890

Educación Plástica 3

Realiza la experimentación de colores complementarios, para lo cual te proponemos la reproducción de una obra maestra de la pintura, la que debes pintar siguiendo el esquema de los principales colores extraídos de la obra, en el que puedes ver como los complementarios cercanos, los naranja y los ocres oscuros armonizan con la gama de azules violeta utilizados.

Vincen van Gogh. La siesta, 1890. El pintor utiliza los colores complementarios en su forma contrastante y en la gama de cercanos para suavizar el contraste, sin perder la fuerza de color que le imprime el pintor a sus obras.

Educación Plástica 3

El Color 129

Criterio*

Heteroevaluación

Indicadores

Autoevaluación Necesita mejorar

Coevaluación

Satisfactorio

Creatividad Manejo de instrumentos/Técnica Limpieza Composición Armonía de color Presentación Exactitud

Nota final

Excelente

El Armonicolor Es un indicador manual que te servirá para definir rápidamente, esquemas de colores armónicos, sencillos.

ORES ANALOGOS

COL

C O M P L E M E N TA R I O S

TA R IO

PLE

MEN

IGUALES ES

L VA

COM

R LO VA

MO NO CR OM IA

S AD YA C ENT ES

Siguiendo las indicaciones de tu maestro, recorta el disco de esta página y el de la siguiente, pégalos sobre cartoncillo para que adquieran rigidez. Recorta las ventanillas marcadas con color gris, en el disco A, y monta los dos discos (el A sobre el B) por su centro, con una chinche, remache o cualquier otra cosa que los sostenga por su centro. De esta manera, al hacer girar el disco A, en las ventanillas caladas, aparecerán los colores que desees; el disco A también te indica, en las leyendas impresas, que tipo de armonía aparece en las ventanillas.

E OR

S IG U

Educación Plástica 3

AL ES

El Color 131