Grupo Pentacion El Apuntador nº7 sep-nov 2020 by editorialmic

#TEATROSEGURO

SEPTIEMBRE | OCTUBRE | NOVIEMBRE 2020 | Nº. 07

CONCHA VELASCO protagoniza

La habitación de María

Las Criadas

de Genet,

en el Matadero

José Luis Gil es Eduardo II

El Grupo Pentación suma su tercer teatro en Madrid

Contenido

CARTA DEL DIRECTOR EN ESCENA La habitación de María

Los Mojigatos

Eduardo II, ojos de niebla

Para hacer bien el amor…

Esperando a Godot

Las criadas

Anthony Blake

Festival del humor

Abonos Pentación

El Grupo Pentación suma un tercer teatro en Madrid

ENTRE CAJAS

PATIO DE CABALLOS

PENTACIÓN EN GIRA

GRUPOS Y EVENTOS

EQUIPO

PRÓXIMAMENTE

Concha Velasco en La habitación de María

La directora Magüi Mira, con los intérpretes de Los Mojigatos: Gabino Diego y Cecilia Solaguren

STAFF: Director: Jesús Cimarro Subdirector: Raúl Fraile Redacción: Esther Alvarado, Esther Casillas, Melissa de la Vega, Brais Fernández, Miguel Ángel Díez, María Moreno Fotografías: Javier Naval, Sergio Parra, Jero Morales, Moisés Fernández Acosta

Para hacer bien el amor hay que venir al sur, un musical con canciones de Raffaella Carrá

Producción Editorial:

PENTACIÓN

TEATRO LA LATINA

TEATRO BELLAS ARTES

TEATRO REINA VICTORIA

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@TeatroLaLatina

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@TeatroLaLatina

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N O TA D E L D I R E C T O R

La reconstrucción JESÚS CIMARRO

ha empezado

La crítica situación por la que atravesamos, y me voy a referir concretamente al sector de las industrias culturales, que es el que conozco, exige ponerse manos a la obra cuanto antes. La reconstrucción ya ha comenzado y los teatros, que fueron los primeros en cerrar a causa de la epidemia, tenemos que intentar ofrecer una temporada lo más normalizada posible. Hay que abrir no solo para preservar los puestos de trabajo, también porque es fundamental para la cultura y la sociedad, y es signo de confianza y de recuperación, estímulos que necesitamos más que nunca en estos aciagos días. La gran incógnita se cierne sobre la respuesta del público. Estoy convencido de que solo si hacemos que los teatros sean de los lugares más seguros para ir, éste volverá. Tenemos que ganar su confianza. Mi experiencia al frente del Festival de Mérida durante el pasado verano, en la edición más difícil que he dirigido, me ha demostrado que se puede abrir y que los espectadores quieren ver teatro, lo necesitan. Para ello hemos sido muy rigurosos con los protocolos que exigen aplicar medidas de prevención e higiene por todos conocidas (desinfección y limpieza del local, distanciamiento, empleo de mascarillas, gel, acceso y salidas sin aglomeraciones, y aforos limitados). Así lo hemos hecho en Mérida, nadie se ha contaminado y hemos obtenido casi un 90% de ocupación del aforo limitado. Y la experiencia de los festivales de Granada, Almagro y el Grec ha tenido resultados parecidos. Por ello, y para dar seguridad a los ciudadanos y animarlos a que vuelvan, los teatros madrileños nos preparamos para lanzar una campaña de “teatro seguro” con el apoyo del Ayuntamiento. Sé que el miedo es tremendamente contagioso, y también sé de la dificultad para los políticos de gestionar una situación así, pero las autoridades deben ser cautas a la hora de decretar cierres y suspensiones generalizados, hay que analizar caso por caso y, sobre todo, sentarse con el sector antes de tomar decisiones drásticas. La reconstrucción económica y social que nos aguarda pasa por contemplar a la cultura como el elemento integrador que es, una argamasa de sólidas y singulares propiedades que nos une e identifica como sociedad y que es vital para nuestro país. Porque la cultura no puede entenderse hoy como un departamento estanco y aislado de la sociedad, sino que se nutre de ella y organiza y refleja las ideas que la animan. Por otro lado, si algo nos ha enseñado el con-

finamiento es su valor balsámico para los ciudadanos. Por eso, el proceso de reconstrucción de la sociedad pasa por contemplar la cultura como un sector estratégico, que al igual que ocurre con la sanidad o la educación, esté garantizada para toda la población. Lo he defendido muchas veces, y seguiré haciéndolo: hay que impulsar un Pacto de Estado por la Cultura. Y en estas circunstancias es más necesario que nunca. Un acuerdo en el que todos los partidos políticos, sean del espectro que sean, salven sus diferencias ideológicas para remar a favor de lo que nos une. Con un Pacto saldremos todos beneficiados. Por último, y como presidente de la Academia de las Artes Escénicas, apelo a nuestros socios y a su junta directiva para que nuestra asociación sea el escenario de reflexión y coordinación de medidas de reconstrucción de las artes escénicas. Más que nunca necesitaremos echar mano de la innovación, la tecnología y las ideas para superar este crítico momento. Debemos abrirnos al sector para estudiar con otras asociaciones y profesionales los pasos más adecuados y eficaces para su reconstrucción. Estoy seguro de que lo conseguiremos.

Abrimos puertas 45 minutos antes del comienzo de la función

E N E S C E N A | L A H A B I TA C I Ó N D E M A R Í A

CONCHA VELASCO

LA HABITACIÓN DE MARÍA “A sus 80 años continúa luciendo esa gran sonrisa que nos resulta a todos tan familiar, quizás porque nos ha acompañado durante toda la vida. Ese desparpajo y elegancia, sello inconfundible de la gran Concha Velasco, no ha hecho más que acrecentarse en los últimos años en los que no ha parado de encadenar un trabajo con otro. Ella continúa sobre las tablas dando lo mejor de sí misma, sorprendiéndonos en cada función y enfrentándose a nuevos retos. Esta vez se atreve con un monólogo escrito por su hijo, Manuel Martínez Velasco, y dirigido por José Carlos Plaza en el que da vida a Isabel Chacón, una reconocida escritora que padece agorafobia y que lleva más de 40 años sin salir de su casa. La habitación de María, estará en el Teatro Reina Victoria, a partir del 21 de octubre.

“PARA MÍ EL TEATRO ES SATISFACCIÓN Y A LA VEZ RESPONSABILIDAD”

E N E S C E N A | L A H A B I TA C I Ó N D E M A R Í A

ENTREVISTA Después del confinamiento, tantos meses encerrada, ¿ha echado de menos el trabajo durante todo este tiempo? Sí, la verdad es que lo he echado mucho de menos. El primer mes y medio fue terrible porque no sabíamos si volveríamos a trabajar o no; y como yo estaba tan acostumbrada a entrar y salir ha sido muy complicado. Aunque tenía preparada La habitación de María, tampoco sabíamos si íbamos a poder hacerla y pospuse un poco el proyecto pensando en que Jesús Cimarro, cuando lo creyera oportuno, nos llamaría. Y así fue, nos llamó y nos pusimos muy contentos. Manuel le propuso que la dirigiera José Carlos Plaza. Y a mí me ha animado mucho volver, estoy muy ilusionada con la obra y más sabiendo que será la última. ¿Su última obra, Concha? La última. Es una obra que está escrita muy a mi medida, dirigida y producida a mi medida, Jesús Cimarro no ha reparado en gastos con esta producción. Todas las obras que hago no tienen nada que ver conmigo, pero no estaban tan hechas a medida como ésta. Por eso digo que será la última, pero no porque yo quiera dejar el teatro, sino porque quiero que tenga el éxito que tienen todas, que todas duran 3 años. Y cuando se estrene en Madrid yo voy a cumplir 81 años trabajando en el Teatro Reina Victoria, si Dios quiere. ¿Cómo ha sido volver de gira a los escenarios tras la pandemia? ¿Cómo reacciona el público con La habitación de María? Pues la prueba la hemos tenido en San Sebastián, donde estrenamos y ha gustado una barbaridad. Es una función muy costosa, hay un incendio, necesita mucha

producción y tiene una historia de fondo, que no se puede contar, pero que a la gente le gusta muchísimo. El día que vi el decorado de la obra me puse a llorar, porque es una responsabilidad para mí, siempre es una gran responsabilidad. En esta ocasión más, porque sé el esfuerzo que ha costado a todos sacarla adelante: a Jesús Cimarro, a Paco Leal, a José Carlos Plaza… Con esta responsabilidad a cuestas, para mí es importante llenar el teatro, pero no por vanidad, sino por lo que supone la respuesta del público, por el momento que estamos viviendo. Ha sido precioso, el saber que lo hemos hecho bien y que le hemos gustado al espectador. A estas alturas, yo ya no tengo la vanidad de la crítica, lo que queremos es gustar al espectador. Eso, y que mi productor, Jesús Cimarro no pierda dinero. Porque en estos momentos es el productor más importante que hay en España y ama el teatro, no está aquí por casualidad y todo esto lo hace porque lo hace para que el público lo disfrute. La crítica es importante, pero que le guste al espectador me importa más. En esta obra interpreta a Isabel Chacón una prestigiosa escritora que sufre agorafobia y está encerrada en su casa. ¿Tiene algo en común con su personaje? No tengo nada que ver con Isabel Chacón, a mí no me ha pasado nada de lo que le pasa a ella, es un personaje hecho a la medida, pero que he tenido que ensayar muchísimo, quizás sea la obra que más he ensayado, algo que me ha ayudado para ir muy segura al estreno. ¿El confinamiento no le ha servido de alguna manera para preparar el papel? El confinamiento para este personaje no me ha ayudado, es más, he estado leyendo, soy una lectora empedernida, y evitando ver las tertulias en la televisión. He visto películas antiguas, me he visto incluso a mí en Hécuba a través de Pantalla Pentación. Y también he visto Hélade, la primera producción de Jesús Cimarro para Mérida. Me he dado cuenta con los años, que como decía Descartes, “Solo sé que no sé nada”. ¿Qué pensó cuando leyó el texto de Manuel? Cuando leí el primer texto me puse a llorar y le dije “gracias hijo”. Porque yo cuando me leo una cosa, lo tengo que hacer de tirón, sin que nada me distraiga. Manuel escribió esta obra durante el tiempo que yo hacía Metamorfosis en Mérida el año pasado. Y Manuel me dijo que me iba a escribir una función sobre un personaje que tenía en mente. Le saca sentido del humor a su personaje… Claro, eso es una de las cosas que tiene la función. Que al principio José Carlos Plaza no estaba tan de acuerdo en que yo sacase la parte cómica, me decía que tuviese cuidado con dar la sensación de que mi personaje se lo estuviera pasando muy bien. Entonces tuvimos que convencerle a él y a Jesús que hay determinadas licencias que se ven en el cine, como en La ventana indiscreta, y que el sentido del humor es un apoyo que no nos desvía del texto. ¿Cómo ha sido la experiencia de trabajar con su hijo y con José Carlos Plaza? Con Manuel, mejor, después de nuestra primera experiencia trabajando

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CO N C H A VE L A S CO 

LA HABITACIÓN DE MARÍA… estará en el Teatro Reina Victoria del 21 de octubre de 2020 al 24 de enero de 2021. Venta de entradas en elteatroreinavictoria.com

LA HABITACIÓN DE MARÍA

DEL 21 DE OCTUBRE DE 2020 AL 24 DE ENERO D E 2 0 2 1 E N E L T E AT R O REINA VICTORIA . D U R A C I Ó N : 70 minutos EDAD RECOMENDADA:

mayores de 16 años H O R A R I O S : de martes a

viernes 20:30h. Sábados a las 19:00h, domingos y festivos a las 18:00h. P R E C I O S : desde 17 euros R E P A R T O : Concha Velasco

FICHA ARTÍSTICA :

juntos en El Funeral, porque entonces él no sabía cómo tratarme, no comprendía que yo preguntara tantas cosas y que todo tuviese que aclarármelo. Y ahora con José Carlos Plaza, ¡imagínate! que le conozco desde que hacía El águila de fuego. Lo conozco de toda la vida y he hecho seis funciones con él: Carmen, Carmen; La rosa tatuada; Hello Dolly; Hécuba; Olivia y Eugenio y ahora La Habitación de María. Nos entendemos bien y nos peleamos mucho (risas) porque yo sigo preguntando y él sigue criticando. Para usted el teatro, ¿qué significa? Cuando leo que la gente no se pone nerviosa cuando hace teatro pienso que entonces no saben lo que es. Para mí el teatro es lo más. El salir al escenario desde que te lees la función hasta que te pones en marcha, la satisfacción, la responsabilidad…yo tengo una capacidad de concentración y de aislamiento total, por eso yo creo que tenemos que ayudar mucho a los productores, a los privados, con amor y con entrega.

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D e q u e t r a t a : La célebre escritora Isabel Chacón cumple hoy 80 años. La ﬂamante ganadora del Premio Planeta, que padece agorafobia, celebra hoy su aniversario sin ningún tipo de acto público como es ya habitual en los últimos 43 años que lleva encerrada en su casa. Pero esa noche se produce un incendio y todos los inquilinos son obligados a evacuar el inmueble. Para Isabel esto es imposible, sencillamente «no puede» salir de casa.

Autor: Manuel Martínez Velasco Diseño de escenografía e iluminación: Paco Leal Video escena: Bruno Praena Fotografía: Sergio Parra Diseño gráfico: David Sueiro Productor: Jesús Cimarro Dirección: José Carlos Plaza Una producción de Pentación Espectáculos

¿Cómo ve la llegada al Teatro Reina Victoria? Es un teatro hermoso en el que yo he trabajado muchas veces. Tengo una butaca con mi nombre de cuando lo compró Carlos Sobera. Me pusieron una butaca con Arturo Fernández. O sea que he reinaugurado ese teatro de la mano de Carlos Sobera y ahora prácticamente lo reinauguro otra vez con La habitación de María. Yo creo que es uno de los teatros más bonitos, mejor ubicado y, como lo han reformado muy bien, me hace mucha ilusión estrenar allí. Además, creo que se van a sorprender con esta función porque el público no sabe muy bien de qué va, y eso también está muy bien.

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M OJ I G ATO S 

LOS MOJIGATOS estará en el Teatro Bellas Artes del 28 de octubre de 2020 al 10 de enero de 2021. Venta de entradas en teatrobellasartes.es

Abrimos puertas 45 minutos antes del comienzo de la función

LOS MOJIGATOS

L O S M O J I G AT O S

DEL 28 DE OCTUBRE DE 2020 AL 10 DE ENERO D E 2 0 2 1 E N E L T E AT R O BELLAS ARTES. D U R A C I Ó N : 80 minutos EDAD RECOMENDADA:

mayores de 16 años H O R A R I O : de martes a

viernes a las 20.00 horas, sábados a las 19.00 y 21.30 horas y domingos a las 19.00 horas R E P A R T O : Gabino Diego y

Cecilia Solaguren

FICHA ARTÍSTICA : La comedia es, sin duda, uno de los géneros más difíciles de representar, pero tenemos ante nosotros a un estandarte del humor de nuestro país. Gabino Diego es un rostro más que reconocido desde hace décadas tanto en la grande como en la pequeña pantalla. Y, por supuesto, en el teatro. Ahora está inmerso en la obra Los Mojigatos que protagoniza junto a Cecilia Solaguren, interpretando a una pareja que pasa por una mala racha y unos meses de sequía sexual. Una comedia dramática de Anthony Neilson versionada y dirigida por Magüi Mira, en la que el público es testigo y colaborador necesario en esta terapia de pareja. Hay risa, pero también hay dolor, como en la vida misma y Gabino lo retrata con esa ingenuidad y comicidad clásicas en su interpretación. Tras unos meses de gira postCovid (me temo que post aún no podemos decir…ojalá), donde el teatro se ha tenido que reinventar, hablamos con Gabino de este último proyecto con el que llega al Teatro Bellas Artes de Madrid del 28 de octubre de 2020 al 10 de enero de 2021.

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De que trata: Una pareja heterosexual, con 9 años de buena relación y 14 meses de sequía sexual, intentan encontrar una salida a su problema con la colaboración del público. Mucho h u m o r, y a v e c e s t a m b i é n d o l o r, p a r a u n a pareja «en busca del sexo perdido».

Autor: Anthony Neilson Versión y dirección: Magüi Mira Ayudante de dirección y movimiento escénico: María Mesas Diseño de escenografía y vestuario: Magüi Mira Ayudante de escenografía: Pablo Menor Diseño de iluminación: José Manuel Guerra Espacio sonoro: Jorge Muñoz Gerente regidora: Rym Belahcene Benet Sonido: Nuria Prieto Moreno Luces: Abel Hernández García Traducción: Lucas Criado Productor: Jesús Cimarro Una producción de PENTACIÓN ESPECTACULOS

E N E S C E N A | L O S M O J I G AT O S

ENTREVISTA Los Mojigatos llegan a Madrid después de varias funciones post Covid-19. ¿Cómo ha sido la vuelta a los escenarios? La situación es un poco rara pero poco a poco nos iremos acostumbrando. Los ensayos han sido atípicos, con mascarilla y con distancia. Pero mucha gente tiene ganas de normalizar las cosas y seguir volviendo al teatro. Lo importante es que muchas personas quieren seguir haciendo su vida normal, yendo a restaurantes, al cine, al teatro y, precisamente, los teatros tienen ahora las medidas de seguridad necesarias para que no te pase nada. ¿Có m o h a s p a s a d o e l confinamiento? ¿Has podido repasar el texto durante la pandemia? Lo cierto es que cuando estaba en pleno confinamiento no me apetecía ni abrir el texto. Esta situación la he vivido como todos, con mucha incertidumbre, con preocupación, sin saber lo que iba a pasar y en estas condiciones no me apetecía hacer nada. De hecho, mi actividad durante el confinamiento ha sido trabajar un huerto urbano: he sembrado tomates, lechugas, una calabaza… Se lo recomiendo a todo el mundo, porque va pasando el tiempo y ves como crecen las cosas y te das cuenta de que es muy bonito como funciona la naturaleza. En Los Mojigatos eres Jimmy o Jaime, y junto a Cecilia Solaguren hacéis un dúo cómico

“LA SITUACIÓN ES UN POCO RARA PERO POCO A POCO NOS IREMOS ACOSTUMBRANDO. LOS ENS AY O S H A N S I D O AT Í PI CO S , CO N M A S CARILLA Y CON DISTA N C I A . PE R O M U C H A GENTE TIENE GANAS DE NORMALIZAR LAS COSAS Y SEGUIR VOLVI E N D O A L T E AT R O”

Gabino Diego

con el que nos lleváis a la carcajada, ¿cómo ha sido el trabajo con ella? El trabajo con Cecilia ha sido, desde el principio, una maravilla, es una actriz que tiene una trayectoria increíble, ha trabajado con todo el mundo en esta profesión, es una mujer que domina muy bien la comedia, que tiene una vis muy clown. Y que encaja perfectamente con lo que pide esta comedia. Con Cecilia disfruto mucho en el escenario. Magüi Mira versiona y dirige la obra de Anthony Neilson, ¿cómo es el enfoque de la directora en esta versión? La versión de Magüi es fantástica, además, como directora, y, al ser actriz, ella conoce bien a los actores, sabe llevarnos. Es una muy buena directora y con esta función ha querido que

G D

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G A B I N O D I E G O primara la comedia, pero no de cualquier tipo, comedia inteligente. Ella quería una función donde la gente se riese, pero también donde se muestren cosas que no son tan visibles y que nos preocupan a todos. El público no solo se divierte, a la salida de la función también sale reflexionando porque se abordan temas más profundos. Y cómo no, mezclado con comedia, introduciendo baile y música que lo hace más dinámico. Como justo ha coincidido el arranque con la pandemia, cuando salimos a ensayar nos encontrábamos un poco con el síndrome de la cabaña. Hemos ensayado con mascarilla y ha sido una situación bastante surrealista, de ciencia ficción. Magüi siempre nos pide perdón porque le gustaría poder dirigir la función más cerca de nosotros, pero hay que mantener la distancia. Cuéntanos acerca de tu personaje, ¿cómo lo ves desde los ojos de Gabino Diego? GD: Jaime es una buena persona, es un tío que está confundido, un personaje confundido sobre todo con respecto a su pareja. El prototipo de hombre que ya no sabe lo que está permitido y lo que no en las relaciones sexuales. Se encuentra un poco perdido y quiere comportarse como “un hombre moderno” pero no sabe si lo hace bien y se come el coco. En definitiva, es un come cocos woodyallenesco, y podríamos decir que la obra también lo es.

En Los Mojigatos nos lleváis de la risa a momentos dolorosos con un pestañeo, ¿exige mucho esfuerzo jugar así con las emociones? GD: Lo que sobre todo exige esta función es mucha concentración. No puedes bajar la guardia ni un solo segundo porque se cae la función. Es un monólogo de dos actores, porque de alguna manera tenemos que estar todo el rato conectados y necesita mucha escucha por nuestra parte. No podemos reducir la energía. El público juega un papel importante en esta función Gabino… GD: Hay que escuchar también al público, nos dirigimos a ellos y la obra tiene algo de terapia. Aquí los espectadores hacen de psicólogos. Si tuvieses que elegir ¿con qué te quedas: comedia o tragedia? GD: Me quedo con un buen texto y un buen personaje. Eso es lo que me gusta. La buena tragedia siempre lleva dentro una comedia y viceversa. Tiene que estar todo muy equilibrado, porque si pretendes que solo sea tragedia te puede salir mal. Es muy delicado, siempre tiene que tener una válvula de escape. ¿Qué tiene Los Mojigatos que los lectores de El Apuntador no pueden perderse? GD: A mí lo que más me gustó fue la originalidad de este texto. Tiene algo muy diferente: una pareja que reúne al público y se dirige a él para contarle sus problemas. Se rompe la cuarta pared y muestran su vida privada. Tiene además momentos de stand up comedy, tanto que cuando ensayábamos nos acordábamos de Faemino y Cansado, ese humor más clownesco. No todo es comedia, también tiene situaciones dramáticas, pero el humor destaca en esta función.

EN ESCENA | EDUARDO II

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Abrimos puertas 45 minutos antes del comienzo de la función

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EDUARDO II OJOS DE NIEBLA estará en el Teatro Bellas Artes, del 9 de septiembre al 25 de octubre. Venta de entradas en teatrobellasartes.es

EDUARDO II

DEL 9 DE SEPTIEMBRE AL 25 DE OCTUBRE EN E L T E AT R O B E L L A S A R TES. D U R A C I Ó N : 90 minutos EDAD RECOMENDADA:

mayores de 16 años H O R A R I O : de miércoles a viernes, a las 20.30 horas. Sábados, 19.00 y 21.30 horas. Domingo, 19.00 horas. P R E C I O S : desde 24€ E L E N C O : José Luis Gil,

Ana Ruiz, Ricardo Joven, Carlos Heredia, Manuel Galiana

FICHA ARTÍSTICA : Érase una vez un rey al que no le gustaban las princesas, ni las reinas, ni las cortesanas. Érase una vez un rey que suspiraba por los palafraneros, los marqueses y los caballeros de brillante armadura. Érase una vez un rey homosexual, condenado por la Iglesia, casado con una reina despechada y rodeado de una corte de ambiciosos que no paró hasta arrebatarle el amor, el trono y la vida. Érase un rey, recreado por la pluma de Alfredo Cernuda, puesto en pie por Jaime Azpilicueta y encarnado por un gran actor, José Luis Gil, en compañía de Ana Ruiz, Ricardo Joven, Carlos Heredia y Manuel Galiana. Érase una historia real y muy actual que llega al Teatro Bellas Artes.

Autor: Alfredo Cernuda Director: Jaime Azpilicueta Director Adjunto: Maximiliano Lavía Música Original: Julio Awad Diseño de iluminación: Juan Ripoll Diseño escenografía: Juan Manuel Zapata Figurinista: Covadonga Orviz Díaz Fotografía: Moisés Fernández Diseño de cartel: Manuel Vicente

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De que trata:

Eduardo II Ojos de Niebla narra el final de la vida de Eduardo Plantagenet, cuya abierta homosexualidad le ocasionó la pérdida del trono y la traición de todos los suyos.

Caracterización y maquillaje: Mauro Gastón Vestuario: Sastrería Cornejo Producción: La Nariz de Cyrano, Contubernio y Pentación

EN ESCENA | EDUARDO II

ENTREVISTA

Jose Luis Gil

“ LO S R EYE S Q U E M Á S N O S H A N G U STA D O S O N LO S Q U E H A N I N T E N TA D O E STA R MÁS CERCA DEL PUEBLO” El estreno de Eduardo II estaba programado en el Festival de Cáceres, pero se canceló por el Covid-19. ¿De qué otra manera os afectó la pandemia? Cuando se decretó el confinamiento nosotros estábamos ya en marcha y todo se quedó paralizado con la incertidumbre de qué iba a pasar. A este confinamiento es imposible sacarle productividad en ningún sentido, no solamente porque estás en casa, sino porque el cerebro parece que no quiere funcionar hasta que no se sepa qué es lo que va a pasar. ¿Cómo os planteáis este regreso en medio de una nueva normalidad tan anormal con aforos limitados, mascarillas, distancias de seguridad…? Ése va a ser el gran problema. Es fundamental saber de qué aforo vas a disponer y, sobre todo, qué disposición tendrá la gente para ir al teatro. Los aforos muy limitados son un problema, porque tienes que trabajar para poder pagar y recaudar lo suficiente que te permita vivir con cierta tranquilidad, sobre todo, en el arranque del proyecto. Pero bueno: el mundo no es de los cobardes. A los teatros vacíos o cerrados está claro que no va a ir nadie, ni va a tener ni siquiera curiosidad. Si ve que hay una oferta interesante y que se puede ir con las precauciones debidas, lo harán. De hecho, no creo que sea precisamente en los teatros, ni en los cines, ni en sitios así donde la gente se contagie. ¿Cómo definirías esta función? ¿Es un thriller político, una obra histórica, una tragedia? Creo que la has definido tú con tres palabras. Evidentemente es una obra histórica porque está

tratando un retazo de la historia que ya hizo Christopher Marlowe (1564-1593) en su momento. Se ha hecho un texto maravilloso contándonos la historia de Eduardo II en su contexto y en su momento. El hecho de que un rey homosexual tuviese que enfrentarse a todos y a todo y que una obra que se desarrolla alrededor del año 1300 tenga tal vigencia es asombroso. Es una obra sobre el poder del dinero, el poder del qué dirán, de la manipulación de la gente, de no poder ser libre; y de llegar hasta el punto de jugarte el trono e incluso de pagar con la vida por amor. Tiene también grandes momentos de comedia porque el texto es espléndido y navega entre la ironía, la comedia, drama romántico y la tragedia. Hoy tampoco se contempla la posibilidad de un rey homosexual… Hablamos de la Iglesia, lo poco que evoluciona y lo que tardan en hacerlo, pero hay también otras instituciones que también les cuesta avanzar, sobre todo cuando ostentan el poder. Los reyes que más nos han gustado siempre son los que han intentado estar cerca del pueblo, incluso los emperadores romanos que estaban más cercanos al pueblo y que el pueblo quería más, también cayeron de mala manera porque había otros intereses. ¿Cómo habéis dibujado a este Eduardo II que ha escrito Alfredo Cernuda? ¿Es un ser incomprendido? ¿Un tirano? Es que depende del punto de la historia y de cómo te lo quieran contar. Hay de todo porque él es víctima del hecho de tener que unir dos reinos con un matrimonio de conveniencia por razones de estado. El problema empieza cuando se

entrevé su homosexualidad. Yo creo que el error reside en haber escogido mal a las personas porque luego esos favoritos hicieron un mal uso del poder. Ahí es donde dejó de ser discreto por amor. La reina es un compendio de dignidad principesca, a la vez tiene mucho resentimiento y es muy manipuladora, ¿no? Estamos hablando de la loba, aparte de ser una mujer muy despechada. La obra tiene sus momentos casi de comedia porque tiene una carga importantísima de ironía cuando hay unos enfrentamientos más o menos buscados. Es un trozo de la historia absolutamente apasionante y rescatado con el tiempo; te das cuenta de la vigencia que tiene todo esto hoy en día. Es que no tienes más que cambiar nombres, apellidos y cargos y te saldría una obra que perfectamente leerías en el día de hoy. Es una obra que tiene las escenas justas, los personajes justos y representativos, como la figura del prestamista, lo que hoy sería la banca… Sí, también habla del poder de los bancos, y de cómo manipulan a ganadores y perdedores para que ellos no pierdan nunca, y lo necesarios que se convierten y cómo hay una confabulación detrás. El prestamista tiene esa habilidad de estar en el sitio justo y en el instante preciso, donde tiene que estar. El papel de la Iglesia no se ha movido en 20 siglos, con esa doble moral judeo-cristiana de “amaos los unos a los otros”, y dice el rey “no, no: los unos a las otras, porque a mí no me dejáis amar a quien yo quiero”. Claro, y lo de amar a un semejante, y yo amo a un semejante y no lo aprobáis, ¿qué es eso de semejante? ¿a qué es semejante? Tienes que indicar a qué es semejante y para qué. Tiene que ser un hombre con una mujer y por eso a él le llevan a los demonios.

EN ESCENA | EDUARDO II

JOSÉ LUIS GIL “ES ASOMBROSA LA VIGENCIA HOY DE LA HISTORIA DE UN REY HOMOSEXUAL QUE TUVO QUE ENFRENTARSE A TODO Y TODOS” Y luego está la figura de la nobleza, Mortimer, que representa el ideal de caballero, enamorado en teoría utópicamente de la dama, pero en realidad traspasa la barrera, traiciona a su esposa. ¿Aquí se demuestra que nadie está libre de pecado? Sí. Mortimer es un noble a quien el negocio de las batallas se le da bastante bien, y por eso ayuda a la reina para conspirar y dirigir los ejércitos, planificar la guerra, es la pura ambición. A su propia mujer, con la que tiene hijos, Lady Juana, la deja por la reina y ella consiente porque piensa que es lo que hay que hacer. ¿Quiénes son los hombres de ojos de niebla? El rey dice en un momento: “La iglesia está formada por hombres con ojos de niebla”. Es una metáfora muy gráfica, que solo ven lo único que quieren ver, y a lo demás le ponen niebla para difuminar lo que no quieren ver. Se habla mucho en la obra de que bajo el manto de la religión se cometen muchas atrocidades. La obra es muy interesante y entretenida. Espero que la gente disfrute y salga un poco enriquecida. La cultura trata de hacer reír, de hacer que te emociones, es salir con la sensación de que merece la pena. De todos los finales posibles que plantea la historia para este rey, habéis elegido el más crudo y violento de los que se pueden encontrar. Y el más real, y el más contrastado. Hay detalles sobre cómo fue, pero el hecho es ése. ¿Cómo es el personaje que has construido? Porque hay escenas en las que parece que rey es un poco histrión, hay otras en las que parece que está loco, en otras se le ve muy deprimido, muy afectado… El texto te guía muy bien. La definición la tienes en cada escena, porque te va llevando para que el público se sitúe en qué momento está de la historia y por qué está en estas circunstancias. Y yo no rechazaría en los términos que has dicho, lo que pasa es que creo que hay una línea de construcción del personaje que tiene que ser coherente, no puedes pasar de la locura, el ser caprichoso, a un ser tremendamente convencido enfrentándose a todo lo que rechaza. En ese núcleo de construcción del personaje hay una tremenda coherencia desde el principio, sus convicciones son muy fuertes, muy potentes y eso le da mucha consistencia al personaje. Luego, dentro de eso, el personaje tiene muchos niveles. Afortunadamente para el actor que lo encarna, te ofrece muchas posibilidades de interpretación.

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Abrimos puertas 45 minutos antes del comienzo de la función

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PARA HACER BIEN EL AMOR HAY QUE VENIR AL SUR estará en el Teatro La Latina desde el 1 de octubre. Venta de entradas en teatrolalatina.es

¿Quién no recuerda haber cantado alguno de los éxitos de Raffaella Carrá? L a show woman má s aplaudida y conocida de los años 80. Ahora la nueva temporada del teatro La Latina exhibe entre sus espectáculos, el musical Para hacer bien el amor hay que venir al sur dirigido por Ricard Reguant y representado a través de las canciones de la reconocida cantante. Este musical cuenta los amores y desamores de las tres chicas protagonistas a través de un guion, en donde los personajes viven y se divierten utilizando las canciones de la cantante, como vehículo narrativo, plenamente integrado en el show. El musical es también un homenaje a Raffaella, la artista cuyo nombre resonaba en todas las televisiones y radios de medio mundo a finales de los 70. Empezó en el programa de variedades Canzonissima de la RAI, para enseguida pasar a España en donde al poco tiempo de presentarse en televisión con siguió tener su espec ial semanal llamado: La hora de Raffaella Carrá.

E N E S C E N A | PA R A H A C E R B I E N …

Su éxito sobrepasó fronteras y su popularidad se incrementó en sus visitas a Sudamérica. Parte del boom artístico de Raffaella está también ligado a la televisión, con programas como “Explota, explota, explo...” o “pronto... Raffaella!” el cual se convirtió en un verdadero fenómeno cultural sobre el cual muchos analistas de mass media se detuvieron a analizar los motivos del sorpresivo éxito. Sus canciones alcanzaron tal éxito que en cada discoteca o fiesta particular eran indispensables para animar el ambiente. Ahora ha sido el momento ideal para traer la alegría y el buen humor del que hacían gala estos temas ya inmortalizados por la voz de Raffaella. Sus más de 200 canciones no han dejado de sonar en ningún momento durante todos estos años traspasando décadas y décadas. El reconocimiento a su trayectoria artística también llegará a la pantalla grande a través de la película musical española Explota Explota, un tributo a sus canciones que estará disponible en el catálogo de Amazon Prime

Video luego de su paso por las salas de cine. El teatro La Latina ofrece el musical Para hacer bien el amor hay que venir al sur, una producción de El Negrito Producciones que cuenta la historia de Ella y Él, personajes que quieren hacer un espectáculo musical inspirándose en las canciones que hizo famosa a la cantante Raffaella Carrá. Para ello idean 3 historias sobre 3 mujeres que intentan encontrar el amor yéndose de viaje hacia el sur, tal como aconseja la canción. Amores y desamores, situaciones

E N E S C E N A | PA R A H A C E R B I E N …

PARA HACER BIEN EL AMOR HAY QUE VENIR AL SUR

D E S D E E L 1 D E O C T U B R E D E 2 0 2 0 E N E L T E AT R O L A L AT I N A D E M A D R I D . V E N TA D E E N TRADAS EN T E AT R O L A L AT I N A . E S HORARIOS:

Miércoles a viernes a las 20:00h Sábados a las 18:00h y 20:30h Domingos a las 19:00h P Ú B L I C O : Mayores de 16 años. (Esta recomendación no

impide el acceso a la sala). D U R A C I Ó N : 100 minutos. PRECIOS

Patio de butacas: 35€ Club: 30€ Anfiteatro 22€ Precios reducidos los miércoles. R E PA RTO

Patricia Arizmendi Marta Arteta Raquel Martín Tania Deniz Miriam Queba Mikel Hennet Javier Enguix Javier Toca divertidas, personajes curiosos, romances, baile, y mucho ritmo. Con estas premisas, Ella y Él nos mostrarán un relato en donde todo se mezcla para acabar creando un auténtico cóctel explosivo en el que el mismo espectador acabará integrándose como parte esencial del show y en donde disfrutará de la fiebre de los hits de la artista.

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FICHA ARTÍSTICA

Texto y dirección: Ricard Reguant Dirección musical: Ferrán González Coreografía: Cuca Pon Diseño de iluminación: Luis Perdiguero Escenografía: Pablo Almeida y Gonzalo Buznego Vestuario: Juan Ortega Director de producción: Juan Carlos Parejo Jefe de producción: Miguel Molina Producción: El Negrito

De que trata: Una joven guionista se enfrenta a uno de los mayores desafíos de su carrera; tiene que entregar en menos de dos horas una historia basada en canciones de Raffaella.

ESPERANDO A GODOT

EN ESCENA | ESPERANDO A GODOT

TEATRO DEL ABSURDO

Abrimos puertas 45 minutos antes del comienzo de la función

Esperando a Godot, actualmente en cartel en el Teatro Reina Victoria, es un clásico del siglo XX que pertenece a lo que la teoría y crítica literaria denominan Teatro del Absurdo. Este subgénero teatral cuenta en sus historias lo absurdo de la vida a través del juego del lenguaje, las ideas, el humorismo y el de la metáfora. El contexto histórico que propició la aparición del Teatro del Absurdo data en los años 50, como una manifestación contra la tensión política, social y filosófica del momento: las sombras de la Segunda Guerra Mundial. Eran tiempos en donde la humanidad había experimentado las consecuencias devastadoras de la guerra, lo que llevó a que en el mundo del arte, y del teatro, surgiesen dramaturgos con ideas distintas a lo que se venía realizando en el teatro convencional. Fue así como en

los escenarios, se introdujeron obras cuyas historias y personajes plantearon una mirada distinta: explorar lo absurdo de nuestra propia existencia. La Cantante Calva, de Eugène Ionesco, fue la primera obra de teatro en expresar el elemento de lo absurdo en 1950. Tres años después, Samuel Beckett presentó Esperando a Godot. Estas dos obras renovaron el teatro, el lenguaje y la lógica realista, la psicología convencional y la puesta en escena tradicional para proponer obras cargadas de nuevos significados. Aparecen entonces obras disruptivas, en donde el espectador/hombre se enfrenta a un universo repleto de ideas polisémicas cargadas de gran profundidad filosófica y psicosocial. Ahora bien, ¿qué elementos del Teatro del Absurdo vemos

reflejados en la obra de Beckett? En primer lugar, podríamos destacar el lenguaje simple y corriente, aparentemente sin sentido, en donde las palabras juegan entre la comicidad y la filosofía. Los diálogos son ambiguos y los monólogos suelen presentar las ideas contradictorias de sus personajes. Por otro lado, la puesta en escena es una propuesta minimalista y reducida que engloba las acciones, el vestuario, las luces, el escenario y la utilería. Nada cambia pero todo sucede. El paso del tiempo lo vemos reflejado en ciertos efectos como el desgaste de la voz, la caída de las hojas del árbol, la presencia de la luna. Estos elementos ayudan a crear un ambiente de irracionalidad pero con significados metafóricos que producen sentimientos de desolación y comedia en el espectador.

EN ESCENA | ESPERANDO A GODOT

La trama es aparentemente sencilla y la podemos conocer desde el título de la obra. Cinco personajes, posiblemente vagabundos o refugiados de la guerra: Estragón (Gogo), Vladimir (Didi), Pozzo y su esclavo Lucky, y un joven que trae el mensaje de que Godot no vendrá hoy, pero mañana sí. Un mañana continuo, pero a su vez vacío de la presencia de Godot. Entre los personajes hablan, discuten, se reconcilian, se acompañan, juegan, buscan en qué ocupar el tiempo mientras esperan a Godot. Está claro que nunca conoceremos a Godot, ni qué propósito tienen los personajes con él. “Godot no llegará hoy, pero seguro que mañana sí vendrá”. Con esta idea, Beckett presenta su mirada desde la filosofía existencialista: la vida no es un camino luminoso con sentidos explicativos y razonables, sino todo lo contrario. Estamos esperando que de entre todo lo absurdo que nos rodea, algo cobre sentido, mientras tanto, nos acompañamos entre nosotros. Si bien es cierto que Esperando a Godot surgió en un contexto histórico específico, su propuesta plantea temas atemporales que siempre serán reflexiones de nuestra condición humana. Una obra de teatro que merece ser vista, a la que Beckett denominó como “horriblemente cómica” y en donde a través de ella, nos veremos a nosotros mismos.

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ESPERANDO A GODOT estará en el Teatro Reina Victoria del 3 al 27 de septiembre. Venta de entradas en elteatroreinavictoria.com

ESPERANDO A GODOT

DEL 3 AL 27 DE SEPT I E M B R E , E N E L T E ATRO REINA VICTORIA D E M A D R I D . V E N TA D E ENTRADAS EN W W W. E LT E AT R O R E I N AV I C T O R I A . C O M HORARIO:

Miércoles a viernes a las 20:00h. Sábados a las 18h y a las 21h Domingos a las 19:00h. P Ú B L I C O : Mayores de 14 años.

(Esta recomendación no impide el acceso a la sala). D U R A C I Ó N : 110 minutos aprox. P R E C I O S : a partir de 17 euros. R E PA RTO :

Pepe Viyuela, Alberto Jiménez, Juan Díaz, Fernando Albizu, Jesús Lavi FICHA ARTÍSTICA:

Dramaturgia: Samuel Beckett Producción: Pentación Espectáculos

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De que trata: Dos amigos, casi hermanos están esperando a Godot. Mientras tanto hablan, discuten, juegan, se desafían, se reconcilian, se aman, se repelen. Llega otra extraña pareja, aún más extraña, el juego se diversifica.

Productor: Jesús Cimarro Diseño de escenografía: Paco Azorín Diseño e iluminación: Pedro Yagüe Vestuario: Ana Llena Espacio sonoro: Lucas Ariel Vallejos Ayudante de dirección: Gerard Iravedra Director: Antonio Simón Una producción de PENTACIÓN ESPECTÁCULOS

EN ESCENA | L A S CRIADA S

Abrimos puertas 45 minutos antes del comienzo de la función

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LAS CRIADAS estará en la sala Max Aub de las Naves del Español, del 9 de octubre al 8 de noviembre de 2020

PECADOS DE LA LUCHA DE CLASES Las criadas de Jean Genet se ha considerado uno de los textos más importantes de la historia del teatro. Fue estrenada en París en 1947 y con los años se ha convertido en uno de los textos dramáticos esenciales del teatro del siglo XX. Esta obra fue especialmente relevante en la carrera del autor porque le permitió entrar en el denominado “teatro del absurdo”. Jean Genet escribió la obra durante su estancia en la cárcel, una vez acabada la Segunda Guerra Mundial, en un momento en el que estaban en apogeo los movimientos de masas por la lucha de clases.

Genet cuenta la historia de Claire y Solange, ubicada en el Madrid de 1954, dos hermanas trabajadoras para la alta burguesía francesa las cuales mantienen una relación tensa y distante con su señora. Cuando la señora se ausenta de la casa, llevan a cabo un juego de interpretación, en el que la imitan. La admiran y la aman, la odian y envidian, estas emociones se reflejan en sus interpretaciones, llegando incluso al límite de simular su asesinato. En su juego de interpretación con la señora ausente y en delirio, Claire fingiendo ser la señora se tomará el veneno; y Solange, esperará paciente la llegada de

los gendarmes quien presiente que la acusarán de asesinato. Para crear la trama, Genet se inspiró en el caso de las hermanas Papin, el asesinato de una mujer y su hija a manos de sus criadas después del cual, ambas se autoinculparon y se negaron a ser defendidas, condenadas posteriormente a treinta años de prisión, el cual tuvo lugar en la población francesa de Le Mans en 1933. La relación de la obra con el caso se vislumbra a través de la violencia y la relación que entablan las criadas con la muerte. Para Genet, el teatro es un lugar

EN ESCENA | L A S CRIADA S

LAS CRIADAS

DEL 9 DE OCTUBRE E N E L T E AT R O A L 8 DE NOVIEMBRE EN L A S A L A M AX A U B D E L A S N AV E S D E L E S PAÑOL F E C H A S : Del 9 de octubre al 8 de noviembre de 2020 en la sala Max Aub de las Naves del Español. D U R A C I Ó N : 80 minutos H O R A R I O S : De martes

a sábados a las 20.30 horas. Domingos 19.30 horas P R E C I O : desde 20€ R E P A R T O : Alicia Borrachero, Jorge Calvo y Ana Torrent

FICHA ARTÍSTICA : que muestra aquello que lo social suprime. Estas dos criadas aman y odian, quieren ser la señora para poder formar parte de una sociedad que desprecian. “Estas criadas son unos monstruos, como nosotros mismos cuando soñamos”, afirmó Genet. En un principio, Genet lo planteó de forma que los papeles femeninos fueran interpretados por hombres y se hiciese evidente el artificio. Con esto, el autor quería forzar a los actores a representar la feminidad. Esta situación ha sido muy recurrente y se ha llegado a pensar que podría tener relación con la propia homosexualidad del autor.

En Las criadas, así como en muchas otras obras de Genet, en las que se hacía referencia de forma explícita a la homosexualidad y al crimen, razón por la que algunas fueron no solo censuradas sino también prohibidas en algunos países, se recurre al intercambio de papeles y la alteración del bien y el mal como herramientas para enfatizar la falsedad de los valores políticos y sociales que imperan en las relaciones humanas.

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Diseño espacio escénico: Monica Boromello Diseño iluminación: Felipe Ramos Composición música original: Luis Miguel Cobo Creación de videoescena: Bruno Praena Diseño de vestuario: Almudena Rodríguez Ayudante de dirección: Pablo Martínez Bravo Autor: Jean Genet Versión y traducción: Paco Bezerra Dirección: Luis Luque

De que trata: Claire y Solange, dos hermanas que trabajan para la alta burguesía francesa, mantienen una relación tensa y distante con su señora a la que imitan cuando se ausenta de casa.

EN ESCENA | ANTHONY BLAKE

Anthony Blake

Abrimos puertas 45 minutos antes del comienzo de la función

“A LO LARGO DE LOS AÑOS HE CONSEGUIDO DEFINIR ALGUNAS TÉCNICAS QUE VERÉIS EN ESTE ESPECTÁCULO” Sí! tiene sentido cuenta con una duración de 90 minutos donde los espectadores podrán presenciar diversos momentos que pondrán a prueba la capacidad del cerebro para procesar los millones de bits de información que percibimos, cada segundo, a través de nuestros sentidos. Una experiencia única que despertará la curiosidad y el interés en quienes consideran que la mente no tiene límites. Para Blake, la capacidad telepática la poseen todas las personas y es posible potenciarla, llegando incluso a convertirse en el futuro en una práctica que será muy utilizada: ‘Será algo común y corriente. Se enviarán mensajes directamente de cerebro a cerebro sin necesidad de un medio material. La comunicación será así. De la misma forma que al comienzo de la civilización la transmisión de mensajes era simplemente oral y de ahí se evolucionó a la escritura, en unos años pasaremos a la transmisión puramente mental’, expresa Blake.

SER TESTIGOS DE UN ESPECTÁCULO DONDE EL PODER DE LA MENTE ES EL PROTAGONISTA, ES LA PROPUESTA QUE NOS OFRECE ANTHONY BLAKE CON ‘SÍ!, TIENE SENTIDO’. EL SHOW FORMA PARTE DE LA NUEVA PROGRAMACIÓN DEL TEATRO REINA VICTORIA Y ESTARÁ EN CARTEL DEL 30 DE SEPTIEMBRE AL 18 DE OCTUBRE.

¿Qué te motivó a estudiar el mundo de la mente? Con 7 años llegó a mis manos la cajita para hacer magia y a partir de ahí se me abrió un nuevo mundo. Comencé a hacer trucos, que me hacía incluso a mí mismo, y me quedaba alucinado. A partir de ahí hay varias fases: librerías donde buscaba todo tipo de ejemplares de magia, amigos que tenían la misma afición que yo. Y es en Oviedo cuando comienzo la carrera de Medicina, que se realiza el primer Congreso Mágico Nacional de Oviedo. Y ahí conozco a Tamariz. Fue justo donde se cambió mi chip completamente. Desde ese momento entiendo la magia de otra manera no como lo hacía hasta ese momento. Es más, cambia mi forma de entender, de pensar, la forma de sentir, la forma de ver. Me metí entonces en la escuela mágica de Madrid y ahí me puse en contacto con lo más grande de la magia internacional. Y es ahí donde yo fundamentalmente saco mi filosofía y desarrollo de lo que es mi profesión como mentalista . ¿Cuál es la diferencia entre magia mental y mentalista? La magia mental es más colorista, circense; mientras que el mentalismo es más teatral, más pausado, es más meditado, tiene más peso e historia, no hay colores en ningún momento. Yo siempre digo que mi espectáculo es en blanco y negro porque a fin de cuentas lo que importa son tus pensamientos y los míos. Si tú te pones a pensar ahora mismo en cómo sueñas, no recuerdas colores, oficialmente soñamos en blanco y negro, lo que tiene importancia es la vivencia. Uno de los momentos iniciales del espectáculo Sí! Tiene sentidotiene que ver con los sueños de tres personas… hay que estar allí y vivirlo. ¿Crees que en algún momento el mentalismo será algo común entre las personas? Por supuesto, con entrenamiento se puede lograr. Realizando todos los días ejercicios de relajación que ayudan a mejorar el aprendizaje y a tener la mente en calma.

EN ESCENA | ANTHONY BLAKE

¿Cuánto tiempo y trabajo te lleva preparar tus espectáculos? Me lleva mucho tiempo, y en este caso con el parón del COVID, he tenido más tiempo que en otras ocasiones. Me gusta mucho trabajar en profundidad el personaje de mentalista. A lo largo de los años he conseguido definir algunas técnicas que veréis en este espectáculo con las que el público se sorprende. Además, el escenario no tiene nada de materiales, cuanto menos tenga es mejor para que la gente cuando se vaya se lleven las ideas, el concepto puramente. Creo que puedo asegurar que Sí! Tiene sentido es uno de los espectáculos con más ensayos de todos los que he hecho. ¿Qué podrán ver los asistentes en tu espectáculo Sí! Tiene sentido? Este espectáculo es un recorrido sobre las habilidades que todo ser humano tiene. Por ejemplo, el primer número tiene que ver con la sinestesia, que es la capacidad que tiene el cerebro de tomar los olores, visiones o sonidos y transformarlos en otras sensaciones. Dos espectadores intentarán definir los colores que tienen delante de ellos. Yo conozco una serie de mecanismos que puedo desencadenar en ti. Es decir, la fascinación existe, la hipnosis, la inducción, la comunicación no verbal, etc. Todo esto y más podréis ver en el Teatro Reina Victoria. ¿Qué quiere decir exactamente Sí! Tiene sentido? Es una afirmación que vas a ver por ti mismo. Que sí tiene sentido todo lo que sucede, aunque al final volveré a repetir que no le des más vueltas, no le busques explicación, simplemente disfrútalo. ¿Qué aspectos tomas en cuenta al innovar en tus espectáculos? Durante todo el año estoy constantemente actualizando y estudiando. Leo de 3 a 4 horas al día y en un momento determinado encuentro inspiración y empiezo a realizar pruebas en microteatro, es como mi laboratorio. Hago varias pruebas, cambios de guion, autocríticas, etc. Mi objetivo es encontrar una idea que me motive y, después, mi trabajo es hacer que también te motive a ti a través de las técnicas que he adquirido. ¿Qué experiencia vivirán los jóvenes al espectáculo Sí! Tiene sentido? Yo he llevado a gente joven a ver mi espectáculo y otras obras y los he visto salir sorprendidos por vivir la experiencia del teatro. Es otra época, los jóvenes de hoy no está familiarizados con las artes escénicas. Nosotros teníamos Studio 1 con lo cual, de alguna manera, a través de la televisión nos aficionaron al teatro.

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ANTHONY BLAKE estará en el Teatro Reina Victoria del 30 de septiembre al 18 de octubre. Entradas en elteatroreinavictoria.com

ANTHONY BLAKE

DEL 30 DE SEPTIEMBRE AL 18 DE OCTUBRE EN E L T E AT R O R E I N A V I C TORIA D U R A C I Ó N : 90 minutos.

Edad recomendada: mayores de 16 años. H O R A R I O S : Miércoles a

viernes a las 20:00h Sábados a las 18:30h y 21:00h Domingos y festivos a las 19:00h R E P A R T O : Anthony Blake P R E C I O S : Desde: 26€

FICHA ARTÍSTICA

Dirección: Esteve Ferrer Guion: Alfredo Panizo y Esteve Ferrer Espacio escénico: Esteve Ferrer y Anthony Blake Escenografía: Julio Valsain Diseño de iluminación: Juanjo Llorens Equipo técnico: Pablo Seoane y Daniel Alcaraz (Cia. de la luz) Equipo de producción: María Jiménez y WePresent

E N E S C E N A | F E S T I VA L D E L H U M O R

Con la sonrisa puesta

Todos estaremos de acuerdo en que después de la situación que hemos pasado, necesitamos una vuelta a la normalidad y, con ella, a la risa. Y de eso los teatros del Grupo Pentación saben mucho. Por eso, esta temporada vuelven con una programación hecha para amantes de la comedia, adictos a la risa y, como no, del teatro.

El menú de la temporada trae caras muy conocidas, monólogos y comedia. Y, sobre todo, nos trae un respiro, unos minutos de desconexión y diversión, pero, eso sí, tomando todas las medidas de seguridad necesarias. Aunque las mascarillas no nos dejen ver las sonrisas, sabemos que están ahí.

“FESTEJEN LA BROMA”

JOAQUÍN REYES

El evento más chanante de los teatros madrileños. Toda una exaltación del humor inteligente (nótese la ironía) al que Joaquín Reyes nos tiene acostumbrados. Un espectáculo para reírle las gracias a este muchachito con un monólogo nuevo, pero donde encontramos también algunos greatest hits de los que nunca nos cansamos. Un espectáculo para vivirlo y desconectar durante 80 minutos. VIERNES EN EL TEATRO LA LATINA (consultar funciones en teatrolalatina.es ).

“SOLO LO VEO YO”

EL MONAGUILLO

Lo de Sergio Fernández “El Monaguillo” es algo de otro mundo. Una hora y media de hiperactividad sobre el escenario, patio de butacas, anfiteatro, escalera para arriba y para abajo…Además del monólogo, nos ofrece una clase de fitness que nos deja a todos con la lengua fuera y sin parar de reír. Incombustible, este espectáculo se regenera en cada función y el público le aporta la gasolina que necesita para incendiar (metafóricamente, claro) el Teatro La Latina. Y no, desde luego que no solo lo ve él, lo han visto los miles de espectadores que han salido entusiasmados de la sala coreando su sobrenombre. Y qué decir tiene que los pequeños de la casa los disfrutan tanto como los adultos. LOS VIERNES EN EL TEATRO LA LATINA (consultar funciones en teatrolalatina.es ).

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“TODO AL NEGRO”

MIGUEL LAGO

Sentaditos en las butacas y muy atentos que llega Miguel Lago y se lo piensa jugar todo al negro. Tras el éxito de la temporada pasada, vuelve al Teatro Reina Victoria a decir en voz alta esas cosas que pensamos todos y que no nos atrevemos a expresar. Y, sobre todo, no las diremos jamás con tanta gracia como la del gallego. Humor mordaz, del que te deja con la boca abierta, te hace penar y te saca una carcajada. Todo en cuestión de segundos. Y como el propio Lago dice “si nos la vamos a jugar que sea a lo grande” VIERNES Y SÁBADOS EN EL TEATRO REINA VICTORIA (consultar funciones en elteatroreinavictoria.com ).

“3 EN IMPRO”

DE IMPRO IMPAR

Llevan varias temporadas animando los fines de semana en el Teatro Bellas Artes y continúan haciéndolo cada vez que entran por la puerta. Improvisación y juego con el público, sorpresas, diversión y momentos de gran feeling con el patio de butacas. Es un cocktail perfecto para empezar el fin de semana con buen pie. Deseando volver a vivir esas funciones tan diferentes unas de otras desde hace ya 8 temporadas en el Bellas Artes. VIERNES EN EL TEATRO BELLAS ARTES (consultar funciones en teatrobellasartes.es ).

“QUE NADIE SE MUEVA” Comedia alocada donde las haya que además aprovecha para darle un buen repaso a golpe de carcajada a la España más actual. Una llamada anónima alerta de la presencia de un cadáver en el teatro y hasta allí se desplaza la Policía Nacional, también llegarán los Mossos D`Escuadra, la Ertzaintza y hasta la Guardia Civil. ¿Podrán colaborar para encontrar al culpable del asesinato? No os podéis imaginar lo que sucede… Gorka Aguinagalde, Elena Lombao, Agustín Jiménez y Sara Gómez serán los encargados de poner el Teatro La Latina patas arriba. SÁBADOS EN EL TEATRO LA LATINA (consultar funciones en teatrolalatina.es ).

“YO MATÉ AL REY LEÓN”

DANI DE LA CÁMARA

Con música y mucho humor Dani de la Cámara nos va a mostrar nuestra propia tontería, y sí, nos vamos a reír de nosotros mismos porque buena falta nos hace. El monologuista vuelve al Teatro Reina Victoria con su espectáculo “Yo maté al Rey León” con el que lleva varias temporadas arrasando. Un ratito que nos va a venir muy bien y que vamos a agradecer: volver al teatro y disfrutar de la mejor stand up comedy. Ve preparando la sonrisa que del Teatro Reina Victoria vas a salir con agujetas en la cara. DOMINGOS EN EL TEATRO REINA VICTORIA (consultar funciones en el teatroreinavictoria.com ).

TEATRO LA LATINA INFORMACIÓN: CÓMO LLEGAR

Teatro La Latina Plaza de la Cebada, 2 28005 Madrid Tel. + 34 91 365 28 35 Metro: Línea 5 estación de La Latina y Línea 1 estación Tirso de Molina. Bus: 6, 18, 17, 51, 50. Aparcamiento: La Latina y Plaza Mayor.

PA R A H AC E R B I E N E L A M O R H AY Q U E V E N I R AL SUR A partir del 1 de octubre de 2020 Duración: 100 minutos aprox. Horarios: De miércoles a viernes a las 20:00h. / sábados a las 18:00h. y a las 20:30h. / Domingos a las 19:00h. Precios: Desde 20€

Venta de entradas en www.teatrolalatina.es

TEATRO REINA VICTORIA INFORMACIÓN: CÓMO LLEGAR

Carrera de San Jerónimo 24, 28014 Madrid Metro: Sol (Línea 1), Callao (Línea 5) Bus: Líneas 3, 5, 51 y N25 Parking: Parking plaza de Santa Ana. Parking Las Cortes. Venta de entradas: www.elteatroreinavictoria.com

PROGRAMACIÓN ESPECIAL ¿SOLO LO VEO YO? EL MONAGUILLO Del 9 de octubre de 2020 al 21 de mayo de 2021 Duración: 85 minutos Horarios: Viernes a las 22:45h. Precios: Desde 16€

FESTEJEN LA BROMA. JOAQUÍN REYES Del 18 de septiembre de 2020 al 11 de junio de 2021 Duración: 100 minutos Horarios: Viernes a las 23:30h. Precios: Desde 20€

Q U E N A D I E S E M U E VA Del 24 de octubre de 2020 al 27 de marzo de 2021 Duración: 80 minutos Horarios: Sábados a las 23:30h. Precios: Desde 16€

ESPERANDO A GODOT Del 3 al 27 de septiembre de 2020 Duración: 110 minutos Horarios: De miércoles a viernes a las 20:00h. / Sábados a las 18:00h. y a las 21:00h. / Domingos a las 19:00h. Precios: Desde 20€ SÍ! TIENE SENTIDO. ANTHONY BLAKE Del 30 de septiembre al 18 de octubre de 2020 Duración: 100 minutos aprox. Horarios: De miércoles a viernes a las 20:00h. / Sábados a las 18:30h y a las 21:00h. / Domingos a las 19:00h. Precios: Desde 21€ 25% de descuento por compras antes del 30 de septiembre.

TEATRO BELLAS ARTES

EDUARDO II, OJOS DE NIEBLA Del 9 de septiembre al 25 de octubre de 2020 Duración: 90 minutos aprox. Horarios: De miércoles a viernes a las 20:30h. / Sábados a las 19:00h. y a las 21:30h. / Domingos a las 19:00h. Precios: Desde 17€

LO S M O J I G ATO S Del 28 de octubre de 2020 al 10 de enero de 2021 Duración: 80 minutos aprox. Horarios: De martes a viernes a las 20:00h. / Sábados a las 19:00h. y a las 21:30h. / Domingos a las 19:00h. Precios: Desde 17€ 25% de descuento por compras antes del 28 de octubre.

PROGRAMACIÓN FAMILIAR L A F L AU TA MÁGICA, TU PRIMERA ÓPERA 4 y 18 de octubre, 8 de noviembre y 13 de diciembre de 2020 Duración: 70 minutos Horarios: Domingos a las 12:00h. Precios: Desde 12€ EL BARBERO DE SEVILLA 25 de octubre y 22 de noviembre de 2020 Duración: 70 minutos Horarios: Domingos a las 12:00h. Precios: Desde 12€

INFORMACIÓN: CÓMO LLEGAR

C/ Marqués de Casa Riera 2 28014 Madrid Tel. +34 91 532 44 37

Metro: Línea 2 (Roja) estaciones Banco de España y Sevilla. Bus: 1, 2, 3, 5, 9, 10, 14, 15, 20, 27, 34, 37, 45, 46, 51, 52, 53, 74, 146, 202. Aparcamiento: Plaza de las Cortes, Sevilla, Plaza del Rey, Montalbán. Venta de entradas: www.teatrobellasartes.es

PROGRAMACIÓN ESPECIAL 3 EN IMPRO Del 9 de octubre de 2020 al 29 de mayo de 2021 Duración: 105 minutos Horarios: Viernes o sábados a las 22:30h. Precio único: 17€

L A H A B I TAC I Ó N D E MARÍA Del 21 de octubre de 2020 al 24 de enero de 2021 Duración: 75 minutos aprox. Horarios: De martes a viernes a las 20:00h. / Sábados a las 19:00h / Domingos a las 18:00h. Precios: Desde 20€ 25% de descuento por compras antes del 21 de octubre.

ÉRASE UNA VEZ LA ÓPERA 7 y 21 de noviembre y 12 de diciembre de 2020 Duración: 70 minutos Horarios: Sábados a las 16:30h. Precios: Desde 12€

PROGRAMACIÓN FAMILIAR C A N TA J U E G O. EL CIRCO DEL PAYA S O TA L L A R Í N Desde el 25 de octubre de 2020 Duración: 100 minutos aprox. Horarios: Domingos a las 12:30h. Precios: Desde 16€

PROGRAMACIÓN ESPECIAL TODO AL NEGRO. MIGUEL LAGO Del 3 de octubre de 2020 al 26 de junio de 2021 Duración: 75 minutos aprox. Horarios: Viernes a las 23:00h. y sábados a las 23:30h. Precios: Desde 16€ YO M AT É A L R E Y L E Ó N . DANI DE LA CÁMARA Desde el 8 de octubre de 2020 Duración: 100 minutos aprox. Horarios: Domingos a las 20:15h. Precios: Desde 16€

E N E S C E N A | T E AT R O R E I N A V I C T O R I A

TEATRO REINA VICTORIA

GRUPO PENTACIÓN

COMIENZA A GESTIONAR EL TEATRO REINA VICTORIA, SU TERCERA SALA EN MADRID Plata que, desde este momento, sirven para las tres salas.

El Grupo Pentación Espectáculos gestiona ya tres teatros en Madrid capital: el Teatro Bellas Artes, el Teatro La Latina y, desde este mes de septiembre, el Teatro Reina Victoria. La incorporación de este histórico teatro a la familia de Pentación es el resultado de una larga y estrecha colaboración que lleva durando varios años en los que el Reina ha sido, prácticamente, una salida natural a las producciones propias de Pentación. Este verano, por fin, el anterior director del teatro de la Carrera de San Jerónimo, Carlos Sobera, y el director gerente de Pentación, Jesús Cimarro, firmaron un acuerdo por el que este último, a través de la empresa Pentación Espectáculos,

pasa a dirigir, gestionar y programar el Reina Victoria. La nueva gestión mantendrá el espíritu del Reina como sala de multiprogramación, con funciones de tarde, noche y golfas, muy enfocado a la comedia de pequeño y mediano formato, pero sin descuidar todas las posibilidades que ofrece el variado público que asiste habitualmente a la sala. La programación principal, además, se podrá disfrutar con las ventajas de los abonos Oro y

De hecho, esta temporada el escenario del Reina ha estrenado temporada con Esperando a Godot (en escena hasta el 27 de septiembre), de Samuel Beckett, obra cumbre del teatro del absurdo dirigida por Antonio Simón y protagonizada por Pepe Viyuela, Alberto Jiménez, Juan Díaz, Fernando Albizu y Jesús Lavi, y que está cosechando un gran éxito de publico y crítica en su gira. Después llegará el espectáculo de mentalismo Sí, de Anthony Blake (del 30 de septiembre al 18 de octubre) y La habitación de María, un monólogo dramático protagonizado por Concha Velasco, escrito por Manuel M. Velasco y dirigido por José Carlos

E N E S C E N A | T E AT R O R E I N A V I C T O R I A

Plaza (del 21 de octubre al 24 de enero de 2021). Del 27 de enero al 2 de mayo estará en el escenario el thriller cómico Asesinos todos, de Jordi Sánchez y Pep Anton Gómez, con Carlos Sobera, Elisa Matilla, Neus Asensi y Ángel Pardo. Y después tomará el relevo otra comedia con toques de drama: Trigo sucio (del 5 de mayo al 4 de julio) de David Mamet, dirigido por Juan Carlos Rubio, con Nancho Novo, Eva Isanta, Norma Ruiz y Fernando Ramallo.

TEATROS SEGUROS Los teatros del Grupo Pentación son teatros seguros. La productora ha encargado un estudio en profundidad a una empresa externa para el diseño de un protocolo de actuación para poder reabrir sus salas con toda tranquilidad para espectadores y trabajadores. Entre las medidas destaca la señalización de las rutas de entrada, flujo de movimientos y salida del teatro para mantener distancias de seguridad y evitar los clásicos embotellamientos, la ubicación de hitos con gel hidroalcohólico en diversos puntos de estos recorridos y el refuerzo de limpieza. Se adelanta la apertura de puertas para la entrada al teatro a 45 minutos antes de que comience la función y la salida se hará escalonada, dirigida por megafonía y con la vigilancia y apoyo del personal de sala, para evitar aglomeraciones y retrasos.

Además, será obligatorio el uso de mascarilla para acceder a todos nuestros teatros y estará prohibido quitársela en ningún caso durante la función, en el baño, ni en ninguna de las dependencias públicas del teatro. De igual forma, el personal de sala y los técnicos del teatro la llevarán puesta en todo momento. Por último, aunque está permitido abrir a un 75% del aforo, Pentación, a través de sus canales de venta, ha instalado un sistema de ‘abrigo sanitario’ que bloquea las localidades circundantes (una a la izquierda y una a la derecha) cuando se compra una o varias localidades. Eso

significa que, aunque como mucho se puede llenar el 75% del aforo, puede que, en algunos casos, haya incluso algo menos de ocupación, en virtud de ese abrigo sanitario que se activa de manera automática. “La cultura es segura y nuestros teatros, desde luego, lo son. Hemos puesto todo de nuestra parte para que el espectador pueda volver a disfrutar del teatro con todas las medidas de seguridad que imponen los nuevos tiempos. Solo precisamos la responsabilidad del espectador y su colaboración para que la experiencia sea 100% satisfactoria”, asegura el director de Pentación, Jesús Cimarro.

ENTRE CA JAS

NOMBRE: S C H E R E Z A D E P E Ñ I L CARGO: J E FA D E S A L A T E A T R O BELLAS ARTES AÑOS EN PENTACIÓN: 5 ¿CON QUÉ PRODUCCIÓN TE ESTRENASTE EN EL TEATRO BELLAS ARTES?: E N E L E S TA N Q U E D O R A D O ESTUDIÓ FILOLOGÍA HISPÁNICA NOMBRE: F E R N A N D O M O R E N O CARGO: J E F E D E S A L A T E A T R O L A L AT I N A AÑOS EN PENTACIÓN: 4 ¿CON QUÉ PRODUCCIÓN TE ESTRENASTE EN EL TEATRO LA LATINA?: C O M O J E F E D E S A L A CON “LA FUNCIÓN QUE SALE M A L” , C O M O R E G I D O R “ U N C H I C O D E R E V I S TA” ESTUDIÓ ECONOMÍA

JEFES DE SALA “EL ESPECTÁCULO ES DE TODOS” ¿Cómo entrasteis a trabajar como jefes de sala en el teatro? ¿Antes habíais tenido contacto con este mundo? Scherezade: yo cuando empecé la carrera buscaba un trabajo que pudiese compaginar con los estudios. Comencé como acomodadora en el Lope de Vega con Los Miserables, he estado en otros teatros y el último año de carrera ya empecé como jefa de sala en el Teatro Gran Vía. Y después llegué al Teatro Bellas Artes. Fernando: Yo conozco Pentación desde hace muchos años, tra-

baja en otra productora de cine y teatro con Miriam Díaz Aroca y hemos colaborado con Pentación y empecé a hacer gerencia de teatro y cuando acabé me ofrecieron quedarme como jefe de sala. ¿Cuál es el trabajo de un jefe de sala y cómo es vuestro día a día? SP: el jefe de sala se encarga de que la propia sala, del teatro, las zonas comunes y de que el equipo de sala esté preparado para la función. Pero va mucho más allá. También somos los responsables de incidencias, de

taquilla y la cara visible con las compañías, con los que estamos todos los días. Tocamos distintos departamentos del teatro y para que funcione, existe una coordinación enorme en el equipo. Me encanta lo que hago y tenemos el apoyo de toda la empresa (Pentación). Soy la jefa de sala que más tiempo lleva en el Teatro Bellas Artes. FM: Además de la gestión del equipo de acomodación, de la taquilla, ponemos los horarios de limpieza. El equipo que tenemos en el teatro va rodado, con supervisión, pero lo cierto es

ENTRE CA JAS

que tenemos unos equipos muy buenos que funcionan como un engranaje para que todo salga lo mejor posible. Pero lo mejor de este trabajo es, sin duda, la interacción con las compañías, es lo más gratificante. Desde Pentación confían en nosotros, en nuestra forma de trabajar y eso se agradece. ¿Qué significa “entregar la sala”? Consiste en decirle a la compañía que desde ese momento pueden comenzar la función. Hay dos entregas de sala. El gerente regidor o la compañía te entrega la sala a ti, al jefe de sala, para que abras las puertas para el público. La segunda es cuando están todos acomodados, puertas cerradas y ya puedes entregar la sala a la compañía. Cuando se entrega sala ya no pasa nadie más.

“A MÍ ME GUSTA MUCHO LA GERENCIA, Y NO DESCARTO VOLVER A HACERLO, DE HECHO, ESTE VERANO HE TRABAJADO COMO GERENTE EN PENÉLOPE EN EL FESTIVAL DE MÉRIDA.” FM

¿Qué es lo que más os gusta de vuestro trabajo? SP: El horario está muy bien, es de tarde, tienes la mañana para hacer tus cosas. Y trabajas las tardes. Te cambia un poco el ritmo de vida, pero tienes bastante tiempo para ti.

FM: además de lo que comenta Scherezade, ves todos los días a tu familia, puedes conciliar mejor, y puedes quedar en La Latina a la salida del trabajo (risas).

“YO CREO QUE SIEMPRE

Antes de abrir puertas, ¿sentís los nervios de la función también?

VIDA PROFESIONAL. POR

SP: Sí, por muchos motivos, a veces se retrasa un poco la entrada y tienes menos tiempo para acomodar a todo el teatro y tenemos que volar.

SORPRENDERME. ” SP

El espectáculo es de todos, el trabajo que todos hacemos desde la taquilla hasta el acomodador, puede ser decisivo para la satisfacción del espectador. La experiencia en el teatro empieza con la taquilla y la acomodación, somos responsables de la actitud que pueda tener el público después, tu trabajo y tu trato pueden cambiar las cosas. Si no lo haces bien, tu experiencia en el teatro puede ser negativa. A parte de jefes de sala ¿os gustaría trabajar en otro puesto dentro del mundo del teatro? FM: A mí me gusta mucho la gerencia, y no descarto volver a hacerlo, de hecho, este verano he trabajado como gerente en Penélope en el Festival de Mérida. Pero con las giras pasas mucho tiempo fuera y no es tan fácil conciliar y ver a tu familia, estoy muy contento haciendo lo que hago. SP: Yo creo que siempre es importante querer mejorar y afrontar nuevos retos en tu vida profesional. Por suerte el mundo del teatro nunca deja de sorprenderme y aún me quedan muchas cosas en las que me gustaría especializarme más.

ES IMPORTANTE QUERER MEJORAR Y AFRONTAR NUEVOS RETOS EN TU SUERTE EL MUNDO DEL TEATRO NUNCA DEJA DE

De las obras en las que habéis estado trabajando ¿cuál es vuestra favorita? ¿Por qué? FM: Como gerente 2+2 que es de Pentación. Por el elenco porque es una maravilla. Y La Función que sale mal como jefe de sala, había…. SP: no sabría quedarme con una, pasan muchísimas compañías por el Teatro, con obras maravillosas, es muy difícil elegir solo una. Contadnos alguna anécdota curiosa que os haya sucedido. FM: un señor que durante la función participaba en el patio de butacas, el actor le siguió y el espectador se vino arriba. Tuve que comentarle que de esa manera estaba incomodando al público y que por favor no lo comentase en voz alta. SP: Estábamos en el TBA haciendo el casting de Cleopatra la joven. Y tuve que bajar un momento al patio de butacas, estaba Magüi Mira haciendo el casting. Llegué y Magüi me preguntó el nombre. Le dije que era Scherezade y ella empezó a explicarme el acting y le tuve que decir “no Magüi, que soy Scherezade la jefa de sala” y me dijo “pues quedarías muy bien como Cleopatra” y nos echamos a reír.

PAT I O D E C A B A L L O S

66 FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO CLÁSICO DE MÉRIDA

UN FESTIVAL

rozado por los dioses La 66 edición del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida se celebró, pese a la pandemia, los rebrotes y los aforos limitados. Rozado por los dioses, el festival (de cuya viabilidad no se sabía nada hasta finales de mayo) se inauguró avalado por la obligatoriedad de la mascarilla, las 50.000 dosis de gel hidroalcohólico que se repartieron, la distancia de seguridad creada al implantarse finalmente un aforo del 50% y la visita de la Familia Real.

El festival comenzó con un mes de retraso sobre la programación inicialmente prevista. Una Antígona escrita y dirigida por el mexicano David Gaitán, con Fernando Cayo, Irene Arcos y Clara Sanchis, con un fuerte mensaje anticesarista (con el Rey Felipe VI y su familia escuchando sentencias para reflexionar), sirvió para inaugurar un festival de cinco obras, todas ellas estrenos absolutos, en el Teatro Romano de Mérida.

Para sorpresa de todos, los Reyes Felipe y Letizia llegaron acompañados de sus hijas Leonor y Sofía a la capital extremeña. Se alojaron en el Parador, visitaron el Museo Nacional de Arte Romano y presenciaron la representación acompañados de las autoridades autonómicas y locales. El público y, sobre todo, el sector cultural y hostelero emeritense agradeció la visita de los monarcas, que puso el foco

PAT I O D E C A B A L L O S

mediático nacional en Mérida durante una jornada. Después llegó la esperada comedia con Anfitrión, de Molière versionado por el director y autor Juan Carlos Rubio, que imprimió su sello personal a esta comedia de dioses y mortales de la mitología griega a la que pusieron cuerpo y voz Pepón Nieto, Toni Acosta, Fele Martínez, Paco Tous, Daniel Muriel y María Ordoñez. La comedia de la cestita (del 5 al 9 de agosto), adaptada por Pilar G. Almansa y dirigida por Pepe Quero, trajo a Mérida una comedia puramente plautiana de enredos, pero en la que las protagonistas son las mujeres y a la que darán vida Mariola Fuentes, Alex O’Doherthy, María Esteve, Jimmy Barnatán, Itziar Castro, Falín Galán, Rosa Merás y Juanfra Juárez. La tragedia centró la penúltima propuesta del Festival con Cayo César (del 12 al 16 de agosto)

de la compañía Atakama. Cayo César es un drama en un solo acto escrito por el dramaturgo Agustín Muñoz Sanz y dirigida por Jesús Manchón que se

adentra en la etapa pública más destacada del tercer emperador de Roma, más conocido como Calígula. Un amplio elenco extremeño encabezado por Juan Carlos Tirado dio vida a esta historia sobre la maldad y el poder: Rocío Montero, Miguel Ángel Latorre, Gema Ortiz, Fernando Ramos, Manuel Menárguez, Javier Herrera, Juan Carlos Castillejo, Paca Velardiez, Sergio Barquilla, Beatriz Solís y Abraham Samino. Cerró la 66 edición un montaje donde las mujeres adquieren un protagonismo especial: Penélope (del 19 al 24 de agosto). La directora y autora Magüi Mira, que ha actuado y dirigido en Mérida en diferentes ocasiones, se puso al frente de una producción del Festival y Pentación Espectáculos para dar voz a las mujeres, en este caso elevando a papel protagonista a la Penélope de la Odisea de Homero, la esposa de

PAT I O D E C A B A L L O S

Ulises. Para hacerlo, se contó con un reparto excepcional de actores y el debut de Belén Rueda en el Teatro Romano de Mérida. Junto a ella estuvieron María Galiana, Jesús Noguero, Maxi Iglesias, Pedro Almagro, Muriel Sánchez, Antonio Sansano, Alberto Gómez Taboada y Alfredo Noval. Las extensiones El Festival Internacional de Teatro Clásico se expandió de nuevo a otros escenarios y yacimientos romanos de la región con una programación propia. Como novedad, esta edición además de reposiciones de espectáculos estrenados en ediciones anteriores del Festival, se programaron obras inéditas como Clitemnestra, de José María del Castillo, con Natalia Millán, o Elektra.25, de Ricardo Iniesta, de la compañía Atalaya.

cal La corte del faraón (24 de julio), coproducida con Rodetacón, con Belinda Washington, Marta Arteta, Paco Arrojo, Inés León, Joan Carles Bestard, Javier Enguix, Noelia Marló, entre otros. La tragedia Tito Andrónico, de William Shakespeare coproducida por Teatro del Noctámbulo y dirigida por Antonio C. Guijosa y protagonizada por José Vicente Moirón, se representará el 25 de julio. Y Clitemnestra, de José María del Castillo, con Natalia Millán como cabeza del elenco.

COMO NOVEDAD, ESTA EDICIÓN ADEMÁS DE REPOSICIONES DE ESPECTÁCULOS ESTRENADOS EN EDICIONES ANTERIORES DEL FESTIVAL, SE PROGRAMARON OBRAS INÉDITAS COMO CLITEMNESTRA, DE JOSÉ MARÍA DEL CASTILLO, CON NATALIA MILLÁN, O ELEKTRA.25, DE RICARDO INIESTA, DE LA COMPAÑÍA ATALAYA.

La extensión en el Teatro Romano de Medellín celebró su séptima edición del 24 al 26 de julio. En este escenario se programaron la comedia musiA Cáparra llegó por cuarto año consecutivo el Festival de Mérida con cuatro espectáculos del 13 al 16 de agosto: Tito Andrónico, Clitemnestra, La corte del faraón y Elektra.25, de Ricardo Iniesta con Silvia Garzón o María Sanz, entre otros, en el reparto. El Teatro Romano de Regina, en Casas de Reina, acogió el 7 de agosto el espectáculo Tito Andrónico. La 66 edición registró en total más de 65.000 asistentes en todas sus actividades.

DI STRIBUCIÓN PENTACIÓN: Rosa S áinz-Pardo (ros a s ain zpardo@pentac ion.com), David Ricondo (davidricondo@pentac ion.com)

P E N TA C I Ó N E N G I R A

E S P E R A N D O A G O D OT. Pepe Viyuela, Alberto Jiménez, Juan Díaz y Jesús Lavi interpretan la obra de Samuel Beckett.

T R I G O S U C I O Lo último de David Mamet protagonizado por Nancho Novo, Eva Isanta, Fernando Ramallo y Norma Ruiz.

CINCO HORAS CON MARIO de Miguel Delibes. El monólogo de Lola Herrera dirigido por Josefina Molina.

SEÑORA DE ROJO SOBRE FONDO GRIS. De Miguel Delibes,

SÉ INFIEL Y NO MIRES CON Q U I É N Versión y dirección de

L A H A B I TAC I Ó N D E M A R Í A .

protagonizada por José Sacristán dirigido por José Sámano.

Josema Yuste, con Teté Delgado, Santiago Urrialde y Esther del Prado.

ANFITRIÓN, DE MOLIÉRE. Una comedia con Pepón Nieto, Paco Tous, Fele Martínez, Toni Acosta, Dani Muriel y María Ordoñez. Versión y dirección de Juan Carlos Rubio

Concha Velasco, dirigida por José Carlos Plaza, protagoniza este monólogo de Manuel M. Velasco.

P E N TA C I Ó N E N G I R A

I N TO C A B L E S . Protagonizada por Roberto Álvarez y basada en la película francesa de mayor éxito internacional.

L A F U E R Z A D E L C A R I Ñ O. Versión y dirección de Magüi Mira, con Lolita Flores, Luis Mottola, Antonio Hortelano y Sara Moraleda.

P E R F E C TO S D E S C O N O C I D O S . Dirigida por Daniel Guzmán, con Inge Martín, Alex Barahona, Olivia Molina, Juan Carlos Vellido, Elena Ballesteros, Bart Santana e Ismael Fritschi

L A S C R I A DA S . Versión de Paco Bezerra dirigida por Luis Luque. Con Ana Torrent, Alicia Borrachero y Jorge Calvo.

LO S M O J I G ATO S . Magüi Mira dirige este texto de Anthony Neilson con Gabino Diego y Cecilia Solaguren.

E D UA R D O I I , O J O S D E N I E B L A . Jaime Azpilicueta dirige a José Luis Gil en este drama histórico.

ANTHONY BLAKE: SÍ TIENE S E N T I D O. Anthony Blake nos va a demostrar que podemos comunicarnos mentalmente. Dirección de Esteve Ferrer

GRUPOS

DESCUBRE L A S V E N TA JA S E X C L U S I VA S D E VENIR EN GRUPO

Las experiencias teatrales viniendo al teatro en grupo se disfrutan mucho más. Disfruta de todas las ventajas de venir al teatro acompañado de tus familiares, amigos, compañeros de trabajo, etc. y tendréis condiciones especiales: descuentos de hasta el 35%, reserva de las mejores localidades disponibles, y por supuesto, una atención personalizada. También tenemos funciones matinales para colegios en horario escolar, ¡consúltanos! Vivir el mejor teatro al mejor precio con buena compañía, tu mejor plan de ocio. Precios especiales para grupos grupos@pentacion.com 91 523 97 90 663 206 992

EVENTOS

TEATRO LA LATINA Ubicado en la zona más antigua de Madrid –y uno de los barrios más concurridos de la capital– el nuestro teatro toma el nombre del barrio que lo acoge, La Latina, la zona por excelencia de las terrazas, el ocio, las cañas y la vida nocturna madrileña. Ofrece la posibilidad de realizar funciones privadas exclusivas de los espectáculos en cartel para celebraciones de empresa, acompañadas de un servicio de catering a medida y de otras actividades adaptadas a vuestras necesidades de comunicación. Aforo de más de 900 butacas repartidas en Patio, Club y Anfiteatro.

TEATRO BELLAS ARTES Está situado en pleno centro de Madrid, junto a las castizas calles de la Gran Vía y Alcalá y bajo el Círculo de Bellas Artes, uno de los edificios más emblemáticos de la capital. Ofrece un espacio con un aforo total de 434 personas, repartidas entre el patio de butacas (con capacidad para 303 localidades) y el anfiteatro (con 131 localidades). Además dispone de un aforo de alrededor de 150 personas para la celebración de cócteles.

TEATRO REINA VICTORIA El Teatro Reina Victoria, en la Carrera de San Jerónimo, a pocos metros del Congreso, es el espacio que tu evento necesita. Construido en 1916, es uno de los mejores conservados de Madrid, con su fachada representativa y las vidrieras conservadas, además de las estancias interiores con su sabor histórico, pero bien conservado y con modernas comodidades como sus butacas renovadas en 2018. Tanto si quieres la cesión de la sala, con más de 600 localidades, para realizar funciones especiales, galas, conferencias, grabar programas de televisión como si lo que deseas es disfrutar de funciones privadas exclusivas de los espectáculos en cartel, el Teatro Reina Vitoria es el lugar indicado. La histórica sala de principios del siglo XX cuenta además con un ambigú, donde podrás disfrutar del servicio de cocktail para completar tu evento, con una capacidad para 80 personas. También disponemos de servicios especiales de fotografía, prensa, gráfica, ticketing, o personal del teatro. Para más información: Irene Valentín comercial@pentacion.com 91 523 97 90 • 663 206 992

EQUIPO

Pentación Espectáculos Pza. de la Cebada, 2. 28005 Madrid. Tel. 91 523 9790. Fax 91 523 2560. e-mail: pentacion@pentacion.com Director: Jesús Cimarro Subdirector: Raúl Fraile Secretaría: Isabel Gregoris Jefa de distribución: Rosa Sáinz-Pardo (rosasainzpardo@pentacion.com), Distribución: David Ricondo (davidricondo@ pentacion.com) y Andrea Carbonell Jefe de Producción: Pablo Garrido Coordinación Teatros: Brais Fernández Jefe Técnico: David Pérez Jefa de administración: Ángeles Lobo Administración: María de la Luz Barriga Fargallo, Juan Carlos Mesa, Ana Rodríguez López Comunicación y Prensa: Esther Alvarado Comunicación Digital: Esther Casillas Eventos y grupos: Irene Valentín (663 206 992) Recepción: Lucía Bermejo Alonso

Teatro Bellas Artes Marqués de Casa Riera 2. 28014 Madrid. Tel. 91 532 4437. Fax 91 522 3181 e-mail: jefedesala@pentacion.com Director: Jesús Cimarro Subdirector: Raúl Fraile Coordinación Teatros: Brais Fernández Comunicación y Prensa: Esther Alvarado Comunicación Digital: Esther Casillas Ventas y grupos: Irene Valentín (663 206 992) Jefe de Sala: Scherezade Peñil Jefe Técnico: Javier Pérez Duque Taquillero: Alberto Fernández Personal de Sala: Ángela Julián y Antonio Sánchez

Teatro La Latina Pza. de la Cebada, 2. 28005 Madrid Tel. 91 365 2835. e-mail: jefesala@teatrolalatina.es Director: Jesús Cimarro Subdirector: Raúl Fraile Coordinación Teatros: Brais Fernández Comunicación y Prensa: Esther Alvarado Comunicación Digital: Esther Casillas Eventos y grupos: Irene Valentín (663 206 992) Jefe de Sala: Fernando Moreno Jefe Técnico: Pablo Suárez Maquinista: Javier Siles Taquillero: Luis Ángel Carreto Personal de Sala: Diego Mayo, Gemma del Pilar Atoche y Laura Méndez

Teatro Reina Victoria Carrera de San Jerónimo, 24 28014 Madrid Tel. 91 369 22 88 info@elteatroreinavictoria.com Director Gerente: Jesús Cimarro Subdirector: Raúl Fraile Coordinador de Teatros: Brais Fernández Directora de Comunicación: Esther Alvarado (esther@pentacion.com) Comunicación Digital y Prensa: Esther Casillas (redes@pentacion.com) Jefa de Sala: Isabel Sáiz Jefe Técnico: Alberto Muñoz Personal de Sala: Andrea Carbonell y Braulio Medel Taquillero: Pablo Benavente Grupos y Eventos: Irene Valentín (663 206 992)

PRÓXIMAMENTE

VIEJO AMIGO CICERÓN José María Pou vuelve al Teatro La Latina con una obra de Ernesto Caballero estrenada en la 65 edición del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida.

ASESINOS TODOS:

Carlos Sobera, Neus Asensi, Elisa Matilla y Ángel Pardo protagonizan una comedia negra de Jordi Sánchez y Pep Anton Gómez, en el Teatro Reina Victoria.

CINCO HORAS CON M A R I O : Lola Herrera

vuelve este invierno al Teatro Bellas Artes con el monólogo de Miguel Delibes.

EN EL PRÓXIMO NÚMERO DE

elApuntador

de Pentación…

Grupo Pentacion El Apuntador nº7 sep-nov 2020

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PENTACIÓN EN GIRA

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Anthony Blake

Los Mojigatos

Eduardo II, ojos de niebla

Para hacer bien el amor

La habitación de María