Poetica en movimiento by eduardo

Poetas Del Movimiento Talleres de arte donde la danza nace de la experiencia

Johanna Lizeth Silva Abril 2014

Cuarto día: MÓDULO 3. CUERPOS MOLDEABLES: Lenguaje del movimiento

ONTENIDO

Estar con el otro Dinámicas de movimiento Movimiento �luido

PRÓLOGO

Primer día: DE LO MODERNO A LO CONTEMPORÁNEO EN LA DANZA Segundo día: UN CAMINO PARA MOLDEAR PEQUEÑOS BAILARINES, DESDE EL ENSUEÑO Y EL MOVIMIENTO MÓDULO 1.

EL CUERPO EXPRESIVO QUE POSEO: CUERPO Y LENGUAJE CORPORAL Exploración de mi cuerpo Alineación y postura Puntos de apoyo y equilibrios Como un péndulo de un lado a otro Control del centro corporal Suspensiones

Tercer día: MÓDULO 2.

LA PLASTICIDAD DEL CUERPO: Construyendo formas Exploración de formas gestuales Simetría y asimetría corporal Formas a partir de imaginarios Gestos creativos

Quinto día MÓDULO 4. UN BAILARÍN QUE DANZA: Movimiento en el espacio Conciencia y reconocimiento espacial Dirección Percepción espacial y focos Los tres niveles espaciales Formas de atravesar el espacio Espacio parcial y espacio total

Sexto Día MÓDULO. 5 UNA POÉTICA DEL MOVIMIENTO: COMPOSICIÓN Y DANZA DRAMATÚRGICA Exploración de movimiento Composición histórica en movimiento Improvisación corporal Creación de personajes

Séptimo día NUESTRA EXPERIENCIA GLOSARIO

REFERENCIAS

POETAS DEL MOVIMIENTO: Talleres de arte donde la danza nace de la experiencia.

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RÓLOGO

POETAS DEL MOVIMIENTO: SIETE DÍAS PARA LA CREACIÓN… DE LA DANZA CONTEMPORÁNEA.

Cada vez es más frecuente que los artistas escénicos le abran al pensamiento que sus cuerpos han interpretado con maestría en los escenarios, el espacio de la palabra. Es bueno recordar que es del cuerpo que ésta emerge y no podría ser articulada sin la acción del aparato fonatorio, ni escrita sin la prodigiosa plasticidad de unas manos bien gobernadas por el cerebro. Así las cosas, asumamos más allá de la metáfora, que la palabra es cuerpo y el cuerpo es palabra: los seres humanos emergemos de esta doble articulación. Poetas del movimiento constituye un ejercicio realizado desde la comprensión de las palabras que se organizan al ritmo de las ideas de quien danza. Más que un ejercicio de escritura didáctica en el campo escénico, este texto recoge de manera entrañable el recorrido de su autora, Johanna Silva Abril, quien ha avanzado por los senderos de la escena retadora de la danza contemporánea, sabiendo que, al expandir hacia todas las posibilidades el horizonte de la creación corporal, este campo reta al bailarín a la reflexión desde la acción estética y significativa de un cuerpo que dialoga con el mundo convocado al escenario, pero siempre más allá de él.

Varios son los aspectos que se destacan de este ejercicio de creación textual para la danza contemporánea; el primero el marco de composición inteligentemente elaborado para dar cabida a las reflexiones desde el diálogo, de los aspectos que preocupan a la autora. Así, para resolver el problema que representaría sintetizar la teoría en extensas disquisiciones, crea personajes que dialogan sobre las diferentes perspectivas desarrolladas en los siete momentos que integran la cartilla. Cada uno de estos lapsos implica una jornada de creación que se ocupa de un asunto particular. En el Primer día (“De lo moderno a lo contemporáneo en la danza”) se hace un acercamiento historiográfico al concepto y se evidencias las controversias que han alimentado la instalación y afianzamiento de la Danza Contemporánea en la escena mundial, con proyecciones en el espacio local. El Segundo día de la creación (“Un camino para moldear pequeños bailarines, desde el ensueño y el movimiento”), da cuenta de la intención de fondo de la cartilla: consolidar una propuesta organizada e integral a través de la cual los cuerpos infantiles inicien su tránsito por los lenguajes de la danza, teniendo como referente los espacios de la ensoñación y la creación propios de la infancia y ajenos, infortunadamente, al mundo adulto que debería rescatarlos para sí, como legado valioso e imperecedero de la imaginación humana. El Segundo día contiene el primero de los módulos de la cartilla “El cuerpo expresivo que poseo: cuerpo y lenguaje corporal”, a través del cual comienza a concretarse la propuesta, desde un recorrido que parte de la exploración del cuerpo propio y se consolida con la orientación aplicada de técnicas específicas como la alineación y postura; los puntos de apoyo y equilibrios; el control del centro corporal, entre otros.

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abren las posibilidades de su aplicación, que es el aporte fundamental de este texto. La “Plasticidad del cuerpo”, ya reconocido y preparado para la construcción de formas, emerge como centro del Tercer día. Este es el centro del segundo módulo de la cartilla que busca la exploración de formas gestuales; el desarrollo de conciencia acerca de la simetría y la asimetría corporal; la generación de formas a partir de imaginarios y la consolidación de gestos creativos. Ya para el Cuarto día los cuerpos se proyectan hacia el diálogo con los otros. De este modo se configura el tercer módulo de la cartilla denominado “Cuerpos moldeables: lenguaje del movimiento” en el que se invita al reconocimiento del otro desde las dinámicas comunicativas y creativas que propicia el movimiento fluido. El cuerpo que despierta en al Quinto día se concentra en los contextos, en el espacio que acoge el cuerpo de “Un bailarín que danza”. El movimiento en el espacio es el asunto que moviliza el cuarto módulo de la cartilla que transita por los senderos de la conciencia y reconocimiento espacial; la dirección; la percepción espacial y los focos; los tres niveles espaciales; las formas de atravesar el espacio para finalizar su tránsito en las reflexiones en torno a la acción en el espacio parcial y el espacio total.

Poetas del movimiento es un texto valioso por las experiencias que recoge y también por el esfuerzo que encarna. Quien lo escribió es una joven maestra que se dedica a la Danza Contemporánea y ha sentido la necesidad de compartir sus experiencias creativas a través de la consolidación de esta cartilla en la que una suma de voces propone un hilo conductor de posibilidades que, seguramente, se enriquecerán con los aportes de todos aquellos que la lean y la lleven a escena.

Yury Ferrer Franco Comunicador Social-Periodista; Licenciado en Filología e Idiomas; Magíster en Literatura. Coordinador Licenciatura en Educacación Básica con énfasis en Educación Artística, UD.

Todos los elementos anteriores confluyen al Sexto día en el quinto módulo dedicado a la poética del movimiento centrada en la composición y danza dramatúrgica; allí la reflexión acción se centra en la exploración de movimiento y su composición histórica; la improvisación corporal y la creación de personajes. En el Séptimo día, la autora no descansa. Este último momento se dedica a la reflexión sosegada, a los necesarios puntos de llegada de una reflexión centrada en la pedagogía. De este modo se redondea la propuesta y se

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RIMER DÍA

DE LO MODERNO A LO CONTEMPORÁNEO EN LA DANZA.

En los albores del siglo XX donde el pragmatismo mercantil y lo mecánico se convierten en un eje de vida. Se manifiestan dentro de las calles, los rincones y entre la gente, una latente necesidad de desdibujar los cánones estrictos y esquemáticos de la danza del momento: el ballet. Así se construye una ruptura del cuerpo, el espacio y la sensación donde ya no se habla de una belleza estética, sino de una nueva forma de dialogar a través del cuerpo proporcionando un mensaje más allá de lo onírico. En este contexto, el cuerpo se hace dócil con su propio movimiento, volviéndose una metáfora de palabras contadas que absorben la naturaleza de la realidad. Manifiesta un poema encarnado de democratización y fluidez que componen la nueva escena de lo moderno, el espacio diferente para la danza determinado posteriormente como contemporáneo. Hacia la primera mitad del siglo XX ya no se habla de grandes teatros y esquemas corporales perfectos, ahora se manifiesta una danza que habla por sí misma desde los sentimientos propios. Convierte los lugares en espacios escénicos móviles y moldeables que se expresan mediante un cuerpo que conecta lo interno con lo externo de su propio mundo contando sus memorias, sentires, visiones, momentos y de más.

–Soy Janna y para mi es hermoso querida Kayla poder contarte esta historia, porque serás una gran bailarina de danza contemporánea y llegará el momento en que le pasarás tu conocimiento a otros y podrás enseñarles tu quehacer. Corroborarás así todo lo que puedes lograr desde la danza con todas y cada una de las personas que deseen aprender e introducirse en el mundo del movimiento. –¡Qué hermoso Janna! por eso eres mi favorita, no solo eres bailarina y maestra, sino además mi hermana mayor. –Jajajaja, me harás sonrojar con tanto halago, lo importante ahora es que me pongas mucha atención… El movimiento libre y espontáneo no salió de la nada, si bien como la mayoría de los sucesos históricos surgió como una respuesta a un modelo implantado que trastocó una estructura completa. Abrió el panorama de cuerpos libres que bailan, que se expresan y que le han contado al mundo desde entonces su propia legendaria historia. Recuerdo entre mis memorias a Isadora Duncan, una mujer libre que nació a la orilla del mar y decía que su primera idea de movimiento de la danza había venido seguramente del ritmo de las olas. Su imaginación siempre voló cada vez que veía esculturas griegas, y al ritmo de su propio cuerpo compuso coreografías propias donde abandonó esas concepciones rígidas de las estéticas bailarinas de ballet. Ella descalzó sus pies, comenzó a utilizar túnicas sueltas, se soltó el cabello y de esta forma pudo volar como estera de viento que se llevaba las hojas secas en otoño. Localizó el origen del movimiento en el chakra del plexo solar desafiando eso que le daba miedo a los bailarines

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perfectos, la gravedad. Ello le permitió reconocer y explorar su movimiento corporal en el piso, liberando así su danza en la magia de lo espontáneo; en un frenesí de emociones que se manifestaban mediante movimientos curvos y ondulantes, saltos que no ocultaban la gravedad y una ligereza que estaba en constante exhibición de las formas de su cuerpo que para la época, tanto chocó para sus expectantes.

– Es sencillo Kayla, para la época, aparte de romper un esquema, Isadora rompió con una conducta, porque su danza la presentó como un modelo de comportamiento donde ya no respondía a la mujer sumisa y encorsetada por las convenciones, sino a la mujer libre y natural. – ¡Una divinidad libre, el universo libre, el cosmos! – Si, evidentemente. Un cosmos divino que me repercute directamente a Ruth Saint Denis, otra gran exponente de la danza moderna. Ella hablaba de cómo la danza del futuro ya no se interesaría más en las destrezas del cuerpo sin sentido. Pues si se recordara en realidad que somos el microcosmo y el universo en miniatura, el baile futuro sería divino, capaz de transmitir con sus gestos más leves algún significado importante del universo.

“Su primera idea de movimiento de la danza había venido seguramente del ritmo de las olas”

Isadora Duncan

– ¡Claro! Que interesante, un hombre cosmogónico libre, un bailarín divino.

En este momento, aquí tú y yo sentadas en este salón de tablas y espejos, comenzaremos a revivir y a compartir esta experiencia de la danza, desde donde te narraré los aspectos más importantes de la historia de esta, así que acomódate quería hermana, porque este camino es largo pero muy asombroso, fantástico e interesante. Tú eres una bailarina en proceso, estas estudiando licenciatura en artes y sé que tienes todo el potencial educativo para forjar grandes seres desde la danza, donde el tema del movimiento danzado y el cuerpo son fundamentales.

“La danza del futuro ya no se interesaría más en las destrezas del cuerpo sin sentido”

Como te venía diciendo, desde de la danza moderna ya comienzan a desdibujarse los tabús como los anteriores dichos a partir de la historia de Isadora, quien perturbó todas las mentes cayadas que comentaban aquella injuria de la época

Ruth Saint Denis

– Pero ¿Por qué Janna? ¿Qué había de malo en mostrar el cuerpo?

– ¡Exacto! Saint Denis, refirió las divinidades antiguas de la India, Egipto y Asia, porque por medio de ellas este arte de danza pudo de alguna forma devolver al hombre a sus orígenes y a reencontrarse a sí mismo. A través del ritmo y del movimiento, el hombre volvió a estar conectado con el universo contribuyendo así al propósito del mejoramiento de la humanidad desde esa danza íntima y latente de la época. – Quiere decir que ese también debe ser mi propósito Janna, porque desde el movimiento yo podría construir mensajes que sugirieran la importancia de la relación del hombre con su naturaleza y su espacio, donde el respeto a sí mismo y hacia lo que lo rodea se convierte en un pilar fundamental de convivencia. – Por supuesto Kayla, tu formación durante estos años te ha permitido reconstruir todo el tiempo lo que vives mediante tu cuerpo. De esta forma, has podido establecer tu juicio propio desde tu experiencia frente a la realidad, eso es importante, algo así como un expresionismo frente al momento. – ¿Expresionismo? siento que alguno de mis maestros en algún momento me nombró a alguien expresionista, pero no se de quien podría tratarse.

deseaba convertirse en una unidad con ellas viviéndolas simplemente. – ¡Qué bonito! una metáfora de la unidad, del arte divino, un aire libre, un ser natural. – Wigman fue una expresionista y por cada una de sus fibras proporcionó fuerza, vida y sentido a la forma. Ella se transformó a través de diferentes máscaras que utilizó en algunos momentos; así mismo utilizó su propio rostro el cual convirtió en máscaras gracias a su amplio conocimiento de la expresión facial. – Quiere decir que podía hacer muchas muecas. – Efectivamente, pero ya no eran solo muecas, cada una de ellas tenía un sentido propio y nacía de lo que sentía y quería transmitir en el momento, además que por aquella época no se debe olvidar que se venía de una serie de sucesos históricos importantes que marcaron la vida y la memoria de las personas y su quehacer. Esto dio pie a ala recreación de cualquier cantidad de formas visibles donde fundía su ser con todo el universo, usualmente sin algún acompañamiento musical, muy de vez en cuando utilizando algo de percusión de procedencia oriental, mientras tensionaba y relajaba su cuerpo oponiéndose a la ley de gravedad.

– Seguramente tu maestro pudo referirse a Mery Wigman, aquella que también se inspiró en lo asiático y lo oriental. Ella decía que cuando componía sus propias coreografías,

“cuando componía sus propias coreografías, deseaba convertirse en una unidad con ellas viviéndolas simplemente”.

Mery Wigman POETAS DEL MOVIMIENTO: Talleres de arte donde la danza nace de la experiencia.

– Claro lo recuerdo, todo movimiento nace de tu centro corporal que es la pelvis, donde el torso es el centro de acción y el que impulsa la energía.

–Interesante. ¿Ley gravedad? ¿Tensión y movimiento? me suena, me suena alguien, creo que tiene que ver con espirales, contracciones y extensiones. Es un entrenamiento muy fuerte y muy desde el centro pero no recuerdo el nombre, definitivamente tengo muy mala memoria.

– Exacto, también hay movimientos tensos, prolongados y llenos de saltos suspendidos, cuerpos inclinados hacia atrás, un brazo levantado, pies doblados, manos apretadas, dedos que señalan que no están coordinados con el resto del cuerpo. Graham hizo así una abstracción del movimiento la cual le permitió desde entonces al bailarín tener un equilibrio en toda posición, un cuerpo que hace torsiones sobre sí mismo, un cuerpo basado en la antítesis en el cual el movimiento puede responder a la ley de contrarios. Y por ello, fue que su estudio dió para convertirse en una técnica establecida.

Martha Graham

– ¡Qué teórico y que profundo! estudiar el cuerpo es muy difícil y creo que hay que estudiarlo más todavía.

– No importa, ahora lo recordarás. Si hablamos de tensión, relajación y gravedad quien más profundizó en el tema fue Martha Graham, ya que su técnica estuvo basada en la relajación y contracción de la respiración (inhalar y exhalar). Prueba esto Kayla. – Dime – Ponte en posición mariposa con los brazos en segunda posición de ballet. Luego, inhala y exhala profundamente una vez y a la segunda, en la siguiente exhalación mírate el ombligo y al inhalar otra vez vuelve a tu eje central. Esa es la dinámica

– Bastante, diría yo Kayla. El bailarín moderno debe establecer una relación humana con la gravedad y la realidad también, como pudo decirlo en algún momento nuestra querida Doris Humphrey, una bailarina y coreo-

– Fffffffffffff, juuuuuuuuuuu

grafa al igual que Isadora. Construyó sus propios movimientos comenzando a descubrir la funcionalidad de cada uno de ellos, determinando así que la noción del movimiento derivaba, de los instintos naturales del cuerpo y de las fuerzas contradictorias de la vida.

totalmente inerte; la segunda, es el cuerpo inerte que ha caído al suelo. El arco es pues, la trayectoria pasada por un movimiento del cuerpo durante su caída hacia el suelo y mientras se levanta de nuevo hacia la posición de estabilidad inicial.

Ella tenía una fijación con el mínimo movimiento. Este se encontraba en el punto de equilibrio el cual llamo “un arco entre dos muertos” donde a través del balanceo estudió las leyes del peso en el cuerpo que estaba determinado en tres momentos: en un primer tiempo desafía la caída del cuerpo con un perfecto mantenimiento del equilibrio; en un segundo tiempo combate y en el tercer tiempo vence a la caída.

– Ya entiendo Janna, el arco es como la estera de movimiento que cualquier bailarín puede dejar en el espacio al realizar una caída, pues de hecho siempre dentro de la danza va a existir un momento en el que el cuerpo está equilibrado y sostenido en una suspensión que finalmente caerá por la gravedad.

Doris Humphrey “un arco entre dos muertos”

– ¡Perfecto Kayla! Ya me vas comprendiendo. – Cierto, a veces no es de razonar tanto, sino más bien de crear la imagen del cuerpo en el espacio y de estudiar nuestro cuerpo. Aquello que cada una de estas mujeres históricas realizó en determinado momento llegando a plantearse diferentes preguntas, que luego se convirtieron en teorías y posteriores aportes para la danza. ¡Emocionante! por favor cuéntame más Janna.

– ¿Es algo así como cuando tu estas de pie y caes al piso de alguna manera? – Claro, y concluyó finalmente que el movimiento se situaba sobre un arco de dos muertos. – ¿Muertos, Janna? Pero que miedo, Doris era un poco lúgubre. – Tranquila Kayla, es solo una imagen. Los dos muertos son las situaciones de inmovilidad del cuerpo: la primera es el cuerpo del bailarín de pie, en perfecto equilibrio y

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– Claro, ya que has comprendido una gran parte de la historia del movimiento quisiera también contarte de su forma dramática de composición, es decir, el momento donde cada ficha es indispensable de la otra para que se haga una unidad completa, una unión de pinceladas que construyen una pintura de movimientos llenos de texturas, tonos, ambientes, formas, sensaciones y cuerpos. – ¡WOW! esto se puso muy interesante.

ellos fue la composición por fragmentos, otro la importancia de la frase final, otro las cualidades de las frases coreográficas y finalmente la utilización de la música. Teorizando de esta forma, la danza comenzó a pensarse también como una deconstrucción para poder crear nuevos paradigmas que permitieron la composición de movimientos desde imágenes, ideas, un final para llegar a un principio y un sinfín de formas con las cuales podemos crear una obra de danza. – Interesante acercamiento Janna, una forma de pensar la danza y de mezclarla no solo con la música y objetos sino con nuevos sistemas, formas y expresión. – Eso no es todo quería Kayla, hasta el momento solo te he hablado de mujeres, pero hay dos hombres en especial que fundamentaron una serie de aportes esenciales que dieron paso a la transición de lo moderno a lo contemporáneo en la danza; dos precursores creadores de sistemas de danza y de nuevos ambientes para la ejecución de ella. – ¿De quienes me hablas? – Primero te hablaré de Rudolf Von Laban, quien determinó que el espacio vacío no existe, entonces no hay espacio sin movimiento ni movimiento sin espacio. Todo movimiento es un eterno cambio entre condensar y soltar donde la estabilidad y la movilidad alternan sin fin. – Como así Janna, No entiendo.

– Humphrey también hizo un aporte teórico y constructivo hacia la danza. Promovió la búsqueda y el estudio de la coreografía por medio de un instructivo a partir de la experiencia; una guía para la composición donde enunció algunos elementos dramatúrgicos para las danza: uno de

– Mira, el instrumento principal del estudio de Laban fue el cuerpo humano, luego le fue el espacio, el cual llamó kinesfera y el tercero fue el análisis del esfuerzo energético donde encontró sus principales puntos de filosofía. – ¿Cuáles eran?

• El comportamiento de cada individuo depende de su entorno. • El movimiento se manifiesta en cualquier dominio, ya sea como movimiento en danza, gesto habitual en la vida cotidiana o gesto indispensable dentro de la vida profesional de cada ser humano. • Hay tres factores esenciales en la danza: espacio, duración y energía. • El movimiento como expresión artística abre camino a la creación. • El movimiento se convierte en la proyección visible de los sentimientos internos.

– Laban estudió el cuerpo en el espacio y estableció que existía un espacio vital determinado por la extensión total de las extremidades del cuerpo del bailarín. Cada movimiento siempre señalaba un punto determinado dentro del espacio y se movía según los desequilibrios que realizara pero sin moverse del sitio en el que se encontrar, a esto, él lo llamó como espacio parcial. En segunda estancia, esta kinesfera podía desplazarse de acuerdo a todos los desequilibrios o avanzadas que pudiera establecer un cuerpo en movimiento en cualquiera de sus direcciones, lo que él llamaría espacio total finalmente, una kinesfera en movimiento. – Es un estudioso total del movimiento del cuerpo según veo, y tal vez un promotor in situ de un nuevo espíritu de la educación del mismo. – Exactamente Kayla, Laban construyó un estudio del flujo de movimiento y sus dinámicas para la creación que dio pie a una danza educativa moderna. Por medio de esta, se plantearon los pilares fundamentales a la hora de ensañar danza contemporánea a los niños desde su primera infancia hasta su adolescencia; un proceso que si bien comenzaría a investigarse e involucrarse para las escuelas educativas posteriormente. – ¡Maravilloso! Una forma de enseñar danza sin la necesidad total de establecer una técnica, donde los estudiantes encontrarán su propio movimiento.

– ¿Cuéntame sobre su sistema?

– Perfecto, eso es. Finalmente querida Kayla, quiero contarte del último precursor moderno que dió paso a lo que hoy se llama danza contemporánea, él es Merce Cunningham. Redondeó mucho de lo que te he contado hasta el momento y aportó una nueva idea de composición y espacio para la danza.

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– ¿Movimiento posmoderno?

– ¡Cuéntame, Cuéntame!

– Si, para él la danza se convierte en una forma de existir y de vivir donde el movimiento es vida. Nace del gesto cotidiano, pierde su carácter de gesto utilitario sin por ello sustraerle su atributo de participante en el acontecimiento y en la marcha del tiempo. Y gracias a ello dió pasó a algo llamado Happening. – Janna, ¿Que es el happening? – Ya no se trata ni de emociones, ni de ánimos, sino más bien de individuos. El cuerpo es expresión y el azar es fundamental; cualquier procedimiento de composición es válido; este mismo azar permite nuevas combinaciones de movimiento, música, identidad, coreografía y elementos escenotécnicos 1 que tienen su propia lógica por aparte. Consecuentemente, cada bailarín es solista y todo el espacio es bailado.

Merce Cunningham – Este sujeto, que si bien fue un admirador del color y de la sensación del momento, estableció una posibilidad clara de introducir en el escenario a diferentes bailarines que tuvieron que enfrentarse a lo que el propio escenario les proponía instantáneamente. Escenarios con estructuras escenográficas complejas, improvisaciones musicales y diferentes ambientes que permitían sensaciones distintas la cuales podían suscitarles diferentes emociones representadas por movimientos frente al espectador dentro de la obra. – Pero como así, ¿no había nada planeado dancísticamente? – En parte si lo había, él componía coreografías que en realidad se deconstruían en la escena porque habían cambios momentáneos no planeados. Ponía a los bailarines en situación de riesgo constante, lo cual los obligaba a reaccionar e improvisar desde su lenguaje de movimiento. La fuerza de la impresión producida se debía a la imagen física, fugitiva o estática. Pudo nacer efectivamente de respuestas personales de todo tipo en cada espectador. Aquello que el llamo movimiento posmoderno.

– ¡Mejor dicho Janna!, ya no hay nada, pero a la vez hay un todo. Hay demasiadas posibilidades que comienzan a romper los esquemas: primero hay una ruptura de lo que se considera estético en el momento, luego comienza a aparecer el gesto, después ya comienza un estudio del cuerpo individual que empieza a sugerir teorías, sistemas de movimiento y de más y finalmente se habla de un espacio escénico mixto de todos y para todos. Es un frenesí de muchas cosas y un panorama amplio de innovación. – No podrías comenzar esta definición de la mejor forma Kayla, la danza contemporánea se vuelve un lugar democrático del cuerpo y el movimiento en el espacio donde hablamos de un pensamiento propio que nace del interior y se construye desde las emociones, las sensaciones y el 1. Definidos para este texto como el equipo, materiales y normas para la arquitectura, mecánica, carpintería, decorado iluminación, vestuario, utilería y cuanto contribuye al ambiente y clima de una puesta en escena.

ser mismo en el espacio. – Si bien, mientras el modernismo1 se ocupó en expandir los medios expresivos de la danza y enriquecerlos, la vanguardia2 se empeñó directamente en cuestionarlos. El primer gran cuestionamiento es el de la referencia, la obligación de que la obra refiera a algo, tenga un mensaje. Los cuestionamientos más radicales, sin embargo, tienen que ver con el movimiento mismo, con las convenciones acumuladas sobre la "corrección" del arte de bailar. – Entonces Janna, ¿todos podemos ser bailarines?

Por otro lado, si lo vemos desde el campo social y político vemos que ya no hay una danza para la gente, en la vanguardia se baila con la gente. Los lugares se convierten en puntos estratégicos para las expresiones artísticas, donde la obra está al servicio de algo: un acontecimiento, momento o instante, donde las composiciones no suceden de la misma forma todo el tiempo, por ello no hay repertorios, ni registros. La composición se ha democratizado en misma medida que la interpretación. – ¡Ahora ya todos podemos hacer danza de alguna forma! – Por supuesto, finalmente, cada sujeto desde su ser y su cuerpo puede hacer creación que podrá compartir y potencializar con otros. El artista contemporáneo no es el único genio original, todos pueden hacer arte y en muchas maneras deben y son artistas en algún momento. A este punto quería Kayla, comenzaré a guiarte un sendero que podrías desarrollar cuando te incluyas dentro del camino de la educación y la investigación desde la danza, ese pasaje de fantasía que tanto atrae a los infantes. Un espacio lleno de movimiento, expresión, pedagogía y práctica que te ayudará a potencializar en los niños y niñas su lenguaje corporal y artístico desde su fuero interno, llenándolos de luz, creatividad, amor por lo que hacen e imaginación.

– Claro que sí, aparte de que hay una democratización del cuerpo, la danza contemporánea permite que cualquier movimiento humano sea posible y valido para su ejecución. Se ha encontrado el origen de diferentes métodos como el contact improvisation, el danza-teatro que de por si tiene sus cimientos en Cunningham y luego fue profundizada por Pina Bausch, las propuestas de Trisha Brown, Daniel Larrieu entre otros. Ya no se trata de técnica, hay un constante rechazo a la escuela que permite liberarse de todos los límites para hacer arte desde la danza.

– ¡Qué hermoso Janna! Ya quiero aprender mucho más. 1. Citado para ese texto como denominación de un movimiento artístico de finales del siglo XIX y principios del siglo XX. Dentro de este tiempo, en casi todos los países con un cierto grado de desarrollo industrial se puso de manifiesto un sentido del presente y un ansia de romper con los estilos del pasado. 2. El término vanguardia se utiliza para este texto para referirse al desarrollo del arte en el siglo XX, sea para definir posturas ante el arte y su papel en la sociedad, o para ordenar el estudio de la historia del mismo siglo.

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– Este sendero que te voy a guiar tiene 5 etapas donde pasaremos por : el Cuerpo y lenguaje corporal, la construcción de la forma desde el cuerpo, el lenguaje del movimiento, el movimiento en el espacio y finalmente la composición y dramaturgia para la danza en el espacio escolar, brindándote juegos y actividades para que puedas realizar con tus futuros estudiantes. – Que interesante Janna, ya quiero saber de todo eso. Continuemos – Es hora de dormir hermanita, ya es tarde más bien mañana cuando llegues de entrenar nos vemos aquí en nuestro espacio, nuestro salón de danza en casa y te seguiré contando y enseñando todo acerca de la danza educativita para formar poetas del movimiento. – Está bien, ya quiero que sea mañana.

EGUNDO DÍA

UN CAMINO PARA MOLDEAR PEQUEÑOS BAILARINES DESDE EL ENSUEÑO Y EL MOVIMIENTO. Aquí nace un camino que surgió de mucho tiempo de investigación, consulta, práctica y laboratorio donde entender la dinámica infantil para la danza contemporánea fue bastante interesante y lo mejor fue los resultados que hubieron, composiciones danzadas, textos que los propios infantes crearon y luego contaron con su movimiento y hasta un acercamiento al videodanza que nació del registro y las pruebas de diferentes ejercicios que se hicieron en clase. Una gran experiencia y un conocimiento en abundancia.

– Algún día Kayla llegarás a ser una gran maestra y tu saber proliferará en la creación, el movimiento y el conocimiento que tú les repercutas a los otros. Es bastante importante para mí retribuirte por medio de mi experiencia algunas formas y caminos que puedes recorrer para poder incentivar en otros su propio movimiento, que puede convertirse en su propia danza. La recreación e innovación desde nuestro ser permite establecer todas nuestras relaciones humanas, y es allí cuando nosotros como maestros y también artistas que somos entablamos una posibilidad de estar en el mundo de forma distinta con nuestro cuerpo, construyendo un discurso interesante desde el lenguaje danzario. Ya no se trata de implantar una técnica o de dictar los parámetros para llegar a ser un gran bailarín de danza contemporánea, sino más bien de introducir formas que permitan a otros hacer un acercamiento progresivo de la sensación del movimiento. Una construcción de danza condensada desde lo más mínimo hasta lo más complejo, como sería la composición de una puesta en escena. – Janna, ¿A quién podría brindarles este conocimiento? – Mira, puedes hacerlo con niños, jóvenes y adultos, pero a título personal preferiría la etapa infantil, porque en ella existe la posibilidad de cimentar bases sólidas de un sujeto futuro que pueda establecer un discurso propio y manifestarse de muchas maneras, entre ellas, su cuerpo y su propia danza. Los niños son un mar de posibilidades creativas y constructivas que en medida que se van desarrollando, van adquiriendo las habilidades motoras y mentales que les permiten potencializar sus ideas, discutirlas y proponer desde ellas lo que quieran comunicar. – Entonces voy a enseñarle a todos los niños, lo que yo he aprendido, de la forma en que tú puedas planteármelo, grandes, pequeños, bebés, “chiquis”, preadolescentes…

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– ¡Espera!, no tan rápido, los procesos de danza no son los mismos en todas las etapas del desarrollo, y para iniciar quiero compartirte mi proceso de danza con niños alrededor de 9 a 14 años aproximadamente. En esta etapa los niños después de haber pasado por un proceso de exploración de su cuerpo, ya pueden empezar a construir desde su experiencia e imaginación diferentes formas de movimiento que los podrá llevar a componer su propia danza. De esta forma, el bailar se convierte en una modalidad del hacer corporal en un contexto determinado, que le permite a cada sujeto expresarse desde su sentir propio y de lo que le pasa cotidianamente. Ahora, en las escuelas sea hecho fundamental establecer formas de contacto y comunicación entre los niños que les permita dar a conocer lo que son y lo que piensan sin miedo a ser juzgados o burlados. Recuerda que estamos en una época donde existen toda una serie de conflictos internos, personales, familiares y demás que generan en los niños consecuencias que nos les permite realizarse libremente como sujetos creativos. Desde la danza los niños pueden ser ellos mismos y ser para otros, construyendo en colectivo formas de comunicar que van más allá de la forma corporal. Desde la imaginación se permiten crear mundos posibles que enseñan nuevas formas de vivir, sentir y manifestarse no solo frente a los demás sino frente a la vida misma.

danza creativa, formas de danza creadas por los mismos niños, con o sin profesor donde se genera una danza recreativa, única, sin reglas y espontánea que puede dar a conocer lo que realmente cada niño lee de sí mismo y de todo lo que le rodea. En estas se manifiestan las ideas, talento, habilidades y nivel de interacción con los otros para construir nuevos conocimientos apropiándose de lo ha adquirido dancísticamente y comunicándose a través de ello. – Eso es enseñar la danza contemporánea quería Janna, me parece muy bello tu quehacer y quiero aprender a hacerlo – Querida Kayla, yo no te puedo enseñar todo pero puedo mostrarte maneras de como ejecutar ciertas actividades para que puedas incentivar en los niños su propio movimiento, y para que tú misma te sorprendas de sus creaciones. ¡Será muy divertido! de repente te saldrán con movimientos y cosas que realmente no te imaginarias nunca. – ¡Sera fascinante! Ya quiero aprender cómo puedo hacerlo. – Ten en cuenta siempre una cosa, se ha demostrado que la mejor herramienta para el maestro de la forma contemporánea de la danza no son las series de ejercicios estandarizados que tenga, sino los temas básicos de movimiento y sus combinaciones y variaciones.

De igual forma, en esta etapa ya los niños pueden desarrollar juegos coreográficos, actividades de movimiento de mayor complejidad y la creación colectiva. Se desarrollan dos fases simultáneamente: la primera es la educación del movimiento con base en el desarrollo de las condiciones físicas, emocionales y cognitivas del alumno; en su habilidad para percibir y vivenciar el movimiento, en sus habilidades motrices, su capacidad corporal expresiva, entre otras; la segunda es las diferentes formas de danza como:

La idea directriz es que el maestro debe encontrar su propia forma de estimular el movimiento y posteriormente la danza, eligiendo entre su colección, los temas básicos que quiera desarrollar y variantes adecuadas a la etapa y al estado de desarrollo reales de un alumno o de la mayoría de la clase. – Voy a tenerlo muy en cuenta Janna. Los niños siempre deberán inventar sus danzas con libertad, como una actividad creativa muy similar a la que fomenta la enseñanza del arte moderno. – Perfecto, que gran aprendiz eres. No olvides nunca esto dentro de la nueva técnica de la danza en la educación múltiple:

– Bueno Kayla, la ruta que te mostraré nace del conocimiento de la estructura corporal que tenemos, donde reconoceremos el cuerpo propio y el del otro con el cual podemos establecer relaciones corporales para poder comunicarnos. Luego, se trabajarán dinámicas para construir formas con el cuerpo tanto individual como colectivamente que nos llevará a construir movimientos compuestos; los imaginarios y el azar comenzarán a tener vida dentro de las actividades a realizar. Después, pasaremos al movimiento en el espacio tanto vital como periférico, reconociendo nociones básicas, relaciones y de más que finalmente nos llevará a una forma de componer y construir desde el movimiento de cada sujeto una danza de todos y para todos. – ¡Comencemos!

1. El impulso innato de los niños al realizar movimientos similares a los de la danza son una forma de descarga y ejercitación que los introduce en el mundo del flujo del movimiento potencializando sus facultades espontáneas de expresión. 2. Como maestra, tienes la tarea de la educación, y no la menos importante, es preservar la espontaneidad del movimiento y mantenerla viva siempre. 3. Fomentar de igual manera la expresión artística en el ámbito del arte primario del movimiento. 4. Establecer medidas adecuadas para mejorar los movimientos deficientes, que puedan potencializarse. 5. Divertirse en el quehacer, y fomentar el divertimiento en los niños. – ¡Claro! Ser maestro no es fácil, y educar pues menos, pero lo importante es comenzar, así que, ¿cómo comienzo?

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comprender y practicar el principio del movimiento. Primero es fundamental reconocer nuestra estructura corporal, osea, la interrelación de partes que se sostienen mutuamente y se arman para ser una sola unidad: el cuerpo, el cual cuenta con las partes anatómicas tales como los órganos, las extremidades y sus componentes.

MÓDULO 1 El CUERPO EXPRESIVO QUE POSEO: Cuerpo y lenguaje corporal Después de contarle Janna a Kayla la historia y lo importante de la danza contemporánea dentro de la edad infantil, ha llegado el momento de enseñarle las primeras herramientas que cimentarán las bases de estos pequeños poetas bailarines que con su movimientos nos deslumbrarán llevándonos a lugares maravillosos donde todo desde el movimiento y la imaginación se hace posible. En este segundo encuentro Janna a Kayla lo asombroso que es el cuerpo humano y todas las posibilidades dancísticas que posee.

Como bien debes saberlo, el cuerpo se compone de cabeza, tronco y extremidades: los brazos son las extremidades superiores y las piernas las inferiores; cabe mencionar que el tronco se divide en tórax y abdomen y es el que da movimiento a las extremidades superiores, inferiores y a la cabeza. Viendo esto es necesario establecer posturas correctas y posiciones que permitan poner el cuerpo en disposición correcta tanto para la ejecución de movimiento como para la exploración dancística, algunas de ellas son: • Posición paralela (agarrada del suelo como un árbol)

– Kayla, iniciemos nuestro camino por reconocer que es nuestro cuerpo. ¿Para ti que es el cuerpo? – Janna, Para mí, el cuerpo es un agente expresivo que media entre el interior y el exterior de nuestro mundo. Una materia física que se manifiesta desde sus sensaciones, sentires y pensamientos más profundos para comunicarse y a partir de sus diferentes partes y gestos puede relacionarse y crear nodos comunicativos que puedan hablar por sí mismos manifestando lo que se desee expresar.

• Primera posición (como una princesa de ballet)

– Exacto ¡muy bien!, ahora, es importante resaltar la importancia de lo que me has dicho, frente a los niños a los cuales les vas a comenzar a brindar tu conocimiento y tus pautas propias para que puedan comenzar a explorar ,

• Segunda posición ( como toda una bailarina)

• Montaña (como una hermosa colina)

• Segunda posición con plié (Como si fueras a fusionarte con la tierra).

• Planchita (como una leve tablita)

• Cuarta posición (como una danzarina)

• Gato (como un felino que eriza el pelo)

• Cobra (como una serpiente que se desliza por la hierba)

• Sobre empeines ( en una relación con la energía del mundo).

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• Posición roca (como piedrita del mar)

EXPLORACIÓN DE MI CUERPO A continuación, te mostraré una serie de ejercicios que te pueden servir a la hora que desees que los niños comiencen adquirir conciencia de su cuerpo y de sus diferentes extremidades y partes corporales:

• Juego de Maya dice: • Posición mariposa (como una leve mariposa posada en un árbol).

Consiste en que los alumnos dirán lo que dice maya (quien será el encargado de dirigir la actividad). Siempre cualquier instrucción debe comenzar por “Maya dice…..” y ordenar algo, de lo contrario los alumnos no deberá obedecer: Maya dice levantar la mano derecha Maya dice poner el dedo meñique sobre la rodilla derecha (correcto)

• En reposo (como una pluma que se posa en el suelo).

Maya dice poner las manos sobre los empeines (correcto) Poner el brazo derecho sobre el muslo izquierdo (Incorrecto)

Si bien, sobre estas posturas y posiciones se van evidenciando una serie de apoyos importantes que se deben tener en cuenta para la ejecución de ejercicios futuros que impliquen suspensiones, equilibrios y dinámicas en las que el cuerpo desee elevarse, además que pueden convertirse en motores de movimiento que permitan su creación e innovación.

JUEGO DE LAS PARTES CORPORALES: Este juego tiene 2 etapas: 1 etapa: el maestro guiará a los estudiantes a que se toquen diferentes partes de su cuerpo. Poner mano izquierda sobre rodilla derecha, Poner codo derecho sobre rodilla derecha…. 2 Etapa: Luego realizarán los mismo movilizándose por el espacio sin soltar la unión de las dos partes que hay dicho el maestro: Antebrazo derecho sobre rodilla izquierda, dedo índice derecho sobre talón derecho….

Uniendo partes: Esta dinámica consiste en unir dos cuerpos según la parte corporal que determine el profesor: 1fase: unión corporal desde alguna parte del cuerpo con un compañero: Unión desde las caderas, cabeza, mano derecha, pelvis, dedo índice izquierdo, talón derecho, talones, empeines, plantas de los pies…. (Se puede unir el cuerpo desde una parte o varias partes al tiempo) En esta etapa, por cada instrucción que diga el docente deberán cambiar de pareja. 2fase: Siguiendo la instrucción anterior, según la parte o partes dichas por el docente, cada pareja deberá movilizarse manteniendo la postura llevando un ritmo determinado. Puede ser a ritmo musical, según un tempo guiado por palmas, saltando a tiempo, en puntitas de pies, etc.

ALINEACIÓN CORPORAL Y POSTURA: En cuanto a este tema Kayla, es bastante importante reconocer que para la danza debe existir un ajuste corporal perfecto que no permitan lesiones o malas posturas que puedan constituir falencias corporales físicas. La postura, es la forma voluntariamente adquirida en un momento determinado donde la posición de las partes del cuerpo, se relacionan unas con otras y con el peso. Claro Janna, un bailarín debe ser consiente que su cuerpo debe estar alineado correctamente, donde su columna esté en la postura correcta y pueda movilizarse de manera óptima para no generar lesiones futuras o malos hábitos posturales. Exacto, es necesario que sepas que antes de establecer cualquier postura corporal especifica con la espalada, sería interesante que los estudiantes sintieran todas las posibilidades que tiene su columna. De esta forma, pueden evidenciar la plasticidad y movilidad que tiene sin tener que hace mayor esfuerzo que pueda afectarla.

GUÍA POR CERVICALES Y LUMBARES: Trabajo por parejas: uno de los compañeros conecta sus manos sobre el coxis y las cervicales del cuerpo de su compañero. Luego, quien tiene las manos posadas sobre el cuerpo del otro, guiará el movimiento de la espalda de su pareja permitiéndole explorar todas las posibilidades que tiene su columna: curvarse, doblarse, torcerse y alinearse sin realizar ninguno esfuerzo. ¡Qué chévere Janna! Pero será que los estudiantes no se intimidan al hacer este ejercicio! Para ello, es importante la relajación tanto del compañero que está siendo guiado, como del que lo guía. Siempre

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hay que manifestarles a los niños y niñas el respeto por el otro y la concentración. Luego de esta exploración, se puede pedir una alineación que consista en relacionar todo el tiempo el cuello, la cabeza y la espalda, donde la cabeza está bien equilibrada sobre el cuello y así´ la coordinación entre las extremidades y el cuerpo entero será mayor.

Un cuerpo alineado conscientemente: El estiramiento permite que el cuerpo comience a moldearse y concientizarse, así que de igual forma puedes utilizarlo para interiorizar la alineación correcta del cuerpo: ¿Qué puedo hacer?

Componiendo figuras:

Puedes profundizar con el estiramiento básico desde las siguientes posiciones de forma individual

De forma individual los estudiantes deben explorar formas donde se cumplan las siguientes reglas: Alineación de cuello, cabeza y espalda.

Desde la posición (mesa)

Formas donde las rodillas siempre se encuentren alineadas con los pies. Formas a partir de flexiones donde, la cintura pélvica siempre debe quedar alineada con los talones. La idea es que las formas sean realizadas utilizando diferente niveles del espacio (alto-medio-bajo).

Competencia de brazos y manos: Desde esta posición, la idea es que los brazos comiencen a estirarse hacia adelante alternamente donde una mano intentara pasar la otra como si fuese una carrera de carros. De esta forma, la espalda comienza a estirarse a su máximo.

Rotación de brazos: Desde la posición se trata de hacer círculos con los dos brazos hacia adelante, luego hacia atrás y finalmente alternándolos al tiempo donde mientras un brazo va hacia adelante, el otro irá hacia atrás encontrándose siempre adelante.

Desde la posición (souplé): 1 Fase: consiste en intentar tocar los pies con las manos.

4 Fase: sin soltar los talones, intentar tocar con la cabeza las rodillas, luego de lograrlo, seria tocar las rodillas con el pecho.

2 Fase: lograda la etapa anterior, la idea es poner la palma de las manos en el piso.

5 Fase: Finalmente, abrazar las rodillas por la parte de atrás y estirarlas preservando siempre el pecho o la cabeza junto a las rodillas.

3 Fase: lograda la anterior poner las manos sobre los talones.

De souplé a montaña: Después de lograr tocar con las manos el piso, consiste en caminar con las manos hacia adelante hasta formar un triángulo con el cuerpo, sostener 30 seg, y devolver las manos hacia los pies y mantener la posición 30 seg más. – No olvides Kayla que para estas posiciones deben mantenerse los talones en piso, de esta forma se alongar las piernas también. – ¡Claro Janna! De lo contrario es hacer trampa jajaja

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Otros estiramientos:

CONSTRUYENDO LÍNEAS RECTAS CON EL CUERPO.

Dentro de la preparación corporal para la clase, también se pueden realizar estiramiento individuales y en apareja que le permitan a la espalda a largarse de forma profunda

Esta actividad consiste en una exploración de los estudiantes donde puedan construir líneas rectas utilizando diferentes partes de cuerpo y allí mismo comenzarán a explorar otro elemento clave para la danza contemporánea. Los puntos de apoyo.

Ejercicios individuales:

–¡Interesante Janna! Es chévere como se empiezan a entrelazar los temas clase a clase.

PUNTOS DE APOYO Y EQUILIBRIO: Los puntos de apoyo son aquellas partes sobre las cuales podemos poner el resto del cuerpo en equilibrio: algunas de ellas pueden ser pies, manos, cabeza, empeines, antebrazos y a veces en compañía las rodillas. Desde la danza otras partes del cuerpo pueden convertirse en puntos de apoyo donde puede reposar el cuerpo sin ningún problema: hombros y pelvis y otras partes que pueden surgir a partir de ejercicios de exploración. Ejercicios en pareja:

– Mantenerse en equilibrio Janna ¡es muy divertido!, aunque a veces es de decisión y perder el miedo. – Si Kayla, efectivamente. Algunos ejercicios que te pueden ayudar a incentivar el desequilibrio en tus estudiantes son el siguiente:

• Explorando apoyos corporales: Pregúntales a tus estudiantes si conocen los puntos de apoyo de su cuerpo. Luego, comienza a indicarles poner el cuerpo sobre diferente número de apoyos y observa la cantidad de formas que comienzan a manifestar.

utilizando otros apoyos o los mismos si es posible, sin que la pelvis vuelva a caer desde que haya sido levantada una vez del suelo.

COMO UN PÉNDULO DE UN LADO A OTRO:

• Sobre tres puntos de apoyo.

Cuando ya existe una sensación y dimensión del desequilibrio se puede comenzar a jugar con los cambios de peso. Estos le permiten al cuerpo explorar la sensación de permanecer estático por un momento determinados en diferentes posiciones que en varias ocasiones le permiten al cuerpo ponerse en riesgo y reacción inmediata.

• Sobre cuatro puntos de apoyo.

• Jugando a los equilibrios y desequilibrios:

Después, pídeles que pasen de un punto de apoyo, a dos puntos de apoyo, a tres y así sucesivamente o en desorden sin que se muevan del lugar en el que se encuentran. De esta forma comenzarán a explorar la sensación del desequilibrio.

Pídeles a tus estudiantes que se ponga sobre un pie. Luego, que comience a cambiar la posición de su torso, brazos, manos y de más partes, poniéndolas en diferentes direcciones que le impliquen comenzar a perder el equilibrio para que desde la misma forma puedan comenzar a equilibrarse de nuevo.

• Sobre un punto de apoyo. • Sobre dos puntos de apoyo.

• Sin dejar caer el centro: Plantea a tus estudiantes que se acuesten boca a arriba en el suelo. Luego, pídeles que eleven la pelvis y finalmente indícales que comiencen a cambiar de posición su cuerpo sin que la pelvis vuelva a caer al piso. De esta forma los niños y niñas comenzarán a buscar diferentes puntos de apoyo fuera de los normales que les permitirá equilibrar su peso y mantenerlo. Este ejercicio también fortalece su centro y les eleva su capacidad de imaginación.

• De arriba abajo y de abajo a arriba: Propón a tus estudiantes que desde la posición paralela utilizados diferentes apoyos corporales (máximo 3) lleguen al piso de forma que la pelvis sea lo último que llegue. Luego, deben devolverse a la posición paralela

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Después, utilizando música o ritmo, los estudiantes deben comenzar a caminar en el espacio de forma normal y cuando se encuentren con alguien deben construir una figura sobre un solo pie y seguir su camino. Luego deben unirse, tres, cuatro cinco y así sucesivamente hasta que se unan todos si se armen imágenes colectivas desde los desequilibrios y equilibrios logrados.

te. – Podríamos iniciar Kayla con explorar algunas invertidas, que le permiten a los estudiantes sentir la sensación y el equilibrio del centro mediante diferentes posiciones como: • Posición mosquito.

– Hasta aquí Kayla, hemos explorado y hecho el preámbulo a la concientización de cuerpo manifestando diferentes dinámicas que puede lograr activando cosas que se utilizan de manera constante en la danza contemporánea: desequilibrios, equilibrios, curvas, líneas, diferentes puntos de apoyo entre otros elementos que permiten al cuerpo construir otras estructuras de movimiento diferentes sin tener que implantar una técnica específica. – ¡Maravilloso Janna! Todo el tiempo lo que hace el maestro es guiar a los estudiantes mediante ejercicios e imaginarios en diferentes situaciones que comienzan a disponer el cuerpo para la creación. La imaginación en una constante dentro de cada ejercicio y los niños a través de ellos pueden no solo comenzara danzar sino a divertirse fabulosamente. – Claro Kayla, eso es importante, bailar y moverse libremente.

• Vela

– Continuemos Janna

CONTROL DEL CENTRO CORPORAL Después de todas estas sensaciones percibidas y ejercicios logrados, se puede entrar a un tramo un poco más complejo: el manejo y control total del centro corporal. Elevar los isquiones y la pelvis permite concentrar la energía de manera controlada en el bailarín; llevándolo a explorar otro tipo de posiciones y formas corporales un poco más complejas tanto individual como colectivamen-

• Parada de cabeza.

se mantengan siempre alerta para que no ocurran accidentes. – Está bien. – Otros ejercicios que pueden ayudar al control del centro son: • Rollo adelante y hacia atrás pasando por los hombros. • Rollos hacia atrás pasando por todo el centro del cuerpo sin torcer la cabeza hacia algunos de los lados. • Realizar la caída de la hoja. • Hacer la canasta. • Hacer arco.

NOTA (Janna): Estas posiciones permiten evidenciar las formas de como el cuerpo debe acomodarse para ponerse en equilibrio. Sirven para que los estudiantes exploren la sensación de mantener su centro elevado. – Pero eso es muy difícil Janna, además da miedo. – No es difícil Kayla, es cuestión de saber acomodar el cuerpo. La decisión de elevarse depende de la persona, porque el miedo es un bloqueo por el cual el cuerpo no fluye. Siempre debes incentivar en los estudiantes la idea de tomar el riesgo de hacer las cosas y de tener cuidado a la hora de hacerlas para que no se lastimen ni puedan lastimar a otros. – Bueno. – No olvides que los niños y niñas de esa edad asumen más riesgos porque les da menos miedo. No te preocupes tanto, más bien incentívales a que tomen los riesgos y

– Y ¿en parejas puedo hacer cosas, para que los niños se integren y tengan más confianza?

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– Por supuesto Kayla, puedes hacer las siguientes actividades:

• Preparatorio para realizar la paloma:

• Preparatorio para hacer rollos hacia a delante:

• Preparatorio para pasar por el arco sobre la espalda del compañero: • Entregas de peso y control. Bajo esta dinámica de trabajo en parejas y trabajo grupal, también se permiten trabajos para la entrega de peso entre compañeros. Estas dinámicas permiten dos cosas: adquirir confianza en el otro y control corporal. La tablita. En parejas. Uno de los integrantes juntará sus pies y se pondrá rígido como una tabla mientras su otro compañero comienza a mandarlo hacia atrás para que le entregue y su peso y le permita volverlo a su posición inicial.

zas corporales que luego manifestarán en posteriores ejercicios de recorridos y secuencias de movimiento.

SUSPENSIONES: Dentro de la danza contemporánea es bastante común encontrar figuras y pasos que evidencian las suspensiones que permiten otro tipo de desplazamientos y formas de movimiento. Ello se puede lograr a través de trayectos que permitan que el estudiante pruebe como llegar de un lado a otro o pasar de una figura a otra mediante ese tipo de elevaciones. Suspender los isquiones desde el piso implica elevar el centro y poder llegar a un punto de equilibrio que suspenda el cuerpo en determinado momento partir de un impulso o salto. Puede realizarse de diferentes formas: • El balanceo

• Saltos en paralelo

Tres personas. Una se pone en el centro de otras dos en posición rígida y las personas que están a los extremos comenzarán a lanzarlo de un lado a otro sin dejarlo caer, teniendo la precaución de no lastimarlo o lanzarlo muy fuerte. • El círculo compacto. Varias personas: En un círculo, un voluntario se pondrá en el centro en posición rígida y dejará que sus compañeros lo balanceen en diferentes direcciones. No deben dejarlo caer ni permitir que se desestabilice su centro. – Estos ejercicios son muy divertidos Janna. La sensación es un poco de vacío y de adrenalina también. – Sí. Los estudiantes se divierten muchísimo y de paso van adquiriendo la conciencia y el control tanto de su cuerpo como de su centro permitiéndoles adquirir otras destre-

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• Saltos atravesando el espacio Saltos en formas variadas.

• Saltos en primera posición

– Hasta este momento ya hemos abarcado los elementos básicos que necesitamos tener encuentra frente a destrezas corporales, postura, forma y equilibrio que le permitirá muchas más posibilidades de movimiento a partir de diferentes pautas que ayudarán a construir en los estudiantes su propia danza.

• Saltos en paralelo.

–Janna ha sido muy chévere y dinámica esta primera parte. Porque a través de ella he entendido otra forma de aprender a bailar sin necesidad de tener que ejercer una sola técnica o un solo esquema de movimiento, además el juego y la lúdica cumplen un papel fundamental en el desarrollo de este proceso y eso me asegura un poco más en que los estudiantes se motiven día a día por mejorar y explorar más tanto su cuerpo, como sus destrezas físicas e imaginación. – Perfecto Kayla. Ahora ya podemos pasar a la siguiente parte de nuestro camino. La plasticidad del cuerpo, donde te enseñaré como motivar a los niños a que comiencen a crear desde su cuerpo formas y primeros movimientos a partir de los elementos que hayan podido adquirir. Prepárate física y mentalmente porque mañana tu cuerpo comenzará a moldearse desde la palabra. Mañana la forma hará de ti un nuevo ser. – Claro Janna ¡Que emoción ya quiero seguir a la otra etapa! Por ahora iré a descansar, aquello de las posturas y el cuerpo me ha dejado un poco agotada. – Ve y descansa, nos vemos mañana.

ERCER DÍA

LA PLASTICIDAD DEL CUERPO: Construyendo formas

Ya ha vuelto Kayla a su siguiente encuentro dentro del espacio personal que tiene con su hermana. Su pequeño salón de danza en casa. Janna ha regresado de trabajar y junto a su hermana mientras comen unos deliciosos chocolates Janna prosigue con su enseñanza sobre el siguiente tema: La composición de formas a partir del cuerpo. –Mientras nos comemos estos chocolates Kayla, voy a referenciarte otros aspectos importantes dentro de la danza: el código y el significante, dos términos fundamentales que están inmersos dentro de todo el significado que se le puede dar a todo lo que se crea en danza. -¿Código? ¿Significante?, estos términos hacen parte del sistema nominal de comunicación. Porqué han de ser importantes aquí Janna. -Lo son, porque sujetan algo llamado teatralidad, un término en el cual tal y como no lo manifiesta Ramiro Guerra, abarca todo acontecimiento, acaecer, acción o evento, que en tiempo o espacios determinados, se expresa a través de varios códigos o sistemas significantes que actúan simultáneamente con la intención de transmitir una información con significado artístico.4 -¿Qué quiere decir todo eso?

Cuando encontramos motores imaginativos que detonan la creatividad, se comienza a evidenciar que el cuerpo comienza a reaccionar de algún modo frente a alguna palabra, sensación, sonido, entre otras manifestaciones. Es en ese momento, cuando los infantes entran en una atmosfera distinta para reconocerse a sí mismos y para poder comunicarse con los demás de otra forma. A partir de su ser físico en el espacio.

-Vamos por partes Kayla. Par que entiendas el concepto de forma dentro de la danza, decidí enseñártelo a partir de estos dos componentes. Si bien, la construcción de formas con el cuerpo, son la mínima parte compositiva a criterio personal sobre el acto creativo desde la danza que se hace visible en cuerpo. -Tienes razón Janna, no lo había notado. Evidentemente, en un laboratorio para la danza lo primero que asociamos a 4. Guerra, R. (1999). Coordenadas Danzarias. La Habana: Ediciones Unión.

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las que podemos reproducir esas sensaciones, emociones e ideas, y a partir de ellas creamos lo que sigue: transiciones de forma a forma que componen movimientos, luego, de movimiento a movimiento que construyen secuencias que se convierten en composiciones danzadas, significantes y comunicativas para el espectador.

lenguaje de movimiento propio con el cual van a comunicarse, y allí tú evidenciarás que cada uno comienza a apropiar sus propios códigos para su danza, su propio estilo. Es normal que algunos de los códigos hayan sido transmitidos por ti, pero lo interesante va a ser cuando aquellos códigos configuren un nuevo significado a partir de cada persona. -Interesante Janna. Así como el interesante sabor de estos chocolates ¡qué cosa tan deliciosa! -Sí, que delicia pero no te distraigas, lo que te digo es importante. –Lo siento es que el chocolate me pone mal. Está bien. Por otro lado, el significante, abarca cada forma que realicen. Aquellos conceptos que sustentan los primeros hallazgos que los niños pueden hacer desde las formas que hagan con sus cuerpos.

-Muy bien Kayla, es una apreciación acertada. No podría haberlo dicho mejor. Dentro de ese contexto, en el marco de la enseñanza infantil para la danza. Los cuerpos de los niños comienzan a moldearse, después de haber adquirido una conciencia corporal que les permite tener una disposición concreta para los primeros hallazgos de su movimiento propio en la danza. Es entonces, cuando la forma puede determinarse como la estructura mínima antes del movimiento que tiene una serie. -Entiendo. -Visto esto puedo decirte, que el código puede definirse como las formas que comienzan a repetirse momentáneamente dentro del cuerpo de cada niño y entretejen su

Por ejemplo: Pedir a un niño que construya una forma a partir de la palabra árbol. El código es el lenguaje de la danza que el utiliza, su propio código que seguramente va a tener algunas características específicas, como (manos en la misma posición, mismo gesto…) y el significante es la representación o concepto mental de lo que es un árbol para el niño, lo cual lo llevará a realizar su apropiación con el cuerpo. – Claro Janna, seguramente esto es lo que hará que existan muchos árboles distintos dentro del salón de danza. Ya entiendo, cada niño hace una abstracción diferente de su mundo y la repercute a partir de sus propios códigos danzarios dentro de las diferentes formas que puedan hacer.

– Muy bien Kayla. Ahora si podremos continuar con los ejercicios que te ayudarán a potencializar esta parte. Donde ya no vas a juzgar cuando alguna forma que hagan los infantes no entiendas, pues has reconocido que cada creación mental es distinta en cada infante y por ende lo que hagan con su cuerpo nunca será parecido a lo que haga el cuerpo de algún compañero. Y ¡es maravilloso!, porque tras de eso, un mundo de composición para la danza es lo que les espera.

• Con líneas curvas (utilizando ángulos y realizando contracciones con el cuerpo.

– Genial Janna, es un aprendizaje bastante gratificante para mí, continuemos.

– Claro Janna, la práctica de la danza ha dejado bastante aprendizaje en mí.

– Está bien, te describiré de la forma más simple los ejercicios que yo realicé muchas veces dentro de mi práctica con los niños. Ponte de pie porque vamos a realizar algunos de ellos juntas. Ponte frente al espejo y vas a realizar lo siguiente:

– Muy bien ahora pasemos a algunos juegos que puedes realizar.

– Bueno

EXPLORACIÓN DE FORMAS GESTUALES

• Con líneas rectas. • En diferentes dimensiones (grande, pequeño, contraído, extendido) – Muy bien Kayla, la noción de la forma es clara en ti.

• Jugando a los congelados La dinámica consiste en que los estudiantes realizarán movimientos libres y espontáneos acorde a un ritmo musical planteado por el docente, puede por medio de una pista musical, o pulso que lleve el quía y apeas para el sonido los estudiantes deben quedarse quietos. Continuar la actividad alterando velocidad, imaginarios, niveles, puntos de apoyo, invertidas y demás elementos que se hayan utilizado y aprendido hasta el momento.

SIMETRÍA Y ASIMETRÍA CORPORAL Para este punto es necesario entender los planos del cuerpo: – ¿Los reconoces Kayla? – No del todo, mejor refréscame la memoria – Realiza con tu cuerpo las siguientes formas:

–Los planos del cuerpo son los siguientes:

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POSICIÓN ANATÓMICA

PLANO FRONTAL

Cuerpo derecho, pies juntos y paralelos, brazos a lo largo del cuerpo, palmas hacia enfrente.

Divide el cuerpo en dos mitades (anterior y posterior) PLANO TRANSVERSAL

PLANO SAGITAL

Divide el cuerpo en dos mitades (superior e inferior)

Divide el cuerpo en dos mitades (derecha e izquierda)

Simetría: es cuando los puntos son equidistantes en relación a una línea o cunado ambos lados del cuerpo realizan la misma forma o movimiento. Asimetría: es el contraste o desigualdad que hay entre los dos puntos sobre la línea o cuando hay dos movimientos distintos en el cuerpo. Luego de que los estudiantes entienden esto podrán realizar actividades como:

• Formas enlazadas: Realizar una sucesión de formas a partir del plano (sagital, frontal o transversal) que sean simétricas y puedan contar una historia determinada. De igual forma esta actividad también puede realizarse a partir de la asimetría o combinando los diferentes planos:

Ejemplo NACIMIENTO:

NOTA: Puedes pedirle a tus estudiantes que luego de haber construido su historia anoten en su bitácora, que plano utilizaron y los movimientos simétricos o asimétricos según el plano correspondiente realizaron. • Actividad del espejo simétrico: Consiste en que por parejas realizarán los mismos movimientos o formas acorde a diferentes partes que les corresponda. La consigna es que sea el mismo movimiento siempre acorde a línea. • Formas asimetrías con el compañero: Consiste en un trabajo de parejas, donde los estudiantes pueden explorar y encadenar diferentes formas posibles, variando los planos, puntos de apoyo y la intensidad del movimiento.

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• La estatua mayor: La dinámica consiste en que un estudiante plantea una esta y sus demás compañeros deberán seguirla. Luego, propondrá otro y así sucesivamente según indicación del docente. COMENTARIO (Janna): La repetición de respuestas breves ejercita la memoria del movimiento como una sensación en el cuerpo. La formas cambiantes del líder, estimulan su creatividad y a sí mismo la reacción y capacidad de observación del grupo y capacidad de respuesta. – Que chévere Janna, los infantes podrán divertirse muchísimo. FORMAS A PARTIR DE IMAGINARIOS

–Van a estar felices, te lo aseguro. Continuemos.

• Jugando a las estatuas:

• Moldeando un muñeco

Cada estudiante es una estatua y puede cambiar de posición acorde a los imaginarios que establezca el docente (muñeco, carro, mariposa, rojo, verde, linterna). Se pueden brindar estímulos creativos enseñando la diferencia entre estatuas grandes, altas, en los diferentes niveles, estiradas o encogidas. • Diálogo entre estatuas (reconociendo el estacato): Las posiciones pueden extenderse a secuencias de respuesta. Uno de los compañeros se mueve y el otro responde, y así continua. A esta dinámica se le puede agregar contrastes de velocidad (lento-rápido) así como intenciones (disgustado-triste-feliz).

En este juego la idea radica en moldear el cuerpo del otro, para que este realice diferentes formas. 1era fase: Uno de los compañeros se acuesta y relajará todo su cuerpo 2da fase: Su compañero o compañeros comenzarán a movilizar sus articulaciones y a partir de ello comenzarán a moldear diferentes posiciones de su cuerpo que darán como resultado diferentes formas.

NOTA: No olvides que esta actividad debe realizarse con mucha atención y cuidado ya que implica entera confianza en el grupo de trabajo, preferiblemente realizarla en silencio para que los estudiantes puedan concentrar toda su energía en el compañero que está siendo moldeado.

• A partir de objetos (mesa, silla, tabla, florero…) • A partir de animales (gorila, pollo, dinosaurio, león, tortuga, avestruz…)

• La orquesta

• A partir de elementos (agua, aire, fuego, tierra)

El docente, que en este caso serás tú, dará 5 instrumentos específicos (tambor, flauta, piano, trompeta, guitarra)

• A partir de emociones (tristeza, alegría, enojo, soberbia, tranquilidad…)

1fase: cada estudiante explorará según indicación del docente la realización de la forma con su cuerpo. 2fase: luego de tener la forma, intentarán ponerle sonido a aquella forma y enlazarla con otras formas que puedan representar el mismo instrumento sin abandonar el sonido. 3fase: se formarán grupos de 5 integrantes y luego cada uno será un instrumento distinto. Realizarán la misma dinámica intentando realizar tanto los movimientos como los sonidos de forma armónica para que puedan sonar como una orquesta. –Debe verse muy curioso este ejercicio hermana. Ya los imagino haciendo con el cuerpo el instrumento y el sonido. – Si, es muy chévere verlos. Aquí también puedes aplicar lo de los resonadores. Será fantástico para ellos. –Buena idea.

GESTOS CREATIVOS Imaginarios específicos: • A partir de colores (rojo, verde, amarillo, café…)

–Este módulo te ayudará a despertar dentro de tus estudiantes creatividad, imaginación y estímulos creativos que posteriormente podrás potencializar mediante el movimiento, para que luego tus pequeños bailarines puedan crear su propios movimientos para la danza. –Sorprendente Janna. Es muy bello ver como la creatividad se apropia de los cuerpos, estos pequeños mundos que tienen en su ser mil maravillosas ideas y pensamientos por comunicar, y que mejor que desde su cuerpo como herramienta para hacerlo.

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–Que buena reflexión Kayla. – Gracias. ¿Cuándo nos veremos de nuevo? – Mañana, en la tarde cuando tu hayas llegado de la universidad y yo haya llegado de mi clase de ballet y contemporáneo. –Ok hermana, mañana tendremos nuestra siguiente cita de clase –Muy bien, por ahora tú te vas a hacer tus trabajos y yo me iré a planear mis clases –Bueno.

UARTO DÍA CUERPOS MOLDEABLES: Lenguaje del movimiento

Como se ha visto desde un principio, la riqueza del movimiento desde la danza contemporánea ha permitido diferentes formas y sensaciones que se conectan desde las imágenes, formas y espacios en los que el movimiento nace del interior y se manifiesta de forma armónica a través del cuerpo. Bajo esta realidad, sería prácticamente imposible estudiar las infinitas variaciones y pasos que realiza el cuerpo para la danza, pero en lugar de hacer ello, podríamos estudiar la práctica del movimiento como una creación nacida del espíritu interior que todos llevamos dentro y que los niños hacen consiente desde todas las abstracciones que hacen de su mundo, donde la imaginación y la creación dan vida al movimiento danzado.

En este punto, tomaremos unos principios fundamentales para trabajar, los cuales son: el flujo de movimiento, el dominio consiente del movimiento y los elementos esenciales de este: esfuerzo, energía y dinámica. Bajo esto parámetros Janna le explicará a Kayla en su encuentro del día de hoy, nuevas metodologías que ella puede involucrar dentro de su enseñanza para conectar el cuerpo de los niños dentro de un espacio, el cual se convierte en una esfera mágica donde el movimiento es cada trazo que hace el cuerpo dentro de un lugar dotado de sensaciones y emociones, que comienzan a entretejerse para narrar ideas, historias, emociones y sensaciones a través de la materia física. Eso que llamamos bailar y danzar donde cada movimiento es una palabra de un cuento contado por cada uno de nosotros. Comencemos –Janna, ya he podido entender que el cuerpo construye gestos y formas que hablan a partir de diferentes imaginarios, pero quisiera bailar, de hecho comenzar a hilar todas esas formas que se me ocurran para contar historias ¿Cómo puedo hacerlo? Y ¿Cómo puedo incentivarlo en los niños? –Kayla, es súper importante entender primero que todo, qué es el movimiento, pues como fuente primordial de la danza implica una serie de conceptos, elementos y característica tanto en la práctica, como en la enseñanza que debes tener muy en cuenta.

POETAS DEL MOVIMIENTO: Talleres de arte donde la danza nace de la experiencia.

–Bueno, explícame por favor, tengo mucha emoción por aprender. –En mis manos, tengo un libro bastante importante del cual voy a leerte una parte para que te vayas familiarizando con el tema, dice: Se ha demostrado que la mejor herramienta para el maestro de la forma contemporánea de la danza no son la serie de ejercicios estandarizados, sino los temas básicos de movimiento y sus combinaciones y variaciones. La idea directriz es que el maestro debe encontrar su propia manera de estimular el movimiento, y posteriormente la danza, en sus alumnos, eligiendo entre una colección de temas de movimiento básicos aquellas variantes adecuadas a la etapa y al estado de desarrollo reales de un alumno o de la mayoría de la clase.5 –Osea que yo no puedo dar una misma clase para diferentes grupos ¿verdad? –Es cierto, no pues hacerlo, porque cada grupo así sean de la misma edad o rango de edades, los cuerpos siempre son diferentes, así como sus condiciones físicas o disposición para trabajador dentro de las clases de danza, por ello es tan importante siempre realizar primero un diagnóstico y luego a partir de ello construir todo el plan de trabajo.

puede explicarse mediante todo esos cambios espaciales de posición donde se puede describir un punto exacto en el que comienza un movimiento; el punto al que se conduce o al que llega. La unión de estos dos puntos, puede describirse como la estera de movimiento que se dibuja dentro del espacio; aquella que es la “trayectoria” por la que se desplaza el movimiento. Sea que el cuerpo se mueva o esté detenido, lo rodea el espacio y alrededor de un cuerpo siempre habrá una “esfera de movimiento”, la cual está delimitada por las extremidades extendidas del cuerpo que puede permanecer estática o trasladases a diferentes puntos del espacio. –Wow, que definición tan específica. Hasta parece una definición científica jajaja. Si lo pensamos de esa forma, cuando bailamos dejamos esteras de movimiento, las cuales como su nombre lo indica son las que comienzan a llenar de contenido el espacio escénico, donde las formas enlazadas con transiciones, desplazamientos e intención es lo que llamamos danza. –Exacto Kayla, una buena forma de reafirmar lo que te he dicho, sin necesidad de burlarte. Jajajaja. –jajaja

– ¡Claro Janna! es lo más consecuente pedagógicamente. –Por supuesto. En primera medida, definamos qué es movimiento. Se ha determinado que todo movimiento tiene lugar como el traspaso de una forma o posición espacial a otra, o de un gesto a otro. Por consiguiente, cada movimiento

5. LABAN, R (1993) Danza educativa moderna, España: Editorial Paidós

– El ser humano en su que hacer cotidiano se mueve para poder entrar en relación con otros y consigo mismo, para conocerse, situarse y transformar creativamente el mundo, si bien, se expresa y se comunica desde sus gestos, sus movimientos inconscientes, sus posturas y todo el lenguaje corporal que abarca en su rutina diaria dentro de su contexto. En esa relación armónica que teje con las otras personas comparte juegos de ritmo, movimiento y gesto en la danza “movidas” por la música, el goce de vivir y todas a aquellas experiencias que van ligadas a la arte danzario.

–Como te venía diciendo, dentro de la metodología para la enseñanza del movimiento en la danza es importante recocer diferentes aspectos como:

Es así, como el cuerpo en movimiento exige toma de conciencia del propio cuerpo, de su unidad orgánica, del espacio que ocupa y del tiempo en que se mueve6 donde a partir del movimiento espontáneo los infantes pueden desarrollar una personalidad crítica, constructiva y creadora que les facilitará desarrollarse como un ser individual y colectivo dentro de su sociedad donde todo movimiento puede ser aprendido, decodificado y creado.

Gestica: Movimiento de las diferentes partes del cuerpo que no tiene el peso total del mismo, es decir, rotaciones del tronco hacia los lados, movimientos de cabeza de un lado a otro, balancear el pie, entre otros.

–Claro Janna, el movimiento es un motor humano que atraviesa todos los canales de comunicación, y al construirse de forma armónica puede llegar a dialogar con otro sin la necesidad de la palabra hablada. Algo que yo podría determinar como una poética de cuerpo y el movimiento. –Que buena metáfora Kayla, me gusta mucho cuando te adentras con esa pasión frente a los temas. Es bello escucharte decir esas cosas. –Gracias hermana, es que la danza aflora en mí, algo más que simplemente bailar. –Qué bueno, pero debemos continuar, porque o si no nos vamos a poner sentimentales jajajaja. –Jajaja, sigamos.

Según Rudolf Von Laban el movimiento del trabajo, la vida cotidiana y la danza están referidas en cinco acciones corporales básicas: Posición: Cuerpo estático de aparente inmovilidad, donde el sujeto está en reposo en una momentánea quietud y tensión equilibrada.

Rotación: Giro del cuerpo sobre el mismo eje. Locomoción: Movimientos corporales desplazados de un lugar a otro en diferentes formas y dinámicas como saltando, corriendo, dando pasos, gateando, rodando por el suelo, arrastrándose, deslizándose etc. Elevación: Sensación de levantarse y erguirse totalmente donde todos los movimientos y recorridos van en contra de la ley de gravedad por medio de saltos sencillos, saltos suspendidos, relevé etc. A medida que el cuerpo se mueve comunica, y el cuerpo es una unidad de movimiento que constantemente se expresa y dialoga con los otros generando vínculos, relaciones y lazos sociales desde lo artístico y desde lo cotidiano. 6. MINISTERIO DE EDUCACIÓN NACIONAL (2000) Serie Lineamientos curriculares en educación artística. República de Colombia : Ministerio de educación nacional

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–No entendí esa parte Janna. –Te explicaré. Dentro del movimiento también existen dinámicas, que convierten el movimiento en fluido, súbito, entrecortado, sostenido u otras. Lo cual a la hora de ejecutar, da otras sensaciones y mensajes para el espectador. Estas dinámicas de movimiento cambian acorde al tipo de esfuerzo, tiempo y energía que el alumno implante dentro de cada movimiento que realice, por ejemplo: Para movimientos entrecortados, un imaginario que podríamos utilizar sería el movimiento de un robot. La segmentación del movimiento que realiza permite entender que la energía es cortada de forma súbita dentro de un tiempo determinado para dar paso a otro movimiento con otra parte del cuerpo.

–Que interesante Janna, el estudio del movimiento es complejo, pero bastante vital a la hora de ensañar. –Si, a veces puede ser un poco denso poder definir todo este tipo de cosas, pero son elementales para personas como tu Kayla, que serás una gran maestra de danza en su momento y deberás tener todo esto claro para poder aplicarlo como tú quieras. –Es cierto. –Continuando, es bastante importante reconocer que así como las letras del alfabeto forman palabras que disponen oraciones, así mismo los elementos simples del movimiento como la forma, el tiempo, el peso, el espacio y el flujo, se integran en otros más complejos como esfuerzo, energía y dinámica que finalmente permiten frases de danza.

–Claro Janna, que divertido. Hacer como un robot y luego intentar hacer como una mariposa, tan liviana tal vez como el viento. Creo que es eso lo que me tratas de decir. –Exacto. Cada dinámica de movimiento es la utilización de la energía de forma distinta, pues la manera en que se ejecuta un movimiento está determinada por la “textura” o “calidad”, esto es, por el flujo de energía que inicia, conduce y controla el movimiento. Más que ninguna otra cosa, el uso de la energía conduce a una acción ordinaria a otra dimensión: a su estado escénico. Ejercer una ligera tensión, o incluso una falta de tensión, en un movimiento, cambia el impacto de la acción. En un gesto simple, el énfasis puede hacerse al inicio, a la mitad, al final o pueden darse varios acentos (tensiones) . De hecho los acentos o cambios de energía en el movimiento pueden ser colocados de forma regular o irregular.

7. ISLAS, H (2001) De la historia al cuerpo y del a la danza. México: CONACULTA

–Ahora entiendo Janna, acorde a la energía que utilice y dependiendo de los acentos que haga, dará el resultado de las dinámicas de movimiento, por ejemplo: Súbito: Acento al final del movimiento. Fluido: Acento al principio del movimiento, se proyecta al infinito y continúa siempre. Segmentado: Acentos espaciados regularmente. Sostenido: movimiento que llena todo el tiempo determinado para la acción.

–Dentro de esta experiencia de movimiento de acciones de esfuerzo podemos destacar varios acercamientos como: presionar, retorcer, deslizar, flotar, golpear y dar latigazos los cuales tienen actividades específicas que te daré luego. –Que chévere hermanita, este tema del movimiento es súper interesante, porque veo las múltiples posibilidades que tiene a partir de sensaciones simples que mescladas con otros elementos un poco más complejos dan una diversidad de movimiento expresivo, que funciona dentro de la danza como oraciones cantadas por el cuerpo.

Vibratorio: Movimiento repetitivo con varios acentos. –Muy bien Kayla, veo que has entendido de forma eficiente el tema. –Sí, de hecho ya se me han ocurrido ideas para componer movimiento. –Qué bueno. Pero antes de pasar a las actividades quiero que sepas este último aspecto importante. – ¿Cuál es? –Es el aspecto que tienen que ver con esfuerzo, relajación y descanso. La danza moderna desde sus albores ha destacado la importancia del movimiento de balanceo, en donde una fase aparentemente relaja se combina con una fase relativamente fuerte; la relajación también puede ser activa y consistir en movimiento. Siempre habrá un intercambio entre esfuerzos para conseguir ligereza, flotabilidad y esfuerzos de fuerza y peso. –Que interesante, continúa.

–¡Eso es! Qué bueno que hayas comprendido a plenitud el tema. Ahora si daré paso a diferentes métodos que utilice en su momento para estimular el movimiento en los niños. Recuerdo mucho, que al enfrentarme por primera vez dentro de un salón de clase, tuve conciencia de que debía hallar movimientos primordiales dentro del cuerpo de cada estudiante, palabras que durante el desarrollo tuvieran el máximo de la expresión y que los estudiantes recordaran al pasar el tiempo y aquellas palabras que utilice se acoplaron espontáneamente al mundo poético. Descubrí así que podría provocar tensiones, distensiones, equilibrios, contracciones y extensiones, y de más con palabras como: lluvia, tierra, mar, disco rayado, entre otras que dieron los primeros visos de movimiento libre para los estudiantes.

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–Qué lindo Janna, que experiencia tan fascinante. Ojala yo pueda disfrutar de una así en algún momento. –Claro que sí, sé que lo harás y se te facilitará un poco más con las actividades que te daré a continuación:

ESTAR CON EL OTRO

Consiste en caminar por el espacio y en determinado momento comenzar a seguir a un compañero al azar. Es posible que al seguir a otro compañero, otro as u vez me siga así mismo. NOTA: En esta dinámica es probable que se creen grupos o líneas de movimiento concretas en el espacio.

DINÁMICAS DE MOVIMIENTO

• Un diálogo corporal Esta actividad consiste en un juego de pregunta respuesta con un compañero. 1fase: Ubicarse en parejas 2fase: uno de los integrantes iniciará un movimiento y el otro responderá a este con otro movimiento NOTA: en esta actividad pueden utilizarse las dinámicas de movimiento, los niveles del espacio e imaginaros para que se condense más la situación y la acción

Dentro de esta temática querida Kayla, es muy importante contar con los imaginarios que susciten las dinámicas a trabajar para que los participantes puedan lograr el objetivo.

• Exploración dinámica Esta dinámica consiste en reaccionar acorde a diferentes imaginarios que susciten diferentes dinámicas de movimiento:

• Sincronía del movimiento.

Imaginarios para trabajar: Un disco rayado, agua, robot, tener nervios, estar loco detener el tiempo….

Esta actividad se desarrolla en varias etapas:

• Jugando con nuestro sistema interno

1fase: Se forman filas de 5 personas.

Materiales: Fichas didácticas con los diferentes sistemas del cuerpo humano (sistema nervioso, sistema óseo, sistema muscular…) e imaginarios relativos a cada sistema.

2fase: Cualquier integrante de la fila iniciará un movimiento y los demás deberán seguirlo. 3fase: En determinado momento, la fila deberá comenzar a moverse por el espacio cambiando de direcciones y todos los integrantes en determinado tiempo deberán liderar los movimientos.

• Siguiendo huellas

1fase: El grupo se dividirá en equipos de trabajo 2fase: A cada grupo se le entregará el material didáctic 3fase: cada grupo compondrá movimiento a partir de los imaginarios que están el material didáctico EJEMPLO: Sistema nervioso, disco rayado, estar loco

MOVIMIENTO FLUIDO โ ข Composiciรณn de movimiento desde imรกgenes, formas e imaginarios. Esta actividad consiste pasar de un una forma a otra sin cortar el movimiento. 1fase: Construir 5 formas con el cuerpo acorde a un imaginario concreto. 2fase: Ligar las figuras corporales creadas de forma fluida sin cortar el movimiento.

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UINTO DÍA

UN BAILARÍN QUE DANZA: Movimiento en el espacio

Para esta parte, luego de tener un panorama de que nuestro cuerpo es creador de formas, gestos y movimientos propios que comienzan a contar historias y hablar por sí mismo mediante el lenguaje danzado, pasamos a reconocer el espacio donde el bailarín cobra vida y donde este, a partir de la danza se transforma en un mundo de posibilidades, escenarios y esferas fantásticas que se narran desde el movimiento, los sentimientos, las emociones , el público y aquellos cuerpos que son la materia prima de la danza creativa. -Que fantástico Janna ¡es maravilloso! -Si Kayla, a este punto, es necesario reconocer las partes esenciales del espacio, sus dinámicas, trayectos, planos y de más elementos que debes tener en cuenta para tu labor de enseñanza con la edad infantil. Comencemos por determinar ¿qué es el espacio? – Por supuesto

Janna y Kayla ya se en cuentan en casa, las dos han terminado nuevamente sus labores y han descansado un poco de la rutina de su día donde clases, entrenamiento y el agotador transporte masivo, deja esas huellas de cansancio y desgane de hacer cualquier tipo de actividad. Cerca del crepúsculo vespertino, estas dos hermanas se reúnen en su sitio personal de encuentro y continúan con la siguiente lección, situándose en que el movimiento nace del interior, vive en el cuero y se proyecta en el infinito horizonte del espacio.

– Según Rudolf Von Laban, el espacio se determina a partir del cuerpo del bailarín, lo que nos da a entender que el cuerpo desde el dibujo de sus formas hace indispensable el espacio para el cuerpo en movimiento. El espacio entonces se hace a medida que el cuerpo baila y el movimiento puede transformar un espacio vacío y convertirlo en contenido lleno de dinamismo, emoción y discurso corporal. – Pero Janna, usualmente yo entiendo como espacio para la danza los salones de clase, los teatros, las plazas y los lugares no convencionales, osea que ¿eso es incorrecto?

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– No lo es, pero de una u otra forma los anteriores son lugares que se convierten en espacios para la danza mediante todo lo que se genera, se crea y se entreteje allí. Estos sitios se hacen espacios porque el cuerpo dentro de estos lugares transforma la realidad y construye lugares mágicos que narran historias, ideas, emociones y nuevas energías; ya no son los simples salones, teatros o lugares no convencionales, sino son espacios fantásticos donde hay sentimientos, movimiento, cuerpos, pensamientos e intenciones que dialogan con la gente y exponen un discurso propio de todo aquello que se quiere decir. – Ya entiendo Janna, la magia de la danza puede transformar cualquier sitio en un espacio artístico desde el movimiento. – Exacto Kayla. A su vez el espacio cuenta con algunos elementos complementarios como: Dirección: Donde hablamos de movilidad, lateralidad, líneas rectas y curvas en el espacio y recorridos en los diferentes niveles como bajo (en el piso), medio (sobre el eje transversal del cuerpo), y alto (a la altura normal de cada ejecutante) Dimensión: Alto, ancho y profundo en el espacio convencional en donde se trabaje el cuerpo en movimiento. El punto: Es el elemento gráfico básico y conforma la unidad mínima de la comunicación visual y tiene como características fundamentales que cuando se encuentra solo tiene poder de atracción, si se añade a otro punto genera tensión y hay contraste cuando a toda una serie de puntos en un mismo campo. Línea: Sucesión y conexión de puntos en un mismo espacio, que al compactarse genera dinamismo definiendo direcciones en las composiciones que se realicen.

– Que interesante Janna, nunca habría pensado el espacio de esa manera. Son demasiadas cosas a tener en cuenta y muchas veces los docentes no son conscientes de ello. – De igual forma, al espacio se le anexan dos tipos de espacio anexos vinculados a la escena y al individuo: Espacio escénico: Definido como el área física en la que se contiene la danza donde hay planos como proscenio, primer plano, segundo plano y tercer plano. Espacio personal: Entendido como el espacio de la vida cotidiana y la danza de cada intérprete o explorador de movimiento que constantemente se transforma acorde a las situaciones afectivas, los estados de ánimo o periodos de tiempo. – Súper importante para tenerlo en cuenta a la hora de dar la clase. El espacio vital y personal es fundamental, porque ahora con tantos problemas de afecto que tienen los niños es necesario buscar la forma a partir de la danza de construir espacios que nazcan de la experiencia para que se fundamente el movimiento. El lenguaje danzario así canaliza y establece como material de danza la memoria emotiva, los recuerdos, sentimientos que desde lo abstracto se hacen tangibles desde los cuerpos que bailan. – ¡Qué buena reflexión Kayla! Eres una muy buena aprendiz y haz encontrado una de las grandes motivaciones de esta enseñanza que te estoy compartiendo. Entender la danza contemporánea como un pilar de comunicación, socialización y afecto para los niños dentro del proceso educativo escolar. – ¡Qué bien! – Continuando, acojamos otros elementos del espacio

que no debemos olvidar.

Áreas y divisiones del espacio De manera convencional el espacio escénico se ha dividido en 9 áreas que sirven para una ubicación fácil dentro del espacio, dar indicaciones de movimiento y posición y así poder establecer una organización armónica a la hora de realizar secuencias de movimiento o composiciones y montajes concretos en danza. Para ello es necesario entender lo siguiente: Si de forma análoga, pensamos que el escenario es un libro abierto y lo ponemos en posición normal para nuestra lectura podremos identificar lo siguiente:

ARRIBA

IZQUIERDA

CENTRO

DERECHA

Esta mirada está determinada por la vista del público, es decir, el lugar que se determine como frente para desarrollar las secuencias o composiciones de movimiento. Esta vista es contraria a la del bailarín, quien en este caso esta de frente al público y tendría otra perspectiva. Se ha considerado que las zonas sombreadas son los puntos en los que menos el público tiene atención, por ello son áreas de atención débil y las zonas sin sombrear son aquella donde la atención tiene mayor enfoque y por ende son áreas de atención fuerte. Este esquema es eficaz en la medida en que por medio del el director o coreógrafo tienen una herramienta eficaz de optimizar el uso del espacio dentro de la escena.

Los 8 puntos del espacio Estos están determinados por la posición del bailarín según el frente (donde está el público) que se esté utilizando, siempre comenzando por la derecha del bailarín.

ABAJO

Por consiguiente la división de las nueve áreas estaría de la siguiente forma:

ARRIBA IZQUIERDA

ARRIBA CENTRO

ARRIBA DERECHA

CENTRO IZQUIERDA

CENTRO

CENTRO DERECHA

ABAJO IZQUIERDA

ABAJO CENTRO

ABAJO DERECHA

3 2

7 1

POETAS DEL MOVIMIENTO: Talleres de arte donde la danza nace de la experiencia.

– Claro Kayla de eso trata. De igual forma, hay otro tema bastante importante con el cual puedes trabajar dentro del aula de clase y es el espacio parcial y total; una forma de dominio espacial estudiado por Rudolf Von Laban a partir de la danza moderna.

TRAYECTORIAS

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– Explícamela Janna. –Como te venía diciendo anteriormente, Laban concibe el espacio del bailarín a partir de su propio cuerpo, donde los límites de su espacio están dados por la máxima extensión que pueden hacer sus extremidades a partir del cuerpo inmóvil (espacio parcial).

7 1

El espacio que Laban denomina Kinesfera, es el espacio en el que el cuerpo del bailarín puede moverse (espacio total).

Estas dos nociones espaciales te permitirán construir dinámicas de movimiento que impliquen espacios parciales y totales a la hora de componer. Otra forma útil donde los estudiantes apreciarán otras formas del espacio y tú podrás aprovechar para que existan otros contrastes a la hora de componer para la escena.

Trayectos en Diagonal Trayectos de forma Horizontal

– Que herramienta tan maravillosa Janna, bastante dinámica y creativa.

Trayectos de forma Vertical – Kayla, recuerda que los anteriores son los trayectos básicos dentro del espacio, pero de igual forma puedes combinarlos, realizar círculos, recorridos compuestos, cuadraros etc, según lo que necesites. – Ok Janna, estas nociones son muy importantes para que los estudiantes las aprendan pues me facilitan mucho varias cosas en media que se compongan frases de movimiento, además desarrollarán su orientación espacial y lateralidad.

– Bastante práctica diría yo Kayla. El espacio te da mil posibilidades para realizar movimiento y a través de todas las trayectorias que puedas establecer, serán múltiples formas de bailar en un escenario. A continuación, después de esta breve introducción te daré algunos ejercicios que puedes utilizar para que los niños sean conscientes de su espacio, permitiéndose recrear en las variadas situaciones, emociones e ideas danzadas que los harán divertirse y crear desde su propio movimiento.

CONCIENCIA Y RECONOCIMIENTO ESPACIAL

• Mi espacio vital Materiales: globos para dar a los estudiantes. La actividad consiste en que cada estudiante tenga un globo amarrado en su mano derecha. Luego, aprenderán una secuencia de movimiento inventada por el docente y el ejercicio consistirá en que a medida que el movimiento fluya no debe verse que el globo que tiene amarrado el estudiante, toque con otro globo de uno de sus compañeros o alguna parte del cuerpo del otro.

Las formas y desarrollos de movimiento que el bailarín puede realizar dentro del espacio escénico son múltiples e infinitas, si se tiene en cuenta las diferentes composiciones que se pueden realizar desde la combinación de diferentes elementos como: nivel, dirección, trayectoria, planos y focos. – Por ello Kayla, tengo una serie de ejercicios que te ayudarán a desarrollar este tema. –Qué bueno Janna, por favor explícamelos – Bueno, pero antes debes saber algo. Es usual que los estudiantes en un principio, tiendan a permanecer muy juntos durante el desarrollo de la clase, secuencias de movimiento o acondicionamiento corporal, por ello es importante hablarles en un principio del espacio vital, el cual es el espacio por el cual puede moverse sin toparse con el cuerpo del otro. Y para ello debe permanecer a una distancia considerable de su compañero. Por tanto, podríamos iniciar con una actividad que puede ayudarte a que entiendan lo que te digo.

NOTA: La secuencia debe ser simple para que el estudiante no vea en el globo un obstáculo para poder realizar la secuencia. – Bastante creativa tu actividad Janna, Continuemos – Claro Kayla, los ejercicios que siguen son para desarrollar los elementos del espacio

DIRECCIÓN – Estos ejercicios prácticos puedes ejecutarlos con los estudiantes para que puedan direccionarse dentro del espacio. • Direccionando Para apropiar y reconocer las direcciones del espacio que te explique anteriormente los estudiantes deberán atender a la siguiente dinámica 1fase: Todos se encontrarán en alguna disposición espacial la cual puede ser en el centro, centro arriba, abajo izquierda, entre otras. Luego, según la indicación del docente los estudiantes deberán dirigirse a la división espacial específica dicha.

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2fase: El docente elegirá diferentes voluntarios y solo ellos atenderán la indicación realizando diferentes dinámicas y formas con su cuerpo que le permitan desplazarse (formas curvas, torsiones, saltos, corridas, utilizar imaginarios de animales, acciones, estados de ánimo, situaciones, entre otros). 3fase (Puntos de tensión): Cuando diferentes voluntarios estén en puntos específicos, unos responderán a la acción de los otros: Los voluntarios cuando lleguen a la división espacial específica deberán construir una imagen, y el grupo responderá a ella con otra imagen en conjunto. • Juego del barco Hay cuatro puntos específicos dentro del espacio: arriba, abajo, derecha e izquierda, los cuales están determinados de la siguiente manera: PROA: Adelante POPA: Atrás BABOR: Lado izquierdo ESTRIBOR: Lado derecho La actividad consiste en ubicar a los estudiantes en el centro del espacio. Luego, por indicación del docente se moverán acorde la indicación (PROA-POPA-BABOR-ESTRIBOR). Quien se vaya equivocando debe abandonar el juego.

PERCEPCIÓN ESPACIAL Y FOCOS • Puntos fijos en el espacio 1fase: Indicar a los estudiantes dirigirse a un punto determinado en el espacio en diferentes velocidades determinadas por el docente según algún tempo rítmico marcado. 2fase: elegir a algún compañero con la mirada y perseguirlo con los ojos buscando su mirada siempre. 3fase: Elegir otro compañero e ir tras el a cierta distancia NOTA: En esta dinámica los estudiantes no deben por ningún motivo chocarse con algún compañero y en la medida que sea posible siempre hacer énfasis en cubrir todo el espacio y rellenar con el cuerpo espacios vacíos que hayan -Continuando con este tema, cómo has de saber Kayla el foco hace referencia a un determinado punto del espacio donde converge la mirada hacia donde se dirige la acción realizada por el estudiante. El foco así mismo le permite transmitir a un bailarín una intención, concentrando su mira y movimiento en un solo punto encontrando así una sensación real dentro de la escena. Para ello puedes utilizar actividades como:

Variaciones: llegando al final del juego, puede indicarse de manera personalizada por estudiante, cambiándolo de dirección o frente en el espacio. NOTA: Este juego querida Kayla, también puede ser realizado utilizando colores para determinar las ubicaciones.

• Enfocándonos

• Interactuando

Consiste en que los estudiantes deberán ir caminando por el espacio. Luego, señalarán puntos específicos dentro del salón a los cuales se dirigirán realizando diferentes movimientos acordes a pautas dadas por el docente (imaginarios de animales, palabras, velocidades, ideas, acciones específicas). Después cada estudiante deberá construir un recorrido que implique solo líneas rectas horizontales, verticales y diagonales.

La actividad consiste en que los estudiantes comiencen a explorar diferentes puntos de apoyo en su cuerpo para mantener el equilibrio (1apoyo, 2apoyos, 3 apoyos, 4 apoyos, 5 apoyos y 6 apoyos). Luego de explorar, deberán comenzar a desplazarse por espacio según el nivel dado por el docente y luego lo realizarán de forma espontánea y fluida.

2fase: Cuando los estudiantes tengan el recorrido estructurado, deberán unirse con dos compañeros más y construir una secuencia de recorridos donde interactúen cada uno de los integrantes, sin necesidad que los tres hagan los mismo (pueden cruzarse, seguirse, ir a destiempo, entre otras posibilidades). Lo importante es que siempre el espacio esté nivelado y no queden tantos espacios muertos espacialmente. NOTA: Este ejercicio pueden realizarse utilizando música de diferentes velocidades para que los estudiantes asocien diferentes dinámicas a la hora de desplazarse por el espacio.

NOTA: Es posible que durante el ejercicio comience a existir comunicación corporal con otros cuerpos de los compañeros, convirtiéndose así en un a danza colectiva. A este punto los estudiantes pueden practicar invertidas, diferentes dinámicas de movimiento, formas, gesto, situaciones e imaginarios que les permitan construir situaciones para llenar de contenido el movimiento. -¡Que interesante Janna!, debe ser muy bueno ver ello. -Si Kayla, pero hay que tener mucho cuidado en las invertidas y siempre insistir en la atención, control, respiración y fluidez del movimiento.

LOS TRES NIVELES ESPACIALES • Reconociendo los niveles Los estudiantes reconocerán los niveles espaciales (alto-medio-bajo) utilizando diferentes puntos de apoyo. En un principio el docente enseñará al estudiante mediante su propio cuerpo los niveles (alto-medio-bajo), ejemplificando estos con figuras o gestos y luego mediante secuencias de movimiento dirigidas, donde los estudiantes puedan reconocer que figuras realizaron en los diferentes niveles del espacio.

POETAS DEL MOVIMIENTO: Talleres de arte donde la danza nace de la experiencia.

• Dibujando en el espacio

• Trayectos compuestos

Consiste en comenzar a dibujar diferentes formas en el espacio desde diferentes partes de cuerpo dichas por el docente. Se puede iniciar con codos, luego hombros, piernas, tronco y así sucesivamente hasta conectar todo el cuerpo realizando una dinámica fluida y explorando los niveles y direcciones del espacio.

Por medio de diagonales guiadas por el docente, se propondrán diferentes formas de atravesar el espacio donde se utilizarán los niveles, los puntos de apoyo, equilibrio, posiciones básicas y todo lo visto hasta el momento. Luego, a partir de diferentes situaciones que plantee el docente los estudiantes atravesarán el espacio (girar, rodar, imaginarios de formas, animales etc.)

• sucesión de estatuas (trabajando de punto a punto para construir líneas)

• Posibilidades múltiples de atravesar el espacio.

La actividad consiste que según un imaginario dado por el docente los estudiantes construyen una forma, luego desde esta forma realizaran un desplazamiento corto al sonar la música, y cuando la música pare de nuevo, realzaran otra forma acorde a otro imaginario continuamente hasta llegar a construir secuencias cortas de forma y transición de movimiento. NOTA: Debe insistirse en explorar siempre los diferentes niveles del espacio

Con diferentes acciones motoras: en canclillas, normal, arrastrándose, en puntitas de pies. Imitación de desplazamientos según diferente imaginarios como: animales (mariposa, sapo, gato, monos), personas (bebes, ancianos, soldados, gigantes), medios de transporte (carro, tren, avión), elementos de la naturaleza (viento, fuego, tierra, agua, lluvia, aire), entre otros. Según patrones rítmicos dados por el docente con palmas, claves o el ritmo de una pista musical determinada. Según superficies imaginarias: sobre arena, sobre flores, sobre puntillas, sobre vidrios, piso pegajoso, piso suave, piso dulce, piso congelado, fango Desplazamientos expresando diferentes sensaciones y emociones (tristeza, enojo, alegría, risa).

FORMAS DE ATRAVESAR EL ESPACIO Par esta parte es bastante importante y practico retomar todos los elementos utilizados desde el primer módulo como invertidas, suspensiones, contracciones, extensiones, acrobacia, relaciones y demás ejercicios que mediante la repetición pueden perfeccionarse y hacerse cotidianos dentro de la danza.

Recorridos guiados:

• Trabajando el espacio parcial.

• Realizando round de jambé: (dibujos y explicación) • Saltando charcos y charquitos (dibujos) • Realizando figuras geométricas con saltos (dibujos) • Realizando algunas relaciones • Realizando invertidas y secuencias guiadas por el docente • Propuesta de material de movimiento utilizado todo lo aprendido hasta el momento

Los estudiantes situados libremente en el espacio, podrán moverse sin tocarse ni chocarse con otro moviéndose según lo que le sugiera la música en su propio espacio buscando la máxima amplitud de sus extremidades.

• Recorridos creativos. Proponer que los estudiantes inventen sus propios recorridos de un punto a otro punto del espacio utilizando formas realizadas en clase. Proponer a los alumnos que trabajen en grupos y construyan encadenamientos de diferentes acciones que les permitan desplazarse utilizando todo lo aprendido en clase.

– Este ejercicio es muy parecido al de mi espacio vital cierto Janna – Cierto Kayla, su diferencia radica en que en este el estudiante solo podrá desplazarse más allá de lo que den sus extremidades en su máxima apertura y extensión.

• Dinámica conjunta. Materiales: elásticos y aros Los estudiantes se organizarán en grupos de 4 personas los cuales caracterizarán grupos de personajes como (flores, arboles, monos, aire, agua, mariposas, animales varios) los cuales les correspondan a partir de la tarjeta que saque un líder de cada grupo de una caja de colores y realizarán una de dos actividades alternas que se van a ejecutar: 3 grupos dispondrán de 4 aros por grupo y deberán componer material de movimiento a partir del imaginario correspondiente escogido anteriormente, pero la consigna será que cada estudiante y grupo componga su material de movimiento sin salirse del aro que le corresponde.

ESPACIO PARCIAL Y ESPACIO TOTAL Par el desarrollo de este tema puedes utilizar diferentes elementos que te permitan recrear espacios parciales, para que los estudiantes entiendan mejor la dinámica y además eleven su imaginación y su potencial en el movimiento

3 grupos trabajarán en todo el espacio con elásticos componiendo material de movimiento acorde al imaginario que les correspondió. –Janna, que módulo tan entretenido. Aquí ya comienza afianzarse materiales y composiciones de movimiento

POETAS DEL MOVIMIENTO: Talleres de arte donde la danza nace de la experiencia.

específicas para hacer montajes y todo.

olvides traer papel y lápiz para que tomes apuntes.

–Claro Kayla. Hasta aquí los estudiantes como puedes notarlo ya deben tener unas bases cimentadas de su movimiento, pues el derroche de creatividad, imaginación y danza terminará de explotar en nuestro último módulo, que es el toque final de este camino de una educación de poetas del movimiento; aquellos estudiantes que desde la danza se expresan y se leen así mismo y se comunican con los demás.

– ¿Y para que Janna? –Mañana lo sabrás. Además el papel y el lápiz se convertirán en tus amigos más cercanos. – Que misterioso, pero bueno los llevaré a nuestra lección de mañana. ¿Vamos a cenar? –Claro hermanita, tengo mucha hambre.

– Mañana en nuestro último encuentro, te explicaré sobre el maravilloso tema, de narrar historias con el cuerpo, algo complejo a primera vista, pero interesante cuando entras en el campo de la acción. La dramaturgia de la danza nace de la necesidad de contar al mundo verdaderas historias claras, concretas y entendibles; una herramienta pedagógica que en la en la escuela puede ayudarte muchísimo a la hora de montar y preparar obras de danza donde la magia, el movimiento y la metáfora literaria se reúnen para construir grandes obras de arte donde la danza, el teatro y demás lenguajes artísticos se conjugan en uno solo. No puedo enseñarte como contar historias con el cuerpo. Pero podré mostrarte el camino que he utilizado hasta el día de hoy en esa búsqueda constante de crear buenas obras danzadas, diversas y legibles que dejen mensajes dentro del escenario. Varias posibilidades de componer y crear movimiento en pro de un tema concreto que condense todo lo que hemos visto hasta aquí. –Que interesante Janna, por fin tocaremos ese tema que hasta el día de hoy tiene todavía muchas preguntas por resolver. Ese tema que le inquieta a tantos directores, maestros y coreógrafos de danza. –Es muy cierto. Prepárate para mañana y por favor no

EXTO DÍA

UNA POÉTICA DEL MOVIMIENTO: Composición y danza dramatúrgica

a lo diferente dentro de lo cotidiano, establece vínculos y redes desde una buena pedagogía de la enseñanza. El arte finalmente, es la puerta a una educación cimentada en la creación de seres integrales, humanos y creativos. Janna y Kayla han decidido terminar este camino en el caluroso lugar de sus ideas: su taller- estudio en casa. Este lugar está lleno de libros de danza, de arte, dibujos, pinturas, materiales didácticos y demás, donde se concretan las primeras ideas del hacer y donde muchas veces desde la literatura han nacido las primeras imágenes para la creación. –Janna, Ha llegado el fin de este pequeño viaje y es hora de agradecerte tanto aprendizaje y experiencia durante esta semana, 6 días donde aprendí de tu práctica y tu experiencia, porque enseñar a los niños es difícil y porque me has dado herramientas que me ayudarán muchísimo. Eres esplendida. –Kayla, eres mi hermana menor y por ende tengo deberes de corazón contigo, no por obligación sino porque como hermana mayor quiero darte siempre lo mejor que tengo: como en este momento mi talento y mi amor por la danza; ese que compartimos juntas todo el tiempo. – ¡Gracias! eres la mejor.

Ha llegado la parte final de este camino, y así mismo la consolidación total de gran parte de este aprendizaje danzado y contado para ustedes querido lectores y para ti querida Kayla. Janna ha podido demostrar hasta este momento que la danza se lee, se escribe y se vive en el movimiento y no solo para simplemente bailar, sino como una educación desde el arte que teje fibras sensoriales, vidas y sociedad en la construcción de un mundo mejor. La danza es un aporte para la vida y la educación, y contar historias legibles y concretas permite una mayor recepción de los mensajes que quieran darse al público, porque está comprobado que el arte aparte de hacer un llamado

– ¡Solo soy tu hermana mayor! Terminemos con este camino danzado. – Adelante. – La danza, como un lenguaje artístico que atraviesa no solo el espacio sino las fibras sensoriales y físicas del espectador, como bien lo has aprendido, desde hace algún tiempo a partir de la vanguardia y los procesos artísticos denominados como contemporáneos, ha hecho un llamado a la comunicación mediante un cuerpo que hable desde el movimiento. Ello, ha construido una serie de

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procesos que hasta el día de hoy han conllevado a realizar una serie de preguntas acerca del cómo narrar todas aquellas ideas, conceptos y temas que deseen decirse, para que sean coherentes y a su vez puedan darse como un mensaje. Varios bailarines de trayectoria, directores y artistas danzarios se inquietaron con el tiempo por el tema de la construcción y deconstrucción de la danza, así como la forma de contar y narrar historias dancísticas; temas que ya no ha implicado solo el lenguaje del movimiento sino también el lenguaje teatral; la unión de dos disciplinas que se han convertido en una comunión artística dentro de la escena. Bajo este parámetro, nació la inquietud de determinar si lo teatral está contenido en lo danzario y viceversa, en pensar en ello que se llama dramaturgia, no para el teatro sino para la danza, preguntándose si existe en verdad una estructura que determine el hilo conductor de una obra de danza para que sea entendible, sin la necesidad de tener como base un texto hablado; aquello que podría 8 llamarse dramaturgia no verbal o danza dramatúrgica. Estos dos conceptos se han originado de dos grandes investigadores de la danza, uno de ellos es el maestro Álvaro fuentes, pionero de la danza contemporánea en Colombia y Juliana Reyes, otra gran investigadora de la dramaturgia de la danza. De las primeras cosas que quiero contarte querida Kayla es acerca de qué es la danza dramatúrgica. – Muy bien Janna, comencemos – Como bien lo sabes, la característica fundamental de la danza es expresar y comunicar ideas y pensamientos a través del lenguaje corporal que cada uno de nosotros

posee y por ende, dentro del proceso actual que se viene realizando frente a la danza, es de vital importancia, que el bailarín –actor 9 pueda recrear y crear coherentemente desde sus emociones y memoria para un espectador que capta los mensajes dados desde las metáforas del movimiento. Es decir, que tanto para el intérprete como para el espectador, la idea, narración o mensaje sea claro y preciso. –Pero Janna, según lo que he visto, el movimiento no todas las veces da para que en lo concreto se exprese la forma real de los pensamientos que tenemos. Eso es muy difícil. –Es cierto Kayla. Pero por ello, en esta fase podemos determinar que la danza dramatúrgica se ha valido no solo de diferentes elementos, sino de las otras ramas del arte para poder encontrar alternativas de improvisación y composición que den más posibilidad de movimiento, intención e historia. Para esto hay un camino, aquel que iré describiéndote poco a poco al caminar por esta última parte de nuestro aprendizaje de danza contemporánea infantil. –Me encanta Janna, por fin podre saber cómo narrar historias danzadas, para que sean entendibles y en realidad dejen mensajes. Historias y temas que así sean simples puedan dejar algo en el espectador más allá de las sensaciones que pueda proporcionarles. –Claro Janna, será muy divertido. Aunque algo en lo que me acabas de decir tienen un tono de inconformidad ¿Qué pasa Kayla?. 8. Definido como un montaje organizado por un dramaturgista de la danza que se encarga de desarrollar la intención primaria, las otras intenciones, los pequeños detalles y los enigmas que surgen durante el proceso de creación. Además de ello, es la interpretación que hace el bailarín actor apartir de la intención primaria, enigmas y pequeños detalles que surgen durante la creación. 9. Intérprete con capacidad de improvisar, crear, deconstruir y comunicar desde su cuerpo y emociones, una intención que conmueve al espectador.

–No es nada hermana, lo que sucede es que durante mucho tiempo me ha costado entender las obras de danza contemporánea. Se vuelven como abstractas y no quisiera que con los niños pasara lo mismo. Por fin a través de ti, podré encontrar la respuesta a tantas preguntas que alguna vez me he hecho respecto a ese tema. –Frente al proceso de los niños querida Kayla, ello no pasará, de eso se trata. Y lo importante que debes reconocer desde un principio es que la danza dramatúrgica es un camino de mucha práctica y disciplina. Las premisas iniciales dependen de que lo que quieras sea claro, que sepas para dónde vas, que pruebes siempre cosas y que en la práctica siempre innoves, pues de ello siempre irás aprendiendo. Lo importante es siempre continuar, corregir y aprender.

–Oye Janna, eso es como dispendioso. –No lo es. Es solo tener la intensión real de hacer algo bien. Y ya que quieres realmente contar verdaderas historias, pues ese proceso de reflexión va a ser importante, pues tú serás no solo profesora, sino también la directora, coreógrafa y dramaturga de tus montajes. –¡Yo sola! que susto. –No tengas miedo, es fundamental que te diviertas, propongas y des un camino óptimo para que tus niños también junto contigo puedan aprender a crear sus propias historias a través de la danza.

–¡Gracias! Lo tendré muy en cuenta. – Me parece muy bien. De hecho hay unos materiales que siempre deberás tener a la mano para realizar este proceso: un cuaderno de notas, lápiz y un dispositivo para hacer registro, además de los diferentes materiales que quieras utilizar para potencializar la creatividad y la imaginación a la hora de componer. –Sí, yo lo traje tal cual me los pediste. Pero ¿para que esos materiales? –Cada vez que tú estás en proceso creativo, siempre será importante anotar avances, sensaciones y comentarios de lo que se ha logrado dentro del trabajo que se vaya realizando. Siempre, cuando estas en el proceso de laboratorio de composición hay cosas que funcionan y que no, y el registro es una gran ayuda para que de forma eficiente puedas ir recogiendo material de movimiento y analizando lo que puede funcionar en la escena o lo definitivamente no sirve.

–Bueno, está bien. Siempre lo tendré presente. –¡Muy bien!, Para continuar con este gran tema de dramaturgia para la danza, quisiera comentarte mi percepción personal frente al tema, desde la cual puedo decirte que la dramaturgia no verbal o danza dramatúrgica para mí es la columna vertebral que le da sentido a la obra de danza. Un tejido de acciones que se fundamenta en la esencia de

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en la esencia de una historia que ha sido llevada a un nivel poético; a la evocación de un concepto, una idea, un tema o una narración. Un tejido de acciones que se fundamenta en la esencia de una historia que ha sido llevada a un nivel poético; a la evocación de un concepto, una idea, un tema o una narración. Las estructuras dramáticas son las que le dan el sentido al movimiento y estos enlazados unos con otros, comienzan a construir como un rompecabezas que se va armando y va tomando forma para constituirse como una coreografía con contenido. He podido determinar con el tiempo, que no hay una dramaturgia concreta para todos los casos de montaje, pues existe una dramaturgia distinta dependiendo de la historia o el tema que se desee abarcar, aunque es importante resaltar que existe una doble estructura: un hilo conductor para los intérpretes y una guía de la ruta total de la pieza determinada también como el texto dramatúrgico10. La dramaturgia es ayudada por elementos como la música, el movimiento, la escenografía, texto, vestuario y la experiencia que potencia su inspiración y permiten que se logre un mundo completo. Cada dramaturgia tiene su metodología: una de ellas está dentro del ensayo-error de diferentes propuestas, otra nace de un pre-guión que va indicando los elementos y todo lo necesario para que exista un encadenamiento lógico desde la composición hasta la puesta en escena, la cual es la metodología que yo uso usualmente y otra forma es establecer coreografías y luego darles sentido. –Que interesante Janna, un tejido de tantas cosas que nacen del arte danzario y además tres posibilidades para lograrlo.

–Exacto Kayla. Lo fundamental en esto, es siempre tener claro que se quiere lograr y cuál es el objetivo central del proceso, como en este caso el interés de comunicar bailando a través de una danza interpretada dentro de la dramaturgia. Danza que construye y deconstruye significados en un proceso pedagógico que se elabora a partir de los elementos fundamentales de la composición, accediendo a un desarrollo puntual, riguroso y orgánico que origina una escena clara, justa, concreta, precisa y limpia.11 –Que emoción Janna, esas palabras ya me han propiciado una sensación de saber mucho más frente a este grandioso tema. –Es muy lindo ver cómo te inspiras frente a la danza. Un motivo más por el cual yo te quiero tanto –Hay hermanita, me haces sonrojar. Mejor sigamos porque o si no nos volveremos cursis. –Jajaja, está bien. Continuando, debes tener en cuenta dos cosas muy importantes: la primera es acerca de los elementos de la dramaturgia y la segunda, las fuerzas básicas que son las que te darán luz para una buena composición escénica en danza. – ¿Cuáles son esos elementos hermana? Dentro de la elaboración de la danza dramatúrgica existen 10. En la concepción de los espectáculos de danza y teatro contemporáneos, el texto tiene un sentido de acción escénica (texto= tejido de acciones escénicas) y el texto dramatúrgico confiere las formas, intenciones ycontenidos incorporados en un tejido de elementos interdisciplinarios, organizados a través de las fuerzas básicas de la composición de la danza dramatúrgica (el cuerpo, la mente, la motivación y la conciencia) de los partícipes en la construcción de la obra.. 11. FUENTES, A (2012) El dramaturgista y la deconstrucción de la danza. Colombia: ICONO

dos tipos de elementos de composición: los internos y los externos. Dentro del primer tipo de elementos esta la forma, el tiempo, el ritmo y las dinámicas de movimientos que se desarrollan dentro del espacio, los cuales integrados a los elementos externos como la escenografía, la utilería, el vestuario, el maquillaje y la iluminación. se complementan entre sí para llegar a la buena construcción de una obra danzaria. –Que interesante Janna. Aquí ya es evidente que comenzamos a aplicar y conjugar de forma práctica todo lo que he podido aprender hasta el momento, mediante todo tu aprendizaje y conocimiento experimental que has adquirido con el tiempo. –Muy cierto. Aquí es donde terminan de comprobarse todas estas posibilidades creativas, propositivas e integrales de nuestros bailarines. Estos poetas del movimiento que hablarán desde su cuerpo ante el mundo. –Que bello, los niños y niñas no solo aprenderán a danzar sino a contar con su cuerpo lo que sienten, reconociéndose a sí mismos, queriéndose y respetando a su compañero, entendiendo desde la magia y la fantasía del movimiento que hay múltiples maneras de relacionarse y comunicarse con el otro. –Sí, es verdad. La danza no es solo moverse sino también es unir el corazón, la mente, el cuerpo y la conciencia; aquellas fuerzas básicas de la interpretación orgánica que 12 es lo que nos hace bailar. Recuerda siempre que el cuerpo, la mente, la motivación y la conciencia son las fuerzas básicas dentro de la composición dramatúrgica en danza. –Claro, no podría olvidarlo. Son tan elementales que de hecho considero que están intrínsecas dentro de todo el leguaje del movimiento danzado. Pues cada vez que alguien compone movimiento utiliza estas fuerzas básicas, así en su teoría no las sepa totalmente.

–¡Súper Kayla! Me siento muy feliz de que tu aprendizaje haya fluido de forma tan eficaz y poética. –Gracias hermana, me alagas. Por favor, sígueme contando sobre este bello mundo lleno de magia y mil cosas fantásticas por hacer. –Por supuesto, continuemos. Es necesario de igual forma, que reconozcas que dentro de la dramaturgia existen tres funciones concretas: la práctica como reflexión que implica el pensamiento, la práctica como movimiento que se establece en la acción y la teoría como principio desde donde se desarrollan los procesos intelectuales para la escena. De este libro que tengo a mi lado voy a leerte algo importante: (…) Se deduce que la dramaturgia tiene funciones concretas en la práctica como reflexión (pensamiento), la práctica como movimiento (acción) y la teoría como principio (procesos intelectuales). Aspectos funcionales para construir a partir de un texto literario previamente escrito o de un texto orgánico (contenidos y emociones) que surge de una idea original; también para hacer la representación de un seceso o para deconstruir acciones cotidianas y crear algo novedoso. Producciones que se pueden elaborar a través del tejido organizado de elementos y fuerzas básicas de composición, eficaces para asegurar originalidad en la creación de aquello que se quiere decir.13

12. Definidas como acciones que refieren movimiento nacido de las sensaciones internas las cuales son interpretadas por ejecutantes. 13. Ibídem.

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– Qué bueno, estas funciones se hacen fundamentales tal vez dentro de ese camino que tú me has dicho que existepara construir una danza dramatúrgica.Claro, tienes toda la razón. Dentro de lo que he leído, aprendido he investigado he podido determinar personalmente un camino dramatúrgico que te compartiré a continuación:

Aparentemente existe un proceso constante dentro de la creación de las obras el cual esta desglosado de la siguiente manera:

Proceso de investigación: (¿A dónde quiero llegar?-¿Qué quiero decir?) construcción escrita de la escena, idea central, pre-guión creado por un conflicto de donde se desprenden unos perso najes y unas situaciones. Para llegar a la esencia del tema que se va tratar en la obra dancística, se ha visto que los directores han realizado el proceso de conceptualización-teorización-reflexión sobre la idea, que luego se convierte en imágenes que al reconstruirse permite la creación de nuevas ideas y emociones para escena. Dentro de la danza el proceso investigativo no es individual, sino más un proceso colectivo y personal donde el director e intérpretes comienzan a indagar desde diversos puntos de vista, Entrenamiento, hasta llegar a una visión particular que se pueda contar, sentir y expresar al unísono.

creación y reflexión

Procesos de exploración: (Laboratorio) Acercamiento del interprete hacia el tema mediante indagación personal conceptual, sensorial y dinámica que le permitirá dar sus primeros esbozos de creación para la escena. Cuando ya existe un bosquejo de la idea y muy seguramente premisas establecidas, el movimiento comienza a llegar a partir de la misma necesidad del tema, de la emoción a comunicar y de la idea que comienza a moldearse. Existen varios incentivos que permiten la exploración: los imaginarios, la escenificación de espacios propicios para la creación donde los interpretes se permiten imaginar y crear movimiento, ejercicios de memoria emotiva, los olores, las texturas, los procesos de experiencia sensorial, la exploración de dinámicas que conllevan a buscar un estado y una configuración de personaje entre otras diversas actividades que comienzan a poner el cuerpo en situación en pro del tema de la obra. Esta etapa es una etapa muy importante, pues del acercamiento que tenga el intérprete, más certezas y material de movimiento puede irse depurando hasta llegar a lo que se necesita.

Esta etapa es una etapa muy importante, pues del acercamiento que tenga el intérprete, más certezas y material de movimiento puede irse depurando hasta llegar a lo que se necesita. Procesos de composición: (Improvisación) Composición e improvisación de escenas acordes al tema y situación específica dada por el hilo conductor de la obra. Después de la está de exploración, los interpretes entran en la fase de proponer posibles situaciones acordes a las escenas específicas de la obra; en esta etapa comienza a surgir preguntas, situaciones y conflictos que permiten la construcción de pequeñas muestras que se vuelven material de composición las cuales se ajustan posteriormente. Hay varias formas de composición: momentos de la historia específicos, desde fragmentos, desde una sensación, utilización de objetos, composición en espacios propicios para la escena de la obra, utilización de los distintos lenguajes artísticos entre otros. Finalmente, de estos primeros hallazgos de composición nacen muchas veces las escenas finales de los montajes, pues por acumulación se pueden unir varias partes que lleven una narración coherente o construir una de las escenas del montaje.

Improvisación, composición y dramaturgia

Creación de escenas: (unión de composiciones) En este momento se determinan que sirve y que no sirve para la evocación total del tema, se construyen transiciones y momentos específicos de la obra. A partir de todo el material realizado, se comienza a decantar el material de movimiento que no funcione para la escena; la emoción y el movimiento comienzan a cobrar sentido dentro del hilo conductor de la historia y de ello depende que comience a ser clara la narración. Proceso de ensamble: (Articulación total de la obra) El cuerpo danzado de la obra conjugado con los otros elementos dramatúrgicos como lo son: música, vestuario, luces, utilería y escenografía. Detalles finales: Ajustes finales de la obra

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–Es fabuloso Janna, por fin tengo una base para intentar narrar desde la danza verdaderas historias, algo que me entiendan, un mensaje que pueda llegar y sobre todo en lugares tan importantes como los de la educación: la escuela. Donde todo el tiempo piden cosas por hacer: Izadas de bandera, días de la familia, semanas culturales, festivales de danza, entre otros. –¡Muy cierto! En los colegios y escuelas es muy normal que todo este tipo de peticiones sucedan y que mejor que diversificar todo lo que más se pueda, expandiendo un poco más la danza no solo como espectáculo de entretenimiento, sino como lenguaje artístico realmente. –Es verdad. Si notas querida Kayla, el camino que viste anteriormente está totalmente enlazado con las tres funciones básicas que te nombre: Pues cada una de estas funciones está ligada con una parte del camino que te describí. • La práctica como reflexión con el proceso investigativo, de exploración y reflexión. • La práctica como movimiento con los procesos de improvisación, composición, creación de escenas y ensamble. • La teoría con los procesos donde el concepto y rama intelectual de la obra que establece finalmente lo que funciona y no funciona desde y para la escena.

–Está bien, ya te pusiste rojita jajaja. –Jajajaja. Durante la construcción del lenguaje del bailarín-actor, las acciones que este realice surgen usualmente de la memoria o diferentes estímulos que recibe gracias a elementos, atmosferas o situaciones concretas que se les presenta y ello es lo que recrea el sentido y la transformación del estado emocional. La imágenes son fundamentales y es algo que siempre debes tener presente, pues en ellas está el plus de la verdad tanto para el espectador como para el interprete. – ¿Por qué lo dices? –Siempre la imagen mental es lo que sostendrá la intención del interprete y entre más conectado este con la escena, más verídica es toda acción que realiza. – ¡Sorprendente! –Claro, el tema de realmente ser un bailarín-actor es fascinante pero a la vez de mucho trabajo y entrenamiento no solo físico sino mental. Pues en la imaginación están las mejores imágenes de lo que está sucediendo internamente. Como lo dice este libro de Álvaro fuentes, a partir del pensamiento de Barba, estas interpretaciones pertenecen a la llamada dramaturgia orgánica o dinámica14 pues logran alterar el sistema nervioso, sensorial y sensual desde la percepción individual del observador.15

–¡Qué maravilla! Mejor guiada no podría estar yo frente a este tema, si tengo a la mejor hermana del mundo. La mejor maestra. –¡Hayyyyyy! Kayla me harás avergonzar, esto es el resultado de mucho estudio y práctica y se lo debo a muchos maestro. Mejor continuemos.

14. Durante la construcción del lenguaje del cuerpo del bailarín actor, se desarrollan acciones escénicas que surgen de su memoria y el estímulo que recibe por conceptos de composición de formas y figuras, las cuales se pueden integrar en imágenes emitiéndole al espectador la recreación de sus sentidos y la transformación de su estado emocional. A partir del pensamiento de Barba, Estas interpretaciones pertenecen a la llamada dramaturgia orgánica o dinámica pues logran alterar el sistema nervioso, sensorial y sensual desde la percepción individual del espectador. 15. Ibídem.

–Wow, ello es lo que permite que un verdadero artista toque las fibras del espectador. La verdad en escena, eso porque todos nosotros como interpretes luchamos por conseguir cada día. –Exacto Kayla. La dramaturgia es un trabajo en equipo, donde no solo interviene el intérprete y el director sino otras personas que te voy a nombrar. • Director: Gestor de la idea principal del proyecto escénico. Él inicia los primeros esbozos de la investigación del tema, arma el cuerpo de intérpretes para la obra, construye los imaginarios posibles para el laboratorio y composición de tema para la puesta en escena. • Interprete: personaje que recobra vida a través de la construcción de lo que se quiere decir dentro de la dramaturgia. Explora mediante su experiencia, saber e imaginarios las sensaciones suficientes para la construcción y composición de su movimiento. Es un sujeto que está en su ser mismo y no se queda en ser solo ejecutante de movimiento sino propone desde su lenguaje personal y dancístico. • Coreógrafo: Es quien realiza la puesta en escena, quien la hace física y palpable. Pude ser también el director. • Dramaturgo: No solo escribe la obra, sino también plantea las escenas y la estructura general. Es la persona que dialoga en permanencia con el director, una especie de conciencia que va mirando el proceso de la creación y generando preguntas, haciendo de puente entre el autor dramático y la creación concreta de una obra. –Claro, con tanto que debe hacerse era obvio que hubieran tantas personas a cargo.

túrgica cualquiera de los dos realizadores de la investigación (director o dramaturgista) debe ir a la esencia del argumento, guardando siempre la intención original para crear por medio de la deconstrucción un texto dramatúrgico que genere diferentes alternativas dando sorpresa y asombro constante no solo en el intérprete, sino en el espectador y hasta el investigador mismo. –Muy bien Janna, debo siempre permanecer en procesos de investigación y reflexión, pero una pregunta ¿qué es el texto dramatúrgico? Lo haz nombrado como dos veces y no te lo había preguntado. –Jajajaja. El texto dramatúrgico reúne la forma y el contenido dentro del tejido de todos los elementos organizados tanto en el cuerpo, como la mente, la motivación y la conciencia de cada artista que participa dentro de la creación y montaje de la puesta en escena, la cual llevará siempre un nombre por analogía y contraste. – ¿Siempre debo poner nombre? Por supuesto Kayla, es como cuando tú realizas un texto. Si no pones un título, pues no solo dejas sin identidad lo que has escrito, sino además pasará desapercibido y tal vez nunca ni se conozca. – Tienes razón hermana. – Recuerda que el dramaturgista tiene las siguientes particularidades: • Asume el impulso y el riesgo de crearla dramaturgia desde el lenguaje del cuerpo. • Es investigador, autor y director del texto dramatúrgico que construye al azar o a partir de un tema especifico.

–Pero bueno, de todas formas dentro de la danza drama-

• Es in indagador exhaustivo. • Es un pedagogo practico y teórico de los elementos fundamentales de la composición de la danza dramatúrgica. • Desarrolla un método original de a deconstrucción para cada puesta en escena. • Para el desarrollo, la elaboración, la deconstrucción y la producción del espectáculo tiene encuentra las habilidades y opiniones del equipo de trabajo. • Verifica que el texto dramatúrgico de la obra signifique lo que se ha propuesto desde un principio.

–Lo de la delegación de funciones para la construcción de obras escénicas realmente solo se hace posible en grandes compañías o en espectáculos de gran formato, donde al pasar el tiempo es posible tener un equipo de trabajo para cada proceso, pero para ser prácticos tal y como nos toca serlo en la escuela, es bueno hacer todos los papeles. Por ello, cuando inicies es importante plantear temas sencillos y fáciles de manejar mientras adquieres experiencia y más conocimiento. Ya después si tienes la oportunidad, tendrás tu propia compañía y equipo de trabajo especializado. –Que buen consejo y a tiempo. Porque fijo yo comienzo a aspirar grandes cosas y luego me vuelvo un ocho. –Jajajaja te conozco y sabía que podrías hacer eso.

–Son como muchas responsabilidades Janna, mejor cuando vaya a realizar un trabajo de ellos le pediría a otra persona que lo realice.

–¡Gracias hermana!

–¿Segura Kayla?

En la dramaturgia hay otros aspectos fundamentales dentro de este camino y en cuanto a una estructura que puedes utilizar para la organización del esquema es el pre-guión16que puede ser también el texto pedagógico de construcción de la escena.

–Creo que si –Te platearé una situación: si tú entras a un colegio, ¿Cómo vas a poder contar con una persona externa para que te ayude a crear lo que tú deseas? –mmmmmm… –Exacto, es importante que sepas que dentro de la danza dramatúrgica es posible ser director y dramaturgo al tiempo, pues en ti recaerá la responsabilidad del proceso. De hecho es aún mejor. – ¿Por qué lo dices?

–De nada.

Dentro de este texto tú determinas la idea central que es la visión general que lo que quieres desarrollar en la obra y la intensión primaria, que surge del análisis de la idea central y lo que en concreto quieres mostrar en el montaje. En el ejercicio de la construcción de las escenas, nace el conflicto que lo que determina los personajes y las situaciones dadas que los intérpretes experimentan. Por ejemplo: 16. Determinado como un texto que resulta del proceso pedagógico que construye de forma organizada lo que realizará en la danza dramatúrgica. Par hallar este texto se utiliza la práctica como reflexión en danza.

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• Desde un tema especifico • Desde una obra literaria • Desde una coreografía • Desde una intención que surge al azar

IDEA CENTRAL: Deseando ser un gran bailarín, un niño se va de su casa en busca de grandes aventuras dentro de las cuales llega a conocer una bruja que roba su talento. Este razonamiento permite definir específicamente el conflicto: el robo del talento de bailar.

–Buenísimo, después de todas estas nociones que me has dado ya podré cuando se dé la oportunidad impartir mi propio camino.

Es desde esta forma como cada dramaturgista construye el pre-guión, que es la reflexión que aún no está establecida para la práctica como movimiento, pero que establece los primeros bosquejos para construir imaginarios y comenzar a trabajar partir de ellos.

–Por supuesto Kayla esa es la idea. A continuación, te daré algunos ejercicios que tengo para que trabajes dentro de tu laboratorio de composición e improvisación para la danza que implican la potencialización del movimiento, la creatividad , los imaginarios y el movimiento motivado desde la memoria y los estímulos tanto internos como externos.

–Es deslumbrante Janna, este es un gran camino muy entretenido. –Claro, las primeras concepciones puede dar paso a palabras claves como : niño, bruja, perdido, baila, talento, encuentro, imaginarios que pueden permitir composición de movimiento para una escena que se escriben y proyectan en acciones generales con el claro objetivo de abarcar ampliamente la creación.

– Qué bueno EXPLORACIÓN DE MOVIMIENTO Usualmente se utilizan diferentes imaginarios que denotan palabras claves donde los intérpretes puedan explorar sus movimientos acorde a las temáticas que se estén trabajando.

–¡Fascinante! –Luego de que tengas los componentes de la escena como: tema, idea central, intención primaria, conflicto y personajes, puedes dentro del laboratorio de experimentación e improvisación comenzar a hallar soluciones escénicas y dramatúrgicas para la obra final que da cuenta de toda la investigación realizada.

• Dibujando en el espacio: Consiste en comenzar a realizar movimientos con diferentes partes del cuerpo desplazándose por todo el espacio, utilizando diferentes niveles, velocidades y también dinámicas de movimiento.

–Qué bien. Por fin tengo un camino por dónde empezar.

• Una imagen danzada:

–Si querida Kayla, finalmente los avances que se han realizado frente a la dramaturgia de la danza pueden ser una base para desarrollar obra de muchas maneras como:

Consiste en construir movimiento a partir de palabras clave (las palabras pueden ser objetos, animales, estados de ánimo, personajes, sentimientos, colores y de más).

OBJETOS: silla, flor, florero, mesa…

• Movimiento fotográfico:

ANIMALES: perro, liebre, luciérnaga, pollo, avestruz…

Materiales: Tener imágenes

ESTADOS DE ANIMO: Feliz, triste, abandonado, sorprendido, temeroso…

1fase: Construir grupos de trabajo 2fase: A cada grupo se le entregarán dos imágenes.

PERSONAJES: payaso, princesa, bailarina, bruja, mago… SENTIMIENTOS: Amor, decepción, ilusión, felicidad COLORES: Amarillo, rojo carmesí, blanco marfil, caféPERSONAJES: payaso, princesa, bailarina, bruja, mago…

3fase: Cada grupo deberá construir la imagen inicial dada acorde a una de las imágenes y realizar una transición de movimiento para llegar a la otra imagen.

SENTIMIENTOS: Amor, decepción, ilusión, felicidad.

• Contando historias:

COLORES: Amarillo, rojo carmesi, blanco marfil, café.

Esta actividad puede realizarse en diferentes fases.

COMPOSICIÓN HISTÓRICA EN MOVIMIENTO • Composición e imagen: El ejercicio consiste en construir un medio de transporte (automóvil, tren, bus, metro…) y luego de ello hay que crear una historia que le pasea ese medio de transporte y contarla con el cuerpo. NOTA: Este ejercicio permite verificar la calidad y el detalle del cuerpo para ponerlo en función de una acción que pueda ser entendida para el espectador.

1fase: en grupos de trabajo se le darán 3 objetos que deberán representar con sus cuerpos (pluma, anillo, zapato). 2fase: luego que tengas solucionado los tres objetos, con ellos deberán desarrollar una historia que los vincule a los tres objetos y realizar la secuencia (La pluma dibujo un anillo en una hoja, pero esta fue pisada por un zapato que daño totalmente el dibujo). NOTA: La idea de esta actividad es que la primera fase sea como un juego de adivinanzas donde cada grupo muestre los objetos que les correspondía y sus compañeros puedan adivinar y luego que las historias sean compartidas por todos los grupos para su socialización. • Abecedario corporal: Esa actividad puede realizarse de dos formas: 1forma: Dar a los estudiantes un abecedario corporal establecido el cual ellos deberá ejecutar mediante sus

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cuerpos de forma individual y grupal. 2forma: Cada estudiante creara una forma corporal para cada letra que contenga su nombre. Luego, deberá construir todo su nombre a partir de las formas que haya realizado y deberá unir mediante transiciones de movimiento. Composición a partir de texto: Está actividad tiene varias fases: 1fase: Se distribuirán en equipos de trabajo o parejas. 2fase: Cada grupo compondrá una oración o fragmento acorde a un tema específico determinado por el docente. 3fase: Cada equipo de trabajo compondrá movimiento acorde al texto que dé cuenta de la sensación central de la composición literaria. • La entrevista: Esta actividad tiene varias fases: 1fase: Diseñar una entrevista sobre un tema. 2fase: Realizarle una entrevista al compañero con el cual va a trabajar. 3fase: A partir de las respuestas del compañero, hay que construir un texto.

NOTA: Cuando este ejercicio esta trabajado durante tiempo prolongado puede profundizarse involucrando texto dentro del movimiento, sonido u objetos que darán mejores resultados. • Construyendo atmósferas de sonido: Materiales: -Instrumentos sonoros u objetos que generen sonido. -Fragmentos de textos literarios. Dentro del salón estarán dispuestos los instrumentos sonoros y los fragmentos literarios o texto literario con el cual se vaya a trabajar. 1fase: Dentro del salón se realizarán grupos de trabajo y cada grupo se le entregará un fragmento literario. 2Fase: Cada grupo compondrá una atmósfera de sonido según el fragmento que le corresponda. Puede utilizar los instrumentos dados, la voz, percusión corporal y los resonadores. 3fase: Luego de que están las atmósferas de sonido, Uno de los grupos ejecutará la composición sonora y otro grupo improvisará acorde a lo que escuche de sus otros compañeros. 4fase: Socialización de los ejercicios. IMPROVISACIÓN CORPORAL

4fase: improvisación a partir del texto: mientras uno lee, el otro improvisa con su cuerpo lo que va escuchando.

• Improvisación literaria:

5fase: rescatar el material más asertivo y construir frases de movimiento concretas devenidas del texto.

Materiales: Fragmentos literarios o un texto literario con el cual se vaya a trabajar.

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1fase: Todos están dispuestos en una parte del espacio. 2fase: Cada estudiantes debe tener aprendida una canción. 3fase: Cualquier voluntario comenzará a cantar y los demás improvisarán a partir de la canción interpretada por el compañero. • Memoria del movimiento: Materiales: Vendas para cubrir los ojos Esta actividad tiene varias fases: La actividad consiste en que todos los estudiantes están dispuestos dentro del espacio y cualquiera de sus integrantes tomara un fragmento literario, lo leerá y el resto deberá improvisara partir de él. NOTA: Para este ejercicio puedes establecerse pautas claras como la utilización de dinámicas de movimiento, ritmo establecido, imaginarios base, entre otros. • Una narración anecdótica divertida: 1fase: Todos los estudiantes están dispuestos en el espacio realizando alguna actividad u acción 2fase: Se les pedirá que piensen en una anécdota que le haya sucedido

1fase: El grupo se organizará por parejas y uno de sus integrantes se vendará los ojos 2fase: se pondrá una pista musical y quien tiene los ojos vendados comenzará a bailar la pista según las sensaciones que perciba en su momento improvisando movimiento 3fase: Se quitará la venda y repetirá a ejecutar todos los movimientos que haya realizado con los ojos vendados a partir de la misma pista musical 4fase: El compañero que no tenía los ojos vendados socializará lo que observó de su compañero y realizará el ejercicio posteriormente.

3fase: Cualquier integrante voluntario contará su anécdota pero utilizando adjetivos. Mientras tanto, los demás al mismo tiempo comenzaran a improvisara acorde a lo que su compañero está narrando. • Improvisación musical danzada:

CREACIÓN DE PERSONAJES

do para construir una improvisación donde utilice todos los objetos que hay dentro de la cartera utilizando el personaje que haya escogido acorde al atuendo que tenga. 3fase: Luego de las primeras improvisaciones el docente pondrá en situación al personaje y este deberá improvisar acorde la situación.

• Una situación espontánea: Para esta actividad el docente dará una situación específica o lugares concretos (hospital, niños jugando en el parque, la cocina…) y los participantes en una fila deberán trasladarse de un lado al otro del espacio representando mediante movimiento y gesto la situación dada, los personajes y las acciones concretas que se hallan dicho. • ¿Que hay dentro de la cartera?: Materiales: Una maleta, bolso, cartera afín donde se puedan guardar objetos. 5 objetos personales de preferencia. Este trabajo consiste en narrar la historia de un personaje mediante los objetos que cada participante haya determinado. 1fase: tener cinco objetos, un bolso donde guardarlos objetos y un atuendo que sea extracotidiano.

– Es así quería Kayla como el mundo del movimiento puede recrear mediante la sensación y la creatividad espacios escénicos y educativos para la danza. Ha llegado el final de este pequeño camino, pero estas herramientas que te he dado sé que te van a poder ayudar dentro de tu práctica como docente. – ¡Que maravilloso querida hermana!, estas estrategias pedagógicas me serán de mucha utilidad y este gran aprendizaje que me has bridado, hay edificado un poco más en mi esa gran labor de ser docente. Una maestra no solo de danza, sino de un lenguaje artístico lleno de múltiples posibilidades donde todas las ramas del arte confluyen para educar a los pequeños niños y niñas del mundo. Es el momento de agradecerte por tanto conocimiento y experiencia. Déjame darte un abrazo porque es lo mínimo que puedo hacer. – Kayla, que bonita. Gracias por ese gran abrazo, mi único anhelo es cimentar en ti todo lo mejor que tengo, y la danza es uno de los tesoros más valiosos que hay en mí. – Te quiero Janna. Te invitaré un gran helado; terminemos este aprendizaje con el dulce sabor del chocolate y brownie como tanto te gusta. – ¡Qué delicioso! Vamos.

2fase: cada estudiante tendrá un tiempo corto determina-

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ÉPTIMO DÍA NUESTRA EXPERIENCIA

Janna y Kayla se han ido a comer un delicioso helado dando fin a este maravilloso aprendizaje desde la danza contemporánea aplicada a niños de la segunda infancia donde encontramos varias formas de incentivar el movimiento en los infantes para que se convirtieran en verdaderos poetas de su propio movimiento. Ahora se ha abierto el espacio para dar una reflexión frente a lo que se dió durante todo este proceso investigativo a partir del arte danzado, donde el cuerpo, como medio expresivo dentro de la infancia suscitó toda una serie de posibilidades de movimiento que dieron cuenta a través del tiempo que los sentimientos, las emociones y las ideas pueden materializarse en composiciones escénicas para una puesta en escena, evidenciando así mensajes y reflexiones frente al contexto en el que se desarrollaban los estudiantes. Dentro del proceso realizado se pudo evidenciar que el arte del movimiento es un camino hacia la socialización y democratización del cuerpo infantil, donde frente a todo tipo de ambientes los niños y niñas pudieron manifestarse de forma creativa a partir de una serie de procesos artísticos que dieron como resultado la consolidación de videodanza y creaciones artístico-creativas danzadas, fuentes de inspiración de los propios estudiantes que pudieron recrear desde sus sensaciones y su entorno un mundo de expresión a partir de la danza.

condujo a una aprendizaje no solo artístico sino también emocional, afectivo y pedagógico, donde los estudiantes y yo como docente pudimos establecer un vínculo reciproco comunicativo a partir del arte danzario; risas, emociones, situaciones de tensión y riesgo, perdidas del miedo, creatividad, felicidad y danza, fueron los pilares fundamentales del procesos creativo que dió luz a todo este andar artístico-pedagógico revivido por mis grandes amigas Janna y Kayla, quienes en siete días pudieron compilar lo más destacado de la practica pedagógica investigativa llevada durante 2 años atrás, a partir del proceso de danza contemporánea dentro de la escuela. Un proyecto piloto que sigue abriendo espacio dentro de la comunidad educativa. Finalmente, el arte como fuente educativa, recobra vida en los espacios escolares a partir de la vinculación de una enseñanza ligada a la cultura y la participación activa dentro de espacios propositivos y experimentales de fundamentación artística, donde el aprendizaje a partir del arte es un pilar de posibilidades abiertas al cambio mediante los diferentes lenguajes artísticos que educan seres integrales, creativos y críticos para una sociedad encarada en una modernidad mediática que necesita de nuevos espacios de socialización y dialogo, más allá de los demandados dentro de la cibercultura actual. – Soy Johanna y para mí es de gran aprecio haber podido compartir con todos ustedes queridos lectores esta parte de la primera etapa de mi camino, este lugar lleno de posibilidades, preguntas y así mismo respuestas que sigue progresando a partir del arte danzado, donde cada ser humano se convierte en poeta de su propio movimiento y donde los infantes, son escultores de sus propias creaciones danzarias evidenciadas en lo infinito del espacio.

Cada clase fue una parte del camino, y aquel camino

Gracias.

surgen durante la creación.

losario

BAILARÍN-ACTOR: Intérprete con capacidad de improvisar, crear, deconstruir y comunicar desde su cuerpo y emociones, una intención que conmueve al espectador. DANZA CONTEMPORÁNEA: Se ha podido establecer que es una heredera directa de la danza moderna donde se manifiestan nuevas tendencias de movimiento en el espacio escénico, llegando a una variedad de formas de composición e interpretación danzaria como fuente de expresión. Dentro de sus características más relevantes se encuentran: temas que abarcan la totalidad de las posibilidades, la producción escénica se desarrolla en cualquier lugar independientemente de su estructura, es una danza de inclusión para todos, no hay objeción alguna sobre contextura física, discapacidad, tamaño, peso etc, se integra de todo lo posible convirtiéndose en una producción artística interdisciplinaria, todo el tiempo se renueva gracias a la cantidad de creadores jóvenes que la integran y la experimenta constantemente y hay una democratización del cuerpo y el espacio. DANZA DRAMATÚRGICA: Definido como un montaje organizado por un dramaturgista de la danza que se encarga de desarrollar la intención primaria, las otras intenciones, los pequeños detalles y los enigmas que surgen durante el proceso de creación. Además de ello, es la interpretación que hace el bailarín actor a partir de la intención primaria, enigmas y pequeños detalles que

ELEMENTOS ESCENOTÉCNICOS: Equipo, materiales y normas para la arquitectura, mecánica, carpintería, decorado iluminación, vestuario, utilería y cuanto contribuye al ambiente y clima de una puesta en escena. IMAGINARIOS: Palabras clave que fomentan y estimulan al intérprete para que cree movimiento a partir de la imagen que sugiere su mente desde un tema específico. IMPROVISACIÓN: Es un trabajo escénico fundamental en la creación del movimiento. Consiste en elaborar de manera espontánea acciones al azar (construcción y movimiento y composición de acciones complementarias) que pueden nacer de un impulso consiente o inconsciente del individuo. INTERPRETACIÓN ORGÁNICA: Definidas como acciones que refieren movimiento nacido de las sensaciones internas las cuales son interpretadas por ejecutantes. MODERNISMO: Denominación de un movimiento artístico de finales del siglo XIX y principios del siglo XX. Dentro de este tiempo, en casi todos los países con un cierto grado de desarrollo industrial se puso de manifiesto un sentido del presente y un ansia de romper con los estilos del pasado. MOVIMIENTO: Todo movimiento tiene lugar como el traspaso de una forma o posición espacial a otra, o de un gesto a otro. PRE-GUIÓN: Determinado como un texto que resulta del proceso pedagógico que construye de forma organizada lo que realizará en la danza dramatúrgica. Par hallar este texto se utiliza la práctica como reflexión en danza.

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TEXTO DRAMATÚRGICO: Confiere las formas, intenciones y contenidos incorporados en un tejido de elementos interdisciplinarios, organizados a través de las fuerzas básicas de la composición de la danza dramatúrgica (el cuerpo, la mente, la motivación y la conciencia) de los partícipes en la construcción de la obra. VANGUARDIA: Referido al desarrollo del arte en el siglo XX, sea para definir posturas ante el arte y su papel en la sociedad, o para ordenar el estudio de la historia del mismo siglo.

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erencias

BARIL, Jacques, La danza moderna, los fundadores de sistemas Primera generación, Ed. Paidós (1987) FUENTES, Álvaro, el dramaturgista y la deconstrucción de la danza, ICONO, Colombia , Bogotá (2012) GARDNER, Howard, Mentes creativas, Cap. 8: Martha Graham descubriendo la danza de América, Ediciones Paidós, Barcelona (1995) GUERRA, Ramiro, Coordenadas Danzarias. La Habana: Ediciones Unión. (1999). HUMPHREY, Doris, El arte de crear danzas, Editorial universitaria de buenos aires, Argentina, Buenos Aires (1965) ISLAS, Hilda, De la historia al cuerpo y del a la danza, ¿Cómo se describe el movimiento? CONACULTA, México (2001) LABAN, Rudolf, Danza educativa moderna, Paidós, España, Barcelona (1993) MINISTERIO DE EDUCACIÓN NACIONAL, Serie Lineamientos curriculares en educación artística, República de Colombia Ministerio de educación Nacional, Colombia, Bogotá DC (2000) DUNCAN, Isadora, el arte de la danza y otros escritos (online), Madrid España, publicado por ediciones Alkala en el 2003, El arte de la danza, en http://books.google.com.co/books?id=nhb_6ZNGg-gC&printsec=copyright&hl=es&source=gbs_pub_info_r#v=onepage&q&f=false

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TESIS DE GRADO SILVA, Johanna, Construcción de estrategias pedagógicas a partir de la danza contemporánea para niños de 9 a 12 años en la institución educativa Manuela Beltrán. Tesis de grado. Corporación Universitaria CENDA, Colombia, Bogotá (2013) Diseño y Diagramación Eduardo Medina (BuAvU°)

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