EL ARTISTA MG #2 by EL ARTISTA MAGAZINE

AGOSTO - SEPT. XIII / .02

Precio de venta US$ 5.00

bio / ramon avila el artista / doniel espinoza foto / alan benchoam 01

historiadelarte El desnudo artístico

bio Ramón Ávila

Museo Nacional de Arte Moderno Carlos Mérida

personajes Carlos Woods

elartista Doniel Espinoza

laexpo 25 años Galería El Áttico Arte en Mayo

plumainvitada El Coleccionista (parte II)

librodel mes La Conjura de los Importantes

Foto Alan Benchoam

sangrenueva Fabiola Aguirre

editorial

Después de ver cómo el maestro Ramón Ávila sigue sorprendiéndonos cada día con nuevas explosiones de su inagotable creatividad, de introducirnos en el mundo imaginario de Doniel Espinoza y de apreciar la sensibilidad con la que Alan Benchoam logra atrapar con su cámara los momentos mas asombrosos de la vida, me llega a la mente la descripción que David Ackert hace sobre lo que significa ser un artista: “Los artistas son de las personas más dinámicas y llenas de valor sobre la faz de la tierra. Tienen que lidiar con más rechazos en un año que lo que la mayoría de las personas en toda su vida. Cada día se enfrentan al reto financiero de vivir con trabajos temporales, con la falta de respeto de la gente que cree que deben obtener trabajos “reales”, y su propio miedo a no volver a trabajar nunca más... Cada día tienen que ignorar la posibilidad de que esa visión a la que han dedicado toda su vida es un sueño muy lejano. Con cada año que pasa, muchos de ellos miran mientras las demás personas de su edad obtienen los valores de una vida normal -el coche, la familia, la casa, el nido...- Pero ellos se mantienen aferrados a su sueño sin importar los sacrificios. ¿Por qué? Porque los artistas están dispuestos a dar su vida entera a un momento -a aquella línea, risa, gesto, o a aquella interpretación que le robe el alma al público. Los artistas son seres que han probado el néctar de la vida en ese momento detenido en el tiempo, cuando entregaron su espíritu creativo y tocaron el corazón de alguien más. En ese instante, estuvieron más cerca de la magia y la perfección de lo que nadie jamás puede estar. Y en sus corazones saben que el dedicarse a ese momento vale mil vidas más.” Todo esto me hace sentir seguro de que los lectores disfrutaran el material que reúne esta nueva entrega de la revista tanto como lo disfrutó el equipo de El Artista Magazine mientras lo preparaba, pensando en propiciar una experiencia que nos permita comprender lo que significa vivir para el arte. GCH

Director editorial Gustavo Adolfo Chacón Concepto gráfico Andrea Villagrán Luttmann

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/ ramon avila

historia delarte

el desnudo artístico Y SU S A VA T A R E S No es casual que la primera imagen que se nos viene a la mente cuando hablamos del desnudo artístico sea la de una escultura griega. Los griegos fueron, en efecto, los primeros que vieron el cuerpo humano con criterio estético, y no sólo lo admiraron sino también lo convirtieron en el paradigma de la belleza. Para ellos lo bello era lo que puede ser contemplado sin necesidad de preguntar sobre su utilidad, su origen o su razón de ser. De allí que dieran a sus dioses forma humana, idealizaran el cuerpo y teorizaran sobre sus proporciones y armonías. La desnudez con la que representaban a los dioses, Apolo y Venus, por ejemplo, no aludía a la falta de vestimenta, a la libertad erótica o a la impudicia de las divinidades sino más bien respondía a la necesidad de una contemplación de lo esencial que, en el caso de los griegos, no descartaba la sensualidad erótico-vital en el objeto de la contemplación ni en el sujeto que contemplaba. Del equilibrio que alcanzó la forma griega de representar el cuerpo humano en su plenitud espiritual y corporal sólo queda el testimonio de su estatuaria que se yergue sobre rigurosas armonías matemáticas y estimulantes reflexiones poético-filosóficas, sin descuidar la vital sensualidad de los cuerpos y los materiales en los que hacen encarnar los ideales que modelaban al pueblo griego. De ese antiguo modelo proviene el ideal clásico de la belleza corporal que rescataron los humanistas en el S. XIII y los artistas del Renacimiento y que, a partir de ellos, se instaló permanentemente en el núcleo de la tradición del arte occidental que llega hasta nuestros días. La representación del cuerpo desnudo quedó desde el principio restringida, sin embargo, a cierto tipo de arte, intelectual, culto y refinado, en abierta oposición al arte religioso que, dirigido por la Iglesia, predominaba en el pueblo profundamente cristiano. Y es que durante los once siglos que van desde la caída del Imperio Romano hasta el Renacimiento, el oscurantismo medieval, fundamentado principalmente en el Antiguo Testamento, el naciente cristianismo y las ideas del pecado original, de la expulsión del paraíso, del cielo y del infierno, concibió al cuerpo como la fuente del pecado y de la maldad, y el cuerpo desnudo, sobre todo el de la mujer, pasó a ser no sólo la encarnación del pecado sino también de la Tentación, es decir, la puerta del infierno abierta por la seducción del alma por parte del demonio. El campo que abrieron los artistas del Renacimiento para la representación del cuerpo humano según el ideal griego de belleza tenía límites muy estrechos y estrictos, quizás para evitar las confrontaciones con la visión cristiana. Así, el desnudo artístico se hizo consciente de sus componentes eróticos y sensuales, pero los neutralizó definiendo sus convenciones formales, levantando murallas académicas, decretando cánones inviolables, y ni aún así pudo evitar convertirse en el tema de una polémica que perdura hasta nuestros días y que a veces estalla, aquí y allá, en pequeños escándalos. En nuestros días de sensualidad desbordada la imagen escultórica del desnudo artístico que por herencia de los siglos, tenemos grabada en la mente empieza a erosionarse, ya sea por que la idea de lo artístico que prevalece en nuestra época es de signo muy diferente al académico, o bien porque la corporalidad humana en general no sólo se ha liberado de la idea del pecado sino también del concepto de objeto que se ofrece a la mirada, y se concibe ahora más como la realidad primaria y palpable de la persona humana, residencia única de su dignidad y sus derechos. Así, la discusión sobre el tema del desnudo artístico ya no es sólo entre moralistas puritanos y humanistas liberales, entre artistas y pornógrafos, ni versa exclusivamente sobre valores y conceptos estéticos, sino que se da en un campo antropológico más amplio que involucra a ideólogos, científicos y activistas sociales y al concepto más profundo y complejo que cada sociedad, cada tradición, cada cultura, cada grupo social tiene sobre la corporalidad, y lo que padecen frente a las imágenes del cuerpo desnudo que produce y distribuye la economía global de consumo en su afán de dominio y expansión. 08

bio

LA REFLEXIÓN PICTÓRICA DE

ramon ávila Si pudiéramos graficar la evolución de la obra de Ramón Ávila el modelo que obtendríamos no sería lineal. Su crecimiento, en efecto, no dibuja un camino o una trayectoria que, largo y sinuoso o directo y meteórico, se dirija a algún punto, sino más bien se trata de una acumulación de experiencias y conocimientos que culmina en una plenitud. Detrás de esa plenitud no hay fases, épocas o etapas superadas pues el realismo, el paisajismo, los retratos, la experimentación y el diseño, así como las intenciones estilísticas y expresivas, fueran éstas académicas, críticas, psicológicas, poéticas, formalistas (o informalistas) que alguna vez caracterizaron a su producción artística siguen estando presentes —resumidas y potenciadas, eso sí— en la deslumbrante pintura que realiza actualmente. El estilo de Ramón Ávila, si es que aún se puede hablar con estos términos, siempre ha sido vital como las respuestas que exigen las circunstancias a cada individuo, y si hoy se puede

decir que su obra ha adquirido un decidido carácter reflexivo es porque ese carácter es el que le corresponde al artista en esta etapa de su vida. Es decir, la reflexión que tiene lugar en su obra actual es la respuesta vital del artista a las circunstancias concretas de su existencia. Y aquí hay algo importante que debe tener presente todo aquel que quiera comprender la obra de Ramón Ávila: “la reflexión tiene lugar en su obra”. No es que el artista reflexione en ciertos momentos sobre un tema en particular y luego traduzca o aplique esos pensamientos en formas y colores, sino que dibujar y pintar son los modos en que sucede la reflexión. Las líneas y los colores surgen como estructuras de pensamientos y sentimientos que se dan desde estados de ánimo complejos y tan profundos que tocan fondos impersonales de la existencia. Y desde esos fondos profundos, la pintura de Ramón evoca.

La lúcida densidad poética de su obra actual muestra a Ramón Ávila en su plenitud. Cada línea, limpia y precisa surge ya cargada de energía y conocimiento, y cada color, con las tonalidades laboriosamente destiladas desde una emotividad intensa revivida con apasionamiento, articulan sobre el lienzo algo más que una composición formal: propician la experiencia honda y conmovedora de una vida asumida con lucidez y entereza ética y estética. Viéndolo desde su pintura actual, su nacimiento en 1934, sus estudios de pintor, dibujante y diseñador en las escuelas de Bellas Artes y Artes Plásticas en su Barcelona natal, sus años de publicista en Brasil, su arribo a Guatemala en 1963, sus diversas iniciativas y realizaciones profesionales, artísticas y familiares, el taller familiar de grabado serigráfico al servicio de los artistas locales y extranjeros, su obra escultórica, pictórica, gráfica, en fin, todo el largo currículo de Ramón Ávila nos parece la bitácora de su vida de artista y de ser humano y el mapa del tesoro que esconde su pintura de plenitud.

MUSEO NA CIONAL DE ARTE MODERNO

carlos merida La fundación del Museo Nacional de Arte Moderno de Guatemala, se remonta al año 1934, fecha en que fue fundado el Museo Nacional de Historia y Bellas Artes. El 16 de octubre de 1975, y como producto de una reestructuración administrativa se crea el actual Museo Nacional de Arte Moderno, como entidad integrante del Instituto de Antropología e Historia, del Ministerio y de Cultura y Deportes. El museo que el 2 de diciembre de 1999 fue bautizado con el nombre de Carlos Mérida, al inaugurarse la Sala Mérida con materiales donados por la familia del pintor guatemalteco, se propone reunir en sus colecciones varias muestras representativas del quehacer artístico nacional del Arte Contemporáneo, el cual constituye un recurso de inapreciable valor para la cultura del arte. Brinda conferencias y asesoría a estudiantes y visitantes en general que acuden en busca de orientación, cooperando además con diversas instituciones culturales facilitándoles obras que se utilizan en exposiciones del país y el extranjero, como una forma de dar a conocer la expresión estética de nuestros artistas guatemaltecos. Cuenta con más de 130 obras en su exhibición, dicha museografía está diseñada bajo un guión cronológico y textos que apoyan la relación socio-histórica del momento en que estos se dieron. En la sección de arte moderno tanto en dibujo, grabado, pintura como escultura, figuran obras de destacados artistas de la plástica nacional y también trabajos de artistas extranjeros de reconocido prestigio internacional, los cuales han sido adquiridos en calidad de donación, en donde destacan Carlos Valenti, Carlos Mérida, Rafael Yela Gunter, Alfredo Gálvez Suarez, Juan de Dios González, Erwin Guillermo, José Antonio Fernández, Rudy Cotton, Darío Escobar, entre otros. La presencia de éstos y muchos autores más entre las colecciones que exhibe el museo, constituyen de por sí un ejemplo representativo de la actividad artística nacional, digno de ser apreciado por todos los guatemaltecos y extranjeros. El edificio No. 6 de la Finca Nacional la Aurora, que alberga a nuestro museo, que fuera un antiguo salón de baile y recepciones del conjunto de edificios construidos durante el gobierno del General Jorge Ubico en los años de 1930, constituye de por sí una joya arquitectónica de estilo muy peculiar, contando entre sus atractivos con un magnífico techo de artesonado de caoba, color natural y adorno con rosetones decorativos color bronce, único en su género en todo el territorio guatemalteco.

personajes

carlos woods

Definir a Woods Arte como un espacio donde dialogan artistas y obras de diferentes épocas, estilos y generaciones, sólo es posible si antes definimos a Carlos Woods como el interlocutor que es capaz de convocar a esas obras y a esos artistas y propiciar entre ellos aquel diálogo profundo y creativo que los expone en sus realizaciones más significativas, sus ideas más fructíferas y sus mejores intenciones.

Proveniente de una familia de anticuarios y corredores de arte de la que heredó el gusto por la cultura, la sensibilidad estética y la habilidad para lograr que las personas se interesen genuinamente por las obras y los temas artísticos, Carlos Woods ha sido desde hace 15 años un promotor muy sui generis que apuesta con la misma pasión y con el mismo instinto de éxito y realización tanto por lo que podríamos llamar “antigüedades” como por el arte de los maestros y los jóvenes artistas contemporáneos.

Detrás del instinto y la pasión de Carlos Woods por el arte y los artistas hay, sin embargo, una sólida formación en Historia del Arte, un cúmulo de lecturas sobre temas filosóficos y antropológicos, muchos viajes y muchas relaciones con artistas, coleccionistas e intelectuales, que en su conjunto lo acercan más a la imagen del humanista que a la de un simple promotor y empresario del arte: un estudioso que desea contagiar a todo el mundo el entusiasmo por el arte y el conocimiento. Aunque en el campo artístico todo tiene sus propios riesgos, las iniciativas más reconocidas de Carlos Woods como curador y promotor artístico tienen que ver con los artistas jóvenes y con el arte contemporáneo y que se traducen, más que en un apoyo o una creencia, en un verdadero compromiso por llevar a esos artistas a los escenarios internacionales que les permitan brillar con la intensidad que tiene que ver con el talento y el trabajo.

elartista

doniel espinoza Y SU MUNDO IMAGINAR I O

La obra reciente de Doniel Espinoza (Guatemala, 1970) pareciera estar dictada por una legión de duendes diminutos y traviesos que instalan circos delirantes, elevan barriletes de colores o celebran fiestas insensatas incluso en los escenarios más serios y solemnes. Esta invasión desenfrenada a sus cuadros no es un simple juego de una imaginación que de pronto e irresponsablemente deja salir a los fantasmas que la habitan, sino que es más bien la cálida evocación de la Edad de Oro de la infancia. Hoy, en plena madurez creativa, reconoce que ese mundo pictórico propio es el de la familia y el hogar, con los valores, conflictos y emociones que de allí se derivan. Y en efecto, tras la aparente facilidad con la que el artista le sigue la pista a sus pequeños e inquietos personajes hay, sin embargo, una dilatada trayectoria que se inició con sus dibujos infantiles (Doniel es un artista precoz) a los que ahora regresa luego de un largo y penoso recorrido por los caminos del arte y de la vida. Y precisamente ese contenido existencial, esa experiencia acumulada y esa vida propia que hay en cada uno de sus cuadros es lo que le da autenticidad y frescura a sus creaciones y vitalidad a su imaginación para transformar lo que sucede en su interior y en su entorno en imágenes tiernas y conmovedoras y hacer con ellas una obra plena de valores humanos, una especie de homenaje a la familia como espacio donde todo florece y fructifica. Y no son únicamente los temas de su pintura los que se relacionan con el juego, la niñez y la familia; también su manera de encarar el trabajo y organizar su rutina, de asumir los desafìos del oficio y de plantearse metas para el futuro: con alegría, con confianza, dispuesto siempre a dar todo de sí.

elartista

"...gracias al arte he crecido espiritual, psicolgica e intelectualmente..."

Entrevistador: ¿Cuantos años tienes en el arte? Doniel Espinoza: Yo conozco la plástica más o menos a partir de los nueve años, que fue a esa edad cuando empecé a ir a la escuela del cerro del Carmen, con los maestros Max Saravia, Juan Antonio Franco, Mercedes Chacón, Carlos Chaclán.

cimiento.

E. ¿Qué te gustaría ser si no fueras artista? D.E. Me gustaría ser aviador. E. ¿Cuál ha sido tu mayor satisfacción en el arte? D.E. Yo vivo muy satisfecho de mi vida, porque gracias al arte he crecido espiritual, psicológica e intelectualmente, y eso ha sido mi mayor satisfacción.

E: ¿Cuándo te diste cuenta que querías ser artista? D.E.: Más o menos en la misma época, pero me gustaría pensar que fue antes, cuando mi madre me llevaba a la iglesia y disfrutaba mucho viendo los cuadros. Me parecían muy admirables las personas que hacían una pintura, por la mística y la magia.

E. ¿Cuál ha sido tu mayor decepción en el arte? D.E. La misma de todos los demás artistas: a veces el medio no nos provee una respuesta tan inmediata como quisiéramos. Pero una decepción 100% creo que no tengo, son gajes del oficio.

E: ¿Qué recuerdas de esa época?: D.E.: Recuerdo que era muy niño, y que me gustaba mucho pintar, pintaba todo el día, pero también que jugaba mucho.

E. ¿Qué piensas antes de iniciar una obra? D.E. Normalmente ya tengo la obra solucionada antes de pararme frente a la tela; entonces, ya frente a la tela, algo viene para afuera; no es que uno piense en el momento qué es lo que tiene que hacer.

E. ¿Cuál fue tu primera exposición? D.E.: En la Escuela de Cerro del Carmen acostumbrábamos a exponer todos los domingos el trabajo que hacíamos allí; yo en realidad siempre exponía más obras pues llevaba también las que hacia en mi casa. Y lo exponíamos en el torreón y los muros de la iglesia, esa fue mi primera exposición.

E. ¿Tienes algún ritual, por así decirlo antes de iniciar una obra? D.E. No precisamente, pero si voy a pintar me gusta que el taller esté muy ordenado y limpio; pongo incienso y música, en especial Pink Floyd.

E. ¿Cuál es la primera obra en la que notaste que el trabajo estaba bien hecho? D.E. Fue una acuarela que pinte de la ermita, más o menos a los 11 o 12 años, y fue porque don Max Saravia me dijo que participara con ella en uno de los certámenes, y me gane el primer premio. Fue en papel bond, y es de las obras que más recuerdo, porque el premio fue únicamente un recono-

E. ¿A qué artista internacional admira? D.E. Considero que me gusta el trabajo de Pérez Elvis, de lo más joven. 18

E. ¿A qué artista guatemalteco admiras? D.E. Admiro a todos, pero creo que el más importante según yo es Efraín Recinos.

E. ¿Qué te sientes más, pintor, dibujante o escultor? D.E. Soy más pintor

E. ¿Qué sueños tienes en el arte? D.E. Hacer una escultura más grande, más sofisticada, más refinada. Yo siempre me preocupo mucho por la técnica.

E. ¿Cómo sientes que ha evolucionado el arte en Guatemala? D.E. Creo que hay muchos grupos de artistas trabajando diversas corrientes. Siento, sin embargo, que aunque hay muchos artistas y muchas tendencias, es el grupo social con alto poder adquisitivo el que dicta las tendencias que prevalecen. En relación a la evolución de las artes plásticas, pienso que ya no podemos hablar de vanguardia ni de expresión, sino de mercado.

E. ¿Qué obra tuya recuerdas más? D.E. Una obra que recuperé hace algunos años y se llama “Flor de Sangre”

E. ¿Cuál fue tu ultima exposición? D.E. Fue en la torre empresarial Las Margaritas, con formato pequeño y con mi paleta característica, en su mayoría rojas.

E. ¿Como es un día en tu vida? D.E. Es un día normal de padre de familia. En la mañana llevo a los niños al colegio, regreso con mi esposa, desayunamos, me voy al taller, le dedico un rato a las relaciones públicas y la organización de mi agenda, y luego trabajo en mi obra; y en las tardes regreso con mi familia.

E. ¿Qué podemos esperar de Doniel Espinoza en el futuro? D.E. Creo que si Dios nos presta la vida, satisfacer el compromiso asumido de seguir refrescando mi trabajo y proponiendo cosas que tengan contenido.

E. ¿En qué te inspiras? D.E. Yo hablo mucho, en mi pintura y escultura, de la familia, de mi entorno inmediato.

E. ¿Qué mensaje le darías a todos los que seguimos tu trabajo? D.E. Que estoy muy agradecido por su apoyo y que es fantástico que en una buena parte uno debe su carrera a su gente.

E. ¿Cuál es tu color favorito y el que utilizas mucho en tus obras? D.E. Tengo uno, es un marrón, pero en realidad me gustan todos. Yo soy un colorista nato, cada color significa una palabra, por lo que no te puedes pelear con ninguno.

LEXCORP

laexpo

el attico Y SU S B O DAS D E P LA T A Por Guillermo Monsanto

Un cuarto de siglo ha pasado. El 13 de abril de 1988 dos jóvenes emprendedores –Luis Escobar y Guillermo Monsanto- iniciaron un proyecto al que muchos le vaticinaron un par de meses de ímpetu para luego menguar en el horizonte de la historia. Hoy aquel sueño llega a sus primeros 25 años de existencia, de transformación continua y, con ello,a nuevos hallazgos por desvelar. ¿Hallazgos? Sí. El sustantivo subraya especialmente las acciones que han llevado a El Attico a sumar conocimiento y experiencias diversas en distintos campos como el de la conservación, rescate y proyección del patrimonio artístico de incontables particulares. La formación de su equipo interdisciplinario, sumada a la experiencia de sus alianzas estratégicas en un universo profesional como el de las artes visuales le otorga un liderazgo específico. En este rubro no está exenta la docencia y con ella la transmisión de conocimiento. Tampoco hay que olvidarse de la infinidad de artistas y personas sensibles al arte que adicionan un cúmulo de experiencias de vida de todo tipo y profundidad. Su Centro de Documentación, la biblioteca, los conocimientos aplicados en el ejercicio, se han convertido en punto de referencia para muchos investigadores –estudiantes y profesionales- que han encontrado en los fondos documentales la información solicitada y hasta más. Catálogos, invitaciones, recortes de prensa y otros documentos conforman la información que durante años estuvo dispersa en distintas manos y que de a poco ha llegado para ser sistematizada y posteriormente aprovechada para múltiples publicaciones. Un buen ejemplo de ello fue el material que se utilizó para la exposición sobre la mujer exhibida a finales de 2012 en el Museo de Arqueología de Guatemala.

Los archivos sobre Carlos Mérida, Dagoberto Vásquez, Guillermo Grajeda Mena, Antonia Matos, por ejemplo, son de los legajos más completos en existencia y hay muchos otros como el de Francisco Tún, Magda Eunice Sánchez, el colectivo femenino Hecho en Guatemala, Regina Prado, el Taller de Gráfica Experimentaly otros. Los documentos atrapan, en la medida de lo posible, la labor de varios cientos de creadores visuales guatemaltecos.

Desde hace dos años El Attico pertenece a la Asociación de Museos de Guatemala. Con este nuevo giro, la galería ha prestado ya varias de sus colecciones a distintas instituciones para exhibir con fines educativos muchas de las obras que conforman su patrimonio. He allí otra de las actividades que la diferencia de otras galerías hermanas. Este primer paso es una acción concreta hacia la conformación de su museo de arte (una de las nuevas metas en las que ya está trabajando desde hace algún tiempo).

laexpo

Mientras tanto, obedeciendo a una rigorosa programación, la sala principal de exposiciones y “el salón de coleccionista” suman actividades con cada año que transcurre y con ello dejan huella de una actividad continua e ininterrumpida de creadores consolidados y emergentes. Aunado al frenesí expositivo, con el siglo XXI el manejo de redes sociales y alianzas estratégicas se conforman como parte de una actividad que perfilauna nueva realidad a la que El Attico y su Centro de Documentación ya no son ajenos.

Una nueva acción se suma a lo anotado hasta acá. El registro y valuación de otros bienes patrimoniales de particulares. Desde esta posición los coleccionistas dan su voto de confianza a la entidad para tener acceso a sus patrimonios los cuales son tasados y registrados de un modo profesional y confiable. El Attico, hoy, es un espacio multicultural en el que la investigación y la proyección se unen para crear guiones dinámicos para pertenecer, como lo hace, a este complejo universo de la cultura guatemalteca en los albores de un nuevo siglo. En este orden y ya para cerrar, también cuenta el apoyo incondicional que como líder cultural otorga a distintos grupos teatrales consolidados y por consolidarse.

pluma invitada

el coleccionista Y SU COLECCIÓN Por Juan B. Juárez

Lo que distingue a una colección respetable de una simple acumulación de objetos por valiosos que sean es la personalidad del coleccionista y el criterio con el que selecciona y define lo que la colección incluye y excluye. Quizás sea cierto que el afán de acumular cosas sea un rasgo característico de una personalidad egoísta que el coleccionista sublima a través del orden, el carácter y el destino que impone a su colección. Sin embargo, no con ello se redime de aquel rasgo negativo, pues la colección es el inicio de otro tipo de aflicciones. Y es que el coleccionista sabe lo que tiene, pero sobre todo —¡ay!— sabe lo que no tiene. En el número anterior hablamos de que el coleccionista (no el especulador) asume como propia la misión de conservar y resguardar para la posteridad las obras de arte de un período, de un estilo, de una temática, de un grupo de artistas, etc. Además del placer que le provoca cada una y el conjunto de las obras que posee, el coleccionista obedece también a una especie de responsabilidad histórica, cultural y científica que lo impulsa a ampliar su colección, a completarla, y a volverse un especialista en los objetos de su pasión. Así, conoce, por sus propias investigaciones o por la asesoría de los expertos, la historia de cada pieza, al autor, la época, el estilo y las variantes que introduce, etc., de manera de disponerlas en una clasificación y en un orden que no sean del todo arbitrarias. Y es que una colección puede ser el punto donde la posibilidad lógica de una clasificación objetiva converja con la necesidad patológica de llenar todas las casillas que completan una serie. El coleccionista descubre, entonces, que no hay una colección completa, que a la suya, por amplia y exhaustiva que pueda ser, siempre la hará falta algo. Y de allí que esté en permanente búsqueda, atento al aparecimiento de la pieza rara, sopesando la importancia y el valor de cada una de las que ya posee de cara a la posibilidad de negociarlas por las que le hacen falta. Sopesando su apego, se comprenden sus alegrías más íntimas, los sacrificios que está dispuesto a hacer, el dolor que le causa deshacerse de una pieza o dejar pasar la oportunidad de adquirir la que completaría un subconjunto, y el horror de verse en la necesidad de vender una parte de la colección, cuando más bien su deseo más genuino es donarla completa a un museo o, mejor aún, fundar uno propio que, después de su muerte, pueda seguir ampliándola.

libro delmes

la conjura de los importantes

/D ‘ A I LL O N, JE A N Diciembre de 1642, Richelieu acaba de morir y el rey está muy enfermo. El vacío de poder y la amenaza de una nueva guerra contra España moviliza a la corte, especialmente a la alta nobleza, los Importantes. Un comisario aparece muerto. Su colega Gaston de Tilly le pide a su amigo, el notario Louis Fronsac, que le ayude en la investigación. Las pesquisas les llevan a los campamentos militares del duque de Enghien, cerca de Rocroy, donde se preparan para librar batalla a los tercios españoles. Ignoran que esta muerte no es un simple asesinato, sino la punta de lanza de una conspiración que apunta a la corona. La muerte de un comisario puede ser más que un simple asesinato, puede esconder una conspiración contra la corona.

Editorial Alianza, 2012

Una nueva novela del notario investigador Louis Fronsac, una nueva novela del autor de “ El misterio de la cámara azul “ , “ La conjetura de Fermat “ y “ Los herretes de la reina “. Encuéntralo en

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arte EN MAYO El Festival de Arte en Mayo organizado por la Fundación Rozas Botrán ofrece a los artistas una forma de ejercitar la participación y el fomento de la innovación. El Museo Nacional de Arte “Carlos Mérida” fue el escenario en donde se llevo a cabo la actividad a través del intercambio de excelencia artística a nivel nacional e internacional. Durante el mes mayo, la población guatemalteca tuvo la oportunidad de admirar la diversidad del arte contemporáneo y de entablar un dialogo intercultural. La selección de arte que se presento estuvo guiada por la calidad de las obra. Se ofrecio la seriedad y credibilidad en cada propuesta. El festival jugo un papel importante en el contexto de la educación, con la promoción de una cultura de paz que favorece el entendimiento y respeto entre grupos de personas.

El GRUPO FINANCIERO DE OCCIDENTE, como patrocinador oficial, comparte con la Fundación Rozas Botrán los esfuerzos para favorecer la salud de los sectores más vulnerables de Guatemala y Centroamérica a través del Instituto de Investigación de Genética Humana INVEGEM y el Hospicio Hospital San José, para la atención de niños y adultos con VIH/SIDA. Para el manejo y cuidado de la obra, se cuenta con el asesoramiento del Centro de Rescate, Estudio y Análisis para el Arte, otra de las instituciones que forma parte de la Fundación. Arte en Mayo es un evento que atrae a los coleccionistas de arte, a los interesados en conocer las expresiones visuales de vanguardia y al público que busca una manera sana y creativa para su entretenimiento.

ACTIVIDADES RELACIONADAS CON ARTE EN MAYO En octubre se realiza la convocatoria general dirigida a más de 500 artistas distinguidos nacionales e internacionales. La recepción de obra se efectúa en enero, con la participación de artistas de diferentes partes del mundo. Ingresan cerca de 500 obras de arte, las que se presentan ante un comité curador que establece los criterios para la selección de la obra que se expondrá, así como la que se presentará en un catálogo oficial. El Comité curador selecciona a tres artistas emergentes, merecedores de recibir un premio en efectivo. Cada año, la Fundación Rozas-Botrán ofrece un homenaje a uno o dos artistas que se han destacado por trayectoria. En esta oportunidad las distinguidas fueron las integrantes del Colectivo Femenino Hecho en Guatemala: Tache Ayala, Mayra Klée, Ilna de Moöller, Connie Secaira, Pina Pinetta, Carol Yurrita de Maselli y Patty Valladares. Se organizan visitas guiadas para coleccionistas y personas interesadas en la adquisición de obras.

Su fotografía es, en efecto, fresca, intensa y viva y sus impactantes imágenes están construidas no sólo con trozos de la realidad captados con una técnica virtuosa, exigente y versátil, sino también y sobre todo con la imaginación. Es decir, captan lo externo y proyectan lo interno, y de allí que son imágenes que siempre dicen algo, que descubren y se expresan sobre lo descubierto.

ticos: la selección de los temas, la luz, el color, el encuadre, la composición, los escenarios, los personajes, la puesta en escena o lo que se trate, articulado todo en función de la intención expresiva del artista. Y a la luz de esa intención, el trabajo de “ajuste estético y semántico”, la posproducción propiamente dicha que permite la tecnología digital. Aquí, en este punto, el objetivo del artista no es forzar la imagen para que llegue a significar tal cosa sino que la exprese directamente de la manera más convincente: el impacto, que en las imágenes de Alan Benchoam además de visual es emotivo e intelectual, con una buena dosis de paradoja.

EL ASOMB RO PERMA NENT E

“EN MI UNIVERSO”

foto

alan benchoam

El mundo que abre el fotógrafo Alan Benchoam (Guatemala, 1970) no sólo es brillante, diverso e inagotable sino también permanentemente asombroso, incluso en sus más mínimos detalles. Está hecho de momentos de plenitud vital que él ha sabido descubrir en el núcleo de lo cotidiano y liberar en imágenes que desbordan —o concentran— un contagioso entusiasmo por la vida.

Aunque sus fotos tienen la espontaneidad de lo vivo y lo casual, se trata, sin embargo, de construcciones muy bien meditadas no sólo en los aspectos técnicos sino también en los semán-

“PAULO ALVARADO”

Se trata, al fin de cuentas, de un fotógrafo que ama la vida y ese amor es lo que evita que su método creativo derive en simple sofisticación técnica, y lo que hace, por otro lado, que sus imágenes tengan esa plenitud vital estimulante y contagiosa. Así, entre el sacudimiento de los sentidos y de las rutinas físicas y mentales que nos provoca su impacto (que ya dijimos que no es sólo visual) y el gesto saludable y optimista con el que señalamos la recepción de su intención significativa, lo que nos ocurre frente a las fotografías de Alan Benchoam no es un simple acto de comunicación estética sino propiamente un acto de comprensión profunda, un momento de plenitud vital.

“JUGANDO A LA CREACIÓN”

Lo asombroso y lo sorpresivo de sus imágenes y su mundo no se debe, sin embargo, a un simple juego de ingenio que conserve su encanto únicamente mientras no se resuelva la paradoja, se descifre el truco técnico o se diluya la sorpresa, sino que se trata de un asombro permanente e inagotable, de una sorpresa perenne que se revive cada vez que alguien se detiene a observarlas. Tienen, digámoslo de una vez, el asombro y la sorpresa que produce la vida: a ese objetivo expresivo es a lo que precisamente se orienta el proceso técnico e imaginativo que está detrás del arte de Alan Benchoam.

la libertad creativa

sangre nueva

fabiola aguirre

Un certero sentido de la composición y la intuición fulminante de un espacio que se abre precisamente a instancias del gesto creativo son las rigurosas condiciones sobre las cuales Fabiola Aguirre provoca los accidentes que originan las manchas y los impulsos que resuelven los grafismos impacientes que definen sus frescas e intensas expresiones pictóricas. Sus obras, en efecto, producen la impresión de haber sido creadas en un impulso que se origina en alguna parte de su

psiquis y se resuelve en el papel o la tela como remate de un movimiento corporal unitario, irrefrenable y espontáneo. No hay en ellas dibujo ni pintura, entendidos como actividades formativas más o menos intelectuales y conscientes, sino que se trata de una especie de contacto directo e impactante de la energía creativa de la artista con la materia cromática, impacto que, dada la génesis de la obra, es al mismo tiempo el sentido del movimiento gestual y su contenido emotivo.

A pesar de que su obra no se deja analizar desde el punto de vista de “la forma y el contenido”, en algunos de sus cuadros hay figuras sugeridas, formas humanas de rasgos acentuados, las cuales, sin embargo, no constituyen tema sino que son parte del torrente emotivo que desemboca sobre el papel o la tela. El grafismo, negro, grueso, violento, exasperado a veces, apoya esas sugerencias, aunque más bien funciona como dique que se opone, desvía, atenúa u orienta la descarga enérgica del color, usualmente amarillo.

No obstante que sus estudios académicos —es egresada de la Escuela Nacional de Artes Plásticas y está por concluir la licenciatura en Artes Visuales en la Universidad de San Carlos— la orientan por rumbos más tradicionales, Fabiola ha adquirido una admirable confianza en su instinto creativo y ahora, con plena conciencia de las fortalezas de su talento, cultiva sus impulsos como un ejercicio de libertad y de criterio estético.

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AGOSTO - SEPT. XIII / .02

bio / ramon avila el artista / doniel espinoza foto / alan benchoam

/ elartistamagazine