RETHINKING IDENTITY: JE EST UN AUTRE

Dans la célèbre citation de Rimbaud tirée d’une lettre qu’il écrivit en 1871 à Paul Demeny « Je est un autre », le poète se voit comme un être multiple, composé d’une diversité de personnalités, agissant entre individualité et altérité. Cet énoncé interroge de façon contradictoire la construction du sujet dans son rapport aux autres.

Déjà dans les années 1960 et 1970, ces thèmes ont été au centre des débats philosophiques et psychologiques, de l’existentialisme et de l’antipsychiatrie voire du féminisme. Aujourd’hui, les études post-féministes et postcoloniales s’ouvrent à une approche intersectionnelle en se concentrant davantage sur les diversités des situations dans leur corrélation entre les genres et les races.

C’est le cas des autoportraits de Zanele Muholi qui sont des interfaces pour questionner les identités, dénoncer la xénophobie et le racisme en bousculant les codes de la représentation. Devant la caméra, elle interprète de multiples rôles et se joue des clichés et stéréotypes de la culture africaine. Elle incarne différents personnages qui sont autant de témoignages de la complexité des rapports de domination et qui expriment son engagement pour le mouvement LGBTQIA+ et plus particulièrement pour celui de l’identité lesbienne en Afrique du Sud.

De même, les photomontages de la jeune artiste sud-africaine Lunga Ntila (décédée récemment dans un accident) s’inspirent de la culture africaine en se référant à des mouvements d’avant-garde européens comme le cubisme influencé à son tour par l’art africain. Son travail aborde des sujets tels que les normes sociales de la société patriarcale des Blancs tout en canalisant l’énergie créative pour élever la femme noire. Dans sa série Define Beauty, elle représente son autoportrait de manière déformée commentant ainsi les canons de beauté dans notre société.

La pratique de Frida Orupabo consiste également à transformer des images personnelles en collages. En tant qu’artiste norvégienne nigériane, elle fait référence dans son travail à des images d’archives de la violence coloniale, à des représentations stéréotypées des rôles raciaux et de genre et transmute des expériences autobiographiques et des problèmes politiques dans de nouveaux récits. Lívia Melzi, artiste qui est née au Brésil et vit à Paris, utilise le médium de la photographie pour interroger l’héritage colonial et sa puissance visuelle à travers de nouvelles images d’artefacts et d’autoportraits. Sa recherche artistique porte sur les questions de représentations occidentales et de colonialisme notamment sur les capes Tupinambà issues des tribus guerrières de la côte brésilienne.

Dans sa série Averted Portrait, Corina Gertz s’intéresse aux traditions vestimentaires en montrant les diversités colorées et les particularités culturelles de notre monde. Elle pointe les particularités de nos expressions individuelles et culturelles tout en luttant contre l’intolérance envers les autres.

Les collages de Katinka Goldberg explorent la tension entre elle et le monde en jouant sur la déconstruction et la reconstruction de manière poétique et surréaliste de son histoire familiale en mémoire de sa grand-mère juive. Explorant le médium photographique en tant que peintre, sculpteur et photographe, elle visualise une identité traumatisée et fragmentée que son travail tente de reconstruire.

En parlant ouvertement de sa sexualité dans son œuvre photographique, le Luso-Luxembourgeois Bruno Oliveira intègre automatiquement les aspects de l’immigration et les particularités culturelles des communautés portugaises. A travers des images autobiographiques au fort caractère narratif, il évoque avec poésie son passé traumatique. La photographie l’aide à déconstruire et reconstruire cet « autre Je ».

Dans une tout autre esthétique, la série d’autoportraits manipulés de Krystyna Dul nous parle d’une identité multiple mélangeant les racines et les genres. Dans cette série intitulée Mamas & Papas, où elle change la bouche et les yeux, sa petite fille continue à identifier cette fusion comme le portrait de sa maman.

Ici on peut dire, en paraphrasant Edouard Glissant, dans sa conception de la créolisation, que les photographies mettent « en rapport le divers tout en maintenant l’identité ».

Paul di Felice

ERWIN OLAF & HANS OP DE BEECK: INSPIRED BY STEICHEN

La nature comme source d’inspiration

L’un des rares effets secondaires positifs de l’épidémie mondiale de Covid-19 est peut-être le fait que de nombreuses personnes ont renoué avec la nature au cours des deux dernières années.

On a marché, couru ou fait du vélo. L’absence de voitures et de grandes foules a permis aux animaux de s’aventurer dans notre environnement immédiat.

Il y avait moins de bruit dans l’ensemble et plus de choses à écouter tranquillement. Le vent, l’eau, les animaux et, parfois, la force brutale de la nature nous ont laissé une impression durable. L’environnement naturel a été une importante source d’inspiration pour les artistes dans la période récente également - comme il l’a souvent été tout au long de l’histoire de l’art. C’est certainement le cas pour l’un des plus célèbres artistes d’origine luxembourgeoise, le photographe Edward Steichen (1879-1973).

Steichen et son héritage artistique

Né au Luxembourg, élevé dans le Wisconsin et formé comme apprenti lithographe, Steichen s’est mis à la photographie à l’adolescence. À l’âge de vingt-trois ans, il avait déjà créé des paysages tonals sombres et des études psychologiques brillantes qui lui ont valu les louanges d’Alfred Stieglitz à New York et d’Auguste Rodin à Paris, entre autres. Au cours de la décennie suivante, ce jeune homme - qui était le portraitiste préféré de l’élite de deux continents - a été salué à plusieurs reprises comme le maître inégalé de la photographie picturale. Il est vrai que Steichen «peignait» en quelque sorte ses images légères, à la recherche d’angles inhabituels, de scènes lunatiques et de moments poétiques. Au début, il les trouvait souvent dans la nature qui l’entourait : un arbre dans son jardin qu’il suivait au fil des saisons ; un petit lac entouré d’arbres près de la maison d’une connaissance ; une vue à travers les arbres sur l’immeuble Flatiron au cœur de Manhattan (une photographie vendue aux enchères pour 12 millions de dollars pas plus tard qu’en novembre 2022). Ce petit groupe de photographies représentant la nature a toutefois été quelque peu éclipsé dans les décennies suivantes par la profusion de portraits que Steichen a réalisés de contemporains mondialement connus, tels que Constantin Brâncuşi, Greta Garbo et Thomas Mann, et par le travail qu’il a effectué pour des magazines et des entreprises.

Pourtant, la nature reste une partie merveilleuse de son œuvre très riche et variée, dont le Luxembourg a reçu une partie lors d’une importante donation de la succession de Steichen en 1985 : 178 photographies originales pour être exact. Celles-ci sont depuis conservées au Musée national d’archéologie, d’histoire et d’art (MNAHA), la maison mère du Nationalmusée um Fëschmaart. Avec les 44 photographies de la collection de la Ville de Luxembourg (qui les a rejointes en 2018 dans le cadre d’un prêt à long terme), la collection s’élève aujourd’hui à un total de 222 œuvres.

L’éloquence et la beauté de ces images sont démontrées via une présentation trimestrielle dans le Cabinet Steichen, une petite salle de l’aile Wiltheim du musée, où une sélection différente de 20 tirages est présentée tous les trois mois. Pour la première fois, il existe également, depuis décembre 2022, un catalogue raisonné de la collection du musée, qui documente et présente chaque photographie de manière très détaillée – une étape importante dans l’histoire de l’étude de l’héritage artistique de Steichen dans son pays de naissance. Au Luxembourg, mais aussi dans le monde entier, cet héritage est particulièrement célébré en 2023, qui marque les 50 ans de la mort du photographe. Naturellement, le musée rend également hommage à Edward Steichen. Notre exposition actuelle dans la salle Wiltheim met en lumière l’importance internationale de son langage visuel innovant, de ses thèmes et de ses techniques pour deux artistes contemporains très appréciés : Erwin Olaf (*1959) et Hans Op de Beeck (*1969).

Le pouvoir de la nature et des scènes poétiques

Le photographe néerlandais Erwin Olaf, basé à Amsterdam, est particulièrement connu pour ses mises en scène et ses compositions très théâtrales. Olaf, qui au Luxembourg présente sa série Im Wald (2020), a déclaré à son sujet: «L’idée de cette série m’est venue lors d’une visite à Munich et après les réunions pour une exposition à la Kunsthalle (fin mai 2021), j’ai été invité à faire un tour avec des gardes forestiers, dans la nature et les forêts des environs de la capitale bavaroise. J’ai été très impressionné par cela et aussi ému, car je me suis rendu compte depuis un certain temps que nous, humains, commettons une énorme exploitation de la nature, sans considérer les conséquences pour notre propre survie. Mais par-dessus tout, l’indifférence de la nature et son pouvoir silencieux et écrasant m’ont fait une énorme impression. [...] C’est alors que j’ai réalisé que j’avais un sujet pour une nouvelle série de photographies. Après la série Palm Springs, en partie photographiée en plein air, j’ai ressenti le besoin de prendre un nouveau départ et de laisser derrière moi tout voyage dans le temps et toute décoration, avec un sujet qui se joue ici et maintenant et dans lequel la conception par les êtres humains ne jouerait aucun rôle. La puissance indifférente de la nature, l’arrogance de l’homme envers cette même nature et l’incessant besoin de déplacements, avec les énormes conséquences que cela implique, sont devenus le thème de la série Im Wald.»

Hans Op de Beeck, né à Turnhout et vivant à Bruxelles, travaille sur une grande variété de supports. Que ce soit pour ses sculptures ou ses installations expansives, ses aquarelles grand format ou ses vidéos et films d’animation, il utilise les stratégies de mise en scène du théâtre, du cinéma et de l’architecture pour créer des images oniriques à l’atmosphère dense, qui semblent familières et pourtant étrangères. Op de Beeck a passé plus de dix ans à travailler sur une série de grandes aquarelles monochromes qu’il peint la nuit. Les œuvres originales mesurent entre 2,5 et 5 mètres de long et abordent des thèmes classiques et contemporains. Dans de nombreux cas, il s’agit de scènes poétiques représentant des lieux nocturnes mystérieux, parfois peuplés de personnages anonymes. Comme dans l’ensemble de son œuvre, c’est l’ambiance de l’image qui est importante. Cela vaut également pour ses sculptures, qui sont généralement présentées dans des environnements monochromes en gris : une jeune fille endormie sur un radeau flottant dans l’eau, ou deux jeunes amoureux assis ensemble sur une falaise. L’art et le quotidien se confondent ; des personnes et des objets au rendu réaliste se transforment en sculptures dans un monde monochrome où la vie semble arrêtée.

Nouvelles collaborations

L’idée d’une collaboration avec Erwin Olaf est née à Bruges, où j’ai travaillé pendant plusieurs années comme conservateur en chef du musée Memling. J’ai invité l’artiste à visiter l’exposition William Kentridge : Smoke, Ashes, Fable (2017/2018), dans l’espoir de l’intéresser à un futur projet au musée. Comme j’ai commencé à travailler au Luxembourg peu après, le projet ne s’est pas concrétisé. Cependant, Erwin m’a contacté au musée, une institution qu’il connaissait bien puisqu’il y avait exposé une œuvre pour le Mois européen de la photographie (EMOP) en 2015, que le musée a ensuite acquise. La discussion renouvelée et le nouveau lieu ont donné lieu à des idées nouvelles. Il venait de commencer à photographier en dehors de son studio pour la première fois et travaillait sur une série Im Wald (2020) qui me rappelait les photographies de paysages de Steichen. En même temps, je pensais aux paysages monumentaux en aquarelle de Hans Op de Beeck, qui, bien qu’ impressionnants, n’avaient pas encore été beaucoup montrés dans les institutions publiques.

Une nouvelle phase dans l’œuvre photographique d’Erwin Olaf, les dessins aquarellés relativement peu connus et les sculptures récentes de Hans Op de Beeck, combinés au petit groupe de photographies de paysages de Steichen, semblaient offrir un matériel passionnant pour une exposition. L’idée a séduit Erwin et Hans, qui ne s’étaient jamais rencontrés auparavant mais qui admiraient leurs œuvres respectives et les photographies de Steichen. Leur toute première collaboration est désormais exposée dans la salle Wiltheim du musée, du 16 décembre 2022 au 11 juin 2023. L’exposition présente quelque 43 photographies, de grandes aquarelles et des sculptures. Les œuvres d’Erwin Olaf et de Hans Op de Beeck présentent des liens surprenants avec la photographie de paysage de Steichen tout en nous permettant de revisiter l’œuvre familière du photographe luxembourgeois avec un regard neuf. Bien que très différents, les trois artistes s’unissent comme des musiciens virtuoses pour créer une nouvelle harmonie, une présentation richement variée d’images en noir, blanc et tons gris, dont l’unité et la cohérence sont frappantes.

Ruud Priem, chef de service & conservateur des collections Beaux-Arts, MNAHA

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