Revista enfoque visual 35 by Revista Enfoque Visual

10 CONSEJOS PARA

VERSIÓN DIGITAL EN ZINIO Y MAGAZINOS Smartphone / Tablet / Laptop

Número 35. Mayo 2016 - Julio 2016 Colombia: $13.000 ISSN 2011-1355

Fotografía de desnudo Videos corporativos Fotografías para niños ARTE Y FOTOGRAFÍA

ERIKA DIETTES

El arte de hacer presentes a los ausentes. ESPECIAL FOTOGRÁFICO

FERNELL FRANCO Alquimista de la imagen

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SOLUCIONANDO TODO LO QUE USTED NECESITA DE PRINCIPIO A FIN

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SUMARIO

ESPECIAL DE EDICIÓN

FERNELL FRANCO El documentador de una ciudad en transformación.

Bicicletas Fotografía por: Fernell Franco

EDICIÓN NO. 35

Sumario 6 8 10 12 14 16

10 CONSEJOS

• Fotografía de Desnudo. • Realizar un video corporativo. • Fotografía de niños.

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CINE Y VIDEO

• Tecno Video. • Para Realizadores. • Producto Destacado Video.

TOMA FINAL

• Según Boceto. • Puma Ignite XT Graphic.

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Bandera. Fotoportada. Consejo editorial. Editorial. Opinión. Arte y fotografía. Calendario de eventos. Actualidad. Quesabesde. Producto Destacado Computo. La Guía. Producto Destacado Fotografía.

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Portafolio Andrea Belluso. Portafolio Julían Sánchez.

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Historia.

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Técnica Fotográfica.

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Mesa de Expertos.

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Imagen Legal.

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Tutoriales.

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Libros.

AÑO 11 - EDICIÓN 35 Mayo 2016 - Julio 2016 Cra 37A No. 1 - 54. Bogotá-Colombia Tels: 727 4173 - Telefax: 811 4138 info@revistaenfoquevisual.com www.revistaenfoquevisual.com Bogotá - Colombia

Director / Editor César Pérez. director@revistaenfoquevisual.com

Coeditor Maria del Pilar Rodríguez. coeditor@revistaenfoquevisual.com

Consejo Editorial William Arango, Gabriel Vélez, Alberto Rosas, Jairo Santa, Ricardo Gutierrez, Gustavo Pérez, Juan Guillermo Montañés, Arley Acosta.

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Diseño Gráfico y Diagramación Laura Sanabria. diseno@revistaenfoquevisual.com

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Columnistas William Arango, Juan Guillermo Montañés, Diego Balanta, Andrés Quiroga, Gustavo Pérez, Germán Ruiz, Iván Gómez, María del Pilar Rodríguez, Andrés Parra.

Expertos invitados César David Martínez, Jairo Zambrano, Henry Agudelo, Gustavo Pérez.

Colaboradores Flasherz, Eurocine, Villegas Editores, Benjamín Villegas, E&C Photography, Julián Sánchez, Erika Diettes, Liliana Abaunza, Valentina Gutiérrez, Luis Ángel Parra, Christopher Paschall, María Wills, Miguel González, Fundación Arts Collegium, Slideluck, Sony Colombia, Fundación Fernell Franco, Vanessa Franco., Instituto Humboldt Colombia.

Colaboradores Internacionales Leanne Sacramone, Jose Falconi, Fundación Cartier, Andrea Belluso, Julie Surit, Profoto, Quesabesde.

Suscripciones Nacionales suscripciones@revistaenfoquevisual.com

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Versión para Dispositivos Móviles ISSN 2011-1355

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Quad Graphics Colombia S.A.

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FOTOGRAFÍA DE PORTADA

FOTOGRAFÍA POR:

Autoretrato Fernell Franco Texto y Fotografía © Vanessa Franco Esta imagen de mi padre tiene para mí un especial significado, porque emana de su rostro la serena fortaleza de su espíritu y la profundidad de su privilegiada mirada. Aunque debo decir, y lo corroboran quienes lo conocieron, que Fernell Franco, pese a su naturaleza silenciosa, era, cuando debía serlo, provocador, impetuoso y, por sobre todo un hombre visionario. Este es uno de sus últimos autorretratos, y diverge sustancialmente de los varios que realizó a lo largo de su vida, porque solo en unos pocos de ellos y marcadamente en este, se aprecia la técnica de intervención que imprimía el fotógrafo a sus obras que desde una imagen en blanco y negro, agrega puntos de color sutiles, discretos, tenía una capacidad única para que sus fotografías no fuesen artificiales, a pesar del sin número de intervenciones, le gustaba la idea de un medio sencillo pero por detrás lo sacude con hibridaciones técnicas. En el plano posterior de la fotografía destacan algunas latas corroídas por el tiempo, que Fernell exponía en la terraza de nuestra casa hasta que adquirieran el color y la textura ideales: la pátina del tiempo, la huella del pasado le agradaba, como solía expresarlo. Sobreexponer y resaltar los detalles de su barba, que le recordaba a su abuelo a quien admiraba desde niño y al cual quería parecerse. Fernell subvierte la literalidad del retrato formal, disecciona la imagen rasgándola con un bisturí y remueve las capas de gelatina de bromuro de plata. Le agradaba la cuadrícula pero exenta de encasillamientos, libre de métodos numéricos, como se aprecia en esta toma, en la que el blanco hila el tejido de la trama en una secuencia que solo libera su rostro. En su estudio rompía, pegaba, pintaba, aerografiaba, exploraba, resultando en una que otra imagen singular donde la ilusión se funde con la realidad. Pero, pese a ello, tenía la rara facultad de que las fotografías así manipuladas conservaran su esencia, y aquellas afortunadas intervenciones, atrevidas para muchos, resaltaban las características únicas de la fotografía como autenticidad, fidelidad y testimonio. Fernell Franco nunca trabajó por un interés inmediato de la imagen, sin embargo trabajaba para plasmar allí sus peculiares obsesiones, su carácter, sus sentimientos. Trabajó para la memoria, para preservar sus recuerdos y anclarlos. En tal sentido, solía decir que compartíamos con toda Latinoamérica memorias y olvidos. Fernell Franco soñó con el derecho de un fotógrafo a ser artista.

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Convierte cada boda en una película de Hollywood con una calidad superior a la de cualquier cámara DSLR A la hora de capturar momentos especiales, el modelo URSA Mini es el único que permite grabar con una calidad digital comparable a la de un largometraje de Hollywood. Esta extraordinaria cámara Super 35 portátil compatible con objetivos DSLR de Canon ofrece un sensor con resolución 4.6K y un rango dinámico de 15 pasos. Asimismo, brinda la posibilidad de almacenar imágenes en archivos RAW y ProRes, a fin de realzar los colores y obtener resultados sin precedentes.

Calidad de imagen superior El modelo URSA dispone de un sensor digital con resolución 4.6K y proporciona un rango dinámico amplio de 15 pasos que permite grabar a 60 f/s, conservando los detalles tanto en las partes más claras como oscuras de la imagen sin perder información. Asimismo, se obtiene una nitidez excepcional y se logran texturas que serían imposibles de capturar con una videocámara DSLR común. Esto brinda al usuario la posibilidad de filmar en interiores con una exposición adecuada y aun así poder ver claramente los objetos en el exterior a través de una ventana.

Liviana y portátil La cámara presenta un diseño perfectamente equilibrado a fi n de proporcionar resistencia y comodidad para rodar durante todo el día. La montura opcional para el hombro permite quitarla del trípode y comenzar a fi lmar sosteniéndola con la mano en cuestión de segundos. Asimismo, todas las prestaciones se encuentran integradas, de modo que no es necesario acarrear equipos adicionales. Este modelo también dispone de una pantalla táctil plegable de 5 pulgadas para monitorear imágenes o ver el código de tiempo, el histograma de la señal, la intensidad del volumen y el indicador de enfoque.

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Grabación en RAW, ProRes y otros formatos El modelo URSA Mini cuenta con dos ranuras para tarjetas CFast 2.0 que posibilitan la realización del rodaje sin interrupciones. Cuando un soporte de almacenamiento alcanza su capacidad máxima, la grabación continúa en la segunda unidad, a fin de no perder detalle alguno. Por otro lado, esta versión permite prescindir del sistema de compresión de datos utilizado en las cámaras DSLR. De este modo, brinda la posibilidad de obtener material en formato RAW de 12 bits conservando la calidad de imagen y el rango dinámico captado por el sensor. También es posible grabar archivos ProRes que se editan con facilidad y ocupan menos espacio.

Completamente adaptable La amplia gama de accesorios disponibles facilitan la creación de distintas plataformas para todo tipo de proyectos. La cámara cuenta con nueve orificios roscados de 0.25 pulgadas que permiten colocarla sobre trípodes o añadirle portafi ltros, rieles de desplazamiento y otros componentes adicionales. Asimismo, incluye conexiones SDI y XLR profesionales para señales de video y micrófonos. Otros complementos tales como el visor electrónico Blackmagic URSA Viewfinder y el soporte para hombro también simplifican en gran medida la filmación.

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Todos los modelos incluyen DaVinci Resolve 12 Studio para editar y etalonar el material grabado. El visor electrónico, los objetivos y demás accesorios se venden por separado.

CONSEJO EDITORIAL

Nuestros asesores WILLIAM ARANGO

GUSTAVO PÉREZ

Creador, director y docente del programa de fotografía de la academia Yurupary de Medellín desde 1985. Estudió fotografía en el International Center of Photography (ICP) en Nueva York. Obtuvo el primer lugar en el I Salón colombiano de fotografía en el año de 1983. Ha recibido otras distinciones por su trabajo artístico como el Gran Premio de Fotografía Ecológica de 2009. Ha realizado varias exposiciones individuales y muestras colectivas.

Fotógrafo y docente activo desde 1988. Estudioso de las técnicas y fundamentos de la imagen, practicante entusiasta de la fotografía artística y conceptual. Realizó cortos, medio-metrajes y comerciales. Profesor invitado en la especialidad de fotografía de Cine documental en la EICTV, Cuba. Representante por el MEN ante la ley del fotógrafo Colombiano y ex presidente del Consejo Profesional de Fotografía y Camarografía de Colombia.

JAIRO SANTA

ARLEY ACOSTA

Director de teatro y video, diseñador visual escénico y de iluminación, docente universitario, investigador, consultor para instituciones oficiales y privadas, productor y conferencista. Jurado y premio en varios eventos y concursos nacionales e internacionales de artes escénicas y fotografía. Creador y director académico de los programas de Fotografía e imagen digital y de Producción escénica y visual en LCI, Lasalle College Bogotá.

Director fundador de la Escuela de Fotografía del Valle.Con 28 años de trayectoria en el mundo de la fotografía, Arley Acosta se dedicó a este oficio luego de estudiar en la escuela del famoso Fotógrafo Alberto Lenis. Se desempeñó como docente en las Universidades del Valle, San Buenaventura y la Santiago de Cali. Dirigiendo la Escuela De Fotografía del Valle ha capacitado estudiantes en diferentes áreas de la fotografía y la imagen.

JUAN MONTAÑÉS

ALBERTO ROSAS

Especialista en fotografía de alimentos, bebidas, producto y modelos de consumo. Diseñador Industrial de la Universidad Javeriana en Bogotá, apasionado por la fotografía profesional gracias a una beca que lo convirtió en Máster en Diseño Visual de la Universidad de California, Berkeley. Gracias a su trayectoria, es columnista permanente de revista Enfoque Visual, así como ha sido jurado en varios concursos nacionales.

“Siguiendo los pasos de mi abuelo materno, quien trabajó en los laboratorios de Cinecittà en Roma, experimenté y compré mi primera dosis de químicos para realizar proceso fotográfico. En 1980 ayudé a fundar Foto+Graf, compañía importadora de equipos y materiales fotográficos, desde ese entonces hemos trabajado mucho para ser líderes en el cambio que corresponde a las tecnologías de la fotografía”.

RICARDO GUTIERREZ

GABRIEL VÉLEZ

Diseñador Industrial de la Universidad Jorge Tadeo Lozano. Actualmente es el Director del programa de Fotografía en Taller 5 Centro de Diseño. “Fotografiar es la ilusión del resultado, del dejar ver, del mostrar, del ser criticado, del ser útil y de compartir. Es la idea en imagen y de la imagen miles de ideas, de nuevos retos, de estrenar en cada disparo una nueva oportunidad, otra posibilidad”.

Maestro en Artes Plásticas de la Universidad de Antioquia, Doctor en Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid y Posdoctor de la Universidad Nacional de Córdoba (Argentina). Trabaja como docente universitario, investigador y artista. Su obra se ha expuesto nacional e internacionalmente. Tiene una extensa trayectoria como conferencista y ponente.

warango@yurupary.edu.co

santajairo@hotmail.com

jgmontanesfoto@gmail.com

rgpphoto54@gmail.com

REVISTA ENFOQUE VISUAL / Mayo 2016 - Julio 2016

guzzo45@gmail.com

acostauribe@gmail.com

alberto@fotograf.com.co

gabriel.mario.velez@gmail.com

EDITORIAL

5 Ganadores Fotografía: Jairo Zambrano. POR CÉSAR PÉREZ, DIRECTOR GENERAL. director@revistaenfoquevisual.com

Después de una curaduría que abarcó más de 340 proyectos fotográficos, la II Convocatoria de Portafolios Fotográficos organizada por Revista Enfoque Visual, finalizó su segunda edición consiguiendo como gran objetivo acercarse a cinco espectaculares proyectos fotográficos de altísimo nivel, los cuales serán llevados a instancias académicas y públicas a nivel nacional. Se buscó la excelencia y ese fue el resultado. A continuación, una breve síntesis de los 5 proyectos ganadores. ‘Instantes’ por Daniela Olave: aunque está aún en fase de desarrollo, este proyecto visibiliza y enfatiza una tesis de retrato documental, la relación absoluta entre el sujeto y su espacio. Involucra en su comunicación un lenguaje nostálgico y reflexivo, donde la luz, el color y la composición juegan su papel a la perfección para establecer duda e inquietud sobre el espectador. Serie fotográfica ganadora desde toda perspectiva, ya que logra con cada imagen, amalgamar contextos, posibilidades y emociones para finalmente fijar al espectador en una sola conclusión. ‘AMRITA, El elixir de la inmortalidad’ por Jonathan Manrique: proyecto fotográfico que basa su alcance en documentar una de las más importantes peregrinaciones místicas del pueblo indio. Converge en aproximaciones al retrato y a la práctica documental, mante-

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niendo como hilo conductor no solo a los protagonistas y sus respectivos papeles, sino a una especial paleta de colores, que otorga al proyecto un ambiente rústico y lejano. Interesante desarrollo narrativo que utiliza un camino casi cinematográfico para contar lo sucedido. ‘Paisajes’ por Julián Sánchez: fotógrafo colombiano radicado en Argentina, que plasma con sumo cuidado la espectacularidad de los espacios naturales y urbanos de ese país. La técnica cobra un amplio poder sobre este portafolio, siendo contundente con el argumento de que la fotografía requiere de amplios conocimientos multidisciplinares para lograr imágenes de completa belleza. Manejo perfecto de la profundidad de campo, la composición, el encuadre y una evidente pericia en postproducción fotográfica. Algunas de las imágenes evocan al maestro Ansel Adams y su dominio sobre el sistema de zonas. ‘Larga espera’ por Mauricio León: todo un proyecto de reportería gráfica. Haciendo uso de la monocromía, el fotógrafo establece cronológicamente una de las situaciones más recurrentes de los últimos meses en la capital colombiana y que involucra al sistema de transporte masivo Transmilenio. La habilidad del reportero se evidencia al sintetizar la evolución de las continuas emociones de las personas, las mismas que se hiperbolizan

cuando el reportaje asume posición de denuncia ante los desmanes de la policía y los mismos usuarios. Gran combinación de experiencia, oportunidad y técnica. ‘Fijamente’ por Oscar Perfer: posiblemente una de las mejores aproximaciones artísticas al retrato desde la perspectiva de un fotógrafo colombiano. Con una propuesta visual muy poderosa, el proyecto fotográfico cataliza perjuicios y percepciones del espectador sometiéndolo a definirse entre perturbación o emoción. Es absoluta la intención del fotógrafo al imprimir en cada imagen un aspecto de denuncia moral hacia el hedonismo actual del ser humano. Esta es una serie fotográfica que establece un punto muy alto desde la calidad y el nivel profesional, y que plantea una nueva mirada para el abordaje y la problemática del artista a la hora de decidirse por un tema a desarrollar. Estos cinco grandes fotógrafos tendrán la oportunidad de acercar a miles de personas a sus visiones del mundo, así como compartir con ellos y de manera formativa, sus experiencias profesionales. Solo resta invitar a toda la comunidad de Revista Enfoque Visual, a que estén muy atentos de todas nuestras plataformas de comunicación ya que próximamente se publicará toda la información sobre el circuito expositivo que tendrán los ganadores de nuestra convocatoria fotográfica.

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OPINIÓN

POR: MARÍA DEL PILAR RODRÍGUEZ, CURADORA DE ARTE PLÁSTICO Y FOTOGRAFÍA

TWITTER E INSTAGRAM: @MAPYROSA

De la poesía y otros delirios fotográficos Sí, debo aceptarlo, soy una absoluta romántica que cree en el oficio artístico como un privilegio para tocar el alma humana. Premisa que para muchos sonará demodé, pero es la que me levanta cada mañana a seguir ejerciendo mi pequeño papel en este mar de creaciones y sensaciones que es el arte visual desde todas sus vertientes y lenguajes, entre los cuales la fotografía ocupa un

lugar de privilegio en nuestro tiempo, como ya he reiterado en columnas anteriores. Oficio que, me ha llevado a un sinfín de experiencias extraordinarias en las que para mí fortuna se cuenta hoy, haber sido jurado por vez primera de la II Convocatoria de Portafolios de Revista Enfoque Visual en su versión 2016. Labor que implicó sumergirme en un océano fotográfico vertido a mi pantalla

desde variados rincones del país. Miles de imágenes que me permitieron navegar la mirada de creadores de perfiles diversos, reiterando a mis sentidos que vivimos en un territorio rico en fotógrafos y lleno de valiosas propuestas. Lo que por un lado dificultó enormemente las decisiones, pero a la vez me confirmó lo que más disfruto de ciertas fotografías: su poesía. La poesía comprendida como el li-

1. Fotografía: Bariam Amaya. 2. Fotografía: Cristhian Gaviria. 3. Fotografía: Wilmer Gómez. 4. Fotografía: Guillermo Santos. 5. Fotografía: Camilo Jaramillo. 6. Fotografía: Ariel Arango. 7. Fotografía: Jorge Moreno.

rismo de una imagen. Esas características estéticas que se reflejan en lo emocional, suscitando en el espectador un sentimiento hondo de belleza, de placer. Una imagen poética es un umbral que se nos abre a un mundo estimulante en el que encuentran asidero los más variados sentimientos, estableciendo una comunicación particular con cada espectador que logran tocar. Efecto que si bien 2

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se puede alcanzar por suerte de la serendipia, es en la mayor parte de los casos fruto de una búsqueda intensa, de un arduo trabajo de exploración, nacido de una capacidad de observación particular que no descarta ningún motivo como móvil de creación, como es el caso de la propuesta de Guillermo Santos, cuyos “Augustos”, nos hablan de fortaleza y levedad, de melancolía y tranquilidad, generando mediante la armonía compositiva, en comunión con una luminosidad de acuarela, múltiples caminos de reflexión, que me hacen pensar en el artista japonés Masao Yamamoto como un referente que puede resultar extraordinario para enriquecer aún más este imaginario que Santos va tejiendo. Onírica captura que se reitera en la propuesta de Christian Gaviria, cuyo lente nos lleva de vuelta a nuestras raíces,

llamándonos a un acto de re lectura de lo propio, lejos del estereotipo establecido por los medios tradicionales alrededor de lo ancestral, abriendo la puerta a lo real, en un juego de colores y composiciones que resultan inspiradores para los sentidos. Imágenes que me he gozado habitada además por la certeza de que disfrutará y capitalizará todas las lecciones que tiene reservadas para él, el universo de Martín Chambi. Los sentidos se expanden, tal cual cuando de niños nos dedicábamos a hacer dibujos imaginarios en el cielo, al explorar la fotografía nocturna de Camilo Jaramillo, quién rastreando la noche colombiana desde distintos parajes, nos extiende una promesa, nos abre una puerta con dirección a lo que técnica, pero sobre todo emocionalmente nos depara su lente, a partir de este trabajo que es para mí

un muy buen presagio. La ternura y la alegría, dos sentimientos que en su acepción más honesta es hoy día más complejo encontrar en las imágenes que nos ofrecen las redes y los medios; quizá porque algunos consideran eso como una estética cliché. Yo, reiterándome en esencia una admiradora de la belleza del alma humana y la fabulosa capacidad del arte para retratarla, aplaudo cada vez que un fotógrafo es capaz de desarrollar la empatía suficiente con sus congéneres para capturar estas emociones en su dimensión más auténtica, como es el caso de las propuestas de Ariel Arango, Barian Amaya y Jorge Moreno, a quienes les dejo un autor para su estudio: Steve McCurry. “Todos los colores mientras se comporten como el blanco y el negro” frase que me extendió Ruven Afanador, en la entrevista

que le hice recientemente cuando hablamos de su relación con el color. Expresión, que cobró un singular sentido cuando vi el portafolio de Wilmer Gómez, quién con su sabor naif nos hace sonreír, tejiendo una amalgama cromática que resulta refrescante. Camino que continuado con responsabilidad y la apasionada intensidad que intuyo tiene por el oficio, lo llevará a consolidar una valiosa sintaxis visual, en la construcción de la cual lo invito a ver los trabajos de Olivero Toscani, uno de los reyes de la paleta fotográfica contemporánea desde lo conceptual hasta lo estético. Y así, tras este maravilloso paseo por la poesía de éstos lentes no me resta más que felicitar a los ganadores de la convocatoria 2016 y agradecer a cada uno de los 344 participantes que compartieron con nosotros su valioso trabajo.

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ARTE Y FOTOGRAFÍA

FOTOS: ERIKA DIETTES.

Erika Diettes

1. Fotografía: Joyce Rivas. 2. Río Abajo, Manrique Medellín Leididiana Valencia. 3. De la serie Relicarios # 26 VF.

EL ARTE DE HACER PRESENTES A LOS AUSENTES

Fotografía: Fabián Garzón. POR: MARÍA DEL PILAR RODRÍGUEZ CURADORA DE ARTE PLÁSTICO Y FOTOGRAFÍA Twitter e Instagram: @mapyrosa

Erika Diettes, fotógrafa colombiana que con su trabajo demuestra la valía e importancia de la investigación, el trabajo de campo y la dedicación técnica para hacer de la fotografía artística un agente de transformación emocional. “¿De quiénes son esos zapatos? ¿Quién era? ¿Por qué la mataron? ¿La estará buscando una anciana atormentada con el recuerdo de una hija perdida? (…)” Los primeros renglones de aquellas páginas del periódico El Tiempo tituladas: “Colombia busca sus muertos” firmadas por Luz María Sierra, aquel 24 de abril de 2007 terminaron de cocinar Río Abajo. “Noticia al aire, memoria en vivo” el título de la tesis para su maestría en Antropología Social de la Universidad de los Andes, cobró para Erika Diettes un sentido distinto. Distinto incluso a aquella imagen del

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afecto acribillado que se fijó en su cabeza, cuando el noticiero televisado le informó a su familia sobre la noticia del tío asesinado. Instante en que continuó dibujando una cadena de inquietudes tan compleja como certera ha demostrado el presente que fue. Kilómetros de exploración pasarían antes de que se volviera imagen el más cruel de los dolores. “Esta carga emocional intensa solo se entiende en el trabajo de campo.” Expresa Erika Diettes en su taller, en medio del testimonio físico de su recorrido artístico que, en contraste con su amable voz, nos puede llevar por inhóspitos parajes de la memoria del conflicto colombiano. Memoria de angustias insondables, de siniestros irrepetibles. “Colombia olvida porque no sabe cómo contarse.” Afirmación que es para ésta

artista un reto para levantarse cada mañana, y hacer lo que a fuerza de estar en contacto con víctimas comprendió era su mejor aporte en medio de tanta injusticia junta: “yo puedo contar la historia, eso es lo que me corresponde y ese es mi lugar (…) como fotógrafa lo único que puedo hacer es imágenes.” Función que le ha hecho adentrarse en alejados municipios colombianos a entrevistar hombres y mujeres contando como vieron desaparecer a sus seres más amados. Toneladas de dolores insepultos que invocan la ausencia con un dolor adicional: se les ha negado el duelo, por la falta de un cuerpo, la vulneración del ritual funerario o haciéndoles presenciar las más crueles atrocidades, imposibilitando el superarlo. ¿Qué hacer ante ello? ¿Cómo abordar un tema emocionalmente tan denso sin llegar al amarillismo

a través de la fotografía? ¿Cómo generar una memoria reflexiva, estética y respetuosa? Estas preguntas entre muchas otras con certeza revolotearon en la cabeza de Diettes antes de emprender el camino de creación que se llamó: Río Abajo, más tarde Sudarios y próximamente Relicarios. Su interés por el rostro del dolor, por el ausente invocado a través de la presencia de quién le ama y la vocación de registrarlo fotográficamente; se manifiesta por primera vez en su producción artística en la obra: Silencios. Retratos de sobrevivientes del holocausto. Ancianos cuerpos con vívidos recuerdos de un siniestro ayer, que señalaban además el camino de la fotógrafa hasta nuestros días. El estudio de la violencia en Colombia en la década de los 90, retrató en sus sentidos el río como cementerio. Unos y otros párrafos confirmaban las

arterias fluviales como una fosa común que hacía una lotería encontrar un cuerpo. La cristalina belleza de las vertientes naturales, trastocando su papel de vida como un depósito de muerte ante los ojos de la historia. Río Abajo van los cuerpos, río abajo desaparecen, río abajo los esperan dolientes que tal vez jamás los logren ver… Son las frases que llegaron a mi cabeza el día que me enfrenté a la exposición Río Abajo en mayo del 2015, en la Catedral de Nuestra Señora de la Pobreza en Pereira. Entre velas y feligreses que deambulaban observando las cajas de vidrio en marcos de madera tamaño natural que exhibían en sus entrañas fotografías de prendas de desaparecidos flotando en el más brillante de los ríos. Muestra artística que me impresionó no solo por la particular dinámica generada en el templo en su actividad regular, sino por la manera

musical como habían sido ordenadas las piezas en el espacio, favoreciendo una circulación que propiciaba una lectura por ambas caras y estimulaba la contemplación. “(…) tramando desde soportes fotográficos y escultóricos un lugar para la

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tregua fúnebre”, como asegura Ileana Diéguez, investigadora en artes contemporáneas, curadora independiente, y estudiosa de la obra de Diettes. Tristes motivos reflejados con una belleza poética conseguida a pulso por la fotógrafa que no escatima tiempo en ninguna de las etapas de su proceso creativo, desde la investigación de campo, pasando por la producción fotográfica, hasta el más mínimo detalle de impresión e instalación. Río Abajo en su versión de formato grande está impresa en cristal, sobre bases que le dan una presencia de dimensión humana en el espacio. Corría el 2008 y en lo que hoy es el salón del Nunca Más, en Granada, Antioquia (que entonces una casa en ruinas sin luz eléctrica), Erika Diettes con su equipo de cómplices instalaba colgada de las vigas desnudas con hilos de nylon la primera exposición de Río Abajo, compuesta por casi 150 imágenes, una de cada objeto prestado por las familias de los desaparecidos. Caía la tarde y al lugar fueron llegando en fila con velas, finalizando una marcha con la que se daba clausura a un encuentro de asociaciones de víctimas, cada uno de los dolientes en busca de la memoria de su ser querido. Con la luz de sus almas y la que llevaban en las manos observaban y daban vuelta a cada imagen, dejando su llama frente a aquella que

les pertenecía, elevando una plegaria. Instante en el que la artista comprendió el nivel social y espiritual de aquella propuesta, que en éste pequeño formato siguió su recorrido por las regiones, al tiempo que en su formato grande se exponía de iglesia en iglesia, además de algunos espacios expositivos tradicionales. Obra que Río Abajo trajo consigo, en las entrañas de sus aguas, el nacimiento de la obra siguiente: Sudarios. “Empecé a analizar mucho el rostro de la gente cuando te cuenta el dolor… Hay unos gestos muy específicos cuando

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la gente recuerda… Hay un instante preciso cuando el familiar te cuenta el relato… Esa persona se hace presente y entra en el cuerpo del que lo está recordando”. Rostros del dolor que no se desvanece, expresiones de 20 mujeres que vieron torturar y asesinar a sus seres queridos, inmortalizadas en retratos tomados sobre fondo negro en sesiones de conversación de hasta tres horas. En un imponente formato, impresas en seda e instaladas desde las alturas, cada exposición de Sudarios invita a enaltecer con nuestra mirada el duelo

“EMPECÉ A ANALIZAR MUCHO EL ROSTRO DE LA GENTE CUANDO TE CUENTA EL DOLOR… HAY UNOS GESTOS MUY ESPECÍFICOS CUANDO LA GENTE RECUERDA… HAY UN INSTANTE PRECISO CUANDO EL FAMILIAR TE CUENTA EL RELATO… ESA PERSONA SE HACE PRESENTE Y ENTRA EN EL CUERPO DEL QUE LO ESTÁ RECORDANDO.” 5

de éstas mártires de la historia contemporánea colombiana, desde el respeto por lo infinitamente humano a través de una acepción altamente estética, que a la fecha ya ha sido experimentada por espectadores de Houston, Estados Unidos, México DF, México, Sao Paulo, Brasil, Buenos Aires, Argentina, Sídney, Australia, Poznan, Polonia y Bogotá, Colombia; en medio de su itinerancia en curso. Curso de hechos y retos que hace más de cinco años viene gestando al interior de su taller en Las Nieves, una propuesta escultórica, conformada por 160 piezas denominada: “Relicarios”. Piezas que serán expuestas por primera vez el próximo noviembre en el Museo de Antioquia. Haciendo gala de su formación como artista visual, y tras una recolección de 165 grupos de objetos que le obsequiaron

cada una de las familias de asesinados o desaparecidos de diversas zonas del país, y tras una investigación técnica muy extensa. Diettes ha retratado a cada una de éstas víctimas a través de los objetos que sus familiares escogieron para tal fin, conjugándolos en una estructura tridimensional de tripolímero de caucho. Sustancia gelatinosa que le permite componer mediante el uso de distintos planos los elementos obsequiados, con la estética de la fotógrafa purista que es. Con un terminado que si bien es escultórico se intuye migrará en un futuro cercano a la fotografía como medio expositivo, debido a la delicadeza de la pieza y al ya maravilloso trabajo logrado en imágenes alrededor de cada obra. Camisas con rastros de balas, medallas al mérito deportivo, fotografías, notas. Cada ele-

mento cobra la fuerza que tiene lo amado… Como el cepillo de dientes que una madre le entregó disculpándose por llevarle un cepillo usado, asegurando que solo hasta ahora tenía el valor de sacarlo del baño de su casa, pues por el número de cepillos de dientes se sabe cuántas personas viven en un hogar, pero el saber que iba a ser preservado le dio el valor para hacerlo. “Es mostrar al vivo y no al desaparecido”, esa es la premisa que ésta artista colombiana se impone en cada propuesta, asumiendo que como le dijo un amigo cercano una vez frente a su angustia: “lo único que tú puedes hacer, es hacer bien tú trabajo y si todos en Colombia hiciéramos bien nuestro trabajo, esta sería otra sociedad”. Un trabajo más que bien hecho, como lo confirman sus imágenes, fotografías nacidas para hacer presentes a los ausentes.

4. Río Abajo Carmen de Viboral Antioquia. 5. Río Abajo Las Nieves Bogotá© Ricardo Jatem. 6. Sudarios Polonia.

“LO ÚNICO QUE TÚ PUEDES HACER, ES HACER BIEN TÚ TRABAJO Y SI TODOS EN COLOMBIA HICIÉRAMOS BIEN NUESTRO TRABAJO, ESTA SERÍA OTRA SOCIEDAD.” 6

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CALENDARIO DE EVENTOS, CONVOCATORIAS Y SEMINARIOS

EL MEDIO AMBIENTE EN EL OJO DEL FOTÓGR AFO MAYO 19 - JUNIO 9 En el marco del 3er. Festival ColomBIOdiversidad, se llevará a cabo la inauguración de la exposición del fotógrafo César David Martínez, en la que se expondrán 40 obras fotográficas sobre biodiversidad y naturaleza en Colombia.

FESTIVAL CINE CORTO DE POPAYÁN 1 MAY - 30 AGO

ANDRÉ KERTÉSZ, EL DOBLE DE UNA VIDA 3 MAR- 6 JUN

EXPOSICIÓN “AL SOL Y AL VIENTO” 14 MAY - 20 JUN

En Popayán se reúne lo mejor del cortometrajismo nacional, siendo éste el único evento cinematográfico dedicado exclusivamente a la cinematografía colombiana en formato corto. No sólo se verán las mejores películas, sino que será el punto de encuentro de los realizadores, equipos de trabajo, productores y directores dedicados al cortometraje. www.festicinepopayan.com/

El Maestro de un buen número de fotógrafos, entre ellos Henri Cartier-Bresson, André Kertész es una figura de gran importancia en la historia de la fotografía. Su obra, no obstante, se resiste al análisis, y elude el comentario. No existe una mirada más límpida que la suya ni unos sentimientos más determinados que aquellos que transmite en sus fotografías. www.banrepcultural.org/

‘Al sol al viento’ es la nueva exposición de Natalia Botero, que hace un recorrido visual por la geografía colombiana a través de las prendas tendidas a la intemperie. Como la ropa que se extiende sobre una cuerda en las fotografías, así mismo se expone la obra de Natalia Botero: colgada con ganchos y pinzas. www.facebook.com/ojorojofabricavisual/

SMART FILMS. FESTIVAL DE CINE HECHO CON CELULARES 15 JUN

FESTIVAL FOTÓMETRO 2016 EN QUITO 4 MAY - 19 JUN

Smart Films es el primer festival de cine realizado a través de dispositivos móviles en Colombia. El festival, es el primero de este tipo en Colombia y su formato es único en el mundo. Uno de los propósitos de este festival es poner el cine al alcance de las manos de TODOS. Una labor de democratización del cine a través de la tecnología, que se potencia con la creatividad, recursividad e innovación de las presentes y futuras generaciones de creadores de contenidos. www.espaciogaf.com/

Instituto Metropolitano de Diseño (La Metro) por quinto año consecutivo presenta con la Carrera de Diseño Fotográfico, el Festival de Fotografía Itinerante más grande que se haya realizado en todo el país, el Fotómetro, un espacio dedicado a la Fotografía que reunirá a importantes referentes y los mejores trabajos realizados por los alumnos de la carrera a lo largo de su formación. www.espaciogaf.com/

FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE: LIMA INDEPENDIENTE 2016 30 JUN - 9 JUL

BAM 2016 - BOGOTÁ AUDIOVISUAL MARKET 11 JUL- 15 JUL

LABORATORIO DE GUION Y PUESTA EN ESCENA 19 JUL- 6 AGO

SALÓN COLOMBIANO DE FOTOGRAFÍA 21 JUL - 20 AGO

B.A.M es organizado por la Cámara de Comercio de Bogotá, Proimágenes Colombia y el Fondo para el Desarrollo Cinematográfico. Es una ventana para hablar sobre la industria cinematográfica actual y presentar el mercado audiovisual colombiano al mundo http://www.proimagenescolombia.com/

Laboratorio intensivo de tres semanas de duración, busca brindar herramientas de narración creativa para escenas de proyectos propios, mientras participan en el diseño colectivo de otras más. El laboratorio incluye aproximación a la puesta en escena, creación de personajes, diálogos y pruebas con cámara en set. www.enacc.co/

El Salón Colombiano de Fotografía es una iniciativa del Club Fotográfico Medellín, decano de los clubes fotográficos del país y miembro de la Federación Internacional de Arte Fotográfico FIAP. Este concurso se realiza cada dos años como un aporte a la cultura fotográfica del país. www.scf.com.co/

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Lima Independiente es el mayor espacio peruano de discusión y difusión del cine independiente mundial. Además promueve la reflexión crítica a propósito del cine, y está especialmente dedicado a espectadores ávidos de nuevas propuestas. www.limaindependiente.com.pe/

ACTUALIDAD Y VIDEO

EUROCINE EDICIÓN 22 El Festival de Cine Europeo en Colombia, EUROCINE, es un espacio que establece a través de la cultura audiovisual del cine, vínculos culturales entre continentes. Es la muestra de cine auropeo de mayor importancia en Colombia, cada año un país es seleccionado como organizador y gestor del evento. Así, el festival celebró su versión 22 con una selección especial de 11 producciones entre largometrajes, cortometrajes y documentales provenientes de Suiza, país invitado de honor. De igual forma, el festival rindió homenaje al trabajo del

director suizo Lionel Baier, quien con su ópera prima Garçon Stupide hizo parte de la sección Tout les Cinemas du Monde del Festival de cine de Cannes 2006, entre otros reconocimientos, con una retrospectiva que incluye cuatro de sus producciones cinematográficas entre las que destaca La Vanité, protagonizada por la consagrada actriz Carmen Maura, invitada especial del evento. Esta edición se convirtió en una ventana a la identidad europea que refleja el estado de dicha comunidad a través de 50 cintas de alta calidad que se proyectaron en diferentes ciudades como Bogotá, Medellín, Cali, Pereira y Barranquilla.

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BEST SHOT

No puede presumir de los mejores JPEG directos de su gama (carecen de algo de detalle y se aprecia en ellos cierta falta de saturación), pero pocas pegas se le pueden poner a una cámara que da la talla en la mayoría de situaciones. El versátil zoom de 18-135mm que se ha usado para el análisis no le hace justicia, hay ópticas mucho mejores ahí fuera, pero aun así los resultados dentro de esta gama son muy notables.

Longitud focal: 35 mm. ISO 100. Exposición: 1/500 Seg. f/8.

TEXTO Y FOTOGRAFÍA: IKER MORÁN, EXPERTO EN ANÁLISIS DE CÁMARAS QUESABESDE.

Canon EOS 80D 22

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Hay vida más allá de los debates sobre espejos y demás avances fotográficos. Que se lo digan a Canon, que sigue apostando (y lo hace con fuerza) por sus EOS de gama media, una saga tan poco estridente como resolutiva si de lo que se trata es de hablar de resultados y gráficos de ventas. El mercado sigue repleto de usuarios que buscan una réflex de gama media que sea solvente y brinde unos resultados excelentes. Es ahí donde encuentra su lugar la EOS 80D. La sucesora de la EOS 70D sigue fiel a la paulatina renovación de esta gama canonista, y llega con algo más de resolución y un prometedor sistema de enfoque

que ya necesitaba renovarse. Una réflex que, pese a que no cosechará grandes titulares, es más que capaz de satisfacer las expectativas de quienes quieran ir un poco más en serio o incluso servir como segundo cuerpo a los fotógrafos profesionales.

¿VISOR O PANTALLA?

Sin grandes cambios de diseño respecto a la mencionada EOS 70D, la nueva réflex puede presumir de una ergonomía excelente, todo está donde uno espera que esté, y unos acabados que transmiten una buena sensación entre las manos. La cámara se mantiene fiel al equilibrio que ha caracterizado

Dr. CÁMARA

siempre a esta familia. Si bien en el mercado hay otros modelos mucho más ligeros y compactos que sobre el papel podrían competir con esta EOS 80D (véase por ejemplo la Sony A6300), no todos los fotógrafos buscan cuerpos más ligeros y pequeños. Son productos que representan filosofías distintas. El manejo, los menús de pantalla, la distribución de los mandos. Todo en esta EOS parece encajar a la perfección, y en cualquier caso siempre existe la posibilidad de realizar ajustes al gusto de cada uno. Puestos a buscarle objeciones, se echa de menos una segunda ranura para tarjetas de memoria. El visor con una cobertura del 100% es una de las novedades a destacar en esta EOS 80D, y eso a pesar de que el de la EOS 70D ya contaba con un 98%. Sin embargo, con las D7000 de Nikon ofreciendo desde hace años un visor del 100% y con las cámaras sin espejo dando cada vez más guerra con visores electrónicos que amenazan con desterrar a los de tipo réflex, ya era hora que Canon dejara las cosas más

igualadas en este terreno. Pero el visor réflex deberá competir en esta EOS 80D con su propia pantalla articulada y táctil de 3” y más de un millón de pixeles de resolución, que supone un recurso muy cómodo a la hora de encuadrar y señalar el punto de foco con el dedo. Y no solo eso, pues el sistema Dual Pixel CMOS AF hace que el enfoque automático al trabajar desde la pantalla sea el mejor de este tipo que jamás hemos visto en una réflex.

24 MEGAPIXELES Y 45 PUNTOS DE ENFOQUE

La novedad quizás más llamativa a simple vista en esta EOS 80D es su sensor CMOS de 24 megapixeles (frente a los 20,2 de la EOS 70D), que forma pareja con el procesador de imagen Digic 6. Un aumento de resolución en captor que se mantiene fiel al formato APS-C y que llega sin variaciones en la velocidad máxima de disparo (7 fotogramas por segundo). Tampoco hay cambios destacables en la sensibilidad, que crece discretamente hasta un valor calibrado más que suficiente de 16.000 ISO.

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¿Y qué hay de la calidad de imagen? Pues casi nada que objetar a lo que ofrece esta Canon en cuanto a color, resolución, nitidez o rango dinámico. Incluso en este último apartado se aprecia una mejora respecto a la generación anterior al disparar en RAW y recuperar luces y sombras, e incluso el ruido también está algo más bajo control aquí que en el modelo predecesor. Pero la gran novedad en la EOS 80D es su sistema de enfoque. En realidad una novedad casi obligada, pues la EOS 70D se había quedado por detrás de la competencia (no olvidemos que la Nikon D7200 cuenta con un excelente mecanismo de 51 puntos) con sus 19 puntos de enfoque. Un total de 45 puntos que además están dispuestos en cruz, a diferencia de los 15 de este tipo que ofrece la mencionada Nikon. Otra sorpresa agradable que descubrimos al

acercar el ojo al visor es que la cobertura de la zona de enfoque es mayor tanto horizontal como verticalmente. Con el zoom 18-135 mm f3.5-5.6 con el que hemos probado esta cámara, el sistema funciona realmente bien. Es veloz, eficaz y silencioso, e incluso disparando con muy poca luz su comportamiento es excelente. Algo que tiene que ver con la sensibilidad mejorada del mecanismo, capaz de trabajar ahora hasta -3 EV en su punto central. El modo servo de seguimiento también es notablemente mejor que en la EOS 70D, gracias en parte al nuevo sensor RGB y al sistema de detección de escena y rostros. Pese a las mejoras, cabe señalar que la EOS 80D sigue estando lejos del rendimiento que ofrece en este apartado la EOS 7D Mark II, obviamente situada un escalón por encima de esta. La EOS 80D sí se impone

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respecto a cualquier otra réflex cuando de lo que se trata es de enfocar desde la pantalla trasera. Y todo gracias al sistema Dual Pixel CMOS AF de enfoque híbrido, con células en el sensor de imagen que calculan la distancia entre planos para agilizar el enfoque. En realidad esta tecnología ya la estrenó la EOS 70D, pero ahora cuenta con mejoras a la hora de seguir objetivos en movimiento, convirtiéndola en una gran cámara para perder el miedo a trabajar desde la pantalla. Si prescindimos de la pantalla y optamos por tirar sobre todo de visor réflex, la autonomía (con unos mil disparos de margen, según Canon) es otra de las sorpresas agradables de esta cámara.

SIN GRANDES CAMBIOS EN EL VIDEO

Con unas prestaciones prácticamente calcadas a las de la EOS 70D en el terreno del video,

la nueva réflex canonista sigue sin atreverse a llevar el 4K o cosas tan básicas como el focus peaking a esta saga. De hecho, salvo las mencionadas mejoras con respecto al modo continuo de enfoque, aquí las novedades brillan por su ausencia. La cámara cuenta con los mismos modos de video Full HD (24, 25, 30, 50 y 60 fotogramas por segundo con compresión ALL-I y IPB) y un autofoco que sigue funcionando francamente bien, tanto en su modo continuo como pulsando sobre la pantalla táctil. Se agradece la incorporación de una salida para auriculares. Así las cosas, también se mantiene invariable la calidad de imagen. Podría parecer que Canon no quiere poner a competir estas réflex con sus Cinema EOS. De ello se están aprovechando competidores como Sony y Panasonic, cuyas cámaras ya van dos pasos por delante en este sentido.

LA CÁMARA CUENTA CON LOS MISMOS MODOS DE VIDEO FULL HD (24, 25, 30, 50 Y 60 FOTOGRAMAS POR SEGUNDO CON COMPRESIÓN ALL-I Y IPB) Y UN AUTOFOCO QUE SIGUE FUNCIONANDO FRANCAMENTE BIEN, TANTO EN SU MODO CONTINUO COMO PULSANDO SOBRE LA PANTALLA TÁCTIL. SE AGRADECE LA INCORPORACIÓN DE UNA SALIDA PARA AURICULARES. PANTALLA Longitud focal: 35 mm. ISO 500. Exposición:1/80 Seg. f/6.3

FOTOGRAFÍA CON LA PANTALLA La pantalla táctil y articulada nos permite disparar desde otros puntos de vista seleccionando el punto de foco con el dedo. Además, en esta cámara su funcionalidad va un paso más allá gracias al sistema Dual Pixel CMOS AF, presente ya en la EOS 70D y cuya consecuencia más palpable se deja notar en la agilidad del mecanismo de enfoque con el Live View activado.

Conclusión: No se destaca (pero sigue convenciendo) Las réflex de gama media de Canon, también las más sencillas, suelen tener algo en común: no suscitan grandes titulares, pero cuando llegan a los escaparates demuestran que la consabida receta sigue funcionando. O por lo menos así ha sido hasta ahora. La EOS 80D se ciñe a esta fórmula, con un cuerpo equilibrado que tiene todo lo que

FOTOGRAFÍA INTERIOR La EOS 80D es una cámara resolutiva también cuando la luz no acompaña. Con un enfoque preciso y rápido y un rango dinámico mejorado respecto a la EOS 70D (disparando en RAW y tocando las luces altas y las sombras durante el revelado del archivo), es una buena aliada para fotografía de interiores y es capaz de enfrentarse con mayores garantías que otras réflex de su clase a escenas con fuertes contrastes lumínicos.

se espera de él y al que la compañía japonesa añade más resolución y un excelente sistema de enfoque de 45 puntos en cruz y con mejoras en la tecnología Dual Pixel CMOS AF, un mecanismo que ya estrenó la EOS 70D. Ciertamente no es la cámara más llamativa del escaparate, pero esta EOS no defraudará a sus compradores, que hallarán en ella lo que andan buscando: una réflex que dé la talla, con un gran rendimiento, unos resultados excelentes en cuanto a calidad de imagen y con

FOTOGRAFÍA NOCTURNA

El tándem formado por el renovado sensor APS-C de 24 megapixeles y el procesador de imagen Digic 6 ofrece buenos resultados en tomas nocturnas, como esta de la Sagrada Familia disparada a pulso y echando mano de una sensibilidad alta. Ajena a la batalla por los valores ISO hiperbólicos e inservibles de los cuerpos de gama superior, el ruido en esta réflex se mantiene algo más controlado que en la generación anterior pese al aumento de resolución.

INTERIOR Longitud focal: 35 mm. ISO 400 Exposición:1/50 Seg. f/8.

todas las prestaciones necesarias (incluido WiFi por cierto). Lástima de esa segunda ranura para tarjetas de memoria que hubiera completado un conjunto realmente satisfactorio. Aunque la ausencia de video 4K y de novedades en el terreno del video puede pasarle factura (teniendo siempre presente que por ese precio hay otras opciones muy competitivas en el mercado), la historia de esta saga canonista nos dice que esta receta juega siempre a su favor. ¿Por qué cambiarla ahora? NOCTURNA Longitud focal: 35 mm. ISO 2000. Exposición:1/30 Seg. f/4.

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MENSAJEROS DE VIDA Y DE CONSERVACIÓN El arte y la cultura como aliados en la protección del medio ambiente. Por: Nancy Elena Burgos. Desde hace 6 años, se gestó en el municipio de Guasca (Cundinamarca) una iniciativa de generar espacios de reflexión y aprendizaje a través del arte, utilizando como medio la fotografía. Esta idea que se consolida en la Fundación Arts Collegium, ha convocado a niños, jóvenes y adultos de municipios de Guasca, Sopó, Cogua, Guatavita y Villapinzón, con el propósito de que por

medio de talleres orientados a la fotografía y el arte, se promueva en los participantes un sentido de apropiación y conocimiento de su entorno. Este proceso de aprendizaje ha sido móvil, de tránsito entre los paisajes naturales y culturales de sus lugares de origen, y de miradas introspectivas de su propia esencia como seres humanos. El resultado de estas experiencias y conocimientos adquiridos, se ha materializado en fotografías que además de tener una altísima calidad, transmiten un sentido de apropiación y un deseo de conservar aquellas maravillas de la naturaleza expresadas en la fauna y flora que son captadas con sus lentes.

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En la consolidación de este proyecto educativo como una herramienta de cohesión social y ambiental, se han unido desde su inicio, la Alcaldía de Guasca y el Ministerio de Cultura. Hoy, se incorporan nuevos aliados, como es el caso de Conservación Internacional Colombia, que con su propuesta del “Corredor de Conservación Chingaza – Sumapaz – Guerrero”, busca proteger los ecosistemas de los territorios alusivos a su nombre, por lo cual se hace cada vez más importante seguir propendiendo por espacios y procesos de sensibilización, conciencia y protección del medio ambiente.

1. Foto: Alejandra Acosta. 23 años. 2. Foto: Carol Mora. 14 años. 3. Foto: Gabriel López. 21 años.

ACTUALIDAD

1. Ganador concurso sectavialactea tatacoa workshop 3. Cristian Fajardo. 2. Fotografia grupal del evento 3. Segundo lugar concurso sectavialactea tatacoa workshop 3. Santiago Roldan Arango. 2

SECTAVIALACTEA TATACOA WORKSHOP 3 - 2016

En la tercera versión de la aventura fotográfica con talleres y charlas sobre fotografía nocturna y fotografía de paisaje realizada en el Desierto de la Tatacoa, se han convocado 40 fotógrafos de todo el país especialmente Medellín y Bogotá para enfrentarse a los comportamientos hostiles del desierto y adentrarse en la noche a la espera de capturar el alma de la galaxia “el centro galáctico”, observar los colores de la noche, componer con los elementos que la naturaleza brinda y capacitar a cada uno de los asistentes del evento de

la forma más vivencial posible. “Una aventura fotográfica” como ellos mismos lo llaman, así se vivió una experiencia más de viaje en compañía de los fotógrafos aficionados en Astrocampo Camilo Jaramillo y Hugo Rúa, en el evento que se vio acompañado de fuertes lluvias en las madrugadas de sábado y domingo, hermosas tormentas eléctricas, una visita a una zona increíble para los ojos de las personas denominada Los Hoyos. Integraciones de grupo entre los asistentes, talleres y charlas de revelado digital y macrofotografía, cielos despejados el día sábado donde se realizaron fotografías en los talleres departidos

por estos dos fotógrafos a sus asistentes, que contaron no solo con la fortuna de observar el centro de nuestra galaxia a simple vista sino además de capturarla en sus cámaras fotográficas. En compañía de Revista Enfoque Visual que brinda su apoyo a los eventos de SectaViaLactea, se realizó además un concurso libre de fotografía durante el evento que arrojó dos ganadores. Donde se puede evidenciar el buen manejo, técnica y composición que se pueden adquirir en los eventos de los dos fotógrafos experimentados en la disciplina nocturna y paisajista, los dos ganadores de este

concurso fueron; en el segundo lugar Santiago Roldan Arango con una impactante fotografía macro y en el primero puesto Cristian Fajardo de la ciudad de Bogotá con una maravillosa composición que integra al ser humano, la luz y la Vía láctea, ambas fotografías expuestas en esta edición de la revista. Ha finalizado el evento y ahora el colectivo trabaja en adquirir nuevas tomas para exponer a sus seguidores sus fotografías, con el fin de capacitarlos en la técnica y desarrollar nuevos talleres alrededor del país, promoviendo una vez más sus aventuras fotográficas en los paisajes de Colombia.

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ACTUALIDAD

SPENCER TUNICK

POR: JUANA BUITRAGO

SPENCER TUNICK LE QUITARÁ LA ROPA A BOGOTÁ

El próximo domingo 5 de junio, la capital del país servirá de set fotográfico para que miles de colombianos se desnuden con el propósito de hacer parte de la instalación de la obra artística de Spencer Tunick, reconocido artista y fotógrafo estadounidense que se ha destacado por sus desnudos masivos, y quien realizará su obra de arte por primera vez en nuestro país. Luego de sus exitosas instalaciones en lugares icónicos de Ciudad de México, Barcelona, Santiago de Chile, Montreal, Sao Paulo, Londres, Viena, entre otras ciudades, Bogotá será el próximo destino de

Spencer Tunick, donde espera reunir a más de 1000 personas para su proyecto artístico. Gracias al Museo de Arte Moderno y DIAGEO Colombia, que a través de su marca Johnnie Walker, encargaron a Tunick realizar su obra esperando además que las fotografías sean una representación de la unión de los colombianos por una misma causa: despojarse los prejuicios y calificativos. Claudia Hakim, directora del MAMBO afirmó “El trabajo que realizará Spencer en Bogotá está cuidadosamente programado. Él quiere lograr la participación de cientos de colombianos enérgicos, dispuestos a contribuir a la creación de una obra de arte en un

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espacio en el que la desnudez del cuerpo hable de libertad, transformación y cambio”. La obra de Spencer Tunick ha estado presente en bienales, museos y galerías alrededor del mundo, y el desarrollo de sus obras se ha convertido en acontecimientos memorables en las ciudades donde ha realizado sus instalaciones. En Bogotá, las fotografías serán exhibidas en el MAMBO, finalizando el segundo semestre del año. “Queremos que participen personas que reflejen la diversidad que existe en Colombia y que decidan vivir la extraordinaria experiencia de ser parte de una obra de arte contemporáneo. En esta oportunidad, además, el proyecto se hace aún más interesante, pues

esperamos que este desafío de quitarse la ropa se convierta también en una motivación para demostrar que el país puede progresar unido a través del arte”, señaló el artista durante su intervención. Todos los colombianos podrán expresar sus opiniones en redes sociales, con el hashtag #Mequitolaropapor. La Inscripción para poder participar de la intervención estará abierta para mayores de edad, exceptuando mujeres en embarazo, hasta el 4 de junio, en la página web del MAMBO, www.mambogota.com/tunick. Por participar de esta obra de arte, los participantes recibirán una edición limitada impresa de la fotografía del día, tomada por el artista.

SLIDELUCK CELEBRA SU QUINTO ANIVERSARIO BOGOTÁ

SLIDELUCK es una organización sin ánimo de lucro con base en la ciudad de Nueva York, que tiene como objetivo reunir a las personas alrededor de la comida y el arte, y de dar a los fotógrafos y artistas una plataforma interesante, atractiva y divertida para compartir su trabajo con amigos, colegas, amantes de la imagen, coleccionistas y la comunidad en general. Desde su fundación en el año 2000, Slideluck continuamente se ha esforzado por generar tanto en los artistas como en los asistentes, nuevas experiencias, historias, redes de trabajo y amigos, a través del compartir con el otro. Ya que para asistir a Slideluck, los asistentes deben llevar un plato de comida para ofrecer a los demás asistentes, unos llevan la cena, otros el pan y el vino, algún otro llevará el

postre; los artistas comparten su arte y el público la cena. Ha sido una labor constante, incansable y en constante evolución, de amor por el arte y que actualmente cuenta con este tipo de experiencias en más de 100 ciudades alrededor del mundo. La selección de las obras se hace previamente tras una convocatoria a fotógrafos y artistas visuales, invitándolos a participar con una obra que pueda ser proyectada en una pantalla dando lugar a una exposición audiovisual. El fin de semana entre el 4 y 6 de junio, es el puente festivo que definitivamente usted debe quedarse en Bogotá y si no vive acá, debería ir preparando viaje, ya que tendremos uno de los acontecimientos artísticos más importantes, relevantes e influyentes para la vida de los habitantes de la ciudad. Gracias al Museo de Arte Moderno de Bogotá y con el apoyo de Johnnie Walker y el mo-

vimiento #MEQUITOLAROPAPOR y #KEEPWALKINGCOLOMBIA, el artista Spencer Tunick viene por primera vez a la ciudad de Bogotá y juntos buscan unir a los colombianos por un mismo propósito: caminar juntos hacia el futuro y despojarse de prejuicios y calificativos. Slideluck también se une a este movimiento y realizará su quinta versión en la ciudad. En la tarde del Lunes 6 de Junio, tendremos a una exposición colectiva de fotografía multimedia con alrededor de 20 artistas de la imagen, quienes compartirán escenario junto con Spencer Tunick y su obra titulada “Best of Spencer”, una recopilación de los mejores trabajos del artista en distintas ciudades del mundo, bajo una mirada diferente, una mirada al progreso. La invitación a los fotógrafos es la de presentar su obra y su trabajo en una exposición diferente, en un ambiente

relajado, rodeado de amigos y sin el afán comercial. Para los asistentes la invitación es pasar a divertirse, comer rico, tomarse unos buenos tragos y COMPARTIR, en una velada entre amigos y artistas en un espacio diferente y con un ambiente distendido y descomplicado. Este año, con motivo de la visita de nuestro invitado especial, Spencer Tunick, y como estamos celebrando nuestro quinto aniversario, estamos tirando la casa por la ventana y la comida vendrá por cuenta nuestra, así que no tienen que preocuparse por preparar la cena, solamente disfrutar de la experiencia. Eso sí tenemos cupos limitados y la asistencia será con invitación y registro previos, así que reserve pronto su entrada. Lunes 6 de Junio 19:30 horas Mayor información acerca de las boletas: bogota@slideluck.com

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ACTUALIDAD

MACROENFOQUE

POR: JUANA BUITRAGO

FOTOGRAFÍAS: GERMÁN RUIZ

THE LIGHT SHAPING COMPANY ESTUVO EN BOGOTÁ Profoto es The light shaping company, una empresa reconocida mundialmente por sus productos para la modelación de la luz. Diseñan, producen y venden equipos de iluminación con la intención de ofrecer al fotógrafo herramientas para que tenga la posibilidad de crear mejores fotos, de manera que esto se refleje en el ejercicio de su profesión. Este año la empresa sueca realizó el Profoto Latinamerican Tour 2016, el cual estuvo en tres ciudades, Lima, Bogotá y Buenos Aires y contó con la participación de su embajador, el fotógrafo italiano Andrea Belluso. Revista Enfoque Visual estuvo presente en el marco del Workshop de iluminación en Bogotá, donde pudimos conversar con Julie Saurit, gerente de ventas para la región de América Latina, acerca de estas iniciativas para los fotógrafos en Colombia y su movimiento en el mercado colombiano. Aunque es bien sabido por empresarios e inversionistas del país, que el precio del dólar ha impactado fuertemente la economía y por ende la venta de productos importados, generando en las marcas un desequilibrio en sus estrategias de marketing, para Profoto el proceso de

contacto y acercamiento con los usuarios de Colombia, se está llevando a cabo con el propósito de conocerlos y saber cuáles son sus necesidades y cómo las pueden suplir. “La mejor percepción es la que tengo después de estos dos días de taller con Andrea, y es que nuestros usuarios saben que Profoto es una marca Premium, y que nuestros productos les permiten crear no solo imágenes de alta calidad, sino también un perfil profesional de reconocimiento internacional. Creo que en Colombia hay verdadero interés en este tipo de eventos, varios fotógrafos vinieron de fuera de la ciudad para asistir. Nos conciben como una de las mejores marcas de iluminación de fotografía, y todo esto nos motiva a tener mayor presencia entre nuestros usuarios aquí en Colombia, porque por supuesto nos interesa que todos los fotógrafos tengan y usen Profoto, con respecto a esto, creemos que es importante que nuestros amigos en Colombia sepan que comprando en el país pagarán no sólo la misma tarifa que tiene US, sino que también reciben garantía local, a la cual no acceden comprando en el exterior” afirmó Julie, con respecto a la percepción de la

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marca entre los usuarios. Son muchos los profesionales de la imagen que usan equipos de iluminación como herramientas permanentes dentro de su trabajo, pero ¿por qué fotógrafos y videógrafos deben elegir a Profoto? “Los mejores fotógrafos del mundo usan Profoto, por la calidad y constancia de la luz, la capacidad de reciclaje, la durabilidad, la resistencia, el diseño inteligente, etc, y esta elección de los mejores ha hecho que se asocie el estatus de un fotógrafo al equipo que usa. Profoto es signo de excelencia. Muchos nos han dicho, que al entrar a un estudio y ofrecerle un negocio a un cliente, y tener equipos Profoto, logran que el cliente les trate como fotógrafos profesionales desde el primer momento. No se trata solo de una herramienta de calidad, sino de estatus, lo que al fotógrafo le permite establecer precios por su trabajo, hablando en términos de calidad y prestigio”. Con respecto a cómo responde el mercado latinoamericano ante los avances en materia de equipos de iluminación de Profoto, la empresa es consciente de que este mercado pertenece a una región diferente, con situaciones sociales, económicas y políticas, que ha hecho que los usuarios

prefieran rentar, o mantener sus equipos hasta que dejen de funcionar, la renta de equipos está bien para salir del paso, pero comprar equipos propios es una inversión profesional. Un dato importante es que el retorno de productos Profoto dañados o que necesitan reparación es el más bajo del mercado comparado con otras marcas de flash. Es decir que al comprar productos Profoto el fotógrafo está haciendo una inversión de por vida, y eso básicamente significa ahorrar dinero a largo plazo. El propósito de Profoto al desarrollar estos eventos, de tipo académico y práctico, es que le brindan al usuario la oportunidad de conocer más a la marca, y que mejor forma de hacerlo que a través de un experto, como Andrea Belluso, quien ha utilizado sus equipos por más de 25 años, en un trabajo de alta exigencia como la fotografía fashion y beauty. Una buena noticia es que existe la posibilidad de tener embajadores Profoto en Latinoamérica, como empresa están muy interesados en tener cercanía con el mercado local, y la manera más efectiva de hacerlo es teniendo un fotógrafo local, que pueda trasmitir las necesidades de sus colegas, lo que les interesa y lo que quieren de la marca.

En el mundo de la fotografía en Colombia es bien sabido que Flasherz es el principal distribuidor de equipos de fotografía profesional y de alta calidad. Niels Van Iperen, su fundador, nos contó cómo empezó y cómo han evolucionado para atender al mercado colombiano. “Cuando llegué a Colombia como fotógrafo profesional y me empezaron a llegar trabajos comerciales, estaba asombrado por el hecho que acá no se conseguían equipos. Así nació la idea de ofrecer ese servicio a los fotógrafos profesionales del país. Además, ser un fotógrafo profesional significa que a uno le piden cosas muy especializadas, y nadie puede tener todos los equipos que se pueden necesitar para un trabajo. Es decir si te piden hacer fotos de un carro, si mucho 3 veces al año, mientras que el resto del tiempo haces modelos, o comida, o lo que sea, no justifica invertir en una cámara de 40 mil dólares, unos striplights de 9 mil dólares cada uno, unos butterfly, etcétera, pero si no quieres perder tu reputación y llegar con

una campaña mediocre, si necesitas todos esos equipos. Entonces por eso empezamos con Flasherz como empresa de alquiler de equipos de fotografía profesional. Fueron las marcas, como Profoto, Hasselblad y Leica que nos pidieron también encargarnos de ventas y distribución en estos territorios, porque no tenían como entrar en estos mercados donde todo el mundo estaba acostumbrado a comprar en B&H y Adorama, con muchos problemas de garantía, de daños en los envíos, etc. Un equipo comprado en EE.UU. no lo puedes meter en tu contabilidad, no tiene servicio técnico o de remplazo en caso de un problema, ni lo puedes asegurar en Colombia si no ha sido importado legalmente. Ahora, todo lo que se compra en Flasherz cuenta con todas esas ventajas. Más, si inviertes en equipos de las marcas que nosotros representamos. El mercado profesional en Latinoamérica siempre ha sido un poco difícil, pero si existe. Como en todos los países del

mundo muy pocos llegan a la cima, pero hay un subnivel muy grande con gente que quiere trabajar a cualquier precio, en la esperanza de crecer, después de publicar y mostrar de que son capaces. En ese nivel la competencia es muy dura y pocas personas llegan a ganar lo suficiente para adquirir una cámara de medio formato o un equipo de iluminación profesional. Aunque no sea necesario, mientras tengan acceso a esos equipos gracias a nosotros. Con respecto a la garantía, para todas nuestras marcas somos los únicos autorizados para ofrecer servicio técnico con una amplia gama de repuestos. Con marcas como Profoto, Manfrotto, Gitzo, Leica y Hasselblad, solo nosotros podemos pedir partes en la fábrica. Tenemos nuestro propio servicio técnico que puede arreglar todo fuera de daño a cámaras y lentes, esos tienen que ir a EE.UU. o Europa, igual nosotros nos encargamos de los envíos, exportaciones e importaciones de los equipos que necesitan servicio. En el caso de Profoto somos de los pocos

países que ofrecen dos años de garantía en vez de un año. Hasta si compras tu Profoto en B&H te ayudamos con servicio. Flasherz igualmente ha sido reconocido en nuestro país por ser gestor de importantes eventos fotográficos. Nuestra ambición siempre ha sido impulsar el nivel de fotografía profesional en este país. Es más, en los 8 años que existimos, han aumentado los premios internacionales de publicidad y fotografía que han caído en manos de fotógrafos Colombianos, parece que está funcionando. Pero eso no se limita a poner equipos profesionales en las manos de los fotógrafos, también hay que ofrecer inspiración e información. Con ese fin siempre hemos hecho eventos, invitando a fotógrafos nacionales e internacionales a compartir su conocimiento con fotógrafos locales, pero también brindando información sobre perfiles de color, impresión, derechos de autor y cualquier otro asunto que interesa a los fotógrafos”.

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ACTUALIDAD

MACROENFOQUE

POR: JUANA BUITRAGO

FOTOGRAFÍAS: JOYCE RIVAS

BENJAMÍN VILLEGAS FUNDADOR Y PRESIDENTE DE VILLEGAS EDITORES Don Benjamín Villegas es uno de los editores más exitosos de nuestro país, con un amplio recorrido de más de 40 años, ha recibido más de 200 premios internacionales y más de 20 nacionales por la calidad de sus libros. Fue condecorado por la Alcaldía Mayor de Bogotá por sus libros sobre la ciudad, por la Sociedad de Mejoras y Ornato de Bogotá, con el Premio Jiménez de Quesada por sus servicios cívicos y libros de ciudad, por la Cámara Colombiana del Libro con el Libro de plata por su vida y obra editorial y por la revista Proyecto Diseño con el Lápiz de Acero en la categoría Vida y Obra, entre otros

reconocimientos. Así mismo ha representado a Colombia en más de 40 ferias internacionales del libro y ha sido conferencista en temas de diseño y edición en diferentes universidades de Colombia y el exterior. Y es que trazar una carrera editorial exitosa como la suya, ha implicado esfuerzo, trabajo y un buen tiempo de construcción, como el mismo afirma “yo nací entre libros, siempre me gustaron, y siempre me gustó escribir y publicar, fundé un periódico en el colegio. Durante la universidad estudiando arquitectura trabaje en varias revistas en el diseño y la coordinación editorial. Me independicé, puse mi

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oficina y cuando me gradué de arquitecto, vi que ya había iniciado un camino que me interesaba mucho, y en algún momento en 1973 me encargaron que hiciera un libro a gran formato y de alta calidad, que realicé y me quedó muy bien. A raíz de eso me siguieron buscando y esa experiencia que tenía en revistas y periódicos, la fui logrando en libros, apasionándome con el tema paralelamente a otros trabajos de diseño gráfico y publicaciones que hacía. En 1986 fundé la editorial, cerré la oficina y me que dediqué únicamente a la creación, desarrollo, diseño y edición de libros de gran formato y alta calidad

sobre temas colombianos. Por lo que nuestro eslogan siempre ha sido Villegas Editores la buena imagen de Colombia”. En una era digital como la que vivimos, Villegas Editores permanece en la producción de libros de gran formato y de excelente calidad en imagen e impresión. No cuentan con una estrategia para “combatir la invasión de libros digitales”, al contrario este no es un tema que preocupe a Don Benjamín, pues aunque su especialidad son los libros de gran formato, puedan visualizarse en altísima calidad en versiones digitales “yo sigo creyendo en el libro como documento y como tal lo he hecho toda mi vida, documentado de forma escrita y gráfica el país que me tocó vivir, en todos sus aspectos. Y sé que esos libros publicados van a permanecer en el tiempo”. Y precisamente porque quiere que permanezcan y que todos los lectores puedan

“YO SIGO CREYENDO EN EL LIBRO COMO DOCUMENTO Y COMO TAL LO HE HECHO TODA MI VIDA, DOCUMENTADO DE FORMA ESCRITA Y GRÁFICA EL PAÍS QUE ME TOCÓ VIVIR, EN TODOS SUS ASPECTOS. Y SÉ QUE ESOS LIBROS PUBLICADOS VAN A PERMANECER EN EL TIEMPO”. acercarse a ellos, Villegas Editores ha hecho un gran aporte a la cultura colombiana, con la donación de 59.291 libros sobre Colombia, de 305 títulos diferentes y por un valor al público de $3.737´900.500 que pasaron por la revisión y la aprobación de la Biblioteca Nacional. “Con gran satisfacción le comento que el Ministerio de Cultura, a través de la Biblioteca Nacional, recibió a finales del año pasado y ha repartido

a comienzos de este año, la donación que Villegas Editores les hizo de su catálogo para que el común de los colombianos pudieran tener acceso a muchos de sus libros que, por su costo, nunca fueron adquiridos como dotación y no estaban en las bibliotecas públicas del país. Los libros que se entregaron fueron objeto de un cuidadoso análisis por parte de un comité especial del Ministerio que los analizó para que este recibiera los que fueran de su mayor interés, para que definiera la cantidad de ejemplares a aceptar de cada título y para seleccionar las bibliotecas donde cada uno de los títulos sería repartidos”. Cree que la fotografía editorial es un campo que progresa a diario, y en que el profesional sale adelante en la medida en la que trabaje con calidad, ya que más que el talento se requiere experiencia, conocimiento y un manejo apropiado de las

herramientas, para hacer de la Comunicación visual un oficio. Afirma que Colombia ha progresado inmensamente en la calidad de su reproducción litográfica, “hoy en día es factible imprimir y encuadernar libros de alta calidad en el país, antes no era así, la diferencia entre la calidad nacional de impresión, sustratos, papel y tintas, no se comparaba con lo que se obtenía en Europa o en Asia, razón por la que en el 89 yo empecé a imprimir mis libros con imprentas japonesas, italianas y españolas, que sirvieron de modelo y reto a las empresas nacionales que se acercaron a esa calidad que yo presentaba en mis libros. Actualmente la calidad es muy alta, ya imprimo una parte de mis libros en el país y simplemente reclamo seriedad en el control de la calidad, a la gente se le olvida que hacer artes gráficas, no es solo poner imágenes sobre papel”.

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ACTUALIDAD

MACROENFOQUE

ASUS INNOVACIÓN Y CALIDAD ASUS es uno de los principales proveedores a nivel mundial de notebooks para consumidor y el fabricante de mayor venta en el mundo de las multipremiadas motherboards. Una empresa líder en la nueva era digital, Asus diseña y fabrica productos que perfectamente cumplen con las necesidades digitales en la casa y la oficina, con un portafolio amplio que incluye smartphones, computadores portátiles, PC´s todo-en-uno, tablets Impulsados por la innovación y comprometidos con la calidad. Nicolás Barrero, Gerente de producto de la línea de computadores de ASUS, nos concedió una entrevista y esto fue lo que nos dijo acerca de uno de sus productos insignia. N.B. Con computadores, ASUS lleva en el mercado Colombiano más de 5 años, en los cuales hemos ganado una posición en este segmento, siendo actualmente el #3 en ventas a nivel nacional. El año pasado incorporamos la línea de celulares los cuales

Asus ZenBook UX305CA

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también han tenido una gran acogida por el usuario final y las ventas también han sido muy positivas en este mercado tan competitivo. E.V. La línea de portátiles Zenbook de ASUS ha sido mundialmente reconocida como la combinación entre desempeño, confiabilidad y portabilidad. ¿Cuál diría usted que ha sido el factor clave para el éxito de ASUS en esta categoría de producto? N.B. La clave ha sido ofrecer un diseño sofisticado sin sacrificar el desempeño, en esta línea incorporamos pantallas FHD/QHD+, así como procesadores Core y discos de estado sólido. Adicionalmente, uno de los mayores éxitos que hemos alcanzado con esta línea ha sido por medio del concepto que hemos manejado de segmentación hacia un consumidor profesionalmente exigente. Que no descuida su necesidad de expresarse actual y elegante, mientras logra movilizarse con facilidad dado el carácter portable de esta línea. Por ello, la familia Zenbook ha alcanzado niveles bastante altos de ventas pues sacia y sobrepasa todas las necesidades del profesional o estudiante del siglo XXI. E.V. Dentro del terreno de la imagen, la gestión de color y la manera de reproducirlo es algo fundamental. ¿Cuéntenos de qué forma asume este aspecto esta nueva línea de portátiles ZenBook? N.B. Dentro de la familia ZenBook, todos los modelos están

diseñados para trabajo pesado, sin embargo nuestro modelo insignia es el UX305CA, el cual cuenta una pantalla Quad HD plus que reproduce las imágenes con mayor nitidez debido a su resolución de 3200x1800. Adicional a esto, el portafolio Zenbook cuenta con un Touchpad más intuitivo pues contiene la función SmartGesture que por medio de multitoques permite desarrollar los trabajos más pesados con mayor facilidad. E.V. ¿Qué aliados tecnológicos están trabajando con Asus en el desarrollo de esta nueva línea de portátiles y de qué manera generan impacto en el desempeño de estos equipos? N.B. Mundialmente contamos con múltiples alianzas tecnológicas (Lamborgini, Garmin, etc.), que logran que nuestro producto tenga una posición privilegiada en el mercado, sin embargo, para afirmaría que una de las más relevantes en el desempeño de nuestras máquinas es la cercana relación en innovación y desarrollo que mantenemos con Intel, debido a que ellos nos han mantenido la marcha en nuestra constante carrera por desarrollar lo mejor, consiguiendo así la más alta integración de todos los componentes, con tan alta calidad y desempeño que resultan ser difícilmente comparables, incluso con otros dispositivos de configuraciones iguales “aparentemente”. E.V. Con el objetivo de dar una guía a los diferentes tipos de usuarios interesados en acercarse a la línea ZenBook ¿Cuáles serían los equipos perfectos para usuarios profesionales, aficionados y estudiantes? por supuesto todo dentro de una perspectiva de diseño, fotografía y video. N.B. Me inclinaría por el UX303UB, el cual es perfecto desde el punto de vista de movilidad y de desempeño, ya que incorpora procesadores Intel Core de 6ta Generación, Pantalla FHD y una tarjeta de video dedicada que mejora el desempeño de gráfico fundamental para este tipo de tareas.

ACTUALIDAD

REPORTAJE ESPECIAL SWPA NATIONAL AWARD

SONY WORLD PHOTOGRAPHY AWARDS Los Sony World Photography Awards reconocen año a año la mejor fotografía del mundo. Abiertos a todos los fotógrafos y de inscripción gratuita, los premios son una voz de autoridad en la industria fotográfica, y tienen el poder de formar la carrera de los fotógrafos ganadores y preseleccionados. Scott Gray, CEO de la World Photography Organisation, comenta: “Los premios siempre ofrecen una increíble variedad de trabajos provenientes de muchísimos países, y lo más importante, brindan a los fotógrafos la oportunidad de ser descubiertos y expandir sus carreras. Espero que el trabajo ganador de este

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año pueda servir de inspiración para otros fotógrafos y los ayude a superar su horizonte creativo y servir, a la vez, para construir una apreciación más amplia de la fotografía”. El Premio Nacional reconoce y recompensa a la mejor fotografía tomada por un fotógrafo local. Se realiza en 60 países de todo el mundo, desde Argentina hasta Australia y pueden participar fotógrafos con distintas habilidades. Sony Colombia premió a la bumanguesa Mildreth Vásquez, luego de que su fotografía ‘Momento’ obtuviera el primer lugar del National Award y fuera reconocida como la

mejor de entre los cientos de colombianos que inscribieron sus imágenes en los Sony World Photography Awards 2016, el concurso de fotografía más grande del mundo. Además de recibir un equipo completo de imagen digital Alpha™, la línea de Sony especializada en fotografía profesional, la fotógrafa amateur representó a Colombia en la ceremonia de premiación que se realizó en Londres y su obra fue incluida en una exclusiva exhibición allí, en la Somerset House, donde prestigiosos fotógrafos y expertos de todo el mundo se deleitaron con su trabajo artístico.

NOMBRE: MILDRETH VÁSQUEZ PAÍS: COLOMBIA

¿Cómo hiciste la foto ganadora? Cuando revelé el rollo a color al volver a Bogotá, hicimos varios intentos, tratando de lograr que la fotografía quedara del color similar, junto a mi maestro Jaime Romero y mi amiga Natalia, nos causaba gracia, que su color de su piel (la de Camilo el retratado) se veía como un Simpson. ¿Por qué participaste en esta gran convocatoria? Por una paisana Bumanguesa que conozco, Amor Herrera, que está triunfando en Europa a través de la fotografía. Ella puso en algo en mí, que me hizo creer en que se puede y que los Sony World Photography Awards son una plataforma para hacer realidad los sueños.

NOMBRE: FABIOLA MORALES PAÍS: PUERTO RICO

¿Cómo hiciste la foto ganadora? Esta foto es muy especial para mí porque la tomé en un momento difícil en mi vida, en el cuál solo quería proyectar felicidad. Fue un poco desafiante llegar a esa foto perfecta ya que es un autorretrato y para que quedara con ese efecto tenía que zambullirme constantemente de alrededor 20 pies de altura. Lo único que deseaba proyectar era felicidad pura y después de varios intentos lo logré. ¿Por qué participaste en esta gran convocatoria? Lo que me motivó a participar fueron las ganas de decirle al mundo lo feliz que pueden llegar a ser las personas sin importar que puede estar pasando alrededor, quería que el mundo supiera que no hay motivos para rendirse en la vida.

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ACTUALIDAD

REPORTAJE ESPECIAL SWPA NATIONAL AWARD

NOMBRE: SILVIA ANDRADE PAÍS: MÉXICO

¿Cómo hiciste la foto ganadora? Yo trabajo en el Centro de Investigación Científica de Yucatán, A.C. y el Microscopio Electrónico de barrido, con el que se tomó la foto llegó en el 2004, mi entrenamiento en la microscopia se dio a la par con mis estudios de fotografía. Trabajo con la Doctora Azucena Canto, en la toma de sus escarabajos, así llegaron a mi vida esas pequeñas criaturas de formas alucinantes. La imagen en un microscopio electrónico de barrido es generalmente en blanco y negro, sin embargo, desde mi primer escarabajo mi mundo se tornó de color. Los empecé a colorear, en tonos muy mexicanos o latinoamericanos, llenos de vida de color. Obtener la imagen es un trabajo arduo, desde la recolección de los insectos, y esperar a que tengan un tamaño adulto para fotografiarlos, luego hay que prepararlos en el laboratorio con

NOMBRE: GABRIEL SOLIS PAÍS: CENTROAMÉRICA

¿Cómo hiciste la foto ganadora? La fotografía ganadora la hice en Florencia, Italia, durante un viaje que marcó el inicio de un redescubrimiento de mí como fotógrafo y de mi estilo. La cámara que utilicé fue una Sony alpha a99. Y el proceso de composición, pues fue bastante diferente, ya que en mi mente llevó mucho más tiempo del real. Al entrar en esta iglesia, pues hice exactamente lo que suelo hacer; y esto es mirar hacia arriba, buscar esos detalles que con tanto esmero creaban los arquitectos y artistas involucrados en estas edificaciones, y a las que la mayoría de la gente no les presta atención. Yo estaba un poco cansado de ver tantas personas, tanta decoración, a mi parecer a un nivel extremo, y en ese momento fue cuando dos aves generaron un cambio en la luz bastante interesante; ellas pasaron por este rayo de luz y generaron un asombra fuerte y casi perfecta. En esas milésimas de segundo tuve tiempo de analizar todo lo que pasaba en este momento. Vi como algo tan simple como una figura obscura enmarcada

alcohol y posteriormente depositarles oro. Una vez que los insectos están recubiertos de oro, tienes que montarlos y observarlos en el microscopio. Sinceramente, me fascinaría que el mundo entero pudiera ver la naturaleza desde un microscopio es un mundo alucinante. Una vez tomada la imagen en el Microscopio, la edito y la coloreo. El proceso lleva mucho tiempo, pero al final creo que el resultado es gratificante. ¿Por qué participaste en esta gran convocatoria? El Sony World Photography Awards, es uno de los concursos de fotografía más importantes y reconocidos en México. Es una distinción a gran escala, estoy al día de hoy emocionada, y conmovida con este galardón. Es muy difícil que una imagen de ciencia traspase las barreras. Aunque yo amo la foto en todas formas, para mí la foto no es de ciencia o de arte o de o fotoperiodismo, es la imagen la que hace que un espectador quiera ver más, que se intrigue que se haga su propia historia. ¡Yo amo la fotografía desde pequeña, y mis padres son científicos, así que voy al microscopio desde niña, así que para mí más que ciencia la imagen es vida!

por un rayo de luz, me hizo descansar de todo el caos que había en el lugar, y no podía creer como nadie parecía notar este espectáculo tan especial. Ellos simplemente seguían mirando estas paredes y pisos saturados de adornos, líneas y colores, sin notar este espectáculo que a mi parecer lograba opacar todo lo demás. Así que tomé mi cámara que actualmente casi siempre está en modo blanco y negro y disparé. En el primer cuadro, el ave parecía un poco movida y el segundo, me posé sobre mis rodillas y disparé. De este disparo surgió la fotografía que podemos ver. ¿Por qué participaste en esta gran convocatoria? Ya hace unos años entré a la página buscando información sobre Sony, y que es la marca de cámaras que uso hace muchos años y estuve viendo mucho del trabajo de personas de todo el mundo. Y en 2014 vi una publicación sobre este concurso, así que participé y en esta ocasión gané el primer lugar para Centroamérica, ya luego en 2015 pues no pude participar, porque no sentía que tenía suficiente material como para hacerlos, y que estuve un poco saturado por otras cosas que lograron distraer mi atención. Y ya para 2016 me sentía preparado. Me sentía muy a gusto con el fotógrafo que estaba renaciendo en mí, así que envié esta fotografía a participar.

NOMBRE: JOSÉ SOTOMAYOR PAÍS: PERÚ

¿Cómo hiciste la foto ganadora? Obtener la imagen de la Nación Acomayo, con la que fui finalista en la categoría arte y cultura y con la que gané el concurso nacional en Perú, fue difícil. En primer lugar, porque los “Pablitos” (personajes de la mitología andina), me permitieron acompañarlos a subir el nevado Colque Punku, un lugar sagrado donde solo unos pocos elegidos pueden cargar, plantar y adorar la cruz del Señor del Qoyllurit´i. En segundo lugar, porque subir un nevado a más de 5000m.s.n.m. al ritmo de los “Pablos” y con un camino empinado, resbaloso y con lodo fue agotador y peligroso. A pesar

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que fue mi segundo año documentando la peregrinación, fue la primera vez que se me permitió subir tan alto y descubrir desde tan cerca la motivación y fe al “Taytacha” Qoyllurit´i. Recibir la noticia de la WPO fue conmovedor para mi familia y para mí, fue una señal de que andaba por el camino correcto y me motiva a seguir creciendo y a continuar haciendo lo que me gusta. La peregrinación del Señor de Qoyllurit´i es una tradición viva que merece ser protegida y difundida como parte de la enorme riqueza cultural de Perú y de toda Latinoamérica. ¿Por qué participaste en esta gran convocatoria? El deseo de mostrar una pequeña parte de la riqueza del sur del Perú a través de mis ojos y poder medir mi progreso con otros fotógrafos en el mundo.

exposición de 2 minutos para el volcán y otra de 2 segundos para la luna. Finalmente, luego de conseguir la imagen que quería, me quedé a disfrutar del eclipse, por lo que estuve unas 6 horas en total sobre en el techo junto a mis amigos que me acompañaron todo el tiempo mientras tomaba fotos.

NOMBRE: VÍCTOR VARGAS PAÍS: ECUADOR

¿Cómo hiciste la foto ganadora? Realice la planificación de la foto aproximadamente una semana antes del eclipse verificando la hora en que la luna estaría roja y también revisando el pronóstico del clima. Unos días antes, conversé con un amigo para que me dejara subir al techo de su casa en Quito para poder realizar la fotografía con la vista del volcán Cotopaxi, que por ese entonces estaba arrojando ceniza y gases al aire. Ya el 27 de septiembre de 2015, subí al techo aproximadamente 3 horas antes de la hora del eclipse para realizar pruebas de exposición y verificar el encuadre que quería. Como me encontraba a unos 60Kms. del volcán utilicé un teleobjetivo de 100-400mm para realizar la imagen tanto del volcán como de la luna. Caída la noche, realicé más pruebas para calcular el tiempo de exposición del volcán, una vez que definí esto, con la luna ya roja y con la cámara sobre el trípode realicé una doble exposición en cámara (es decir, expuse el mismo fotograma más de una vez), de acuerdo a la imagen que tenía en mi cabeza previamente, una

¿Por qué participaste en esta gran convocatoria? Unos meses antes, me había enterado del concurso por medio de la web mientras revisaba páginas de fotografía. Empecé a investigar de qué se trataba y vi que el Sony World Photography Awards es uno de los concursos más grandes y prestigiosos a nivel mundial, además que ofrece mucho reconocimiento a sus ganadores; lo más importante es que otras personas de Ecuador y Latinoamérica ya habían ganado en ediciones pasadas, lo que fue una gran motivación para participar. Luego de un tiempo me animé a concursar y pasé algunas semanas seleccionando las imágenes que había tomado durante el año y que más me gustaban. Prácticamente estuve revisando las fotos cada vez que me iba de viaje a fotografiar y una semana antes de que terminara el plazo de inscripción subí mis imágenes de las cuales una fue la ganadora.

una toma, baje del avión, recorrí el conjunto y llegue a un punto donde la estructura era totalmente simétrica, como dos alas, sin duda era necesario hacer esa fotografía, armé mi trípode, mi cámara y ¡listo!

NOMBRE: ENZO CARABALLO PAÍS: VENEZUELA

¿Cómo hiciste la foto ganadora? Es una fotografía de la estación de tren en el aeropuerto Saint-Exupéry de Lyon en Francia, y se trata de una obra arquitectural de Santiago Calatrava. Está ubicado a unos 80Km de donde estoy viviendo actualmente y es el aeropuerto más cercano, por lo que es casi obligatorio tener que visitarlo cuando debo viajar. El hecho es que la estación de tren siempre me había llamado la atención por su aparente abstracción, sin embargo, en 2016 al regreso de un viaje a Madrid decidí que iba a llevar conmigo (además del equipaje), mi equipo fotográfico para poder observarlo y hacer

NOMBRE: EDUARDO MINTE PAÍS: CHILE

¿Cómo hiciste la foto ganadora? El 21 de abril del 2015 estaba en el campo trabajando en un bajo con mi papá y hermana, cuando me llegó un whatsapp de un amigo mostrando el Volcán Calbuco con una pequeña fumarola sobre este. Rápidamente fuimos al lugar más alto del campo y ya se apreciaba el volcán en erupción completa, tomé mi cámara, trípode y equipo de montaña y partí a puerto Varas con la idea de subir a las faldas del Volcán Osorno para tomar fotos. En el camino, el mismo amigo que me mandó la foto me llama para informarme que el camino al Volcán estaba cerrado y que iba en camino a evacuar a una familia que quedó atrapada por el desborde de un río (somos bomberos de la misma compañía). Llegué a Puerto Varas y era un caos, bencineras y supermercados llenos, por lo que salí inmediatamente y me fui al campo de un amigo

¿Por qué participaste en esta gran convocatoria? El SWPA es un premio muy prestigioso, así que cualquier fotógrafo, sea profesional o aficionado, sueña con que en algún momento de su vida una de sus imágenes esté en ese glorioso cúmulo seleccionado. No quiere decir que mi búsqueda del premio mayor termina aquí, por el contrario, una de mis metas es estar en la ShortList, o porque no, ser el Fotógrafo del Año.

en Punta Larga, a orillas del Lago Llanquihue. Cuando llegué me decepcioné un poco ya que la erupción había terminado, el cielo estaba completamente despejado y estrellado. Pensé en volver a mi casa, pero ya era tarde así que me quedé a alojar. Tipo 2.00 am me despiertan e inmediatamente escucho el tronar del Volcán, miro por la ventana y veo que está empezando otra erupción, bajamos a la playa a ver y fotografiar el espectáculo y ahí me quedé hasta que amaneció. La foto elegida es parte de una serie de 7 fotos tomadas una tras otra, cada una de una exposición de 30 segundos, f/4, ISO 2000. ¿Por qué participaste en esta gran convocatoria? Hace tiempo vengo participando de concursos de fotografía, más que nada para tratar de amortizar los gastos que involucra el hobbie, tratar de que se pague por sí mismo. De este concurso en particular me enteré a través de una prima que justamente vive en Londres y que me mantiene al tanto de concursos internacionales.

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10 CONSEJOS

FOTOGRAFÍA DE DESNUDO

CATEGORÍA FOTOGRAFÍA

POR: FELIPE ELJACH www.felipeeljach.com Desde la antigüedad y en todas las civilizaciones que nos antecedieron, pasando por los Griegos, quienes captaron la belleza del cuerpo humano con la perfección de sus proporciones, en el barroco donde los volúmenes de Rubens eran dinámicos, coloridos y sensuales, hasta el renacimiento donde la perfección de los cuerpos de las esculturas de Miguel Ángel tenían una belleza casi divina y llegando hasta nuestros días; la humanidad siempre se ha sentido atraída por la belleza de la figura humana y

ha sido fuente de inspiración en todos los campos artísticos, por lo tanto la fotografía no podía sustraerse a su belleza, esta, al tener a la mano una herramienta como es la cámara fotográfica nos da la ventaja de poder captar la realidad en toda su dimensión, tal cual la vemos, sin interpretaciones de ninguna clase, sin la manipulación de la forma, es por esto que es muy importante conocer en profundidad todos los detalles y los secretos que encierra la fotografía de desnudo y plasmar en cada fotografía la belleza del cuerpo humano.

1. TODO ES IMPORTANTE A diferencia de otro tipo de fotografía, en la fotografía de desnudo todo es importante, ya que el cuerpo humano ha sido plasmado en todas las artes plásticas, pintura, escultura, fotografía, por lo tanto todos tenemos una idea muy clara y precisa de cómo es, su forma, volúmen y textura. Por lo tanto debemos poner mucha atención cuando lo fotografiemos, qué tipo de iluminación vamos a usar, luz natural, flash o continua, el punto de vista, qué tipo de objetivos, angular o tele, si es en exteriores o interiores, el encuadre blanco y negro o color, todo esto sin olvidarnos que lo más importante es la relación del modelo con el fotógrafo, la interacción entre ambos es vital, “romper el hielo” es fundamental para crear imágenes impactantes llenas de sensualidad y belleza.

2. LA SILUETA

3. APRENDER DE LOS MAESTROS

Cuando la composición es simple y solo se quiere destacar las formas, se recurre al efecto de la silueta, con esto se logra mostrar el contorno de la figura, el fondo debe ser lo más limpio posible y debe estar bien iluminado sin sombras que lo afecten y debe tener 3 diafragmas por arriba del sujeto principal.

Mientras que estas comenzando, ganas confianza y logras tener un estilo propio, un buen ejercicio es estudiar a los grandes maestros de la pintura en la historia del arte y ver como ellos manejaban la luz, el color, la pose, el encuadre y la composición, trata de recrear algunas de las pinturas que llamen tu atención.

4. EL ENCUADRE

5. ACÉRCATE

Debe ser lo más ajustado al resultado final y quita todo lo que no aporte a la fotografía, al mensaje que quieres transmitir y que nos distraiga del sujeto principal, debes mirar siempre por el visor de la cámara y eliminar lo que no sea importante, nunca olvides esta máxima de la fotografía… ¡Menos es más!

No te dé miedo acercarte al sujeto, los primeros planos siempre son interesantes porque descubren formas, texturas y detalles que pasan desapercibidos cuando estamos en el plano general, para esto, lo recomendable es usar un zoom de una distancia focal 70-200mm, para no incomodar a la modelo estando demasiado cerca de ella.

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6. EXTERIORES CON LUZ NATURAL Tener en cuenta, la hora del día y la temperatura del color, fotografiar al mediodía no es la mejor opción, ya que la luz y las sombras son muy fuertes, pero si tienes que hacerlo debes asegurarte de rellenar las sombras con un flash pequeño o con un flex que tenga la misma temperatura de color que luz principal para que no anule el efecto de la luz natural.

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7. EL BLANCO Y NEGRO

8. TEMPERATURA DEL COLOR

9. OBJETIVOS ANGULARES

El lenguaje del blanco y negro en la fotografía de desnudo nos permite alejarnos de la realidad con que vemos cotidianamente la desnudez y al descontextualizarla de esta realidad nos lleva a un plano menos erótico donde podremos mostrar el desnudo como algo artístico y sin morbo, aquí la armonía de luces y sombras, el contraste y el encuadre, nos permite enfocarnos en la belleza del cuerpo humano.

Factor importantísimo en la fotografía de desnudo, ya que es el que determina cual es el look que tendrá nuestra imagen, nos muestra que tan cálida o fría es, nosotros no estamos acostumbrados a ver una piel fría, azulada o verdosa y además, no es lo normal, una piel cálida es más natural, más sana y por lo tanto transmite mas sensualidad, hacer una elección equivocada puede arruinar nuestra fotografía.

Al fotografiar con un angular el cuerpo se deforma y pierde naturalidad, la proporción y los volúmenes se alteran, la perspectiva se exagera demasiado y no se ajusta como lo vemos en la realidad, por lo tanto si quieres fotografiar la sensualidad y el erotismo de la figura humana, se deben evitar en todo momento, lo ideal es un objetivo zoom con una distancia focal entre 70 y 135mm.

10. PUNTO DE VISTA (POV - POINT OF VIEW) Antes de empezar a fotografiar es importante seleccionar el punto de vista, el cual influirá en la forma en que se verá la fotografía y alterará la conexión del espectador con la misma, un POV elevado creará un distanciamiento con la imagen, un POV bajo tendrá un efecto de altura y lejanía, mientras que un POV a la altura del sujeto el efecto será de intimidad, cercanía y habrá una conexión inmediata con la fotografía, ninguno de los tres POV es equivocado usar, todo depende de lo que quieras mostrar y las emociones que quieras transmitir al espectador, al cambiar el POV debes prestar atención a la iluminación ya que esta varía dependiendo del ángulo en que estés ubicado.

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El portal web especializado en imagen digital más importante del mundo.

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ACTUALIDAD - ANÁLISIS DE EQUIPOS - OPINIÓN - ENTREVISTAS

10 CONSEJOS

HACER UN VIDEO CORPORATIVO

CATEGORÍA VIDEO

POR: CARLOS BRIÑEZ carlos@brinez.com

La gran mayoría de empresas grandes tienen necesidades comunicativas tanto internas como externas, y es ahí donde el video corporativo toma un valor importante por la facilidad de comunicar un mensaje que se quiere transmitir de una manera rápida, llamativa y concreta a un grupo objetivo. Por esto la importancia de hacer un buen video corporativo, conlleva etapas claves para que el resultado final sea llevar

de una manera clara y veras, el mensaje que el cliente quiere transmitir a su grupo objetivo. Este tipo de comunicación genera una gran identidad de marca y de empresa, por eso debemos cuidar todos los detalles de las imágenes, el guion, la locución, musicalización, para aprovechar al máximo esos minutos cruciales de la atención de nuestro espectador, logrando así, que nuestro cliente logre una comunicación efectiva.

1. CAPTAR BIEN LA IDEA DEL CLIENTE Hay que interpretar muy bien la idea del cliente, ya que él es el único que sabe realmente qué es lo que quiere. El objetivo como realizador de video corporativo, es el de traducir su idea y su necesidad comunicacional y plasmarla en un video. Esta es la parte más difícil, porque cada persona tiene una forma particular de pensar e imaginar las cosas y la mayoría de las veces el cliente es un equipo de trabajo, y hay que empezar en ayudarlo para que unifique la idea y la forma en que va a ser plasmada, uno como realizador de videos corporativos va sugiriendo y acomodando la idea para que su desarrollo sea viable, práctico, y efectivo.

2. ATERRIZAR LA IDEA

3. AJUSTAR LA IDEA AL PRESUPUESTO

Una vez definida la idea, es momento de aterrizarla, y a desarrollarla para transmitirla, con actores, con funcionarios, con gráficas, etc. También es el momento de fijar los tiempos, porque si el tiempo es corto tenemos que optar por la forma más rápida de obtener el resultado.

Este es un punto clave, porque a la mayoría de realizadores nos gustaría tener grandes producciones. Pero, no tenemos tanto presupuesto, es la respuesta más frecuente del cliente. Entonces ¿qué se debe hacer? Optimizar los recursos para tener el mejor resultado sin perder dinero y sin trabajar gratis.

4. LEER BIEN EL MANUAL DE MANEJO DE MARCA

5. REALIZAR UN GUION QUE SE AJUSTE A LA IDEA, AL PRESUPUESTO Y A LA INTENCIÓN DEL VIDEO

Lee el manual de marca, no nos podemos inventar que el logo se ve más bonito si sale bailando, o que con el fondo de la imagen se vería mejor si le cambiamos el color, nada de inventos que el manual de marca no permita, estaríamos dañando su imagen y sus políticas de uso.

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Es importante que el guion sea realizado por un guionista, o si tenemos la capacidad de hacerlo nosotros mismos, debemos hacerlo aterrizando esos tres aspectos, no podemos hacer un guion que hable de cosas fantásticas y nos obligue a hacer imágenes en lugares remotos donde nuestro presupuesto no va a dar para los viáticos.

6. APROBAR Y REAPROBAR EL GUIÓN ¿Porque hablo de aprobar y reaprobar el guion? Por que la mayoría de las veces, como ya lo mencioné, el cliente es un equipo de trabajo y varias personas deben aprobar, y si no estamos completamente seguros de que el guion es aprobado en todas sus instancias, no debemos apresuremos a grabar, ya que vamos a perder tiempo y dinero.

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7. INVOLUCRAR AL CLIENTE EN DECISIONES COMO: LOCACIONES, CASTING, LOCUTOR Y MÚSICA Me gusta que el cliente defina ciertas cosas, ya que para él una pradera verde puede ser un parque bonito con el pasto cortado y para mi puede ser un campo en las montañas con pasto alto. También pasa mucho con el casting, un abuelito para el cliente puede ser un señor de 90 años con bastón, y para mí un señor de 60 años con una vida saludable.

8. ESTAR ACOMPAÑADO DE ALGUIEN DE LA EMPRESA El acompañamiento es muy importante si no conoces ampliamente la industria y la empresa, porque hay procesos, personal, maquinaria, o algún factor que esté mal hecho y no se debe mostrar, pero si estas acompañado la responsabilidad no solo es tuya sino de la persona que se asume, tiene el conocimiento para saber que se está haciendo bien y que se puede mostrar.

9. EDITAR TENIENDO EN CUENTA QUE VAN A RESULTAR MÁS CAMBIOS El cliente siempre va a pedir cambios y debes conservar todo el material, además de tener la paciencia necesaria para entender que si para ti está bien, puede que para el cliente no. Habrá cambios pequeños tan sencillos como “corta a ese señor que ya no trabaja con nosotros, o pon otra imagen porque esa no me gusta, o mejor quítala y pon otro plano”. Por mencionar algunos ejemplos.

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10. DE SER POSIBLE HACER LOS CAMBIOS CON EL CLIENTE Invita al cliente para que revise el video y hagan juntos los ajustes solicitados. Muchas veces el hacer un cambio lleva tiempo en edición y mucho más tiempo en aprobación del cliente, y puede pasar que el ajuste tampoco les guste, con eso ahorrarás tiempo y malos entendidos.

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10 CONSEJOS

FOTOGRAFÍAS DE NIÑOS

CATEGORÍA SMARTPHONE

POR: ISABEL SAA isabelsaa@isasaafotografia.com La fotografía de niños es un reto grande, pues más allá de saber manejar la cámara y encontrar la luz ideal para nuestro propósito, lo más importante es lograr la conexión con el niño y es así, como además de las habilidades de fotógrafo, también entran en juego tus habilidades personales para relacionarte y tu creatividad para lograr que tu modelo te de lo mejor de sí. Los niños crecen muy rápido y cada etapa de vida nos representará un desafío diferente al que tendremos que enfrentarnos

para lograr capturar los mejores momentos en la vida de nuestro hijo, familiar o cliente. Si tienes confianza con el niño que vas a retratar porque te relacionas frecuentemente con él, tal vez tengas una gran ventaja a tu favor ya que conoces sus gustos, juegos y canciones favoritas o cualquier dato útil al momento de lograr una buena imagen. Desde mi experiencia trabajando con niños, considero que hay 10 puntos clave que debemos tener en cuenta al hacer este tipo de fotografía.

1.IDENTIFICA LA ETAPA DE VIDA DEL NIÑO

El desarrollo físico y psicológico del niño, es la guía clave para saber cómo abordar una sesión. Es muy diferente trabajar con un bebé recién nacido (entre 5 y 10 días de vida), con un bebé de 7 meses que ya se sienta solito o con un niño de 1 año que empieza a caminar y quiere descubrir el mundo dando sus primeros pasos. Teniendo en cuenta lo anterior debes ajustar las ideas que tienes para tu sesión y así te asegurarás de aprovecharla al máximo. Al recién nacido puedes capturarlo en la tranquilidad de su sueño y reflejar la paz que rodea su vida en ese momento. A un bebé de unos cuantos meses puedes capturarlo sonriendo ya que en esa edad incrementan las respuestas a los estímulos externos como las muecas de los papás o canciones que les gustan. Cuando tiene un año es probable que el niño quiera moverse por todo el lugar y tendrás que ser muy creativo para llamar su atención.

2. LA SEGURIDAD PRIMERO

3. MOMENTO CLAVE

Siempre ten en cuenta que el niño debe estar seguro y cómodo. A veces pueden surgir ideas que suenan muy bien, pero si la seguridad del bebé está comprometida es mejor que abandones la idea. Por ejemplo, si quieres poner a un recién nacido dentro de un accesorio, asegúrate de cubrir todos sus bordes, que sea un objeto estable que no vaya a voltearse y sobre todo que no se quiebre.

Trabajando con niños, el mejor momento para realizar la sesión es en la mañana ya que en ese momento del día están llenos de energía después de haber descansado toda la noche. Asegúrate también de que el niño haya comido suficiente, un bebé cansado y con hambre se pone irritable y muy probablemente no querrá participar de tu sesión.

4. LA LUZ

5. PLANEA TU SESIÓN

Puedes usar flash o luz natural, eso depende del gusto de cada fotógrafo; yo prefiero trabajar con luz natural. Tengo la ventaja de vivir en una ciudad donde la mayoría de días son soleados y cuento con ventanas muy grandes. La luz que entra la difumino con velos y así obtengo una fuente de luz suave.

Planear es muy importante porque el tiempo con los niños es impredecible y si tú tienes claro el flujo de trabajo, todo saldrá mucho más rápido. También planea colores y ambientación para asegurarte de que él siempre sea el protagonista, y revisa que el lente de tu teléfono este limpio: sin grasa ni polvo.

REVISTA ENFOQUE VISUAL / Mayo 2016 - Julio 2016

6.DIFERENTES PLANOS Es muy importante que te inclines para tomar la foto desde la altura de sus ojos. Busca otros planos y cambia el punto de vista desde dónde normalmente lo miras hasta encontrar una composición más creativa. Puedes enfocarte en detalles como sus ojos, nariz, orejas o incluso sus pies, pero no uses el zoom de tu teléfono porque la calidad de la imagen se reduce.

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7. PACIENCIA Necesitarás mucha paciencia. El trabajo con niños tiene que gustarte y si lo disfrutas podrás tomarte el tiempo que requiere este tipo de fotografía. Cuando hayas terminado la sesión, escoge las mejores imágenes y en el App Store encontrarás muchas opciones para edición de fotografía. Cuando edites, asegúrate siempre de guardar la original por si quieres empezar de cero con una imagen que ya editaste, dedica tiempo a hacer la parte final del trabajo.

8. CERO POSES

9. SORPRÉNDELO

10. MUCHAS FOTOS

Déjalos ser libres, ser ellos mismos y asegúrate de ser tú quien esté listo para capturar los mejores momentos, que son aquellos espontáneos y que no se repetirían así se lo pidieras. Tú puedes dirigir su atención dándole la idea al niño de alguna actividad como interactuar con su hermano pequeño o prestarle atención a un objeto nuevo para él.

Tu creatividad es importante para encontrar la manera de llamar la atención del niño y sorprenderlo. Así es como lograrás despertar la curiosidad de tu modelo y seguramente esa situación lo llevará a divertirse, relajarse y ofrecerte una gran variedad de expresiones que pueden convertirse en retratos que reflejen la esencia del niño.

Utilizar el modo ráfaga es muy útil porque te permite tener una gran variedad de imágenes para escoger la mejor. Cuando los niños ya caminan o son más grandes y están corriendo y jugando no pares de capturar, así te asegurarás de conseguir una buena expresión, o incluso lograrás capturar al niño en movimiento. Esas fotos son buenas cuando quieres contar una historia.

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GUÍA DE COMPRAS Cámaras para usuarios profesionales

CANON 80D

SONY A7R II

NIKON D5

PRECIO

USD 1.199 - Solo cuerpo *Cambios y verificación de precio según polÍticas propias de sitios de venta de consulta.

USD 3.198 - Solo cuerpo *Cambios y verificación de precio según polÍticas propias de sitios de venta de consulta.

USD 6.496 - Solo cuerpo *Cambios y verificación de precio según polÍticas propias de sitios de venta de consulta.

ASPECTOS TÉCNICOS

Sensor 24.2MP APS-C CMOS Procesador de imagen DIGIC 6 Pantalla de 3.0”. 1.040.000 puntos, ángulo variable, LiveView y Touchscreen Video Full HD 1080p a 60 fps 45 puntos de enfoque Cross-Type AF System Dual Pixel CMOS AF ISO expandido a 25600 Wi-Fi incorporado con NFC

Sensor 42MP Full-Frame Exmor R BSI CMOS Procesador de imagen BIONZ X Visor electrónico OLED XGA (color) de 1,3 cm (tipo 0,5) Pantalla de 3.0”. 1,228.800 puntos, ángulo variable y LiveView. Video UHD 4K Video & S-Log2 Gamma 399 puntos de enfoque por detección de fase ISO a 102.400 Wi-Fi incorporado con NFC

Sensor 20.8MP FX CMOS Procesador de imagen EXPEED 5 Pantalla de 3.2”. 2.360.000 puntos, LiveView y Touchscreen Video UHD 4K Video a 30fps 153 puntos de enfoque AF System ISO nativo 102.400, extendido ISO 3.280.000 14-Bit Raw y 12-Bit Raw S Soporte Base-T 1000 Gigabit Wired LAN

Enfoque mejorado respecto al modelo anterior (EOS 70D).

Calidad de imagen sin rival.

Espectacular rendimiento a sensibilidades extremas.

MARCA Y MODELO

PROS

Cuerpo sellado y equilibrado.

Tamaño y peso muy contenidos.

Velocidad de disparo y enfoque.

Precio y peso muy elevados.

No se destacan respecto a la competencia.

Precio elevado.

Pocas novedades en video.

Enfoque continuo mejorable.

Una réflex clásica de gama media que contentará a usuarios avanzados de foto y video. Prestaciones completas y diseño equilibrado para usar como cámara principal o como apoyo de modelos superiores.

La cámara perfecta para fotógrafos de reportaje o estudio que necesiten mucha resolución y calidad pero quieran trabajar ligeros.

Una de las cámaras de referencia para profesionales del fotoperiodismo y fotografía deportiva. Su sensibilidad (hasta 3 millones ISO) y ráfagas la convierten en un auténtico referente hoiy en día.

COMPORTAMIENTO PARA FOTO NOCTURNA

Hay modelos con mejor comportamiento a sensibilidades extremas, pero la EOS 80D aporta mejoras a la hora de enfocar en escenas con muy poca luz.

Su elevadísima resolución no la hace una buena candidata para esta especialidad, aunque aguanta bien los ISO altos.

Su contenida resolución y CMOS de formato completo le permiten ofrecer uno de los mejores rendimientos con poca luz del mercado actual.

COMPORTAMIENTO PARA VIDEO

Pese a la falta de novedades destacadas respecto a la EOS 70D, sus buenas prestaciones y el excelente enfoque Dual Pixel la convierten en una apuesta segura para grabar video.

La Sony A7S II sería una opción más lógica, pero este modelo se defiende bien para proyectos sencillos. Grabación de 4K y todas las prestaciones.

La primera réflex profesional de Nikon con grabación de video 4K. La ergonomía, eso sí, no hace de ella una opción recomendable para producciones serias.

Canon 18-200 EF-S Un todoterreno para no complicarse.

Sony 85 mm f1.4 GM Una joya para la foto de retrato.

Nikkor 24-70 mm f2.8 AF-S IS Versión estabilizada del clásico zoom.

CONTRAS

USO RECOMENDADO

LENTES RECOMENDADOS SEGUN NECESIDADES

Canon 24 mm f2.8 EF-S Un pancake imprescindible y a un precio magnífico. Canon 10-18 mm f4.5-5.6 EF-S IS STM Un zoom angular que da mucho juego.

REVIEW COMPLETO

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Sony 24-70 mm f2.8 GM El nuevo zoom de referencia para este sistema. Zeiss 35 mm f1.4 Un magnífico objetivo fijo para reportaje.

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No dispone de WiFi integrado.

Nikkor 70-200 mm f2.8 IS Zoom largo de referencia. Nikkor 35 mm f1.4 AF-S No puede faltar en la bolsa de ningún reportero.

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PANASONIC GH4

FUJIFILM X-PRO2

HASSELBLAD H6D 100c

USD 1.297 - Solo cuerpo *Cambios y verificación de precio según polÍticas propias de sitios de venta de consulta.

USD 1.699 - Solo cuerpo *Cambios y verificación de precio según polÍticas propias de sitios de venta de consulta.

USD 32.995 *Cambios y verificación de precio según polÍticas propias de sitios de venta de consulta.

Sensor 16.05MP Digital Live MOS Procesador de imagen Venus Engine IX Video UHD 4K a 30p/24p Soporte para 59.94p, 23.98p, 50p, & 24p Pantalla OLED de 3.0” 1,036.000 puntos, ángulo variable, LiveView y Touchscreen 49 puntos de enfoque Montura Micro Cuatro Tercios

Sensor 24.3MP APS-C X-Trans CMOS III Procesador X-Processor Pro Engine Pantalla de 3.0”. 1.620.000 puntos, LiveView y ángulo variable Video Full HD 1080p a 60 fps 273 puntos de enfoque AF System 2 Slots para tarjeta SD Simulación de película y modos de efecto grano

Sensor 100MP 53.4 x 40.0mm CMOS 16-Bit Color, 15-Stop Rango Dinámico Pantalla de 3.0”. 920.000 puntos, TouchScreen Video 4K y Full HD RAW Video a 30 fps ISO 64-12800 273 puntos de enfoque AF System Incluye Wi-Fi, USB 3.0 Type-C Incluye cuerpo, Back y HVD 90x Viewfinder

Perfecto híbrido para fotografía y video. Precio muy competitivo.

Sensibilidad y rango dinámico por detrás de la competencia.

Diseño elegante y clásico con visor híbrido. Excelente calidad de imagen.

Tamaño considerable.

Con 100MP se trata de uno de los modelos más potentes del momento. Buen rendimiento incluso a sensibilidades medias y altas. Precio muy elevado.

Precio elevado.

Tamaño y agilidad poco competitiva respecto a réflex de 35mm.

La opción perfecta para los fotógrafos que combinan instantáneas y trabajos en video.

El visor híbrido y la filosofía clásica la convierten en una muy buena opción para la fotografía de viaje y reportaje.

Fotografía profesional en estudio o localización que requiera grandes resoluciones y máxima calidad.

Aunque las cámaras Micro Cuatro Tercios no son la opción más lógica para foto nocturna por su tamaño de sensor, hasta 3.200 ISO la GH4 se defiende bien.

Buenos resultados a sensibilidades medias y altas, aunque no se destaca en comparación con modelos full frame.

Aunque el uso de un sensor CMOS ha mejorado mucho el rendimiento a sensibilidades medias, no es un modelo pensado para foto nocturna.

Una excelente opción para pequeñas producciones de vídeo. Posee todo lo necesario (resolución 4K, conexiones, controles manuales...) con un tamaño y precio muy contenidos.

El video sigue siendo el tema pendiente de todas las Fujifilm, incluida esta X-Pro2.

La H6D 100c se atreve con la grabación de video 4K y permite experimentar con la textura y profundidad de campo de este formato.

Fujinon 35 mm f2 XF Pequeño, asequible y con buenos resultados.

Hasselblad 80 mm f2.8 HC Objetivo estándar para el sistema H.

Fujinon 18-135 mm f3.5-5.6 Un todoterreno interesante.

Hasselblad 24 mm f4 Angular ideal para arquitectura y paisaje.

Fujinon 23 mm f1.4 XF Un 35 mm (equivalente) imprescindible para los usuarios de Fujifilm.

Hassselblad 135 mm f3.2 Un tele corto prefecto para fotografía de retrato.

Enfoque continuo por detrás de las réflex.

Panasonic Lumix G 12-35 mm f2.8 Excelente y polivalente zoom estabilizado. Panasonic G 8 mm f3.5 Para quienes se atrevan con un ojo de pez. Panasonic G 25 mm f1.7 Un 50 mm luminoso y asequible.

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Con el apoyo y patrocinio de

Quesabesde.com es el portal web especializado en imagen y fotografía más importante del mundo. En alianza con Revista Enfoque Visual, edición tras edición guiaremos a nuestros lectores a la hora de adquirir cámaras fotográficas y smartphones.

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*IMPORTANTE Esta guía de compras es un documento de referencia que busca aproximar al usuario sobre el mejor equipo a comprar según sus necesidades. Los precios o especificaciones técnicas pueden cambiar sin previo aviso, siendo responsabilidad única del fabricante y/o del sitio de venta elegido a voluntad por cada comprador. Revista Enfoque Visual no se hace responsable por ningún cambio sobre la información que aquí se publica y se sugiere al lector tomar diversas fuentes de información para realizar la mejor compra.

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GUÍA DE COMPRAS Cámaras para aficionados entusiastas

CANON Rebel T6

SONY A6300

NIKON D500

PRECIO

USD 499 con lente 18-55mm *Cambios y verificación de precio según polÍticas propias de sitios de venta de consulta.

USD 998 - Solo cuerpo *Cambios y verificación de precio según polÍticas propias de sitios de venta de consulta.

USD 1.996 - Solo cuerpo *Cambios y verificación de precio según polÍticas propias de sitios de venta de consulta.

ASPECTOS TÉCNICOS

Sensor 18MP APS-C CMOS Procesador de imagen DIGIC 4+ Pantalla de 3.0”. 920.000 puntos, LiveView VideoFull HD 1080p a 30fps 9 puntos de enfoque Cross-Type AF System ISO expandido a 12.800 Wi-Fi incorporado con NFC

Sensor 24.2MP APS-C Exmor CMOS Procesador de imagen BIONZ X Pantalla de 3.0”. 921.600 puntos, ángulo variable y LiveView. Video UHD 4K 30 & 1080p 425 puntos de enfoque por detección de fase ISO a 51.200 Wi-Fi incorporado con NFC

Sensor 20.9MP Formato DX CMOS Procesador de imagen EXPEED 5 Pantalla de 3.2”. 2.539.000 puntos, LiveView, ángulo variable y Touchscreen Video 4K UHD a 30fps 153 puntos de enfoque AF System ISO expandido a 1.640.000 Wi-Fi incorporado con NFC

Prestaciones de video muy completas.

La réflex APS-C más completa del momento.

Excelente sistema de enfoque.

Sensor veterano

Precio elevado.

CONTRAS

Prestaciones por debajo de la competencia

Mandos y menús mejorables.

Conexión inalámbrica no disponible por ahora para teléfonos Apple.

USO RECOMENDADO

Una apuesta segura para los aficionados que quieran dar un paso más en el terreno de la fotografía y el video con una réflex tradicional.

Una potente cámara para fotografía y video en un tamaño y formato muy reducido y con un sistema de enfoque muy innovador.

Por velocidad, calidad y enfoque, la Nikon D500 es una opción perfecta para fotografía de acción y naturaleza.

COMPORTAMIENTO PARA FOTO NOCTURNA

El sensor APS-C de 18 megapixeles se defiende, pero hay opciones más actuales y potentes en el mercado que le superan en este campo.

Su sensor APS-C de 24 megapixeles tiene un excelente rendimiento a sensibilidades medias y altas, lo que hace de la A6300 una buena opción para foto nocturna.

Excelente comportamiento a sensibilidades altas y extremas. Unido al buen enfoque, resulta perfecta para foto nocturna.

COMPORTAMIENTO PARA VIDEO

Igual que en otros campos, las prestaciones son muy básicas pero correctas y suficientes para quienes comienzan.

El video es el mejor argumento de la A6300, por su calidad, por la resolución 4K y por sus prestaciones y conexiones.

La cámara estrena grabación de video 4K y todas las prestaciones y conexiones necesarias para producciones serias.

Canon 18-200 EF-S Un todoterreno para no complicarse.

Sony E 35 mm f1.8 OSS Una óptica fija imprescindible.

Nikkor 24-70 mm f2.8 AF-S IS Versión estabilizada del clásico zoom.

Canon 24 mm f2.8 EF-S Un pancake imprescindible y a un precio magnífico.

Sony E 10-18 mm f4 OSS Un zoom angular muy interesante.

Nikkor 70-200 mm f2.8 IS Zoom largo de referencia.

Sony E 18-105 mm f4 PZ G OSS Motorizado y estabilizado, interesante para video.

Nikkor 35 mm f1.4 AF-S No puede faltar en la bolsa de ningún reportero.

MARCA Y MODELO

Manejo muy sencillo Precio competitivo

PROS

LENTES RECOMENDADOS SEGUN NECESIDADES

Canon 10-18 mm f4.5-5.6 EF-S IS STM Un zoom angular que da mucho juego.

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PANASONIC GX85

FUJIFILM X-T10

OLYMPUS E-M5 Mark II

USD 798 *Cambios y verificación de precio según polÍticas propias de sitios de venta de consulta.

USD 899 con lente 18-55mm *Cambios y verificación de precio según polÍticas propias de sitios de venta de consulta.

USD 999 - Solo cuerpo *Cambios y verificación de precio según polÍticas propias de sitios de venta de consulta.

Sensor 16MP Live MOS Sistema Micro Cuatro Tercios Video UHD 4K a 30p/24p Pantalla de 3.0” 1,040.000 puntos, ángulo variable, LiveView y Touchscreen 49 puntos de enfoque ISO 25.600

Sensor 16.3MP APS-C X-Trans CMOS II Procesador EXR II Pantalla de 3.0”. 920.000 puntos, LiveView y ángulo variable Video Full HD 1080p a 60 fps 77 puntos de enfoque híbrido inteligente Incluye Wi-Fi Simulación de película y modos de efecto grano

Sensor 16MP Live MOS Procesador TruePic VII Pantalla de 3.0”. 1.037.000 puntos, ángulo variable, TouchScreen Video Full HD 1080p a 60 fps ISO 25.600 81 puntos de enfoque Incluye Wi-Fi

Muy buen equilibrio entre tamaño, prestaciones y calidad.

Diseño clásico y excelente visor.

Diseño atractivo y compacto.

Precio muy competitivo.

Excelente estabilizador de 5 ejes.

Autonomía muy limitada.

Enfoque automático mejorable.

Su resolución se queda algo corta respecto a la competencia.

Ergonomía y agarre complicado por su tamaño.

El video sigue siendo la asignatura pendiente.

Perfecta para viajar ligeros, ofrece todo lo que el aficionado a la fotografía y el video puede necesitar.

Por su equilibrio entre precio, tamaño y resultados, una buena opción para la fotografía de reportaje.

Atractiva, con prestaciones completas y buenos resultados, es una buena opción para los fotógrafos que quieran trabajar sin mucho peso.

El sensor Micro Cuatro Tercios de 16 megapixeles no está en lo más alto en cuanto a control de ruido cuando hay que elevar la sensibilidad.

Resultados correctos a sensibilidades altas, pero el sensor de tamaño APS-C no le permite llegar al nivel de cámaras full frame.

Resultados correctos, pero su sensor Micro Cuatro Tercios no es la mejor opción para enfrentarse a escenas nocturnas.

Excelentes resultados para una cámara tan pequeña que se mueve perfectamente a medio camino entre la fotografía y el video.

La X-T10 es, ante todo, una cámara de fotos en la que la grabación de video ocupa un papel muy secundario.

El estabilizador de 5 ejes muestra un comportamiento excelente en video, pero los resultados finales de calidad y resolución no están a la altura.

Panasonic Lumix G 12-32 mm f3.5-5.6 Diminuto zoom, perfecto para llevar siempre encima.

Fujinon 35 mm f2 XF Pequeño, asequible y con buenos resultados.

Olympus M.Zuiko 25 mm f1.8 Focal fijo estándar de excelente calidad y buen precio.

Precio competitivo.

Panasonic Lumix G 20 mm f1.7 Interesante focal fija de tamaño muy reducido. Panasonic Lumix G 14-140 mm f3.5-5.6 Zoom polivalente, compacto y muy práctico.

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Resultados de video mejorables.

Con el apoyo y patrocinio de

Fujinon 18-135 mm f3.5-5.6 Un todoterreno interesante. Fujinon 23 mm f1.4 XF Un 35 mm (equivalente) imprescindible para los usuarios de Fujifilm.

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Olympus M.Zuiko Pro 12-40mm f2.8 ED Zoom estándar de referencia. Olympus M.Zuiko 17mm f1.8 Muy recomendable por su focal equivalente a 35mm.

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GUÍA DE COMPRAS Smartphones

SONY XPERIA Z5

SAMSUNG GALAXY S7

IPHONE 6s

USD 449 - 32GB *Cambios y verificación de precio según polÍticas propias de sitios de venta de consulta.

USD 634 - 32GB *Cambios y verificación de precio según polÍticas propias de sitios de venta de consulta.

USD 699 - 16GB *Cambios y verificación de precio según polÍticas propias de sitios de venta de consulta.

Compatible con GSM / 4G LTE Sensor 23MP 1/2.3” Exmor RS Procesador BIONZ y Lente Sony G 24mm Chipset 2 GHz Octa-Core Snapdragon 810 32GB Capacidad interna + 2GB of RAM Display IPS LCD 4.6” 1280 x 720 Waterproof and Dustproof Android 5.1 Lollipop

Compatible con GSM / 4G LTE Cámara principal Dual Pixel f/1.7 12MP Chipset Exynos 8890 Octa-Core 32GB Capacidad interna + 4GB of RAM Display 5.1” Super AMOLED Construcción IP68 Water-Resistant Android Marshmallow 6.0

Compatible con GSM / 4G LTE Cámara iSight de 12 MP con pixeles de 1,22 µ Grabación de video 4K (3840 x 2160) a 30 fps Chip A9 con arquitectura de 64 bits Estándar sRGB completo Pantalla Retina HD con 3D Touch iOS 9

Sensor de tamaño considerable y 20 MP.

Excelente calidad de imagen.

Buen enfoque automático.

Controles manuales y formato RAW.

Facilidad de manejo.

Resultados por detrás de la competencia.

Precio elevado.

Sin controles manuales.

Sin formato RAW.

Imágenes demasiado procesadas.

Sin formato RAW.

Sus amplias opciones de trabajo, el diseño atractivo y su resistencia al agua hacen del Z5 una buena opción para los fotógrafos móviles .

A día de hoy, el S7 ofrece la mejor calidad de imagen en un celular.

La relación entre facilidad de uso y resultados de calidad sigue siendo la mejor del mercado a día de hoy.

COMPORTAMIENTO PARA FOTO NOCTURNA

Imágenes demasiado procesadas en escenas con poca luz.

Buen rendimiento en escenas con poca luz comparado con otros smartphones.

Rendimiento correcto en escenas con poca luz, aunque no es el mejor del momento.

COMPORTAMIENTO PARA VIDEO

Grabación de video 4K con unos resultados muy correctos.

Grabación de video 4K con unos resultados muy correctos y video de alta velocidad (240 fps) a 720p.

Grabación de video 4K con excelentes resultados. Estabilización solo en el modelo Plus.

Posiblemente la mejor batería del mercado a día de hoy.

En línea con los terminales de última generación.

Mejorable, en línea con los terminales de última generación.

MARCA Y MODELO PRECIO

ASPECTOS TÉCNICOS

PROS

CONTRAS

USO RECOMENDADO

BATERIA

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MOTO X PLAY

LG G5

HUAWEI P9

USD 349 - 32GB *Cambios y verificación de precio según polÍticas propias de sitios de venta de consulta.

USD 649 - 32GB *Cambios y verificación de precio según polÍticas propias de sitios de venta de consulta.

USD 600 - 32GB *Cambios y verificación de precio según polÍticas propias de sitios de venta de consulta.

Compatible con GSM / 4G LTE Cámara principal 21MP + 5MP Trasera Vídeo HD 1080p (30 fps) Chip 1.8 GHz Snapdragon 808 Hexa-Core 32GB Capacidad interna + 3GB of RAM Pantalla 5.7” LCD Touchscreen Android 5.1 Lollipop

Compatible con GSM / 4G LTE Doble Cámara: 16 MP con factor apertura f1.8 y 8MP con Gran angular (135º) 32GB Capacidad interna + 4GB of RAM Chip 2.15 GHz Snapdragon 820 Quad-Core Pantalla 5.3” IPS LCD Touchscreen Soporta microSDXC hasta 2TB Android 6.0 Marshmallow

Compatible con GSM / 4G LTE Cámara Principal 12MP*2, F2.2 Leica BSI CMOS Dual-tone 32GB Capacidad interna + 3GB of RAM Chip HUAWEI Kirin 955 (64-bit), Octa-core Pantalla IPS de 5,2 pulgadas Full HD Android 6.0 Marshmallow

Resultados correctos con su cámara de 21 MP y lente f2.

Angular extremo gracias a sus dos ópticas.

Buena calidad de imagen.

Precio asequible.

Empuñadura opcional para la cámara.

Modo de blanco y negro único.

Prestaciones de gama media.

Resultados por detrás de la competencia.

Resultados por debajo de la competencia.

Sin video 4K.

Resolución limitada (8 MP) en el modo angular.

Sin video 4K.

Una opción para quienes busquen un celular de gama media con prestaciones interesantes y un precio muy ajustado.

Su angular extremo con una cobertura de 135 grados hace de él una buena opción para fotografía de paisaje.

Pese al sistema de doble óptica y a la participación de Leica, la calidad de imagen no es la mejor del momento, aunque su modo de blanco y negro es único.

La elevada resolución de la cámara no ayuda a en las fotos con poca luz. Ruido e imágenes muy procesadas.

Aunque el rendimiento es correcto, no consigue imponerse en este apartado frente a la competencia.

Rendimiento correcto, aunque sin destacar especialmente.

Prestaciones de gama media, sin video 4K y buenos resultados.

De nuevo el angular extremo es el mejor argumento para completar la grabación 4K.

Sin grabación de video en 4K, se sitúa por detrás de la competencia en este apartado.

Excelente en comparación con la competencia.

El sistema de batería intercambiable es un gran punto a favor.

Correcta, aunque sin destacar especialmente.

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REVISTA ENFOQUE VISUAL / Mayo 2016 - Julio 2016

CÓMPUTO Y TECNOLOGÍA MÓVIL • • • •

Producto destacado. La guía. Recomendados. Apps para fotografía y video.

REVISTA ENFOQUE VISUAL / Mayo 2016 - Julio 2016

CÓMPUTO

PRODUCTO MONITOR AOC G2460PQU DESARROLLADO PARA EL GAMING Y LA GENIALIDAD

Diseñado para jugadores serios, el AOC G2460PQU de 24” proporciona una experiencia de juego muy eficiente, con un tiempo de respuesta ultrará-

pido de 1ms y la impresionante frecuencia de refresco de 144Hz (compatible con todas las tarjetas gráficas del mercado), que reducen los defectos visuales, como el blurring y el ghosting, lo que puede significar la diferencia entre la victoria y la derrota.

Además, si utilizas una tarjeta gráfica AMD Radeon™ y los últimos drivers AMD Catalyst™, la tecnología FreeSync™ sincroniza perfectamente las frecuencias de refresco del monitor y de la tarjeta gráfica para eliminar el frame tearing, el stuttering y el input lag. Independientemente de que esté moviéndose a gran velocidad por la pista o persiguiendo a los enemigos como un tirador en primera persona, la resolución Full HD genera imágenes nítidas y reales.

FRECUENCIA DE ACTUALIZACIÓN DE 144HZ

Di adiós al movimiento borroso. Equípate con una pantalla con una velocidad de fotogramas el doble de rápida en comparación con las habituales y olvídate de esos enemigos que parecen cruzar vacilantes y que son difíciles de derribar. Con una velocidad de fotogramas de 144Hz, estas imágenes que antes se perdían aparecen ahora en la pantalla, mostrándose así todos los movimientos del enemigo con total fluidez y eliminando las imágenes borrosas y los cortes.

REVISTA ENFOQUE VISUAL / Mayo 2016 - Julio 2016

¡Los gráficos de los juegos no merecen pasar desapercibidos! Centro de conexiones El centro integrado USB 2.0 activo y pasivo proporciona puertos de fácil acceso para conectar cómodamente dispositivos USB. La interfaz multimedia de alta definición (HDMI), que admite multimedia y dispone de entrada HDMI, te permite conectar a la pantalla un segundo dispositivo de hasta 60 Hz. Pasa rápidamente del equipo a la consola para experimentar una gran variedad de nuevas posibilidades y juega a todos tus juegos favoritos en todos tus dispositivos favoritos. Puerto de visualización DisplayPort se ha diseñado para convertirse en el futuro estándar de conexión de sonido y video digital, con un mayor rendimiento en comparación con los formatos más antiguos. Vínculo dual DVI - El vínculo dual DVI duplica eficazmente el ancho de banda del video a una frecuencia de pixel de reloj determinada, y admite una mayor frecuencia de actualización de la pantalla (120/144Hz) y colores más intensos.

DESTACADO TIEMPO DE RESPUESTA GTG DE 1MS Un tiempo de respuesta GTG de pixel de 1ms, implica velocidad sin que la experiencia de juego pierda calidad. Los movimientos rápidos y las transiciones súbitas se ejecutan con fluidez, sin el incómodo efecto fantasma. Elige el camino adecuado hacia la victoria: no dejes que una visualización lenta te detenga.

Especificaciones

• Línea monitor: AOC Gaming •Tamaño: 24” •Formato de pantalla: 16:9 • Brillo: 350cd/m2 • Relación de contraste: 1000:1 • Relación de contraste dinámica: 80M:1 • Tiempo de respuesta: 1ms •Resolución máxima: 1920x1080@144Hz: DisplayPort / DVI Dual Link •Frecuencia de actualización de 144Hz •Puertos: 1 x VGA, 1 X DVI doble enlace, 1 x HDMI, 1 x DisplayPort, 4 x USB • Siete modos de visualización de pantalla • Soporte ajustable

AJUSTE DE LA ALTURA Y DE LA INCLINACIÓN El soporte AOC regulable de 4 modos, permite al usuario modificar sin esfuerzo la altura de la pantalla en 130mm, oscilar a derecha e izquierda, inclinar el ángulo de la pantalla y girar 90° para adecuar el nivel de visibilidad. Disfruta de maratones de juego en una cómoda posición ergonómica. El juego a tu manera.

FLICKER FREE La tecnología Flicker Free de AOC es una solución híbrida que regula el brillo sin provocar parpadeo, garantizando de este modo una visualización cómoda.

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La Guía

POR: ANDRÉS PARRA

@ANDRESPADZ

La era de los Drones Las posibilidades de obtener imágenes impactantes se amplian por medio de la asistencia de estos vehículos aéreos, capturar imágenes y videos entre edificios o llegar a distancias importantes son evidencia del alcance de esta tecnología cada vez más comercial y potente. Cuando hacemos relación con los drones, hablamos de vehículos aéreos no tripulados (VANT) que de manera asistida o mediante coordenadas geográficas llegan a destinos difíciles de alcanzar para el hombre. Comienza su uso en la guerra y en la agricultura, actualmente existen reglamentaciones en algunos países que restringen evitar el impacto con personas, aviones o la alteración de la privacidad. Cada vez hay más drones asequibles, con más opciones y vuelos mucho más estables. Usar un dron a altas velocidades sin que éste se estrelle, exige mucha pericia para el piloto, actualmente hay modelos que superan los 120km/h que participan en competencias de carreras de velocidad y obstáculos. Para los fotógrafos y videógrafos sin duda es un mundo nuevo por descubrir, lograr imágenes aéreas implicaba recursos costosos como lo puede ser el alquiler de helicópteros. Los drones te permiten lograr ángulos en distancias totalmente impactantes y seguimientos en movimiento tal como se produce en el ambiente cinematográfico. De forma progresiva se han ido integrando cámaras que graban

en altas calidades como 4K, 1080P y con una resolución de imagen que supera los 16MP; otros modelos permiten incluir cámaras Go Pro que ya llevan años posicionándose en el mercado. Los drones con suspensión de cardán (gimbal) son una carácterística importante para hacer seguimiento a lo que se quiere mantener en el encuadre y por supuesto la estabilización en la imagen, ayudando así a maniobrar el giro de la cámara en el aire según sea la intención. Algunas opciones como se-

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guimientos selectivos, regresar al punto de control, vista en primera persona (FPV) y sensores antichoque, hacen que esta experiencia de obtener imágenes aéreas sea algo extraordinario, solo estarás limitado por el tiempo de autonomía de vuelo que en el caso de los drones más exigentes pueden llegar a mantenerse un poco menos de media hora, para esto no estará mal una bateria adicional o modelos con sistemas de carga rápida. Los drones profesionales pueden usarse a más de 5km de

distancia a través de controles con pantalla LCD o asistiendo desde el smartphone descargando la aplicación de la marca. Para usuarios principiantes que quieran empezar en el mundo de los drones, existen actualmente opciones en dimensiones reducidas y mucho más económicas, con vuelos estables y cámaras aceptable para su uso en espacios interiores. A continuación una lista de los mejores modelos del mercado y opciones con los que puedes empezar a probar con presupuestos bajos.

DJI PHANTOM 3 PROFESIONAL Características Distancia de operación: 2000 mts. Tiempo de vuelo máximo: 23 min. Precio: $1259 Es un dron profesional en todo el sentido de la palabra y sobretodo en el campo de la fotografía y el video. Graba en resolución 4K y toma fotografías a 12MP. Cuenta con un lente de apertura de f/2.8 y lente gran angular de 20mm con estabilizador de imagen que se visualiza en primera persona. Con este modelo puedes hacer seguimiento automático, que detecta el objetivo y su movimiento sin necesidad de control. Con una sola acción puedes ordenar que el dron regrese al punto de control, una excelente opción en caso de perder conexión con el transmisor. Uno de los mejores modelo quadcopter (vuelo con 4 rotores) que encontrarás en el mercado. Compatible para controlar con smartphones iOS y Android. La versión standard es una opción más económica de esta línea Phantom al no permitir grabación 4K, entre otros.

YUNEEC Q500 TYPHOON 4K EIZO CG318-4K Características Distancia de operación: 800 mts. Tiempo de vuelo máximo: 25 min. Precio: $1000 La competencia directa entre los quadcopters, un dron de tamaño medio que usa materiales de fibra de carbono para su construcción. También maneja resolución 4K y 12MP para fotografía. Apertura máxima de f/2.8 y un rango de control de cámara de 360º de rotación. Su sensor tiene un tamaño de 1/2.3″ y graba hasta 120 cuadros por segundo en resoluciones 1080P para mostrar contenido en cámara lenta. Comparte al igual que el Phantom la opción Follow me, incluye un control con pantalla incluída para vista en primera persona y está pensado para el usuario Android preferiblemente. Incluye dos baterías de larga duración.

PARROT BEBOP 2 Características Distancia de operación: 100 mts. Tiempo de vuelo máximo: 25 min. Precio: $550 Este modelo de Parrot es un poco más modesto que los anteriores pero no deja de ser potente. Pesa un poco más de una libra y permanece en el aire hasta por 25 minutos (una duración importante por su precio). Graba video en resolución 1080P, pero sorprende con fotografías a 14MP con un campo de visión de 180º. Su diseño no se acondiciona para el uso de una cámara externa y sus hélices son fáciles de cambiar. Puede ser controlado por un smartphone o tableta y lograr velocidades que superan los 60km/h, una velocidad muy alta para los drones promedio en el mercado.

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3D ROBOTICS SOLO Características Distancia de operación: 805 mts. Tiempo de vuelo máximo: 25 min. Precio: $800

DJI PHANTOM 4

3D Robotics Solo es el dron que supera las expectativas de velocidad: más de 90km/h en el cielo. Es un modelo enfocado en fotografía sin llegar a tener cámara fotográfica, ya que es totalmente compatible con las Go Pro Hero que se han comercializado desde hace varios años. Sus sensores de estabilización son también compatibles con las cámaras mencionadas. El diseño de su control está basado en la experiencia con videojuegos y la pantalla LCD para visión en primera versión nos lleva a una experiencia fantástica en un vuelo que puede tardar hasta 25min, este modelo resulta un poco más fácil de aprender a manejar a diferencia de otros drones un poco más complejos.

Características Distancia de operación: 5000 mts. Tiempo de vuelo máximo: 28 min. Precio: $1400 DJI es hoy en día una de las mejores empresas en la producción de drones, posicionando modelos profesionales y desarrollando diseños muy bien logrados y elegantes. Su precio elevado es coherente con su calidad en grabación de calidad 4K, 12MP para fotografías y duración en el aire prometiendo no perder señal de transmisión a más de 5000mts de distancia. Apertura focal máxima de f/2.8, velocidad de obturación de 1/8000. Sus niveles de respuesta antichoque son casi incomparables y la capacidad de enfoque continuo a elementos selectivos muestra grandes resultados. Uno de los mejores drones comerciales que puedes apreciar hasta la fecha en su categoría.

HUBSAN X4 PRO H109S Características Distancia de operación: 805 mts. Tiempo de vuelo máximo: 25 min. Precio: $800 En ocasiones considerarás tener un dron de menor tamaño para usarlo en espacios más reducidos, existen minidrones que pueden empezar a rondar los 100 dólares pero que no corresponderán a un resultado fotográfico decente. Este Hubsan X4 Pro puede grabar en FullHD 1080P y alcanza un ángulo de visión de hasta 170º. Su transmisor tiene pantalla táctil, que permite escoger los puntos de selección y seguimiento. Si llega a perderse, con el botón regresar a casa pasarás de lamentar a esperarlo tan solo unos segundos.

DJI INSPIRE 1 PRO Características Distancia de operación: 5000 mts. Tiempo de vuelo máximo: 15 min. Precio: $4500

PARROT ROLLING SPIDER Características Distancia de operación: 20 mts. Tiempo de vuelo máximo: 8 min. Precio: $80 No solo puedes entrar al mundo de los drones volando en exteriores, sino también en interiores con un presupuesto mucho más bajo. Este modelo puede alcanzar 18km/h, garantizando un vuelo estable asistido desde tu smartphone descargando la app Free Flight. Puedes ordernar figuras acrobáticas de 180°, vueltas en el aire y movimiento por el piso por medio de ruedas extraíbles. Su vuelo es de los más garantizados, cuenta con un modo de vuelo libre que prende los motores una vez lo sueltes. Tiene una mini cámara vertical integrada a 60fps y 640x480PX. Su batería es muy limitada y se recarga completamente en 90 minutos.

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Sus medidas y peso sobrepasan la mayoría de drones, debido a esto permanece en el aire un poco menos de 15 mins. Sus características fotográficas son de lo mejor que puedes encontrar: 16MP en fotografía y 4K en video. La apertura puede llegar hasta f/1.7 e incorpora un sensor Type 4/3 CMOS. Un modelo RTF (Ready to Fly) que cuenta con un control pero que puede involucrar un segundo para apoyar el movimiento de la cámara (hasta 360º), mientras se ordena la dirección del dron. Su diseño modular de brazos permite personalizarse de diferentes maneras. Su estabilidad es casi única y es usado en diferentes proyectos audiovisuales por su excelente rendimiento sin importar su elevado precio.

HUBSAN FPV X4 H107D Características Distancia de operación: 100 mts. Tiempo de vuelo máximo: 7 min. Precio: $250 Este es un quadcopter muy pequeño que al igual que el Rolling Spider tiene dimensiones más pequeñas y su uso refiere más a principiantes. Incorpora 4 Leds para su uso nocturno. Su vuelo puede durar cerca de unos 7 minutos y su tiempo de carga 30 minutos. Puede hacer flip en 4 direcciones y tiene una respuesta en distancia de hasta de 100 metros. Su estabilidad es de las más recomendadas para adquirir este minidron, su cámara está limitada a grabación en 480P y 0,3MP. Puedes usarlo con su control, que incluye pantalla LCD para visualizar lo que puedes capturar de manera instantánea.

Accesorios Recomendados

1 Ultra Thin Case for

El estilo de Apple en un ultra delgado brazalete para tu Apple Watch. Un pack con 3 colores diferentes que han usado los diferentes dispositivos de la compañía. Sujeta el SmartWatch por medio de un clip muy seguro. Está hecho en un material de policarbonato de tan solo medio milímetro de grosor. Estilo, calidad y portabilidad.

2 PIXO Existen aplicaciones que permiten visualizar contenido en pantalla de manera auxiliar, para mostrarlo en dispositivos móviles de 7.9” o 12.9”. Este contenido sería más práctico si lo visualizamos al nivel de la pantalla y para esto sirve Pixo, una montura fija que se sujeta muy bien al costado del monitor, creando un espacio de trabajo formidable.

3 Revl En esta edición hablamos de drones y de sistemas de seguimiento y estabilización en las cámaras. Revl es una excelente opción sobretodo en ambientes deportivos, que logra mantener sujetos encuadrados con la ayuda también de su estabilización híbrida: electrónica y física. Su diseño es muy moderno y duradero por su superficie en goma.

4 WingLights La mayoría de accidentes que sufren los ciclistas se da por la falta de luces direccionales tal como sucede con los automóviles y las motocicletas. Winglights es un sistema portable que se conecta a cada uno de los lados para indicar a que dirección vas a girar. Tiene un pequeño gancho para llevarlo como llavero y es resistente al agua.

5 Koogeek Lleva un registro diario del peso corporal, de la masa de tu cuerpo y otras métricas que muestra el sistema de esta balanza que sube toda esta información y la organiza en gráficas y rutinas para bajar de peso. Puede guardar los datos de hasta 16 usuarios y está disponible para descargar la app de seguimiento para iOS y Android.

6 Sphero BB-8 A los amantes de Star Wars les encantará este pequeño robot que tiene su cámara siempre lista. Este prototipo de R2-D2 tiene movimientos especiales programados y responde a comandos de voz. Está pensando más para ser un juguete por su velocidad que para tomas fotográficas, pero sin duda más de uno querrá tenerlo corriendo por su casa u oficina tomando fotos de lo que se le atraviese.

7 SwatchMate Cube Un sensor portable de color que detecta lo que tengas cerca y con un solo botón lleva los datos recogidos a tu smartphone (descargando la app) o para aplicación en tu software de diseño de escritorio como Adobe Photoshop. Sus valores pueden ser vistos en valores para pantalla o impresión.

8 Dobox El primer dock inalámbrico para dispositivos de Apple. Conecta tu iPhone, iPad y/o iMac a otro dispositivo sin cables. Además tiene conexiones adicionales para conexión ethernet, memorias usb, discos duros, teclados, impresoras, televisores, proyectores, para usarlos como debería ser: sin cables.

9 Light Los objetivos con gran apertura de diafragma son muy costosos, pero ¿alguna vez has pensado en los resultados de varios objetivos pequeños condensados en una sola imagen? Light es un espectacular dispositivo con más de 16 cámaras que prometen profundidades de campo amplias f/1.2, zoom óptico de 35-100mm y las mejores condiciones para escenas de poca iluminación.

Apple Watch 42mm

Overdryve

Un automóvil inteligente con Overdryve, responde mensajes y llamadas en modo manos libres. Sistema GPS con recomendaciones de sitios, monitoreo de aproximación a otros vehículos y sensor de parqueo. Un estudio multimedia con contenido de audio y mucho más para que viajar en automóvil sea más divertido e inteligente que nunca.

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APPS PARA FOTOGRAFÍA Y VIDEO

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1.7.4

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TANGENT DISEÑO, MÁSCARAS Y FORMAS PARA TUS FOTOS

S.O: IOS +8.0

, ANDROID +4.0

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DISPONIBLE EN:

IOS 3.2.3

SHUTTERSTOCK

Tangent hace posible en pocos segundos lo que puede tardarse horas en producirse en un software gráfico, formas llamativas y máscaras que funcionan muy bien para tus imágenes personalizadas. Esta app edita tus imágenes almacenadas o desde tu cámara y en muy pocos pasos, a partir de una interfaz sencilla produce resultados fantásticos. Primero escoge las proporciones de la imagen y estará listo para que puedas aplicar cerca de 30 estilos diferentes en el que varían forma, color y tramas. Al usar “estilo” puedes hacer algunos cambios finales. A favor: Puedes hacer zoom a cada uno de los estilos para cambiar su nivel de detalle. También comienza de cero sin ajustes preestablecidos en caso de que quieras algo muy personalizado. En contra: Tendrás que editar la fotografía si quieres hacer cambios cromáticos o de texto, es una interfaz tan sencilla que se especializa únicamente en el tratamiento de estilos.

1.4.2

EL STOCK DE IMÁGENES CON MAYOR CONTENIDO EN TU SMARTPHONE Shutterstock es uno de los bancos de imágenes más potentes y con mayor contenido a nivel mundial, y no podía olvidarse del alcance a través de smartphones, tienen a disponibilidad su app que más que una plataforma de pago se convierte en un excelente referente de catálogos fotográficos. Al acceder tendrás que iniciar sesión o crear una cuenta para poder entrar a la plataforma. El primer botón, Descubrir, mostrará colecciones y categorías populares para que estés actualizado en las fotografías más populares. La búsqueda de imágenes se podrá filtrar por popularidad, reciente o relevante. Los lightboxes (catálogos de imágenes favoritas) se sincronizarán con tu cuenta. A favor: No solo encontrarás imágenes, sino también vectores e ilustraciones. Filtro para buscar personas en fotografías. En contra: No esta en español. No descarga imágenes si quiera en marco de agua con una cuenta gratuita.

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REVISTA REVISTA REVISTAENFOQUE ENFOQUE ENFOQUEVISUAL VISUAL VISUAL// Noviembre /Mayo Marzo2016 2016 2015 - Julio - Mayo - Marzo 2016 20162016

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2.6.2

FONTA

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TUS TEXTOS SE COMPORTAN COMO MÁSCARAS Lo que parecía imposible a través de un smartphone ya lo puedes lograr solamente descargando esta app, hacer máscaras nunca fue tan fácil e intuitivo. Una app que desborda de opciones para que no limites tu creatividad. Fonta no es solo un editor de imagen sino que tambien incluye decenas de estilos tipográficos que pueden cambiar de opacidad. La gran novedad es que estos textos se convierten en una máscara con contenido editable, puedes hacer zoom, cambiar de color y girar. También puedes incorporar figuras isométricas con opacidad u ornamentos que junto con los marcos son el mejor complemento para lo que quieres decir. A favor: Al final puedes hacer un recorte como si se tratara de un borrador. Tiene un gran detalle al momento de hacer este efecto, favoreciendo un acabado profesional. En contra: Al hacer la máscara no es posible editar de nuevo la tipografía. S.O: IOS +9.0, ANDROID + 4.0.3

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IOS 4.3

PIC SYNC FOR WIFI ENVÍA FOTOS POR MEDIO DE UNA URL

Pic Sync es una aplicación que permite subir varias fotos en alta calidad en carpetas comprimidas. Está desarrollada para iPhone, iPad y web. Enviar muchas fotos pesadas o en alta resolución tomadas desde el smartphone no es posible a través de correos electrónicos y muchas veces lo más fácil es acceder a servicios de alquiler temporales como WeTransfer que pueden ser descargadas en un PC. El proceso es muy fácil: al subir las imágenes, la app arroja un número IP de acceso que al digitarlo en el explorador web del PC muestra la carpeta .zip creada y descarga las imágenes en la resolución que escogiste. A favor: El proceso contrario es igual, accedemos desde el mismo número IP pero esta vez se alojarán directamente en el carrete del Smartphone. La última actualización admite formato .gif En contra: No es posible tener un historial, la app solo muestra el estatus de las descargas y subidas de archivos.

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4.5.3

PHOTO EDITOR BY AVIARY EDICIÓN Y EFECTOS SIN LÍMITE Aviary es parte de la familia de Adobe y se convierte en la app que compite con las anteriores mencionadas. Una app completa con muchas funciones de las aplicaciones de Photoshop pero en una sola. Con esta aplicación podrás realzar los colores de tu imagen con filtros sugeridos para comida, paisaje y noche. Ajustes de color de brillo, contraste, exposición, calidez, saturación, intensidad, destacar, sombras y matices. Puedes introducir textos y dibujos personalizados. Enfoque y desenfoque lineal y radial. Corrección de imperfecciones, ojos rojos y un interesante efecto salpicadura que destaca ciertos colores de la fotografía convirtiéndola en escala de grises. A favor: Un filtro de realzar de alta definición que mejora la nitidez. Acceso con ID de Adobe para sincronizar complementos. En contra: Sus efectos gratuitos son reducidos al igual que sus complementos en la versión gratuita. Es necesario comprarlos para tener resultados mucho más llamativos.

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PRODUCTO PARROT BEBOP 2 SKYCONTROLLER RANGO EXTENDIDO

El Skycontroller, que está optimizado para una conexión perfecta y un menor tiempo de espera, es más seguro y es más apropiado para vuelos de larga distancia. Gracias a la conexión por WiFi especialmente diseñada para el Bebop 2, se refuerza la interoperabilidad con las tabletas y los teléfonos móviles. Su rango máximo es de 2km. Durante el vuelo, el usuario obtiene datos en tiempo real, una gran ayuda para un control más preciso. Los datos de vuelo son cruciales, teniendo en cuenta la calidad de la imagen de Bebop 2, gracias a su estabilización única de 3 ejes. Su pilotaje HUD que muestra toda la información relevante y facilita al piloto 2 de Bebop y al usuario recibir alertas de sonido. Incluye: «Dónde está mi Bebop» en relación a la posición del usuario, a qué distancia se encuentra y a que altitud vuela y el manejo de su horizonte.

REGRESO A CASA

Gracias a su GPS integrado, Bebop 2 vuelve automáticamente o al pulsar un botón fácilmente accesible al piloto. El GPS permite localizar el Bebop con mayor precisión.

TOMA EL CONTROL DEL BEBOP 2 CON DOS JOYSTICKS ULTRAPRECISOS

En la parte derecha supe-

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rior, permite controlar el ángulo de la cámara en un campo de 180°. Mientras que en el joystick izquierdo en la parte superior permite navegar por la aplicación en modo FPV. El paquete incluye una correa de cuello de alta calidad, que asegura un buen equilibrio del Skycontroller sobre los hombros, dando por resultado menos esfuerzo y así concentrarse más en el control.

Especificaciones

PARROT BEBOP 2 SOLO • 1 dron Parrot Bebop 2 • 1 Skycontroller color negro • 1 batería de 2700 mAh • 1 cargador con cable y adaptadores US/JP, UK, EU, ANZ • 8 hélices • 1 herramienta de montaje de hélices • 1 correa de cuello • 1 parasol (con adaptador para iPad® mini) • 1 adaptador para base de tablet de 7” • 1 guía de inicio rápido • PARROT BEBOP 2 EN PAQUETE CONTIENE • 1 dron Parrot Bebop 2 • 1 Skycontroller color negro • 2 baterías de 2700 mAh • 1 cargador con cable y adaptadores US/JP, UK, EU, ANZ • 1 cable USB • 8 hélices •1 herramienta de montaje de hélices • 1 correa de cuello • 1 parasol (con adaptador para iPad® mini) • 1 adaptador para base de tablet de 7” • 1 guía de inicio rápido

DESTACADO PILOTAJE HUD Muestra toda la información relevante y facilita al piloto 2 de Bebop y al usuario recibir alertas de sonido.

SKYCONTROLLER Optimizado para una conexión perfecta y un menor tiempo de espera, es más seguro y es más apropiado para vuelos de larga distancia.

GPS INTEGRADO Bebop 2 vuelve automáticamente o al pulsar un botón fácilmente accesible al piloto.

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TECNO VIDEO

POR: DIEGO BALANTA

@DIEGO_BALANTA

Monitoreo de referencia NO TODO LO QUE VEMOS ES REAL Tanto si estamos rodando como si estamos editando, es fundamental tener una referencia exacta de las características de la imagen que estamos trabajando entre ellas el color, detalles, enfoque. En el caso de los rodajes, limitarnos a la información visual que nos da el monitor de nuestra cámara es un error, pues la mayoría no cuenta con la definición suficiente como para darnos la referencia exacta del enfoque y los detalles; o no nos dan el color real. Y es a la hora de pasar a la etapa edición, que pretendemos resolverlo todo mediante unos cuantos ajustes en nuestro programa de edición, pero lo que obtenemos son muchas más

horas extras intentando corregir y sobre todo, trasladando al editor la responsabilidad que es nuestra desde el rodaje. Muchos de esos errores se pagan caro, porque son imposibles de arreglar: ¿Cómo arreglar algo que quedó mal enfocado? Respuesta: ¡Volviéndolo a rodar! Nuestro tiempo es dinero y por ello, el consejo es simple: un Monitor de Referencia al grabar. ¿Qué monitor escojo? Existe una gama amplia de monitores, desde los más baratos a los más económicos, pero ¿cualquiera de ellos resolverá nuestros requerimientos? La respuesta es no. Un monitor barato lo es precisamente porque sus estándares de fabricación y calibración son más bajos o no

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existen. Un buen monitor nos entrega la imagen tan real como hemos realizado nuestra producción. Un monitor de menos de 500 dólares, nos puede engañar a la hora de grabar, ya

que nos muestra una imagen, no tan real con la que podemos estar conformes, pero luego al pasar a edición, ocurren los problemas, ya que no salieron bien los detalles, el color no era

el correcto, el encuadre salió más pequeño, etc. Pero el precio no es el único factor que entra en juego a la hora de elegir, y para ellos es importante entender que hay tres clases de monitores según su calidad. MONITORES DE CALIDAD ESTÁNDAR

Este tipo de monitores vienen con una configuración de colores prefijada internamente de fábrica que no se puede cambiar. Muchas veces ni siquiera vienen calibrados de fábrica ni admiten ningún tipo de calibración excepto la de software. El espectro de color que es capaz de reproducir es bastante limitado, no superando los 8 bits; esto es 256 matices de cada canal de color primario (rojo, verde, azul), o algo así como 16 millones de colores. No pueden dar cobertura mayor al 70 u 80 % de los espacios de color sRGB y Adobe RGB, que son los estándares para tener una reproducción de color más “real”. MONITORES SEMIPROFESIONALES

Los monitores semiprofesionales suelen estar fabricados con paneles IPS, que dan mucha mayor calidad de color debido a que prácticamente no tienen variación cromática, y suelen también venir calibrados de fábrica. Algunos admiten calibración por hardware mediante herramientas que vienen incluidas o hay que comprar aparte, y otros tienen calibración híbrida mediante

hardware y software. Algunos modelos admiten 10 bit por color.

1. Banco de imagenes shutterstock 2. Comparativo de 10 bit y 8bit de color. Fuente: media.bestofmicro.com

MONITORES PROFESIONALES (FOTOGRAFÍA, EDICIÓN DE VÍDEO, ETC.)

3. Monitores profesionales Fuente: norender.com 4. Comparativo espacios de color. Fuente: media.bestofmicro.com 5. Múltiples conexiones de monitor profesional. Fuente: norender.com

Los monitores profesionales suelen estar fabricados con paneles IPS de alta calidad, que dan mucha mayor calidad de color y que admiten 10 bit por color, es decir, 1024 matices de cada canal de color primario (rojo, verde, azul); el resultado es el de reproducir más de 1000 millones de colores, y más del 90% de la reproducción de los espacios de color sRGB y Adobe RGB. Algunos incluso, llegan a la reproducción del espacio REC.2020. Es por ello que son recomendables para ser usados en tareas de fotografía y video. Todos los monitores profesionales pasan el test UGRA y llevan certificación FOGRA. Solo las marcas NEC, EIZO, Quato y LaCie pasan el test UGRA y llevan certificación FOGRA de clase A. PROFUNDIDAD DE COLOR La profundidad o precisión del color de 30 bits (10 bits por color) da lugar a miles de millones de variaciones de tonalidades para brindar imágenes ricas e intensas con el mayor rango dinámico. Para conseguir el color de 30 bits (10 bits por color) se necesita un monitor con un panel capaz de mostrar 10 bit por color, así como una tarjeta gráfica capaz de pasar esos 10 bit por color del ordenador al monitor y un software que lo admita. Actualmente las tarjetas gráficas soportadas son las tarjetas gráficas profesionales de NVIDIA Quadro y de ATI Firepro. La única conexión que admite los 10 bit por color es Displayport. El resto de conexiones no lo admite.

CONEXIONES No nos sirve un monitor cuya mejor conexión es una DVI, necesitamos al menos una conexión HDMI o DisplayPort y si tiene conexiones profesionales SDI, será mucho mejor. Si queremos hacer llegar 10-bits a nuestro monitor será necesario, al menos, una conexión HDMI.

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PARA REALIZADORES

POR: DIEGO BALANTA

@DIEGO_BALANTA

Roles de la dirección de la fotografía moderna A lo largo de la historia del oficio audiovisual, el área de cinematografía o dirección de fotografía es con seguridad la más dinámica y cambiante desde el punto de vista técnico; los avances tecnológicos y su implementación en el quehacer audiovisual, han traído sensibles cambios en esta área: con la descontinuación paulatina del material fílmico desaparecieron roles como el del film loader, los laboratorios y demás, pero creó nuevos roles que son de ayuda indispensable para el director de fotografía. Aunque éste debe conocer todas las posibilidades que le ofrece una cámara, no es necesario que domine todos los entresijos técnicos que traen estos y otros dispositivos

electrónicos. Vamos a conocer algunos de estos nuevos roles.

DIT El técnico de imagen digital (Digital Imaging Technician por su sigla en inglés), es un rol relativamente nuevo en los sets de filmación y es especialmente importante porque con el uso tan difundido de captura de cine digital, ayuda a directores de fotografía (y es especial para aquellos habituados a la película tradicional), a sacarle el mayor rendimiento posible a las cámaras, con el fin de lograr la más alta calidad de imagen y los mejores resultados creativos. Un DIT colabora con un Director de Fotografía, para que desde la parte técnica,

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este logre el look deseado para determinado proyecto. Este rol nació como respuesta a la transición de película tradicional a cine digital, siendo este técnico un experto en el manejo de sus intrincados menús para optimizar su funcionamiento y la exposición, además de simplificarle al DF el manejo de la extensa gama de formatos que desarrolla cada fabricante de cámaras; puesto que estos formatos reaccionan en forma muy diferente a la película. De ese modo, se convierte en una ayuda inestimable para el director de fotografía y hereda las funciones del ingeniero de video o control de cámaras que son más propias del ámbito de la TV.

Hay que tener en cuenta que el DIT no es un sustituto de asistente de cámara, pero si fuera necesario puede cumplir esa función adicional. Un DIT debe estar calificado para desempeñarse en los diferentes formatos de producción audiovisual (publicidad, series, películas, etc.) así como tener amplio conocimiento de las particularidades de las diferentes técnicas de producción y postproducción, tecnologías de video, de las normas, estándares de Broadcast, Frame Rates, Deliveries (diferentes soportes de finalizado); y un vasto entendimiento de cada cámara en particular, resoluciones, diferentes formatos, códecs, compresiones, diferentes proporciones de

encuadre, formatos de almacenaje de data y sus respectivas posibilidades y limitaciones. Otras funciones del DIT son: •Planificar • el flujo de trabajo en coordinación con los requerimientos de Producción, Postproducción y Director de Fotografía (especificaciones de cámara). •Monitorear • la exposición y asesorar al DF con respecto a colorimetría, sensibilidad, medición y obturación. •Realizar • la configuración de una cámara digital, previamente y en set, con tareas tales como actualizaciones de firmware, calibración del sensor, seteos de cámara según proyecto, etc. •Darle • apoyo al DF en la implementación de un carácter

(look) especifico de la imagen usando las herramientas técnicas apropiadas, entre ellas la configuración de tablas de consulta (LUTs). •Usar • diferentes programas de corrección de color y su utilización en rodaje tanto para la creación de Luts como también para la previsualización del resultado de una determinada imagen y su potencial rendimiento en la etapa de corrección de color y envío al laboratorio de PICS o 3DLuts de referencia (según disponibilidad de software). •Operación • de equipos especiales externos, tales como instrumentos de medición, grabadores externos, remotos de cámara entre otros. •Realizar • configuraciones multicámaras.

1. Banco de imagenes shutterstock 2. DIT haciendo revisión de la cámara. Fuente: motionvfx.com/

Data Wrangler o Data Manager El trabajo del Data Wrangler, Data Manager o Media Manager, está muy ligado al de DIT y se ocupa de todas las tareas que tienen que ver más con el manejo informático de los datos, administrándolos organizándolos y guardándolos, y para lo cual opera a un lado y fuera del set, una estación de Data Management que está compuesta principalmente por un computador y dispositivos de almacenamiento de alta velocidad y capacidad. En dicha estación hace las copias de seguridad, visiona el material a tiempo real después de la descarga, sincroniza el sonido con la pista mixdown proporcionada por el sonidista, aplica las decisiones de color si se requiere, y transcodifica según las necesidades establecidas pre-

3. Carrito de trabajo en set de un Data Manager. Fuente: tom-postprod.net 4. Set de rodaje y equipamiento DIT y Data Wrangler. Fuente: goo.gl/sWL9I9

viamente por el DIT y los responsables del Montaje y Postproducción.Otras funciones de un Data Manager son: • Encargarse o supervisar la correcta grabación de tomas en velocidad, verificación de ángulos de obturación compatibles, códecs y compresiones (teniendo (teniendo en cuenta su posterior uso en postproducción) producción). • Supervisar la preparación de los dailies/rushes o copias de trabajo en consulta con la casa de post. • Chequear el workflow con postproducción, compatibilidad de plataformas de trabajo, compatibilidad de archivos nativos de cámara con programas de edición no lineales y lineales. • Tener separado en carpetas cada secuencia que se ruede, dentro de cada carpeta de secuencia.

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ESPECIAL DE EDICIÃ&#x201C;N 76

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Autorretrato

Fernell Franco

El documentador de una ciudad en transformaciรณn. REVISTA ENFOQUE VISUAL / Mayo 2016 - Julio 2016

Fernell Fanco: Alquimista de la imagen

Fotografía: Fabián Garzón. POR: MARÍA DEL PILAR RODRÍGUEZ CURADORA DE ARTE PLÁSTICO Y FOTOGRAFÍA Twitter e Instagram: @mapyrosa

La búsqueda de la piedra filosofal: Incansable y obsesa experimentación a la caza del milagro entre químicos múltiples y ensayos diversos de alquimia. Mágico camino que bien serviría para retratar el proceso creativo de un colombiano, un fotógrafo, un artista de talla universal: Fernell Franco. Observador meditativo de suaves maneras que tenía en la luz su más grande pasión. Romance lumínico que inició en su natal Versalles, Valle del Cauca, cuando de niño se abandonaba a observar en la bóveda celeste la luz de las estrellas. Luz que vio pasar del cielo a la tierra, como él mismo afirmó tantas veces, cuando por causa de la violencia bipartidista su familia se mudó a Cali y sus sentidos se enfrentaron a la iluminación citadina. Milagro artificial que no dejó de entusiasmarlo ni un día de su vida, confirmado no solo por su oficio como fotógrafo, sino por su particular y poco conocida

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afición: coleccionar bombillos. Bombillos de múltiples tamaños y formas que hoy se cuentan por cientos en manos de su hija Vanessa Franco, quien al frente de la fundación que lleva el nombre de su padre y con la respetuosa ternura con la que habla más que una hija, una rotunda admiradora, nos abre las puertas de la historia del hombre que desde 1976 se inscribió en la memoria del arte nacional como uno de los más grandes fotógrafos artísticos de nuestra nación, haciéndose acreedor al Primer Premio del Salón Regional de Artes Visuales Cali y la Medalla de Oro del Salón Nacional de Artes Visuales Santafé de Bogotá. Reconocimientos que hoy, exactamente 40 años después, confirman varios de los más acreditados escenarios del arte contemporáneo mundial. El 5 de febrero de 2016 se abrieron las puertas de la Fundación Cartier en París, para presentar la exhibición de Franco titulada: “Cali Claro

oscuro” y pasados unos minutos sucedió lo inesperado. Alexis Fabry y María Wills Londoño, curadores de la muestra, junto a Leanne Sacramone, curadora titular de la fundación, no daban crédito a lo que sucedía, Vanessa Franco invocaba sin duda lo que pensaría su padre. Las salas estaban abarrotadas de gente claramente impactada con la propuesta de un fotógrafo vallecaucano que los cautivaba con sus artilugios de mago, sus habilidades de prestidigitador de la imagen, su manera no convencional de abordar la fotografía a través de rituales múltiples, sumido en registrar lo que el mundo despreciaba, rematando la faena creativa en un juego de postproducción entre lo alquímico y artístico, tan particular como las acrobacias místicas que nos cuentan de los druidas. “La exposición reunirá 140 fotografías de 10 series diferentes que produjo entre 1970 y 1996. También revelará la importancia de la obra de

De la serie fotografíca Amarrados

Fernell Franco dentro de un contexto cultural más amplio, como parte de la vibrante escena artística que surgió en Cali al inicio de 1970, marcada por un espíritu de colaboración entre una comunidad diversa de artistas”. Asegura la Fundación Cartier para el arte contemporáneo, acerca de ésta muestra artística que estará exhibida hasta el 5 de junio y que sin

duda parte la historia de la fotografía colombiana en dos. Corría el año 2004 y Franco decidió postular su trabajo al Premio de la Universidad de Harvard And David Rockefeller Center for Latin America Studies. Premio que, como nos cuenta su hija, era tradicionalmente para incentivar el trabajo de artistas latinoamericanos jóvenes desconocidos, y lo ganó

Fernell ya pasados sus sesenta años gracias a la contundencia de su propuesta, que se impone incluso al tiempo. Incentivo que además termina siendo póstumo pues la entrega se hace efectiva luego de su muerte; convirtiendo este reconocimiento en la base para la cimentación de la fundación alrededor de su trabajo y la organización y cuidado de sus archivos.

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De la serie fotografĂca Prostitutas

De la serie fotografĂca Demolisiones

Hoy, una decena de sus obras de la serie ‘Prostitutas’ reposan en la colección del Museo Reina Sofía de Madrid, y otras nueve de la serie ‘Amarrados’ hacen ya parte de la pinacoteca de la Tate Modern de Londres; dos valiosos logros para la obra de éste artista fotográfico colombiano, que al lado de los aplausos que recibe a la fecha en París y el premio de Harvard son un logro que tienen en mucho nombre de mujer: María Iovino. “Fernell Franco constituye una de esas gratas constataciones de las que requiere el mundo contemporáneo, para atreverse a afirmar que no todo está explorado, ni investigado, y que aún en lo que parecen

temas concluidos hay mucho por descubrir y por conocer”. Palabras de la curadora y crítica de arte colombiana, en el marco de una conferencia en el Museo de Arte Contemporáneo de Costa Rica en el 2006, que dan fe de su admiración por la obra de Franco, pero que son apenas un minúsculo atisbo a sus años de dedicación y estudio de éste trabajo, de sus horas de charla con el fotógrafo, del fabuloso acervo y análisis que logró para la historia del arte nacional en su publicación titulada “Otro documento”, publicada en el 2004 en paralelo a la exposición del mismo título que curó alrededor de la obra de Franco y que es sin

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duda alguna el documento más lúcido que se ha escrito sobre su propuesta a la fecha. La creación de Franco es una composición entre lo infinitamente real y lo exquisitamente mágico. Un altisonante contraste producido por su oficio de explorador de lo rechazado por marginal o aparentemente insulso, y un trabajo de postproducción más cercano a lo pictórico que a lo fotográfico. Se adentró en las calles de lenocinio, rastreó las huellas de los derribamientos en nombre del progreso o como fe de la guerra del narcotráfico, capturó los amarres que al final de la jornada se hacen de los dife-

1. Autorretrato 2-3. De la serie fotografíca Demolisiones

rentes puestos en las plazas de mercado, creando con ello tres de sus series más extraordinarias: Prostitutas, Demoliciones y Amarrados. Trinidad que llevan lo aparentemente cotidiano de una urbe latinoamericana, a las alturas de lo poético, a la luz de unos encuadres y una sensibilidad estética que se abren a una polifacética lectura con una alta densidad emocional, abstrayéndonos del referente textual y llevándonos a escenarios donde lo onírico se vuelve universal, donde lo fotográfico se hace artístico y los sentidos se abandonan a una inmersión sensible más allá de las palabras. Amarrados, es la síntesis de muchos de los dolores más violentos de nuestras naciones latinas, nacidas en la pupila del Fernell de 8 años viendo como su padre se envuelve en sábanas para huir con su familia desde el terruño natal. La prueba viva de la maravilla de un alma que puede convertir los propios dolores en arte. El mismo jovenzuelo que encontró su vocación a bordo de una bicicleta, mientras ejercía como mensajero de un laboratorio fotográfico en Cali, cumpliendo una cita vital con la que sería su compañera de por vida: la cámara fotográfica, con la que recorrió los más variados caminos, desde el fotoperiodismo hasta la fotografía publicita-

ria, en paralelo a la creación personal que hoy lo comienza a posicionar en la escena global. “Uno se tiene que reinventar todos los días.” Frase que su hija Vanessa recuerda como la gran lección que le dejó su padre, más que con palabras, con acciones. Ese es en esencia el secreto de la obra de Franco,

es ahí donde está la clave de la fascinación que produce: es fruto de una reinvención insaciable, que emanó desde las que él llamaba ‘Obras Vivas’, imágenes químicas no fijadas y que por ello se van desapareciendo con el tiempo, hasta fotomontajes manuales, pasando por la hechura de patrones para tapar

ciertas áreas en el momento del revelado, llegando a retoques con aerógrafo, crayola y otros elementos que hacen de cada una de sus obras finales, piezas únicas con un valor tanto técnico como estético, al servicio del alma humana. Fernell Franco, un fotógrafo, un artista, un alquimista de la imagen. 3.

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PANORAMA NACIONAL

FOTOGRAFÍA ARTÍSTICA 4 de los mas

importantes galeristas nacionales expresan sus opiniones y comentarios frente al desarrollo de la fotografía y su

Fotografía por: Manuel Valle

Fotografía por: Antonio Castles

LILIANA ABAUNZA CHAGIN

VALENTINA GUTIÉRREZ

Artista plástica, gestora cultural, y directora cultural de la Galería Espacio Alterno de la Asociación de Egresados de la Universidad de los Andes.

Comunicadora Social, Directora de Espacio El Dorado.

En mi carrera de artista plástica y docente universitaria, me he involucrado con la fotografía alternativa: transfers de polaroid, cianotipos e impresiones fotográficas sobre diferentes materiales, como técnica para el desarrollo de diversas temáticas. Siempre tengo presentes fotógrafos y artistas que han influenciado mi carrera, como Ruven Afanador, por su maestría al configurar sus realidades paralelas, con un afinado ojo y virtud plástica. Leo Matiz, leyenda de la fotografía en Colombia. Fernell Franco, por sus composiciones. Erika Diettes, por su contundencia con la realidad nacional. Y entre los artistas jóvenes yo pensaría en un fotógrafo muy interesante que es Javier Vanegas y Fernando Cano Busquets. La característica fundamental de cualquier obra plástica, es que sea homogénea. Una obra debe tener una buena factura en función de sus objetivos específicos; una buena composición, una buena técnica, un buen manejo del color, un buen manejo de tonos en su instalación. Con la revolución de lo digital tenemos muchas más posibilidades. Desafortunadamente en Colombia, y es muy importante anotarlo, no tenemos en éste momento muchas galerías especializadas en fotografía y el conocimiento de su adquisición se circunscribe a una relación entre el artista, el galerista y el comprador. Desde la galería Espacio Alterno, hemos realizado algunas muestras de fotografía, como también hemos tenido alianzas estratégicas con ferias de fotografía y también convocatorias con bolsas de trabajo en proyectos fotográficos dirigidas a nuevos fotógrafos como el Premio Uniandinos a las Artes. Porque creo que la gente no se puede perder en el mercado del arte, sino se debe perder en el arte… No olvidemos que el arte es del marco para adentro y que el mundo del arte es del marco para afuera y a nivel de producción los artistas nos tenemos que centrar en el marco para adentro.

Mi interés por la fotografía artística viene del gusto, la fotografía es un medio con el que he sentido afinidad desde hace mucho tiempo. Desde Proyecto Bachué hicimos, con el curador Santiago Rueda Fajardo, la investigación Autorretrato disfrazado de artista: arte conceptual y fotografía en los 70, a partir de la cual se ha intensificado mi conocimiento con los artistas que privilegiaron este medio en ese momento de la historia del arte colombiano. Existen personajes que siempre tengo presentes como Jorge Ortiz, porque de este grupo de fotógrafos de los 70, es uno de los que sigue vivo y trabajando, y su forma de seguir haciendo fotografía con luz y sin cámara es algo que ha cambiado mi forma de entender el medio. Miguel Ángel Rojas, porque sus series en los teatros de Bogotá son un documento histórico y poético de la ciudad. Andrés Sierra, porque la crudeza de sus imágenes nos habla de lo más oscuro y sublime de la condición humana. Creo que la fotografía no se debe juzgar de forma diferente a cualquier otro medio utilizado para crear una obra de arte. Con esto en mente, una buena obra es aquella que cambia la cotidianidad o la visión de mundo del espectador. La primera galería especializada únicamente en fotografía abrió hace poco en el barrio La Macarena, se llama Ojo rojo fábrica visual y es dirigida por 6 fotógrafos con bastante recorrido así que a partir de su gestión, esperamos que sea posible ver más claramente qué papel cumple la fotografía en este mercado. Desde El Dorado no hay una decisión consciente ni explícita de promover la fotografía, aunque es un medio con el que sentimos afinidad. Tal vez, lo que estimula a los artistas, es que el medio que utilizan no cambia la forma en la que tratamos su obra. El mayor temor de un comprador de fotografía es la naturaleza reproductible del medio. Con esto en mente, mi mayor recomendación sería respetar las series y que los tamaños tengan concordancia con el concepto de la obra y no con los deseos del mercado.

vinculación y presencia como arte en espacios de galerías en nuestro país. Igualmente se establecen 3 referentes de fotógrafos artísticos relevantes dentro de la escena nacional.

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ÓSCAR MUÑOZ

LUIS ÁNGEL PARRA

CHRISTOPHER PASCHALL

Ingeniero Químico, Director Taller Arte Dos Gráfico y Galería Sextante.

Administrador de Empresas. Director Indiana Bond Gallery, GCPs XXI, BARCÚ.

Soy fotógrafo aficionado hace 50 años. El Taller Arte Dos Gráfico y la Galería Sextante han estado vinculados a la fotografía artística desde su fundación hace 40 años. Hay dos artistas que tengo presentes especialmente porque son excelentes artistas y además trabajan con la Galería Sextante, Juan Manuel Echavarría y Fernando Cruz. Gran contenido y excelente realización, son dos características que necesita la fotografía artística. Ella cumple el mismo papel que cumple cualquier obra de arte independientemente del lenguaje utilizado: expresar una idea o un sentimiento que represente profundamente tanto los encuentros como las ansiedades de la sociedad actual. Promovemos a los artistas exponiendo frecuentemente fotografía artística, no solamente en Sextante sino también en ferias. Hacemos publicaciones tanto seriadas (fotograbados, libros de artista, etc.) como catálogos. Realizamos experiencias en técnicas fotográficas modernas y antiguas. Para que un fotógrafo artístico se posicione correctamente en la industria del arte, debe buscar galerías o instituciones que los representen y/o exhiban, o asociarse y crear instancias que promuevan su trabajo. Participar en concursos nacionales e internacionales de arte es también una opción interesante. Hacer parte de la corriente del arte y no de un lenguaje.

Estando sumergido dentro del arte y la cultura, la fotografía ha sido un cambio importante dentro de la historia del arte y ahora tiene su propia alma como disciplina. Como galerista y director de una Feria de Arte, tengo interés en mostrar la fotografía como un capítulo de la historia del arte y como una disciplina contemporánea. Los tres artistas colombianos fotógrafos que me llegan a la mente son Oscar Muñoz, por su trayectoria y huella particular en esta disciplina. Raúl Marroquín, por ser uno de los pioneros colombianos en el arte conceptual, que incluyó nuevos medios como el video y la fotografía en sus trabajos. Para mi, el asunto de las características fundamentales de la buena fotografía es sencillo, es importante crear un lenguaje nuevo dentro de esta disciplina, que ya ha sido tan abusada por la facilidad de la tecnología. Ser fotógrafo artístico es un reto aún más grande que otras disciplinas, porque hay mucha competencia y se debe mostrar la diferencia. Siendo objetivo, para mi la fotografía es una disciplina más dentro de las otras importantes y variadas disciplinas del arte. Ni más importante, ni menos importante, es un complemento del todo… eso sí, siendo cada vez más difícil conseguir talentos nuevos con lenguajes nuevos. Desde la galería y la Feria de Arte somos incluyentes y creemos en esta disciplina; apoyamos la iniciativa de que las galerías traigan y apoyen la disciplina; y en un futuro muy cercano tendremos un concurso especializado en este ámbito para los artistas y fotógrafos jóvenes. En esta carrera artística como en cualquier otra disciplina es importante tener paciencia y perseverancia, hay que tener presente que es una carrera a largo plazo en dónde a cada momento estás tratando de alimentarte a través de los triunfos y fracasos, para encontrar un lenguaje propio… el éxito en el arte finalmente es encontrar el lenguaje propio.

Artista colombiano que vive y trabaja en Cali. Presentó su primera exposición individual, Dibujos Morbosos, en 1971, en el espacio independiente Ciudad Solar. En 1976 presentó la serie Interiores en el XXVI Salón Nacional de Artistas de Colombia y desde ese año ha participado en diferentes bienales en Colombia, Argentina, Brasil, Corea, Cuba, Ecuador y Estados Unidos. Fuente: museodeantioquia.co

ANDRES SIERRA Fotógrafo profesional en el área comercial y publicitaria, de reconocida trayectoria en el campo artístico, donde ha obtenido numerosos premios y distinciones, en el país y el exterior.

Fuente: clubfotograficomedellin.org

LEO MATIZ Leo Matiz es uno de los fotógrafos más versátiles y singulares de la legendaria y memorable generación de reporteros gráficos que renovaron la escena del fotoperiodismo durante las primeras seis décadas del siglo XX en América Latina, Estados Unidos y Europa. Fuente leomatiz.org

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PANORAMA INTERNACIONAL FERNELL FRANCO

FOTOGRAFÍA ARTÍSTICA

3 autoridades internacionales conocedoras de la obra y la importancia del trabajo fotógrafo artístico de Fernell Franco, establecen sus

MARÍA WILLS

LEANNE SACRAMONE

Curadora titular de la exposición de Fernell Franco en la Fundación Cartier, Francia.

Curadora de la Fundación Cartier en París, Francia.

Conocí la obra de Fernell, cuando estaba estudiando Historia del Arte a través de los libros de historia de la fotografía en Colombia de Eduardo Serrano, y posteriormente me empape de su obra al ver la maravillosa investigación de Maria Iovino “Otro documento”. Ya el encuentro directo con el archivo fue a raíz de mi curiosidad por investigar el trabajo directamente y fue posible gracias a la beca que me dio el Centro David Rockefeller de Harvard y fue una revelación. No exagero, sentí que era una alucinación encontrar un trabajo tan diferente y trasgresor dentro de la fotografía. Esto fue en el 2007. Me impresionó mucho su manejo de los contrastes y sus exploraciones con químicos para indagar la desaparición de la imagen. El interés de revelar una ciudad desde una perspectiva marginal. Mostrar sus contrastes, la decadencia desde la belleza y sobre todo la manera de volver sus procesos fotográficos una metáfora para hablar de una urbe nostálgica en proceso de desaparición. Es radical entender que su obra marca un punto aparte dentro de la fotografía del continente. Supo ser coherente en el manejo temático de su obra de autor, y al mismo tiempo logró crear procesos únicos en el cuarto oscuro para trabajar la imagen. Desde romperla, oscurecerla, pintarla. Podría considerarse un sacrílego de la fotografía objetiva y tradicional. La reacción más impactante ha sido de la mano de mis colegas Alexis Fabry y Jose Falconi, curadores con los que literalmente suspirábamos y gritábamos de la emoción, con cada caja abierta del archivo del artista que desafortunadamente para él y afortunadamente para nosotros estaba casi completo, porque el producía su maravillosa obra, pero no había mucho interés y volvía a guardarla. Otra reacción maravillosa fue la del equipo de la Fundación Cartier en Paris al ver toda la muestra, no se esperaban algo tan impresionante y poderoso visualmente.

opiniones y comentarios en este gran especial de Revista Enfoque Visual.

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Tuve el placer de descubrir a Fernell Franco cuando viajé a Colombia hace dos años, a investigar para una exposición de fotografía latinoamericana que estaba preparando la Fundación Cartier. Uno de nuestros curadores asociados, Alexis Fabry, me sugirió visitar a la Fundación Fernell Franco durante mi viaje, así que hice una cita con Vanessa Franco que amablemente me recibió y me mostró copias del trabajo de su padre. Aunque no incluimos su obra en nuestra muestra de fotografía latinoamericana, porque no correspondía con el tema que fuimos explorando en el tiempo (fotografía y texto. Me conmoví profundamente por la calidad expresiva de sus fotografías, así como la manera en que él utiliza el claroscuro, para transmitir algo que es emocionalmente poderoso.Tener trabajo de Fernell Franco en nuestra fundación, representa un paso importante para el reconocimiento del trabajo de este fotógrafo en el contexto de la historia de la fotografía. Fernell Franco fue un fotógrafo que continuamente experimentó con diferentes técnicas y para mí, este es uno de los aspectos más importantes de su obra. Él experimentó en el cuarto oscuro durante el proceso de desarrollo de las impresiones, pintando sobre ellas usando un aerógrafo, cortándolas y haciendo collages o montajes fotográficos. En nuestra exposición hemos intentado mostrar cómo crearía variaciones sobre un tema utilizando la misma fotografía. Gracias a esto pudo ir más allá de las convenciones fotográficas de su época. Es interesante comparar el trabajo de Fernell Franco con otro fotógrafo que actualmente tenemos a en la Fundación Cartier, el fotógrafo japonés Daido Moriyama. Aunque sean de regiones geográficas que están muy lejos una de la otra, hay muchas similitudes y correspondencias. Su trabajo vino fuera de un contexto histórico traumático. Quedaron fascinados por el entorno urbano moderno, lo que se convirtió en el principal tema de su trabajo. Y ambos dieron importancia a la calidad expresiva de su obra, jugando con el contraste entre luz y sombra, acentuando la veta de sus impresiones, a veces empujando su fotografía a los límites de la representación.

JOSE FALCONI Fotógrafo, investigador del Departamento de Historia de Arte y Arquitectira, Ph.D. Universidad de Harvard. Experto en Historia de la Fotografía y el Paisaje.

Mantengo nítido en la memoria el recuerdo de ver por primera vez la obra de Fernell, fue una tarde de diciembre del 2004. Casi terminaba de almorzar con Jorge Mario Múnera en el patio del recién renovado Hotel “La Opera” en La Candelaria y llegó María Iovino junto con Jaime Avila. Ella acababa de llegar de Cali por lo que traía las pruebas en pliego de lo que sería “Otro Documento”. No olvidaré la sensación que me dio ver “Los Amarrados”: reconocía esas escenas de la calles de Lima (soy peruano), pero estaban tan llenas de misterio, de bruma, de Tanatos, que terminaban siendo totalmente nuevas, desfamiliarizándolas. Me impactaron sus texturas: es capaz de crear atmósferas, brumas, insinuaciones de una historia a partir del tratamiento de los negros y de los colores (o del repintado). Hay algo de conjetura en sus negros que lo asemeja a Kentridge, hay algo de incertidumbre en sus atmósferas que lo asemeja a Rulfo. Siempre es importante estar representados en grandes museos, sobre todo para una tradición tan rica como la de la fotografía colombiana, que a pesar de una cantidad de nombres importantísimos, (Leo Matiz, Nereo Lopez, etc.), no ha tenido un “rotundo mayor” de la talla de Chambi, Alvarez Bravo o Coppola, como para entrar de lleno al ámbito mundial. Es posible que Franco pueda cumplir esa función fundadora, que su reconocimiento siente las bases para apreciar un tipo de fotografía experimental que se dio en Colombia entre los 70s y 90s y que significó el inicio del arte contemporáneo. Franco pertenece a una generación “bisagra” en la historia de la fotografía: una que acaba con una manera de entender la fotografía, como documento, por sobre todas las cosas, y propone una nueva visión sobre ella, tanto en materialidad y “mera imagen”.

De la serie fotografica Retratos de Ciudad.

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Arley Acosta DIRECTOR FUNDADOR DE LA ESCUELA FOTOGRAFÍCA DEL VALLE Y MIEMBRO DEL CONSEJO EDITORIAL DE REVISTA ENFOQUE VISUAL Conocí la obra de Fernell Franco, siendo mensajero de la Librería Nacional, que frecuentaba Fernell y vi sus fotografías sobre Jovita, un personaje típico y muy querido por los caleños. Cuando comencé a estudiar fotografía, conocí su serie PROSTITUTAS. Lo más impactante de su obra es indiscutiblemente la sensibilidad ante la luz, que iluminaba su motivo y muchas veces la luz por su belleza se convertía en el motivo. La importancia de la obra de Fernell en el contexto Europeo y americano, radica en que los amantes de la fotografía de esas regiones tienen la oportunidad de conocer a un fotógrafo con las calidades de Henri Cartie Bresson o de Sebastião Salgado, pero que desafortunadamente no ha gozado de la misma difusión por la prensa especializada y por nosotros los colombianos que no le damos a nuestros artistas la trascendencia, que se merecen. Para Colombia y para las personas que hacemos fotografía es muy importante que la

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obra de un colombiano llegue a espacios tan importantes del arte mundial, porque los curadores y agentes se van a fijar en otros artistas. Abriendo puertas y dando la posibilidad de exportar el arte colombiano, y pensando en patria, es un orgullo igual a cuando obtenemos triunfos importantes por nuestros deportistas. De Fernell puedo destacar su legado en tres palabras: observación, sensibilidad y ejecución. Era un artista que conocía su ciudad, su luz, sus espacios y planeaba la forma de registrar lo que sus sentimientos le dictaban y a veces producía una sola fotografía o la convertía en toda una serie. Fernell Franco fue un gran fotógrafo comercial en el área de la moda y la publicidad, siendo en su momento uno de los grandes fotógrafos de Cali para Colombia, trabajando con las principales agencias y empresas. Pero paralelamente hacia fotografía de autor o artística, tuvo importancia en ambas áreas, pero su obra artística le dio mucho más nombre.

Pienso que la reacción más importante con la obra de Fernell se traduce en un reconocimiento por su sensibilidad, sencillez y la calidad artística que había detrás de ese hombre tan pausado y calmado. Siempre que uno hablaba con él utilizaba mucho la palabra maravilloso. En la ciudad de Cali se destacó en todos los contextos, universitario era un fotógrafo cada rato invitado por nosotros los docentes, para que compartiera sus vivencias en la fotografía con las nuevas generaciones, todos los salones y museos culturales deseaban colgar su obra y muchos empresarios y coleccionistas adquirían su obra como arte valioso. Yo lo compararía con Cartie Bresson y Sebastiao Salgado, por el manejo de la luz, los espacios y los personajes que aparecían en sus obras. También el manejo del blanco y negro. A veces me encontraba a Fernell, caminando por las calles de Cali, con una camarita colgada, que parecía antigua para los transeúntes normales y resulta que era tremenda Leica.

Miguel González CRÍTICO DE ARTE Y CURADOR DEL MUSEO RAYO DE CALI

Miguel González. Fotografía por: Erika Diettes 2014.

Fernell Franco fue un hombre que nació en el Valle del Cauca y que por motivos de violencia se trasladó a Cali con su familia. Trabajó en distintos oficios, tomaba fotografías en la calle para una casa fotográfica, fue reportero de los periódicos locales. Yo lo conocí porque él trabajaba en una agencia de publicidad, donde el dueño era amigo mío. A raíz de eso él quiso hacer una primera exhibición de sus propias ideas, de ahí su primera serie ‘PROSTITUTAS’, que fue la que yo exhibí en Ciudad Solar, en 1972. Allí arrancó como ese fotógrafo artista. Su visión era distinta a la del lugar común, tuvo la facultad de mostrar prostitutas sin ese morbo, sin ese punto de vista negativo del oficio; su mirada era esteticista, quería mostrar la humanidad de las personas retratadas, haciendo un experimento fotográfico con distintas clases de reveladores para sepiar las fotos en blanco y negro. Le gustaba repetir imágenes para crear una composición especial y así darle a la fotografía una validez en si misma mucho más allá del argumento. Franco inauguró una nueva

era para la fotografía artística colombiana, problematizando sobre la composición, la coloración y poniendo en tela de juicio como tratar una argumentación. Así mismo se convirtió en un documentador de la ciudad, esa ciudad que se transformaba y que se destruía, todo eso quedó bajo su lente. Tenía una mirada muy sofisticada para tratar los argumentos que abordaba. La obra de Fernell ha trascendido espacios que muchos artistas no han logrado alcanzar, el reconocimiento que hace la historia a un trabajo dedicado y de mucho valor, es muy importante y también necesario. Su trabajo se diferencia por sí solo, él tenía una poética marcada, le interesaba darle una perspectiva y una coloración singular, muchas de sus fotos, sino todas, son irrepetibles, son piezas únicas, caso extraño en un fotógrafo. Fernell se relacionó con la cultura caleña, con el grupo de los cineastas, Carlos Mayolo, Luis Ospina, Andrés Caicedo, quienes lo influenciaron mucho. Era un gran observador, nunca fue pretencioso ni se ufanó de su propia obra y era muy modesto con relación a ella misma.

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La A7R II tiene el primer sensor de imagen CMOS full-frame de 35mm del mundo con estructura retroiluminada, lo que permite una resolución de aprox. 42,4MP efectivos, un rango de sensibilidad ampliamente extendido a 4 y un rendimiento con ruido extrabajo. Además, no tiene filtro de paso bajo óptico que pueda afectar la nitidez, de modo que los detalles se extienden de borde a borde en cada cuadro.

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representación de imagen más verdadera y nítida.

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El grupo cada vez mayor de lentes FE (lentes con montura tipo E compatibles con full-frame de 35mm), todos cuidadosamente desarrollados para igualar a los sensores de imagen full-frame que utilizan cantidades cada vez mayores de pixeles, aprovecha al máximo el rendimiento de alta resolución de 42,4MP de la A7R II.

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DESTACADO GRABACIÓN DE VIDEOS 4K DE MAYOR RESOLUCIÓN El metraje proveniente de la grabación de videos 4K que incluye lectura completa de pixeles sin agrupamiento en el formato Súper 35mm tiene mayor resolución y mayor nitidez en comparación con las típicas películas 4K.

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COMPATIBLE CON EL FORMATO RAW SIN COMPRIMIR DE 14 BITS La nueva compatibilidad con el formato RAW sin comprimir de 14 bits te permite elegir el mejor formato para tus necesidades. Por lo tanto, la cámara garantiza la mejor calidad de gradación de tonos para maximizar el beneficio del amplio rango dinámico del sensor de imagen.

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PORTAFOLIO MUNDO

POR: JUANA BUITRAGO

FOTOGRAFÍAS: ANDREA BELLUSO

Andrea Belluso EMOCIONES HECHAS FOTOGRAFÍA

Andrea Belluso es un fotógrafo italiano, radicado en Estocolmo, Suecia. Su especialidad se desarrolla entre la fotografía fashion y beauty, y aunque su trabajo tiene lugar en un medio absolutamente comercial, cree fielmente en que sus fotografías son la representación de sus emociones. Es un hombre enamorado de la luz, su mejor práctica es la del jugar con ella e inspirar a otros fotógrafos para que hagan lo mismo, “todo se trata de jugar con las emociones, el mío es un discurso más filosófico porque trabajo con los sentimientos y la energía de las personas, este es el secreto del cual quiero hablar con todos, porque todos tenemos esto, energía y emociones, pero actualmente cuando hablamos de fotografía, hablamos de técnica y la verdad eso es algo que para mí no es tan importante”. Y es que Andrea es un hombre que ama la vida, sabe que este es un viaje del que hay que hacer lo mejor, y así se ha dedicado a hacer de sus fotografías mucho más que registros de imagen con fines comerciales. Desde siempre ha vivido paseando por el mundo, hijo de una madre africana y un padre italia-

no que era diplomático, Andrea nació en Eritrea, África, un lugar mágico como todos los demás en los que ha vivido. A la edad de 15 años, en plena adolescencia, los Belluso vivían en Londres, para entonces él era uno de los primeros punk de la ciudad, “y por ende del mundo”, dice entre risas, “era un desastre para mis padres, mi papá era diplomático y su hijo, un punk, yo era la antítesis, y mis amigos eran los Sex Pistols y la verdad en la escuela no trabajaba mucho, sin embargo, allí tenía un amigo que hacía fotografía y un día me invitó a un cuarto oscuro, lo que descubrí allí fue magia, así decidí pedirle una cámara prestada a mi padre y empecé a hacer fotos por gusto”. En medio de su adolescencia y todo lo que ella trae, su padre se inquietó por su gusto por la fotografía, un día se acercó a Bardo Fabiani con la intención de saber su opinión acerca del futuro fotográfico de su hijo. Tras ver algunas de sus fotografías, Fabiani afirmó que Andrea tenía buen ojo, pero no sabía nada de fotografía. Así obtuvo su primer trabajo como tercer asistente de fotografía durante 6 años, una época que le cambió la vida.

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Autoretrato: Andrea Belluso

“Seguía siendo rebelde, pero me dediqué por completo a esto, normalmente uno como tercer asistente se limita a preparar el estudio, no puede hablar con modelos, ni clientes, ni tocar cámaras ni luces, no dice nada, el primer día en estudio, le pregunté a Fabiani qué me iba a enseñar, y me dijo, ‘yo no te voy a enseñar nada, yo no soy tu maestro’, y yo quedé absolutamente destruido, luego él me preguntó por qué quería ser fotógrafo, yo solo pude decirle la verdad”. Y esa verdad se resumía en lo mucho que le gustaba mirar las cosas y sentir con el corazón, haciendo fotografías, mostrándole a la gente lo que sentía, recibiendo así una de las lecciones de vida más valiosas que nadie le haya dado, Fabiani le dijo ese día “todo esto se hace con los ojos y con el corazón, y yo no estoy ni en tus ojos ni en tu corazón, así que, si quieres aprender cómo utilizarlos, debes mirar como trabajo yo, porque yo no voy a enseñarte nada”. Así inició su carrera fotográfica, inclinándose hacia la fotogra-

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fía de moda, y a la moda, pues le gustaba aprender y entender cómo funcionaba la ropa en una persona, como se acomodaba al cuerpo, los materiales, los diseños, la calidad. Para Andrea la consciencia de moda para el fotógrafo fashion es muy importante, porque para dar instrucciones lo mínimo es que se tenga conocimiento sobre lo que se está hablando. Un día luego de muchos disparos, modelos y fotografías, Andrea necesitó hacer una pausa del mundo fotográfico durante 5 años, ya no encontraba pasión, ni emoción en lo que hacía, de esta manera lo dejó. Pero luego de este tiempo, uno de sus clientes amigos le pidió que tomara unas fotos para un catálogo, él con todas las dudas aceptó, “no creía mucho en que pudiera hacerlo, no me gustaba más; y el primer día con la cámara, sentí como extrañaba eso, me hacía falta crear, me hacía falta la magia. Entonces empecé un trabajo importante, el de comprender por qué no me

gustaba la foto 5 años antes, y la razón era porque antes trabajaba únicamente con softbox, estos elementos son más fáciles de manejar, puedes fotografiar todo con softbox, pero si comes lo mismo todos los días, puede ser muy bueno, pero después de un tiempo te aburres. Entonces necesitaba un reto cada día, así que empecé a experimentar con la luz dura, esa que antes no me gustaba, porque conozco muchos fotógrafos que están asustados de la luz dura porque no saben cómo jugar con ella ni con las sombras. Entonces empiezo a ver lo que puedo hacer con esto, y automáticamente creo emociones fuertes, ese fue el principio de mi nueva carrera en fotografía”. Su pasión por la luz es evidente, su acercamiento con Profoto fue hace 25 años, cuando se dio cuenta de que sus fotografías no eran del todo nítidas. Inicialmente pensó que tenía un problema óptico, pero no, luego creyó que era una cuestión técnica de su cámara, y tampoco era por ahí, así descubrió que el

problema era el flash, cuando su duración es larga no fija la imagen, necesariamente debe ser la más rápida, y él no había descubierto esta marca al primer intento, tuvo que probar varias y diferentes, sin encontrar satisfacción, hasta que un día un colega le recomendó Profoto, y cuando hizo la prueba, quedó fascinado, esta marca le ofrecía todo lo que necesitaba para trabajar con luz y producir emociones reales en quienes vieran sus fotos. La luz es fundamental para que exista la fotografía, por eso jugar con ella y modelarla es uno de sus principales propósitos. “Así como un pintor usa los pinceles, nosotros usamos light shaping tools, para pintar con luz, y no es necesario usar muchas luces para una foto, esto se puede hacer con una sola, pero tengo otra manera de trabajar con muchísima luz sobre un sujeto, y en este tipo de trabajo

se puede ver como pinto con ella. Cada light shaping tools crea una emoción diferente, como un pincel diferente. Las texturas y la potencia del flash, son como la presión del pincel, es un trabajo muy similar a la pintura, es arte. Y hacer light shaping es convertir emociones en luz, que a su vez se transforman en fotografía”. De su humanidad brota la pasión por sus trabajos, tiene claro que todo trabajo comercial inicia con una idea, así comienza un pequeño sueño, y es un juego de cómo interpretar los sueños del cliente y transformarlos en fotografías, es algo que le encanta, sobre todo el asunto de lograr que a nivel comercial se vendan productos, gracias a las emociones que los mismos producen. Hace 4 años Profoto lo invitó a ser uno de sus influenciadores, lo que fue para él algo natural gracias a su extensa experiencia con estos equipos, así empezaron

a trabajar en una colaboración mutua con proyectos como el Classroom Profoto, y eventos como el Profoto Latin American Tour 2016. “Espacios donde puedo transmitir lo que sé, son muy importantes para mí, porque no lo hago por dinero, para mí es fundamental hablar de esto con otros fotógrafos, no quiero que a otros les pase lo mismo que a mí. Jugando con la luz es imposible cansarse de la fotografía”. Así también nació Belluso Academy, donde enseña a otros fotógrafos la realidad laboral, a través de aprender haciendo. De su estadía en Bogotá, se lleva las mejores impresiones, afirma que los fotógrafos colombianos tienen un nivel muy alto, porque saben poner sus emociones en las fotografías que hacen, espera seguir conociendo el talento y que se afirme la pasión por el hermoso arte de la imagen.

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PORTAFOLIO Ganador de la II Convocatoria de Portafolios Fotogrรกficos 2016

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POR: JUANA BUITRAGO

FOTOGRAFÍAS: JULIÁN SÁNCHEZ WWW.JUDASPHOTO.COM

Julián Sánchez DE PAISAJES Y FOTOGRAFÍAS

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Fotografía: Celeste Riveros Retrato: Julián Sánchez

Nuestra II Convocatoria de Portafolios Fotográficos Colombia 2016, trajo consigo proyectos que se destacaron por su estética, contenido y sobre todo por la pasión fotográfica revelada. Julián Sánchez, es uno de los ganadores de esta convocatoria, en donde no solo buscamos promover el talento colombiano, sino también ser una plataforma donde las oportunidades para nuestros ganadores sean todas. Julián Sánchez, es un buscador incansable de todo aquello que le genere pasión, oriundo de Popayán, Cauca, nació en una familia conformada por sus padres y un hermano. Desde muy pequeño se caracterizó por ser aplicado en sus estudios, finalizando bachillerato decidió estudiar Ingeniería Electrónica en la Universidad del Cauca, donde tres semestres después, se inclinaría por estudiar Física en la Universidad del Valle, decisión que lo llevó a mudarse a Cali cuando apenas tenía 19 años. Luego de 7 años entre la ciencia y su pasión por el cine,

como un Big Bang algo estalló dentro de Julián, y dejando su carrera como físico, decidió montarse a un bus del que hasta ahora no se ha querido bajar. Teniendo como destino Buenos Aires, Argentina, emprendió un viaje con la plena intención de atravesar Suramérica en busca de esa pasión que pudiera motivarlo a dedicarse a ella cada día de su vida, la fotografía. “Creo que todo empezó con mi pasión por el cine. Desde muy joven empecé a interesarme por el séptimo arte. Estando en la Univalle, no salía de la cinemateca, allí vi una trilogía que me impactó mucho desde el punto de vista fotográfico: La Trilogía Qatsi, dirigida por Godfrey Reggio”. Así y en compañía de una cámara compacta que era de sus padres, una Nikon Coolpix L1, atravesó un mes en kilómetros hasta llegar a Buenos Aires, donde inmediatamente y a pesar de estar solo, tenía clara su intención de estudiar. Allí revisó las fotografías que

tomó durante el viaje y quedó sorprendido de todo lo que podía lograr con una “camarita”. Y es que tener esa primera herramienta lo enamoró definitivamente de la fotografía, aunque su pasión por la imagen en movimiento nació primero, descubrir esa imagen fija determinó el rumbo que tomarían sus pasos. Inicialmente se ubicó en la Universidad de Buenos Aires, donde empezó un periodo en Diseño de Imagen y Sonido, el cual abandonó después de intentar cursar un ciclo básico común que no alcanzaba sus expectativas. Julián se dedicó a trabajar para sostenerse y poder pagar una universidad privada. De esta manera ingresó a la carrera de Dirección de Fotografía en la Nueva Escuela de Diseño y Comunicación, donde para su sorpresa tuvo dos años de fotografía analógica, un complemento excelente en su carrera y un motivo más para seguir adelante por la fotografía. Su pasión por viajar lo ha

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llevado a capturar con su lente paisajes hermosos y llenos de naturaleza, con los cuales busca mostrar el mundo a través de sus ojos, “desde mis principios en la fotografía siempre busqué la belleza en la simetría y la naturaleza está llena de ella por donde mires, inclusive nosotros nos hemos copiado de ésta para construir casas y edificios. Es por eso que en mi afán por viajar y conocer el mundo, siempre estoy atento a registrar los distintos paisajes que me

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rodean, tanto naturales como los que han sido intervenidos por el hombre”. Desde sus inicios se inclinó hacia el paisajismo de arquitectura y naturaleza, luego de comprar su primera réflex 35mm, exploró diferentes tipos de fotografía, como retratos, macrofotografía, entre otros. Sin embargo y con el tiempo, siguió perfeccionando su técnica en paisajismo, lo que lo llevó a presentar su portafolio en nuestra convocatoria. “Perfeccionista empederni-

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do”, como él mismo se define, dedica suficiente tiempo tanto a la toma como a la postproducción, además de que haber iniciado con el 35mm analógico, lo lleva siempre a pensar mucho más en la composición y la luz al momento de la toma. Muchas de sus fotografías parecen pinturas, lo que inquieta con respecto a los referentes en los que Julián se ha fijado para desarrollar su trabajo, “irónicamente antes de empezar a estudiar, me decía que no

debía ver otros fotógrafos, para no enviciarme y lograr que mi trabajo sea único. A medida que fui conociendo de la historia de la fotografía, aprendí que cada uno tiene una forma de ver el mundo, que por más que lleves a muchas personas a fotografiar el mismo sujeto/objeto, siempre los encuadres, el ángulo visual y demás, serán diferentes en todos los casos. Dicho esto, admiro el trabajo de Ansel Adams, pues técnicamente hablando nos dejó todo un legado de conocimiento para la fotografía en Blanco y Negro, cómo pensar la toma y su revelado. Otro referente es Sebastião Salgado, cuyo trabajo, después de ver el documental ‘La Sal de la Tierra’, entendí y descubrí aún más el grado de perfección y dedicación reflejados en cada una de sus fotografías”. Afirma que su mayor reto fotográfico es la fotografía de personas, confiesa entre risas que cuando va de viaje y visita lugares concurridos, espera literalmente hasta que todos se hayan ido para hacer su fotografía. Aun así, ha tomado

el riesgo y desde hace tres años ha desarrollado el registro de las personas que se cruzan en sus viajes, en el que documenta su cotidianidad. Julián actualmente, está totalmente convencido de su pasión por la fotografía, está proyectado a poder vivir y dedicarse por completo a ella, a seguir viajando y a llenarse de conocimiento mientras explora, como lo ha hecho con la fotografía documental. La fotografía es un mundo de plena exposición en el que quien no muestra su trabajo, probablemente sea un talento escondido. Para Julián mostrarse al mundo es determinante, “tarde o temprano un fotógrafo debe mostrar su trabajo al mundo, para recibir críticas o admiración de su obra. Ya que todos vemos la obra subjetivamente, recibir todo ese feedback es un gran aprendizaje para continuar. Es la primera vez que me gano una convocatoria como la de ustedes y esto se convierte en una gran motivación y apoyo para seguir adelante en mi trabajo como fotógrafo”.

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HISTORIA

POR: WILLIAM ARANGO HURTADO

WARANGO@YURUPARY.EDU.CO

Fermín Isaza Gaviria PRECURSOR DE LA FOTOGRAFÍA EN ANTIOQUIA

EL ARRIBO TEMPRANO DEL DAGUERROTIPO A LA REGIÓN ANTIOQUEÑA, SE DEBE A ESTE ARTISTA QUE APRENDIÓ LA TÉCNICA DURANTE SU RESIDENCIA EN SANTAFÉ DE BOGOTÁ Y TRABAJÓ COMO PROFESOR EN LA SOCIEDAD DE PINTURA Y DIBUJO, CUYO PRESIDENTE ERA LUIS GARCÍA HEVIA. 1

DAGUERREOTIPO

El lunes 25 de septiembre de 1848 Fermín Isaza inició actividades en su gabinete de Daguerrotipia en Medellín, ubicado en su propia casa en la Calle Boyacá, muy cerca de la oficina de correos. Este fue el primer negocio de fotografía que se estableció en la Nueva Granada, nueve años después de que el invento de Niepce y Daguerre fuera anunciado en París.

“Los retratos que se obtienen actualmente por este medio admirable llevan toda la perfeccion que puede desearse; así lo manifiestan los que ha hecho recientemente el que suscribe que por su escelente calidad han fijado la atencion de varias personas. Por lo consiguiente, estando el que esto escribe seguro de sus buenos resultados anuncia al público que desde el lunes procsimo se hallara espedito para hacer los retratos que se le recomienden. Tambien se harán por el mismo medio las copias que se quieran de otros retratos grandes i pequeños, de gravados y de dibujos cualesquiera que sean. Para colocar los retratos i demas obras se cuenta con hermosos cuadros de madera enchapados i cajas de tafilete. No es de omitirse que en la eleccion de trajes deben preferirse los de colores oscuros, pardo o negro como mas adaptables por su facil i perfecta impresión. Las personas que quieran ocupar al infrascrito, se dirijirán a su casa situada en la calle de Boyaca de esta ciudad cerca de la administracion de correos. Medellin 22 de setiembre de 1848 Fermín Isaza

Aviso publicado en “El antioqueño Constitucional” el 22 de septiembre de 1848. Transcripción facsimilar:

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Cuando inició la actividad como daguerrotipista, a sus cuarenta años de edad, Isaza poseía ya una larga experiencia en el campo de las artes como hombre verdaderamente polifacético, que había incursionado en la música, en el teatro, en la pintura y, últimamente en la daguerrotipia durante sus años de residencia en la capital de la Nueva Granada. He aquí algunos datos al respecto: En 1831 fue creada en Medellín la Compañía Dramática por un grupo de ciudadanos prestantes, entre los cuales estaba don Mariano Ospina Rodríguez, quien se había establecido en esta ciudad después de haber participado en la conjura contra el Libertador Simón Bolívar y quien en 1857 llegó a ocupar la presidencia de la república. La participación de Fermín Isaza en el grupo de teatro fue destacada porque era uno de los pocos que representaban con desenvoltura los roles femeninos, dado que la iglesia católica prohibía a las mujeres actuar en teatro. Muchos años estuvo la Compañía Dramática divirtiendo

a la sociedad medellinense con populares obras, que inicialmente se presentaron en el patio del Colegio Mayor (hoy Universidad de Antioquia) y posteriormente en un local propio que fue construido entre 1834 y 1836 con la ayuda económica de don Pedro Uribe Restrepo, hombre de gran espíritu cívico. En 1837 Fermín Isaza hizo parte como violinista, de la orquesta creada por el músico Inglés Edward Gregory McPherson, quien el año anterior había llegado a la ciudad. Es probable que hubiera aprendido a tocar el instrumento en su juventud, pero muy seguramente su destreza con el violín fue lo que le permitió pertenecer a una de las primeras orquestas que hubo en la ciudad. Como pintor, Fermín Isaza obtuvo bastante reconocimiento, logrando obtener suficientes ingresos como para ubicarse en un nivel relativamente alto en la sociedad antioqueña. Según el censo de 1853, anota Santiago Londoño en su libro Testigo Ocular, los ingresos anuales de Fermín Isaza eran de $882 por concepto de su actividad como artista, lo cual

significaba la posibilidad de tener una vida de confort con su familia. Da cuenta de la actividad artística de don Fermín Isaza un pequeño número de pinturas, que existen en la actualidad y que por su gran valor relacionamos aquí: En el Museo Nacional de Colombia se conservan: una bella miniatura con el retrato de Francisco de Paula Santander, pintada sobre marfil y fechada en 1844, poco después de la muerte del prócer acaecida en 1841, y un retrato al óleo del General José María Córdova, fechado en 1876, cuando después de unos años de residencia en Medellín, se encontraba viviendo de nuevo en Santafé de Bogotá. El Museo de Antioquia posee otra miniatura en marfil con la figura del Oficial Eulogio Ochoa, producida en el año 1845 y también un retrato al óleo de Juan Crisóstomo Uribe, fechado en 1866. En la Catedral Metropolitana de Medellín, existe también un retrato al óleo del obispo Domingo A. Riaño. Sobre la actividad de Fermín Isaza como daguerrotipista, es muy poco lo que se sabe, pues

1. Aviso aparecido en “El antioqueño Constitucional” el 22 de septiembre de 1848. 2. General Francisco de Paula Santander. Pintura sobre marfil. 1844. Por Fermín Isaza. Museo Nacional. Bogotá. 3. José María Córdova. Óleo sobre tela. 1874. Por Fermín Isaza. Museo Nacional. Bogotá 4. Esteban Isaza Robledo. Daguerrotipo. (c.) 1849. Por Fermín Isaza. Propiedad de María Victoria Isaza Echavarría 5. Lucrecia Guerrero Uribe. Daguerrotipo (c) 1849. Por Fermín Isaza. Propiedad de Mauricio Umaña.

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no hay registro del volumen de su producción; sin embargo se puede suponer que no fue muy numerosa y que él se sentía más ligado al negocio de la pintura de retratos, cuyo mercado era mayor, frente al desconocido nuevo medio que apenas adquiría popularidad. Únicamente se conservan dos Daguerrotipos hallados recientemente. Este artículo se ilustra con reproducciones auténticas de sus originales. En manos de doña María Victoria Isaza Echavarría de Arbeláez, residente en Suiza, se encuentra el retrato de un primo Segundo de don Fermín, de nombre Esteban Isaza Robledo, tatarabuelo de doña María Victoria. El retrato podría fecharse en 1848, asumiendo que fueron los familiares quienes primero se interesaron por ser retratados con tan novedosa técnica.

Existe otro daguerrotipo atribuido a Fermín Isaza, que es un retrato de la señora Lucrecia Guerrero Uribe. Esta pieza hace parte de una colección de imágenes antiguas de la familia de don Mauricio Umaña, quien vive en los Estados Unidos y es descendiente directo de doña Lucrecia en sexta generación. Fermín Isaza nació en Envigado a principios de julio de 1808. Era hijo de don Carlos de Isaza y de doña María Gaviria; fue bautizado el 8 de julio del mismo año por el párroco Don Cristóbal de Restrepo. Su tatarabuelo, el español Juan Bautista de Isaza, fue uno de los fundadores de Envigado y su bisabuelo, José Antonio Isaza Atuesta, fue quien en 1775 donó las ocho calles originales y el terreno para la construcción de la Iglesia y la plaza principal.

BIBLIOGRAFÍA

• Isaza, Fermín. Aviso en El Antioqueño Constitucional (Medellín) 24 de septiembre de 1848. • Moreno de Ángel, Pilar. El Daguerrotipo en Colombia. Fondo Cultural Cafetero, Litografía Arco, Bogotá, Noviembre de 2000. • Parroquia de Santa Gertrudis de Envigado, Fé de Bautismo, Copia auténtica del libro 5,folio 109, Número 484, del 8 de julio de 1808. • Serrano, Eduardo, Historia de la fotografía en Colombia, Museo de Arte Moderno. O.P. Gráficas Ltda. Bogotá, 1983. • Gónima, Eladio. Historia del teatro de Medellín y Vejeces. Universidad de Antioquia. Biblioteca digital. 1973 • Londoño Vélez, Santiago, Testigo Ocular La fotografía en Antioquia 1848-1950. Editorial Universidad de Antioquia, Medellín, 2009. • Benitez, Jose Antonio. Carnero y miscelánea de varias noticias, antiguas y modernas de esta villa de Medellin. Medellín : Ediciones Autores Antioquenos.

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Fermín Isaza cursó estudios de Filosofía en el Colegio Mayor, en donde fue discípulo del licenciado Timoteo Duarte en 1822. Hacia 1840, Fermín Isaza se casó con Rudesinda Pizarro, y con ella tuvo cuatro hijos: María Helena, Carlos, Pablo y Dolores. En 1844, a la edad de treinta y seis años, residía en Bogotá. Allí produjo (firmó y fechó), un retrato en miniatura sobre marfil, del general Francisco de Paula Santander. Probablemente Fermín Isaza se inició en la fotografía con Luis García Hevia, pues en 1847 hacía parte de la nómina de profesores de la Sociedad de Dibujo y Pintura, fundada y presidida por él, en compañía de Simón J. Cárdenas y otros seis artistas santafereños. García Hevia aprendió la técnica del daguerrotipo con el Barón Louis de Gros y se convirtió en el primer fotógrafo colombiano. En agosto de 1848, Fermín Isaza regresó a Medellín y a finales de septiembre abrió en esta ciudad el primer Taller de Daguerrotipia establecido por un neogranadino en el país. Unos meses más tarde, Su amigo Luis García Hevia también se radicó en Medellín y allí estuvo trabajando durante algún tiempo como pintor y también como Daguerrotipista. En 1851 Fermín Isaza estableció una “Casa de enseñanza”

para jóvenes en la cual se ofrecían, desde clases de matemáticas y doctrina cristiana, hasta clases de gramática, dibujo y geografía. No se tiene noticia sobre la vida de esta institución educativa, que es prueba de la posición que ocupaba don Fermín en el ambiente cultural de Medellín, cuando contaba con cuarenta y tres años de edad. Fermín Isaza incursionó también en la actividad política como miembro del partido liberal. Es bien interesante el hecho de que el 21 de julio de 1860, a comienzos del conflicto bélico que hubo en el país entre 1860 y 1862, fueron llevados a prisión cuarenta y tres dirigentes liberales antioqueños, entre quienes estaban don Marcelino Restrepo, padre de Vicente y Pastor, el mismo Vicente Restrepo, Ricardo Wills y Fermín Isaza, lo que prueba que estos personajes que iniciaron la fotografía en Antioquia llegaron a conocerse y tuvieron alguna amistad, por lo menos en el campo de la política. No se han encontrado documentos que permitan seguir el rastro de los últimos años de la vida de don Fermín Isaza. Solo se conoce el excelente retrato del General José María Córdova, fechado en 1874, en el cual se puede observar una gran madurez como artista, cuando ya contaba con 66 años de edad. No se conoce la fecha de su muerte.

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TÉCNICA FOTOGRÁFICA

POR: GUSTAVO PÉREZ

GUZZO45@GMAIL.COM

Los secretos de la obturación LOS SISTEMAS DE OBTURACIÓN Desde el inicio de la fotografía sabemos que la fijación de la luz en un material sensible, está determinada por la cantidad de tiempo que dejemos llegar los reflejos luminosos. Inicialmente, el obturador tan solo fue una pequeña chapa corrediza y luego el “tapa lentes”, que se retiraba a conveniencia de la intensidad luminosa y la sensibilidad de la placa; eran segundos o minutos interminables, que se peleaban con el movimiento, para registrar una imagen tal cual como la reconocía el ojo humano. Continuó, el obturador preneumático de hoja en “forma de pera”; luego los sistemas Ball Bearing, Ring Compur, Wollensak, Diomatic, Gauthier, IBSO, Kodex, Prontur, Graflex, Bausch & Lomb; después, los inicios del obturador de plano focal con Ottomar Anschütz y Rudolf Krügener, y tantos modelos como marcas y genios de la mecánica, que hasta principios del sigo XX aportaron mas de 200 referencias. La gran necesidad de poder obtener un sistema de obturación idóneo a cada tamaño de cámara, se estabiliza en el siglo XX con los obturadores de cortina para las cámaras SLR y el obtura-

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dor central para las pequeñas cámaras entusiastas y las cámaras de medio y gran formato, con finalidades profesionales.

TIPOS DE OBTURADORES DE LA CÁMARAS MODERNAS PLANO FOCAL

Es el obturador más popular de los tiempos modernos. Fue norma en todas las cámaras SLR

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de objetivos intercambiables (para evitar el daño de la película). La mayoría de las cámaras DSLR miden su vida útil en los sistemas de obturación que comprometen al disparador y al espejo. Las cámaras de gama baja rinden un promedio de 50.000 disparos para poder pensar que ya se puedan producir fallos, en las cámaras semiprofesionales de 100.000 a 150.000

Foto 1. La obturación es el medio por el cual definimos ese instante para registrar lo visible, nos brinda precisión técnica, pero a la vez nos introduce a la creatividad, a poder capturar las acciones que nuestro cerebro no puede registrar.

OBTURACIÓN CREATIVA

BARRIDOS Acompañe el movimiento al mismo ritmo de la acción, utilice tiempos de obturación medios y bajos (1/15s a 1/60s); una buena opción es acompañar el disparo continuo (ráfaga), desde el inicio de la acción, buscando el momento ideal a la mitad del movimiento y terminar sin frenar el paneo.

Foto 2. El obturador de plano focal fue diseñado para conseguir una exposición pareja en todo el formato de la cámara. Recorre el plano del sensor en diferentes tamaños (velocidades altas) y tiempos (velocidades bajas), para asegurar la correcta entrada de la luz. Foto 3. Jacques-Henri Lartigue es quien nos muestra con emoción la acción congelada, y con esto nos proyecta a la definición de la imagen, no solo se trata del enfoque, la exposición correcta o la nitidez, se trata de completar la máxima calidad de una fotografía.

disparos y en las profesionales hasta 350.000 en el mejor de los casos. Los modernos obturadores electromecánicos de dos secciones de hojillas, brindan variedad de disparos que van desde los 30s hasta 1/8.000s, y una máxima sincronización con el flash hasta 1/250s.

OBTURADOR CENTRAL

Es el más antiguo de todas las épocas, utilizado tanto en cámaras muy sencillas como en las complejas cámaras profesionales. Su disparo se hace con múltiples hojillas en un anillo en forma de “Iris”. Es durable y poderoso y siempre expone en un 100% el plano de la imagen, confiable en sus fraccionamientos de tiempo, ofreciendo valores entre el segundo y el 1/500s regularmente. Instalado en los objetivos intercambiables, no afecta la duración del cuerpo de la cámara (diferente del desgaste del espejo), y su vida útil es bastante larga. Las ópticas modernas ofrecidas en las cámaras Hasellblad, Leaf y Phase One, alcanzan velocidades hasta de 1/4.000s y sincronización con el flash hasta 1/1800s en los cuerpos de cámara de medio formato.

OBTURADOR DIGITAL

EFECTO ZOOM

Es el mas moderno y con mayor tendencia a ser criticado. Ya se encuentra en mas cámaras tipo mirror less y sistemas digitales, y podría decirse que en proceso de estructuración. Su sistema de obturación es simple: Captura por Activación-desactivación del sensor, esto es una acción seriada por líneas de pixeles generando un barrido en fracciones de segundo. Se combinan en algunos modelos con el sistema mecánico, como es el caso de la Fuji X100 T. Se tienen serios problemas con la captura de escenas con elementos móviles dado que se produce el efecto de “gelatinización” (Rolling Shutter/Readout speed), estos obturadores alcanzan velocidades hasta de 1/32.000s, fracción sin precedentes pero lamentablemente al registrar linealmente cada cierto numero de pixeles, captan un instante diferente de la acción; adicionalmente, se produce en las luces puntuales que impactan el sensor el Blooming y el Smearing, creando halos de luz; esto es muy particular en los sistemas de fotografía y video amateur, teléfonos y tabletas digitales.

Para realizar un Efecto de zoom, se requiere operar la cámara en velocidades bajas (1/15s, 1/30s, aunque depende de la velocidad de la acción); utilice un trípode o monopie, mueva el zoom con energía durante la obturación para así registrar el efecto lineal de la imagen y lograr ese carácter abstracto de la realidad.

VIBRACIÓN Y DEFINICIÓN DE LA CÁMARA La vibración del espejo en el momento de la obturación puede afectar la definición de algunos tipos de fotografía. En disparos a baja velocidad, en temas de astrofotografía o macrofotografía, se hace critica la estabilidad; para solucionarlo, utilice el ajuste Mirror up, levantar el espejo antes de la obturación.

OBTURACIÓN SILENCIOSA El sonido de la cámara al momento de disparar llama demasiado la atención y nos resta espontaneidad. En los obturadores digitales no es problema, pero en una DSLR moderna puede ser muy evidente; para ello es recomendable el uso de los ajustes Q o Qc (Nikon), haciendo más silencioso el disparo.

EJERCICIOS PRÁCTICOS

ACCIÓN FRONTAL

Cuando deseamos “congelar” las acciones con nuestra cámara, no analizamos a fondo la dirección, la velocidad y la distancia. Para esto, realizaremos un ejercicio muy sencillo. Analice por medio de los tiempos de obturación, a un sujeto o un vehículo moviéndose desde usted hacia el fondo, cuando está cerca con 1/15s, 1/125s y 1/500s. De la misma manera, lo realizará a una distancia media y lejana. Observe los resultados y ampliando los detalles de la imagen, determine en qué valores de obturación puede considerar que la acción fue congelada. Busque que sus enfoques sean precisos para no confundirse con el movimiento de la acción.

ACCIÓN DIAGONAL

En este ejercicio es fundamental que la cámara no acompañe el movimiento de la acción. Buscará a un sujeto o un vehículo moviéndose de forma diagonal a usted; disparará igual que el ejercicio anterior cuando este cerca, a media distancia y lejos, pero en esta ocasión, con velocidades en promedio más altas, como 1/60s, 1/500s y 1/1.000s. Seguramente sentirá que este movimiento es más exigente con el enfoque y el momento del disparo; ensaye lo suficiente hasta lograr que la fotografía se ajuste para ser analizada en sus detalles. Al igual que los anteriores ejercicios, amplíe hasta poder ver detalles y saber dónde ha congelado la acción.

ACCIÓN LATERAL

La acción en este ejercicio debe ser paralela a la cámara. Lo realizará acercándose al sujeto o al vehículo, luego a una distancia media, donde observe completo el motivo y finalizando con una distancia mas lejana sin perderlo. Utilice velocidades de obturación, 1/125s, 1/1.000s y 1/2.000s en cada situación; recuerde no mover la cámara. Analice y concluya donde el obturador congela las acciones, estos ejercicios le permitirán tomar decisiones en el futuro garantizando un análisis previo de acuerdo a la dirección del movimiento y su distancia con respecto a la acción.

TREPIDACIÓN

Las cámaras Fujifilm compatibles con Wi Fi le permiten conectarse a una red inalámbrica existente o crear una red Ad-hoc con el nombre Fujifilm + el modelo de la cámara + una secuencia (así se crea por defecto pero en las opciones de la cámara es posible hacer el cambio por un nombre personalizado), al oprimir el botón de Wi-Fi se crea la red Ad-hoc, a la cual debemos ingresar desde un smartphone o tablet compatible como se ve en la imagen (la red no pide contraseña pero sí una confirmación en la cámara).

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ESTABLECIDOR OPTICO

Escoja un tema dónde pueda fotografiar usando el estabilizador óptico de la cámara. Encontrará en algunas marcas el estabilizador normal y activo, para realizar el ejercicio use normal. No utilice el trípode ni el monopie; debe realizar las fotografías con sus manos y deducir hasta dónde puede aprovechar el estabilizador en tomas estáticas, contenga un instante la respiración y dispare.

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TOMA FINAL

Datos Técnicos

Fotógrafo: Juan Guillermo Montañés Cliente: NUCITA - COLOMBINA Cámara(s): HASSELBLAD H3DII Lente(s): HC 2,2/100mm Imagen: Compuesta por 5 tomas Postproducción: Juan Felipe Montañés Ll. Preproducción: Dummies de URANIA POR: JUAN GUILLERMO MONTAÑES ©

WWW.JGMONTANES.COM

SEGÚN BOCETO Cuando un producto tan pequeño tiene tantos atributos, es un reto mostrarlos en una sola imagen. Este es el caso de estos deliciosos chocolates en forma de nuez, rellenos de crema de avellanas y con base de chocolate blanco.

En este caso debíamos ser MUY fieles al producto real pero, a falta de tener acceso a productos recién salidos de producción, decidimos trabajar con dos dummies exactos (escala 2:1), que nos permitieran

capturar cada detalle. Un dummy se fabricó entero y el otro en dos partes y vacío (para rellenarlo). El boceto era específico para empaque y su diseño estaba preaprobado por todas las entidades oficiales, por

lo que la fidelidad a este era una de las condiciones. Decidí hacer la toma en partes, escogiendo con cuidado cada lado de los dummies: mitad superior, mitad inferior, lateral entero y base de chocolate blanco.

El chorro de crema es uno de los elementos claves en esta imagen, así que hicimos una serie para escoger el más adecuado. En este caso se seleccionó el No.6.

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TIP FOTOGRÁFICO NO. 1 Trabajar estas imágenes compuestas con tomas separadas permite hacer ajustes milimétricos de posición a la hora de montar artes finales.

TIP FOTOGRÁFICO NO.2 Al trabajar con dummies es importante tener muestras del producto real para reproducir fielmente colores y texturas.

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TOMA FINAL

Datos Técnicos

• Cliente: Portafolio comercial - E&C Photography • Agencia: E&C Photography

1. Luz principal

• Cámara usada: Canon 5Ds

a 45 grados aprox. Elinchrom BRX 500w

• Lente usado: Canon 24-105 F/4L IS USM • Apertura / Diafragma: f16

3. Contraluz. Softbox 66x66 cm sin difusor a 45 grados aprox. Elinchrom BRX 500w

• Velocidad: 180 • ISO: 100 • Retoque digital: Juan Caicedo - E&C Photography • Otros (producto): Puma Ignite XT Graphic • Incluir datos de contacto del fotógrafo autor: Mail. info@espinel-caicedo.com

2. Luz de detalle.

• Sitio web: www.espinel-caicedo.com • Social Media:

4. Luz de relleno. Espejo de 5x7,5 cm

IG: www.instagram.com/ecfotografia/

Lateral. Elinchrom D-Lite 200w

www.instagram.com/juanpower89/ FB: www.facebook.com/espinelcaicedo/

PUMA IGNITE XT GRAPHIC

La idea de esta producción, era lograr una toma de acción de un producto diseñado para la acción. En este caso se trataba de un zapato de Running con diferentes texturas en sus materiales, lo cual ya nos anticipaba una imagen llena de detalles y elementos, que por supuesto debíamos trabajar desde el set de iluminación en estudio. Desde el comienzo tuvimos

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claras dos ideas; el zapato debía verse flotando sobre el espacio, y además queríamos explotar la riqueza visual de la suela. Para lograr esa idea, utilizamos hilos nylon para darle al objeto una posición dinámica que nos mostrara lo que queríamos resaltar. También se colgaron y acomodaron los cordones para reforzar la sensación de ingravidez manteniendo la tensión con

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la superficie sobre que se flotaba. El color del producto fue clave para definir el concepto, el cual tomaba como referencia el espacio exterior, así que nuestro set fue pintado de gris oscuro y escogimos una iluminación dura con sombras marcadas. Una vez ubicamos el producto y recreamos la atmosfera, utilizamos luces de apoyo y espejos que nos ayudaron a

marcar contrastes que detallaban la naturaleza del producto en relación al espacio. En postproducción borramos los hilos, limpiamos e integramos elementos tomados de varias tomas, y agregamos desenfoques de movimiento sobre la superficie y el zapato, para acentuar la idea de que este se encontraba a punto de salir disparado.

TIP FOTOGRÁFICO Cuando esta definido el encuadre y el esquema de iluminación, se toma una imagen base con todas las luces, y enseguida se hacen tomas disparando por separado cada luz utilizada en el esquema. Esto da la posibilidad de controlar de manera independiente la atmosfera, las sombras, las texturas y los contrastes en el producto y el espacio.

TIP FOTOGRÁFICO En tomas de producto, es bueno tener a la mano espejos pequeños para rebotar de manera puntual la luz, en lugares donde una cabeza de flash contaminaría el encuadre.

MESA DE EXPERTOS

A pesar de que dominamos ciertas especialidades de la imagen, conocemos nuestra cámara fotográfica, somos muy buenos editando imágenes en Photoshop, poseemos habilidades en la

grabación y edición de videos, o simplemente deseamos una excelente impresión de nuestros diseños y fotografías.Existen situaciones que se sobreponen a nuestros conocimientos.

Mesa de Expertos

Es entonces cuando la profesión y la afición encuentran un común denominador. Para todas estas dudas e inquietudes, presentamos nuestra: MESA DE EXPERTOS.

Invitamos a todos nuestros lectores a que puedan enviarnos todas sus preguntas e inquietudes referentes a temas relacionados con fotografía, imagen y video al correo electrónico info@revistaenfoquevisual.com. Las preguntas recibidas serán solucionadas durante las distintas ediciones publicadas.

NUEVE EXPERTOS EN IMAGEN A SU SERVICIO ALEJANDRO MANOSALVA Uno de los más importantes fotógrafos publicitarios de nuestro país. Talento y experiencia en esta mesa.

CÉSAR DAVID MARTÍNEZ Más de 10 años fotografiando el país en busca de las maravillas de la naturaleza colombiana. Experto en naturaleza y paisaje.

GUSTAVO PÉREZ Docente de las más importantes facultades de fotografía en el país. Columnista y asesor editorial de Enfoque Visual.

ESTEBAN ESCOBAR Top of mind de la fotografía de moda en Colombia. Su trabajo es requerido por las mayores agencias del país.

JUAN GUILLERMO MONTAÑES Fotógrafo publicitario con más de 20 años de experiencia. Columnista y experto de la Revista Enfoque Visual.

JAIRO ZAMBRANO Dueño de Foto Zambrano, el estudio fotográfico más aclamado de Bogotá. Todo un experto en fotografía de retrato.

ALBERTO ROSAS Afamado experto del color y los procesos de impresión en nuestro país. Más de 30 años de experiencia y dedicación.

HENRY AGUDELO A la fecha, el mejor reportero gráfico que posee nuestro país. Todo un honor tenerlo como experto invitado en esta sección.

FLASH EXTERNO ¿Para una sesión de retratos en exteriores algo como paisajes de playa y esas cosas, que tipo de iluminación debería tener en cuenta? Me interesa saber desde flash de cámaras hasta luces externas. Por: Carlos Cardona. Si lo que deseas es iluminar retratos en exteriores con luz de flash, existen dos tipos de luces, speedlights y flashes tipo estudio. Para la primera opción, los speedlights son muy portátiles, tienen control automático TTL para medición de luz, duración de flash rápida (congelan muy bien la imagen), sincronizan a altas velocidades, el sistema de control para sincronizar varios flashes es muy intuitivo, pero con speedlights pierdes homogeneidad en el control de temperatura (no es contaste en color), la velocidad para que el flash esté listo para el siguiente disparo es más lenta y encuentras menos posibilidades de modificadores de luz, los flashes de estudio por otro

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lado los encuentras con medidores TTL y velocidad de disparo rápido (pero estos son muy costosos), los flashes de estudio te ofrecen más calidad disparo tras disparo en color , están listos para el siguiente disparo mucho más rápido que los speedlights, y tienen una gran variedad de modificadores. Pero ¿cuál es mejor? Ambos son buenos, la pregunta que uno se debe hacer es ¿para qué los voy a usar? Si voy a hacer retrato sin apuros, yo me voy por la opción más económica con speedlights, pero si voy a retratar y disparar muchos retratos en corto tiempo, y obviamente tengo el presupuesto pues me compro un set de flashes de estudio, para estos últimos hay baterías recargables externas o internas para poder ser usados en exteriores, también ten en cuenta que los flashes de estudio son grandes por lo general y muy poco portátiles, pero es muy atractivo combinar luz natural con luz de flash, el resultado y la creatividad son óptimos. Experto: Jairo Zambrano.

FOTOGRAFÍA DE NATURALEZA Y PAISAJE Me encantaría saber cómo lograr espectaculares retratos de animales. Por: Susana Hernández. Apreciada Susana: La fotografía de animales es una rama de la fotonaturaleza muy interesante, sobre la cual hay varias recomendaciones muy importantes. 1. Independientemente de la especie que deseas fotografiar, es necesario documentarse sobre ella: lugares donde habitan, épocas del año en que son más visibles, épocas de apareamiento, lugares de alimentación, etc. Con esta información te puedes programar para hacer un viaje fotográfico en busca de la especie. También puedes programar una visita a lugares donde hay mucha fauna de diversas especies, estos destinos también tienen épocas del año especiales en los que la fauna se reúne o es más fácil de observar.

2. Usar el equipo adecuado: Para aves y animales silvestres siempre es recomendable tener un buen teleobjetivo, a partir de un 200mm en adelante, pero recomendados el 300 o el 400mm. Si hay la posibilidad de tener un multiplicador, aun mejor: el 1.4X o el 2.0X que convierten el teleobjetivo a un mayor alcance. Es mucho mejor el 1.4X ya que conserva los colores, reduce la aberración y permite imágenes más nítidas que el 2.0X. En la producción, es necesario estar en el lugar y la hora adecuados a la especie. Muchas veces habrá que madrugar para las aves, o hacer recorridos en la noche para animales de hábitos nocturnos. Siempre será indispensable estar listos con el equipo funcionando antes de los horarios de la especie. 3. Para la configuración recomiendo: Autofoco en AI Servo (Canon) o modos de movimiento (otras cámaras). Recomiendo usar un solo punto de enfoque variable, el cual se pueda mover

rápidamente desde los controles de la cámara y el Modo Prioridad Diafragma (Av en Canon). También ISOS altos (entre 400 y 1200). De esta forma, podemos concentrarnos en componer y captar el momento adecuado. 4. El momento indicado: esto es fundamental, una vez localizado el animal y cámara en mano, se requiere mucha paciencia. Inicialmente se hacen las fotografías de rigor, para documentar el animal y que quede un registro; sin embargo

las fotografías espectaculares solo se logran cuando se es capaz de captar una expresión, un comportamiento especial o un evento fuera de lo común: una pelea entre machos, aves en vuelo, un bostezo, una situación de peligro, el momento exacto antes de aterrizar o antes de arrancar a volar, etc. Esta es tal vez la recomendación más importante y la que diferencia un fotógrafo de animales experto de uno amateur. Experto: César David Martínez.

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FOTOGRAFÍA DE PRODUCTO

Quisiera saber cómo se debe iluminar un automóvil o motocicleta y saber si la técnica puede aplicar para otro tipo de productos. Por: Henry Cruz Cada carro (o motocicleta) representará un reto totalmente diferente pues debemos destacar sus líneas, curvas, volúmenes y un sinfín de detalles de diseño que varían con cada producto. Básicamente un automóvil (o moto) es un producto altamente reflectivo y sus líneas de brillos y sombras serán las que nos resalten el diseño. Para esto lo ideal es contar con una luz “envolvente” que de punta a punta mantenga continuidad en cada brillo/sombra destacando así los diferentes volúmenes del auto. Simplificándonos a la teoría básica: la iluminación principal para este tipo de productos debe ser una gran fuente de luz cenital que tenga al menos 2

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veces el largo y 2 veces el ancho del producto (carro o moto) y ojalá en un estudio donde tengamos un fondo sin fin blanco para evitar problemas con reflejos indeseados. Idealmente esta fuente de luz principal sería una enorme caja de luz con las lámparas distribuidas uniformemente en su interior (diagrama 1), pero una opción más sencilla puede ser un gran plano reflectivo (blanco), colgado del techo cenitalmente sobre el producto, al que podamos rebotar nuestras luces [conocido como papillon o butterfly] (diagrama 2). Esta será nuestra iluminación principal para la toma “base” sobre la cual incluiremos otras tomas con detalles de iluminación que requieran enfatizarse. Esta es una gran ventaja de hoy en día pues contamos con las herramientas digitales que nos permiten trabajar por partes para luego finalizar la imagen. Para esto haremos tomas posteriores, donde iluminaremos

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parte por parte los detalles que nos interesen. Por ejemplo el labrado de las llantas, detalles en espejos o parachoques, el exosto o la silla (en las motos), etc. En esta etapa juega un papel primordial el ojo del fotógrafo quien debe lograr que el diseño del producto se luzca en cada detalle. El resto es postproducción = retoque. Sobre la toma base deben aplicarse los detalles obtenidos

en las tomas posteriores de apoyo. Ojo: en todo el proceso fotográfico la cámara debe estar completamente inmóvil (en trípode o columna) para que todas las tomas registren a la perfección. ¿Para otro tipo de productos? No hay reglas genéricas pero puedes utilizar esta guía como punto de partida y proceder con creatividad en el resto de la toma. Experto: Juan Guillermo Montañés A. ©

FOTOPERIODISMO Quisiera conocer sus estrategias y tips a la hora de planear un cubrimiento de eventos deportivos. Me interesa aplicar el concepto de “historia con imágenes” y no solo la foto de la celebridad o cosas así. Gracias. Por: Milton Salgado. Sabes bien que la historia o proyectos fotográficos que son aplicables a cualquier suceso noticioso, en este caso en el área del deporte, es importante que antes que nada prepares casi que un manual de estilo, escrito de la manera que vas abordar el tema, por ejemplo: ¿Cuál es tu idea o ideas? las que debes tener cuando se inicia la búsqueda de dicho proyecto, ¿Porque vas a realizar este tema? ¿A quién va dirigido? ¿Cuál es el impacto que quieres generar en el público? ¿Cuál es el dato disparador para generar este tema? busca referentes para saber cómo se ha abordado, no para realizarlo igual si no para marcar una buena diferencia o para saber si no lo han contado, si se va a trabajar como deporte general o uno en especial, y si es así ¿Cuál?, ya lo has escogido, define si el género deportivo como tal, fútbol, ciclismo, esgrima, etc., o si es con una persona en especial, ella debe tener unas características generales y especiales que cautiven e impresionen al espectador, que marquen diferencia de los demás, sea por que realice una actividad especial, realizar los contactos necesarios para acercarnos a la fuente, en este caso el deportista, ya nos acercamos a la fuente, piensa bien antes de actuar. Antes de registrar imágenes, necesitas paciencia para escuchar, interpretar, respetar, conocer bien las actividades tanto deportivas, culturales, políticas, sociales, espirituales que realiza este deportista, allí está el mayor registro fotográfico, sin haber tomado una sola imagen en tu cabeza vas realizando un mapa mental de las diferentes tomas que vas a realizar, porque no es solamente una vez que vas a abordar a tu personaje, si quieres realizar una buena

historia tienes que regresar cuantas veces sea necesario y en diferentes momentos. De esta manera te conoce la fuente, te entrega conocimiento de lo que el realiza en el día a día, es por eso que en tu cronograma debes tener un principio y un fin con los diferentes tiempo en los que vas a visitar a tu personaje, allí definirás, la luz con la cual vas a trabajar, los lentes adecuados para las diferentes tomas, la forma con la cual vas presen-

tar tu proyecto, sea color o en blanco y negro, es importante cultivar la fuente o tu personaje y para eso necesitarás imprimir tus imágenes para que él conozca la seriedad y el profesionalismo con el cuál estás abordando el tema, él se sentirá más comprometido y abre las puertas a la crítica y observación que te detallara la fuente. Pues de ella depende que se acerque o se aleje del tema, por eso el respeto que se debe tener a la

hora de levantar la cámara para iniciar los registros. Por último debes darles un orden a tus imágenes (no más de 10 fotos) con un buen editor o amigo, a él le entregarás todos los datos recopilados para realizar un buen texto, que reafirme más la historia. Se me olvidaba, por lo general yo pienso primero en el título que le daré a mi proyecto, mira tú como lo vas a definir si al principio o al final. Experto: Henry Agudelo.

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IMAGEN LEGAL

ABOGADO MAGISTER EN DERECHO PRIVADO

Acciones legales en defensa de los derechos de autor NO ES SUFICIENTE SER TITULAR O PROPIETARIO DE DERECHOS DE AUTOR SOBRE FOTOGRAFÍAS O VIDEOS, SI NO SE CONOCEN LOS MECANISMOS JURÍDICOS PARA PROTEGER Y DEFENDER ESTAS CREACIONES INTELECTUALES. Cuando el fotógrafo o camarógrafo capturan una o varias imágenes, y ello deja como resultado una obra intelectual, surgen a favor del autor los derechos morales y patrimoniales, a través de los cuales se puede controlar y disponer del trabajo artístico realizado. Es importante tener presente que el derecho de autor es la mejor forma de ejercer la propiedad privada sobre estos bienes intangibles, además de ser una fuente de ingresos económicos. Pero para poder ejercer estos derechos y evitar futuras defraudaciones por parte de terceros, es importante conocer los instrumentos legales existentes para ejercer su defensa. ASPECTOS SOBRE EL DERECHO DE AUTOR EN COLOMBIA Los derechos de autor en Colombia, nacen a la vida jurídica en favor del autor cuando éste

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expresa y fija su creación, bien sea en un papel (dibujo, texto, partitura, fotografía), en una piedra (escultura), una cinta de sonidos e imágenes (música o videos) o en un archivo electrónico (software, obra multimedia o sitio web), por lo que no requieren de un registro para que el derecho se constituya. Los derechos patrimoniales, a diferencia de los derechos morales (facultad que tiene el autor de que su nombre siempre acompañe la obra y que no se afecte su reputación), son derechos susceptibles de ser negociados o comercializados bajo las leyes del mercado, siempre y cuando se encuentren vigentes y en cabeza de su autor (quien crea la obra) o titular (dueño de los derechos patrimoniales). Estos derechos económicos permiten que su propietario pueda de forma exclusiva, por una parte, usar la obra como desee, autorizar a terceros su uso y reclamar una remuneración

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en dinero por el uso que de la misma se haga, y por otra, impedir que terceros la utilicen sin su previa y expresa autorización, al punto que el uso no consentido trae consecuencias civiles y penales para el infractor. Toda la regulación sobre derechos de autor en Colombia, se encuentra establecida en la Ley 23 de 1982, la Decisión Andina 351 de 1993, la Ley 44 de 1993 y otras normas complementarias, dentro de las cuales se regulan como derechos patrimoniales de autor, el derecho de reproducción, comunicación al público, distribución, transformación, alquiler, venta, importación, traducción, y cuantas otras formas de explotación pueda ser objeto la obra. USOS INDEBIDOS POR PARTE DE TERCEROS Cuando un tercero usa una fotografía o video sin consentimiento de su autor o propietario con fines de lucro, es decir con la intención de tomar provecho y

obtener beneficios económicos, automáticamente se configura una situación de vulneración de derechos de autor. De allí que, para reproducir o usar una fotografía o video es necesario siempre tener la autorización previa y expresa del autor o propietario, la cual se debe reflejar en un documento, denominado contrato de licencia de uso, donde se establezca el porcentaje de ganancias para ambas partes. Si un tercero está interesado en explotar económicamente una fotografía o video de propiedad de otra persona, puede solicitarle a su propietario usar dicha obra, especificando el tipo de uso comercial que le va a dar (publicarla en internet, usarla para un catálogo, incluirla en programa de televisión, entre otros), y a cambio, el autor o propietario recibe un dinero por ese uso específico. Una vez culmina el tiempo o periodo pactado para el uso de la obra,

el tercero autorizado pierde todo derecho, y debe dejar de usar la obra. El problema se presenta cuando ese acuerdo previo y expreso no se presenta entre el propietario y el tercero interesado en usar la obra, sino que el tercero por voluntad propia, de forma arbitraria y sin autorización usa la obra con fines económicos, obteniendo un beneficio injustificado. En ese evento, la infracción o usurpación del derecho de autor se configura. ACCIONES JUDICIALES Los autores o propietarios de obras fotográficas o audiovisuales cuentan con herramientas judiciales eficientes hoy día para defender sus derechos de autor de terceros que los puedan llegar a afectar, tanto por vía civil como penal. El criterio para optar por una u otra vía judicial se determina por las especificidades de cada caso, las pretensiones que puedan llegar a estar en juego,

el daño producido, entre otros aspectos. Con la acción civil se busca la cesación de la conducta infractora y la reparación de los perjuicios causados con el uso no autorizado de la obra intelectual. Para ello se puede solicitar como medida cautelar el retiro de los ejemplares en circulación dentro del mercado o la publicación en la Internet, como el resarcimiento de utilidades que se hubieran obtenido. Esta acción se presenta ante los jueces civiles municipales o del circuito, según su competencia y cuantía. De igual forma, la Dirección Nacional de Derecho de Autor, con la expedición del Código General del Proceso (Artículo 24) ostenta facultades jurisdiccionales que le permiten actuar como juez especial, y conocer de estos asuntos, dentro de un proceso verbal con toda la imparcialidad del caso. Por otra parte, están las acciones penales, las cuales se pueden iniciar cuando el autor o propietario del derecho de autor identifique que el infractor,

de manera fraudulenta y mal intencionada, reproduce, usa y comercializa la obra intelectual sin autorización y con fines comerciales, burlando mecanismos de seguridad y advertencias legales (piratería o importaciones de obras falsas). De estas acciones investiga la Unidad Nacional de Fiscalías Especializadas en Delitos contra la Propiedad Intelectual y las Telecomunicaciones, y en caso de haber méritos suficientes para imputar cargos, conoce el juez penal de conocimiento, quien juzga la conducta e impone la pena privativa de la libertad, de acuerdo a los elementos materiales probatorios demostrados en juicio. Cada caso debe analizarse con detenimiento, para establecer cuál es la acción más conveniente, de acuerdo con los hechos y pruebas, y si el término para presentar la acción no ha prescrito. Una buena defensa de los derechos de autor es la mejor forma de reconocerle al autor su trabajo y esfuerzo intelectual.

LA DEFENSA DE LOS DERECHOS DE AUTOR ES LA MEJOR FORMA DE RECONOCERLE AL AUTOR SU TRABAJO Y ESFUERZO INTELECTUAL.

Foto cortesía Shutterstock

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TUTORIALES

TEXTOS Y FOTOGRAFÍAS: IVÁN GÓMEZ.

Aclarar y oscurecer zonas de imágenes TUTORIAL PARA PHOTOSHOP. Fotografía Original

Si bien es cierto que en el momento de la toma fotográfica se deben realizar todos los ajustes de cámara necesarios para asegurar una imagen de calidad en términos de luz, sombra y composición, en la mayoría de casos, el profesional tiene que recurrir al retoque o postproducción digital para mejorar zonas específicas de sombras e iluminaciones para lo cual es necesario valerse de las herramientas de Subexponer y Sobreexponer de Photoshop.

EL PROCEDIMIENTO DESCRITO EN ESTE TUTORIAL SE CONSIDERA COMO UNA TÉCNICA NO DESTRUCTIVA, ESTO SIGNIFICA QUE LOS AJUSTES SE HACEN EN UNA CAPA ADICIONAL PARA NO AFECTAR LOS PIXELES DE LA IMAGEN.

PASO 1:

En Photoshop abrimos la imagen que vamos a corregir (Ctrl/Cmd + O) y desde el panel Capas presionamos la tecla Alt y damos clic en el botón Crear nueva capa. Se abrirá un cuadro de diálogo en el que especificaremos las opciones para la capa de retoque que vamos a crear.

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PASO 2: En el cuadro de diálogo de

la nueva capa, si deseamos escribimos un nombre para la capa (en nuestro caso la hemos nombrado “luz y sombra”), seleccionamos un color para la capa y nos fijamos que la opción de Crear máscara nueva capa esté deshabilitada.

PASO 3:

La importancia de este cuadro de diálogo radica en las opciones de fusión de la nueva capa. Habilitamos desde el menú desplegable el modo de fusión Superponer y marcamos la casilla Llenar con color neutral (50% gris) que se habilita automáticamente al seleccionar este modo de fusión.

DATO DE INTERÉS

PASO 4: Damos clic en Ok y tendremos

una nueva capa de 50% gris que en estos momentos no afecta a las capas inferiores debido a que el gris es neutro en este grupo de modos de fusión. Si al continuar trabajando observamos que el efecto es muy intenso podemos seleccionar Luz Suave.

Es posible realizar la recuperación de zonas de luz y sombra mediante el empleo de máscaras y canales, técnica conocida por los profesionales como Separación de frecuencias.

Resultado Final

PASO 5: Seleccionamos ahora la

herramienta Sobreexponer (O) y en las opciones de la herramienta ajustamos el tamaño y la dureza del pincel y dejamos el valor de Rango en Medios tonos, y Exposición 100%. Comenzamos entonces a “pintar” sobre las zonas que deseamos aclarar.

PASO 6: Para oscurecer zonas de la

fotografía activamos la herramienta Subexponer y pintamos sobre las zonas que queremos oscurecer. Al igual que muchas de las herramientas de Photoshop es posible alternar las herramientas Sobreexponer y Subexponer presionando la tecla Alt.

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TUTORIALES

TEXTOS: IVÁN GÓMEZ.

FOTOGRAFÍAS: CATALINA GÓMEZ.

Igualar exposición de fotografías TUTORIAL PARA LIGHTROOM.

Una práctica común en el mundo de la fotografía es realizar varias tomas con distintas exposiciones, para luego seleccionar la imagen que mejor se adapte a las necesidades del trabajo en términos de luz, color, nitidez, brillo, contraste y composición. En ocasiones se hace necesario igualar todos o algunos de estos parámetros para lo cual Lightroom cuenta con herramientas que hacen el trabajo sin necesidad de realizar ajustes individuales en cada imagen.

DATO DE INTERÉS Ligtroom es muy versátil a la hora de igualar los ajustes de cámara en diferentes tomas. De igual manera, el módulo de Camera Raw de Photoshop permite hacer la misma tarea con varias fotografías.

LAS OPCIONES COINCIDIR EXPOSICIONES TOTALES Y SINCRONIZAR AJUSTES QUE SE MUESTRAN EN ESTE TUTORIAL DIFIEREN EN QUE EN LA COINCIDENCIA DE EXPOSICIONES SOLO SE IGUALA LA EXPOSICIÓN DE LAS FOTOGRAFÍAS, MIENTRAS QUE CON LA SINCRONIZACIÓN SE PUEDEN ELEGIR QUE PARÁMETROS VAN A COINCIDIR.

PASO 1: En la pestaña de Biblioteca hacemos clic sobre la imagen que a nuestro criterio tenga la exposición correcta. Luego, presionando la tecla Ctrl/Cmd seleccionamos las otras imágenes que deseamos igualen su valor de exposición con la primera foto.

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PASO 2:

VARIACIONES:

Con las imágenes seleccionadas desde el menú Fotografía activamos Ajustes de revelado > Coincidir exposiciones totales. De manera inmediata cambiará el valor de exposición de todas las imágenes seleccionadas igualando la exposición de la primera fotografía.

Si hacemos un cambio en los parámetros de temperatura, contraste, altas luces, sombras, negros, etc., de la imagen base y luego activamos Coincidir exposiciones totales, veremos que no hay cambios, esto se debe a que este comando solo ajusta el valor de exposición.

Fotografía Original

Resultado Final

PASO 3: Para igualar otros ajustes adicionales a la exposición damos clic derecho sobre la imagen base y activamos Fotografía >Ajustes de revelado > Copiar ajustes. Luego seleccionamos las otras fotografías, damos clic derecho y activamos Pegar ajustes.

PASO 4: Otra forma de igualar los ajustes que se desean sincronizar en las fotografías es seleccionar Fotografía > Ajustes de revelado > Sincronizar ajustes. Desde el cuadro de diálogo se marcan los valores y se hace clic en Sincronizar.

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LIBROS

Naturaleza 236 páginas / 22,9 x 30,5 cm 157 fotografías en color P.V.P $99.000

AUTOR: ALDO BRANDO TEXTOS: ARTURO GUERRERO

Tropic the Nature of Colombia

Todo en este libro es una incitación. La formidable geografía del trópico colombiano “donde convergen placas, floras y faunas de los tres subcontinentes americanos, de los dos mayores océanos del mundo y de las montañas más abigarradas” es el dominio de la biodiversidad y la desmesura: todo en el trópico es hechizante y mágico. Y ese es, precisamente, el testimonio que al cabo de 15 años de trabajo fotográfico nos presenta en este libro Aldo Brando, un documentalista de la vida silvestre, que mediante una convincente argumentación vital, ahonda en la belleza y el alma de este trópico para promover, entre otras, la conservación de sus ecosistemas. A lo largo de sus páginas, las revelaciones de este deslumbrante repertorio visual llevan al lector de asombro en asombro ante un mundo que, si bien intuía, no había visto captado en forma tan comprometida. Con textos de Arturo Guerrero, el presente volumen trae presentaciones de Germán Arciniegas, Sir Ghillean Prance y Art Wolfe, y un epílogo de William Ospina.

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AUTOR: INSTITUTO HUMBOLDT

Colombia país megadiverso La publicación presenta fotografías de paisajes que muestran los distintos laboratorios de vida distribuidos por la geografía nacional, para destacar a Colombia como un depósito genético de colosales proporciones. Recorrer sus hojas es descubrir un territorio especialmente húmedo, cuyos suelos son labrados y alimentados por los distintos ríos del país, y en los que hoy reposan las blancas coronas de las cumbres andinas, el reino del cóndor en páramos de la cordillera central, las pirámides de selva y nieve en el Caribe, los mares, corales y manglares en medio del desierto de la alta Guajira, el Chocó Biogeográfico y las lagunas de niebla en los humedales alto andinos, entre otros prodigios compilados en el libro. Colombia, país megadiverso es una de las publicaciones colombianas más completas por reunir imágenes, contenidos de calidad científica, ilustraciones, dípticos, trípticos y postales desprendibles que llevarán nuestro territorio, y sus especies, por el mundo, mientras evidencia la urgencia de conservar la belleza natural de estos lugares.

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II CONVOCATORIA DE PORTAFOLIOS FOTOGRÁFICOS COLOMBIA 2016

PRESELECCIONADOS

ALEXANDRA McNICHOLS AKADOI EBERA (ESPERANZA EMBERA)

ARIEL ARANGO SAAKHELUKIWEKAME/ OFRENDAALAMADRETIERRA

CAMILO JARAMILLO “ MI CITA CON EL UNIVERSO ”

CLAUDIA RUIZ LA VIDA EN ROSA

CRISTHIAN GAVIRIA ROSTROS LATINOAMERICANOS

DANIELA OLAVE INSTANTES

DIANA BELTRÁN LÍNEAS SUSPENDIDAS-BODIES

DIEGO FERNANDO PATIÑO PÉREZ TEJIDOS DE AGUA

EDWIN ELIUD RAMÍREZ OROZCO SERIE CONCEPTIVA

ESTEBAN TORO DESDE ARRIBA

GUILLERMO SANTOS AUGUSTOS

JONATHAN MANRIQUE NOSSA AMRITA, EL ELIXIR DE LA INMORTALIDAD

JORGE GAMBOA EL ESTADO DEL PENSAMIENTO

JORMAN BERRIO MONSALVE SERIE: COLORES ALADOS

JUAN MANUEL GARCÍA DE MIS LIBRETAS DE NOTAS

JULIÁN SÁNCHEZ “PAISAJES”

KRISTHIAN CASTRO FOTOGRAFÍA DE NATURALEZA

MAURICIO LEÓN LARGA ESPERA

MIGUEL ACERO DIAZ SINESTESIA

ÓSCAR CORAL BOLIVIA MAS CERCA DEL CIELO

ÓSCAR PERFER FIJAMENTE

PEDRO LONDOÑO INCÓGNITOS

SERGIO LALINDE MI IDENTIDAD

SIMÓN CALLE

WILMER FERNANDO GÓMEZ PUEBLO RICO

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