CULTURAL
MAGAZINE
ISSN - 2145 - 1133
PERIÓDICO MAGAZINE CULTURAL
Lab. Producciòn Gràfica año V volumen I número I
FEBRERO 15 2012
R
http://ISSUU.COM/enriquehernandez_r
Centro de Investigación Taller de la Imagen
Laboratorio de Producción Gráfica
LIBROS - CINE ARTE - EXPOSICIONES - CONFERENCIAS - TEATRO - LITERATURA - CONCIERTOS
museo del Louvre
en la
Taller Cinco SEMANA INTERNACIONAL DE LA MODA DE BOGOTÁ
CHOCO Ignaugura el FICCI 52º
co
Como parte de una generación que creció rodeada por los disquetes, cintas VHS, cassettes y polaroids, que se inspira en el impacto sociológico de una cultura nueva Internet
dautore Diseñado por el renombrado escultor estonio Mati Karmin, esta colección de muebles acepta el reto del reciclaje y la reutilización proyectiles navales mina, una vez que las armas de muerte y destrucción, y su transformación en materiales únicos y constructiva.
, e l c i c e R
y
e c i l i t u re
redise単e
o c
Mati Karmin
ñ e s i d dautore o Diseñado por el escultor estonio Mati Karmin esta colección de muebles acepta el reto del reciclaje y la reutilización proyectiles navales mina, una vez que las armas de muerte y destrucción, y su transformación en materiales únicos y constructiva. Las estufas resultante, sillones, cunas, cochecitos, camas, acuarios y muchas otras piezas claramente se jactan de sus orígenes militares a través de su distintivo conchas oxidado, metal corroído. Karmin se inspiró para crear MINAS muebles de hace casi cinco años, durante una visita a Naissaar, una pequeña isla al noroeste de la capital de Estonia de Tallinn.The isla había sido una importante base militar soviética hasta la década de 1990, incluyendo una mina de fabricación planta en el centro de la island.When los soviéticos abandonaron la isla, que destruyó su arsenal de bombas, pero dejó innumerables conchas esparcidas por las playas.
museo del Louvre
Veinte años después de la creación de la pirámide, estas nuevas habitaciones es el mayor proyecto de desarrollo en el Museo del Louvre! Que albergará unos meses una de las mejores colecciones de obras de arte en el mundo del Islam por la diversidad geográfica de las obras, la importancia del período histórico cubierto y la variedad de materiales y técnicasrepresentados. http://www.facebook.com/museedulouvre Sus extensas colecciones son el resultado de un doble esfuerzo histórico. Al coleccionismo desarrollado por la monarquía francesa a lo largo de varios siglos, se sumó el esfuerzo de los hombres de la Ilustración, la labor desamortizadora de la Revolución francesa y las campañas arqueológicas y compras impulsadas durante todo el siglo XIX. La apertura del Louvre en 1793 significó, dentro de la historia de los museos, el traspaso de las colecciones privadas de las clases dirigentes (monarquía, aristocracia e Iglesia) a galerías de propiedad pública para disfrute del conjunto de la sociedad. Por ello el Louvre constituyó el precedente de todos los grandes museos nacionales europeos y norteamericanos, y de hecho fue el modelo para muchos de ellos. Es el museo de arte más visitado del mundo y el más recordado por varias de sus obras maestras, como La Gioconda de Leonardo da Vinci.
en la Taller Cinco Centro de Diseño
La Corporación Educativa Taller Cinco Centro de Diseño, representada en esta oportunidad por el programa de Diseño de Alta Costura, que ha sido pionero en esta disciplina desde hace 36 años, se complace en presentar su colección “Olimpia”, el día 14 de febrero a las 12:30, dando así apertura a las pasarelas de la Semana Internacional de la Moda de Bogotá, en el recinto de Corferias.
COMPETENCIA OFICIAL 2012
En las propuestas de diseño de estos jóvenes creadores, es manifiesta su capacidad de buscar y plasmar diseños originales, acordes con la tendencias contemporáneas de la moda y todo esto a través de atuendos confeccionados con telas de su propia creación; lo mismo podemos decir de la forma de engalanar dichas prendas, con accesorios hábilmente concebidos para el correspondiente diseño. Igualmente en el salón Futuro, ubicado en el Stand 4, la institución tendrá una muestra permanente, durante los 3 días de la feria. Allí los espectadores podrán interactuar con los diseños presentados en la pasarela, y podrán apreciar los trabajos de los diseños de accesorios y marroquinería. El programa de Diseno Textil se ha unido a este evento y presenta los trabajos realizados en los talleres textiles. Los diseños que se presentan, han sido ideados especialmente para ser exhibidos durante este evento de la moda. Dichos diseños textiles presentan propuestas vanguardistas e innovadoras.
EDGARDO LÓPEZ
¿Diseño gráfico en peligro de extinción? ¿Esta profesión ha entrado en una fase de alerta? ¿Está condenada a desaparecer y convertirse en algo del pasado?
El diseño gráfico es una actividad profesional que combina la sensibilidad visual, el dominio técnico, la experiencia y/o formación especializada, las destrezas y el conocimiento en tipografía, imágenes, organización espacial, comunicación visual entre otros para dar forma, previo a su producción industrial, a las necesidades de comunicación de otros, ya sea para informar, persuadir, organizar, estimular, orientar, identificar, atraer la atención o proporcionar placer. Esta actividad interdisciplinaria que prefigura los mensajes para resolver problemas de comunicación específicos, es desarrollada por los diseñadores gráficos que crean, eligen y organizan elementos como la tipografía, las imágenes, el color y el «espacio en blanco» a su alrededor. Esta gran carrera reconocida en algún momento como crucial, ha entrado en una fase de alerta y está condenada a desaparecer y convertirse en algo del pasado. Sería cómodo atribuir este fenómeno a la acelerada evolución tecnológica, al desarrollo del software o al crecimiento desbordado del internet y los nuevos artefactos inteligentes, pero no es así. Tampoco se debe a que haya surgido la nueva profesión que la reemplace o sustituya. A continuación se presenta una lista con los factores endógenos que han propiciado su deterioro. Cabe señalar que una parte importante de ellos sucede durante el período de gestación de esta especie llamada diseñador gráfico: Ausencia de teorías desarrolladas a partir de la práctica, la observación y el análisis Los docentes de diseño gráfico se han apropiado de teorías de otras áreas de conocimiento y de manera inconsciente han permeado estas teorías como si fueran las propias de la profesión. Alevosamente y por desconocimiento de la profesión, es común que se reempacen los saberes que son producto la práctica, el ensayo, la observación y el análisis, por teorías que no encuentran piso a la hora de aterrizar en una aplicación puntual de diseño gráfico. Desaparición gradual del taller de diseño y las horas de práctica La evolución de los planes de estudio de esta carrera muestra como constante, la reducción de las horas dedicadas al taller de diseño, al espacio para la experimentación y el ensayo gráfico. Son dos las causas principales: primero se acortó la duración de las carreras (políticas educativas) y en seguido la incapacidad de los profesores de diseño por mantener ocupadas esas horas destinadas al taller de diseño utilizándolas, en el mejor de los casos, en «resanar» huecos de otras áreas correspondientes a la formación del estudiante. Falta de análisis de casos El método de análisis de casos, en la enseñanza del diseño, contribuye al análisis crítico y al acercamiento a las teorías. Partiendo de hechos reales y concretos existentes en el ámbito inmediato, para llegar desde allí, junto con los alumnos, a la abstracción, a la generalización y a la formulación teórica, a través de la observación, la reflexión y el raciocinio.
Diseño por correspondencia No se puede aprender a diseñar por correspondencia. A diseñar se aprende diseñando. Es decir no se diseña solo leyendo textos sobre diseño, no se aprende a nadar con un manual de natación. Se aprende a diseñar resolviendo problemas reales o realistas de diseño gráfico, primero con el uso de las herramientas propias de la profesión, y luego, combinando otros conocimientos y sumando experiencias. Ausencia de un modelo de evaluación Es común que la aprobación del proyecto se deba a la buena voluntad del profesor y no al cumplimento de los requerimientos técnicos, al óptimo rendimiento y a la suficiente calidad gráfica de las piezas diseñadas. No existe un seguimiento riguroso del proceso de diseño (si es que lo hay) y no se detectan a tiempo inconsistencias determinantes. Los modelos de evaluación no son claros y suelen dar más importancia a otros aspectos por encima del diseño gráfico. Los profesores «barco» son los más exitosos. Festejo a las buenas ideas La originalidad y la creatividad no son siempre las condiciones determinantes en los proyectos de diseño gráfico. Debe existir conocimiento y respeto por los códigos. La educación profesional no es un laboratorio donde se mide la cantidad de secreciones del hemisferio derecho del cerebro. Baja cultura gráfica De manera generalizada se ignora el trabajo realizado por nuestros antecesores. Se han realizado grandes obras mucho tiempo antes de que los estudios en diseño gráfico que se formalizaran. Parece que la profesión se inaugura con cada proyecto que se inicia. Es notorio el desconocimiento o desprecio de la obra de grandes diseñadores. No se saber ver diseño. No se identifican soluciones gráficas resueltas magistralmente. Se menosprecian los saberes empíricos y populares y se ignora la existencia de códigos. Sobresaturación de los programas educativos con el pretexto de una formación integral La formación universitaria exige que el alumno sea educado de manera integral. Según la institución encargada del programa, podrá hablarse de una educación con perfil humanista, de negocios, tecnológica, con compromiso social, etcétera. Se ha perdido el enfoque. Una escuela, facultad, centro universitario o instituto que forma diseñadores gráficos, no debe perder de vista que lo mínimo que debe lograrse al otorgar el título es que el profesional sepa diseñar con un nivel de suficiencia técnica y conceptual. No es posible escudarse en la premisa «No diseña bien pero es buena persona». Resistencia al uso de los métodos Si bien cada proyecto de diseño exige un tratamiento particular y un proceso único, no todos los proyectos se inscriben en una tipología única e irrepetible. Si bien la identidad de una empresa es única, desarrollar sistemas de signos de identificación se ha hecho cientos de veces y las necesidades se resuelven regularmente con las mismas piezas. De la misma forma el contenido de un libro suele ser irrepetible, pero el diseño editorial se ha hecho durante siglos. Existen métodos de diseño utilizados en diversas universidades, en programas de posgrado, en laboratorios y centros de investigación, en agencias o en distintas empresas privadas, pero en las aulas existe resistencia para que penetren estos modelos por el error de considerarlos «rígidos, repetidos e inhibidores de creatividad».
Ausencia de diseñadores gráficos en la enseñanza Existen diseñadores gráficos que no poseen una formación «oficialmente reconocida» y también aquellos que no han optado por la vida académica. Que han estado a cargo de proyectos reales. Simples y complejos. Bajo condiciones técnicas específicas, interactuando con otros técnicos y profesionales, con tiempos récord de trabajo; transformando los mensajes generados por otros, sorteando los presupuestos en su empresa o de forma directa con el cliente. Estos diseñadores que han aprendido el oficio en la práctica cotidiana y que poseen una experiencia invaluable, no son los que están al frente de las asignaturas de diseño gráfico, y su participación se obstaculiza por el complejo tramado administrativo o por la falta de credenciales. Programas de estudio obsoletos y desarticulados con el sector productivo En la mayoría de las profesiones (licenciaturas) las demandas de la sociedad rebasan a los programas de estudio. En un periodo corto de tiempo quedan desarticulados del sector que recibirá a sus egresados. No obstante en el caso del diseño gráfico este desfase es más grave. Los programas de estudio se revisan —en el mejor de los casos— cada cinco años y los responsables no son siempre los que más conocen el contexto en que se inscribe la profesión. Egocentrismo profesional Se ha instalado la idea de que el profesional del diseño gráfico es un artista, es el centro del proyecto, cuyas ideas y conceptos son inmutables. Aspira siempre a ser el director de arte, pasando por alto que el diseño gráfico es un componente más del proyecto y el diseñador regularmente es un empleado y un colaborador de un equipo de trabajo. Abandono de la figura maestro-aprendiz El diseñador ya no trabaja si no hay algún tipo de remuneración. Con la licenciatura todo está aprendido. Ha desaparecido lamentablemente la figura romántica renacentista del maestro-aprendiz, en donde se trabajaba a cambio de aprender. Si a esta lista se añaden factores exógenos como la poca o nula participación del sector productivo (los contratantes de diseño), el desprecio institucional (gobiernos, universidades, sector público), la competencia por los subsidios gubernamentales entre escuelas y universidades, el maquillaje a las acreditaciones de calidad de los programas educativos así como la ausencia de órganos colegiados y de arbitraje; asumimos que las posiblidades de subsistencia son aún menos probables. Sin embargo, el verdadero problema radica en la propia especie, en el diseñador gráfico, su empobrecimiento genético ha ocasionando que esta profesión sea cada vez más vulnerable, cambiando gradualmente de categoría: de amenazada a vulnerable, de vulnerable a en peligro, pasando recientemente a peligro crítico, colocándola así en la Lista roja de profesiones en peligro de extinción. De nosotros depende disminuir el riesgo, regenerar la relación con la especie y con los demás integrantes del ecosistema productivo, salir de la lista roja, ampliar el estado de conservación y restablecer la presencia del diseño gráfico como factor crucial de enriquecimiento cultural. http://foroalfa.org/articulos/diseno-grafico-en-peligro-de-extincion
Enrique HernÁndez Romero BOGOTÁ (DISTRITO CAPITAL), COLOMBIA
…si bien es cierto mediáticamente salta el ego, y aparecen los comentarios de «...yo si hago, mis estudiantes si aprenden, en mi universidad si se investiga, mi práctica de taller es la ideal, en mi estudio somos profesionales, en mi país todo está bien,…» no podemos ser ajenos a una realidad que cada vez tiene más de verdad preocupante, ! la profesión de diseñador !, está en crisis. Las excepciones siempre estarán a la orden del día, -afortunadamente- y quien esté cobijado por esa condición mi mas sincera felicitación y celebro que quienes de usted aprenden continúen por ese camino. ...La profusión de lugares que otorgan títulos avalados oficialmente generando desde capacitación para el trabajo, técnicos profesionales, tecnólogos profesionales, profesionales de diseño, con duración de los estudios desde un año hasta cuatro o cinco; y donde todos y cada uno se cree o considera para sí, un Diseñador. Pero no basta con revisar los contenidos de los programas académicos para otorgar una «acreditación», -el papel aguanta todo- es realmente pertinente el que, cómo, de que forma, porque, y para que se hace un proyecto y fundamentalmente no desconectar el entorno académico... …y fundamentalmente no desconectar el entorno académico de donde se aprende con el de la realidad que se vive con problemáticas, situaciones, proyectos y clientes reales, y no formulaciones amañadas y ejercicios al gusto y estilo de quien supuestamente enseña forma y estructura nuevos profesionales del diseño. Si adicionalmente quien se inscribe a un programa en el lugar que sea, no lo asume -como lo es en una muy buena cantidad de casos- estudia por cumplir con los requisitos mínimos de aprendizaje y diplomarse a la mayor brevedad, es este quien diariamente ayuda a que la crisis se agudice.
Fallece Antoni Tàpies Antoni Tàpies, pintor, escultor y artista teórico español, falleció el lunes 6 de febrero en Barcelona a los 88 años, según un comunicado emitido por su familia. Con Tàpies desaparece uno de los referentes del arte de vanguardia del siglo XX. La evolución de la obra de Antoni Tàpies (Barcelona, 1923) se ha mostrado, ante todo, coherente a lo largo de su carrera y hasta nuestros días. Desde los años cuarenta y cincuenta, Tàpies comenzó a tratar motivos, temas y líneas creativas que desarrollaría durante el resto de su trayectoria. Pero sin duda es a finales de los cincuenta cuando comienza su recorrido como un artista verdaderamente maduro. Durante la década de 1960 y 1970 su estilo se afianza y se produce la evolución más interesante, que da lugar a sus obras más características. Es durante los años sesenta cuando el interés por experimentar con la textura de la obra da lugar a lo que se ha venido a llamar “materias”. Aparecen nuevos motivos iconográficos,
signos de escritura, huellas de pisadas, marcas de la mano del artista en la tela. En 1990 abrió las puertas al público la Fundación Antoni Tàpies, institución creada por el propio artista para potenciar el arte contemporáneo, y que tiene además la función de biblioteca, auditorio y museo, contando entre sus fondos con gran cantidad de obras donadas por el artista A lo largo de su carrera recibió premios y distinciones, entre los que destacan el Premio de la Fundación Wolf de las Artes (1981), la Medalla de Oro de la Generalidad de Cataluña (1983), el Premio Príncipe de Asturias de las Artes (1990), la Medalla Picasso de la Unesco (1993) y el Premio Velázquez de Artes Plásticas (2003). Como reconocimiento a su trayectoria artística el rey Juan Carlos I le otorgó el 9 de abril de 2010 el título de marqués de Tàpies. Su fundación decidió celebrar dos jornadas de puertas abiertas “en señal de luto” por el fallecimiento del artista.