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ISSN 2145-1133

Lab. Lab. Producciòn Gràfica

RR

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Periódico Magazine IV volumen II número 18 Diciembre Centro de Investigación de la Imagen Laboratorio Laboratorio de Producción Gráfica Edición Edición Magazine CulturalCuñtural SUR añoaño v volumen II número 20 Noviembre 2013 2012 Centro de Investigación Taller Taller de la Imagen de Producción Gráfica onlineonline

LIBROS - - CINE CINE ARTE ARTE - EXPOSICIONES EXPOSICIONES -- CONFERENCIAS CONFERENCIAS -- TEATRO LITERATURA -- NEWS LETTER -- LIBROS TEATRO -- LITERATURA LETTER --

MARCOS RODA

TIEMPOS

en REVUELTOS

Roda se ha ido convirtiendo en maestría, en deleite, en la desfachatez de un oficio tan avanzado que le permite re pintar a Velásquez... el tiempo revuelto de los trasuntos nacionales hasta llegar a la cultura transmilénica.

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Una mirada al dibujo en la obra de Roda

DETRÁS del

UNIVERSIDAD DE, LOS ANDES, EDIFICIO JULIO MARIO SANTO DOMINGO

UNA MIRADA INFORMAL A LA EXPOSICIÓN REALIZADA EN EL AUDITORIO JULIO MARIO SANTO DOMINGO, EN LA UNIVERSIDAD DE LOS ANDES, COMO UN PEQUEÑO HOMENAJE AL MAESTRO Y A LA PRESENCIA DEL DIBUJO EN SU VIDA Y OBRA.

EXTRAÑO

MUNDO

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http://www.dexigner.com/

Halloween

En las décadas de los 70 y 80 se produjo la primera película conmemorativa de la temporada, un evento que marcó la historia ya que dio paso a las temáticas de terror para la producción en cine y el diseño de Afiches basados en las mismas.

FORO ALFA

JOAN COSTA

Este clásico de la Animación cuadro a cuadro “Stop motion” cobra vida gracias al ingenio de Tim Burton y a un equipo de más de 100 artistas y técnicos, quienes pasaron tres años pintando, modelando y animando cada cuadro, a medida que empujaban al límte esta forma de Arte cinematográfico Continúa en la página 21

Gráfica

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de JACK

Corporal

Vanitas Libellum http://www.facebook.com/laquintadelobo?fref=ts

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Vanitas Libellum es un montaje escénico multimedial en el cual se integran; video en vivo y tiempo real, video-mapping, interacción física (tracking) y música original en vivo.

2012

El proyecto se inspira en el bodegón barroco también conocido como “vanitas” (el cual representa en paso del tiempo y la evanescencia de lo terrenal), y es de cierta forma una reflexión en torno a la construcción contemporánea del cuerpo y la idenLa gráfica, lo plástico, el soporte, el sustrato, el tidad en un tiempo y un espacio mediados por la cuerpo, la figura, nos invitan a hacer una mirada El Museo de Arte del Banco de la República, presentó la exposición “Vik Muniz: más acá velocidad y la tecnología. al entorno que nos rodea, a detenernos por un instante de y observar esa marca sutil pero que año. El artista revisa veinte de la imagen” , desde el mes agosoto a octubre delindeleble presente Quinta delse Lobo Tres puntualizaciones años y doce de principios para tran- artística. vamos dejando porexposición el sendero en que cada tuvo uno delugar los su producción En la enLaBogotá, hason: incluido Carmen Gil Vrolijk, Camilo Giraldo, Ricardo Gasitar del grafismo y el diseño gráfico hacia el futuro lugares donde las acciones cotidianas pasan desbuena parte de sus obras y series más representativas. Fue el propio Muniz quien junto al llo, Luisa Hoyos, Milthon Piñeros, Nia Barreto. de la comunicación visual. apercibidas,

Cambio de paradigma:

La Comunicación Visual

equipo de la Unidad de Artes del Banco de la República dirigió el montaje de la muestra.

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*2 “A MEDIDA QUE LA FOTOGRAFÍA SE HACE PROGRESIVAMENTE EFÍMERA A TRAVÉS DE SU DISEMINACIÓN DIGITAL, MI OBRA BUSCA RECONECTARLA CON LOS SENTIDOS AL INVOLUCRAR AL PÚBLICO CON SU CARÁCTER FÍSICO Y MATERIAL”.

Pueden ser fríjoles, espaguetis, chocolate, caviar o azúcar, así como motas de algodón, hilo, alambre, diamantes o basura; cualquier material es válido para Vik Muniz. Con las imágenes sucede algo parecido, bien pueden ser personajes de la cultura popular como Drácula, Frankenstein o Elizabeth Taylor, obras de arte de pintores como Edward Hopper, Paul Cézanne, Caravaggio o Warhol, e incluso imágenes con una alta connotación política como fotografías de la Guerra de Vietnam.

A veces la relación entre el material y la imagen es aleatoria: en estos casos el artista prueba varias imágenes hasta encontrar aquella que funciona mejor con las características físicas del material. En otras ocasiones es congruente, como en Niños de azúcar, una serie que surgió tras el contacto de Muniz con algunos trabajadores y sus hijos en las plantaciones de caña de azúcar en la isla de San Cristóbal en el Caribe, imágenes donde el brasileño reproduce los rostros de los niños

espolvoreando azúcar sobre una cartulina negra.

“Trabajo mucho con los iconos y con la familiaridad del público hacía ciertas imágenes.

Yo hago siempre la mitad de la obra, la otra mitad la pone el espectador y su proceso al ver la pieza. Procuro que haya una interactividad dirigida hacia el bagaje visual del espectador.

Iconos o arquetipos. Que tenga la impresión de haber visto eso antes y encontrar a su vez algo distinto en ella. Un cortocircuito, una discrepancia que hay que ajustar. Y ese ajuste es una especie de conversación consigo mismo.

No se trata solo de ver, sino de negociar con lo que se ve”, explica el artista.

El ensueño, según Manuel Álvarez Bravo de la serie Jeroglíficos, 2008 263.5 x 180.3 cm Impresión cromogénica

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PERIÓDICO MAGAZÍN CULTURAL SUR Director Fundador Maestro Enrique Hernández R. http://issuu.co/enriquehernandez_r Enrique Hernández Romero Asistente de Diseño Haydeé Orjuela Benitez Diagramación / Compilación LAB.PRODUCCIONGRAFICA Haydeé Orjuela B. - Margarita Cancino Fotografía y Retoque Digital Enrique Hernández R y Haydeé Oorjuela B. circulación mensual Distribución GRATUITA Edición

El magazín cultural SUR, es una publicación periódica del ción de las actividades académicas y culturales de interés general para los estudiantes del área del diseño, el arte y la comunicación visual y de la comunidad inter-universitaria en general.

La reproducción total o parcial de esta publicación está permitida por cualquier medio siempre y cuando se cite los autores LABORATORIO DE PRODUCCIÓN GRÁFICA Cra. 4ª 24-59 TA-1004 Cel. 3124271489 BOGOTÁ - COLOMBIA 2013-2

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El momento en que el espectador se acerca a la obra, en que se percata que lo que identificó a cinco metros cambia drásticamente si se ve a unos cuantos centímetros de distancia, ese “ritual de aproximación” —como él mismo lo denomina—, es por qué detrás de las obras de Muniz. Es deliberadamente un juego que el artista, consciente de sus limitantes y del contexto de su obra, le propone al espectador: lo incita a acercarse, a ir “más acá”, a que se pregunte cómo fue hecha la imagen y qué es realmente lo que está mirando.

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MUNIZ DE VISITA POR BOGOTÁ - COLOMBIA El Museo de Arte del Banco de la República, presentó la exposición “Vik Muniz: más acá de la imagen” , del agosoto a octubre del presente año. El artista revisa veinte años de su producción artística. En la exposición que tuvo lugar en Bogotá, se ha incluido buena parte de sus obras y series más representativas: Lo mejor de Life, Equivalencias, Imágenes de alambre, Niños de azúcar, Imágenes de hilo, Imágenes de tierra, Imágenes de chocolate, Después de Warhol, Imágenes de earthworks, Imágenes de nubes, Mónadas, Jeroglíficos, Imágenes de diamantes, Imágenes de caviar, Imágenes de revistas, Imágenes de chatarra, Imágenes de desechos, Imágenes de pigmentos, Imágenes de basura, Imágenes de papel y Rompecabezas gordianos.

Fue el propio Muniz quien junto al equipo de la Unidad de Artes del Banco de la República dirigió el montaje de la muestra. “Mostrar la exposición en Colombia me pone en contacto con una cultura que, geográficamente hablando, ha compartido constantemente situaciones políticas y culturales con la mía propia, pero que de manera admirable ha logrado preservar una identidad local muy fuerte.

Estoy muy interesado en observar cómo será percibida y disfrutada mi obra por el público colombiano. Estoy seguro de que será una rica y gratificante experiencia para todos nosotros”, concluye el artista.

Drácula de la serie Imágenes de caviar, 2004 149.8 x 119.9 cm Ilfoflex *detalle

Biblioteca Luis Ángel Arango del Banco de la República. “Vik Muniz: más acá de la imagen” Publicación digital en la página web de la Biblioteca Luis Ángel Arango del Banco de la República. http://www.banrepcultural.org/blog/noticias-de-la-actividad-cultural-delbanco-de-la-rep-blica/vik-muniz-m-s-ac-de-la-imagen

Elizabeth Taylor de la serie Imágenes de diamantes, 2004 152.4 x 106.7 cm C-Print digital

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*6 EL ARTISTA En su obra, Muniz nos sitúa frente a un objeto, cuya identidad indecisa, nos hace conscientes de nuestro propio acto de percepción. Es decir, la incertidumbre del objeto, nos hace cuestionarnos por lo que estamos viendo. Tomamos distancia y somos conducidos a una experiencia con la imagen, que va más allá del mero ilusionismo de la representación. Muniz nos propone un fallo—un “corto circuito” —para entender que precisamente estamos ahí, ante ese momento de percepción, y lo experimentemos.

Muniz nos invita nuevamente a preguntarnos: “¿Qué estamos viendo?”, “¿Una fotografía camuflada de pintura, o una pintura camuflada de fotografía?”, “¿La pintura de una fotografía, fotografiada nuevamente?”, “¿Es la fotografía de otra fotografía, elaborada en otro material?”. De manera inconclusa, el artista nos sitúa ante una experiencia que algunos críticos han calificado como una aporía, una dificultad lógica irresoluble , en este caso, entre los medios que confluyen en la imagen.

Además de la multiplicidad de materiales extraños y su astuta o jocosa relación con el tema representado, o de los proyectos en los cuales ha abordado críticas realidades sociales referentes a la infancia, como en Niños de azúcar (1996), Aftermath (1998) o Mónadas (2003); o comentarios a los medios de comunicación, en series como Imágenes de tinta (2000) o Imágenes de revistas (2003), o trabajos en los que ha hecho alusiones a la cultura pop, como en Imágenes de caviar (2004) o Imágenes de diamantes (2004); más allá de su deleite con la historia del arte, y las múltiples anécdotas que han inspirado sus trabajos; todo lo cual, hace de Muniz un artista rico en curiosidades y preocupaciones. Lo que el artista nos presenta finalmente son los resultados de lo que podríamos definir como un laboratorio visual, donde, desde sus orígenes, hay un persistente deseo de juego con el espectador.

Lo demuestran así trabajos ya avanzados de

www.vikmuniz.net www.instagram.com/vikmuniz www.twitter.com/VikMuniz Para mayor información consulte: www.banrepcultural.org/vik-muniz

su carrera como Earthworks (2002), en el que los registros fotográficos originales de obras land art—como Spiral Jetty de Robert Smithson—se vuelven indistinguibles de fotografías tomadas a maquetas de pequeña escala, elaboradas por el mismo Muniz, o Nubes Nubes (2001) donde, de nuevo una nube, se nos plantea simultáneamente como realidad y como representación.

Ni pintor, ni dibujante o fotógrafo, más bien, un mediador entre materia y mente, entre realidad física y percepción. Muniz puede ser visto como un investigador visual, quien entre sustancias, medios y artimañas, llega a interesantes cuestionamientos sobre el mundo de las imágenes, la representación y la percepción; e interfiriendo en las mismas, nos reta así, en nuestra propia credulidad frente al mundo visual. ¿Qué tan lejos llegamos en nuestro deseo de creerle a las imágenes? En sus obras, Muniz nos invita a experimentar el artificio de su engaño; en el día a día, nos permitimos su dulce ilusión.

Biblioteca Luis Ángel Arango del Banco de la República “Vik Muniz: más acá de la imagen” Publicación digital en la página web de la Biblioteca Luis Ángel Arango del Banco de la República. http://www.banrepcultural.org/vik-muniz/el-artista.php Mona Lisa doble (Mantequilla de maní y jalea) de la serie Después de Warhol, 1999 130 x 178 cm Cibachrome

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Fotografías de los visitantes a la exposición Vik Muniz: “más acá de la imagen” Museo de Arte del Banco de la República Fotografías tomadas de http://www.banrepcultural.org/blog/noticias-de-la-actividad-cultural-del-banco-de-la-rep-blica/vik-muniz-m-s-ac-de-la-imagen

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MARCOS RODA

TIEMPOS

en REVUELTOS

MARCOS RODA SE REVUELVE

el asfalto de Suba, altar de ciclistas y viejos camiones.

La primera vez que trabajé con Marcos Roda, teníamos apenas ocho años y a ambos nos interesaba la geografía. Hicimos juntos mapas y textos sobre el departamento del Atlántico en el colegio. Pasamos… apenas.

En estos “Tiempos Revueltos” Marcos ha llegado a una especie de epifanía en la cual la revelación de sí mismo y de su madurez se produce por el acumulado de sus obras de muchos tiempos, de muchos géneros y técnicas plásticas. De repente esa “arqueología del instante” que Roda ha recuperado a lo o largo de décadas, se convierte en una conciencia de identidad, es una suerte de fidelidad a sí mismo y a lo vivido, hoy envuelta en los vahos de la serenidad después del jolgorio.

Cada cual siguió el camino de los días y le fue fiel en estos 50 años de amistad (¿bodas de billar?) al origen intuitivo de tierras, a nuestra vocación de paisajes rurales y urbanos. Yo me dediqué a la dromomanía y Marcos a contarnos en acuarelas, oleos, grabados, dibujos y demás, también su manía, la de traducir esa alianza a veces sagrada pero siempre sensible entre la gente y sus territorios, sean estos los vientos cromáticos de Ráquira o

“Tiempos Revueltos” que son un orden no necesariamente cronológico en el desorden de grabar o pintar o fotografiar lo cotidiano, lo necesario, el nutriente que se digiere pronto, energía para la energía.

¿Proceso? Más bien pro seso, jugo de instinto que en Roda se ha ido convirtiendo en maestría, en deleite, en la desfachatez de un oficio tan avanzado que le permite re pintar a Velásquez, andar caminos de abstracciones picarescas o montarla de montajes en los cuales interviene la realidad fotográfica para darle la potencia del encuentro de caminos donde se cruzan el humor , la historia de la patria, boba o no, Bolívar de putas en Sasaima , el prócer enguayabado, el tiempo revuelto de los trasuntos nacionales hasta llegar a la cultura transmilénica.

Al lado, regresa el niño que mira museos, que absorbe obras, que decanta ese saber del artista maduro, hecho también de una mezcla colorida de razones , emociones y sobre todo, una intuición de saber sin saber, de narrar formas, ideolo-

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“El florero” Impresión digital sobre lienzo edición 1/5 67.5 x 103 cm 2013

gías o momentos, sin que pierdan la profundidad de lo cierto, pero a lo Roda.

Hasta los paisajes se le mueven, se le truecan a Marcos Roda, acuarelista consumado. ¿Retrospectiva?

Tal vez, pero sin espejo retrovisor, solo con nostalgia de alguna lúdica inicial y juvenil que de todos modos sigue ahí.

Playas de acá, inundaciones de la resistencia de la tierra en Fúquene, vírgenes arrechas, uno que otro vía crucis biarticulado, geografía del transporte (Roda quiso ser antes que nada camionero) vejeces europeas en su zaga de catalán con pola.

Marcos Roda se cruza con su propio camino y no se devuelve. Apenas se revuelve.

ANTONIO MORALES RIVEIRA

De la serie museos “Monet” Impresión digital edición 1/5 42 59.5 cm 2013 “Ladrilleros” Impresión digital sobre lienzo, pegada sobre aluminio 54.5 x x121 cm 2012

“El enguayabado I” Impresión digital edición 2/5 42 x 59.5 cm 2011

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“Tiempos revueltos” Impresión digital sobre lienzo edición 1/5 31 x 102.5 cm 2013

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La Otra Bienal Del 7 al 30 de noviembre. Intervenciones artísticas en espacios públicos, talleres, conferencias, ciclos de video arte y cine documental Ambulante que ocuparán los barrios de La Perseverancia, La Macarena y Bosque Izquierdo. http://laotrabienal.com

‘Shunga: sexo y placer en el arte japonés

El Museo Británico celebra el placer sexual a través del ‘shunga’ la institución inglesa propone, hasta el 5 de enero, un recorrido inédito por tres siglos de tradición ‘ukiyo-e’. Considerado una autoridad en la impresión del color ‘nishiki-e’, Torii Kiyonaga hizo suyas las afamadas composiciones de mujeres bellas (‘bijinga’). Los baños públicos, ‘las habitaciones del placer’ y el ‘kabuki’ fueron el caldo de cultivo de una trayectoria que es un canto a ‘la alegría de vivir’ (tema que se convertiría en un lema francés). http://www.septimovicio.com/tendencias/1810113el-museo-britanico-celebra-el-placer-sexual-a-traves-del-shunga/#.UoYwDsQ2ZhF

Dieter Rams, 10 Principios del buen diseño en formato Afiche Dieter Rams estuvoinvolucrado en el desarrollo de cientos de productos para Braun. Ha tenido un riguroso acercamiento al lenguaje del diseño visual lo cual, ha destilado en los 10 prinicipios básicos del buen diseño según Rams.

Esta libre para descargar. http://creativebits.org/inspiration/dieter_rams_10_ principles_good_design_poster_fo

Buñuel y la herencia surrealista

Beneficiándose de la vigencia de su patrimonio cinematográfico e ideológico, y en conmemoración del treinta aniversario de su muerte, el notorio hispanista Ian Gibson publica ‘La forja de un cineasta universal (1900-1938)’ (Ediciones Aguilar), un voluminoso tomo que reconstruye de forma meticulosa sus años de formación y el preámbulo de su carrera tras la cámara. Siete años de trabajo para desvelar “la vida interior y los claroscuros” de un gran fabulador http://www.septimovicio.com/cinemaretro/1211113-bunuel-y-la-herencia-surrealista/#.UoY7yMQ2ZhE

VIII PREMIO IBEROAMERICANO DE DISEÑO CORTES DE CÁDIZ

El Ayuntamiento de Cádiz puso en marcha, hace más de una década los Premios Cortes de Cádiz, de marcado carácter iberoamericano. El objetivo es dar a conocer los trabajos de investigadores, creadores y aquellas personalidades en diversos campos de la ciencia, el arte, la política y la empresa. La iniciativa se enmarca dentro de los actos que Cádiz, como Capital Iberoamericana de la Cultura 2012, organiza en conmemoración del Bicentenario de la Constitución de 1812. El Ayuntamiento de Cádiz ya ha publicado en esta web las bases de los Premios para la edición de 2014, para los cuales podrán presentarse los trabajos hasta el próximo 29 de noviembre. Hay que recordar que, desde que hace unos años se creara la web oficial de los Premios, todas las categorías admiten la presentación de trabajos y candidaturas a través de internet, además de seguir estando activa la presentación física de los mismos si así se prefiere. http://www.1arte.com/showconcurso.php?estilo= 9&concurso=11937&nombre=VIII+PREMIO+IBE ROAMERICANO+DE+DISE%D1O+CORTES+D E+C%C1DIZ#.UoY9G8Q2ZhE

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Edición en línea: ISSN 2346-3244

Edición impresa: ISSN 2346-3252

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Año Año I Número I Número 006006- -Octubre Octubre7 7dede2013 2013 - - Bogotá, Bogotá,D.C. D.C. - - 500 500 ejemplares impresos

Seducción: realismo extremo en la década

MARIANGELA MÉNDEZ (Colombia)

Profesora Asociada, Departamento de Arte, Facultad de Artes y Humanidades, Universidad de los Andes.

Proyecto ganador del V Premio de curaduría histórica 2011

¿Es posible dar cuenta de la realidad a través del arte, de su meticulosa observación de la vida, de un lugar, de un momento? ¿Puede el arte ofrecer una representación verídica, objetiva e imparcial de la realidad?

La exposición Seducción, resultado de la investigación Hiperrealismo y Foto-realismo en la década del setenta en Colombia, ganadora

Edición en línea: ISSN 2346-3244

Edición impresa: ISSN 2346-3252

AñoI Número I Número 008- - Octubre Noviembre de 2013 - Bogotá, D.C. - 500ejemplares ejemplaresimpresos impresos Año 006 7 de42013 - Bogotá, D.C. - 500

Norman Lindsay / Aguafuerte / Aguatinta

Norman Lindsay / Gráfica erótica Norman Alfred William Lindsay (22 febrero 1879 -21 noviembre 1969).

Nacido en Creswick, Victoria. Fue un prolífico artista, escultor, escritor, dibujante editorial.

Ampliamente considerado como uno de los artistas más grandes de Australia, produjo un gran volumen de trabajo en diferentes medios, entre ellos el dibujo a la pluma y el grabado.

Sus trabajos de desnudos suntuosos fueron muy controvertidos.En 1939, varios de

ellos fueron quemados en los Estados Unidos cuando el tren en el que viajaba se incendió.

Un gran conjunto de su obra se encuentra en su antigua casa en Faulconbridge, Nueva Gales del Sur, ahora el Norman Lindsay Gallery and Museum, y muchas obras residen en colecciones privadas y corporativas.

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Miguel Angel Rojas / “Pelito” / Aguafuerte 1973

del setenta en Colombia

del V Premio de Curaduría Histórica, 2011, reúne a un conjunto de artistas que dedicaron parte de su producción a la nueva figuración, al realismo extremo que va más allá del hiperrealismo. Lo que buscan estos artistas, más que imitar, es corregir la realidad, iluminarla de otra forma, para entablar un diálogo entre el arte y su contexto inmediato, para detenerse en las cosas, en lo familiar y dar cuenta, en últimas, de la seducción de la experiencia cotidiana, de los objetos de casa, de sus espacios íntimos y privados o de la parte invisible y oscura de su ciudad. continúa página 4

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*14 La palabra Halloween significa ‘all hallows even’, traducida al español como ‘víspera de todos los santos’, debido a que se conmemora una noche antes de la festividad cristiana de ‘los santos’. Sin embargo, la tradición de los temas escalofriantes en Halloween viene de la cultura celta. En esta fecha, conocida como ‘Samhain’, se celebra el fin del verano, el año nuevo y el principio de una temporada oscura en la cual se unifican los mundos y, según la leyenda, todas las almas llegan para hacer contacto con los vivos. Por tal razón, al sentirse desprotegidos por la inminente presencia de espíritus malvados, los celtas utilizaban máscaras macabras con la firme creencia de que estas ahuyentaban a esos seres del inframundo. Esto, más hogueras alimentadas con huesos de animales sacrificados, eran su seguro de vida

Halloween unahistoriacondiseño 1840

la festividad llega a América. No tuvo gran acogida, solo se tallaba la popular calabaza, sin embargo, 81 años después, en Minesota, EE.UU., se realizó la primera celebración de la fecha con un desfile masivo. Con el paso del tiempo todos los estados se fueron apropiando de la popular festividad. En las décadas de los 70 y 80 se produjo la primera película conmemorativa de la temporada llamada ‘La noche de Halloween’, un evento que marcó la historia ya que dio paso a las temáticas de terror para la producción en cine.

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El arte celta

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Está basado en dos tendencias distintas en cuanto a los elementos representados y el estilo empleado: la tendencia naturalista y la geométrica. Vamos a ver la descripción de estos dos estilos así como unos afiches basados en películas clásicas del género cinematográfico del terror u horror, utilizando estas tendencias del arte celta, o que han sido influenciados por los mismos.

La tendencia de representacion de la naturaleza Los artistas celtas tuvieron gran vocación por la representación de la naturaleza en que vivían. Proliferaron tanto motivos vegetales como guirnaldas, hojas y flores, como distintos animales y personas. Estas figuras suelen ser interpretadas de forma esquematizada y estilizada, pero con gran expresividad.

La tendencia geometrica abstracta.

El artista celta también gustaba de la creación de diseños geométricos complejos a base de líneas continuas que fluyen de forma intrincada -frecuentemente entrelazándose en nudos- creando composiciones de gran belleza

Afiche de “Nosferatu the Vampyre” del año 1979, escrita y dirigida por Werner Herzog.

Afiche del diseñador Mondo, basado en la clásica película “Drácula” de Bela Lugosi.

Afiche del diseñador Mondo, basado en la película “The Bride of Frankestain”

Afiche del diseñador Mondo, basado en la película “The Mummy”

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Art Deco

El Art Deco es el estilo propio de las artes decorativas desarrollado en el periodo de entreguerras, entre 1920 y 1939 en Europa y América. Alcanzó su máximo esplendor en la Exposición Internacional de Artes Decorativas de París de 1925. Se caracteriza por la profusión ornamental, el lujo de los materiales y el frecuente recurso a motivos geométricos y vegetales.

Como síntesis se puede decir que el Art Déco ante todo buscó la decoración por encima de la funcionalidad.

Todo un éxito internacional, fue utilizado en la moda, la publicidad y el diseño, como una versión popular más suave y lujosa del modernismo.

El Art Deco es a menudo interpretado como una reacción formal contra las tendencias curvilíneas del Art Nouveau, sobre todo por su amplio uso de las formas rectilíneas y la geometría en todos los géneros del diseño. Se basa principalmente en la geometría imperante del cubo, la esfera y la línea recta, además de los imprescindibles zigzags. Tratan de representar algunas abstracciones que muestran en la naturaleza, rayos luminosos radiantes, fluidos acuáticos, los cactus, las palmeras, representados por medio de delineaciones geométricas. Ahora veremos algunos diseños de afiches para películas de horor basados en esta corriente.

Afiche diseñado por Rodolfo Rever, basado en la película “Dracula” de Bram Stoker

Arriba, afiche basado en la película “Carrie” basada en el libro del mismo nombre del escritor Stephen King A la derecha, afiche basado en la película “The Shining” del director Stanley Kubrick

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Afiche basaso en la pelícuña “Dawn of the Dead” película de terror del año 1978 dirigida por George A. Romero

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Minimalismo

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“Menos es más”. Esta frase del arquitecto alemán Mies Van Der Rohe se ha convertido en la máxima definición del minimalismo. El diseño minimalista es el diseño en su forma más básica, es la eliminación de elementos pesados para la vista. Su propósito es hacer que sobresalga el contenido. Desde el punto de vista visual, el diseño minimalista está destinado a ser calmado y llevar la mente del observador a lo básico de la pieza.

Por lo tanto, los diseños minimalistas ofrecen contenidos visuales concretos abordados de la simplicidad -no simpleza- de los recursos gráficos que se deben emplear para lograr desarrollos consecuentes, sin distracciones. Diseño Minimalista es mostrar sólo lo importante o lo realmente funcional. El mimalismo también ha sido muy utilizado ene l diseño de afiches de películas del género del terror.

Las obras del Minimalismo buscan la sencillez y la reducción para eliminar toda alusión simbólica y centrar la mirada en cuestiones puramente formales: el color, la escala, el volumen o el espacio circundante.

El diseño gráfico minimalista sigue las características propias del estilo: la abstracción, la economía de lenguaje, purismo estructural y funcional, orden, reducción, síntesis, sencillez y concentración. La reducción de las formas a lo elemental, así como la predilección por emocionar a través de la mínima expresión es una de las bases de los diseñadores de este movimiento

Afiche diseñado por Nicholas Tassone, basado en la película “Carrie” dirigida por Bian de Palma.

Afiche basado en la película “A nightmare on Elms Street” de Bela Lugosi.

Afiche basado en la película “The Shining” dirigida por Stanley Kubrick

Fuentes consultadas

* Noticias Caracol. Entretenimiento “Halloween, la historia más allá de los dulces y el disfraz” http://www.caracol.com.co/noticias/entretenimiento/halloween-la-historia-mas-alla-de-los-dulces-y-el-disfraz/20131022/nota/1999907.aspx * https://sites.google.com/site/historiadeldisenografico1/estilosdelsigloxx/artdeco

* http://www.wnadesign.com/teoria-del-diseno-minimalista/

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del

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Este clásico de la Animación cuadro a cuadro “Stop motion” cobra vida gracias al ingenio de Tim Burton y a un equipo de más de 100 artistas y técnicos, quienes pasaron tres años pintando, modelando y animando cada cuadro, a medida que empujaban al límte esta forma de Arte cinematográfico.

“Crecí viendo cosas como, tú sabes “Rudolfo el reno de la nariz roja”, “El Grinch que se robó la Navidad” esos eran mis especiales favoritos de navidad. mientras crecía. Así que, cuando estuve trabajando en Disney diseñe algo como opuesto a eso, como el Grinch al revés por decirlo de alguna manera” dice Burton en entrevista.

Tim Burton y el director Henry Selick, reunieron a 13 de los animadora más brillantes, junto con 101 operadores de cámara especialistas, titiriteros, escenógrafos. Durante tres años, llenaron 95 esecenarios con 136 set de El extraño mundo de Jack y cientos de personajes individuales.

“Realmente me siento muy afortunidado de que tenemos al mejor grupo de personas que son buenas en esto” Tim Burton Las impresionantes imágenes de Tmburton son acompañadas por la música de y letrista Danny Elfman, quien emepezó a componer la música basado en las conversasones que había tenido con Tim Buron, y tres días después Elfman le mostro lo que haabía compuesto y Tim Burton habiendolo aprovado le pidio que siguieracon las canciones de la siguiente esecena y así iban llennando cada parte de l a película,. También Tim Buton le mostraba dibujos de los personajes y enc aso de no tener, cogía un papel y lo dibujaba. “ Así que tuve una gran estimulación visual para poder continuar” dice Elfman en base a los dibujos proporcionados por Burton.

STORYBOARD Joseph Ranft; supervisor del Storyboard y su equipo trabajaron con el director Henry Selick en los Storyboards que ayudan a planear y visualizar cómo va a ser la película. Los Storyboards son dibujos específicos de cada escena, realizan toda la película escena por escena antes incluso de animarla.

Filmaron la película con 24 cuadros por segundo, es decir que tiene que acomodar al personaje 24 veces por segundo hasta completar la película. Al trabajar con Storyboards, los cambios y reifnamientos a la historia pueden ser realizados antes del complicado y demorado proceso de animación empieze.

DIRECCIÓN DE ARTE El director de Arte en este película es Deane Taylor, y es la persona encargada de recrear el ambiente basado en los Storyboards, en las peticiones del director, en el aspecto de los dibujo de Tim Burton en este caso y tratar de ser consistente con esa imagen.

El director de arte queria darle a los escenarios y personajes un aspecto que tuviera la escencia de las ilustraciones hechas sobre el papel con tinta de artistas como Edward Gorey.

Screen captures

Tim Burton incluso dio unoas especificaciones sobre el espaecto de los escenarios, como por ejemplo la paleta de colores que éste debía tener, y el quipo de arte dessarrolló los elementos necesarios para las personas encargadas de elaborar los escenarios. Se desarrollaron dibujos que luego serían modelos a escala para saber la cantidad de espacio que necesitarian.

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SET DE DISEÑO “Una vez que el Arte visual está hecho tenemos que, de alguna forma realizarlo en tres dimensiones” Greg Olson, diseñador de escenarios para “El extraño Mundo de Jack. Se construyo un modelo a escala del set que iban a constuir para tener algo con qué empezar ya que el escenario real sería cuatro veces mayor que el de a escala.

Construyeron este modelo a escala de forma modular, es decir, que se puediera desmontar por partes para que cupiese en los escenarios de filmación y llevarse la parte que necesitaban en ese momento.

Esculturas

Screen captures

El departamento de escylturas lo conforman tres o cuatro personas, las cuales realizan todos los personajes. Tienen dibujos de cada uno de los perosnajes y luego los esculpen; modelan en arcilla.

Tambien cada parte tiene una medida específica para que los animadores puedan manipular los personajes con facilidad. Y en el caso en el que no era así, construyenron “puertas trampa” para que pudieran abrir la puerta, hacer la animación, cerrar la puerta y desaparecer.

Posteriormente el director, realiza unas tomas y si le gusta entonces se procede a la construcción del set, a pintarlo y modelarlo y añadir cada detalle y así resultar en un escenario.

Cada personaje tiene dobles o cuadruples, por lo en esta película cual hay cerrca de doscientas (200) marionetas Para el personaje de Jack, se realizaron varios moldes de su cabeza con diferentes expresiones, y así poder cambiarla según los diálogos.

Los animadores realizan esqueletos animatrónicos para poder manipular los personajes, es decir, que los modelos sean articulados y poder mover los brazos, piernas y cabeza según las especificaciones.

El personaje de Sally por otro lado, debido a su largo cabello, hicieron fue máscaras de su rostro y así poder animarlo cambiando de máscara según su e situación emocional y/o diálogos.

Las últimas capas en la animación son la añadidura de nieves, humo, fiego y rayos de electicidad

Luego de que la marioneta es eculpida, va al departamento de modelaje, en el cual, realizan el molde, ponene la armazón (esqueleto animatrónico), llenan el molde con un latex que cubre la armadura, luego de que se seca, sacan el molde y lo llevan al departamenteo de fabricación, en donde lo terminan para que el personajes esté completo y listo para la animación.

Esta película nos muestra todo un mundo lleno de magia y asombro entre el Halloween y la Navidad en una atmósfera y estética particulares de Tim Burton. En cuanto a la realización de la película esto es lo que dice Burton:

“Es como hacer una película de acción en cámara lenta” Imágenes: Screen captures Información tomada del DVD “El extraño mundo de Jack” - características especiales.

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*22 24 Cerca de 250.000 personas fueron parte de artBo. Los galeristas se mostraron satisfechos con la organización y destacaron la gran cantidad de coleccionistas del exterior convocados, y destacaron el diseño de los espacios y el apoyo brindado.

La novena versión de artBO, Feria Internacional de Arte de Bogotá, se llevó a cabo del 25 al 28 de octubre de 2013 en más de 13.000 m² en el recinto ferial de Corferias.

Gracias a la participación continua de galerías nacionales e internacionales de primera línea y a la promoción de jóvenes talentos colombianos en Artecámara, artBO, el evento de más trascendencia para las artes visuales en Colombia, se ha consolidado como un punto de encuentro por excelencia y cita imprescindible para el mercado del arte.

Este año, artBO continuó difundiendo una oferta equilibrada entre las mejores propuestas del arte nacional e internacional, manteniendo el tamaño mediano de la Feria que garantizó su alta calidad y permitió un recorrido ameno por las Galerías. artBO contó nuevamente con las secciones curadas: Proyectos Individuales, muestra de destacados artistas contemporáneos seleccionados por José Roca*, y el Pabellón Artecámara, selección de los más promisorios artistas jóvenes colombianos por Juan Sebastián Ramírez*.

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