FOTOGRAFÍA LATINOAMERICANA

Luis González Palma, Lotería I, 1998. Mario Cravo Neto, Luciana,1994

Fotografía Latinoamericana Aporte de Tina Modotti y Luis González Palma.

Universidad de Costa Rica Escuela de Comunicación Colectiva Curso de Fotografía Prof. Mariechen Wust Picado Trabajo final de investigación Fotógrafos latinoamericanos: Luis González Palma Tina Modotti Estudiantes: Paola Nicole Chi Amén. B11925.

Melany García Dávila. B12700.

Ernesto Núñez Chacón. B14722.

Febrero 2012

La fotografía es uno de los medios de expresión y comunicación más efectivos producido hace casi doscientos años, ésta legó a reformar las formas de comunicación y documentación de los hechos históricos.

Permite la captura de momentos históricos, socioeconómicos, y culturales que afectan al ser humano. Con su llegada al continente americano, se dio el surgimiento de la fotografía latinoamericana que inició con la toma de retratos y paisajes, tanto en ciudades como en los paisajes naturales.

El avance de la fotografía permitió la documentación de los primeros contactos del ser humano con la tecnología y de la integración de ésta en la sociedad.

La fotografía latinoamericana incorpora los contextos sociales y geográficos en los que se desarrolla cotidianamente.

En sus inicios se centró principalmente en la clase alta, siendo ésta un objeto de distinción, para luego ser utilizada para retratar la situación de sociedades marginales. Retratando desde la pobreza, hasta la guerra, para así abandonar su carácter enajenador y pasar a un carácter más igualitario y protestante. A su vez pasó de ser utilizado de un modo meramente estético para formar parte de los elementos disponibles para expresar reflexiones sociales, además para transmitir las desigualdades e indiferencias que se viven en Latinoamérica. La fotografía se transformó en un medio de comunicación visual masiva.

Introducción

Desconocido. Siglo Retrato Aureliana RodrĂ­guez, en 1873

La fotógrafa europea Tina Modotti a lo largo de sus obras revela una serie de trabajos que vendrían a marcar una diferencia en la fotografía de México y Latinoamérica, gracias a su estilo vanguardista. En sus retratos buscaba ilustrar la visión de un país lleno de miserias e injusticias a causa de las situaciones políticas vividas por los habitantes de esta región. Los resultados de sus experimentos, su estilo simplista sumado a la intensa personalidad luchadora y liberadora de Modotti dieron como resultado una nueva forma de fotografiar los acontecimientos con respecto a la de sus contemporáneos.

Más adelante surgiría un fotógrafo en Guatemala, Luis González Palma se encargaría de estampar principalmente retratos de la sociedad indígena presente en esta región, reproduciría así los arquetipos, lo mitológico de la cultura popular sumado a la imaginación poética del artista. González llega a trascender en su ámbito por la experimentación presente en sus obras, emplea la implementación del sepia dentro de su carpeta de trabajos, lo cual era nuevo y marcó una distinción.

El siguiente texto a presentar relata un pequeño extracto acerca de la historia de la fotografía latinoamericana, además de una descripción del aporte de Tina Modotti y Luis González Palma, para así comprender su aporte tanto a la sociedad como a la estética artística de la región.

Con Tina Modotti se busca entender la fotografía del pasado, inmersa en un contexto histórico convulso donde vivió la revolución española, la derrota del partido comunista y el estalinismo. A diferencia de Luis González Palma, que es un fotógrafo contemporáneo que busca regresar al pasado para generar un sentimiento de nostalgia y darle un nuevo sentido al mismo; sin embargo el contexto en el que vivió en Guatemala también marca su trabajo.

Es de importancia encontrar algunos puntos en los que se asemejen estos dos fotógrafos para poder delimitar y definir la fotografía latinoamericana, puesto que a través del lente, permean la vida de los habitantes de la región.

Por la poca información a la que está expuesta la población para leer e interpretar el trabajo fotográfico, en donde es necesaria la contextualización y ciertos conocimientos sobre las intenciones que impulsan al fotógrafo y su obra, resulta de trascendencia llevar a cabo un trabajo de investigación como el presente. Así se busca entender la comunicación que deriva de la fotografía, es decir, los mensajes que vienen implícitos en la obra, así como poder visualizarla como una herramienta efectiva para la transmisión de mensajes.

También es necesario añadir la relevancia de lograr expandir conocimiento sobre lo que es propiamente latinoamericano, puesto que en el mundo globalizado en el que se vive, se tiende a conocer, por ejemplo, sobre fotógrafos de otras partes del mundo que no poseen ninguna sensibilidad hacia la expresión de esta región. La responsabilidad social por parte los habitantes latinoamericanos de conocer lo que es propio y valorarlo como es debido constituye una razón clave para llevar a cabo el presente trabajo.

JUSTIFICACIÓN

Luis Gonzalez Palma, Esperanza, 2001 toned gelatin silver print, 20 x 20 inches, SOLD

Adicionalmente, existe una creciente indiferencia e ignorancia respecto al valor que se le otorga a la fotografía como expresión artística. Es por esta razón que en esta investigación se busca reconocer la complejidad de pensar la fotografía como una forma de comunicación visual y no solo como un accesorio estético.

Asimismo se pretende reflexionar y ahondar sobre temas y problemas humanos que subyacen en la temática tratada por la fotografía y la forma en que el fotógrafo crea este mensaje en su obra. La fotografía viene a ser una forma de comunicación visual actual, cuya vigencia y relevancia se potencia con la digitalización, por lo que su estudio es de especial importancia para futuros profesionales de la comunicación.

Luis Gonzalez Palma, comienza entonces a llover, 2004 L[aminas de oro y kadalith.

La Fotografía es “la principal fuente documental que guarda

la memoria colectiva de los pueblos, y de este modo es una pieza clave de su identidad.”(Bellido, 2002,113)

La fotografía llega rápidamente a Latinoamérica, los primeros acercamientos a la fotografía se darían a partir de 1840 con las primeras imágenes captadas por parte de Leverger y Jean François Prelier.

Fotografían la Catedral de México, dando inicio a la toma de paisajes rurales y urbanos y a la familia real portuguesa, comenzando las nuevas tendencias de la época. La fotografía de retrato se convertiría en la posibilidad de algunos de perdurar en el tiempo por medio de una imagen; tal es así que durante esta época era común fotografiar a los muertos. Sin embargo, esta posibilidad era únicamente para la clase alta y vista como símbolo de superioridad.

"El retrato se convierte, en un primer momento, en el tema fundamental de las fotografías, pues los burgueses veían en este género un elemento que los acercaba con las clases acomodadas europeas y una forma de distanciarse de las populares e indígenas del continente." (Bellido, 2002,114)

Fotografía Latinoamericana

LitografĂ­a de: Louis Compte - Montevideo (Uruguay), inicios del siglo XX

Fotografías cargadas de escenografías, y vestuarios complejos, en poses antinaturales, convirtiéndolas en realidades modificadas, los Hermanos Valleto en México son expositores de este estilo (1901), también Martín Chambi de Perú fotografiaba retratos de indígenas, pues este le permitía "transmitir la expresividad del personaje, marcada por el dramatismo y la utilización de la luz con una fuerte carga expresiva."(Bellido, 2002,116) En el siglo XlX la fotografía latinoamericana se interesaría por "documentar sectores sociales marginales urbanos, clases populares e indígenas."(Bellido, 2002,117) Este tipo de fotografía de indígenas sería lo que distinguiría la fotografía latinoamericana en el primer tercio del siglo XlX, pues busca la contraposición de los indígenas con respecto al hombre occidental, que valora las riquezas materiales frente a otro tipo de conceptos espirituales.

Dentro de esta modalidad destaca el guatemalteco Luis González Palma y sus experimentos en los que "aborda los mitos de tradición maya a través de alegóricos retratos de indígenas, muchas veces convertidos en ángeles, con una clara intención de reivindicar a un pueblo en constante lucha por preservar su cultura y alcanzar la deseada justicia social."(Bellido, 2002,121) Tomando parte a su vez las fotos de inmigrantes en sus condiciones de vida, momentos cotidianos como bautizos, nacimientos, casamientos y defunciones.

Martin Chambi, 1929

Los intereses cambiarían para convertirse en fotografía de denuncia social, reproche por las guerras, la esclavitud, el hambre, la manipulación por medio de la religión, entre otros.

El movimiento vanguardista causó una gran impresión en las futuras tomas, resaltando la participación de “Tina Modotti que implanta una forma pura de realizar fotografías, «sin trucos ni manipulaciones», provocando el cambio hacia la modernidad y superando la fotografía paisajística y costumbrista, entonces consolidada.”(Bellido, 2002,120).

La experimentación y la apertura al cambio es lo que distingue a Tina Modotti y a Luis González Palma, los que han llegado a definir en gran parte la fotografía latinoamericana.

Tina

Modotti

La fotografía latinoamericana es rica en sus contribuyentes, pero el aporte de la fotógrafa Tina Modotti ha sido clave en desarrollarla y definirla. Esta artista de origen italiano legó a la fotografía latinoamericana no solo una visión política subversiva, sino también un cuerpo de trabajo con voz propia (Jiménez, 1999, 2). Modotti nace en la ciudad de Udine en una familia socialista radical (3). A causa de la convulsión y represión política que los rodeaba, su padre decide mudarse a Estados Unidos en busca de estabilidad. Esto dejó a Modotti a cargo del sustento de su madre y de sus hermanos, lo cual representó un gran reto dadas las condiciones extremas en las que vivía la familia. No obstante, esta gran responsabilidad no fue lo único que le dejó su padre, sino también un sentido de justicia e igualdad que regía la casa (4).

Eventualmente, Modotti se muda a Estados Unidos donde inicia como costurera pero pronto comienza a modelar, e incluso a actuar. Es durante este tiempo que conoce a Roubaix de L'Abrie Richey, mejor conocido como Robo, un pintor y poeta con quien se casa y se sumerge en diversas temáticas políticas, culturales, artísticas… (Jiménez, 1999, 5). Estas últimas llevan a Robo a México atraído por su exotismo, sin embargo él cae enfermo y muere allí (6). Es así que Modotti, todavía en Estados Unidos, se enamora del fotógrafo Edward Weston tras quedar viuda y se muda con él a México (7).

Tina Modotti and Robo de Richey at work in their studio, Hollywood, 1921. Photographer unknown

Weston representa el inicio de Modotti como fotógrafa. Ella lo convence de que sea su maestro, y de esta manera Modotti poco a poco fue evolucionando la calidad de su trabajo (Jiménez, 1999, 8). A pesar de esto, Weston decide regresar a Estados Unidos mientras que la fotógrafa decide quedarse en México debido al vínculo que había creado con la comunidad indígena. Éste fue solo uno de los muchos compromisos que adquiriría la fotógrafa.

Modotti también apoyó al Comité Manos Fuera de Nicaragua (Jiménez, 1999, 11) que defendía la lucha de Augusto C. Sandino (Bastón, 2008, 14).

Además, formó parte de la Unión Mexicana de Artistas (11), se adhirió al Partido Comunista Mexicano(12), e incluso llegó a crear el primer comité antifascista italiano (14). Es dentro de este medio revolucionario en el que Modotti se movía que conoce a Julio Antonio Mella, un estudiante cubano izquierdista. Sin embargo, Mella llega a colisionar con el partido y termina siendo asesinado (Jiménez, 1999, 11).

Dorothea Lange, Tina Modotti

Modotti fue culpada y condenada por varios grupos por el asesinato de Mella. La policía saqueó su casa y destruyó sus fotos (Jiménez, 1999, 13). La prensa la declaró una prostituta. Finalmente, se decide exiliarla de México.

No obstante, Modotti no logra regresar a Estados Unidos a causa de su pensamiento político, lo cual la obliga a regresar a Europa (14). En Alemania, empieza a colaborar con el Partido Socialista. En España, participa en la guerra civil española (15). Fue esta fuerte involucración política la que eventualmente convenció a Modotti de priorizar el seguimiento de sus pasiones políticas sobre la fotografía.

Después de perder su partido la guerra en España, Modotti regresa a México derrotada tras la revocación de su exilio (Jiménez, 1999, 16). Allí se instala con Vittorio Vidali, un estalinista italiano que había conocido en la Unión Soviética (Albertani, 2006, Una Vida por el “Comunismo”, 1).

Preocupado por el conocimiento que Modotti manejaba de su partido, Vidali la mantiene recluida aprovechándose de la fragilidad emocional en la que se encontraba (Jiménez, 1999, 20). Finalmente, en 1942, Modotti muere de un paro cardiaco; otros dicen que realmente murió envenenada por Vidali (21). Sin embargo, lo que es innegable es que dejó un complejo cuerpo de trabajo cargado de influencias, técnicas y temáticas que dejaron marca en la fotografía latinoamericana.

Tina Modotti, Roses, 1925

La obra de Modotti está fuertemente influenciada por ideas abstraccionistas muy avanzadas para la época, así como por la tecnología más moderna del momento (Jiménez, 1999, 7). Esto se puede apreciar en “Cables de Luz” y “Tanque No.1” (10). En estas además se distinguen aspectos técnicos característicos de la fotógrafa: la línea como elemento principal, composiciones lineares, y el uso de luz natural (Arocha, 2010, 1925 y 1927, 3) Modotti también se caracteriza por su vanguardismo y por inspirarse en los lugares y en la gente, especialmente en sus condiciones de vida (Jiménez, 1999, 9-10). Modotti plasma en su obra las maravillosas dimensiones de México ofreciendo así “un espejo de grandeza a las cosas simples de cada día y a las sencillas gentes que [..] trabajan con las manos” (Peters, s.f., 13).

Asimismo, sus fotografías se distinguen por concentrar un simbolismo crudo e impactante (Jiménez, 1999, 9). Esto se evidencia en “Cananas y Mazorcas”, una de sus fotografías más famosas donde los elementos representan la guerra y la libertad respectivamente (Peters, s.f., 1).

Por el lado temático, Modotti constantemente hace referencia a matices políticos cotidianos como estos últimos. Sin embargo, por el lado técnico, la artista acostumbra recurrir no solo al uso de líneas y luz natural como dicho anteriormente, sino también a texturas, blancos y negros, (Arocha, 2010, Características de la Fotografía de Tina Modotti, 2). Esto se refleja en “Papel

Tina Modotti,Bandolier, Corn, Sickle, 1927

Arrugado” y “Vasos” donde cada una presenta texturas contrastantes pero ambas compuestas ambas por brillos y sombras (4-5). Ahora bien, una de las cualidades más especiales de la fotografía de Modotti era la mexicanización de una imagen socialista y rusa; tal como se puede apreciar en sus fotos publicadas en la revista francés Masses (Jiménez, 1999, 15).

El arte de Modotti fue publicado en una amplia gama de medios a lo largo de su carrera. En México, su trabajo apareció en las revistas Mexican Folkways donde trabajaba, Mexican Life (Jiménez, 1999, 7), Revista de los Estridentistas que se especializaba en literatura (12), y en el periódico Machete (13). Asimismo, en Alemania, es publicada en Der-ArbeiterFotograf como miembro de la Union GmbH de fotógrafos de prensa (Bastón, 2008, 12). Fue por medio de estas constantes publicaciones que la obra de Modotti fue dejando su marca en la fotografía, y con ella, la huella de la fotografía latinoamericana; una con estética y criticidad en medio de un espíritu innovador.

Tina Modotti - Woman with Flag, 1928

Luis

Gonzรกlez Palma

Luis González Palma es un fotógrafo cuyo trabajo es reconocido mundialmente, se constituye como “un referente a nivel internacional de la plástica actual de Guatemala…” (Siglo 21, 2011, Insistir el momento imaginado, párr. 1) Actualmente reside en Argentina.

Este fotógrafo ha tenido un gran cantidad de exposiciones personales en diferentes países, como en The Art Institute of Chicago (USA); Palacio de Bellas Artes de México; The Royal Festival Hall en Londres; y en festivales de fotografía como Photofest. Lo anterior según la biografía encontrada en su página oficial.

Luis González Palma nace en 1957 en Guatemala, inserto en un contexto de guerra, “que implantaría en la cotidianidad y las psicologías de las sociedades una serie de tensiones políticas, militares, intelectuales, legales y morales…” (Cazali, 2011, p. 14) El conflicto armado tiene consecuencias como la estratificación de ladinos e indígenas, por lo que las diferencias entre ambos grupos se intensificaron. Así busca darle un nuevo sentido a los sujetos, como se observan en fotografías como La Rosa, Fidelidad del horror y La única esperanza.

Luis González Palma – "La mirada Critica" – Instalación, Galería Martin Weinstein, Minneapolis, USA – 1998

Este tipo de vivencias llegaron a influenciar las temáticas de sus fotografías, como se puede observar en sus retratos de indígenas. Sus imágenes siempre pretenden remitir a un pasado ancestral; con ellas, comenta Cazali: “…se acercaba a la necesidad de entender la diversidad étnica y cultural latente en nuestro país y tantos otros.” (Cazali, 2011, p.

10) Su inicio como fotógrafo se da a partir del momento en que toma prestada la cámara fotográfica de una amiga; así lo cuenta en una entrevista con PhotoEspaña (PHE), en donde además relata que con el primer contacto con la cámara: “…nació en mi una pasión por la imagen que no puedo explicar de una forma clara.” (PHE, s.f., Entrevista con Luis González Palma: “La fotografía me sirve para modificar mi presente”, párr. 7). En ese entonces estudiaba arquitectura.

Luis González Palma. La Miranda Crítica (The Critical Gaze), 1998 Luis Gonzalez Palma Entre raices y aire 1997

Según otra entrevista de PHE, sus primeras fotografías las tomó para el Ballet Guatemala, que se convirtió en una experiencia importante puesto que contribuyó a su formación: “Me introdujo a la teatralidad, a la puesta en escena, a la iluminación… elementos que poco a poco fui utilizando para la creación de mis imágenes posteriores.” (s.f., Entrevista con Luis González Palma: Lo más importante es lo que la fotografía no muestra”, párr. 7) Para este fotógrafo, cada experiencia que ha vivido ha llegado a contribuir en su trabajo. La arquitectura le permitió encontrarse con el mundo del espacio y las ideas y con la danza comprendió la relación entre el cuerpo y el tiempo. (Siglo 21, 2011, Insistir el momento imaginado, párr. 11) Con sus fotografías, González Palma pretende cuestionar las reglas de las técnicas de los laboratorios, para poder ampliar la manera en que se percibe la fotografía, “...buscaba algo alejado de la autoridad que desplegaba el trabajo documental y los purismos del laboratorio.” (Cazali, 2011, p. 12)

Luis González Palma ,La Rosa, colección la Lotería.

González Palma muestra una inclinación por el uso del tono sepia y la experimentación en su fotografía; como los negativos rallados con punzones, las impresiones cubiertas con betún de judea (Cazali, 2011, p.

12), y otros tratamientos que llevaba a cabo en la preproducción y postproducción de sus trabajos. Este tratamiento plástico está muy presente en obras como Anónimo II, Letanías con Ángel y Entre raíces y aire.

También hace un gran uso de elementos de escenografía, como coronas de flores, alas, cetros, trajes, y objetos artesanales que invocan lo ancestral, como se observa en su serie titulada Ángeles Mestizos, que incluyen Lotería I y II; esta serie le dio reconocimiento mundial por primera vez.

Su obra siempre muestra a un ser humano fracturado internamente, como en Estrategia que nos une, . (PHE, s.f., Entrevista con Luis González Palma: “La fotografía me sirve para modificar mi presente”, párr. 7) Además, sus fotografías evocan un sentimiento de cercanía e intimidad, puesto que poseen, “…una fuerte carga romántica…que se hace evidente en la capacidad de su obra para expresar estados de ánimo y sentimientos íntimos.” (Rodríguez, s.f., p. 8)

Luis Gonzรกlez Palma, labios 1989-2000

González Palma busca presentar trabajos elaborados y bien pensados; él se constituye como un importante exponente de la fotografía latinoamericana no solo por el tratamiento que le da a sus imágenes, pero porque incorpora al sujeto latinoamericano, así como las emociones más humanas. Además, tiene una percepción de la fotografía que vale resaltar: que lo más importante no está en la imagen misma, pero en lo que el espectador haga con ellas. (PHE, s.f., Entrevista con Luis González Palma: "Lo más importante es lo que la fotografía no muestra”, párr. 15)

Luis González Palma – "Estrategia que nos une" – Película ortocromática, láminas de oro y resina – 2005

Tras la exploración de dos de los exponentes más importantes de la fotografía latinoamérica, Tina Modotti y Luis González Palma, sintetizamos una diversidad de constantes que constituyen este arte. En primera instancia, se encuentra el peso del contexto del fotógrafo en su fotografía. La visión y misión de ambos artistas fue fuertemente influenciada por la oscuridad que los rodeaba.

Una oscuridad que muchas veces fue la guerra, la represión, la pérdida… La obra de Modotti y González refleja fuertemente que la fotografía latinoamericana tiene como punto de partida el esclarecimiento de esta oscuridad. Esto en el sentido de que se busca no solo dar a conocer la profundidad de estas afecciones sociales, sino también exponer la belleza, física o emocional, que puede subyacer intrínsecamente en su imagen. No obstante, a pesar de que estas temáticas son amplísimas, la fotografía latinoamericana se enfoca en lo simple y sencillo.

Nuestra fotografía se concentra en el individuo y en lo cotidiano en lugar de prestar atención a las grandes masas y a las extravagancias. Modotti y González evidencian esto pues en sus trabajos los sujetos son sumamente sencillos y diminutos. Sin embargo, son otorgados un altísimo valor debido a la fuerza comunicativa con la que se les carga. Estos sujetos expresan un mensaje muy complejo y profundo sobre situaciones muchísimo más grandes. Básicamente, dicen mucho siendo muy poco no obstante. Este aspecto común entre las fotografías de ambos fotógrafos subraya al ser humano como una de las principales fuentes de alimentación de la fotografía latinomericana ya que de sus tristezas y de sus alegrías es de las que hablamos en nuestras fotos. Él es el protagonista, el modelo por excelencia, de la fotografía latinoamericana.

CONCLUSIÓN

Otra constante en nuestra fotografía es su irreverencia. No hablamos de una irreverencia limitada al plano temático: política, arte, sociedad… Hablamos también en un sentido técnico dado la perenne experimentación que tiñe los trabajos de fotógrafos como Modotti y González. Éstos denotan una tendencia a arremeter contra los paradigmas fotográficos, explorar lo que hay más allá de esas fronteras, y diluirlas constantemente. Ambos fotógrafos se alejaban de costumbres o comodidades y exploraban lo inusual y lo incómodo. Esto muestra un carácter científico de la fotografía latinoamericana pues cuestiona las capacidades del estudio, las limitantes de la luz artificial… De esta manera, gracias a nuestra fotografía el potencial de materiales y técnicas es examinado en detalle, desarrollando así el conocimiento fotográfico para todos.

A través de la obra de Modotti y González se denota que la fotografía latinoamericana merece ser identificada como tal pues ha fungido un papel singular y vital para el desarrollo de este arte. Ha sido una gran contribuyente a la conciencia de la fotografía pues la ha hecho no solo sentir, sino también pensar. Además, ha sido una gran investigadora ha disipado vacíos de conocimiento y abierto otros desconocidos gracias a su actitud de experimentación. Sin la fotografía latinoamerica la fotografía probablemente no conocería lo que hoy conoce, ni se conocería como hoy se le conoce.

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