"Paisajes Posibles", Sari Miró y Rosa Ripoll by Esperanza Durán

SARI MIRÃ&#x201C; Y ROSA RIPOLL PAISAJES POSIBLES

ARTISTAS Sari Miró y Rosa Ripoll DISEÑO Y MAQUETACIÓN Esperanza Durán Delgado COMISARIADO Esperanza Durán Delgado FOTOGRAFÍA Sari Miró y Rosa Ripoll TEXTOS: Los autores ENTREVISTAS: Esperanza Durán https://esdudel.wordpress.com

S/T, Fernando Almela 2007

SARI MIRÃ&#x201C;

“El arte nos permite encontrarnos a nosotros mismos y perdernos al mismo tiempo. Thomas Merton “Aprende las reglas como un profesional para poder romperlas como un artista”. Pablo Picasso

Con una chispa vibrante en los ojos y una sonrisa humilde aparece, siempre, Sari Miró.

Una mirada que siempre anda buscando más allá de lo que se ve a simple vista y a poco que le mires a los ojos, con sinceridad, se te desvela.

A lo Robinson Crusoe, Sari, a nivel personal como en su obra, busca, rebusca y vuelve a buscar un algo que, aunque sepa que no existe, no dejará de intentar encontrarlo. Inquietudes que, como los calcetines en la chimenea en Navidad, llenan de ilusiones cada rincón de sus lienzos. En su torbellino interior, Sari se pierde para encontrarse y volverse a perder… Y ese ir y venir, aunque a veces parezca todo lo contrario, es el que le hace crecer en todos los aspectos. Rascar, rayar, aguar, volver a tapar y volver a rascar, rayar, aguar… y así, en un continuo ritual que parece no tener fin. Pero lo tiene, y ese fin, es la obra de Sari. Una obra colorista, repleta de texturas, de arquitecturas y paisajes que aparecen para luego desaparecer, a manchas, a trazos, a corazón abierto, porque si algo es Sari, además de artista, es puro y auténtico corazón.

Estudiaste para contable y te convertiste en una artista que, por la necesidad de aprender y mejorar decide apuntarse a la escuela de Bellas Artes de Alcoy, donde pasa 9 años estudiando el claro/oscuro. ¿Cómo y por qué empieza Sari Miró a pintar? “Mi trabajo en el mundo de la contabilidad fue hace muchísimos años, cuando era muy joven y no fue algo que elegí conscientemente ya que lo que a mí siempre me gustó fue pintar. Es cierto que durante un tiempo, que fue corto, compaginé ambas cosas, a media jornada mi trabajo con los números y por las tardes la pintura hasta que llegó un momento en que pintaba a jornada completa y fue así como mi trabajo pasó a ser mi pasión, porque la pasión estuvo ahí desde el principio y así sigue hasta hoy. Años más tarde de ese momento crucial en mi trayectoria, me formé en la Escuela de Bellas Artes de Alcoy, donde adquirí una perspectiva amplia del mundo artístico y afiancé la disciplina que ya llevaba conmigo durante mis años de producción creativa. Todos estos estudios me abrieron a nuevas oportunidades como cursar estudios como alumna visitante en la Facultad de Bellas Artes de Valencia y la realización de numerosos talleres con artistas destacados del panorama artístico nacional para continuar ampliando mi visión. Estas oportunidades me hicieron darme cuenta de que cuanto uno más sabe y más se preocupa de saber, más tiene la sensación de todo lo contrario, con lo que supe, que lo que me movería a partir de entonces era mi inquietud de aprendizaje que tomaría el cariz de necesidad vital, de oxígeno”. Me comentas que en la escuela de Bellas Artes de Alcoy se trabajaba sobretodo el clarooscuro y técnica, mucha técnica, lo cual es fundamental para tener una buena base de trabajo, pero ¿crees que se debería, también, hacer hincapié en la construcción de un lenguaje propio? “Lo que sí tengo muy claro es que la técnica es imprescindible para ser respetado como artista, que, al fin y al cabo es lo que deseamos todos, con lo cual, no es que la técnica me parezca fundamental, es que debe estar sin cuestionamientos. En la escuela de Bellas Artes, esta cuestión se entendía a la perfección y así se me transmitió a mí y a otros compañeros; no es un tema baladí y sé que no todo el mundo lo tiene tan claro. Solo en los últimos años de mi estancia en esta escuela, surgió este último debate que comentas, la cuestión del lenguaje propio, cómo se construye, qué cimientos necesita… Junto con el profesor hablamos de todo esto en profundidad y tan solo al principio se nos dejó a algunos alumnos experimentar en nuestra búsqueda plástica particular, dándonos cierta libertad y siempre apoyándonos en todos los conocimientos adquiridos para más tarde ampliar esta selección a todos. 06

Considero que lo académico es importante, así como también la libertad de experimentación, la búsqueda de expresión particular, el permitirse dar carpetazo a las normas aprendidas siendo consciente de ello y el dar rienda suelta a lo que uno siente y lleva dentro cuando se enfrenta al lienzo en blanco”. Pones y quitas, construyes y deconstruyes, vas y vienes, ¿crees que has conseguido ese lenguaje propio o sigues en su búsqueda? “Yo lo que creo es que no hay dos caminos, el conseguir un lenguaje propio no imposibilita el continuar investigando y “buscando” algo, aunque a priori no identifiques el qué; y por otro lado, el seguir en búsqueda, por decirlo de alguna manera, no significa que no estés creando ya en el presente un lenguaje propio. Esto se me ha revelado en varias ocasiones porque a veces uno mismo no sabe clasificar su propia obra, en cambio, los demás identifican claramente un hilo conductor que el propio artista no ve o que le cuesta ver. Quizás, tenga algo que ver con la perspectiva, el mirar a cierta distancia, no lo sé. Por mi carácter, yo cuando pinto, inconscientemente me descubro a la búsqueda de un reto y para ello utilizo todo lo que forma parte de mi mochila, todo lo que tengo a mi alcance. Juego con las formas figurativas, las abstractas, las veladuras, la calidez de los colores, el collage… dependiendo de, por una parte, lo que quiero conseguir y por otra, lo que el cuadro me va pidiendo, porque sí, la obra tiene capacidad de decisión y cuando eso ocurre, el pintor, que está ahí, es el que debe ponerse a disposición de ella, escucharla, aunque esto probablemente, solo sea comprendido por los que lo han experimentado. Es por ello que construyo y deconstruyo, dibujo y borro, superpongo capas y las vuelvo a quitar… En ese momento, la obra creativa ha tomado el control”. Eres una persona con muchas inquietudes que te hacen moverte por tránsitos diferentes, ¿hacia dónde te llevan exactamente en tu pintura esas inquietudes? Y ¿Cuáles son las estrategias que utilizas para plasmarlas? “Sí, la inquietud es algo que caracteriza mi temperamento y como la pintura es una extensión de mí, posiblemente también a mi obra. Mi cabeza nunca para, siempre está trabajando, con las antenas puestas, en alerta creativa que digo yo, a la caza de ideas y con la imaginación a veces desbocada. Cuando vuelco todo esto a la obra, hay una parte consciente de mí, que es estructurada, que sabe lo que tiene que hacer y cómo y luego hay otra parte más caótica que mediante el movimiento empieza desde la acción, a veces sin estrategia previa. Y algo sorprendente que me ocurre, es que ni yo misma sé el resultado hasta que no llega el final. 07

Así que, supongo que el lugar hacia donde me llevan esas inquietudes todavía no puedo saberlo. Puede que con el tiempo, se vaya clarificando” Recuerdo a un profesor en mi paso por la Facultad que nos dijo que todo ya estaba inventado pero yo creo que no es del todo así. La reinvención o reinterpretación también puede constituir algo nuevo, que no novedoso, que son dos conceptos distintos. Todo lo que se va descubriendo se puede utilizar para tu búsqueda personal. Las estrategias a utilizar por cada artista también son muy personales, no son casuales y responden a un por qué. En mi caso, en ocasiones no tengo estrategia, empiezo a dibujar sin pensar pero me doy cuenta de que detrás de esa decisión siempre hay una línea de razonamiento más o menos clara. Cuando empiezo por ejemplo con manchas, sigo una línea desde lo particular a lo general, lo que se llama desde el mundo científico razonamiento inductivo y es entonces cuando ya puedo identificar las formas que la obra me sugiere, las cuales respeto aunque en algunas ocasiones también me limiten, en ese momento me enfado, doy la vuelta al lienzo y vuelvo a empezar. Otras veces, este razonamiento funciona y lo llevo hasta el final. Hay otros instantes en que mi pensamiento funciona partiendo de lo general a lo particular, es decir, me sirvo de recortes de periódico, una fotografía de una puerta vieja, un viaje, cualquier cosa… y partiendo de ahí empiezo la obra con una dirección nítida”. Se percibe en tu obra, sobretodo en el paisaje, una necesidad de acotar y definir los espacios, aunque luego los tapes con capas y capas, sigue el dibujo y la referencia arquitectónica, ¿por qué? “Los años de disciplina siguen ahí, y la geometría de las cosas siempre está presente. Siento que aunque mi yo quiera abandonarlo es automático y por tanto, debe formar parte. No sé por qué no puedo soltar totalmente la forma o lo identificable en una forma mejor dicho, así que, la solución a este “conflicto” pasa por integrar ambos impulsos creativos que existen en mi interior”. Y ¿por qué, a su vez, esa necesidad de deconstruirlos? “Tú lo has dicho, creo que es una necesidad, y como tal, es algo más bien instintivo. El cuerpo te pide hacerlo. No es algo que me resulte fácil, es la zona incómoda pues muchas veces quiero y no quiero, hay una lucha ahí. Puede que por la formación tan figurativa que tuve, eso me haya llevado a este lugar pues si no lo hiciera no me retaría a mí misma, que es lo que siempre acabo haciendo. La deconstrucción es una técnica que yo necesito porque es lo que me motiva, con lo que transformar, descomponer, insinuar… son los verbos que preciso”. 08

Pintar es solo otra forma de escribir un diario, que dijo Picasso. Hay en tu obra una variación de tonalidades que llama la atención. Pasas de una paleta cálida a una vibrante, para pasar, más tarde, por una más oscura… ¿Pinta Sari según su estado de ánimo? “Es posible aunque no siempre. Sí he observado que, curiosamente, en invierno suelo trabajar obras más oscuras y sin tanto color. Sí influye en mi estado de ánimo cuando no encuentro la inspiración y eso me ocurre cuando desecho ideas que no me aportan esa chispa que necesito porque es vital para mí ilusionarme y desde ahí empezar a trabajar. Si mi estado de ánimo se resiente, no le doy mucha importancia, lo tengo asumido, les pasa a muchos artistas y se suple empezando la obra, aunque ese día, o días, o semanas no sean nada productivos”. Además, eres una persona muy entusiasta que salta de flechazo en flechazo, con muchísimas ilusiones que van y vienen a modo de torbellinos de ideas, ¿crees que esto te favorece o a veces se convierte en un handicap? “Creo que no me favorece, demasiadas ideas y conceptos a veces muy distintos es un salto demasiado grande y responde a esa mente caótica que me asalta pero precisamente por eso, es algo que he aprendido a gestionar, el caos mental si aparece es porque me va a ayudar a resolver lo que tengo entre manos, o eso quiero pensar”. Quizá ¿por este salto de ilusiones en ilusiones te resulte más difícil UNIR toda tu obra con un mismo hilo conductor?. Sin embargo, ¿no crees que eso mismo ya es el hilo que lo une todo? “Me tranquilizas diciéndome eso, muchas veces pienso: ¿cómo enseño mi obra con temas tan dispares entre sí? Es algo que a los artistas nos dicen que debemos resolver, asi que me esfuerzo pensando cómo puedo solucionarlo. Justo a continuación, me surge la idea del cambio y deduzco que mi forma de ser lo necesita, por tanto como Sari es así, que sea el público quien lo haga”. ¿Cuál es el siguiente salto, la próxima ilusión que mueve a Sari? “Siempre hay ilusión en mi vida, siempre. El otro día estaba arreglando mi estudio y aparecieron varias obras a medio hacer de hace bastante tiempo que, en su momento, descarté, y eso ahora es lo que me obsesiona y está de actualidad en mi cabeza, sin saber muy bien el motivo de querer retomar esos temas. Seguramente, para la próxima exposición me atreva a hacerlo y me sorprenda a mí misma”. 09

SARI MIRÃ&#x201C; Obra 10

BERLIN CATEDRAL, 2018 Acrílico/lienzo, 73 x 100 cm. 11

MEDIODÍA BERLÍN, 2018 Acrílico/lienzo, 33 x 41 cm. 12

A MEDIA MAÑANA BERLIN, 2018 Acrílico/lienzo, 80 x 120 cm. 13

GELG, 2017 Ã&#x201C;leo/lienzo, 81 x 116 cm. 14

OCTUBRE BERLIN, 2017 Ã&#x201C;leo/lienzo, 80 x 120 cm. 15

MELANCÓLICO DESTINO, 2017 Acrílico/lienzo, 80 x 100 cm. 16

POLISENIA, 2018 (políptico) Acrílico/lienzo, 30 x 30 cm.(cada pieza) 17

PRIMA, 2017 AcrĂlico/lienzo, 60 x 30 cm. 18

ABSTRACCIÓN II 2019 Óleo/lienzo, 120 x 80 cm. 19

DE DUELO, 2018 Acrílico/lienzo, 55 x 65 cm. 20

PAISAJE 0, 2017 Acrílico/lienzo, 81 x 100 cm. 21

LIBERACIÓN, 2017 Acrílico/lienzo, 120 x 80 cm. 22

STRECKE, 2017 (Díptico) Acrílico/lienzo, 120 x 120 cm. 23

PAISAJE, 2017 Acrílico/lienzo, 60 x 81 cm.

PAISAJE C, 2017 Acrílico/lienzo, 16 x 22 cm.

PAISAJE B, 2017 Acrílico/lienzo, 22 x 27 cm.

PAISAJE D, 2017 Acrílico/lienzo, 16 x 22 cm.

X-A-1, 2017 Acrílico/lienzo, 16 x 22 cm.

X-C-1, 2017 Acrílico/lienzo, 22 x 27 cm.

INTERIOR A, 2019 Acrílico/lienzo, 100 x 80 cm. 26

CURRICULUM SARI MIRÓ Formación Academica Facultad de Bellas Artes en la Universidad Politécnica de Valencia como alumna visitante. Estudios de dibujo y pintura, en la escuela de Bellas Artes de Alcoy. Asiste a Talleres entre ellos; Técnicas Mixtas, Estucos y Resinas impartido por José Sánchez Segovia. Taller monográfico fotografía creativa por Cayetano Navarro. Curso de retrato clásico impartido por Carmen Mansilla. Workshpop de retrato con Goulucho. Pintura al aire libre con Blay Tomás Ibañez. Taller monográfico de Técnicas Mixtas Abstracción y realismo en el retrato con Pedro Velver. Figuración y expresionismo con Susana Ragel. Curso Taller con Cristina Bergoglio. Curso de Quimiografia con Rafael Llorens Ferri. Workshpop de retrato con Paco Lafarga.Sigue su formación artística en Albaida (Alicante) con el profesor Blay Tomas Ibañez. En la actualidad pertenece a la Asociación de Arte Contemporáneo ArtNostre. Es miembro de ACOA: Artistas Contemporáneos de Alicante. Cursos: de Historia del Arte y Arte Contemporáneo, impartidos en el aula de Cultura Caja de Ahorros del Mediterráneo de Alcoy. Diseño y Montaje de Exposiciones Artísticas, organizado por el Instituto Juan Gil Albert, impartido por el aula de Cultura de la CAM de Alicante. Jornadas sobre la práctica didáctica y desarrollo educativo en los Museos, organizado por el Instituto de Cultura Juan Gil Albert. Departamento de Arte y Comunicación Visual Eusebio Sempere en el MUBAG de Alicante. Premios Primer premio de pintura El Corte Ingles de Elche, 2º Premio de pintura, Museo Fernando Soria de San Juan (Alicante) 2017. 2º Premio de pintura al aire libre; Pintura seca; 36 selecciones, entre ellas, premios internacionales y 8 Bienales. Exposiciónes Colectivas Su obra ha sido expuesta en Galerias de Florida, Michigan, en Museos, en instituciones, Galerias de Arte y en Casas de Cultura en mas de 99 ocasiones. Exposiciones Individuales De manera individual en 12 ocasiones, en Galerias y otros, autora del Cartel Romeria a la Font Roja 2013. Ha participado en Ferias de Arte.

Serie NenĂşfares, Monet

ROSA RIPOLL

Todo se hunde en la niebla del olvido Pero cuando la niebla se despeja El olvido está lleno de memoria Ah las primicias, Mario Benedetti. “¡Detente, instante, eres tan bello!”. Fausto, Johann Wolfgang von Goethe.

La obra de Rosa Ripoll habla de lo cotidiano, de lo bonito, de lo amable. Cuenta eso

efímero que no dejar escapar como arena entre los dedos. Susurra escenas y paisajes de cuento, pero un cuento sin monstruos, brujos o sustos, más bien un cuento donde bailantes árboles y violetas azules disputan el juego del protagonismo en el plano; donde a poco que prestes atención, veladuras trabajadas con la más absoluta exquisitez, te cantan el fluir de un río. Rosa posee una mirada de lente de primer plano, captura los detalles y colores de mundos efímeros y cambiantes, cuyas variaciones parecen imperceptibles a simple vista (un naranja más magenta, un cián más verdoso, un amarillo más cálido), pero que para la mirada sensible constituyen un antes y un después. Rosa Ripoll se sienta, te mira más allá de lo que otros ven y, con seriedad y un aplomo desconcertante, te descubre, con absoluta sinceridad, que, lo que realmente desea, es perderse y volverse a encontrar pintando. Dejar a un lado lo aprendido y lo aprehendido para volver a entenderlo todo de nuevo pero con la mirada, el gusto, el tacto y la sensibilidad de su ahora. Un dejarse llevar que sólo te permite la privilegiada posición del ya conocimiento. La obra de Rosa es tal cual ella, seria, rigurosa, perfeccionista, pero a la vez, sutil, emotiva y repleta de una exquisita sensibilidad.

Si te nombro la palabra PINTURA, ¿qué es lo que primero que te viene a la mente? “Color”. ¿Qué significa pintar para Rosa? “Forma parte de mi vida desde hace tantos años… Mi pintura y yo somos una y al mismo tiempo somos paralelas, a veces pienso que tiene vida propia y que no soy yo la que la dirige, hemos ido evolucionando las dos juntas y como todo lo que nos apasiona en la vida, es capaz de hacerme muy feliz en determinados momentos o de hundirme absolutamente cuando los resultados no son lo que esperas. Pero esa lucha es algo que forma parte de los que no se intentan acomodar en algo que les pueda parecer correcto”. ¿Qué es para Rosa ser “ELLA MISMA” mientras pinta? “Intentar contar algo que tenga que ver conmigo, pero que a la vez pueda ser una sensación de la que se pueda apropiar el que observa la pintura. La pintura tiene que ser del que la observa,tiene que ofrecer la sensación de que se puede suspender en esa ventana, entrar, quedarse porque le transporta, porque le da una sensación agradable que le apetece tener cerca, por eso es tan difícil hacer de algo tuyo personal, algo universal. Para mí esa es la meta”. Tu obra desprende un colorido impresionista, ¿qué es para ti el COLOR? “El color es para mí definitivo. Tuve un aprendizaje muy académico, pero el dibujo en este momento no es lo más importante, sí lo ha sido y forma parte de mi adn como artista. Paulatinamente he ido abandonando la precisión a la hora de trasladar los conceptos y las imágenes al soporte, para intentar trabajar solo con color, definir mis contenidos con una percepción subjetiva,valiéndome únicamente del color”. Se percibe en tu paleta una predominancia de las tonalidades de colores frío (azules, verdes, malvas, violetas…) ¿por qué? “Teniendo en cuenta que es el color que más me gusta( el azul), el azul es cielo y mar y esto forma parte de mi entorno más inmediato. Todos los colores están en todas partes, distribuir la cantidad de cada uno en distintas zonas es lo complicado para que todo tenga sentido y armonía. Aún así, el azul con diferencia me marca mucho, no podría pintar sin el azul, además es el color que está en la perspectiva en la lejanía, todo lo que empieza a estar en un segundo plano esta lleno de azul”. 31

Veladuras, colores pastel, sutilidad, sensibilidad, incluso cierta fragilidad, ¿qué es lo que descompone emocionalmente a Rosa? “Todo lo que tenga que ver con mi familia, soy muy dependiente de ellos y eso forma parte del discurso escondido en mi obra, la tranquilidad de mi familia es mi tranquilidad psíquica y es lo que necesito para poder trabajar a gusto. No soy capaz de trabajar con desazón, inquietud o preocupación. Al contrario que otros artistas, que de los momentos difíciles hacen su gran inspiración, a mi me desintegra”. Y ¿qué la recompone? “Saber que todo esta tranquilo, yo siempre digo que mi mente tiene que estar vacía y para eso tengo que estar tranquila, cuando esto sucede entonces voy creando un clímax en mi mente, con los elementos que necesito para trabajar y empiezo la lucha. La música es desde luego un elemento indispensable en esta recomposición”. En tu obra se percibe una tendencia a lo bello y lo amable, ¿es así? “Entiendo que sí”. ¿por qué? “Porque me gusta agradar, crear buenas sensaciones, no tengo un discurso crítico, no me gusta lo triste, lo desagradable, la dureza de nuestro alrededor. Intento rescatar lo bonito porque hay muchos artistas que esto lo hacen definitivamente mejor. Soy una persona muy pendiente de la actualidad y en mi vida privada soy crítica con lo que considero oportuno, me siento muy responsable como ciudadana de lo que pasa a mi alrededor y sé que debemos implicarnos en el cambio que queramos que se produzca cada día. Pero mi trabajo versa sobre lo habitual pero amable, el mundo flotante como era descrita la cultura Ukiyo en Japón, cuando las estampas japonesas hacían arte de lo cotidiano, el tránsito que tenemos nosotros cada día por los distintos lugares que nos acompañan y que seguirán acompañando a otros que nos sucederán”. Eso bello y amable se centra en momentos y retales de paisajes o escenas muy concretas, ¿por qué ese mirar tan del ahora, tan de lo efímero?

“Lo maravilloso de la vida, son historias mínimas, suceden cada instante, son parte de una secuencia de imágenes imprescindibles, que si nos las detuviesen y pudiésemos observarlas desde la distancia, veríamos que lo bello está a nuestro alrededor en todo momento, rescatar esos pequeños fragmentos de secuencias detenidas en el tiempo es sin duda una tarea casi imposible”. Tu pintura evoluciona hacia el desdibujar, hacia el hacer para, después, deshacer; como si quisieras permitirte el no perfeccionismo, el no virtuosismo, ¿te pide abstracción el corazón? “Como he comentado anteriormente, provengo de una enseñanza férrea en el academicismo, al cuál le debo todo lo que sé y ello me ha permitido tener una visión lo suficientemente educada para distinguir lo que me interesa de lo que me sobra, pero sí que es cierto que voy soltando lastre y quiero desdibujar, desaprender hacer el camino a la inversa, no me interesa el dominio de la técnica per sé, si no me conduce a nada más profundo, el hecho de dominar la mano no me atrae, prefiero que la mente me lleve a dominar algo mas etéreo, sí; la atmòsfera, el viento, el silencio, el sueño… a través del color. y esto es desde luego, una evolución hacia la abstracción, pero todo es una incógnita”. ¿Estás permitiéndote ser algo más libre? “La libertad consiste en coger más compromiso con uno mismo, el enfrentarte a un lienzo de frente es muy esclavo, pero intentarlo y conseguirlo es verdaderamente una catársis. La imagen idílica del artista en total ausencia de normas y salvajemente libre no es más que eso, algo idílico, el verdadero artista se compromete con uno mismo, y nadie mejor que uno mismo para exigirte al máximo aunque sepas que no puedes”. Eres una persona muy coherente y que se toma muy en serio cada cosa que hace, ¿Qué te autoexiges en tu pintura? “Coherencia, consistencia, solidez y sinceridad ante todo, quiero poder defender mi trabajo porque creo en él, no engañar a nadie. No creo mucho en las casualidades y sí en el esfuerzo diario; físico y mental, al menos este es mi caso. Si crees en lo que haces, lo transmites, la gente lo nota, lo sabe”.

Y por último, ¿dónde quiere llegar Rosa en su futuro más cercano? “Mi objetivo más inmediato es, exponer, poder mostrar mi trabajo en diversas salas para tener cada vez una visión más objetiva de mi trabajo, a través de los demás. He estado mucho tiempo en el estudio, sin hacer muchas exposiciones y ahora tengo una intención clara de mostrar mis paisajes posibles”.

ROSA RIPOLL Obra 35

EL SILLÓN ROJO, 2018 Óleo/lienzo, 46 x 55 cm. 36

BERTA EN LA TERRAZA, 2018 Ã&#x201C;leo/lienzo, 100 x 100 cm. 37

LA SIESTA, 2018 Ã&#x201C;leo/lienzo, 80 x 80 cm. 38

LAS ZAPATILLAS ESTÁN SECAS, 2018 Óleo/madera, 80 x 80 cm. 39

HOJARASCA, 2018 Ã&#x201C;leo/tabla, 60 x 60 cm. 40

TILO, 2018 Ã&#x201C;leo/tabls, 60 x 60 cm. 41

EL TRACTOR, 2018 Ã&#x201C;leo/lienzo, 46 x 55 cm. 42

A PARTIR DE, 2015 Ã&#x201C;leo/lienzo, 80 x 80 cm. 43

NU BLAU, 2015 Ã&#x201C;leo/lienzo, 100 x 120 cm. 44

AGUA, 2016 Ã&#x201C;leo/lienzo, 47 x 47 cm. 45

CASITA, 2018 Ã&#x201C;leo/lienzo, 46 x 55 cm. 46

ROSELLES, 2018 Ã&#x201C;leo/lienzo, 81 x 130 cm. 47

PEQUEÑO LAGO, 2015 Óleo/lienzo, 47 x 47 cm. 48

FLORES DE MALVA, 2017 Ã&#x201C;leo/lienzo, 46 x 55 cm. 49

LIRIOS, 2015 Ã&#x201C;leo/lienzo, 73 x 60 cm. 50

ESTÁ EN EL CAMINO, 2019 Óleo/lienzo, 120 x 100 cm. 51

ÁRBOLES ROSAS, 2019 Óleo/madera, 25 x 25 cm. 52

ÁRBOLES AMARILLOS, 2019 Óleo/madera, 25 x 25 cm. 53

EL PASEO, 2019 Ã&#x201C;leo/madera, 60 x 60 cm.

CURRICULUM ROSA RIPOLL Nace en Alcoy en 1968. Su vocación artística destaca desde sus años de estudiante en la Escuela de Bellas Artes de su localidad a la que asiste desde 1989 hasta 1999, ganando diversos premios y menciones durante su permanencia. Prosigue su formación, con la asistencia a cursos de Historia del Arte y Arte Contemporáneo, impartidos en el aula de cultura de la Caja de Ahorros del Mediterráneo. Curso Del impresionismo al Surrealismo, una perspectiva pictórica en el aula de cultura de Denia. Curso de realismo contemporáneo y nuevas tecnologías Colores de la piel; impartido por Guillermo Oyáguez en Chinchón Madrid. Curso de Desnudo del natural y bodegones impartido por Golucho en Alcoy, Casa del Pavo. En 2018 asiste también a un curso con Paco Lafarga. Participa en la edición del libro Artistes pels drets humans editado por la Unesco. Expone en diversas salas, Galeria Juan XXIII (Palma de Mallorca), Galeria Major 43 (Cocentaina), Galeria Kroma (Menorca), Galería Segrelles (Valencia), Galeria Puchol (Valencia), Galeria Sfera (Benidorm), Universidad de Alicante, Galería Skimo (Madrid), Sala Cam (Alcoy), Museu Valenciá del paper (Bañeres), Sala Unesco y Centro Cultural de Alcoy Centro cultural de Onil, Circulo Industrial de Alcoy, Centro Cultura de Biar. Finalista en Premio Pintura BMW (Madrid), Premio Pintura Ciutat d ́Alcoi), 1o Premio Casino (Novelda), finalista en otros certámenes como: Eusebio Sempere (Onil), Casimiro Sainz (Cantabria), Gaceta Regional (Salamanca), Royal Premier (Málaga), Pastor Calpena (Aspe), Toledo Puche (Murcia). Actualmente vive y desarrolla su trabajo en Alcoy, su ciudad natal.

SARI MIRÃ&#x201C; Y ROSA RIPOLL PAISAJES POSIBLES