Anicember 2018

25 RESEÑAS DE PELÍCULAS ANIMADAS PARA COMICOFF.ES

ÍNDICE ATENCIÓN: Este es un documento con elementos interactivos.

- Para ir a una reseña concreta, ve al índice y pulsa en su imagen correspondiente.

- Para volver al índice, pulsa el botón ( ÍNDICE ). La interactividad no va en todos los lectores PDF. - El objetivo de esta publicación es recopilar opiniones personales sobre 25 películas de animación.

Por tanto, todo comentario es subjetivo a la opinión del autor.

- Este texto está hecho sin ánimo de lucro. Así que si has pagado por esto, eres gilipollas.

- Los textos en morado indican un enlace que llevará a una web o vídeo.

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Basil, el ratón superdetective

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Paranorman

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Fantástico Sr. Fox

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Rugrats: Aventuras en pañales.

La película

Hotel Transilvania 2

Batman: La LEGO película

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Pag. 17

Pag. 18

Angel’s Egg

Ninja Scroll

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Pag. 22

Sword of the Stranger

Mary and Max

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Wallace y Gromit la maldición de las verduras

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En busca del valle encantado

Pag. 28

Monstruos S.A.

Pag. 36

Vals con Bashir

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La tostadora valiente

Pag. 30

Pag. 32

El último unicornio

La canción del mar

Pag. 38

Pag. 40

La ruta hacia El Dorado

Anastasia

Pag. 23

Pag. 23

A long way north

Megamind

Pag. 23

Arthur Christmas: Operación Regalo

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One Piece Gold

Pag. 42

El gigante de hierro

Pag. 23

El príncipe de Egipto

INTRODUCCIÓN

D

iciembre siempre ha sido (para mí) un mes asociado a los niños. Navidad, dibujos, regalos, acurrucarse en la cama, vacaciones... Aunque lo más importante son, como no, los anuncios de juguetes. Son molestos cuando eres un Herodes como yo, pero también es uno de esos grandes indicativos de que ha llegado la navidad. Una de las mejores épocas del año.

- Pues a mí me parece una mierda la Navidad.

- !Tú calla, sosainas!

En esta época del año los niños son un engorro para algunos padres. Los plantan delante del televisor o tablet para ver Peppa la cerda (no, no es buena; ni siquiera de manera irónica), algunos horrendos dibujos 3D en ClanTV, o espejo público (?).

Yo que sé, cualquier programa jode-cerebros con monigotes emitiendo sonidos.

Y mejor no hablar de Disney XD con su programación (salvando alguna cosilla), o Boing con su cuestionable parrilla (pero buenos dibujos). Y luego están los dibujos que los padres ponen a sus hijos a través de youtube como Peppa la cerda, o la patrulla canina. Pero eso es otra historia.

A mi parecer se ha perdido el criterio en la televisión hace años. La pérdida de los Simpsons en la parrilla de A3, la emisión censurada de Dragon Ball Super de noche, la desaparición de los espacios infantiles/juveniles, limitar la programación infantil a un par de dibujos emitidos en horario de audiencia, etc. La televisión infantil está en un estado deplorable, donde solo importan los dibujos más insulsos, o aquellos que han supuesto un fenómeno de audiencia/merchandising (Bob Esponja, Gumball, Hora de aventura, etc.). Dibujos animados que, aún buenos, sólo distraigan. Como agitar un llavero colorido delante de un bebé. De ahí que Peppa la cerda o la patrulla canina también triunfen (quiero asumir). Al final son programas que instruyen en el arte del consumismo, porque los más rentables son los que consiguen el éxito.

Es cierto que también están Star Wars Rebels o Lady Bug triunfantes con las nuevas generaciones, osea que no todo es “una hecatombe” como la pinto.

Perdón por el discurso, iré al grano.

Mi propósito con este documento es ofrecer un listado de películas animadas de distintos tipos, técnicas y para distintas edades. Una recopilación de películas que puedan ver tanto grandes como pequeños. No todas están pensadas para los mismos públicos, he procurado que el conjunto sea variado. En total son 25. Espero que os descubra o redescubra alguna película interesante.

Gracias por descargar el documento.

Feliz 2018.

Pdta. Todas las reseñas de este documento fueron publicadas en la web comicoff.es a lo largo del mes de Diciembre. Este documento incluye algunas más que no llegaron a publicarse en dicha web.

·Basil, el ratón superdetective

ÍNDICE

BÁSIL EL RATÓN SUPERDETECTIVE Basil el ratón superdetective es la vigésimo sexta película de Disney, nacida en la época en la que la compañía estaba cada vez más cerca de la bancarrota (especialmente tras “Taron y el caldero mágico”). Películas animadas como “Tygra, hielo y fuego” o “Heavy Metal” dieron a entender que la animación ya no se estaba viendo como algo exclusivo para niños. Aunque quién demostró esto mejor que nadie fue Don Bluth con su filmografía (el valle encantado, Fivel, Anastasia, etc.). Siendo para niños, con un tono más oscuro frente a la inocencia alegre de Disney (salvo excepciones como Rescatadores o Pinocho). Bluth dejó Disney en 1978 para fundar su estudio independiente, y sus películas supusieron una seria competencia para una Disney.

De hecho, la película de esta review fue eclipsada por una de las cintas más populares de Bluth; Fivel y el nuevo mundo (An American Tail en América). Aunque Disney le devolvería esto a Bluth con Anastasia. Pero eso es otra historia.

Basil sería el prólogo del renacimiento de Disney, pues sus beneficios (costó 10 millones y recaudó 24) permitieron financiar una de las películas más emblemáticas de la compañía, La sirenita. Con la que llegarían clásicos como Aladdin o la bella y la bestia.

LA ADAPTACIÓN La película está basada en “Basil of Baker Street” una serie de 5 libros Eve Titus e ilustrados por Paul Galdone. Básicamente un ratón detective resolviendo casos “Sherlock Holmes style”, con Doctor Watson y todo. Aunque las similitudes con el personaje de Conan Doyle no acabarán ahí. Detalles como su amor por el violín, el carácter excéntrico y solitario, su velocidad de deducción, su espontaneidad, etc. Sin ser un fan del personaje, veo muchas similitudes con el personaje de la serie Sherlock, interpretado por Benedict Cumberbatch. Esta adaptación animada de 1h pudo ser un especial introductorio a una serie. Su ambiente neblinoso proporciona un escenario perfecto a una serie de misterio. De similar estructura a Scooby Doo, aunque con una atmósfera más seria. De haberla incluido en su espacio “Disney Afternoon”, Disney hubiese tenido un clásico animado de misterio.

Este primer caso comienza con el rapto de un ratón juguetero a manos de un murciélago cojo. La hija del juguetero, Olivia; consigue salvarse gracias a los esfuerzos de su padre. De ella dependerá descubrir todo esto, pero no sin ayuda. Decide ponerse en manos de un famoso ratón detective que vive en Baker Street.

Perdida en medio de un aguacero se refugia mientras llora desconsolada por su padre. Un médico inglés llamado Dawson la encuentra refugiada en dentro de una bota. Casi obligado por la mirada de cachorro de Olivia, la lleva ante el detective en cuestión. El enigmático detective de Baker Street, Basil.

LOS PILARES DE SHERLOCK HOLMES En primer lugar el Sherlock de esta película es algo más complejo que el héroe habitual como Bernardo de los Rescatadores. Este ratón se nos presenta como un inadaptado social que no se molesta en relacionarse con cualquiera, porque desconfía de la gente. Un ejemplo de esto es cuando, al perder a un personaje, Basil recrimina a Dawson (el Watson de esta historia) no haber protegido a dicho individuo. Se enfada consigo mismo por confiar en alguien. En otras palabras, es incapaz de confiar en otros. Presumiblemente porque se considera demasiado inteligente para asociarse con cualquiera. La condición de doctor de Dawson (que deduce instantáneamente Basil), supongo que fue aval suficiente para entablar un vínculo.

Este minúsculo detective comparte muchas similitudes con su contrapartida humana. Sus adaptaciones a la pequeña pantalla, por lo poco que he mirado, destacan un aspecto del personaje de Conan Doyle.

Si por ejemplo la interpretada por Benedit Cumberbatch centra sus esfuerzos en los procesos mentales del detective. Cosas como sus saltos al acertar, el tratamiento casi psicodélico de la edición, las palabras deformándose en el aire, etc. Este Holmes es más pragmático, analiza las pruebas en su despacho.

No digo que en las otras adaptaciones Sherlock no se revisen las pruebas, pero acaban siendo algo recurrente en los momentos que más perdido está el animal. Alguien perdido que decide hacer lo que mejor sabe, cuando no sabe lo que hacer. La presentación del personaje básicamente es un estudio de balística rudimentario. Tanto él como su laboratorio particular están trabajando constantemente en hallar pruebas con las que avanzar en los casos. Una encarnación del personaje más de activa quizá, pero sin llegar a los extremos de películas de acción protagonizadas por Iron Man. Pero, ¿Que sería de Holmes sin un fiel Watson? Dawson en este caso es un bonachón con corazón de oro. Más experimentado en la vida, frente al impetuoso Basil. Es un soldado que ha servido en Afganistán (detalle fiel al personaje de las novelas) como médico y busca un lugar retirarse. Es el protagonista más inocente de los tres en la historia. El más cercano a la magia Disney tradicional en una trama algo adultas para lo que Disney solía manejar (juego, cigarros, alcohol, etc.).

Si anteriormente he comentado cuando Basil recrimina a Dawson perder a un personaje, las tornas se cambian en el tercer acto. Dawson explota de rabia frente a un Basil que se autocompadece, ignorando la inminente crisis que se avecina. Un momento donde este bonachón que nunca ha alzado la voz a nadie, pierde los estribos. Y ese es parte de su problema. Dawson, al contrario que Sherlock, no hace mucho. Es el personaje al que es necesario explicarle todo, para que nos llegue a los espectadores la información. Su paciencia y buen corazón sirven de puente entre la sociedad y la mente de Sherlock, ya está. Un médico algo desaprovechado. Quizá si la serie animada hubiese sucedido; Dawson hubiera tenido algo más de

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·Basil, el ratón superdetective

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relevancia con sus conocimientos médicos. Por ejemplo haciendo observaciones médicas que enseñasen a los niños una o dos cosas de anatomía y medicina.

Basil ya de por sí es un buen protagonista, pero Ratigan es la verdadera estrella de esta película. Interpretado por un Vincent Price que adora cada segundo con esta rata gigante, Ratigan es la definición de villano Disney por antonomasia. Disfruta cada segundo, planeando artimañas que le lleven a su objetivo final, conquistar el mundo. Cae en todos y cada uno de los clichés que se esperarían de un villano de James Bond, como crear una trampa mortal ridículamente elaborada....Que no puede ver en acción porque ha de marcharse.

Da igual que sea un cliché, porque lo presenta de una manera tan divertida que hace olvidarlo.

La película introduce al personaje con un retrato sobre la chimenea de Basil (similar pasa con Ratigan al hablar de su némesis), pasando a un número musical ejecutado por el propio Ratigan. Rodeado de sus secuaces, cantan un número musical dedicado a sí mismo. Número que interrumpe únicamente porque uno de los suyos le llama “rata” (le gusta ser considerado como un ratón grande, no una rata). Momento de rabia que encaja bien, al principio al menos. Al igual que Dawson, poco a poco se aprecia mejor su rabia, hasta que explota en el clímax. No deja ver sus verdaderos colores hasta no sentirse realmente acorralado.

El resto del tiempo es un actor conquistando a la gente con su carisma, crueldad y la ayuda de su “matona”, una gata (la contrapartida al perro Toby que ayuda a Basil). Sus métodos tan extremos y meticulosos hacen pensar que, al igual que con Basil, Ratigan tuvo un duro pasado que lo llevó a ser criminal. Realmente da la sensación que esta rata tan inteligente es el perfecto rival de Basil, dos caras de la misma moneda. Ojala una serie animada expandiera la relación de estos dos. El elenco de personajes lo completan la niña Olivia y el perro de Basil, Tobi.

Olivia, la niña; está bien escrita para lo habitual en Disney. Es una niña en apuros, sí; pero no es tonta.

Además que protagoniza momentos cómicos divertidos picando a Basil, o domesticando al perro Toby.

Este Beagle (?) (no sé de perros) proporciona momentos cómicos, sin ser a costa de su inteligencia. Es un perro regordete, bien entrenado y rápido. No sale más que un par de veces, pero sólo su presentación ante Dwason y Olivia hacen que le cojas cariño. Personalmente de los personajes más divertidos. Esto no es una comedia, pero algo de comedia es de agradecer entre tanta niebla londinense.

El clímax de la película es lo que más recuerdo de cuando vi la película en VHS. Escena que aguanta bastante bien el paso del tiempo. Sorprendente para ser de las primeras inserciones de CGI en una película Disney. Si es posible, recomiendo ver el vídeo de “cómo se hizo” incluido en su edición DVD (no tiene BD).

Es interesante ver cómo los animadores asumieron el desafío de introducir 3D junto a sus dibujos.

NEMESIS INTELECTUALES No es por desmerecer al resto de la película. El guión está bien escrito, hay esfuerzo detrás de la elaboración de todos los apartados (sonoro, artístico, tecnológico, etc.). Es una buena película para vuestros sobrinos o hijos. Únicamente evitad el número del cabaret con las ratoncitas quitándose prendas. Salvo eso, esta es una cinta algo más oscura de lo habitual para Disney que recomiendo sobre todo a cualquier fan del detective de Baker Street. Una breve adaptación, con personajes bien sólidos, en especial el villano; y un apartado artístico que refleja las neblinosas calles londinenses del S.XIX. Una Disney ligeramente más oscura de lo que nos tiene acostumbrados.

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·Rugrats, la película

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RUGRATS, LA PELÍCULA Rugrats fue una de las mejores mascotas de Nickelodeon. Una serie que vendría a ser un “slice of life” con bebés parlantes. Viendo problemas diarios bajo su imaginativa perspectiva. Fue un inocente programa recordado por su creatividad, momentos emocionales y ruptura de roles para lo que solía ofrecer la programación infantil de los 90. Duró desde 1991 hasta 2004. Definió, junto a series como Los Simpsons, el entretenimiento infantil de los 90.

Esta primera película, fue la primera de tres saltos a la gran pantalla. El gancho aquí sería la introducción de un nuevo personaje, Dil Pickels. Hermano del protagonista, Tommy.

AGARRASE A LOS PAÑALES La historia comienza con una fiesta en celebración dedicada al futuro nuevo integrante de los Pickels. La madre de Tommy rompe aguas en plenos festejos. La madre de Phil y Lil pone a toda la tropa Rugrats en pie de guerra (padres, vecinos, abuelos, etc.). Tras llegar al hospital y presenciar un numerito musical a cargo de unos bebés en una sala de maternidad, al fin nace el protagonista, Dil Pickels. Que tarda dos segundos en ser un capullo integral con unos pulmones que ni Michael Phelps.

El mocoso egoísta no para de llorar en 4 semanas, haciendo insoportable la convivencia para Tommy o los bebés. Quienes en un despliegue de inteligencia, pretenden ir al hospital para devolver a Dil. ¿Cómo? A bordo de la otra gran novedad de la película, el vagón Reptar (el Krusty el payaso de Tommy Pickels). Una especie de vagoneta invención del padre de Tommy. Es a partir de este punto que arranca el grueso de la película desarrollado en dos partes, igual que los capítulos de la serie. Por un lado, los bebés buscando su camino de regreso a casa sobreviviendo a los peligros del bosque (mientras cuidan de Dil); por otro los padres buscando a sus hijos.

Perdón si me he extendido mucho con los detalles del primera parte de la película, pero me parece importante porque de un vistazo introduce lo básico sobre la serie. Los primeros minutos se dedican tanto a los adultos como a los niños, de manera que no es necesario haber visto la serie antes. Tras el parto se expone el desencadenante de la trama (el comportamiento de Dil). Por último, los bebés vagabundeando por el mundo. Una trama un poco cliché repetida en películas como la tostadora valiente, Fivel y el nuevo mundo, o Toy Story años después.

INVENTIVA VS. REALIDAD Es en esta parte, es donde veo un fallo importante de la película. Falta la imaginación habitual en la serie. Los niños imaginaban tener grandes aventuras en la seguridad de sus hogares, o en algún entorno cerrado fuera de sus casas (como una tienda). En la película todo es real. El mundo supone una amenaza mayor que cualquier aventura imaginaria. Su contacto con el mundo exterior, los momentos emotivos, las peleas con monos (hay humor “caca culo pedo pis” ¡Claro que hay monos!), es más impactante porque es real. Se puede argumentar que, el cambio de enfoque viene a decir que todo lo que pasa en esta película marca mucho a los personajes. Cosa que compartiría, si no fuese por los números musicales.

Los números musicales, aún siendo pocos, podrían haber usado la imaginación característica de la serie.

Revelar el estado emocional de los personajes. Muchas películas de Disney hacen esto con resultados espectaculares, como Frodo en el Jorobado de Notredame fantaseando con la gitana Esmeralda. Respeto el rollo al que va la película porque es una película, son de esperar cambios que hagan que esta aventura se sienta especial para estos infantes. Aún así, se echa en falta la imaginación de la mente de los niños y padres en la serie.

PADRES Y PEQUES Los niños son unidemensionales aquí, salvo Tommy. Chuckie es el mayor, pero también el más cobarde.

Los gemelos no hacen más que discutir, o hacer de relleno. Tommy es el protagonista de buen corazón.

Puesta a prueba por su hermano Dil. El pobre trata de portarse bien con el bastardo llorón, defendiéndole de sus amigos en varias ocasiones.

Incluso cuando trata de arropar a su hermano para que no pase frío en el bosque, Dil sigue incordiando.

El clímax de la rivalidad lleva a este bebé tan bondadoso al punto de querer abandonar a su hermano con unos monos. Suena estúpido, no obstante la escena enfatiza la tensión del conflicto, arrastrado desde el principio.

Por otro lado están los padres. En una película (y serie) centrada en los bebés, no es de esperar que los padres sean personajes per sé. Podrían ser como los padres de Vaca y Pollo (la serie de cartoon network), que directamente no tienen torso. En cambio los Rugrats dan unos padres muy diferentes, poco convencionales. Los padres Pickels son lo más normal del elenco, aunque el padre es inventor. El padre de Chuckie no tiene mujer. Los padres de Angelica (prima de Tommy) son snobs con altos cargos. Por último, mientras la madre de Phil y Lil es una esposa muy vivaracha y energética, el marido es bastante tímido.

Esta combinación de personajes da una comunidad de vecinos/amigos bastante única. En ocasiones pelean en la serie, pero nunca dejan de interesarse por los demás (o los bebés). La película desde luego no saca provecho de ellos, salvo alguna reacción de la madre de Phil y Lil. Siendo un producto dirigido a niños pequeños con humor “caca culo pedo pis”, no puede evitar ser predecible.

El producto final es disfrutable, pero no algo apto para todo el mundo. Aguanta bien el paso del tiempo, salvo

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·Rugrats, la película

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por ciertas canciones. Es una capsula del tiempo con lo bueno y malo de las películas infantiles en los 90.

La introducción funciona aún dejando de lado elementos como la creatividad en pos de un producto más serio sobre la fraternidad. Esos momentos son los mejores momentos. Explorando un lado del protagonista no muy explorado en la serie, por su naturaleza naif. Los momentos de humor en cambio; rompen esa atmósfera más seria.

Hace muchísimo que no veo la serie, con lo que puedo estar equivocado; pero diría que la serie tampoco abusaba de ese humor tan vulgar (quizá en los peores episodios). Si se obvia esos momentos infantiles (que es un producto para niños muy pequeños, lo sé); en general es un producto satisfactorio. Fiel a la esencia de la serie. Es inofensivo entretenimiento con bebés de protagonistas y algo de humor “caca culo pedo pis”.

Como dice mi abuela; ese tipo de humor es el mejor. Cualquiera se puede reír y no ofende a nadie. Porque todos cagamos igual.

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·Hotel Transylvania 2

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HOTEL TRANSYLVANIA 2 Hotel Transylvania fue una de las películas que vi en mi primer intento de hacer esta locura llamada “Anicember” (mis dotes de naming son apabullantes, lo sé). Resultó una historia mucho más divertida de lo que pensé, con un tema bien llevado de principio a fin. De ahí que analice directamente la secuela.

La diversión aquí creo que viene de la velocidad, que acompaña la animación. Es como ver a los Looney Toons, Ren y Stimpy, Animaniacs o a Tom y Jerry. Algo impredecible que no da un respiro con sus giros, vueltas, cambios de dirección, expresividad o ritmo. Los personajes llevan al extremo sus emociones hasta el punto de resultar cómico.

La exageración aporta sobre todo en la comedia física de los personajes. Por eso Hotel Transylvania 2 se siente tan similar en la animación. Una traducción del lenguaje de la animación clásica a las tres dimensiones. Esto puede ser bueno o malo. Pero me estoy adelantando. Veamos las virtudes y defectos de Hotel Transylvania 2. (*Inserte sonido de rayos y truenos)

¿QUÉ HAY DE NUEVO EN TRANSYLVANIA? La historia es el aspecto más flojo de la película. Mavis, la hija de Drácula (Adam) Sandler, ha tenido un hijo con su marido humano. El 80% de la película consiste en que el niño desarrolle colmillos de vampiro. Ya está.

Una premisa buena para un dibujo animado de unos 20-30min. Excesivo en una película animada entera. De ahí también que se note como un dibujo clásico, premisa muy específica que no da para un desarrollo de 90 minutos. De hecho, esa premisa son sólo dos actos, siendo el tercero un villano salido de la nada.

Durante el viaje por despertar la naturaleza vampírica del niño, se establecen problemas de relleno.

No aporta nada, salvo enseñar a los personajes de parranda sin más. Mavis por ejemplo, es tratada como la típica madre sobreprotectora. Una gruñona que frena la obsesión de Drácula con el tema del niño. ¿Tienes una madre que debe hacer frente a la doble naturaleza de un niño y no haces nada?

Sólo con esto Mamoru Hosoda hizo Wolf children. Una tierna historia de una madre tratando de criar y comprender la doble naturaleza de sus hijos. Pero no. Es una madre adolescente gruñona que no hace lo que Drácula Sandler quiere. Una suerte de madre que cuando la dejan, disfruta explorando el mundo con su curiosidad y energía. Hace todo más interesante. Una lástima pues su energía y curiosidad son de las mejores cosas de estas películas.

La dirección de Genndy Tartakovsky, creador de Samurai Jack, ayuda mucho. Aunque este estilo tan “hiperactivo” no sea su punto fuerte. La animación se centre mucho en la hacer comedia física, particularmente la de una especie de Flubber. También en referencias a facebook o los móviles (monstruos usando tecnología, material cómico de calidad). Y a pesar de todo ello, no cuesta ser absorbido por la energía de los personajes haciendo movidas. Si te dejas llevar, es una película llevadera llena de detalles que demuestran el talento del equipo detrás. Uno que me llamó particularmente la atención fue cuando Mavis y su marido humano van a casa de este. En el salón hay un retrato familiar de toda la familia, estando el marido apartado del resto. ¿Por qué? Porque el chaval era muy raro, no encajaba en ninguna parte. Cosa que le hizo hacerse mochilero, vagabundear por el mundo hasta el hotel Transylvania.

El nivel de cuidado de estas películas muestra que el equipo detrás tiene talento e interés. Cuando la animación funciona, lo hace espectacularmente bien. Imbuyendo de vida a los personajes con pequeños detalles como la manera de andar o sus expresiones. Sus diseños geométricos combinados velocidad y expresividad; les hace divertidos e impredecibles.

En contraposición a esto, se sueltan varios chistes o gags visuales de humor estilo “caca culo pedo pis”; esperando que algo de eso haga reír. Uno o dos funcionan, quizá porque la comedia física de los personajes acompaña. Aunque no sé, igual es que soy imbécil (seguro). Siendo justos, la cosa con los chistes no se desmadra. El protagonista de algunos de estos momentos es un niño de 5 años. Es comprensible.

CONFLICTOS ENTRE DOS MUNDOS Aunque toda mi verborrea de señor sabeloto defienda la animación de los matados esclavizados por Sony (cuyo estudio goza de mala fama), lo peor sigue siendo la historia. No por mala (que lo es), sino porque se desaprovechan oportunidades.

En la primera película, Drácula tiene un arco de desarrollo. Odia a los humanos porque mataron a su mujer hace cientos de años. Pero al final aprende a apreciarles, porque ya no son los individuos cargados de odio.

En esta secuela Drácula no les odia, pero se palpa algo de racismo (?) contra los humanos. Los considera ciudadanos de segunda. Justificante de su lucha en el segundo acto, por liberar la naturaleza monstruosa de su nieto. Tramo planteado como un “road-trip” dedicado a Drácula. Que vea como es el único de sus colegas que no se ha adaptado a convivir con humanos (ni con su tecnología smatphone).

Sinceramente esperaba que con las nuevas incorporaciones de personajes humanos (la familia del novio de Mavis), la historia diera el mensaje de que ser humano tampoco es malo. Los humanos también podrían haber dado un giro interesante a la película en el último tercio. Hubiese querido verles reivindicando su lugar.

Quizá con el marido de Mavis dando un discurso frente a Drácula padre, Vlad (el villano salido de la nada).

Poniendo en contraposición la mente abierta del muchacho, frente al racista de Vlad (que menosprecia incluso a otros monstruos). Alguien que ha convivido con monstruos, contra un abuelo aislado en su burbuja.

Si el mundo humano aceptó a los monstruos con los brazos abiertos en la primera película, en esta podrían

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·Hotel Transylvania 2

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completar el mensaje. Convivir significa comprender que hay gente diferente a ti. Ni mejor, ni peor que tú.

Cada uno tiene algo único de lo que podemos aprender. Lástima que todo queda en agua de borrajas con un final feliz edulcorado que no enseña nada.

Vale, me he pasado de cursi, pero captáis la idea.

¿CHECK OUT O CHECK IN? Hotel Transilvania 2 es una correcta continuación a la original. Ambas ofrecen un entorno cómico con monstruos clásicos tratando de pasarlo bien. Entre las dos películas, creo que la primera tiene una estructura más solida, con el odio humano siempre presente. La secuela no tiene tan claro lo que quiere ser, pero ofrece diversión hasta el último tercio.

Salvo por eso, hace un buen trabajo como secuela mejorando cosas de la original como la química entre los colegas de DrácuSandler. El relleno, la excesiva comedia infantil, o la decepcionante conclusión son serios defectos que le restan puntos frente a su predecesora. Si se obvia eso, son 90 minutos de entretenimiento muy disfrutables para grandes y pequeños.

No creo que sean la basura que webs especializadas sentencian con sus comentarios viperinos, ni un clásico atemporal infantil. En mi opinión es una opción más que digna de ver en Halloween, cargada de detalles, ternura y diversión. Una buena toma de contacto de los monstruos clásicos. De esos tan recordados en Halloween por los disfraces, no por los personajes.

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·La Lego Batman película

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LA LEGO BATMAN PELÍCULA El logo de Batman es de los más utilizados en merchandisign. Da igual si es por haber leído sus cómics, disfrutado con sus adaptaciones, o si se es de la escuela de Big Bang Theory (postureo). Todos quieren al superhéroe con falta de Prozac, demostrando su amor comprando algo del héroe. Da igual de donde venga tu amor por el personaje, en algún punto de tu vida te toparás con él.

Tiene el honor de contar con (al menos) alguna adaptación digna en distintos medios. En animación está la serie clásica de los 90 (de donde viene Harley queen), en videojuegos está la trilogía de Rocksteady, o en cine tenemos las películas de Nolan. Desde luego para gustos, colores. PERO aquí viene mi problema con el murciélago, no es expresivo. Sólo sabe expresar violencia y odio.... A primera vista al menos. Me parecía un niño llorica incapaz de superar un trauma por más que su mayordomo lo apoyase.

Todo esto cambió cuando decidí sumergirme un poco más en el personaje viendo “Batman y la máscara del fantasma”. Una gran película con un buen misterio, el Joker y una historia que muestra a Bruce triste por ser feliz. “¡POR FIN!” - pensé - “Alguien que me explica más acerca del conflicto interno del héroe sin necesidad de mostrar la escena del callejón”. Ese conflicto psicológico que forja al héroe oscuro de DC es (a buen seguro) lo que ha mantenido interesante al murciélago para todos esos compradores de merchandisign.

El otro único caso que recuerdo donde se muestra un conflicto psicológico interesante, es en Batman Arkham Knight. El problema para mí, irónicamente, era la acción. El conflicto interno con el Joker creo que podría dar para un cómic introspectivo interesante del personaje. Donde se vea por qué es un héroe interesante. Por ser un ser humano. No digo que no existan más en los cómics; hablo de adaptaciones para el público no-aficionado.

¿CHECK OUT O CHECK IN? “Un héroe humano que usa el engaño y la intimidación como armas” ¿Cómo vendes esto como una película infantil sin hacer el ridículo cuál Adam West? Ese fue el desafío que tuvieron los creadores de la Lego película, que metieron de manera forzada su propio Batman. Un egocéntrico marchoso que pasaba de todos. Debió ser muy popular, pues poco después sacan una película basada en esa interpretación suya.

Sin embargo, esta adaptación explica MUCHO mejor porque Batman se porta de una manera tan diferente al bruto de voz grave habitual. Es un comentario jocoso del personaje que respeta gran parte de su historia con mucho respeto. Como adaptación logra su trabajo: - El espectador puede empatizar con el personaje.

- Invita a averiguar más sobre este (a la espera de que algún youtuber perilludo hable del señor Wayne).

- Hace guiños a su historia, para los fans de cualquier adaptación suya (cuanta más historia, más se disfrutan los guiños).

-Tiene su propia identidad, sin depender de otras adaptaciones.

Si los últimos juegos han dado a conocer el mundo tras el enmascarado de Gotham, adaptaciones como la película de este texto hablan del personaje. Ambas buenas maneras de hacer que los profanos tengamos interés en sus historias.

BATMAN Y JOKER, LOS NUEVOS JOKER Y HARLEY El primer acto consiste básicamente en demostrar que Batman es alucinante. El Joker aterroriza la ciudad con una bomba, todos los malos de la historia de Batman (o sino todos, la mayoría) se unen bajo el mando del Joker para poner una bomba gigante en un reactor nuclear. Batman logra irrumpir en la concentración y a ritmo de música, la cual se combina con sonidos asociados a Batman que cualquier fan del personaje identificará.

Batman derrota a los malos, quedando sólo el Joker con su habitual intercambio de diálogos mostrando amor mutuo (hahaha NO); culminando en Batman salvando la ciudad. Este fragmento de la película sólo, es toda una declaración de intenciones sobre este Batman. Es chulito, el héroe que pega a los malos, a quién le gusta ser el centro de atención. El número musical introductorio de películas como la “precuela” (La Lego película), es Batman marcándose un solo zurrando a gran parte de los criminales de su historia.

El problema de este alucinante Batman, es ser incapaz de disfrutar su vida, porque no quiere a nadie cerca suyo. AQUÍ la cinta habla de Batman tras un jocoso comentario de Alfred acerca de las “fases” por las que ha pasado Batman. Como si de un adolescente se tratase. Funciona a las mil maravillas estableciendo el arco del personaje, a la vez que hablando del lado humano que ha hecho tan fascinante al héroe. De acuerdo que no es su única faceta interesante, pero en poco más de una hora de película no se pueden meter TODA la historia del personaje (eso sí, se intenta).

El Joker, como de costumbre, complementa su carácter. Es un villano que demuestra vulnerabilidad.

Se molesta cuando ponen en entredicho sus planes (sin volverse loco por ello). Demuestra incluso sentimientos por Batman. Literalmente tiene una relación tratada como “de pareja”, que tiene un punto hasta adorable cuando ves al Joker a punto de llorar. Dicho brevemente, recuerda a Harley Quinn con

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·Basil, el ratón superdetective

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Hiedra; siendo la figura de Hiedra la propia Harley (que hace las veces de amiga dando apoyo moral al Joker). Aún con esas vulnerabilidades sabe compaginar el carácter cómico y aterrador del personaje. Por desgracia, la parte seria no llegue a la suela del zapato a adaptaciones como la animada o la de Burton.

Comprensible por el público y tono autoparódico que mantiene la cinta. Una pena.

Estamos ante un Joker digno (no de los mejores) tratando de hacer reír y temblar a la vez. La cinta se permite momentos cómicos a su costa, como personajes mirándole con incredulidad porque “Batman desbaratará sus planes”. Ese humor autoconsciente es el tipo de detalle que hace funcionar esta parodia/ homenaje. Máxime en una época donde el cine paródico está muerto gracias a Scary Movie y similares.

El resto del casting es sorprendentemente digno. En mi opinión, la mejor interpretación corre a cargo de Rosario Dawson como Bárbara. Y quizá Ralph Fiennes como Alfred (es de esos personajes que hablan poco, pero en el momento justo). En cuanto al Joker, Batman y Dick Grayson; cumplen su papel.

No dotan a los personajes del carisma imbuido por otras encarnaciones (esto es a título personal). Sus interpretaciones no llegan a las de Mark Hamil o Kevin Conroy. Con ello no pretendo desmerecer la actuación de nadie, todas las voces se sienten bien gracias al talento de los actores de doblaje (algunos con sorprendentes buenas voces).

MURCIÉLAGO PARA NAVIDAD Anicember fue una iniciativa que decidí llevar a cabo en 2016 con idea de destacar películas de animación para distintos públicos. Siempre en el terreno de la animación. Películas que fueran perfectas para ver durante el mes que los niños tienen casi dedicado a ellos con la Navidad; Diciembre. La lego Batman película me parece perfecta para esto. Los niños y adultos pueden disfrutar de esta divertida cinta, más aún si son fans de las historias de “Detective comics”. No es necesario.

Una respetuosa adaptación de muchos elementos de Batman con humor autoconsciente. Unido a esto hay detalles que recuerdan a la Lego película como; la construcción de naves con piezas del entorno (similar a los juegos de la empresa), la integración del stop-motion con CGI, o el humor dicharachero de los habitantes de Gotham. Estos elementos no se sienten copiados aquí, se notan trabajados y refinados.

Mi única gran pega es el apartado sonoro. Repleto de canciones pop (similar a la Lego película). Algo bastante habitual hoy en día, que se aleja bastante de esas músicas épicas tan acordes al personaje.

Comprensible por otra parte por el carácter alegre y despreocupado de esta parodia. Aunque no deja de parecerme poco trabajado que alguien coja un puñado de canciones pop conocidas.

No quiero dar más detalles de la película, ni soy muy ducho en el lore de Batman para hablar apropiadamente de los cientos de guiños contenidos en poco más de una hora. Opino que la película es muy disfrutable e imaginativa, con lecciones para el público (lidiar con la pérdida de un ser querido por ejemplo). Gran diálogo con bromas constantes hacen de la Lego Batman película una de las mejores adaptaciones que el vigilante ha tenido en la gran pantalla.

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·ParaNorman

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PARANORMAN Las brujas son uno de esos símbolos clásicos de Halloween como Drácula, fantasmas, momias, etc. En la época colonial se tomaba por bruja a cualquier mujer que aterrorizase el status quo impuesto por la Iglesia.

La búsqueda por el trato igualitario, el estudio de la medicina natural (cosa que la iglesia no veía bien), leer y escribir, ser científicas, artesanas, chamanes conocedoras del cuerpo humano, etc. Por unas razones u otras suponían un riesgo al sistema patriarcal. La Iglesia no tardó en satanizar a estas mujeres. Dando origen a la caza de brujas de la que poca información ha llegado a nuestros días.

Se las veía como grotescas criaturas; hijas de la noche que tratan con sustancias peligrosas en sus aquelarres.

Imagen que ha perdurado hasta nuestros días.

Evidentemente, la respuesta fue brutal violencia; llevándose la vida de miles de mujeres. La película de ParaNorman (“El alucinante mundo de Norman” en castellano) no trata esto pero si habla de bullying, de tener la mente abierta a lo desconocido, o de tratar el dolor emocional. Muy compacta para todo lo que arroja al espectador.

Bueno, también hay una bruja y tal.

SCOOBY DOOBY BUUUU En el pequeño pueblo de Hollow Blithe existe una leyenda. Hace 300 años una bruja fue condenada a morir por la práctica de brujería por el testimonio de 6 personas. No obstante, antes de morir; la bruja echó un maleficio sobre los testigos y el juez. La maldición haría que volviesen a la vida, atacando a los humanos en el nombre de la bruja. Esta leyenda ha hecho popular al pueblo, atrayendo a curiosos turístas cada año.

Paralelamente a esta historia tenemos algo sacado de una novela de Steven King, un niño con poderes sobrenaturales. Norman tiene la capacidad de hablar con los espíritus atascados en este mundo (como Ichigo al inicio del manga Bleach). Aunque últimamente empieza a tener visiones de otras cosas, como si su realidad se resquebrajase. ¿Qué estará sucediendo? ¿Tendrá la bruja algo que ver?

La historia en sí se siente muy clásica y original. Sacada de un episodio de Scooby Doo, o de una película slasher como Halloween, Evil Dead, IT o Viernes 13. Contiene misterio y adolescentes retrasados huyendo de un ente sobrenatural dispuesto a matarles. Esto sólo ya la convertiría en un potencial clásico de Halloween.

Combina la premisa slasher con un extremo cuidado estético apropiado para complementar ese “feeling” nostálgico hacia ese tipo de películas de los 80-90. La época favorita del cine y la televisión hoy en día.

Es una historia que tarda en arrancar estableciendo personajes y el mito de la bruja, pero en cuanto arranca; es un no parar. A fin de cuentas, todo transcurre en tan sólo una sola noche.

UN ELENCO DE SERIE B Los personajes de esta historia no pasan de estereotipos poco trabajados. Apropiado para el tipo de género. Está la típica adolescente (hermana de Norman) que sólo sabe mirar por su aspecto, el matón del colegio, un musculitos idiota y el clásico gordito que hace de mascota en cualquier grupo (It, Los Goonies, Willy Wonka... Están en todas partes).

Cada uno tiene su pequeña aportación puntual. La hermana es quién hace que el grupo se mueva, el musculitos tiene una furgoneta y el matón.....Abre una puerta. El gordo da apoyo moral o hace el imbécil.

En definitiva, y para ser un grupo montado a marchas forzadas; se respira una buena química (salvo el matón quizá) entre ellos. Pero vaya, aquí los protagonistas son Norman y la bruja.

Norman es un chico bastante tímido que trata de ser bueno con los fantasmas, no tanto con los humanos.

Son gente que casi desearía ver muerta por lo cansado que está del bullying sufrido. Todo por sus poderes, que nadie le sabe explicar. Sus padres afrontan su problema con filosofías distintas, pero ninguno le escucha en realidad. El resto del pueblo le ignora o le hace bullying. Todo esto ha forjado una coraza psicológica que repele a quienes se le acercan. Es buena persona, pero es de esas personas por las que hay que luchar para encontrar su buen fondo. Ha pasado por demasiado, nadie le escucha. Está harto de todo.

La bruja ya es algo más delicado porque su identidad es parte del clímax, pero digamos que también ha sufrido lo suyo. Su aparición al final da mucha fuerzas al mensaje de LAIKA. Es el ejemplo perfecto de las cicatrices emocionales que una persona puede llegar a padecer (y padece) a causa del bullying, del resentimiento y la venganza. Bajo los misterios de su origen, subyace una historia de venganza y aceptación.

No hay buenos o malos aquí, sólo malas decisiones que desencadenaron el caos sobre Hollow Blithe.

La bruja acaba siendo el menor de los males. Como en las buenas historias de monstruos, el verdadero monstruo aquí acaba siendo el ser humano.

CUIDADO VISUAL Laika ha hecho un gran trabajo mostrando a un niño como Norman. Sutilezas como su mirada huidiza, el lenguaje corporal al mantener sus brazos siempre juntos, la expresión de miedo siempre presente, o su manera de andar dependiendo de quiénes le rodeen (fantasmas o humanos). Son sutilezas impresionantes para una película en stop-motion. Donde cada frame hay que cambiar físicamente algo. Cuando en una película así consigues que cada personaje tenga un tipo de movimiento diferente, significa que el estudio de animación es muy bueno.

El hecho de que todas las sutilezas de Norman queden bien representadas es importante. El problema representado aquí es el dentro y fuera de la escuela. Las víctimas de bullying suelen dar la callada por

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·ParaNorman

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respuesta, evitan hablar (confundido con timidez), aguantan lo que pueden, son de mirada huidiza, temen la interacción social, andan cabizbajos, etc. Son rasgos representados en el personaje de Norman. Desde luego ParaNorman es divertida para Halloween, pero también resulta educativa sobre el bullying. No sé si fue la prioridad de Laika al hacer Paranorman. En cualquier caso, es un buen caso de cine juvenil entretenido, con algo educativo metido de fondo.

El estilo visual es uno de los factores que no me permiten recomendarla a cualquier persona. No es uno de esos clásicos con los que no puedes fallar. Es una película con un diseño de personajes caricaturesco y grotesco. Feo a propósito. Es todo un acierto en mi opinión, pero no me cuesta imaginar a padres pensando que “como los monigotes no son bonitos, no quiero que mis hijos la vean”. Si ni tú, ni tu familia sois tan tiquismiquis, adelante. Si te gusta Tim Burton, te encantará la película sin duda. Los zombies por ejemplo, tienen un aire a los personajes de “La novia cadáver”. Aunque cambiando el estilo victoriano de los “cadáveres”, por el colonialismo.

Otro símil con el cine de Burtom es el equilibrio de tensión/terror con la comedia. Momentos como la pelea dentro de la furgoneta son muy divertidos gracias a la comedia física que aportan los zombis. Algún que otro momento como ver al matón abrir una cerradura son inesperadamente gracioso. Quizá el más divertido es el tío de Norman. Particularmente la comedia física cuando Norman tiene que coger un libro suyo.

Los momentos de tensión tampoco escasean, especialmente con la introducción de la bruja en el cielo.

Como un ente siempre presente, observando la situación entre carcajadas terroríficas. Disfrutando viendo corretear a los protagonistas igual que un depredador jugando con su presa.

Por último un pequeño aviso. Padres y madres con hijas, o gente con sobrinas es probable que les afecte un poco la historia de la bruja. No por las imágenes (no hay nada de violencia), sino por sus implicaciones.

Entiendo que hay gente a quien le puede afectar más. Incluso habrán mujeres que empaticen con la bruja.

Recuerdo que en aquella época las brujas eran mujeres con talentos o habilidades que la Iglesia no toleraba.

Ni la gente entendía. Tenedlo en cuenta.

STEPHEN KING APTO RECOMENDABLE NIÑOS Paranorman no es una película como digamos Hotel Transylvania 2. No es todo alegría y diversión. Eso, en mi opinión, le hace ganar puntos. Hay comedia, pero también tensión, ternura y pena. Busca un estilo feo intencionado, que recuerda a las pelis de serie B, una época con más trabajo manual que de ordenador (que lo hay). Los amantes del cine de terror ochentero encontrarán algunas referencias curiosas en el viaje de Norman por descubrir los secretos de la bruja (planos, elementos en el decorado, posters, fantasmas, etc.).

Personalmente para mí sería un clásico moderno de Halloween junto a otras obras animadas como “El jinete sin cabeza” de Disney, Coraline o La novia cadáver.

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·Ninja Scroll

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NINJA SCROLL Los ninjas son el chocolate de la ficción (junto a los dinosaurios), siempre mejoran todo. Ignorando Naruto, los ninjas son personas que asesinan entre las sombras. Miembros de un clan al servicio de un señor feudal, que trabajan al margen del mundo. Son como “el pipa” del Medievo nipón. Cumplen con su deber detrás de los focos para que el concierto salga bien al final. Cambiando los conciertos por los castillos de señores feudales japoneses. Tampoco hay tanta diferencia.

EL RONIN Y LOS OCHO NINJAS Ninja Scroll nos transporta a la era Tokugawa. Samurais, castillos, señores feudales caminando en batín por sus castillos portando un moño.... ¡Y ninjas! Concretamente la historia se centra en un equipo de élite de 8 supuestos ninjas (realmente sólo 2 los calificaría de eso) con poderes demoníacos. Su propósito es hacerse con un oro robado de unas minas hace años y usarlo para sus fines personales.

Jubei Kibagami, un ninja sin clan será el encargado de frenar a los 8 ninjas, llamados “Los ocho demonios de Kimon”. En su aventura le acompañará Kagero y Dakuan: Kagero es una ninja que, al igual que nuestro protagonista; pierde a su clan en una misión para frenar a los demonios. El guión no la deja lucirse, porque tiene que ser la dama en apuros de turno.

Dakuan por su parte es un monje enviado por el gobierno de Tokugawa para zanjar el asunto y recuperar el oro. Dicho monje es la representación física de los guionistas, forzando la situación habitualmente a peor.

Ninja Scroll se siente como una película anime de serie B. Con dibujos de paisajes increíbles y coreografías de peleas magistrales. Aunque poco a poco afloraran los fallos en este baño de sangre; como la falta de proporciones o posturas “cuestionables”.

El argumento da la excusa a los animadores de dibujar distintos entornos. Se siente como una “boss-rush” (sólo zurrar jefes) arrojando a Jubei contra los demonios de Kimon. Existe cierto argumento de fondo, pero el 80% de la película son peleas y derramamientos de sangre (estilo película de serie B). Hay momentos de descanso con algo de desarrollo de personaje cimentando la tensión sexual entre los ninjas Jubei y Kagero.

NINJAS NOVENTEROS Rurouni Kenshin ha sido la serie que más veces me ha venido a la cabeza (concretamente el complot de Shishio). La animación de Ninja Scroll es gloriosa técnicamente. Las peleas se sienten muy fluidas con un gusto por el detalle tanto a nivel de animación como coreografía. Lo que esperas de una cinta donde el centro SON las luchas. Algunos igual piensan como yo, que mucha pelea pero poca razón. Con tanta pelea y poco desarrollo, mi cerebro deja de interesarse por tanta acción. Como ver una película de artes marciales en la televisión mientras hacer zapping. Sí, molan las hostias; pero si no me dan razones para interesarme, pues pasando. Al final este cuento ninja son combates de 1 contra 1, con un hombre de protagonista. El mismo que en cualquier película de acción.

Jubei es un ninja gallito, que vaga por el mundo como mercenario. El típico héroe de acción de los 80-90.

Llámalo Rocky Balboa, llámalo John McClane, llámalo Blade o llámalo Alex Murphy. Se ve envuelto en líos que no buscaba, para terminar arrastrado a una causa que poco le importa. En este caso salvar a la damisela no es la meta, sino la venganza (algo más típico de una secuela). El motor de toda la trama considero que es ese. La venganza del villano hacia un sistema que no hizo nada por él, y la del Jubei hacia un individuo que le arrebató todo. Para cumplir su objetivo, Jubei contará con; una gran habilidad como espadachín, una mente rápida fruto de la experiencia y un tremendo aguante tanto físico como psicológico.

Es el personaje protagonista indiscutible, protagonizando los combates, tratando mejor que otros a la mujer que le acompaña, etc. Tan bueno que su primer encuentro con esta, es durante su violación a manos de un tercero. Violación en la que Jubei no interviene porque está en un rincón de la habitación. La víctima, Kagero, es la objetivización de la mujer en sí misma. A pesar de ser una kunoichi con habilidades para el combate, queda relegada a objeto de deseo, o damisela en apuros. Su encuentro con Jubei es durante una violación; que de no ser porque el malo maloso se percata del ninja renegado, hubiera seguido.

Kagero tiene una o dos escenas demostrando su habilidad, nada más. Cosa que demuestra lo buena que es.

Estas habilidades y su cuerpo cargado de veneno la convierten en una gran ninja. De esto se aprovecha el guión al convertirla en un objeto de deseo inalcanzable para los hombres. Jubei es la excepción de decide acercarse a ella y tratarla con algo más de decencia. Con “algo más” quiero decir salvarla cuando el guión lo dictamine, o preocuparse por su salud entre combate y combate. En resumen; un arma de seducción sin la actitud de una “femme fatale”, que interpreta el papel de damisela en apuros.

VIENTO Y CUERDAS Los halagos le llueven a esta película cuando alguien habla de su animación. ¡Que los merece! Y a pesar de que el tratamiento de personajes me parezca malo, hubo algo que me ayudó a aguantar este “dramón”. La banda sonora. No me gusta la música, así que aquí no haré tanto de Señor™ en este apartado.

La música está plagada de instrumentos tradicionales japoneses. Emplean tambores, instrumentos de viento y de cuerda como el koto, o el shamisen. Viento y cuerda aportan la tensión, la calma antes de la tormenta.

Los instrumentos de percusión el dramatismo o la acción. Todo envuelto en un halo de angustia, que encaja con el estilo del film.

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·Ninja Scroll

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Mención especial a la canción en los créditos, se siente una balada muy melancólica (como muchas, imagino).

Si algún aficionado a la música lee esto, lo siento. Mis conocimientos en música son MUY nulos, pero la banda sonora de esta película merecía una mención especial. Prefiero callarme antes de cagarla más.

BALADA DE SERIE B Ninja Scroll es una obra para apagar el cerebro. Una película de serie B que se toma demasiado en serio en ocasiones con su excesiva carga dramática. Que el guión sea endeble poco importa, porque a una película de peleas no le pides que sea Shakespeare. Lo que sí pido es mayor desarrollo de personajes frente a la espectacularidad en las peleas.

Es difícil recomendar esta película ignorando los problemas con la violación, o la forma de tratar a Kagero. Si aún así estás dispuesto a darle una oportunidad; esta cinta contiene toneladas de peleas y una banda sonora absorbente que te mantiene en constante alerta. Todo empaquetado en un producto con olor a película de serie B. Una obra de culto con ninjas matándose entre sí. Pero sin ninjas ocre.

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·Angel’s Egg

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ANGEL’S EGG Angel’s Egg o Tenshin no Tamago es una de esas películas para las que considero que yo (ojo, no hablo de que le haga falta a cualquiera), necesito saber más acerca de cine para entender lo que quiere transmitir esta película. Es lenta, inmersiva, muy creativa, oscura, bella; pero sobre todo... Rara. No rara en un sentido pretencioso, sino rara porque no sigue patrones a los que me tiene acostumbrado el anime o el cine americano. De ahí mi comentario de “saber más de cine”. Por las reseñas que he visto para documentarme, parece que es una de esas películas con las que cada uno tiene su propia interpretación.

Por consiguiente, esta review va a ser un poco diferente. Comentaré cosas sin ahondar en mis impresiones. De modo que descansar. Vamos, que será la misma pedantería aunque sin detenerme tanto en temas y personajes.

¿LA HISTORIA? La historia es....complicada de comprender. No es una historia al uso con origen, nudo y desenlace. No da todas las piezas para entender lo que pasa, y personalmente; yo no he llegado a pillarla bien.

La película está protagonizada por 2 seres. Una niña pálida que protege un huevo, y un hombre con un extraño artefacto a la espalda. Sus caminos se terminan cruzando en el desolador mundo. Decididos a sobrevivir deciden juntarse en su camino hacia lo desconocido.

Enmedio de esta trama, hay elementos del mito de Moises sobre todo; pero nada tiene que ver con la interpretación tradicional del mito. Ni tampoco estamos ante un destrozo como la versión del señor Russell Crowe. Pero incluso sin pillar “las referencias bíblicas” que vertebran la película, es igualmente disfrutable. No trata de lanzarte propaganda cristiana como “Royal Space Force”. Sí existe un mensaje hacia la religión y la pérdida, aunque la historia está abierta a múltiples interpretaciones. Y no quiero decir mucho más porque creo que esto debe verse sin ideas preconcebidas o antecedentes. Dicho esto, hay algo sobre lo que creo importante advertir a los valientes que quieran verla.

Es insoportablemente lenta. Una cinta muy contemplativa con planos estáticos, o que se recrea mucho con las pequeñas animaciones de la niña protagonista interactuando con el mundo que la rodea. Muchos de los planos son panorámicos, o generales. Además de lentos fundidos a negro, o primeros planos dedicados al hipnótico vaivén del pelo de la protagonista.

EL GRECO CON JAPONESES La mejor descripción que puedo dar de esta película es “Ver las ilustraciones de Yoshitaka Amano (final Fantasy) cobrar vida, en un mundo pintado por el Greco”. Combinad eso con alguna escena ocasional algo más extraña de los cuadros surrealistas de Dalí; y quizá eso resuma el aspecto visual de la película.... Vagamente.

Angel’s Egg visualmente es una delicia magnética. Atrapa al espectador como en una historia de terror cocida a fuego lento. Seduce con su apartado visual, el cuál te adentra en este fantasmagórico viaje de una pálida niña en un mundo distópico. Un mundo abandonado por el hombre, lleno de vestigios de lo que igual fue una sociedad de la época gótica (?). Recuerda a veces al nouveau, otras al gótico, y otras al expresionismo alemán, etc. El estilo es consistente; es que no soy muy ducho en el arte y me cuesta identificar el movimiento artístico que influencia todo. O eso, o la variedad de estilos hace un conjunto cohesionado único. También hay naturaleza, con raíces en los árboles con reminiscencias al pelo “spaguetti” que inventó Alphonse Mucha. Árboles podridos, o el sinuoso baile de las griznas de hierba al soplar el viento harán gala de ese recurso pictórico.

La naturaleza está muerta, pero aún muerta conserva vida. El agua sigue fluyendo clara y cristalina a pesar de que no hayan peces. En este aspecto me recuerda un poco al anime de Berserker en su presentación narrada magistralmente. Hablando de una época caída de la humanidad, todo bajo un halo de angustia. Aunque contrario a ese anime, aquí la presencia de la niña y el huevo dan cierta esperanza por el mundo. Como si el huevo trajera nueva vida al decadente lugar.

El aspecto sonoro contribuye mucho con muy poco a esa angustia que comentaba. Coros o un regurgitado de susurros inundan las escenas más tranquilas. Ocasionalmente hay piezas musicales, pero lo habitual es el silencio o el sonido ambiental. Sea una máquina, el agua, pisadas o el ocasional diálogo. No existe una banda sonora como tal, más allá del sonido ambiental, sólo un par de piezas.

Este es el verdadero responsable de ese ambiente a veces opresivo.

ENTONCES... ¿ESTO QUÉ ES? Angel’s Egg es una obra única. No creo que sea una obra maestra, ni un experimento artístico pedante para el que se necesite tener un doctorado en cinematografía y simbología (yo aquí inventándome doctorados).

Es cierto que es rara, lenta, críptica, sin un desarrollo convencional.... Pero es bella. Es un despliegue único a nivel visual. No he visto nada similar en anime. ¡Y eso que los japoneses están como chibas! Una gran recomendación para cualquiera interesado en la animación o en el arte audiovisual en general. Tiene sus cosas, no es una “delicatessen” fácil de masticar por su ritmo lento; aunque la atmosfera ayude mucho a dar identidad a este mundo fantasmal.

No es una película pensada para desconectar el cerebro y disfrutar. Aún así, recomiendo ver el trailer. Un vistazo tras este intento de reseña, sin desvelar nada, no llama tu curiosidad; ni lo intentes. Por desgracia la película no está licenciada, así que toca recurrir al todopoderoso Google o Youtube y buscar.

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·Wallace & Gromit. La maldición de las verduras

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WALLACE Y GROMIT: LA MALDICIÓN DE LAS VERDURAS Wallace & Gromit es una pareja protagonista de cortos hechos con la técnica de animación claymation. Esto es, animación en stop motion tradicional, usando plastilina para crear las animaciones. Wallace y Gromit son uno de los mayores exponentes de esta técnica.

Wallace es un inventor que busca mejorar su día a día con creaciones exageradamente más complicadas de lo que deberían ser. Gromit es su fiel perro que lo salva de sus desastrosas creaciones. Su relación es de iguales, nunca uno siendo superior al otro. Como muchos dueños ven a los animales a su cargo, miembros de su familia. Son dos amigos viviendo su vida de manera inocentona. Entretenimiento muy “family friendly”.

TRAMBOLICAMENTE NAIFE La premisa es naife, sencilla; igual que los cortos del dúo de plastilina.

Wallace y Gromit son “exterminadores de plagas” (particularmente conejos). Aunque en lugar de exterminar, les dan un hogar en su casa. Los problemas llegan cuando Wallace quiere poner fin al problema de los conejos combinando dos inventos suyos, y usarlos con los conejos. ¡Oh sorpresa! Las cosas no salen como creen y acaban creando al protagonista de este título en su versión inglesa el “Were-Rabbit”. La traducción española es una adaptación comprensible.

La parte central de la trama será atrapar a este “hombre-conejo” (¿Veis? Se carga parte de la gracia).

Paralelamente al conflicto de la bestia, se desarrollan otros dos eventos. Su trama central no da para hora y media, por lo que los otros conflictos; y un buen puñado de tópicos de película, son lanzados “por ahí”. No es que resulten molestos, pero son algo visto miles de veces (especialmente la conclusión). Aunque al César lo que es del César, el desarrollo de eventos nunca es el esperado. La creatividad y los gags lanzan siempre alguna bola curva, algo inesperado que mantenga animadas las cosas.

Si la diversión en Tom y Jerry, Looney Toons, Ren y Stimpy o los Animaniacs viene de los la exageración en sus expresiones faciales y corporales; aquí viene del efecto “bola de nieve” creado por las acciones de los personajes. Un ejemplo de esto puede ser la escena introductoria. Wallace y Gromit levantándose para ir a trabajar. Gromit tan sólo toca un despertador, mientras Wallace es despertado por el olor de un trozo de queso, seguido de la cama plegándose hacia la pared, que le lleva a un conducto junto a su perro. A medida que descienden por el conducto, la máquina les va vistiendo y da una taza de té (british style). No es una secuencia desternillante en ejecución. Lo gracioso es llevar algo simple como salir de la cama, a unas cotas tan absurdas.

PERSONAJES Y PUESTA EN ESCENA (CLAYMATION) No es de extrañar que La maldición de las verduras se llevase un Óscar en 2005 a la mejor película. Los escenarios, la dirección, planos, etc. Debieron ser los más ambiciosos del estudio Aardman Animations en aquella época. Se nota mucho el salto a la gran pantalla, con más presupuesto (gracias a Dreamworks presupongo). La variedad de lugares, cuidado en la puesta en escena o figuras en pantalla como los conejos o los aldeanos; son prueba de ello.

Mi escena favorita tiene que ser el primer encuentro de Gromit con el conejo gigante. Empieza como en cualquier película de terror. Un personaje sólo en la calle de noche. Esto mostrando un cartel luminoso con forma de zanahoria. El perro decide entrar en el coche y matar el tiempo tejiendo, mientras escucha a Bach en la radio de la camioneta. De repente oye un ruido, apaga la radio, echa un vistazo y vuelve dentro. Cuando ¡BUM! el cartel en forma de zanahoria cae sobre el capó. Súbitamente, el monstruo rompe un escaparate y echa a correr dejando un rastro de verduras a su paso. Al ver su sombra, Gromit pisa el acelerador y comienza una persecución por el vecindario. Todo esto en stop-motion con plastilina (técnica llamada claymation). Vale, no es Hitchcock; pero para niños es una escena decente con buen manejo del suspense. Quiero decir, el villano es un conejo gigante ¿Cómo haces que el público lo tome mínimamente enserio? Pues con misterio. Hacia el tercer acto se revela su transformación, una revelación algo graciosa con el conejo-hombre aullando a la luna llena dando patadas a la tierra. Un ejemplo del humor británico abundante en esta producción.

Retomando el tema del stop-motion, el personaje de Gromit resulta ser bastante expresivo sólo con dos ojos y un par de orejas de perro. Al no depender de un actor de doblaje, resulta meritorio sacarle expresividad.

Un vistazo a su lenguaje corporal dirá si está pensando, si teme por Wallace o si está molesto.

Wallace en cambio no tiene nada de eso. Salvo un gesto suyo de mover los codos cuál gallina, es muy contenido. Siempre tiene una sonrisa bonachona entre oreja y oreja. Es un excéntrico curioso caballero inglés.

Usa la tecnología para todo, aunque sus invenciones no siempre le salgan bien (su perro le salva de ellas). Un señor calvo y optimista dispuesto a ayudar con sus invenciones. Por fortuna, Gromit es un perro muy diestro y resolutivo, que le salvará de cualquier apuro causado por las creaciones de su compañero humano.

El resto de los personajes en cambio no son gran cosa. El villano es el estereotipo de villano favorito de Adam Sandler, y el interés romántico Miss Tottington es... Es básicamente lo que pasaría si Olivia (la chica

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·Wallace & Gromit. La maldición de las verduras

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de Popeye) fuese baronesa. Algunos tienen frases graciosas, o alguna escena que te hará sonreír; nada más. Ninguno es el tipo de personaje que te haría comprarte un funko pop suyo. Ni a eso llegan los pobres.

Aunque no son más que el vecindario, una baronesa, un snob cazador, y un capellán. Tampoco hay tanta variedad. De destacar alguno me quedo con el capellán de la iglesia. Sus reacciones me gustaron y con su explicación del hombre-conejo no dejaba de pensar “Si no matas al bicho es porque no quieres, puto”.

VEGANO O NO VEGANO. THAT IS THE QUESTION Wallace y Gromit. La maldición de las verduras es recomendada para los fans de los cortos. No porque hagan falta aquí, simplemente porque esa es la duración que mejor les funciona. Parten de una premisa sencilla que se complica poco a poco. En la película también hay de eso, lo que pasa es que el conflicto no escala progresivamente, los clichés o subtramas se meten en medio.

Da tumbos entre lo predecible e impredecible. Hace unos años hubiera sido una buena recomendación para cualquiera, en cambio hoy en día hay cosas mejores en stop motion (en mi opinión). No pretendo desmerecer al estudio, de hecho; no será esta la única película de Aardman Animations que reseñe/critique/ comente/valore.

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·Fantástico Mr. Fox

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FANTÁSTICO MR. FOX Las redes sociales, los streamings y Youtube, nuestra vida es menos privada. Compartimos nuestras anécdotas, pensamientos, conocimientos, trabajos, etc. No necesariamente por buscar fama, sino por la necesidad de socializar con nuestras movidas. Algunos explotan esto por la fama, reforzando su ego hasta vivir por encima de los demás. Si eres famoso aprendes a ignorar a la “gente tóxica”, que sólo jodemos.

Los vinagre, cuñados o Señores™ que acomplejamos a los demás, llevándoles a su autodestrucción física y emocional. Vamos, hacerles “un Dalas”. Fantástico Mr. Fox no va de esto... Directamente.

La película habla del ego, la identidad y felicidad personal.En un mundo donde cada vez son más los medios amateur especializados; desde booktubers o streamers, hasta gente que vive de su popularidad en redes sociales. Todos tienen su pequeño ego que refuerzan con sus admiradores. Sintiéndose por encima de las críticas. El protagonista no llega a esos extremos, pero desde luego su perfección le llevará a creerse por encima del resto.

Pero mejor me callo ya y le damos al tema.

PROBLEMAS EN EL PARAÍSO FURRY Fox, un joven zorro de campo; es feliz. Pasa los días robando con su novia con a los incautos granjeros de la zona. Un día, Felicia; su novia, le dice que está embarazada y pide que cambie de ocupación. Algo más tranquilo. Los años pasan en su modesto agujero, donde forman una familia con su hijo Ash. Fox, por supuesto, no está satisfecho. Sufre una crisis existencial propia de un cuarentón, por la que regresa a su vida “delictiva”. Este acto egoísta pondrá en peligro la seguridad tanto de su familia, como la del resto de la comunidad animal.

Ya de por sí la trama es interesante con el arco de personaje de Fox. A esto se sumarán conflictos personales con otros personajes, escenas de infiltración, un duelo de ingenio contra los granjeros que escalará exponencialmente, etc. Vamos, hay compactados suficientes momentos como para no aburrirse. El conflicto crece en escala hasta llegar a límites surrealistas. Y esa es justo la palabra que define la obra.

SURREALISMO DETALLISTA El montaje de las escenas, los acordes de banjo al excavar, los primeros planos detallando las muecas mencionadas, el ritmo ágil, el cambio de muñecos por figuras luminiscentes por una broma que rompe la cuarta pared, el movimiento de los personajes en planos generales, etc. La cantidad de detalles es apabullante. Todo contribuye a una atmósfera surrealista buen-rollera. De drama no está exento el film.

Primeros planos enfocando los trabajados rostros de los personajes. Es enfermizo el nivel de detalle puesto en la “actuación” de estos animales. Por ejemplo, la manera de soltar lágrimas. Probablemente de las películas con mayor trabajo que haya visto en stop-motion.

FAMILIA DE CUATRO ZORROS La verdadera estrella de la película es Mr. Fox. Un astuto zorro al que le mueve el instinto y su hiperactividad, pero la llegada de un hijo le obliga a frenar sus instintos para pasar a tener un empleo menos excitante (cazador). Este trajeado animalejo rebosa flow por su pelaje (la voz de George Clooney ayuda).

Es detallista hasta el punto de haber desarrollado un gesto como marca personal. Tan meticuloso con la imagen que proyecta como con sus planes. Su carisma hace pensar que es perfecto. Cosa que no es. Vive acomplejado por su imagen de perfección. Siente la necesidad de encandilar al personal siempre, necesita eso para sentirse bien consigo mismo. Necesita esa popularidad por el bien de su autoestima. Ignora a los demás porque quiere hacerlo todo, quiere ser el hombre maravilla que salve el día.

Felicia (Meryl Streep) es su mujer, y aunque realmente hace poco, es mi personaje favorito. Tiene clase como Fox, de hecho fue considerada la más bella en su juventud. Un espíritu libre que enamoraba a todos. Supongo que por eso Fox la quería, al tiempo que ella se vio atraída por el enigmático carácter del astuto zorro. Su noviazgo fue feliz, con como su matrimonio. Es más, la propia Felicia en un punto concreto, se arrepiente de haberse casado con Fox. No siente lo mismo que antes hacia él. Su relación como matrimonio es disfuncional. Aunque no llegan a niveles de Loise y Hal en Malcom in the middle. Quizá se parece más al de Marge y Homer.

Se preocupan el uno por el otro. Por desgracia, las mentiras de Fox y su ego, han enfriado la relación. Felicia aún así trata de mantener orden en la casa, porque sabe lo que supondría. En consecuencia, sólo al estar con Fox es cuando muestra sus verdaderos colores. De manera muy calmada.

Luego está su hijo Ash que desarrolla una dinámica con Kristoffer, su primo. El zorro con nombre de entrenador pokémon o asesino de demonios, es un gruñon acomplejado por los éxitos de su padre. Trata de ser igual de perfecto sin éxito. Por otro lado está Kristoffer, se muda debido a que su padre está enfermo.

Este zorro plateado de ojos azules encandilará a todos con sus habilidades, físico y educación. La viva imagen de Mr.Fox en su juventud. Cosa que crece en Ash más y más. Quién ya de por si se odia a sí mismo por no ser bastante bueno para nadie.

Estos 4 son los personajes con mayor desarrollo. Luego están los 3 granjeros obsesionados con el zorro.

Ninguno recibe un desarrollo a lo largo de la historia. La historia avanza con sus intervenciones, nada más.

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·Fantástico Mr. Fox

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EGO E IDENTIDAD Fantástico Mr. Fox es el surrealismo llevado a las últimas consecuencias. Es decir, establecer una “lógica” dentro de su mundo aparentemente absurdo. Los animales más civilizados pueden comunicarse con personas, y las personas más incivilizadas se comportan como animales rabiosos. El principal antagonista desarrolla una obsesión enfermiza. Quiere hacer sufrir al protagonista por haberles robado. Llevan el problema del zorro a cotas cada vez más absurdas. El principal antagonista cede a sus intereses personales, su instinto. Ha visto su ego pisoteado por un zorro. Mr. Fox tampoco es que sea un santo. Su crisis existencial (de cuarentón diría yo) pone entre la espada y la pared a su familia en múltiples ocasiones. No escucha a la gente de su alrededor, lo cual le perjudica varias veces.

Su actitud de hombre-zorro perfecto, caballero impoluto con lengua de plata, es por estar acomplejado.

Desde pequeño siempre ha destacado en todo. Según confiesa a su esposa en un momento; no hacerlo le hace sentir mal consigo mismo. Vive de la aprobación de otros. Su egocentrismo tiene una justificación que le da una capa psicológica al personaje. Su personaje trata de enseñar lo perjudicial que es vivir del ego a costa de los demás. Que te halaguen está muy bien, sin embargo es un problema cuando tu felicidad personal depende de ello.

Por otro lado está su fobia a los lobos. Dicha fobia simboliza (creo) su terror a la vida salvaje. Quiere vivir como un “gentleman furry” toda su vida, aunque como la película acaba contando, no se puede luchar contra la naturaleza de uno mismo. Es sólo un personaje, pero ese miedo puede trasladarse a cualquier otro animal bípedo. Presumo que los animales “normales” como perros, son así porque se han entregado a sus instintos, perdiendo su libre albedrío. Aquello que aterra a Fox y el resto de personajes. Perder su identidad como individuos, y consecuentemente su sociedad. Al final todo consiste en poner en tela de juicio nuestro papel en la sociedad. ¿Cuánto debemos preocuparnos por nosotros y cuánto por los demás? No se puede ser un egocéntrico, pero descuidar la felicidad de uno mismo también acarrea una serie de problemas. Este equilibrio es algo que cada uno se debe gestionar. La felicidad personal es cosa de cada uno, nunca debe venir de fuera. Se llama personal por algo.

MUCHAS VUELTAS A LA CABEZA Fantástico Mr. Fox es una cinta recomendable para todos los público. Los pequeños disfrutarán de la disputa con los granjeros y la comedia, mientras los más creciditos verán temas que inviten a la autoreflexión.

Suena muy pretencioso. Puedo imaginar a gente pensando eso de la película por mi pedante reseña. Nada más lejos. El ritmo de la historia, sus carismáticos protagonistas, el surrealismo en los recursos visuales y el humor; la hacen muy disfrutable. Nada pomposo ni sesudo. Lo que pasa es que le he dado mucho a la cabeza con tanto comentario sobre el ego, la identidad y la importancia de la felicidad personal.

Esta es una de las mejores películas en stop-motion que he visto, con regusto a producto artesanal. Darle una oportunidad si os llama la atención algo de esta reseña. Dudo que le haya hecho justicia con tanta pedantería.

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·Mary and Max

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MARY AND MAX

He entablado muchas relaciones con mucha gente a través de alguna pantalla. Foros, messenger, juegos o Twitter; da igual el medio. De una forma u otra he logrado hallar personas que comparten mis gustos. Algo difícil de hacer según donde viva uno. Llevo así cerca de 15 años y de no ser por esa gente que he conocido, ahora no sé lo que sería. No los considero mis amigos, son muchos conocidos que me han ido cambiando.

Ayudándome a ser lo que soy hoy. Un cabrón medio calvo sociópata tuitero tocacojones. ¡Gracias gente!

Mary and Max habla de las relaciones. La capacidad de conectar con gente tan distante en distancia o edad.

Que todo eso es muy bonito, aunque no hay que ignorar el peligro real de los menores relacionándose con personas que se hacen pasar por niños. Entiendo que tener dos protagonistas tan diferentes, levantará alguna ceja que otra. Por ello quiero recomendar la historia para gente ya concienciada en esa clase de peligros.

Dicho esto, al lío.

UN HOMBRE Y UNA NIÑA Mary, una niña pequeña que vive en los suburbios de Malbourne (Australia) no es querida por nadie. Su madre borracha la ignora, su padre se centra en su hobby, los niños del colegio le hacen bullying... No tiene a nadie. Así que decide empezar a cartearse con una persona al azar en una guía de teléfono. Dicha persona es Max. Un judío obeso con síndrome de Aspergen que vive en Nueva York. Este procura no relacionarse con nadie, recoge colillas porque la gente ensucia la calle, va al psicólogo, su mente es demasiado literal y padece constantes ataques de ansiedad. Sólo por nombrar algunas neuras. La película trata de cómo dos personas tan diferentes desarrollan su relación vía correo postal.

Por pobre que parezca la premisa resulta sorprendente el jugo que le saca su director. Usa ambos protagonista para dar un enfoque inmaduro a temas de la vida (algunos duros). Ponen en evidencia problemas de la vida adulta hablando de manera muy inocente. Como dos niños charlando de temas con mayor trascendencia de la que creen. Lo cuál va perfecto para que esos momentos más serios impacten más cuando lleguen.

Entre carta y carta hablan de sus pequeñas cosas también, como la receta del perrito caliente de chocolate de Max o la marca de nacimiento de Mary. También les sirve para darse pequeños consejos, retroalimentarse el uno del otro, evolucionando su relación.

BLANCO NEGRO MARRÓN POMPÓN ROJO Mary y Max es una película hecha con la técnica claymation, en otras palabras; plastilina. La animación se nota más tosca que en otros ejemplos ya comentados en este Anicember. Juega a su favor, acompañado a la estética que imbuye a la película de un encanto único (feo y adorable a la vez).

La gracia aquí está en el trato estético de la escena al representar el mundo de Max y el de Mary. Max vive en una gran urbe, deshumanizada y llena de polución con sus tonalidades grises. Mary vive en Australia, para la cual se el marrón, un tono soso también. Salvo esos tonos, no hay muchos colores, destacando el negro o tonos grisáceos. La única excepción es el regalo de Mary a su amigo por correspondencia. El pompón rojo que Max coloca en su kipà, dando algo de color a su vida; igual que las cartas de Mary.

Los muñecos acompañan en ese encanto imbuido que comentaba. La mayoría de adultos son caricaturas andantes, en ocasiones grotescas. Lo mismo se aplica a los escenarios deformados. Dando una visión de la realidad imperfecta, dando más personalidad al film. Cuando los personajes pasan por alguna desdicha, el escenario la refuerza. Por ejemplo el callejón cerca de casa de Max o el salón de casa de Mary. A ello hay que añadir el uso de la iluminación, o el uso de primeros planos. Todos los añadidos dan a la película un halo imperfecto que le da identidad propia. Como a Max su síndrome de Asperger (según el propio personaje).

CONECTAR EN INTERNET La película habla de lo imperfecto que es el ser humano. Como toda cinta de este palo, es muy sentimental; lo sé. No es el cliché de “la belleza está en el interior”, pero casi. La cosa va sobre lo importante que es quererse a uno mismo y confiar en los demás. Apoyarnos igual que Mary en un desconocido que la ayuda con sus dudas sobre la vida.

De nada sirven los amigos si no los conocemos de verdad. Sin el valor de confiar en ellos y abrirnos a quienes queremos como algo más que conocidos. Suena a cursilada.... Y lo es un poco; aunque el mensaje sigue teniendo validez. Llamar amigo a otra persona significa abrirse a la otra persona. Del mismo modo que Max se abrió a la pequeña Mary.

Internet es un pozo de mierda cancerígena. Hogar de muchos intensitos de la vida maltratando psicológicamente a l personal con insultos, amenazas y demás mierdas. Las redes sociales son un lugar nocivo, más aún si eres conocidillo; mientras el anonimato, da carta blanca a los “haters”. Para paliar esto nos apoyamos en nuestros círculos de amistades. O si eres popular, le restas importancia. Drama que en avinagradas de twitter , los señores de facebook, los avinagrados de la caja de comentarios de youtube.... Da igual el tipo, todo es mierda que desemboca en el mismo lugar. Por tanto abrirse no parece un consejo muy recomendable.

Mary y Max tuvieron suerte el uno con el otro. Crearon una conexión entre ellos que tuvo efecto en sus vidas. Mary llegando a estudiar el síndrome de Max, y este disfrutando carteándose con su única amiga.

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·Mary and Max

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Es la parte bonita de internet, conocer a personas con las que conectar a cientos de kilómetros. Individuos que te han alegrado, motivado, ilusionado, o cambiado de alguna manera. En mi caso, tengo un foro y una lista de gente de Twitter a la que agradecerles su efecto en mí. Por esta razón, y a pesar de lo dicho al inicio; prefiero relacionarme vía digital. Es difícil, hay mucho perturbado, gente nociva y tal. Conectar con alguien tampoco es fácil siempre. Pero es más fácil encontrar a esa gente en la vida digital.

ACEPTAR A LOS DEMÁS Y A UNO MISMO Mary y Max es una fantástica pequeña historia de dos personajes aprendiendo a abrirse. Una historia con momentos trágicos, de aceptación y superación. Pero sobre todo, el significado de esa palabra tan manipulada, amistad. A nivel audiovisual parece modesta por la falta de espectacularidad, pero esta no es el tipo de historia que necesite eso. Materiales plásticos y algunas animaciones tradicionales bastan para explotar la creativa manera de ver el mundo de los protagonistas. Normalmente hubiese hablado de ellos en la reseña (dando la chapa). En este caso he preferido no pues básicamente son la trama.

Obviando el factor postal, que ya no se estila tanto; la película es atemporal por los valores de aceptación y amistad que enseña. El lenguaje naife la hace tan válida para niños como para adultos. Quizá para un par de cosas hace falta la presencia de un adulto, como explicar de los peligros sobre relacionarse con extraños. Salvo eso, la recomiendo a cualquier persona. Especialmente a personas con problemas a la hora de socializar (mi caso), o con mucha ansiedad.

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·Sword of the stranger

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SWORD OF THE STRANGER La época de los samuráis es de esas perfectas para historias de intriga y acción. Conspiraciones, espadas, honor, espadas, sangre, guerras de poder.... Fue una época muy convulsa en Japón con clanes luchando por los territorios, imponiendo su blasón en todo el territorio que pudiesen abarcar. Una era de pobreza, saqueo y masacres. Encima de esto, Japón era un país muy cerrado (bueno, más aún que ahora). Estaba sola en esta guerra civil constante de clanes y guerreros.

Una época que ya mostraba la película Ninja Scroll. Sword of the stranger cambia el enfoque, haciendo más énfasis en las personas que la acción. Una especie de “slice of life” situado en esa época de muertes, robos y guerras. Son de esperar los choques de espada con chorros de sangre, son cosas imposibles de omitir al recrear épocas caóticas como esta. Sin embargo, esta película no se recrea tanto en el conflicto, como en la época.

ROAD TRIP SAMURAI STYLE Un pequeño muchacho y su perro huyen después de que el templo donde vivían sea incendiado y saqueado. Sin otra alternativa, el chico se separa del monje que lo cuidaba en el templo. Viéndose forzado a vivir solo con su perro a base de robos a los lugareños de un pueblo. Tras uno de ellos, se topa con un misterioso vagabundo con katana y sombrero de paja. Tras comprobar su habilidad, decide hacer un trato. Que le lleve sano y salvo a un templo lejano perteneciente a la orden del que vivía, a cambio de una pieza de valor.

Al principio parece una mezcla de road-trip del niño con el espadachín, mezclada con un tono slice of life.

El “slice of life” es por la primera mitad del film, la parte más costumbrista. Establece el mundo, el modo de vida de la gente de la nobleza y el pueblo; pero sobre todo da tiempo a construir una relación entre los protagonistas. En el segundo acto ya empieza el camino. Los personajes comparten cosas de sí mismos mientras se apoyan. A diferencia de otros road trip como “Thelma y Louise”, o “Blues Brothers”; aquí lo importante no es que disfrutemos de su loco viaje. En Sword of the Stranger, el viaje estrecha sus lazos.

Cooperan por su supervivencia en un mundo que no les quiere.

El último tercio ya es el clímax. Prefiero no spoilearlo.

MÁS SHOUNEN QUE PELÍCULA La comparaciones son odiosas y tal, pero este tinglado es cosa mía y hago lo que quiero.

Ninja Scroll trataba a los ninjas con peleas viscerales, que se regodeaban en la crudeza de las peleas, la frialdad de los personajes. Todo con fotogramas detallados hasta niveles absurdos (no tanto en la anatomía), que brillaban especialmente en los espectaculares combates. Sword of the Stranger es justo la otra cara de la moneda.

Su estilo de dibujo es más cercano al shounen habitual, el género de peleas del manga. Si a eso se le suma un estudio de animación especializado en la acción como BONES... Las cosas cuadran ¿no? Su forma de abordar la narrativa es más esperable de una serie. Presta mucha atención a los personajes, su mundo, las motivaciones; pero sobre todo la evolución en la relación de los protas. Se siente una progresión muy natural de los personajes. Aquellos más interesados en las peleas, paciencia. La acción no llega como tal hasta la tercera parte. En los actos anteriores, hay peleas que construyen unas expectativas sobre el futuro choque de espadachines. Un anticipos que aumentan la tensión poco a poco. El final es una batalla campal a tres bandas que por la que habrá valido la pena esperar.

A pesar de eso, la cosa tiene una contrapartida. En BONES serán buenos en animación y personajes; sin embargo, su film no hace gala de un apartado técnico/visual destacable. Sus fondos en acuarela son bonitos, la línea de dibujo de sus personajes es fina. Ya está. Películas de samurái como la ya comentada Ninja Scroll o Afro Samurai, son más llamativas.

UN RONIN UN NIÑO Y UN PERRO Los protagonistas de esta historia son un ronin como tal (no un “ronin ninja”) llamado Nanashi, el perro Tobimaru y el niño que tiene por dueño llamado Kotaro. Curiosamente ninguno es japonés, y al mismo tiempo son estos últimos, los peores personajes moralmente.

Nanashi era antaño un soldado hábil que desertó tras una guerra de clanes. Era extranjero, pero sin otro talento más que la espada, tuvo que enrolarse en un clan. Cambiaba su aspecto debido al racismo de los japoneses. No quería problemas, sólo ganarse el pan.Tiempo después de dejar el ejercito encuentra a un muchacho chino llamado Kotaro. Criado por monjes presumiblemente sintoísta, después de que su barco naufragase. Años después, su templo es atacado y debe huir. Sobreviviendo a su suerte en el Japón feudal . Uno tuvo que tintarse el pelo de negro para ocultar sus raíces, el otro ni las tiene.

Los japoneses por su parte son los más racistas de la película, cometiendo actos cuanto menos cuestionables. Se sienten intranquilos con la visita misteriosa de los chinos. Buscan cualquier excusa para atacar a los chinos hospedados en sus tierras, que sólo les dan trabajo y dinero. Buscan ridiculizarles, acrecentando la tensión entre ambos bandos. Incluso el pueblo japonés no se libra de parecer falto de moral. Todo por la presión del señor feudal y su curiosidad.

Las obras localizadas en la era de los samurái, siempre hablan del honor. Estoicas figuras sirvientes del pueblo y su señor. El ronin era el mercenario sin honor, ni hogar. El ronin es mercenario sin honor, el samurái el héroe del pueblo al que se aspira. Este no es el caso.

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·Sword of the stranger

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El honor, la lealtad, la moral, etc. Todas esas aspiraciones son tiradas a la basura. Como dice el antagonista principal, lo importante es vivir plenamente cada día. Añadiría “seguir tus propios principios” por los actos de Nanashi. Un mensaje muy idealista que suele caer en saco roto por la falta de consecuencias. Este no es el caso. El choque de ambiciones y voluntades son el clímax de la película, sin finales edulcorados. Ni la patria, ni el honor, ni la lealtad importan en una guerra. Sólo la supervivencia.

BAILE DE ESPADAS Y SANGRE Hace unos meses, salió el juego Yakuza Kiwamii. Un juego donde los valores del honor también tienen un papel importante. Levantó polémica un análisis en particular debido a la “baja nota” (un 7) que recibió.

Uno de los argumentos contra la redactora (más polémicos) fueron los comentarios de esta, aludiendo al machismo explícito del juego. Muchos usuarios interpretaron esto como el motivo de la baja nota. Alegaron que era lógico, debido al contexto histórico y social representados. La responsable del análisis no lo usó como argumento determinante en la nota, pero claro... La caja de (Pandora) los Señores ™ fue abierta, desatando un maremágnum de comentarios atacando a la mujer.

Sword of the Stranger es, en ciertos aspectos, una respuesta a esto. Su enfoque costumbrista aporta un contexto histórico, como andar por el barrio característico de Yakuza, Kamurocho. La película no maltrata la figura femenina para endiosar la masculina como en Ninja Scroll. Sigue habiendo machismo (debido al periodo). Las mujeres niponas son campesinas o gente de la nobleza apartada del conflicto. En cambio, los chinos por su parte tienen dos mujeres combatiendo (bastante competentes). Una forma de evidenciar la misoginia entre culturas, sin perjudicar a las mujeres en general. Lo sé, los chinos no son unos santos en realidad. Pero algo es algo.

No es un film para todos los públicos, hay violencia y sangre. El racismo aunque bien intencionado, es necesario que sea explicado apropiadamente. Recomendaría esto a cualquier fan de la acción samurái (como en Samurai champloo). No hay machismo explícito (pero sí conductas machistas), ni la violencia es tan explícita como en Ninja Scroll. El tiempo invertido conociendo a todas las partes inmersas, explica las motivaciones de todos los implicados, y su cambios de actitud.

Puede que pierda técnicamente frente a otras películas más espectaculares, cierto. No obstante, sacrifica espectacularidad por peleas bien coreografiadas y un buen manejo de la tensión entre personajes a lo largo de la trama. Película obligatoria para cualquier fan de las peleas de espadas.

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·En busca del valle encantado

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EN BUSCA DEL VALLE ENCANTADO Los grupos de niños son muy populares otra vez. IT con su grupo enfrentando a Pennywise, Stranger Things con Elven y sus rollos... Así que he decidido sumarme a este carro de popularidad alimentada por nostalgia de lo ochentero. ¡CON PUTOS DINOSAURIOS! ¿Realmente una película con dinosaurios necesita introducción?

EL CAMINO AL GRAN VALLE Piecito es el último cuellilargo (sí, doblaje latino del bueno) de su manada. Vive con su madre y abuelos, quienes viajan al gran valle. El único lugar con agua y hierba abundante en todo su planeta. Un día se produce un terremoto, Piecito sufre el peor bambi-cidio de la historia, por lo que le tocará viajar sólo a ese paradisiaco valle. Realmente no estará sólo. Irá encontrando con otras crías de dinosaurio separadas de su familia. Deberán aunar fuerzas sobreviviendo a los depredadores en las tierras yermas por las que viajarán.

Una historia de supervivencia de toda la vida, de esas que nos tocan el corazoncito. La mano de Don Bluth se nota detrás cuando algún grave peligro amenaza a los protagonistas, o en sus momentos más dolorosos emocionalmente. Cada cierto tiempo se ven envueltos en un problema, que sólo solucionan al colaborar. Toda la película es lo mismo. Con cada nuevo incidente le hace más amigos, aunque sean de especies diferentes.

Para lo corta que es (una hora) En busca del valle encantado tiene un montón de escenas sin diálogos que hablan del estado de los personajes. El diálogo de Sera y Piecito es bastante natural, se sienten dos niños que no saben cómo actuar, asustados. La parte molesta viene de Petri el pterodáctilo y Patito (ni la wiki sabe de qué especie es). Patito con su “Sí Sí Sí” puede resultar molesta, pero su personaje es quién mantiene al grupo unido. Es muy mona con toda su curiosidad e inocencia. Es el corazón del grupo que se preocupa por todos. Petri sólo sabe molestar y hablar en tercera persona. Efectivamente, el grano en el culo del grupo (a nivel personal).

Al final son todos niños apoyándose en una situación que les supera. Tienen miedo, no saben a dónde ir, pero llorar por sus familias no resolverá nada.

EL LÍDER Piecito es el personaje que más chupa cámara, pero por su historia. Es la única cría que su especie ha conseguido salvar de los depredadores, su madre muere y un terremoto le ha separado de sus abuelos.

La trama descansa, mostrando su proceso mental, tratando de entender lo que significa la muerte. Que alguien así se levante, recoja a un grupo de crías extraviadas y las lleve al valle.... Si esto no es un ejemplo de superación, que venga Dios y me baile una sardana.

Sera no tiene el mismo desarrollo que Piecito. Es una cría fuerte y orgullosa desde que rompe el huevo.

No quiere ir con nadie, por temor a mostrarse débil. Admira la figura imponente de su padre, siempre impasible. Desde el momento de su nacimiento muestra lo dura que es. En cambio lo que hace funcionar a su personaje es que por cada momento de ese estilo, tenemos un momento suyo de debilidad que hace empatizar con ella. No lidera como Piecito, quiere la atención de la gente. Sera usa al grupo como refuerzo de su confianza. Quiere ser amiga de este y el resto, pero no quiere admitirlo abiertamente por su orgullo.

Ambas formas de ser chocan en varias ocasiones, poniendo al grupo en peligro. La fe en encontrar a sus familias en el gran valle, es lo que hace que vuelvan a reunirse. Un tira y afloja que da para emotivos momentos que muestran el arco de desarrollo del grupo. Un grupo que vemos nacer. Que ríe, llora y explora el mundo. La banda sonora encapsula esta sensación, con un coro que aporta grandiosidad a esta aventura. Marcando los momentos alegres, tensos o tristes. Como una larga canción que no está atada a un periodo de tiempo.

JURASSIC MOISÉS La evolución es, según la frase que malinterpretó Hitler, “la supervivencia del más apto a su entorno”.

Una forma muy simplificada de hablar sobre el trabajo de Darwin (no, no el amigo de Gunball), el origen de las especies. Bluth usa esto con la supervivencia de los dinosaurios en un entorno hostil, donde los depredadores son los organismos dominantes. Lo único más poderoso que ellos, acaba siendo la cooperación. Esto justifica más el tropo clásico de “la amistad salvando el día” tan sobado por las grandes producciones infantiles. Los amigos ganan el día porque han creado unos lazos, por tener una meta común, porque todos han usado sus habilidades para ayudar al grupo. Eso es la supervivencia, no sacarse un Deus Ex Machina que recompense a los buenos.

Su supervivencia es encomiable por el titánico esfuerzo que supone. Aunque este es un viaje de fe, como Moisés guiando a los judíos por el desierto sin otra cosa que “la palabra de Dios”. Nuestro protagonista no tiene un báculo que separe mares, sólo las últimas palabras de su madre. Una mujer que creía en la esperanza del gran valle, donde encontrar a más de su especie (prácticamente extinta).

La motivación de Piecito es diferente, como ya he dicho varias veces. No ha conocido otros de su especie más que su familia, por lo que ha aprendido a relacionarse con dinosaurios de otras especies.

La compañía no es un problema.

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·En busca del valle encantado

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Los símiles con Moisés no se limitan a eso. Probablemente Bluth usase esa historia como referencia.

-Los dinosaurios deben andar durante días en busca de este paraíso en pleno yermo desértico.

- Son guiados por un líder convencido en salvarles del hambre y sed.

- Huyen de un grupo de depredadores dispuesto a matarles.

- El protagonista pierde a su madre siendo aún demasiado pequeño para valerse por sí mismo.

- El guía recibe un objeto de los cielos que lleva consigo a lo largo del viaje (la hoja de 5 puntas que representa la unión de los cinco niños).

No son muchas, pero las similitudes están ahí. Hay similitudes bíblicas en la cinta. Quizá por ello aguanta tan bien el paso del tiempo.

UN CLÁSICO ENVEJECIDO Estamos ante un clásico con una historia atemporal sobre lidiar con la pérdida y otros problemas básicos de la vida. Sera, Piecito, Púas, Petri y Patito son un elenco de niños tópicos, fantásticamente escritos. Al igual que otras películas de Bluth, cada esquina esconde un nuevo peligro para estas crías de dinosaurio (un depredador, un obstáculo natural, falta de comida, etc.). El manejo de la tensión y la bonita amistad que desarrollan los protagonistas hará de este film las delicias de los más pequeños. Los nostálgicos que viesen la película cuidado, hay partes que no aguantan el paso del tiempo tan bien (cambio de colores, animaciones reutilizadas, fondo y personajes no siempre fusionándose, etc.). Salvando esas pequeñeces, esta película la recomiendo encarecidamente para ver con hijos/sobrinos. Es una buena manera que se familiaricen con conceptos duros difíciles de comprender como la muerte. ¿Qué más se puede decir? Es una película breve, pero llena de mensajes para los peques de la casa.

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·Monstruos S.A

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MONSTRUOS S.A Tanto de Disney como Pixar tienen películas tremendas en su currículum. En este desafío he procurado coger el menor número de ambas posibles (2 de Disney y 1 de Pixar), porque uno de mis objetivos es dar a conocer obras menos conocidas. Aquí me vais a permitir que rompa un poco las reglas con Pixar. No ya porque cada película suya es recordada con cariño (salvo las secuelas de Cars), o porque sea la poca animación de calidad que algunos tuvieron. Monstruos S.A la he escogido por ser el punto de inflexión para aquél estudio pionero de animación llamado Pixar.

Que sea de mis películas favoritas del estudio QUIZÁ ha tenido algo que ver. Seguramente no.

TWO MONSTERS, ONE BOO En un mundo regido por monstruos, la energía es un bien preciado, pero el método de crear energía no es el mismo que en nuestro mundo. Usan la energía extraída de los gritos de los niños humanos. Para conseguirla deben viajar a través de las puertas de sus armarios (concepto nada creepy), y asustarles con alguna técnica.

Mickey Wazowski y Sully son dos monstruos de éxito en su trabajo. Sully es un muchacho servicial, el perfecto peón de la empresa que está a punto superar el récord de sustos. Mickey le ofrece apoyo en lo que necesite. Pero su éxito cambia cuando una niña se cuela en su mundo a través del armario. A partir de ahí, la niña de coletas llamada Boo; pondrá patas arriba todo el mundo de nuestros protas.

LOS DÚOS DE PIXAR Pixar ha adquirido una fórmula de narrativa propia. Son como unos magos que saben dónde hacerte mirar gracias a su fórmula perfeccionada durante años. El personaje que encapsula su estilo narrativo es la gran bola verde unioja, Mickey Wazowski.

Al igual que los juguetes de Toy Story, Wazowski aporta comedia y acción. Sully es el muñeco tierno que hace de canguro a la niña. Mickey es quién se mueve, busca soluciones, ayuda a su amigo, le apoya donde vaya, etc. Es el personaje que fuerza la trama a avanzar. Algo que no es nuevo, pero Pixar hizo suyo con el tiempo. Más tarde habrían otros dúos en Up, Buscando a Nemo, Ratatouille, el viaje de Arlo, Wall-E o Cars. Habrán varios personajes, pero sólo dos tienen relevancia en el desarrollo. Se parece a la relación entre parejas como Batman y Robin, pero Pixar procura dar el mismo peso a ambos. Un tira y afloja entre estereotipos, con personalidades muy trabajadas.

Wazoski es la comedia y la energía de Pixar. Sully es el chico bueno y obediente con momentos calmados, tensos, tiernos o dramáticos. Conforme la fórmula se pulía, los personajes del dúo correspondiente, intercambiarían rasgos de personalidad. Es la fórmula con la que el estudio ha triunfado más. Han habido intentos de abrir el elenco de personajes relevantes, pero sin mucho éxito. Bichos, o Brave son prueba de ello. Menos es más para el estudio californiano.

Como personajes en sí, no hay mucho que analizar de esta pareja. La parte psicológica de estos dos llegaría en su precuela. En Monstruos S.A son un dúo con muy buena química, puesta a prueba por la pequeña nena de coletas, Boo. La niña protagonista no aporta nada. Su personaje es el MacGuffin de turno que hace avanzar la trama. Tras ella va Randall, que pretende usarla para convertirse en héroe. Desde luego, con este camaleónico personaje no son las cosas como parece. Su motor para esta invención es su rivalidad con Sully, pero también la impotencia de superarle. Al no poder hacerlo en el trabajo, escoge un enfoque diferente para ganar fama y fortuna. Aunque eso mejor descubridlo vosotros si no lo habéis hecho aún.

LOS DÚOS DE PIXAR Este es el mensaje de la película desde su escena introductoria. Son criaturas de las que no hay nada que temer. Toda la película habla del miedo en cierta manera. Miedo al cambio, al fracaso, a conquistar nuestros propios miedos, o el miedo que proyectamos nosotros.

El miedo al cambio está claramente representado por el dueño de la fábrica, el señor Waternoose. En el momento que se desarrolla la película, su fábrica tiene dificultades para cumplir con la demanda de energía. Además que sus nuevos asustadores (encargados de extraer energía de los niños), no resultan tan intimidantes como antaño. Se siente continuamente presionado, hasta que decide escuchar a la gente equivocada, llevado por la desesperación de salvar su negocio. No es en sí un personaje malvado, aunque su apariencia diga otra cosa. Es un individuo presionado por su legado de 3 generaciones, por su papel en la sociedad, porque su fábrica es todo lo que tiene. ¿Hasta qué punto se puede juzgar a alguien desesperado?

Vale, Pixar no explora esto, pero me parece interesante porque Waternoose no es categóricamente malvado como el adolescente Sid, en Toy Story.

La pequeña Boo no sólo hace avanzar la trama. Su evolución con los monstruos está ahí por algo. Ese mensaje de “los monstruos no dan miedo”, lo complementa enfrentando a sus propios temores. Los que al final, generan monstruos en nuestras cabezas. La escena introductoria lo ejemplifica muy bien. Un niño asustado ve que de la puerta de su armario sale una garra, pero un segundo vistazo revela que era una bufanda.

Al acabar ese susto inicial, el monstruo responsable había cometido un montón de fallos. Chocando con la terrorífica presentación. Pixar, como decía antes, juega con el espectador. Demuestra que las cosas no siempre son lo que parecen.

Por último Sully es todo lo que odio de las personas simpáticas. Actitudes como la suya son por las que soy muy escéptico, con esas personas “TAN simpáticas y TAN perfectas”. Esas rodeadas de seguidores y amigos. De esos personajes sacados de una película de media tarde de Antena 3. Sully el tipico chico de la oficina que se lleva bien con todos, pero que a su vez es muy reservado. Es un tipo que solo habla de

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·Monstruos S.A

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trabajo incluso en casa, pero no es hasta llegar Boo a su vida que muestra otros rasgos de su personalidad.

Es esa persona a la que todos quieren, pero nadie es capaz de conectar con ella. Lo ves, le saludas, le dices lo estupenda que es..... Y ya. Quizá por eso me parezca (en mi opinión), el monstruo más plano de todos.

Sólo un personaje es realmente extrovertido y se muestra tal y como es; Wazoski.

Sully en cambio anda con secretos. Cuando tanto Boo como el espectador le ven por primera vez como ese “gran asustador”; la percepción del personaje cambia. Su récord en el trabajo, sus técnicas de asustador, su trabajo diario... Todo toma otro cariz. Uno que Sully se ha esforzado por solapar su verdadero ser a Boo; la única persona en su vida que le importa lo suficiente. Lo suficiente al menos para conservar en su vida.

EL INICIO DE PIXAR Monstruos S.A llegó en un momento donde los inversores y la prensa veían a Pixar a un paso de la bancarrota. Ni con Steve Jobs detrás, el pionero estudio de animación por ordenador parecía despuntar.

Esta fue la película que los encumbró, que demostró que no sólo entendían de juguetes. Es cierto que los modelados de algunos fondos son un poco primitivos, pero ¿realmente hace falta hablar del apartado visual y sonoro? ¡Es Pixar! Por supuesto que tiene unos estándares de calidad. Salvo el detalle de los fondos, es igual de disfrutable hoy, que lo fue en 2002.

Un film con diseños de monstruos muy creativos, carismáticos personajes y humor en cada esquina. Cierto es que aquí no conoceremos tanto a sus personajes como en la precuela “Monsters University”, pero no hace falta. El desarrollo de los personajes no es el fin de esta película. Eso es algo que incorporarían otras películas de Pixar. Monstruos S.A se siente como una improvisación entre un dúo con buena química. Son tan buenos entreteniendo, que da igual la historia en la que estén inmersos.

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·El último unicornio

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EL ÚLTIMO UNICORNIO Mirando películas para este Anicember, di con una cover del tema principal de la película (título del vídeo: “The Last Unicorn - NSP”).

Aquí el vídeo

El interprete es Danny del grupo Ninja sex party (NSP), conocido por ser compañero de Egoraptor en sus gameplays para el canal “Game Grumps”. Me picó la curiosidad ver a alguien que no parece tomarse nada en serio, dedicarle un vídeo así a una película. El chico debe ser muy simpático; pero en los gameplays que le he visto, raro es el momento de seriedad. Al verle en el vídeo, no pude evitar sentir curiosidad por esta producción de tortuoso pasado.

La película pinta bonita, pero no me gustan los unicornios. Veremos si esta película cambia mi opinión estos peces espada de tierra.

UN CUENTO DE HADAS En un bosque muy lejano, los animales viven en paz, a salvo de los cazadores. Son protegidos por la magia del guardián del bosque, un unicornio. Todo esto cambia cuando se muestra inquieta por ser la última de su especie (a raíz del comentario de dos cazadores). Decidida a comprobar esto, cabalga buscando a sus congéneres con una sola pista; un misterioso toro rojo.

En su viaje se topará con una suerte de mago llamado Schmendrick. Más tarde con una mujer llamada Molly. Ambos por razones diferentes se unen al unicornio. Juntos deberán descubrir la ubicación de los unicornios, burlar al toro rojo y escapar del reino del rey Haggar, el dueño del toro rojo.

Una premisa tan repetida como los mitos clásicos. Muchos personajes famosos comenzaron con este tropo de ser “el último de una especie” (Son Goku, Superman, Kilowog, Gamora, Knuckles, Garnet, Jefe maestro, etc.). Este recurso suele dar para buen drama personal por parte del protagonista. El último unicornio es un viaje poco interesante, hasta llegar a su destino. Es allí donde la película revela su verdadera cara. No va tanto sobre ser “el último” de su especie.

El tercer acto empieza con la llegada al lugar donde están cautivos los unicornios, el castillo de Haggar.

Nuestra protagonista equina, ha sido desprovista de su condición de inmortal. Siendo invadida por sentimientos propios de mortales, cosa por la que ya no recuerda su objetivo. El amor, la pena, el desdén, indecisión, miedo... Todo ese cúmulo de emociones explota, cambiando su forma de ver el mundo para siempre. Sus congéneres no son una prioridad. Dejando un final agridulce cuando todo acaba.

No puedo dar muchos más detalles por no spoilear demasiado.

ATMÓSFERA PRE-GHIBLI El vídeo de la cover ya lo anticipaba pero lo diré ahora. Los escenarios y las criaturas de esta película son preciosos. El estudio que desarrolló la animación fue Topcraft animation, muchos miembros del cual fueron miembros fundadores de Studio Ghibli. Algunos de los diseños habituales de Ghibli quizá nacieron de su trabajo en este estudio. Por ejemplo Mama Fortuna, una bruja con un circo ambulante, tiene rasgo que recuerdan a Yubaba de “El viaje de Chihiro”. Quizá el diseño de los humanos sean los menos interesante. Siendo o muy grotescos, o estilizados y más normales en apariencia. Me recuerdan un poco a “Dragones y mazmorras”, la serie de dibujos de los ochenta. Aunque aquí, los personajes protagonistas están más estilizados.

En cambio los escenarios son otra historia. Todos los fondos son distintivos, dando la sensación de que el viaje es largo; que los personajes viajan (según la película) a los confines del mundo. Salvo los interiores del castillo de Haggar, los escenarios no destacan por ser memorables. Son escenarios que podrían ilustrar un cuento infantil. Este es su punto fuerte y flojo. No son imaginativos, pero si preciosos. Se nota un mimo por imbuir esa atmósfera de cuento de hadas.

Las bestias de dicho cuento son de lo más interesante, especialmente la arpía, el toro y el unicornio. El unicornio es bello, joven y grácil; todo lo contrario al diseño de la arpía. El toro es una grotesca bestia que impone su presencia desde la primera aparición; mandando a paseo los colores en la escena, e imponiendo su distintivo brillo carmesí. Una imparable depredador, temible incluso para seres inmortales como los unicornios.

Aunque si sois como yo y el tema de la cover os ha gustado, la banda sonora.... Está bien. El tema principal tiene una melodía muy bonita (no voy a cometer el error de Ninja scroll y comentarla). El resto de temas dan contexto. No son números musicales de transición como en Disney, son más propios de musicales (?). Las letras hablan del estado emocional de la protagonista. Algunos pueden verlos como relleno que acompañe el paso del tiempo (entiendo a quién piense eso). En mi opinión hacen lo que muchos números musicales, reforzar o hablar del estado anímico de los personajes.

En conjunto, la producción no tiene ese distintivo encanto de Ghibli todavía. Aún con todo, posee características que cimentarán el estilo narrativo y visual del adorado estudio japonés.

CONVICCIÓN NO ES DEVOCIÓN Un elemento constante en esta película es la ilusión. Unos embaucadores sugestionando a gente con historias de bestias que irreales, un rey persiguiendo un recuerdo feliz, un hombre buscando un amor

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·El último unicornio

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imposible, magia, espejismos, etc. Todo gira sobre nuestra predisposición a creer algo guiados por la fe.

El último unicornio creo (es un poco difícil de interpretar) que habla de dónde viene la fe.

Hace un año hablé con una ilustradora que comentaba como muchos famosos habían mejorado en su vida por procesar alguna religión. Hablamos sobre si la fe era realmente parte del éxito. En mi opinión, es porque esos famosos quizá (no me interesan la verdad), son religiosos por convicción no por devoción. Por ejemplo en la cinta estaría Molly como mujer creyente, mientras que Schmendrick sería el religioso con conocimiento.

La diferencia sería que Molly sólo sigue un deseo que ha tenido desde pequeña (supongamos que es una fe impuesta por su educación), mientras el mago Schmendrick ve al unicornio porque ha estudiado al animal.

Sabe con lo que trata y el respeto que merece (de ahí que sólo uno toque al unicornio). Pero aquello que distingue a Molly de otros humanos es que su fe ha perdurado por su fuerte convicción personal.

La fe en algo o alguien establece parte de nuestro estilo de vida. Su desarrollo forma parte del proceso de la madurez como individuos. Nuestro entorno nos hace proclives a una u otra, aunque nuestra es la decisión.

Tanto Molly como Schmendrick parten de distintos tipos de ver la magia; sin embargo, algo les diferencia del resto de humanos. No se han dejado influir por otros. La madurez es cuestionarse a uno mismo, cambiar por propia voluntad hacia lo que creemos correcto. La fe es algo que nace de dentro, no viene de fuera.

UN UNICORNIO POCO CONVENCIONAL Primero que nada quiero decir que recomiendo la película, con un gran PERO. La historia tarda mucho en interesar, y las canciones pueden hacerse pesadas. Ignorando eso y algún fallo puntual en la animación, no tendría porque no gustarle a cualquier niño o niña. Un adulto ya depende más del gusto de cada uno. Pienso que el mensaje tiene más impacto en jóvenes que adultos, aunque yo no tengo mucha idea de lo que hablo. Ni caso.

Cuesta recomendar esta obra sin esos “pero” comentados. Si viendo el vídeo de la cover en la introducción, algo os llama la atención; vedla. No es compleja, ni demoledora a nivel emocional, ni sus personajes son tan interesantes. El último unicornio es una adaptación de un libro (escrito por Peter S. Beagle), con un apartado estético y sonoro dignos de alabanza, con un final poco convencional. Si tuviera que resumirla en una palabra sería “onírica”. La recomiendo ver en inglés, aunque si la queréis, deberéis preguntar al tito Google. Que yo sepa, no está a la venta en España.

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·La canción del mar

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LA CANCIÓN DEL MAR Si hay una cosa de la que estaba cansado a primeros de otoño, eran las noticias hablando de gente en la playa. TODOS los fines de semana estaba la noticia de turno con imágenes de domingueros. Que guay por esa gente, la playa es un buen lugar para relajarse. Los españoles somos muy de playita, chiringuito y no tener vergüenza enseñando nuestro rubenesco porte. Salvo si te dejas influenciar por los canones de belleza impuestos por una sociedad machista.

Que nadie me malinterprete, entiendo el atractivo del mar. Un lugar con arena y mar donde tumbarte a la bartola, con la marea llevándose tus preocupaciones. El ruido de las olas rompiendo, la arena arropando tus pies, sentirse blesseado por el calorcito del sol... Todo muy relajante hasta que viene el viento, o niños jugando, o el típico vendedor de relojes y gafas de sol, o.... En fin, que soy más de montaña.

La única cosa relacionada con el mar que me gusta son los niveles acuáticos (lo que odia todo dios). Todos los buenos plataformas con niveles acuáticos (menos los Crash Bandicoot), siempre tienen una magnífica música. Transmite esa sensación de relajación. Como estar en el limbo, sin nada más que una canción acompañándonos en los niveles más estresantes.

La canción del mar desde luego transmite esas mismas sensaciones. Una melodía relajante, que une tres mundos. El espiritual, nuestro mundo y aquél donde comenzó todo; el mar.

El mito de la canción y el abrigo.

EL MITO DE LA CANCIÓN Y EL ABRIGO Vivían un matrimonio feliz con su único hijo. La madre estaba embarazada y en cualquier momento podía dar a luz un nuevo niño. Una noche, la mujer empieza a sentirse mal, abandona la casa y no se sabe más de ella. Tan sólo dejando una niña tras de sí, abandonada a merced de las olas. El marido la recoge y cría como su propia hija. Los años pasan en el solitario faro para los dos hermanos. Un día, la niña encuentra un baúl con un abrigo que le permite transformarse en foca. Este abrigo, junto con una caracola herencia de su madre; serán los desencadenantes de su viaje. Uno acerca de su hermana, el abrigo, y la canción que su madre solía cantarle de pequeño. La canción del mar.

Como otras historias del estudio “Cartoon Saloon” como El secreto de Kells, estamos ante más un cuento/ fábula animado que una película como tal. Toda la narrativa son una sucesión de eventos que trasladan al espectador por los creativos escenarios. Como sugiere la cinta con cada acto racional de los personajes, es mejor no cuestionar nada. Este cuento nos pone en el punto de vista de los personajes que menos saben de todo, la pareja de hermanos Ben y Saoirse. Partiendo de ahí, la historia tira millas.

Las explicaciones en la trama son el punto flaco de esta producción. Algunas viniendo cuando al dramatismo le conviene, otras muchas ni llegan. Se explican leyendas de la mitología celta (minipunto por originalidad), que poco papel tienen en el misterio principal. La leyenda detrás de la madre e hija.

Es un misterio que funciona al principio, aunque tardan demasiado en desvelar información. El primer acto establece la situación con la niña, el segundo son los hermanos pasando el tiempo hasta llevarse bien, pero el tercero ya se centra más en el conflicto. Se siente apresurado sin necesidad, porque pierden tiempo maravillando al espectador con el arte.

PSICODELIA NÓRDICA NAIF El estudio de animación Cartoon Saloon tiene un estilo muy particular en sus obras. Su dibujo mezcla la ilustración infantil de dibujos poco detallados, con montajes de transición con un rollo psicodélico, casi surrealista. Todo en esta película sigue una dirección artística muy marcada por las formas redondeadas, la superposición de elementos sin crear perspectiva, la simplicidad de los diseños de personaje y escenario, etc. Le da una atmósfera infantil, como de fábula; con campos al atardecer, pasajes subterráneos iluminados, o tormentas. Son pinturas que podrías ver en la consulta de un pediatra. Lo más similar que se me ocurre (por establecer un símil) es la serie “Over the garden”.

PSICODELIA NÓRDICA NAIF El crío irlandés Ben y la muchacha Saoirse, son hermanos. Uno es un humano, la otra una selkie. Una criatura con forma humana que puede transformarse en foca gracias a su túnica. Su voz anima a las hadas, a los espíritus o a la misma naturaleza. Es un ser único. Pero la película no explica su importancia real. La existencia de Saoirse tiene implicaciones a gran escala para los espíritus (creo). Sólo provoca una aurora boreal. Puede que sea un ser único y especial que conecta a los espíritus con los humanos, pero no se siente así. En contraste, voy a hablar de uno que sí hace esto. Aang.

Avatar, la leyenda de Aang es de mis series favoritas. Su protagonista es importante porque tiene un papel de mediador. Se preocupa por los habitantes del mundo espiritual, que no interfieran con el mundo de los vivos. Dialoga siempre. Quiere evitar los conflictos entre mundos. Saoirse es muda, así que no puede hacer como mi monje favorito, pero eso no lo considero una pérdida necesariamente.

Es tímida, escucha a las personas en lugar de hablarles. Con esto hubieran podido crear escenas sin diálogo, relacionándose con los espíritus mejor que con humanos. En una escena, entabla amistad con unas focas nadando a la luz de la luna. Echo de menos momentos como ese, interacciones sin diálogo.

Ahí es donde brilla más la película, con su atractivo visual y sonoro. Cuando acribillan la patata con tanta monería que acabas con diabetes. Hubiese sido una brillante manera de aprovechar una coprotagonista muda, algo muy inusual en el cine.

Ben es el contrapeso, no para de moverse o hablar. Un niño bastante creíble dadas las circunstancias que afronta. Es separado de su madre siendo muy pequeño, entrando su hermana en su lugar. El padre

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·La canción del mar

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la mima porque sabe qué es, pero Ben no. Está desatendido. Es un buen chico, sólo es que culpa a su hermana de su infelicidad porque le quitó (bajo su punto de vista) a su madre. Más adelante en la historia, supera toda esa frustración porque ve como Saoirse le quiere. En recompensa por esa bondad, el pobre Ben hasta afronta su mayor miedo por salvarla. Un miedo muy asociado a su madre. Los que hayáis jugado a Psyconauts o Tale of two sons, sabréis por dónde van los tiros con este tema.

UN DOLOR EMOCIONAL Muchas películas a lo largo de este Anicember han tenido un tema clave, un villano o conflicto, y una resolución. No es el mismo caso con La canción del mar. Esta no es una historia de héroes y villanos.

El mundo sigue prácticamente igual a efectos prácticos, los personajes no cambian mucho. Un peligro desencadena un viaje, pero el verdadero no es tanto físico, sino emocional.

El padre de Ben intenta beber para olvidar a su mujer fallecida, aunque nunca lo hace. Una supuesta bruja, sólo es una señora que encierra toda emoción (rabia, alegría, tristeza, etc.). Ben culpa a su hermana por la muerte de su madre. Incluso el peñasco frente al faro de los protagonistas, se dice que era un gigante sufriendo. Todos los personajes son víctimas de sus propias emociones. Al ignorar es dolor, toman malas decisiones en su vida. No saben cómo lidiar con sus emociones. Tener alguien con quién hablar de todo. Un amigo, pareja, familiar, psicólogo, terapeuta... Alguien con buenos consejos.

FÁBULA MARINA La canción del mar dudo que envejezca mal. Su historia es válida para adultos y niños, con diferentes lecturas para ambos. El apartado artístico, la banda sonora, así como la historia de fondo, son estupendas.

Estas bondades exceden sus defectos argumentales. Se siente como un cuento para niños, donde la lógica entorpece más que otra cosa. Además, no es una historia trascendental, de la que sacar segundas lecturas o algo así. Los secundarios son gente jodida a la que los protagonistas ayudan de un modo u otro, obligando a que afronten eso que temen. Ni villanos, ni cuestiones metafísicas, ni trofeos, ni amorios, ni un peligro para el mundo.

La considero una perfecta película, que tiene mensaje para todos. Muy disfrutable, tierna hasta espachurrarte la patata, muy creativa y con un mundo interesante que explorar.

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·One Piece GOLD

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ONE PIECE GOLD El 4 de noviembre de 2016, fue estrenada la película de One Piece Gold en los cines. Fue un milagro obra únicamente de los fans. Ni Selecta, ni los cines se pueden adjudicar ese mérito. Todo cosplay, merchandisign, charla en foros, conversación en redes sociales, fanart, etc. Todo ese material de los aficionados ha originado esta especie de milagro. Siendo el anime maltratado en tv (casi inexistente en la tv pública), es de agradecer ver que la gran pantalla no ha abandonado a la animación japonesa (ya no al menos).Aunque ¿qué te puedes esperar con los medios generalistas poniendo a caer de un burro a los llamados “otakus”?

Siempre está el típico reportaje de eventos manga/anime ridiculizando a los asistentes. No ayudan los muchos quinceañeros subnormales haciendo el cabra, pero bueno.... El anime vive de un fanservice estúpido muchas veces. Hay que quererlo por cómo es.

One Piece GOLD es una de esas películas que son sólo para fans. No tiene grandes lecciones detrás, no está creada como producto independiente. Es fanservice. Puro anime mainstream actual, con todas sus pegas y virtudes. Es difícil verla sin conocer la historia detrás de la banda pirata protagonista (82 tomos de historia en manga según Planeta). Si no eres fan de la serie, obvia este texto.

AVISO: Esta película se ha visto en japonés subtitulado, por lo que no se hará mención al doblaje de Selecta.

¿LAS VEGAS SOBRE EL MAR? La película arranca con nuestra banda favorita llegando a Gran Tesoro, la ciudad/isla móvil del entretenimiento. Con un número musical digno del mejor festival de Las Vegas, aparece en escena el maestro de ceremonias, dueño de la isla y villano. Guild Tesoro. ¿Su plan contra los sombrero de paja?

Estafarles para ver sus caras de desesperación al comprender que en esa isla, el oro manda sobre todo el mundo (literalmente). Dispuestos a devolverle el favor, los sombrero de paja se alían con Carina, una ladrona amiga de Nami; quién pretende robar la fortuna de Tesoro.

Una historia muy Ocean’s Eleven. En sus dos primeros actos funciona relativamente bien. Primero probando suerte en todo tipo de juegos, siendo luego estafados. Recuerda a “Los Picapiedra en Viva Rock Vegas”.

Aunque al contrario que en esa película, esa parte es lo que desencadena la verdadera acción. Estafar a Tesoro en su mismo juego. Los problemas en la película llegan al ejecutar el plan. Resulta que la comparación con Ocean’s Eleven no estaba muy desencaminada.

Los personajes engañan al espectador con un primer plan (y a Tesoro), que resulta ser una tapadera del VERDADERO plan. Es decir, su accidentado intento de infiltrarse, pensado tras un montaje de los piratas revisando planos... ¡TODO ERA PARTE DE LA TAPADERA! Me cabrea porque es algo surgido de la nada.

La diferencia con Ocean’s Eleven es que ahí se molesta en dar pistas ambiguas. La revelación del plan en One Piece GOLD se siente como una pérdida de tiempo. Una distracción con los personajes actuando como una caricatura de sí mismos para matar el rato hasta llegar a los combates. ¡Que esa es otra!

Resultan mediocres para los estándares de la serie.

DINERO Y LIBERTAD Tesoro personifica el tema central, lo que el dinero provoca a la gente. Como ata a todos, y la idea de que hasta nuestros valores pueden comprarse. No es una mala idea que arrojar a la banda idealista de Luffy, que pelean por ser libres en el mundo. De hecho, la manera en que Tesoro tiene esclavizada a la gente es magistral. Arroja partículas de oro sobre la gente, que se impregnan en ellos. Luego Tesoro puede manipular dichas partículas. De una manera u otra, la isla entera trabaja para él. Le proporcionan entretenimiento (un pelín sádico). No posee un plan diabólico, es un villano que ya ha triunfado. Se aprecia un pasado jodido, en el que ha sido esclavo. Un hombre que ha pasado por mucha mierda en su vida, hasta convertirse en un megalomaníaco. Ha perdido el norte en su vida.

Si la película se hubiese centrado más en eso, One Piece Gold hubiera sido un producto bastante mejor.

Más aún cuando la serie toca temas serios como la esclavitud, racismo, experimentación con niños, drogas, etc. Muy de puntillas, pero están. Su ciudad flotante es un paraíso. Salvo unos pocos esclavos, que están cautivos por endeudarse jugando. Deudas que sus familias pagan con el sudor de su frente.

Salvo eso la ciudad de Tesoro es un paraíso, sin apenas afectados por ello. Mucha más gente es forzada a trabajar por culpa de las dichosas partículas. Quizá TOEI ha querido recrear Dressrosa, pero cambiando España por Las Vegas. Pero la jugada aquí ha salido mal. Aquella saga funcionó gracias a todo el contexto expuesto en relación a Doflamingo, extorsión a la familia real, tortura, explotación, y destierro de gente “prescindible”.

FANSERVICE Otro indicativo de que este es un producto para fans exclusivamente, es la presencia de determinados personajes que poco o nada pintan en la historia.

En primer lugar Spandam y Rob Lucci del CP-0 vuelven como reclamo publicitario. Ambos tienen un par de escenas sin importancia y sólo uno interactúa con los protagonistas brevemente. Por otro lado esta Sabo, el hermano de Luffy. Que aparece al final para frenar a la marina de invadir Gran Tesoro. Nadie explica qué hacen allí exactamente. Cameos carne de tráiler. Nada más.

El fanservice es muy habitual. A muchos le echa atrás por lo que supone en el anime: Objetivización de la mujer, caídas trambólicas imposibles en sus partes, desnudos sin excusa, molestas expresiones que repiten los fanboys creyendo que saben japonés (oni-chan, baka, dosukebe, senpai, etc.).... Es molesto. Lo sé.

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·One Piece GOLD

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One Piece Gold no llega a estos extremos, pero si se siente igual de molesta en ciertas ocasiones. No deja de ser un producto muy para fans de estos bucaneros, porque si quitas eso; esta película es una vuelta a la forma de película anime tradicional. Quizá peor en este caso, por lo apresurado que es el inicio.

Supuestamente el motivo de los sombrero de paja en Gran Tesoro se explica en un especial (One Piece GOLD episode 0) que Selecta no trajo con la película.

FANSERVICE CON BRILLI BRILLI Los fans habrán visto ya esto, y los que no lo sean; no encontrarán aquí nada que les haga interesarse en la serie. En otras películas de la franquicia, se reservaban los primeros minutos para construir una atmósfera alrededor del villano, o la banda tenía alguna motivación. Algo que les hiciera chocar con el villano. GOLD no ofrece nada de eso. La excusa es ganar dinero. Cosa que podría resumir la mente de los ejecutivos de TOEI. Salvo el color y algunos buenos diseños (típica creatividad de Oda), esta película no ofrece nada interesante.

Es relleno bonito con mucho brilli brilli. Una producción edulcorada con la tripulación de Luffy haciendo sus tonterías habituales. Algo para fans de los personajes. No de la serie.

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·Vals con Vashir

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VALS CON VASHIR Si hay algo que odio es el drama bélico, o en general cualquier historia con soldados. Son como el western, que les gustan a todos menos a mí; pero veo por qué gustan. Gran drama humano, muchas explosiones, acción, camaradería, testosterona, los límites de la moralidad del ser humano, racismo, traumas postguerra...

Todas esas cosas divertidas de los Call of Duty cada año.

Las películas como “Salvar al soldado Ryan”, “corazones de acero”, “la chaqueta metálica”, “El cazador”, o “Apocalypse now” nunca me han atraído. Independientemente de si eran cintas contra los crímenes de guerra, propaganda americana bélica, o un drama humano; no es un género que me atrajese. En todas el soldado era el protagonista, una figura que particularmente no me gusta principalmente por el uso de armas de fuego. Magia, espadas, lasers, tollinas... Todo eso muy bien, pero nunca le he visto el atractivo a las armas. Así que cualquier película militar la omito directamente porque asumo que el uso de las armas lleva a la resolución de los conflictos. Quizá por eso los spaguetti western tampoco los soporte demasiado.

La historia de hoy plantea la guerra como un documental. Habla de la guerra del Líbano bajo el punto de vista de unos críos haciendo de soldados rasos en una guerra que ni ellos entendían bien. Diferentes vivencias chocan para explicar lo que en esencia fue un genocidio.

IN THE SHADOW OF THE MUSHROOM CLOUD La historia de esta película trata de la matanza de refugiados palestinos durante la guerra de Líbano. Está narrada a modo de documental, muy personal con alucinaciones de soldados que participaron en distintos destacamentos. Todos con sus anécdotas, su visión e incapaces de comprender la magnitud de sus acciones donde ni ellos tenían claro lo que hacían.

La historia comienza con el protagonista Ari hablando con un amigo que también participó en la guerra del Líbano. Este le habla sobre un sueño recurrente que ha tenido relacionado con un suceso de la guerra.

La charla despierta en Ari visiones sobre la guerra, que intentará completar con el testimonio de soldados conocidos del conflicto.

El estilo narrativo de esta película aprovecha la visión personal de los soldados, así como del protagonista, para saltar entre varios estilos de narración. A veces será un estilo documental, otras soliloquios mezclados con imágenes surrealistas, momentos también más propios de reportajes de guerra, etc. En especial el surrealismo llena los vacíos entre testimonios.

Resulta refrescante el salto entre testimonios o los recuerdos del propio protagonista. Hace más llevadera la trama. Los recuerdos son algo que viene y va, como en el film.

GORILLAZ SOLDIERS La presentación de Vals con Bashir es genuinamente única. Una mezcla de animación flash, animación tradicional y 3d con el negro siempre presente (siluetas, sombras muy exageradas, contorno de personajes marcado, etc.). El único producto similar que se me viene a la cabeza son algunos videoclips musicales como los del grupo Gorillaz (o alguno de Linkin Park). E incluso esa comparación no hace justicia a la animación.

Un proyecto muy experimental.

Según parece la película fue rodada en un estudio, para luego ser adaptada a storyboards (cerca de 2.000).

Dichos storyboards fueron la base para la construcción de todo este proyecto de animación experimental.

Situaciones como la acampada en la playa o el paseo por las ciudades se asemejan a videoclips musicales.

Sin duda el trabajo cinematográfico se aprecia en el esfuerzo por hacer de cada escena bien construida. Un ejemplo es la primera escena introduciendo un perro salvaje saliendo de un callejón con cara de poseído. A cada nuevo plano en la escena, un nuevo perro se une hasta formar una jauría que crece exponencialmente.

Con cada cambio de plano se revela más información además de mostrar a los miembros de la jauría.

Este es un ejemplo de lo cuidada que está la dirección, ofreciendo instantáneas propias de un reportaje de guerra. Si a ello le añadimos el surrealismo que rellena los vacíos en la mente de los protagonistas, la espectacularidad visual aumenta.

Mi gran problema en cambio justamente es la representación de las personas. Los dibujos casi deshumanizan a los soldados protagonistas con sus miradas perdidas. El dibujo daría para un estupendo cómic.

Pictóricamente el resultado impacta con las grandes escenas que arroja la animación, pero los momentos más calmados como los primeros planos en las entrevistas... Ahí es donde personalmente se aprecia mejor el problema con estos soldados.

GORILLAZ SOLDIERS Si tuviese que destacar una cosa por encima de todo es lo que me ha vendido este documental bélico, el tratamiento de los soldados. El cine acostumbra a poner cara y personalidad a los protagonistas del conflicto, un pelotón carismático al que acompañar. La única excepción quizá sería Malditos bastardos, pero Tarantino imbuye de carisma hasta a una patata cocida.

Ningún personaje en esta película no tienen rasgos distintivos, salvo el tupé del protagonista. Esto combinado a la deshumanización del dibujo enfatiza el mensaje de que estos soldados pueden ser cualquiera. Ni son los reyes del mambo como dice Hollywood, ni canallas carismáticos en el frente. En Vals con Basir los soldados son personas inseguras en una guerra de la que no saben qué hacer salvo seguir órdenes. Son críos que disfrutan del viaje de servicio, mientras hacen cosas sin motivo. Pone en perspectiva el papel de los soldados en una guerra, como un documental; pero sin darles rasgos TAN distintivos como el cine hace la mayoría de las veces.

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·Vals con Vashir

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Es lo opuesto a esa visión de la guerra tan hollywoodiense con el soldado llevando las armas y salvando el día. Hegemonía del ejército americano y supremacía de las armas. Este es un relato antibélico de críos con poco bello disfrutando de su viaje al extranjero. Aunque ese viaje sea por tierra hostil.

EL ARMA COMO INSTRUMENTO DE PODER En el film destacaría dos escenas, la escena que da nombre a la película con un soldado bailando mientras dispara su fusil, y el ataque a unos tanques en una playa. Ambos casos destruyen el papel del arma como instrumento de poder. En el primer caso convirtiendo un fusil en una pareja de baile; la otra destruyendo un icono de seguridad, establecido a lo largo de dicha escena (antes del ataque). Elementos como estos, la desinformación de los soldados rasos, o el la imágenes filmadas al final (desagradable, aviso); contribuyen a la destrucción del soldado. El soldado no es el protagonista de un videojuego de acción, sino un instrumento de la guerra manipulado para matar. Las armas dejan de ser un instrumento de poder, por la incompetencia de unos adolescentes con poca experiencia de campo.

Desproveerles del instrumento protagonista de una guerra, pone el interés en lo importante; los testimonios.

La recopilación de pequeñas historias que, no buscan justificar el conflicto, sino hablan del papel de los soldados en ella. Papeles sin mucho sentido, hasta recomponer este puzzle documental bélico.

UN VALIANT HEARTS EN CÓMIC ANIMADO Valiant hearts fue un juego desarrollado por Ubisoft que recreaba momentos puntuales de 4 personajes (cinco en teoría) en la primera guerra mundial. Al igual que esta película, la documentación forma parte de la experiencia jugable (coleccionables); detallando la veracidad de los hechos presentados en la obra interactiva. A veces es necesario tomar el control de armas, pero serán las menos de las veces. No es un drama antibélico usando armas como Metal gear o Spec Ops the line.

Vals con Basir parte del mismo enfoque. Lleva el mensaje antibélico más allá con una difusa representación del conflicto, apoyado de imágenes surrealistas.Todo en la mente de soldados imberbes inseguros en la guerra del Líbano. Para cuando llega el final y los recuerdos forman una imagen clara, el impacto al espectador puede resultar demoledor por la crudeza del metraje introducido al final.

Afortunadamente desconozco los problemas de la guerra, así que no sé la acritud del tratamiento de la guerra. Lo que sí puedo decir es que si sois como yo y estáis hartos de películas antibélicas violentas, Vals con Basir puede ser una alternativa interesante para ver la guerra bajo otro prisma.

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·La ruta hacia el dorado

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LA RUTA HACIA EL DORADO Esta es una de las películas a las que tengo una anécdota relacionada. El día que fuí a verla en los cines, iba con mi madre. La entrada al cine estaba abarrotada, con empujones por todas partes. En uno de estos, pisé algo que por el tacto no parecía un excremento precisamente. Eché un vistazo al suelo y le dije a mi madre en voz baja: - Acabo de encontrar un billete.

- Guárdalo y luego lo miramos - susurró mi madre tratando de ver un hueco entre la muchedumbre.

En plena sala, no se me ocurrió mejor idea que mirar el billete a la tenue luz del proyector. Resultó ser de 2000 pesetas (para los milenial: esto era lo que existía antes de los euros).

Ahora ya no voy al cine por falta de compañía y entradas carillas, pero de pequeño me tragaba todo cine “de dibujos”. Esta es de mis anécdotas favoritas de aquella época. Tal es así que siempre recuerdo antes esto que el film de hoy. ¿Significa eso que sea malo? Veremos en este revisionado.

POR UN PUÑADO DE ORO Tulio y Miguel son dos rufianes buscados en España que viven de la estafa. En una de estas consiguen el plano al legendario El Dorado, la ciudad de oro. Consiguen el mapa, pero los estafados descubren su ardid; por lo que toca poner pies en polvorosa. Accidentalmente acaban en un barco, del cual escapan...

Naufragando en alta mar en el proceso. Milagrosamente acaban desembarcando en tierra, justamente la isla donde se encuentra la ciudad dorada. Los nativos les confunden con deidades, dando lugar a malentendidos de todo tipo. Y así la película empieza ¿Conseguirán esta pareja de mortales engañar a los lugareños y llevarse todo el oro posible?

La ruta hacia el dorado arranca como se esperaría de una película clásica de aventuras, pero el grueso real es la convivencia con el pueblo, o las discusiones entre la pareja protagonista. Mi favorita es la que utilizan de distracción para vencer al villano de turno. Da igual cómo, estos dos hacen de esta película un disfrute con su carisma. No hay más en esta obra de hora y media, no lo necesita.

QUIÉN TIENE UN AMIGO TIENE UNA CIUDAD Esta obra ha sido objeto de memes en twitter en el mejor de los sentidos. Sus dos protagonistas tienen una química impresionante que da para muy buenos momentos cómicos y dramáticos. Es de esas parejas que funcionan tan bien que no necesitan más, pero Chel o el caballo Altivo son añadidos que no molestan ni pasan desapercibidos.

Chel es el interés romántico de Tulio, presentada como una ladrona. Al principio creí que iba de mujer fatal como Fujiko/ en Lupín III o Nami en One Piece; que en parte sí, pero conforme se enamora de Tulio se ve que su interés va más allá del oro.

Altivo simplemente es un caballo muy inteligente con reacciones que me han hecho reír más de una vez. No aporta tanto a la trama, aunque tampoco está relegado al papel de mera mascota bonita inútil.

Las estrellas sin embargo son Tulio y Miguel, que dominan cada escena. Dos “truhanes” a los que no puedes evitar coger cariño a pesar de que su meta sea engañar a una civilización y robarles. Su química es muy buena, sus reacciones son memes en Twitter, verles fracasar sólo hace que les quieras animar en esta estafa. Es imposible no simpatizar con ellos. No se me ocurre más que decir de esta pareja. Buscad gifs suyos y os partiréis de risa con su expresividad.

ARTE TRIPI AZTECA Visualmente la película no tiene grandes despliegues visuales. Es bonita con sus escenarios selváticos mezclados con la ciudad del Dorado, pero no es nada TAN impactante como producciones de la época como Titan A.E. No quiero decir que sea malo, porque ha envejecido fantásticamente la película con poco CGI y mucho trabajo artístico. No obstante lo más destacable aquí son los primeros números musicales; más concretamente “Es duro ser un Dios” y su introducción “El dorado”. Ambas juegan con el arte característico Maya, combinado con algo de psicodelia/expresionismo.

Todo ese color es una de las mejores bazas de esta película. La música es pegadiza, los escenarios están bien; pero son los colores lo que atrapa al espectador. Es cierto que los protagonistas son muy carismáticos, siendo sus reacciones de lo más disfrutable... PERO les veo un problema, son dibujos animados contenidos en personajes realistas.

Pocahontas por ejemplo es una película con personajes poco expresivos, donde la importancia era en el “realismo”. Enfatizando el tema de la colonización vagamente representado. Hay una lógica de por qué los animadores optaron por no darles expresividad. En contraposición, películas como Hotel Transylvania 2 viven de eso. La ruta hacia el Dorado es un híbrido.

Tulio y especialmente Miguel dominan un buen registro de expresiones. Mi problema es que tratan de expresar demasiado, cuando los animadores quieren darles un tratamiento realista. Me da la impresión que luchen por ser más expresivos, pero se ven limitados porque los animadores han decidido que Miguel y Tulio son seres humanos, no dibujos animados.

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·La ruta hacia el dorado

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Tulio también tiene sus cosas, pero Miguel es el caso más evidente. Me encanta la pareja, pero es la única gran pega que les sacaría.

EL TESORO DE ALGUIEN Dos de los personajes sobre los que no he hablado son el jefe del pueblo Tanabok y Tzekel-Kan el sacerdote. Ambos son figuras de autoridad, una con el gobierno de la ciudad, otro dice ser un portavoz de los dioses. Desde el momento que sus dioses llegan, no hacen más que competir entre sí. Tzekel-Kan quiere destrucción, el jefe sólo quiere complacer a los dioses para que su pueblo no sufra. Es la figura más respetada del pueblo, por algo más que una corona. Es la preocupación por su pueblo por lo que acaba conectando con Miguel. Sólo es un momento muy breve, pero Miguel encuentra en Tanabok, una figura de confianza con quién sincerarse sobre su inseguridad.

Internet cada vez es más importante en nuestras vidas, sobre todo en lo que concierne las relaciones. Este es uno de los motivos que hacen creer, a ciertos expertos, que esta generación de jóvenes es la más afectada por la ansiedad y depresión. Todo nos afecta más porque estamos más sensibilizados a los problemas de la gente (y cada vez más). Todos los comentarios en facebook, twitter, instagram, etc. Nos afectan más porque somos más conscientes del significado de esas palabras, quizá más que la persona que las dijo en primer lugar.

En momentos así hace falta una figura en nuestra vida, como el jefe Tanabok. A quién no le importe perder unos minutos de su vida hablando de nuestras movidas. No voy a montarme un mansplanning diciendo qué hacer. Eso es cosa de cada uno.

El mundo es brutal con la gente, y las redes sociales más gracias al anonimato. Esa persona que escuche nuestros problemas, es todo lo que hace falta para contrarrestar la mierda que nuestra vida nos lanza (la digital o la real). Puede ser un amigo, la pareja, algún familiar, un psicologo, un profesor, etc. Encontrarla es cosa de cada uno. Una cosa sí que diré, ni esa persona ni vosotros debéis notar que perdéis el tiempo.

Porque escuchar no tendría que serlo.

Aunque no soy el mejor para hablar porque no tengo de eso y me deprimo cada x meses porque LOL.

¿ES ORO TODO LO QUE RELUCE? La película es recomendable para todos los públicos por lo entretenidos que son sus protagonistas. Verles pelear constantemente por mantener su tapadera da lugar a momentos cómicos, algunos incluso tiernos en el tercer acto con Miguel.

Tiene problemas como la animación restringiendo a los protagonistas, o que algunos números musicales no son tan memorables como otros; pero creo que son pequeñeces. La película no es una joya de la animación, aunque tiene un apartado artístico más que digno. Animación muy fluida, coloridos números musicales (bien utilizados), y escenarios impresionantes. Un nostalgiazo para aquellos que la vieron, y para los pequeños una desternillante aventura con dos picaros españoles. Definitivamente una película perfecta para cualquiera.

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·Anastasia

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ANASTASIA

En mi primera review del Anicember, hablaba de Don Bluth abandonando Disney y eclipsándola con su película “An american tail” (o “Fievel y el nuevo mundo” en castellano). No sé exactamente si por venganza o qué, Disney volvió a poner en los cines americanos “La sirenita”; coincidiendo con el estreno de Anastasia.

Tristemente, la película de hoy fue de sus últimos proyectos en la gran pantalla. Llegaría Titan A.E con una pobre campaña publicitaria, un producto que no sabía si iba a niños o adultos. Todo llevó a una pobre recaudación y el cierre de Fox studio animation, aquellos para los que trabajaba el estudio de Bluth (si me he documentado bien). A partir de ahí, Don y su compañero Gary Goldman, hicieron varios trabajos como vídeos musicales o animación para videojuegos.

Pero nadie ha venido para clases de historia. Vamos con Anastasia.

LA CAÍDA DE UN IMPERIO La familia Romanov reinaba en la Rusia de 1910 disfrutando de su pacífico reino con fiestas en su pomposo palacio. En una de tales fiestas se cuela un vagabundo que dice ser el confidente del zar Nicolás II, este le dice “que te pires, vampiro” (era otra época y el emperador trataba de ser trending). Este se marca un ataque de drama queen “Malefica style” y maldice no sólo a la princesa protagonista, sino a toda la dinastía Romanov. Esta maldición será el desencadenante de la sublevación del proletariado, llevándose consigo a casi todos los Romanov, salvo una (técnicamente dos, pero al brujo/vagabundo le da igual). En su huída del proletariado colérico, se golpea la cabeza volviéndose amnésica ¿Cómo sobrevive la niña de los Romanov?

No quiero pasarme con los spoilers, así que lo dejo ahí.

La historia de Anastasia es otra de esas adaptaciones de historias como Balto, donde el material original y la historia real distan MUCHO una de otra. Pero en ambos casos dan películas disfrutables.

Aquí el hilo con la historia real Obviando la acritud histórica de los hechos, esta película de Don Bluth es su intento de princesa Disney.

Personalmente, creo que barre a la mayoría de protagonistas femeninas de la compañía del malvado ratón corporativo. Anastasia es muy interesante, con carácter bien definido. Detalles en su manera de actuar que perduran aún con la pérdida de memoria. El problema llega con su evolución.

La primera mitad de la película usa una serie de números musicales muy seguidos para exponer toda la información (pegadizas todas). El problema de esto es que hay muy pocos momentos calmados. Donde no se cante, sino se hable del proceso por el que esta chica huérfana pasa. Un ejemplo es la escena en el puente con Vladimir. Ahí, Anastasia y el tocayo de Putín hablan, durante dos segundos; pero se siente un momento intimo suyo. Cuando el grupo llega a París la cosa cambia, con más momentos entre la chica y el chico guapos. Primero queriéndose, luego desvelando un engaño y finalmente reconciliándose al final.

Como en cualquier comedia romántica como... Princesa por sorpresa, por ejemplo.

Aunque al César lo que es del César. Bluth construye un clímax donde no es el chico quién salva a la chica, es la propia Anastasia quién salva el día.

RASPUTÍN EL OLVIDABLE El villano de esta película es la cosa más innecesaria del mundo. Va con un relicario y salvo que sus demonios abren una verja... El vagabundo este no hace NADA. Es más, vive como muerto viviente porque le faltó por matar una Romanov ¿y se aísla del mundo? Pero puede visitar el mundo si quiere. Además, su odio viene porque le zar le expulsa de su casa. De tener alguna motivación más, no queda bien explicada.

Sus únicas buenas aportaciones como villano la hacen los poderes que consigue, unos diablillos guardados en un relicario. No es un ocurrente Hades, o una poderosa Úrsula, la presencia de Maléfica, ni siquiera es entretenido como el capitán Garfio. Su único rasgo característico es ser un cuerpo descompuesto, lo que da momentos cómicos con las partes de su cuerpo (personalmente no les veo mucha gracia). No parece un villano tan memorable como los de Fievel, En busca del valle encantado, o el secreto de Nimh.

El secuaz de Rasputín, Barto el murciélago, destaca más. ¡Incluso tuvo su propia película! Hasta Puca, el perrito de Anastasia, tiene una contribución más significativa. Da cuquismo animal.

Es una de las últimas películas que produjo Bluth y se nota que intentaba aprovecharse de la fórmula Disney para mantenerse a flote en tiempos de necesidad. El motivo fue la perdida causada por su anterior animación “Hubi el pingüino”, producida por el estudio. Tras lo cual, dejaron a su productora (Metro Goldwyn Mayer) por Fox, siendo Anastasia su primera película con ellos. ¡Exitosa encima! Tanto que a día de hoy sigue siendo su película más taquillera.

ANIMACIÓN: DETALLES Y DEFECTOS Antes comentaba como la película se rige por la fórmula Disney, como si no tuviera méritos propios la película. Todo lo contrario. Don Bluth es un artesano siempre dispuesto a arriesgar, y en este caso le salió bien la jugada. Un ejemplo fue el uso de amplios escenarios dibujados y adaptados al celuloide usando el sistema conocido como cinemascopio. Esto es, comprimir dichos escenarios, filmarlos para luego descomprimirse en la proyección (creo, no tengo del todo claro si lo he pillado). Era una técnica de la que Fox tenía la licencia, así que el estudio cogió esta técnica que no se usaba desde los años sesenta.

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·Anastasia

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Otra curiosidad fue que su socio, Gary Goldman, viajó a Rusia en busca de material referencial para los escenarios (edificios, carruajes, ropa, etc.). Esto es una muestra de la dedicación de esta pareja. Como en el caso de Basil, los extras del DVD profundizan más en esto.

Todo esto está muy bien, pero los problemas empiezan con los números musicales mencionados antes, o las escenas de mayor dramatismo. Dimitri, Anastasia y Vladimir lucen muy bien en esos momentos; bastante expresivos. Cosa que choca en los momentos peor dibujados. Algunos momentos como Rasputín obteniendo sus poderes, o algún número musical (ejem... el de París, ejem...) no aguantan tanto el test del tiempo. Otro detalle son los rostros.

Las caras de los personajes cambian mucho en calidad, sobre todo Dimitri. Hay veces en las que no parece mirar a ninguna parte, da la impresión de ser un personaje de relleno, no el interés romántico coprotagonista. Anastasia sufre de esto también en puntuales momentos donde no se la ve tan expresiva, pero eso ya es rapiñar críticas negativas.

Recomiendo ver su canal de youtube donde habla de sus películas. Aunque el canal habla principalmente de “Dragon’s Lair: The Movie”, su proyecto en crowdfunding. Don Bluth y Gary Goldman delante de la cámara son geniales, echad un ojo: Canal de Don Bluth

DESDE DON CON AMOR En este caso he querido ahorrarme la reflexión sesuda intencionadamente. Quería hablar un poco de este abuelete que tantas buenas películas ha dado a una generación (y no tan buenas). Dado que el hombre está desarrollando una campaña crowfunding, quiere seguir produciendo animación; me parece mejor dedicar mi tiempo a hablar de las bondades de este hombre, en lugar de hacer de Señor exponiendo obviedades y quedando en ridículo hablando como un “iluminado”. ¿Es un cuento de princesa Disney con un patético malo? Sí. Pero la música es pegadiza (casi toda); y el conflicto a lo largo de la película da para un buen desarrollo de la pareja romántica (algo que rara vez hacía Disney). Luego esta toda la falta de acritud histórica, igual que en otras películas animadas como Balto. Pero si se ignora, la aventura de Anastasia es entretenida, con personajes divertidos. En general es buen entretenimiento para niños y adultos. Quizá iría con cuidado con el número de París, que es la canción que asocia consumismo con la mujer, como películas estilo Princesa por Sorpresa. Pero son pequeñeces en una muy buena película de animación.

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·El gigante de hierro

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EL GIGANTE DE HIERRO

Steven Spielberg es uno de esos grandes directores que ha llenado los kokoros de generaciones con grandes películas. No todo su trabajo es igual de brillante, aunque es innegable su papel en la evolución de la industria cinematográfica. Brillantes historias con memorables escenas le han dado un lugar en la memoria colectiva del mundo entero. Uno de los mejores directores del mundo.

Uno de sus grandes éxitos fue la película E.T sobre aquél extraterrestre extraviado con un dedo gusiluz.

Una historia de amistad con un personaje de otro mundo. Tras su demoledor éxito, no fueron pocos los que trataron de replicar esta premisa, buscando el mismo éxito. Sólo uno fue capaz de crear algo nuevo con una premisa similar. El gigante de Hierro.

ET VERSIÓN MECHA El gigante de hierro comienza con una criatura de ojos luminiscentes precipitándose sobre el tormentoso océano Atlántico. Un pesquero se topa con la criatura, mientras informa por radio de su posición en caso de que la tormenta destroce el barco y necesite rescate. El capitán del pesquero hace contacto con la criatura; una colosal y terrorífica masa de hierro con ojos luminiscentes. Esta primera impresión es lo que la película tratará de cambiar a través de el niño más genérico del mundo, Hogarth Hughes. Su amistad con la colosal criatura básicamente será una historia tipo E.T en estructura. Esconder a la criatura con pequeños trucos, enseñarle a convivir con humanos, etc. Al mismo tiempo, tanto este robot como Hogarth aprenderán lecciones sobre la vida. Importantes tanto en el desarrollo de la película, como en su final.

Esta es una de esas películas con las que es imposible fallar con nadie. La historia está ambientada en los años 60 con el miedo de la guerra fría, pero realmente podría valer en cualquier otro contexto.

Hogarth es el perfecto protagonista plano en el que cualquier crío puede verse identificado, está muy bien escrito. El resto de los personajes ya no tanto, en especial el inspector del departamento Kent Mansley (el antagonista). Es un poco exagerado, aunque nada que rompa la inmersión en la historia ni mucho menos. Digamos que se exalta con demasiada facilidad.

ANTES DE LA OBSOLESCENCIA PROGRAMADA A nivel de animación la película es de lo mejor en 2D combinado con 3D (usado principalmente para el gigante). Todos y cada uno de los fotogramas en esta película han sido cuidados al milímetro. Reacciones de los personajes, fondos, gestos, comportamiento, expresiones faciales, etc. No le sobra nada. Los animadores responsables tuvieron que hacer magia negra para que se conservase tan bien una cinta de 1999. Especialmente, teniendo en cuenta que el 3D en los años noventa (salvo excepciones) no ha envejecido bien. El cuidado no se limita al aspecto técnico, sino a los detalles de los propios personajes.

Un ejemplo de esto es el casco de Hogarth.

Varias veces en la película, este pobre chico del pueblo pesquero se enfunda un casco de piloto. Una de las primeras veces es, cuando se produce el primer encuentro con el gigante. Lo llevará alguna otra vez, como un símbolo de coraje, una manera de creerse más valiente con el gorro (o cuando quiera simular ser piloto).

Basado en esto, que el chico crece alienado en su mundo sin relacionarse con otros... Quizá signifique que tanto la madre como él tengan miedo a socializar mucho porque están de luto, por la muerte del padre y marido. Posiblemente este fuese piloto y murió en acto de servicio.

Esto explicaría cosas como su forma de hablar de la muerte con el gigante, o que la madre tuviera una habitación libre para alquilar en su casa.

Detalles como estos, diseños de páginas de periódico, cómics de la época concienciando sobre el comunismo, etc. Todo aporta contexto a la historia, añadiendo motivaciones e historia a los personajes.

ES RARO. VAMOS A MATARLE Muchos son los mensajes que se dicen en esta película, es parte de lo que la hace ideal para todos los públicos. Si hay uno ha destacar, para mí sería el miedo. No terror, sino inseguridad, debido al panorama tenso entre dos naciones que podían destruirse en cualquier momento (y al resto del mundo). El gobierno trataba de aleccionar a sus ciudadanos con toda clase de propaganda anticomunista (cómics, películas informativas, etc.). Toda la población americana está “programada” para abrir fuego ante cualquier cosa extraña, como le dicen al robot gigante.

Porque a lo largo de la historia, el ser humano ha actuado así. ¿Hay alguna moraleja detrás? Sí, que podemos ser mejor que ese impulso irracional. Responder con amabilidad a lo desconocido, no con violencia... Creo que ese era uno de tantos mensajes. Hace reflexionar a grandes y pequeños sobre algo tan básico como el uso de la violencia para enmascarar nuestro miedo a lo desconocido. El propio gigante tiene incluso sus propios miedos reprimidos. El golpe en la cabeza olvidando su naturaleza agresiva, e intentando integrarse en la tierra me recuerdan a cierto niño mono criado en las montañas. El origen de Goku, de Dragon Ball; cuyo origen es MUY similar al del hombre de acero (curiosamente con el mismo gran miedo que el gigante de hierro). Ambos aliens convertidos en héroes por proteger su hogar. ¿Y en qué busca convertirse nuestro cariñoso montón de chatarra?

En Superman. El héroe del pueblo por excelencia.

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·El gigante de hierro

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¿ES ESTO CHATARRA? Lo pondré de esta manera: ¿Ha venido a tu piso un amigo/a de tu compañero de piso y no sabes qué poner? Pon esto. ¿Es un sábado por la noche y quieres acurrucarte en la manta viendo algo? Pon esto. ¿Han venido a tu casa niños? Si consigues mantenerles prestando atención 5 minutos a la pantalla; ponles esto en dicha pantalla.

Sea cuál sea el contexto, el gigante de hierro tiene algo para todos los públicos. Es uno de esos clásicos de la animación para los que parece que no ha pasado el tiempo. Es difícil que al final no te encariñes de esta criatura de metal.

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·A long way north

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A LONG WAY NORTH “Las niñas siempre deben tener buenos modales y ser correctas”. Una frase muy dicha por los mayores a sus hijas/nietas que viene de una mentalidad anticuada. Esto resume la mentalidad de muchos individuos machistas (especialmente en las redes sociales) en pleno 2017. El caso es que estos últimos años ha habido una mayor concienciación contra las injusticias hacia las mujeres. Yo mismo he sido de esas personas gracias a mujeres que han hablado de dichas injusticias. Así que no vengo aquí a dar lecciones, porque soy el primero al que le queda por aprender.

Seguimos en una sociedad muy machista, y aunque hay personajes que están empezando a poblar las grandes producciones de medios como el cine o los videojuegos; queda mucho trabajo aún. Hoy quisiera poner mi grano de arena recomendando una película. Long Way North es una película con una joven tratando de encontrar a su abuelo, mientras se gana a la gente demostrando sus agallas frente a la adversidad.

PELEA COMO UNA NIÑA Sasha es una joven interesada en la exploración con conocimientos en cartografía. Este interés le viene por su abuelo, un importante explorador ruso decidido a conquistar el polo norte para su querida Rusia. En su expedición de camino al polo, pierde contacto con Rusia. Dando su barco por desaparecido, se inicia la búsqueda; sin éxito. Los años pasan y muchos marineros dan el barco por perdido, hasta que Sasha encuentra unas notas en el estudio de su abuelo. Dichas notas detallan una ruta diferente de la que se creyó que su abuelo había tomado. Sin éxito al buscar gente que la apoye en su búsqueda, decide fugarse e irse ella misma tras la pista de su abuelo.

Por un lado la historia nos muestra a una chica determinada, demostrando su valía a todos a pesar de su inexperiencia en la vida (por aquella de no trabajar en su vida). Por otro una niña buscando a su abuelo a la vez que vive el sueño de su vida al ir de expedición.

La historia de Sasha es una de superación a varios niveles para sí misma. Es tachada por su padre como básicamente una loca, su mejor amiga trata de alejarla de sus mapas por asuntos más “apropiados”, e incluso los marineros con los que viajan se pasan casi todo el camino marginándola (en parte porque llevar una mujer era mal presagio para los marineros). Todos la miran por encima del hombro por ser una princesa de la alta sociedad que no sabe cómo va el mundo. Literalmente es una niña luchando contra el mundo.

La parte negativa es que bueno, su final es bastante predecible. Como muchas otras películas de superación.

SONIDO Y COLOR (EL AMBIENTE) Una de las cosas que llaman la atención desde el minuto uno es el estilo de animación. Mayoritariamente apoyada en los usos de paletas pálidas que acompañan a las escenas. Una película que recomendaría mucho a coloristas. Desde los tonos cálidos al ver el amanecer en el paisaje helado o los verdosos en el pueblo costero; a o los contrastes cromáticos de la nieve con los personajes. Quizá por ese tratamiento en toda la película, esta parece muchas veces... Plana. Me refiero a no tener la complejidad cinematográfica de Vals con Vasir o los trabajos de Pixar. Parece hecha con ceras o algún material similar, materiales no hechos precisamente para trabajos de detalle como la plumilla. Una cinta con más valor pictórico que cinematográfico. No obstante la película sabe manejarse sin necesidad de tirar de detalles, incluso los mapas son simplificados. Ojo, simplificado en el mejor de los sentidos. El ejercicio de diseño detrás es meritorio. Supone simplificar mapas (por ejemplo) manteniendo un aspecto similar a los verdaderos. Se nota el trabajo del equipo.

Todo este uso del color refuerza la atmósfera transmitida por el diseño de sonido.

El trabajo creando elementos del mundo en la película no se limita al aspecto plástico, también está el sonoro. Porque la mayor parte del film usa el sonido ambiental. En algunos casos va bien por el tono que busca la escena, un ejemplo de ello es la de las patatas.

Sasha está en el barco disfrutando de las vistas sola mientras todos los hombres comen. El pequeño marinero Katch, le ofrece subir por las cuerdas amarradas al mástil hasta arriba. Juntos pasan un pequeño momento feliz, que acaba con una fulminante mirada del capitán del barco. Este, pone a Katch a pelar patatas en castigo. Sasha, sintiéndose culpable quizá, decide entrar y ayudarle. Durante unos segundos sólo se escucha el romper de las olas, con las patatas cayendo en la cazuela. Al final el oleaje hace que Sasha se precipite sobre Katch, y esta sale inmediatamente de la cocina.

No hay música romántica de fondo, ni tampoco tensa que enfatice el ambiente. El sonido ambiental muchas veces basta sin músicas adicionales. Algo muy habitual en las grandes producciones, especialmente aquellas destinadas a niños/jóvenes. Películas donde se esfuerzan mucho en remarcar el tipo de ambiente que le corresponde a la escena. En su lugar, esta pequeña producción francesa hace lo contrario, dando al film más con menos.

SASHA LA EXPLORADORA A long way north no es una gran película que se quede en el corazón de la gente. No es tan memorable como los trabajos de Disney, Pixar o Don Bluth que hemos comentado aquí. Pero eso no quiere decir que no pueda apelar a los niños igualmente.

La historia de Sasha es de superación, de como todo el mundo te subestima por ser un niño entre adultos.

Cualquiera puede identificarse con ese problema que tiene Sasha con los adultos en la historia. Demostrar que ser joven no significa saber menos o estar menos capacitado.

No es fácil ir con ideas nuevas a alguien más mayor y nos tome enserio. O simplemente que por ser más joven, nos consideren ingenuos, tratando de pisarnos a nivel profesional. Por no mencionar los constantes juicios de valor, hechos por el típico tipo obsesionado con saber si estamos cualificados. No es fácil empezar a abrirse paso en el mundo. Se necesita tesón, agallas y no decir que no a ningún reto. Cosas que hace

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·A long way north

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Sasha ante las dificultades. Como protagonista de una historia de superación, no podría pedirse una mejor.

Es una chica criada sin saber lo que supone esforzarse por ganarse el pan. Su único sueño es salir de expedición con su abuelo, e irónicamente no conoce más vida que su palacete ruso. Muchos chicos y chicas independizados encontrarán en Sasha alguien con quién recordar sus primeros días de libertad.

Aprendiendo a vivir sin padres poco a poco. Ante todos los problemas, ella responde con inteligencia, educación y sobretodo, determinación.

Sé que parte del problema, como sugiere mi introducción; también se debe a ser una mujer de la alta alcurnia (de ahí que no sepa valerse, por su educación). Pero por usar un personaje femenino menospreciado, no quiere decir que ese sea el foco del problema. La película no lo trata así, y yo tampoco pretendo. Ser mujer no es un problema, sino ser menospreciado por gente con actitud paternalista o pedantes sobrados.

La presión diaria es tremenda, teniendo que demostrar a los demás nuestras capacidades. Esta es una de las causas por las que la ansiedad es uno de los males más habituales actualmente. Cada uno lidia con ello como puede, en mi caso; las artes marciales.

Si algo me han enseñado es que practicas para ti mismo, eres al único a quién debes demostrar cuan bueno eres. Las valoraciones de terceros sólo importan por el valor que les demos, por encima de nuestro propio criterio. Es importante saber encajar las críticas constructivas de otros, pero no dejarse intimidar por las destructivas. Por tanto, es cosa de cada uno establecer un límite entre cuando escuchar y cuando no a los demás. Tan malo es pasarse de humilde (te destruye la crítica), como de orgulloso (no eres capaz de aprender de tus errores).

HACIA LA CIMA DEL MUNDO A long way north es la opera prima del director Rémi Chayé. Una bastante buena, con un estilo de animación muy característico que será la delicia de cualquier colorista o diseñador. A través del color comunica los estados anímicos apropiados para cada escena. Un ejemplo es la luz rojiza de atardecer filtrándose por las ventanas del palacio de Sasha, mientras corre inquieta por los pasillos buscando unos pendientes.

Desde luego Sasha es una gran protagonista en la que proyectarse. Inteligente, valiente, trabajadora y dispuesta a todo con tal de descubrir el paradero de su abuelo, restaurando así el honor de su casa.

Los adultos supondrán un obstáculo para ella, pero con perseverancia se irá ganado a todos. Una buena protagonista en una predecible, pero disfrutable película de invierno.

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·Megamind

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MEGAMIND Los superhéroes y villanos son una de esas cosas de las que me puedes dar a kilotones, porque me encantan los dramas humanos a los que dan lugar. No solo sus tópicos, sino su reinterpretación. One Punch Man es uno de los exponentes más claros, creando historias bajo la premisa que el héroe siempre gana de un golpe.

Es la idea detrás del hombre de acero, pero llevada al límite en términos de drama, fuerza y humanidad. El “está demasiado cualificado para optar a este puesto de trabajo” del cómic superheroico.

Megamind es lo más opuesto al poderoso Saitama de One Punch Man que pueda existir. Un villano al que nadie toma en serio, todo le sale mal. Esta tampoco es una historia de superación, donde el villano de repente es el hombre más alucinante del mundo gracias a un artefacto mágico. Dicho todo esto ¿por qué ver a un villano que sólo sabe fracasar en la vida?

¿PEOR ANTIHÉROE O PEOR VILLANO? Nuestro pareja de héroe y villano protagonistas nace del mito de Superman tal cual. Sus planetas se van a la mierda, los ponen en una nave espacial, se cruzan con Son Goku que iba de camino a la galaxia del Este, y Boom! Aterrizan en la Tierra.

A partir de ahí cada uno se cría de una manera; Megamind en prisión y Metroman (¿Símbolo fálico? ¿Dónde?) junto a una familia rica a niveles Tío Gilito. Con el tiempo crecen, empiezan a pelear una y otra vez... Hasta que un día, Megamind gana. La pérdida del símbolo heroico desconcierta hasta al propio villano.

Es en este momento cuando la verdadera película arranca, con un Megamind en proceso de madurez. Igual que los villanos inocentones de la edad de oro que se quedaron obsoletos; Megamind debe redescubrirse.

Por mucho que admirase a su rival, debe pasar página, madurar y pensar en lo que quiere hacer con su vida. Este conflicto interno le llevará a tomar decisiones, algunas mejores que otras, con un par de giros interesantes. Culminando todo en un final mejor que el que nos dio Man of Steel.

EL ADONIS, EL PITUFO, LA CHICA... Y EL VILLANO Superman fue el héroe que dio el pistoletazo de salida en 1938 al mundo del tebeo como lo conocemos hoy. Su origen ha sido la inspiración de muchas historias (como el ejemplo anterior con Goku), su mítica portada homenajeada varias veces, y sus bases han sido la arcilla con la que se han dado forma a cientos de personajes en la ficción. Metroman no es más que una versión metrosexual(?) del hombre de acero.

Mismos poderes, similar peinado engominado, mismos ideales, misma actitud de niño bueno... La historia de siempre. No puedo decir mucho más de este personaje, pero lo interesante son las razones que le llevan a su muerte. Estoy entrando en territorio spoiler, así que digamos simplemente que Metroman hace en unos segundos, lo que Megamind en 90 minutos de metraje.

La reportera secuestrada de esta película es Roxanne, que al contrario que April O’neil en las tortugas ninja; no es inútil. No tendrá poderes para salvar el día, pero tan inteligente como proactiva. Es tenaz, valiente, muy entregada a su trabajo; quizá por eso no se muestra amistosa con todo el mundo. Le cuesta esbozar una sonrisa, salvo a la cámara. La ciudad la ve como la chica guapa que se lleva el héroe.... Salvo que no es el caso. El Cristiano Ronaldo de los superhéroes nunca la quiso hasta ese punto. Siendo justos, la chica es inteligente y busca a alguien con quién conectar más a nivel intelectual/sentimental, que no un tipo cachas.

Por último el protagonista de ojos saltones y piel pitufa. Megamind como personaje es como los héroes de la era dorada del cómic; plano, simplón y predecible. Una caricatura de villano a la altura del doctor maligno, incluso tiene un esbirro... Llamado Esbirro. Si, el pobre no es TAN listo como parece. Aún así, sus carencias en sentido común, las compensa con carisma e imagen, como todo buen supervillano. Todas sus entradas en escena son espectaculares, porque como todo buen villano cuida ante todo su presencia. Su papel de villano es lo que le llenan más que nada, ha limitado su existencia a esa interpretación.

Independientemente de su torpeza, problemas con algunas palabras, o meteduras de pata constantes; sabe lo que hacen a un villano y a un héroe grandes. Nunca va más allá de lo supuestamente permitido en las batalla del bien contra el mal.

EL SÍMBOLO DE UNA CIUDAD El año pasado se estrenó en España el manga My Hero Academia, el que muchos consideramos hijo de las tres series grandes de Shueisha. En ella, All Mighty es el tutor del protagonista, el símbolo de la paz admirado y respetado. Su presencia tranquiliza a los buenos y evita que los malos cometan más crímenes. Su presencia se ha convertido en una parte crucial en las vidas de los habitantes de su mundo.

En Megamind pasa algo similar.

Metroman es el héroe, Megamind el inepto villano; ambos destinados a luchar por siempre. Una dinámica cimentada en la costumbre, un trabajo en el que no tiene cabida la jubilación. La presentación del héroe en la película es por la apertura de un museo con una escultura suya. Una muestra más de la dependencia de los ciudadanos por un héroe que no salva vidas por la fama. El problema de esa dependencia es que limita a la persona tras el antifaz a eso. Algunos héroes de la viñeta como Wonder Woman afortunadamente son excepciones; colaborando con otros sin mallas de por medio, haciendo del mundo un lugar mejor. Los verdaderos problemas del mundo no se resuelven vistiendo mallas, sino ayudando a hacer del mundo un lugar mejor para todos. Un héroe es un símbolo que hace aflorar nuestras mejores virtudes, animando a que seamos mejores cada día. Les animamos porque son nuestros modelos a seguir. Pero de nada sirve eso, si no hacemos nada por el mundo nosotros mismos.

Megamind es un tipo de héroe diseñado para inspirar a cualquiera a ser mejor persona. En su clímax frente al villano de la película (que no he analizado porque SPOILERS), dice que aún siendo un perdedor la derrota tiene un premio, aprender de los errores. Este pitufo con gigantismo aprende constantemente sobre sí

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·Megamind

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mismo, su enemigo y sus máquinas. Si Metroman representa los grandes héroes de la ficción, los símbolos; Megamind la mejor versión de nosotros. Proactiva, inteligente y dispuesta a ayudar. Quizá cometamos errores, pero nadie dijo que la vida del héroe fuese un camino de rosa ¿No habéis leído nunca un cómic?

EL PETER PARKER CON GIGANTISMO Megamind es una película para todos los públicos cuyo guión es un poco predecible y su estética no es precisamente bonita visualmente. Los diseños de personaje rivalizan en sus peores momentos con los horrores perpetrados por Sony Animation Pictures en Lluvia de Albóndigas. Dicho hecho, la creatividad puesta hasta en los pequeños detalles como los problemas ligüisticos de Megamind, o los giros de guión; compensan en el computo general al sopesar defectos y virtudes. Por si fuera poco, está el carisma del propio protagonista diseñado para enganchar desde los primeros minutos. Una comedia con genuinos momentos serios, perfecta para quienes estén cansados de tanto héroes perfecto entre DC, Marvel o Star Wars. Un cómico villano que demuestra como el mayor poder no está en las mallas, sino en la cabeza.

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·La tostadora valiente

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LA TOSTADORA VALIENTE La obsolescencia programada es eso que hacen las empresas de poner chips en los aparatos para que estropeen los electrodomésticos llegado un número determinado de usos. Muy escueto, pero por ahí van los tiros. Una de las causas que ocasionó esto fue la Gran Depresión ocurrida en Estados Unidos en 1929.

Movidas bursátiles fueron la causa de este trágico capítulo de la historia americana. Para solucionarla, se propuso un sistema de para planificar el uso de los productos (originado ya en 1900 por Edison), así la gente tendría que comprar productos cada x tiempo, con lo que el dinero fluctuaría de nuevo, la economía se reactivaría y la Navidad sería salvada por Moe Szyslak por ejemplo. Este se cree como el punto de origen del término que ha determinado nuestra sociedad capitalista durante décadas; la necesidad de renovar productos obsoletos, o ineficientes por la obsolescencia programada.

La tostadora valiente es una historia con una base muy fácil con la que empatizar, la nostalgia. Sea por un reloj, una mesa o un bolígrafo; tenemos memorias asociadas a algún instrumento/electrodoméstico. Quizá lo guardemos con celo por dichos recuerdos, o quizá vive en nuestra ya mencionada nostalgia. Sea como fuere, la historia de hoy trata sobre ese amor correspondido de un dueño a sus objetos. Pensad en ella como Toy Story 4 (los muñecos volviendo a por Andy), pero con electrodomésticos.

RUMBO A LA GRAN CIUDAD En medio de unos montes existe una modesta casa de madera. En ella 5 pequeños electrodomésticos residen, limpiando la casa diariamente a la espera de que su dueño vuelva. Pasan meses, años; pero el joven dueño no regresaba. Aún con todo, la tostadora, flexo, manta, radio y aspiradora no cesaban en sus labores de limpieza. Algunas oían coches pasar, pero nunca era su adorado propietario.

Un día llega un vendedor a colocar un cartel de “en venta”. Al verlo, la tostadora toma la iniciativa, aventurándose en el mundo, en busca de su dueño. Así pues, parte junto a sus compañeros en un viaje al desconocido mundo exterior.

La historia es un viaje del héroe para niños de manual. La narrativa no es donde esta cinta destaca particularmente. Pero lo que carece en complejidad, lo compensa con personalidad, y no en el mejor de los sentidos siempre. Este film está hecho para niños muy pequeños, con una animación que no ha envejecido muy bien, dibujo sencillo; aunque con algunas ideas creativas como usar una radio de brújula. El problema viene en los números musicales, generalmente usados para el desarrollo emocional de los personajes (o exposición). Todos están pensados para dar miedo a los niños, especialmente un sueño de la tostadora donde ve a un payaso que ni el de I.T. Todo en este mundo está pensado para aterrorizar a los protagonistas. Un poco en la línea de las películas de los 80 como Labyrinth, o Basil. Es infantil, pero tiene sus puntos fuertes.

La historia es básica, y sinceramente ni la propia película se toma en serio a sí misma porque... Bueno... Son electrodomésticos vivientes ¿Quién puede tomarse en serio eso? Aún así encantará a los más pequeños, como a los que la vimos de niños en los años 90.

TRASTOS DEL DESVÁN Los protagonistas de este particular viaje son electrodomésticos, más concretamente una aspiradora, un flexo, una radio, una manta eléctrica y la tostadora.

La tostadora es el corazón del equipo, tratando de mantener el orden, uniendo al grupo y haciendo de líder del grupo en general. Salvo ella dirigiendo el grupo, no hay mucho que comentar en términos de personaje.

Lo único destacable es que sus personalidades se han hecho acordes a su función, de modo que hay cierta lógica detrás. La mejor forma de entender esto es a través de sus miedos.

La tostadora tiene miedo a las alturas a pesar de que suele colocarse a una altura prudencial del suelo. Manta es dependiente porque por sí sola no hace nada. Son chorradas, sí; pero demuestran que alguien detrás se preocupó por dar alguna lógica a los miedos de este peculiar elenco. Incluso el apego del dueño tiene un sentido, y es que le gusta la ingeniería. Se le da bien arreglar cosas estropeadas. No son los personajes más complejos del mundo, pero siguen un sentido. El mínimo que se le puede pedir a una película/serie/cómic/ libro/juego; un sentido tras las acciones de los personajes.

LOS MIEDOS DE LOS APARATOS Mencionaba antes como en los números musicales, parece que el mundo trate de intimidar a estos aparatos.

Pasado el número feliz tras salir de la seguridad de casa, nuestros protagonistas afrontan distintos destinos que aguardan a cualquiera como ellos. Desguazados en una tienda de electrónica, tirados en el bosque, al desguace, o reemplazados por versiones mejoradas. Estos son algunos de los obstáculos que deberán afrontar. Cosas que pasan continuamente a los aparatos por el consumismo desmesurado.

La navidad es una época de regalos, donde a todos nos gusta recibir más y mejores cosas. No voy a hacer de hipócrita diciendo que debemos conservar más nuestras cosas. Fardar de los últimos modelos es algo típico del más común de los mortales en redes sociales. Aferrarse a reliquias del pasado es cosa de nostálgicos o coleccionistas que remodelan desde consolas hasta coches. El sentimentalismo de esta producción transmite una enseñanza propia de otra era. No es algo que tenga cabida en 2018, es más rápido comprar que reparar. Es la filosofía del consumismo actual que rigen estas fiestas.

Existen decenas de reportajes que muestran los efectos de este consumismo, como los estragos de los desperdicios de Mac en África, o los vagabundos viviendo de arrancar componentes de electrodomésticos.

Los niños se dice que están hiperregalados por el exceso de juguetes que reciben, la mayoría de los cuáles

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·La tostadora valiente

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acaban olvidados. Los adultos compran muchas veces por convención social tonterías que luego toca devolver. En resumen, nadie se libra de los efectos de la compra constante de artículos electrónicos.

Es posible que la filosofía de “reparar antes que reemplazar” de la que habla esta pequeña tostadora no sea muy apta para 2018. Sin embargo, sí deberíamos preocuparnos más por nuestras posesiones. Más no siempre es mejor, a veces basta con saber manejarlo.

LA TOSTADORA DEL PUEBLO La tostadora valiente en sí sólo es una película para niños pequeños. Sin menospreciar al equipo detrás, pero es de esas películas de segunda de Disney. Aquellas recordadas por encontrar vida a través del VHS. Como estos, hoy en día es una vieja gloria del pasado que no merece la pena remasterizar a alta definición como los clásicos de la compañía del roedor. Si te gustó de crío, encontrarás un abrazo nostálgico al revisionarla.

Sino recomendaría pasar, o como mucho ponerla a niños con muy pocos años.

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·El príncipe de Egipto

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EL PRÍNCIPE DE EGIPTO John Oliver es un personaje público que en los últimos años ha presentado su show Last Week Tonight.

En el programa aborda diversos temas de la sociedad estadounidense con sátira, pero también aportando información sobre los mismos. Podéis ver su canal de youtube donde publica todos sus programas.

Mi favorito de cuantos he visto (no los he visto todos), es uno sobre las sectas religiosas; más concretamente en cómo estas se benefician de devotos feligreses para robarles dinero. Son el equivalente al chico que emborracha a una chica para conseguir que se acueste con este. Aquí dejo el vídeo por si interesa: Vídeo de John Oliver Todo esto viene a que la película de hoy es religiosa, habla de la fe en Dios y en la gente. Aunque la película sea cristiana, el tema realmente trasciende a cualquier tipo de fe.

ESCLAVO ENTRE REYES Egipto está en su apogeo como uno de los grandes imperios más antiguos. Por sus paredes de piedra blanca se respira la grandeza en este Edén en la tierra, fruto de una dinastía de faraones. El último de estos, observa cómo sus esclavos, el pueblo hebreo, crecen en número. Con la intención de salvaguardar todo por lo que sus antepasados lucharon, toma cartas en el asunto y manda a sus soldados a cometer un genocidio.

Afortunadamente nuestro protagonista milagrosamente se salva, acabando en la puerta del propio faraón.

Los años pasan y tanto Moisés el hebreo como Ramsés el egipcio, crecen felices juntos como hermanos de sangre. Por desgracia todo esto cambia cuando Moisés descubre sus raíces. Abandonando en el proceso su posición como legítimo príncipe de Egipto, para ser el futuro salvador del pueblo hebreo.

Desde el inicio, Dreamworks ya advierte que se han tomado licencias en la adaptación de este relato bíblico, en pos de salvaguardar el “espíritu” de este. Cosa que se puede perdonar viendo la calidad en esta película. Para ser uno de los primeros trabajos de DreamWorks, antes de hacer sólo películas 3D, es apabullante. Ya no hablo de la presentación o animación, sino el simbolismo marcando los momentos más importantes en la vida de este supuesto salvador. Desde una tormenta de arena que abraza como símbolo que marca su renacimiento como individuo tras su partida; a toda la simbología religiosa. Es un film trabajado desde el respeto por este mito religioso, sin embargo la verdadera protagonista es la relación de los hermanos.

LAZOS FRATERNALES La relación de estos dos es el verdadero interés de la película. Más allá de los poderes de un ser omnipotente o dos prestidigitadores, dos hermanos son enfrentados. Por consiguiente, se establece un drama humano que ninguno de los dos quiere en primer lugar. Un conflicto fraternal entre dos líderes criados como hermanos. Incluso en los momentos más duros se ve que en el fondo siguen queriéndose, que les aflige profundamente este conflicto (algunas escenas demuestran el pesar entre estos dos); pero deben luchar por aquello que defienden. Pensar por encima de los intereses personales, en pos de la felicidad de los demás. En ello consiste liderar.

El padre de Ramsés era también un líder obstinado, cuya única meta fue la conservación del legado de su dinastía. El problema es que no vio a Ramses como un líder digno al inicio. Ramsés interpretó esta falta de fe como si fuese la oveja negra de la familia de faraones. De ahí su continua necedad en su reinado, por ser el faraón más grande con el mayor imperio. En definitiva su objetivo es ser el mejor faraón de su dinastía, sin entender realmente lo que significa ser un líder. Un ejemplo es la llegada de Moisés a palacio tras su exilio. Los sacerdotes demandan al faraón castigar a Moisés por sus actos de blasfemia contra las deidades egipcias. ¿La respuesta de Ramsés? Eximir a su hermano de cualquier crimen y hablarle como si nada hubiese pasado. Esa no es la respuesta de una respuesta responsable. Ramsés en toda la historia es el mismo, y su obstinación es lo que le llevará a la ruina de aquello que tanto protegía.

El conflicto entre Moisés y Ramsés es el verdadero foco de la historia, la liberación de los hebreos no llega hasta cerca del tercer acto. Por consiguiente, resulta disfrutable independientemente de la simbología religiosa. No obstante no puedo recomendar esto a cualquiera debido a que la cinta apela a un evento de la religión cristiana. Depende de las creencias de cada uno ver o no esta película de Dreamworks. En su defensa diré que, al mantener a Dios al margen durante gran parte de la película, no se siente como una película “aleccionadora” de la religión más profesada en el planeta.

CREYENTE Y BEATO Hace tiempo hablé con una conocida sobre la diferencia entre estos dos términos que se suelen confundir, gracias al fanatismo de mucha gente (especialmente en épocas como Navidad o semana santa). Se puede profesar una fe, creer en un ser superior; sin volverse loco o ignorar fósiles de miles y miles de años.

La profesión de una fe afecta al estilo de vida. Bien sea la meditación de un budista, el régimen de un hindú, los rezos de un islámico, o la celebración del nacimiento de un niño basada en una fiesta pagana. La religión para estas personas es un elemento más de su rutina, bien heredado por tradición familiar o deseo propio.

Entender el por qué detrás de esta rutina es, en opinión de un cristiano que no profesa ya su fe, lo que distingue al devoto creyente del beato alienado.

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·El príncipe de Egipto

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El beato como comentaba antes, nace por la tradición (como Ramsés en la película). Una costumbre que tiene su familia desde hace muchos años que se sigue sin cuestionar, como cenar pizza los domingos. En cambio; el creyente comprende la historia de su religión y el significado detrás de los actos que expresan su fe. Aquellos que definen su estilo de vida. ¿La diferencia entre el creyente y el beato? Es complicado dar una respuesta, pero según mi experiencia sería la convicción. No se es menos creyente por no llorar ante la imaginería cristiana, igual que no se es menos fan de Superman porque no te gusten todas sus etapas. La convicción parte del interés por la religión, de ahí el interés de cada uno por celebrar (o defender) aquella con la que se sienta más representado. La falta de convicción es lo que lleva al fanatismo y los actos de violencia indiscriminada. Ninguna religión demanda la matanza de otra persona, porque todos parten de la espiritualidad. Entiéndase esto como la percepción de nuestra existencia dentro de un mundo lleno de otras formas de vida del mismo valor que el nuestro (animales y humanos).

Siento si me he ido por las ramas con la charla prepotente. Desde luego este es un asunto muy personal y ni yo ni nadie debería hacer declaraciones sobre qué es mejor. Las creencias son algo personal. Que nadie imponga sus creencias, eso diferencia al beato del creyente.

PARA LOS ATEOS: No digo que ser creyente sea mejor. Hay formas de desarrollar ese mismo sentimiento sin necesitar las doctrinas de una religión concreta. Por motivos religiosos la humanidad ha cometido verdaderas barbaridades.

¿UN PROFETA AL QUE SEGUIR? Contrario a lo que acaba haciendo el pueblo hebreo, este profeta es digno de seguir. El príncipe de Egipto es una película con fantástico cuidado en la presentación, dos protagonistas con los que resulta fácil empatizar, y números musicales buenos (mención especial al de las plagas, parece sacado de un musical). Tiene fallos como que al centrar tanto la atención en los hermanos, el resto de personajes no tienen casi cabida en la trama. Otro detalle que puede no gustar a todos los públicos, es que es una adaptación de la historia original de Moisés. Salvando detalles como esos o alguna “intervención divina” introducida digitalmente, la obra aguanta muy bien el paso del tiempo con su animación tradicional perfectamente fluida.

Recomendarla se me hace difícil debido a que cada uno tiene sus propias creencias. Aunque si se pasan por alto, aquí hay un drama fraternal bien construido de principio a fin.

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·Arthur Christmas: Operación regalo

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ARTHUR CHRISTMAS: OPERACIÓN REGALO La navidad, esa época donde el consumismo es el rey, y la buena voluntad sólo sirve para sentirse bien con uno mismo. En estas fiestas siempre hay tradiciones agradables como reunirse con la familia y matarse a cuchillo para gozo y algarabía de los comensales que no participan. ¿Sólo pasa en mis cenas familiares? .....

Ok. Sea como fuere, es una época en la que o te dejas llevar por el espíritu consumista/optimista de las festividades, trabajando por hacer buenos regalos y pasar un buen rato con tus seres queridos... O eres el Grinch con sal en las venas.

La película de hoy trata de un chico que es básicamente el espíritu navideño hecho persona. El típico personaje tontorrón que se mueve por pura buena fe, que solo busca la felicidad de los demás. Por este tipo de personaje, creo que este es uno de esos clásicos navideños que, aún con la navidad por tema; no se limita a decirte “la navidad no es consumismo” como nota final en un film insulso. El tema del espíritu navideño y las costumbres parodiadas como las cenas familiares, son temas con un desarrollo trabajado en la película. Así pues voy a enfundarme el traje de elfo de huesos desarrollados, y comentar este clásico navideño moderno.

OTRA HISTORIA DEL POLO NORTE En el polo norte, siempre ha existido el título de Papa Noel (o Santa Claus). Un título pasado de generación en generación en un familia de personas que conviven con un ejército de elfos. Con los años, el reparto de juguetes en una noche se ha ido optimizando, hasta el punto que los elfos se han convertido en un ejército coordinado repartidor de regalos (las primeras escenas con los elfos infiltrándose dejan en bragas a Snake o Sam Fisher). Este ejercito es coordinado por el que se cree, el sucesor del último Santa, el hijo mayor llamado Steve. Mientras, el menor llamado Arthur; ha quedado relegado a la labor de leer y contestar las cartas enviadas a Santa Claus.

Tras un reparto magistral por el globo en la noche de Navidad, se descubre que se han dejado un regalo por entregar. Al ser 1 de entre billones, Steve no le da importancia; pero su hermanito está dispuesto a entregar el regalo a esa niña a la que conoce sólo por leer su carta. En su aventura se llevará al que antaño fue Santa, su abuelo, junto a la elfa Bryony. Su misión será cruzar el planeta en lo que les queda de noche para entregar el regalo.

Esta es de esas películas que o amas u odias por sus personajes. Todos a su manera son interesantes y encapsulan tanto la idealización de la navidad (lo bonito) como lo actual (discusiones, cenas, el significado de los regalos, etc.). Digo esto porque algunos personajes pueden hacerse un poco pesados si no se da algo de cancha. Especialmente a aquellos sin mucho espíritu navideño en las venas.

Es una muy buena película navideña con divertidos personajes, siendo mis favoritos quizá el padre de Santa Claus y la señora Claus. El padre por ser un abuelete chiflado pero con agallas y la señora Claus porque es la mejor de la familia, pero se contenta con estar detrás apoyando al inútil de su marido e hijos. De las mejores encarnaciones de la señora creo yo.

CONOCIENDO A LOS CLAUS Ya que estamos con los personajes, vamos a hablar de todos porque sus relaciones son el esqueleto de este producto navideño. Empezando por la mencionada señora Claus quién menos se impone, pero vela por los 4 hombres de la familia. Es mucho más inteligente de lo que deja ver a su familia, pero no le importan ser el apoyo de su familia. Te hace pensar por qué Santa Claus sigue siendo el de los regalos y la señora Claus no.

El Santa de esta cinta es el perfecto viejecito, que está demasiado pasado de rosca. Su tiempo se acabó hace tiempo pero no quiere dejar su importante puesto como Santa porque le gusta su trabajo. Aunque tenga menos poder cada año, sigue estando en una posición valorada y respetada. El problema es que se ha acomodado en delegar cosas a otros (elfos, sus hijos, su mujer, etc.), de modo que en momentos de crisis no sabe qué hacer salvo delegar la culpa a otros. Un icono sobrevalorado del que sólo queda una cascara roñosa y vacía de ser humano.

Sus hijos son el relleno que perpetua la leyenda del gran hombre de rojo (no confundir con la señora de rojo).

Por un lado está Steve, el mayor de los hijos de dirige de manera eficiente los operativos élficos durante la noche más importante del año. Con sus avances tecnológicos ha conseguido dar más regalos que ningún otro Santa, por lo que aspira a ser el mejor Santa. Tiene cero espíritu navideño, sólo quiere demostrar a su padre y a sí mismo que es el mejor en su trabajo. Cuando descubre el tema del regalo, trata de ocultar esa grave mancha en su perfecto expediente hasta el tercer acto. De hecho interviene porque los demás lo hacen, y él no pretende ser menos. No le gustan los niños, ni entiende el significado de los regalos.

Arthur por otra parte es el idílico bobalicón imbuido por el espíritu navideño. Es torpón y bobo, el centro de las burlas; pero también un tipo optimista que vive la Navidad como nadie. Atesora cada carta que le llega a su padre porque le encanta ver en los niños ese mismo espíritu navideño que tiene él mismo. De ahí su obsesión por mantenerles su ilusión y, por consiguiente, de ahí el detonante de la historia. Es esa parte inocente a la que muchos se aferran estas fiestas, a pesar de los muchos Grinch.

Por último está el abuelo, un personaje bastante interesante por lo que representa. Fue el antiguo Santa antes que su hijo, y no se limita a ser la “vieja guardia” que dará su beneplácito al final. El viejo santa ayuda al protagonista porque quiere demostrarse a sí mismo que no es una reliquia aparcada forzosamente en el

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·Arthur Christmas: Operación regalo

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salón de casa. No es una molestia. Una motivación muy sentida por muchas personas mayores aparcadas en residencias de ancianos, o viejos en casa que requieren cuidados y se sienten mal por dar trabajo a los jóvenes. Tampoco le importan los regalos, sólo es que no quiere ser olvidado como un mueble viejo; más bien recordado por sus logros. Es cascarrabias, pero tiene buen fondo. Trata de hacer lo mejor, aunque no siempre lo consigue por no saber adaptarse a los tiempos que corren.

BLANCA Y PURA NAVIDAD Esta es una época del año donde el materialismo impera más que en cualquier otro momento del año. Niños y adultos recibiendo cada vez más regalos, regalos más caros para amigos/familia/conocidos, calles inundadas de anuncios navideños, promociones, rebajas, etc. Un cúmulo que articula las convenciones navideñas actuales.

Dichas convenciones son las que pretenden abolir los especiales navideños, enfatizando ese lado inocente que se ilusiona por los reyes magos o por esas tradiciones tan idealizadas por la nostalgia (reunirse con la familia y hacer algo juntos). Sea como fuere, TODOS los especiales y películas basadas en la Navidad quieren esa faceta nuestra. Es como una película manipuladora adolescente que hable de cómo no es importante el consumismo, sino el tener “corazón”. Cuando irónicamente esa película es el espíritu del propio consumismo.

Los especiales navideños hablan de lo importante en estas fiestas, pero los buenos o son religiosos, o poco conocidos. Los más recordados suelen estar asociados a memorables franquicias que ponen a sus divertidos personajes con tópicos navideños. Pocos hablan DE la Navidad como festividad, o critican cómo ha mutado en el festival consumista actual. Arthur Christmas habla de esto, mientras manteniendo la positividad mencionada.

La familia Claus tiene una tradición navideña, discuten, pelean, se quieren, etc. Son una familia algo disfuncional, pero la resolución de la película les unirá de nuevo. Un poco como esos anuncios navideños cuando todos se reúnen por las fiestas. Pero aquí tiene un sentido, porque sin esa unidad; no existiría la figura de Santa. No existiría el espíritu navideño que nos hace juntarnos con nuestra familia, ilusionarnos al comprar regalos y recibirlos. No creo que importe que las bases de la navidad sean el consumismo, el lavado de conciencia ayudando a pobres (sólo en esta época), o embriagarse del ambiente navideño que vende el marketing. Si estas cosas llevan a reunirse con nuestros seres queridos, darnos unos pocos regalos y pasarlo bien... Para mí, que eso es lo bonito de la Navidad. Que también te digo, ese buen ambiente tendría que ser todo el año. Pero no todos nos soportamos 24/7. Ya dice el dicho que “lo bueno si breve, dos veces bueno”.

JINGLE ALL THE WAY Arthur christmas es una película distraída para los más pequeños se estarán encantados con ver las cosas extrañas producidas por la serie de desdichas que el pobre Arthur pasará. Visualmente no es espectacular y personajes como Santa no son precisamente agradables a la vista de primeras. Pero tiene buenos efectos, un mensaje navideño más trabajado que la mayoría de clásicas historias y creatividad en todos los gadgets diseñados por los elfos (por no mencionar sus habilidades de ninja).

Para los adultos no hay mucho aquí a menos que sean muy navideños. Esta película no es un gigante de hierro que tiene cosas para grandes y peques. Es un producto infantil entretenido, apropiado para estas fechas. Un gran regalo navideño que da gusto encontrarte bajo del árbol.

Pdta. Sé que he hablado más de personajes que de la peli en sí, pero es que tampoco hay mucho que contar sin spoilear. El viaje de Arthur es una sucesión de eventos que es mejor no desvelar.

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ONE MORE THING

Muchas gracias si has llegado hasta aquí, si has descargado el documento y has ido a la última página, o si has seguido el Anicember a través de mi cuenta de Twitter o de la web comic off. En cualquier caso, gracias.

Espero que este “evento“ no cinemático-marvelita te haya descubierto alguna película de animación, o te haya hecho volver a a ver alguna.

En cuanto al año que viene... La verdad es que Anicember ha tenido una modesta, pero buena acogida según he visto entre mis conocidos, por lo qu sí, el año que viene habrá más de lo mismo.

¿Repetirás películas de animación?

Sí, pero cambiaré cosas en función del feedback tras lanzar este documento. Así que si hay algo de lo que quisieras hablar, de manera constructiva, tuiteame y veré lo que hace falta cambiar. Otra cosa es que lo termine cambiando.

¿Alguna temática concreta en mente?

Es muy pronto, pero ya tengo alguna idea como ver diferentes princesas Disney y comentar sus historias (obviando secuelas), esto incluiría alguna que otra adaptación en carne y hueso como las de “Cenicienta” o “La bella y la bestia”, pero igual se me ocurren otros enfoques diferentes que me acaben motivando más.

Who knows? Por ahora voy a descansar que llevo demasiado tiempo con este proyecto y creo que me he ganado un pequeño descanso.

¿Por qué publicas el Anicember en ComicOff si es sólo cosa tuya?

Eso es cierto. Quizá el año que viene consiga convencer a alguien más para que me ayude. Puedo ser muy persuasivo, si dispongo de las herramientas apropiadas *destapa aparatos de tortura* Veremos a quién consigo embaucar.

Eso es todo lo que quería decir. Espero que los reyes se hayan portado bien con vosotros y os hayan traído todo tipo de cosas. Porque sois todo lo bonico y majo si habéis aguantado esta chapa.

Es cierto que mi expresividad no es precisamente... “brillante“, pero he hecho lo que he podido y me quedo satisfecho viendo la buena acogida que ha tenido este evento.

Por último quería dedicar este escrito a dos mujeres que me han servido de inspiración, sin la cuál esto no sería posible. Por un lado Irene Nadal (@nuskaonline) a quién deberíais seguir y comprar láminas de mujeres historicamente “awesome“. Y por otro a Paloma (@cecilos en Twitter), la Troy McClure de internet a quién conoceréis de podcast como “Ocho sobre Diez“, “El pugcast“, “El libro Ilegal“, colaboraciones con “Eurogamer.es“, “TodasGamers“, “Anait Games“, “Fangrrrl“ y algún otro sitio/podcast que me dejaré seguro porque esta chica está en todas partes. Seguidla.

Eso es todo.

Feliz 2018.