Super 8
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HabĂa una vez: Del documental a la ficciĂłn The Shining un tesoro fĂlmico Cine de terror, no todo es lo que parece Black Christmas, una navidad de miedo Del papel a la pantalla: Un cuento de navidad
El universo de tim burton
Editorial El cine es el maravilloso universo en donde se conjugan todas las artes para crear pequeños universos en los que las personas puedan introducirse, identificarse, alejarse por un momento de la realidad e incluso aproximarse a ésta. Con el fin de acercar a todos los cinéfilos, y aquellos que no lo son tanto, al mundo del cine desde una perspectiva diferente surge: Super 8. Un proyecto que busca rescatar aquellas cintas que con el paso del tiempo se han perdido de vista, al mismo tiempo que hace remembranza de las películas que permanecen vigentes y de todos los componentes de éstas, desde la música hasta la parte que muchas veces queda oculta al espectador como el guión. Esta revista virtual añade un poco de historia del cine en todas sus formas y es por ello que el nombre se adapta a la perfección, ¿qué mejor nombre que el de una cámara gracias a la cual la industria del cine comenzó su evolución? Esperamos que la disfruten, nos den sus opiniones, comentarios, sugerencias y críticas para mejorar cada número en pos de la satisfacción del lector.
Super 8 Número 1 Editor Azucena Mecalco Arte y Diseño Evelin Montiel Azucena Mecalco Diseño Web Evelin Montiel México Distrito Federal 21 de diciembre de 2012
Contenido En portada: Tim Burton
El cine también se escucha: Danny Elfman
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Del papel a la pantalla: Un cuento de Navidad
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Tesoros fílmicos: The shining
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La mente maestra: Tim Burton
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Maestros del terror: Los gremlins
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El remake: Black Christmas
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Había una vez: Del documental a la ficción
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Top Five: De la Navidad y la sátira
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En cartelera
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El cine también se escucha
DANNY ELFMAN De Los Simpson al país de las maravillas
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a música es sin duda alguna una herramienta fundamental dentro del cine. Su función principal es la de transportar al espectador más allá de las fronteras de la imaginación, y situarlo en el universo imaginario que intenta crear el director. Así como el guionista plasma sus ideas en papel, el camarógrafo las captura a través de la lente de su
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cámara o el actor las forja con su interpretación, el compositor lo hace a través de la música. Cada acorde tiene un significado y una asociación que hace memorable una melodía. Por ejemplo, ¿quién no recuerda La marcha imperial, de John Williams, que hacía que se te erizara la piel al saber que Darth Vader estaba presente? ¡Vamos!, que incluso My hearth will go on de Celine Dion te hace pensar de in-
Por Azucena Mecalco
mediato en: “Jack vuelo” y trae a tu mente la imagen de Kate Winslet en la proa del inmenso barco, con Dicaprio a su espalda. Y qué decir de melodías como Gonna Fly Now, de Bill Conti que apenas al iniciar te recuerda la cara de Rocky. Podríamos nombrar cientos de melodías y cada una de ellas acarrearía consigo una imagen conocida de alguna producción cinematográ
fica, que independientemente de su calidad visual o argumental ha dejado huella en las personas gracias a sus entrañables bandas sonoras. Pero detrás de cada melodía existe un interprete, un director, una orquesta y desde luego, un compositor. Y ya que este número se ha enfocado principalmente en el celebre Tim Burton, por qué no hablar de Danny Elfman, compositor y actor que ha colaborado con el excéntrico director en más de un proyecto.
La carrera del estadounidense comenzó cuando éste se unió al proyecto teatral The Mystic Knights of Oingo Bongo junto con su hermano, gracias a lo cual realizaría en el año de 1980 la música para Forbbiden Zone, sin embargo, el alcance de este trabajo se limitó a un ámbito un tanto local. No fue sino hasta 1985 que entró en contacto Burton, quien tras haber realizado trabajos en corto y medio metraje buscaba realizar su primera
película. Elfman aceptó colaborar con él y desde ese momento ha realizado casi todos los Soundtracks para las películas de Burton. Elfman cuenta con la magnifica capacidad para traducir con música los ambientes góticos y surrealistas que crea la mente de Burton. Tanto director como compositor se han acoplado perfectamente mostrando películas con innovadoras bandas sonoras como la de Corpse bride en donde además prestó su voz para interpretar al emblemático personaje de Bonejangles, o Edward Scissorhands, en donde la música te envuelve a la perfección en el ambiente de misticismo y nostalgia que encierra todo el film. Mas, la carrera de Elfman no se limita únicamente a sus colaboraciones con Burton. En realidad sus composiciones son tan vastas, que hoy en día es considerado uno de los compositores más reconocidos y ha sido candidato a premios como el Globo de Oro por la música de El cadáver de la novia y al Óscar por la banda sonora de la afamada película Men in black de Barry Sonnenfeld. Elfman se ha caracterizado por crear música para todo tipo de films, tal es el caso de Milk, protago
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nizada por Sean Penn, Hulk de Ang Lee o La sintonía de los Simpson, para la famosa serie de televisión. Además, ha participado también prestando su voz para personajes como los Oompa Loompa y actuado en cintas como The Gift a lado de Cate Blanchett y Keanu Reeves. Sus trabajos son una muestra latente de
Run, Martin Brest) 1988 Cuentos de la cripta (Tales From the Crypt, Paul Abascal y Gilbert Adler) 1989 Batman (Batman, Tim Burton) 1989 Darkman (Darkman, Sam Raimi) 1989 Razas de la noche (Night Breed, Clive Barker) 1990 Dick Tracy (Dick Tracy, Warren Beatty) 1990 El joven manos de tijeras (Edward Scissorhands, Tim Burton) 1990 El ejercito de las tinieblas (Army of Darkness, Sam Raimi)1992 Paro clínico (Article 99, Howard Deutch) 1992 Batman Regresa (Batman returns, Tim Burton) 1992 El extraño mundo de Jack (Nightmare Before Christmas, Henry Selick) 1993
la importancia de la música dentro del cine y como ésta se vuelve parte no sólo de las imágenes proyectadas en pantalla, sino también de la vida del espectador. Entre sus trabajos más importantes se encuentran: La gran aventura de Pee-Wee (Pee Wee’s Big Adventure, Tim Burton) 1985 Los fantasmas atacan al jefe (Scrooged, Richard Donner) 1988 Beetlejuice (Beetlejuice, Tim Burton) 1988 Huida a media noche (Midnight
Se busca (Wanted, Timur Bekmambetov) 2008 Hellboy II- El ejercito dorado (Hellboy II- The Golden army, Guillermo del Toro) 2008
Marcianos al ataque (Mars Attacks, Tim Burton) 1996 El indomable Will Huting (Good Will Huting, Gus Van Sant)1997 Hombres de negro (Men in Black, Barry Sonnenfeld) 1997 Un plan sencillo (A simple man, Sam Raimi) 1998 El jinete sin Cabeza (Slleepy Hollow, Tim Burton) 1999 A cualquier otro lugar (Anywhere but here, Wayne Wang) 1999 Hombre de Familia (The family Man, Brett Ratner) 2000
El hombre araña (Spider-Man, Sam Raimi) 2002 Hombres de negro II (Man in black 2, Barry Sonnenfeld) 2002 El gran pez (Big fish, Tim Burton) 2003 Hulk (Hulk, Ang Lee) 2003 El hombre araña 2 (Spider-man 2, Sam Raimi) 2004 Charlei y la fábrica de chocolate
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El cadáver de la novia (Corpse of bride, Tim Burton) 2005
Eclipse total (Dolores Claiborne, Taylor Hackford) 1995
El planeta de los simios (Planet of apes, Tim Burton) 2001
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(Charlie and the chocolate Factory, Tim Burton) 2005
Mi nombre es Harvey Milk (Milk, Gus Van Sant) 2008 Terminator- La salvación (Terminator Salvation, Mc G) 2009 Destino: Woodstock (Taking: Woodstock, Ang Lee) 2009 El hombre lobo (The wolfman, Joe Johnston) 2010 Alicia en el país de las maravillas (Alice in Wonderland, Tim Burton) 2010 Hombres de negro III (Men in black 3, Barry Sonnenfeld) 2012 Sombras tenebrosas (Dark Shadows, Tim Burton) 2012
Del papel a la pantalla
Un cuento de navidad Historias que traspasan fronteras Por Azucena Mecalco
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PREFACIO Con este fantasmal librito he procurado despertar al espíritu de una idea sin que provocara en mis lectores malestar consigo mismos, con los otros, con la temporada ni conmigo. Ojalá encante sus hogares y nadie sienta deseos de verle desaparecer. Su fiel amigo y servidor, Diciembre de 1843 CHARLES DICKENS PRIMERA ESTROFA EL FANTASMA DE MARLEY Marley estaba muerto; eso para empezar. No cabe la menor duda al respecto. El clérigo, el funcionario, el propietario de la funeraria y el que presidió el duelo habían firmado el acta de su enterramiento. También Scrooge había firmado, y la firma de Scrooge, de reconocida solvencia en el mundo mercantil, tenía valor en cualquier papel donde apareciera. El viejo Morley estaba tan muerto como el clavo de una puerta. ¡Atención! No pretendo decir que yo sepa lo que hay de especialmente muerto en el clavo de una puerta. Yo, más bien, me había inclinado a considerar el clavo de un ataúd como el más muerto de todos los artículos de ferretería. Pero en el símil se contiene el buen juicio de nuestros ancestros, y no serán mis manos impías las que lo alteren. Por consiguiente, permítaseme repetir enfáticamente que Marley estaba tan muerto como el clavo de una puerta.
Directamente de la pluma del inglés Charles Dickens presentamos A christmas Carol, mejor conocido como: Un cuento de Navidad. La novela original fue escrita en el año de 1843, y fue adaptada por primera vez para el cine en 1901 por Walter R. Booth, y a partir de ese momento ha sido llevado a la pantalla por diversos directores y también ha sido parodiada por otros, entre ellos Richard Donner en Los fantasmas atacan a jefe y desde luego no podía faltar la parodia de Los Simpson. El cuento fue tan popular que en la época del cine mudo incluso se realizó una serie de cintas dirigidas por afamados directores como: Leedham Bantock (1913), Harold M. Shaw (1914), George Wynn (1922) y Edwin Greenwood (1923).
(Charles Dickens, Un cuento de Navidad, 1843) La trama de Un cuento de Navidad gira en torno a la vida de Ebenezer Scrooge, un hombre tacaño y amargado que no se preocupa por nada que no sea el dinero. Un día en víspera de Navidad, Scrooge, quien debido a su adicción al trabajo no celebra las fiestas Decembrinas recibe la visita de tres fantasmas: el fantasma de las Navidades pasadas, Navidades presentes, y claro, Navidades futuras. Éstos le muestran la miseria y los problemas a los que se
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enfrentan las personas debido a su comportamiento y le enseñan las consecuencias de su forma de actuar. Gracias a la intromisión de los fantasmas, el viejo Scrooge, aprenderá una valiosa lección. Así tras un análisis minucioso de su propia vida y su comportamiento, el hombre se dará cuenta de que existen cosas mucho más importantes que el dinero y lo material y de cuánto ha perdido a lo largo del tiempo. Lejos de intentar dar una lección de vida, Dickens creó una historia que recibió la aceptación del público principalmente porque mostraba una visión optimista y alegre en un momento en el que la sociedad inglesa se sumergía en el caos con las diferentes transiciones en el aspecto político, social y económico. Posteriormente y tras comprobar la aceptación en el público, los directores de teatro y cine se dieron a la tarea de llevarla a las salas a través de diferentes adaptaciones en las que modificaban la historia para acoplarla a cada época. Entre las versiones más destacadas se encuentra la del director Hugh Croise, filmada en 1928. Esta versión es importante debido a que fue la primera película hablada basada en la historia de Dickens. Pero no
sólo Hollywood ha hecho adaptación de esta historia, puesto que existen también versiones como la del español Manuel Tamayo, en 1947, llamada Leyenda de Navidad. Sin embargo, y pese a la cantidad de películas que se han realizado, la crítica todavía considera Cuento de Navidad de Dickens, de Brian Desmond (1951) como una de las mejor logradas gracias a la soberbia actuación de Alastir Sim en el papel de Scrooge.
Así mismo, se han realizado adaptaciones radiofónicas, musicales, obras de teatro y se han lanzado también infinidad de productos con relación a la obra que se considera responsable de revivir el espíritu navideño de los ingleses.
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Tesoros fílmicos
The Shining El sueño de la razón produce monstruos Goya Por Azucena Mecalco
A 22 años de su estreno El resplandor de Kubrick está más presente que nunca. La belleza de su fotografía, las increibles actuaciones y el trabajo de uno de los directores más importantes de la historia del cine, se conjugan en esta cinta que se ha convertido en una joya cinematográfica irremplazable. 10
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ack Torrance es un escritor de edad madura quien se encuentra imposibilitado para escribir una novela pues ha perdido la inspiración. Para poder mantener a su familia, pero sobre todo para conseguir un poco de paz que le permita concentrarse, decide aceptar el puesto de guardia en el viejo hotel Overlook. Situado entre las montañas de Colorado, el hotel cuenta con la particularidad de quedar
mente cuerdo y dueño de sí, decide aceptar el puesto y se muda allí con su esposa Wendy y su hijo de cinco años Danny, quien cuenta con una capacidad especial para percibir lo que al parecer no esta ahí. Pero lo que Jack no sabe es que el hotel guarda un siniestro misterio del cual no se podrá librar ni él ni su familia.
completamente aislado del mundo durante el invierno a causa de la densa nieve. Por lo tanto desempeñar el puesto de guardia resulta una difícil tarea que de acuerdo con Ullman, el administrador del hotel, fue la causante de enloquecer al guardia anterior y conducirlo a un estado esquizofrénico en el que asesinó a toda su familia.
Shining, mejor conocida en Latinoamérica como: El resplandor. Dirigida por el genio cinematográfico Stanley Kubrick en el año de 1980, y protagonizada por el que una vez fuera considerado el galán eterno de Hollywood, Jack Nicholson, la cinta se encuentra entre las consideradas joyas de la cinematografía, no sólo por las excelentes actuaciones de actores como: Danny Lloyd (Danny) y Scatman Crothers (Hallorann),
Jack, quien se considera completa-
Esta es básicamente la trama de The
quienes lograron capturar perfectamente la esencia de sus personajes, para transmitirle al espectador toda una serie de emociones con las que se sintiera identificado y como parte de la trama; sino también por la magnifica adaptación del libro de Stephen King y la belleza de las incomparables tomas realizadas por John Alcott bajo la visión única de Kubrick quien era capaz de traducir en imágenes a través de la cámara
todo aquello que pasaba por su mente, creando una atmosfera perfecta para cada una de sus cintas. El lanzamiento de la película representó un enorme reto, no sólo durante el proceso de preproducción, en donde como todos los filmes del director, los colaboradores realizaron un arduo trabajo para cumplir con las expectativas de éste, sino incluso después, cuando al salir a las pantallas no fue bien
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acogida por el público e incluso fue nominada a los Golden Raspberry.
Pero no sólo el personaje interpretado por Nicholson fue difícil de encontrar. Detrás de cada uno de los actores existe una pequeña historia que ha llegado a crear una leyenda. Estas leyendas contribuyen a incrementar la fama de Kubrick como un director exigente e inhumano, que llevaba al limite a sus colaboradores con tal de obtener el mejor resultado. Como es sabido el director se empeñaba en repetir una escena en incontables ocasiones hasta conseguir el efecto que buscaba, aunque a veces incluso utilizaba la primera toma realizada.
Al inició se habían considerado una serie de nombres famosos entre los que destaca el de Robert De Niro para el papel de Jack. Sin embargo, al director le parecía que la actuación de éste era demasiado exagerada y que no logaría encarnarlo adecuadamente. Tras un análisis de los otros elegidos para llevar a la pantalla al protagonista, se decidió que el indicado era Nicholson, pese a la oposición de King de utilizarlo para el papel.
Durante el rodaje de El resplandor sometió a Nicholson y a Shelley
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Duvall a la tortuosa tarea de repetir tomas perfectas porque quería que sus expresiones de desesperación, terror o angustia no fueran meras actuaciones. Escenas como aquel-
la en la que aparece Jack gritando tras la puerta: “¡Aquí esta Jack!” (“¡Here is Johnny!”) fue grabada aproximadamente 157 veces. Esta situación recuerda, desde luego, el caso de David Prowse, conocido por su interpretación como Darth Vader, y quien durante el rodaje de La naranja mecánica se vio sometido a repetir la escena en la que llevaba en brazos a Mister Alexander hasta satisfacer al director.
han creado en torno a la figura de Kubrick y sus excentricidades, The shining, es una obra maestra del cine en todos lo sentidos, desde el aspecto técnico, visual y argumental hasta los más nimios detalles relacionas con la actuación y la música fueron cuidados perfectamente. Y pese a la poca aceptación del film en un inicio, con el paso del tiempo se ha convertido, como todos los trabajos del director, en una película que no puede dejarse pasar. La banda sonora estuvo a cargo de Wendy Carlos y Rachel Elkind, quien ya había trabajado con Kubrick durante el rodaje de La naranja mecánica. Así mismo, el director realizó su intervención en este sentido, eligiendo melodías de artistas como Berlioz o Bartók, pues como se sabe, antes que composiciones originales, el director prefería a los clásicos. Por otra parte, al finalizar el rodaje
el mismo Kubrick autocensuro la cinta por considerar que la última escena confundiría al espectador e incrementaría las dudas del argumento dejando algún vacío en la trama. Finalmente se realizaron versiones de distintos tamaños para su lanzamiento. Aunque la versión original dura aproximadamente 146 minutos, en Estados Unidos se comercializó una de 144 y en Europa una de 115.
la cinta en su totalidad, pese a la oposición y crítica que sufrió en su estreno, han pasado ya a la historia como una e las mejores películas de terror de todos los tiempos. Ficha técnica Nombre: The shining Año: 1980 Genero: terror Duración: 146 minutos Director: Stanley Kubrick Guión: Stanley Kubrick y Diane Johnson basado en el libro homónimo de Stephen King Música: Wendy Carlos y Rachel Elkind Fotografía: John Alcott
Pero sin importar la duración de ésta, las actuaciones, el director y
Actuación: Jack Nicholson, Shelley Duvall, Danny Lloyd, Scatman Crothers, Barry Nelson, Philip Stone
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La mente maestra
Su Ăşltimo trab ha sido nomin a mejor pelĂc Golden
Tim Burton
bajo, Frankenweenie nado en la categoría cula animada en los n Globe 2013
Por Evelin Montiel
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us obras podrían considerarse fantásticas, cómicas, dramáticas, divertidas, futuristas o extravagantes; sin embargo, lo oscuro y lo gótico es lo que desde los inicios de su carrera ha caracterizado a su trabajo y a él mismo. Definitivamente hablar de Tim Burton es referirnos a una de las mentes más creativas e ingeniosas que tiene el cine actualmente, es hablar de una mente maestra. Tim Burton nació en Burbank el 25 de agosto de 1958. Su infancia no fue como la de otros chicos, en lugar de unirse a la liga de béisbol o vender limonada pasó su tiempo dibujando, viendo viejas películas de terror y disfrutando la lectura de las obras de Edgar Allan Poe. Tales influencias tempranas, sin duda ayudaron a formar la sensibilidad deliciosamente macabra e ingeniosamente retorcida de un director que fue dado a conocer por su visión decididamente poco convencional. En 1980, comenzó a trabajar como aprendiz en los estudios animados de Disney, donde colaboró en el proyecto The Fox and Hound, sin embargo su ideal no era trabajar dibujando zorros lindos y felices, él buscaba algo más oscuro y original, así que en 1984 presentó a los estudios su cortometraje titulado: Frankenweenie, el cual Disney rechazó por considerarlo inadecuado para los niños. Al dejar los estudios Disney, otras oportunidades se presentaron y fue así como llegó al proyecto La gran aventura de Pee-Wee, en 1985. A este éxito le sobrevino Beetlejuice, en 1988, en el cual dio un gran giro a su trabajo y por primera vez dejó ver las creaciones fantásticas que lo habían mantenido despierto hasta tarde cuando niño. Posteriormente sus trabajos cobraron un espíritu más sombrío y cargados de un humor ácido. Su estilo es muy visual
rayando algunas ocasiones en lo mórbido, dejando ver su afecto por los monstruos y los inadaptados que en sus películas a menudo resultan ser lo mismo. El legado de Burton es largo. Entre sus películas más importantes destacan cintas como: Batman, The Nighmare Before Christmas, Mars Attack, Ed Wood, Edward Scissorhands , Sleepy Hollow, Corpse Bride, Alice in Wonderland entre otras. Cabe destacar que estas últimas fueron protagonizadas por Johnny Depp con quien mantiene una estrecha relación desde su primera colaboración juntos. Son ocho las cintas en las que Johnny ha sido dirigido por Burton, y en el mundo cinematográfico esta dupla ya es traducida como sinónimo de éxito taquillero. Recientemente se presentó en las salas cinematográficas Frankenweenie, su viejo cortometraje, remasterizado en una versión en stop motion que causó bastante aceptación e incluso ya ha sido nominada como mejor película animada para los Golden Globe 2013. Sin duda Burton ha marcado un hito en la cinematografía y aunque algunos críticos afirman que su trabajo se ha visto afectado por la recreación totémica de su infancia, que le acarreó éxitos taquilleros pero denotó en él una falta de creatividad, no se puede negar que sus creaciones son únicas y su estilo gótico así como el afán por representar siempre al personaje solitario y sombrío es lo que le ha dado un sello personal. Tal como lo han hecho otros cineastas de la talla de Kubrick, Copola, Tarantino o Hitchcock, cuyo estilo no puede más que compararse con el del escritor que al leerse se sabe qué se espera de él, hoy día nos es fácil ubicar su trabajo por los elementos que utiliza y por la narrativa cinematográfica de la que gusta, de ahí que tenga miles de seguidores.
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El universo de burton
El pasado 12 de diciembre se inauguró una exposición en el Museo de Arte de Seúl (SeMA) en la que se presentaron cerca de 860 creaciones del director. En la exhibición se destacan esculturas, bosquejos y dibujos, pinturas, máscaras de la mayoría de sus obras audiovisuales que incluye cortometrajes, comerciales, libros y películas, entre ellas su más reciente producción: Frankenweenie. La exposición ya fue montada en Nueva York, Toronto, Los Ángeles, Melbourne y París.
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Maestros del terror
LOS GREMLINS No todo es lo que parece En términos de clasificación, el cine es una situación compleja, no todo el mundo comparte las mismas categorías de comedia, romance, arte o terror. El terror es un genero complicado porque su tarea es envolver al espectador y conducirlo a experimentar sus miedos más temibles a través de las imágenes que se proyectan en la pantalla.
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Es por ello que si hablamos de cintas de terror la lista sería interminable. Ahora, si tratáramos sobre películas de terror con temática navideña la lista quizá se reduciría un poco. Pero si a esta descripción sumamos además: películas de terror con temática navideña que resulten entretenidas y que hayan marcado una época la lista se vuelve casi inexistente. Durante los años 80, cuando el cine de terror se encontraba en el apogeo de las cintas de temáticas adolescentes con asesinos seriales de ultratumba como protagonistas de las más grandes pesadillas, y sólo unos pocos se atrevían a desafiar la formula de Carpenter con su Halloween, surgió una película
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que si bien no se puede caracterizar por ser la cinta más terrorífica de la década si se volvió una película popular que rompió con el clásico esquema del asesino que aterrorizaba a los indefensos jóvenes estadounidenses: los Gremlins
Esta película narra la historia de Billy, un
chico común y corriente que vive su igualmente común vida hasta que recibe un extraño regalo de navidad de su padre: un mogwai, que consigue en una misteriosa tienda en el Chinatown de Nueva York. Criar un mogwai no es una tarea complicada, sin embargo existen algunas restricciones: no exponerlo a la luz, no darle agua y menos mojarlo y la más importante, no darle de comer después de la media noche. Pero como en toda película de terror, si no se rompen las reglas no hay argumento, así que por accidente un amigo de Billy moja a Gizmo (mote con el que nombraron a la misteriosa criatura), lo que provoca el nacimiento de nuevas criaturas, que a diferencia de Gizmo se comportan de manera extraña y hasta agresiva. Mas las cosas no terminan ahí, pronto Rayita, uno de los nuevos mogwai, consigue que Billy los
alimente después de la media noche, lo que provoca una extraña mutación en las adorables criaturas que las transforma en extraños monstruos conocidos como Gremlins, que comienzan a aterrorizar el pequeño poblado. Dirigida por Joe Dante y apadrinada por Kathleen Kennedy, Frank Marshall y Steven Spielberg, quien además contó con el cargo de productor ejecutivo, la película con guión de Chris Columbus, mejor conocido por dirigir Mi pobre angelito y más recientemente las dos primeras cintas de la saga de Harry Potter, se posicionó rápidamente en el gusto del público, convirtiéndose en un éxito en las taquillas de 1984. Aunado a ello, la cinta se hizo merecedora al premio Saturn por el diseño y creación de los mogwai realizado por Chriss Wallas. Sin embargo, un pequeño sector del público protestó debido a que la película, que se anunciaba como apta para todo público, contenía
escenas demasiado violentas para los niños, lo que creo una reacción de inconformidad por la cual la Asociación Americana de Cineastas se vio obligada a cambiar la clasificación de las películas. Mas ello no desestimo los 12.511.000 dólares recaudados por la cinta el tiempo que duró su exhibición en las pantallas. Prueba de ello son los múltiples premios a los que estuvo nominada: mejor película de terror, música, director, efectos especiales y actriz de reparto. En el año de 1990 se realizó una secuela Gremlins 2: The new batch, la cual también sería dirigida por Joe Dante, pero escrita por Charles S. Haas. Mas esta versión no fue tan bien acogida por el público y el resultado se vio reflejado en las ganancias en taquilla. Tanto para la primera parte como para la secuela la música corrió a cargo de Jerry Goldsmith, quien ha participado en grandes producciones como La profecía, Star Trek o Mulan.
Si tiene oportunidad en estas vacaciones no puede perderse esta película y si ya la vio, no está de más echar una mirada atrás para recordar una cinta que marcó época y se atrevió a mostrar un formato en el que se mezclaba el terror y la comedia de manera perfecta, demostrando que no siempre se necesita un asesino serial para mantener al espectador al borde de su asiento. Ficha técnica Título: Gremlins Género: terror y comedia Año: 1984 Director: Joe Dante Productor: Michael Finnel, Steven Spielberg, Frank Marshall, Kathleen Kennedy Guió: Chris Columbus Música: Jerry Goldsmith Actores: Zach Galligan, Phoebe Cates, Hoyt Axton, Frances Lee McCain, Dick Miller, Polly Holliday
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El remake
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a que nos encontramos en la temporada navideña, hemos decidido dedicar esta sección a Black Christmas, que lejos de hablar del espíritu navideño llega a romper los cánones de la temporada y nos presenta una historia de terror y suspenso. Esta cinta canadiense se estrenó en 1974 y fue dirigida por Bob Clark, en ella se narra la historia de un grupo de universitarios que debe hacer frente a un asesino en serie que acecha en su residencia estudiantil.
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La película protagonizada por Olivia John Hussey, Keir Dullea, Margot Kidder, Andrea Martin, Marian Waldman y John Saxon, se inspiró en una leyenda urbana estadounidense llamada La niñera y el hombre de arriba, así como en una serie de asesinatos que tuvieron lugar en Quebec. El argumento gira en torno a unas chicas que habitan en una fraternidad y la acción comienza cuando una de ellas es asesinada por un hombre misterioso, quien oculta su cadáver en el ático, lugar en el que acecha a las otras habitantes de la casa que celebran la víspera de navidad. El filme fue todo un éxito y planteó las bases del género slasher, que se distinguen por ofrecer a un misterioso villano/asesino que acecha a sus víctimas. Ejemplo de este género se encuentran cintas como Psycho, A nightmare on Elm Streat, Friday the 13th, I know what you did last summer, Freddy vs Jason, Halloween entre otras. Incluso llegó a pensarse que John Carpenter, director de Hallowen (1978), tomó muchos elementos de esta cinta y quedó tan prendada de
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ella que se ofreció para dirigir una secuela de Black Christmas. Sin embargo no fue hasta el 2006 cuando un remake de la cinta vio la luz gracias a Glem Morgan, quien se encargó del guión y la dirección. La nueva cinta fue protagonizada por Katie Cassidy, Mary Elizabeth Winstead, Crystal Lowe, Oliver Hudson y Andrea Martin. En esta ocasión la historia se centra en un grupo de hermanas en una fraternidad que son acechadas por un asesino en serie en la víspera de navidad. El film a diferencia de su predecesora, fue recibido con muchas críticas religiosas debido a la insistencia del director a que su estreno se llevara a cabo el día de navidad y al hecho de que a los críticos la clasificaron como una cinta poco creativa y en la que la sangre y el gore eran latentes, aportando así nada nuevo a la versión de 1974. Pese a ello, su estreno se llevó a cabo de acuerdo a lo previsto: el 25 de diciembre de 2006 recaudando un total de 16 millones en Estados Unidos, lo que la coloca en el remake slasher más taquillero por encima de: Cuando llama un extraño (2006), Halloween (2007), Una
noche para morir (2008), My Bloody Valentine 3D (2009) y Pesadilla en Elm Street (2010). Black Christmas no es la mejor película slasher que se haya visto, pero no cabe duda que forma parte de las más importantes desde un punto de vista histórico y ello no puede pasarse por alto. En esta temporada de vacaciones, eche un vistazo a estas propuestas alternativas para la temporada y recuerde que los regalos de navidad no son las únicas cosas escondidas en el ático. Ficha técnica Título: Black Christmas Director/Productor: Bob Clark Guión: Roy Moore Género: Terror/ Slash Actuaciones: Olivia Hussey (Jessica Bradford), Keir Dullea (Peter Smythe), Margot Kidder (Barbie Coard), Andrea Martin (Phyllis Carlson), John Saxon (teniente Kenneth Fuller), Marian Waldman (señora Mac), Art Hindle (Chris Hayden) País: Canadá Año 1974
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Del documental a la ficción
UNA DE LAS FORMAS MÁS SOCORRIDAS EN EL CINE Y DE LAS QUE MÁS CREAN CONFLICTO AL DEFINIRLAS ES EL CINE DOCUMENTAL, SIN EMBARGO ÉSTE HA SENTADO ALGUNAS BASES DEL CINE DE FICCIÓN QUE SE CONOCE ACTUALMENTE.
necesidades de la época, y a las invenciones tecnológicas que le permiten emplear técnicas cinematográficas que rebasan las expectativas, produciendo así en el espectador nuevas sensaciones y una manera diferente de apreciar el cine. Ejemplo de ello es el cine documental que ha sabido sortear todos estos cambios aprovechándolos para crear nuevas técnicas narrativas.
Los inicios del documental Una de las formas más socorridas en el cine y de las que más crean conflicto al definirlas es el cine documental. Si intentamos definir lo que es un documental, con seguridad no podríamos llegar a una definición acertada. Con el paso del tiempo, los parámetros se van ampliando y las nuevas generaciones continúan con la misma discusión; sin embargo, lo que sí resulta contundente es que el espíritu del documental, ya sea como herramienta de crítica social, de expresión individual o netamente histórico es que explora personas y situaciones reales.
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l arte nos permite conectar emocionalmente la vida con las situaciones que ésta nos presenta, así como con temas que de otra manera seguirían siendo extraños para nosotros. Entonces se puede decir que el arte amplía la perspectiva que tenemos de los hechos y nos permite crear ciertas posturas ante ellos. El cine, como modo de expresión, es más reciente que otras formas de arte y sin duda gracias a él somos capaces de conocer lugares, situaciones y personajes más allá de nuestra imaginación. Por ejemplo, aunque los hechos de la II Guerra Mundial, que podríamos considerar
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distante en el tiempo, no han cambiado, la perspectiva que de ellos tenemos sigue en proceso de modificación. La imagen monolítica de la Alemania nazi está continuamente sometida a nuevas apreciaciones. En obras como Das Boot, de Wolfgang Petersen, Signs of Life, de Werner Jerzog, o La lista de Schindler, de Steven Spielgberg, podemos llegar a apreciar trazos aislados de normalidad e incluso de humanidad y nos dan una versión del Tercer Reich peligrosamente humana pero no menos espantosa. Sin embargo, el lenguaje cinematográfico continúa en constante evolución, se adapta a las nuevas
Nanook el esquimal fue el título del primer documental en la historia, realizado por Robert Flaherty en 1922, en el cual intentó mostrar “el antiguo carácter majestuoso de estas personas mientras ello aún fuera posible, antes de que el hombre blanco destruyera no sólo su cultura, sino también el pueblo mismo”. Este trabajo le llevó a Flaherty dos años y medio de grabación en los cuales convivió directamente con un cazador y pescador que encarna al personaje de Nanook (su verdadero nombre era Allakariallak), y con su familia, pero el éxito de Flaherty radica en añadir elementos de ficción que atrajeron el interés del público, asumiendo implícitamente su renuncia a la realidad inasible bajo esta misma temática. Cuando el invento de la cámara portátil, aparecieron nuevas técnicas fílmicas y la técnica creada por Flaherty fue adaptada por otros do-
cumentalistas como Dziga Vertov quien creó la teoría del cine ojo la cual busca a través del lente del cinematógrafo, captar las acciones de la vida, la cámara capta fragmentos de la realidad que escapan al ojo humano y, por ello, la fusión entre dicha realidad y el cine es la base de su investigación estética. “Montar y arrancar a la cámara lo que tiene de más característico, organizar los fragmentos filmados, arrancados de la vida, en un orden rítmico visual cargado de sentido. Así lo demostró con El hombre de la cámara que muestra un día en la vida de un operador soviético, dedicado a filmar una ciudad soviética desde el amanecer hasta la noche. Este documental se convirtió en un híbrido entre la técnica y la poética, entre una mirada reflexiva de una ciudad industrial, mediante los planos en las fábricas y de los dispositivos mecánicos. La evolución del documental continúo, así como los géneros de ficción, se crearon varias clasificaciones de acuerdo a la técnica documental empleada en los filmes, desde el cine ensayo hasta el found footage. La primera película que dirigió Woody Allen fue What’s Up, Tiger Lily, él creó esta película a partir de otra japonesa, trastocó el orden de muchas de las partes y cambio el sentido de la película al doblarla al inglés. El resultado: Woody Allen consiguió crear una nueva trama que no tiene nada que ver con la de la película original. A esto se le conoce como técnica found footage. Estas son películas construidas a partir de otras, las hay de varios tipos, desde aquel autor que encuentra una película familiar antigua y la usa tal cual, aquellos que modifican directamente el fotograma rayándolo o quemándolo y por último los que hacen un nuevo montaje como Woody Allen.
archivo para la conformación de una nueva obra, convirtiéndose así en un trabajo de carácter híbrido donde se conjugan el amateurismo con lo artístico, lo real con lo ficticio, los registros de momentos familiares y domésticos con documentos históricos, lo documental teñido de subjetividad, imágenes publicitarias cargadas de una mirada irónica o crítica etc. Con la llegada de las nuevas formas de cine documental, la línea entre lo real y la ficción comenzó a trastocarse y algunos cineastas empezaron a emplear la técnica documental en los trabajos de ficción. Esta técnica, que equívocamente fue considerada Found Footage, en un inicio fue popularizada con el metraje The Blair Witch Project, en el que se narraba una historia de un personaje de leyenda de terror y que fue llevada al cine bajo la clasificación de falso documental. El uso intensivo de la cámara de mano, el poco presupuesto empleado en estas producciones independientes y el impacto que causaba en el público el efecto de realismo documental, terminó por popularizar la técnica y en décadas recientes comenzó cada vez más a ser utilizado por cineastas involucrados en la producción de grandes estudios. Recientemente Paranormal Activity, Rec, Emergo, Chernobyl entre otras, son algunos ejemplos de producciones que adoptaron la narrativa de falso documental. Aunque la historia del falso documental se remonta una época anterior, en el momento que Orson Welles dio lectura a La guerra de los mundos en un programa radial, no cabe duda que es ahora cuando cobrado más fuerza este género.
Esta es una técnica usada en el cine documental, y emplea material de
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Top five
De la Navidad y la sátira Por Azucena Mecalco
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a Navidad es uno de los temas más explotados en todos los sentidos. Apenas se acerca octubre cuando las tiendas comienzan a abarrotarse de adornos, promociones, regalos, y toda clase de fruslerías relacionadas con el tema. Y ni hablar de las campañas que se extienden en televisoras y radiodifusoras para apelar a los buenos sentimientos y solicitar donaciones a favor de causas “nobles”. La gente comienza a verlo todo en colores rojos, blancos y verdes. Las luces saturan las calles adornando árboles o enormes figuras de personajes emblemáticos como Rodolfo el reno, Santa Claus, y para los más tradicionales Los reyes magos.
El grinch, 2000 Universal
Se producen afiches, postales, envoltorios para regalo y hasta ropa interior con motivo de las fiestas navideñas. Son tantos los artilugios que nos recuerdan la época que muchas personas llegan a sentirse saturadas de las fiestas antes de que éstas comiencen realmente. El cine, desde luego no es la excepción. En realidad, la industria cinematográfica como todas las
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demás industrias, aprovecha esta temporada para exhibir cintas relacionadas con la época. Filmes como: Scrooge, Milagro en la calle 34, El joven manos de tijeras, El expreso polar y un sin fin más, son una muestra evidente de que también en el cine la navidad vende. Las películas creadas para esta temporada son tantas y tan variadas que aun si quisiéramos verlas todas no terminaríamos con ellas ni en todas nuestras navidades. Incluso si estás en contra de la Navidad y todo el sistema comercial que la envuelve, y que rompe con todos los esquemas que se supone debería representar para las personas, terminas más envuelto en ella que el Grinch, otra película apta para la época y que ha sido llevada a la pantalla en todas las versiones imaginables y en las no imaginables también. Pero como en todas las situaciones existen personas que aprovechan cada momento para echar a volar su ingenio, y crear sátiras para hacer mofa de todos aquellos absurdos en los que cae la gente en estas festividades y que al parecer no notan al estar inmiscuidos en estos, pero que no pueden negar al verlos representados de formas curiosas y hasta ridículas.
South Park, Braniff Productions
Es por ello que en esta ocasión el tema del Top five es: las mejores sátiras navideñas. Y para reducir la lista nos enfocaremos en un programa de televisión que se ha caracterizado desde sus inicios por mostrar una visión crítica frente a todos los temas y gracias a ello a alcanzado una popularidad tan grande que después de más de 20 años continúa vigente en el gusto del público, pues ha sabido adaptarse a los cambios que se viven y mostrar refrescantes formas de humor negro sin recurrir a la violencia o vulgaridad explicita como el caso de South Park y otros programas con la misma línea: Los Simpson.
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He aquí una lista de 10 capítulos divertidos de los Simpson en lo que realizan sátiras navideñas: El pleito antes de Navidad The fight before Christmas Temporada 22 capítulo 8 http://www.simpsonizados.com/472-22x08-El-Pleito-Antes-de-Navidad.html
Fiestas de un futuro pasado Holidays of the future passed Temporada 23 capitulo 9 http://simpsonizados.com/495-23x09-Fiestas-de-unfuturo-pasado.html
Kill Gil, Volumes I & II Temporada 18 capitulo 9 http://simpsonizados.com/387-18x09-Maten-a-GilVol-I-y-II.html
La decimoquinta temporada `Tis the fiftheenth season Temporada 15 Capítulo 7 http://simpsonizados.com/320-15x07-La-decimoquinta-temporada.html
Historia de Navidad de los Simpson Temporada 17 Capítulo 9 http://simpsonizados.com/365-17x09-Historia-denavidad-de-Los-Simpsons.html
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En cartelera Por Evelin Montiel
El Hobbit: Un viaje inesperado Este mes sin duda la cinta más esperada es la reciente producción de Peter Jackson: El Hobbit, precuela de la trilogía de El señor de los anillos basada en la obra de J. R. R. Tolkien. Su estreno fue el pasado 14 de diciembre y ya encabeza el ranking de las más taquilleras al acumular en su primer fin de se semana cerca de 223 millones de dólares a nivel mundial, según informó la agencia alemana DPA. La historia se centra en la misión que el mago Gandalf y una delegación de trece enanos encargan a Bilbo para recuperar el reino de Erebor, que está bajo el poder del dragón Smaug. Entre su reparto se encuentran Ian McKellen, Martin Freeman, Cate Blanchett, Orlando Bloom, Ian Holm, Christopher Lee, Hugo Weaving y Elijah Wood, a quienes pudimos ver en la trilogía de El señor de los anillos.
El origen de los guardianes Para la época, no podía faltar la cinta de animación que se centra en Santa Claus y otros personajes clásicos infantiles. El origen de los guardianes es una aventura épica y mágica que cuenta la historia de Santa Claus, el Conejo de Pascua, el Hada de los Dientes y Jack Escarcha, quienes unen sus fuerzas para proteger los deseos, las creencias y la imaginación de los niños cuando un espíritu maligno, conocido como Sombra, decide inundar de miedo los corazones de los pequeños. El origen de los Guardianes es una adaptación de la saga de libros juveniles ‘The Guardians of Childhood’ (‘Los guardianes de la infancia’) escritos e ilustrados por William Joyce. David Lindsay-Abaire y Joyce se han ocupado del guion y Peter Ramsey de la dirección, siendo este su primer trabajo para la gran pantalla, previamente se ocupó de la realización de Monstruos contra Aliens: Calabazas mutantes del espacio. En el reparto de voces originales encontramos a actores como Hugh Jackman, Jude Law, Chris Pine, Isla Fisher y Alec Baldwin. Guillermo del Toro figura entre los productores y Alexandre Desplat estuvo a cargo de componer la música original del film.
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En cartelera Una aventura extraordinaria Una aventura extraordinaria es la primera incursión en el cine 3D del director ganador del Óscar Ang Lee quien dirigió El secreto de la montaña. El filme, concebido y filmado en tres dimensiones, relata la experiencia de un joven sobreviviente de un accidente marítimo y su vínculo con otro náufrago: un tigre de bengala. La historia está basada en el best seller de Yann Martel, que por mucho tiempo fue considerada imposible de filmar, pero que Lee ha convertido en una emocionante y audaz combinación de espléndida narrativa con temas poderosos y provocadores. El filme competirá por el Globo de Oro 2013 a la mejor película en la categoría de drama.
Lo imposible Lo imposible es la nueva película del español Juan Antonio Bayona, quien dirigiera El Orfanato en 2007. En esta ocasión presenta un reparto encabezado por intérpretes del calibre de Ewan McGregor y Naomi Watts en una poderosa trama que se basa en la historia real de una familia española. María (Watts), Enrique (McGregor) y sus tres hijos comienzan sus vacaciones de invierno en Tailandia. La mañana del 26 de diciembre, mientras se encuentran todos en la piscina del complejo a orillas del mar, un tremendo tsunami destroza el hotel al mismo tiempo que gran parte de la costa del sudeste asiático. Sin tiempo para asimilar lo incomprensible e inesperado del desastre natural que acaban de sufrir, deberán luchar por la supervivencia y por reencontrarse. En España ya se posicionó como la cinta más taquillera del año al superar los 28 millones de euros.
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