S/ 15.00 SEPTIEMBRE 2018. Nº 23
REVISTA DE MÚSICA
MOTOWN
ALMA Y CORAZÓN SOUL
“NO ME GUSTA PROVOCAR, SINO BUSCAR LO MÁS PURO”
EXCLUSICA ENTREVISTA CON BJORK
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POSTÓN FUNDADOR Felipe Ortiz de Zeballos DIRECTOR Gonzalo Mulanocich
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GERENTE DE ESTRATEGIA DIGTAL E INNOVACIÓN David Reyes Zamora EDITORA Fabiola Leyton INVESTIGACIÓN, ENTREVISTAS Y REDACCIÓN Elda Cantú ASISTENTE DE REDACCIÓN Rosa Chavéz Yacila COORDINADORA FOTOGRÁFICA Romina Vera GERENTE GENERAL Carlos de la Rica
PUBLICIDAD Ads of the world ANALISTA DE PRODUCTO Guido Perona
GERENTE DE GENERACIÓN DE INGRESOS Ernesto Ferrini
FIDELIZACIÓN Y ATENCIÓN AL SUSCRIPTOR Silvana Pulisci suscripciones@se.pe
SUBGERENTE COMERCIAL Sandra Sánchez
DISEÑO Y DIAGRAMACIÓN Fabiola Leyton IMÁGENES Pixabay Pexels PREPRENSA E IMPRESIÓN Futura Av. Pío XII 275 - Surco 3
BJORK
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50 AÑOS DE MOTOWN SÍMBOLO DEL RENACER AFROAMERICANO Y PLATAFORMA INABARCABLE DE TALENTOS
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VANGUARDISTA, TECNOLÓGICA, FOLCLORISTA Y EMOCIONAL. LA ISLANDESA LE CANTA A LA UTOPÍA EN CARNE VIVA
SUBTERRÁNEO
LA PUBLICACIÓN DE UN LIBRO Y UNA EXPOSICIÓN EN EL MAC RECUPERAN LA MEMORIA DE UNA DÉCADA FRENÉTICA, DE CRISIS Y CONTRACULTURA.
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ROCK
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REVIVE LA MECA DEL
EN LOS ÚLTIMOS AÑOS SE HA OBSERVADO UN RESURGIMIENTO DE LA ESCENA DEL JAZZ EN LA
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GUITARRAS LEGENDARIAS DEL ROCK
NADA COMO EL SONIDO DE UNA GUITARRA, NADA COMO LOS MÚSICOS QUE LAS HACEN SONAR COMO NINGÚN OTRO.
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D E T E convertirá en agente libre este año después de la expiración de su contrato con Big Machine.
El servicio puede ofrecer una gran exposición a los artistas sin pedirles nada a cambio, les permite ser propietarias de sus grabaciones.
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“LICENCIAR CONTENIDO NO NOS CONVIERTE EN UNA DISCOGRÁFICA ”.
Con 83 millones de suscriptores , el servicio puede ofrecer una gran exposición a los artistas sin pedirles nada a cambio algo wque las disqueras tradicionales exigen como parte de cualquier acuerdo: ser propietarias de sus grabaciones.
pretende ser dueña de su obra. Se
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Spotify ha pagado adelantos a firmas de representantes y otras empresas que trabajan con artistas que no están con
Daniel Ek, director ejecutivo de la empresa, se aseguró de enfatizar, que ese tipo de acuerdos no significan que Spotify se convertirá en un sello discográfico, algo que prohíben los contratos que sostiene con las grandes disqueras, de acuerdo con personas que conocen los términos de esos convenios.
Taylor Swift es una artista que
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Spotify ofrece a los artistas dos ventajas: tener un porcentaje financiero mayor y ser propietarios de sus grabaciones. Además, los acuerdos no son exclusivos, por lo que son libres de otorgar la licencia de sus canciones a otras empresas de reproducción en continuo, como Apple Music y Amazon.
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las grandes compañías discográficas consideran que la iniciativa de Spotify es una amenaza potencial: un pequeño paso que, a la larga, podría transformar el negocio de la música como lo hemos conocido desde la época del gramófono a manivela. Spotify, una empresa de Estocolmo que cotiza en la bolsa desde abril, ha dado pocos detalles sobre su incursión en el mercado de talentos. No ha revelado con qué artistas ha firmado acuerdos y rechazó hacer comentarios para este artículo.
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una disquera. Por ahora, eso implica contratar a novatos y veteranos que han obtenido el control de sus viejos éxitos.
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A lo largo del año pasado, la compañía de doce años ha firmado discretamente acuerdos directos de licencia con una pequeña cantidad de artistas independientes. Dichos acuerdos les proporcionan una manera de entrar a la plataforma de música en continuo y tener una relación más cercana con la empresa —una ventaja cuando proponen música para sus influyentes
listas de reproducción—, a la vez que les permiten evitar a las grandes disqueras por completo.
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Actualmente, casi todos los artistas que llegan a los primeros lugares de las listas de popularidad, lo logran con la ayuda de uno de los tres conglomerados que controlan cerca del 80 por ciento del negocio: Universal, Sony y Warner.
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SPOTIFY ESTÁ EXPERIMENTANDO CON OTRO ENFOQUE QUE PODRÍA CAMBIAR EL NEGOCIO DE LA MÚSICA DÁNDOLE A LOS ARTISTAS MAYOR CONTROL SOBRE LA MÚSICA QUE PRODUCEN. ESCRITO POR: BEN SISARIO
Los sellos discográficos también han insinuado que no estarán dispuestos a llegar a un acuerdo con Spotify después de que sus contratos expiren a lo largo del 2019.
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“NO ME GUSTA PROVOCAR, SINO BUSCAR LO MÁS PURO” VANGUARDISTA, TECNOLÓGICA, FOLCLORISTA Y EMOCIONAL. LA ISLANDESA LE CANTA A LA UTOPÍA EN CARNE VIVA, EN UN DISCO DONDE SU EXÓTICA VOZ, LAS AVES Y LAS FLAUTAS COMPITEN POR LA BELLEZA. ESCRITO POR: GUILLERMO ESPINOSA
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pesimismo y el dolor por su ruptura sentimental con el artista californiano Matthew Barney, padre de su hija Ísadóra, generaban una opresiva sensación de abandono.
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ay algo impreciso, difícil de definir, siempre que uno se aproxima a la figura y la música de Björk (Reikiavik, Islandia, 1965). La que fuera primero niña prodigio del pop, para luego convertirse en reina absoluta de la vanguardia musical, acaba de lanzar su noveno trabajo en solitario. Un disco que tanto se puede interpretar como antítesis que como continuación de su anterior ‘Vulnicura’ (2015), donde el S
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Utopía’, como ha llamado a su nueva creación –recordemos que compone y canta todos sus temas– es, al contrario, un disco luminoso y etéreo, un homenaje vivo a la naturaleza plagado de sonidos rurales y cantos de exóticas aves. De hecho, muchas canciones mantienen un continuo orquestal, al modo de distintos movimientos de una misma sinfonía, subrayando esa idea de conjunto indivisible. Sometido a unas medidas de R E
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seguridad inauditas para paliar la filtración sufrida por el anterior, que dio al traste con su campaña de promoción, ‘Utopía’ expresa los intereses actuales de la cantante islandesa: el primero, una preocupación sobre el futuro medioambiental. La otra, la fidelidad a sí misma.Y es que Björk no esquiva los temas, pero tampoco abunda en ellos. No insiste en la polémica de los abusos en el mundo del cine, pese a que esos abusos –aunque no específicamente de origen sexual– la apartaran de su incipiente carrera de actriz. Esta fidelidad se traduce de forma extrema en su conocido gusto por las apuestas estéticas radicales: eso que la
ha convertido en la extravagante oficial, por no decir rara avis, del mundo de la música. Su rostro metamorfoseado, abiertamente extraterrestre, vuelve a saludarnos desde la portada. Porque Björk, efectivamente, sigue sin parecer de este mundo.
U T O P Í A Un disco luminoso y etéreo, un homenaje vivo a la naturaleza plagado de sonidos rurales y cantos de exóticas aves. Expresa los intereses actuales de la cantante: el primero, una preocupación sobre el medio ambiente. y la fidelidad a sí misma.
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¿RESPONDE SU PORTADA A ESTA DICOTOMÍA? VUELVE A MOSTRAR SU INTERÉS POR LAS PROPUESTAS ESTÉTICAS EXTREMAS COMO SI FUERA UN PRODUCTO DE UNA METAMORFOSIS CORPORAL, O COMO SI SE HUBIERA MEZCLADO CON OTROS SERES, ¿QUÉ ES LO QUE MÁS LE DIVIERTE DE VERSE ASÍ? Björk: Creo que lo que me lleva a crear estas imágenes es comprender que la colección de canciones que llevo escribiendo los dos últimos años y medio tienen algo en común. Trato de juntarlas todas en una única imagen. Y no, no va solo de mí. Quizá, para ser más precisos, sí va de esa persona que fui en aquel momento, mientras componía las canciones.
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EN SU MÚSICA, SIEMPRE HA EXISTIDO UNA COMUNIÓN ENTRE LA ELECTRÓNICA Y LOS ECOS DE CANCIONES POPULARES ANTIGUAS, DE LA TRADICIÓN DE SU TIERRA. ¿ES ALGO QUE SIEMPRE HA TENIDO EN MENTE, ESTA MEZCLA ENTRE EL PASADO Y EL FUTURO? B J Ö R K:Como cantante comprendo que existe una arquitectura antigua detrás de una buena melodía, algo que siempre ha estado ahí. Mis pilotos de búsqueda de canciones están permanentemente encendidos. La música es algo tan simple pero
tan profundamente grabado en ese ADN atemporal de los humanos… Creo que, cuando tu instrumento principal es la voz, aprendes rápidamente de todas sus debilidades, fragilidades y fuerzas. Para mí, la tecnología significa artesanía, la de mi tiempo, y fantasía. La alimenta más la energía mental que la física. La mente imagina imposibles, y lo que sí resulta súper importante para mí es que todo esté rodeado de arreglos, flautas o cuerdas. Y voces.
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LAS FLAUTAS COMPITEN CON AUTÉNTICOS CANTOS DE AVES. Y CON SU VOZ. ¿PODEMOS INFERIR QUE ES USTED OTRA ESPECIE DE PÁJARO EXÓTICO? BJÖRK: Gracias por el cumplido. En este disco he estado más pendiente del sonido... del aire, de volverlo más etéreo. Vulnicura, el anterior, tenía mucho peso: el dolor que contenía, con esos arreglos de cuerda y mis latidos, lo volvían algo muy pegado al suelo, como tirado, yaciendo en él. En este, al contrario, estaba desesperada por llenarlo todo de ligereza, de aire, de humor. Quería hacer melodías que tuvieran la estructura de una constelación en el cielo. Quería probar que ese lugar, esa utopía, existe.
HAY ALGO TAMBIÉN MUY MÍSTICO EN ESTE ÁLBUM, MÁS QUE EN EL ANTERIOR, ¿CÓMO ENFOCA ESTE MISTICISMO EN SU VIDA? ¿ES UN SENTIMIENTO PAGANO O RELIGIOSO? Ummm... no era del todo consciente, pero ahora que lo dices creo que en este disco me he dejado sanar o vencer por mi cuerpo, o hacer que mi alma creciera de algún modo. Esta vez he tratado de aprender algo de todo lo anterior: no hacerlo por pura voluntad o disciplina, sino confiar en mis células y que ellas me guiaran. Por eso creo que sí, que tiene algo místico. ¿O no es místico creer que hay algo más fuerte que tú, que te cuida, te guía y se encarga de ti?
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HA ESCOGIDO UN TÍTULO MUY SUGESTIVO PARA ESTE ÁLBUM. ¿CÓMO ES LA UTOPÍA CON LA QUE SUEÑA? BJÖRK: No voy a negar que esa ansiosa búsqueda de la utopía por el ser humano me produce una gran curiosidad. Me interesa cómo definimos la utopía, cómo nos gustaría que fuera y cómo hemos tratado de convertirla en realidad. Así que me pregunto cosas del tipo: ‘¿Estaríamos dispuestos a disponer solo de media utopía a condición de que se hiciera real, o esperamos que sea una utopía completa?.
“Creo que, cuando tu instrumento principal es la voz, aprendes rápidamente de todas sus debilidades, fragilidades y fuerzas.”
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“No me gusta predicarle. Los padres somos criaturas complicadas: todo el rato esforzándonos para hacerlo bien, cuando el mejor ejemplo que podemos dar a los hijos es el modo en que hemos vivido nuestras vidas. Las lecciones que aprendí de mis padres no fueron las que me contaron, sino ver que su persistencia y su
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fuerza en los tiempos difíciles les mantuvo a flote.”
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Esto me lleva a tener que pensar en las texturas, los colores, la escala, la emoción... en el pelo y maquillaje del rostro, pero también en los símbolos y a qué hacen referencia. Y en cómo se funden emocionalmente cuando aparecen todos juntos en la imagen final. Porque la mayoría de las veces no pienso que esa sea yo realmente. Por lo general, puedo llegar a usar mi foto real, la del pasaporte por ejemplo, en una entrevista o algo similar, pero tengo muy claro que no es en la portada del disco donde debo hacerlo. La portada ha de servir para otra cosa muy distinta... ¿CON QUÉ TIPO DE PROVOCACIÓN SE DIVIERTE MÁS? ¿A QUÉ TIPO DE PERSONAS LE GUSTA PROVOCAR? Björk: Es que no me gusta provocar. A mí me gusta el agua helada, la comida picante, el chocolate negro, bailar durante horas en un club, las frescas ventiscas de nieve o nadar en un océano S
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cálido. Entiendo que me gusta cada uno de estos elementos en su forma más extrema para sentirme viva, pero no lo hago para sorprender a nadie, ni para provocarlo. Para mí es más como… un alivio, una descarga. ‘UTOPÍA’ LLEGA 40 AÑOS DESPUÉS DEL DISCO DE SU DEBUT, CUANDO TENÍA TAN SOLO 11 AÑOS. ¿TODAVÍA QUEDA ALGO DE ESA NIÑA QUE FUE? Cuando aquel disco salió a la venta, estaba avergonzada porque solo una de las canciones era mía. No existía armonía entre lo que el álbum representaba y la persona que lo cantaba. Definitivamente, siento el mismo misterio cuando entro a un estudio a grabar que cuando estoy inmersa en el proceso de composición y escritura. Sigo teniendo esa sensación de que la mejor canción del mundo no ha sido escrita todavía y mantengo ese entusiasmo para tratar de resolver el enigma. R E
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T A B U L A RASA ‘Tabula rasa’ significa poder disponer de una página en blanco, limpia, y creo que eso es lo que nuestros hijos se merecen de nosotros. Tanto como sea posible. Aunque tengo claro que nunca será así: los padres siempre ponen su marca en los hijos, pero estoy convencida de que es importante tratar de limpiarlos de nuestra influencia tanto como sea posible, y tratar de dejarles un equipaje mínimo.
MUNDO MUSICAL Yo nunca he experimentado algo así en el mundo de la música en mi país, nada en absoluto. Pensé que podría ofrecer a todas esas mujeres una comparación positiva. Compartí mi historia porque sé lo que se siente cuando deseas hacer aquello para lo que te has preparado y has luchado, y no para terminar menospreciada o degradada a la condición de mero objeto. Esperaba fomentar la esperanza, nada más.
H O L LY WOOD Me gustaría que pudiéramos seguir hablando de música. Pero sí, espero que esto suponga un cambio radical y dramático. Realmente quiero creer en ello.Esa sensación de estar en pie, frente a una puerta abierta de infinitas posibilidades, no ha cambiado. Todavía me baja los humos, me hace sentir indefensa y humilde.
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LA PUBLICACIÓN DE UN LIBRO Y UNA EXPOSICIÓN EN EL MAC RECUPERAN LA MEMORIA DE UNA DÉCADA FRENÉTICA, DE CRISIS Y CONTRACULTURA. ESCRITO POR: DANTE TRUJILLO
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día distinguir en afiches, cortes de pelo, discursos contra el conservadurismo y el estado de la cuestión. Era la ‘movida’ versus el ‘sistema’. Asimismo, aunque nunca constituyó tanto una organización como una actitud, la movida subte en Lima tuvo, además de adep-
Hace poco más de cuatro años, la economista y especialista en políticas públicas Fabiola Bazo —quien reside desde hace décadas en Cana9
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chachos provenientes de diversos estratos encontró en la música —otra música, muy distinta a la que propalaban las radios— y en la contracultura una ventana por la cual saltar, en algunos casos, cuando no salir a dar pelea, a poner la mano completa en la llaga. Más o menos, la versión peruana del
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Vivíamos sumidos en la escasez, recluidos por toques de queda; apagones; bombas; falta de dinero, de oportunidades, de trabajo. Imperaban el racismo, la
LA VERSIÓN PERUANA DEL PUNK SE LLAMÓ SUBTE
tos —hoy en su mayoría frisando los cincuenta años—, su propia épica, encarnada en quienes se trepaban a los escenarios de la Concha Acústica del parque Salazar, de la Jato Hardcore o del mítico No Helden a gritar sus verdades sobre riffs de guitarras baratas y baterías de lata. Cada una en su estilo, a veces, incluso muy distinto entre sí, bandas como Leuzemia, Narcosis, Zcuela Crrada, G-3, Sociedad de Mierda, Eutanasia, Voz Propia y más (unas 200) formaron el soundtrack de esos malos años. De ello han pasado tres décadas y mucha agua bajo los puentes de Lima. Un tiempo y una distancia más que suficientes para acercarse al fenómeno, rescatarlo para quienes no lo vivieron, y tratar de comprenderlo.
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os ochenta no fueron una década feliz en nuestro país. Hacia la segunda mitad, principalmente durante el primer gobierno de Alan García, la situación parecía, más que precaria, insalvable: la crisis económica solo ensanchó la brecha social, agravada por la locura asesina de Sendero Luminoso y el MRTA, y las ominosas reacciones en las que cayeron, en no pocos casos, las fuerzas del orden.
Como sucediera años atrás en otras latitudes que sufrían problemas socioeconómicos análogos —piénsese en el Reino Unido, por ejemplo—, un grupo de mu-
punk se llamó subte. Y como todo movimiento generó su propio aparato, medios de expresión y puntos de encuentro: conciertos donde se ‘pogueaba’ hasta el desmayo; casetes y fanzines que pasaban de mano en mano, producidos con más ingenio que recursos; y una estética propia, singular, que se po-
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discriminación y el miedo. El país estaba fracturado. No había futuro a la vista. Así, ser joven no era fácil.
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E N T R E V I S TA A TODAVÍA HACEN MÚSICA PERO, MUY POCOS VIVEN SOLO DE SU ARTE. dá, desde donde se da maña para codirigir la página web Subte Rock— comenzó a tramar un proyecto que asiera, mostrara y tratara de comprender el fenómeno subterráneo en nuestra capital, siguiendo el camino testimonial que comenzara con el documental Grito subterráneo dirigido por Julio Montero, y libros como Alta tensión , de Pedro Cornejo, Los sumergidos pasos del amor,de Daniel F y Se acabó el show, de Carlos Torres . Para ello entrevistó a muchos de sus integrantes y recopiló abundante información, lo que terminó en un libro compuesto por 14 textos entre el ensayo y la crónica testimonial llamado Desborde subterráneo: una contracultura juvenil en tiempos violentos . En ese sentido, como señala Bazo en la introducción de su libro, “los subtes se
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encargaban de escribir, producir, distribuir y difundir su producción musical, siguiendo el ethos del ‘hazlotú-mismo’, fuera del circuito oficial de música comercial (disqueras, radios), que era indiferente a tendencias musicales alternativas. Y lo hicieron durante un periodo de rampante recesión económica que generó altos niveles de desempleo e hiperinflación y que afectó directamente sus posibilidades de encontrar un empleo digno para ganarse la vida”. Asimismo, añade que “el contexto socioeconómico y político sin futuro de los ochenta alimentó el espíritu contestatario, ‘antitodo’ y, en algunos casos, nihilista de los subterráneos, pero también generó divisiones dentro de la escena, que se convirtió en el escenario de las disputas de clase y polarización social que caracterizaron esa década. R E
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HOY SE HABLA DEL FENÓMENO SUBTE MÁS QUE NUNCA. ¿A QUÉ CREES QUE SE DEBA? ¿Está lo subte de moda? No lo creo. Si así lo fuera, los conciertos serían multitudinarios y se tocaría su música en las radios. No, no es moda. Es atractivo para aquellos interesados en lo que está fuera de lo mainstream, pero no son la mayoría de limeños, y menos de peruanos. ¿HABRÍA UNA IDEALIZACIÓN ROMÁNTICA DEL MOVIMIENTO? Hay algo de eso en la narrativa que se ha producido en la última década. Son varias novelas llenas de candor que nos acercan a las mentes de varones que participaron en esa escena. Como madre de un adolescente, leo esas novelas con empatía porque siento que había muchos jóvenes que se sentían solos y dependieron muchísimo de sus pares, para bien o para mal, para su desarrollo moral. ¿QUÉ SORPRESAS TE LLEVASTE EN EL CAMINO? Estoy muy satisfecha con el apoyo que me ha brindado la gente asociada a la escena. Incluso subtes que aho-
ra radican en el extranjero. Todos desinteresadamente compartieron conmigo memorias muy personales y sus archivos, que significan mucho para ellos emocionalmente y que podrán apreciarse en la muestra. Hay gente muy generosa. Y aunque fue una experiencia que vivieron hace 30 años, a algunos todavía les mueve el corazón hablar sobre ello. Lamento no haber tenido una formación en psicología para poder llegar mejor a algunas personas y ser más sensible a sus experiencias: para algunos la movida fue un salvavidas. ¿DÓNDE ESTÁN LOS SUBTES HOY? ¡Los hay todas partes! Conozco uno que es dentista en Alemania; otro, juez. Varios periodistas y diseñadores gráficos. También hay quienes todavía hacen música pero, como siempre, muy pocos viven solo de su arte. Si quieres tener una experiencia subte hoy, lo mejor es ir a Quilca y la plaza San Martín y a los bares aledaños durante los fines de semana. En esos conciertos caen los dinosaurios o arman sus tocadas.
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EL SONIDO DE LAS MINORÍAS AL PODER
SÍMBOLO DEL RENACER AFROAMERICANO Y PLATAFORMA INABARCABLE DE TALENTOS COMO STEVIE WONDER, THE SUPREMES O MARVIN GAYE, EL MÍTICO SELLO MOTOWN LLEGA AL MEDIO SIGLO DE VIDA. EN ESTE ARTÍCULO SE REPASA LA HISTORIA Y EL IMPRESIONANTE MEDALLERO DE UNA COMPAÑÍA QUE ROMPIÓ LAS BARRERAS RACIALES, PASEÓ POR EL MUNDO “EL SONIDO DE LA JOVEN AMÉRICA” Y CAMBIÓ EL RUMBO DE LA MÚSICA POPULAR PARA SIEMPRE. ESCRITO POR: RODRIGO JARA
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etroit ha sido una ciudad llena de contrastes. Fue la cuna de un surgimiento demográfico político-social que no se visualizó en Estados Unidos sino hasta etapas muy postreras del siglo XX. Además, fue centro neurálgico de una fuerte inmigración que mezcló tanto a “negros” como “blancos” bajo el alero de una potente industria automotriz que copaba el campo laboral y que dejaba, aparentemente, fuera de contexto ese retrógrado conflicto racial que arreciaba a Norteamérica hace ya unos 50 años atrás. Bajo ese tenor era lógico que fuera Detroit el lugar donde la música de las minorías de ese entonces iniciara una arremetida que tratase de reivindicar el uso y abuso que los “blancos” hacían del sonido compuesto por los “negros”. Un producto con múltiples ramificaciones
que patentaban suyo por el legado musical entregado, tiempo atrás, por el ícono de Chess Records, Chuck Berry. El visionario de ese ambicioso proyecto fue Berry Gordy Jr., un compositor sin reconocimiento alguno, quien veía cómo los sellos discográficos, dominados por los “blancos”, establecían la forma y el fondo de interpretación de sus creaciones, contradiciendo la manera en que él sentía y quería expresar su música, además de llevarse gran parte de las ganancias de su trabajo. Algo muy recurrente entre los grandes compositores de color de aquella época. Con apenas 800 dólares prestados por su familia, Gordy Jr. inicia una revolución silenciosa en el ámbito de la música y, paralelamente sin planificarlo, en el ámbito social, al permitirse desarrollar un negocio en que las personas blancas del país sintieran el gusto de dejarse llevar y encantar por la música que la gente de color era capaz de transmitir, y con ello llenar sus bolsillos con la venta de discos comprados casi exclusivamente por los únicos capaces de pagarlos en ese entonces: precisa-
mente, la población blanca. Nació Tamla-Motown. La empresa de carácter familiar era una inagotable fábrica de sonidos, en la cual Gordy Jr. tenía todo bajo su control, o deseaba tenerlo, desde el control absoluto, despótico quizás, sobre los músicos y su “fidelidad” hacia el sello y la confidencialidad a la cual los artistas estaban regidos en lo que refiere a las técnicas de grabación del estudio. La base del éxito, casi inmediato, de este sello fue sin duda el trabajo realizado por el trío de compositores formado por los hermanos Holland y Lamont Dozier, una fuente inagotable de creatividad y originalidad que se llenaba de elogios por cada estrofa que componían. Cada tema era sumergido bajo una base rítmica potente, colosales orquestaciones e interpretaciones vocales majestuosas, diseñados detalladamente para ser un absoluto éxito de ventas. Este proceso incluía intensas pruebas de aceptación en varios estratos, comenzando por el mismo personal del sello, pasando por diversos clubes nocturnos para, finalmente, una vez aceptadas las sugerencias y las reacciones del público, la grabación final del disco.
DEJARSE LLEVAR Y ENCANTAR POR LA MÚSICA 13
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DIANA ROSS, LA GRAN FIGURA DE MOTOWN DE LOS ’60
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The Supremes
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ALMA Y CORAZÓN SOUL
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El primer hit del sello fue “Money (That’s what I want)“, quizás una declaración de intenciones del entonces compositor Berry Gordy Jr., interpretada magistralmente por Barret Strong. Al muy poco tiempo Motown ya lograría el primer número uno en los charts pop con “Please Mr. Postman“, interpretado por The Marvelettes. Nombres como The Miracles, The Temptations, The
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La única fuente nueva de éxitos de aquella época la aportó el grupo The Commodores, quienes bajo la voz y liderazgo de Lionel Richie, lograron consagrarse con temas como “Easy” y “Still” en los charts de popularidad.
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Four Tops, The Vandellas, Marvin Gaye y especialmente The Supremes -con el protagonismo ganado a mediados de la década por la figura de Diana Ross– entregaron a Motown más de 100 canciones de su catálogo dentro del top-ten de las listas a lo largo del decenio, convirtiéndolo en la época de oro de la compañía, toda una hazaña sin precedentes engendrada desde grupos de carácter minoritario. Diana Ross merece un capítulo en extenso aparte, es sin lugar a dudas la gran figura de Motown de los ’60, dado que la meticulosa figura de Berry Gordy Jr. se preocupó por fomentar su protagonismo por sobre las demás integrantes de su trío The
Supremes, situación que provocó acusarla de caprichosa, astuta, ambiciosa y exceso de divismo. Cualquiera de los apelativos que se le pueden entregar a Ross es menor al indiscutible legado que dejó en el sello discográfico, con temas como “Baby Love”, “You Can’t Hurry Love”, “Reflections” y “Love Child”, entre otros éxitos. Su protagonismo por sobre las demás integrantes del trío hizo que, a finales de los ’60, iniciara su carrera como solista. EL AMOR EN TIEMPOS DEL CÓLERA Los años 70 significaron un cambio para Motown. Los ’60 fueron sin lugar a dudas una época en la cual el sello recurrió con fuerza la reivindicación social de las minorías de color en el contexto interno de Norteamérica, pero en la nueva década los parámetros fueron cambiando hacia un espectro más amplio, al estar involucrado en temas más globales. recursor de este
STEVIE Stevie Wonder se transforma en una figura representativa de esta etapa de la casa discográfica. Ese niño ciego, comenzaría a vivir su época dorada debido al estado de genialidad y creatividad en el cual se encontraba.Placas como Inner-
ducir y editar su propio material, privilegio sólo permitido para figuras como Stevie Wonder y Marvin Gaye.
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Aquellos años y nombres ya han quedado atrás, el sello ha sido vendido un par de veces para ser parte hoy en día del catálogo de Universal, que si bien tiene la misma ambición lucrativa de Berry Gordy Jr., ha hecho perder en definitiva el sentido impregnado por quienes conformaron el inmortal catálogo del sonido de la joven América Discografía esencial
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Este es el caso del quinteto favorito de América, The Jackson 5, quienes a finales de los ’60 lograron, bajo el ingenioso auspicio de Diana Ross, cautivar a la audiencia con severos singles que calaron profundo en las listas de popularidad, tales como “I Want You Back”, “ABC”, “The Love You Save” y “I’ll be There”. Su constante discrepancia hacia la manera en que Gordy Jr. hacía el negocio hizo que el quinteto prescindiera del contrato con el sello y firmara con Epic. El fracaso de la manera en que Gordy Jr. estaba llevando la compañía queda clara cuando las máximas estrellas de la discográfica, Marvin Gaye y Diana Ross, deciden romper relaciones contractuales, sólo quedando un Lionel Richie solista como cabeza de serie de una mermada Motown de los años ’80.
Fuera de rumbo, a finales de la década de los 80’s, Berry Gordy Jr. decide vender y terminar un negocio altamente rentable y que, fortuitamente, rozó los ámbitos político-sociales de la época, situación que fue aprovechada de una manera inteligente por diversos estamentos políticos para establecer las directrices en contra de la segregación racial imperante en Norteamérica.
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Pero Motown en los ’70 ya no fue esa fábrica de éxitos que la caracterizó en el pasado. Sólo artistas como el mencionado Stevie Wonder o los Jackson 5, todas figuras descubiertas en la década pasada, y más el protagonismo de Diana Ross, permitieron al sello sobrevivir a los cambios. Motown era una máquina montada sobre un engranaje que requería una revisión. Era común encontrar a sus artistas coartados bajo el alero de la discográfica, impidiéndoseles crear, pro-
en una trilogía de obras maestras que lo llenaron de gloria y premios.
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LOS ÚLTIMOS AÑOS: PELEAS Y DECADENCIA
vision, Fullfillingness First Finale y Songs in the Key of Life, se transformaron
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cambio es Marvin Gaye, ya figura en la década anterior, quien logra transmitir, a pesar del boicot del sello, toda su rabia y congoja hacia el sistema en What’s Going On, estableciendo la canción protesta como arma de una potente industria en crecimiento. Este disco esencial, el mejor de su discografía, enfatiza sobre temas de la época como la corrupción política, el medio ambiente, las drogas y la crítica hacia la guerra de Vietnam. Todo un éxito de ventas que ni Gordy Jr. visualizó y a regañadientes, bajo la amenaza de renuncia de Gaye al sello, tuvo que publicar.
THE JACKSON 5 SE GANARON A LA AUDIENCIA A FINALES DE LOS 60´CON “I WANT YOU BACK” “A B C” 15
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MARVIN
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1.WHAT’S GOING ON Considerada la obra cumbre de Gaye, es una pieza maestra tanto por su sonido como por el concepto que lleva por dentro: una pieza llena de crítica social hacia
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las políticas de medioambiente, la corrupción y la guerra de Vietnam.
Si pudiésemos resumir de una manera sencilla toda la historia de Motown y su influencia sobre el mundo de la música, de seguro muchos compartirían que los siguientes discos son parte de la discografía elemental de este gran sello:
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seguramente la mayoría compartirá que esta placa es una de las tantas obras maestras que compuso Stevie Wonder para Motown. Pero Innervisions tiene un dejo especial, es el trabajo más suspicaz que haya compuesto, y que tiene un tono universal y atemporal, con una aguda reflexión político-social pero a su
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vez romántico y sensato
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3.REACH OUT gran obra realizada por el trío de compositores formado por los hermanos Holland y Lamont Dozier, quienes confeccionan un disco a la medida de las innegables capacidades vocales de estos artistas, especialmente Levi Stubbs, dueño de un timbre tan profundo como escalofriante e.
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THE TOPS
Esta placa representa toda la maquinaria de éxitos que era Motown. Fue la última
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4.MAKE IT HAPPEN Smokey Robinson era sin dudas uno de los mejores compositores del sello, y preparó junto a su banda un obra repleta de hits. Temas como “Tears Of A Clown” demues-
SMOKEY ROBINSON
tran el prolijo trabajo de grabación, lleno de acertados manejos de orquestación,
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letras que hablaban de desamor y abandono y con fuerte acento hacia la figura de Robinson, transformado en uno de los mejores crooners .
5. WHERE DID OUR LOVE GO? En esta lista no podían faltar. Este trío de mujeres entregaron a Motown una extensa lista de éxitos, transformándose pronto en las favoritas de la compañía,
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Marvin Gaye
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especialmente la figura de la innigualable Diana Ross. Este disco ayudó a definir lo que sería el “sonido de la joven América” bajo originales arreglos musicales que para la época marcaron una completa revolución.
6. ALL I NEED IS TIME Penúltima placa del grupo antes de dejar Motown. Meses antes del cambio dejaron clara la importancia de su trabajo, y por la cual fueron tentados a dejar la casa discográfica que los lanzó al estrellato. Uno de los mejores discos de esta época, temas sofisticados y apasionantes.
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7. SHOTGUN
The 4 tops
Motown era una fábrica de éxitos que dejaba las orquestaciones a su propio grupo de instrumentistas, como los Funk Brothers. Este es el caso de Junior Walker y Cia., un saxofonista de la vieja escuela de R&B que entrega una placa llena de
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WALKER & THE ALL
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dirigido por un vasto número de productores que lograron un trabajo lleno de
KNIGHT& THE
energía, en la cual el propio Walker debuta como vocalista al faltar a la sesión de grabación el cantante que había contratado.
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8. THE MARVELETTES Sin obtener la notoriedad de otras figuras femeninas del sello, The Marvelettes se jactaban por haber obtenido el primer hit para Motown. No obstante, la conpudieron combinar de una manera perfecta la orientación pop de su clásica propuesta y la que el sello definía por defecto.
David Ruffin
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solidación no llegó hasta 1967 cuando editaron su álbum homónimo, en el cual
THE LETTES
DAVID
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9. FEELIN’ GOOD Segundo disco solista del vocalista de The Temptations, donde logra obtener una de las mejores interpretaciones de su condición vocal y saca partido a todo aquello que no había podido experimentar con su agrupación. Su inconfundible e inigualable voz áspera reluce en temas tan emblemáticos como “Loving You” .
10. THE TEMPTATIONS SING SMOKEY Tarea difícil definir el mejor disco de esta agrupación, pero el nivel de éxitos que regala esta placa la hace una de las piezas claves para la definición de la marca Motown. Temas como el previamente grabado “The Way You Do the Things You Do??? o “My Girl”, primer número uno de la banda, contribuyeron a erigirlos como la banda masculina más representativa del “sonido de la joven América”.
THE TIONS
Gladys Knight
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EN LOS ÚLTIMOS AÑOS SE HA OBSERVADO UN RESURGIMIENTO DE LA ESCENA DEL JAZZ EN LA. AÚN ASÍ, ES UN TEMA EN CONSTANTE DEBATE ENTRE LOS CRÍTICOS DE MÚSICA. HOY NUEVAS GENERACIONES SE REÚNEN PARA VITALIZAR UNO DE LOS GÉNEROS MUSICALES DE MAYOR INFLUENCIA EN LA MÚSICA POPULAR NORTEAMERICANA. ESCRITO POR: ALFREDO LA CORTE
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The Epic se instauró como uno de los discos del año. 2015.
DUNBAR Fue construido en 1928 con el objetivo de ser un lugar donde, a diferencia de la mayoría de los hoteles lujosos, los afroamericanos podían hospedarse.
El Dunbar no era únicamente conocido por sus famosos
El álbum del pianista Austin Peralta, Endless Planets –un disco sacado en 2010 por el sello de Flying Lotus–, marcó un antes y un después. Peralta sufrió una trágica muerte dos años más tarde de su lanzamiento, pero las graba-
Kamasi, con su estilo “afrofuturista” recuerda a un grande del jazz de Nueva York como lo es Sun Ra. Kamasi adoptó mucho de la imagen de Ra, como el estilo de vestir La obra de Kamasi es celestial. Las tres horas de duración intimidan, pero pronto esa sensación desaperece por un disco que desafía las costumbres de la vieja escuela del jazz del West Coast. 19
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éxito ante los críticos y los fans jazzeros.
plejas nuevamente a las audiencias de jazz de la ciudad durante la segunda mitad del siglo XX. Artistas como Billy Higgins, Chico Hamilton, Max Roach, entre otros, lograron seguir los pasos de los artistas de The Avenue, pero con menos éxito que sus predecesores.
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De una duración de 173 minutos, fue un
LA OBRA DE KAMASI EN THE EPIC ES CELESTIAL.
Kamasi Washington lanzó su álbum debut, The Epic. De una duración de 173 minutos, fue un éxito ante los críticos y los fans jazzeros. The Epic se instauró como uno de los discos del año, y el jazzista aprovechó la fama obtenida ese año por su trabajo con Lamar y se convirtió en uno de los rostros más prominentes del jazz contemporáneo.
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THE EPIC
Sin duda en el epicentro de la escena de The Avenue se encontraba el Dunbar Hotel. Fue construido en 1928 con el objetivo de ser un lugar donde, a diferencia de la mayoría de los hoteles lujosos, los afroamericanos podían hospedarse. No tardó en atraer artistas del calibre de Louis Armstrong, Ella Fitzgerald, Lena Horne y Billie Holiday. Los fanáticos del jazz de la época se reunían en el lobby, en el bar, o en la entrada de este histórico lugar para intentar encontrarse con alguno de sus ídolos.
The Avenue no significaron el fin del jazz de Los Ángeles. Se dispersó y se expandió a otros lugares de la metrópolis. Nuevos clubes como el World Stage, el Lighthouse Cafe y el Piano Bar en Hollywood, lograron dejar per-
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os Ángeles, entre los años 20 y los 50, era considerada una meca del jazz. En esa época, la ciudad más grande del oeste de Estados Unidos, tenía la fortuna de presenciar en el Central Avenue (o The Avenue), esa larga calle llena de bares y de música, a varios de los miembros del “panteón” del Olimpo del jazz. Artistas como Dexter Gordon, Ella Fitzgerald, Charlie Parker, Louis Armstrong, Charles Mingus y Billie Holiday hicieron del West Coast uno de los bastiones del género.
clientes, sus interminables fiestas con champán, sino también por ser un centro intelectual para la cultura negra de la época. De hecho, allí se realizó la primera reunión de la NAACP (la Asociación Nacional para el Progreso de las Personas de Color).
ciones que dejó bajo el sello de Lotus fueron un punto de inflexión en la presencia del género en la costa Oeste. Además de lograr sentar un precedente para futuras colaboraciones entre el jazz, el mundo del hip-hop y la música electrónica. Los precedentes sentados por Peralta fueron aprovechados por el saxofonista Kamasi Washington, por el bajista Thundercat y el grupo –al que ambos pertenecen– The West Coast Get Down (TWCGD), al colaborar con el gigante del rap Kendrick Lamar como productores de su disco To Pimp A Butterfly. Así lograron entrar en el mainstream.
THE WEST COASR GET DOWN (TWCGD) Mucho antes de que Kamasi y Thundercat fueran artistas reconocidos, tocaban juntos en secundaria en el grupo The West Coast Get Down (TWCGD). Todos sus integrantes vivieron en la zona sur de LA, al igual que Kamasi y Thundercat. TWCGD ha sido una de las influencias más importantes en el jazz contemporáneo, y ha sido reconocido por críticos y fanáticos de la música como uno de los pilares en el resurgimiento del género, llevando incluso a hablar de la banda como “el Wu-Tang Clan del jazz”. RYAN PORTER Todos los integrantes del TWCGD presumen de una amplia trayectoria, y el trombón Ryan Porter no es la excepción. Ha trabajado desde el principio del año 2000 como un músico de sesión destacado, trabajando para artistas como Michael Bublé, Quincy Jones, Snoop Dogg, Herbie Hancock, entre otros. Además de unirse a varios de sus colaboradores de TWCGD para colaborar en To
Pimp a Butterfly. Pero con el lanzamiento de su disco The Optimist en 2018, Porter dejó claro que su talento también está en la composición y en los arreglos.
THE OPTIMIST E S S U AV E Y AMENO Aunque The Optimist no causó el terremoto mediático que causo The Epic, la genialidad del disco no es menos reconocida. El disco de Porter, grabado entre 2008 y 2009, intenta captar la esperanza que se sentía en muchas comunidades negras en los inicios de la presidencia de Obama, el primer presidente negro de EEUU. Cada canción contiene una paleta vívida y compleja de emociones, transmitidas con experticia por un grupo de intérpretes que incluye a los miembros del TWCGD, Miles Mosely, Cameron Graves, y el mismo Kamasi Washington. A diferencia de las largas composiciones que hicieron de The Epic un disco bueno…
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DUNBAR HOTEL Después de los años 50, el Dunbar Hotel comenzó a decaer, hasta que llegó el punto de tener que ser vendido en 1960. Su declive –irónicamente– tuvo que ver con la abolición de leyes racistas y segregacionistas que, antes de ser consideradas inconstitucionales por la Corte Suprema en 1948, limitaban los lugares en los que los afroamericanos podían comprar propiedades.
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una mezcla peculiar de jazz con funk que recuerda mucho a la fusión de los años 70, saca en el año 2015 el single Them Changes, un tema genial que destaca por encima del resto del álbum que salió dos años después. Thundercat ha mencionado como sus principales influencias a Erykah Badu, George Clinton y Jaco Postorius. El artista californiano, antes miembro de la banda de punk Suicidal Tendencies, aprovechó al igual que Kamasi la fama obtenida por su trabajo en el disco de Kendrick en 2015 para impulsar su carrera musical.
tan épico, el álbum de Porter es en general más suave y ameno, y así con su propio estilo Porter se presenta al mundo de la música con otra joya en este increíblemente variado movimiento. OTROS ARTISTAS Kamasi Washington, Thundercat y TWCGD, son solo la punta de la lanza de una escena que utiliza la historia musical de la ciudad como inspiración y base. Por su parte, Josef Leimberg, The Breathing Effect, Natasha Agrama, Miguel Atwood-Ferguson, entre otros completan la movida y han aparecido en el momento ideal para aprovechar el boom del género y asomarse en la movida contemporánea, dejando así su propia huella en el complicado mundo de la música.
T H U N D E R C AT
En el año 2015 el single Them Changes, un tema genial que destaca por encima del resto del álbum que salió dos años después. El artista californiano, aprovechó la fama obtenida por su trabajo en el disco de Kendrick en 2015 para impulsar su carrera musical.
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El disco de Porter, intenta captar la esperanza que se sentía en muchas comunidades negras en los inicios de la presidencia de Obama,
D I E Z LEGENDARIAS DEL ROCK
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Nada como el sonido de una guitarra, nada como los músicos que las hacen sonar como ningún otro, y por esto, recapitulamos algunas guitarras famosas en la historia del rock. Escrito por: Vonne Lara
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Este instrumento es parte esencial para la formación de leyendas de la música, pues es un acompañante inseparable en giras y conciertos. Es por esto que te presentamos las diez guitarras que han dejado huella en los escenarios y en los estudios de grabación.
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mediados de la década de los 30, al genio del jazz, Les Paul, se le ocurrió innovar la guitarra eléctrica para aumentar el sonido de su música, pues se sentía insatisfecho con los modelos que existían en esa época, así que experimentó con sus propios diseños hasta crear unas guitarras con cuerpo sólido que pudieran amplificar el audio y la duración de las cuerdas. Esto hizo que una de las marcas más famosas de instrumentos musicales le pidiera sugerencias para que juntos fabricaran una nueva guitarra, la cual aún se usa en todo el mundo.
La Historia del blues, así como la del rock & roll, se definen por la genialidad que se encuentra en las melodías y las letras de aquellos músicos que la vuelven su vida. Sin embargo, parte del secreto para colocarse como una estrella del rock radica en diversos aspectos que se mezclan y se equilibran con el talento: vestuario, peinado, gafas y hasta zapatillas deportivas han marcado la personalidad de muchos músico, aunque nada tan imprescindible como la guitarra.
MICAWBER DE KEITH Si hablamos de íconos del rock que forman parte de la historia de este amado género, sin duda, los Rolling Stones. Keith Richards en su
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posición aporta todo su arte con una guitarra bautizada ‘Micawber’, que se trata de una Fender Telecaster Blonde de los años cincuenta que el maestro le extrae un sonido único y que además tiene una afinación
OLD BOY DE TONY IOMMI También es conocida como ‘No.1’ y se trata de una Jaydee SG Custom, construida en Inglaterra por John Diggins, Con ‘Old boy’, Iommi grabó el álbum Heaven and Hell, disco donde Ronnie James Dio se integraba como la voz principal de Black Sabbath. Con el tiempo, ‘Old Boy’ se convirtió en su instrumento principal en toda ocasión que tocaba.
NUMBER ONE DE STEVIE RAY VAUGHAN Otro inigualable sonido es el que Steve Ray hacía con su inseparable ‘Numer One’, su ‘Primera Esposa’. Esta icónica guitarra es una Fender Stratocaster de 1963 con un mástil de 1962. Las iniciales de Steve, su apariencia gastada, ya forman parte de la esencia de su música. MONTEREY STRATOCASTER DE JIMY HENDRIX La bonita stratocaster que Hendrix prendió fuego en su actuación mítica en el Monterey Pop Festival de 1967. Su corta vida ha sido
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FRANKENSTRAT DE EDDIE VAN HALEN Si hay una guitarra archi-conocida es esta del genial Eddie Van Halen. Su colores y sus rayas son todo un ícono, así como la intención de Eddie de juntar lo mejor de
dos mundos: el sonido de las Gibson con la apariencia de las Fender.
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abierta en clave de SOL y con la sexta cuerda eliminada.
Una bella Gibson ES-335, cuando escribimos el homenaje a B.B. King, luego de su muerte, hace unos días. B.B. King contaba que llamó así a su guitarra luego de una pelea en un bar donde tocaban, dos hombres discutieron por una chica y se fueron a golpes, por el ajetreo y el movimiento se ocasionó un incendio. La gente salió y también los músicos, pero Mr. King regresó por su guitarra “sin pensar en las consecuencias”. Y lepuso el nombre de la chica por la que pelearon
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CADA ELEMENTO DE ESTA AGRUPACIÓN TIENE UN ENCANTO Y TALENTO INDISCUTIBLE. perpetuada como una de las imágenes icónicas del rock. Sabemos que en la corta carrera, y vida, de Hendrix le bastaron para convertirse en un referente obligado en la historia de la música, uno de los mejores GIBSON EDS-1275 DOBLE MÁSTIL DE JIMMY PAGE Todo lo más representativo de una época se puede reunir en la imagen de Page tocando esta guitarra de doble mástil de 6 y 12 cuerdas, unas notas inolvidables y una voz como ninguna: la de Robert Plant. BLACKIE DE ERIC CLAPTON Blackie se convirtió en su guitarra inseparable. Bella, en blanco y negro acompañaría a su músico y nos regalarían melodías inolvidables, se volvió su instrumento casi exclusivo durante 1974-1985, grabó con ellas “Cocaine”, “I Shot The Sheriff”.
LES PAUL DE SLASH Es algo muy común recordar a este guitarrista con su icónico outfit: su cabello alocado y rizado, su sombrero, sus gafas, sus pantalones ajustados... y su Les Paul. Con Slash no se trata de una guitarra en especial, sino de una clase de guitarra en especial. Sin embago, años más tarde sacaron la Gibson Appetite Les Paul, en el siguiente video el propio Slash nos platica sobre este proyecto: GIBSON SG DE ANGUS YOUNG Por último, y sin ningún afán de lista de importancia, la guitarra de este genial músico de la banda AC/DC. Young utiliza varios tipos de Gibson SG, como Standard, ’61 Reissue, Custom SG y Signature SG. También tiene su propio modelo Angus Young SG.
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