II Simposio de Historia del Arte - Universidad de los Andes

LA HISTORIA DEL ARTE ENTRE LO AJENO Y LO PROPIO II SIMPOSIO EN HISTORIA DEL ARTE PROGRAMA HISTORIA DEL ARTE DEPARTAMENTO DE ARTE UNIVERSIDAD DE LOS ANDES Orlando Hernández, María del Pilar López, Carmen María Fernández-Salvador, André Tavares, Wendelin Guentner, Juan Ricardo Rey Márquez, Juan Camilo Escobar Villegas, Claudia Cendales Paredes, Jairo Salazar, María Alicia Uribe Villegas, Ana María Franco.

Martes 21 & Miércoles 22 de agosto, 2012

Auditorio Mario Laserna (ML-A) Carrera 1 # 18A - 10 Inscripciones e información: arteinsitu@uniandes.edu.co

¿Qué significa hacer investigación sobre arte en Colombia hoy? ¿Qué preguntas y retos aparecen en el contexto contemporáneo globalizado al pensar de manera novedosa y crítica nuestro pasado y presente? Este simposio reúne ponentes nacionales e internacionales que interrogan la vigencia de los conceptos y paradigmas que gobiernan la historia del arte a través de miradas interdisciplinarias que van desde la historia hasta la arqueología, pasando por el feminismo y los estudios de la memoria. Por medio de estudios de casos, se investigan técnicas, iconografías y formas artísticas que han sido trasplantadas, inventadas y apropiadas por artistas locales desde contextos ajenos o que han permanecido al margen de la historiografía. Las conferencias reflejan la diversidad y los cruces de la investigación que se lleva a cabo en el Área de Historia del Arte del Departamento de Arte: arte precolombino y colonial de América Latina, estudios comparados con el arte europeo desde la modernidad temprana hasta el siglo XIX y arte moderno y contemporáneo colombiano e internacional. Con este simposio queremos seguir el diálogo iniciado con el I Simposio en Historia del Arte (2011) y abrir así un espacio de reflexión para pensar el camino de los estudios de historia del arte en el país.

MIÉRCOLES 22 DE AGOSTO

MARTES 21 DE AGOSTO Sesiones de la mañana 9AM

| 9:00 — 9:20 AM |PRESENTACIÓN DEL SIMPOSIO | 9:20 — 10:00 AM | ÁNGELES APÓCRIFOS EN EL NUEVO REINO DE GRANADA Orlando Hernández-Ying, New Orleans Museum of Art En la época barroca de los virreinatos americanos, un sinfín de ángeles apareció en pinturas inspiradas por lienzos españoles,

Sesiones de la mañana 9AM

El primer periodo presenta una imagen compleja rica en forma y contenido. Estas imágenes fueron parte de objetos por lo general suntuarios pertenecientes a colecciones de personas prestantes y miembros de la iglesia. Temas de contenido religioso, moral, profano, político e inclusive la heráldica constituyeron parte del repertorio. En el segundo periodo la imagen se torna más simple y predominan las representaciones geométricas y vegetales como temas ornamentales.

| 9:00 — 9:40 AM | OTRA TRATADÍSTICA DEL ARTE: SABERES Y SECRETOS ARTÍSTICOS EN LA LITERATURA ILUSTRADA DEL SIGLO XVIII Juan Ricardo Rey Márquez, Universidad de Buenos Aires

| 10:40 — 11:00 AM |CAFÉ ánimos de visualizar a los intermediarios intangibles entre Dios y los humanos. En la América virreinal, los ángeles se convirtieron en un género de pintura del cual inmediatamente vienen a la mente los arcángeles arcabuceros andinos en el área entre Cuzco y Potosí. Sin embargo, poco se ha escrito de las series angélicas neogranadinas. Encontramos series de arcángeles en la Iglesia de Santa Clara en Bogotá, Santa Bárbara en Tunja, algunos cuadros sueltos en el Museo Nacional y una docena de arcángeles en Sopó, Cundinamarca, cuya autoría aún nos elude.

Este artículo busca sacar a la luz estas series angélicas y su piró sus creaciones, las características estilísticas de cada serie, su iconografía, y en caso de la serie de Santa Clara la atribución de su autoría. Este estudio revela el producto singular de un complejo proceso de adopción y re-adaptación de estos símbolos por la sociedad neogranadina que respondiendo a fuentes similares a la de los artistas andinos y novohispanos, produjeron manifestaciones artísticas únicas en el continente americano. | 10:00 — 10:40 AM | IMÁGENES EN EL ARTE DEL BARNIZ DE PASTO, SIGLO XVI HASTA COMIENZOS DEL XIX María del Pilar López, Instituto de Investigaciones Estéticas, Universidad Nacional de Colombia El arte en general y por consiguiente el Barniz de Pasto, a partir de la presencia española en el territorio del Nuevo Reino de Granada se desarrolló en dos periodos con importantes diferencias entre uno y otro. Estos periodos están relacionados con el gobierno de las Casas reinantes en España, los Austrias siglos XVI y XVII y los Borbones a partir del Rey Felipe V.

| 11:00 — 11:40 AM | TERRITORIOS EN DISPUTA: PROCESOS JUDICIALES Y SUS PLANOS EN LA REAL AUDIENCIA DE QUITO Carmen María Fernández-Salvador, Universidad San Francisco de Quito gunos de los procesos judiciales seguidos en la Real Audiencia rritorios en disputa. Por lo general, éstos derivan de acciones legales como son la “vista de ojos” y la “medición de tierras”, tinta negra o marrón sobre papel artesanal, mientras que en tar más adecuadamente el paisaje local.

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traban en lugares remotos, de difícil acceso para los jueces de la Real Audiencia, la representación del paisaje por medio de dibujos y acuarelas suplía las limitaciones de la palabra escrita.

Así, se argumenta que los planos conducían a una “más clara inteligencia” y a “quitar la confusión” que la relación contenida en la “vista de ojos”.

Esta comunicación tiene como objetivo presentar alguadoptado por las hermandades de clérigos seculares en el ámbito del Imperio Portugués en el siglo XVIII. Se busca demostrar como ese programa se organizó en reelaboración directa de determinados romanos y con la intervención de miembros de la elite religiosa portuguesa presentes en Roma en la primera mitad del siglo XVIII. | 3:45 — 4:00 PM | CAFÉ

| 4:00 — 5:00 PM | VANISHING ACTS: WOMEN ART CRITICS IN NINETEENTH-CENTURY FRANCE / DESAPARECER “COMO POR ARTE DE MAGIA”: CRÍTICAS DE ARTE EN FRANCIA EN EL SIGLO XIX (Conferencia con traducción simultánea) Wendelin Guentner, University of Iowa ¿Fueron las mujeres artistas del siglo diecinueve en Francia

que se dio entre los textos de historia natural y la producción de íconos botánicos fue muy especial pues las exploraciones en el campo posibilitaban el conocimiento de materias vegetales y minerales de las que podrían extraerse pigmentos, resinas, barnices y lacas, que a su vez nutrían las publicaciones sobre materias útiles. En la presente ponencia se discutirán algunos del proyecto de tesis más amplio. |9:40 — 10:20 AM | LOS ARTISTAS Y EL PROYECTO CIVILIZADOR DE LAS ÉLITES EUROAMERICANAS DE LA BELLE-ÉPOQUE. EL CASO DEL PINTOR Y ESCULTOR FRANCISCO ANTONIO CANO (1865-1935) Juan Camilo Escobar Villegas, Universidad EAFIT, Medellín

| 11:40 AM — 12:00 PM |PREGUNTAS

Sesiones de la tarde 3PM | 3:00 — 3:45 PM | LA UTILIZACIÓN POLÍTICA DE LA ICONOGRAFÍA PETRINA POR LAS HERMANDADES DE CLÉRIGOS SECULARES: LA GESTACIÓN DE UN MODELO ICONOGRÁFICO ENTRE ROMA, PORTUGAL Y AMÉRICA PORTUGUESA André Tavares, Universidade Federal de São Paulo

Durante el siglo XVIII se vivió un momento de debate y discusión que, de la mano de las ciencias naturales, tocó a la esfera de las artes. Una gran cantidad de este conocimiento circuló en libros de divulgación de las ciencias y fuera del tratado, género literario paradigmático de las artes hasta el momento.

Luego de la sistematización de la práctica artística presentada por Antonio Palomino de Castro y Velasco (1655-1726) en su Museo pictórico y escala Óptica, obras como los libros de secretos discutieron saberes relacionados con la producción material de insumos para las artes.

Tal literatura fue trascendental en el Nuevo Reino de Granada para el desarrollo de la Expedición Botánica del Nuevo Reino de Granada, pues fue precisamente en el ámbito -

pregunta aun se está consolidando hoy. Artistas como Rosa Bonheur y Berthe Morisot fueron muy conocidas, pero otras todavía están siendo descubiertas, y su trabajo poco a poco se ha ido abriendo al público general. En 1988, una película sobre la vida y obra de Camille Claudel acercó el trabajo de esta escultora a un público más amplio. Así mismo, en el 2002 la National Gallery of Art (Washington, D. C.) organizó la priCoster, y el Musée d´Orsay en París está organizando actualmente una exposición sobre las esculturas de Félicie de Fauvau que abrirá en el verano del 2013. ¿Hubo mujeres críticas de arte en el siglo diecinueve en Francia? Realmente es en el siglo veintiuno que los académicos Se podría especular sobre las razones tardías por las cuales hasta ahora se está descubriendo esta realidad histórica que había desaparecido: ¿fue por el tipo de periódicos en los que estas mujeres publicaron sus críticas o fue su constante uso de pseudónimos masculinos? Aunque estas explicaciones podrían estas mujeres publicaron sus críticas como libros y en reseñas bable que exista otra explicación para la desaparición de estas mujeres “como por arte de magia”: una parcialidad contra ellas por parte de los historiógrafos de los siglos diecinueve y veinte.

Aun falta mucho trabajo para poder reparar la imagen errónea del mundo del arte francés del siglo XIX causada por estos historiadores culturales. En esta ponencia se le presentarán al público algunas de estas talentosas mujeres que, con espíritu y coraje, emplearon sus poderes analíticos y desplegaron sus plumas al servicio de las ideas y de la belleza.

progreso” que las élites del siglo XIX pusieron en marcha tanto en Europa como en América. Un proyecto que además movilizó enormes cantidades de recursos, ideas, personas y materiales entre los dos continentes. En efecto, motivados por el contexto de los nacionalismos y los esfuerzos por formar estados nacionales, los poderes públicos y privados becaron frecuentemente artistas para formarse en las escuelas y academias de arte más prestigiosas de Europa. Tal fue el caso de Francisco Antonio Cano, quien salió de un pequeño poblado rural en Colombia para luego ser enviado a Francia por el gobierno colombiano regresar a su país para apoyar el “proyecto civilizador”. Para ello debió pintar, enseñar, fundar revistas, hacer crítica artística, evaluar exposiciones, crear y dirigir instituciones de arte, así como legitimar con muchas de sus obras el sistema de valores de las comienzos del XX en Colombia.

| 10:20 — 10:35 AM | PREGUNTAS | 10:35 — 10:50 AM | CAFÉ | 10:50 — 11:30 AM | LOS PARQUES Y JARDINES PÚBLICOS DE BOGOTÁ: SU SURGIMIENTO, SIGNIFICADO Y DESARROLLO (1886-1938) Claudia Cendales Paredes, Technische Universität, Berlin Los parques y jardines públicos de Bogotá han jugado un espacio público y de la identidad de la ciudad. Esta ponencia tratará sobre los parques y jardines públicos de Bogotá desde 1886 hasta 1938, un espacio temporal que resulta de dos hechos importantes en la historia del país y de la ciudad. Se mostrará el surgimiento de los parques públicos, los actores que intervinieron en su creación, así como los elementos de su diseño, entre otros la vegetación y el mobiliario, así como las posteriores reformas de los parques, realizadas en el lapso de tiempo nombrado. Igualmente se tratará la función de los parques, así como los aspectos políticos y sociales relevantes, que conllevaron a la exigencia de creación de parques o a su realización. El objetivo de esta ponencia es trazar un panorama de la escasamente investigada historia jardinística colombiana y enmarcarla en un contexto internacional. | 11:30 AM — 12:10 PM | “SU DOLOR ES MI DOLOR”: INTENTOS DE REPRESENTACIÓN DE LA CATÁSTROFE Y EL TRAUMA EN EL ARTE CONTEMPORÁNEO COLOMBIANO Jairo Salazar, Universidad Jorge Tadeo Lozano, Bogotá En varias entrevistas, la reconocida artista colombiana Doris Salcedo ha dejado en claro que su obra artística no está sustentada por sus experiencias sino por “la experiencia de alguien más” viviendo en Colombia, un país construido –en sus propios térmivisiones y experiencias violentas de víctimas de catástrofes sugiere, animadamente, que el resultado artístico no es producto de una recreación subjetiva por parte del artista, sino que la obra en sí Este artículo busca explorar hasta qué punto es posible que las prácticas artísticas contemporáneas se sirvan como canal de expresión del dolor y traumas de las víctimas de la violencia. El artículo discute el riesgo permanente en que las experiencias de las víctimas resulten ser distorsionadas por el afán de los artistas que desean darle un carácter estético y visual a aquello que carece de toda representación posible. El artículo busca también generar discusión usando como apoyo ejemplos recientes de artistas colombianos que han trabajado temáticas similares a las de Salcedo, para explorar cuáles son los límites de la producción artística cuando de | 12:10 PM — 12:30 PM | PREGUNTAS

Sesiones de la tarde 3PM

| 3:00 — 3:45 PM | EL ORFEBRE MUISCA VISTO DESDE LA ARQUEOMETALURGÍA María Alicia Uribe Villegas, Museo del Oro, Banco de la República

A partir del año 2007, el Museo del Oro del Banco de la República y el Instituto de Arqueología de University College London vienen realizando una investigación sobre las técnicas de manufactura y los materiales utilizados por los orfebres muiscas, haciendo uso de diversas técnicas analíticas y desde una mirada antropológica a la tecnología. Este trabajo ha percrados en esta orfebrería, tales como la relación entre las aleaciones utilizadas y el contexto de ofrenda y el estilo de trabajo de orfebres particulares. | 3:45-4:00 PM | CAFÉ | 4:00 — 5:00 PM | MODERNIDAD Y TRADICIÓN EN EL ARTE COLOMBIANO DE MEDIADOS DEL SIGLO XX: EL DORADO DE EDUARDO RAMÍREZ-VILLAMIZAR

Ana M. Franco, Universidad de los Andes

En esta charla examino las tensiones entre modernidad y tradición presentes en el arte colombiano de mediados del siglo XX a través de un análisis detallado de la obra más importante de Eduardo Ramírez-Villamizar de la década del cincuenta, El Dorado (1958-59). En 1958, Ramírez-Villamizar fue contratado para realizar la obra de arte público más ambiciosa de Colombia hasta el momento: un mural monumental completamente abstracto, producido en madera y recubierto en hojilla de tendencias internacionales en abstracción geométrica, era particularmente adecuada para expresar los ideales de modernidad, aspiraba a transmitir. Al mismo tiempo, sin embargo, El Dorado representaba un regreso a las formas y tradiciones artísticas y artesanales locales. El título y la composición de la obra se inspiraban en la colección de oro pre-colombino del Museo del Oro y su construcción se basaba en las técnicas artesanales de los retablos religiosos de la colonia. A lo largo de esta charla, argumento que el mural de Ramírez-Villamizar marca la consolidación del modernismo internacional en Colombia a la vez que hace referencias abundantes al pasado pre-hispánico y virreinal del país.