10o. Congreso Internacional "Diseñar para la Humanidad Arte + sano / Diseño + sano" / 2013

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o Congreso

internacional Diseñar para la humanidad Arte+sano Diseño+sano

14 -18 | oct Museo Nacional de Antropología Escuela de Diseño

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Líderes de Acción Positiva

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Arte+sano = DiseĂąo+sano

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Indice

Sede.........................................................................................................6 Introducción: Arte+sano=Diseño+sano...............................................11 Mensaje de Bienvenida Mtro. Ricardo Salas Moreno........................12 Mensaje laodatorio del Vicerrector Académico al Mtro. Ezequiel Farca..........................................................................14 Conferencias ..........................................................................................18 Ezequiel Farca .........................................................................................20 Raymundo Sesma....................................................................................22 Paco Sáez / Coco School........................................................................24 Marta Turok...............................................................................................26 Héctor Rivero Borrell.................................................................................28 Lydia Lavín................................................................................................30 Smurfit Kappa...........................................................................................32 Marta Ruíz................................................................................................34 Joel Rendón.............................................................................................36 Walther Boelsterly.....................................................................................38 Selva Hernández......................................................................................40 Amanda Watkins......................................................................................42 José Hernández Reyes ...........................................................................44 Marna Bunnell...........................................................................................46 Talleres.......................................................................................................... 50 Talleristas........................................................................................................ 52

Directorio Universidad Anáhuac y Escuela de Diseño........................ 76 Créditos........................................................................................................ 78

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Sede

14 y 15 de octubre de 2014 Museo Nacional de AntropologĂ­a Ciudad de MĂŠxico

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l diseño es un motor innegable para la economía internacional. Es una apuesta por la innovación, por la creatividad, por la combinación entre la función y la estética. El diseño es más que necesario, es un punto de unión entre el genio creador y el usuario que busca mejorar su calidad de vida.

La revolución industrial impactó en los procesos de producción y de entendimiento de las sociedades. La lógica del mercado benefició al desarrollo del diseño y su enseñanza. El compromiso con lo contemporáneo hizo del diseño una disciplina dinámica, integral y presente en el día con día.

Nuestra Escuela de Diseño ha reflexionado a través de sus Congresos Internacionales desde hace 10 años, sobre esta apasionante profesión. Ha sido testigo de los procesos globales vigentes y ha marcado tendencias gracias a la profundidad que hemos alcanzado en estos foros y al trabajo entusiasta de quienes han sido partícipes de esta aventura colectiva.

Por ello, hoy queremos que el tema arte+sano=diseño+sano sea el hilo conductor para una reflexión humanista de nuestros procesos. Esto porque el diseño siempre debe atender a las necesidades del usuario y a los dictados de la realidad del contexto en que se produce.

México, nuestro país, es un bastión de procesos artesanales, de conocimientos ancestrales, de riqueza en manejo de formas, matices y colores. Así, cuando el diseño actúa localmente, reconoce la sabiduría que impera en cada producto artesanal. Y cuando piensa globalmente, quiere impulsar este patrimonio universal a cada transeúnte de los procesos de la vanguardia.

No es el abandono de lo conquistado gracias a la tecnología lo que nos convoca. Por el contrario. Es el reconocimiento de lo ancestral a la luz de lo vigente. La artesanía es algo vivo, algo que se respira en cada plaza, en cada mercado, en cada paraje de nuestro extraordinario país. Y por ello, como diseñadores comprometidos con nuestro prójimo, debemos brindarnos plenamente para llevar la artesanía a las alturas que se merece en un mundo guiado por el mercado y los procesos de globalización.

Sea ésta una invitación a la reflexión colectiva, a la acción orquestada y al encuentro apasionado entre las manos milagrosas de los artesanos y el pensamiento estratégico de los diseñadores de vanguardia.

En este documento, fiel testimonio de nuestro compromiso por un mejor diseño, encontrarán las palabras que nuestro Director, el Mtro. Ricardo Salas Moreno, pronunció para dar cauce a este evento sin parangón.

Las palabras que enmarcaron la entrega de la Medalla Anáhuac en Diseño 2013 al reconocido diseñador Ezequiel Farca, se encuentran en este documento que da memoria y sustento al encuentro creativo. Asimismo, se da cuenta de los principales conceptos vertidos por nuestros conferencistas provenientes de España, Canadá e Inglaterra, así como de nuestro país, cuya mirada interdisciplinaria abarca desde el diseño de objeto hasta la antropología.

Escenario

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Introducción El diseño es un motor innegable para la economía internacional.

Es una apuesta por la innovación, por la creatividad, por la combinación entre la función y la estética. El diseño es más que necesario, es un punto de unión entre el genio creador y el usuario que busca mejorar su calidad de vida.

La revolución industrial impactó en los procesos de producción y de entendimiento de las sociedades. La lógica del mercado benefició al desarrollo del diseño y su enseñanza. El compromiso con lo contemporáneo hizo del diseño una disciplina dinámica, integral y presente en el día con día.

Nuestra Escuela de Diseño ha reflexionado a través de sus Congresos Internacionales desde hace 10 años, sobre esta apasionante profesión. Ha sido testigo de los procesos globales vigentes y ha marcado tendencias gracias a la profundidad que hemos alcanzado en estos foros y al trabajo entusiasta de quienes han sido partícipes de esta aventura colectiva.

Por ello, hoy queremos que el tema arte+sano=diseño+sano sea el hilo conductor para una reflexión humanista de nuestros procesos. Esto porque el diseño siempre debe atender a las necesidades del usuario y a los dictados de la realidad del contexto en que se produce.

México, nuestro país, es un bastión de procesos artesanales, de conocimientos ancestrales, de riqueza en manejo de formas, matices y colores. Así, cuando el diseño actúa localmente, reconoce la sabiduría que impera en cada producto artesanal.

Y cuando piensa globalmente, quiere impulsar este patrimonio universal a cada transeúnte de los procesos de la vanguardia.

No es el abandono de lo conquistado gracias a la tecnología lo que nos convoca. Por el contrario. Es el reconocimiento de lo ancestral a la luz de lo vigente. La artesanía es algo vivo, algo que se respira en cada plaza, en cada mercado, en cada paraje de nuestro extraordinario país. Y por ello, como diseñadores comprometidos con nuestro prójimo, debemos brindarnos plenamente para llevar la artesanía a las alturas que se merece en un mundo guiado por el mercado y los procesos de globalización.

Sea ésta una invitación a la reflexión colectiva, a la acción orquestada y al encuentro apasionado entre las manos milagrosas de los artesanos y el pensamiento estratégico de los diseñadores de vanguardia.

En este documento, fiel testimonio de nuestro compromiso por un mejor diseño, encontrarán las palabras que nuestro Director, el Mtro. Ricardo Salas Moreno, pronunció para dar cauce a este evento sin parangón.

Las palabras que enmarcaron la entrega de la Medalla Anáhuac en Diseño 2013 al reconocido diseñador Ezequiel Farca, se encuentran en este documento que da memoria y sustento al encuentro creativo. Asimismo, se da cuenta de los principales conceptos vertidos por nuestros conferencistas provenientes de España, Canadá e Inglaterra, así como de nuestro país, cuya mirada interdisciplinaria abarca desde el diseño de objeto hasta la antropología.

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La alianza entre diseñadores y artesanos

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se está convirtiendo en un fenómeno colectivo en Latinoamérica.

El curador e investigador australiano Kevin Myray, un observador privilegiado de la escena artesanal en el hemisferio sur, cree que está dando lugar a una (r)evolución verdaderamente silenciosa en el continente.

Esta conexión nos lleva a la pregunta sobre cómo nombrar esta práctica. No hay consenso acerca de esta cuestión. Algunas personas lo etiquetan como artesanías con diseño, mientras que otros hablan de artesanías contemporáneas o artesanía moderna. Recientemente ha surgido la expresión de “Diseño Social”.

Les pregunto. ¿Cómo podemos recorrer en este terreno inestable?

En mi opinión, la expresión “artesanía con diseño” parecería considerar al diseño como una verdadera característica que se añade a un objeto hecho a mano después de completarlo. Algo así como “fresas con crema”, es decir, como una opción adicional destinada a mejorar el producto y, a menudo, encareciéndolo.

Diseño, en este caso, no tendría nada que ver “esencialmente” con lo artesanal. Sin embrago, las nociones de artesanía y diseño están cada vez más y más cerca.

Contextualicemos. Existen tres organizaciones de carácter capital, que reúnen a profesionales de diseño de todo el mundo: 1. International Council of Societies of Industrial Design (ICSID).

2. International Council of Graphic Design Associations (ICOGRADA).

3. International Federation of Interior Architects Designers (IFI).

Como sus nombres lo indican cada una está enfocada y dedicada a un segmento específico, diseño industrial, diseño gráfico y diseño de interiores . La definición de diseño adoptado por ICSID, hasta hace pocos años, incluye el adjetivo “industrial”, el diseño es una actividad creativa cuyo objetivo es establecer las cualidades multifacéticas de objetos, procesos, servicios y sus sistemas en ciclos vitales enteros. Por lo tanto, el diseño es el factor central de la humanización innovadora de las técnicas y tecnologías y el factor crucial del intercambio cultural y económico.

No obstante, esta definición no distingue entre los medios de reproducción de lo que está diseñado. La actitud de proyecto puede venir ya sea de la reproducción industrial o artesanal del objeto, o de todas las variedades entre lo puramente industrial y lo puramente artesanal, como ha venido sucediendo cada vez con más frecuencia. Esto es, que el trabajo de un artesano comienza a incluir etapas en las que las máquinas se utilizan para trabajar materiales puros o en la confección de los objetos, mientras que en las industrias, en particular las del segmento de lujo, la mayoría de los acabados se hacen a mano por artesanos altamente especializados.

Marcas como Ferragamo, Bentley, Hermès, Tane, Nouvel, EZEQUIEL FARCA, Esrawe, Honda, Fiat, Televisa, entre otras, transforman este componente en una de las principales cualidades distintivas de sus zapatos, prendas de vestir,

Mensaje de

bienvenida Mtro. Ricardo Salas Moreno

accesorios automovilísticos, coches, orfebrería, objetos de vidrio utilitarios y productos multimedia, por mencionar algunos.

La reproducción como un todo o en parte, a través de la tecnología digital trajo nuevos factores complicados al tema.

No es raro ver el mismo producto incorporando aspectos industriales, artesanales y digitales en su proceso productivo.

Este es el caso, por ejemplo, de los pantalones vaqueros de la marca Levi´s, que se pueden pedir en línea de acuerdo a las mediciones digitalizadas de los consumidores, siguiendo las especificaciones exactas que él o ella desea con respecto al tipo de tela, estilo de la cintura, y la forma de los bolsillos, así como ordenar acabados con detalles bordados.

A menudo, en la misma fábrica y en la misma familia de productos existen series de producción automatizada con acabados distintos en una colección mediana o pequeña, incluso para cada producto diferente. Esto sucede no solo en los casos en que un producto esté terminado a mano, sino también para algunos en los que todo el proceso es industrial.

Esta práctica surgió en la década de los 80, por ejemplo, Kartell, que produce muebles de plástico y objetos, lanzó una silla diseñada por Anna Castelli Ferrieri donde la composición de color no se repite, haciendo cada objeto único. Esta posibilidad inviable e incluso inimaginable hasta hace algunos años, comenzó a ser explorado sin la necesidad de hacer el molde para la reproducción, pero en su lugar, se implementó la introducción de colores en una cierta etapa de la fabricación.

La metodología de un proyecto enseñado en la universidad indica una secuencia que va desde un plan preliminar al dibujo técnico, el modelo y luego el prototipo. Sin embargo, muchos profesionistas reconocidos evitan la etapa del dibujo y elaboran el modelo o prototipo de forma directa, a través de experimentos con la mano. Es un verdadero error pensar que no existe una formulación mental en este proceso, o un concepto preformado que cambia conforme se va desarrollando. Artesanal no es solamente hecho a mano, de la misma manera que hablar, no es solo mover la boca.

No es nada nuevo que los diseñadores y autores se abran a la producción artesanal de diseño, Charles Eames, uno de los más renombrados diseñadores industriales del siglo XX, en 1969 participó en What is Design?, exposición organizada por el Museo de Louvre en París, basada en la entrevistas con los cinco diseñadores más expresivos de la época y que a su vez dominaban el quehacer de diseñadores gráficos, industriales, de tendencia contemporánea, de moda y estilismo, expertos en movilidad y precursores en la animación gráfica. Cuando se le preguntó si el diseño implica fabricación industrial, respondió: “Algunos productos la tienen, otros no, dependiendo de la naturaleza del diseño y sus requerimientos”.

Aclararemos este tema a medida que profundicemos en estos cinco días sobre Diseño y artesanía, que nos permita comprender esta [r]evolución silenciosa que está sucediendo en Latinoamérica. La producción artesanal está en sintonía con ideas recientes de sostenibilidad, que abraza conceptos de responsabilidad ambiental, inclusión económica, justicia social y diversidad cultural –este último es reconocido por algunos como el cuarto pilar del desarrollo sostenible.

Lo artesanal es uno de los medios más importantes de la representación de la identidad de un pueblo, específicamente ahora de nuestro México. A través de ella no solo los materiales y las técnicas están fuertemente representados, sino también los valores colectivos y su singularidad.

México está necesitado de seguir enriqueciendo su valiosa artesanía mediante la integración de nuevas tecnologías y, sobre todo, de la intervención de diseñadores que sepan traducir la sensibilidad humana con la tecnológica para crear opciones en el crecimiento social y mejoramiento de las tangibles redes sociales.

Es para mí, como Director de la Escuela de Diseño, un compromiso para con la humanidad, el darles horizontes claros y precisos para que, con la capacidad y talento formado a través de nuestra academia, pero aunado a su trayectoria sensible en el diseño y arte, fortalezcan su propio carácter y convertir su camino en un pleno crecimiento en el futuro de nuestra nación.

Solamente de esta manera el camino de cada uno de ustedes se verá iluminado y florecerá de manera concreta para el porvenir de esta nuestra nación que es México.

Diseñar para la humanidad, hoy en día es la marca que genera conciencia en los jóvenes diseñadores de la Universidad Anáhuac, en esta ocasión el Museo de Arte Popular a través de su director Mtro. Walter Boelsterly será y ha sido partícipe de esta iniciativa desde que en 2010, convocó con el mismo espíritu a los mejores artesanos de México y artistas plásticos de renombre, a trabajar con el espíritu y objetivo en la producción de objetos e imágenes que son el orgullo de las manos mexicanas y de esta manera crear una de las más ricas colecciones de arte y artesanía que se haya creado en México.

Los convoco a que a partir de este momento centremos nuestra atención en el detalle de lo nuestro y conformar una línea de trabajo profesional entre vuestra creatividad, la del artesano y los múltiples caminos de la tecnología.

Con ello en nuestra mente y en nuestro impulso vital, les deseo lo mejor para este X Congreso Internacional Diseñar para la Humanidad arte+sano=diseño+sano. ¡Diseño Anáhuac es!

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Mensaje

laodatorio del Vicerrector Académico al Mtro. Ezequiel Farca Mtro. Jaime Durán Lomelí / Vicerrector Académico de la Universidad Anáhuac

Es un gusto celebrar el 10º aniversario

de los Congresos Internacionales Diseñar para la Humanidad, organizados en la Escuela de Diseño, en este magnífico recinto del Museo Nacional de Antropología. Un escenario para recordar que, desde tiempos precolombinos, México es un país donde la creatividad se manifestaba en todo momento, donde las manos de los constructores utilizaban los elementos más básicos para transmitir belleza y cumplir con las funciones que requiere la cotidianeidad.

Y bajo este marco de reflexión entre la artesanía y el diseño, es un honor recibir al Mtro. Ezequiel Farca, quien se ha hecho merecedor, por su probada trayectoria profesional, de la Medalla Anáhuac en Diseño 2013.

Esta presea se suma a los diversos méritos que a bien ha enumerado el Mtro. Ricardo Salas. Pero esta Medalla representa una distinción muy especial. Es el reconocimiento que simboliza la voz de los jóvenes estudiantes de la Escuela de Diseño, quienes ven en nuestro galardonado un ejemplo vivo de persistencia, de dedicación y de entusiasmo.

Estas virtudes de los diseñadores, unidas a su disciplina y a su capacidad para crear objetos que benefician a la sociedad, son las que queremos consolidar en nuestros alumnos para que sean portavoces de los más altos ideales, para que diseñen con pasión y sentido para una mejor humanidad.

A ellos me dirijo para que se constituyan como verdaderos Diseñadores Anáhuac, como hombres y mujeres íntegros. Esto es, que encuentren en el actuar a favor de su comunidad la mejor forma de competir en un mundo globalizado. Que vean en las múltiples maravillas de este país, rico en tradiciones, en símbolos, en objetos, en arte, la inspiración estética para sus creaciones atentas a las vanguardias internacionales.

La constancia y la creatividad certificada y avalada internacionalmente es lo que ha permitido al Mtro. Ezequiel Farca el consolidarse como uno de los diseñadores más importantes del mundo. Es una gran enseñanza para todos nosotros: el conocer a fondo la esencia de este magnífico país y traducir todas sus bondades en objetos y diseños apreciados internacionalmente.

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Pero no solo es una cuestión estética. Valorar a México es valorar a la persona humana en todas sus dimensiones. Valorar al otro es reconocer la sabiduría ancestral de los artesanos, pero también es comprender la dinámica y las exigencias del mundo contemporáneo.

Ese espíritu también recorre los festejos de nuestra Casa de Estudios que celebrará su 50 aniversario, siendo una institución reconocida internacionalmente, con programas acreditados ante las principales instancias nacionales y que actualmente se certifica como un todo ante la Southern Association of Collages and Schools (SACS). Así, podemos dar certeza de que nuestra misión se cumple y de que formamos efectivamente líderes de acción positiva Apostar por el reconocimiento internacional, como el que hermana a nuestro invitado y a nuestra Universidad Anáhuac es un trabajo arduo, sin duda. Con múltiples penas y alegrías. Pero que poco a poco se corona de merecidos y sentidos homenajes.

Ese es el ánimo con que hoy entregamos la Medalla Anáhuac en Diseño 2013 a nuestro distinguido invitado, el Mtro. Ezequiel Farca. Para él, nuestras más sinceras felicitaciones por seguir con paso firme hacia su meta: mejorar la vida del otro mediante entornos bien diseñados.

Felicito ampliamente a la querida Escuela de Diseño, particularmente al Mtro. Ricardo Salas y a su equipo de trabajo, por la organización de este extraordinario evento, que celebra en la presencia del Mtro. Ezequiel Farca a lo mejor de la apasionante profesión del diseño.

Muchas felicidades.

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Ezequiel

Farca México

LUNES 14 DE OCTUBRE Apasionado de la fotografía, Ezequiel Farca mostró parte de su colección de objetos de la vida cotidiana en las calles de nuestro país. Así, apuntó que hay que saber observar el mundo “desde la óptica de un niño”.

El galardonado con la Medalla Anáhuac en Diseño y merecedor de numerosos premios como el Good Design Award, señaló que es responsabilidad del diseñador guiar al artesano para que no falle en su trabajo constructivo.

En ese sentido, Ezequiel Farca ejemplificó la forma en que ha intervenido en fondas y otra gama de proyectos, experimentando con elementos naturales, como el coco, y partiendo del dibujo a mano.

Sus fotografías sirvieron para distinguir los detalles de los objetos que admira, como las imágenes religiosas que cobijan un USB, hasta el yate que diseña en Italia, el país donde el diseño y la artesanía ayudan al desarrollo nacional.

El Director Creativo y CEO de Ezequiel Farca invitó a la audiencia a preguntarse para quién diseñamos y en dónde está la línea divisoria entre la arquitectura y el diseño.

“Mi familia es mi mejor diseño”

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Raymundo

Sesma México

LUNES 14 DE OCTUBRE Advento, señaló Raymundo Sesma, es un proyecto de diseño social. Una alianza establecida entre los diseñadores más importantes de México y los artesanos de Tecalli, en Puebla. Para él, encontrarse con el otro lo ha hecho encontrarse consigo mismo.

Con ese compromiso con el diseño, ha podido participar en muestras internacionales y ser merecedor del Honor Award 2007 por el American Institute of Architecture.

Sesma mostró el trabajo que ha encabezado por 18 años en el colectivo Advento, que abarca una gran cantidad de objetos, pero también mostró las intervenciones arquitectónicas que ha tenido en centros comerciales. Conceptos vibrantes que han llevado a explorar la cosmovisión del otro sin excluirla. Solo así se puede entender su idea de que hay que continuar con la tradición, no destruirla.

Raymundo Sesma, quien ha impartido talleres en la Escuela de Diseño, invitó a generar la interacción entre los medios que se tienen con la sociedad para realizar intervenciones programáticas y limpiar con elementos de diseño, como el color, las ciudades y los edificios olvidados.

“El diseño te da estructura y rigor.”

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Paco

Sáez España

LUNES 14 DE OCTUBRE Con la facilidad de un virtuoso de la animación, Paco Sáez despertó entre los asistentes al Congreso no solo risas, sino serias reflexiones sobre la importancia del dibujo en el proceso de diseño.

A partir de la imagen de Mickey Mouse, del cual es ilustrador oficial en su natal España, Sáez se identificó como “un dibujante soñador que cuenta historias”. En este sentido, fue mostrando los trabajos realizados para Planet 51, tanto aquellos que fueron descartados como aquellos que terminaron como piezas finales.

El profesor de COCO School y tallerista en varias ocasiones en nuestra Escuela de Diseño advirtió sobre los peligros del deslumbrarse con el software, por lo que invitó a los estudiantes a creer en los proyectos que realizan a partir de la documentación gráfica más extensa y crítica.

“La pasión por lo que uno ve” fue otro de los elementos que puntualizó el también Miembro Numerario de la Academia de las Artes y las Ciencias cinematográficas de España, quien, con voces de extraños personajes, profundizó en su proceso creativo y señaló que hay que vencer al ego y escuchar al otro para tener éxito en la vida.

“En el diseño, existe la dictadura del dibujo.”

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Marta

Turok México

LUNES 14 DE OCTUBRE Antropóloga con un amplio trabajo de desarrollo comunitario a partir de la combinación entre el diseño y la artesanía, Marta Turok puntualizó críticamente la problemática nacional.

Marta Turok señaló que poco se ha estudiado y mencionado sobre la realidad de los artesanos en el país. La mayoría de hijos de los artesanos ya no quieren dedicarse a esta ancestral tarea.

Algunas de las verbalizaciones que le han compartido en sus investigaciones han sido “No se puede vivir de esto”, por lo que conminó a los diseñadores a considerar la relevancia del tema del Congreso.

Tras iniciar su charla en tzotzil, Marta Turok enfatizó que hay que investigar y conocer al país para poder hacer propuestas, trabajar de la mano de los artesanos, quienes desde los 16 años tiene un dominio perfecto de las técnicas productivas.

Por ello, resaltó los trabajos de la Asociación Mexicana de Artes y Culturas Populares (AMACUP), instancia a la que representa y que realiza textiles para su posterior comercialización. Al respecto, subrayó que esta relación entre el diseño y la artesanía tiene que partir del establecimiento de los valores ambientales, sociales, histórico-culturales y económicos para generar un desarrollo artesanal integral.

Partícipe de muchas actividades de la Escuela de Diseño, con una ejemplar preparación académica en México y el extranjero, Marta Turok sentenció que es irresponsable ir a una comunidad de artesanos sin documentarse previamente. Una invitación crítica y un reto para nuestro Congreso.

“Soñar sí, pero con los pies en la Tierra.”

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Héctor

Rivero Borrell México

LUNES 14 DE OCTUBRE Ganador de la Medalla Anáhuac en Diseño 2010, Héctor Rivero Borrell Miranda se ha convertido en una presencia infaltable en nuestros eventos. Por ello, su conferencia “Un museo de arte en la Ciudad de México” fue pieza clave en el entendimiento de la relación entre el diseño y la artesanía.

Su alocución inició haciendo del conocimiento del público la vida de Franz Mayer, un alemán que radicó en México y que contribuyó sustancialmente a valorar el papel del objeto en la vida cotidiana. No por nada, el Museo Franz Mayer, construido gracias a sus aportaciones y buenos oficios, resguarda parte de los más de 11 mil objetos que coleccionó a lo largo de su vida.

Héctor Rivero Borrell, con su mirada de diseñador industrial y apasionado de la cultura del objeto, mostró claramente la forma en que el Hospital San Juan de Dios se transformó en el bello recinto que alberga las instalaciones del Museo Franz Mayer.

A partir de allí, y haciendo gala de sus habilidades discursivas, señaló la forma en que el Museo que dirige ha sido pionero en exposiciones de las artes decorativas en nuestro país, siendo el receptáculo de más de 400 muestras itinerantes y permanentes que abarcan desde porcelana hasta las aportaciones de la Bauhaus a la cultura nacional.

“No hay nadie más entusiasta que un converso.”

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Lydia

Lavín México

LUNES 14 DE OCTUBRE Creadora de una marca de alto crecimiento a nivel mundial, Lydia Lavín dio claras muestras de cómo diseñar tomando en cuenta las manos del artesano y crear así “moda sostenible comunitaria”.

Durante su exposición, explicó la manera en que sus piezas son creadas a partir de las comunidades indígenas y de lo que se ha llamado design thinking. Con ello, ha podido generar fuentes de empleo y comercializar los productos que se realizan en regiones apartadas del país.

Con una mirada que va más allá del reconocimiento de los patrones estéticos de las comunidades indígenas, Lydia Lavín llamó a los jóvenes diseñadores a comprender la relevancia de la economía en el proceso de diseño.

Desde luego, Lavín, quien ha estado presente en la Mercedes Benz Fashion Week junto con las artesanas, subrayó que el trabajo debe ser realizado “tú a tú”, sin afán colonizador, sino “colaborando con mente abierta”.

Este reconocimiento del valor de las artesanas, la llevó a señalar que hay pagos injustos que se hacen a los artesanos de nuestro país. Por lo que la convicción con la que trabaja la ha obligado a comprender de manera integral la problemática de los artesanos y la forma en que se les puede ayudar, como diseñadores, de una manera efectiva aprovechando las tendencias como “el nuevo lujo europeo”.

“No es solo diseñar objetos, es diseñar estrategias.”

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Smurfit

Kappa Internacional

LUNES 14 DE OCTUBRE En España y Portugal Smurfit Kappa cuenta con 19 plantas y con una plantilla de unas 1,800 personas. Se dedican a la fabricación de papeles y embalajes de cartón ondulado de forma sostenible, segura, eficiente e innovadora.

Paulina Saucedo, Jefa de Diseño de Smurfit Kappa México, fue la responsable de presentar a esta empresa transnacional que está enfocada en el consumidor final y en el desarrollo de productos que coadyuven al desarrollo sostenible.

Ofrecen a sus clientes la más amplia gama de soluciones de embalaje para cubrir todas y cada una de sus necesidades potenciales. Disponen de plantas especializadas en Bag in Box, platos agrícolas, gran embalaje y displays.

Smurfit Kappa es una empresa integrada que abarca desde la gestión forestal sostenible hasta la producción de papeles de fibra virgen y reciclados; sus plantas papeleras suministran a sus plantas de cartón, optimizando y asegurando la cadena de suministro y el ciclo del papel.

Para ello, también invierten en la generación de laboratorios en Holanda, en el catálogo de uso interno que les permite conocer sus propios productos a través de la web y en el software de simulación de sus productos en puntos de venta reales.

Esta actividad fue la antesala para el taller y el concurso que promovieron entre los estudiantes de la Escuela.

“Estamos buscando el iBox.”

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Marta

Ruíz México

MARTES 15 DE OCTUBRE Docente y coordinadora del Centro de Investigaciones de Diseño Industrial (CIDI) de la Facultad de Arquitectura de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) por más de 27 años, Marta Ruíz demuestra que el diálogo entre la producción creativa y la academia puede dar resultados concretos.

Tal es el caso de su proyecto Arta Cerámica, que inició con sus alumnos de la UNAM y que, como señaló durante su alocución, hoy resulta una pieza clave para comprender la forma en que el diseño y la artesanía se influyen y se proyectan para un mejor país.

Marta Ruíz ha organizado eventos relacionados con el Premio Clara Porset, el Premio Mexinox, CODIGRAM y la 1ª Bienal de Cerámica Utilitaria del Museo Franz Mayer.

Además, durante 8 años ha encabezado Arta Cerámica, “un espacio incluyente” en el que se desarrollas las ideas de alumnos, artesanos y de reconocidos diseñadores como Emiliano Godoy.

Con presencia en las principales tiendas de diseño del país, como Arrolladora de Diseño, y con los decorados de Ana Gómez, la artesanía y el diseño que impulsa Marta Ruíz, parten de una escucha atenta a las realidades de los artesanos. Por ello también su impulso a los workshops que se llevan a cabo en las comunidades mayas y que la hacen explorar las ideas de los artesanos de Xpujil, entre otras comunidades.

“Seguimos diseñando porque es nuestra pasión… ¿qué le vamos a hacer?”

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Joel

Rendón México

MARTES 15 DE OCTUBRE Originario de Izúcar de Matamoros, Joel Rendón es un artista que conserva en sus manos la tradición de José Guadalupe Posada, y que creció con la marcha urbana de esta ciudad.

Esa estética y esa mirada al arte nacional, impactaron durante su conferencia.

No solo fueron las cápsulas que mostró para enseñar cómo hacer estampados vibrantes y pletóricos de símbolos nacionales, sino la construcción de una propuesta lo que marcó uno de los momentos cúspides del encuentro en el Museo Nacional de Antropología.

Joel Rendón incluyó en su discurso la polémica sobre la gráfica nacional y sobre la necesidad de retomar el “Método de dibujo” planteado por Adolfo Best. Así, se ocupó de las interpretaciones que se han hecho de la figura “El pensador” de Rómulo Ruíz y de “La Catrina” de Posada (que inicialmente se llamaba “La Garbancera”).

Rendón fue enfático: el éxito de un diseñador, de un artista, no consiste en estar presente en una galería, sino ser parte de la cultura popular. En ello radica su colección de grabados y su trabajo de difusión a través de Canal Once.

Sus piezas pertenecen ya a las portadas de los discos del grupo de rock La Barranca y a los obsequios que en su momento le fueron entregados a Juan Pablo II. Además, con carácter pedagógico, se da tiempo para explicar sus técnicas de estampado y señalar que “La pasión es como un trance”.

Constructor de íconos populares, intérprete de figuras como Matisse y Picasso, Joel Rendón se destaca por sus obras y su propuesta de diseño sano.

“Dale un árbol a tu vida y haz una estampa al momento.”

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Walther

Boelsterly México

MARTES 15 DE OCTUBRE Enunciando conocimiento y experiencia, Walther Boelsterly demostró durante su conferencia porqué es reconocido como una de las figuras más importantes en los museos de éste y otros países.

El Director General del Museo de Arte Popular dividió su intervención en dos partes. Durante la primera, dio lectura a la conferencia “El arte popular, un abrevadero común”. Resaltó la necesidad de hacer una revisión crítica de una cultura juvenil dominada por el copy/paste. Aspecto que diferenció del inspirarse en las culturas populares, en las estéticas ancestrales para generar ideas creativas y encontrar el entendimiento común.

Boelsterly , quien ha impartido conferencias en diversas ciudades del mundo, señaló que el diseño implica también muchos fracasos, pero que es parte de una evolución histórica. Los objetos, enfatizó, no fueron diseñados en tiempos antiguos con base en la estética o en la ergonomía, sino para permitir la mejor adaptación de la especie a los contextos complejos.

Asimismo, quien ha sido partícipe y auspiciante de éste y otros Congresos de la Escuela, señaló la relevancia de ser conscientes de los problemas éticos y ecológicos a los cuales nos enfrentamos hoy día. Por lo que llamó a mejorar el “frágil equilibrio” con la naturaleza que ha propiciado la evolución humana.

La segunda parte de su alocución consistió en mostrar las piezas que a partir de las formas animales son ahora esenciales para le conocimiento colectivo.

“’Modernos los antiguos’, diría Quino.”

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Selva

Hernández México

MARTES 15 DE OCTUBRE Poseedora de una envidiable trayectoria que abarca las revistas sobre libros y culmina con la creación de Ediciones Acapulco, Selva Hernández participó en este Congreso, consolidando la contribución que ha tenido con la Escuela de Diseño de la Universidad Anáhuac.

Haciendo un recorrido a la historia de su familia, recordó que todo empezó en las librerías de viejo de su abuelo y en su vocación permanente como lectora y amante de los libros.

Estudiosa de las letras, Selva Hernández cursó las licenciaturas de Comunicación Visual en la Escuela Nacional de Artes Plásticas e Historia en la Facultad de Filosofía y Letras, ambas en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM).

La reflexión durante la ponencia se centró en la pregunta por el libro y su relación con el diseño y la artesanía. Selva lo definió como “un objeto perfecto y precioso”, y así mostró su trayectoria en relación con ésta, su pasión.

Una vez que ha experimentado en todos los ramos de la industria editorial, Selva Hernández, junto con su equipo de trabajo ha decidido generar una empresa alternativa, Ediciones Acapulco, donde la obra de diseñadores y escritores tanto de renombre como no tan conocidos, encuentran en el libro artesanal una opción para albergar su obra.

“Tuve la fortuna de crecer entre libros.”

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Amanda

Watkins México

MARTES 15 DE OCTUBRE Un diálogo que cambió la dinámica del encuentro, fue el establecido por esta diseñadora de modas inglesa con más de 12 años de experiencia.

Su propuesta combina la artesanía callejera con las más importantes tendencias de la moda a nivel mundial.

Mostrando sus aportaciones a la cultura popular y la forma en que las calles impactan al diseño de modas ecléctico de Londres, Amanda Watkins puso en relación con el estudiantado de la Anáhuac las posibilidades creativas de lo cotidiano.

Su estilo se perfila a la comprensión de la moda masculina, un mercado que para ella ha sido poco trabajado. Y con ello, invitó a observar a los transeúntes de las metrópolis, particularmente de México, para descubrir las ventajas de lo vintage y de la ropa de segunda mano.

En ese caos cotidiano, encuentra su inspiración para generar su sketchbook, que también definió como caótico. Y en ese estilo de lo desgarbado, Amanda Watkins conminó a la audiencia a no seguir las modas marcadas por los grandes consorcios comerciales de ropa.

Invitó a los asistentes a pensar en el consumidor, a comprender que hoy las decisiones de compra se llevan a cabo tras conocer la historia de los productos que se venden.

Así, Amanda formó parte de la historia de este Congreso, en el que resaltó tanto por su dinámica expositiva como por su participación como tallerista.

“Recycle / Tradition / Craft / Ecological”

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José

Hernández Reyes México

MARTES 15 DE OCTUBRE José Hernández Reyes tiene una formación claramente humanista, pero se ha desempeñado en el ámbito de la difusión cultural con grandes resultados. Licenciado en Filosofía por la Universidad Nacional Autónoma Metropolitana (UNAM), Maestro en Antropología Social por la Universidad Iberoamericana y Diplomado en Calidad Total por el Instituto Tecnológico Autónomo de México (ITAM), hizo gala de su experiencia y conocimiento en nuestro Congreso.

El actual Director Comercial del Fondo Nacional para el Fomento de las Artesanías (FONART), retomó la problemática del artesano nacional, señalando la falta de atención por parte de las autoridades nacionales.

El FONART, dijo, actualmente está en proceso de reestructuración. Lo que fue una extraordinaria iniciativa a finales de los 70, fue rebasada rápidamente, en menos de una década por lo que se comenzó a hacer en algunos países africanos y suramericanos.

Por ello, a pesar del catálogo que tiene el Fondo, resulta insuficiente. La voz crítica de Hernández se tornó propositiva cuando subrayó que debe existir una relación creativa con el diseño y su posibilidad de generar nuevos productos para el artesano mexicano, pues la artesanía no solo es cultura, sino que también se tiene que vender.

El autor del libro Arte del Pueblo. Manos de Dios, reconoció los buenos oficios de gente como Marta Turok y el impulso que ha dado a los artesanos, particularmente en el ámbito textil. Y con ella como ejemplo, invitó a los estudiantes a generar propuestas de negocio que impulsen a los artesanos nacionales, de quienes no se tiene una información demográfica exacta.

“Para el Estado Mexicano, los artesanos son invisibles.”

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Marna

Bunnell Canadá

MARTES 15 DE OCTUBRE Marna Bunnell presentó su proyecto artístico en nuestro Congreso. Una visión interdisciplinaria la caracteriza, además de su preocupación por los problemas sociales, particularmente la prostitución.

La fantasía del cuento de Rapunzel y su derivación estética visual, convivió con sus reflexiones sobre el filósofo Friederich Nietzsche, de quien Marna retomó la frase “Aquel que pelea con monstruos se vuelve uno de ellos.”

Poseedora de una amplia experiencia y un extraordinario trabajo artístico a partir de la experimentación con las formas, Marna Bunnell demostró la manera en que el trabajo manual, artesanal, puede convivir creativamente en la era digital.

A través de los objetos que realiza y que se vuelven escenario, Bunnell conmina a la acción creativa. Insistió en que el dibujo debe ser una parte esencial para la producción en nuestros días, sin importar que éste sea realizado con lápiz o con cabellos, como sucede en buena parte de los proyectos que expuso.

La también tallerista del evento y egresada de la Maestría en Artes Visuales por la Universidad de Alberta, concluyó su exposición con la participación de Lombardo Carmelo, un artesano de Uriarte Talavera. Ambos hablaron sobre los proyectos que realizan en conjunto y de aquellos que han elaborado de manera independiente.

“Meat of tongue.”

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Ana

Aceves Joyería

17 de octubre, de las 9 a las 14:30 hrs.

Salón 17113 Material: $150 para kit de trabajo Jugando con globos, chaquiras, alambre y estambre, los participantes en este taller se dieron a la tarea de encontrar en estos elementos decorativos nuevas formas para hacer un anillo y un collar. Colorido y forma que surgen de las instrucciones creadas por la tallerista con base en el conocimiento popular.

“Me gustó mucho este taller porque aprendí a hacer anillos de diferentes formas. Este taller hizo que me interesara esta parte del diseño. Me pareció un taller divertido y muy productivo.”

- Georgette Karina Vázquez Luna

Eduardo

Aguirre Artesanía digital

18 de octubre, de las 8:00 a las 13:00 hrs.

CAD 7 Materiales: Computadora con Rhino.

Las modernas herramientas del diseñador hacen las veces de impulso a la artesanía mexicana. A partir de las formas geométricas básicas que se entrevén en las piezas artesanales del pan de muerto y los jarrones de barro, los alumnos impulsan su creatividad y las posibilidades de un programa de diseño digital en 3D.

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“Me gustó ver las diferencias en cuanto a la intención que intenta generar un diseñador industrial comparada con un multimedia.”

- Daniela Katz

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Víctor Alemán

Gala Fernández Taller Tlayacapan

15 de octubre, visita a Tlayacapan 16 al 18 de octubre, de las 9:00 a las 14:00 hrs.

Salón 17205 Materiales: Sketchbook, elementos para bocetaje y cámara fotográfica Impulsados por el conocimiento presencial de la artesanía en Tlayacapan, los participantes en este taller se dividieron en equipo para trabajar familias de objetos que han intervenido los diseñadores industriales tradicionalmente. Este diálogo terminará en frutos y aportaciones de la creatividad juvenil para el conocimiento ancestral de los artesanos de Morelos.

“El tener contacto directo con el artesano es muy importante y es una experiencia única: no sólo es conocer su forma de trabajo y cómo lo hace sino que también es toda una cultura la que se obtiene al aprender su forma de pensar y hacer las cosas.”

- José Luis Contreras

Alejandra

Antón

Designapan: pan del día 16 y 18 de octubre, de las 10:00 a las 13:00 hrs.

17 de octubre, visita a panadería Salón 17211 Materiales: Elementos de trabajo cotidiano bocetar y pensar ideas.

El sabor del pan artesanal es un tesoro nacional. Este taller buscó el rescate de los nombres de los panes, la forma en que se realizan y su consumo para generar ideas gráficas, industriales y multimedia para conservar y difundir este extraordinario

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elemento entre los nuevos mercados. artesanales del pan de muerto y los jarrones de barro, los alumnos impulsan su creatividad y las posibilidades de un programa de diseño digital en 3D.

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Mónica

Barajas

Aportes al pequeño taller artesanal de barro, desde el diseño

16 y 17 de octubre, de las 11:00 a las 14:00 hrs.

Salón 17103 Materiales: Plumones y hojas blancas tamaño carta.

Tierra y agua son los ingredientes necesarios para iniciar los procesos de fabricación del barro. Las manos de los jóvenes que se familiarizan con este elemento natural, junto con la estética de la artesanía tradicional, permiten el nuevo sentido para las formas sugeridas. El aire y el fuego fueron los encargados de terminar este diálogo entre la artesanía y el diseño.

Marna

Bunnell

Muestrario gráfico: A new crafted vocabulary

Del 16 al 18 de octubre, de las 9:00 a las 15:00 hrs.

Salón 17117 Materiales: ¡Inspiración y pasión por el diseño!

Cuaderno para bocetos. Lápiz y estilógrafo(s) en varios puntos/calibres. Regla, Plantillas y curvígrafos. Regla, plantillas y curvígrafos.

Tijeras, cúter de buena calidad (con navajas de repuesto). Aguja(s) e hilo(s). Papel bond tamaño carta, blanco. Papel albanene y milimétrico, tamaño carta. Cámara digital. Laptop (último día). La cantidad de hojas o papeles a emplear dependerá de cada proyecto personal.

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Retomando las formas orgánicas del diseño, los elementos básicos de las formas, la expresión de los trazos y de los rizomas de las artesanías nacionales, los participantes de este taller se atrevieron a crear propuestas que derivarán en piezas tridimensionales. conservar y difundir este extraordinario elemento entre los nuevos mercados. artesanales del pan de muerto y los jarrones de barro, los alumnos impulsan su creatividad y las posibilidades de un programa de diseño digital en 3D.

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Jorge Cacho / Raquel Hernández White / Heidy Herrera / Pedro Pablo Mercado Empaque / Smurfit Kappa

Del16 al 18 de octubre, de las 7:00 a las 10:00 hrs. o de las 9:00 a las 13:00 hrs.

Salón del Diseño Materiales: Los designados de acuerdo al caso propuesto por Smurfit Kappa México.

A partir de la convocatoria del 1er. Concurso Smurfit Kappa México, los participantes se dieron al reto de crear soportes y exhibidores para bonsáis. El reto fue mayúsculo e impactará distintas asignaturas en su formación académica. Y es que el proyecto lo amerita: la creación de una caja maestra a partir de las inspiraciones de este Congreso Internacional.

“Fue muy interesante ya que nos mostraron el proceso y la importancia de los empaques para ayudar en las ventas de un producto.”

- Jorge Olvera

Antonio

Cortés

Taller narrativa audiovisual / Tlayacapan 16 y 17 de octubre, de las 9:00 a las 13:00 hrs Sala multimedia Materiales: Cámara fotográfica y material de bocetaje.

Las imágenes obtenidas en Tlayacapan fueron ordenadas para la realización de un video. Para este taller, los conocimientos de las materias de multimedia dieron origen a un trabajo exploratorio de los procesos artesanales que fue editado para su exhibición en el Museo de Arte Popular de Morelos.

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“Estuvo muy padre porque conocí y aprendí cómo se hace una artesanía.”

- Aurora Salame

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Rogelio

Cuevas Papel Picado

16 y 18 de octubre, de las 19:00 a las 13:00 hrs.

Salón 17110 Materiales: Papel picado (10 muestras), papel de China y papel Bond de color.

Reencuentro con la tradición del papel picado nacional. Nuevas propuestas de jóvenes diseñadores fueron las realizadas en esta ocasión cuya meta fue la aplicación de estos detalles multicolores de variada forma a propuestas reales de envase, de moda y de otros elementos propios de lo cotidiano.

“Rogelio llevó muy bien el taller” - María Fernanda Guerrero Guerrero

Facet

School Compositing

17 de octubre, de las 10:00 a las 16:00 hrs.

Sala Multimedia Exploración de nuevas tecnologías para contar la historia. Un colibrí fue la experiencia final de este taller en el que se experimentó con la plataforma Nuke. Una nueva manera de mirar los efectos especiales y valorar el trabajo detrás de cada ente virtual en la pantalla fueron los resultantes.

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“Fue un taller bastante enriquecedor. Vimos el proceso en los estudios de las grandes producciones cinematográficas.”

- Alejandro Rodríguez Corra

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Brenda

Franco Textiles tradicionales

17 de octubre, de las 10:30 a las 19:00 hrs.

Salón 17119 Materiales: Técnica de dibujo que dominen ya sea wash, acuarela, colores, plumones, vinílica y el papel adecuado a su técnica en un formato de 50 x 100 cms. 4 láminas finales y papel extra para bocetos. Pinceles, recipientes de agua, trapos, todo lo necesario para trabajar la técnica de su elección. Imagen impresa que represente lo mexicano y sus tradiciones; formato no mayor a 45 x 50 cms. de ancho.

Itziar

Una pieza artesanal fue el pretexto para explorar colores, generar nuevas propuestas, tanto gráficas como de aplicación cotidiana.

El abanico tonal de la artesanía permitió el reconocimiento de sus aportaciones al diseño: la riqueza de un país que se vuelve imagen

“Gracias a este taller aprendí a valorar más la cultura mexicana y a tomar elementos de la vida cotidiana y transformarlos en un diseño.”

- Yamell Lerma Aguilar

García Amieva Artesanía Groove

16 y 18 de octubre, de las 9:00 a las 14:00 hrs.

Salón 17113 y Taller de vidrio Materiales: Elementos para bocetaje (lápices, colores, plumones). 3 a 6 discos LPs (viniles, viejos).

Piezas desechadas por el advenimiento de las nuevas tecnologías de grabación y reproducción musical no son elementos de desecho. Los LPs, círculos básicos, dieron origen gracias a las manos de los estudiantes a piezas decorativas y funcionales, experimentales y siempre divertidas.

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Jorge

Gómez Mercado de color

16 de octubre, de las 10:00 a las 11:00 hrs.

17 de octubre, de las 10:00 a las 13:00 hrs.

Salón 17209 Materiales: Cámara, fotos impresas, media cartulina ilustración, plumones, pinturas acrílicas, adhesivo y cúter.

La intervención de fotografías no solo se realiza a través de las tecnologías digitales.

El colorido de los mercados así como su composición, permitió a los participantes del taller recuperar técnicas del collage para resignificar la fotografía y dar nuevos rumbos a las imágenes cotidianas.

Silvia González / Rocío Muñiz El arte sano del papel

Del 16 al 18 de octubre, de las 8:30 a 13:30 hrs.

Salón 17213 Materiales: 1 pliego de papel Bond, 40 hojas carta. Lápiz, goma, plumón, pluma, regla, tijeras, etc.

La encuadernación tradicional no solo es factor de admiración por su forma final. Los trabajos resultantes de este taller concentraron los motivos nacionales y las horas de construcción gracias a las manos jóvenes que se interesan por procesos probados para la realización de libretas que funcionan y decoran según los gustos del usuario.

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Mabel Larrechart / Marifer Azuara De la textura a la letra

Salón 17113 Materiales: Computadora personal, programas básicos, escáner, sketchbook, fotocopias, cuter, regla o escuadra, tabla de corte, adhesivo, instrumentos de dibujo variados: lápices, barras de grafito, tinta china, plumillas, pinceles redondos de pelo, plumones, plumas, prismacolor, chartpak, etc.

Explorando las distintas técnicas y motivos de la producción artesanal, se pueden encontrar sorpresas para los diseñadores.

Texturas, colores, gráficos que se traducen en libros, revistas y fotografías, representan el ABC de lo nacional y que es el causal de este taller.

Yolanda

Magaña / Isary Paulet Hilos, redes y tapices

Del 16 al 18 de octubre, de las 8:30 a las 13:00 hrs.

Salón 17005 Materiales: Ganchos para tejer, papel Kraft para bocetar, carboncillo o azabache, hojas de albanene, plumones, lápices de color, variedad y grosores de estambres, mecate, cáñamo, rafia, hilo para bordar, cordón, etc. Spray de colores, tintas, pinturas Comex en colores primarios, blanco y negro, agujas de canevá y para bordar, bases o láminas de plástico reticulares de diferentes puntos para rafia, estambre y punto de cruz, brochas, Overol o bata de trabajo y ropa cómoda.

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Partiendo del logotipo institucional, un tejido en crecimiento, los trabajos de este taller exploraron los entrecruces tradicionales y generaron nuevas formas de expresión a través de elementos básicos. Colores combinados muestran que la combinación de los elementos sigue sorprendiendo tanto a quien la realiza como a quien la observa.

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Diego

Molina

Creación de alebrijes sobre papel 18 de octubre, de las 9:00 a las 13:00 hrs.

Salón de dibujo Materiales: Papel Kraft, acrílicos de colores (blanco, negro, azul, amarillo, rojo; y, si se puede, violeta), carboncillos, lápices (uno normal y algunos tipo brocha, un poco anchos), pinceles, vasos para agua y cuencos donde mezclar los colores. Cinta para pegar las hojas y algunos trapos, jergas o papel de periódico.

Nuevas miradas a las creaciones divertidas y sorprendentes de los alebrijes. La proyección bidimensional es la base para la creación de estos extraordinarios personajes de la artesanía nacional. Animales, hombres y

colores se combinan para formar y fascinar a quien encuentra en el diseño y en la artesanía elementos que también se combinan en lo fantástico nacional.

Claudia

Niermann Slideshows en movimiento.

16 de octubre, visita al Museo Franz Mayer, a las 10:00 hrs.

16 de octubre, visita al Mercado de la Ciudadela, a las 13:00 hrs.

17 de octubre, a las10:00 hrs.

Sala de profesores Materiales: Cámara fotográfica y computadora con programa Aperture activado.

Los colores y las piezas de La Ciudadela remiten a lo mejor de la artesanía. Las piezas encontradas en las exposiciones del Museo Franz Mayer proyectan a las más altas ideas de las artes decorativas y el diseño.

Su combinación en estas fotografías con 68

miradas juveniles termina por dar movimiento a las enseñanzas de este Congreso.

“Aprendimos a darle sentimiento al video para provocar una emoción en el espectador.”

- Rita Huerta

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Sergio

Patiño

Trabajo con fibras de coco Del 16 al 18 de octubre, de las 9:00 a las 14:00 hrs.

Taller de modelos Materiales: Cáscara de coco y hueso. Mototool y laptop.

Elementos naturales que dictan al objeto su forma. No es una producción que rompa con la armonía enunciada por la naturaleza. Este taller ayuda a observar a los factores naturales para darles una nueva dimensión, una nueva utilidad y generar así un diseño más sano.

“Me divertí mucho en el taller. Es interesante y divertido. El profesor fue de gran ayuda pues explicó cómo utilizar todas las máquinas del taller.”

- Sara Ourfalli

Ignacio

Piedras Objetos resignificados

Del 16 al 18 de octubre, de las 9:00 a las 13:00 hrs.

Taller de Modelos Materiales: Elementos para bocetar, un objeto de su gusto y otro que no les guste. Otros materiales de acuerdo a su propuesta.

No se puede condenar a un objeto nada más por un desprecio estético. El diseñador está obligado a darle un nuevo rostro a aquello que disgusta. En este taller, el objeto fue explorado permitió el autodescubrimiento del diseñador: qué es lo que no gusta de algo es el motivo para la creación cuando se acerca a un objeto que nos produce gozo y disfrute.

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“Aprendí a juntar dos objetos y a generar un boceto de aquello que me gustaba de esos objetos. Aprendí a usar máquinas y las posibilidades de los talleres de la Escuela.

Además estuve con mis amigos.”

- Brian Gallardo Olvera

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Mónica

Puigferrat Gráfica mexicana en serigrafía

16 de octubre, visita al Museo de Arte Popular, a las 10:00 hrs.

17 y 18 de octubre, de las 9:00 a las 13:00 hrs.

Taller serigrafía Materiales: Cámara fotográfica y cuaderno de bocetos. Malla de serigrafía de 40 x 50 cm. de 95 hilos. Rasero de 24 a 28 cm., 1/2 kg. estopa, tintas de serigrafía (1/4 kg.) para playera de algodón (hasta 3 colores distintos). 1 lt. de solvente. Frascos con tapa para preparación de tintas. Palitos de paleta o abatelenguas. Positivo análogo o digital. Masking tape, cinta canela gruesa, papel reciclado para pruebas. Guantes de cirujano. De 3 a 10 playeras para impresión.

2 playeras viejas. Crema para manos.

Mirar atentamente las imágenes, partir de la observación a detalle, es tarea primaria del diseñador. Las artesanías y los motivos nacionales encontrados en el MAP, fueron el pretexto para retomar a la serigrafía como un elemento que acompaña al diseñador para dejar estampada en la vida cotidiana los colores y las tintas de su preferencia.

“Aprendí una nueva técnica muy interesante y totalmente distinta a la que conocía. Me gustó mucho.”

- Fátima Lombera Stadele

Paco

Sáez Animación

16 y 17 de octubre, de las 9:00 a 13:00 hrs.

Salón 17108 Materiales: Hojas tamaño carta, lápices y bicolores.

La animación es parte de la vida cotidiana.

No se puede uno olvidar de las grandes producciones cinematográficas ni de los esfuerzos personales y secretos para contar historias con sentido. Trabajar en los principios básicos de este arte de siempre y sensibilizar respecto a sus alcances fue el objetivo de este encuentro con el tiempo, el trazo y el movimiento.

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“Este taller nos enriqueció de manera perceptiva, que abrió nuestra mirada a ‘detalles’ con los cuales se construye una composición.”

- Jorge Mauricio Núñez

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Valerio

Vega

Crónicas: Taller de gráfica secuencial 16 de octubre, de las 10:00 a las 15:00 hrs.

Salón 17203 Materiales: Lápiz 2H o similar, material de entintado (tinta china, pincel), marcador sharpie negro, goma blanca, frasco para agua y un trapo limpio.

Contar historias, dejarlas plasmadas para la posteridad, rescatar los gustos que provienen desde la infancia y se traducen en grandes novelas gráficas, fueron factores de inspiración para este taller. La historia que fijaron resultó tan absurda como las aventuras de un brócoli. Pero el cómic todo lo resignifica y lo proyecta para el consumo del lector de imágenes, trazos y misterios.

“Lo que llegué a experimentar en este taller fue emocionante. Me emocionó la capacidad y la libertad que tenemos en los cómics para crear mundos y cómo el uso adecuado de las técnicas puede convertir un acontecimiento simple en una historia interesante.”

- Pablo Villaseñor Barragán

Amanda

Watkins Textil

Del 16 y 18 de octubre, de las 10:00 a las 13 hrs.

Salón 17119 Materiales: Una playera vieja para cortar.

Botones. Cierre metálico de 7 a 12 pulgadas.

Hilos gruesos para bordar de diferentes colores.

Tijeras. Una pieza artesanal. Lápiz y papel para bocetar.

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Reaprovechar los materiales de desecho, encontrar las historias perdidas de nuestras vidas cotidianas entre las prendas rotas, aprovechar el conocimiento de lo ancestral en cuanto a forma, fueron los elementos básicos de este taller. Porque si la moda es cíclica, la prenda reinventada en este encuentro internacional propició el juego y la creatividad de sus integrantes.

“Salí muy satisfecha con lo que hice en mi taller. Llevo conmigo un nuevo reto superado al lograr un objeto que es 100 % útil.”

- Itzae Monsterrat Turriza Arroyo

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UNIVERSIDAD ANÁHUAC

ESCUELA DE DISEÑO

P. Jesús Quirce Andrés, L.C. Rector

Mtro. Ricardo Ignacio Salas Moreno Director de la Escuela de Diseño

Dra. Sonia Barnetche Frías Vicerrectora Académica

Mtra. Mónica Puigferrat Novella Coordinadora de Licenciatura en Diseño Gráfico

Mtro. Jaime Durán Lomelí Vicerrector Académico

Mtro. Adrián Rosado López Coordinador de Licenciatura en Diseño Industrial

P. Gregorio López Zárraga, L.C. Vicerrector de Desarrollo Institucional y Comunicación

Mtra. Ana María López Balbín Coordinadora de Licenciatura en Diseño Multimedia

Mtro. José Antonio Dávila Ortiz Vicerrector de Formación Integral Ing. Dermont Tennyson Vicerrector de Finanzas Dr. Germán Campos Valle Director de Desarrollo Institucional Dra. Mariela Ezpeleta Maicas Directora de Comunicación Institucional Dr. José Juambelz Cortés Director de Atención Preuniversitaria Mtra. Alma Cázares Ruiz Coordinadora de Publicaciones Académicas

Mtra. María del Carmen Razo Aguilar Coordinadora Académica Licenciatura en Diseño Gráfico Mtro. Eduardo Aguirre Altieri Coordinador Académico Licenciatura en Diseño Industrial Mtro. Arturo Ponce de León Coordinador Académico Licenciatura en Diseño Multimedia Dra. Martha Margarita Tappan Velázquez Coordinadora Académica Área de Comunicación y Cultura Coordinadora del Centro de Investigación en Diseño Dr. José Antonio Forzán Gómez Coordinador de Comunicación Mtro. Víctor Guijosa Fragoso Coordinador Académico Área de Gestión y Administración Mtro. Ángel Téllez Rojas Coordinador Académico Talleres y Laboratorios

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Posgrado Mtra. Tullia Bassani Antivari Coordinadora Académica de Posgrado Dr. José Antonio Forzán Gómez Coordinador Académico de la Maestría en Semiótica Aplicada Mtra. Raquel Hernández White Coordinadora Académica de la Maestría en Ecodiseño Mtra. Maricruz Piñeirúa Arriola Coordinadora Administrativa

Talleres y laboratorios Mtro. Sergio Patiño Oteo Logística Prof. Heriberto Rivera Acevedo Responsable de Laboratorios Sr. José Luis Villegas Arellano Técnico Sr. Arturo Ramírez Pérez Técnico Sr. Alberto Hernández Becerril Técnico Sr. Arturo Lara García Técnico

Mtro. Manuel Elizondo Carrillo Coordinación de Tutoría y Servicio Social

D.G. Christian Aldo Jiménez Avendaño Técnico

Mtra. Yolanda Magaña Barajas Proyectos Especiales

Asistentes de Dirección

Lic. Marcela Viesca Arrache Coordinadora Administrativa

Srta. Silvia Fonseca Rosales Secretaria de la Dirección

D.G. Claudia Rivas Palacios Coordinadora de Diapositeca

Srta. Amine Delhi Martínez Rosas Secretaria Académica

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CONGRESO INTERNACIONAL DISEÑAR PARA LA HUMANIDAD

PROYECTO EDITORIAL

Coordinación General Ricardo Ignacio Salas Moreno

Coordinador Editorial Ricardo Ignacio Salas Moreno.

Coordinadores Mónica Puigferrat Novella Ana María López Balbín Adrián Rosado López

Contenidos José Antonio Forzán Gómez

Difusión José Antonio Forzán Gómez Arturo Ponce de León Claudia Rivas Palacios Apoyo logístico Eduardo Aguirre Altieri Manuel Elizondo Carrillo Yolanda Magaña Barajas Ángel Téllez Rojas Marcela Viesca Arrache

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Diseño y Formación Arturo Ponce de León Fotografía Claudia Rivas Palacios Arturo Ponce de León Talleristas