2012|MIXTAPE

el anuario de 2012 que sale avanzado 2013

MIXT

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PE

2012

Fighting for our rights 2012. Nuevos artistas, nuevos discos y canciones. Nuevas sensaciones, que diría un Jota al que otros se imaginaron matando este año. Nuevas, aunque más bien malas, en el sector, nuevas muestras de la insensibilidad que existe hacia la cultura. Lo que ya no es nuevo es nuestro humilde repaso a lo que nos cundió el año, aunque esperemos que siga siendo interesante.

Hemos repetido ya que pareció gustar y porque somos un poco románticos y siempre nos hemos considerado más webzine que portal. Y tiene su gracia eso de hacer nuestro propio fanzine, más sujeto a la tradición. ¿Acaso no nos pasamos los melómanos parte de la vida ensalzando formatos antiguos y bandas seminales?

En lo que al marco temático se refiere, 2012 nos ha brindado alegrías melómanas como siempre, a la par que grandes pérdidas de personalidades musicales. Si nos dejaba el gran Adam Yauch, nuestro gobierno apoyado en Europa y el orden mundial emprendía su particular “Sabotage” a la cultura. Forma parte, parece, de un plan en el que no cabe ya más circo que el político.

Para 2013 mucho nos tememos no poder ser optimistas.

Hay que saber a lo que nos enfrentamos y luchar por nuestros derechos. A la fiesta, a la música y quizá a la misma existencia.

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2012MIXTAPE

INDEX

pg

2012 TIMELINE

4

SEXYONO

6

BEST OF

8

DISCOS

12

CRÓNICAS

35

ENTREVISTAS

105

1992

145

GRACIAS

158

3

2 0 1 2 Primer concierto de Los Enemigos tras 10 años en el Actual Vuelven At the Drive-In (Coachella > FIB) Vuelven fIREHOSE (Coachella) Vuelven Refused (Coachella > Primavera Sound) Se cancela South Pop Sevilla 2012, pasa a bienal Soundgarden al Sonisphere: única fecha española

ENERO

Rancid anuncia fechas en España tras 16 años Nace el festival Costa de Fuego (Marilyn Manson, Guns N’ Roses, Opeth...)

Reunión de Good Riddance (Resurrection Fest) Enrique Sierra (Radio Futura) † Michael Davies (MC5) † Black Sabbath cancelan casi toda la gira, sustituyen Ozzy & Friends (Azkena) Davy Jones (The Monkees) †

FEBRERO Marzo

Se cancela el Sonisphere UK (Queen, Kiss, Faith No More...)

Chris Owens abandona Girls Se cancela Manchapop Jon Lord (Deep Purple) † Se anuncia subida del IVA en conciertos, teatros, espectáculos culturales... del 8 al 21% The Soundtrack of Our Lives (TSOOL) se separan Bill Doss (Olivia Tremor Control, fundador de Elephant 6) † Texas is The Reason anuncian su reunión (para octubre)

JULIO

Jaz Coleman de Killing Joke desaparece. Hallado dos semanas después en Sahara Occidental Tony Sly (No Use For a Name) † Jason Noble (Rodan, Shipping News...) † Chavela Vargas † Se cancela el festival On the Sea antes de su primera edición Baroness sufren accidente de bus en Inglaterra. 3 miembros heridos graves. Toda la gira cancelada 3 miembros de Pussy Riot son encarceladas en Rusia por difamación hacia el gobierno y la Iglesia

AGOSTO

SEPTIEMBRE Radio 3 retira de su programación Carne Cruda, entre otros espacios Cierra el sello Hydra Head Disturbios en MTV Madrid Beach Mike Love expulsa a Brian Wilson y Al Jardine de Beach Boys

4

T I M E L I N E Gira de reunión de Grandaddy Levon Helm (The Band) † No Fun At All lo dejan Chris Ethridge (Flying Burrito Brothers, Gene Clark, Gram Parsons, Graham Nash...) † Ultramagnetic MC’s cancelan gira europea (Primavera Sound) Warner desmantela Roadrunner

Abril

Adam Yauch ‘MCA’ † El regreso de Beach Boys en España Björk cancela parte de la gira europea, Primavera Sounds incluidos Suspendido el Rock Coast Tenerife antes de su primera edición Donna Summer † Handsome Furs se separan Robin Gibb (Bee Gees) † Gira de aniversario Blind Melon Se anuncia nueva edición del Sant Feliu Fest

Mayo

Bob Welch (Fleetwood Mac) † Se editan las canciones perdidas de Can Tim Mooney (Sleepers, Sun Kil Moon) † Nothink se separan Reunión de Quicksand en el 25 aniversario de Revelation Records

JUNIO

Foo Fighters entran en hiato Paul Westerberg y Tommy Stinson (Replacements) se reúnen por EP benéfico.

The Dismemberment Plan anuncian primer disco de estudio en doce años Vuelven Manta Ray para fecha en Gijón (20 aniversario del bar La Plaza) Vuelven Afraid to Speak in Public y Fantástico Hombre Bala a los escenarios (20 aniversario Garatge) Se anuncia el primer Aloud Music Festival (con reunión de The Joe-K Plan) Jim Lindberg regresa a Pennywise

OCTUBRE

Cinco muertos en Madrid Arena por las nulas medidas de seguridad y control de aforo en una fiesta Cat Power cancela gira por problemas mentales y de salud Dave Grohl graba con Queens of the Stone Age (Nick Oliveri también participará en un tema) The Mars Volta entran en hiato WU LYF lo dejan Cierre temporal de la sala Apolo por problemas con infraestructuras

NOVIEMBRE

Faraday anuncia su décima y última edición Das Racist se separan Reunión de The Breeders con su formación original Primavera Club se va de España. Se celebrará en Guimaraes y Burdeos en 2013 Ravi Shankar † Regresan Rocket From The Crypt y anuncian concierto para abril en Barcelona Mike Scaccia (Ministry, Rigor Mortis) †

DICIEMBRE 5

2012MIXTAPE

/Sexyono///

Este año hemos estrenado sección de vídeo en la web y os presentamos algunos de los más destacados del año

El amateurismo bien entendido.

Promotores entregados a dinamizar la agenda de su ciudad, salas y bares que apuestan por la música en directo aún contra una normativa más que disuasoria, sellos indies de los de verdad, gente entusiasmada con las bandas de su escena... En este tipo de actitudes y más en las actuales circunstancias está la supervivencia de la música.

Que no se cumplan los horarios. No entendemos qué sucede en el negocio

musical español. ¿Por qué no se cumplen los horarios de los conciertos? ¿Es cosa del promotor? ¿De las salas? ¿De los artistas? La verdad, nos la pela, pero eso de ir a un espectáculo con hora marcada y que se retrase por encima de la media hora de forma sistemática denota muy poca seriedad. El problema de fondo es que después la gente no se fía, deja de ir a conciertos ante la sensación de que le están engañando, no va a poder volver a casa a la hora deseada o va a tener que elegir entre ver el concierto entero o llegar al último transporte público. Un esfuerzo bien parece necesario para que el poco público dispuesto a ir a conciertos no se pierda.

La cultura no es un lujo.

Que no te calles en los conciertos.

Esto sigue igual, si no peor. Que sí, que hay conciertos de fiesta, baile y cachondeo, pero también hay otros de respetar, al artista y al resto de gente que ha pagado la entrada y prefiere escuchar el concierto y no a ti contándole tu vida al de al lado.

El pasado 2012, el Gobierno de España obligó a la prensa musical a posicionarse en contra de una política que ningunea y perjudica la cultura. Tan herido de muerte vieron el sector que se firmó un comunicado, elaborado por unos cuantos medios de la élite y firmado por otros muchos más modestos. No dudamos en su día de las buenas intenciones del texto y nos planteamos suscribirlo, pero no nos sentimos representados en algunos aspectos. Principalmente fue la protesta ante “la nula respuesta que han dado nuestros gobernantes al problema de las descargas ilegales”, cuando precisamente los medios surgidos en la era de Internet tanto hemos batallado la Ley Sinde. No creemos que se pueda luchar por la cultura en contra de la libertad en Internet y nos parecía un matiz de peso. Pero la cultura no es un lujo, en eso estamos de acuerdo y, como la educación, es algo por lo que tendríamos todos que luchar, porque son las herramientas que nos ayudan a ser libres. Su maltrato no sólo es de carácter económico, sino también adocenador y el no rebelarnos ante ello nos lleva al tan buscado pensamiento único.

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2012MIXTAPE

2012 2012 nos dejó la variedad deseada. Adalides de la modernidad como Beach House, Twin Shadow o The xx aportaron nuevos tratados de pop entendido desde el s. XXI. Tuvimos nuestra

ración de años 90 con entregas de Dinosaur Jr., Redd Kross o

Bob Mould. E incluso tuvimos brillantes capítulos para el rock oscuro desde ópticas tan diferentes como las de Swans, Killing Joke y Dead Can Dance y también desde una perspectiva más bailable como la de Grimes o Crystal Castles. Vivimos con ilusión fenómenos locales cada vez más grandes, como el de Toundra o el triunfo internacional de John Talabot o bofetadas como la que nos dieron Cloud Nothings o Metz... en definitiva hubo para todos los gustos y por supuesto, para el nuestro.

Seguimos siendo conscientes de que mientras todos le reímos las gracias al último grupo de moda, probablemente alguien en alguna parte del mundo esté haciendo música mejor y seguiremos intentando descubrirlo. No esperamos que nuestras listas sean ninguna biblia, pero si alguien descubre algún disco gracias a nosotros, estarán suficientemente recompensadas. Es el mismo objetivo de la propia web en sí.

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7

Raúl NACIONAL

INTERNACIONAL

1

CLOUD NOTHINGS Attack On Memory

2

TRAIL OF DEAD Lost Songs

3

TITLE FIGHT Floral Green

ULISES LIMA Waiting for the Summer

pg. 13

30

JOHN TALABOT fIN

pg. 22

20

RIPPERS Fire Tractaät

pg. 22

26 pg.

pg.

KILLING JOKE - MMXII 14

15 MCENROE - Las Orillas

JAPANDROIDS - Celebration Rock 28

30 ADRIFT - Black Heart Bleeds Black

UNSANE - Wreck

BETUNIZER - Boogalizer

SWANS - The Seer 32

16 PEGASVS - Pegasvs

THEE OH SEES - Putrifiers II

32 DULCE PÁJARA DE JUVENTUD - S/T

BOB MOULD - The Descent 27

14 TOUNDRA - (III)

TORCHE - Harmonicraft 22

UNICORNIBOT - Dalle!

DAN DEACON - America 16

23 LA DÉBIL - Sángrala

WOODS - Bend Beyond 15

VIAJE A 800 - Coñac Oxigenado

SOUNDGARDEN - King Animal 18

33 THE DESTROYED ROOM - The Magic Indian Scene

THE MEN - Open Your Heart 30

23 CORDURA - Metropolis

METZ - Metz 33

SCHWARZ - Alquimística

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RICARDO

NACIONAL

INTERNACIONAL

1

BEACH HOUSE Bloom

2

HOT WATER MUSIC Exister

3

DIRTY PROJECTORS Swing Lo Magellan

ADRIFT Black Heart Bleeds Black

pg. 12

30

ARIES La Magia Bruta

pg. 26

31

DULCE PÁJARA DE JUVENTUD S/T

pg. 28

32 pg.

pg.

JAPANDROIDS - Celebration Rock 28

14 TOUNDRA - III

THE GASLIGHT ANTHEM - Handwritten

BETUNIZER - Boogalizer

THE XX - Coexist 16

20 JOHN TALABOT - Fin

GRIZZLY BEAR - Shields

30 PRATS - Pla B

SHARON VAN ETTEN - Tramps

TUCÁN - Empatítis

DOWSING - It’s Still Pretty Terrible

VIAJE A 800 - Coñac Oxigenado

REDD KROSS - Researching The Blues

14 LOS EVANGELISTAS - Homenaje a Enrique Morente

FIONNA APPLE - The Iddler Wheel

30 ULISES LIMA - Waiting For The Summer

KENDRICK LAMAR - GOOD Kid Maad city

29 PEGASVS - Pegasvs

FANG ISLAND - Major 25

SCHWARZ - Alquimística

BONDE DO ROLE - Tropicalbacanal

23 CORDURA - Metrópolis

THE EVENS - The Odds

UNDERWATERS - Once in June

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YURI NACIONAL

INTERNACIONAL

1

BEACH HOUSE Bloom

2

GRIMES Visions

3

SWANS The Seer

LOS EVANGELISTAS Homenaje a Enrique Morente

pg. 12

14

PEGASVS Pegasvs

pg. 20

16

MCENROE Las Orillas

pg. 32

15 pg.

pg.

DEAD CAN DANCE - Anastasis 18

23 LA DÉBIL - Sángrala

MARK LANEGAN BAND - Blues Funeral 20

LORENA ÁLVAREZ Y SU BANDA MUNICIPAL - Anónimo

SHARON VAN ETTEN - Tramp

20 JOHN TALABOT - Fin

THE XX - Coexist 16

21 BLACANOVA - ¿Cómo ve el mundo un caballo?

SPIRITUALIZED - Sweet Heart Sweet Light 24

KLAUS & KINSKI - Herreros y fatigas

KILLING JOKE - MMXII 14

LOS PUNSETES - Una montaña es una montaña

BURIAL - Kindred

LA BIEN QUERIDA - Ceremonia

BEACHWOOD SPARKS - The Tarnished Gold

GRUPO DE EXPERTOS SOLYNIEVE - El eje de la Tierra

HOW TO DRESS WELL - Total Loss

ALL LA GLORY - All La Glory

THE SHINS - Port of Morrow

BETUNIZER - Boogalizer

DINOSAUR JR. - I Bet on Sky 26

SR. CHINARRO - ¡Menos samba!

GY!BE - Allelujah! Don’t Bend! Ascend!

14 TOUNDRA - (III)

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2012MIXTAPE /Reseñas///

AMALIO

NACIONAL

INTERNACIONAL

1

CLOUD NOTHINGS Attack On Memory

2

HOT WATER MUSIC Exister

3

GOJIRA L’Enfant Sauvage

TOUNDRA (III)

pg. 13

14

ZEPHYR LAKE Pure Vow

pg. 26

27

GRUPO DE EXPERTOS SOLYNIEVE El eje de la Tierra

pg. 15

pg.

pg.

DAMIEN JURADO - Maraqopa 27

29 HORA ZULU - Siempre Soñe Saber Sobre Nadie Negó Nunca Nada

WOODS - Bend Beyond 15

30 ULISES LIMA - Waiting For The Summer

BARONESS - Yellow & Green 24

14 LOS EVANGELISTAS - Homenaje a Enrique Morente

REDD KROSS - Researching The Blues

25 OSO - Sealand

TITUS ANDRONICUS - Local Business 28

32 DULCE PÁJARA DE JUVENTUD - S/T

JAPANDROIDS - Celebration Rock 28

23 ALDRIN Y COLLINS - La Vocación Optimista

MARK LANEGAN BAND - Blues Funeral 20

15 MCENROE - Las Orillas

TSOOL - Throw It To The Universe

ANGELUS APATRIDA - The Call

CALEXICO - Algiers

INTERLUDE - A La Deriva

DINOSAUR JR. - I Bet On Sky 26

PRATS - Pla B

THE GASLIGHT ANTHEM - Handwritten

33 THE DESTROYED ROOM - The Magic Indian Scene

THE MEN - Open Your Heart 30

26 RIPPERS - Fire Tractaät

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BEACH HOUSE Bloom

Sello: Sub Pop Productor: Beach House, Chris Coady Banda: Victoria Legrand, Alex Scally

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E

s justo cuando uno pasa más tiempo pensando en la decadencia del pop actual, que suele coincidir al observar con atención los carteles de muchos festivales masivos veraniegos, teóricamente crisol de muestra de lo que se cuece en el panorama, cuando una eventual luz refulgente en forma de disco nos hace recobrar la ilusión. Sucede cada cierto tiempo, cada vez más diría yo, pero por suerte sigue pasando. Esta vez ha caído en forma del cuarto álbum de esta pareja de Baltimore, Beach House.

A pocos ha sorprendido, ya que eran una de esas promesas con un pie puesto en la consolidación y era de lógica que volviesen a alcanzar la excelencia. Victoria Legrand y Alex Scally engarzan un nuevo y flamante engranaje a la maltratada y oxidada rueda del pop, como ya hicieran con su disco de hace un par de temporadas, “Teen Dream”; soberbio trabajo de pop atmosférico pero mundanal, con el que reivindicaban el sentimiento puro y la artesanía a la hora de crear la canción perfecta.

La cuestión es que con este “Bloom” incluso se han superado. Supongo que a muchos, como a mí, es-

cuchar “Myth” por primera vez por internet o radio supuso toda una experiencia auditiva. Ese ritmo sincopado, esas atmósferas sintéticas, la maravillosa voz de Victoria, el clímax final… todo ya oído en su anterior trabajo, sí, pero mejorado de alguna manera. “Myth” es, por tanto, ya una de las mejores canciones de las últimas décadas. Y la mitad de temas del disco están a su nivel, y la otra se sitúa en el notable alto como mínimo.

También hay lugar para una cierta evolución. “Bloom” suena en general menos cercano y somnoliento, y es quizá más compacto y onírico.

Puede decirse que los fantasmas de Cocteau Twins o Mazzy Star, se hacen referencias aún más presentes.

Aún así, es evidente su inclusión triunfal en el libro de estilo del dream pop, con el enorme single “Lazuli” y la estremecedora “New Year”; temas canónicos por su propia perfección que supondrán, si no suponen ya, inevitable influencia para músicas futuras.

Pero a pesar de la tensión (existencial y emocional) e irrealidad que puedan transmitir los mencionados o la ‘salvaje’ a su manera “Wild”, Alex y Victoria siguen teniendo un pie en

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la playa y no han pasado a hablar de ángeles y la belleza del paraíso.

La fidelidad y los anhelos humanos siguen siendo el motor de sus textos, y en cuanto a la música sigue habiendo sitio para atmósferas más terrenales en otras piezas superlativas como “Other People”, la risueña “Wishes” u otra cima dentro de una obra plagada de altas cumbres, “The Hours”; que transmiten esa sensación de tiempo detenido hacia finales de verano y principios de otoño, que se extiende hacia la eternidad con los compases finales de “Irene”. Todo un estado de la mente, vamos.

“Bloom” es una obra maestra, dicho con toda propiedad en tiempos en los que tal término suele aflorar con demasiada facilidad, quizá por la frustración de que no aparezcan demasiadas. Sus diez canciones tocan la fibra al oyente continuamente durante la escucha, alcanzando momentos de belleza tales que a veces toca preguntarse cómo no se compusieron durante épocas más doradas que la actual. Misterios de la música, de esos que te impulsan a seguir escuchando disco tras disco en busca de la siguiente joya. Esperemos que no tarde demasiado en aparecer.

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CLOUD NOTHINGS Attack On Memory Sello: Carpark Productor: Steve Albini Banda: Dylan Baldi

B

astan cuarenta segundos de “Attack on Memory” para saber que el nuevo disco de la banda liderada por el joven Dylan Baldi, Cloud Nothings, es de esos que no te van a dejar indiferente. Cuarenta segundos en los que un rocoso ritmo de bajo, acompañado de unas afligidas notas de guitarra, comienzan a crecer arrastrándose junto a la desoladora y rota voz de un Baldi que nos cautiva al grito de “No Future, No past”. Toda una declaración de intenciones que abandona los juegos vocales, los excesos lo-fi, y la frescura e inmediatez pop que en sus primeras dos obras compartían con compañeros generacionales como Harlem, Wavves, o Beach Fossils. Aquí lo primero que asoma la cabeza son Fugazi, Braid, o los Sunny Day Real Estate más oscuros, y ojo, esto ya son palabras mayores.

Por si había alguna duda del giro buscado en Attack on Memory, llega “Wasted Days” y sus casi nueve minutos de desarrollo que nos llevan desde el mejor post-hardcore de ca-

riz melódico en la onda de unos Hot Snakes, hasta un cuelgue que rozando la psicodelia podría estar compuesto por los QOTSA más graníticos y viscerales. Menos mal que en “Fall In” y “Stay Useless” nos dan un respiro en forma de temazos directos de indie-punk coreable más cercanos a su legado anterior, porque si no iban a tener que reciclar al 95% de sus antiguos fans...

Disco corto de solo ocho canciones, llevamos a estas alturas ya medio disco, y aparte de no sobrarnos ni un solo segundo, estamos disfrutando con los matices de multitud de influencias que, lejos de ser meramente copiadas, reciben una vuelta de tuerca que mezcla de forma extraña lo mejor de ese “past” y de ese “future” hablado en el primer corte.

“Separation” continuará la senda del mejor indie intrincado y revuelto en forma de corte instrumental y nos va preparando para la traca final que arranca con la pesadísima y visceral “No Sentiment”, otra pieza fundamental del Lp que aglutina lo mejor de su rock rocoso, con un estribillo

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melódico, descuidado, y maravilloso. “Our Plans” es de las piezas más bella como tal del álbum, e impregnada de su melancólica esencia nos conduce a “Cut You”, tema de cierre que con su deje evocador nos trae a la memoria otros muchos grandes de otras épocas, que sin embargo pocas veces sonaron tan actuales.

Si de que Cloud Nothings hayan pasado de grabar correctos discos acordes con las tendencias actuales, a una obra tan enorme y atemporal como “Attack on Memory”, no tiene culpa el señor Steve Albini, que alguien venga y me lo demuestre con pruebas. Y es que nuevamente el productor, del que se dice que pasa olímpicamente de todo durante las sesiones de grabación, ha vuelto a firmar con su sonido uno de esos discos que, tiempo al tiempo, darán mucho que hablar. ¿A lo mejor el truco va ser no meter mano en el estudio a cada cosa que se puede y dejarse de sobreproducciones saturadísimas llenas artificio…? El perro viejo de Albini os respondería mejor que yo.

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TOUNDRA (III)

De un estilo estereotipado han remado sin caer en el encasillamiento encontrando un rumbo que seguir con coherencia, canciones y buen hacer, que los ha colocado muy alto en la escena.

Con “(III)” obtienen matices nuevos en un sonido que les acerca a terrenos más progresivos y experimentales a la vez que duros. Algunos esperábamos un giro estilístico muy severo, incluyendo quizás instrumentación más exótica, pero nos han sorprendido con su disco más directo de guitarras y el que menos se prodiga en devaneos instrumentalmente atrevidos (quizás con la excepción de “Lilim”).

El aspecto más destacable es el conglomerado que forman los propios instrumentos, asentados como nunca en la sección rítmica. La batería

marca la diferencia con precisión y variedad de recursos, como en una “Marte” que se inicia en la velocidad y termina en una preciosa conjunción de tambores. El bajo se escucha poderoso y supone el hilo conductor de todas las canciones, pero un ejemplo potente es el crescendo de “Cielo Negro”. El juego de guitarras es la parte que menos ha cambiado, aunque sorprenden a golpe de acústica con una clásica y valiente “Requiem” que encaja sorprendentemente bien entre tanta guerra de decibelios.

Podrían haber tomado más riesgos, pero también cabe pensar que ese doble juego entre el continuismo y las pequeñas evoluciones es lo que va forjando un sonido verdaderamente único.

LOS EVANGELISTAS

KILLING JOKE

Antonio Arias, J, Eric Jiménez y Florent continúan con la línea que comenzó a mediados de los noventa “Omega”, legendaria colaboración entre Morente y Lagartija Nick, a la que siguió diez años después “La Leyenda del Espacio”, acercamiento de Los Planetas al mundo del flamenco. Podría decirse que este disco cierra una ‘trilogía’ que no lo es. Y es que, además de servir como punto de encuentro para que los amigos reinterpreten parte del repertorio del fallecido, el álbum mantiene la magia de sus predecesores y vuelve a servir de impulso para la unión entre el flamenco y el rock.

La especial sensibilidad es palpable desde el comienzo con “Gloria”, cuasi-recitado de Antonio sobre fuzzs de guitarras y se mantiene en la languidez planetaria de última época de “Decadencia” o en el peligroso romance de “En un sueño viniste”; pero especialmente cuando entran las voces femeninas de Carmen Linares en la escalofriante “Delante de mi madre” o de Soleá Morente en “Yo, poeta decadente”.

Hay espacio para fraseos más puramente rockeros en “El Loco” y “Donde pones el alma”, que nos retrotraen a momentos de los noventa, junto a algún espacio para la nostalgia más ensoñadora en “Alegrías de Enrique”. Y es que finalmente “Homenaje a Enrique Morente” no es ni mucho menos un canto fúnebre, sino toda una celebración del arte puro sin prejuicios.

Si alguien tenía derecho este año a titular un álbum con la fecha del Armagedón en portada eran Killing Joke, que desde su nacimiento a finales de los setenta han volcado todos sus esfuerzos en clamar el fin de los tiempos. Compuesto de nuevo por la formación original, la obra nos llega en forma de disco conceptual sobre el clima político, sociológico, ecológico y hasta esotérico imperante: todos los temas que han preocupado a Jaz Coleman a lo largo de su carrera.

Despojados de los elementos más duros que venían dominando el sonido últimamente, lo que nos queda es una vuelta al rock industrial y gótico, con alta presencia de melodía y atmósferas sintéticas.

El resultado queda ya evidente desde la inicial “Pole Shift” y la ominosa “Fema Camp”, que nos recupera al Coleman predicador. Sin embargo, el gran trallazo llega con “Rapture”: todo un hit de synth-rock. Por otra parte, “Primobile” y “On All Hallow’s Eve” son lo más parecido a medios tiempos que han hecho en mucho tiempo, e “In Cythera” es el single radiable que no grababan desde hace más de veinte años.

Podría decirse que “MMXII” es el disco perdido entre el post-punk tardío de finales de los ochenta y la megalomanía industrial de los noventa. Una banda sonora ideal para los tiempos actuales, en los que vivimos un cambio de paradigma mucho más real que el que nos pueda vender cualquier leyenda maya.

Homenaje a Enrique Morente

MMXII

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GOJIRA

L´Enfant Sauvage Salto a las grandes ligas de los vascofranceses con una carrera que se antoja meteórica. Con la contundencia de un Robb Flynn, el poderío matemático de unos Meshuggah, y la épica de los mejores Fear Factory, llegamos hasta el tema que da nombre al álbum, con un Mario espectacular tras las baquetas, que nos transmite toda la angustia de su rabiosa letra. El dúo de guitarras completa en plena forma un single casi perfecto.

La concisión es uno de los grandes logros de Gojira, y en “The Axe” vuelven a demostrar que en cuatro minutos se puede hacer un tema técnico, compacto, y sobrecogedor. Pero uno de los momentazos llegará con “The Liquid Fire”, con una carga melódica increíble, unos giros 100%

Gojira, y el carisma y épica necesarias para saber que estás escuchando un futuro clásico de los franceses, gracias también a la versatilidad vocal. Tras una tregua instrumental vuelven los arrebatos de metal progresivo y después otro gran momento con el punteo inicial y el posterior caos de “The Gift of Guilt”. Para el final se nos reserva la épica “Born In Winter” que nos cautiva con un crescendo marca de la casa, y como cierre “The Fall”, un tema denso y oscuro, perfecto para cerrar tan magna obra al más puro estilo Burton C. Bell.

Estamos ante el disco que debe colocar a Gojira en la parrilla de salida para competir con los más grandes. De momento son punta de lanza del metal europeo.

WOODS

MCENROE

Sorprenden dejando atrás su psych-folk repleto de guiños a la rareza y el lo-fi para ofrecernos una versión mucho más limpia y puramente pastoral de ellos mismos.

Si eran ya un grupo de culto, dan un golpe en la mesa y parecen querer mostrarles a The Shins que se perdieron por el camino.

La primera parte está plagada de temas que harían sonreír al propio Brian Wilson. La psicodelia sigue ahí, para arropar un folk-pop pluscuamperfecto de dulce y cristalina voz y angelicales melodías vocales.

Con la triunfal “Is It Honest?” y la intimista “It Ain’t Easy” se va conformando una apertura que sitúa al disco en lo más alto de la maestría pop de la temporada. Pero no caen en la linealidad, en su marmita caben lo mismo Dylan y Young que la Velvet Underground, The Grateful Dead o 13th Floor Elevators y te cuelan humeante psicodelia o fuzz garajero mientras siguen haciendo leña de James Mercer en “Back to the Stone”, nos evocan a los climas de Ronettes en “Wind Was the Wine” y llegan a la muy folkie “Lily” podría incluso ser una demo perdida de la faceta más campestre de Blind Melon con esa voz aguda y ligeramente áspera.

No es que los seis trabajos previos de Woods fueran inferiores. De hecho han sido necesarios para llegar aquí, pero esta apertura sin miedo a la otra costa, la californiana, es uno de los logros más estremecedores del indie de la temporada.

McEnroe siguen en la cabeza del rock melancólico con “Las orillas”. Tras “Tú nunca morirás” (2009), los de Getxo vuelven con un álbum que se mueve por similares coordenadas en cuanto a emoción contenida; ahondando en sentimientos como el desamor o la desesperanza. Ya el primer tema, “La Palma”, nos sumerge en su reconocible mundo: el recuerdo de los paseos de una pareja por Madrid bajo cielos encapotados. La imposibilidad de mantener una relación se repite en “Arquitecto”. Su slowcore amable sigue inalterable, aunque sigue habiendo sorpresas de distorsión en momentos puntuales.

Hay alusiones al mar, como sucede en la desolada “Agosto del 94” o en la demoledora “Las mareas”, una preciosidad que se antoja quizá como lo más optimista de un oscuro conjunto: “ya no temo a las mareas que vienen y van, ahora me tumbo en la arena a verlas pasar”.

También hay ejemplos de tensión emocional en “La cara noroeste”, que nos narra la siniestra persecución de la amada en una noche de lobos; o en el acecho del corazón destrozado en “Vistahermosa”. Ambas aceleran el tempo hasta adquirir un delicado trasfondo shoegaze..

Parece que la alegría y la luminosidad siguen siéndoles ajenas. Incluso cuando amanece, como sucede en “Mundaka”, es sólo para recordar todo lo perdido o lo que es inalcanzable. Pero que otros se ocupen de esas parcelas más placenteras, que cuando llueve en nuestro corazón queremos seguir recurriendo a McEnroe.

Bend Beyond

Las Orillas

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DAN DEACON America

Cuando un artista se presenta en escena para poner patas arriba lo establecido, la evolución implica riesgo e incluso miedo. El paso hacia la sofisticación continúa, perdiendo irreverencia y encanto naif, mientras avanzan los aires orquestales, la épica, el sentimiento de disco de viaje y las plácidas sensaciones.

No obstante el asalto de la apertura de “Guilford Avenue Bridge” o la genial estridencia electropop de “Lots” demuestran a un Deacon aún capaz de impactar. Pero la sorpresa es la bella y atmosférica “Prettyboy” que avanza una segunda parte muy cinematográfica en forma de suite en cuatro partes, abierta y cerrada con maneras orquestales que se fusionan de forma épica con los ritmos, efectos y voces samplea-

das tan característicos. Por el camino nos dejará pasajes de la calma a la tormenta siempre evocando ensoñaciones ruidosas e hipnóticos periplos con sus turbulencias. Acabará todo en una catarsis en la que el artista vuelva su percepción de América con sus luces y sus sombras.

Unas cuantas inmersiones en “America” nos llevarán a apreciar ese avance compositivo, de forma que todos esos ritmos campanilleantes, sintes, vocoders y glitches encajan consiguiendo un viaje. La magia de “America” es esa dualidad. ¿Se trata de un disco para bailar de forma despreocupada o de un tratado profundo a cuyos matices es necesario prestar atención?

Suscitando preguntas de este tipo es como se llega lejos en esto, no cabe duda.

THE XX

PEGASVS

¿Acaso no tenían The xx todas las papeletas para cuajar entre las nuevas generaciones que han crecido en sus habitaciones al amparo de horas y horas de internet y gigas de música? Visto el éxito obtenido por su debut, podemos imaginarnos la tensión a la que se ha visto sometido el trío para mantener el nivel y la expectación.

Pero en este segundo trabajo encontramos finalmente el mismo mimo y cuidado que en su predecesor. Las canciones son algo menos oscuras y deprimentes; consecuencia de patearse decenas de festivales y del cada vez más presente papel de Jamie en las programaciones.

“Angel” es casi todo guitarra y voz y puede enlazar rápidamente con lo ya conocido, pero a partir de “Chained” notamos los cambios: un tema más movido, más vitalista. Al igual que en “Fiction” vemos un juego entre sus características guitarras cargadas de eco, la voz de Oliver y persistentes ritmos de Jamie, que nunca llegan a pasar al techno.

“Reunion” sorprende por sus leves toques calipso y enlaza con “Sunset” en toda una dupla clubber. Mientras que “Unfold” es una vuelta a la melancolía, “Swept Away”, sorprendió por su tono dance a más de uno en los conciertos. Se nota evolución en esta segunda obra, pero también algo, poco, de agotamiento de la fórmula en los momentos más conservadores. Aún así The xx siguen en lo alto del panorama musical actual.

Un vídeo de Pegasvs, tocando en directo “El Final de la Noche” en los sótanos de Canada fue suficiente para dar pie al hype. La melodía de semejante hit se impuso y, junto a la de otros temas colgados en SoundCloud, hicieron que la expectación se convirtiera en máxima.

Los también Thelemáticos le han dado un vuelco a la exagerada fijación sobre todo lo que suene a ‘kraut’ hoy en día, al abandonar los pasajes más experimentales y acercarse al pop manteniendo ciertos formalismos del género.

Los nueve temas que aquí encontramos parecen oscilar en torno a una misma estructura. “Brillar”, “La Melodía del Afilador” o “Atlántico” son motorik sonando a todo trapo, sencillas y reconocibles líneas de sintetizador, ruido blanco y uso de cacharrería analógica, distantes voces y frías letras…

Las ya mencionadas son las mejores del lote, pero el resto no vuela lejos; aunque pueda acusarse que “Hasta el horizonte” sea un claro guiño a Neu! o Silver Apples, o que “Sobre las Olas” parezca una versión alternativa de “Atlántico”.

En general “Pegasvs” es un debut triunfante; pocas veces encontramos tantos hits potenciales en un trabajo primerizo y la calidad media no baja de buena en ningún momento. Diría que con justicia merecen ser tan demandados por los festivales estivales esta temporada.

Coexist

Pegasvs

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APRIL FOOL’S DAY Well, It’s True

BAND OF HORSES Mirage Rock

Otro paso en firme hacia el rock de raíces, que nos deja a una banda más nítida y pulcra y dócil.

Ya “Knock, Knock” nos aleja de la oscuridad que solía merodear a los de Seattle, para llenar todo de la pureza de los setenta. Cuando más convencen es cuando se acercan al power pop de Big Star, cuando aparecen espejismos emo o cuando simplemente arrancan algo de electricidad.

Estamos ante un disco de confirmación mediática que sin embargo desencantará a sus más estrictos seguidores.

Con toda su irregularidad, demuestran que siguen por encima de la media.

Indie-rock con sensibilidad anglosajona macerado al fuego de Yo La Tengo, Teenage Fanclub o My Bloody Valentine. Una digna incursión en el pop de guitarras altisonantes, sonidos etéreos, voces dulces y distorsiones como colchón.

Encontramos piezas en cuyas aguas perderse como “Zelig”, momentos eléctricos como “Sand Mountains”, otros más correosos como “A Brief Escape”, guitarreos power-pop en “Parasol”, protagonismo del sinte en “Being P. Connors”, etc. No impactan, pero rebosan elegancia y ofrecen una escucha ligera y placentera.

CRÓ

THE SMASHING PUMPKINS Oceania Billy y sus muñecos regresan con un disco con sus virtudes pero no a la altura del nombre de la banda. Favorecido por delegar la producción, nos encontramos con una mayoría de temas inconsistentes y aunque Corgan lo intenta, no se le ve tan cómodo en el rock como en el pop. Y vuelve a acusar su mal encauzado amor por los sintetizadores e impulsos progresivos que no llevan a ninguna parte. El cálido aire épico de “The Celestials”, el lento exotismo de “Pale Horse” o los guiños a Zwan, adecentan un disco correcto y en que tan sólo el groove de “Glissandra” pone la sorpresa.

Onkalo

FIRA FEM

Aedificatoria Calidez pop y escapismo electrónico configuran una curiosa propuesta repleta de sonidos sugerentes, cuidados, seductores y psicodélicos. Una música ondulante, que se niega a quedarse en el mismo sitio, llevando de la sensibilidad o la paciencia, al baile enloquecido o el tropicalismo, con notable clase.

Una amalgama sónica poliédrica y en cuyos recovecos se esconden ingentes influencias que se niegan a ser totalmente reveladas entre las que se nos antojan Animal Collective, Mercury Rev, Stereolab, Primal Scream, Delorean o Caribou, pero con un resultado enigmático y agradable.

De la Metamovida vienen estos vigueses practicantes de un estimulante rock progresivo en el que resuenan King Crimson, Zappa, Patton... y quizá Radiohead.

9 cortes no totalmente instrumentales pero casi, a menudo enfocados al artrock, jazz-rock, psicodelia y algunas sonoridades más fáciles y próximas al rock alternativo.

Mezclan irreverentes fuertes guitarras con recodos melancólicos y pasajes hipnóticos o de banda sonora con pocos ganchos a los que agarrarse y sin los que muchas veces estamos perdidos como oyentes.

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SIGUR RÓS Valtari Sigur Rós vuelven a estar tristes. Se trata de su disco más atmosférico, minimalista, electrónico, y el de mayor capacidad de sedación. Los momentos emocionantes se esconden dentro de una obra más global que nunca, y en la que apenas notamos cuando acaba una canción y empieza la siguiente.

Jonsi canta menos de lo habitual, y su peculiar voz rehuye el protagonismo, ayudando eso sí, a la devastación emocional, al igual que los coros.

Todo en “Valtari” parece más digno de un sueño que de un acontecimiento terrenal, y aunque desprende belleza y sosiego, hay un sentir general que llena todo de tristeza y nostalgia.

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SOUNDGARDEN King Animal

Soundgarden lo retoman donde lo dejaron, con un sonido a caballo entre sus dos últimos discos de estudio. De apertura muy directa (“Been Away Too Long”, “Non-State Actor”, “By Crooked Steps”) y despedida que ahonda en la psicodelia y el groove concentrando parte de lo más interesante del disco (“Worse Dreams”, “Eyelids Mouth” y “Rowing”), el cuarteto firma otra obra coral en la que todos tienen algo que decir y la garganta de Chris Cornell lo canaliza como en los viejos tiempos.

Instrumentalmente mantienen ese afán por lo intrincado que siempre fue su marca y esas maneras de fusionar psicodelia, melodías y hard-rock. Los compases extraños y los puzzles ligeramente descolocados

Se nota un toque más liviano y en general menos punk, aunque la marca de la banda está presente en los orientalismos de Thayil, la versátil rareza compositiva de Sepherd o los lucimientos de Cornell en las lentas, alguna reminiscente de su carrera en solitario. La variedad vuelve a hacerse presente en un disco a entender como mezcla de ideas nuevas y recicladas de todos estos años. Un disco, que como los de su época, requiere más escuchas que la mayor parte del rock al que hoy estamos acostumbrados.

El sexto largo de los de Seattle mantiene el nombre de Soundgarden como una máquina de hard-rock diferente al resto y difícil de encasillar. Y en estos tiempos una banda así parece más necesaria que nunca.

DEFTONES

DEAD CAN DANCE

De entrada más fácil que consistencia final, “Koi No Yokan” se impone por varios palmos de melodía a su anterior trabajo “Diamond Eyes” y rivaliza con el disperso “Saturday Night Wrist”. La fórmula de los otrora renovadores del metal apenas se altera, continúan los riffs monótonos, ritmos contundentes, melodías vocales y producción etérea.

En cuanto a canciones se impone “Leathers”, furiosa, emotiva y oscura, así como “Tempest” que lleva a su terreno el paciente y tierno rock alternativo de A Perfect Circle. “Entombed” es el azúcar del disco, sintética y melódica, no está a la altura de la tradición de sus predecesoras. Es la más intensa y turbulenta “Rosemary” la que salvará la papeleta del disco en este sentido de tormento amoroso.

El problema de Deftones en 2012 es que la combinación que nos sedujo con “White Pony” ha sido estirada, remozada y vuelta a juntar varias veces. Y aunque es de elogio que consigan darle tantas vueltas a sus composiciones, cada vez nos suenan más a puzzle, por bien ensamblado que esté.

Con todo, los de Sacramento conforman otro álbum muy por encima de lo correcto, pero necesitan moverse de su zona de confort si quieren ser algo más que un grupo que cumple con sus fans. Tal vez si parte de los experimentos de Chino Moreno cayeran en mano de los Deftones, obtendríamos algo mucho más excitante.

Brendan Perry y Lisa Gerrard siempre estuvieron alejados de esa vertiente de la ‘world music’ insustancial y apegada a la la new age. Desde el prestigioso sello 4AD, con obras como “The Serpent’s Egg” o “Into the Labyrinth”, los australianos crearon canciones que parecían provenir de otro tiempo y otro lugar y que ayudaron a plantar la semilla para proyectos actuales.

Tras separarse hace quince años, regresan con “Anastasis”, que se coloca en la media de sus mejores producciones.

“Children of the Sun” es el tema que todo fan esperaba desde hace años: orquestaciones, épica, metales y la voz de brujo de Perry sobre coros de su compañera, siempre sobrevolando los temas más oscuros y ‘occidentales’.

Lisa vuelve a encargarse, con su voz operística, de temas de cadencia oriental y cinematográfica como “Anabasis”, “Agape” o “Kiko”.

El resto, con voz de Perry, son piezas cargadas de melancolía como son “Opium” o “Amnésia” o el atmosférico tema final “All in Good Time”. Las voces se entrecruzan en un nuevo clásico: “Return of the She-King”, con el que demuestran cómo se puede sonar romántico y grandilocuente sin caer en la pedantería.

Justo cuando su huella se encontraba difuminada, los maestros han vuelto para reclamar el trono. “Anastasis” vuelve a demostrar por qué Dead Can Dance fueron grandes.

Koi No Yokan

Anastasis

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THE MARS VOLTA Noctourniquet

TURBONEGRO

Sexual Harassment El retorno de Turbonegro con nuevo cantante, sufre de un registro rasgado y más limitado para los melódicos. El sonido de la banda pierde en diversión dentro de un disco sin nada que reprochar realmente, pero que no será recordado ni como excitante, ni pegadizo. Nos quedamos con ese diabólico y heavy ambiente de “Dude Without a Face”, la voz de su nuevo cantante adaptada a la vertiente más pop en “Rise Bellow”, el extremo de “Shake Your Shit Machine” con esos teclados y un acercamiento más lúdico y sixties y el single “You Give Me Worms”, rock resultón a tempo relajado.

Viendo la paulatina pérdida de interés por sus obras, parece que hayan abusado de un público al que arrastraron a las procelosas aguas de lo progresivo. La ruptura de “Noctourniquet” no es para tanto: climas retrofuturistas con sintetizadores explosivos, algún registro vocal nuevo y un regreso a la capacidad de desconcertar. El problema es que en vez de explorar un territorio, y contarnos lo más interesante de lo que han visto, parecen más decididos a hacernos partícipes de esa exploración en tiempo real, enseñándonos por igual misteriosos bosques que desiertos que pierden la gracia a los tres minutos.

LOVE DIVISION

SONIC TRASH Hey Chica!!!

Infatigables rockeros de Ya Te Digo se mueven ahora como Sonic Trash, con ese corazón art-rock donde cabe lo indie, lo garagero o lo punk adaptándose a la condición bilingüe y una mayor versatilidad sin perder el carácter.

La Velvet Underground (“Electroidea”) y los Stooges resuenan tanto en su música como los 90 de Jane’s Addiction (“Hey Chica!!!”) o Girls Against Boys (“La Balada del Loco Hono”) entre toneladas de rock n roll, psicodelia y electricidad. A la vez debut y recogida de frutos, un disco de palpitante con un gran equilibrio entre crudeza y matices melódicos.

Locomotora

ERIC FUENTES Descarrillant

Reedición en vinilo de un CD que Fuentes publicó allá por 1997. Canciones en catalán repletas de rabia e inocencia propias de la edad y los primeros pasos en la música, con más ganas que medios.

El sonido melódico y melancólico respira 90s desde lo local, nos recuerda a Berri Txarrak (“Contrarrelotge”) o a Weezer (“Constant”) y encuentra joyas en la senda de Bob Mould, Sunnny Day Real Estate o Samiam. Retazos menos afortunados de heavy metal y hard-rock acusan sobre todo las baterías secuenciadas, mientras que en otros se descubre como el cantautor que es.

Love Division continúan en el empeño por hacerse un hueco en el rock por sus propios medios y reivindicando un rock de sonido hard, corazón punk y sensibilidad pop.

En “Locomotora” se muestran más refinados y americanistas, tendiendo al power-pop (“Rock and roll rollercoaster”), buscando el baile (“Honey I Don’t Mind”) para explotar en la salvaje y cambiante “Animal Song” y relajarse con la cálida “Southern States”.

Completa el EP una versión de la trillada “Helter Skelter” de los Beatles, que completa una faceta más luminosa de una lucha musical honesta.

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BISCUIT Memorabilia Rock clásico sin trampa ni cartón, alejado de modas y con un sonido que hace brillar esa amalgama 70´s bañada de esencia powerpopera. Aquí hay The Who, y hay The Byrds, pero también cosas de Sugar (“I Was Right”), elementos del power pop festivo de Redd Kross, o incluso acercamientos a las tendencias clásicas de Pearl Jam (“I´ll Be Late”).

Memorabilia contentará a los amantes de un rock que no se anda por las ramas y que aunque quizás hoy pueda sonar inofensivo, lo cierto es que resulta vibrante y dinámico como el rock&roll del de toda la vida.

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JOHN TALABOT ƒIN

El productor barcelonés da el salto al reconocimiento internacional con un disco que despeja toda suspicacia al respecto.

El mayor encanto del disco se le encuentra a instrumentales que dicen tanto como “Oro y Sangre”, donde cada percusión, melodía e incluso ese grito sampleado están en su sitio arrojando un resultado tan adictivo como amable. Esa electrónica cálida, tan cercana lingüísticamente al pop es la clave de una música ‘de baile’ apta para casi cualquier ocasión.

Una composición intuitiva que desafía los cánones de la escena house de la que emerge.

Amplía el espectro manteniendo el patrón del uso obsesivo del sampling con el que consigue atmósferas con real gancho y riqueza ambien-

tal. Así, demuestra que tiene paciencia para crear climas hipnóticos y no hay ninguna necesidad de hacerlos estallar.

En las lides de los singles, Pional se revela como un gran aliado, contribuyendo a dos temas fundamentales, no sólo porque destaquen gracias a la inclusión de voces. La primera es “Destiny”, con un groove marcado por potentes bajos, sintes psicodélicos y envolventes capas vocales. La otra, “So Will Be Now...”, más machacona y portadora de un sampling de soul repetitivo, de los momentos más de club. Y es que Talabot abandona la artillería de sus primeros singles en beneficio de un disco de viaje que fluye como la seda y que continúa justificando que las fronteras musicales se hayan derretido.

MARK LANEGAN

GRIMES

Lanegan ha aprendido a adentrar su voz en texturas electrónicas y eso es lo que destaca en la forma de “Blues Funeral” ya que en el fondo encontramos el marcado carácter del músico. Se le va algo de las manos en la ochentera “Ode to Sad Disco” o la robótica “Tiny Grain of Truth”, pero por lo demás es puro Lanegan. “The Gravedigger’s Song” por ejemplo, es continuación de esa faceta de rock alternativo actualizado con misterio y drama que ha cultivado en The Gutter Twins. Aunque en cuestiones de efectismo pop la sorpresa la da con la épica synth de “Harborview Hospital” logrando la sublimación de la catástrofe.

El rock más eléctrico llega con los riffs de blues desbocados de “Riot In My House” acompañando un groove contagioso. También con “Quiver Syndrome”, punk-rock polvoriento que destaca por esa voz ahogada en las guitarras y el color psicodélico de sintetizadores retro.

El resto del disco hace uso de la electrónica envolviendo buenas canciones, destacando la divertida “Gray Goes Black” con sus ritmos disparados o la salvaje “Leviathan” con esa querencia experimental sobre la que cimienta un hipnótico blues-rock psicodélico. El resto del disco lleva su conocido patrón de blues taciturno con diferentes matices.

La muestra de que cuando se forja un carácter musical auténtico, se puede salir airoso de casi todo. Cuando tras los fuegos de artificio hay tal sustrato, no hay que temer a la experimentación con las formas.

Tercer trabajo de la canadiense Claire Boucher en el que sigue transitando por la senda del pop electrónico cibernético e industrial, más escapista que oscuro, de ritmos imprevisibles, atmósfera subyugante y pretendida experimentación; siempre bajo la inevitable sombra de Kate Bush y Siouxsie y situándose en la misma fila que contemporáneas como Fever Ray o Zola Jesus.

Si a su anterior obra podría achacársele cierta pretenciosidad, en “Visions” sí que nos encontramos ante un catálogo de grandes temas de pop; no demasiado inmediato eso sí, pero muy satisfactorio a la larga.

Los singles “Genesis” y “Oblivion” son dos buenos ejemplos. La difícil de escuchar voz de Claire, demasiado ‘pitufa’ e irritante por momentos, se impone sobre fríos parajes electro o maquinales y elaborados ambientes sintéticos; pero quedándonos la impresión a las pocas escuchas de que realmente nos encontramos ante melodías muy trabajadas y grandes temas. La muchacha se las da de ecléctica y posmoderna: “Vowels = Space and Time” encarna un acercamiento sin tapujos al R&B; “Be a Body” y “Symphonia IX (My Wait Is U)” son puro dream pop del siglo XXI; y “Nightmusic” es una pieza grande del synthpop de última generación.

Para todo aquellos que se pregunten qué lugar tiene la música industrial y gótica en los tiempos que corren, “Visions” es el disco a investigar. Y para todo público en general, uno de los grandes álbumes de la cosecha.

Blues Funeral

Visions

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NUDOZURDO Ultra Presión

ALIMENT Holy Slap

Garaje-rock animado y festivo donde caben Black Lips o Jay Reatard, garaje-punk, los Sonics, los Ramones y el surf. Un cóctel de sonidos vintage pasado por el hedonista prisma del indie actual interpretado con la urgencia de un power-trio. Buenas sensaciones instantáneas, pequeñas píldoras de felicidad a veces con filo post-punk (“Seein’ Black”, “True Story”), simplemente punk (“Like a Vampire”), toques psicodélicos (“Bad Blood”) o guitarreo noventero (“Friends From the Block”). Sobresale “Holy Slap”, que les revela capaces de una excelente composición sin dejar su escasez de pretensiones.

“Ultra Presión” marca el regreso de Nudozurdo tras un breve parón. El EP es un compendio de varios descartes de la grabación de “Tara Motor Hembra”. “Cementerio de errores” y “Hasta que se parezca” se acercan a la senda de la distorsión; mientras que “Chico Promo”, con su tensión post-punk y el lánguido medio tiempo “Contigo sin ti” parecen temas de la época “Sintética”. “Campamento Dorado” es un bonito ejercicio exploratorio, de lenta cadencia rítmica. El trabajo no engaña y recoge temas que merecían ser rescatados aunque no den muchas pistas sobre el futuro.

WILHELM & THE DANCING ANIMALS

JEFF THE BROTHERHOOD Hypnotic Nights Fresca mezcla de 70s y 90s con cada vez más de los primeros Weezer. Alternativo dulzón y guitarreo hard-rock, como homenajes convincentes a la música que les gusta. Cuando abrazan la velocidad nos recuerdan a los Ramones y al malogrado Jay Reatard mostrando su total ausencia de pretensiones.

Pero lo importante es que la pareja de hermanos nos regala un disco de esos para sentirse bien y mandar a la mierda cualquier problema y por eso su música tampoco se mete en líos que no sean pinceladas de psicodelia o de kraut. Sin concesiones más allá del pasárselo bien.

The War of The Specie

NADA SURF

The Stars Are Indifferent to Astronomy Séptimo disco de estos paladines del power-pop, que busca recuperar su frescura adolescente y su sonido de directo. Un disco con nostalgia por esa juventud, expresada en “When I Was Young” que explota en un épico himno de base acústica, pero repleto de electricidad y hasta orquestaciones. Nunca es tarde para sueños adolescentes, dirán en un tema muy Posies, de los más memorables. La casi punk-rockera apertura de “Clear Eye Clouded Mind” o la solidez del estribillo de “Waiting For Something” son diferentes caras de esa sabiduría pop de una solidez que les evita caer en la languidez de otros.

Las cosas imperfectas suelen tener un atractivo particular. Esto ocurre con el debut de los navarros, repleto de pequeñas canciones de voces chirriantes que desafían lo que se considera armónico.

Si arropas este tono jovial con temática natural, instrumentación orgánica, melódica, mandolina, panderetas, etc. el resultado es un pop-punk-folk muy colorido y juguetón.

Urgentes y ávidos por sembrar su pequeña revolución amistosa en el indie nacional, lo cierto es que han encontrado su hueco y una personalidad distintiva a la primera.

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BLACANOVA ¿Cómo ve el mundo un caballo?

Lo lúgubre y bizarro sigue teniendo cabida en “¿Cómo ve el mundo un caballo?”, el segundo trabajo de Blacanova. Su música continúa por las líneas ya trazadas. Aunque sigan manteniendo guitarras etéreas y ambientaciones melancólicas se nota una orientación más pop en temas como “Checoslovaquia” o “A-92”. La distorsión sigue estando ahí en “El pulmón artificial”, al igual que el gusto por la balada fantasmal en “Cine de verano”. “Invertebrados” es un perfecto hit de rock onírico. Los sevillanos han conseguido que su álbum de reválida sea un disco la mar de consistente.

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... AND YOU WILL KNOW US BY THE TRAIL OF DEAD Lost Songs

”Lost Songs” sitúa a la banda en parámetros cercanos a aquel brillante “Madonna” y esos tiempos en que el punk-rock era una componente mucho más importante en su irresistible mezcla. Su octavo disco es uno de sus lanzamientos más directos e iracundos y así nos lo mostraron con adelantos como el supersónico post-hardcore de “Up To Infinity” o el punk melódico de “Catatonic” con un fondo repleto de adictiva electricidad. Una revitalizada rabia, dirigida a los tejemanejes políticos, al orden mundial o a violaciones de derechos humanos.

Activan así sus sentidos más primarios con temas que les salen del estómago como “Pinhole Cameras” y “Bright Young Things” que harán realidad los sueños de los seguidores de sus pri-

meros tiempos más agitados. Pero también saben moverse entre turbulencias con la lentitud y alevosía de “Flower Card Games” y “A Place To Rest” que resultan más devastadoras.

Pero lo mejor de todo es comprobar cómo, incluso cuando estandarizan su composición en torno a los 3-4 minutos por canción, todas encierran los detalles y ondulaciones que les caracterizan, consiguiendo sonar a ellos mismos y sorprendentemente excitantes con las mismas piezas en un disco sin relleno y que apenas encuentra la esperanza con el pop soleado de “Time and Again”.

Si ya estaban en el trono del rock alternativo contemporáneo, ahora escupen desde él a muchos de sus adormilados contemporáneos.

TORCHE

TITLE FIGHT

Vuelven a ser cuarteto y una banda encabezonada en su visión moderna del rock. Con contundencia y pompa hard-rock presenta “Letting Go” un disco que nos dará todos los ingredientes que los seguidores de la banda más o menos conocen, otro conjunto de canciones de diferentes gustos y colores.

Viviremos de nuevo momentos de algarabía en “Kicking”, que bien reflejaría los arcoiris de la portada. No sólo riffs y arranques de punk melódico, sino esos fondos de distorsión agradable, cercanos al shoegaze. Aún más punk-rock es “Walk It Off”, de escasa duración y propulsado por un vertiginoso solo.

Inauditas son las guitarras con aire céltico de “Snakes Are Charmed”, el math-rock de “Skin Trials” o la paranoia sintética de “Harmonicraft”, detalles nuevos para que su propuesta no caiga en el tedio.

‘Sludge-pop’ suele ser una etiqueta asociada al cuarteto, lo cual no parece sino una forma moderna de delimitar lo que en su día fuera rock alternativo. Melvins, Soundgarden, Jane’s Addiction, Sugar... esos sonidos tienen eco en lo que compone Steve Brooks. Y como ellos, Torche saben alimentarse de diversos géneros y sintetizarlos de una forma coherente y fresca.

Si de un disco podemos decir que ofrece lo que promete es de lo nuevo de Torche. El más heterogéneo, “Harmonicraft” es otro tratado que ahonda en una desprejuiciada mezcla estilística que sigue cuajando.

Desde Jawbreaker a lo más punk del rock alternativo y a lo más ruidoso del emo, pero curtidos entre pogos hardcore. Así se define a esta banda y su segundo disco, más variado y rockero, debería ser la confirmación para cuatro chavales que redondean con melodías esa abrasión juvenil. Si hay algo decisivo en que lo suyo pase de ramplón, aparte de esa entrega vocal tan arenosa y pasional, es la densidad guitarrera y las diferentes capas de ruido que ensamblan en temas como “Leaf” donde suenan a versión cafre de Rival Schools.

También la sensibilidad, por ejemplo del quejicoso tono de “Like a Ritual”, como unos Sunny Day Real Estate embrutecidos. Forma parte de un ecuador de contrastes.

Hiperagresiva y ruidosa, “Secret Society” es el tipo de punk-rock melódico y asqueado que en los 90 quería romper con todo. Su magnífica sucesión con la ambiental “Head In The Ceiling Fan” y sus brisas de post-hardcore y shoegaze nos terminan por hacer creer que estamos ante un grupo grande.

Aún nos quedarán las vetas de emo sudoroso de “Frown”, ese curioso llevar a su terreno aires de powerpop de “Calloused” o la calidez atmosférica de “Lefty” e “In-Between”, que se adentran definitivamente en el rock alternativo noventero.

Que las escenas no te confundan, si te gusta el rock de Jawbreaker, Nirvana, Rival Schools, Hell is For Heroes, Failure o Deftones, te gustará “Floral Green”.

Harmonicraft

Floral Green

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CORDURA Metrópolis

JOYCE MANOR Of All Things I Will Soon Grow Tired Esperanza del underground punk-rock más accesible, los californianos mantienen su personalidad con 9 canciones (versión incluida) que no llegan a los 15 minutos.

En la onda de los Guided By Voices de los primeros noventa, ofrecen píldoras directas y de sonido lo-fi. Pequeños haikus punk con sitio para juegos vocales más propios del indie rock. Disco de rápida combustión en el que lo mejor del nuevo hardcore se da la mano de forma exquisita con el indie rock de sabor noventas (Sebadoh, Weezer…) sin olvidar el emo (The Get Up Kids) o el punk pop californiano.

Los vizcainos caminan a la madurez rockera dejando atrás su herencia hardcore para lo bueno y para lo malo.

Le dan mayor fuerza en las guitarras con una producción que mira al stoner y el grunge más solemne, conservando un nervio rítmico que les aleja del mimetismo. La banda ha pulido su sonido y su destreza tanto instrumental como vocal ha dado un salto cualitativo notable.

La combinación de este nuevo groove con lo desgarrado de la voz y letras, alejadas de los clichés del rock, mantiene una personalidad especial para un disco algo nostálgico que retrata unos cuantos años dedicados a la música.

ALDRIN Y COLLINS

I HATE OUR FREEDOM This Year´s Best Disaster

La superbanda compuesta por integrantes de Thursday o Texas Is The Reason entre otras, actualiza la esencia del emocore noventero más agresivo. Un disco directo, en el que prima la intensidad y la emoción, matizado por algún medio tiempo.

A medio camino entre el hardcore, el emo, y el rock alternativo, consiguen himnos como “Letterbomb”, “Set It Off” o “The Poison And Pen”, donde las guitarras crujen con descaro. Un final más orientado al punk-rock completa un disco con poca paja y que les pone en pugna con la nueva hornada del género.

La Vocación Optimista

POLIÇA

Give You The Ghost Fruto del indie de su tiempo, de la aceptación del autotune y de la mezcolanza genérica este quinteto mezcla pop con electrónica, r&b, y demasiadas deudas con el trip-hop para apreciar algo novedoso, todo ello exagerado con filtros vocales.

Sus puntos fuertes están en esos temas tan susceptibles de calar en un fan de Beyoncé como en uno de Beach House, siendo “Amongster” o “Violent Games” buenos ejemplos. Con apabullante sonido y estudiada fórmula para caminar por la cuerda floja entre el indie y el mainstream es una pena el relleno de la segunda parte del disco.

Nueve canciones llenas de honestidad, sin más pretensión que la de hacer la música que les gusta inspirándose en sus influencias y con algunas deudas de los previos Crossword y Stendhal.

De fácil escucha y riqueza en arreglos, de voces limpias y sugestivas. Así se acercan al sentimiento electroacústico de Standstill, a la sensibilidad de los primeros Radiohead o a la psicodelia de Los Planetas pero también a la emoción de los imprescindibles Sunny Day Real Estate, así como la imperfecta maestría de Artur Estrada.

Astronautas de la normalidad por descubrir.

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LA DÉBIL Sángrala

Segundo trabajo y nueva áspera colección de temas. El tema de título son seis minutos de ritmo repetitivo con el estribillo como clímax; de textos, plagados de religión, sexualidad y truculencia.

Hay mucho extremismo y heterogeneidad musical: desde el punk de “Ten cuidado”, de poco más de minuto y medio, hasta el progresivo “Rite Rite” que abarca veinte.

Entre medio, encontramos muestras de post-punk como “Rosario”, acercamiento al folclore en “La Flor de Azafrán”, o las joyas “Que quieren”, lánguida y tenebrosa, y el noise experimental de “Uralita”.

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LEE RANALDO

Between the Times and the Tides En su primer disco en solitario tras aparcar Sonic Youth, Ranaldo ha buscado alejarse de las complicaciones ligadas a su banda para dejar un buen disco de canciones para quién esté dispuesto a dejar prejuicios fuera.

Canciones facturadas con gran elegancia y con un sonido orgánico rico en detalles y arreglos. Para ello cuenta con la ayuda en la producción de John Agnello, y amigos como Steve Shelley a la batería, Nels Cline a la guitarra, Jim O´Rourke al bajo, o Alan Licht. Arranca cercano a su pasado con “Waiting On A Dream”, si bien la electricidad sinuosa que desprende es de otro calado más cercano al pop-rock alternativo de unos R.E.M. que sobrevolarán a lo largo de todo el disco. “Off The Wall” acentúa la

vertiente pop con una guitarra en la línea de los Pavement más nostálgicos y accesibles.

“Xtina As I Knew Her” es uno de los mejores temas con ese aire sugerente y fronterizo, y es quizás la pieza en la que la mano de Cline más se hace notar. Le sigue “Angles”, una pieza en la que la figura de R.E.M. vuelve a aparecer con fuerza, y tras ella el ejercicio folk “Hammer Blows” nivela una mitad de disco variada.

La segunda flojea un poco pero sigue habiendo momentos muy válidos como la mutable “Fire Island (Phases)”, pese a una final bajada de revoluciones que quizás emborrone algo el balance. Cubre las expectativas de un artista al que perseguirá, para bien y para mal, su pasado.

SPIRITUALIZED

BARONESS

“Sweet Heart Sweet Light” vuelve a ser un álbum frágil, aunque quizá más polarizado que “Songs in A&E”. Tras una intro orquestada, el arranque con la velvetiana “Hey Jane”, no hace más que inducir a equívocos; hacia la mitad del tema el artista para unos minutos en el interludio para coger aliento, pero sólo lo justo para volver a empezar y llegar a la catarsis.

La felicidad tras la euforia se hace presente en el segundo tema, “Little Girl”, bonito medio cargado de gospel característico de la casa o en el perpetuo crescendo de “Get What You Deserve”. Quizá al llegar a la balada “Too Late” nos vayamos dando cuenta de “Sweet Heart Sweet Light” es quizá el disco más luminoso de Jason Pierce.

“Headin’ for the Top Now” es otro ensayo de rock caótico, baterías destartaladas, riff repetitivo, coros y la débil voz del inglés de fondo. Y luego, la calma, con “Freedom”, la muy soul “I Am What I Am” y el clamor romántico de “Mary”.

Finaliza esta nueva entrega de Jason Pierce con “So Long You Pretty Thing”, otro extenso tema, melancólico, bellísimo, que sitúa finalmente lo mejor al comienzo y al final del álbum, sin desmerecer el suculento interior; lo que lo convierte en uno de los mejores álbumes de la banda post “Ladies and Gentlemen We Are Floating in Space”.

O quizá el mejor, dadme unos meses más de escuchas bajo tenue luz blanca.

Puede que decepcionante para sus fans más metaleros pero difícilmente puede ser sorpresa el acercamiento al pop-rock alternativo de la doble entrega de los de Atlanta. Los tonos son más alegres, se pierde el drama y se gana en naturalidad y em singles, como la frenética “Sea Lungs” o los triunfales aires stoner de “Take My Bones Away”.

Es un camino al que se han arrojado sin miedo (ritmos nuevos, voces nuevas) y eso les honra, pero deben pulir aristas para que todo encaje. Esto no quiere decir que no haya grandes temas, como “Cocainium” que invita al baile para inundarlo de psicodelia o la sobrecogedora ambiental “Eula”, voces cálidas y guitarras serpenteantes sobre baterías cavernosas.

Si Yellow, aún siendo un notable disco de rock alternativo ya puede ser algo polémico, en Green se despachan a gusto con tempos lentos, tonos pop y hasta aires veraniegos como los de “Board Up The House”. Lo malo es que esto se irá desinflando y apagando hacia temas anodinos de aires postgrunge y funk-pop.

En conjunto esta doble entrega es el testimonio de una evolución y resulta tanto irregular como estimulante para cualquiera que crea en el avance musical. Baroness necesitaba ampliar fronteras para no convertirse en una autoparodia de prog-sludge barbudo que les precede.

A veces falla el experimento, pero se abren perspectivas muy interesantes.

Sweet Heart Sweet Light

Yellow and Green

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SCREAMING FEMALES Ugly

SAN BORONDÓN San Borondón Con alma de cantautor y acompañamiento de banda, el nuevo proyecto de Jorge Miranda (Malcortado), refleja letras intimistas matizadas por ese marcado acento canario. Una mezcla de indie-rock en clave folk con guiños a Jeff Mangum y Daniel Johnston.

Ofrece agradables y cálidas sensaciones pese a que sus letras describen más bien historias de desorientación vital.

En su sencillez y honestidad, facilita la conexión con el oyente. Tal vez la resaca del indie-rock llegue en esta forma, una vuelta de tuerca a esas mismas melodías, desde el más sobrio horizonte del cantautor.

Entre Dinosaur Jr. y Sleater Kinney pero con mucha sabiduría garaje y hard-rock por detrás, el trío factura un indie-rock con énfasis en la contundencia punk. Destaca la exagerada y sostenida voz, pero musicalmente se moverán hacia el clasicismo rock, la oscuridad y la hipnosis, los riffs psicodélicos y algún orientalismo. Lo mismo dejan patentes maneras stoner en “Doom 84”, que cierran con “It’s Nice”, un bonito tema acústico con orquestaciones.

Inaudita versatilidad por tanto de un trío que, vistas sus capacidades, seguramente si no lleguen a ser más populares será porque no quieren.

FANG ISLAND

ALT-J

An Awesome Wave Cruce de sonidos de pop, soul o electrónica, con los juegos vocales como elemento diferenciador. Un disco elegante, de estructura muy pensada, alternando juegos electrónicos con otros puramente vocales y finalmente juntándolos en forma de singles.

Consiguen una ola sólida, con sus expresos altibajos. Se grabarán a fuego picos como los de “Breezeblocks”, la sutil “Something Good”, la electrónica de “Dissolve Me” o el climax dramático de “Fitzpleasure”. Hay momentos repetitivos, pero cada canción cuenta con su riesgo y ayudan a conformar un disco rebosante de imaginación.

Major

THE DIESEL DOGS Antihumanism

Al margen de modas vuelven con su cóctel de rock y agitación del pensamiento. Guns N’ Roses, Hellacopters, Replacements o Social Distortion entre otros se mueven en seis cortes que van del rock n roll a piñón a la tensión, la melodía punk-rockera y finalmente, la catarsis cercana al folk, siempre sin perder los EE.UU. de su punto de mira.

La única pega a ese idealismo rock como arma revolucionaria, es que parece más centrado en la estética y un interesantísimo crisol de referencias políticas e intelectuales, que en la propia capacidad de la música para poner las cosas patas arriba.

Menor presencia de esos riffs tan potentes y acerados que les acercaban al metal en favor del pop, más partes cantadas, más arreglos y más épica a través del piano. Todo ello les hace quedar más cerca de un pop-punk inofensivo, pese a un sólido trabajo compositivo y un olfato atemporal para la melodía.

Los singles son correctos, pero incapaces de hacer sombra a la retahíla de rock para sentirse bien del debut.

El arranque cowpunk de “Dooney Rock” o “Regalia” destacan, pero han pasado de ser adictivos a agradables. Pierden chispa demasiado pronto.

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OSO

Sealand Diversidad y capacidad de integrar influencias en unas canciones que supuran carácter, energía, y delicadeza en las proporciones justas. Suena a todo ese folk-pop de esencia indie, sin olvidar el rock emotivo de escuela noventera.

Así, tenemos piezas más centradas en sonidos semi-acústicos como la inicial “Hide and Seek” con preciosos arreglos de cuerda; o como “Superman’s Last Words”. Un disco donde cabe country.rock y música de raíz, pero también energía, intensidad y emoción. Sufjan Stevens, The Decemberists, Madee, Iron & Wine o Radiohead les acompañan en ese trayecto.

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RIPPERS

Fire Tractaät Canciones directas y crudas como los grupos de los 80 y los 90. Eso promete el punk-rock de Rippers, suciedad renqueante en la onda de Nirvana, Melvins, Mudhoney o Wipers, consolidada por una carrera dilatada y una personalidad formada. Aquí alcanzan ese mágico equilibrio entre la dejadez punk y una oscura rigurosidad que los acerca al metal en temas como “Lovers Whirlwind”. La oscuridad y la tensión con gran protagonismo del bajo se prolonga en “Black Rats” y llega al ecuador de “Justice”, antes de que estalle los terrenos del stoner-punk.

Agresiva y a dentelladas arrastradas se mueve “Again and again” que prefiere desgarrar al oyente poco a poco, con saña y temple, y dejar todo perdido de sangre mientras bailas

a su ritmo. Y es que así es el sonido de Rippers, el de un punk-rock enfermizo, malsano y tozudo, una amalgama bestia entre los citados Wipers y Zeke. Las melodías afloran en los riffs en temas como la inicial “Take The City”, punk-rock expelido con rabia vocal, un pelotazo bajado de revoluciones para acentuar su corrosión. También lo hacen en el dulce desgarro de “Lights”.

En estos tiempos en que la cosa está tan de moda, no les duelen prendas en marcarse un par de números instrumentales y “Unsheltered” ejerce como correcto cierre y compendio de las diferentes facetas de “Fire Tractaät”, de momento punto álgido de 17 años en el underground que seguramente nunca tengan el reconocimiento merecido.

HOT WATER MUSIC

DINOSAUR JR.

Los de Gainesville lo retoman donde lo dejaron, acentuando el sonido más rockero que gana la partida a un punk aún presente en la rabia lírica y la voz rota de Ragan. Ya desde el comienzo, como una versión acelerada de los Pearl Jam más rockeros, vemos como el cantante ha vuelto en plena forma, y su influyente estilo está lejos de decaer. Sigue a “Mainline”, “Boy, You’re Gonna Hurt Someone”, con post hardcore melódico de tintes épicos.

En “State of Grace” la línea más pop aflora del todo, como en “Drag My Body”, una de las composiciones más accesibles que han hecho nunca y demuestra un potencial emocional que casi da rabia que no exploten del todo.

Pero piezas como la que da nombre al disco también son necesarias, rápida, agresiva, con coros y juegos vocales punk-rock. Los estupendos ritmos del bajista, Jason Black, muy por encima de la media, así como la destreza de un segundo cantante y guitarra como es Wollard, se encuentran en pocos grupos.

Para el cierre espera una buena dosis de traca con un poco de todo. El trasnochado y tabernero medio tiempo, “No End Left in Sight”, permite lucir guitarras con emoción mientras se preparan los últimos ataques de hardcore melódico con “The Traps”, y el magnífico cierre con aspecto de futuro himno “Paid in Full”. Con ella nos despiden dejando claro que cierta madurez bien entendida, a veces es el mejor de los caminos para convencer a los que estamos creciendo con ellos desde hace años.

“I Bet on Sky”, el décimo trabajo de Dinosaur Jr., viene tras uno de los momentos en los que más en forma les hemos visto; tras unos “Beyond” y “Farm” que nos devolvieron a una de las bandas más añoradas de los ochenta y noventa en su formación clásica con dos de sus trabajos más atinados.

Su fórmula sigue sin variar un ápice en su nueva obra.

“Watch the Corners”, el primer single, es tan clásico que hay que sonreír: solos y lánguida voz de J sobre una base de distorsión y momentos de calma acústica. “Don’t Pretend You Didn’t Know”, por otro lado, vuelve a incorporar teclados como en otras composiciones de tiempos recientes y sirve de ejemplo de lo que son Dinosaur Jr. hoy: una banda que no reniega de su pasado pero que no se amilana ante la idea de acercarse al folk.

“I Bet On Sky” es álbum de grandes medios tiempos, como la preciosa “Almost Flare” o “Stick a Toe In”, en la que su creador vuelve a caer en la vieja técnica de parafrasear el estribillo con su guitarra; truco viejo en él pero que sigue funcionando. Pero para despistar al oyente ahí está Barlow que,una vez más contribuye con un par de canciones ‘diferentes’: el country-punk de “Rude”, y la muy popera “Recognition”, que sirven de contrapunto a las composiciones más ortodoxas de J. Pero en definitiva una vez más nos encontramos con que el trío se ha impuesto a casi todas las bandas que les deben todo y a las que sacan veinte años.

Exister

I Bet on Sky

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DAMIEN JURADO Maraqopa

De nuevo con ayuda de Richard Swift, el cantautor de Seattle asienta las esencias 60’s y roza la psicodelia folk con magníficos arreglos y sugerentes formas eléctricas.

En “Life Away From The Garden” se impone el folk semiacústico, y apoyado por coros infantiles fantasmagóricos se consigue un aura especial que hacia el final te apuñala con crecendo y bella lírica. El tema que da nombre al LP continúa una línea de folk lluvioso en el que el Neil Young menos eléctrico sobrevuela hasta llevarnos a las cálidas percusiones de “This Time Next Year”, que nos evade de forma nostálgica y estival. En “Reel To Reel” el Spector más turbador hace aparición quedando también su influencia en “Working Titles”, una pieza de aires casi 50´s

que te deja acongojado gracias a unos coros femeninos de otra época.

En la segunda mitad del disco continúa el carácter intimista con “Everyone A Star” y la influencia de Nick Drake haciéndose notar, y se prepara así un final de lujo que arranca con la apesadumbrada “So On, Nevada”, que destila añoranza con clase y sinceridad; “Museum Of Flight”, en la que se fuerza hasta un registro cercano al pop convencional.

Por último “Mountains Still Sleep”, nos devuelve el sonido añejo, elegante, y con cierto toque tórrido, que le va como anillo al dedo a una obra de luces y sombras, que descubre a un Jurado en el punto justo en el que debe estar a estas alturas de su carrera.

ZEPHYR LAKE

BOB MOULD

Saliéndose de los límites del punk-rock para encarar todo lo que del año ochenta y pico en adelante surgió en torno al indie rock y una dosis importante de oscuridad, las canciones de los catalanes son a partes iguales sobrecogedoras, intensas, e inquietantes, y su buen hacer en el arte del revival noventero los coloca entre lo más interesante del nuevo panorama estatal.

Arranca el álbum con “Hey, Renaissance”, shoegaze que nos muestra el paso de madurez dado por la banda.

Le sigue “Agave”, puro indie guitarrero que pareciese parido de las guitarras de unos Yo La Tengo versión enérgica, o de los Dinosaur Jr menos desatados. En “Control” la cosa se pone seria y la contundencia punkrockera del Bob Mould primigenio hace aparición. “M-Sparkles” sigue la misma senda, y cuando la influencias del indie-rock nacional de los 90 (El Inquilino Comunista, Australian Blonde…) se condensan en “Danube”, te empiezas a plantear si no estarán adelantando por la derecha a los que han podido ser sus maestros.

“Pure Vow” tiene toda esa inocencia y frescor del indie y también momentos más directos cercanos al punk/hardcore como “Hazel Eyes”. En su parte final la banda muestra mayor polivalencia con temas tan turbios como “Dystopia” o “Magic Line”, donde Sonic Youth hacen aparición en forma de experimento noise y entre medias pop ruidoso entre Pixies y The Pains of Being Pure at Heart.

Intento exitoso de Bob Mould de poner su rock a la altura del que facturara en Sugar. Contundencia y rudos riffs que miran atrás pero sobre todo ratifican que gente del éxito comercial de Dave Grohl aprendieron a componer con él (“Star Machine”), que un cincuentón puede hacer rock áspero y oscuro (“Silver Age”) y que es capaz de rozar la brillantez melódica de que hizo gala en sus tiempos de gloria (“The Descent”).

Tan sólo “Briefest Moment” despista con un tono postpunk que no parece encajar del todo. Por el camino tendremos “Steam of Hercules”, un medio tiempo flotante en la distorsión, más rock alternativo con extras de melodía en “Fugue State”, la algo cercana a Afghan Whigs “Round The City Square” y “Angels Rearrange”, captando a la perfección ese tono oscuro y redentor de su garganta y guitarra. Pero será la vibrante “Keep Believing” la que devuelve la ilusión transitoria de estar a principios de los 90, magnífico trabajo del músico retrotrayéndose a su propia juventud compositiva e interpretativa. El tono entre dulce y ácido del pasado, los vestigios de punk bañados en distorsión renqueante, todo en su perfecto sitio.

Disco brillante que a nadie descolocaría si llevase la etiqueta Sugar en portada, con sabor añejo pero con un brillo luminoso que nos invita a quedarnos en 2012. Del tipo de miradas al pasado que no buscan refugiarse en grandezas pretéritas, sino al revés, reclamar la vigencia de lo que quedó atrás.

Pure Vow

The Descent

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JAPANDROIDS Celebration Rock

Japandroids dieron tan en el clavo con esa mezcla de indie y punk-rock vitalista de su debut que nos encontramos ante uno de esos casos de comparación odiosa de antemano. El impacto inicial es duro, pero se supera a golpe de buenas canciones.

Aunque hay algún intento de progreso, lo mejor es lo que nos suena idéntico a ese sonido evocador de veranos adolescentes, por ejemplo “Younger Us” o “The House That Heaven Built”, uno de los grandes temas del año, que añade épica a raudales y estrofas muy springsteenianas, sobresaliente ya se mire desde el prisma del rock o del indie.

Esto no sólo va con una cuestión de sonido, sino con una cierta madurez en la forma de

composición. Si alguno de los mejores temas de “Post-Nothing” apenas tenían dos frases, esta vez Brian King ha intentado dotar las canciones de historias, de sentido lírico.

Ahora también las canciones están más diseñadas para festejar con el público en directo y así se acercan un poco al rock de estadios. Pero estilísticamente la diferencia es más bien anecdótica, salvo algún coqueteo más pop y limpio tipo “Continuous Thunder” o el abrasivo garajepunk versión de The Gun Club.

Un bajón respecto al estigmático debut que no deja de situar al dúo como punta de lanza de un nuevo rock alternativo que nos ofrece grandes momentos cada vez más programados para el directo.

DIRTY PROJECTORS

TITUS ANDRONICUS

Dave Longstreth va muchos pasos delante de su generación. Tras diez años detrás de su cambiante banda sigue empeñado en investigar en su sonido, en ahondar en la tradición para crear algo nuevo y sobre todo único.

En “Swing Lo Magellan” parten de temas en la línea de “Bitte Orca” (“Offspring Are Blank”, “About To Die” y “Gun Has No Trigger”) ampliando la paleta de colores.

Cada vez queda menos de esos destartalados sonidos de sus comienzos, pero se abren pasadizos amplios donde entra el folk y el pop más clásico (“Swing Lo Magellan”, “Irresponsable Tune” y “Impregnable Question”), el rock psicodélico (“Maybe That Was It”), la multitud de arreglos de “Unto Caesar” y un inacabable registro de ritmo y sonidos trepidantes en el juego de guitarras y palmas (“Just From Chervon”, “Dance For You”) o en el uso de samplers electrónicos en “She What She Seeing” y “The Socialities”.

La presencia vocal femenina es una vez más clave, en un uso sensacional de las voces de Haley y Amber. Esta última queda así como auténtica líder en “The Socialities” o en el juego vocal con Dave en “Unto Caesar”. Igualmente la base rítmica ha cambiado con el fichaje de Michael Johnson a la batería, bien arropado por el impredeciblemente preciso bajo de Nat Baldwin.

Otro paso al frente de la banda neoyorquina con un Dave tan brillante y experimental como siempre, aunque con una colección de canciones inferior a esa obra maestra que es “Bitte Orca”.

Los de Patrick Stickles, se alejan del deje lo-fi y la pretenciosidad conceptual con un disco honesto, que les acerca al punk rock de The Clash, siempre sazonado por sus orgullosas raíces de costa este norteamericana.

Más limpios, menos hooligans, cercanos a bandas como The Hold Steady, las melodías seguirán teniendo el mayor protagonismo, si bien simplifican el asunto con menos seriedad. La apertura con “Ecce Homo”, la más clásica “Still Life with Hot Deuce and Silver Platter”, o “Upon Viewing Oregon’s Landscape with the Flood of Detritus”, recogen ya algunos de los mejores momentos del LP. Los teclados toman protagonismo, y el alma del Boss, se apodera de un grupo que no olvida sus orígenes.

Hay momentos más locos como el rock&roll tabernero de “Food Fight!”, o el hardcore-punk de “Titus Andronicus vs. The Absurd Universe (3rd Round KO)”, que aportan dinamismo. Por contra el largo desarrollo de “My Eating Disorder”, sirve de eje convirtiéndose en el espejo de lo que son en 2012. Dejes clásicos, la influencia del folk-rock del Conor Oberst más aguerrido, momentos de coros con los que levantar el puño, y como no, sitio para la épica de barrio periférico con un final gritón y sentido que eleva al tema a la categoría de futuro clásico.

Con “The Monitor” ya hecho, era el turno de las canciones, lo primitivo por encima de historias conceptuales, grandes arreglos, y deseos de salvar un indie-rock del que cada vez parecen sentirse más lejos.

Swing Lo Magellan

Local Business

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KISS THE ANUS OF A BLACK CAT

Weltuntergangsstimmung

DUBITA CANOVA Dubita Canova Filosofía lo-fi, esencia folk, electricidad y una variedad de estados de ánimo donde los tonos tristes se imponen. Una banda sonora para días nublados en los que sin embargo, al fondo, se abre algún claro de luz. Pop autobiográfico que narra situaciones cotidianas y entrañables con Los Planetas, Belle & Sebastian o los 90´ distorsionados de Subterfuge sobrevolando.

Por el camino irán mostrando su amor por los coros sixties, las letras que se ganan tu corazón, el punk-pop y el indie-rock fugaz alternado con temas más sentidos de resonancias de cantautor.

Del dark-folk a otros territorios más melódicos. Con oscuridad marcial, ritmos secuenciados y baterías programadas que nos hacen pensar en el industrial más primigenio, se adentran en la rama siniestra de la música popular de los 80 y la llamada dark wave. La banda ha aniquilado casi cualquier resonancia folk en favor de los sintetizadores.

El resultado es un notable disco de género en el que nos provoca el escalofrío con una música dramática de avance lento y aires goth, construye hits de instrumentación deshumanizada , retiene vestigios de ese folk apocalíptico e hipnótico y abraza el pop oscuro.

SEÑORES

SLEIGH BELLS Reign of Terror

La fresca mezcla de pop electrónico combativo con inesperados guitarrazos hardcore de “Treats” convirtió a la pareja en adalides de lo ‘cool’. “Reign of Terror” revalida su sonido en un buen disco que adolece de la garra y la inmediatez de su predecesor.

Parece que quieren seguir dando guerra con “True Shred Guitar” y “Born to Lose”, pero vemos cierta relajación tanto en la voz como en los riffs. El ‘medio tiempo’ se hace peligrosamente presente y pese a aciertos como “Crush” y “Comeback Kid”, casi todo lo demás suena desganado. Once canciones en general inofensivas.

EP 2012

THE BIG PINK Future This

Regreso recién estrenado 2012. “Stay Gold”, el primer single, mantiene varias de sus constantes: ritmos sincopados, loops electrónicos y un pegadizo estribillo. Pero a la mínima de cambio, “Hit the Ground (Superman)” y “Give It Up” ponen el acento en el pop, aunque en los medios tiempos “1313” y “Rubbernecking” vuelve la distorsión El conjunto del álbum se muestra mucho más radiable y bailable, pero conservando parte de ese tono retorcido que hace que no caigan en el mainstream más adocenado. Se han aburguesado un poco, pero mantienen cualidades.

Agresivos y melódico rock alternativo donde caben tendencias de indie y post-hardcore. Noventeros y poco refinados, se presentan con 5 canciones que, entre juegos instrumentales dejan sobre todo una sensación corrosiva que nos evoca la Bilbao más gris.

A veces prima el desencanto y mala hostia punk, otras un indie-rock más catárquico y siempre con una instrumentación que juguetea con texturas del post-rock o el noise. Quién mucho abarca poco aprieta, pero el cuarteto comprime todo muy bien en un sonido de partes poco originales pero un todo ciertamente singular.

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HORA ZULÚ

Siempre soñé sobre nadie negó nunca nada Diez años han pasado desde su debut, muchas cosas han cambiado. Los granadinos fueron triunfadores en lo local y su personalidad propia les sirvió para sobrevivir. Su quinto disco les confirma como la banda más en forma del metal nacional. Elegante, con pegada y matices, desde los interludios de homenaje a ilustres del folclore, hasta los temas más asesinos, pasando por el lucimiento lírico de Aitor, estamos ante una obra madura.

Continúan con sus virtudes: líricas profundas de reminiscencias flamencas, riff afilados y directos más unos teclados muy presentes.

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ADRIFT

Black Hearts Bleed Black Por fin parece que Adrift tienen un largo a la altura de su pulverizador directo. El berrido es más profundo, la pulsión rítmica más obsesiva que nunca y la guitarra gana tanto a la hora de tejer machacones mantras como a la de hacer de hilo progresivo y añadir la carga ambiental a una suma, en definitiva, tan bestia. Los aires doom pueden más y se desvanece parte de las tendencias post-rock que adornaban su música antaño en favor de la densidad y solemnidad.

Se trata de un disco con el interés muy bien repartido y que lo mismo empieza fuerte y adentrándonos en las extrañas tinieblas de “The Soldier Of My Words”. Se ha potenciado el rugido sobre el grito, la base rítmica parece hacer retumbar la cueva en la que toca la banda y la

guitarra aporta el toque de color paranoico y obstinado. La repetición juega un papel clave en los riffs a lo largo de todo el disco, a menudo desplegándose entre una guitarra rocosa y cabezona y detalles más sutiles que hacen a la canción avanzar progresivamente a lo largo de los 6, 7 u 8 minutos, como es el caso de “Black Hearts Bleed Black”.

Toda esta cabezonería de metal psicodélico, se verá matizada por algún aire exótico. algún repunte de cello y un virtuosismo bien entendido dentro del estilo del cuarteto. Denso, oscuro, asfixiante, de temas largos aunque de gran estructura interna. A nada que le des opción, es capaz de atraparte y golpearte contra la pared de forma insistente.

THE MEN

ULISES LIMA

Más SST que nunca y no parece sólo cosa de sonido. Influencias no nuevas pero nunca tan patentes, acercan al rock y la melodía a una banda surgida del punk. Y es que pocos consiguen llevar, como en aquella época, una carrera tan vertiginosa y progresiva. Ahora dejan atrás el mal rollo de para apreciar el lado amable de la vida, en música y (escasas) letras.

Incluso en los momentos más agresivos, lo están pasando bien y la verdad es que si los neoyorkinos quieren tirar por este camino, harían mejor en cantar y olvidar gritos y medias tintas. De todos modos pueden seguir en su condición semi-instrumental, gracias a la psicodelia calmada de “Country Song”, el lento ascenso hacia el rock sesentero de “Presence” o los 7 minutos de “Oscillation”, con Sonic Youth mezclándose con Mogwai para rezumar colores veraniegos. Recoge esas mismas vibraciones “Please Don’t Go Away” en forma de rayo de luz shoegazer, directo al estribillo.

Se trata de un disco variado, a veces igual demasiado, pero con ciertos enlaces muy bien pensados como la sucesión de “Open Your Heart” con “Candy”, la cara más country-rock y campestre que nunca pensamos escuchar de ellos. Sólo los momentos más punks, que quedan algo descafeinados deslucen un poco el espíritu de superación de una banda que ha sabido adoptar lenguajes más clásicos demostrando en poco tiempo un amplísimo rango de acción con grandes resultados.

¿Sabes cuando encuentras un disco que te parece tremendo y al mismo tiempo sabes que va a quedar como un pequeño secreto para cuatro enfermos como tú? Eso -me temo que- es “Waiting For The Summer”, del trío madrileño Ulises Lima. Practicantes de esa convergencia emoindie-hardcore tan de los 90, nos entregan 12 canciones de nostálgica agresión plagada de melodías punk-rock en la onda de Jawbreaker y demás batallantes de sonidos ásperos y emocionales.

Pero de nada valdría un impecable ejercicio de estilo sin canciones que aporten más fuego a la llama que ya nos dejaron los pioneros. Y esto es algo que vamos a tener desde ese urgente pistoletazo de “Remember”. Un tempo rápido, un registro vocal gritón y descuidadamente melódico, y tres instrumentos que, desde el punk y sin irse por las ramas, desafían su rectitud en busca de las maleables estructuras del post-hardcore.

Pronto nos introducirán en tesituras más emo bajando el ritmo. ‘I’m like the others’ gritan como celebración de la escasa importancia individual en “The River” y le sigue “Ashes”, desgranando aspectos de inconformismo, la protesta social desde la propia persona. Sónicamente lo que más se asocia con el sombrío genero puede ser “Old Habits”, con su poso dramático y su avance a trompicones.

Pero de todas esas preocupaciones se desprenderán por un momento con la escapista “Waiting for the Summer”, apenas dos minutos de soleada urgencia.

Open Your Heart

Ulises Lima

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PINGÜINO

El Toque de la Muerte EP

VOLANS

Geografías del Olvido Surgiendo de HOM, el trío barcelonés se queda con la inquietud y los claroscuros y añade un toque más cerebral y elegante, alejándose de lugares comunes.

Estudiada distribución de sensaciones en los cuatro cortes desde la incertidumbre jazzista de “Ateca” a la melancolía correosa y naturalista de “Ghurba”, el space-rock de “Elipse” o la post-rockera y experimental “Gulag”.

La paciencia en esto del rock instrumental es una gran virtud y el trío se contiene con maestría. Cuatro cortes y cuatro horizontes diferentes hacia los que se mueven en una carta de presentación casi impecable.

Recreando los sonidos de los 90, ahora pasan la voz al primer plano y realzan las melodías. Todo tiene más color e instantaneidad, como en la esplendorosa “Evitarás la Luz”, en la mejor tradición del género.

Pingüino cantan en castellano, pero sus influencias son muy americanas y las clavan, con reminiscencias a los Dinosaur Jr. más alegres en “El Toque de la Muerte” o via Los Planetas en “Salitre”, que avanza alegre al ritmo de baterías. ¿Para qué 10 o 12 canciones cuando con menos puedes arrojar un resultado tan redondo?.

ARIES

DIEGO GARCÍA Estela Discoidea García propone kraut desde un punto de vista melódico en su tema homónimo, psicodelia de salón (“Castro Cariaca”), policromático electro-folk-pop (“Himnos”), experimentos preindustriales (“Oculus Solis”), descarados vistazos a Kraftwerk (“Hanimex Tapes”) o lo-fi en technicolor (“Cabareu Mensaxe Recibido”). En fin, puede que coja notables influencias, pero no nos cabe duda de que lo suyo es fruto de una síntesis personal. Muy personal y ni qué decir que inclasificable.

Una pequeña joya de pop psicodélico llevado a la vida con arrebatadora electrónica analógica.

La Magia Bruta

ROYAL THUNDER CVI

Revivalistas setenteros con maneras contemporáneas. Propulsado por las capacidades vocales de Mlny, “CVI” resulta atractivo incluso para no acérrimos del género. Su alquimia consigue que temas cercanos a los 10 minutos se nos pasen con ligereza, como la maravillosa “Shake and Shift”, una de las perlas del rock psicodélico de la temporada.

La tenacidad de la banda tanto en los climas más clásicos como en los crescendos post-rockeros resulta definitiva, en un disco cercano al prog-rock y con un ambiente que rezuma misticismo, brujería y bosques oscuros.

Aries es el nuevo proyecto de Isabel, la voz y compositora de Charades. Sus derroteros siguen por ese pop psicodélico de corte sesentero que ya comenzó con “Revolución Solar”. Las melodías preciosas, sencillas y repletas de coros vuelven a ser marca de la casa.

“La Magia Bruta” ahonda más en el folk de aquí y entre influencias como Beach Boys o The Byrds, encaja entre esas influencias instrumentos tradicionales como claves, guitarras españolas y panderetas.

La “Revolución Solar” sigue en pie e Isa también, como una fabricante de melodías pop de lo más pegadizas.

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THE CRIME Late-Model Music The Crime facturan un rock que tiende a lo oscuro, con ecos del garage de los setenta pero, sobre todo, del post-punk más juguetón.

De hecho, “Summer Girl” parece grabado directamente en 1980 y en la propia “80’s”, hacen explícito su amor por aquella década acercándose a The Wedding Present.

Pero es quizá en “The Wolf”, mejor tema de la colección, el momento en que The Crime muestra todo su potencial, que tiende a alto.

Este EP nos deja con ganas de más, así que ahora a esperar al álbum.

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CRIPPLED BLACK PHOENIX (Mankind) The Crafty Ape

Cada vez más complejos y progresivos, su quinto disco suma toques de blues, folk y psicodelia a sus “baladas del fin del mundo”. Jugando con lo conceptual, el trabajo se divide en tres partes a lo largo de 90 minutos divididos en dos discos.

Son palpables las influencias de los Pink Floyd de los primeros setenta. El tercer corte “Get Down And Live With It” es un claro ejemplo de la dualidad entre pesimismo y optimismo, marcado por las voces masculinas y femeninas y unidas a capas de instrumentación y coros, pero conducidas por la parte rítmica y con la tensión de campanas de fondo.

La segunda parte comienza con homenaje al western y un punteo final que recuerda los míticos The Shadows titulada “Laying Traps” una

canción rock más directa, tónica también en la bluesera “Release The Clowns” o la más pesada pero optimista “Born In A Hurricane” y terminando con el folk sureño de “(What?)”.

La tercera parte comienza con el blues “A Suggestion (Not A Very Nice One)” y nos conducirá a una nueva dicotomía de tristeza y esperanza, “Operation Mincemeat” con voz masculina y femenina y una hermosa melodía de vientos.

Cierra la fastuosa “Faced With Complete Failure, Utter Defiance Is The Only Response” épico post-rock que comienza con un estallido, para desacelerar y terminar en crecendo.

La grabación del disco en una capilla favorece un sonido orgánico donde todos los instrumentos se aprecian perfectamente.

DULCE PÁJARA DE JUVENTUD

SWANS

Hay muchas bandas a las que nos recuerdan, pero lo de este cuarteto es muy personal. Agarrar la pegada de Pixies, los pseudo-punteos de Dinosaur Jr., la experimentación de The Flaming Lips o la épica de Fang Island es digno de aplauso. Una amalgama que esconde la dualidad entre la melodía powerpop y una carga emotiva.

El disco abre con “Feel” y “Gigalove”, de cierto aire Pixies, con ritmo trepidante y frescura. Es sólo el primer paso para ir desde esas melodías de bajos gordos hacía su propuesta más jovial. En “Dear Bruno” aparece la primera batalla entre los coros épicos en forma de onomatopeya y unas guitarras robustas, pero “Nacer3” corta la progresión de golpe con un predicador dando un sermón endemoniado mientras los Pixies más psicodélicos se dedican a improvisar.

El bloque más épico se encuentra hacia el final. Con “The Fear” aún hay tiempo para un leve giro al folk de los Arcade Fire más directos, pero a la mitad se torna en la tónica de lo que nos queda de disco: coros efectivos; guitarras trepidantes; bajos gordos; melodías certeras.

“Ani” es probablemente la canción más variada de todas, con constantes cambios de ritmo y unos teclados que se pegan como la mejor de las drogas. “We’ll Fight Them On The Peaches” sirve para tomar aliento hasta “Nebosky”, grandiosa y con teclados haciendo de violines, para finalizar en esa clave Fang Island. Un repaso de influencias de la manera más fresca posible.

“The Seer” es una especie de compendio de lo que fueron, son y puede que sean. Así, “Lunacy” muestra la cara ‘amable’: acompañados de Low, la banda crea una melodía gótica reconocible; pero toda coherencia de canción se desmorona al poco con “Mother of the World”, varios minutos de gañidos, golpes y ruidos. Por otra parte, la pequeña tonada “The Wolf” no avisa del mastodonte que es el tema título: media hora de Armagedón que supone una de las experiencias auditivas más fascinantes de la temporada. Y aún tenemos otro rato más en la coda “The Seer Returns”, en la que Jarboe vuelve felizmente al redil.

Tras la cuasi-instrumental “93 Ave. Blues” y otra pequeña pieza folk, “The Daughter Brings the Water”, afrontamos la dulce “Song for a Warrior”, que da paso a “Avatar”, otra de las cimas del disco en el que vuelven a demostrar que es posible hacer buen rock gótico hoy día. Un coro abismal suena al principio de “A Piece of the Sky”, que gira hacia el rock para terminar de nuevo ensimismada. Con su gemela, “Apostate”, finalizan dos horas de intensa escucha inmiscuidos en pleno clímax de rock fantasmal.

Su escucha deja exhausto y/o descolocado. No hay estribillos ni líneas que se recuerden con facilidad, pero la experiencia se vuelve adictiva con cada escucha y, con suerte, acabarás rendido ante el embrujo. Por lo que ya conocemos el por qué de la vigencia de Swans en pleno 2012: siguen haciendo puro arte, libre y con mayúsculas.

Dulce Pájara de Juventud

The Seer

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METZ Metz

THE DESTROYED ROOM The Magic Indian Scene Del acústico punk melódico a composiciones mucho más trabajadas y arregladas. Ahora son una banda en el sentido más tradicional, con un sonido más rock, redondeando lo que antes era crudeza, ofreciendo velocidad y coreables estribillos y pegadizos a lo The Gaslight Anthem, acercándose como estos a un rock americanista.

Pero también encontramos tempos relajados, catarsis acústicas, referencias líricas a Pavement y musicales a The Unfinished Sympathy, delicadeza y nostalgia. Han ganado en sutilidad y matices y sus oyentes deben ganar a su vez en paciencia.

Haciendo ruido en el más puro sentido “The Jesus Lizard” del término, el trío canadiense arolla con post-punk de la rama del medio oeste americano, de guitarras chirriantes, bajos atronadores, batería primitiva y a hostia limpia.

Apenas 30 minutos de noise-rock compacto y canalizado en forma punk.

Una fórmula reiterativa que entrega pelotazos de similar calibre. Una colección de punk-rock seco y macarra, de un sonido necesario e impactante, aunque necesita expandirse en futuras entregas. También nos acordaremos de los primeros Nirvana, de Big Black, Melvins o Wipers.

ANNABEL

HOLYWATER Wasteland

Este quinto trabajo, vuelve a incidir en su gusto por el rock alternativo de las últimas décadas, con obvias influencias manejadas de manera inteligente.

Perpetúan esa unión de distorsión y melodía, en temas marcados por la potencia de las guitarras y la voz.

También hay lugar para ambientes más cercanos al stoner o al rock más clásico, en los que se vislumbra el desierto y hasta Seattle; o para devaneos con el power-pop y elegantes medios tiempos.

Tras más de una década en la brecha, los gallegos saben perfectamente cómo hacer canciones de rock con gancho.

Youth In Youth

CRYSTAL CASTLES (III)

Dejando algo de lado sus salvajes comienzos y los tiros más vanguardias de “(II)”, el dúo entrega su trabajo más accesible hasta la fecha. No estamos aún así ante un disco de electro-pop ortodoxo. Tanto “Plague” como “Wrath of God”, son temas 100% suyos, con Alice Glass gritando sobre sus típicas bases machaconas.

Hay temas muy bailables, entre otros más retorcidos, que mantienen su identidad experimental. Se les nota cada vez más cómodos en terrenos melancólicos, pero hay poca sorpresa y comienza a notarse la reiteración de su método compositivo. Su disco de la madurez.

Emo 90’s, sensibilidad a raudales, juventud y melancolía, manteniendo el pulso rítmico y sin caer en el aburrimiento. Palabras ineludibles para definir la ensoñadora esencia de “Youth in Youth”, largo que registra la extraña maestría de este cuarteto de Ohio, una habilidad para mezclar todo ese sustrato americano nerd que un día volcó su negatividad en música sugerente y brillante, en pop guitarrero y escapista.

Casi cada canción es un grito al cielo, un ejercicio unitario de ritmos palpitantes, acordes que derrochan optimismo, voces limpias pluscuamperfectas repletas de coros.

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LAS RUINAS Groarrr!

Las Ruinas regresan con “Groarrr!”, que se configura como un notable trabajo donde cabe humor pero también otras cosas. Hay temas directos a sacar una sonrisa como “Mi vecina es una asesina”, canciones más satíricas como “Vivir y morir en BCN” o “Lo-Fi” y más serias, como “Estatua humana” o “Insecto”.

El punk sigue siendo referencia principal, pero hay sitio para el pop y el noise. Por la peculiar forma de acercarse a los temas que tratan, por la intención de ir más allá y la personal voz de Edu Chirinos, adquieren una identidad propia que los diferencia de otros grupo de pop-punk al uso.

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2013

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concierto?

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Ó R C I N S A C 35

Las siguientes páginas recogen algunas de las crónicas de los conciertos que más nos han gustado este pasado 2012, con breves apuntes de otras muchas que podéis encontrar en la web de forma desarrollada. Al final los mayas cancelaron.

http://feiticeira.org/cronica

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ENERO

12 tweeticeira

enerO

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The Answer Bilbao (12/01/2012)

Nada nuevo, pero rock setentero de excelente ejecución y actitud. Los irlandeses llevan al directo el triunfo absoluto de su revival.

Pony Bravo Madrid (12/01/2012)

Llenando una Joy que suele dictar sentencia con los artistas locales, la suya fue una absolución total.

Morgana Vs. Morgana Madrid (13/01/2012)

La seguridad de la banda sobre las tablas no hace sino afianzarse, y ni los fallos de sonido emborronaron la actuación de los valencianos.

El Páramo Madrid (19/01/2012)

Volvieron a salirse con la suya ante un ambiente festivo y hooligan, especial mención a los temas más acelerados y menos psicodélicos.

Male Bonding Madrid (20/01/2012)

Concierto directo, agitado y palpitante, al que sin embargo le faltó algo más de entusiasmo por parte de un público algo apagado.

Christian Kjellvander Sevilla (28/01/2012)

Ataviado como un forajido, el sueco se presentó junto a su compañero sólo con guitarras para desgranar su melancólico folk-rock.

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07/01/2011, Logroño

ACTUAL FESTIVAL LOS ENEMIGOS SETLIST John Wayne Brindis Esta mañana he vuelto al barrio ¿Por qué yo?

Por la sombra Señora Desde el jergón Na de na La carta que no Quillo, he vuelto a nacer No amanece en Bouzas Dentro Sr Correcto Miedo Fuagrás La otra orilla Septiembre Yo, el Rey La cuenta atrás BIS 1 Alegría Qué bien me lo paso BIS 2 An-tonio Todo a cien Complejo

Diez años hacía ya que el repertorio de Los Enemigos no cobraba vida con su formación más longeva, dejando aparte los cortos interludios en forma de homenajes a su primer disco y a su querida sala Agapo. La cita de Logroño era la primera de una serie de conciertos de reunión que apenas acaba de comenzar, así que unos cuántos intrépidos seguidores les siguieron hasta allí para registrar una buenísima entrada.

A las diez de las noche se subieron al escenario Slim Cessna’s Auto Club, una banda de esas que conquista hasta el público más ajeno de lo que se cuece en el mundillo musical más independiente. Es muy fácil conquistar cuando tu directo bebe de lo mejor del blues, del punk y del rockabilly, pero sobre todo es sencillo que te metas a la gente en el bolsillo con el banjo de Jay y con el siempre genial Slim Cessna. Me da que será el principio de una gran amistad.

Los Enemigos no se hicieron esperar demasiado y la enorme raspa de pescado que los representa paso a comandar las pantallas traseras del escenario entre los vítores de los allí presentes. “John Wayne” fue el inicio que nadie esperaba, una canción alejada de la parte emotiva del cancionero enemigo que era una declaración de intenciones. El romanticismo de la llamada “Revuelta Enemiga” no parecía haber viajado a Logroño, porque además del inicio vaquero se valieron de himnos alcohólicos como “Brindis”, canciones contestatarias como “¿Por qué yo?” y repletas de guitarras como “Por la sombra”. Sin respiro habían comenzado pero podríamos decir que incluso a Los Enemigos los vimos nerviosos y dubitativos, aunque no fallasen una nota.

Aún así, el gran problema del concierto vino con la sucesión medios tiempos y de ritmo lento, que aunque son parte clave del repertorio llegaron demasiado pronto. “Señora” fue el último recodo rockero de esa primera mitad de concierto, luego llegaron tres de los mejores temas del grupo pero que aparecían demasiado pronto: “Desde el jergón”, “Na de na” y “La carta que no”. Sin duda, tres maneras de cortar el ritmo de un concierto que debería haber mantenido el fuego en sus primeros compases.

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El punto de inflexión llegó con una de las canciones que más sentido recobraba, “Quillo, he vuelto a nacer”, quizás uno de los puntos álgidos del concierto porque fue cuando verdaderamente Josele se calentó y acarició sus mejores momentos con su ronca voz. Con un resto de repertorio que incluía unas más que dignas versiones de “Dentro”, “Septiembre”, “Yo, el Rey”, “Fuagrás” en versión funky y un cierre precioso con “La cuenta atrás”, cronómetro en las pantallas incluído, la gente se había calentado lo suficiente y Los Enemigos también.

Josele volvía a ser ese irónico personaje del rock respaldado por una banda prácticamente perfecta: el virtuosismo de Chema a las baquetas sin inmutarse, el siempre simpático y enchufado Fino y la otra guitarra de Manolo. “Todo a cien”, “An-Tonio” y el ya clásico “Complejo” cerraron el concierto, incluyendo el tradicional baile de instrumentos final.

Por ser el primero, el concierto de Logroño tuvo un aroma especial e irrepetible, pero no debería ser el mejor de esta gira de reunión. Seguramente necesitarán un par de conciertos para volver a la forma casi perfecta que gastaban hace diez años, aún haciendo un concierto de retorno que sonrojaría a cualquier banda de rock patrio.

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THE PAINS OF BEING PURE AT HEART + Falso Cabaret

11/01/2012, Sevilla

Un extraño atrezzo y lámparas de caprichosa forma confirmaron las querencias de los telonero, Falso Cabaret, por la farándula surreal. Los sevillanos interpretaron temas de su debut “Para muchas amigas mías”, desconcertando a más de uno por la ambientación y a los bailoteos sobre una tarima elevada de un showman.

The Pains of Being Pure at Heart salieron a escena con un ‘No hay entradas’ colgado. Comenzaron con “Belong” para luego ir intercalando temas de su segundo álbum con muchos de su debut. Así, “This Love Is Fucking Right!” cayó la segunda, y con las portentosas “Heart in Your Heartbreak” y “Heaven’s Gonna Happen Now” ya había mucha gente extasiada.

El líder y la siempre dulce Peggy Wang fueron los únicos que mostraron simpatía en contraposición al resto de compañeros que convirtieron en cierto el tópico del shoegaze: mirar al suelo. Aún así, con esta configuración se las bastaron para lograr que, entre “Come Saturday” y “A Teenager in Love”, todo el mundo saltara del asiento.

Lo justo para que con la reconocible batería de “Young Adult Friction” se consiguiera una comunión que ya no cesó. Y eso que siguieron varios temas más oscuros como “Higher Than the Stars” del EP homónimo, o la canción que da título al grupo con la que cerraron. Las persistentes palmas hicieron que Kip no tardara mucho en salir a interpretar en solitario “Contender” y, ya con la banda de nuevo, “Everything With You”, “Say No to Love” y el nostálgico tema que cierra su última obra, “Strange”.

The Pains of Being Pure At Heart Bilbao (06/01/2012)

Curiosa dupla acústica -Guggenheim- y eléctrica -Santana27- en la que volvieron a deleitarnos con su noise-pop amable y directo.

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FOTO: Raúl Rey

SLIM CESSNA’S AUTO CLUB + John Doe

13/01/2012, Bilbao

La veterana figura del punk reconvertida a folk-rockero, John Doe abrió una sesión doble dominada por los sonidos de raíz y la tradición musical americana. Cantando sus historias con su guitarra y arropado por su corista femenina, ofreció un concierto basado en su último “Keeper”, ondeando entre temas divertidos y tonos más oscuros con otros pertenecientes a su antiguo repertorio, todo ello acompañado de una banda más que competente.

Después, salió la tropa de Slim Cessna’s Auto Club a escena y comprendimos por qué los de Denver merecían el puesto titular de la noche. Y es que, la sola presencia del sexteto es un valor, contrastando una mitad estática y otra completamente chiflada. Entre los primeros, destacaba el peculiar teclista tocando con pasotismo patrones sin complicación y portando ¡un chándal!. Y luego teníamos la parte que daría juego, en ella el frenético Dwight Pentacost con su guitarra de doble mástil y perturbadora imaginería religiosa y la pareja de oro, Slim Cessna y Munly Munly, como dos personalidades diferentes de la América profunda.

Pero esta percepción se pone patas arriba cuando coordinan coreografías esperpénticas, se enzarzan en teatrales conversaciones o se dedican a interactuar con el público con desternillante resultado. Surrealista show en el que además sonaron ridículamente bien, con “This Is How We Do Things In The Country”, “Americado” o “He, Roger Williams” muchísimo más contundentes que en disco. Seguro que a la próxima no se estará tan holgado en el Kafe Antzokia.

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23/01/2012, Madrid

+ Red Fang

SETLIST Dry Bone Valley Black Tongue Crystal Skull I Am Ahab Capillarian Crest Colony of Birchmen Megalodon Thickening Blasteroid Sleeping Giant Ghost of Karelia All the Heavy Lifting Spectrelight Curl of the Burl Bedazzled Fingernails Circle of Cysquatch Aqua Dementia Crack the Skye Where Strides the Behemoth Iron Tusk March of the Fire Ants Blood and Thunder BIS: Creature Lives (con Red Fang)

MASTODON A Mastodon hacía ya mucho tiempo que se les debía un concierto en condiciones en suelo madrileño, concretamente desde que vinieran a presentar “Leviathan” (si las cuentas no me salen mal) en 2005, en la sala Arena. De allí todo el mundo salió asombrado de lo que había visto, como luego ocurrió en el ya célebre Festimad 2005, a pesar de que ya tuvieron que sufrir un pésimo sonido en la carpa. El resto del tiempo los hemos ido viendo disco a disco por España, pero siempre en labores de telonero o en festivales dónde no podían demostrar toda su valía. Si podemos excluir un concierto de todo esto fue el que nos brindaron en julio de este 2011 en Sonisphere, dónde lidiaron con el sol de las cuatro de la tarde para regalarnos un repertorio y una actuación escandalosamente buena. De hecho, si comparamos ese corto de una hora con el de veintitrés temas que nos ocupa hasta tuvimos la baja de “Mother Puncher”.

El concierto de La Riviera iba a ser todo esto y mucho más, porque entre otras cosa iba a ser “el concierto de Joy Eslava” con todo lo que ello conlleva: sonido claro, sensación de cercanía, olla a presión... Lujo, en general. Por contra, La Riviera al no llenarse, nos dejó un ambiente algo más agradable y cercano, mucho más buen rollo en las primeras filas y un público de diez que en general mantenía su espacio para disfrutar y vivir el concierto sin molestar. Pero es que lo del sonido hace bajar enteros de cualquier concierto, ya que una vez más dejó en pañales una sala como La Riviera. Hemos perdido la cuenta de cuantos y cuantos conciertos hemos visto en la sala con un sonido así de deplorable, de hecho podríamos contar los que sonaron bien con los dedos de una mano. Se ha tornado ya en intolerable.

Red Fang fueron los teloneros de esta velada, y curiosamente sonaron mucho mejor que luego la banda principal. Eso es para hacérselo mirar, aunque igual fuera más por una cuestión de haber usado un volumen más bajo y menos saturado. La banda de Portland encajaba a la perfección con el sonido de Mastodon, mezclando el blues de Clutch con el sludge bizarro de unos Melvins más acelerados y la idea de metal de unos Baroness algo más terrenales. Los temas de su reciente “Murder The Mountains” sonaron vigorosos y potentes, con especial mención a dos piezas claves como “Malverde” y “Hank Is Dead”. Que vuelvan, pero en distancias cortas, por favor.

Ya con Mastodon delante de la lona roja de “The Hunter” el atronador (para bien y para mal) sonido de las guitarras se hacía presente. “I Am Ahab” y “Megalodon” sonaron en los primeros compases del concierto, representando esa obra maestra que es “Leviathan”. Igualmente ocurrió con “Ghost of Karelia” en mitad de set representando lo poco que sonó “Crack the Skye”, pero el ancho del concierto vino comandado por un repertorio plagado del nuevo álbum. En concreto hay que destacar lo mal que sonaron “Black Tongue” y “Dry Bone Valley” para abrir, por los ya mencionados problemas de sonido de La Riviera, y lo que fueron mejorando “Curl of The Burl” y “Bedazzled Fingernails” según la cosa avanzaba. El resto de estos tres cuartos iniciales de set vinieron directamente de “Blood Mountain” con especial mención a la dupla que formaron “Capillarian Crest” y “Colony of Birchmen”. En general supieron mantener el clímax con un repertorio bien equilibrado y variado.

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La redención final de Mastodon en sala llegaría en un tramo final de set verdaderamente descomunal, alternando temas de “Leviathan” y los dos únicos que sonaron de “Remission”. Las guitarras introductorias de “Aqua Dementia” nos decían hola con timidez justo antes del estallido de decibelios y voces guturales.

El headbanging se había ya instalado en las primeras filas, pero luego seguir con la melódica “Crack The Skye” paró un poco la escalada. Poco duró, porque el remate por todo lo alto con una selección que incluía en riguroso orden una “Where Strides The Behemoth” empobrecida por lo poco que se escuchaban las voces y un sensacional grupo impagable que nace de la unión de “Iron Tusk”, “March of the Fire Ants” y “Blood and Thunder”, con las voces aún poco nítidas pero con el público ayudando a corear todos y cada uno de los berridos. Si decíamos que el público había permanecido tranquilo y respetuoso disfrutando cada nota, con este set de tres canciones unidas la gente enloqueció como merecen estas obras de ingeniería metalera.

El cierre llegó justo en el polo opuesto, con la nueva y tranquila “Creature Lives” y con Red Fang ayudando con los coros. Un final de rock progresivo que nada tuvo que ver con la apisonadora que apareció en escena momentos antes.

KYLESA

+ Circle Takes The Square +KEN Mode

20/01/2012, Bilbao

Noche muy atractiva para los amantes de los sonidos del hardcore y el metal agresivo, pero con un punto cerebral.

Los canadienses KEN Mode sorprendieron con su hardcore metalizado y aplastante, donde cabían momentos de mayor velocidad, otros cercanos al sludge y el doom y un nexo de noise-rock que nos hizo pensar en Unsane. Pese a sufrir problemas técnicos, salieron airosos y nos abandonaron en un clima paranoide con su vocalista poseído.

No podemos decir lo mismo de Circle Takes The Square, pieza floja del engranaje, que sonaron planos provocando mucha indiferencia. Sus voces resultan más irritantes en directo y desaprovechan el complemento de una voz masculina y otra femenina, gritando de una forma demasiado similar.

Kylesa por su parte pulverizaron su leyenda de banda floja en directo, centraron su repertorio en “Spiral Shadow” con varias paradas en “Static Tensions”, dejando claro que su camino transcurre cada vez más por la psicodelia que por su pasado hardcore. Mayor dosis de melodías, canciones más pegadizas y devaneos instrumentales de mayor flujo hipnótico, sin abandonar el sonido de apisonadora. Incluso vimos a un Philip Cope jugando con el theremin para poner énfasis en los ambientes. A Laura Pleasants la vimos mejor y más segura esta vez y de hecho Cope flojeó más en las voces, pero en general impecable setlist que alternó temas etéreos con otros más brutos que dieron para pequeños pogos en las primeras filas.

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tweeticeira

febrerO

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Nat Baldwin Madrid (04/02/2012)

Sabíamos que tocaba bien pero no que iba a interpretar con una maestría vocal tan sorprendente y limpia. Bueno pero muy corto. dEUS Bilbao (07/02/2012)

La maestría y clase del rock alternativo belga chocó con un desangelado aforo tocado de muerte por la religión futbolística local.

The Men Madrid (08/02/2012)

La banda mostró unas cartas que nos recuerdan tanto a Replacements como al rock psicodélico, siempre con el habitual desfase de guitarras.

Joan Colomo Sevilla (10/02/2012)

El catalán salió con su habitual y particular sentido del humor a interpretar sus curiosas piezas de pop imperfecto.

Souvenir Sevilla (11/02/2012)

Los pamploneses ofrecieron un correcto show cargado de glam y new wave con cierto aire cabaretero y burlesco.

Dilated Peoples Madrid (23/02/2012)

No sorprendieron y arrebataron el corazón como en otras visitas, pero su espectáculo en vivo sigue siendo de lo mejorcito del género.

Mañana Sevilla (24/02/2012)

Los de Cristóbal Colom defendieron bien en directo el nuevo sonido, más atmosférico y sintético, de su segundo trabajo.

Ritual + Oathbreaker + YAW - Bilbao (24/02/2012)

Al correcto hardcore metalizado con vetas de crust/doom de los daneses, se sobrepusieron los alemanes con hardcore rockero y sofisticado.

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FEBRERO

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13/02/2012, Madrid

SEMANA ALOUD MUSIC La primera noche la jugaron unos que andan entre esas dos aguas todavía, The Last 3 Lines. A Ainara Legardon la hemos visto antes así de desgarradora con sólo una guitarra, como la noche que nos ocupa, pero es una artista que siempre lo hace aunque lleve banda, aunque lleve batería o aunque haga lo que haga. Inevitablemente nos tenemos que quedar con lo mejor de su cancionero: “Hope Defeated” y sobre todo una bella “Each Day A Lie” que esta vez venció en crudeza a la versión calmada de “Forget Just Anything”. Nothink claramente iban a ser el plato fuerte, por mucho que su concierto también pasase por ser un acústico que pierde parte de la gracia de la banda. La sala se llenó a reventar, con las primeras filas repletas de chavales jóvenes con ganas de cantar sus temas, con lo que era muy difícil que la noche no fuese especial.

El jueves era el día de las novedades futuras del sello, con el nombre de Fira Fem en lo alto. Con el fichaje se meten en un terreno que quizás habían tocado poco desde las oficinas del sello. El viernes estuvieron otros que son muy queridos por aquí, (lo:muêso), quizás dando el mejor concierto de la semana con permiso del de Ainara. En esta ocasión no fueron tanto la apisonadora sonora y enérgica que suelen ser, al presentar unas cuantas canciones nuevas de corte más ambiental.

El cierre de la jornada, aparte de una sesión de dj con nuestro colega Alfredo de [musicazul], venía con el concierto de la banda de post-metal Exxasens.

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LISABÖ + Jupiter Jon

25/02/2012, Bilbao

Noche de presentaciones Bidehuts. Primero teníamos a Jupiter Jon. No vamos a mentir, una escucha superficial no nos había llenado. Aún sospechando que algo habría para estar en un sello con señas de calidad tan dispares como Mursego, Audience o Willis Drummond, lo poco escuchado de ellos no nos deslumbró. Como pasa a menudo, el directo vino a decirnos que son una gran banda de rock alternativo oscuro. Ambientes post-punk, un poco de hipnosis kraut, melódicos riffs, ritmos de corte tribal, una buena combinación de voces masculinas y femeninas, de melodía y disonancia. No son nuevos, vienen de bandas como Akauzazte o los propios Lisabö y ese bagaje se les notó en un directo repleto de ebullición y que nos despertó el apetito por su música. Bien pueden llenar otro capítulo dentro del sello, el más enfocado al indie-rock.

Segundo capítulo, escrito por Lisabö. Sale la banda a escena. Un prolongado silencio en el que los miembros se miran y parecen prepararse para lo que va a suceder entre el crepitar de murmullos y nervios. La expectación por ver de lo que son capaces los irundarras a día de hoy es grande. “Animalia Lotsatuen Putzua” ha sido uno de los lanzamientos de la temporada para el universo independiente. Y ya no hablamos del vasco, dado que se ha destacado entre lo mejor acogido del pasado año, codeándose con lo mejor venido de fuera. Todo parte del rumor levantado primero por lo que caló en la prensa especializada nacional el ya lejano “Ezlekuak” (2007) y lo salvajemente que fue ratificado en aquellos directos.

Esta vez no hubo tan buenas referencias del arranque de las presentaciones del nuevo disco y por eso queríamos saber si la máquina de Lisabö volvía a estar a la vez tan engrasada y chirriante como antaño. Un golpe de platillo a cuatro manos y de cuerdas al unísono. Era el preludio a un arranque tan vertiginoso y eléctrico como el que abre su última referencia y la prueba de que si el quinteto se identifica con intensidad, íbamos a tenerla desde el primer segundo. Así lo mostraba la disposición de la banda, sus dos baterías compenetrados pero derrochando energía animal, sobre todo Eneko, un Karlos encorvándose para dar las primeras dentelladas vocales, su nuevo bajista en constante balanceo y equilibrio sobre sus pies y Javi enfrentándose al micro en fiel reflejo histérico de esa negrura y desesperación de la que su música es portadora.

Puede que ya no tengan el ímpetu de la juventud y sobre el escenario haya menos locuras, pero los cinco miembros son un hervidero de movimientos que reflejan rabia y tensión y proponen una solidificación inmejorable de toda esa

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mala hostia poética que acompaña a la banda. Hubo momentos con la banda haciendo corro y agitándose al unísono verdaderamente potentes a nivel visual y cada miembro por su lado vibraba con el fervor de la música. Basándose en su última obra y su también aclamado “Ezlekuak” fueron cayendo temas en los que partes del grito más violento de Karlos se alternaban con las texturas algo más melódicas de Javi, cuando no nos encontrábamos a la banda poniendo colchón a locuciones de las letras de Martxel Mariscal, el miembro “en la sombra” de la formación.

Muchas veces los pasajes ya de por sí prolongados y abruptos, eran encadenados, sin ofrecer respiro, como el triplete “Alderantzizko Magia”, “1215 Katea” y “Ezereza Mugan”, contribuyendo a esa sensación de asfixia sonora tan característica. El público, entregado, ciertamente sobre aviso de que la velada no iba a tener el cariz festivo de muchos conciertos de rock en fin de semana (y eso que no contaron a menudo con el silencio debido). Todas estas sensaciones contrastan, o tal vez no, con lo espartano de la iluminación escogida. Lisabö no se ocultan, sino que hacen uso de una potente luz blanca que permanece inmóvil toda la sesión, huyendo de artificios. Y hablando de lo que rodea a la música, durante la primera parte del concierto, veíamos a un personaje ayudando con el equipo.

No era un técnico cualquiera, sino Joseba Ponce (Dut) que se lanzó finalmente a añadir más ruido a los ya de por sí cargados ambientes de la banda con un segundo bajo.

Hubo unos bises muy generosos que alargaron el concierto hasta la hora y 20 más o menos, duración suficiente e incluso sobrada para dar cuenta de su cancionero de última época. Por supuesto aquí nos regalaron los momentos más furibundos y ruidoso de su puesta en escena, si bien el concierto fue dominado por una intensidad a un nivel similar, la que marca su propio cancionero. Rasgueos obsesivos de guitarras, gritos desesperados fuera de micro, golpes de batería como si fueran los últimos, e incluso Joseba pateando el plato de una de las baterías. No faltaron algunos de los momentos más ilustres de “Ezlekuak” como “Hazi Eskukada I” o las emocionales melodías de “Bi Minutu” para cerrar una experiencia visceral que contribuye y de qué manera, a que las canciones se te graben a fuego y cada golpe de riff, cada grito, son ya más parte de ti. Una pena que no giren tanto como nos gustaría, aunque tal vez lo hagan conscientes de que la excesiva repetición, al menos para el público, podría degradar la experiencia.

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FOTOS: Raúl Rey

tweeticeira

marzO

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La Débil Sevilla (01/03/2012)

Brutal y chamánico concierto de los toledanos, que sacudieron chapas, percusiones y pedales en un clímax perpetuo.

Standstill Bilbao (02/03/2012)

Enésimo triunfo de los catalanes en Bilbao lastrado por el feo detalle de no tener una canción preparada para los bises.

Last Days Of April Madrid (03/03/2012)

Temas como “America” o “All The Same” (aquí sin Evan Dando), no dejan de ser grandes canciones, y eso fue suficiente para salvar la velada.

Bigott Sevilla (07/03/2012)

El zaragozano se bastó de sus canciones y bailoteos para encandilar a todo el mundo. Y la banda fue capaz de seguirlo.

Lüger + Yemen-Ra Bilbao (09/03/2012)

El trance de Lüger cuajó menos de lo debido en la frialdad de una holgada Bilborock. El rock 70s con electrónica de Yemen-Ra, curioso.

The Wave Pictures Bilbao (10/03/2012)

A base de sencillez y buen pop-rock el trío encanta a su público y explica así por qué nos visitan tanto.

Disco Las Palmeras! Sevilla (15/03/2012)

Intensos y al grano, tal y como suenan en su debut, los lugueses incendiaron el lugar y nos dejaron sordos durante varios días.

The Jon Spencer Blues Explosion Madrid (16/03/2012)

Otro show de Jon para irse a casa con una sonrisa en la cara, una camiseta sudada y con una hora y media de pura fuerza. Magnetismo.

Emerge Bilbao (17/03/2012)

Celestial y colorista post-rock del que pudimos ver la parte acústica y la eléctrica, ambas igual de hipnóticas.

Damien Jurado - Madrid (19/03/2012)

Velada mágica de buen ambiente y conexión con el público. Primero solo, luego con banda tocando “Maraqopa” y algún otro clásico.

Berri Txarrak Madrid (24/03/2012)

Ver como diez años después la banda que con 18 años te cautivó, aun lo sigue haciendo, siempre habla bien de la evolución de un grupo.

Mark Lanegan Bilbao (27/03/2012)

Buen concierto por el propio peso de su carisma, una banda muy competente y el repertorio, pese a que quedaran tanto en el tintero.

Xiu Xiu Sevilla (29/03/2012)

Demasiado afectados para nuestro gusto, los de Jamie Stewart brillaron sobre todo en las versiones de Joy Division y Suicide.

Lambchop Bilbao (31/03/2012)

Indie-folk en su forma más sublime, irradiando clase y buen humor.

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MARZO

2012MIXTAPE /Crónicas///

PONY BRAVO 08/03/2012, Bilbao

Pony Bravo se acercaban por fin a Bilbao para presentar su segundo trabajo y desde el principio pudimos comprobar como, por arriesgada y poliédrica que sea la propuesta de los sevillanos, tienen el directo dominado. La voz de Daniel Alonso se muestra tan auténtica como en disco, los bajos potentes, los guitarrazos y teclados psicodélicos, todo está en su sitio. Pero la cosa sólo estaba calentando y el público familiarizándose con ese crisol musical tan abierto, con climas que van del trance más profundo al baile.

El sentido del humor de la banda fue clave en la comunión con el público. Así, tan importantes como el ardiente clima andalusí de la versión de Manolo Caracol “Ninja de Fuego” o el contagioso groove de “Noche de Setas” eran las explicaciones sobre las anécdotas con la policía en el “Pumare-Ho”, que nos metió en una pequeña suite reggaedub junto con “El Guarda Forestal”. No cayeron demasiadas de ese primer disco y menos en inglés. Se salvó de la quema “El Baile” y también en ese idioma cayó una animada versión de Beat Happening. Entre el público ya se veían bailes, miradas de estupor para bien y quién no hizo caso a la moraleja de “Noche de Setas” y pareció llevar más dosis de la aconsejada.

Antes del bis soltaron una traca de “hits” con “La Rave de Dios” que desató la locura, “Rayo” todavía más con ese extra de percusión y la extraña comunión natural de “El Campo Fuí Yo”, que ganó en directo. Enseguida volvieron con un festivo tema que no reconocimos, el caleidoscópico baile de “China da Miedo” y el descacharrante rap de “Mi DNI”, excelente radiografía de Pablo Peña a la escena. Triunfantes, vaya.

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LOW

26/03/2012, Sevilla Hay grupos que desprenden un halo mágico a su alrededor. En tiempos en los que hora y poco de duración, habitual verborrea entre los asistentes y eternos parones para afinar, colocar pedales o cambiar guitarras suele ser la norma habitual, que una banda se baste del minimalismo del formato trío para regalar casi dos horas de música sin apenas descanso, y con un público manteniendo un recogido silencio excepto para aplaudir o vitorear, significa que ese grupo debe tener algo. Y Low, evidentemente, lo tienen desde hace mucho.

Para ser justos, hay que decir que venían con la batalla ganada. A los de Duluth se los quiere mucho en Sevilla desde hace años, cuando también pasaron por el Central presentando ‘Drums and Guns’, en un concierto aún muy recordado. Y si a esto unimos la incendiaria actuación de Retribution Gospel Choir en Malandar el año pasado, tenían ya todos los papeles para garantizarse un lleno. Pero cada noche es distinta, y las crueldades del directo pueden pasar factura en cualquier momento. No fue el caso. Ni mucho menos.

Poco después de las nueve, hora de comienzo, subían Mimi Parker, Alan Sparkhawk y Steve Garrington, estos dos últimos con sus instrumentos en mano desde el backstage; los tres de sobrio negro o colores oscuros, en el caso de la batería. Nula escenografía o compañeros de directo: power-trio de la sensibilidad. Sin palabras, con un potente riff el líder dio comienzo con una de las más potentes canciones de la noche: “Monkey”, que igual desconcertó a los seguidores veteranos, aquellos que descubrieron el slowcore con sus primeros discos.

Continuaron con la más amable, pero afectada, “Silver Rider”, en la que entraron en juego las bellas armonías vocales entre Alan y Mimi, que siguen sin tener apenas parangón en la actualidad, antes de tocar por fin su último álbum, ‘C’mon’, con “Nightingale” seguida de la muy reconocida “Try to Sleep”. Ya por entonces, quedaba demostrado que el sonido era nítido: desde el más leve punteo de guitarra, a susurro de Mimi o aislada nota de teclado, a cargo también de Steve.

Y es que los tres se mostraron muy tranquilos, aunque concentrados, para que todo funcionara a la perfección.

Ya sabíamos por entonces, apenas superado el primer cuarto de actuación, que estábamos ante otra noche para recordar si nada se torcía de forma abrupta. Y, sin ninguna razón para temer lo contrario, todo siguió como la seda: más bonitos temas de última hornada como “You See Everything” o la demoledora “Especially Me” con la increíble voz de Parker, intercalados entre temas clásicos de toda su carrera, como “Amazing Grace”, “Dinosaur Act” o uno de sus himnos más pop: “California”.

Cogiéndonos desprevenidos entre tanto sentimiento e intensidad, llegó el momento nostálgico con el rescate de ‘really old songs’, tal como dijo Alan en uno de sus escasos momentos de charla, siempre muy correcto y humilde: la primera canción de su debut ‘I Could Live in Hope’, “Words”, y “Shame”, de su segundo trabajo ‘Long Division’. Increíble como estos temas no han envejecido y siguen encajando en su set actual, cada vez más luminoso y rockero.

Para cerrar la noche, como bis nos regalaron otros dos temas nuevos: la alucinante progresión in crescendo de “Nothing But Heart”, que terminó en pura tormenta de rock, y, al otro lado del espectro, la mucho más acústica “$20”, que supuso un melancólico fin de ensueño. Ya entre aplausos, Mr. Sparkhawk se despidió cual sacerdote, de forma muy mística, pidiendo que el sol nos iluminase y se apartara la oscuridad; Low acababan de enseñarnos que no iba a haber acto que mereciese mayor devoción en la ciudad en mucho tiempo. Y ante esto sólo hay una respuesta: Amén.

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2012MIXTAPE /Crónicas///

LOW

31/03/2012, Toledo ¿Se le ocurre a alguien mejor recinto para poder disfrutar de un concierto del slowcore ambiental de Low que el de una iglesia reformada? Difícil imaginarlo, ya no sólo por una acústica que les haría la justicia necesaria que no han tenido en su paso previo por el festival Primavera Sound, sino por el ambiente de oscuridad y misticismo que invadía el recinto toledano. La labor de apertura corrió a cargo de Rauelsson, que se marcó un set casi desenchufado, con un compañero de lujo a los violines y teclados: Peter Broderick.

Lo de Low después fue algo de otro mundo. Sin duda son únicos en lo suyo, en el arte de hacer transmitir emociones y belleza, con poco. Apenas tres miembros encima del escenario, pero sonando como si estuviéramos ante todo un coro de gospel con banda detrás. Lo bueno si es conciso y sencillo, dos veces bueno. El concierto comenzó muy denso, pero en seguida la preciosa y arrebatadora “Try to Sleep” nos demostraron que el concierto iba a estar a la altura de las expectativas que nos habían regalado desde las otras fechas españolas, aunque fueron “Monkey” y “Silver Rider” los momentos álgidos de un concierto que iba para épico.

De hecho, demasiado bien comenzó el evento, tanto que luego se hizo algo más embarullado por cuestiones de repertorio. No fue un problema de ejecución, sino más bien de orden, siempre partiendo de que estamos hablando de un concierto que fue mayúsculo en todo momento

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FOTO: Raúl Rey

MCENROE

30/03/2012, Bilbao

26/04/2012, Madrid

Algo así como un medio lleno alto en Kafe Antzokia para recibir las nuevas canciones de McEnroe en directo, nada mal para una banda tan personal, ni aunque sea en casa.

Primero saldrían Joe La Reina, bebiendo exageradamente los vientos por el folk americano. De su música hay poco que objetar, el quinteto desgranó con fuerza y buen rollo sus temas de folk-rock al galope animado con coros.

En cuanto al sexteto getxotarra, salía después a escena en formación de bajo, teclista, batería y tres guitarras, una de ellas la del propio Ricardo, voz y alma del grupo. Solemnes en su música, simpáticos sobre el escenario, arrancaron dejando ver cómo juegan con la calma y la intensidad. Y eso que la banda va dejando atrás el guitarreo, buscando ambientes más sutiles pero también más directos y melódicos. Desde luego tienen una capacidad de transmitir envidiable. Incluso aunque a veces el murmullo del público sonaba por encima de la calma, la banda no se dejaba vencer y continuaba con esas historias personales arropadas de melodías y ruidismo controlado.

Al compaginar el nuevo cancionero (cayó entero “Las Orillas”) con el antiguo y los arreglos de teclado de Olivier su directo se hace más ágil y dinámico que nunca. Se hicieron enormes temas cálidos como la hermosa “Las Mareas” o la descorazonadora “Vistahermosa”, así como “Los Valientes” o “Tormentas”, esos temas finales con remates más salvajes y un Ricardo más gesticulador. Uno de los recitales más emotivos de nuestro panorama.

No será la primera ni la última vez que fútbol y música se cruzan en el camino, y lo cierto es que pocas veces se darán los ingredientes para que la cosa salga tan redonda. Cosas del destino, el concierto de la noche del Viernes de McEnroe, coincidía con la semifinales de la Europa League y de esta forma el partido estuvo muy presente en los comentarios de la banda getxotarra, que además pudieron aunar un lleno con el hecho de que ganó su equipo en el minuto 89.

El caso es que había ganas en la capital de ver a McEnroe presentando su celebrado nuevo álbum “Las Orillas”, y la banda no dejó a nadie insatisfecho. Arrancaron su slowcore eminentemente pop con calma y sosiego como no podía ser de otra manera. Las nuevas composiciones tardaron poco en empezar a caer, y enlazando “La Palma”, el single “Mundaka”, y sobre todo la coreada “La Cara Noroeste”, mostraron orgullosos lo que son, y cómo suenan McEnroe a día de hoy. A partir de aquí se fueron soltando al comprobar que la cosa marchaba, y la tónica fue alternar temas antiguos con nuevas composiciones, sonando “Los Veranos”, la más animada “Los Valientes” (sonido 100% Subterfuge), y la sublime en directo “Tormentas”. A su vez nos sobrecogían con otros de sus magníficos nuevos temas donde no faltaron “Las Mareas”, “Arquitecto”, o una espectacularmente interpretada en la parte vocal por parte de Ricardo Lezón, “En Mayo”. Sin duda les ha llegado su momento dulce y la banda disfruta de él.

ABRIL

MCENROE + Joe La Reina

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tweeticeira

abriL

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L’Hereu Escampa Madrid (06/04/2012)

Un fantástico ejercicio de nostalgia por parte de una de las bandas más inquietas de la escena independiente (la de verdad) de este país.

Dum Dum Girls Bilbao (06/04/2012)

Algo sosa puesta en escena y un concierto en que se juntaron la frialdad de la banda con la de la ciudad.

The Montgolfier Brothers Sevilla (11/04/2012)

Curioso espectáculo en el que los flemáticos ingleses interpretaron su último disco mientras se proyectaba ‘La noche del cazador’.

Rocky Votolato Bilbao (13/04/2012)

Triunfo del riesgo sincero de un Pepo Marquez en solitario sobre el épico y manido folk-rock americano de Votolato.

Ten Volt Shock + Inserta + Erizo Bilbao (14/04/2012)

Indie punk estridente y post-hardcore nervioso fueron anticipos del post-punk-noise alemán, como una versión cabezona del math-rock.

Cápsula Sevilla (14/04/2012)

Noche de auténtico rock’n’roll de manos de los argentino/bilbaínos, que se convirtió en fiesta con versión de Ziggy Stardust incluída.

And So I Watch You From Afar Madrid (15/04/2012)

Concierto rebosante de una pasión desbordante por su trabajo, que los traerá muy pronto de vuelta y con el éxito asegurado.

Radio Moscow Bilbao (19/04/2012)

Extremo y orgiástico dominio del rock psicodélico de los de Parker Griggs acentuando el garaje-rock sobre las jams.

The Hardtops Madrid (20/04/2012)

Actuación breve y anfetamínica, pero suficiente para saber que aquí tenemos otra sugerente banda que sumar a la escena nacional.

Maryland Sevilla (20/04/2012)

Los jóvenes gallegos se dejaron la piel sobre el reducido escenario a pesar de que el sonido no acompañó a su directo emo/power-pop.

Lagwagon Bilbao (21/04/2012)

Tremendamente emotiva fiesta con algunos de los mejores temas del hardcore melódico de los 90. Nostalgia en vena pero de la buena.

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MAYO

TORTOISE 13/05/2012, Bilbao

Tras ver dos veces a Tortoise y en ambientes tan diferentes como el furor del Primavera Sound al aire libre y en la Sala BBK, sentados y tranquilamente, podemos decirlo desde el comienzo de la crónica. A todos los halagos que los de Chicago deban recibir por estar en la vanguardia y por sus ansias exploradoras, hay que adjudicarles el galardón de uno de los directos más impresionantes. Asimismo, tras el sublime concierto de Lambchop y ahora este, también podemos declararnos fans de la Sala BBK, no sólo apta para leyendas del rock, el blues o el jazz, sino también para acoger figuras de culto de la música moderna. En este caso, no podemos sino constatar que el ciclo Bilbao BBK Live Bereziak ha rozado la excelencia y no sabemos si el festival al que sirven como anticipo será capaz de rayar a esta altura.

Vamos al grano, Tortoise son una banda con cinco miembros. Lo que nadie sabrá decirte es quién toca qué. Y esto es porque tenemos un escenario con dos sets de batería enfrentadas en el centro, dos metalófonos en los lados y en la

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retaguardia un par de sintes y por supuesto las guitarras. Jeff Parker y Doug McCombs, bastante fieles a la guitarra y el bajo parecen la rara avis de una banda en la que los otros tres miembros tocan la batería, los diferentes metalófonos, otra guitarra y sintes, según la canción demande.

Resulta espectacular contrastar dentro de lo impecable de ambos, el estilo más sobrio y medido de John McEntire a la batería con el más expresivo y animal de John Herndon, que en ocasiones parece hacer honor al recurrente cliché de pulpo humano.

Silencio sepulcral en todo momento entre canción y canción por parte de un público absorto y de una banda poco acostumbrada a comunicarse verbalmente, dado que no lo hacen con su instrumentalismo puro. Muy alejados de la sensación de banda de post-rock al uso, sin llegar a ser una banda de noise-rock, ni tampoco una de jazz, sino un híbrido mutante de todo ello, va llevando desde pasajes cinematográficos a crear irresistibles grooves, atmósferas espaciales y motoriks titilan-

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tes, espasmos rítmicos por doquier y distorsiones de guitarra que parece que cobren vida y se le escapen de las manos a Parker. En definitiva un prog-rock contemporáneo que recupera el espíritu indefinible del término.

Pese a que McEntire es el que ostenta el título de cabeza pensante de la banda, incluso en un colectivo en el que se palpa la inquietud de todos sus miembros, diría que en directo se impone a lo cerebral el carácter más físico del citado Herndon, verdadero espectáculo ya sea ceñido a la batería o manejando los sintes con una mano y golpeando los platos con la otra mano desnuda, etc. Y es que el impacto y la pegada sobre el disco es lo que prima. Escalofriantes también los momentos de desarrollos más cinematográficos en los que se ve a todos los miembros de la banda arrojando partituras al suelo constantemente para clavar esas sincronías, dando un efecto casi como si fuera parte de una performance.

No podemos sino agradecer que músicos de esta talla se dediquen, en fundamento, a hacer

rock. Y que, por encima de buscar el propio placer de lo intrincado, lo que ofrezcan sea un espectáculo divertido, equilibrado y vibrante. Hasta invitaron en una ocasión al público a dar palmas, cosa que da bastante respeto, por miedo a arruinar el clima que la banda ha construido.

También cabe destacar ese huir de la autocomplacencia, siendo poco amigos de repetir setlists, lo que debe ser una dificultad extra para una formación así. Sabemos sin duda que sonaron el jazz distorsionado de “High Class Slim Came Floatin’ In”, la ciencia ficción de “Charteroak Foundation”, la poderosa “Crest” con todos sus cambios de fase, “Eros” con ese incesante soniquete de metalófono y teclado, etc. Y es que discografía tienen de sobra y mientras sigan entregando directos de este nivel nos importa bien poco que desde el genial “Beacons of Ancestorship2 (2009) no hayamos tenido nuevo material discográfico.

Por todo ello pero sobre todo, por dejarnos una vez más boquiabiertos, concierto destacado de la temporada.

FOTOS: Sala BBK

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tweeticeira

mayO

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Blacanova Sevilla (04/05/2012)

Presentación de su segundo disco en su ciudad, con las imágenes tétricas y melodías escalofriantes características.

Wilhelm & The Dancing Animals Bilbao (04/05/2012)

Los navarros desplegaron bien ese pop-punk chillón de arreglos folkies. Divertidos aunque algo reiterativos hacia el final.

Guadalupe Plata Bilbao (04/05/2012)

Los de Úbeda enloquecieron al personal con blues-rock garajero que se hizo algo monótono. Antes, Manett correctos y Gora Japón troleando.

Dulce Pájara de Juventud - Madrid (11/05/2012)

Para los que hemos disfrutado con su debut discográfico era fácil que nos contentasen estos cuatro chicos. Nos quedamos a gusto coreándolos.

Russian Circles Bilbao (11/05/2012)

Deafheaven, entre lo reiterativo y lo sugerente. Russian Circles revalidaron todas sus virtudes pese a cierto abuso de patrones en directo.

Dulce Pájara de Juventud Bilbao (12/05/2012)

Los catalanes atronaron la FNAC con un showcase que les dio para desgranar casi todo su indie-rock matizado por teclados.

Hora Zulú Madrid (12/05/2012)

En un 12-M de reivindicaciones, Aitor y los suyos nos habían vuelto a barrer sin hacernos olvidar ni un momento que la lucha continúa.

Bruce Springsteen - Sevilla (13/05/2012)

Celebración a la vida y a la muerte. Rejuvenecimiento de banda y, por tanto, del ritmo y fuerza del concierto. Brillante como siempre.

Russian Circles - Madrid (14/05/2012)

Cada pasito que dan en la capital les hace más grandes. Buen concierto, pero corto y con un repertorio mejorable.

Tortoise Madrid (15/05/2012)

El buenísimo concierto volvió a sorprender con su experimentación y una precisión marca de la casa, tanto musical como personalmente.

Motorpsycho Madrid (23/05/2012)

La identidad ha sido tan cambiante que las sensaciones del concierto cambian mucho: o te enganchan o con jams algo excesivas dispersan todo.

Cursive + Allfits Madrid (24/05/2012)

Magnífico recital, tanto en el post-hardcore agresivo como en el pop emocional, aún quedándose sin tiempo. Allfits hicieron mucho ruido.

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TERRITORIOS

2012MIXTAPE /Crónicas///

18 y 19/05/2012, Sevilla

Territorios 2012, edición número quince, ha sido un festival digno de elogio en cuanto a organización, en el que apenas se ha tenido que esperar colas para pasar de un recinto a otro, cambiar fichas, ir al wc o comprar bebidas. La nueva distribución de escenarios y el enorme número, quizá hasta demasiado, de personal atendiendo al público o marcando las zonas de tránsito han permitido un máximo de comodidad y fluidez. Muy buena nota en este aspecto. Por el contrario, algunas lagunas en la programación, la cierta profusión de bandas cuyo tirón, bajo nuestro punto de vista, es puramente comercial, y alguna gran decepción lastraron un poco el devenir de los acontecimientos.

Os resaltamos algunos de los conciertos más destacados a nuestro juicio:

LOS ENEMIGOS

La actuación de Los Enemigos en Territorios suponía la tercera fecha de su gira de reunión y, al ser por ahora su única actuación por el sur peninsular, convocó a gran parte de los seguidores andaluces, extremeños y manchegos. Muchas camisetas de la banda, una media de edad en torno a los cuarenta años y un especial brillo en los ojos de todos los asistentes reflejaban que se trataba un concierto de hermandad y nostalgia. Pero aún así, había que cumplir con las labores de directo, y vaya si cumplieron. A la hora prevista, se encendió la luz sobre el escenario iluminando una enorme raspa y, al poco, subieron Fino, Chema, Manolo y Josele entre vítores que ya no pararon durante la hora y media de concierto. Sin más dilación comenzaron con “John Wayne” y siguió una auténtica colección de temazos clásicos como casi ninguna otra banda patria posee; con los cuatro enemigos dando lo mejor de sí (sigue asombrando la destreza de Josele y Manolo a la guitarra), sin muchos gestos hacia el público, sólo los suficientes aunque siempre sinceros. Momentos cumbre hubo varios, como la emoción que destilan tanto “An-tonio” como “Ná de ná”, enlazando esta última con “La otra orilla”, “Desde el jergón” y “Septiembre” seguidas. No sobró ninguna y se echaron falta muchas, pero entonces habría sido necesario un concierto de por lo menos el doble de duración. De todas formas, varios temas antes del final con “Complejo” ya sabíamos que era difícil que hubiese un concierto mejor en todo Territorios 2012. Gracias, Enemigos.

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MISSION OF BURMA

Al contrario que el día anterior, que nos costó arrancar al no encontrar ningún concierto en el que nos encontráramos del todo en nuestra salsa hasta pasadas unas horas, el Sábado acudimos puntuales a las ocho y media al Cruzcampo, expectantes ante lo que unos pocos sabíamos iba a ser uno de los platos fuertes de Territorios 2012. Y es que una actuación de Mission of Burma en Sevilla es una de esas cosas que no te imaginas que puedan pasar hasta que Territorios la hace realidad, como sucedió el año pasado con The Fall por citar un ejemplo reciente análogo. En formato trío (Bob Weston no acudió, no sabemos si por compromisos con Shellac), Roger Miller, Clint Conley y Peter Prescott se encargaron de regalarnos el directo más cañero de todo el festival, sin pausa ninguna y a piñón fijo. Así, durando apenas una hora, las palabras hardcore, noise y punk cobraron pleno sentido a tres voces en balazos como “1,2,3, Partyy!”, “Academy Fight Song” o “This Is Not a Photograph”. Hay que mencionar también el más inesperado guiño a la Reina del Disco en, evidentemente, “Donna Summeria” o la presentación de su nuevo single, “Dust Devil”. Apisonadora es decir poco, pero claro: estamos hablando de unos que han sido influencia para Fugazi o Minutemen.

THE STOOGES

¿Qué se puede esperar de un concierto de los Stooges a estas alturas, sobre todo sin una pieza tan imprescindible como la de Ron Asheton sobre el escenario? Pues un espectáculo centrado en la figura de Iggy Pop, claro. El mayor reclamo de Territorios 2012 comenzó puntualmente a las once y media cuando la Iguana subió pegando saltos al escenario; cogiéndonos a algunos aún buscando sitio entre la gran masa de público mientras sonaba el riff de “Raw Power”. Sabíamos que el repertorio actual de la banda gira en torno al disco del mismo nombre, tras la reincorporación de James Williamson, guitarra de aquella época, y de hecho la siguiente canción fue ya uno mejores hits punk de la historia, “Search and Destroy”, seguida de otras del disco. La verdad, supuso una auténtica gozada escuchar en directo la mayor parte de tal obra maestra del tirón viendo a su artífice aún en forma. Y es que, a punto de cumplir los 65, aunque a Iggy no le llegó la voz en algunas ocasiones, no puede decirse lo mismo del cuerpo, ya que estuvo saltando, contoneándose y bailando como si tuviera treinta años menos durante toda una hora y cuarto. Por el contrario, conscientes de su papel de ilustres secundarios, Williamson, Mackay y Watt se limitaron a interpretar la música para que el líder se sintiera a sus anchas.

Así, tras un primer tercio enfocado en el tercer disco, durante el que el de Detroit ya se había acercado al foso y había subido gente a bailar en “Shake Appeal”, comenzó un igualmente estimulante repaso a varios temas de ‘Fun House’, ‘Kill City’ y canciones que sólo rulan por ahí en forma de oscuros bootlegs o raros discos en directo. La cara oscura de los Stooges, que contrastó con la inevitable pero siempre bienvenida y reconocible por todos “I Wanna Be Your Dog”. Poco después, Pop anunciaba con su macarrónico pero divertido español que se marchaban, sólo para volver y entregar “Penetration”, “No Fun” y “Open Up and Bleed” y dejarnos a todos con una sonrisa de oreja a oreja. Historia viva del rock and roll, vamos.

FOTO: Territorios

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2012MIXTAPE /Crónicas///

24/05/2012, Madrid

STANDSTILL

Podría comenzar esta crónica hablando del ambiente previo a la velada, para seguir con una enumeración de las canciones hablando de cual estuvo mejor o peor, y terminar con la clásica valoración general del concierto y su sonido. Podría pues, hacer una crónica al uso para que la gente supiese al leerla si el concierto de Standstill había merecido o no la pena. Sin embargo qué queréis que os diga, a estas alturas ¿alguien duda de lo que vimos el pasado Jueves en Joy Eslava?. Puede que precisamente esa falta de capacidad de sorpresa fuese a priori el principal enemigo de la noche, pero ocurrió todo lo contrario, y es que el buen hacer mostrado por todo el país en los dos años y pico que llevamos de gira de “Adelante Bonaparte”, eran el seguro de vida de que este cierre de gira en Madrid iba a ser una nueva exhibición de los catalanes.

Y es que se puede hablar de cómo emociona ese prefacio llamado “Todos De Pie” arrancando el show junto a otras piezas compañeras de plástico como la siempre fiable “Adelante Bonaparte (I)”, o “El resplandor”. También podemos hablar de la hegemonía emocional que muestran los temas del sublime Vivalaguerra dentro del set list del grupo, y de como esas “La Mirada De Los Mil Metros”, “1,2,3 Sol”, “La Risa Funesta”, o “¿Por Qué Me Llamas A Estas Horas?”, son los momentos de máximo auge de su cancionero, confirmando así que es su disco cumbre hasta la fecha, y seguramente uno de los ¿10?, ¿5?, ¿3?, mejores trabajos del pop-rock español en la última década. Y claro está también debería ser justo nombrar canciones como “Poema nº3”, “Cuando” o “Feliz En Tu Día”, que pese a provocar algo más de indiferencia entre el mayoritario público más reciente de la banda (es decir los que han descubierto a Standstill tras el boom de los últimos cinco años), no dejan de ser la muestra perfecta del puente estilístico que sufrió la banda entre sus discos de cariz más post hardcore, y los de rock de autor que firman últimamente. Es de elogiar que la banda cerrase con estos veteranos temas aun a sabiendas de que son las que menos mueven al público, y de igual modo se trató de un bonito homenaje a esos seguidores que los han seguido desde que Enric se desgañitaba cual Dennis Lyxzén de Refused. Aunque para homenaje el que se dieron a sí mismos tocando un tema más antiguo todavía, perteneciente a sus mentados primeros trabajos en inglés. Hablo de la bella “Let Them Burn” de su Ep “The Latest Kiss”, la cual con unos 10 años de vida es la mejor muestra del orgullo que siente la banda por cada paso dado a lo largo de su carrera. Desde salas mugrientas y casas okupas hasta llenar tres veces seguidas Madrid en un fin de gira, hay un camino que sólo Enric y alguno más de los miembros primarios saben.

Un transitar por el underground de este país que no fue fácil en muchos momentos, pero que ahora da la merecida recompensa a este grupo único, a esta banda tan especial, a este conjunto de personas que han creído en una forma de hacer las cosas lejos de los convencionalismos, y a una formación que ya está en la historia de nuestro país junto a las más grandes. Standstill hoy no tienen con quién se les pueda comparar de más allá de nuestras fronteras, y esa personalidad propia a la hora de hacer las cosas es el verdadero motivo de su grandeza. Que vayan bien los pasos adelante que ahora les toca dar, es lo único que podemos desearles… mientras esperaremos con ansia que lleguen a su destino y nos ofrezcan los nuevos aprendizajes del recorrido.

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SONISPHERE 25 y 26/05/2013, Getafe

Si la marca Sonisphere ya venía este año perjudicada porque el decano británico fuera cancelado, la crisis había obligado a cambiar de recinto, algo de lo que, visto el calor, nos alegramos. La crisis y los recortes se notaron no obstante y la organización tuvo muchas carencias que queremos pensar se deben a escasez repentina de recursos. Lo peor de todo sin duda, un sonido regular de media y con algunos conciertos en los que sólo podemos calificarlo de muy deficiente, por mal mezclado o directamente, por falto de potencia.

Otro punto negro a señalar es el Black Circle, zona reservada para el club de fans de Metallica que se ha ganado los odios del asistente medio al festival. No es de recibo ni lógica que Metallica hagan festivales cuando tienen una base de fans tan grande que quiere verles únicamente a ellos y tampoco lo es que sus preferencias mediaticen todo un festival, al resto de grupos y al público que no va exclusivamente por ellos. Si a esto sumamos que la cobertura de móvil en el recinto fue un caos, parece difícil que esta edición figure en ningún manual sobre cómo montar un buen festival. A continuación destacamos las tres mejores actuaciones con mención de honor a Kyuss Lives!

SOUNDGARDEN

Regresaban Soundgarden por fin y aunque no era en un Azkena Rock que, puestos a festivales pintaba como la mejor opción, no era cuestión de quejarse de poder tener en Madrid la primera fecha europea de su reunión, 15 años después. Ironías de la vida, si en su última gira sus conciertos estuvieron mediatizados por los todopoderosos Metallica, la historia se volvía a repetir y su concierto sufría de un black circle para vips del club de fans de los angelinos, que a los de Seattle ni les iba ni les venía. Y viceversa. Con este escollo y el de algunos problemas de sonido, especialmente en la inicial “Searching With My Good Eye Closed” daba comienzo el concierto. Se ve que el primer tema fue usado para ir ajustando, sobre todo el reverb de la voz de Cornell, que si bien fue casi constante para ayudar al cantante a emular tesituras del pasado, se fue de madre con unos ecos increíbles en este primer tema.

La cosa calentó pronto merced a hits como “Spoonman” o “Jesus Christ Pose”, que atestiguaron que no estábamos en 1992, pero el mayor miedo, la garganta de Cornell, cumplía tan bien como en los últimos tiempos de la banda y encima sin grandes ademanes de esfuerzo por parte del vocalista. Así el cuarteto creó un clima frío, crudo y directo muy alejado del concierto medio de un festival así. La escasa comunicación, aunque Cornell puso su granito de arena, la parquedad de movimientos de la banda, con un Kim Thayil impasible y un Ben Sepherd desafiante ratificaron que Soundgarden no son banda de circos. Siempre fueron otra cosa, lo suyo no es ninguna fiesta y a buen seguro que se les atragantaron a más de un profano.

Más aún cuando la emprendían con temas como “Gun”, “Ugly Truth” o “Hunted Down” de la era preBadmotorfinger. Aún con todo en este y “Superunknown” basaron un concierto cuyas canciones más recientes fueron una muy mejorada en directo “Blow Up The Outside World” y la insípida banda sonora de los Vengadores, “Live to Rise” que, si bien no fue tan horrible en directo, suena a broma dentro de semejante repertorio. A destacar la tremenda labor de un Matt Cameron que sin duda se ve mucho más natural dentro de los intrincados ritmos de Soundgarden que encorsetado a los compases de Pearl Jam. Respecto a la voz de Cornell pues lo dicho, que recurran a canciones viejas cuando las nuevas son más conocidas por la mayoría del público y más fáciles de cantar nos da una idea de que muy falto de voz no va, otra cosa es que quiera dosificarse en el primer concierto de gira, que queda mucho por delante.

Nos quedamos con lo que podría haber sido un gran concierto de haber tocado un poco más, pero poco fan puede sentirse decepcionado ante interpretaciones de “Fell On Black Days”, “The Day I Tried To Live”, “Outshined” o “Rusty Cage”, que lucieron más auténticas que una inevitable “Black Hole Sun”. Y como no venían a poner las cosas fáciles, se despidieron con una arrolladora “Slaves & Bulldozers” y sin bises que valgan, sólo ruido final y el bajo de Sepherd arrojado al foso. La intención que mostró Cornell por regresar esperamos que no quede en agua de borrajas y pueda vérseles en entornos más dignos acorde a lo que hacen.

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FOTO: Last Tour International

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GHOST

Mucha era la expectación por ver lo que daba de sí Ghost, banda con mucho teatro de por medio y con un sólo disco en la calle y cuya música sorprende por la escasa relación entre un sonido de rock psicodélico y los amantes del metal agresivo que parecen abrazar su religión. Tocando de día, la cosa no prometía demasiado para su parafernalia, pero inteligentemente salieron de blanco en vez de de negro esta vez, con capuchas y máscaras. Su líder y maestro de ceremonias, el papa satánico, blandía un botafumeiro que inauguraba el particular ritual con “Con Clavi Con Dio”. Mucha pose litúrgica, movimientos ceremoniosos y un setlist que lo mismo nos daba momentos cercanos al doom que melodías de guitarra y teclado de lo más vintage que cerrarían con la celebrada “Ritual”. Se nota lo fácil que enganchan sus canciones y lo rápido que han calado, lo que nos parece un poco raro es que con lo corto que es el disco y el tiempo que ha pasado, que no tocaran nada nuevo. En cuanto a sonido, gozaron de uno de los mejores de todo el festival y lo supieron aprovechar añadiendo contundencia a lo escuchado en disco.

CLUTCH

A la banda de Neil Fallon estamos hartos de verlos triunfar en festivales. ¿Por qué no hemos tenido el privilegio ya de tenerlos por aquí con una gira por salas en condiciones? Desde luego no será porque no hayan hecho los méritos necesarios para que a la gente le dé por poblar las salas, ya que salieron modestamente triunfales de un Festimad accidentado, luego el año pasado despertaron a todos los trasnochadores rockeros del Azkena y ahora en Sonisphere se comieron con patatas a cualquiera que se pusiera en su camino.

Quizás las ganas del público de este concierto fueron mayores y contagiaron al siempre espectacular Neil, pero se notaba que algo sigue creciendo entre esta banda de Michigan y la península ibérica. La gente se volvía loca con el repaso que hicieron de “Blast Tyrant”, primero con “Pure Rock Fury” y luego hacia el final con “The Mob Goes Wild” o “Profits of Doom”. Además la comunicación de su cantante (el resto de la banda siempre está a su instrumento sin hacer mucho caso al gentío) fue sensacional, entre la entrega más absoluta de ambas partes y el buen rollo que se presupone en esto del rock. Los temas más recientes del repertorio, con ese regusto blues (“50.000 Unstoppable Watts”, “Struck Down” o el inicio con “Gravel Road”) demostraron que dentro de su cancionero hay cera para rato. A tenor de lo convencido que se iba a casa cualquiera de los que los había visitado con más curiosidad que otra cosa, volvieron a triunfar en otro festival repleto de grandes nombres. Verdaderos genios en lo suyo.

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PRIMAVERA SOUND

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30/05/2012-02/06/2012, Barcelona

FOTOS: Primavera Sound 1, 6, Dani Cantó | 2,4,5, Eric Pàmies | 3, 7, Damià Bosch

Hace años que el Primavera Sound es cita de referencia, tanto para los aficionados a la música como para los redactores de feiticeira.org. De nuevo nos traía las propuestas del indie más moderno, lo experimental, grandes glorias de otras décadas y esta vez los cacareados grupos “heavies”, aunque quedarán en anécdota. Sin grandes incidencias, las mayores molestias vinieron de unas actuaciones matutinas menos cómodas en la nueva ubicación y la mala suerte que se cebó con los programadores haciendo cancelar a Guided By Voices, Ultramagnetic MC’s, Björk, Death Grips, Sleep y Melvins, ahí es nada. Sólo se nos ocurre un festival capaz de salir airoso de todas esas bajas y así se demostró en Primavera Sound 2012. El miércoles inauguraron ya el festival entre otros No More Lies, The Wedding Present y The Black Lips, que con su divertida propuesta lograron que aquello pareciera ya un festival. Pero por cuestiones de espacio aquí nos vamos a centrar en las actuaciones más destacadas para nuestra plantilla.

THE AFGHAN WHIGS

Esperada era la vuelta de la formación capitaneada por Greg Dulli. En una época en que lo de los regresos empieza a parecer algo cómico, uno no sabe lo que le espera de una formación tan de culto. Podemos afirmar que la banda o más bien los tres que resisten, se han tomado la cosa en serio. Y eso es algo visible desde la propia forma física tanto de Greg Dulli como de John Curley, con notables kilos de menos. Salieron a escena junto con Rick McCollum, además de una banda de apoyo formada por otro guitarrista, un teclista/cellista y batería.

También era visible lo comedido de un frontman que parecía más concentrado en que todo saliera bien y en no eclipsar con su carisma a la banda, marcando las diferencias con sus proyectos personales. El concierto trazó oleadas emocionales con un setlist perfecto, que arrancó con “Crime Scene, Part One”, siguió con las sacudidas de “I’m Her Slave” o temas como “Uptown Again”, de ese típico soul-rock que sorprendentemente no tuvo presencia alguna de coristas, siendo suplidas por coros de la propia banda u orquestaciones.

Escalofríos con “When We Two Parted” y espasmos a ritmo de “Gentlemen”, para después abandonar Dulli la guitarra y darse más a sus chulescas poses con el micro o al piano y esos momentos más tiernos y afines a la música negra (versiones, de hecho), para finalmente volver al golpe de riff bailable con “66”, la hipnótica base y explosivo estribillo de “Miles Iz Ded” y terminar la catarsis con “Into The Floor”. Un recital sin parones, de maravilloso rock sensible y un Dulli con una gran voz, entendiendo esa rotura amarga, que se vació a golpe de sus múltiples “baby” ante un Fòrum encantado, más extasiado que bailando. El concierto que nos llevó del atardecer al anochecer y uno de los triunfos eternos del jueves.

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DEATH CAB FOR CUTIE

THEE OH SEES

Es curioso ver cómo un mismo concierto suscita opiniones tan dispares, en este caso no tanto por el buen hacer de la banda sino por la calidad del sonido, que a un servidor le sonó perfecto en todo momento. Desbandada con prisa y dejando a Greg Dulli despidiéndose, hacia la otra punta del recinto. Muy bonita la sensación de ir acercándote al Mini escuchando a Death Cab For Cutie ya encima del escenario, pero agridulce al reconocer una de las mejores piezas de sus últimos años “I Will Possess Your Heart”.

El resto del repertorio fue bastante mejorable, pero repleto de memorables momentos como “Crooked Teeth”, “The New Year” y una inusual presencia destacada de “Narrow Stairs”, aunque la escasa duración de una hora para una banda con tantos años de trabajo a sus espaldas es algo verdaderamente intolerable. Por otro lado vimos a una de las bandas más en forma de todo el festival, sobre todo con un pletórico (y muy delgado) Ben Gibbard liderando y un brutal batería como Jason McGerr a la espalda. Al final a pesar de la escasa hora de concierto, uno de los mejores de todo el festival.

Sembraron lo recogido en anteriores pasos por el festival y el resultado fue un ATP repleto y lleno de gente enloquecida ante la psicodélica propuesta de la banda. Tan cabezones como refrescantes en su propuesta, lo suyo es mirar atrás de la forma correcta y traernos lo mejor de otras épocas en un vehículo que desafía géneros y fronteras. Indie-rock, punk, psicodelia o garaje, en cualquier caso nos metieron en un trance repleto de reverbs y coros a gran velocidad del que ni siquiera los Mudhoney pudieron escapar. Una espiral capitaneada por esas pintas de indie inofensivo de John Dwyer con su guitarra a la altura del pecho que provocó entre el público una locura de gente agitándose y hasta volando. Y eso que al final el concierto se vio truncado por una fatal noticia que le tocó dar con pena al mismo Dwyer, la cancelación de Sleep por razones médicas. Suponemos que por sugerencia y con el beneplácito de la organización, aprovecharon las circunstancias para tocar más tiempo, ratificándose como una de esas bandas que estamos seguros seguirán viniendo al festival cada vez que haya ocasión.

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REFUSED

Y llegó la hora de uno de las grandes reuniones de este 2012. El principal motivo de que por el Fórum andasen más personas dilatadas y tatuadas de lo habitual, es decir, el reclamo hardcore de esta edición, empezaba con puntualidad y contundencia en un escenario Ray Ban que estaba ya a estas horas hasta la bandera. Quince años después de su separación los suecos Refused se disponían a arrasarnos provocando un terremoto que será recordado tanto por los más viejos que ansiaban su vuelta, como por los más jóvenes que tanto han mamado de ellos en estos últimos años.

Discursos políticos aparte, Dennis Lyxzén y los suyos demostraron estar en plena forma desde el minuto uno con un arranque de los que quitan el hipo (“Worms of the Senses / Faculties of the Skull”, “The Refused Party Program”, la espectacular “Liberation Frequency”, y el gran himno de su “Songs to Fan the Flames of Discontent”, “Rather Be Dead”). No faltaron otras de su piezas cumbre como una fantástica en directo “Summerholidays vs. Punkroutine”, o la en su día premonitoria “Refused Are Fucking Dead”. Con un sonido potente pero perfectamente definido, un batería como David Sandström en estado de gracia, y sobre todo un Lyxzén puro nervio y todo vigor, Refused se acercaban al final con posibilidades de redondear el bolo que todos sus fans soñaban desde hace años. Y para eso estaban los bises. La mil veces bailada y berreada por todos los seguidores de la banda en fiestas, bares, e incluso karaokes, por fin arrancaba con ese rasgueo de guitarra, esos redobles, ese sampler electrónico, y ese “CAN I SCREAMMMM?!!”. “New Noise” iba desatar una locura punk como las que pocas ha vivido en su historia Primavera Sound, y unida al cierre con la experimental “Tannhäuser/Derivè”, ponían el broche perfecto a la sobresaliente vuelta de los suecos. ¿Refused muertos?, no en 2012.

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THE CURE

de un discreto segundo músico.

A partir del último hit mencionado, mayor representante del disco que cumple este año veinte primaveras, “Wish”, se acabo el show para todos los públicos. Temas raros, difíciles o experimentales, de largo minutaje, fueron sucediéndose para el deleite de los fans e indiferencia de curiosos o escépticos (que los hay), que se marcharon a otros escenarios. Para nosotros, fue todo un gozo disfrutar en este segmento de delicias como “One Hundred Years”, “Disintegration” la canción, la revalorizada “If Only Tonight We Could Sleep” o la bella “Trust”. Quizá esta hora oscura se le atragantara a más de uno e incluso puede que se resintiera algo el ritmo, pero la verdad es que pocas estrellas se atreven a afrontar un repertorio así tras más de tres décadas de vida, y por tanto es una decisión que les honra.

Para el segundo bis, suponiendo quizá que llegaría una segunda ola de curiosos informados que el concierto no había acabado aún, sabiamente descargaron otra traca de singles, “The Lovecats”, “Close to Me” (muchos la daban por perdida al no haber caído al principio), una in extremis “Why Can’t I Be You?” y dos regalos a la audiencia española mediante guitarras flamencas: “The Caterpillar” y, evidentemente, “The Blood”, lo más cercano al flamenco que hayan compuesto nunca. Y todavía hubo espacio para algún gesto valiente, como el debut en directo, casi treinta años después, de una cara B, “Just One Kiss”. Tras otra breve salida, terminaron de conservadoras maneras con “Boys Don’t Cry” y nos fuimos con el pecho henchido a otra cosa. Era Primavera Sound, no había tiempo para asimilar ni comentar jugadas de ese calibre entre la vorágine.

Inabarcable. Desbordante. Épica. Misteriosa. Multitud de apelativos pueden aplicarse a las casi tres horas de intervención de The Cure en Primavera Sound; actuación que por peso, sí, pero también por nivel artístico debe pasar a los ya abultados anales del festival. Reclamo máximo de esta edición 2012, aún más si cabe tras la caída casi a última hora de Björk y la consiguiente imposibilidad de buscarle sustitutos de igual renombre, la actuación de la banda de Robert Smith hizo que el Viernes fuera la jornada más masiva del festival, aún cuando fuera quizá el Jueves el día con mayor número de actuaciones importantes; en la que se vieron muchísimas camisetas de la banda y también mucha gente que sólo había venido a verles a ellos, como denotaba el nutrido grupo de fans que esperaba pacientemente recién abierto el Fórum para acceder a la explanada del San Miguel.

Tras una tediosa espera, entre la niebla, comenzó a sonar la inconfundible apertura de “Plainsong”, a la que siguió su sucesora dentro de Disintegration, “Pictures of You”.

En dos temas ya se ganaron a todo el público, seguidores y casuales, ya que abren uno de sus discos más conocidos.

Siguiendo esta línea, sin mucha comunicación salvo para dar gracias frecuentemente, Robert orquestó una primera mitad de hora y media orientada a satisfacer las ganas de Cura de todo el mundo; intercalando hit tras hit atemporal, que es lo que son desde hace décadas “In Between Days”, “Just Like Heaven”, “Lullaby”, “A Forest” o “Friday I’m in Love”. La formación no adoleció esta vez de falta de teclista (ahí estaba el mejor que han tenido, Roger O’Donnell) o de llevar sólo la guitarra de Smith, gracias a la presencia

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THE XX

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El trío británico regresaba a Primavera Sound, dos años después de salir encumbrados en su primera visita como una de las grandes promesas del indie actual. Aunque casi todo el mundo que abarrotaba el escenario Mini estaba para volver a oír “Basic Space”, “VCR” y otros temas de su debut en directo, también había mucha expectación sobre las nuevas canciones que ya estaban tocando y por ver si seguían en forma tras casi dos años de ausencia de los teatros y festivales. Sobre el escenario, una X gigante elevada y translúcida de fondo y el cada vez más abultado equipo de Jamie esperaban a los creadores para que dieran respuestas.

Sin una palabra y entre penumbras subieron y comenzaron con una nueva canción con voz de Oliver que no se alejó mucho de lo ya conocido: melodías sencillas, muchos silencios, susurros, percusiones electrónicas marcadas... para seguidamente pasar a “Islands”, ya con Romi cantando, “Heart Skipped a Beat” y casi todos los temas de su magistral debut en la primera mitad de su hora y cuarto de actuación. Comprobamos que la melancolía y la belleza que su música transmite, acompañadas de un sonido perfecto y nítido, seguían intactas; incluso cuando el segundo tramo lo dedicaron en su mayor parte a nuevos temas, que progresivamente se iban volviendo más bailables, llegando a un punto en que hubo que hablar de dance o incluso calipso gracias a la habilidad del percusionista y programador. Nos quedamos con ganas de entrar más de lleno en estos sonidos, pero hasta septiembre no podríamos indagar en los misterios de “Coexist”.

BIG STAR’S THIRD

Dicen que no hay mal que por bien no venga, y la cancelación del concierto de Melvins nos permitió solventar una duda que teníamos anclada en el cerebro desde que salieron los horarios. ¿Ver la potencia de los de Seattle? ¿Ver la única e irrepetible sucesión de artistas homenajeando el disco clave de Big Star y por extensión de Alex Chilton?

No sabremos nunca como habría sido lo primero, pero difícilmente superaría uno de los conciertos que más y mejor convencieron jamás en el Auditori.

Centrarnos simplemente en la grandeza del álbum, de sus temas redondos (Desde “Kizza Me” a “September Gurls”) y de una lista de invitados de tirarte para atrás sería demasiado fácil. Aquí hubo una magia especial difícil de describir, gracias ante todo a una banda perfectamente engrasada y montada por Jody Stephens (el único miembro vivo de Big Star) y auspiciada por Ken Stringfellow de Posies, Chris Stamey de The DB’s, Mike Mills de R.E.M. y otros, a los que se le iban enganchando y soltando artistas de la talla de Ira Kaplan con Georgia Hubley de Yo La Tengo, Norman Blake de Teenage Fanclub, Sharon Van Etten, Django de Old Ceremony, Alexis Taylor de Hot Chip, Skylar Gudasz y hasta la sorpresa de última hora de Jeff Tweedy de Wilco.

Todo esto sería genial ya de por sí, pero ciertamente hubo magia para ensalzar esa creación de Alex Chilton.

Hubo la magia del respeto máximo de artistas de prestigio homenajeando canciones que harían cambiar su manera de enfocar la música, pero siempre con el trasfondo de una viveza tan imperfecta como entrañable. ¿Qué decir del momento en que Ira le lanza a Georgia una bolita de papel? ¿Y de los nervios de Sharon Van Etten con todos los ojos del Auditori mirándola mientras que el día después en su concierto hacía gala de desparpajo? Sólo podemos decir: Gracias Buzz y Dale por hacernos elegir lo correcto.

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LISABÖ

El directo de los de Irún es algo ya casi legendario desde que “Ezlekuak” les abriera a lo grande las puertas de las salas del estado y el culto no ha dejado de crecer desde el lanzamiento de “Animalia Lotsatuen Putzua”, pero ni siquiera los que les hemos seguido en directo los últimos meses nos esperábamos una entrega al nivel de lo visto en el Primavera Sound. Más salvajes y motivados que nunca, seguramente nerviosos en un principio y sabedores de que por anteriores plantones forzosos (no a la organización, sino al público que los pidió) debían darse al 200%, lo suyo fue pulverizarnos a horas que apenas el sol se estaba marchando del escenario Ray Ban. Con la banda en ebullición, hubo destrozos de material e incluso heridas autoinfligidas en el fragor de esa batalla tan punk pero a la vez tan personal marcada por los incesantes compases de la doble batería y el doble alarido. Y eso que el clima, por la propia luz del día, por la complicidad entre fans e incluso por las caras de visitantes atraídos por el magnetismo de esa fuerza visceral del sexteto, era más de fiesta que de la desolación que suele transmitir la banda. La misma convocatoria de la que se hicieron eco Picore el día antes nos sirvió para ver en Barcelona a unos Lisabö muy poco dados a discursos, enfadados con la política de la represión. Si el año pasado fueron Swans, este año no tuvo que venir nadie de Estados Unidos para ganar la medalla a concierto más intenso del año. No estaría nada mal convertirlos en residentes del festival, a imagen de los propios Shellac.

BEACH HOUSE

La vuelta de Beach House a Primavera Sound dos años después presentando un disco tan unánimamente alabado como “Bloom” prometía ser una de las actuaciones estrellas del festival y, en concreto, una de las imperdibles del Sábado. Situados esta vez en el ya segundo escenario en importancia del festival, el Mini, la pareja de Baltimore, acompañados de batería, salieron a escena ante su elegante y minimalista puesta en escena a base de barras blancas horizontales, luces y ventiladores, colocados junto a los instrumentos lejos de la primera línea; haciendo así el grupo gala del carácter huraño y desdeñoso de la fama que merecen.

Con apenas un saludo, abrieron con “Wild” ante un escenario en penumbras y cubierto de neblina, más pluses que añadirían misterio. Alec se sentó sobre el ampli, pasando de la guitarra al ordenador; mientras que a Victoria la vimos poco, la más oculta de los tres al pie de su céntrico teclado salvo por algún rayo ocasional, pero aún así se bastó para ser la clara maestra de ceremonias, gracias a sus dulces, a veces violentos, gestos y su privilegiada voz.

Sonó un repertorio basado ampliamente en su reciente cuarto álbum, aunque incluyendo muy celebradas incursiones en “Teen Dream”, como “Norway”, “Silver Soul” o “Zebra”. Pero el público era fiel y ya se sabía a la perfección clásicos inmediatos como “Lazuli” o “Myth”, a la vez que permanecía a arrebatado ante la irreal belleza de canciones como “The Hours”, “New Year” o la progresiva “Irene”, con la que dieron fin a una hora justa de actuación, de sonido impecable, (salvo por alguna guitarra algo imperceptible), y emoción a raudales.

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OFF!

Uno de los nombres más esperados para el sector más guitarrero del festival se iba a consumir en apenas media hora de repertorio. Hablamos de los californianos OFF!, que son adorados por muchos pero castigados por los más trues. Y eso que estamos hablando de un concierto redondísimo por parte de la banda, sobre todo gracias a que Keith Morris estuvo mucho menos charlatán que de costumbre, centrándose en cantar y en hablar apenas un poco del accidente del día de antes de Matt Pike (ahí nos dijo que padeció un aneurisma, justo como su colega, el malogrado Jeffrey Lee Pierce, al que le dedicó su tema de igual título) y de las típicas bromas californianas.

Dimitri Coats estuvo tan sensacional y trepidante como Mario y Steve en la sección rítmica, aunque la gran virtud del directo de Off! estuvo en que se centraron en sus muy superiores EP’s en lugar de su reciente y algo más irregular LP. Temas como “I Don’t Belong”, “Panic Attack”, “Wipe out”, “Now I’m Pissed”, “Rat Trap” o “Poison City” se fueron sucediendo sin demasiado descanso ante un pogo mucho más maduro y disfrutable que el vivido en otros conciertos del festival. Perfectos en su papel, al que no le gustase es porque no le gustan OFF!

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DÍA DE LA MÚSICA

22 y 23/06/2012, Madrid

En Madrid no hay playa, y en junio hace mucho calor, así que lo de ubicar el festival Día de la Música en el Matadero de la capital con los consecuentes problemas que ello conlleva a la hora de realizar los conciertos en horarios tempranos coartan en demasía las virtudes de un cartel variado y a la última. Entre tanta promesa como la buena actuación de Azealia Banks o bandas encumbradas en el mainstream con méritos dudosos como Two Door Cinema Club aparecieron los nombres noventeros para dotar al festival de otro nivel de calidad, como Mercury Rev, Tindersticks o Spoon marcando algunos de los mejores momentos. A tenor de los resultados de otra nueva edición, ya con mucho menos apoyo institucional y de patrocinio que las pasadas, parece que el Día de la Música va a tener la suficiente fuerza para aguantar en el maltrecho manto cultural de la capital. Con eso nos tenemos que quedar ante todo.

AZELIA BANKS

En media hora Azealia Banks fue capaz de hacer el mayor tornado de todo el festival. Como un soplo de aire fresco en pleno verano apareció a demostrar que es mucho más que un hit como “212”, aunque los patrones de su mezcla de hip hop y house no se mueve mucho de ese experimento. Derrochó también mucho magnetismo, sus bailarinas mucho esfuerzo y, sin duda, fue uno de esos hypes que todos están deseando tirar por tierra pero que resistieron los primeros golpes.

Quizás lo mejor del día.

TINDERSTICKS

Mientras tanto, en el auditorio Rockdelux, una vez superado el retraso provocado por un problema en el vuelo que traía a la banda, la gente se agolpaba para ser de los agraciados en poder ver la recogida actuación de Tindersticks. El aforo limitado del auditorio provocó un desbordamiento de público que trajo consigo que el suelo del recinto se llenase con el personal que no tenía asiento. Con algún problemilla en el sonido, suponemos que relacionado con las prisas de haber llegado tarde a Madrid, la banda de Nottingham repasó temas de su último disco “The Something Rain”, como “Chocolate” o “A Night To Still”, junto a clásicos como la siempre obligatoria “Another Night In”. Sonando como en ellos es habitual de forma muy pulcra y elegante, lograron salvar las adversidades en su enésima visita a España en los últimos meses, demostrando así las tablas que poseen a estas alturas los ingleses.

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MERCURY REV

Si había una apuesta segura en el Día de la Música, eran los Mercury Rev de ese mago llamado Jonathan Donahue.

Venían a tocar de forma íntegra su reverenciado “Deserter´s Songs”, y eso hicieron de forma incontestable. Ni los 30 grados de calor, ni un público que no parecía en su mayoría saber demasiado de qué iba aquello, pudieron con la formación de Buffalo que una vez más bordó una actuación llena de carisma, sutileza, y cuando la cosa lo requirió, de esa épica y esa grandilocuencia que tan bien encauzaron en aquel imprescindible álbum de finales de los 90´. Un Donahue elegantísimo se fue haciendo poco a poco con todo el público gracias a sus bromas, su ironía, y su encantadora sonrisa, y para cuando sonaron “Opus 40” o “Goddess On A Hiway”, hasta los más despistados del lugar estaban en los bolsillos de sus apretados pantalones de pana granates. Hechizados caímos rendidos ante una banda que demostró estar en otro nivel diferente al de casi el 100% de las bandas del festival.

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tweeticeira

juniO

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Shellac Madrid (06/06/2012)

El público se encendió ante un coitus interruptus de concierto que iba a más. El trío había hecho lo de siempre, la sala no acompañó.

Azkena Rock Festival Vitoria-Gasteiz (15/06/2012)

Lo de aquí (Lüger) triunfó sobre lo de allí (The Mars Volta) y lo nuevo (Gallows) mostró más empaque que lo viejo (Ozzy, Robinson, Gun...).

Sif Fest Sevilla (15 y 16/06/2012)

Festival de grupos promesa de la escena local con algún ilustre foráneo; destacaron Blacanova, Jeremy Jay y All La Glory.

Nothink Madrid (16/06/2012)

Con más de tiempo de lo habitual para repasar sus tres trabajos discográficos, olvidaron casi por completo, eso sí, su debut “Bipolar Age”.

Unsane Bilbao (19/06/2012)

Se nos hizo demasiado corta la presentación de los nuevos trallazos de noise-punk metalizado y su repaso a otros temas repletos de oxido.

MF/MB/ Sevilla (28/06/2012)

Estos desconocidos suecos se mostraron infalibles en directo con su dance-rock convencional pero muy efectivo.

Betunizer + Meido + Viva Bazooka Bilbao (29/06/2012)

La densidad de Meido y la sorpresa de Viva Bazooka precedieron al sudor, la asfixia y el cachondeo de Betunizer.

Los Punsetes Sevilla (30/06/2012)

Su puesta en escena no ha cambiado un ápice, pero quizá por eso Los Punsetes siguen mantiendo ese aire que los diferencia.

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JULIO

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BILBAO BBK LIVE 12-14/07/2011, Bilbao

FOTOS: http://www.rhythmandphotos.com, Stuart McDonald La introducción y el epílogo son intercambiables para la presente edición del BBKLive. Una edición más marcada por los sonidos pop y con la que el festival bilbaino entra en abierta competición ya con el FIB por llevarse al público ‘guiri’, más ávido de fiesta. Dentro de esta tónica nos encontramos un cartel menos exigente en lo musical, muy marcado por las propuestas de The Cure y Radiohead y rellenado con un grueso del cartel irregular. La parte positiva para el festival y la ciudad es que el cariz popular del conjunto ha supuesto un éxito tal que el recinto no da más de sí y las casi 40.000 personas de jueves y viernes han hecho la experiencia agobiante por momentos, con cuellos de botella en los movimientos entre escenarios muy incómodos. Otra característica de la presente edición ha sido la proliferación de escenarios, acertada decisión a la que le falta por afinar en solapes coherentes y cómodos. Por lo demás, un acierto la programación paralela en Alhóndiga, especialmente la gratuita. Luces y sombras de un festival que, en cifras ha sido todo un éxito.

JUEVES 7 THE JON SPENCER BLUES EXPLOSION No hubiera habido forma de que nos saltáramos la explosión de Jon Spencer en el escenario tres. El ambiente recogido fue inmejorable detonante para que, lo que en principio era una propuesta muy marginal dentro del festival (como lo fue el rock, en general) saliese triunfante. “Magical Colors”, “Chicken Dog”, “Bellbottoms”, “Fuck Shit Up”... una auténtica traca de himnos de ese rock-blues-soul-punk mutante aderezados con todos esos clichés que salen de la boca de Jon Spencer para animar a la audiencia, con la pegada de sus dos secuaces y las locuras de su theremin. La licuadora del rock nos volvió a entregar un zumo vibrante que nos dejó listos y con energía para aguantar lo que venía.

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THE CURE Hay que ser muy fan para aguantar (con perdón del verbo) físicamente lo de The Cure tres horas. Pero si a esto le sumamos prácticamente una hora de retraso, el desenlace puede ser fatal. Y así sucedió que mucha gente hubo de emprender la retirada en la segunda parte del concierto, en busca de asiento o directamente de la cama. Una pena y un problema técnico con los teclados imperdonable en un festival tan enfocado a los cabezas de cartel. Por suerte, Robert Smith demostró clase a raudales saliendo él mismo a dar las explicaciones y a amenizar la espera con tres temas en acústico.

Finalmente, con la intro de “Tape” y “Open” se fue dibujando un concierto para fans y que parecía que iba a estar repleto de singles segun fueron cayendo “High”, “The End of The World” o “Lovesong”. “In Between Days” y “Just Like Heaven” hacían nuestras delicias y la de todos los fans de la faceta más pop del grupo y es que siempre hablamos de perfectas versiones, de esa dulce mezcla de bajos, teclados y la acústica de un Robert humilde, comunicativo (que no muy hablador) y al que se ve de verdad contento de poder seguir dedicándose a tocar sus canciones.

Con “From the Edge of the Deep Green Sea” abrió digamos una segunda parte en la que los temas más largos y atmosféricos empezaron a ganar terreno siempre intercalados con hits de historia pop como la celebrada 74

“Lullaby”, una trepidante “A Forest” o incluso a medio camino, la delicia que fue “Pictures of You”. Auténtico repaso a toda su carrera, la parte clara y la oscura, esta más incomprendida por parte del público. La discografía de los británicos abarca mucho y es imposible pensar que las casi 40.000 personas que rondaban por ahí pudieran considerarse fans. Pero eso a Robert Smith no le importa, él tiene su plan de ofrecer un concierto de larga duración y al que no le guste que se siente. Y así pasó porque a partir de lo apretados que estábamos en un principio, empezaron a verse paulatinamente más y más claros en la explanada.

Pero pese a que la banda no ofrezca un gran espectáculo, tienen un sencillo magnetismo que obligaba a quedarse al pie del cañón. En cuántos de esos momentos más prolongados, de esas instrumentaciones etéreas de pasadas décadas, veía uno trazas de grupos actuales de post-rock, de shoegaze, de rock ambiental...

La recompensa final estaba por llegar, y es que en el segundo bis empezaron a acumularse los grandes hits restantes, “Let’s Go to Bed”, una eufórica “Friday I’m in Love”, la maravillosa “Close To Me” y “Why Can’t I Be You?” casi de seguido y para finalizar, “Boys Don’t Cry” esta vez sí, en versión eléctrica. En definitiva, un concierto al que dudo que nadie pueda reprochar nada que no sea su propia falta de aprecio por la banda y que tan sólo se vio emborronado por esa interminable espera, que provocó además su solape con Bloc Party.

VIERNES 8

RADIOHEAD

Tras la incomprendida aparición de Four Tet, salieron Radiohead con un setlist para todos los gustos. Pero es que quien no se haya enterado a estas alturas de que los de Oxford no son el grupo de rock que arrasó en las listas de singles con “Creep”, ni tampoco la banda de pop que nos emocionó con “The Bends”, no sabemos que hace asistiendo a un concierto suyo, la verdad. Olvidémonos pues de esa parte del público y tendremos a una banda soberbia, capaz de alternar entre sus diferentes facetas sin que nada chirríe.

Un Thom Yorke muy bien de voz y más bailongo que nunca y una formación entregada a clavar cada nota, incluso alterando las versiones de algunos de sus clásicos, llevándolas más a la electrónica.

El concierto empezó frío con “Bloom” de su aséptico “The King of Limbs”, pero pronto entró en su pasado reciente más esplendoroso recurriendo a las ondulaciones de “15 Step” y los riff de “Bodysnatchers”. No,

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el setlist no fue perfecto, podríamos haber pasado sin una “The Daily Mail”, “Feral” o incluso “Kid A”, que en el setlist tenía el puesto compartido con una “The National Anthem” que quedó fuera. Pero en ningún caso por sonar mal, sino simplemente en el afán de acaparar un mayor número de hits. Pero que no se entreguen a un concierto repleto de himnos contribuye al buen equilibrio del concierto. Luego ya es todo cuestión de gustos si a alguien no le agrada la saturación de la tremenda “Myxomatosis” o es capaz de aburrirse con la escalofriante “Nude”.

Todo esto iba acompañado de efectos lumínicos muy vistosos y un espectáculo cuidado en las pantallas, aunque la parte mala es que en un recinto tan grande, o estabas cerca o tenías que intuir lo que sucedía en el escenario pues las pantallas apenas ofrecían viñetas de los protagonistas en psicodélicos mosaicos. Las pantallas móviles que llevaban antes del trágico accidente daban otra dimensión al conjunto, pero aún así no estuvo nada mal.

Los temas de The King of Limbs ganan con la energía del directo y

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aunque no sean comparables, si los alternas con maravillas emocionales del calibre de “Pyramid Song”, hits que todo el mundo es capaz de corear como “Karma Police” y una más electrónica y alocada “Idioteque”, tampoco desmerecen tanto. Una lluvia emocional que fue acompañada físicamente por el leve sirimiri que no molestó para nada.

Para el primer bis, tal vez algo más flojo de lo esperado, se presentaron sólo Yorke y Greenwood a interpretar primero el íntimo clima de “Give Up The Ghost”, seguido de la aparición de toda la banda para la marciana “Kid A” y finalmente sí, cerrarlo por todo lo alto con una introducción del “After The Gold Rush” que condujo a la alquimia ambiental de “Everything In Its Right Place”. El hecho de que el segundo bis sólo contara con una igualmente gigante “Paranoid Android” nos dejó un poco fríos y sí que echamos en falta un par de temas más. Por lo demás, se vio a una banda a la altura de su leyenda, un sonido y ejecución perfectas y un Thom Yorke comunicativo lo justo para invitarnos a protestar en las calles. No, repetimos que el setlist no fue

TRIÁNGULO DE AMOR BIZARRO

En una lucha de titanes por el trono del indie nacional, la muchedumbre se la llevó Vetusta Morla al escenario dos, pero los que optamos por disfrutar del feedback de Triángulo de Amor Bizarro nos encontramos con apenas media hora de repertorio enfocado a su primer disco pero con la pegada y la energía de la formación actual. Y si desde un principio nos gustaron, no podemos sino apreciar su gran forma y rendirnos ante la realidad de que cuentan con un puñado de canciones que ya son historia de nuestra música. “La Malicia de las Especies Protegidas”, “El Himno de la Bala”, “De La Monarquía a la Criptocracia”, “Amigos del Género Humano”, “Mal Como Efecto de Mala Voluntad”, “El Fantasma de la Transición”, “Isa Vs. El Partido Humanista” y ese final con “El Crimen: Cómo Ocurre y Cómo Remediarlo” fueron bofetada tras bofetada agradable en un cartel con demasiada sensación de pop insípido.

Nos faltaron muchas de “Año Santo”, pero apenas lo notamos porque no nos dieron respiro al margen de los alocados comentarios de Isa que tuvo que cagarse en el PP para zanjar el jardín en el que se estaba metiendo. Un huracán de ruido que esperábamos más cafre aún y que consiguió saturarnos los oídos pero con un sonido que nos permitía apreciar las partes melódicas, corear y bailar haciendo temblar el suelo de la carpa. Triunfadores e inmejorable cierre sin ningún tipo de complejo ante los internacionales del cartel que además nos dejó bien colocados en la carpa para disfrutar de una selección de temas facilones pero efectivos.

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SÁBADO 9 THE BIG PINK

En el desafortunado cruce Glasvegas/The Big Pink nos decidimos por los segundos. Su rock electrónico fue más rock y contundente de lo esperado, al menos de primeras. Pese a ser un dúo, la formación en directo es de cuarteto, con una chica a la batería, dos tíos a los teclados y aparatos electrónicos (en principio parecía demasiada dedicación a la electrónica para lo que sonaba, pero esta fue tomando más cuerpo) y su líder y cantante a la guitarra eléctrica (o no, según la canción lo demande). Rindió homenaje a un amigo fallecido y nos entregó un enérgico recital donde entraron himnos de sus dos discos, abriendo fuerte con “Velvet” para después caer “Stay Gold” y finalizar con “Dominos”.

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tweeticeira

juliO

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Eyvind Kang Madrid (08/07/2012)

Nos gusta más orquestado, pero nos sacamos la espinita del ruidismo de la última. Privilegio para una noche de domingo difícilmente mejorable.

Glen Hansard Bilbao (10/07/2012)

Increíble recital de este músico y entertainer de primera. Emoción y risas, un espectáculo para todos los públicos y de gran calidad.

Baroness + Neila Bilbao (19/07/2012)

Sin prestar mucha atención al “color” de cada canción, un repertorio, sonido y actitud intachables, al margen de las ausencias Blink-182 Madrid (20/07/2012)

De “Neighborhoods”, su último disco publicado en 2011, también tocaron algo, pero seamos sinceros, a quién le importaba eso...

Ministry Barakaldo (25/07/2012)

Retahíla de pelotazos de alta intensidad y velocidad encadenados, rozando momentos lineales. El legado de la banda se merece algo más.

LCMDF Sevilla (26/07/2012)

Las hermanas finlandesas no tardaron en convertir su concierto en toda una fiesta nu-rave y neo-Madchester.

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BEACH BOYS 21/07/2012, Hoyos del Espino (Ávila) SETLIST DE BEACH BOYS Do It Again Little Honda Catch a Wave Hawaii Don’t Back Down Surfin’ Safari Surfer Girl You’re So Good to Me Getcha Back Then I Kissed Her Please Let Me Wonder Come Go with Me Why Do Fools Fall in Love When I Grow Up (to Be a Man) Darlin’ Cotton Fields Be True to Your School Ballad of Ole’ Betsy Don’t Worry Baby Little Deuce Coupe 409 Shut Down I Get Around In My Room All This Is That Good Timin’ Sail on, Sailor That’s Why God Made the Radio Heroes and Villains California Dreamin’ God Only Knows Sloop John B Wouldn’t It Be Nice Good Vibrations California Girls Dance, Dance, Dance All Summer Long Help Me, Rhonda Rock and Roll Music Barbara Ann Surfin’ USA BISES: Kokomo Do You Wanna Dance?

Fun, Fun, Fun

Muchas veces toca hacer la crónica de un concierto atendiendo más al componente histórico y emotivo que al puramente musical, y el caso de la gira de 50 Aniversario de Beach Boys con su formación original es uno de los más claros que hemos tenido la suerte de vivir. Las dudas de cómo se iban a desenvolver en esta gira fueron efímeras, entre otras cosas gracias a que Brian Wilson estaba ahí, leyenda viva en horas bajas. Pero leyenda al fin y al cabo.

La afluencia de público no había sido gran cosa hasta ese momento, pero para cuando tocaba que apareciera la banda principal el respetable ya abarrotaba las primeras filas con una diversificación inmensa: gente con ganas de bailar, gente de brazos cruzados, gente que conocía apenas dos canciones y unos cuantos jóvenes que veían su sueño cumplido. Salieron a escena primero los músicos de acompañamiento, los músicos de Brian Wilson (con especial mención a Jeffrey Fosket a la guitarra y Darian Sahanaja en los teclados) y los del resto de Beach Boys en las últimas giras. Fueron los que sostuvieron todo el concierto, con un sonido perfecto y una precisión que permitió incluso algún que otro lucimiento personal (como el de su percusionista o el de su saxofonista).

“Do It Again” sirvió pues de introducción a los miembros, que fueron presentados uno a uno por el propio Jeffrey. Evidentemente los últimos en ser anunciados fueron los carismáticos Mike Love y Brian Wilson, que con esta gira parecen haber enterrado todas las hachas que en el pasado fueron surgiendo. De hecho, el último está para poca pelea, ya que fue ayudado para sentarse a su piano, impasible delante de las teclas, regalando apenas algunas sonrisas y hasta protagonizando el momento tierno de la noche cuando pidió una chaquetita ante el frescor abulense. De manera perfecta empalmaron la canción inicial con otras dos de esas canciones que ponen contento hasta al más triste: “Little Honda” y “Catch A Wave”. Con el público cerca del bolsillo decidieron dar un último empujoncito regalando dos de sus canciones más conocidas para el comienzo, con la bella “Surfer Girl” y sobre todo la celebrada “Surfin’ Safari”, y una sensacional “Don’t Back Down” que demostró que las voces seguían empastando a pesar de la edad.

Entonces comenzó el momento valle-intimista, que quizás fue el único pero (en el orden y no en el contenido) que poner a un repertorio muy bien seleccionado.

Las armonías vocales de “Come Go With Me” consiguieron el mayor de los éxitos para los que conocían más del repertorio, pero el ambiente frío se instaló justo cuando canciones más pop como “All This Is That”, “In My Room”, “When I Grow Up To Be A Man” o la reciente “That’s Why God Made The Radio” se entremezclaban. Temas como “Little Deuce Coupe”, “Don’t Worry Baby” y una trepidante “I Get Around” consiguieron mantener la mecha bien encendida para un tramo final que verdaderamente fue digno de enmarcar.

A partir de aquí el orden se difumina, pero permanecerán imborrables momentos como “Heroes and Villains” en un ejercicio vocal prácticamente perfecto, una sorprendente “California Dreamin’” (si no me equivoco fue estreno en esta gira) y sobre todo el recuerdo a su obra maestra “Pet Sounds”. Hasta ese momento Brian Wilson había permanecido en un segundo plano, debido a sus

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limitaciones actuales (vocales y físicas), pero su voz era la encargada de revivir la de su hermano y la del resto de piezas de esa gran obra. Evidentemente no sería el que mejor lo iba a hacer, pero la carga emotiva de ver la cabeza pensante del grupo simboliza todo lo que han sido Beach Boys. Primero sonó “God Only Knows” entre lagrimas de emoción en las primeras filas, para luego unir “Sloop John B” y una “Wouldn’t It Be Nice” que nos guardaremos para siempre, entre otras cosas por un ejercicio armónico que nos trajo los mejores memorias de tiempos pasados en la banda. Del tramo “Pet Sounds” sólo lamentamos que “I Just Wasn’t Made for These Times” se quedase por el camino, aunque ha sido habitual en todos los repertorios.

El cierre del extenso concierto (no descansaron en mitad, como hicieron en EEUU) ya contó con todo lo que el 99% quería presenciar. Y hay que reconocer que entre el buen hacer de la banda y el trabajo vocal de los ya ancianos miembros de la banda, tuvimos unas buenas dosis de “All Sumer Long”, “Help Me Rhonda”, “Rock And Roll Music” y, sobre todo, una “Good Vibrations” que sigue sonando tan avanzada a su tiempo como cuando Brian la ideó en su cabeza. “Barbara Ann” y “Surfin’ USA” fueron el delirio final del set, ante una audiencia que difícilmente podía dejar de bailar, aunque en seguida volvieron a aparecer para atacar “Kokomo” (algo fuera de sitio entre tanto hit acelerado), “Do You Wanna Dance?” y un fin de fiesta soberbio con “Fun, Fun, Fun”.

Seguramente habremos visto este año conciertos mejor ejecutados, pero ninguno con una carga de historia, cariño y emotividad como este. Un verdadero gusto de aniversario que inevitablemente nos sabe también a despedida, sobre todo a tenor del complicado estado por el que atraviesa el bueno de Brian Wilson. Esperamos equivocarnos.

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TAKIO FEST 2012 27 y 28/07/2012, Torrelavega

El primer día destacamos a Betunizer con un directo palpitante, pero sobre todo a Adrift, presentando su recién editado “Black Heart Bleeds Black” en donde todo es más oscuro y cabezón. Echamos de menos temas viejos, pero fueron clave en el proceso de animación del público, de modo que cuando salieron Year of No Light se vio gente flotar sobre las cabezas del público al pausado ritmo del colectivo francés, cada vez más enfocado al shoegaze y el drone. Cerraron End of A year, post-hardcore con gente desde Lungfish a Jane’s Addiction en el punto de mira. La personalidad de su tatuado frontman fue vital según interpretaban unos temas más directos, otros más post-rockeros, pero siempre con un aura de libertad y espiritualidad. No venían a dar al público lo que buscaba, un agradecido reto en un festival de punk-rock.

El segundo día Willis Drummond ratificaron su infalibilidad tirando de repertorio punk-rock, Hürricade montaron un desmadre screamo y Jardín de la Croix hipnotizaron con su rock progresivo. Pero la locura llegó con Raein, pogos descontrolados y mucho stage-diving ante el screamo de los perplejos italianos. Sin duda su himno “Tigersuit” fue el momento más emocionante de todo el festival. El clima con Kylesa fue más estático, imperando el headbanging o el trance interior, lo que no evitó el alboroto con “Scapegoat”. El fin de fiesta venía con unos entrañables Adolescents, que pecaron de anteponer volumen a nitidez, pero no deja de resultar inspirador verles interpretando un repertorio tan emblemático para cerrar con buen rollo este festival familiar, underground y con criterio al que solo el sonido en algunos grupos ensombreció.

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AGOSTO

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LISABÖ 15/08/2012, Sevilla

Hacía más de cuatro años que Lisabö no bajaban a Sevilla, y dadas las buenas críticas recibidas por sus últimos directos, todo este tiempo resultaba ya demasiado. Dos voces. Dos bajos. Dos guitarras. Dos baterías. Todo en Lisabö funciona como una contundente base rítmica cuyo fin parece ser el ayudar a soltar toda la rabia y frustración. Así, a Karlos no tardó en soltársele la correa de la guitarra por los bandazos que le daba, cosa que solucionó el técnico que subió a cada poco para estos menesteres. Mientras, el resto se movía a su bola, inmiscuidos en la evocación del ruido.

El repertorio estuvo compuesto por piezas de “Ezlekuak” y “Animalia Lotsatuen Putzua”, enlazadas como un bloque, con pocos momentos de pausa salvo para dar las gracias y dedicarle el concierto al recién fallecido Jason Noble. Cuando paraban (solía seguir sonando algún bajo o batería), sorprendían a todos volviendo a la distorsión y la violencia todos a la vez. Una máquina de seis engranajes perfectamente dispuestos.

El sexteto mantuvo la intensidad durante todo el concierto, en el que que vimos a Javi gritar como un poseso sin micro, caídas de guitarras, desconexiones de cables, etc; pero lo del último tercio ya fue infernal. Tras los bises, la cosa se convirtió en una auténtica tormenta, con los baterías totalmente compenetrados en su marcialidad; las guitarras aullando, desafinadas, golpeadas por unos músicos que parecían en trance. Se despidieron entre ovaciones, era lo menos. Gora Lisabö.

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Nudozurdo Sevilla (02/08/2012)

Tras su forzado parón, Leo y los suyos volvían como trío en un nuevo concierto plagado de oscuridad, misterio e intensidad.

Sr. Chinarro Sevilla (09/08/2012)

Final de ciclo para Antonio Luque y su banda de los últimos años, interpretando bajo un calor sofocante lo mejor de sus últimos discos.

Sonorama Aranda de Duero (11/08/2012)

Uno de los que cambió la manera de pensar de los programadores que no podían permitirse grandes nombres parece que va dejando de crecer.

Doctor Explosion Sevilla (30/08/2012)

La fiesta más gorda que se lió en Nocturama 2012. Y es que los de Xixón son todos unos especialistas en esto de mezclar diversión y rock.

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SEPTIEMBRE

DCODE FEST

14 y 15/09/2012, Madrid

El cambio de fechas de Dcode supuso un giro estratégico que augura continuidad, pudiendo cazar cabezas de cartel de festivales extranjeros de gran talla. Así los tres cabezas de cartel consiguieron reunir un público casual que pudo disfrutar de nuevas propuestas de calidad como las de Django Django o Kimbra, entre nombres europeos asentados como dEUS o Kings of Convenience. En el apartado nacional convivieron propuestas típicas con algunos de nuestros favoritos (Lüger, Cápsula, Triángulo de Amor Bizarro...).

VIERNES 14

SIGUR RÓS

Aunque evidentemente el concierto de Sigur Rós era el más esperado de cuantos acontecían en la jornada inaugural de DCode 2012, su propuesta de post-rock ambiental y calmado suponía muchas dudas con respecto a lo que supone actuar en un festival. A Jònsi y al resto de su banda, que presentaban “Valtari”, le dio igual todo esto y nos regalaron un concierto sorprendente incluso para los que íbamos sobre aviso. Es cierto que el minutaje fue muy corto para sus seguidores acérrimos y que verles en un teatro era lo apropiado, pero las dimensiones gigantescas del recinto y la generosidad del volumen provocaron que no hubiera molestias excesivas entre el que quería disfrutarlo al máximo y el que estaba de paso.

Del repertorio hay que remarcar sin duda el inicio de concierto, tenue y oscuro con “Í Gær” pero en seguida luminoso y bello con “Ný Batterí” de un “Ágætis byrjun” que siempre apareció en el setlist era para sacar el concierto de los momentos más lineales. También destacaron en ese aspecto temas como “Hopipolla” o “Sæglópur”, que oxigenaron un repertorio que por momentos pudo caer en el aburrimiento esperable a esas horas de la noche. Salieron triunfalmente del festival, y que conste que yo no habría apostado por ello.

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SÁBADO 15 JUSTICE

Fin de fiesta con unos Justice mucho más lineales que los que nos habíamos encontrado en tiempos de su debut discográfico. Del lado de los franceses pudimos disfrutar de un show a priori deslumbrante, con una pila de amplis Marshall de cartón piedra y la tradicional cruz, que terminó aburriendo por el escaso aporte visual. En lo musical sonaron mucho de los dos discos, pero se abusó demasiado de mezclar sus hits (“D.A.N.C.E.” y “We Are Your Friends” sobre todo) con el resultado de un quiero y no puedo festivo que dicen sí consiguieron en Primavera Sound. Con todo y con eso fue fácil aguantar todo el concierto despierto y bailando, que para algo son capaces de crear verdaderos himnos electrónicos.

THE KILLERS

Nos acercamos al momento en que la explanada se iba a llenar para el macroconcierto. La banda de Brandon Flowers llegaba, tras cerca de tres años de ausencia en sueño español, así que los ánimos andaban muy caldeados. The Killers empezaron fuerte, con algunos de sus mejores temas sonando desde el inicio con solvencia técnica de los cuatro miembros oficiales y el resto de su acompañamiento. Enseguida estuvieron ahí “Somebody Told Me”, “Spaceman” y “Smile Like You Mean It” y la verdad que para los más escépticos entre los que me incluyo, el evento adquiría inesperadas dotes de calidad que poco a poco fueron tornando en un aburrimiento dado sobre todo por una discografía insuficiente.

La ejecución continuó perfecta a lo largo de la hora y veinte de concierto, impactante sobre todo en el lado de la voz de Brandon que estuvo impecable. “Human” fue coreada como si estuviéramos ante los U2 más en forma, así como “Mr. Brightside” hacia el final del set. La cosa había levantado un poco, pero los bises lineales centrados en el “When You Were Young” convencieron a los fieles, que no al resto. Dicen que Letizia Ortiz estuvo por allí, no sabemos en qué grupo de los dos incluirla.

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WOP FESTIVAL 28 y 29/09/2012, Bilbao

La segunda edición del benéfico WOP Festival daba un salto de gigante y se erigía en un cuidado y cómodo festival de dos días con reclamos de aquí y de fuera, rivalizando con festivales del entorno como el Azkena Rock o el Turborrock al que, en registro musical, recordaba mucho. Esperamos haya venido para quedarse, ya que salvo los problemas de sonido que sufrieron The Hives, cartel y sobre todo trato de la organización fueron algo pocas veces visto en un evento de estas características.

VIERNES 28 LOS ENEMIGOS El primer día era el de los nacionales y a la postre lo fue aún más, sobre todo protagonizado por el regreso de los queridísimos Los Enemigos, que aún no había pasado por la ciudad.

Los Enemigos tienen poco circo y “les sobra carnaval”, sólo vinieron a demostrar en Bilbao lo muy en forma que están, algo que puedo atestiguar desde la perspectiva de casi profano de su discografía.

Comenzó la cosa con “John Wayne” y la ristra de temazos no paró: “Brindemos”, “Señora”, “An-tonio”, “Me Sobra Carnaval”... todo ello entregado por un cuarteto sólido como una roca y un sonido acorde.

Algunos fans adoraban a ese Josele enfundado en su gorra como un ídolo y desde luego que si una camiseta dominó la noche fue la de Los Enemigos, que devolvieron los elogios al público afirmando que era “lo mejor que tenían”.

Hay que reconocer que por ese rock urbano que bebe tanto de lo clásico y del blues como de lo alternativo no ha pasado el tiempo y aunque la gente responda más con ciertos temas como “Desde el Jergón” o “La Cuenta Atrás” con esa catarsis instrumental incluida, lo suyo es una propuesta que no flojea de principio a fin. Hicieron los muy pedidos bises y finalizaron con “Septiembre” dejándonos la sensación de que iba a ser el concierto más recordado de la noche.

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SÁBADO 29 THE DREAM SYNDICATE

Banda de culto que su reunión nos ha brindado la oportunidad de descubrir en todo su esplendor. Si “The Days of Wine and Roses”, disco que venían celebrando, es todo un tratado de rock alternativo americano, una especie de eslabón perdido entre la Velvet Underground y lo que llegó en los 90, en directo aplastaron nuestras expectativas.

El cuarteto, ahora con Jason Victor, habitual colaborador de Steve Wynn a la guitarra, no ha vuelto para andarse con tonterías y al final, los más creciditos, o al menos los que antes comenzaron en esto, fueron los que rockearon de forma más contundente y sonora. Auténtico derroche de electricidad al servicio de canciones de sabor americano de los 80 más underground. Según el propio Steve Wynn, la última vez que nos visitaron fue en 1988, pero para nosotros, los tipos que había sobre el escenario bien podrían tener 25 años y no 50. Y es que la forma de torturar las guitarras, de encararse entre ellos creando batallas de ruido, siempre encauzado, rezumaba juventud rock n roll, algo realmente inspirador.

Comenzaron como el disco con “Tell Me When It’s Over” y tiraron mucho del disco pero se salieron para pasar por “Boston” o una impresionante “Medicine Show”. Según el concierto avanzaba Wynn fue desplegando más y más carisma y un dominio de las multitudes muy sutil, haciendo parones, énfasis e improvisaciones mientras el explosivo cóctel de rock eléctrico y directo pero con muchas raíces seguía fluyendo con psicodelia hacia las gargantas del público. “Halloween”, la propia “The Days of Wine and Roses” y “John Coltrane Stereo Blues” interpretaron una recta final de excepción con mucho hueco para las jams ruidosas que nos dejó el regusto de mejor concierto del festival y uno de los que más recordaremos de este año, seguro.

SOUL ASYLUM

Lo de los de Minneapolis era una incógnita del tamaño de una catedral. La banda tuvo su pico de popularidad en los 90 y apenas un disco llegó a tener repercusión por estos lares. Desde entonces casi habíamos tenido más noticias de ellos por fallecimiento de algún miembro de la banda que por sus éxitos musicales. De modo que el miedo y las ganas se juntaban en la incertidumbre. Eso en nuestro caso, ya que entre la audiencia se ve que a bastante gente el nombre le decía más bien poco y decidió marcharse.

La primera sorpresa llegaría con la banda. En formato cuarteto, reconocimos rápidamente a su cantante y frontman David Pirner, por el cual los años no han pasado apenas, con su melena lacia y con sus vaqueros más harapientos para la ocasión, un auténtico comeback estético a los tiempos del “grunge”. No estamos seguros de si el guitarrista formaba parte de la banda en su día, pero el color de piel de bajo (lamentablemente no era Tommy Stinson, que forma parte de la banda cuando no anda con Guns N Roses) y batería les delataba como nuevas incorporaciones. Investigando un poco descubrimos que el voluminoso batería estuvo en la banda de Prince.

Pero el repertorio era lo interesante. Así arrancaron con temas nuevos y la formación se mostró solvente aunque incapaz de conectar con la audiencia en general. Cuando sonaron unas muy efectivas “Misery”, “Black Gold” o sobre todo “Without a Trace” y observamos que la reacción del público no variaba demasiado la cosa estaba clara, pocos fans había entre el público. Nos preguntamos qué tipo de sala llenarían Soul Asylum en Bilbao por sí solos y seguramente no llegaría a un cuarto de capacidad de La Casilla, siendo generosos.

Todo esto no importaba a un sonriente Pirner, que parecía contento de estar ahí y tocar ante tanta gente. Puede que no fuera una banda de lo más estable en el tiempo, pero se lo pasaban bien tocando y eso se transmite. Y puede que no fuera un concierto de los que hacen época pero fue entrañable y aunque sobraron algunas baladas (más que nada para cerrar un festival a esas horas), nos dimos cuenta que la banda tiene temas nuevos muy salvables como “Gravity” o “The Streets” y vibramos al ritmo de la canción que todos querían oir, “Runaway Train”, la trepidante “Somebody to Shove”, la versión de “Your Generation” de Generation X o el positivista cierre, muy acorde a la razón del festival, “Stand Up and Be Strong”.

Lo que nos dejó descolocados fue el bis relámpago (versión de Suicide Commandos) que hicieron para irse corriendo cual niños traviesos. Así, terminó de forma un poco atípica un festival también atípico en el buen sentido y que, si se repite con similares ingredientes, recomendaremos encarecidamente.

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YOUFEST 28 y 29/09/2012, Madrid

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FOTOS: Isabel Álvarez

PRIMAL SCREAM

Empezaba en el escenario grande el concierto de Primal Scream. El momento de cierre del Matadero apremiaba y los de Bobby Gillespie no estaban dispuestos a recortar su set, así que se vieron algunas carreras para no perderse los primeros compases de “2012”. Parecía que Bobby estaba algo mosqueado, puede que por la poca cantidad de gente que tenía delante o por lo bizarro del cartel, y durante todo este tema inicial vimos unos Primal Scream algo apáticos y pasotas. Afortunadamente la comunión con el público se consiguió en seguida con “Movin’ On Up” (ya han dejado de lado eso de exprimir “Screamadelica”, pero siguen siendo los momentos más celebrados) y con una arrasadora versión de “Swastika Eyes”. La lluvia comenzó a dar igual a todos, y casi se pasaba por alto las actuaciones poco serias que habían precedido a las de estos míticos de la escena británica.

Como decíamos seguía habiendo mucho peso de “Screamadelica” como era de esperar (“Loaded”, “Come Together”, ...) pero los momentos de “XTRMNTR” aportaron mucha más fiereza como demostró sobre todo una rockera “Shoot Speed/Kill Light”, que sólo fue mejorada con el cierre sudoroso de “Rocks”. Concierto largo que nos terminó trayendo al mejor Gillespie y a Debbie de My Bloody Valentine perfectamente cómoda al mando del hueco como bajista que ha dejado Mani con su regreso a Stone Roses.

BATTLES

Puntuales aparecieron Battles y se llevaron quizás el galardón a la mejor actuación de todo el festival, gracias a que tuvieron el tiempo de una actuación normal del combo (una hora y cuarto). El concierto nos lo sabíamos de su reciente paso por Madrid, Barcelona y Bilbao pero aún así salieron airosos con el concierto final de despedida (lo dijo el propio Ian Williams) del espectáculo que los ha ido acompañando con “Gloss Drop”.

Comenzaron de la mejor manera posible con “Africastle”, en seguida aparecieron los momentos tropicales de “Dominican Fade”, la visita virtual de Kazu Makino de Blonde Redhead para repetir una divertidísima “Sweetie and Shag” y la buena unión de material de “Mirrored” en “Atlas” y “Tonto” con la voz sampleada entremezclada con “Wall Street”. Los otros dos grandes momentos vinieron con los invitados especiales en las pantallas: el hit que es “Ice Cream” cantado con Matías Aguayo (en versión freestyle por parte de Ian Williams) y una impactante “My Machines” con Gary Numan detrás. Aún así está claro que por encima de canciones y demás, el show que el trío ha conseguido hacer para sobreponerse a la marcha de Tyondai Braxton ha sido un sorprendente acierto que ni los mayores seguidores podrían haber pensado. Eso y que el metrónomo llamado John Stanier es ya de por si un espectáculo en si mismo.

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A medio camino entre la broma y el festival mayúsculo llegó Youfest a Madrid, un festival que parece que será itinerante pero que eligió la capital de España para su puesta de largo. Pero en octubre no suele ser buena idea celebrar un festival al aire libre. Si, en octubre en Madrid llueve. Así que si bien lo bizarro del cartel no iba a provocar un aluvión en la venta de entradas, al menos podrían haber disfrutado de las buenas actuaciones de Primal Scream, Underworld y Battles muchos más intrépidos, aunque tampoco vamos a negar que lo de haber visto a Delfín cantar “Torres Gemelas” ante un diluvio es algo que podremos contar a nuestros hijos.

SÁBADO 29

UNDERWORLD

Lo de Underworld comenzaba casi a la hora que tenía que haber terminado, lo que nos hacía pensar en que el esperado show iba a durar realmente poco. Por suerte al final se cumplió la duración de una hora, insuficiente para el legado de este par de dj’s, pero suficiente para lo sonrojante de las actuaciones previas de Astley y compañía. Las ganas se palpaban en las primeras filas y “Rez/Cowgirl” habían colmado ya las expectativas de los fiesteros. La cosa no fue más que calentándose para todos, pero sobre todo para un Rick Smith que estuvo pletórico a los platos, teclados, guitarra y como un frontman sensacional. “Pearl’s Girl” siguió con el repaso de lo más granado de su repertorio, que cuando se relacionaba con álbumes como “Second Toughest in the Infants” o con la única visita a “Beaucoup Fish” que sucedió con “King of Snake”.

Las piezas más recientes sonaron vigorosas y no aburrieron para nada, como por ejemplo sucedió con “Scribble”, aunque quizás un set más largo del dúo (o trío en vivo) si que podría llegar a cansar sin un espectáculo asociado que permita vivirlo más. Está claro que ver a Rick era suficiente, pero suponemos que pasando de la hora de concierto y con un repertorio con temas muy recientes la cosa puede cansar. A nosotros no nos dio tiempo a cansarnos y para cuando había terminado el concierto con la inevitable “Born Slippy NUXX” (si, la de Trainspotting) el recinto se había convertido en una rave noventera por todo lo alto. Están en muy buena forma a pesar de los años.

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Bouncing Souls + Dave Hause Bilbao (06/09/2012)

El cantautor punk fue una gran apertura para la retahíla de himnos del emo al hardcore y el rock de una banda que derrochó carácter entrañable.

Ted Leo + Rebecca Gates Madrid (13/09/2012)

Es uno de esos frontmen que necesita sólo honestidad y canciones que enganchan para convencernos. Rebecca igual.

Unicornibot Erandio (18/09/2012)

Diversión y ritmo a raudales con una banda que lo pasa bien y hace pasar bien, eso no puede fallar y no lo hace.

The Breakdowns Bilbao (19/09/2012)

Como peces fuera del agua, ofrecieron en acústico su power-pop de herencia neoyorkina al que le faltó un poco de carisma.

Betunizer Madrid (21/09/2012)

Da igual lo mucho que nos haya gustado su trabajo en estudio, porque su directo es algo digno de ser vivido en plena cara.

The Cynics Bilbao (22/09/2012)

Nueva lección de rock en la acepción más honesta del término sólo apoyada en la actitud directa de Kastelic y las melodías de Kostelich.

Eh! Madrid (26/09/2012)

El directo de Eh! fue una vez más abrumador, aunque algo embarullado debido a un sonido excesivamente alto y saturado.

Sharon Van Etten Madrid (27/09/2012)

Nos enamoró desde que saltó al escenario disculpándose por el retraso. Bastó su sencillez, su honestidad, su sonrisa y los temas de “Tramps”.

Bob Wayne + Nashville Pussy Bilbao (30/09/2012)

La fiesta outlaw de Bob Wayne eclipsó la saturación rockera de Nashville Pussy en una velada sureña en que menos fue más.

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En Vivo Festival 2012 Rivasvaciamadrid (27/09/2012)

Se ha convertido en el gran festival, con permiso del inmortal Viña Rock, de todos los amantes del punk, metal, rap, y mestizaje nacional.

En Vivo Festival 2012 Rivasvaciamadrid (28/09/2012)

Bad Religion consiguieron convertir el Escenario principal en una fiesta donde el barro se convirtió en protagonista de lujo En Vivo Festival 2012 Rivasvaciamadrid (29/09/2012)

Los nacionales Extremoduro no se alejaron demasiado de las grandes bandas internacionales que llenan pabellones por todo nuestro país.

OCTUBRE REFUSED 05/10/2012, Madrid

Se cumplían catorce años de aquel mítico último concierto de Refused en Harrisonburg, Virginia. Durante años se han debido estar tirando de los pelos por no haber aprovechado el tirón que “The Shape of Punk To Come” les podía haber ofrecido, pero ellos, gente muy de principios, aguantaron y aguantaron... hasta que un día decidieron que necesitaban quitarse la espina de presentar su último trabajo como este merecía. Sí, claro.

En el apartado musical que es el que nos importa, Refused volvieron a demostrar por qué la leyenda que crearon aquel Octubre del 98, tiene sentido a día de hoy. Auténticos renovadores del hardcore en los 90´, con un repertorio basado casi por completo en “The Shape of Punk to Come”, la banda arrasó gracias un público entregado desde el mismo instante en que cayó de forma literal el telón, y arrancaron con un Dennis Lyxzén cautivador. Mitad glam, mitad machocore, sin duda es un frontman de los que ya no quedan.

Sonaron, como no, “Rather Be Dead”, toda la frescura que aun mantiene catorce años después “Liberation Frequency”, el subidón coreable de “Summerholidays vs. Punkroutine”, o los no por previsibles menos espectaculares bises con “New Noise” y “Tannhäuser / Derivè”. Un concierto seguramente inolvidable para muchos, y en cualquier caso necesario para sentir bien de cerca el directo de una banda vital en el devenir del hardcore y el punk del s.XXI. Es posible que sea mucho pedir, pero ¿qué podrían ofrecer si se encerrasen de nuevo en un estudio?

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JELLO BIAFRA & THE GUANTANAMO SCHOOL OF MEDICINE + Hard-Ons

10/10/2012, Madrid Arrasó la banda mítica de rock Hard-Ons en una labor de teloneros a la que suponemos ya no están demasiado acostumbrados. Veteranos del rock más orientado al punk, ofrecieron una actuación cargada de energía, buen rollo y sudor que contentó a unos cuantos seguidores apostados en primera fila y al resto del público que había venido por el cabeza de cartel de la jornada. Tanto se puede decir que arrasaron con su concierto que la luz de la sala saltó en mitad del concierto interrumpiendo el repertorio de golpe. Retomaron el concierto incluso con más ganas, con un puñetazo de rock duro en toda la cara.

Jello Biafra tenía pues una tarea dura tras este conciertazo pero cabía esperar que este californiano iba a volver a regalarnos un show cargado de fuerza, temas redondos, sinceridad y ese magnetismo que derrochaba ya desde que revolucionó el punk en su periodo de Dead Kennedys. De ellos sonaron “California Über Alles”, “Nazi Punks Fuck Off”, “Chemical Warfare”, “Kill the Poor” y “Holiday in Cambodia”, temas que naturalmente supusieron los grandes puntos álgidos del concierto, con un pogo muy movido en la parte delantera y con muchos puños en alto. Un verdadero regalo para los sentidos la interpretación de la banda, pero mucho más la de un Biafra que con su habitual ironía gestualizaba, se lanzaba al público en tres ocasiones y nos arengaba con un libro escrito a conciencia en castellano.

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The Tallest Man on Earth Madrid (04/10/2012)

Un hombre y su guitarra consiguió entretener, sorprender y hacernos olvidar que era solamente eso: un hombre con una guitarra.

The Bellrays Bilbao (05/10/2012)

Nueva lección magistral de rock n roll, pulverizando con hora y media sudorosa y monolítica, sin apenas tregua.

Syberia Madrid (11/10/2012)

Con la única pega de cierta previsibilidad dentro del estilo, Syberia desplegaron con acierto post-rock con toques de psicodelia espacial.

Japandroids Madrid (12/10/2012)

Intensísimo concierto de los canadienses a pesar de los fallos técnicos, en el que sonó todo “Celebration Rock” y otras grandes canciones.

Wilco Bilbao (14/10/2012)

Llenaron el recinto con la clase y contundencia de unos clásicos, pero no estaba así el desangelado auditorio. No levantan TANTAS pasiones.

Fanfarlo Madrid (17/10/2012)

Por fin tuvieron un recinto acorde a sus posibilidades y una velada tan íntima y recogida como para sacar el mayor provecho de sus virtudes.

Caspian Erandio (19/10/2012)

Frustrado por la contaminación acústica de la sala de al lado, el concierto de los de Beverly no fue el mejor que les hemos visto.

Russian Red Madrid (20/10/2012)

Dejando de lado la valentía y el cuidado de melodías y armonías desde la simpleza, nos queda muy poco que aplaudir.

Adrift Madrid (20/10/2012)

Lo suyo sigue siendo difícil de explicar con palabras, y menos ahora que ya se han nutrido con un repertorio mucho más variado y técnico.

Tindersticks Sevilla (23/10/2012)

Solemne concierto de los de Nottingham, de ejecución perfecta y plagado de detalles en un escenario ideal como es el Central.

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Obits Madrid (26/10/2012)

Una nueva demostración de que la sencillez bien elaborada da como resultado un magnífico concierto de rock & roll.

Nada Surf Sevilla (26/10/2012)

Los neoyorquinos reunieron a fieles veteranos y de nuevo cuño en toda una celebración de power-pop noventero.

Godspeed You! Black Emperor Madrid (30/10/2012)

Presenciamos algo cercano a la magia. Algo vivo y único, aunque no durante todo el minutaje de un concierto soporífero por momentos.

All la Glory Sevilla (31/10/2012)

Los sevillanos presentaban su debut con un correcto concierto de power-pop y rock de raíces y varios invitados.

The Samhain Fest Erandio (31/10/2012)

Fiesta” de la psicodelia, el drone y la oscuridad, a destacar Erroma, Cuzo y el ambiente opresivo/depresivo de Barn Owl.

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THE GASLIGHT ANTHEM 09/11/2012, Madrid

Ya está. Lo han conseguido. The Gaslight Anthem por fin están en suelo ibérico justo dónde se merecen tras un largo periplo de giras y trabajos de estudio. Lejos queda su primer concierto en España en el festival Bilbao Live Festival ante unas horas intempestivas y todo hace ver que de ahora en adelante la banda no va a parar de crecer.

Brian Fallon sigue siendo ese modesto líder que no es nada sin el resto de su equipo, así que la batería de Benny marcaba el comienzo de “Mae” como uno de los mejores inicios posibles de lo que trae consigo el reciente “Handwritten”. Después vinieron “The Spirit of Jazz” recogiendo el legado de “American Slang” y una celebradísima y genial “Ol’ White Lincoln”. La antesala perfecta para dos de los temas más celebrados de la noche, “The ‘59 Sound” y “45’”. Fue aquí cuando definitivamente nos dimos cuenta de lo que estaba pasando con ellos, por fin veíamos las caras de felicidad y de desenfreno entre su público. En las primeras filas chavales veinteañeros coreaban todos esos temas mientras más hacía atrás otros maduritos asentían con la cabeza viendo en ellos ese recambio generacional tan anunciado para Springsteen, Tom Petty, Joe Strummer o Mike Ness. El concierto siguió adelante con idéntico nivel de adrenalina y de enganche, bien fuera con sus temas más celebrados del reciente nuevo disco con la propia “Handwritten” y “Here Comes My Man” como mejores ejemplos o, sobre todo, con un repaso casi total a su obra maestra “The 59 Sound”.

Aquí hablamos de una banda joven que sin duda vemos arrebatando el cetro del “Mejor directo de rock” a artistas como Pearl Jam o Bruce Springsteen.

BLIND MELON 11/11/2012, Madrid

Es complicado adivinar en qué lugar estarían ahora mismo Blind Melon si su malogrado líder Shannon Hoon no hubiera abusado de las drogas a mediados de los noventa. Quizás ahora estaríamos hablando de un supuesto tercer disco que los habría mantenido en lo alto del éxito o quizás el condicional nos habría puesto una ristra de discos posteriores lejos de la calidad de los dos discos de estudio que consiguieron editar.

El caso es que después de veinte años de la publicación de ese primer disco que los puso en boca de todo el mundillo alternativo, sobre todo allá en EEUU, vuelven a España con su nuevo cantante y con muchas ganas de celebrar cumpleaños. Porque si algo hay que aplaudir de esta gira de aniversario es eso, que todo esto debía ser y fue una verdadera conmemoración a las canciones de la banda y a ese pequeño gran genio que era Hoon. Mostraron siempre el máximo respeto al que no está, siempre desde la cercanía con su público y siempre con más ganas que cualquier otra banda de jovencitos.

Es injusto comparar esta gira con aquel concierto mágico que dieron en Azkena Rock Festival 2008, cuando nadie daba un duro por la reunión por sorpresa de la banda ni por un desconocido Warren que se destapó como el recambio idóneo para un Hoon (salvando las distancias, claro), pero el de Madrid fue un concierto muy a la altura de aquello. ¿Será esta la última vez que podremos disfrutar de ellos en vivo? Pues según han comentado regresan este verano, lo que no sabemos es si va a ser como homenaje a la historia de la banda o a seguir adelante con nuevo material.

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THERAPY? 13/11/2012, Bilbao

SETLIST Living In The Shadow Of The Terrible Thing Ghost Trio Why Turbulence?

Teethgrinder Die Laughing Bad Mother The Buzzing Unbeliever Misery Exiles Get Your Dead Hand Off My Shoulder Before You, With You, After You Isolation (Joy Division) Turn Stop It You’re Killing Me Stories Diane (Hüsker Dü) BISES Nausea Knives Screamager Where Eagles Dare (Misfits) Nowhere Potato Junkie

Nos contaron que los grupos de los primeros 90 eran emblema del fenómeno loser, los inadaptados del instituto que formaban bandas de rock. Resultó que una gran mayoría de estos grupos triunfaron de forma estratosférica aún a pesar de trágicos finales, etc. Con la perspectiva del tiempo, que un grupo tan desubicado del centro de gravedad “alternativo” como los norirlandeses Therapy? siga en activo, parece un verdadero símbolo de llevar ese carisma de eternos perdedores con dignidad. Y el hecho de que en el concierto del trío en Bilbao no se llegara ni al medio aforo de una sala que a priori parecía ya pequeña para una banda de su trayectoria, no hace sino confirmar todo esto.

Más de 20 años después y con 13 discos a sus espaldas, siguen ahí sobre el escenario y tanto Andy Cairns como Michael McKeegan ponen la mejor de sus actitudes y sonrisas al asunto, no sabemos si por impoluta profesionalidad o sencillo y buen carácter, pese a esas canciones de temáticas tan oscuras y a menudo hasta psicópatas. Componían la formación de directo junto al más reciente (aunque suma ya 10 años con la banda) batería Neil Cooper y un salvavidas que lo mismo hacía segundas guitarras que coros o efectos. Al que por cierto, se ninguneó en las presentaciones y se nos antoja pieza fundamental para que la cosa suene como tiene que sonar. Gesto un poco feo, pero en fin.

Con esta alineación salieron a escena de traje y camisa. Algo fría y muy lastrada en las voces, “Living In The Shadow Of The Terrible Thing” fue el tema prescindible pero necesario para ir engrasando. Todo lo contrario fue “Ghost Trio” que sonó como un tiro gracias a su obsesión instrumental que nos llevaría por primera vez a poner toda la atención en la maestría de Cooper. El trío no escatimaría en temas nuevos, seis nada menos. Algunos sorprendieron en el directo, otros no tanto. Su carácter excesivamente experimental y escasamente melódico a veces es un escollo en un repertorio tan lleno de hits y en el que quedarían tantos fuera (Meat Abstract, Trigger Inside, If It Kills Me y un largo etcétera), aunque sonaron bien y con ímpetu. Por contra, tan sólo sonó “Exiles” de su brillante disco anterior “Crooked Timber”, una pena.

Pero lo cierto es que no hubo en el momento mucho tiempo de lamentarse por ausencias de setlist. Pronto entraríamos en calor nostálgico con el baile industrial de “Teethgrinder” y la banda saltando - especialmente saltarín McKeegan-. Y aunque Andy Cairns se disculpó por su mierda de español y al ser irlandés, también por su mierda de inglés, no escatimó en chascarrillos.

Por ejemplo dedicando a Kurt Cobain y Amy Winehouse una enorme “Die Laughing” que marcó la primera parada en el esperado “Troublegum”, ese disco tan grande que es a la vez punto álgido y lastre para su carrera. Más adelante sonaría “Unbeliever”, como el resto, todas muy fieles y a la altura de cómo están grabadas en la memoria. De hecho parece que lo único que faltaba en esa postal era un pogo o mayor movimiento entre el público, pero las circunstancias no acompañaron. Crisis, demasiados conciertos para un martes en una ciudad como Bilbao, etc.

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Sin lugar a dudas fue cuando rescataron esa inmortal y metalizada versión del “Isolation” de Joy Division cuando mayor fiebre se desató entre el público. Siempre parece extraño que una versión levante más pasiones que las canciones propias pero este es uno de esos casos en los que otra banda hace una canción suya, sin duda. Así lo tenemos que sentir algunos que incluso descubrimos antes esta que la original. Más adelante caería otra versión ilustre de su repertorio, “Diane”, que sonó lógicamente sin cuerda y más rockera y acelerada. En definitiva, algo más fiel a la de los propios Hüsker Dü. Con ella cerrarían la primera parte de un concierto que entre ambos homenajes tuvo un remember “Troublegum”-”Infernal Love” en lo que fue una fiesta 90’s que contentó a todos los fans y dónde sólo cabe quejarse de una “Turn” algo atropellada.

Y es que la palabra fiesta viene bastante bien para describir el concierto.

Ya que pese a un repertorio que ahonda en sonidos oscuros y temáticas a juego, se mostraron como verdaderos fans de hacer al público aplaudir, jalear, etc. Esto, que en cierta medida queda simpático llegó a parecer en ocasiones demasiado recurrente, uno entiende que una banda se quiera ver arropada pero rellenar todas las partes instrumentales de las canciones con palmadas no es mi idea de la mejor experiencia de concierto. Así que pequeño tirón de orejas por ese lado, el carisma de Cairns y sus miradas de psicópata ante la luz blanca del foco aportan un clima suficientemente interesante sin tanta interacción con el público. Pero también hubo fiesta en positivo gracias a esos guiños que hace la banda, por ejemplo al “Hey Hey, My My” de Neil Young o a ese “Rose Garden” cuyos acordes aquí nos toca conocer más por Duncan Dhu. Pronto volvieron para redondear con una tanda de bises generosa y que volvió a sus primeros tiempos con “Nausea” para sorprender con “Knives” que venía siendo ausencia en el repertorio de esta gira enlazada con “Screamager”, tal como la gloriosa apertura de “Troublegum” y después introducir una genial versión del “Where Eagles Dare” de Misfits antes de finalizar con la doble traca de clásicos imprescindibles, “Nowhere” y “Potato Junkie” en la que nos hicieron cantar a todos que James Joyce se estaba follando a nuestra hermana. Cerca de la hora y media de concierto que, viendo otros setlists, seguramente se hubiera alargado si el recibimiento bilbaíno hubiera sido más cálido, pero por nosotros muy poco que objetar para una banda con esta trayectoria y que aún sigue capaz de hacernos disfrutar tanto en directo.

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THE JIM JONES+ Jukebox REVUE Racket 24/11/2012, Bilbao

Alucinante lleno por una de las bandas que prometía y cumplió con creces. Antes tuvimos la fiesta rockera de Jukebox Racket, de connotaciones psychobilly, surf o swing, con gran actitud, autenticidad y solvencia.

El aullante directo de The Jim Jones Revue mezcla oscuridad blues, desgarro punk y teclados a lo Jerry Lee Lewis, una fórmula ganadora. La cosa arrancó más dedicada a su último disco “The Savage Heart” pero fue en crescendo hacia un final en el que primaron los ritmos rápidos y bailables de piano. Pronto fueron llegando momentos que sonaban más, encendiendo al personal.

Es una banda que derrocha carisma, no sólo es su líder. Es un guitarrista de la presencia y solvencia de Rupert Orton, un bajista de chulesca pose, un incombustible pianista y un batería con pinta de ex-presidiario que además hace coros. Realmente te crees que son una banda y en su caso la comparación más evidente sería la de Nick Cave & The Bad Seeds.

Lo mejor comenzó con la muy divertida “7 Times Around the Sun”, la gente palmeando y toda la banda haciendo coros. Le seguiría el obsesivo ritmo de “Cement Mixer” con Jones volviéndose loco y “Rock N Roll Psychosis” tema incendiario de sus primeros tiempos con que cerraron por primera vez su set. Aún aguardaría una tanda de bises de gran entidad y el frontman fue capaz de arrancar ya más ruido y complicidad del público con temas insignes como “Dishonest Jones”, “512” o “Elemental”. Las teclas se desbocaban de velocidad y nos entregábamos al movimiento en una explosión rockera en la que MC5 chocaban con Little Richard. Tras sacudirnos de lo lindo con una lección express de rock n roll bailongo, aún regresarían para desprender las últimas dosis de electricidad y rematar uno de los mejores recitales de rock n roll de hoy en día.

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noviembrE

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Super Skunk Madrid (02/11/2012)

Volvieron a dar su concierto anual con la misma dosis de profesionalidad del año pasado y con un tema nuevo que promete traerlos de vuelta.

Giganto Madrid (03/11/2012)

Celebración matutina de dos conciertos alegres de rock instrumental. Codo divertidos y Giganto abrasivos, gran mezcla.

Triángulo de Amor Bizarro Sevilla (05/11/2012)

Enésima muestra del dominio de los gallegos en el directo y en el que sonaron además varias canciones nuevas.

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2012MIXTAPE /Crónicas/// The Wave Pictures Madrid (05/11/2012)

Concierto emocionante que consiguió el contagio de un público que no paró de animar, cantar, y casi casi levantarse de sus butacas.

Lotus Plaza Madrid (06/11/2012)

Defendieron su repertorio con notable eficacia, y eso, teniendo en cuenta la temperatura, ya supuso un reto que lograron superar.

Patterson Hood, Craig Finn, Will Jonhson Madrid (07/11/2012)

Se desprendía buen rollo de los continuos guiños y bromas, pero sobre todo de las sonrisas compartidas al arrancar o terminar una canción.

Lee Fields Bilbao (08/11/2012)

Soul con todos sus sacramentos, auténtico, añejo y sensual como los movimientos del propio Fields.

Blind Melon Bilbao (10/11/2012)

Nostalgia en vena para los más fans, los Blind Melon sin Travis tienen fuerza escénica pero necesitan aire y composiciones frescas.

The Wave Pictures Sevilla (10/11/2012)

Una abarrotada Malandar acogió la nueva vuelta de los ingleses. Pericia técnica y melodías contagiosas.

Blood Red Shoes Madrid (15/11/2012)

Con su particular forma de aunar guitarras y ciertos dejes bailables han logrado hacerse un hueco en la escena del rock alternativo europea.

Havalina Sevilla (16/11/2012)

Rock intenso de clara herencia 90’s y de oscuras melodías retumbaron en el Fun Club en el momento de gracia de la banda.

The Sonics Madrid (17/11/2012)

Sin duda alguna cumplieron con las prestaciones de lo que se puede pedir a una banda de su trayectoria y edad.

Micah P. Hinson Sevilla (21/11/2012)

Fue fiel al personaje y entregó una colección de canciones tenebrosas de peculiar estilo. Timber Timbre sirvieron de acertados acompañantes.

Joan Colomo Madrid (22/11/2012)

La improvisación, los juegos, los despistes o las referencias al público, forman parte tan vital en el repertorio como las canciones.

Two Gallants Madrid (30/11/2012)

En Two Gallants lo mismo influye Kurt Cobain, que el Dylan primigenio, y es en este elemento donde termina radicando su gracia.

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DICIEMBRE

PRIMAVERA CLUB 7 y 8/12/2012 Madrid

VIERNES 7

MARK LANEGAN

En algún momento de este Primavera Club, y sobre todo pensándolo a posteriori (la actuación de Redd Kross solo puede tenerse en cuenta como parte de nuestra imaginación), la presencia de Mark Lanegan se antoja un tanto desubicada en el contexto de un festival que brilló, entre algunas otras cosas negativas, por la escasez de propuestas con un carácter más rockero. Ante un público que quizás, hablando en términos subjetivos del que escribe, no reverenciaba su figura como sería menester, Lanegan, junto a su banda de acompañamiento, no hizo otra cosa que lo que ya nos ofreció en sus últimas fechas de Abril, es decir presentar con contundencia y saber estar su notable “Blues Funeral”, y regalar algunas píldoras de sus clásicos primeros discos (infalibles las “Hit The City” y “One Hundred Days” de siempre), junto a alguna sorpresa en forma de versión como la genial “Hangin Tree” de QOTSA. Con una iluminación y puesta de escena más propia del funeral que vaticina el nombre de su último Lp, la banda sonó de una forma muy correcta durante su hora de actuación, y de este modo tanto las canciones más enérgicas y épicas (“Ode To Sad Disco”, “Quiver Syndrome”, “Harborview Hospital”), como esas más íntimas en las que la voz del de Ellensburg te abruma hasta hacerte diminuto, se combinaron para completar una actuación al gusto de la parte del público que buscaba algo más de de actitud rockera en el cartel.

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Desde estas páginas solemos tener siempre buenas palabras para los festivales que van con el prefijo Primavera, pero la edición 2012 de Primavera Club en Madrid se saltó la regla. La edición de Primavera Club en Matadero será recordada siempre por ser la última, por ser la del estado policial, por las largas colas, por la sala de 600 personas que pasa a ser de 100 de un día para otro y por el concierto entre amigos de Redd Kross. Una pena que la sesión de brutalidad de Swans, el repaso discográfico de Los Planetas, la confirmación de TOY y el siempre penetrante directo de Mark Lanegan pasasen a un segundo plano. Una pena, si.

SWANS

Para poder llegar a la Nave de Música y disfrutar del show de Swans había que sacrificar el final de concierto de Mark Lanegan. La sombra de lo que ocurrió en idéntico escenario con Shellac, no era buen augurio para este esperado concierto pero al final la cosa encontró su sitio. Los tapones que nos entregaron a la entrada funcionaron a las mil maravillas en las primeras filas, dónde la casi constante cara de cabreo de Michael Gira acongojaba a muchos. Comenzaron en pleno drone-amable con una inédita “To Be Kind” que fue increscendo hasta llegar al primer repaso a su reciente “The Seer” con una evolutiva “Avatar”. Conviene explicar que el directo de Swans pasa por un aprovechamiento de las cualidades de sus miembros y de sus hipnóticos pasajes, lejos de centrarse en un repertorio fiel al de los discos.

De este modo tanto esta misma “Avatar” como el posterior cierre con “The Seer” se recogieron en ese trabajo de director de orquesta de Gira alzando su guitarra, esa fuerza de él y su bajista Chris Pravdica, el inconmensurable y simpático Thor Harris a la percusión que actuó sin camisa durante todo el concierto a pesar del frío que hacía en el semicubierto escenario o el eterno compañero de Gira que es Norman Westberg.

Las dos horas y pico de concierto fueron de una crudeza y brutalidad que pocas veces podremos volver a vivir, aunque es cierto que aquel soberbio concierto de hace un año en Primavera Sound no fue igualado sobre todo por perder el factor sorpresa. Aún así el ejercicio de catarsis sonora de Gira y los suyos es un lujo al alcance de muy pocos. Algunos dicen que se hizo largo, otros que no consiguieron llegar a formar parte del concierto, pero los que pudimos disfrutarlo al cien por cien quedamos satisfechos al máximo.

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SÁBADO 8 LOS PLANETAS

Solemos estereotipar el comportamiento de Los Planetas como de pasota ya por defecto, y en honor a la verdad hay que decir que nunca han sido una fiesta en lo que a actitud se refiere. Pero no sé si será cosa de los rumores de separación que sobrevolaban la actuación de los granadinos, pero la noche del sábado pareció que fuese algo más que un concierto más para J y compañía. Vale sí, siguen sin ser los majos del lugar, pero ¿alguien espera ver algo diferente a estas alturas?

Ya de primeras el sonido acompañó bastante, y más teniendo las características de su sonido y la fama de la Nave 16, por lo que para cuando arrancó la maraña sónica de estos cinco músicos, con varias de las piezas de su último disco, “Una Ópera Egipcia” (“La Llave De Oro”, “Romance De Juan Osuna”, “Virgen De La Soledad”, “Señora De Las Alturas”), ya supimos que mucho se tenía que torcer la noche para que aquello no terminase con la explosión que los Mayas vaticinaron en su día. La densidad eléctrica no se suavizó con el cambio de tercio hacia su legendario “Una Semana en el Motor de Un Autobús”, siendo “Toxicosmos” el puente perfecto para hilar sus hazañas flamencas más recientes, con el pasado de su obras intermedias. “La Guerra De Las Galaxias” encabezó un bloque donde “Corrientes Circulares En El Tiempo”, “Nunca Me Entero de Nada”, la estremecedora “Santos Que Yo Te Pinte”, o la coreada “Maniobras De Evasión”, terminaron de meter a un público en un partido, que todo hay que decirlo, intentaron jugar desde el minuto uno.

Cerraron la primera parte del set con algunos de los singles de sus últimos álbumes como “Reunión En La Cumbre”, “Alegrías Del Incendio”, o el canto a su tierra “Soy Un Pobre Granaíno”, y aquí sí que ya nos dimos

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cuenta que aún siendo más largo de lo habitual, lo que nos iban a ofrecer Los Planetas iba a diferir poco de las actuaciones que llevan entregando en los últimos años. Vamos que nada de un revival de viejos clásicos.

Y eso que como siempre hubo algunos, que también como suele ocurrir fueron coreados con devoción por un respetable que pese a saber de memoria cada paso que daba la banda, disfrutaban de lo lindo al son de “Segundo Premio”, “David Y Claudia”, el himno “De Viaje”, o la aún más radiofónica, “Un Buen Día”. Junto a todas ellas llegó el momento colaboración de la mano de Marina de Klaus & Kinski, que se limitó a hacer las veces de Bien Querida, en “No Sé Cómo Te Atreves”.

Tras ello un nuevo paso por camerinos a reponer fuerzas, y vuelta a las andadas para cerrar como a ellos les dio la gana, es decir siguiendo con su actitud de no hacer nada que no les salga de dentro. Ni “La Caja Del Diablo”, ni ni mucho menos “La Copa De Europa”, “Db”, o cualquier otro de los sueños húmedos que por aquello de la ocasión especial pudiésemos esperar los más inocentes. “Ya No Me Asomo a La Reja” y “Los Poetas”, como demostración de donde siguen estando musicalmente Los Planetas en pleno 2012. Sin nostalgias que valgan, ni sonrisas ni palabras más allá de las necesarias. Una tormenta de distorsión y guitarras que luchaban contra bajo, teclados, o un Eric como siempre brillante a la batería, y que servía de epílogo quién sabe si para su carrera como grupo, pero lo que es seguro, es que daba por concluida la última edición de Primavera Club en la ciudad de Madrid.

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SWANS 09/12/2012, Sevilla

Richard Bishop quedó empequeñecido ante la parafernalia colocada sobre el escenario. El ex-Sun City Girls ofreció una lección de virtuosismo que no aburrió en ningún momento. No pudimos más que asombrarnos ante su capacidad de conjugar violencia y emoción en composiciones que oscilaban entre el folk, la música arábiga e incluso algún rastro de flamenco.

Swans empezaron con el mantra de “To Be Kind” subiendo poco a poco y al primer aviso-salto de Michael Gira, todo comenzó a retumbar. “Avatar” en directo se mostró marcial, muy rítmica gracias a la gran cooperación entre la base rítmica. Con “She Loves Us” vimos como los músicos, a pesar de estar inmersos en la creación de ruido, no quitaban un ojo de encima a las órdenes de Gira. Pravdica y Harris llegaron a llevarse alguna reprimenda por no estar atentos, mientras que el veterano Norman Westberg permanecía impasible a un lado.

Las irreales armonías del metalófono encauzaron con uno de los segmentos más brutales de la noche.

“Coward”, único tema antiguo de la noche, dejó de lado los drones para acercarse al rock más crudo.

En directo, “The Seer” se extiende casi una hora. Es imposible tratar de explicar la legión de texturas y emociones que desprende: el trance al que llevan los drones mantenidos, el momento de los cascabeles, el tramo final con Gira invocando a la ‘sangre de Dios’… Todos terminaron a la vez y se acercaron para saludar y agradecer al público. Seguro que el recuerdo permanecerá para toda nuestra vida.

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Two Gallants Bilbao (01/12/2012)

Entre nostálgica y aguerrida sucesión de folk-rock a cargo de un dúo que sigue forjando su personalidad. Sorprendentemente buenos teloneros.

Swans Bilbao (08/12/2012)

Atronador ritual de la orquesta noise de Michael Gira que consiguió tanto hechizar como incomodar. Misión cumplida.

Meat Puppets Madrid (20/12/2012)

Noche tan real y auténtica como los protagonistas de la velada, los cuales no dejaron de desprender buenas vibraciones, carisma, y sudor.

Interlude + Neila + Wayne Erandio (29/12/2012)

Unos Wayne más áridos, Neila en su línea sólida e Interlude integrando sus nuevos temas a su siempre palpitante directo.

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T N E VIS E R S TA

ara p l a t amen lo que d n u f Lo s es o r t o s n los e t no i m ans nos tr con su mú s ri artista ro más en n e ú sica. P r resulta a s do ico quece s con mús en n o toparn además tie tes que interesan n cosas ntarnos co o que c a. Seleccio abr actos de l a p a l extr s que s o m na charla rtido s a n algu s compa 2. hemo rante 201 du

a t s i v e r t n e / g or . a r i e c i t i e f / http:/

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UNICORNIBOT

«No pensamos en un cambio ni en seguir haciendo siempre lo mismo, simplemente tocamos y ¡alegría!»

Amantes de la cacharrería y la rítmica marciana, Unicornibot son una de las bandas de la nueva y fértil escena gallega. Su segundo disco “Dalle!” acaba de salir entre buenas críticas. De su música, de Galicia y de su presencia en el Primavera Sound hablamos con la banda y nos contestan Alex y Gon. FOTOS: David Tombilla ¿Cómo veis vuestra propuesta en el contexto de la música actual? Supongo que cuando comenzasteis la gente lo vería todo muy experimental y hoy en día parece que ya el math, el noise y todo esto está como aceptado ¿no?

Pues parece que la conexión con el público funciona y va a más, al margen de estilos, en el fondo no creemos que sean demasiado extravagantes como para que se tengan que sentir alejados, sólo hay que ver la esquizofrénica mezcla de músicas que tenemos en nuestros mp3ses.

Este “Dalle!” tiene composiciones más redondas, discurre más fluido, los cortes son un poco más ‘canciones’ ¿no?

Es curioso porque para una banda así que cultiva el ruido, la rareza y tal no sé si es lo más positivo que cabe decir... ¿os da quebraderos de cabeza esto de mejorar la composición sin caer en lo habitual?

No, efectivamente este disco está un poco más ordenado y es lo que bus-

cábamos o lo que nos salió, no pensamos en un cambio ni en seguir haciendo siempre lo mismo, simplemente tocamos y alegría!

Llaman la atención los títulos, llenos de juegos de palabras o referencias a gracias externas, siendo Abril-Cerral, Anchoas Castilla o Todos contra el Fuego Anal, algunos ejemplos. ¿Por qué esa vis cómica?

Pues porque somos así, nos lo pasamos bien y todo han sido gilipolleces de las giras, y grandes momentos fragoneteros.

También es rasgo distintivo del grupo lo del papel de albal en la cara. ¿De dónde sale esto? Hemos visto que John Talabot también lo usa, ¿le pediréis royalties si os lo encontráis en el Fòrum?

Jaja, pues ya hemos hablado con él para pillar el rollo industrial y compartirlo, que como se está poniendo de moda están los precios por las nubes!

El Primavera Sound es un festival que se mueve mucho por la actualidad, ¿cómo recibisteis la noticia de que os querían en el festival con el disco aún sin editar?

Un poco sorprendidos, hasta comprobamos un par de veces la autenticidad del mail. Que contactaran antes de sacar el “Dalle!” supone un empujón para dar a conocer el disco. ¿A quién del cartel del Primavera Sound tenéis más ganas? Podéis decir grupos de otros días para no tiraros piedras en vuestro tejado (risas). Shellac no vale.

Pues Shellac...uy!, Refused, Melvins, Wilco, Picore, No More Lies, Codeine, Lisabö... etc. Últimamente se oye mucho hablar de Galicia en lo musical. ¿Hay especialmente buenos grupos ahora o está la escena por allí viviendo una especie de hype?

Por supuesto que hay buenas bandas, quizás estuvo un tiempo aletargada la escena gallega y ahora están empezando a emerger grandes propuestas en todos los ámbitos, ya sea bandas o colectivos, como la Metamovida en la que nos relacionamos con otros grupos, nos apoyamos mutuamente y compartimos inquietudes.

«No entendemos de apoyos institucionales y sí un poco del janderground y hacemos lo ¿Aparte de la creatividad que nace de que podemos por ofrecer una las bandas, como anda en la comuniel tema en cuanto a infraestructualternativa a las clásicas maneras dad ras, apoyos institucionales, etc.?

Nosotros no entendemos de apoyos institucionales y sí un poco del janderground de operar en este “negocio”»

y hacemos lo que podemos por ofrecer

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una alternativa a las clásicas maneras de operar en este “negocio”, vía Liceo Mutante, por donde han pasado muchas de estas bandas nohype.

Contadnos qué grupos tenéis un poco de referentes comunes de la banda y qué grupos o discos os han impactado más últimamente.

Creemos que está bastante claro, bandas como Betunizer (que nos la ponen como una piedra), Zá! (que nos hacen sudar tanto como ellos en sus directos), Picore (que nos destrozan las caderas cada vez nos juntamos), Pludo (puta clase), Tos-

tadas (mermelada pa tus oídos), Mesa camilla (ahora un poco de cera pa tus oídos)...y millones más, y en cuanto a discos el último de Cañita nos ha impactado pero nos sigue gustando más el anterior.

Tenéis una gira bastante extensa en la que estáis ya metidos que de Galicia os lleva por diferentes ciudades hasta incluso llegar a Almería o La Línea. ¿El que no da conciertos es porque no quiere?

Sí, pero eso no quita el trabajo que hay detrás, la implicación y el interés de la gente que nos cuida y nos mima en cada ciudad, pueblo o polígono industrial.

Para animar a la gente a que se pase por vuestros directos, ¿qué se van encontrar?

Mucha energía, muchos db´s, mucho sudor, muchas risas, y la entera disposición para compartir un momento divertido con nosotros.

Pues eso es todo, gracias y esperamos veros pronto por ahí.

Muchos gracias a vosotros y bebed con sentidiño, que luego pasa lo que pasa.

«Por supuesto que hay buenas bandas, quizás estuvo un tiempo aletargada la escena gallega y ahora están empezando a emerger grandes propuestas en todos los ámbitos, ya sea bandas o colectivos»

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TOUNDRA

«Vamos a estar siempre a favor de las descargas, es muy fácil ir de auténtico cuando te va mal» El cuarteto instrumental ha sido uno de los protagonistas indiscutibles del año.

Aquí también, ya que sus guitarristas protagonizan una doble entrevista con el objetivo de que nos empapemos de todos los detalles de la banda y su último lanzamiento, (III).

ESTEBAN Pronto se cumplen cinco años de tus primeros ensayos con Víctor y Alberto, y aún recuerdo cuando apareciste por clase diciendo que ibas a empezar a tocar con ellos, para hacer algo instrumental.

Sí, la verdad es que me llamaba mucho la atención lo que pretendían hacer, y eran gente a la que ya conocía… así que la cosa fue muy bien desde el principio y para diciembre de 2007 ya nos metimos a grabar cuatro temas con la ayuda de Red Chalk, subsidiaria de

Arindelle, y bajo la editorial de Warner.

Iba a ser un Ep en principio, pero nos pidieron dos temas más, y en Febrero de 2008 los grabamos y dimos forma a lo que sería (I). Pero nuestra idea primera era regalar en los conciertos cd´s en CD-R con una primera grabación, que anda por ahí perdida, de “Bajamar” y “Órbita”. Al final surgió de este otro modo, y así llegó nuestro debut del cual aún tocamos temas como es el caso de “Medusa”, o la propia “Bajamar”, y del que nos sentimos muy orgullosos.

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Luego llega (II), con su seriedad, su mejor sonido, su rollo conceptual, y que marcará hacia dónde va Toundra gracias en parte a la aparición de vuestro actual sello Aloud.

Sí, lo que es hoy Toundra, lo que significa para nosotros en nuestras vidas diarias, sin duda se debe en una gran medida a Aloud y a Sergio, el cual nunca me cansaré de decir que es el quinto miembro de la banda. Y es que aparte de ser el dueño de Aloud, y de ser nuestro técnico de sonido en directo, ya es alguien vital para la seguridad de la formación como banda. De hecho, cuan-

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do por alguna razón tiene que faltar por cualquier compromiso, lo notamos y mucho. A partir de un bolo en Manresa esto quedó más que claro, y así continuamos.

Y de igual modo a nivel de giras, con (II) la cosa empieza a crecer, y desde los primeros bolos de Siroco, La Palma, Festivales como el de Navia… hasta el Primavera Sound, Caracol… Se nota un cambio.

Es que hubo un tiempo entre un (I) y (II) en el que decidimos que cada cosa que eligiésemos en nuestras vidas personales, tendría que tratar de no perjudicar al grupo. Y con esto no quiero decir que lo sea todo en esta vida. No. Como para todos lo más importantes son nuestras familias y los que nos rodean. Pero en aquel periodo sí que hubo un momento de decir: “esto es muy importante para nosotros y nos vamos a volcar en ello”.

Sin pretensiones, con los pies en el suelo, pero decidimos ir a por nuestro sueño.

Y es curioso porque justo hoy al hilo de esto me han contado, pues yo tampoco sigo mucho el twitter de la banda, que nos criticaban precisamente acusándonos de pretenciosos. La verdad es que nada más lejos de la realidad, ya que sólo somos cuatro amigos que quieren pasarlo bien y disfrutar haciendo lo que más nos gusta: tocar por ahí en directo.

Cambiando de tema hablemos de la gira europea. Se chafó la de Rusia por motivos personales desafortunados, pero ahora viene una nueva oportunidad. ¿Qué expectativas tenéis?

Yo me vine a Madrid, por encima de la carrera, que como tú bien sabes no tenía muy claro si me gustaba o no, para tener un grupo. Y tener un grupo para mí cuando era un crío consistía en tocar y tocar y, a ser posible, hacerlo algún día fuera de España. A partir de aquí imagínate lo que supone. Un sueño cumplido a la vez que una deuda con muchos sellos europeos que nos han editado, y que nos vienen demandando que pasemos por sus países a presentar esas canciones.

Se juntan las ganas de salir fuera a tocar aunque sea perdiendo dinero (como seguramente será), con el deseo de devolver el cariño mostrado por gente de otros países que te han ayudado y apoyado desde el principio. Y es lo

que vamos hacer. Aunque nos hayamos tenido que organizar las vacaciones, o los días libres para esto, estamos seguros de que es lo que tocaba. Hemos elegido que así sea, nos hemos comprometido con este tipo de cosas. Y a veces toca pedir disculpas a tu padre, como ha sido mi caso, por no haber podido verles lo suficiente este verano, o por no haber podido viajar con ellos a visitar a mi hermana que está viviendo fuera del país… Eso sí, todo cobra aún mayor sentido cuando tu padre te contesta que está orgulloso de que seas una persona responsable y que cumple con sus compromisos. Es ahí cuando sabes que no estás haciendo tan mal las cosas.

Hablando del disco, vi el ambiente de las grabaciones y creo que sois unos privilegiados por haber podido contar con gente que además de muy buena profesionalmente, son vuestros amigos.

Sin duda. Es tan sencillo como que aunque seamos jóvenes, pues ya llevamos unos añitos en esto, y a lo largo de estos años te vas quedando con los que mejor te cuadran, primero a nivel personal, y luego además en lo profesional.

Es decir, hay muchas cosas que se han compuesto previendo las cualidades de la gente con la que queríamos y podíamos contar, y no diciendo bah! aquí esto o aquello y ya buscaremos los músicos... Son ejemplos de esto la corneta de Manolo, el metalófono de este mismo, el cuarteto de cuerda que sabemos que Llorent nos podía brindar… Y de igual modo en la parte técnica donde ni nos planteamos trabajar con nadie de fuera. Es todo mucho más fácil: Santi

es amigo desde un Sant Feliu en el que tocamos, y con él bromeo del Espanyol, de igual modo que le alojé aquí cuando se vino a sonorizar el estudio de la grabación, y cada mañana le hacía un Cola Cao. Y así lo mismo con Carlos con quién también ya habíamos trabajado en (II) y quedamos encantados. E ídem con Juan que nos conoce de sobra y que nos hace de desatascador en ese momento en el que nos bloqueamos. Para nosotros no tiene sentido irnos a grabar por ahí fuera, pudiendo darle trabajo a gente que aparte de ser súper válida, son nuestros amigos.

De igual modo que sé que la grabación fue magnífica y muy fácil, también sé que la composición del álbum no lo fue tanto…

Nunca es fácil. De hecho ya en (II) incluso sobrevoló la posibilidad de la separación de forma muy seria. Y ahora con éste pues llegados a enero hubo un ultimátum tras una reunión en casa de Alex para charlar, ya no sólo del grupo, sino del momento personal de cada uno de nosotros. Decidimos echarle dos huevos, e irnos a los Westline Studios de Juan a hacer la preproducción, y bueno de ahí salimos fortalecidos porque, como te decía, Juan nos sirve de desatascador gracias a sus grandísimas ideas. El resultado ha sido llegar a un punto en el que creo que estamos más cerca que nunca de lo que todos queríamos. Después de muchas llamadas, e-mails, de puestas en común tanto en la grabación como en la mezcla, pues hemos conseguido, creo, el punto idóneo. Ahora toca disfrutarlo, moverlo, presentarlo…

«Hubo un tiempo entre un (I) y (II) en el que decidimos que cada cosa que eligiésemos en nuestras vidas personales, tendría que tratar de no perjudicar al grupo.»

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Háblame de algún tema que te haya resultado especial su composición o su grabación.

Pues “Réquiem”, fue un tema que surgió una noche en la que yo andaba medio de bajón, y me puse con la guitarra hasta componer la estructura básica.

Lo mandé por mail al resto, le empezamos a dar caña en el local, y ya luego de cara a la grabación con el resto de músicos pues me fui reuniendo con ellos fuera, mostrándoles las anotaciones que tenía yo en una libreta, hasta cuadrarlo con todos. Fue un trabajo bonito en común que acabó plasmándose sin que ni siquiera hiciera falta que yo estuviera delante en el momento de grabar.

Y “Ara Caeli” por su parte es especial porque supone un homenaje a la hermana de mi madre, la cual murió de un cáncer repentino en apenas mes y medio. Se llamaba Araceli, y bueno, es un pequeño regalo que le quería hacer a mi madre.

VÍCTOR Hablando del sonido de (III), se nota mayor pegada y viveza, además de presencia rítmica. Es curioso, porque habéis repetido productores y técnicos, ¿no? ¿Hubo alguna intención de cambiar algo de inicio o ha ido surgiendo?

Desde que empezamos a componer el disco ha habido esa intención de hacerlo todo con más pegada, más directo, más crudo. De hecho, las primeras versiones de los temas las descartamos por no ser suficientemente cañeras. Dependiendo de lo que buscas, se graba de una manera o de otra, con un equipo o con otro.

En lo que respecta a Alex y Alberto, creo que individualmente han tratado de superarse, de no repetirse, cada cosa que hacían tenía que tener sentido pero también tenía que molar. Creo que en este disco nos hemos exigido mucho individualmente. Hemos tirado siempre por el camino difícil y hemos evitado lo más obvio, quizá por eso el disco es menos fácil de digerir que (II).

El disco en general se caracteriza por mostrar un gran sentimiento, y creo que da un paso al frente respecto al resto de bandas del género gracias a todo lo que consigue transmitir.

Bueno es que seguramente el momento actual que estamos viviendo en el mundo, y que nos afecta como individuos de esta sociedad, ha influido a la hora de cómo suena el disco. La rabia que tenemos, lo directo de las canciones, todo el sentimiento que hay volcado en él... quizás brota como una reacción contra toda la mierda que nos están ofreciendo unos cuantos hijos de puta.

«Siempre ha habido gente que nos ha tachado de hype, que ha dicho que no podríamos superar (II), que perderíamos el interés de la gente porque hacíamos un estilo caduco.»

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Decía Esteban en la primera parte de la entrevista que las sesiones en Westline fueron clave en el devenir del disco.

Si no hubierais ido a probar las canciones al estudio, ¿qué creéis que habría pasado con “III”?

El problema que tuvimos fue, como siempre, el tiempo. Vamos a nuestro ritmo, intentamos sacar tiempo de donde no lo hay y, sin darte cuenta, tienes un montón de temas pero ninguno acabado. Lo que más nos cuesta siempre es empezar un tema y acabarlo (acabarlo en el sentido de dejar de introducir cambios y dejarlo como está).

El ir con Juan nos ayudó a terminar cuatro de los seis temas del disco. No es que los temas estuviesen incompletos, es que yo creo que nos daba miedo darlos por terminados. Seguramente, si no hubiésemos ido a Westline, no estaría grabado el disco.

Hablando con Estebán salía el tema de ciertas guitarras similares a bandas como Deftones. A mí, salvando las distancias el disco me suena a Tool y a otras bandas más progresivas: la batería repleta de toms, el bajo más alto, unas guitarras más afiladas...

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Puede ser. Aunque, sinceramente, creo que el grupo es lo que es por la mezcla de los gustos individuales de cada uno; es decir, a mí me encantan Glassjaw, Silverchair, Foo Fighters, Deftones, At the Drive-In, Sparta. Es música que escucho a diario, pero muchos de esos grupos no gustan a los demás miembros de Toundra. Intento meter algo de ellos en lo que toco y creo que por parte de los otros tres miembros del grupo pasa lo mismo. Nunca hemos intentado parecernos a nadie...

Eres el responsable de todo lo que es la imagen de la banda y por tanto, también del diseño y packaging. ¿Qué nos puedes contar acerca de ello? ¿Cómo fue el proceso temporal entre concepto, artwork y música? ¿Opina mucho el resto de la banda sobre estos temas o te deja hacer?

Quienes me conozcan saben que soy puro nervio y, para bien o para mal, muy previsor, así que antes de tener ningún tema de (III), ya teníamos la portada acabada. Nos ayuda a inspirarnos y a ir “censurando” un poco ciertas cosas que no debemos meter. Normalmente, en el tema del diseño voy mucho a mi rollo dentro del grupo, suelo hacer un diseño más o menos acabado y lo envío para saber la opinión de los demás.

Normalmente, a Esteban le encanta todo lo que hago, Alberto da algún cambio y Alex suele no estar convencido.

Igualmente, la banda lleva en su historia una colección de camisetas ya digna del H&M, ¿llevas la cuenta de cuántos modelos habéis tenido? ¿Qué incidencia dirías que tiene el merchandising en general en la repercusión de la banda?

Ni idea de cuántas llevamos, me tienen explotado…

Para un grupo como nosotros, que no vive de la música, el merchandising y el apoyo económico de la gente al comprarlo es lo que marca la diferencia a la hora de poder hacer las cosas de mejor manera, con más medios y con mejor calidad. A día de hoy no hemos cogido nunca un euro del grupo. Siempre se reinvierte todo, ya sea en merch o en una próxima grabación, pagar locales de ensayo, cuerdas...

Causasteis de nuevo gran revuelo en la red cuando salió el disco. Esa cantidad de descargas y opiniones tan rápidas, ¿puede ser arma de doble filo? ¿No es un poco agobiante tanto feedback sobre el trabajo de uno en tan poco tiempo?

Creo que fue un alivio, en el sentido de que siempre ha habido gente que nos ha tachado de hype, que ha dicho que no podríamos superar (II), que perderíamos el interés de la gente porque hacíamos un estilo caduco. No es un “ZAS, en toda la boca”, pero es algo que demuestra que no somos algo perecedero

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y que si trabajas y eres honesto con lo que haces, la gente lo nota. La sensación de que tu música despierta interés es algo que no puedo explicar. Es tener un trabajo de mierda y al acabar el día pensar que por lo menos tienes tu grupo y que vale la pena.

Vosotros y Aloud os habéis mostrado a favor de las descargas gratuitas y os ha funcionado de maravilla. ¿Creéis que para un cuarto disco y con la mirada puesta en un público ya bastante fiel funcionaría ya un modelo normal?

Vamos a estar siempre a favor de las descargas. Es que es muy fácil ir de auténtico cuando te va mal. La gente va a poder acceder siempre de forma gratuita a nuestra música. Sería hipócrita, como consumidor premium ultra prestige de Napster, Audiogalaxy, Soulseek, eMule, Bit Torrent, Megaupload, Mediafire que soy desde que tenía 17 años, no estar a favor de ellas.

Por último, ¿puedes contarnos cómo andamos de proyectos paralelos entre los miembros de la banda? Había cosas pero con poco movimiento, ¿verdad?

Por ahora todo está calmado. Alex tiene un grupo con los ex Gone with the Pain y con Tote de Ulises Lima y se llaman Testaferro. Y en septiembre del año pasado, Alberto y yo formamos un grupo con Juan y Miguel de Nothink que se llama Minor Empires.

JOAN THE COLOMO VS HARDTOPS www.musicazul.com

«La estructura del estado es sólo el arma arrojadiza con la que se pelean las diferentes identidades de la península» Pocas veces se tiene la posibilidad de disponer de tres miembros tan importantes en el underground nacional como la que se nos presenta con Joan Colomo, Escri de The Hardtops y Alfredo de la web [musicazul] con motivo de su unión en concierto en la Moby Dick de Madrid.

Tres formas distintas de vivir la música confluyeron en Moby Dick el pasado 22 de Noviembre. Con sus protagonistas, intentamos desgranar como se encuentra la escena actual. Las normas para el cuestionario son sencillas: sentarse en una habitación solo, ponerse algo de beber, algo de música y olvidarse del resto de distracciones del ordenador de cada uno.

Cuéntanos que bebes, que escuchas, y que otras ventanas tenías abiertas del ordenador.

Alfredo: Bebo una Coca-Cola Light (como siempre), escucho “Golden Age” de Youthless y tenía abiertas cinco ventanas del explorador de Internet con Facebook, Hotmail, Twitter, Gmail y Google, como en el 95% de las ocasiones que estoy conectado a la red.

Escri: Bebo un botijo de Mahou, escucho “The Cat” de Jimmy Smith con Lalo Schifrin y su orquesta y tenía abierto gmail y el caralibro. (Voy por la séptima pregunta y acabo de cambiar el disco.

Me he puesto el Live at Count Basie’s de Will Bill Davis. Va de Hammonds el asunto hoy) Colomo: Bebo café, lo siento pero no soy capaz de escribir con música... soy un poco limitado, pero si pudiera me pondría el nuevo disco de Hidrogenesse que lo escuche el otro día y me moló mazo... He abierto el correo para encontrar la entrevista que me envió Esteban.

¿Cómo recordáis vuestras últimas bandas desaparecidas, y que recuerdos tienes tú de ambas Alfredo?

Alfredo: The Unfinished Sympathy es el grupo que más echo de menos desde su separación junto con Madee. He vivido noches y momentos inolvidables viendo a Unfinished como en la “carpa BCore” en el Festimad’04 y en salas de Madrid, o escuchando su música en el mp3. Con Kick Out tengo menos experiencias en directo pues sólo pude verles una vez actuar, en la sala Gruta’77, pero fue un gran concierto. Me hizo llegar Escri su disco y no fueron pocas las veces que les escuché. Me gustaba mucho su logo con una calavera, tocaban rápido, era punk-rock bien hecho, tenían clase.

Escri: Pasado el tiempo, con mucho cariño. La verdad es que la gira del segundo disco de Kick Out no fue ni mucho menos como esperábamos y el grupo podía haber terminado mucho peor de lo que terminó. Pero se acabó y punto.

Veo de forma asidua a los chicos y nos llevamos muy bien los cuatro. Así que sobre todo me acuerdo de los momentos buenos y de los amigos que no he perdido.

Colomo: Yo lo recuerdo todo borroso.

Pero sí que es verdad que se quedan los recuerdos buenos. Los grupos de música te aportan muchas cosas positivas y a la vez te pueden joder la vida... jajaja es como el fútbol... mira Julio Alberto...

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¿Creéis que a día de hoy estáis en un mejor momento con vuestra actual posición respecto a los mejores momentos que pasasteis con aquéllas?

Escri: Sí. Sin ninguna duda. Creo que estoy en un momento estupendo debido al resto de los Hardtops. Nunca había estado tan cómodo y con tantas ganas con un grupo. ¡Y que no pare!

Colomo: Pues no sé qué decirte... supongo que hay una progresión positiva pero la verdad es que estaba muy contento en el pasado, lo estoy en el presente y espero estarlo en el futuro. ¿Conocíais a vuestros compañeros de escenario antes de que os confirmasen la actuación? ¿Qué opinión tenéis al respecto de su trabajo?

Alfredo: Conozco a Joan Colomo y The Hardtops, aunque a estos últimos todavía no he podido verles en directo.

Ambos grupos hacen un gran trabajo, aunque es una pena que sean tan poco conocidos, sobre todo Colomo llevando tantos años tocando y grabando discos.

Escri: Conocía a Joan de sus discos en solitario y de la etapa con The Unfinished Simpathy. De sus anteriores andanzas me puso al tanto David, el bajista de los Hardtops. De su trabajo en solitario me gusta mucho la capacidad que tiene en sus letras para cagarse en todo sin decir una palabra más alta que otra ni sonar panfletario sin perder la for-

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«Supongo que los que seguimos con esto toda la vida es porque somos suficientemente freaks como para soportarlo y que nos guste.» ma de hacer canciones melódicas muy agradecidas de escuchar.

Colomo: Conocía la web de Alfredo pero no a The Hardtops, aunque conozco a los chicos que tocan con Escri.

Alfredo es un jefazo y todo lo que hace lo hace con mucho amor y dedicación.

Tras escucharlos he de decir que The Hardtops son flipantes... petan que te cagas... no sé porque siempre tocamos con grupos que nos dan mil vueltas... en fin...

Actuáis en la sala Moby Dick, ¿habéis trabajado allí alguna vez? ¿Estáis de acuerdo en que es posiblemente la

mejor sala? En caso negativo ¿Cuál os parece la mejor de Madrid? ¿Y de Barcelona?

Alfredo: Sí, conozco de sobra el Moby Dick Club. He ido a decenas de conciertos, algunos inolvidables y organicé allí el primer aniversario de mi web [musicazul] en 2006 donde tocaron Zoo y Everlyn. Luego he organizado muchos conciertos también. Quizá sea la mejor sala de Madrid, tanto por sonido, trato del personal, accesos, escenario… Todo está hecho con cuidado y cariño, miran hasta el último detalle. Su equivalente en Barcelona podría ser La[2] de Apolo.

Pinchar todavía no, esta será mi primera vez allí, tengo ganas…

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Escri: En el Moby he tocado un par de veces (la primera con ddt un día que había Madrid - Atleti en el Bernabéu), he ido tres veces de backliner y también he ido a bastantes conciertos allí. El más apretado fue uno de los Backyard Babies que hacían una historia especial de aniversario del grupo y había más gente que en la guerra. Como sala me parece perfecta para su tamaño, tanto para tocar como para ver conciertos.

Muy cómoda. Y el trato que he recibido allí tocando o haciendo backline ha sido siempre estupendo. A la altura del que dan en el Wurli.

Además del Moby, salas de aforo pequeño (o relativamente pequeño) me gustan mucho Gruta 77 y El Sol. En Barcelona no he estado en muchos conciertos, pero David, Manolo y Fer sí han tocado por allí, y siempre hablan genial del Moog, por el trato que les dieron y por Wero, el técnico, que era un encanto de persona. Para ver conciertos allí, Bikini suena de lujo, igual que la [2] de Apolo.

Colomo: He tocado alguna vez y la verdad es que una sala muy amable. Para mi es la medida perfecta y suena de muerte... Supongo que es una de las más molonas de Madrid. Lo que ahora

me mola mas es tocar al aire libre, puedes fumar y beber a la vez. ¿Cómo veis la escena a nivel de número de conciertos, calidad, movimiento entre sellos, promotoras…?

Alfredo: El principal problema es la prohibición de acceso a los menores de edad. Comencé a ir a conciertos siendo menor y no entiendo que a un chico/a de 15 años se le prive de ver a un grupo que le gusta. Sobre la escena musical, cada vez mejor, aunque hay que trabajar mucho. El principal problema es la inexistente ayuda pública, el alto precio de los alquileres de las salas, la precariedad de algunos locales de actuaciones en directo y el abusivo precio de las entradas. Es una pena que la escena underground sea casi desconocida, los medios de comunicación no

apoyen a nadie, y un par de promotores tengan que invertir su dinero para que esto no desaparezca. Eso sí, luego todo el mundo acude en masa a partidos de fútbol, toros y otros espectáculos habituales, una lástima.

Escri: En cuanto a calidad musical, creo que va para arriba como un cohete. La distancia histórica que había con el resto de Europa y en especial con el mundo anglosajón creo que se ha reducido drásticamente. De hecho, creo que ya no existe. Hace tiempo que no oigo a nadie poniendo como excusa un “es que son de aquí” si un grupo no está a la altura. Cada vez es menos raro ver que un grupo de un sello independiente llegue a gente y haga cosas impensables hace unos años. Por poner el último ejemplo que conozco: ahí tienes a los Toundra, que salieron a conquistar Europa hace

menos de tres meses. Y lo consiguieron.

El problema es que la mayoría de los sellos, grupos y promotoras que consiguen algo lo hacen con una casi total falta de respaldo de los medios generalistas. Supongo que se podría llegar a mucha más gente. Pero tiempo al tiempo. Soy relativamente optimista respecto a esto.

Lo que habría que regularizar para ayer por la tarde es que los menores puedan ir a conciertos. Es una calamidad que un chaval no pueda ver el grupo que le mola por no tener 18 años.

Colomo: Hay mucha gente haciendo cosas muy interesantes a todos los niveles...

Lo que pasa es que la crisis ha asestado un duro golpe al sector y costará mucho recuperar el ritmo de hace unos años.

Por otro lado esta situación agudiza el ingenio de la gente a la hora de montar eventos o propuestas musicales. ¿No cansa a veces tener que tirar del carro para que la realidad no deje de dar palos y decepciones en todo lo relacionado al negocio musical?

Alfredo: Cansa mucho, no son pocas las veces que uno piensa en querer dejarlo todo pero siempre queda un hueco para hacer lo que te gusta, seguir yendo a conciertos y disfrutar de la música en directo, es así donde todo cobra sentido.

Escri: La verdad es que ahora mismo no.

Estoy en una etapa en la que todo lo que viene con los Hardtops me hace mucha ilusión y tengo ganas de trabajarlo.

Claro que ha habido veces en el pasado, con mis otros grupos, en las que fue muy decepcionante que todo el esfuerzo no fuera a ninguna parte, pero ya te digo, ahora mismo ando con muchas ganas.

Colomo: Supongo que los que seguimos con esto toda la vida es porque somos suficientemente freaks como para soportarlo y que nos guste. ¿Seguís soñando como cuando teníais quince años, con algún día ser ricos y famosos gracias a algo relacionado con la música?

Alfredo: Ese sueño se esfumó hace años, no puedes hacerte rico y famoso con esto, es una estupidez. Quien hace esto es porque le gusta la música.

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2012MIXTAPE /Entrevistas/// ciones fue sublime, sus ganas e intensidad no eran propias de ellos, estaban al 1000%, como si fuese el último concierto de sus vidas. Si hubiesen hecho el lunes otros dos pases hubiese repetido sin dudarlo, fue inolvidable.

Escri: Te iba a decir que el que dieron Manitoba en El Sol hace poco, pero me esperaba justo lo que vi: rockanrolitos de puta madre durante una hora y media.

El último concierto que flipé en colores fue el de Betunizer presentando su disco nuevo. Sólo los conocía de nombre.

David y Fer me dijeron de ir y me animé de casualidad. Vaya pedazo de bolo.

Escri: No es mi objetivo ser millonario.

Y mucho menos a través de la música.

Eso para los Rolling Stones. Pero poder vivir de la música debido al grupo sigue siendo una ilusión, por supuesto. Me encantaría. Eso y poder comprarme el Impala del 62 de la copla de los Hardtops, claro.

Colomo: Me encantaría poder dedicarme toda la vida a esto... pero con poco dinero yo ya tiro... ¿Dónde os veis dentro de diez años?

Alfredo: Con una familia, hijos, y las mismas ganas de disfrutar de la música, aunque no como a día de hoy. Hace quince años vivía esto de otra manera, los festivales y los conciertos eran especiales, ahora las cosas han cambiado.

Todo se mueve por dinero, a casi nadie le importa la música como tal, los grupos, los discos, los conciertos. Y nadie alza la voz para quejarse, pero esto es una mierda, si no eres amigo de la gente te ignoran, es una gran mentira.

Escri: Pues no sabría que decirte. Fer, el otro guitarra del grupo, tiene diez años más que yo y quitando el pequeño detalle de que toca la guitarra como tres millones de veces mejor que yo, tenemos un estilo de vida similar. Supongo que si todo va bien, de aquí a diez años estaré relativamente asentado y tendré más discos y más guitarras.

Colomo: Yo creo que diez años pasan volando. Imagino que mi vida no será

muy diferente... quizás con niños... quizás cuando tenga 41 ya me saldrá barba... ¿Se va a hundir España, o antes de que esto pase ya ni siquiera va existir como tal gracias a lo “bien” que hemos gestionado desde hace décadas determinados asuntos relacionados con la forma y estructura del Estado?

Alfredo: Se va a hundir más, está claro.

Pero no mezclo política con música, no me interesan los políticos.

Escri: Supongo que tal y como se está gestionando toda la situación social, política y económica la perspectiva no es muy halagüeña. Pero también creo que esa línea no es sostenible a largo plazo, así que el tiempo dirá. Espero que podamos corregirlo.

Colomo: Creo que se puede hundir Europa y con ella nosotros. La estructura del estado es sólo el arma arrojadiza con la que se pelean las diferentes identidades de la península. ¿Y el último concierto en el que de verdad salisteis entusiasmados?

Alfredo: El tercero de los cuatro conciertos que dieron Vetusta Morla en el Teatro Circo Price de Madrid cerrando su gira. Les he visto más de quince veces pero esta fue espectacular. El inicio en acústico, salió la Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia y fue tremendo, pero el final en el bis con cuatro can-

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Colomo: La semana pasada estuve en el concierto de Los Hermanos Cubero... vaya jefes!! Jotas country con mandolina y guitarra. ¿Qué hubiese sido de nosotros si no hubiesen existido NOFX? Alfredo: Esta pregunta tiene trampa, pero Fat Mike y los suyos no han sido un referente en mi vida. También escuchaba Lagwagon, Pennywise, Rancid, Bad Religion, Offspring y otros grupos afines. Pasé muy deprisa por el punkrock, me centré más en el hardcore y el metal, aunque fue una buena etapa disfrutando con estos grupos.

Escri: Pues que sí habría tenido FX (está conmigo Tamariz detrás haciendo lo del violín después de esta obra maestra del humor). Y probablemente no me lo habría pasado tan bien de adolescente.

Del Punk-Rock californiano a mí los que más me han tirado siempre son Rancid, pero NOFX es un grupo importante para mí. Los sigo escuchando bastante y a estas alturas de la peli no creo que sea algo que vaya a cambiar.

Colomo: La verdad es que mi vida hubiera sido muy diferente sin la sudadera de NOFX que tenía en el instituto... ¡¡¡Iba super feliz!!! Además ellos me enseñaron que podías hacer punk rock con acordes menores, utilizar séptimas sin vergüenza, o hacer una canción que hable del sistema nervioso de las almejas y quedarte tan ancho. Mi vida sería muy diferente, quizás tendría un trabajo como dios manda...

ARIES

«En ningún momento visualicé mi futuro con una banda; sólo me veía tocando con mi hermana» Aries es seudónimo que ha elegido Isa de Charades para hacer sus canciones en solitario. Hablamos con ella sobre todo lo relacionado con su debut en Bcore y los “psicodélicos de la pradera”.

tada… Y cualquier “marcianada” que se me ocurre va para delante.

La desventaja es que ya no comparto este tiempo y la música con 4 amigos. Con todo lo que eso conlleva.

Si no me equivoco los temas del disco van apareciendo cuando te mudas de Madrid a Vigo. ¿Crecen con la idea del disco en solitario desde el principio, o había idea de formar alguna futurible banda?

La verdad es que no pensé en esos términos… simplemente volví a hacer canciones. Volví a tener ganas de tocar, cantar, escribir letras… Ensayaba sola o con mi hermana, tranquilamente.

Aunque sí que es cierto que en ningún momento visualicé mi futuro con una banda; sólo me veía tocando con mi hermana.

Tocar, para mí, requiere mucha intimidad y conexión. Llevaba 8 años tocando con Coki y Guille, no me apetecía nada tocar con gente nueva. Varios grupos me ofrecieron cantar con ellos y aunque me sentí muy halagada, dije que no. Tampoco va conmigo lo de pillar una banda profesional para el directo o algo así. Tocar con mi hermana es como tocar en bata y zapatillas (risas), super a gusto.

“La Magia Bruta” parece un disco muy casero y artesanal, pero al final has vuelto a recurrir a Santi García a la producción (y al bajo). ¿Por qué? ¿Por qué no? ¡Tenía que grabar y masterizar en algún sitio! (risas) Que suene más lo-fi y casero no quiere decir que renunciase a grabar con Santi; él es super versátil y se adapta a las ideas que tú lleves. Yo quería volver a grabar en su estudio porque para mí es una maravilla compartir mi tiempo con él y, además, hace su trabajo magníficamente.

Aunque sí que discutimos un poco porque yo le decía “Santi, la batería de mi hermana suena demasiado bien. ¡Suena muy potente y tiene que ser más cutre!” Y él me decía “¡Quieres arruinar a tu hermana! ¡Es así como suena!” (risas) Pero el resultado ha sido satisfactorio 100%, como siempre.

También grabé en Vigo en los Estudios Pastora tres de las canciones. Y muy contenta también.

Las canciones siguen esa temática personal a veces esperanzadora y otras triste, pero las letras parecen algo más directas que en tus trabajos con Charades.

Sí, algunas son más explícitas y más directas. En Charades trataba de recoger el sentir general del grupo, las cosas de las que hablábamos y sentíamos. Otras letras las hacíamos todos juntos. Ummm… “Aguaceros” o “La Carta” son letras personales pero sí que eran más crípticas que éstas.

Aquí canté como lo necesitaba; mientras las hacía, no sabía si las acabaría editando o si verían la luz. Algunas ahora me dan vergüenza porque me expongo un montón, pero también me alegra haberlo hecho así.

«Algunas canciones ahora me dan vergüenza porque me expongo un montón, pero también me alegra haberlo hecho así.»

¿Qué otras ventajas y desventajas hay de trabajar en solitario a con una banda, aparte de los propios egoísmos compositivos de tocar lo que uno quiere siempre?

Sí, es todo mucho más individualista, claro. La ventaja es la libertad y el dinamismo que tengo: si quiero hacer algo, cojo y lo hago. No tengo que llamar a 4 personas, coordinar nuestras agendas y consensuar la decisión.

Ensayo todos los días cuando me apetece, grabo y regrabo, hago cambios, versiones de las canciones, hago la por-

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¿Toda esa superposición de letras, coros, etc se crean de inicio o como van surgiendo?

Son el inicio. Primero cojo la guitarra y hago las melodías, voy sacando los acordes en base a la melodía y los cambios de melodía que crea convenientes. Después la arreglo y le doy el aire que vaya a tener el tema.

Voy sola, con un sampler, un secuenciador, un sinte y la guitarra eléctrica. He regrabado todas las canciones, sampleado las percusiones y he hecho un repertorio un poco más animado que el disco, que es muy tranqui. De momento todos los conciertos han ido muy bien. No sé, ¡sólo puedo esperar a que vengas a verlo y juzgues por ti mismo!

Siguiendo con las comparaciones con tu banda previa, la instrumentación muy “Revolución Solar”, aunque esta vez parece que te ha dado más por buscar algo más “patriota”, ¿no? ¿Cómo surgen esas castañuelas y guitarras españolas? ¡Patriota-nacionalista! ¡Qué peligro! (risas) Siempre he sido muy fan de la idea tropicalista que abogaba por aglutinar la tradición pop-rock anglosajona con elementos de la cultura propia. Un fuzz en una bossa, por ejemplo. Eso me parece precioso. Tenía muchos instrumentos de percusión por casa y por entonces, mi novio y yo nos poníamos a tocar con la española casi todas las noches. Empecé a grabarla con efectos y me emocioné mucho.

Trato de no hacer música cliché; no sé si me sale pero huyo de los pastiches, no me gustaría nada parecer una cantante de Wisconsin o algo así. No sé si me explico.

Al mismo tiempo me encanta que todos podamos utilizar los recursos que nos dé la gana… como ya dije una vez, me flipan los japoneses que bailan flamenco. Pero no me gustaría nada hacer un ejercicio de estilo.

Ahora mismo hay cierto revival de todo el rollo sesentero y de pop psicodélico que lleva presente en Charades desde los inicios. ¿Qué bandas son las que más te suelen influir a la hora de crear esas melodías? Y de hoy en día, ¿Que bandas o artistas crees que han sabido plasmar toda esa influencia de mejor y de la forma más original?

Mis “dioses de la melodía” son sobre todo los Byrds. Los Byrds, Gene Clark… Los Beatles son mi grupo favorito pero sus melodías son para mí algo algo sobrehumano.

Bueno, en realidad creo que voy absorbiendo melodías de todos lados! Por ejemplo, en el mainstream hay canciones con melodías buenísimas, Rihanna o Britney Spears tienen compositores muy buenos detrás. Me fijo en cualquier canción, en realidad.

Hoy en día no conozco muchos grupos que hablen de los Byrds o Buffalo Springfield como influencia, sólo Beachwood Sparks, Teenage Funclub, Tame Impala… Pero sí que es cierto que hay mucho pop psicodélico, tipo Animal Collective que me encantan, o Peacking Lights que hacen unas canciones bastante preciosas. Bueno, y luego están Beach House y todo eso… Hay grupos de pop muy buenos.

También hay mucho hype de psicodélicos de la pradera que me parecen muy malos (risas).

Una de las cosas que nos despierta la curiosidad es cómo será Aries en directo.

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CORIZONAS

«Somos un solo grupo; pensamos como tal, funcionamos como tal y lo disfrutamos como tal» Tras unir fuerzas el año pasado para poder asaltar los mejores escenarios, Arizona Baby y Los Coronas siguen recorriendo los páramos musicales estatales bajo el nombre común de Corizonas. Aún reciente su disco de debut, “The News Today”, les entrevistamos.

FOTO: Paola Bragado

La primera pregunta es la de rigor, ¿cómo se encuentran dos bandas de forajidos como Arizona Baby y Los Coronas en la calle principal del pueblo y deciden aliarse en lugar de emprenderla a tiros?

Fernando Pardo - El pueblo empezaba a resultar aburrido, ya sabes cuando las cosas se establecen empiezan las normas y los vaqueros se aburren. Así que en lugar de aceptar las cosas como venían y hacer lo que se suponía que debíamos hacer, nos juntamos con los vaqueros más molones del pueblo y nos dedicamos a disfrutar de lo que la vida de la frontera nos pudiera proveer. En este caso, r’n’r, mucho y del bueno.

Javi Arizona – Eso es lo que ocurrió para que se pusiese en marcha Dos Bandas y Un Destino. En la nueva etapa en la que nos encontramos, que es Corizonas, ya no estamos tan al oeste... aunque algo queda, por supuesto. Ahora también incidimos en una visión más universal a nivel de concepto y letras... ya lo hacíamos antes, pero ahora de forma más consciente.

Lleváis ya un tiempo rondando juntos, ¿os sentís como dos bandas que se han unido circunstancialmente o Corizonas es ya un solo grupo con todas las de la ley?

J – Corizonas es un grupo propiamente dicho y “The News Today” es su disco de debut. Arizona Baby y Los Coronas son grupos que existen a la vez que Corizonas.

F – Sin duda somos un solo grupo; pensamos como tal, funcionamos como tal y lo disfrutamos como tal.

¿Cómo se gestó “The News Today”: venía cada una de las partes con sus canciones y las poníais en común, cada miembro ponía su granito, surgió todo de ensayar en común...?

F - Hubo un poco de todo, nada fijo ni preestablecido. Alguno de nosotros venÍa con una idea o una canción o simplemente un riff, le dábamos unas vueltas en el local todos juntos y normalmente en media hora teníamos el grueso de la canción.

La oíamos por la noche en casa y al día siguiente la rematábamos cambiando lo que veíamos necesario. En unos cuatro días sacamos el grueso del disco.

J – Tanto en ensayos como en el estudio nos hemos comportado como un sólo grupo. Unas veces los compañeros traían ideas que yo, como cantante, completaba y otras veces traía yo canciones completas listas para arreglar entre todos. Es la forma en que yo suelo funcionar y en Corizonas, al igual que en Arizona Baby, mis compañeros han apoyado en vez de censurar. En general hemos disfrutado mucho haciendo este disco. ¿Cuánta importancia tiene el imaginario colectivo americano: el Far West, el country, el desierto... como base conceptual en vuestras canciones?

F - Refleja muy bien el constante movimiento al Oeste, a la nueva frontera, a lo desconocido, a lo salvaje, a lo que aún está por civilizar. Toda esta imaginería nos encanta por lo estético y por lo que significa, por el reflejo del triunfo de la individualidad frente a la masa y la ocasión de evitar los lugares comunes, huyendo de la rutina. Si encima nos aprovechamos de su banda sonora, pues perrrrrrfecto !

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J – Sí, todo esto que dice Fernando es muy bonito y estoy muy de acuerdo. Pero insisto en lo que decía antes. Con Corizonas ya no es como Dos Bandas y Un Destino.

Obviamente el rollo western, o como lo quieras llamar, forma parte de ambas bandas de forma natural pero ya no es tan importante como en nuestra anterior etapa juntos, en la que era un elemento esencial en el imaginario de la gira. Ni siquiera para Arizona Baby son tan importantes el rollo vaquero o el rock sureño... son sólo dos elementos que conviven con otros muchos en nuestra música. El desierto sí que nos ha influido más como concepto abstracto. Nos van más las atmósferas que las referencias concretas. Volviendo a Corizonas, estamos interesados en seguir en esa senda sin barreras ni estereotipos marcados a fuego, con una visión universal.

Mirando la agenda, sois quizá la banda que más ha girado en estos últimos tiempos por el país, ¿os atrae la vida en carretera? ¿os sentís en una infinita Ruta 66?

F - No todos pensamos lo mismo, pero yo estoy totalmente atrapado por la vida en la carretera, siempre en movimiento, conociendo gente nueva, lugares nuevos, olores nuevos... Ojalá esto dure siempre.

J - A veces echo de menos pasar más tiempo en el estudio. Me encanta echar horas en el estudio y experimentar. Pero reconozco que, como persona sociable y fiestera que soy, me encanta la vida de músico de rock and roll girando de ciudad en ciudad, tocando de garito en garito.

Es muy enriquecedor a nivel personal, no sólo musical.

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«A veces el precio de la libertad total es cierto desapego hacia algunas obligaciones que se les presupone a los grupos.» ¿Supone algo especial para vosotros que el ciclo Heineken Music Selector se fijara en vosotros, una entidad que nos trae ahora a Low o Sharon Jones y que en el pasado trajo a Wilco o Nick Lowe?

F - Por supuesto, es un honor, un placer y una responsabilidad que nos viene muy bien para seguir creciendo y progresando. No hay mejor prueba para alguien que se dedica a la música que compartir escenario o tocar donde antes lo han hecho grandes grupos. Luego sienta fatal que te digan eso de “no ha estado mal, pero el año pasado toco tal grupo y estuvo mucho mejor”.

Sois bastante gente sobre el escenario, ¿soléis tener problemas de espacio en los conciertos, sobre todo en salas de tamaño reducido?

J - A veces es una putada... ya he roto una de mis guitarras al chocarme con el bajo de Javi Vacas en pleno momento álgido de un concierto, me he hecho varias heridas en los brazos y las manos al golpearme contra la guitarra de Fernando o la batería de Loza, me estoy cascando los piños contra el micrófono a diario y siempre tiro cervezas por encima de todos los cables y enchufes... cualquier día haremos un concierto-barbacoa.

J – Arizona Baby ya hemos tocado dentro de este ciclo hace un par de años junto a Clem Snide y fue una gran experiencia.

Lo pasamos muy bien y fue una importante oportunidad para abrirnos a más público.

F - Si, a veces acabamos poniéndonos en dos niveles, unos más adelantados y otros un poco por detrás, para evitar más accidentes.

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Parece que el público responde ante vuestro directo ¿creéis que hay lugar para el rock’n’roll de raíces en nuestro país, sobre todo dentro de la escena indie, que es una de las que más os apoya?

F - Sí, sí que lo hay. Es una escena de música mayoritariamente independiente en la que el r’n’r coexiste sin problema con el pop. Tenemos en común nuestra actitud ante la música por encima de las diferencias puramente musicales. De hecho Los Coronas coincidimos con Arizona Baby dentro de esta escena indie, igual que con Guadalupe Plata u otro montón de grupos independientes mas orientados a la música de raíces.

J – Arizona Baby siempre nos hemos movido en la escena indie y estamos encantados. A priori podría parecer que sólo encajaríamos en un Azkena y en algún otro festival especializado en country, blues, folk o rockabilly. Lo bonito es que no sólo encajamos a la perfección en esos ambientes, que son muy de nuestro rollo, sino que también podemos actuar en festivales plagados de DJs, sintetizadores y grupos de pop minimalista y, además de ser bien recibidos, sentirnos muy cómodos.

Lo bueno de la música es que hay un momento para todo y la gente ahora quiere variedad. Sería muy aburrido tocar siempre para el mismo público. Corizonas tenemos este espíritu, queremos hacer llegar nuestra música a todos los rincones.

DULCE PÁJARA DE JUVENTUD «Nuestra intención es mezclar el lado más de estadio con el experimental» Dulce Pájara de Juventud están siendo una de las sorpresas locales que el 2012 nos tenía guardada. Son de BCore y su mezcla de psicodelia, rock noventero y épica festiva promete dar mucho que hablar, así que charlamos con Sarai, bajista de la banda, al respecto.

Sabemos que uno de vosotros viene de Fuckin’ Bollocks, pero no tenemos mucha idea del resto. ¿Nos podéis hacer algo de historia de cómo se forma la banda?

Nos conocemos básicamente todos desde que éramos unos mocosos. Cuando teníamos unos 15 años, Ricard, Bruno y yo, teníamos una banda, el típico grupo de adolescentes que se junta en el garaje para hacer ruido. Con el tiempo el grupo se disolvió.

Hará un año y medio Ricard y Bruno empezaron a quedar para tocar, recuperando un poco la esencia de aquella época. Posteriormente yo volví, por último se lo propusimos a Xavi, y poco a poco se fue consolidando lo que es este proyecto.

Parece que habéis conseguido con este debut hacer buenas canciones, en tiempos en que la gente anda más preocupada de sonar a algo nuevo o guay. ¿Cómo han surgido las canciones?

La verdad es que cuando empezamos a componer, nuestro local de ensayo era lo más parecido a un laboratorio de ruidos que otra cosa.

Ricard puso las bases, luego lo trabajamos todos poniendo nuestro granito de arena. Que si tal riff de guitarra, que si este ritmo de batería, etc...

Lo que finalmente se coció en ese local no fue con pretensión de innovar gratuitamente.

Queríamos hacer canciones que la gente pudiera disfrutar de distintas maneras: emocionando, agitando, divirtiendo...

De hecho queríamos ser un grupo de estadio de estar por casa. Y por qué no, romper las reglas de la canción “pop”.

Fuera estribillos, rebajar el papel de la voz al del resto de instrumentos y todo gestionarlo de tal manera que ni tan siquiera se echara a faltar. De ahí el gran papel de las melodías como trama y conductor. Por otra parte, era necesario el hilo entre ellas. Que aún la heterogeneidad del conjunto se pudiera disfrutar de un desarrollo determinado, como una montaña rusa. Eso le podría otorgar distintas caras de una misma escucha.

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Se os nota grandes consumidores de música. Ahora con Internet es fácil que sacar parecidos, aunque nos equivoquemos. A nosotros nos recuerda vuestro sonido a bandas como Titus Andronicus, Fang Island, Pixies o The Flaming Lips... ¿qué os parece?

En el disco se nota que nos encanta escuchar música. Consumimos de todo tipo, desde bandas actuales como las que nombras, pasando por otras que han hecho historia, hasta música clásica. Para crear tienes que mamar mucho y de todo, así es como creemos que se aprende y como nos inspiramos, mezclándolo con sentimientos, vivencias, sentidos, etc... y de ahí sale básicamente nuestro disco.

Está claro que las influencias son inevitables, pero tampoco nos gusta que nos etiqueten con 4 grupos contados, porque últimamente nos encontramos en muchas reseñas comparándonos con las mismas bandas, y realmente hay un cóctel de mucho más.

Lo del señor que habla en “Nacer 3” es digno de explicación. ¿De dónde aparece este hombre? ¿Por qué decidisteis introducirle en el tema?

Bruno y Ricard se conocen desde que iban en pañales. Ambos iban a una guardería de monjas, donde residía un conserje

«Queríamos ser un grupo de estadio de estar por casa. Y por qué no, romper las reglas de la canción “pop”.»

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que había vivido unas experiencias algo traumáticas relacionadas con el satanismo. Era un hombre que gracias a la fe volvió a nacer.

Conseguimos unos audios donde relata su vivencia y dónde se refleja lo que ese conserje sufrió. Con su permiso decidimos utilizarlo para ponerlo sobre una base musical que acompaña los momentos de euforia, de miedo, de superación y todo junto parece que cobra vida.

more Lies, y muchisimos más. Además de haber contado con bandas como Delorean, Coconot, Standstill, etc...

Entonces lo de ir a grabar a Utramarinos fue decidido antes... ¿Quedásteis contentos con cómo suena el disco? Parece que le ha dado vitalidad y pegada, ¿no?

Estamos muy contentos de cómo quedo, ¡y más teniendo en cuenta que fue una grabación de lo mas fugaz! En 5 días grabamos 10 temas.

Los hermanos García han hecho un gran trabajo, y le han dado un toque que hace que el disco sea aún más especial.

Ha sido todo un placer habernos puesto en sus manos para grabar, mezclar y masterizar. Sin duda repetiríamos.

¿Cómo surge lo de fichar por BCore? De paso decidnos cuáles son las bandas del sello que más os gustan.

En un principio decidimos ir a grabar con Santi Garcia – pensábamos que con un disco en mano tendríamos mas facilidades para empezar a movernos y promocionarnos-. Apenas habíamos hecho 3 conciertos juntos, pero nos lo creímos lo suficiente como para apostar por ello. A Santi le gustó bastante lo que hacíamos y nos propuso enviarle a Jordi Llansamà de BCore algunas canciones.

A las dos semanas ya teníamos noticias suyas. Son un gran sello, además de una gran familia.

De entre sus filas podríamos destacar muchos grupos como The New Raemon, Bullitt, Joan Colomo, Anímic, Oso, No

Como no os habéis prodigado aún demasiado fuera de Cataluña os toca contarnos cómo es un concierto de Dulce Pájara de Juventud. ¿Gana la parte festiva o la más pop?

Nuestra intención es mezclar el lado más de estadio con el experimental. Crear una especie de sesión donde haya cabida para todo de manera coherente.

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ULISES LIMA

«La gracia está en buscar un sonido propio pero rindiendo pequeños “homenajes” a tus bandas favoritas» “Waiting for the Summer” de los madrileños Ulises Lima es uno de los lanzamientos que más nos han marcado de la temporada. No podíamos perder la ocasión de tener una extensa charla con Tote (voz y guitarra) sobre emo, bandas de ayer y hoy, lo que nos cuentan en sus canciones y comedias de situación FOTO: Carolina Álvarez Leyendo vuestra presentación en la página de Caleiah, parece que os tomaseis la banda un poco a coña, pero el proyecto va bastante en serio. ¿Cómo os planteáis la banda tras la publicación de “Waiting For The Summer”?

Lo planteamos un poco a corto plazo todo. Viviendo Rai en Talavera es prácticamente imposible llevar una vida de grupo “normal”. Nada de un ensayo a la semana. Nos metemos nuestras buenas palizas ensayando, eso sí, con muchos kilómetros de por medio y siempre con muchas ganas, claro está.

Lo que estamos consiguiendo con este disco es, sobre todo, poder salir a tocar fuera. Bastantes conciertos fuera del circuito de Madrid sanean bastante nuestras mentes (que no nuestras cuentas) y vienen de puta madre para ver la respuesta del público por ahí fuera. La verdad es que ha sido un parto jodido el de este LP, ya que la primera grabación del mismo fue en julio del año pasado, pero da gustito tener por fin un vinilo en condiciones entre manos. Los chicos de Caleiah se han portado de lujo, aunque en sus reuniones uno va a beber birras y admirar la belleza de Cuco.

A pesar de que el disco era bastante esperado dentro de la escena, sólo habéis publicado una tirada de 100 vinilos en color. ¿Esto es así? ¿Cuál ha sido exactamente la tirada del disco? ¿Prevéis editar nuevas remesas de vinilos?

Son 100 copias en color y 200 negras.

La edición en color era para los preorders principalmente y para los primeros que las pillaran. Hay que decir que aún quedan un huevo, para qué nos vamos a engañar…Si hubiéramos puesto la por-

tada que quería yo, otro gallo hubiera cantada: tenía una foto de Rai con su padre y mi idea era llamar al disco “Generations”, o algo parecido. Son un calco el uno del otro. Brutal. Lógicamente, Rai me dijo que me metiera un dedo por el culo a ver si se me ocurría algo mejor. Y ahí está la portada actual (idea suya, pero que a mí me encanta).

Aún quedan muchas copias del 7” (Dez de Existencia hizo un porrón de copias) y del 12”. Si algún día llegan a agotarse, pues eso ya depende de nuestros capos de Caleiah. Estaba en mente hacer una nueva tirada de nuestra demo en cd, a cargo de Monasterio de Cultura, pero no sé cómo va el asunto.

Los componentes de la banda han ido cambiando según evolucionaba el grupo como tal, y lejos quedan ya los tiempos de la demo “A Thousand Words”. ¿Está la actual formación totalmente establecida y asentada?

Rai lleva en el grupo casi desde el principio. Antes que él estaba Alejandro al bajo, el cual grabó “A Thousand Words”, pero poco después se fue a Florencia para no volver. Rai y su barba, que ya nos grabó esa demo, llevan en UL desde el segundo concierto.

Lo de Paul fue la hostia. Yo ya tocaba en La Letra Pequeña con él (grupo de punk/emoviolence, por decirlo de alguna manera). Cuando se fue David, se lo propuse a Paul. En la primera semana se aprendió unos 12 temas sin cometer ni un solo fallo. Iba todo el día en el metro escuchando y estudiando las canciones.

Gracias a él pudimos tirar hacia delante y crecer bastante como grupo.

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Siendo el batería inglés, y el vocalista un madrileño cantando en aquel idioma, ¿qué opina Paul? ¿Da siempre el visto bueno a las tan complicadas pronunciaciones, u os mete caña con ello?

Hace poco me comentó Paul que escribía letras con más sentido que mucha gente inglesa. Eso me llegó al corazón, es lo más bonito que me haya dicho nunca un hombre o mujer. A veces me pregunta en plan “¿qué dices aquí?”, pero es muy respetuoso con mis patadas y codazos al diccionario inglés. Es muy buena gente.

Debe ser jodido controlarse y no mofarse de las letras.

En cada nueva edición que habéis ido sacando a la luz se han ido notando pequeñas mejoras tanto compositivas como de sonido, ¿cómo y dónde grabáis este Lp? Lo grabamos todo en el estudio de Rai en Calera y Chozas (Talavera). Es una casa rural de su familia y en la parte de abajo es dónde hace su vida y tiene la base de operaciones. Cuando grabamos allí en verano siempre hay tiempo para bañarse en la piscina o hacer una buena comilona al sol. Se está como Dios. Cuando grabamos la demo, aquello no era más que un garaje con trastos, pero ahora es un estudio de grabación en toda regla. Hace poco estuvieron allí grabando unos temas los chicos de Rollercoaster Kills. En enero de 2012 tocamos junto a L´hereu allí mismo, y vino bastante gente. Fue la leche porque te alejas de las típicas mierdas y alquileres salvajes por tocar y todo va mucho más relajado.

La verdad es que se nota el cambio de sonido a lo largo de lo que hemos ido sacando. EL equipo del estudio es cada

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día mejor y Ray Jobbins es el tío más paciente que he visto detrás de una mesa de sonido. Aún así, no solemos emplear más de dos o 3 días en grabar. Igual deberíamos tomarnos las cosas con más calma en el estudio…

Entre vuestras influencias se suele nombrar a Jawbreaker, Samiam, Hüsker Dü, Rites of Spring… todas ellas bandas de hace 20 o 25 años. Es evidente que no tratáis de inventar nada, pero ¿cómo veis todo esto de la eterna comparación con las bandas que a todos nos marcaron cuando éramos más chavales? ¿Cuándo leéis una reseña o comentario reduciendo vuestra música a términos como “emo”, “noventera” lo tomáis como halago u os molesta?

A estas alturas ya está todo más que inventado, y la gracia está en buscar un sonido propio pero siempre rindiendo pequeños “homenajes” a tus bandas favoritas. Así lo veo yo. Si alguien dice que le recordamos, aunque sea en una nota, a Jawbreaker o cualquiera de las bandas que nombras, pues es un jodido honor, la verdad. Yo no voy a esconder que hago canciones en base a los grupos que esté escuchando en una determinada

época de mi vida. Si escucho más a Sinaloa, pues salen temas como “Old Habits”, y si me da por Van Pelt, pues sacando una de sus canciones sale “The River”. No hay que escapar de las influencias y obsesionarse con sonar “diferente”, porque seguramente de esa manera acabarás haciendo un mierdón importante. Paul y Rai escuchan powerviolence y aquí les tienes, haciendo el julai por mi culpa.

En cualquier caso los grupos a los que se suele decir que os asemejáis, formaron parte de una generación del underground estadounidense que, si bien pueden considerarse de culto, siguen siendo, y en España aún más, muy poco reconocidos. ¿Veis esto como una ventaja o como un hándicap para que lo vuestro cale entre la gente?

Poco a poco todas esas bandas van saliendo del agujero. Mira Codeine, que se comían una buena mierda en los 90 y este año tocando en el Primavera…

Que por mí perfecto, se lo merecen, joder. La ventaja de todas estas bandas de las que hablamos es que, una vez que entran en tu vida, ya no salen. Puedes dejarlas en el olvido un tiempo, pero al final siempre acaban volviendo a sonar

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en tu reproductor. A lo que voy es que si te gusta Nueva Vulcano, te tienen que gustar Seam. Sólo hay que tirar un poco del hilo y hacer que todos estos grupos míticos estén siempre ahí.

En lo que respecta a Ulises, no nos podemos quejar. Le gustamos a unos cuantos y no hemos recibido insultos, al menos a la cara. Podría irnos mejor y hacer más fechas fuera de Madrid, pero nos lo pasamos de puta madre y disfrutamos cada momento.

“Con himnos para corear cuando estás exultante y otros para cuando estás jodido, cansado o enfadado, pero que te harán sentir joven para siempre.” Así resumíamos “Waiting For The Summer” cuando lo reseñábamos hace unas semanas. ¿No es ese el mayor logro que se puede lograr haciendo música en pleno 2012?

Joder, pues la verdad es que sí. Es la puta leche que alguien al que no conoces de nada pueda sentir cosas con tu música, o que un tío te compre el disco desde Estados Unidos o que vosotros mismos nos reseñéis el disco y os pueda llegar a molar tanto como a nosotros. Todo esto es mucho más que suficiente para nosotros.

Y de conciertos ¿cómo va la cosa? Tuvisteis bastantes fechas durante septiembre y octubre… ¿esperan nuevas fechas por territorio nacional? Y la puerta de Europa ¿existe la posibilidad de que se abra, o es pronto aún?

Septiembre y octubre han sido grandes meses. Cuando bajamos a Málaga flipamos, literalmente. La gente se lo pasó de puta madre y nosotros más aún con ello . Nunca antes habíamos visto algo así en cualquiera de nuestros conciertos.

Había incluso gente que se sabía algunas letras…, increíble. Contamos también con la presencia de Casta y James con nosotros en la furgo, descubrimos a Shonen Bat en directo, vimos a viejos amigos como Malaguita…todo salió a pedir de boca. En Barcelona también estuvo muy bien. Arnau y compañía son unos salaos, que no dudaron en meternos en sus casas, incluso cuando yo sufrí una gastroenteritis, y fueron a la farmacia a por suero oral y todo. Sé que no debería contar estas cosas y echarme mierda encima (nunca mejor dicho), pero es una muestra más de la generosidad de la gente.

Ahora estamos buscando fechas por Asturias, Salamanca, Galicia… lo que sea, la verdad. Nosotros echamos los trastos al coche y para allí que vamos.

Lo de Europa ya lo veo algo más complicado. Nuestros “salarios” y ahorros de grupo nos permitirían llegar a la frontera francesa, tocar pared y volver cagando leches antes de arruinarnos.

En cuanto a gente y bandas con las que compartir escenario, parece que la escena pasa por un buen momento.

L´Hereu Escampa, Trono de Sangre, The Destroyed Room, Turnstile, Vistalegre, Aliment, Krilin… unidos a otros más veteranos como Toundra, Cordura, Interlude, Bullitt… Muchos, variados, y de gran calidad. ¿Es quizás uno de los mejores momentos de los últimos años para el underground nacional?

Lo que sí que se nota en plena “era Internet” es que ya no existen esas bandas míticas, por decirlo de alguna forma, que había antes: Aina, A Room With a View, Xmilk… Antes se solía venerarlos a todos, y ahora es todo más efímero, un día estás arriba y al día siguiente ya no eres nadie.

Lo bueno de esas bandas que comentas es que son buena gente, independientemente de que me puedan gustar

«Madrid lleva unas décadas bajo la sombra del fascismo y la tendencia no parece cambiar.» más o menos la música que hacen. Tengo buenos amigos repartidos en grupos de Madrid y más que hacemos en el camino. Siempre hay que buscar hueco para recomendar nuevas bandas: Shonen Bat, Naturalesa Salvatge, Zephyr Lake o Blooming Látigo son esas sorpresas que te llevas a la cara cuando crees que no te puede interesar casi nadie de por aquí.

Pero yo no noto que sea una buena época, basándome al menos a la “escena” (por decir algo) madrileña, ya sea por escasez de salas o precios de alquiler prohibitivos. Lo único 100% recomendable de por aquí es La Faena II. Hemos tocado allí unas cuantas veces y tienen un estilo de hacer las cosas realmente cojonudo. Traen a bandas de primer nivel (Enablers por poner un ejemplo), siempre con unos precios de lo más competente, y no te clavan 4 o 5 euros por un puto tercio y no tienes que dar 214 vueltas para encontrar aparcamiento. Pero claro, nosotros queremos nuestros conciertos en plena Gran Vía, y así nos va...

Además, parece que una escena inquieta es más necesaria aún si cabe en los tiempos que corren, políticamente… Al final como artistas supongo que toda esa rabia se ve reflejada en vuestras canciones.

Toda esta situación política no es algo que debería sorprender. Madrid lleva unas décadas bajo la sombra del fascismo y la tendencia no parece cambiar.

El llamado “obrero de derechas” es el modelo actual, lamentablemente. El otro día escuchaba como un señor de unos 60 años, hablando con el portero del edificio donde curro, le decía que a “los putos rojos esos que están con manifestaciones cada dos por tres les metía de hostias para que trabajaran y se dejaran de mierdas”. Opiniones así no escasean por aquí. Sólo hay que enchufar Intereconomía unos minutos, soltar una buena carcajada y luego acojonarse al pensar que esa corriente de pensamiento está más extendida de lo que pensamos. Afecta y 124

mucho a la hora de enfocar una canción o una letra, ya que al fin y al cabo es una expresión de cómo te sientes en un determinado momento. Nosotros acabamos de hacer un tema llamado “Hope”, en honor a esa gran política y mejor persona…

Yo, sinceramente, no siento ningún apego ni por España, ni por Cataluña, ni por su puta madre. Como bien dice Federico Luppi en ‘Martín Hache’, “no extrañas un país, extrañas un barrio y te pasa lo mismo si te mudas a 10 cuadras”.

Volviendo a la música, ¿es posible que en no mucho tiempo volváis a publicar algún tipo de material?

De hecho ahora mismo me encuentro en Talavera, ya que vamos a empezar a grabar 4 temas que irán en un compartido con Shonen Bat. Seguramente salga en Cd en Monasterio de Cultura y a ver si también nos lanzamos a una edición en cassette con el bueno de Arnau. Con suerte, alguien se anima y nos edita en vinilo. Tenemos suerte de habernos topado con buena gente en el camino que han apostado por nosotros (David de La Caída, Dez de Existencia y los chicos de Caleiah) Terminemos con algo que nos ha llamado la atención. Vuestra descripción en Facebook es una sinopsis de “Cosas de Casa”. ¿Cómo ha influido esta ilustre serie en vuestras composiciones y cual es vuestro personaje favorito?

A mí en particular me daba un asco tremendo. Era ver asomarse el careto de Urkel y notar cómo se disparaba mi tensión. Es que vaya familia de mierda, cada cual era más imbécil que el otro. Mi pregunta es: ¿qué fue del niño que imitaba a Michael Jackson, el pequeño? ¿Y su hermana? ¿Era su hermana? ¿A alguien le parecía que Laura Winslow estaba buena? Waldo era el más auténtico de todos. Yo era más de “Padres Forzosos”.

Era exactamente lo mismo pero con blancos.

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TUYA

«Nuestra manera de trabajar se enfoca en desarrollar una idea concreta de algo, no en pensar en estilos o grupos más allá que como herramientas» Tras el EP “Own” editado en 2011, el proyecto personal de David T. Ginzo, Tuya, ha pasado a convertirse en una banda a todos los efectos. Ahora se presentan con “Watersport”, primer LP de nuevo lanzado por Subterfuge. Hablamos con David de más cosas aparte del fin del mundo.

Después de múltiples proyectos en bandas como Sidonie, Lüger, Catpeople, Anni B Sweet, o El Hijo, ¿qué te lleva a formar Tuya? A priori surge como tu proyecto personal ¿no es así?

Si, esto lo empiezo yo solo. Siempre he hecho música, así que de alguna manera acabó ocurriendo todo: grabar un disco, dar conciertos, etc. Por supuesto, estar en otras bandas me ha enseñado los diferentes caminos que hay para conseguirlo.

Una vez grabado el Ep, “Own” en 2011, se forma la banda ¿cómo fueron las cosas con ese trabajo? ¿Logró las expectativas que os habías planteando cumplir?

“Own” lo grabé yo con Brian en su estudio, por entonces era yo y mis canciones.

Las cosas fueron muy lentas, hasta tal punto que parecia estar muerto. Por un

momento parecía que llamaba la atención, pero luego se vio que no tuvo mucha trascendencia. Pero como tampoco tenía muchas expectativas, fue justo lo necesario para llegar al “Waterspot”.

Ahora veo cosas de entonces a las que me gustaría volver.

Si no me equivoco te rodeas no sólo de músicos en los que confías, y con carreras más que fructíferas en otras bandas estatales, sino que además son amigos. ¿Es así? Háblanos un poco de cómo surge todo el proyecto también en ese sentido, y los puntos en común que pueden llegar a unir a los cuatro.

Llegó un punto en el que tuve que presentar la canciones con banda y ahí fue donde aparecieron ellos. Los conozco desde hace muchos años y ya habíamos tocado juntos en otros proyectos, así que es algo natural.

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En “Waterspot” se fusionan los sonidos pop más clásicos con la electrónica, así como otras referencias de cariz quizás cercanas al folk vanguardista, y en las que se multiplican las capas y las texturas. ¿Cuáles dirías David que son las principales influencias de Tuya para alcanzar este sonido?

Creo que esas influencias suelen ser cosa del subconsciente (que a veces traiciona), no es algo en lo que pensemos mucho. Nuestra manera de trabajar se enfoca más en desarrollar una idea muy concreta de algo, no pensar en estilos o grupos más allá que en herramientas o instrumentos de trabajo. Nada en concreto puede definir más que la metodología de trabajo y la aspiración con el mismo, creo yo.

La polivalencia adquirida en todas las bandas con las que has colaborado, se

nota en el sonido de Tuya. ¿Crees que como se suele decir quien mucho abarca poco aprieta, o por el contrario que el proyecto es el más completo al que puedes aspirar como músico a día de hoy precisamente gracias a todos los estilos que abrazas?

Supongo que al igual que cuando uno viaja y ve mundo, vuelve con una nueva perspectiva que añadir a su análisis de las cosas. Cuantos más proyectos (gente, estilos, formas de organizarse, viajes, etc) ves y formas parte, mayor perspectiva tienes de cómo hacer las cosas. Pero las opciones se abren y por momentos te puedes encontrar en la situación de ver muchas salidas y que no te guste ninguna.

¿Cuáles están siendo las primeras impresiones con el público? ¿Notáis un salto cuantitativo respecto a lo que significó “Own” en su momento?

Pues parece que al menos la gente lo está escuchando. Y hay quien le gusta y lo dice, recibimos muchos mensajes por RRSS de apoyo y se agradecen. Es importante, ahora podemos saber que esto no es sólo cosa nuestra, y que podemos salir a la carretera y va a merecer la pena.

Yo mismo estoy redefiniendo mi opinión al respecto desde hace mucho, porque creo que debemos de poner en situación muchas cuestiones a nivel ideológico de lo que supone la venta de según qué producto y su embalaje. Más allá de esa búsqueda, como receptor (no consumidor habitual no analítico), prefiero una cosa u otra dependiendo del caso.

No quiero que una portada de ‘clásica’ me influya lo más mínimo, pero no me importa que lo haga la de un grupo de psicodelia, ya que ese es su cometido.

En cuanto al diseño, ¿de dónde viene esa portada, y cómo ves el mundo del negocio musical en el que cosas como estas tienen cada vez menos valor, en pos de un simple archivo mp3 que te descargas de forma gratuita?

Os edita Subterfuge, un clásico en esto de la música indie desde los 90´, pero que también ha sido una de las compañías que mejor ha sabido posicionarse en ese mercado intermedio cercano al gran público. ¿Creéis que es en ese tipo

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«No podemos decir cada dos por tres en los medios que somos la oveja negra de todo, porque al final la gente no sólo se lo cree, si no que se aprovecha de ello y eso es inaceptable.» de sello donde Tuya mejor encuentra su sitio en el panorama actual?

El panorama actual nos lo inventamos entre todos y es lo que dejamos que sea. Por lo tanto, tenemos una paleta de opciones para escoger lo que queramos, y no te voy a decir lo que tiene que pensar cada uno sobre este mercado, creo que la historia lo deja bien claro. Conozco Subterfuge desde el primer concierto al que asistí con 12 años (Undershakers), hemos trabajado juntos en varios proyectos y podía estar con ellos como con cualquier otro; pero en este caso hemos llegado a un punto de confianza suficiente como para trabajar en común sabiendo siempre lo que piensa el otro. Y eso no suele pasar mucho.

Teniendo en cuenta que lo habéis grabado en directo, parece que no habrá problema para llevar “Waterspot” a este medio, pero aún así cuéntame cómo planteáis los directos de la banda, y qué planes hay para 2013 en lo que a conciertos se refiere.

Pues hacer todo lo que podamos. Estamos en otros proyectos y tenemos que hacer cuadrar las agendas de muchas personas, lo que no nos deja todo el tiempo que quisiéramos para esto; pero lo intentamos.

Primero haremos una gira de salas con banda. En verano se plantean unos cuantos festivales y no sé qué pasará más adelante. Pero al mismo tiempo, yo quiero seguir haciendo acústicos, que fue por lo que empecé todo esto. ¿Eres optimistas respecto a la escena actual, si es que podemos hablar de

escena como tal, o crees que seguimos estando un peldaño por debajo de los países que nos rodean, no en cuanto a calidad quizás, pero sí en cuanto a organización y estructuras?

Aquí hay organización y estructuras.

Pero se están suicidando como el resto de los mercados. Creo que vivimos una burbuja cultural en todos los aspectos y ya ha explotado. Y no es cuestión de un país u otro. No podemos decir cada dos por tres en los medios que somos la oveja negra de todo, porque al final la gente no sólo se lo cree, si no que se aprovecha de ello y eso es inaceptable.

Toca comentar el percance sufrido por Tuya, y otras muchas bandas en el Primavera Club, donde por órdenes de última hora desde la administración de la Comunidad de Madrid, se reducía el aforo de vuestra nave hasta las 90 personas. ¿Cómo lo vivisteis? Parece que como siempre los eventos culturales, pagan el pato de la mala gestión tanto de la propia industria, como del poder político, ¿no?

Pues creo que no. Pero tampoco quiero decir que seamos todos culpables. Se ha permitido que desmantelen todos los servicios sociales, siendo todos conscientes de que tenemos un sistema educativo vergonzoso. ¿Y la gente se sorprende de esto? Es muy fácil hacerse el loco ahora y hacer como si nadie se diese cuenta.

Conociendo tu inquieta personalidad seguro que estás tramando algo aparte de la gira de “Waterspot” con Tuya. ¿En que anda metido en estos momentos David T.Ginzo?

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Muchas ideas no acaban saliendo, pero por ganas no será. Me gustaría seguir haciendo conciertos con El Hijo, porque creo que hemos hecho un buen disco y la gente ha respondido bien en los conciertos. También hay algún proyecto nuevo con amigos en el aire, pero por experiencia te digo que nunca sabes dónde van a acabar esas cosas. Con TUYA me apetece hacer 2 miniLPs, uno en asturiano y otro de electrónica, pero ese es el punto de partida, quién sabe cómo acabará la idea. Y luego me apetece seguir haciendo cosas que hago en casa, más enfocado hacia la música generativa o aleatoria. También está encima de la mesa la idea del siguiente disco de Sidonie. Voy a producir a un par de grupos. Muchas cosas que hay que empezar a planificar ya mismo, que luego se junta todo, créeme.

Por último, y ya que estamos a finales de año, la pregunta obligada, ¿Cuáles son para ti los tres discos nacionales y los tres internaciones a destacar de este 2012?

Nacionales: Cachalote “El típico ojo” Nothing Places “Nothing Places” Templeton “El murmullo” Internacionales: Beak> “>>” Blanck Mass “White math/Polymorph” Titus Andronicus “Local Business”

ADRIFT

«Hemos notado que al haber tocado en festivales grandes la gente nos ve de otra forma» Los madrileños Adrift se encuentran en un gran momento tras la edición y primeras presentaciones de “Black Heart Bleeds Black”. Del crecimiento de la banda a todos los niveles, la apertura a nuevos públicos y otras cuestiones charlamos con Dani, bajista de la banda.

Muchos destacan adjetivos del último disco como “oscuro”, “bruto”, “cafre”, “denso”, etc. más que vuestros anteriores trabajos. ¿Va a ser cierto, como reza el tópico de las bandas de rock, que Adrift ha hecho “su mierda más heavy”?

No sabemos si hemos hecho “nuestra mierda mas heavy”, pero sí que creemos que es buena mierda (risas). Ya en serio, sí que estamos contentos con cómo ha quedado el disco, y creemos que se nota evolución en la banda pero sin dejar de lado nuestra personalidad de siempre en las canciones.

Siempre os habéis distinguido por un directo muy laureado. Supongo que sois conscientes, os lo han dicho, etc. ¿Cual creéis que es vuestra clave para eso? ¿Es complicado captarlo luego en disco?

Si nos han dicho muchas veces que nuestros discos no hacían reflejo de la energía que desprendíamos en directo, pero es complicado, en directo entran en juego más sentidos que no sólo el oído, con lo que la percepción es distinta, incluso el volumen. Y la clave, pues no sabemos, creemos que es que nos gusta mucho lo que hacemos y eso al final se transmite.

En los grupos de música extrema encontramos desde bandas que apenas dan importancia a las letras hasta quienes esconden verdaderos tratados casi filosóficos entre gritos y rugidos. ¿Cuál es el caso de Adrift en este aspecto? ¿De qué va el apartado lírico del disco?

En Adrift las letras han quedado siempre un poco en segundo plano, la voz se ha enfocado más como otro instrumento, con lo que nos ha importado en este aspecto más la forma que el contenido, aunque sí que apreciamos las buenas letras y las

intentamos hacerlo lo mejor posible, pero por la forma que tenemos de componer nos salen así.

La temática del nuevo disco en general habla sobre las masas, cómo se manipulan, etc.. También tocamos temas ya un poco de índole personal, de cosas que durante años hemos tenido entre nosotros, como “Fury Roof” que es una situación extrema que llevaba planteando Jaime durante años y la plasmamos en la canción.

Pese a lo oscuro y lo bruto, la composición se nos antoja cada vez más compleja, con canciones más largas, diferentes partes, etc. ¿Ha sido también más complicado a la hora de concebirlo? ¿Os lo habéis tomado en este último disco con más calma?

Siempre nos hemos tomado el componer con calma, pero no es que hayamos querido hacer canciones más complicadas a propósito, sino que han ido surgiendo así, con los años hemos ido aprendiendo cada uno en nuestro instrumento y hemos ido escuchando más música, con lo que va todo un poco ligado.

Algo también muy importante y a veces delicado en una banda así es la voz. ¿Qué tal aguantan las cuerdas vocales encadenar directos y otros “maltratos” de la carretera, etc.?

Jorge tiene ya fondo pillado con los años, aunque al final de cada concierto acaba perjudicado de la falta de oxigenación y de la energía desprendida (risas).

Este año habéis estado en festivales de bastante empaque como el Resurrection o el Costa de Fuego, algo no muy habitual hasta ahora. ¿Cómo habéis vivido lo de tocar para audiencias algo más grandes y supongo que, en parte, desconocedoras de la banda?

Pues ha sido una gran experiencia, porque nunca habíamos tenido la oportunidad de tocar en festivales de este tipo, y se aprenden cosas nuevas. Como bien dices ha tenido acceso a nuestra música gente que no suele estar dentro de los círculos en los que nos movemos, y en general la respuesta fue muy positiva en los tres festivales, el feedback con la gente después de cada actuación fue siempre muy bueno, y lo agradecemos. También hemos notado que el haber tocado en varios festivales grandes este año hace

«Nunca nos ha gustado encasillarnos en nada, siempre hemos tocado con bandas de diferentes estilos y nunca nos ha importado.»

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2012MIXTAPE /Entrevistas/// allí nos conocía y que en algunos lugares les gustaría que fuéramos, con lo que ya tenemos planes para el año que viene (risas). Desconocemos la repercusión real del disco, pero sí que creemos que es un buen disco y que le puede gustar a la gente fuera de aquí.

Con Adrift lleváis ya bastantes años y por tanto, mucho tiempo en la carretera, etc. ¿Cómo veis las cosas en este sentido de salas, posibilidades de girar, etc. van a mejor, a peor o más o menos sigue todo igual?

Pues la verdad es que hay un poco de todo, por un lado sí que hay gente que monta muchos conciertos, pero no pueden ofrecer buenas condiciones a las bandas puesto que luego la gente no suele ir a verlos y no se saca taquilla. Las salas en España no suelen estar acondicionadas para conciertos de este tipo, y hay problemas por el volumen o por los horarios, y por ejemplo en Madrid muchas veces es un poco ir contra reloj, puesto que suelen acabar los conciertos a las 00:00 y luego el sitio abre para otro ambiente, con lo que al final se acaba haciendo el apaño un poco y se tira para adelante, pero se suele poner mucho dinero del bolsillo de uno y requiere de mucho esfuerzo.

En épocas anteriores no sabría si decirte que estaba mejor o peor, yo creo que más o menos igual.

que la gente nos vea de otra forma, quizá como una banda más seria o más “grande”.

Habéis sacado el disco con Alone Records. A nosotros siempre nos ha parecido un sello algo misterioso, con muy buen catálogo y casi más predicamento en el extranjero que aquí. ¿Qué podéis contarnos desde dentro?

Pues Miguel lleva ya mucho tiempo con el sello, y ahora se está volcando en sacarlo adelante. Sí que es verdad que tiene más repercusión fuera de España, quizá por el tipo de música que edita y distribuye, pero dentro del estilo es uno de los sellos grandes en nuestro país con

referente internacional, y creemos que le podemos aportar como banda y que nos puede aportar como sello. Fueron ellos los que nos consiguieron las fechas de los festivales que mencionabas antes. Están apostando también por temas de booking y editorial como apoyo a la edición de material.

Respecto a lo del extranjero, ¿veis más perspectivas de abriros al público europeo con “Black Heart Bleeds Black”? ¿Se nota aumento de expectación para que vayáis a tocar fuera?

Creemos que sí, de hecho David está en estos momentos tocando con Toundra en Europa y nos comentó que la gente por

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Está claro que hacéis metal, con sus partes tirando hacia diferentes subgéneros pero, ¿os veis dentro de alguna escena, ya sea en Madrid o a nivel estatal, europeo...?

Nunca nos ha gustado encasillarnos en nada, siempre hemos tocado con bandas de diferentes estilos y nunca nos ha importado. Con lo que no creemos estar dentro de ninguna escena o como lo quieras llamar. ¿Qué están escuchando los componentes de Adrift? Habladnos de algunos discos que os hayan llamado la atención últimamente.

No sabría decirte, por mencionar algun discos que haya salido este año y nos guste a los cuatro, por ejemplo el último disco de Motorpsycho está brutal, el de Om también nos ha gustado mucho.

No sé, luego cada uno también tenemos nuestro gusto un poco personal.

THE SONICS

«Tuvimos que volver a aprender cómo tocar en general y después cómo tocar nuestras propias canciones» Desde hace unos años tenemos la suerte de poder ver en directo a una formación que es historia viva del rock. Como fans de la música, la oportunidad de intercambiar unas palabras con su guitarrista y fundador Larry Parypa con motivo de su próxima gira española no era algo que estuviéramos dispuestos a dejar pasar.

El público en un concierto de los Sonics es bastante inclasificable y se pueden ver como tres generaciones diferentes (jóvenes, adultos y personas que probablemente os escucharan en los 60), ¿Como os hace sentir esto como músicos?

Sí, qué cosa más extraña ¿no? Mola que los viejos rockeros quieran ver lo que escuchaban hace 40 años y a la vez gente más joven experimente la relevancia histórica de la música. Sólo espero que ambos disfruten lo que escuchan.

Hemos notado algunos cambios de formación las veces previas que habéis venido desde que os reunisteis. ¿Quién vendrá esta vez?

Tendremos al mismo batería, Ricky, que hemos usado desde que nos reorganizamos. Y el bajista/cantante es Freddie, que ha estado con nosotros los últimos años.

Creo que vuestra idea era grabar un disco nuevo, pero luego grabasteis un EP con 4 nuevas canciones y el resto directos. ¿Eso es todo o aún queréis hacer un LP? Somos vagos. Tenemos las canciones, sólo necesitamos entrar ahí y grabarlas.

En este EP hay algunas canciones en las que canta el citado Freddie Dennis, algo que ya hemos visto en directo.

Añadir músicos es algo normal para cualquier banda a lo largo de su carrera pero una voz es algo más personal. ¿Cómo encaja con el sonido de la banda? ¿Qué feedback habéis recibido de los fans?

Creemos que Freddie funciona en la banda porque se toma la música con tanta energía... y nosotros queremos eso. El feedback ha sido positivo en el sentido de que no hemos simulado que

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estamos en los 60. El bajista de Nirvana, Krist Novoselic, dijo que suenan como canciones de los Sonics si las hubiéramos grabado en los últimos 60 o primeros 70.

El bajista original Andy Parypa toca el bajo en esas canciones nuevas aunque no gira con la banda. ¿Cómo es esto?

No le gusta andar viajando. ¿Y con Bob Bennet seguís en contacto?

Tampoco quiere viajar. Aún vive en Hawaii, tenemos noticias suyas de vez en cuando.

Sois a menudo mencionados como padrinos del punk por vuestro crudo sonido de garaje. Y parece que hay algo que tenéis en común con bandas que

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vinieran después como MC5, The Stooges o incluso Ramones. Todo el mundo parece amar estas bandas, da igual que seas partidario del pop, del rock o del metal. ¿Qué creéis que es tan universal de vuestra música? ¿Tal vez es por la simplicidad y porque, en esa época, nadie estaba usando progresiones de acordes menores y cantando sobre tomar drogas y brujas en vez de chicas?

Existe una generación (a la que pertenecemos) de gente que empezó escuchando música en los 90 a raíz del grunge y demás. Vosotros sois de Tacoma, que está en el área de Seattle y parece obvio que los comienzos de ese movimiento (Green River, Mudhoney) tenían un montón de deudas con los Sonics. Vosotros estabais ya fuera del negocio, pero ¿qué pensasteis de este movimiento y vuestra influencia en él?

Al principio estaba confuso, ¿por qué estas bandas están mirando atrás de esa forma? ¿Qué ven en nuestra música?

Pero según fui indagando sentí que estaban buscando lo mismo que nosotros en el pasado, energía y sentimiento en lugar de maestría técnica.

En el rock moderno se puede escuchar también una sólida influencia de los Sonics, incluso en bandas que están en lo más arriba como Arctic Monkeys o The Black Keys. ¿Tenéis alguna opinión acerca de estas bandas?

Conocimos a los Black Keys en mayo de este año. Me encantó su concepción minimalista de la música. Y la iluminación del escenario y la presentación tenía esa misma atmósfera minimalista. Muy guay.

Como supervivientes de los 60, supongo que muchas cosas han cambiado en el negocio y estar en una banda conlleva notables diferencias ahora, ¿no?

Todo es diferente. Cuando tocábamos, los monitores de escenario aún no habían sido inventados. El sistema de sonido consistía en altavoces de cuerno en lugar de cajas. Los guitarristas no tenían pedales de efectos. Grabamos nuestra primera canción (“The Witch”) en dos pistas y después usamos cuatro pistas y básicamente grabamos en vivo con pocos overdubs.

Hoy, los artistas pueden sacar canciones y distribuirlas incluso sin edición física, puedes estar en contacto con los fans de todo el mundo con las redes sociales, etc. Las bandas generalmente tienen que poner más esfuerzo pero también tienen mayor control creativo. ¿Creéis que en este panorama, los sellos son tan importantes como cuando comenzasteis a hacer música?

«Mola que los viejos rockeros quieran ver lo que escuchaban hace 40 años y a la vez gente más joven experimente la relevancia histórica de la música.»

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Aún hay sitio para los sellos pero al menos está la opción de producir tu música de manera independiente.

Volvamos a los 60, cuando estabais escribiendo historia musical. ¿Alguna vez pensasteis que estaríais en la misma banda a vuestra edad?

Ni hablar. La mayoría de nosotros nunca tocamos un instrumento después de separarnos. Tuvimos que volver a aprender como tocar en general y después cómo tocar nuestras propias canciones. ¿Quién hubiera pensado que unos abuelos volverían a tocar rock duro de nuevo?

Finalicemos con lo que fue el comienzo de esta segunda parte para los Sonics.

Supongo que habréis pensado todos estos años en reunir la banda, pero ¿qué fue lo que os hizo pensar, “hagámoslo, ya”?

Tocamos tres canciones en un evento local en los 70. Tras eso nunca volvimos a considerar una reunión ni siquiera cuando en los 80 empezamos a recibir ofertas para girar. No respondíamos a las llamadas y tal. Lo que finalmente lo consiguió fue la persistencia de un promotor de New York en 2007 que no dejaba de martillearnos con la idea de al menos reunirnos en mi casa para ver lo que aún podíamos hacer musicalmente.

SCHWARZ

«Aferrarse al pasado es la expresión de un pensamiento conservador» Schwarz están de nuevo de actualidad con la aparición de su nuevo trabajo, “Alquimística”. Hablamos con ellos de la creación de canciones, letras crípticas y del peso de los sonidos ‘retro’ en la actualidad.

Vuestro nuevo disco nos trae unos Schwarz quizás más directos, ¿no? Da un poco más la sensación de ir al grano. ¿Estáis de acuerdo?

Estoy tan de acuerdo como que el disco se grabó prácticamente en directo, sin apenas overdubs a excepción de voces y vocoders, aunque después un par de canciones se regrabaran en nuestro local. Es prácticamente un concierto grabado en estudio.

Para este trabajo os habéis metido en los Estudios Brazil, que suponemos os aporta mucho de ese ambiente directo a vuestro sonido. ¿Por qué allí?

Bueno, conocemos a Javier Ortiz desde hace muchos años. De hecho él fue nuestro técnico de sonido cuando tocamos en el FIB allá por 2003 ó 2004, no recuerdo bien. Y ya cuando montó el estudio estuvimos echándole un vistazo y nos gustó mucho. Siempre pensamos que nos gustaría grabar allí, pero por una razón o por otra hasta ahora no había sido posible. Y a la hora de plantearnos hacer un disco más directo la elección fue obvia. ¿Cómo se gesta un disco tan “ordenado” como “Alquimística”? Con dos canciones extensas con desarrollos instrumentales y otras dos más directas y concisas. ¿Surge a propósito?

Supongo que con “ordenado” quieres decir “estructurado”. Pues se gesta como siempre se ha hecho, con espontaneidad y sin ideas preconcebidas.

No había un plan para hacer dos canciones largas y dos cortas, eso habría sido demasiado cerebral y el cerebro debe complementarse con la víscera (y viceversa).

Las letras son algo más crípticas que en esa primera referencia en castellano que fue “Espíritus...”. ¿Tenéis claro lo que queréis decir con las múltiples lecturas?

Desde mi perspectiva como letrista, siempre tengo claro lo que quiero decir, aunque a veces no sea evidente. Que la forma sea más o menos críptica supongo que depende del tema a tratar, del fraseo de la canción o de los vinos que me haya tomado. Una vez más, es algo espontáneo.

Para un estilo en el que es tan importante la repetición, el trance musical y los desarrollos, ¿cómo y de dónde surgen las canciones? Por ejemplo, ¿cómo se comienza un tema y se ve luego que se debe cerrar tal como está?

Buena pregunta, que yo mismo me hago a menudo. La respuesta más aproximada que tengo es: una canción sólo está terminada cuando sientes que está terminada. O mejor dicho, cuando sientes que es necesario que sea así y que no podría ser de otra forma.

Ahora que está de moda recuperar krautrock, space rock, psicodelia de todos los tipos, etc, nos damos más cuenta de lo que habéis aportado a lo largo de los años, cuando no había este “boom”. ¿Qué opináis de esta nueva corriente que bebe tanto del pasado?

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Pues que como aficionado al estilo me parece perfecto excepto en la referencia al pasado. El pasado hay que conocerlo y respetarlo, pero recrearlo me parece un lastre. Aferrarse al pasado es la expresión de un pensamiento conservador, como queda de manifiesto en estos tiempos a nivel político y social. Es buscar moverse en territorio seguro, por muy experimental que sea la coartada, y yo prefiero el vértigo de lo desconocido. Pero los grupos que utilizan el pasado únicamente como trampolín para tomar impulso me parecen muy interesantes, y de ésos hay unos cuantos ahora mismo.

Por cierto, que no creo que hayamos aportado gran cosa, sinceramente.

Nosotros siempre hemos ido por libre y nuestra influencia ha sido prácticamente nula.

Si echáis la vista atrás en vuestra carrera, ¿De qué es de lo que más orgullosos estáis de haber conseguido con Schwarz?

La música. Nada más y nada menos.

Acaba de saltar la noticia de que vuestros colegas de Manta Ray regresan para un concierto. ¿Mantenéis relación con ellos? ¿Habría alguna remota posibilidad de repetir algo conjunto o volver a dar vida a “Heptágono”?

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Seguimos teniendo contacto con la gente de Manta. Aunque desgraciadamente no nos veamos mucho, hay un cariño que se mantiene. Pero me temo que no va a haber un Heptágono 2. En primer lugar porque Manta Ray ya no existen.

Han anunciado un concierto por un motivo puntual pero, por lo que yo sé, no va a haber reunión más allá. Y además las dificultades logísticas lo harían inviable

en estos tiempos. “Heptágono”, tanto el disco como la mini-gira, fue un proyecto difícil y caro en el que tuvo bastante que ver la determinación de Roberto Nicieza para que saliera adelante.

Cuando charlamos con vosotros sobre vuestro disco previo, entre otras cosas hablábamos de cómo estaban las

«No creo que hayamos aportado gran cosa, sinceramente. Nosotros siempre hemos ido por libre y nuestra influencia ha sido prácticamente nula.»

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cosas musicalmente por Murcia. ¿Qué bandas nos recomendáis que hayan surgido recientemente?

Una banda que me gusta especialmente son Los Alambres, que son tan descacharrados y caóticos como talentosos, pero igual ya te lo comenté. También Perro, aunque últimamente están derivando hacia un sonido más convencional que no me gusta tanto.

Esperamos poder veros pronto de gira, ¿Qué planes inmediatos tenéis con ello? ¿Giras? ¿Algún festival tal vez?

Presentaremos el nuevo disco en Murcia acompañados por los amiguetes de Lüger. Y después estaremos girando por el resto del estado entre enero y febrero. O sea que sí, habrá gira, que ya está prácticamente cerrada. En cuanto a festivales, alguna cosa hay ya hablada, aunque por el momento no puedo concretar más.

PRATS

«Me gusta presentarlo como banda. Para que las canciones suenen, tenemos que estar cinco músicos» En una céntrica cafetería de la capital nos encontramos con Marc Prats y Rubén Martínez. Sentados cómodamente, caña, café, o coca cola en mano dependiendo del caso, iniciamos una larga charla en la que desgranamos “Pla B”.

Escuchando vuestro debut “Pla B”, es evidente la esencia de Madee, de The New Raemon, de Mishima… todas ellas bandas que de algún modo están relacionadas con Prats. Sin embargo también se nota la búsqueda de un sello personal, ¿qué es lo que trae de nuevo Prats? y ¿es Prats una banda, o es tu proyecto personal, Marc?

Marc: Pues todo esto nace como un proyecto personal, pues son canciones que empiezo a escribir en la soledad de mi casa, grabo las demos con la ayuda de Lluís Cots, compañero mío en Madee a la batería, y a partir de ahí es cuando decimos, ¿qué vamos a hacer con todo esto? De una forma muy natural decidimos grabarlo bien, y evolucionar hacia el concepto de banda porque yo me siento más cómodo encabezando un proyecto colectivo, que el plan cantautor que nunca ha estado muy cerca de mi forma de ver las cosas. Y pese a que las canciones sean mías, si en un hipotético segundo disco esto cambia hacia otras formas a la hora de elaborar los temas, pues me parecerá fantástico también.

En cuanto al nombre, pues tira para casa (risas), pero fue más por no andar buscando un nombre, ya que difícilmente representaría de forma sincera lo que en verdad quiero transmitir con este proyecto. Digamos que sería como lo del idioma. Tenía cosas en inglés anteriores, pero llega el momento en que dices vamos a dar la cara tal como somos, y de ahí que cante en catalán, que es mi idioma. Pues con el nombre lo mismo. No me parecía apropiado hacer una lista de nombres como cuando era un adolescente y empezaba en todo esto. Hubiese sido forzado. De este modo Prats me parecía el nombre adecuado, pero a su vez me gusta presentarlo como una banda, porque el sonido es de banda, y para que las canciones suenen como son, tenemos que estar cinco músicos.

Relacionado con esto que hablas de mostrarte tal como eres, sí que se nota un sonido más maduro, más cuidado, detallista… también en las letras…

Marc: Sí, por eso te decía lo de que ha sido un proceso muy natural, pues no ha habido un planteamiento de decir queremos aparentar esto, o buscamos este otro sonido, si no que ha sido más como “vamos a hacer las canciones como nos gustan, sin más, y que suene como salga”. Evidentemente tenemos unas referencias y un bagaje, pero en este caso no ha existido una premeditación sobre el producto que queríamos realizar.

Detrás de la producción han estado Ricky Falkner y el propio Lluís Cots, ¿cuéntanos como surge, hubo dudas a la hora de elegir?

Marc: Con Ricky ya habíamos coincidido en otras movidas, por lo que no hubo duda alguna. Y bueno los temas estaban bastante cerrados con Lluís antes de entrar al estudio, así que buscábamos en Ricky la posibilidad de grabar tranquilos con alguien que sabíamos que nos daría el sonido adecuado, y de esta forma estar sólo preocupados de lo que era tocar y cantar las canciones

lo mejor que supiésemos. Le conocemos de sobra como para saber que nos gustaría el producto final.

En cuanto a la formación que entráis a grabar, habéis hecho cambios en la formación. Ahora ha entrado Rubén… ¿Explícanos un poco todo esto?

Marc: El disco lo grabamos con los que en ese momento se me ocurrió colaborar. Esto fue, Lluís y Pep de Madee, que siguen conmigo y se implicaron en el proyecto desde el comienzo, y Dani Vega de Mishima, que es un excelente guitarrista, y que ya había colaborado conmigo en un Ep que grabé bajo otro nombre en el pasado. Sabía que seguramente por sus compromisos con Mishima iba a estar difícil poder contar con él más adelante, pero en aquel momento surgió así y fue un placer contar para la grabación con su participación.

Ahora para llevar adelante el directo hemos incorporado a Rubén como guitarra, y a Víctor Valiente en los teclados, y es con este quinteto que creemos que la cosa funciona perfectamente.

«Tenía cosas en inglés anteriores, pero llega el momento en que dices vamos a dar la cara tal como somos, y de ahí que cante en catalán»

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2012MIXTAPE /Entrevistas///

Para ti Rubén ¿cómo es el cambio de una banda como Tokyo Sex Destruction, a un proyecto más sosegado como este? ¿Te apetecía un poco cambiar?

Rubén: De hecho me apetecía mucho.

Me apetecía cambiar de estilo después de tantos años, y dejar un poco la visceralidad de lado, tirando por algo más elaborado como puede ser Prats.

Además he estado mucho tiempo como bajista, y ahora que estoy volcado en la guitarra tenía el gusanillo de poder tocar y tocar en directo.

Aunque el disco se puede decir que es tranquilo y relajado, intuyo rasgos que creo que en directo pueden volver el sonido de la banda mucho más crudo, aguerrido, y ruidoso. ¿Es realmente así?

Rubén: Crudo no, pero sí más eléctrico, y sobre todo más grande. La instrumentación ha variado algo de cómo suena en el disco a lo que llevamos en directo, y por el tipo de banda que somos, y eso se nota en que sonaremos diferentes.

Marc: No suena exactamente igual, y sí que puede ser algo más duro o contundente.

Pensaba en bandas como The National, cuyos directos se vuelven por momentos en tormentas eléctricas, o en las que el cantante casi que enloquece dejándose la voz. Al recordarme vuestra banda en determinados aspectos a ellos, me imagino un directo, como dices tú Rubén, con un sonido más grandioso, que no por ello menos cuidado.

Marc: Entiendo lo que dices, y sí, va un poco por ahí. Es algo que también lo iremos viendo según vayamos tocando más y nos soltemos. Llevamos tres bolos, estamos en fase un poco de rodaje, pero seguramente cada vez vayan más por ahí las cosas.

El tema del idioma hace unos años quizás hubiese sido más conflictivo, pero hoy en día parece estar más asimilado.

No os supone un problema cantar en catalán, imagino…

Marc: No, ahora mismo desde el fenómeno Manel, Antònia Font, Mishima, Litoral… se ha roto un poco la barrera idiomática, y aunque sigue siendo más difícil salir, creo que hay una apertura en la forma en que se recibe, y yo soy catalanohablante, por lo que al igual que el resto de elementos en los que trataba de ser sincero, hacerlo en otro idioma hubiese sido forzarme.

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Hablando un poco más del disco en sí.

El single “Sookie” me ha recordado un poco al rollo más oscuro que últimamente ha llevado Ramón con The New Raemon, medio turbio, oscuro… ¿cómo surge esta canción, el videoclip, y toda la historia de la vampiresa?

Marc: Yo suelo hacer siempre primero la música, y luego las letras, y al hacer este tema salió ese rollo oscuro, lo cual me hizo ver que era ideal para hacer una letra en torno a los vampiros, que por otro lado siempre me había interesado. Dije “esta es la mía, no he de buscar más” (risas). A partir de ahí el tema del vídeo surge hablando un día con Lyona, que también estaba interesada en hacer algo con sangre, y aunque al final no tiene demasiada sangre, pues sí que tiene el rollo misterioso y sensual que siempre rodea a los vampiros.

En cuanto al tema de los sueños, la pieza que cierra el disco, “Fase R.E.M”, trata el tema de los sueños. ¿Son importantes para Prats a la hora de escribir?

Marc: Sí, este en especial, pues habla sobre soñar con seres deseados y queridos, y sobre esa sensación de a veces levantarte por la mañana diciendo, ¡buah!, esta noche la he pasado con esta persona, y aunque no sea real, tú lo

has vivido muy adentro tuyo. Si además estos sueños se repiten, termina siendo algo muy impactante, y de ello es sobre lo que escribo en este caso, porque a mí me ha pasado. ¿Fue complicado el ponerte a escribir letras?

Marc: Me costó bastante la verdad. Fue como un reto porque no lo había hecho nunca. En Madee se encargaba Ramón, y es la primera vez que me he puesto en serio. La música me sale de forma natural, y cuando compones al principio lo haces sobre un “nainonainonai” (risas).

Pero bueno ha sido un ejercicio bastante enriquecedor, porque profundizas en ámbitos fuera de la música como puede ser la poesía.

Me ha gustado mucho el tema “Petita i Blanca”. Es una adaptación de Toti Soler, que a su vez había convertido en canción lo que en un primer momento fue un poema de Joan Verges. ¿Te interesa la Nova Canço, o de donde viene la idea de realizar esta versión?

Marc: Pues por motivos personales, yo en este caso he crecido escuchando a Serrat, a Lluís Llach… digamos que forman la banda sonora de mi infancia.

Y el caso de Toti Soler viene incluso de familia, ya que es primo hermano de mi padre y siempre hemos tenido una relación muy próxima, y una gran admiración por mi parte, ya que sin haber llegado a ser super famoso, es un auténtico crack que si no ha triunfado más ha sido porque siempre optó por hacer una música minoritaria. El caso es que

buscando para hacer un cover, que era una idea que me apetecía, pues al final andas mirando por ahí lejos y tienes la solución en casa.

Otra de mis canciones favoritas y que más me han llamado la atención, es “A Mort”, pues pese al título, su musicalidad remite a una idea optimista, generándote buenas vibraciones.

Marc: Es alegre, pero es un drama. Trato de hacer ese juego con el título, y trata de cómo tener la actitud de tirar para adelante a pesar de haber vivido una mierda de experiencia. No me pasó a mí, pero me quedé pasmado ante la fuerza con la que una amiga se comportó ante una situación dura, decidiendo hacer un tema inspirado por esto, y tratando de darle un sentido positivo.

“Pla Delirant”, es uno de los temas con mejores juegos vocales y que se emparenta con el pop-rock catalán tan en boga ahora mismo. ¿Te gusta que te metan en esa escena? ¿No hay miedo a etiquetas, o a escenas, con las que quizás a veces te pueden encasillar?

Marc: Sí, por supuesto que me gusta. Yo soy fan de Mishima por poner un ejemplo, y es un honor que alguien me diga “oye sonáis como éstos o como aquéllos”. No me importan las etiquetas, es algo lógico que los periodistas hacen para facilitar las cosas. Es su trabajo buscar influencias y relaciones entre unos grupos y otros.

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«Me costó bastante escribir las letras. No lo había hecho nunca y es la primera vez que me he puesto en serio» Y hablando de influencias, ¿cuáles son la de Prats? Yo diría que The National andan por ahí, pero dime tú.

Marc: Escuchamos música muy diversa que puede ir desde esto que hablábamos de la Nova Canço, hasta rock clásico, pasando por bandas más actuales como The National, Interpol, Deerhunter… a los cuales no imitas, pero de los que sí que coges ideas, pues tampoco tratamos de engañar a nadie diciendo que estamos inventado algo totalmente nuevo. ¿El tema de las colaboraciones como fue surgiendo? Supongo que de una forma muy natural, con gente cercana, amigos…

Marc: Como Lluís es técnico de sonido además de batería, pues había estado en contacto con Mishima y de ahí pues surgió lo de Dani. Luego había trabajado también con Delafé y Las Flores Azules, y hablamos de llamar a Helena Miquel. Por otro lado yo conocía a María Rodés, se pasó Ramón a hacer unos coros, Ricky nos grabó un bajo… Y así todo. Es lo bonito también, ya que estas tres semanas metido en un estudio, y lo bueno es poder llamar a tus amigos, y que puedan poner su granito de arena en la grabación. Yo lo pasé en grande grabando, y nos metimos tan a fondo en ello que se agradecían esas visitas, máxime cuando pese a ser un proyecto en principio personal, lo que busco es que cuanta más gente se quiera involucrar mucho mejor.

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REBECCA GATES «Lo único que mantiene a los músicos vivos es el hacer honor a su trabajo» Rebecca Gates y su colega Ted se han embarcado en un tour conjunto por toda Europa, pero con especial paso por España. En su final de gira de camino a Barcelona charlamos con ella sobre su nuevo disco “The Float” y sobre “Purito” Rodríguez

Hola Rebecca, ¿Dónde estás ahora mismo?

Hey, estoy aquí admirando los Alpes. Estamos entre Berlín y Roma, la gira está yendo bien.

En esta gira estás yendo con tu amigo Ted, que parece que sois colegas desde hace bastante tiempo, ¿de qué os conocéis?

Ted y yo nos conocimos a través de nuestro amigo común Brendan Canty (ndr - batería de Fugazi) hace mucho mucho tiempo. Al poco tiempo le pedí que se viniese de gira para tocar en mi banda The Spinanes. Él aceptó de buena gana. Desde entonces hemos girado

juntos, tocando conciertos y nos hemos hecho muy buenos amigos. ¿Y cómo aparece el sello La Castanya (que edita vuestros discos en Europa) en todo esto?

Conocí a Joan de La Castanya a través de Ted y de Molly Neuman (ndr - exbatería de Bratmobile y ex-jefa de Simple Social Graces). Me invitaron a tocar en Barcelona en el Minifest y Molly me sugirió entrar en contacto con Joan.

Os estuvimos viendo en el Café Berlín de Madrid al inicio de la gira. Nos llamó la atención tu conocimiento de

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«Ahora hay muchas más reglas que un músico debe y no debe seguir, cuando debería haber más libertad»

Goya y, sobre todo, del ciclista catalán “Purito” Rodríguez. ¿Eres seguidora del ciclismo?

Sí, lo soy. Me perdí el final de la Vuelta a España por sólo un día...

Aparte de eso, el concierto fue muy interesante incluso sin contar con el apoyo de tu banda. ¿Qué diferencias podemos encontrar entre ese show y el que puedes dar con banda al completo?

Gracias. Disfruto haciendo los dos tipos de shows. Tocó con una gran banda, es mucho más fácil tocar con ellos, ¡Apenas tengo que hacer nada! La banda me permite dar una experiencia con más texturas, es más fácil captar la atención del público. Cuando estoy sola me tomo mi tiempo para cantar de una manera distinta y cambiar un poco las canciones, es agradable tener la oportunidad de jugar con el tiempo y con las voces de una manera específica. ¿Por qué han pasado once años entre tu primer disco y este segundo?

Estos once años han pasado muy rápidos. He pasado el tiempo aprendiendo sobre otras parcelas musicales fuera de la música puramente pop, trabajando en el mundo del arte, aprendiendo a organizar cosas... Una vez que decidí finalizar el álbum me tomó mucho tiempo el conocer la mejor manera de que viera la luz.

Ahora que has vuelto a la palestra discográfica se ha estado hablando mucho sobre la idea de un regreso con Scott. No habrá posibilidades verdaderas de una reunión con The Spinanes, ¿verdad?

Estoy contenta de lo que son The Spinanes ahora mismo. Scott está tocando con Built To Spill... Es posible que toquemos de nuevo juntos en algún momento, pero si ocurriera sería únicamente para un concierto o dos. Creo que sería divertido hacer una noche con toda la gente que ha tocado con The Spinanes encima del escenario y yo simplemente estando ahí con un vestido elegante cantando las canciones.

Vuelvo “The Float”, el disco que presentas, es muy ecléctico: a veces está más orientado a ti como cantautora pero otras regalas buenas canciones de rock. ¿Cuánto tiempo te has tomado para componer y qué influencia te aportan tus colaboradores en estudio?

Algunas canciones fueron escritas muy rápidamente y otras han sido desarrolladas a lo largo del tiempo, me gusta tomarme mi tiempo para ver qué temas son más consistentes. Busqué el estar segura y el tener variedad, y me encanta cada uno de los estilos que aparecen y sentir que mis colegas forman parte de las canciones.

Sabemos que estás al tanto de propuestas más “clásicas”, jazz, etc. ¿Estás muy al tanto de nuevas bandas? ¿Puedes recomendar alguna a los lectores?

Hmm, definitivamente hay muchas bandas que me gustan pero lo único que se me viene a la cabeza ahora mismo es el disco de Steve Gunn/John Truscinski Duo que ha aparecido en Three Lobed Recordings (ndr - “Ocean Parkway” es el título).

«Es posible que The Spinanes toquemos de nuevo juntos en algún momento, pero si ocurriera sería unicamente para un concierto o dos»

Debe ser muy diferente mostrar tu trabajo en 2001 y ahora en 2012. Las cosas han cambiado mucho en estos once años con Internet, obligando a los artistas a dar más conciertos, etc.

En cierto modo es exactamente lo mismo, pero al mismo tiempo es muy diferente.

Aún necesitamos poner un disco ahí fuera y encontrar la manera en que la gente interesada en nosotros sepa que está ahí.

Las preguntas básicas son las mismas.

Pero la gente utiliza la música de manera distinta. Eso ha cambiado y parece que hay muchas más reglas que un músico debe y no debe seguir cuando creo que debería haber más libertad. Hay más trabajo que hacer para “dirigir el negocio”. Y es importante recordar que lo único que mantiene a los músicos vivos es el hacer honor a su trabajo. Creo que eso ha cambiado, hay más asuntos en los que involucrarse para poder ser músico.

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MARÍA RODÉS

«En este disco he dejado más de lado el folk para dar paso a una música más rica instrumentalmente» María Rodés estrena nuevo disco este mismo mes de mayo bajo el título de “Sueño Triangular”, de nuevo bajo el sello de la escudería BCore. La frágil voz de la catalana se mantiene en un trabajo que sí ha añadido muchos otros matices sonoros a su prometedora carrera musical.

FOTOS: Anna Madrid Tras publicar “Sin técnica” con Oniric (2009), y “Una forma de hablar” (2010) ya de forma individual. Ahora en este “Sueño Triangular”, ¿qué ofreces de nuevo? Como dice uno de los adelantos “Haz lo que te dé la gana”, ¿has tratado quizás de conseguir un sonido totalmente personal, y libre de cualquier tipo de ataduras?

Sí supongo que esa era la intención.

Más búsqueda, más pruebas, más experimentación... En general es un disco más alejado de la canción redonda pop para pasar a ser una obra más abierta Y con un carácter más ambiental.

Pues ha sido en varios sitios. Empezó en casa de un amigo en Tiana, un pueblo en la montaña cercano a Barcelona, luego seguí en Berlín, en mi casa en Barcelona a la vuelta, y ya el grueso de la grabación transcurrió en Manresa. Finalmente los últimos retoques y las mezclas se realizaron en Sant Feliu, en los Ultramarinos con el Santi. En cuanto a los característicos sonidos a los que te refieres, es que ya son parte de mi música. Quizás no hay tantos como en el anterior, o mejor dicho están tratados de forma diferente. No se trata tanto de sonidos limpios originales, si no que

¿Cómo ha sido el proceso de composición? Lo has ido alternando con otros proyectos como esas colaboraciones con The New Raemon… Cuéntanos un poco como han sido esos meses desde que acabaste la gira de “Una Forma de Hablar” hasta ahora.

Ha sido un proceso bastante inusual a lo largo de un año, pero no un año de seguido, sino un poco a trompicones. Empecé en Febrero del año pasado cuando aún seguía con conciertos de la gira anterior, pero ya entonces fui probando algunas cosas. Luego paré un tiempo, me fui a Berlín donde conocí a Maru di Pace que fue muy importante en la producción del disco, y tras volver, hacia Diciembre, ya me puse realmente en serio. Ha sido todo un poco caótico, pero ha estado muy bien esa gestación un poco de forma progresiva según donde y como estaba en cada momento. ¿Qué nos puedes contar de la grabación? ¿Cómo ha ido? ¿Vuelven a sonar objetos caseros y cotidianos en las canciones?

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hemos usado ese tipo de sonidos de lo cotidiano, para luego al ser tratados en el estudio lograr algo nuevo.

Háblanos un poco de los músicos que han colaborado en la grabación: Maru di Pace , Lluís Surós, Guillem Caballero, Jordi Torrents, Miguel Serna, Jordi Casadesús, Marc Casas, Xavi Tort, Ramón Rodríguez, Jose Ignacio Fournier, Victor y Santi García...

Los que más han colaborado y que forman el Triángulo conmigo, han sido Lluís Surós, que también se ha encargado de

“Haz lo que dé la gana”...la tiranía de los debería no me deja respirar... ¿cuál es el modus operandi? ¿Hay alguna influencia marcada en tu forma de escribir? ¿Compones antes música o letra?

La mayoría de las letras han venido de una serie de sueños recopilados que fui escribiendo a lo largo del tiempo, y bueno el concepto del disco, como bien dice el título gira en torno a esto, a los sueños. He tratado de darle forma a los sueños, en este caso de triángulo pues también se relaciona de alguna forma con el triángulo que hemos formado en la producción Lluís, Maru y yo. También he utilizado mucho la técnica de escritura automática que hace que aflore el subconsciente y en el que te dejas llevar aflorando los pensamientos con total libertad. Y en cuanto a qué fue antes, en este disco ha ido antes la música y posteriormente trabajé su contenido lírico.

«En general es un disco más alejado de la canción redonda pop para pasar a ser una obra más abierta Y con un carácter más ambiental» mucha de la parte técnica de la grabación y de la electrónica, y Maru di Pace, guitarrista, y una figura muy importante en los arreglos del disco. Además ha sido importantísima la aportación Guillem Caballero en los teclados y de Jordi Torrents en las baterías. También han habido pequeñas colaboraciones como las marimbas que me grabó Marc Casas, la trompeta de Xavi Tort... Por último pues citar que Santi García grabó el bajo en un tema, y que Ramón también puso su granito de arena tocando una guitarra eléctrica en “Anabeluna”, donde además también grabó unos coros.

En cuanto a las influencias, ¿el nuevo disco por donde transita?

Creo que en este disco he dejado un poco más de lado el folk para dar paso a una música más rica instrumentalmente, y donde hay cabida para bastante carga electrónica, momentos de psicodelia, e incluso algunos momentos de arranques más rockeros.

En cuanto a la temática del álbum y de las letras, estas están llenas de matices, haces uso de juegos de palabras a menudo, como el de la mencionada 140

Cantar en castellano puede ser una ventaja o una desventaja. Es más fácil llegar a la gente, pero también quedas más expuesta y se puede mirar más con lupa tu escritura. ¿Te asusta esto o prefieres verle el lado bueno? El otro adelanto, “Mirall”, es en catalán, ¿te planteas continuar por ahí en futuras obras?

No lo sé, la verdad es que no es algo que me plantee. Yo escribo según me sale, y de igual modo que empecé haciéndolo en inglés porque no hacía sino copiar a mis referentes, y estos cantaban en inglés, pues luego me di cuenta de que estaba forzando a hacer algo con lo que no me expresaba de forma 100% sincera. A partir de aquí comencé con el castellano, que ha sido desde pequeña mi lengua materna, y sí que noto que poco a poco, al vivir últimamente en Barcelona capital, pues uso más el catalán a diario, y por lo tanto sale también escribir en esta lengua, como es el caso de ese tema, “Mirall”.

En el futuro tampoco te sé decir que haré o que no, porque voy creando según me va saliendo.

Cambiando de tema, la moda de las cantantes folk en nuestro país es algo obvio dado el asentamiento de multitud de chicas en solitario dentro de la escena indie, ¿qué opinión tienes de este “fenómeno”? ¿Temes que se te considere una más? ¿Qué diferencia a María Rodés del resto?

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Pero, ¿siguen de moda? (Risas). La verdad es que yo no me veo para nada reflejada con todo eso. Reconozco que quizás la fragilidad, la dulzura... son características que al ser chicas y hacer una música más o menos intimista, pues sí es posible que compartamos ciertos elementos. Pero más allá de eso, que es más o menos obvio, la verdad es que no veo nada más que pueda tener en común con esas artistas.

En Catalunya hay una larga tradición de cantautores, y en los últimos años ha resurgido en sus formas más independientes gracias a Colomo o New Raemon. Ambos son artistas cercanos a ti ¿qué opinión te merece? ¿Tienes alguna opinión sobre el porqué del auge de este tipo de artistas en tu tierra?

En mi opinión hubo un boom mayor hace dos o tres años, y ahora ya se han asentado y veo más moda como tal en otro tipo de grupos tipo Manel y similares.

Yo que te voy a decir... A mí me encantan estos que citas, y bueno por cercanía no podía ser de otra manera. Sin duda Ramón o Joan son la mejor muestra de la buena salud de la música en Catalunya.

Y para ir terminado una serie de preguntas cortas: ¿De qué canción del dis-

co te sientes más orgullosa? ¿Hay alguna favorita de entre todo el track list?

Pues te diré dos. Me gusta mucho “Mirall”, y también “Cae Lo Que Fuego Fue”. ¿Tienes pensada la realización de algún videoclip próximamente?

(Risas) Sí, estamos trabajando ya en ello para el single “Haz Lo Que Te Dé La Gana”, y también hay una idea de hacerlo con “Te vi”. Pero paso a paso. ¿Sigues de cerca las novedades que van apareciendo dentro del panorama nacional? ¿Qué bandas o artistas nos recomendarías que hayas escuchado en este 2012? ¿Alguno en especial con el que te gustaría compartir escenario?

Sí, más o menos. Te diría muchas... Los antes mencionados Colomo, The New

Raemon... Luego Standstill a los que iremos a ver esta noche (ndr: entrevista realizada el 24 de Mayo en Madrid).

Y luego bandas algo menos conocidas como Anímic o Espaldamaceta también me parecen bandas super interesantes. ¿Cómo se plantean los conciertos de presentación del disco? Formación, tipo de show, alcance y frecuencia de la gira...

En principio el grueso de la gira va arrancar en Septiembre una vez pase el verano. Llevaré una banda de seis integrantes, y estamos probando y ensayando hasta dar forma definitiva a lo que vamos a ofrecer en esos directos de banda. Además lo alternaré con shows más pequeños en acústico y cosas así.

«La mayoría de las letras han venido de una serie de sueños recopilados que fui escribiendo a lo largo del tiempo»

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NOTHINK

«Hoy en día es importante poder demostrar lo que uno quiere ofrecer casi a diario» Tuvimos el enorme placer de firmar muy posiblemente la última entrevista con Nothink pocos días antes de su repentina disolución con motivo de la edición de su último single. Tanto su cantante y guitarrista Juan como su bajista Aleks sastisfacían nuestra curiosidad sobre los planes truncados de esta ya añorada institución del rock altenativo estatal.

Estáis a las puertas de la presentación de vuestro nuevo single en Madrid ¿Cómo surge la idea de grabar un single de adelanto? Entendemos que estáis a su vez en pleno proceso de composición del nuevo álbum. ¿Habéis comenzado ya la grabación?

Juan Blas: La grabación del disco está prevista para dentro de un par de meses. La idea es que el disco salga antes de que acabe el año.

Con “Let Me Go” queríamos aprovechar la posibilidad de salir con algo nuevo en el menor tiempo posible. Creemos que hoy en día es importante poder demostrar lo que uno quiere ofrecer casi a diario, que no se puede echar a

dormir dos años hasta que se publique el nuevo disco.

Eso nos da más tiempo para prepararlo. ¿Os planteáis volver a salir fuera de España para alguna de las fases de la producción de ese disco, ya sea grabación, mezclas, remasterización, o por el contrario se va encargar Juan de ello en sus nuevos Westline Studios?

Juan Blas: La idea es grabarlo en Westline Studios. Los dos siguientes pasos los estamos tanteando todavía pero nos gustaría que lo rematase unos oídos frescos.

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¿Servirá el single “Let Me Go” de referencia para imaginarnos como puede sonar el próximo álbum de la banda? ¿Hay cosas nuevas e innovadoras que puedan llamar la atención respecto a lo que entendemos que es el sonido de Nothink tras tres discos?

Alex Ferrero: Creo que no tendrá mucho que ver con el single, aunque el disco todavía es un misterio. Tampoco jugamos al despiste pero tenemos la intención detrabajar en canciones mucho más progresivas y no tanto en canciones con la típica estructura sencilla de single de 3 minutos y medio.

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¿Está afectando el que la banda se haya descentralizado de la capital con Alex (bajo) viviendo en Mallorca, Juan (voz y guitarra) en la sierra madrileña...? ¿Cómo está siendo el tema ensayos, composición...?

Alex Ferrero: Al principio parecía complicado juntarse para ensayar, pero ahora estamos mucho más cómodos con la situación. La diferencia es que antes ensayábamos 3 o 4 días a la semana en un pequeño local de Madrid y ahora en cuanto tenemos tiempo libre nos juntamos todos durante varios días o semanas seguidas a modo concentración del grupo. Podemos a aprovechar mejor para trabajar en todo el proceso de componer y grabar cuando queramos.

Algunos compañeros de sello están teniendo suerte fuera de nuestras fronteras (Toundra o Exxasens) ¿Hay previsión de publicar y mover el disco fuera?

Alex Ferrero: Por supuesto, esta es de nuestras asignaturas pendientes, de hecho el disco “Hidden State” se acaba de editar en vinilo a través de un sello alemán y es la primera piedra para ir haciéndonos hueco en Europa.

Y en el caso de la gira, ¿existe la posibilidad o al menos las ganas de salir a presentarlo por Europa, Latinoamérica o EEUU? Alex Ferrero: Tenemos previsto ir de gira por Alemania y Francia en Octubre de este año, anteriormente ya estuvimos tocando en Londres y tuvimos bastante buena aceptación por lo que seguramente volveremos dentro de no mucho tiempo.

«La primera vez que vi nuestro primer disco en las tiendas flipaba, era un sueño hecho realidad. En aquella época todo era muy emocionante y lo vivíamos muy intensamente.»

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En cuanto al concierto del próximo 16 de Junio, ¿va a haber algo especial para vuestros fans? Colaboraciones, algún adelanto de las canciones del futuro próximo disco…

Juan Blas: Tendremos algo más de tiempo, así que queremos incluir canciones que por lo general no solemos tocar.

Sois ya una banda con una trayectoria digna de ser revisada. ¿Nos podéis contar qué es lo que recordáis con mayor y menor cariño en la historia de Nothink?

Alex Ferrero: Tengo buen recuerdo de la época cuando grabamos y sacamos nuestro primer disco “Bipolar Age”, la primera vez que lo vi en las tiendas de discos flipaba, era un sueño hecho realidad. En aquella época todo era muy emocionante y lo vivíamos muy intensamente.

También fue muy divertido poder participar en algunos grandes Festivales como el Electric Weekend y encontrarnos en el mismo backstage a grupos que han sido nuestros ídolos cuando éramos más pequeños como Queens of the stone age, Rage against the machine, Millencolin, etc...

Cambiando de tema, pero volviendo a los Westline Studios, ¿cómo está yendo de momento el tema Juan?. Háblanos un poco del funcionamiento de estos estudios y qué bandas has podido grabar, o tienes pensadas para los próximos meses.

Juan Blas: Pues la verdad es que estoy muy contento. Es un sitio muy agradable para trabajar por el hecho de estar en la montaña, en un entorno precioso y tener todo el espacio necesario.

La bandas se alojan en una zona reservada para ellos. El concepto es algo así como “Studio-Hotel”, o por lo menos así me gusta llamarlo a mí.

De momento han pasado grupos como The Backseats, Fura, LaMODA, Toundra, Mordigans o nosotros mismos.

Hace unos días acabó la grabación del nuevo disco de Toundra. Tanto este disco como el vuestro serán las grandes apuestas de Aloud para los próximos meses. ¿Cómo veis el futuro del sello ante estos proyectos, y ya que tú has participado en la gestación del disco de Toundra, qué nos puedes adelantar de su sonido, Juan?

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Juan Blas: El disco de Toundra estará a la altura de las expectativas, no tengo duda y respecto al sello yo personalmente me alegro un montón por cada una de las cosas buenas que le pueda pasar, porque se lo merecen.

Sólo nos queda animaros a que dejéis un mensaje a que la gente se pase por Caracol a veros...

Juan Blas: Pues que esperamos que se lo pasen en grande y les damos mil gracias por volver a estar ahí. ¡Saludos y gracias por todo!

Juan Blas y Alex Ferrero: ¡Gracias a vosotros!

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Continuamos nuestro ciclo nostálgico. En 2012 se cumplían 20 años de 1992, otro año grabado a fuego para cualquier aficionado que viviera esa época o su repercusión durante toda la década. Algunos aprovechaban la efeméride para hacer reediciones o giras conmemorativas. A nosotros nos sirve de excusa para refrescar la memoria de tantos discos sin que parezca demasiado forzado. Los hubo buenos, malos y regulares y seguramente no todos queden aquí representados, pero esperamos que sirva de recuerdo o porque no, manual de introducción para quién quiera empaparse más de una época para la música que a nosotros nos fascina.

Tras la eclosión en 1991 de los discos que sentaron los pilares del rock alternativo y su auge comercial, la creatividad se dispara. O al menos se dispara hacia el consumidor desde las grandes discográficas.

1992 será siempre recordado como el año de las Olimpiadas y la Expo, pero para nosotros también será el año de “Automatic for the People”, “Vulgar Display of Power”, “Rage Against the Machine” o “Slanted and Enchanted”.

1992

LA EXPO INDIE

Rememoramos 1992, otro año vital para la explosión de la música que un día fue llamada alternativa 1992 fue el año en el que toda la cultura underground se puso de relevancia, desde el pop al metal, pasando por el crossover, el indie-rock o el grunge. La mayoría de bandas de la primera ola alternativa estaban ya separadas o no lanzaron disco ese año.

Al tiempo, nuevas formaciones como Pavement, Blind Melon, Red House Painters, Rage Against the Machine o The Prodigy daban sus primeros y prometedores pasos en la industria desde perspectivas muy diferentes. Todo valía en un momento en que parecía haber hueco para nuevas ideas en el mercado discográfico.

PANTERA Vulgar Display of Power Tan sólo dos años tras dar un golpe de timón definitivo y dejar atrás su pasado glam-metal, los cowboys del infierno asestaron para muchos su golpe más definitivo. Precursor del regreso del thrash a la actualidad, el estrictamente quinto, pero segundo disco de una nueva etapa para los de Texas, trazó puentes entre el fan del metal clásico y el crossover y reforzó con una sólida capa de hormigón los cimientos del llamado groove metal, gracias a esos riffs ralentizados tan de manifiesto en su single “Walk”.

“Mouth For War”, “Fucking Hostile” o “This Love” se convirtieron automáticamente en himnos del metal para las nuevas generaciones y paradigma del headbanging en los 90. El resultado es no sólo uno de los discos más respetados dentro del metal, sino también fuera de él.

SUGAR Copper Blue El amor que sentía Bob Mould por The Beatles, Big Star o The Byrds, ya desde Hüsker Dü, terminó por concretarse en este álbum de culto para todo amante del power pop de herencia punkrockera. En Sugar, Mould encontró la banda con la que sacar todo lo que llevaba dentro tanto en lo personal, como en lo musical. Mucho sitio para las guitarras en un disco que aúna rapidez, distorsión y una colección excelente de melodías que brillan a lo largo de tres cuartos de hora. Al ritmo de piezas como el himno “Changes”, la oscura e introspectiva “Helpless”, la más grungera “The Slim”, la muy Pixies “A Good Idea”, o la casi perfecta pieza de pop redondo “If I Can’t Change Your Mind”, “Copper Blue” pasa volado.

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R.E.M. Automatic for the People El año anterior, REM por fin alcanzaron el éxito masivo con “Out of Time”. Intentando aprovechar la inercia, no tardaron en encerrarse en estudio de nuevo junto a Scott Litt, pero el resultado fue bien diferente. “Automatic for the People” destila desde su primer corte, la misteriosa “Drive”, un tono más grave, oscuro y en general intimista que su predecesor. Así, el disco está plagado de medios tiempos y baladas, con poco espacio para el rock y sí mucho para el folk. Tras los momentos más conocidos como “Everybody Hurts” y “Man on the Moon”, dos clásicos de aquella década, se encuentran joyas de los mismos quilates como “The Sidewinder Sleeps Tonight”, “Try Not to Breathe” o la mejor dupla de cierre de la década: “Nightswimming” y “Find the River”. Los arreglos de John Paul Jones no hicieron más que enriquecer una docena de enormes canciones como pocas veces se ha visto después. O incluso antes.

FAITH NO MORE Angel Dust Tras firmar el que para muchos fue obra clave de la banda y punto de inflexión en la mezcla de funk y rap con rock y metal, Faith No More dio un viraje hacia la oscuridad para entregar el que para muchos otros es el verdadero culmen de los angelinos. “Angel Dust” es un tratado perfecto de rock por entonces de vanguardia del que muchas bandas beberían con mejor o peor -generalmente esto último- resultado. Una colección de riffs abrasivos, ritmos contundentes, teclados que van del funk a lo funerario y profundas melodías vocales que tras sentar las bases del metal que estaba por venir con piezas como “Caffeine”, “Land of Sunshine”, “Midlife Crisis” o “Be Aggressive”, finaliza con una versión más fiel de lo que cabría esperar del “Easy” de Commodores. Así era el genio de la banda y de Mike Patton en particular.

PAVEMENT Slanted & Enchanted Hubo vida en el rock indie americano tras Pixies y Sonic Youth. Se llamaron Pavement y eran un grupo de gamberros que facturaba un pop-rock atonal, caótico, en el que lo de menos era el dominio de los instrumentos o la armonía.

Su debut y obra maestra en riña con su posterior “Crooked Rain, Crooked Rain” nos enamoró con su collage amateur de pop-rock entre alegre y perezoso, con querencias artpunk y distorsión. Se deja ver especialmente en temas como “Summer Babe (winter version)”, “No Life singed her”, “In the mouth of a desert”, “Loretta´s Scars”, “Two States” o “Perfume-V”. Todo les salió redondo aunque áspero en este disco, tanto cantando, gritando, berreando o simplemente hablando sobre un colchón lo-fi de bajos y guitarras desafinadas. ¿Cómo conseguir una mezcla de pop amable y noise hiriente? Pavement se sabían muy bien la lección.

MINISTRY Psalm 69 ¿Es “Jesus Built My Hotrod” el hit más irreverente que haya aparecido en la MTV? Quizá. Al Jourgensen y Paul Barker ya habían creado un par de clásicos del rock industrial, pero con “Psalm 69: The Way to Succeed and the Way to Suck Eggs” alcanzaron su cima comercial.

“N.W.O.” y “Just One Fix” también tuvieron su momento de gloria, lo que les permitió tocar en el escenario principal de Lollapalooza ‘92 junto a Pearl Jam o los Chili Peppers. Pero más allá de su éxito, “Psalm 69” es otro hito del industrial y del rock de los noventa menos convencional; un álbum plagado de samplers, loops, riffs repetitivos hasta la saciedad y una vocación malsana como pocas veces se ha visto, como se puede comprobar en temas tan retorcidos como el tema título o “Scarecrow”. Cumbre del género, y mayor cabeza visible hasta que un par de años después apareciera “The Downward Spiral”...

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ALICE IN CHAINS Dirt El año antes les tocó a Nirvana y Pearl Jam, y 1992 fue el turno del éxito para Alice in Chains. Con el grunge ya asentado como corriente masiva del rock de principios de la década, Jerry Cantrell, Layne Staley y compañía entregaron una obra de referencia, quizá la más desasosegante dentro de un movimiento no dado a muchas alegrías. Y es que todo en “Dirt” oscila en torno al agujero sin fondo del abuso de las drogas.

Si bien la cosa comenzaba con rabia con “Them Bones” y “Dam That River”, pronto los riffs de Cantrell y las letanías de Staley caerían en una sucesión de temas largos, oscuros y desolados que no dejaban lugar para la esperanza: escuchar hoy en día seguidos “Rooster”, “Junkhead”, “Angry Chair” y “Down in a Hole” seguro que sigue incitando al suicidio a muchos. Así que tal y como acabaron las cosas para Layne y Mike Starr, no podemos sino interpretar la desesperación final de “Would?” como un siniestro aviso.

RED HOUSE PAINTERS Down Colorful Hill En pleno auge del grunge, el mundo alternativo vio la consolidación de una etiqueta aún más desoladora: el slowcore. Bandas como American Music Club, Cowboy Junkies, Galaxie 500 o Codeine ya llevaban unos años sembrando áridos páramos para cuando Mark Kozelek consiguió que 4AD le publicara una demo por mediación de Mark Eitzel como primer álbum de Red House Painters. Canciones largas, cargadas de tristeza, de poso country pero también con algo del post-punk inglés en espíritu, “Down Colorful Hill” es un compendio de las bases del género que más tarde se convertirían en clichés. Pero en aquellas “24”, “Medicine Bottle” o el propio tema título, canciones poco ideales para escuchar de bajón, estaba la pureza del momento adecuado, de la belleza sincera, cuya magia permanece intacta a día de hoy. Aún así, menos mal que el rock de “Lord Kill the Pain” alivia un poco la carga emocional.

RAGE AGAINST THE MACHINE Rage Against the Machine Antes de sonar en cualquier verbena, Killing in the Name, como el resto de temas que componían el debut de Rage Against The Machine, supuso algo grande en el devenir del rock moderno. Si bien no inventaba el crossover, lo ponía en letras grandes, conectando con la juventud de medio mundo gracias a sus soflamas anticapitalistas, concienciadas con la igualdad y la lucha por los derechos ciudadanos. Por incoherente o suspicaz que nos parezca hoy su mensaje, fueron probablemente el último gran grupo de denuncia social. Discípulos a partes iguales de los grandes del hardcore, hip-hop y metal, es un disco perfectamente engrasado en la mezcla. La voz afilada de Zack de la Rocha se lucía en sus rimas acusadoras, mientras Morello renovaba el hard-rock con sus innovadores sonidos de guitarra. Su influencia fue enorme y su legado pesará siempre sobre el crossover de estos estilos.

LEMONHEADS It’s a Shame About Ray Si podemos hablar de one hit wonders en cuestión de discos, los Lemonheads de Evan Dando deberían estar en la lista. El tiempo no ha visto a la banda revalidarlo, pero “It’s a Shame About Ray” es sin ninguna duda la cumbre de los esfuerzos de la banda por acercar el rock alternativo al power-pop. Desde himnos propios como el single homónimo, el punk-pop de “Bit Part” o la agregada versión del “Mrs. Robinson” de Simon & Garfunkel, el quinto disco de los Lemonheads se convirtió en una joya del pop alternativo en los 90 y con el paso de los años ha conseguido incluso reforzar su estatus de culto.

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Surfin’ Bichos – Hermanos Carnales Lagartija Nick – Inercia Penélope Trip – Politomania Sex Museum - Thee Fabulous Furry

Cancer Moon – Flock, Colibri, Oil Los Deltonos – Bien,mejor Los Flechazos – En acción!

La eclosión del indie nacional

1992 fue un año decisivo para la escena independiente en nuestro país.

Quizá por primera vez dentro de nuestras fronteras coincidían en una sola temporada varios discos importantes que enfocaban el rock de una manera distinta a cómo se entendía en la Movida o el rock de estadios de los ochenta y más afín a la senda marcada por las ya consolidadas escenas independientes de EEUU y Reino Unido. Vale que en años anteriores ya se habían publicado grandes discos de Los Enemigos, 091 o los aquí mencionados Surfin’ Bichos, Sex Museum y Cancer Moon; clásicos precursores en mayor o menor medida de varias ramas del rock independiente nacional, pero que a duras penas podría decirse que formaran un movimiento conjunto; más bien eran estrellas individuales que servirían de poso o caldo de cultivo para que, junto a todos los grandes discos foráneos que nos llegaban por algunos programas de radio o fanzines, el incipiente movimiento independiente fraguara y finalmente eclosionara en ese año de las Olimpíadas y la Expo.

Mucho tuvo que ver también con que la ya casi legendaria gira Noise Pop, que unió en varias fechas a Penélope Trip, Usura, El Regalo de Silvia y Bach Is Dead, tuviera lugar en ese año poniendo en contacto a muchos grupos incipientes de toda la geografía y haciendo que los implicados e interesados comenzaran a tomar conciencia de que el indie por fin había llegado a España. Nosotros no queremos hacer un análisis exhaustivo del fenómeno como ya han hecho otros medios, sino rendir nuestro humilde homenaje a un pequeño grupo de bandas y discos (pioneros todos, reconocidos algunos, olvidados otros), que coincidieron por mera casualidad de edición en 1992 y cuyo rastro a día de hoy aún puede seguirse en la música que facturan los grupos actuales y que escuchamos.

El Desván del Mächo – Hermana Violencia Parkinson D.C. – Overdream Bach Is Dead – Sonotone

Doctor Explosion – Vivir sin civilizar Los Piratas – Piratas Corn Flakes – Childish

Como coda, no nos olvidamos de clásicos indiscutibles, fuera ya de géneros, como “Deltoya” de Extremoduro, “No sólo de rumba vive el hombre” de Albert Pla o el magnífico “Échate un cantecito”, uno de los mejores discos facturados en este país, obra de consolidación de Kiko Veneno como referente de un tipo de música, fusión de pop, rock y flamenco, que tan mal se ha entendido a menudo en las radiofórmulas.

Los Hermanos Dalton – Luces de Hollywood Superelvis – Wrong Songs The Pribata Idaho – Cactus Juice

Extremoduro – Deltoya Albert Pla – No Sólo de Rumba Vive el Hombre Kiko Veneno – Échate un Cantecito

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Una selección de canciones que nos han alegrado el año.

La mejor mixtape de 2012 que verás en 2013.

Grábasela a tu mascota, a tu madre y a tu vecino

2012 MIXTAPE A

DATE/TIME NOISE REDUCTION ON OFF

B

DATE/TIME NOISE REDUCTION ON OFF

1. MCENROE - Mundaka

13. ARIES - Dilo Mañana

2. GOJIRA - Liquid Fire

14. BEACH HOUSE – Other People

3. BARONESS - Take My Bones Away

15. NADA SURF - Teenage Dream

4. TITLE FIGHT - Like a Ritual

16. BOB MOULD - Keep Believing

5. PEGASVS - Atlántico

17. THE GASLIGHT ANTHEM - Here

6. MARK LANEGAN BAND - Harborview

Comes My Man

Hospital

18. CLOUD NOTHINGS - Wasted Days

7. WOODS - Is It Honest?

19. BONDE DO ROLE - Dança Especial

8. PURITY RING - Fineshrine

20. M.I.A. – Bad Girls

9. JOHN TALABOT - Last Land

21. THE MEN - Open Your Heart

10. TRIÁNGULO DE AMOR BIZARRO -

22. FANG ISLAND - Asunder

Ellas se Burlaron de mi Magia

23. ANNABEL - Our Days Were

12. SPIRITUALIZED - Hey Jane

Outnumbered

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/Vídeos///

Este año hemos estrenado sección de vídeo en la web y os presentamos algunos de los más destacados del año

TORCHE - Kicking

La banda de metal más popera de Miami nos presenta un video sin complejo alguno donde cabe béisbol de coña, alucinaciones y hasta guiños a Aphex Twin. Hay que quererles.

DAN DEACON - True Thrush

Siempre original, Dan Deacon juega con sus amigos al teléfono descacharrado en imágenes y consigue un vídeo de bajo presupuesto muy divertido.

SPIRITUALIZED - Hey Jane

Auténtico cortometraje que toca temas como la transexualidad o la prostitución con realista crudeza al ritmo de 9 minutos de despreocupada composición de Jason Pierce.

CLOUD NOTHINGS - No Future/No Past

Angustioso y perfectamente ensamblado con la música, somos participes de la impotencia del protagonista en su tortuoso periplo hacia... ¿la muerte?

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LIARS - Brats

Alienante video de animación 3D protagonizada por la extraña batalla/danza entre un conejo y su cazador.

Como Bugs Bunny de tripi.

PEGASVS - Brillar

La relectura extravagante y kitsch de Excalibur se acomoda al kraut-pop de Pegasvs en un vídeo inevitablemente repleto de psicodelia.

FLYING LOTUS - Putty Boy Strut

El progreso y la robotización de la sociedad desde la perspectiva tan lúdica como apocalíptica del mago de la electrónica Flying Lotus.

THE SHINS - The Rifle’s Spiral

Una historia de magia en este video de animación stop-motion que lleva el pop de los de Portland a un mundo de oscura fantasía.

OTROS VÍDEOS DE INTERÉS OFF! viajan a los 80 para irrumpir en la televisión TAME IMPALA despliegan su psicodelia más animada BEIRUT se hacen a la mar A FIDLAR no les gusta la cerveza de marca MARK LANEGAN nos adentra en su casa encantada 157

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¿Pedimos mucho por muy poco? Puede ser. Pero tenemos una excusa, los que hacemos la web tampoco ganamos nada con esto. Y como somos así de entregados/inconscientes, el

hipotético día que la web genere ingresos, los reinvertiremos en mejor servidor o en bolsos con el logo para modernos.

!

E AT

colaboraciones@feiticeira.org

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ÍM N ¡A

/Gracias///

Desde feiticeira.org queremos agradecer sinceramente...

Principalmente a todas las bandas. Unas nos gustarán más y otras menos, pero sin ellas nada de esto tendría sentido alguno.

A todos los sellos, promotores y gente de prensa que nos facilitan la labor, cuentan con nosotros, cumplen bien como intermediarios con las bandas, nos mantienen informados, etc.

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feiticeira.org son: Yuri Morillo, Raúl Rey, Ricardo Sánchez, Amalio Varela Colaboradores: Isabel Álvarez, Alberto Sánchez, Jon Urzelai Maquetación: Raúl Rey | Fotografías (salvo especificado): Ricardo Sánchez

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el anuario de 2012 que sale avanzado 2013

Excepto fotografĂ­as acreditadas