2014|MIXTAPE

2014

MIXTAPE

1

Silent Shouts 2014. Lo alternativo es mainstream, lo mainstream es cool y los hipsters se han convertido en la cultura dominante. O eso dice algún iluminado que se ha quitado del indie. Las polémicas en torno a este mundillo son cada vez más esperpénticas.

En el seno de un país lastrado por una ausencia de mínimos valores, cualquiera diría que nuestro problema son más Arcade Fire que Bankia y la privatización de la sanidad importa menos que esos tipos con barbas y fixies que van de molar mucho. ¿Pero qué se han creído?

En fin, como cada año tenemos nuestra cuota de bajas a lamentar por disolución (Vivian Girls, Crystal Castles, The Jim Jones Revue, Death Grips, The Knife...) o defunción (Tommy Ramone, Bob Casale, Scott Asheton y Paco de Lucía, entre otros). Y también claro, la de nuevos talentos que nacen y todavía no sabemos hasta dónde llegará su crecimiento.

Se sienten tiempos de cambio. Y nosotros también nos renovaremos o moriremos en 2015. Pero de momento echemos un vistazo atrás. Sin ira.

“Está bien ser indie, lo que no está bien es ser gilipollas” El Pardo 2

2014

MIXTAPE

INDEX

pg

2014 TIMELINE

4

BEST OF

7

DISCOS

14

CRÓNICAS

33

ENTREVISTAS

89

PORQUE LO HABÉIS

PEDIDO

106

1994

108

GRACIAS

126

COBAIN-SMITH-DRAKE

Better reading through listening

3

Outkast se reúnen para Coachella y otros festivales Vivian Girls lo dejan The Afghan Whigs anuncian “Do to the Beast”, primer disco en 16 años, para abril Pete Seeger † Vuelven Slowdive (Primavera Sound)

ENERO FEBRERO Vuelven Madee Bob Casale (Devo) † Vuelven Floor Paco de Lucía †

Sunny Day Real Estate lanzan nuevo tema, “Lipton Witch” The Rapture lo dejan Gary Burger (The Monks) † Scott Asheton † Vuelven Veruca Salt Kate Bush vuelve tras 35 años: Anuncia 22 conciertos seguidos en Londres

Marzo

Death Grips lo dejan Pink Floyd anuncian primer disco en 20 años, “The Endless River” Tommy Ramone † Johnny Winter † Nace el festival WOS Inc. en Santiago

JULIO

Foo Fighters anuncian serie para la HBO Chris Walla deja Death Cab for Cutie Rick Parashar † Darkside lo dejan Un zeppelin anuncia el primer disco de Aphex Twin en 13 años, “SYRO”, para septiembre Drive Like Jehu se reúnen para un concierto en San Diego The Knife lo dejan

AGOSTO

Faith No More anuncian primer disco en 18 años para abril de 2015 U2 se cuelan en tu iTunes con su nuevo disco, sin pedir permiso Robert Young (Primal Scream) † Gira de despedida de The Jim Jones Revue Los Enemigos lanzan “Vida Inteligente”, su primer trabajo en 15 años The Who anuncian despedida de los escenarios para 2015

SEPTIEMBRE

4

2014

MIXTAPE

T I M E L I N E

Abril

La reunión de Hole con formación de “Celebrity Skin” se queda en un bluff Omar y Cedric (The Mars Volta/At the Drive-In) regresan con Antemasque Vuelven American Football Vuelven Mineral

Mayo JUNIO

Godflesh anuncian nuevo material: Ep y LP Failure edita nuevos temas, los primeros desde 1997

Bobby Womack †

Crystal Castles se disuelven por abandono de Alice Glass Mark Bell (LFO) † Isaiah Ikey Owens (The Mars Volta, Jack White) † Sleater-Kinney se reunen y anuncian primer disco en 10 años para enero Orbital lo dejan de nuevo Jack Bruce (Cream) † Vuelven Luna, gira extensa por España

OCTUBRE

NOVIEMBRE Wayne Static (Static X) † Big Bank Hank (Sugarhill Gang) † Jul Bolinaga (RIP) † Ride se reúnen y se confirman para Primavera Sound The Pop Group anuncian primer disco en 35 años

Unicornibot lo dejan por un tiempo L7 apuntan a una reunión y piden el apoyo de los fans Nace MBC Festival, en Sagunto, con Ash y Standstill, entre otros Thrice apuntan a un regreso para 2015 Joe Cocker †

DICIEMBRE 5

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2014

Re señas

MIXTAPE

Dicen que el roce hace el cariño. Tal vez esa sea la razón de que en 2014 observemos una mayor convergencia entre los tops de nuestros redactores.

Al final en nuestro método funcionan mucho las recomendaciones internas y lo que cala, cala.

En lo que diferimos es en que para algunos ha sido un gran año con muchos discos que se quedan fuera. Otros, han sufrido más para hacer un top que realmente refleje discos excelentes y no simplemente por rellenar la lista. En cualquier caso estos son los lanzamientos que más han sonado en nuestros reproductores en 2014. ¿En cuántos coincides?

Si crees que estos discos te pueden interesar, cómpralos, descárgalos, escribe un post sobre ellos, regálaselos a alguien, dedícales un tweet, pinta sus nombres en la fachada de una sucursal bancaria... contribuye a su difusión.

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7

TOP 2014

INTERNACIONAL

8

1 LA DISPUTE - Rooms of the House 2 THE WAR ON DRUGS - Lost in the Dream 3 CLOUD NOTHINGS - Here and Nowhere Else 4 EAGULLS - Eagulls 5 CARIBOU - Our Love 6 BECK - Morning Phase 7 CYMBALS EAT GUITARS Lose 8 WOODS - With Light and With Love 9 WEEZER - Everything Will Be Alright in the End 10 THEE SILVER MT. ZION Fuck Off, Get Free, We Pour Light on Every Thing

2014

TOP 2014

NACIONAL

Re señas

MIXTAPE

1 CUELLO - Modo Eterno 2 NO MORE LIES - In the Shade of Expectaction 3 ANTIGUO RÉGIMEN - Política de Tierra Quemada 4 ROLLERCOASTER KILLS Evil Debt 5 CUCHILLO DE FUEGO - Triple España 6 ACCIDENTE - Amistad y Rebelión 7 LOS ENEMIGOS - Vida inteligente 8 NACHO VEGAS - Resituación 9 DULCE PÁJARA DE JUVENTUD - Triumph 10 EL PÁRAMO - El Páramo

9

Raúl 1

THEE SILVER MT. ZION MEMORIAL ORCHESTRA Fuck Off, Get Free...

2

ROLLERCOASTER KILLS Evil Debt

pg. 30

26

LA DISPUTE Rooms of the House

ANTIGUO RÉGIMEN Política de Tierra Quemada

pg. 14

3

16

NO MORE LIES InThe Shade of Expectation

LIARS MESS

pg. 22

26 pg.

pg.

EAGULLS - Eagulls 16

30 ACCIDENTE - Amistad y Rebelión

CYMBALS EAT GUITARS - Lose 28

21 FUTURO TERROR - Futuro Terror

GALLON DRUNK - Soul of the Hour 29

EL_TXEF_A - We Walked Home Together

TOTAL CONTROL - Typical System 21

15 CUELLO - Modo Eterno

WOODS - With Light and With Love 20

19 DIANA LAGARTO - Diana lagarto

CARIBOU - Our Love 16

VIVA BELGRADO - Flores, Carne

DOPE BODY - Lifer 19

21 CUCHILLO DE FUEGO - Triple España

HAVE A NICE LIFE - The Unnatural World 29

29 PINGÜINO - Gente Normal

AGAINST ME! - Transgender Dysphoria Blues 30

23 KERMIT - Litoral

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MIXTAPE

RICARDO

THE WAR ON DRUGS Lost in the Dream

DULCE PÁJARA DE JUVENTUD Triumph

pg. 28

21

2

LOS ENEMIGOS Vida Inteligente

OLD MAN GLOOM The Ape of God

3

29

LA DISPUTE Rooms of the House

CODO Supermagic Powerful

17

pg. 14

pg.

pg.

CLOUD NOTHINGS - Here and Nowhere Else 20

21 CUCHILLO DE FUEGO - Triple España

THE RENTALS - Lost in Alphaville 19

15 CUELLO - Modo Eterno

BECK - Morning Phase 20

30 ACCIDENTE - Amistad y Rebelión 27 EL PÁRAMO - El Páramo

FU MANCHU - Gigantoid WEEZER - Everything Will Be Alright in the End 28

26 NO MORE LIES - In the Shade of Expectation 27 MOURN - Mourn

MELVINS - Hold It In BASS DRUM OF DEATH - Rip This

LOS PUNSETES - LPIV 26 ROLLERCOASTER KILLS - Evil Debt

GODFLESH - A World Lit Only by Fire GHOSTFACE KILLAH - 36 Seasons

JUPITER LION - Brighter

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YURI 1

NACHO VEGAS Resituación

CARIBOU Our Love

27

pg. 16

2

SWANS To Be Kind

3

MERCHANDISE After the End

SR. CHINARRO Perspectiva Caballera

pg. 23

LOS PUNSETES LPIV

pg. 21

pg.

pg.

EAGULLS - Eagulls 16

29 LOS ENEMIGOS - Vida inteligente

ST. VINCENT - St. Vincent 27

EL COLUMPIO ASESINO - Ballenas muertas en San Sebastián

CLOUD NOTHINGS - Here and Nowhere Else 20

I AM DIVE - Wolves

BECK - Morning Phase 20

ACUARIO - Cassette para los niños

THE WAR ON DRUGS - Lost in the Dream 28

16 ANTIGUO RÉGIMEN - Política de Tierra Quemada 15 CUELLO - Modo eterno

FUTURE ISLANDS - Singles THE AFGHAN WHIGS - Do the Beast 23

27 MOURN - Mourn

MOGWAI - Rave Tapes 26

29 FUCKAINE - Totally Contagious

WOVEN HAND - Refractory Obdurate 22

VIVA BELGRADO - Flores, carne

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1

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MIXTAPE

AMALIO NO MORE LIES In the Shade of Expectation

THE WAR ON DRUGS Lost in the Dream pg. 28

2

LA DISPUTE Rooms of the House

3

WOODS With Light and With Love

26

EL PÁRAMO El Páramo

pg. 14

27

ROLLERCOASTER KILLS Evil Debt

26

pg. 20

pg.

pg.

CLOUD NOTHINGS - Here and Nowhere Else 20

15 CUELLO - Modo Eterno

CYMBALS EAT GUITARS - Lose 28

27 NACHO VEGAS - Resituación

EAGULLS - Eagulls 16

16 ANTIGUO RÉGIMEN - Política de Tierra Quemada

HUMAN HANDS - s/t lp 19

29 PINGÜINO - Gente Formal

OUGHT - More Than Any Other Day 25

19 BERRI TXARRAK - Denbora da Poligrafo Bakarra

CARIBOU - Our Love 16

21 CUCHILLO DE FUEGO - Triple España

WEEZER - Everything Will Be Alright in the End 28

21 FUTURO TERROR - Futuro Terror

MICAH P. HINSON - Micah P. Hinson and the Nothing

TRONO DE SANGRE - La Mitad de lo que Somos, La Mitad de lo que Creemos

MOGWAI - Rave Tapes 26

29 FUCKAINE - Totally Contagious

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LA DISPUTE

ROOMS OF THE HOUSE La Dispute dan un salto de gigante hacia la madurez puliendo aún más su trabajo lírico. Con un sonido limpio y equilibrado, la banda encuentra ese punto en el que los instrumentos dejan de luchar entre sí. Todo ello ayuda para que el oyente se introduzca en esa historia de recuerdos de un hogar abandonado, repleto de fragmentos de una vida compartida que se desvanece. Dreyer deja de lado el drama post-adolescente y la furia, alcanzando un grado de madurez sobresaliente a la hora de plasmar la complejidad de las relaciones humanas.

El tercer álbum de los de Gran Rapids se aleja de los constantes cambios de ritmo para centrarse en el equilibrio. Arrancan el Lp con los rasgueos limpios de “Hundsonville MI 1956”, que crece con gran intensidad hasta ofrecer varias pistas sobre la evolución de su sonido. Explícito, pero con profundidad, Jordan Dreyer continúa en “First Reactions After Falling Through The Ice” con el repaso emocional, acelerando el tempo en lo musical, y dando paso en “Woman (In Mirror)” al otro tipo de canción que conforma el global de “Rooms of the House”. En tres temas La Dispute nos muestra las cartas con las que jugará durante toda la obra: medios tiempos de gran poderío, píldoras más cercanas a sus raíces hardcore, y temas que se acercan de forma sosegada y madura a sus Ep´s. Para cuando llegue “35” con su spoken word marca de la casa estaremos en el ecuador del minutaje con la sensación de que el salto dado por la banda es mayúsculo.

“Stay Happy There” no hace sino elevar aún más las cotas de calidad, hablando con tal sinceridad sobre lo que es una ruptura que incluso logra que un tema tan manido como este llegue a estremecer. Acompañado de una voz que brilla aquí sobremanera en lo que a expresividad se refiere, se convierte sin duda en una de las joyas del disco. En “Woman (Reading)” se filtran de nuevo esos resquicios vocales que nos acercan a Pavement, llevándonos mediante un ritmo mecánico hasta el rabioso final.

Por último, un tema de estructura sencilla como “Extraordinary Dinner Party” nos recuerda su vena más melódica y amable. A su manera, y dotando de personalidad propia cada segundo de este “Rooms of the House”, La Dispute han contestado a sus compañeros de generación firmando un disco que a la vez que los aleja, los convierte en cúspide de aquello que se vino a llamar The Wave.

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CUELLO

MODO ETERNO Normalmente se dice que el segundo disco de un grupo es el de la confirmación. El disco que más piensan las bandas, en el que a veces cambian parámetros para despistar a todo el mundo o en el que, tras compartir furgo y local de ensayo, se dan cuenta de qué cosas hay que mejorar. El caso que nos ocupa es todo lo contrario, pues este “Modo Eterno” de Cuello no es más que una segunda parte de “Mi Brazo Que Te Sobre”. Y hay que celebrar que así sea.

Con apenas un año de diferencia entre su primer y segundo disco no cabía esperar grandes novedades en el sonido de Cuello, pero ciertamente este segundo trabajo no sólo funciona por sí mismo como un trabajo compacto y bien moldeado, sino que entremezclando con su debut todo encaja.

Volvemos a tener a un José Guerrero en estado de gracia (este año no hay disco de Betunizer, pero sí otro genial de Jupiter Lion) a la hora de crear melodías al más puro estilo de bandas de los 90 como Pixies (diría que más bien Frank Black), Hot Snakes, Superchunk…

Incluso ese tono constantemente sucio, confuso y con cierto trasfondo sexual en la temática de las letras tan particular de José vuelve a dar en el clavo.

Es una obligación volver a alzar el puño con los vitamínicos sonidos de la tripleta inicial del disco: la poderosa línea rítmica punk de “Te Vas de Lado Siempre”, la pegadiza y divertida “Cara de Hombre” y una muy hooligan “Campeón”. Quizá las relajadas “Tren de Poder” y “Tu Fuego de Luces” son las dos piezas donde nos muestran una cara más diferente, la de unos aires más orientados al power pop y a las melodías algo más reposadas. Si en su nota de prensa hablan de Guided By Voices, sin duda que esta vez consiguen recordar mucho más a Robert Pollard y compañía.

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CARIBOU Our Love Tras el pelotazo de “Swim”, Daniel Snaith mira con valentía a la electrónica. “Our Love” es un tratado sobre el amor desde diferentes prismas. Es por ello que se nos puede presentar como un puzzle que va desde el house cabezón de unos Daft Punk al retrofuturismo a lo Kavinsky o la fuerza ambiental de John Talabot. Pero no nos llevemos a engaño, el reciclaje sonoro de “Our Love” siempre mantiene una carga emocional fuerte y si tuviéramos que asociar el disco a un personaje del género, ese sería James Blake. Un caleidoscópico juego de equilibrios que cuenta con delicados

detalles como los arreglos orquestales de Owen Pallett o la voz de Jessy Lanza.

Todo este dechado de virtudes compositivas se envuelve en una producción exquisita, que nos lleva de la pista de baile a la intimidad de nuestro dormitorio y de vuelta, siempre manteniendo ese oscilar entre el sonido impactante y los matices sutiles. Una envoltura psicodélica a juego con la portada floral, aunque quizá más amarga que lo que el tema del amor sugiere de primeras.

Lo que está claro es que “Our Love” ratifica a Snaith como un maestro de la electrónica más accesible, que no vulgar.

ANTIGUO RÉGIMEN Política de Tierra Quemada

EAGULLS Eagulls

Quizá era asignatura pendiente que una banda supiera recoger influencias no sólo de Joy Division, The Cure o Chameleons, sino también del reflejo de esos sonidos en nuestro pop. Antiguo Régimen toman esa herencia de sintes y bajos constantes, pero hacen gala de una rica sensibilidad pop que contrasta con imaginería fría y letras intrigantes en torno a conceptos místicos, académicos y políticos. Estética y concepto muy conseguidos, que realzan la propuesta alejándola de la nadería indie.

Y eso que su frialdad no pasa por el ruido, ni siquiera son excesivamente minimalistas. No hay más que escuchar “Antiguo Régimen”, carta de presentación con ecos de los 80 más bailables. Y qué decir de la infecciosa “Piezas Sobrantes”, un trepidante gancho a primera escucha.

Pero estamos ante un disco con trayectoria, con un umbral de cansancio que tiende al infinito. En cambio, tanto recovecos dramáticos de su instrumentación como la vena más pop de letras obsesivas se infiltran en tu organismo convirtiendo este debut largo en un tótem de hormigón tan implacable como los que figuran en su apropiado artwork.

Siguen saliendo bandas que demuestran que se puede seguir evocando la escena post-punk, siempre y cuando tengas buenas canciones y consigas captar algo de esa rabia y oscuridad. También para Eagulls es Joy Division materia troncal, pero el quinteto acentúa el lado melódico de The Cure y Killing Joke. Y sus inicios vienen de un punk-rock más dulce marcado por el himno de puño en alto y con bandas como los Misfits o The Clash en el punto de mira.

Pero para este disco sí que hacen mayor gala de clichés del post-punk británico. Ahí tenemos las líneas de bajo hiper-reconocibles que se funden a menudo con muros de shoegaze, revestimiento que emborrona un más que evidente talento compositivo. Precisamente “Nerve Endings” y “Tough Luck”, sus dos primeros singles, son ejercicios que nos retrotraen claramente a los oscuros 80.

Aún con todo, estos cinco de Leeds diseñan sus temas al modo pop, no derivan en exceso, se dirigen a los estribillos repetitivos (“Amber Veins”, “Yellow Eyes”) y su objetivo es claramente calar y ser coreados. Hay madera y sólo les resta buscar una personalidad algo más propia.

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FOO FIGHTERS Sonic Highways

Enclenque contenido musical que no está a la altura del ambicioso proyecto documental que le acompaña, Dave Grohl vuelve a tirar de fórmula y el resultado son canciones de excesivo minutaje y con poco que decir más allá de unas letras que encima son ajenas.

GERARD WAY Hesitant Alien

Un nuevo comienzo para Gerard Way con ciertos restos del pop-punk de My Chemical Romance pero enfocándose a un revivalismo del glam y el brit-pop. El olfato para las melodías le acompaña en este correcto ejercicio de madurez eléctrica.

ALT-J This Is All Yours

No sabemos si han querido hacer un experimento o el miedo a la comparación con el debut les ha podido pero el ahora trío entrega un disco de corte ambiental, aburrido e inacabable con muy pocos destellos de lo que un día mostraron.

THE GASLIGHT ANTHEM Get Hurt

Decepcionante primer paso en falso de los de Brian Fallon. La banda ha querido abarcar más, introduciendo indigestos aires de hard-rock y otros nuevos ropajes que no sientan bien a su esqueleto de punk-rock hijo de Springsteen.

DEATH FROM ABOVE 1979 The Physical World

La pareja canadiense regresa y consigue plantar cara a su corta leyenda. No hay la furia ni el éxtasis de su predecesor pero sí consiguen un buen puñado de canciones frescas y divertidas a la vez que prueban algún truco nuevo. Disco de transición, tal vez.

FINCH Back to Oblivion

Hay estilos que envejecen peor que otros, y en la mano de los músicos que los interpretan está el saber evolucionar y escapar de lo trillado. Finch supieron hacerlo en su momento, pero su regreso ha traido un disco si no fallido, poco trascendente.

CODO Super-magic Powerful

El dúo regresa llevando las composiciones más al grano a la vez que mantiene esos aires progresivos y doom. Aunque la fórmula bajo-batería ya no es nueva, Codo consiguen su personalidad a base de stoner y con el humor por bandera.

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MIXTAPE

HUMAN HANDS ST

Otra demostración de que el emo 90’s no está muerto, la banda da el salto al disco largo con mimbres ya conocidos: garra, pasión, melodía y sobre todo grandes canciones que a veces colindan con el slow, y otras con el screamo.

JOSEPH AIRPORT Stronger and Better

Pop de baja fidelidad, canciones que en su mayoría no superan los dos minutos y un exquisito gusto por las melodías ensoñadoras. Un excelente debut con ecos de Guided By Voices, Modest Mouse o Dinosaur Jr.

DIANA LAGARTO ST

Media hora de posthardcore ruidoso con poco espacio para coger aire en una experiencia de inmersión intensa. Amantes del punk-rock más nervioso tienen en Diana Lagarto una nueva banda con la que agitar sus bioritmos.

MONUMENT Bros Canoeing!

Otra pequeña, por definición, sublimación del emo con sabor retrospectivo. Hay nostalgia y suspiros de adolescencia, pero en vez de hastío hay una alegría contagiosa que recorre los diez cortes y hace del disco una experiencia de lo más agradable.

BERRI TXARRAK Denbora da Poligrafo Bakarra

Resuelven lo que parecía un salto al vacío, aterrizando con notable elegancia, ofreciendo variedad y uno de esos discos para todos los gustos y opiniones. Lástima que la separación estilística juegue un poco en su contra.

DOPE BODY Lifer

Conecta la oscuridad de Soundgarden, la rítmica pasional de Fugazi, el hardcore ruidoso de Drive Like Jehu y el noise-punk arrastrado de The Jesus Lizard y lo conjuga en un psicodelico equilibrio entre el underground y las melodías con posibilidades comerciales.

THE RENTALS Lost in Alphaville

Pese a tratarse de material reelaborado de EPs previos, Matt Sharp adapta estas canciones a su sonido power pop, lleno de moogs y juegos vocales. Un regreso a la forma que podría haber sido algo más vitamínico pero aún así mejora su segundo trabajo.

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CLOUD NOTHINGS Here and Nowhere Else Media hora casi clavada, 8 temas a todo trapo llenos de guitarras sucias, ritmos que te golpean repetidamente y melodías correctas en el peor de los casos. Un poco más de luz sobre la crudeza de “Attack on Memory”, señal de un resurgir de los sonidos agresivos en el indie. Esta vez no hay ni hueco para los climas más lentos y agónicos destacando tan sólo un momento iconoclasta en los 7 minutos y medio de “Pattern Walks” en cuya expansión sentimos que el potencial de Baldi se destapa.

Porque el resto es un equilibrio de abrasión y melodías ya totalmente reconocible,

una especie de punk-pop trufado de electricidad y contundencia. Pero hay algo en el talento de Baldi a caballo de diferentes universos. Es esa senda que de la amargura post-hardcore saca hits como la triunfante “Quieter Today” o la divertida “Just See Fear”. Lo dice todo que una banda ruidosa sea capaz de parir sin rubor un tema tan radiable como “I’m Not Part of Me”.

Cloud Nothings exploran los límites de su sonido agreste, sin caer en lo arty ni adentrarse en la rareza. Menos sorpresa, pero aún punta de lanza del nuevo ruido y con visos de continuidad halagüeños.

WOODS With Light and With Love

BECK Morning Phase

El octavo disco de los de Brooklyn les afianza como la mejor banda de pop (y cada vez más rock) psicodélico estadounidense, con el medio oeste ganando esta vez terreno a los alucinados sonidos californianos. El disco arranca en clave puramente americana con un clasicismo que apela a las canciones con mayúsculas, pero la sorpresa que nos abrirá los oídos de golpe será la pieza que le da nombre al disco. “With Light And With Love” supone para el oyente nueve minutos de viaje por el rock psicodélico de finales de los 60´ y principios de los 70. Una de las canciones del año.

A partir de aquí todo podría saber a poco, pero colocan su pieza más accesible y a lo The Shins, “Moving to the Left”. A partir de ahí habrá más folk, americana luminosa, psicodelia movida y melancolía en un disco que les ve avanzar en arreglos y juegos vocales y que no pincha nunca.

Justo lo que muchos deseábamos y lo que tanto adalid de la modernidad puede que temiese. O lo que es lo mismo, un disco que sigue los pasos del sobresaliente “Bend Beyond” y en el que se dejan de experimentar para centrarse en las canciones. ¿Continuista? Sí, gracias.

Si con “Modern Guilt” se acercó a terrenos más rockeros y psicodélicos, ahora Beck se ha quedado sólo con este último adjetivo y ha retrocedido a los tiempos de “Sea Change” en cuanto a sonido para entregar un “Morning Phase” que ya no sorprende tanto.

Ritmos relajados, guitarras acústicas, reverbs, atmósferas cálidas, piano, una voz que se limita a cantar, hacen de este un disco de folk-pop sin pretensiones, pero no por ello menor, gracias a la personalidad del angelino.

El tono es, por tanto homogéneo, nostálgico y bucólico según el momento incluso dejándose permear por iconos del indie-fol actual como algún eco de Bon Iver en “Turn Away”. “Waking Light” cierra la colección añadiendo un poco de apacible épica, como si Hansen acabara de despertarse y viera amanecer desde una casa junto a la playa. Una estampa visual que complementa bien la música de este “Morning Phase”.

Beck ha conseguido una vez más crear una obra consistente y cohesionada, y esto, a la altura de un duodécimo trabajo, es digno de respeto y admiración.

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MIXTAPE

FUTURO TERROR ST

Frescura y electricidad que discurren por caminos ya transitados en pasadas décadas, pero a los que saben sacar chispas en la gran mayoría de los cortes. Junta eso con unas letras poco evidentes, lo pillas todo y te lo llevas al pogo.

THE PAINS OF BEING PURE AT HEART Days of Abandon

Aunque Kip Berman siga siendo capaz de componer melodías tarareables y agradables, esto no basta en vista de su currículum previo. Esperemos que para la próxima recupere algo más de garra e inspiración y nos deje una nueva obra redonda.

MERCHANDISE After the End

Es verdad que estos Merchandise son menos excitantes que los que conocíamos, pero a veces repetirse es morir. Y se me hace complicado pensar en un disco de pop de esencia 80s más acertado, en casi todos los sentidos.

DULCE PÁJARA DE JUVENTUD Triumph

Tras un debut desbordante de energía, se desmarcan de esos parámetros para afrontar el riesgo de buscar un estilo propio, entre la concreción del power pop y la experimentación en minutajes más dilatados. Valiente paso.

TOTAL CONTROL Typical System

La mezcla es un arte y su maestría continúa dando excitantes resultados. Total Control beben del post-punk, el garaje, el synth-pop y el kraut para crear una mezcla escapista donde hay pop e impacto, con la psicodelia como carburante.

RYAN ADAMS 1984

Eclipsado por su disco “normal” este EP condensa lo mejor del punk-rock underground de los 80 americano, a modo de perfecto homenaje a Hüsker Dü y The Replacements.

Demasiado bueno como para dejarlo en una anécdota

CUCHILLO DE FUEGO Triple España

Desde Pontevedra, un nuevo capítulo de locura ruidosa. Letras mordaces, sonido áspero donde cabe noise, punk&roll, hardcore y sludge. Una de las mejores propuestas surgidas por aquí en torno al sonido que The Jesus Lizard conquistaron con el glorioso “Goat”.

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LIARS MESS

Tras cimentar una carrera basada en la indefinición se meten de lleno en la electrónica con un trabajo que toma forma de lúcido y a ratos cafre tratado de las tendencias que han permeado en la música popular (rave, techno, ebm, industrial, ambient, idm...).

BRODY DALLE Diploid Love

No es mal disco, pero podríamos resumirlo en el extraño engendro que cierra el disco. Un cruce de rock y pop que juega entre mantener la chispa y sofisticarse en cierto ansia por llegar a un público adulto.

VV.AA. Bajo un cielo prehistórico. Homenaje a The Church

Un álbum plagado de versiones de buen nivel. Pero lo mejor es que con cada tema estás dándole su oportunidad a alguna banda o artista que igual desconocías y a la vez (re) descubriendo el legado de una banda de culto.

THE VAN PELT Imaginary Third

Más que un disco al uso estamos ante una recopilación de lo que fueron los últimos temas grabados por la banda allá por 1996 y 1997 y editados por separado. Sonido atonal e incómodo pero a la vez increíblemente bello y variado pese a su corta duración

MASTODON Once More ‘Round the Sun

Un paso al frente con un acabado más cohesionado y algunas novedades sin renunciar a su sello de calidad. Es la lucha mayormente exitosa de una banda por conciliar credibilidad underground con aspiraciones de estadio.

WOVEN HAND Refractory Obdurate

Un retorno del reverendo a la electricidad cuyo único pero es una ligera descompensación hacia el final. El mejor disco de Woven Hand en más de un lustro, en concreto desde “Ten Stones”.

BOB MOULD Beauty & Ruin

No es el disco del año, pero sí lo será para ti si eres de buenas canciones, estribillos irresistibles, escasez de pretensiones y punk-rock. Larga vida a Bob Mould y a las eufóricas sensaciones que produce su música.

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KERMIT Litoral

Post-rock y progresivo que no trata de ganchos, es cambiante y actúa como el efecto de las olas en la orilla. Parece que no cambian nada, pero en el fondo lo remueven todo. Sólo hay que pararse a apreciarlo.

SWANS To Be Kind

Puede que ya no nos sorprendan como cuando regresaron, pero la experiencia sigue dejándote tan exhausto como pleno, gracias a una fórmula que la banda sigue refinando y variando hacia nuevas cimas creativas.

THE AFGHAN WHIGS Do to the Beast

No tanto una continuación de la banda, sino más un nuevo capítulo para Greg Dulli. Esto explica que parte de la fiereza rockera haya sido sustituida por la profusión de arreglos melosos y elegantes para otro disco apasionado y ambicioso.

THE DESTROYED ROOM The Dark of the Sun

Nos dicen adiós de forma indefinida con más de media hora de punk rock puramente americano que nos recuerdan en forma de sentidas canciones que la rueda no para y que nuevas bandas surgirán recogiendo el legado de las que se toman un respiro.

ATENCIÓN TSUNAMI Que le Corten la Cabeza

Melancolía, anhelo y reconciliación. Avanzan firmes con novedades muy sutiles, dejando delicadezas a un lado y adentrándose en sonidos ligeramente más duros, pero tan robóticos y eléctricos como los de su primer álbum.

CHUCK RAGAN Till Midnight

Las emociones son las mismas, pero nos llegan de manera menos directa, abriéndose camino entre mucho aderezo, perdiendo así el impacto que tanto marcaba la austeridad acústica de anteriores trabajos.

THE HORRORS Luminous

Atmósferas cada vez más luminosas, gusto por los ecos y el reverb, ruiditos y progresión instrumental que obligan a una duración media generosa. Pero todo ofrecido de una manera más densa y atropellada, sin una orientación clara.

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2014

Re señas

MIXTAPE

OFF! Wasted Years

Más de lo mismo y para bien. La fórmula sólo se relaja lo justo para adquirir un tono algo más rockero. Un cambio nimio y suficiente para otro disco más que sólido de lo que quieren deliberadamente hacer. Otro disco más que sólido de lo que el mundo necesita.

EELS The Cautionary Tales of Mark Oliver Everett

Un elegante álbum autobiográfico que sigue su línea de rock intimista, sobrecogiendo con delicadeza. Sin embargo, se echa en falta algo de experimentación que nos saque del horizontalismo.

FLYING LOTUS You’re Dead!

Ellison se desmarca con un disco conceptual en torno a la muerte y lejos de enfocarlo desde un punto de vista depresivo, ha tirado más que nunca de free-jazz animado. Se ha tirado a la piscina de la ambición y se ha vuelto a subir el listón.

TYCHO Awake

Partiendo de una música contemplativa, nos lleva a un viaje lleno de ritmos más animados y placer bailable. Una experiencia agradable, colorista como su portada, pero también reiterativa e inofensiva al notarse una busqueda de horizontes comerciales.

OUGHT More Than Any Other Day

El post punk, los aromas artys y los ritmos de funk retorcido forman un combinado que llama la atención desde la primera escucha. Un sonido heterogéneo que hace pensar en Television, Talking Heads o Gang of Four.

TEMPLES Sun Structures

Una buena colección de canciones que no hace más que reaprovechar lo que tantas bandas estadounidenses hicieran en los años sesenta, aportando nada o casi nada nuevo.

Agradan pero no son ningunos salvadores del rock.

RUN THE JEWELS Run the Jewels 2

Salen de la fase beta con un segundo disco que, al menos comercialmente, se antepone a las dos caras de sus protagonistas por separado. Una obra fresca, combativa y que, al no tratarse a sí misma con excesiva seriedad, resulta una escucha ganadora.

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ROLLERCOASTER KILLS Evil Debt No sé cuál es la definición exacta de punk, pero podría ejemplificarse, por qué no, con el primer largo de Rollercoaster Kills. Y no lo digo por rellenar una entradilla, sino porque en “Evil Debt” encontramos dejes que van de Sex Pistols a Sonic Youth, pasando por Television, Wire, Joy Division, Mission of Burma, Wipers, Dead Kennedys, Drive Like Jehu y lo que se os ocurra dentro de lo más interesante de la historia del género con sus respectivos prefijos “post”.

Estamos ante un disco cuya clase a la hora de jugar con sonidos del pasado asombra. Esto les permite dejar un rastro

de 10 canciones llenas de bilis, velocidad, explosiones rítmicas, ruido y voces rotas coreadas. La banda domina esto de moverse entre el punk-rock, el indie-rock y el postpunk. Así tenemos momentos de hardcore feliz como “Don’t Ask, Don´t Tell” o “Adam’s Massacre Song” y otros en que doman las voces para ofrecer un registro más dramático y post-punk. Aquí podríamos destacar “Funeral Party” con un grito melódico a caballo entre ambos mundos y que consigue el tema más pop dentro de su contexto.

Poco más de 20 minutos intensos y sin sobrantes.

NO MORE LIES In The Shade of Expectation

MOGWAI Rave Tapes

Su vuelta al ruedo tras casi nueve años colma nuestras expectativas tanto o más que la de cualquiera de sus colegas de sonido con pedigrí estadounidense. Cierto es que “Spiral Desidia” excede en su estribillo sus límites melódicos antes conocidos, pero por lo general todo sigue su curso.

Es decir punk rock con ciertas formas retorcidas, pero amable en el fondo gracias a un poderío de inmediatez absolutamente delicioso.

Canciones como las muy Hot Snakes, “Daily Smile Commitment” e “In The Shade Of Expectation”, con ese traqueteo marca de la casa, o el punk melódico de “Dear System”, se antojan perfectas para corear en directo. Mientras, en la segunda parte del Lp encontramos al trío más cerca que nunca de la genial fórmula de sus “coordenadas”. Así, la kamikaze “Friends Neighbours & Criminals”, la cambiante “Convinced”, o ese himno que es “Wrong Stage Bad Scenario” nos traen a los mejores No More Lies posibles.

Sin que ningún tema sobrepase los tres minutos, parece que por los catalanes no pasase el tiempo, y en una sobresaliente continuación de lo perpetrado allá por 2005. Retorno feliz.

Hay quienes piensan que el post-rock es un género inmovilista, que impide salirse de unos límites y cánones establecidos durante sus veinte años de historia. Esto puede aplicarse a Mogwai, cabeza bien visible del movimiento, ya que no puede decirse que hayan variado demasiado su fórmula en todo este tiempo.

Stuart Braithwaite y los suyos nos enseñaron antes que nada lo más novedoso de esta nueva entrega, una “Remurdered” que apuesta por una base de sintetizadores que va entrelazándose con su característica maraña guitarrera en un crescendo típico de ellos pero efectivo. Un futuro clásico a añadir, quizá el único de todo el álbum.

Y es que la fuerza de los Mogwai actuales está en precisamente regodearse en la fuente de las críticas: en sonar a ellos mismos, sí, pero lo mejor posible. Puede que nos parezca que hayamos escuchado antes temas como “Simon Ferocious” o “Master Card”, pero a la vez estamos seguros que pocos lo harían con tal dignidad y buen hacer.

Todas las canciones tienen en general ese ‘algo’, que capta nuestra atención y que está al alcance sólo de los grandes.

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2014

Re señas

MIXTAPE

NACHO VEGAS Resituación

Retrato actual de su autor que trasciende en buena parte su tristeza existencial para unirse al grito común al que toda persona cabal en este país debería unirse. El conjunto destila la validez y autenticidad habituales.

THE MEN Tomorrow’s Hits

Tras romper varios esquemas, al fin se han asentado a procrastinar un rato en los manantiales del folk-rock. Siguen su peculiar ruta hacia el clasicismo, por alguna interestatal en un polvoriento coche antiguo y con pocos rastros de civilización indie a la redonda.

MOURN Mourn

Rock alternativo de puro corte noventero. Guitarras de aires grunge, voz desafiante al estilo del punk riot grrrl y melodías que llevan el indie al lado más oscuro y rockero. Pese a su juventud las catalanas muestran una fiereza y acidez notable.

EL PÁRAMO El Páramo

Ni la música de El Páramo puede medirse con el reloj, ni su carrera como grupo ha de medirse con un calendario. Disfrutemos por lo tanto del viaje y que a cada cual la música lo lleve hasta el punto que éste desee alcanzar.

PERFECT PUSSY Say Yes To Love

Un ejercicio de estilo curioso como un despliegue admirable de energía punk-noise. Conseguirán ser un fenómeno, pero si quieren ser algo más, necesitarán más fondo con que rellenar su forma.

ST. VINCENT St. Vincent

Una artista en su apogeo, valiente y decidida, de grandes ideas plasmadas en grandes canciones y con un estilo propio plenamente definido. A base de imaginación y talento está definiendo el pop de vanguardia actual.

EXPØ Blind Spøts

Moviéndose cómodamente en la zona media del pop indie actual con aspiración masiva, es fácil compararlo con otros álbumes similares, pero cumple con su función: hacernos pasar un buen rato.

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WEEZER Everything Will Be Alright in the End Declaraciones tópicas sobre volver al rock y la filtración de un single honestamente malo nos habían llevado a pensar que “Everything Will Be Alright in the End” sería otra losa en el talento enterrado de la banda. Revitalizadora sorpresa fue la que nos deparó este disco para el que han vuelto a un sonido cercano al de su época dorada.

Los temas no rayan a aquella altura, pero hay un halo de esperanza y esto es algo que llevábamos queriendo decir mucho, mucho tiempo.

“EWBAITD” es un primer paso para la redención, desde el despiporre metálico de

“Ain’t Got Nobody” al pop cándido de “Eulogy for a Rock Band” y ese pelotazo que parece salido directo del “Green Album” que es “Lonely Girl”.

Sigue habiendo su parte de cosas que chirrían (“Back to the Shack”, “I’ve Had It Up Here”), pero casi todos los temas recurren a un buen gancho pop o un riff bien sólido y vuelven a conciliar a menudo esas melodías casi ñoñas con guitarras de escuela heavy metal, que es lo que siempre nos arrebató de ellos. Al fin, Weezer han conseguido parir un disco en el que la vergüenza ajena no venza a la capacidad de disfrute.

CYMBALS EAT GUITARS LOSE

THE WAR ON DRUGS Lost in the Dream

La banda de Joseph D’Agostino, regresa con un tratado en torno a los miedos y las crisis propias de una juventud que empieza a languidecer para dejar paso a esos problemas y dramas de madurez. Toca empezar a perder, pero también toca encontrarle salida al dolor, y en este caso lo han sabido encauzar en su obra más completa hasta la fecha. Sigue habiendo momentos de efervescencia, pero se respiran aires de una evolución que acercan a la banda hacia postulados psicodélicos o al terreno de los teclados clásicos, creando un imaginario donde caben rock grandilocuente, indie rock y cowpunk por igual.

El eclecticismo es la cualidad predominante de un disco que recurre a los 70’, los 80´ y cómo no, los 90’ de Pixies y Superchunk. Se redondea así un disco con aromas a todos esos clásicos noventeros a los que D’Agostino no duda en citar como influencia, pero a los que Cymbals Eat Guitars han sabido dar un color más que personal. Los neoyorquinos dan un paso adelante en su carrera, siendo presumiblemente éste el disco que les volverá a colocar en lo más alto del indie rock de guitarras actual.

Casi tres años después de su notable “Slave Ambient”, The War On Drugs se inclinan hacia las canciones, frente a la experimentación pasada. Es probable que “Lost in the Dream” se haya convertido en un sorprendente clásico de nuestro tiempo y que hayan dado con la fórmula para darle al rock radiofónico 80’s, el envoltorio cool y accesible que les permita dar un paso más allá.

Si bien Bruce Springsteen, Tom Petty, o incluso Dire Straits se cuelan en este trabajo, los dejes vocales de algunos temas, nos permiten entender que todos estos lodos provienen de los polvos generados por Bob Dylan. La receta para conseguir un disco moderno está en las ambientaciones, un chorro de delays y reverbs y finalmente, en una actitud de anti estrella que les permite mantener ese estatus indie.

El componente onírico sigue presente, pero ya no es el fin de su música. “Lost in the Dream” perdurará como documento de la interesante encrucijada estilística de nuestros tiempos. Y es que The War On Drugs han logrado una fórmula que permite seguir flotando hacia el futuro, sin dejar de lado lo mejor del pasados.

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2014

Re señas

MIXTAPE

GALLON DRUNK The Soul of the Hour

De The Birthday Party al kraut, de The Doors a Spacemen 3, James Johnston crea una nueva masa de rock n roll sin fisuras con garra, sensibilidad y groove, reflejando una variedad que cada vez parece menos habitual en un disco y banda.

PIXIES EP-3

Vuelven a dejar alguna canción brillante, que es lo que importa. Y es que no es que Pixies en 2014 compongan las mejores canciones. Pero desde luego, todo el que componga mejores canciones que ellos, debería ser tenido muy en cuenta.

PINGÜINO Gente Formal

Un disco cuyo mayor problema es que algunos hits demasiado sobresalientes o estribillos muy pegadizos dejen otros en la penumbra. Debut en largo que no defraudará a los más enfermos del rock alternativo y el indie-rock.

KING TUFF Black Moon Spell

Del power-pop garajero, a nuevas tonalidades más glam y hard-rock con referentes como Redd Kross, Kiss o T. Rex a mano. Un bamboleo estilístico que lo mismo sirve para mostrar sus dotes como músico que para provocar una escucha algo más accidentada.

LOS ENEMIGOS Vida Inteligente

No es el mejor trabajo de su carrera, pero si lo ponemos en el contexto apropiado hay que reconocer a estos cuatro músicos que han conseguido un sonido ya no sólo propio e irreconocible, sino inimitable para el resto de chavales.

HAVE A NICE LIFE The Unnatural World

Inconformistas del ruido más emocional, muestran ahora una cara más pop, si se puede llamar así. Un sonido destructor y bello, una forma de explotar el lo-fi desde terrenos góticos al que apenas se puede oponer resistencia.

FUCKAINE Totally Contagious

Mezclando indie-rock y electrónica, nos ofrecen un disco menos apto para aquellos que busquen el hit inmediato y más para quien disfrute, como si de un puzzle se tratase, de ordenar las piezas de este cóctel ruidoso.

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DAMIEN JURADO Brothers and Sisters of the Eternal Son

Un disco perfectamente ejecutado y con trama conceptual que continúa la de “Maraqopa”. La parte negativa es que la psicodelia que Richard Swift inyectó en su día ya no sorprende y vemos a un Jurado demasiado cómodo en su sonido actual.

THEE SILVER MT. ZION Fuck Off Get Free We Pour Light on Everything

Los canadienses apelan a la tragedia que puede esperar a sus descendientes para construir su disco más directo y punk y a la vez con alguno de los momentos más bellos de su carrera.

FUCKED UP Glass Boys

Un cuarto trabajo que los coloca aún lejos de aquellos hardcoretas que les retiraron la palabra, pero también a mucha distancia de las hordas de quienes se les acercaron por inercia mediática. En tierra de nadie quizá sea el lugar idóneo para estar hoy.

ENCONO Encono

Una nueva realidad del hardcore nacional más sinuoso y arisco se presenta con este debut de vetas washingtonianas, quizás algo lineal por momentos, pero con una personalidad tan marcada que te obligará a someterte a ella.

ACCIDENTE Amistad y Rebelión

Directos de los CSOs con un estilo muy fresco, el del hardcore melódico con esencia del indie español noventero. Encantadores y combativos, nos dejan un buen puñado de temas de catarsis melódica, solidaridad punk y puños en alto.

AGAINST ME! Transgender Dysphoria Blues

Aunque el cambio de sexo de su cantante marque el disco, lo importante es que la banda regresa al punk-rock y consigue, a través de esta temática existencial, resucitar parte de la rabia que todo grupo del género necesita para entregar canciones creíbles.

PIXIES EP-2

Un segundo EP que dista de ser malo en sus partes, pero del que esperábamos más. Si bien aquí los fans tienen más trozos del pasado a los que agarrarse, la calidad compositiva no es tan sólida y se echan en falta las prodigiosas dinámicas de antaño.

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2014

Re se単as

MIXTAPE

feiticeira.org/agenda

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¿Tienes una banda?

Nos dirigimos ahora a esas bandas noveles o no tanto, que nos contactan para que demos cabida a sus discos, EPs y maquetas en nuestras páginas. Estamos aquí para apoyaros, pero dada la avalancha de emails y privados en redes sociales, no podemos dar siempre una contestación inmediata. Esto no quiere decir que vuestras propuestas no sean tenidas en cuenta. Escuchamos todo lo humanamente escuchable y si nos parece interesante, acaba teniendo su pequeño eco en la web.

Queremos que esta comunicación con nosotros sea lo más efectiva posible, así que hemos habilitado un formulario de Google Drive con el que podéis hacernos llegar vuestra música y que sea fácil tanto para vosotros como para nosotros.

LINK AL FORMULARIO

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2014

Re señas

MIXTAPE

El directo es la forma más auténtica de disfrutar de la música y la base misma de su existencia.

Hacemos un brevísimo repaso de lo que fue nuestro 2014 en eventos.

Esperamos haber compartido vivencias con vosotros y seguir haciéndolo en 2015.

Desde aquí gracias y un abrazo a toda la gente que hace posible los conciertos, desde promotores a dueños o gestores de locales, bandas y como no, público.

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enero

16/01/2014, Madrid

CUELLO La visita de Cuello a Madrid fue algo así como la congregación de una pequeña minoría de gente celebrando que su disco de debut fue uno de los mejores de 2013.

20 Rollercoaster Kills ejercieron a la perfección de teloneros. Su propuesta sigue la estela de bandas a medio camino entre el punk, el post-hardcore, el garage y el noise-rock, algo abstracto pero apetecible y con ella se están ganando un lugar a pulso.

Cuello comenzaron con un par de canciones nuevas, justo después de abrir con “Mi destino se queja” del recopilatorio “El recopilata Vol. 2”, que no sirvió para encender los ánimos. Por suerte, en seguida aparecieron “Estudiándote”, “La ecografía de tu morbo” y una “Te veo sin valorarte” que funcionó totalmente como hit de la banda.

Para ese momento el sudor ya se había instalado en la céntrica sala, así como los puños en alto que cantaban las canciones a viva voz. Las ganas de que Cuello dieran un concierto propio eran tan grandes que la locura estalló, con un público muy agradecido. Quizás el sonido no fue todo lo bueno que Wurlitzer nos suele dar para este tipo de encuentros, pero ante un concierto tan divertido y bien ejecutado sólo nos quedaron ganas de llegar a casa a quitarnos el sudor del cuerpo. Sudor de felicidad.

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2014

Cró nicas

MIXTAPE

014 FOTO: Promocional

18/01/2014, Madrid

DEPECHE MODE

Más de

Depeche Mode

Segundo concierto seguido de Depeche Mode en Madrid, segundo sold-out en el Palacio de Deportes. A las 21.30 exactas comenzó a sonar la grave intro de “Welcome to My World” y todo el mundo entró en éxtasis. Le sacaron todo el partido al juego de pantallas, compuesto por los triángulos de la portada de “Delta Machine” y una inmensa V que se abría en tres dimensiones hacia el público. No tardó mucho en sonar el primer clásico, “Walking in My Shoes”, que gana poderosamente en directo gracias a su cadencia rock. Y tras “Precious”, quizá su último gran single, llegó la primera sorpresa de la noche con el familiar arranque de motor de “Stripped” para alborozo de los más veteranos.

Justo en el ecuador, respetuoso silencio para Martin Gore y sus baladas al teclado.

Estremecimiento colectivo y vuelta del resto para el último tercio antes de los bises.

“Behind the Wheel” y “A Question of Time” sonaron implacables y la traca final con “Enjoy the Silence” y “Personal Jesus”, con sus intros y desarrollos alargados fue otro de esos momentos que no se olvidan a pesar de repetirse en cada gira.

Para los bises, Martin salió de nuevo a cantar la preciosa “Home”, con melodía final coreada más allá de la vuelta de Dave, y luego encararon todos juntos otra retahíla de hits: “Halo” en su misteriosa nueva encarnación acompañada de un precioso vídeo, el inevitable guilty pleasure de “Just Can’t Get Enough”, otro momento de sofisticación rockera con “I Feel You” y el gran final a ritmo de “Never Let Me Down Again”. Dos horas clavadas, con poco lugar para la experimentación pero sí para algunas sorpresas, ejecutadas a la perfección por un grupo aún en forma (sobre todo Dave) que se resiste a pasar a ser unos meros dinosaurios. Y mientras haya tensión y sensualidad, nunca lo serán.

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REDD KROSS 16/01/2014, Bilbao

Expectación para ver a una banda tan querida como Redd Kross de nuevo en Bilbao. Su “Researching the Blues” por fin ofrecía una excusa de empaque para una gira y no es que hubiera de quejarse de que giraran sin disco, pero cierto es que ya tocaba. De los temas nuevos más rotundos se sirvieron para, junto a un repertorio plagado de hits, ofrecer un concierto que podemos calificar de para todos los públicos y más rockero que las últimas veces que les tenemos vistos.

Esta vez los hermanos McDonald aparte del impecable y contundente Roy (apellidado igual, pero no de la familia) a la batería traían como novedad a Jason Shapiro a la guitarra. Le echó ganas pero le falta carisma para codearse con los hermanos, cosa que no le pasaba al excéntrico Robert Hecker. No sabemos si su presencia tuvo algo que ver en este mayor peso en el rock duro que en las perfectas melodías pop. Seguramente no y sea simplemente que los McDonald a su edad disfrutan de rockear por todo lo alto. Tanto que en los primeros temas el sonido fue algo abrupto y la voz de Jeff McDonald también.

Cuando le vimos interpretar “Stay Away From Downtown” nos temimos que su garganta le iba a jugar una mala pasada a él, a sus melodías de voz y de paso a todos nosotros. Por fortuna no fue tan así, pero es indudable que fue un concierto en el que ganaron los riffs a las melodías vocales por un buen trecho.

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2014

Cró nicas

MIXTAPE

Redd Kross (Madrid) Más de

Redd Kross Mirado por el lado positivo, es lo que pasa cuando tienes una banda tan completa, longeva y que abarca desde el pop al punk pasando por el hard-rock. Y lo bueno es que a estas alturas no renieguen de ninguno de estos géneros. Los temas nuevos como “Uglier” (con Steve al micro) o “Researching the Blues” ya tienen suficiente recorrido como para ser recibidos por el público a la altura de los clásicos. Y es que clásicos tienen para aburrir pero no faltó casi ninguno de los más populares: “Mess Around”, “Annie’s Gone”, “Jimmy’s Fantasy” (con simpática pifia de Jeff) o “Lady in the Front Row” levantaron los ánimos todo lo que fue posible, ya que el público bilbaíno se mostró un tanto apagado y apenas consiguieron de él que coreara una letra tan de primero de escuela de idiomas como la de “Crazy World”. ¿Cosas de un concierto corto (sobre la hora y cuarto) y sin teloneros? Quizá.

En actitud, la pareja protagonista estuvo formidable, Jeff simpático y excéntrico como siempre, Steve bromista e hiperactivo. Sin duda tras tantos años, que se notan más en esos cinco que Jeff le saca a Steve, siguen teniendo química y lo pasan en grande girando, que es lo más importante para que ni siquiera nuevos proyectos de la relevancia de OFF! frenen su actividad. Inolvidables esos juegos de melenas entre los dos. Tampoco dejaron de destilar ese aire freak y mitómano gracias a versiones como la genial “Blow You a Kiss in the Wind”. O el tributo a una de sus notables influencias, “Deuce” de Kiss, para finalizar un concierto que les retrató como la banda fundamental del rock con mayúsculas que son pero que se hizo, sumando ínfimas pegas por aquí y por allá, escaso para su legado.

SETLIST

Switchblade Stay Away From Downtown Linda Blair Uglier Blow You A Kiss In The Wind Mess Around Researching the Blues Cover Band Annette’s Got the Hits Annie’s Gone Pretty Please Me Frosted Flake Jimmy’s Fantasy Lady in Front Row Follow the leader Crazy World Deuce

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2013

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MIXTAPE

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& The Jicks

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febrero

01/02/2014, Erandio

ACID MESS Abrieron Killerkume, dúo local de noise-rock abierto, desde los estallidos locos y los gritos, hasta los ambientes sugerentes y repetitivos de guitarra y batería que irían recreando, a veces escorados a lo tribal. Después vino el dúo gallego Calixta, con momentos de garaje con riffs pesados y otros más agitados por una voz más aguda que acentuaba el tono punk, todo marcado por un sana sensación de amateurismo.

Acid Mess pulverizarían las marcas de lo esperado.

Nada más lejos de ser otra banda de stoner más, este trío asturiano invocó tanto a Kyuss como a Jimi Hendrix Experience y todo lo que hay de por medio. En los pasajes instrumentales demostraron un nivel que parece de broma atestiguar en un garito así cuando tantas bandas psicodélicas hay llenando recintos grandes y aportando mucho menos. Hipnosis vibrante, temas alargados que no decaen ni aburren un sólo momento, contundencia y evasión a partes bien medidas y un sonido francamente bueno. La única pega fue la voz, quizá mejorable, pues en sus tonos más pretendidamente melódicos y profundos no hacía justicia a la música. Sin embargo en los registros más blues-rockeros, como esa versión del “I Want You (She’s So Heavy)” de The Beatles dio la talla con creces. Todo amante de la música de los 70 hará bien en irles fichando.

FOTO: Promocional

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febrero

18/02/2014, Sevilla

FANFARLO +Lilies on Mars

Fanfarlo es una de esas bandas reclamadas continuamente por salas y festivales de nuestra geografía. Por ello no nos extrañó ver a mucha gente esperando ante las puertas aún cerradas de la sala. Abrieron Lilies On Mars, un joven y encantador dúo femenino que apuesta por jugar con sintetizadores y guitarras, orientándose hacia una suerte de shoegaze y pop espacial que nos recordó a los buenos momentos de Lush, Lali Puna o Blonde Redhead. Terminaron con la aparición de Cathy y Valentina, las dos chicas de sus teloneados, para acompañarlas a bajo y batería.

Fanfarlo salieron ya con la batalla ganada ante sus fans y sin muchos miramientos comenzaron a interpretar su pop preciosista, con frecuentes miradas al chamber pop de Belle & Sebastian y The Divine Comedy, haciendo hincapié en “Let’s Go Extinct”, su tercer trabajo. Así, a pesar de que en un principio tuvieron algún problema con el sonido de diferentes elementos, tuvieron la suerte de que su nutrida colección de instrumentos sonara bien por lo general y que se distinguieran perfectamente unos de otros en temas como “Ghosts”, “Life in the Sky” o la preciosa “Comets”.

Poco a poco, el sonido del quinteto fue alcanzando todas sus vertientes, desde el pop más épico de “The Beginning and the End”, hasta curiosos acercamientos al soft-rock rama Steely Dan por su elegante uso de cuerdas y vientos. Simon Balthazar se mostró como afable maestro de ceremonias, mientras el resto de la banda se centraba en solucionar los eventuales problemas y tocar, sin olvidarse de algunos de sus temas más conocidos y bailables, como “Deconstruction” o “Luna”. Así, no extrañó que hicieran un bis, para redondear una noche que en ningún momento tuvo visos de fracaso.

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2014

Cró nicas

MIXTAPE

28/02/2014, Madrid

WARPAINT El público estaba impaciente y el cuarteto apareció sobre el escenario para arrancar sin un “hola” siquiera con la Intro de su último álbum, homónimo. Desde un primer momento el potente sonido auguraba un concierto intenso, y es que las vibraciones se sentían tan dentro como los latidos del corazón.

Entraron en harina con “Keep it Healthy” envolviendo con una atmósfera oscura y romántica el entorno, y así fueron desgranando su último disco, mostrando un contraste de dulzura y carácter. Por fin se dirigieron al público disculpándose con simpatía por su escaso español. Temprano se lanzaron con su hit “Love is to Die” y hubo aplausos espontáneos por la emoción. Los tonos rosados y encarnados de la iluminación acompañaban a la perfección, y ellas se dejaban llevar improvisando un final más movido que en la grabación y el sensual baile de Theresa Wayman, vocalista y guitarra, que conquistó definitivamente a todo el personal. Mantuvieron la conmoción con “Undertow”, uno de los temas más célebres de su anterior trabajo “The Fool”. Pero contrarrestaron esta popularidad con una canción inédita, que empezaba con suavidad para ir subiendo de tono.

La contundencia de todos los instrumentos se relajaba con “Billie Holiday”, donde la preponderancia de las cuatro voces arrullaba de forma prácticamente acústica. Tras una canción más en que la bajista se encargaba por primera vez de la voz principal, se despidieron discretamente pero animando a “bailar todos juntos”, esperando a salir de nuevo para el bis. A este se presentó primero sola Emily Kokal, vocalista principal, para interpretar la balada “Baby” melancólica pero con un guiño al mítico “Because the night” de Patti Smith. Finalmente cerraron con “Elephants” alargando con fuerza el tema para mantenernos sumisos a su música después de una puesta en escena colosal.

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Buena Esperanza 41

marzo

06/03/2014, Bilbao

NO MORE LIES +Meido

Más de

No More Lies Cuando se va a un concierto con expectativas altísimas y se sale más contento que unas castañuelas, casi que las crónicas sobran. Pero hay que contarlo, porque para eso es este invento en el que un día decidimos embarcarnos. Aunque sólo sea para que quien no asiste al concierto de turno (esta vez no más de 50 personas) se lo piense mejor a la próxima. No es que esperásemos tampoco mayor asistencia para ver a No More Lies en Bilbao un jueves. Son lo más parecido en el Estado a una banda de culto y como tal, no les corresponde llenar salas. No deja de ser una pena, sobre todo porque no hacen nada raro, nada que cualquier rockero no pueda apreciar.

Pero no caben lamentos, porque el trío salió y pegó un repaso a su parca y excelente discografía en un concierto lleno de temas enlazados, interpretados con la misma pasión y energía de unos primerizos y con el control de unos veteranos. Fue un poderoso paseo del post-hardcore al rock n roll, de los últimos 90 al presente, de los sonidos de adolescencia a una madurez que muchos, igual que ellos, nunca entenderemos sin la música.

La cosa comenzó con “In The Shade of Expectation” y es cierto que los temas de su reciente disco así llamado sonaron casi en su totalidad. Pero sus álbumes son suficientemente cortos para permitir que incluso en un concierto de punk-rockera duración puedan intercalar partes de toda su historia. Así los flamantes temas nuevos sonaron entre los ya himnos de punk-rock del “Coordenadas” como “Bad Catholic Education” o “Youth Powered By Anxiety” y también de su etapa más post-hardcore como “Pisa’s Tower” o “Stone, Noise, Broken Glasses”. A temas de los más antiguos precisamente recurrieron para unos bises que no se hicieron esperar.

El setlist llevado al plano emocional fueron coros, sonrisas de aprobación, puños en alto, vibración y movimiento. Quizá no tanto por fuera, pero seguro que a más de uno sí por dentro. Y todo se acentúa cuando caemos en la cuenta, según lo comenta Santi García, de que jamás habían tocado en Bilbao capital. La próxima vez que sus agendas les permitan hacer una gira estatal, esperemos volver a estar en su mapa.

No nos olvidamos del papel de teloneros de Meido, power trio de rasgos muy diferentes. Su math-rock pantanoso con Unsane, Melvins o Helmet como trasfondo nos va sonando cada vez más rocoso, más clásico, donde parece que la fuerza del riff va imponiéndose a los ritmos quebrados. En cualquier caso unos teloneros muy diferentes que también sonaron aplastantes.

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2014

Cró nicas

MIXTAPE

20/03/2014, Sevilla

ZA!+ Fiera

En pocas ocasiones puede verse un doble cartel tan bien avenido. Diferentes propuestas que los azares de la química han propiciado que sean universos coexistentes.

El animal poco doméstico de Fiera se dedicó a maltratar nuestros oídos al ritmo de descacharrado post-punk industrial. The Fall y Einstürzende Neubauten siguen viniendo a la cabeza, tanto por los alienantes fraseos como por su ferretería. Demostraron que la máquina sigue engrasada, y que temas como “Pisapapeles”, “Drogas” u “Objeto punzante” son ya clásicos del underground. La única pega es que no escuchamos ningún tema nuevo, amén de la versión de “Cachito Turulo” de sus hermanos norteños Fasenuova.

Lo de Za! comenzó de nuevo fuera de la sala. Golpeando un contenedor de basura y tocando la trompeta sobre un bolardo, el megaflow entró a Malandar inundando de ritmo el espacio y no dejó que se marchara en más de una hora. Papa DuPau y Spazzfrica Ehd hicieron colisionar hardcore-punk con calipso y rock de radiofórmula con experimentación de vanguardia de una manera tan natural que parecía que sólo eran niños jugando y nosotros los adultos espectadores que asistían atónitos a sus incomprensibles pero fascinantes rituales.

En perpetuo clímax, quizá más rockero y centrado que la última vez que la vimo en Nocturama, la pareja entregó entre improvisaciones controladas los temas más representativos de “Wanananai”, sin olvidarse de rescates del pasado como “Calonge Terrassa, Kalon-Jah! Tewra-Ssah!”. Pero lo mismo podrían haber tocado sólo temas inéditos o dejarse divagar al estilo del “Tueste natural” con el que finalizaron que igualmente habríamos salido extasiados.

Más de

Za!

En marzo también vimos...

Neil Halstead

Sr. Chinarro 43

abril

04/04/2014, Madrid

ROLLERCOASTER KILLS + Fawn Spots + Challenger

La noche prometía intensidad y sudor gracias a un triple bolo de alto nivel. Llegamos al final de Challenger, cuyo indie rock ruidoso era una buena apertura para el concierto de presentacón de “Evil Debt”, el nuevo disco de Rollercoaster Kills. Estos últimos arrancaron con “Simone”, para dar forma inmediatamente a dos temas de su nuevo trabajo como la descarnada “Funeral Party” y la agresiva “Modern Flu”. “Broken Flowers”, del Ep “Fast Food / Slow Digestion”, volvía a demostrar que no olvidaban sus temas pasados, si bien rápidamente “Time of No Reply” y “Autoliar”, nos devolvían a la realidad de ese sonido más melódico y SST que supone “Evil Debt”. “Don’t Ask, Don’t Tell” supuso un hostión en los morros, definiendo bien a la banda: potencia, emoción y un sonido apabullante.

Para el tramo final la post punkera “Evil Debt” nos mostró a un Jorge más cómodo que nunca en ese registro barítono tan británico. Y tras ella “Adam’s Massacre Song”, tema en el cual es Dani el que a base de puro nervio se come el micrófono. La noventera “Serotonina” sirvió como broche final a una actuación que convenció.

Aún quedaban los ingleses Fawn Spots, que nos pulverizaron los tímpanos a base de post hardcore y noise, a veces cercanos al math. El hecho de que llevasen dos guitarras sin bajo, no hacía sino incrementar la sensación de que la cabeza nos podía estallar en cualquier momento ante las sacudidas estridentes de sus amplificadores. Sin duda una buena toma de contacto con el público español.

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2014

Cró nicas

MIXTAPE

Os presentamos algunos de los vídeos más destacados del año http://feiticeira.org/videos

FLYING LOTUS - Never Catch Me

La obsesión de Flying Lotus en torno a la muerte nos ofrece una controvertida alegoría de la liberación del espíritu.

BERRI TXARRAK - Zerbait Asmatuko Dugu

Dramático y dinámico collage de ilustración y cine en blanco y negro para una historia de punk-rock social

WOODS - New Light

Hippismo lofi en bocetos, el mágico mundo de Woods en trazos animados con todos los símbolos de la psicodelia.

MOGWAI - Teenage Exorcists

Un vídeo alto en materia y con todos los sinuosos clichés del shoegaze, aplicados a la ciencia ficción.

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abril

25/04/2014, Sevilla

SEX MUSEUM Asistir a un concierto de Sex Museum es un acierto seguro. Da igual cuántas veces los hayas visto o que no controles su discografía: la banda de los hermanos Pardo y Marta Ruíz es uno de los mejores ejemplos de lo que es exudar ROCK por los cuatro costados en directo.

El escaso aforo a la hora de comenzar parecía un escollo, pero tirando de la profesionalidad adquirida con los años la banda comenzó desde el principio dándolo todo, y al poco, durante la dupla “Black Mummy” y ”Two Sisters”, consiguieron levantar al personal. Y es que con una banda en la que cada miembro derrocha tanto carisma, no es difícil contagiar de entusiasmo a un público ansioso de absorber rock.

Entre los temas nuevos de “Big City Lies” pudimos oír su habitual mix Deep Purple-Beastie Boys y el “Have Love Will Travel” de The Sonics, junto a clásicos propios como “Wassa Massa” y “Flying High”. El sonido además era perfecto, con guitarra y batería atronando y, sobre todo, un Hammond potente y que marca ese punto psicodélico de los madrileños.

Tras un divertido altercado por parte de un fan que se hizo con el micro al comienzo del bis con la instrumental “Huesos de santo”, la banda entregó otro puñado de clásicos, entre ellos uno de sus temas más conocidos, “I Enjoy the Forbbiden”, y el nuevo sencillo “Circles in the Salt”, para terminar de meterse al público en el bolsillo tras dos horas. Y es que puede que haya pocas novedades en un concierto de Sex Museum, pero su entrega es tal que consigue contagiar a veteranos y novatos por igual.

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2014

Cró nicas

MIXTAPE

19/04/2014, Bilbao

TRIÁNGULO DE AMOR BIZARRO + Gringo

Ganas de ver a Triángulo de Amor Bizarro presentando “Victoria Mística” ya con conocimiento de las canciones. Abrieron los locales Gringo, quinteto entregado a un sadcore americanista muy eléctrico pero algo fuera del ambiente festivo de la noche.

Después salieron los gallegos con sus complejas pedaleras a quienes notamos cada vez más profesionales y centrados. El setlist fue todo aciertos, comenzando con “De la Mano de las Almas Oscuras” o “La Malicia de las Especies Protegidas”. Unos temas son más calurosamente recibidos, unos son más bailables, otros son casi imposibles de bailar, pero los gallegos ofrecen una experiencia llena de ganchos, en el sentido más amplio de la palabra, melodías que noquean y sin apenas espacio entre ellas.

La incorporación de los nuevos temas no hace sino engrandecer el conjunto para quienes ya les haya visto en varias ocasiones. Mención especial para el hipnótico kraut-rock de “Clara”, un oasis que contó con la anécdota de que a Rodrigo se le desmontó el micrófono al comenzar su fraseo. En cambio, pese a su destacada personalidad industrial, “Robo tu Tiempo” se vio emborronada con una bola de sonido grave en la que las sierras no se dejaban escuchar. Eso sí, todo un espectáculo ver a su técnico de sonido, Roberto Mallo hacer acto de preencia con el desafinado solo de saxofón.

De hecho, lo único que tienen que tener es cuidado de controlar su ruido, pues el efecto lavadora provocó que a veces las canciones más rápidas no fueran fácilmente reconocibles. No pasó por supuesto con ya clásicos como “Super Castlevania IV”, “El Fantasma de la Transición”, “El Crimen” o la fantástica dupla “Amigos del Género Humano” y “De la Monarquía a la Criptocracia”. Siguen haciendo historia de nuestro pop y rock y un concierto de Triángulo es un acontecimiento catárquico, hasta que se demuestre lo contrario.

Más de Triángulo de Amor Bizarro

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Josh Rouse Marx Eagulls

Bart Davenport Eno Festival

Sound Isidro

Toy 47

Youtube (21/21)

Spotify (19/21)

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Playmoss (21/21)

Grooveshark (19/21)

SPOTIFY PERFIL

Lanzamientos 2014 90’s Love

GROOVESHARK PERFIL

Replacements & friends Shoegaze

PLAYMOSS PERFIL

Temazos 2014 (Raúl) Crystal Castles en 5 temas

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mayo

09/05/2014, Bilbao

THE DREAM SYNDICATE Los discos de The Dream Syndicate, con todas sus bondades, ofrecen una sensación sin embargo tan apagada de su música cuando la comparas con lo que 30 años dan en directo, que es irresponsable transmitir que lo que Steve Wynn y compañía hicieron fue una simple interpretación de “Medicine Show”. También toca aclarar que The Dream Syndicate nunca fueron mi banda favorita, los he conocido bien tarde y por tanto nostalgias las justas. Pero es que el conjunto de setlist, ejecución y entrega se come al 99% de bandas ahí fuera, así de sencillo.

Fue un recital de 2 horas, un repaso de los que más nos gustan; ni estricto ni en orden. De hecho, abundaron los momentos de “The Days of Wine and Roses” e incluso hubo hueco para paradas emblemáticas de sus dos últimos discos.

Esta reunión cuenta con 3 miembros de la banda en sus tiempos mozos: Wynn, Dennis Duck y Mark Walton. Pero fue Jason Victor, esa estupenda pareja de baile guitarrera que se ha buscado Wynn, el encargado de abrir el concierto con ruido puro antes de salir sus compañeros. Era el clima misterioso que llevaba a los protoshoegazeros acordes de “When You Smile”. La cosa empezaba bien y este viaje por el underground seguía evocando las enseñanzas de la banda en Pixies (“That’s What You Always Say”), invocando el rodeo-rock de “Daddy’s Girl” o momentos de oscuridad e intensidad como “Burn” influyentes sin duda en el llamado grunge.

La cosa iba exponencialmente a más y ya esa banda de veteranos con espíritu de veinteañeros podía hacer con el público lo que quisiera, la noche era suya. Se sucedía en precipitación una avalancha de grandes riffs, de estribillos amargos pero memorables, de cara oscura del rock americano, de punk con alma y de un pasado tan vigente que abrasaba. Todo es posible gracias a una reunión que se nota genuina, una banda que pese a contar con un claro líder se la ve libre de egos sobre el escenario, remando juntos y pasándolo en grande. Incontables fueron los momentos en que guitarristas y bajista se encararon entre sí con sus instrumentos en alargadas e intensas jams que dejaban sin aliento, como en la enfervorecida “Definitely Clean”. Como unos amigos que acaban de empezar, con sus bromas y su interacción.

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Cró nicas

MIXTAPE

Y es que, quién pudiera disfrutar de la truculencia de “Medicine Show” cuyo estribillo todos entonamos incluso a capella, la densa y cálida psicodelia de “Halloween” o el espasmódico garaje casi psychobilly de “Days of Wine and Roses”, al menos un par de veces al año. Con esta última y su hipnosis rítmica terminó un set magnífico y digno del amplio territorio que abarca la banda.

Pero aún no estaba todo dicho, así que volvieron, para agradecer el apoyo. Contrarrestaban a continuación el clímax con melancolía pero indudablemente se fueron con otro punto álgido como fue “John Coltrane Blues” enlazada a golpe de bajo con el “Break on Through (to the Other Side)” de The Doors. Con tal broche épico, el DJ ponía música y se encendían algunas luces. A más de uno le pillaría ya encarándose a la salida un sorprendente segundo bis con una “Still Holding on to You” que relajó los ánimos para volver a hacerlos estallar con el homenaje al “Rock n Roll” de Lou Reed que sonó acopladísimo dentro de su repertorio. Celebratorio final con el que The Dream Syndicate recogieron la ovación más grande en lo que va de año. Una que se ganaron a pulso además, que son las que mejor saben.

En un panorama de reuniones en que nos toca ver desfilar a muchos sin pena ni gloria por los escenarios, que la de The Dream Syndicate sea una reunión, en lo popular, de segunda o tercera división, no dice más que, en efecto, desde los 80 poco ha cambiado en la música en el fondo. Hay un underground que nunca deja de serlo y todo apunta a que es por un buen motivo, la preservación de conciertos así en una sala y no en un gran festival.

SETLIST APROXIMADO

When You Smile That’s What You Always Say Tell Me When it’s Over Daddy’s Girl Burn Forest for the Trees Bullet with my name on it Armed with an Empty Gun Definitely Clean The Side I’ll Never Show Medicine Show Halloween Boston The Days of Wine and Roses BISES Merrittville John Coltrane Stereo Blues Break On Through (to the other side) (The Doors) BISES (2) Still Holding On To You Rock n Roll (Lou Reed)

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PRIMAVERA SOUND 29 al 31/05/2014, Barcelona

Un año más de visita al Primavera Sound, en una edición que llegaba anticipada por la polémica de las acreditaciones pagadas, práctica que mediatiza este año una crónica centrada en un único itinerario personal, en lugar de nuestra habitual cobertura de varios redactores.

JUEVES 29

THE EX En el ATP seríamos testigos del primer gran triunfo del día. Y no era ninguna sorpresa, los holandeses

ya fueron lo más comentado del miércoles en Apolo. Y que en un festival tan ajetreado como este, muchos repitieran, lo dice todo. En formato cuarteto y con Katherina marcando siempre el ritmo (e incluso cantando por un momento), The Ex ofrecieron contundencia merced a su punk ruidoso, pero también diversión a raudales sin perderse ni un momento en la rareza. Además el gran sonido del ATP empezaría a brillar.

NEUTRAL MILK HOTEL Como quien no quiere la cosa llegó la hora de uno de los conciertos más esperados de la edición.

Nos referimos a esa reunión de Neutral Milk Hotel para retomar uno de los discos de mayor culto de su generación, algo que ya se venía fraguando con pasadas actuaciones de Jeff Mangum en solitario haciendo lo propio. En el ATP y sin pantallas, lo que deslucía un tanto un concierto masivo en cuanto a expectación, aparecía un barbudo Mangum y su tropa de freaks del folk indie, a destacar el duendecillo multinstrumentista y el trompetista que lucía también vello facial digno de ZZ-Top. Músicos que por cierto daban el plus de movimiento y fiesta que el concierto demandaba. Así se sucedió un recital encantador que conservaba intacta la magia del disco, esa algarabía lo-fi, esa verbena plagada de letras oscuras que les hizo especiales. Eso sí, puede que la banda haya aceptado a reunirse para reinterpretar canciones que ya son una institución en ambientes como el Primavera Sound, pero no se irían sin hacer alguna maldad como dejarse temas del disco sin tocar y en su lugar incluir alguno de su primer disco, menos conocido. Lo dicho, encantadores.

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Cró nicas

MIXTAPE

QUEENS OF THE STONE AGE Menudo salto nos ofrecía esta edición del Primavera Sound. De una sensación underground acrecentada

pasábamos a ver a la que pasa por ser una de las bandas de rock más grandes de nuestros tiempos y en la zona de cabezas de cartel, que este año ha sido una especie de festival paralelo a lo que se cocía en los escenarios clásicos. Josh Homme, al indiscutible mando de Queens of the Stone Age paraba por primera vez en el Fòrum. Y lo hizo tanto convencido de que su último disco tiene mucho que ofrecer, como atento a que no faltaran los clásicos en el setlist. Así que hubo rápidas, hubo lentas, hubo pop y hubo rock, todo repleto de la clase chulesca del frontman que se declaró enamorado de todos los allí presentes.

El fan que llevo dentro le puede sacar mil pegas a este concierto y compararlo con previas veces que les he visto, pero su condición de gigantes del rock no se les puede arrebatar, ni a él ni a su banda. De mercenarios, quizá, pero espectacularmente involucrados con el proyecto.

FOTO: Dani Cantó 53

A destacar también...

Bo Ningen derrocharon exceso de post-hardcore psicodélico con postureo kabuki épico.

Touché Amore, la banda screamo del momento ofreció sacudidas hardcore, catarsis del susurro al grito y continuas interrupciones de los ambientes que previamente construían. Un concierto tan efectivo como árido para los más profanos.

La coalición IDM Moderat sonó esta vez perfecta, pero la excitación de su debut se ha enfriado un poco con un segundo disco más bien correcto. Entre eso y algún tema ajeno a su estricta discografía conjunta, fue un recital con momentos mágicos y otros algo de relleno.

VIERNES 30

LOOP Casi rezamos para que escampara de cara a Loop y de hecho lo hizo, así que lo mismo hay que re-

plantearse esto de la fe. Estos pioneros del revival fuzz británico en los 90 están mayorcitos y sobre el escenario seguramente no puedan competir con el ímpetu de las generaciones actuales, pero se notaron las tablas en la solidez de su propuesta que quizá hoy no suene ya original pero resulta perfecta para dejarse llevar.

FOTO: Eric Pamies

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Cró nicas

MIXTAPE

SLOWDIVE Confieso que era escéptico respecto a la capacidad de enganche de este concierto. Dentro del shoega-

ze, ellos juegan con una languidez mayor que otros y tenía serias dudas de que me mantuvieran en vilo todo el minutaje. Pues ese magma etéreo, esos muros de guitarras, esa dualidad entre Neal Halstead y la encantadora Rachel Goswell y por qué no, también ese sobrio telón con el logo de la banda que servía como punto de fuga, dieron paso al anochecer en una experiencia de lo más sugestiva. Y eso en un escenario grande y pese a que se dejaron deliberadamente algún “hit” por el camino. No sé qué recorrido tendrá la reunión pero a buen seguro que verles una vez en sala merecería la pena.

PIXIES A darse la vuelta tocaba, como si la zona Llevant, bautizada por casi todo asistente ya como “Zona Mor-

dor”, fuera un microcosmos noventero y pasáramos de UK a USA. La de Pixies era una actuación temida por motivos diferentes. Muchos, entre los que no me encuentro, recelan de su nuevo cancionero. Quizá por ser festival, quizá porque ya han pasado esa fiebre de tocar todas las nuevas, no hubo excesivo peso de “Indie Cindy” en el setlist y lo que hubo fue intercalado de forma razonablemente inteligente con antiguos hits. Como se ha demostrado en las sucesivas giras de reunión, el repertorio de los de Boston les permite además bucear en sus discos sacando a relucir el hit más claro y también temas menos evidentes.

A destacar el emotivo momento en que se cedió el protagonismo a David Lovering para interpretar su “La La Love You” o la exhibición ruidística de Santiago en “Vamos”.

Pixies pueden ser una banda disfuncional, pero quizá ahora que Kim ha decidido quitarse del medio, lo sean menos. En este sentido, toca aplaudir la labor de Paz Lenchantin, tan encantadora como Deal, más comedida que Shattuck y que cumplió bien a bajo y coros. Puede que no sea lo mismo, pero seguramente es una balsa de aceite para la formación. De hecho, vimos a una banda solvente despachando historia del indie-rock en un entorno en el que si algo falló, fue seguramente un público muy estático. Parece que el pogo ha muerto y ahora sólo se lleva canturrear “Monkey Gone to Heaven” y “Where is my Mind?”.

Una pena.

SLINT Corriendo tocó ir hacia Slint. Era fácil, se podía seguir el nítido y atronador sonido ya según nos acer-

cábamos por el antiguo ATP. Lo que nos encontramos fue algo mágico. Vistos otros casos similares, nos sorprende como una banda con tantísimo periodo de inactividad pueda retomar su cancionero con tal entrega y solemnidad. Impresionante tanto el buen hacer de los músicos como el respeto del público en los momentos lentos (algo que generalmente fue vital en todos los grandes del post-rock que tocaron este año en el ATP), en los desarrollos slowcore o en los momentos de spoken-word. Si me abstengo de calificarlo de “actuación del festival” simplemente es por no haberla contemplado en su totalidad y por tanto no haber sido capaz de meterme del todo en la experiencia.

A destacar también...

Kvelertak, un show arrollador que encantó a muchos y dejó al descubierto que en el Primavera hace falta punk y metal. Punk-rock con derivas más thrasheras que black, todo en una mezcla muy garrula para bien y monótona, para mal.

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SÁBADO 31

TELEVISION Television no se reúnen todos los días para

tocar un disco tan histórico como “Marquee Moon” y yo, pese a lo mucho de fan irredento de Superchunk que tengo, me decidí por los neoyorkinos. Hubo lugar para el arrepentimiento pero sólo en parte. Por un lado, la edad es la edad y en ocasiones daba la sensación de que que la banda no podía seguirle los pasos a sus propias y enormes composiciones. Sin embargo estas son tan excelsas que a fuerza de meterse en el concierto, ellos y nosotros, la cosa mejoró enteros. No voy a culpar a Tom Verlaine de nada. En el fondo yo, como muchos, sabía lo que había y quería ver a Television por encima de todo. Les vi y tampoco fue ningún desastre, simplemente no fue genial como sí es el disco.

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Cró nicas

MIXTAPE

GODSPEED YOU! BLACK EMPEROR La franja horaria de GY!BE asustaba sobre el papel, aunque finalmente fue más corta. Y claro, los

canadienses tocaron tan sólo 5 canciones, cada una con crescendos hasta el infinito y construcciones que ponen a prueba la paciencia y el aguante físico de una jornada final de un festival tan kilométrico. Bien, pues el primer drone (sí, el de la esperanza) se hizo algo duro pero me lograron meter en su juego místico gracias a una presencia escénica que más que en ellos, se centra en esa gran pantalla por la que pasaron todo tipo de imágenes enigmáticas con motivos de ciencia, mística, naturaleza o arquitectura, entre otros. Esto contrastaba con momentos de tensión, catarsis, nostalgia y apocalipsis que brillaron con un sonido, el del ATP que -¿hace falta decirlo?- fue perfecto una vez más. Por cierto, un abrazo a los iluminados de los globos de colores en este concierto, qué gran idea.

Para no faltar a la verdad, GY!BE me atraparon, pero no se me pasó por alto el constante abandono de gente, algunos hacia posiciones de césped en las que sentarse, otros imagino que a buscar propuestas más instantáneas.

FOTO: Santi Periel 57

CLOUD NOTHINGS Pánico al abordar las escaleras de bajada al Vice, donde Cloud Nothings despachaban punk-rock

para las masas. Desde luego la elección del escenario más pequeño para albergar a una banda en pleno auge fue nefasta pero ahí estaba esa nueva estrella del indie-rock llamada Dylan Baldi, con formación en formato trío para presentar con el mayor punch posible los temas de sus dos últimos discos, su renacimiento sonoro en tono más agresivo. En un set bastante directo y punk, se pudo apreciar como sus temas nuevos son ya poco menos que himnos. Todo ayudó a un concierto arrollador pero en el que también se echaron en falta esos momentos puntuales de mayor tensión como “No Future/No Past” o “No Sentiment”. Al menos sí que tuvimos el cierre con su obra de arte de casi 9 minutos, “Wasted Days”, uno de los momentos del festival y además en un momento más disfrutable en que ya el gentío había dejado de hacer tapón para irse a Nine Inch Nails.

MOGWAI Al ATP me fui a disfrutar junto a media Escocia del hermoso pero atronador directo de los de

Glasgow. La primera parte estuvo marcada por apenas destellos de melodías repetitivas y siguieron tocando canciones una a una, de todas sus épocas. En el ecuador del concierto llegó el éxtasis de “Mogwai Fear Satan” y poco después lo pudimos contraponer a su nuevo clásico instantaneo “Remurdered” que fue aclamado como tal. Todo esto entre focos de diferentes colores que daban ambiente a cada tema, siempre presididos por ese ojo kraut-rock en lo alto del escenario, como en la portada de su “Rave tapes”. Para finalizar, como siempre, una tormenta de ruido tras “We’re No Here” en este caso, en la que los miembros de la banda fueron abandonando uno a uno el escenario.

ZA! No dudábamos de una de nuestras bandas más desparramadas a las 4:00 de la mañana de un

sábado. Y volvieron a hacer de las suyas, claro. Podían haberlo hecho mucho más fácil, podían haber tirado de hits que hubieran tenido a los allí congregados comiendo de la mano. Pero no, los pollos estrenaron temas como “El Badulaque” y la genial “Hablas como Autechre”, muy apropiada para esas horas y finalmente se fueron por peteneras cruzando a Prodigy con pachanga. Lo sentimos mucho por Daniel Avery que continuaba la fiesta en el escenario de al lado sin ningún tipo de alarde, pero lo del dúo catalán no lo hubiera igualado ni con toda la droga del mundo.

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Cr贸 nicas

MIXTAPE

FOTO: Mogwai en BIME. Rythm & Photos

En mayo tambi茅n vimos...

SOS 4.8.

Vetusta Morla

Territorios Betunizer

Radio Moscow

Josh Rouse 59

junio

05/06/2014, Madrid

CHAIN & THE GANG El currículo de Ian Svenonius es ya tan extenso y diverso que podríamos pasarnos la crónica entera hablando de sus idas y venidas en el terreno musical (The Make Up, Nation of Ulysses o Weird War), en el literario (“The Psychic Soviet” y “Estrategias sobrenaturales para montar un grupo de rock”) y hasta en el de entrevistador (“Soft Focus”, excelente sección de video-entrevistas para Vice). Pero tras la presentación madrileña de “Minimum Rock n Roll” hay mucho más de lo que hablar en el apartado musical.

Los que habrían visto antes a Chain and The Gang, última encarnación de Svenonius, echarían de menos la impactante presencia de Katie Alice Greer. Sin duda el de ella es el otro nombre propio de la velada, en esta ocasión por estar ausente en la gira. Por contra, Ian se rodea ahora únicamente de presencia femenina encima del escenario: batería, bajista, teclista y la guitarrista Francy Graham que llevaba la batuta del combo.

Pero el espectáculo aquí es el señor Svenonius en sí mismo, dejando de lado cualquier otro artista que esté actuando junto a él e incluso cualquier canción que suene dentro del repertorio. Podríamos recordar lo bien que funcionó como himno “Chaing Gang Theme (I See Progress)” con su líder sentado al borde del escenario e incluso dando paseos por la sala, la groovie “Nuff Said” o las arengas que rodearon “Why Not?”.

Podríamos. Pero tampoco viene al caso cuando se tiene delante el magnetismo de un tío como Ian. Si bien en los primeros compases del concierto la gente disfrutaba de forma algo contemplativa, en cuestión de dos temas y de la primera visita al suelo de la sala Ian transformaba todo lo que tocaba en electricidad.

La verdadera pena fue que terminó demasiado pronto, o al menos se nos hizo corto al acabar justo en el momento más caldeado y lleno de baile de la noche.

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MIXTAPE

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27/06/2014, Madrid

LOS ENEMIGOS +Kiko Veneno

Kiko Veneno comenzaba la velada lastrado por las colas para comprar tickets y bebida. Así que con la mitad del aforo esperado arrancaba el concierto, tirando otra vez de repertorio clásico y con mucho recuerdo de “Échate un Cantecito”. Tanto que apenas pudimos escuchar “La Vida es Dulce” de su último trabajo, mientras que sí recordó lo más granado de su repertorio, comenzando por “Lo que me importa eres tú”, “Hace calor”, “Echo de menos”, “Está muy bien eso del cariño”, “Superhéroes de barrio”, “Fuego” y el cierre con “Volando Voy”… faltaron algunos, pero seguramente por temas de tiempo. Fue un concierto casi de cabeza de cartel, contando cada vez con más adeptos que se sumaban al jolgorio dando palmas, cantando y bailando. Como colofón, aparecieron Los Enemigos casi al completo para rendir tributo al “Revolution” de The Beatles con una adaptación al castellano más incendiaria.

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Cró nicas

MIXTAPE

Con el cambio de tercio llegó un considerable aumento de decibelios, no sólo por la electricidad de Los Enemigos sino por el propio volumen que además se compaginó con la nitidez. Así no sólo el gentío pudo volver a chillar los estribillos de “Señora”, “Yo, el rey”, “Me sobra carnaval”, “La cuenta atrás”, “Septiembre” o el habitual cierre con “John Wayne”, sino que pudo disfrutar con absoluta nitidez de canciones más calmadas.

Es inevitable volver a destacar “Desde el Jergón”, “No se lo cuentes”, “La otra orilla” o “An-Tonio”. La gran pena es que el repertorio fue algo acortado en los bises, dejando fuera por obligación “Complejo”, entre otros tantos inolvidables.

Sus esperadas nuevas canciones se hicieron esperar mucho. De hecho, aparecieron en el peor momento posible justo cuando el ambiente se había caldeado, pero aún así cumplieron las expectativas. La primera en sonar fue “Vida Inteligente” que comenzaba como un blues-rock marca de la casa aunque no pudimos escuchar bien las letras. Para los bises se guardaron una “Gurú” que recordaba a Los Enemigos más divertidos con los habituales juegos de palabras de Josele.

Kiko está muy en forma a pesar de los años y los discos menos brillantes de los últimos tiempos, pero lo que volvieron a darnos Los Enemigos encima de un escenario nos demuestra que su regreso no ha sido nada forzado y que están en idéntica forma a cuando se despidieron en 2002.

De hecho, la enorme mejora en la voz de Josele Santiago nos hace pensar que pueden estar incluso un paso más allá.

En junio también vimos...

Shellac

Minor Empires

The Pains of Being Pure at Heart 63

julio

05/07/2014, Hoyos del Espino

JOHN FOGERTY Largas colas para acceder al recinto, pedir en barras o ir al servicio, fueron las que mediatizaron el rotundo éxito musical del festival que nos ocupa, el Músicos en la Naturaleza 2014 que traía al californiano Fogerty. Por contra, el majestuoso y apropiado recinto del concierto, en plena Sierra de Gredos, volvió a triunfar para el público. Y eso que el comienzo fue poco halagüeño con una primera telonera que fue Rebeca Jiménez, hermana de la actriz y también cantante Lucía Jiménez, y que pasó inadvertida ante un público más interesado en los aíres clásicos del rock.

Hasta al bueno de Rosendo le costó lidiar con su papel de telonero y no será por tablas. Quizás fuera por las citadas colas, o porque al sector más estricto de seguidores de la Creedence no le hacía gracia tener a Rosendo Mercado repasando algo de su cancionero más reciente durante la primera parte de concierto. Luego, con su habitual honestidad, se metió a propios y extraños en el bolsillo: “Sorprendente” de Leño, “Masculino Singular”, “Flojos de Pantalón” y la infalible unión de “Agradecido” y “Maneras de Vivir”... Es lo que este buen hombre de Carabanchel lleva 42 años haciendo. Convencer con honestidad.

En cambio John Fogerty convenció desde el minuto uno con una vigorosa versión de “Travellin’ Band” pese a un sonido algo pobre hasta la entrada de una “Green River” sensacional. A John se le ve no sólo con ganas y fuerza sobre el escenario, sino encantado de rodearse de una formación joven que le aporta mucha pegada. Tanta es la confianza de John Fogerty en su banda que cede el protagonismo siempre que hay oportunidad, sobre todo en la figura de su ya inseparable baterista Kenny Aronoff. El otro al que dejó protagonismo fue a su hijo Shane, que a pesar de su juventud aportó un aire fresco a los clásicos de su padre.

El repertorio habló por sí sólo como pura historia de la música. Un espejo en el que tantos se han mirado que, tenerlo delante y entre los acogedores arboles de la Sierra de Gredos, es todo un lujo. Podríamos destacar el recuerdo a “Who’ll Stop the Rain?” y el habitual comentario relacionado con Woodstock, para seguir con la pura pasión blues de “Born on the Bayou” y la del folk de “Lodi” y “Lookin’ Out My Back Door” con una sorprendente y excelente versión de “Ramble Tamble” en su faceta extendida: más rápida, progresiva y aguerrida que nunca.

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Cró nicas

MIXTAPE

Quizás el momento valle del concierto vino cuando a John le dio por repasar muy levemente su carrera en solitario con “Hot Rod Heart” y “Mystic Highway” quizás deslucidas por unos vídeos de estereotipos norteamericanos que no venían mucho al caso. Rápidamente tiró de versiones clásicas para levantar el animo general con una coreadísima “Susie Q” y una divertida “Midnight Special” que fue redondeada con otro clásico de Lead Belly como “Cotton Fields” que pidió alguien del público y el siempre infalible “New Orleans” de su adorado Gary “US” Bonds. Para redondear, los momentos de lagrimilla de “Long as I Can See the Light”, “Lookin’ Out My Back Door” y “Have You Ever Seen the Rain?” aparecieron también en escena.

La voz de John no es quizá la de antaño pero mantiene un tipo envidiable a sus 69 años y tras un set generoso, que cerraba con una “Fortunate Son” más acelerada y moderna, quedaba un cierre final de tres temas con los que corear al unísono (desde la celebración de “Rockin’ All Over the World” hasta la pura pasión de “Bad Moon Rising” y “Proud Mary”).

El recinto acotado por árboles y montañas fue el mejor escenario posible para un concierto que volvió a antojarse histórico.

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18/07/2014, Madrid

PORTISHEAD +Thought Forms

Oportunidad única de ver a Portishead en sala y en la capital. Vale que el reputado trío de Bristol lleva años girando (poco) con el mismo setlist desde la salida de un regreso tan triunfal como “Third” con nada que envidiar al momento en que coasentaron en “Dummy” las bases del trip-hop. Pero festivales masivos, festivales “ad hoc” y más festivales, habían impedido verles en un concierto al uso, pese a lo dicho de que la variación es casi nula en cuanto a lo que tocan. En el Palacio de Deportes de Madrid tampoco se explayaron y en una hora y veinte despacharon 15 temas en un reparto en que su segundo disco se llevó, con razón, la peor parte.

Primero tendríamos a sus apadrinados Thought Forms abriendo. Es otro trío con una propuesta ruidosa y orgánica que promete, pero hoy por hoy juegan con demasiados elementos (shoegaze, drone, postmetal...) y claro, suenan tan interesantes como dispersos. Pero el pistoletazo de verdad vendría con “Silence” y las dudas en el público empezaban a aflorar ante la intrincada propuesta de los británicos. ¿Bailamos la tormenta rítmica o nos quedamos embobados en el sitio viendo a Beth Gibbons dar las primeras notas de oscuridad y las peripecias de ese bateríadj que es Geoff Barrow? El famoso truncado final del tema nos llevó a la primera ovación de la noche. Había ganas, el público estaba entregado y el sonido parecía ideal.

La cosa se enrarecería para bien con “Nylon Smile”, gran momento aunque eclipsado al instante con el primer clásico universal: la ululante “Mysterons” y su perfecto equilibrio entre elegancia y ritmos rotos hip-hop. Con “The Rip”, la gran pantalla trasera tomaría más peso para proyectar esa alienación animada que tan bien cuadra con la dramática voz de Gibbons. El concierto fue un balance continuo entre historia de la música que hay que escuchar alguna vez en directo y un pasado más reciente que a estas alturas me resulta mucho más estimulante. Por eso no puedo estar nada de acuerdo con quien se queje de excesivo peso de “Third” en la balanza. Jamás pudiera haber habido tal cosa, a menos que interpretaran el disco dos veces.

Pero por supuesto ni “Sour Times”, ni “Glory Box” defraudaron y todo el palacio las coreó, como si por ellas no pasaran los años. Y qué decir de esa “Wandering Star”, de las pocas licencias que se dan para salir de lo milimétrico con una interpretación más desnuda e íntima, quedándose sólo ellos tres en el escenario (hasta 7 fueron cuando sacaron toda la artillería). En este ecuador del concierto se alcanzaron los momentos más álgidos, que empezaron con el saxo retorcido de “Magic Doors” y explotaron al tiempo que el sintetizador de “Machine Gun” denunció en imágenes los males de occidente (capitalismo, intervenciones militares, políticos sin escrúpulos...) para culminar con ese sol emergente.

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2014

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“Over” y “Cowboys” serían los momentos a rescatar de su segundo álbum, siendo la última con sus punzantes aires soul uno de los momentos más esquivos de la noche para parte del público. Más aún al suceder a la muy kraut “Chase the Tear”, único tema que ha visto la luz en todos estos años sin disco. Sintética y bailable, en directo sigo pensando que es bastante floja especialmente al compararla con los retazos de esos sonidos que sí consiguieron ensamblar bien en “Third”. Y es que no sé quién puede ser capaz de hacerle feos a ese disco tras la sobrecogedora despedida de “Threads”. Sacudidas emocionales, ruidos psicodélicos y un final de intensidad devastadora con Beth desgañitándose. Y que se le conserve esa garganta por muchos años ya que verla a continuación volver en bises a la delicadeza de “Roads”, no tiene precio.

Así es Portishead, una banda que se lo toma con calma, una que mezcla como nadie sensibilidad e impacto. Una que cuenta con la estremecedora voz de Gibbons, las cadencias de Utley y el instinto para sorprender con ritmos de latón y scratches de cemento armado de Barrow. Ni siquiera podemos enfadarnos con ellos por tocar siempre lo mismo porque sencillamente, lo bordan. De hecho, si algo hizo de esta una velada imperfecta fue la escasa educación de esos que va a escuchar 3 canciones y a hablar durante el resto o los amigos de llenar Youtube con vídeos basura. Otro público es posible, aunque tampoco vamos a generalizar, fueron minoría y ellos quedaron muy contentos con el recibimiento, como demuestra la bajada del escenario de Beth Gibbons a saludar a las primeras filas mientras la banda al completo ruideaba en “We Carry On”. Tan distópicos que son los últimos Portishead, no cuesta imaginar un Gran Hermano protagonizado por la cabeza de Beth Gibbons al micrófono proyectada en blanco y negro en las pantallas.

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Bilbao BBK Live

Twister Open Air 67

PLACEBO 30/07/2014, Madrid

Los londinenses llegaron a Madrid para presentar al fin su último álbum “Loud Like Love”. Arrancaron con la fuerza eléctrica de “B3” y la oscura feminidad de Brian Molko se transformaba en dureza y potencia.

Así también comenzaban los ataques de histeria por parte de un público madurito que actuaba cual adolescentes en el primer concierto de su banda favorita.

Y es que Placebo ya cuentan con veinte años de trayectoria, pero su directo se mantiene en buena forma.

Fue un concierto marcado por esta presentación de su último trabajo, mal que a algunos les pese, dejando fuera algunas de sus canciones más míticas. Aunque pronto “Every You Every Me” vibró con nostalgia y euforia al mismo tiempo.

Retomaron su reciente disco con “Scene of the Crime” y seguían subiendo los decibelios con un sonido más enérgico que en la grabación, siempre limpio y potente. Pero la intensidad empezó a bajar en una segunda parte con temas más relajados, como el romántico “Too Many Friends”, y menos mal porque algunos de los asistentes se encontraban al borde del colapso.

Está claro que la fama de Placebo ya no tiene nada que envidiar al fenómeno fan más comercial.

El tema “Space Monkey” sirvió como paso a un momento psicodélico, las luces rojas acompañaban a la penetrante voz mientras la música sonaba con gran contundencia en el estribillo. Se iba acercando el final e intercalándose temas dispares entre sí, como “Meds”, “Song to Say Good Bye” y la aclamada “Special K”, que hizo saltar a todo el pabellón. Para el colofón reservaron “The Bitter End”, pero en absoluto fue un amargo final, el aplauso masivo y la euforia demostró la satisfacción de los presentes. La apoteosis se mantuvo hasta su regreso para el bis de cuatro temas.

Arrancaron de nuevo con el insinuante piano que abre “Begin the End”, pasando por “Running up that Hill” y despidiéndose definitivamente con “Infra-Red” y una delirante distorsión. Fue una hora y media exacta en la que se compaginaron momentos ácidos y cautivadores. Placebo sigue manteniendo un carácter personal que les hace conservar a sus más fieles seguidores y ganarse también a las nuevas generaciones.

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Placebo FOTO: Placebo en BIME. Rythm & Photos

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RAUL

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YURI

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agosto

20/08/2014, Sevilla

GRUPO DE EXPERTOS SOLYNIEVE + Los Sentíos

Noche de rock de raíces en Nocturama, el ciclo que nos trae propuestas musicales de interés en las calurosas noches estivales sevillanas. Ante un público ya bastante numeroso, salieron una de las bandas con más solera de la escena local: Los Sentíos. Siguiendo la estela marcada por su último EP “See You in Hell”, el quinteto se centró en el folk, aunque su corazón rock estuvo bien presente. De tal forma que empezaron con contrabajo y slide guitar pero no pudieron evitar acabar cogiendo bajo y guitarra eléctricos y versionar a Neil Young. Ganadores entre su nutrida masa de seguidores, pero también entre algún despistado que aún no los conocía.

Si Los Sentíos miran al sur de EEUU, Grupo de Expertos Solynieve trazan una línea que une Texas y Arizona con Granada pasando por Sevilla. La banda de Manu Ferrón y J sigue empeñada en pregonar su ‘alegato meridional’ desde su ciudad natal al mundo y, en su segunda actuación en Nocturama diez años después de estrenarse ahí bajo el alias de Montero Castillo y Aguirre Sánchez, ofrecieron uno de los mejores conciertos que les hemos visto. El quinteto se vio arropado por el público desde el comienzo y no tardó mucho en entregar el primer clásico, “Dime”. Entremezclando distorsión con emoción flamenca, fueron cayendo todos esos temas que destacan entre su aún escaso pero relevante acervo, entre sonrisas y guiños de complicidad de sus creadores: el aire western de “La Balada de Buscando Mi Destino”, el recuerdo a los que se han tenido que ir con “La Nueva Reconquista de Graná” y su enlace directo y crítico con “Perros Muertos” dedicado a ‘los que nos lo están quitando todo’ según Ferrón, o alguna parada en su ultimísimo EP “Colinas Bermejas”.

Para el último tercio, su recordado debut cogió protagonismo y sonaron mejor que nunca “Claro y Meridiano” o la versión de las Vainica “Déjame vivir con alegría”; pasando brevemente sobre “Antiguo y Nuevo” y rescatando la icónica “La Reina de Inglaterra”. Hubo bises, rematando la faena con la reflexiva “Una pila de cosas”, la pletórica “La próxima vez” y con esa “Sureños” de Silvio que podría ser un resumen de las intenciones de la banda.

Como aftershow, disfrutamos de las dulces versiones de Los Gustosos, con canciones de Belle & Sebastian, Pavement, The La’s o The Velvet Underground.

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23/08/2014, Bilbao

KURT VILE

La actuación de Kurt Vile y sus Violators dentro de la programación de Aste Nagusia de Kafe Antzokia prometía ser un soplo de aire fresco a unas alturas de fiesta, unos momentos para dejar al lado el ruido de las txoznas y sumergirse en el folk-pop del artista. ¿O deberíamos decir rock lofi?. Antes, Mick Turner, guitarrista de The Dirty Three, acompañado de un batería interpretó temas que miraban al post-rock desde una forma abstracta y ruidosa, pero también emocional y contagiosa.

El de Kurt Vile es un show en el que el repertorio no pesa demasiado.

En su mundo de pop nublado y resaca fumeta nada es lo que parece, un single dura casi 10 minutos y la tensión eléctrica sube y baja hasta convertirse en pura acústica. Lo que sí puede decirse es que Vile confía en una carrera sólida, ya que si bien abrió con un tema celebrado como “Waking on a Pretty Day” y “Kv Crimes” tampoco tardó, hubo tiempo para momentos hasta del más oscuro “Childish Prodigy”.

Tras algún leve problema de sonido inicial, llevó a cabo con espontaneidad un concierto en el que los mimbres fueron bien rock, pero con unos efectos y reverb impropios de estadios, así como una actitud tan natural que casi parecía que estuviera en un ensayo. Alternó saturación con interpretaciones más desnudas en las que sonó como un inmprobable unplugged de Sonic Youth.

Pero sin duda la subida de intensidad de “Hunchback” rozando con descaro el grunge, marcó un punto álgido en la recta final del concierto. Es aquí, cuando Vile se desmelena, cuando podemos verdaderamente sacudirnos más que cabecear al ritmo de su música. Igual nos pasó en “Freak Train” escupiendo la herencia de Springsteen en un tema directo con una base rítmica cabezona e hipnótica. Tras estos momentos tan salvajes, supo a poco ese ensoñador cierre en clave acústico de “Too Hard”. Hubiera sido maravillosa a modo de nana para irnos a casa cualquier día entre semana, pero no era el momento.

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Canela Party El Columpio Asesino 72

Nudozurdo

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septiembre

13/09/2014, Madrid

WOODS

Con el cartel de “sold-out” colgado a pesar de la gran oferta existente el sábado, la banda que lidera ese gurú de la nueva psicodelia pop llamado Jeremy Earl se marchó con un triunfo abrumador de su paso por Madrid, pese a la dura competencia de la agenda.

En un setlist perfectamente ensamblado, los temas de delicioso folk pop se intercalaron durante hora y cuarto de actuación con piezas más tendentes a la psicodelia rockera, logrando en ambas vertientes un sonido cristalino y crujiente. Todo sonaba en su sitio, y esto, unido a la concepción más centrada en las canciones de su sobresaliente último álbum “With Light, With Love”, provocó un equilibrio que no hubo en su dispersa actuación del Primavera Sound 2013. Así, fueron sonando muchas de las piezas del mentado último disco, teniendo que hacer mención especial a momentos como los alcanzados en la exquisita americana de “Shepherd”, el esplendor pop de “Moving To The Left”, o el tremendo despliegue guitarrero del tema que da nombre al Lp, “With Light, With Love”.

También hubo recuerdo para sus discos anteriores, siendo el más reciente “Bend Beyond” el que mayor porcentaje de temas aportó. “Cali In A Cup” o la coreable “Size Meets the Sound” fueron especialmente celebradas por un público que sin duda disfruta con el camino más accesible y concreto que el grupo está recorriendo últimamente. Un bis ligero y semi acústico con “Rain On”, y para casa.

Clase y elegancia por parte de un cuarteto al cual se le ve perfectamente engrasado y disfrutando de un momento de forma tan magnífico que cuesta no imaginarlos asaltando escenarios de mayor tamaño para sus próximas visitas. Con conciertos así el boca a boca hará su trabajo. En resumen, una de las actuaciones del año para uno de los mejores grupos del momento.

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20/09/2014, Oviedo

FAAN FEST

Aunque para nosotros la música es tan importante como el comer, no dejan de saltarnos las alarmas cuando, con una excusa musical podemos visitar una ciudad y disfrutar de lo que tiene que ofrecer.

El Faan Fest, pequeño festival orientado al punk y el rock n roll y montado al calor de las fiestas de Oviedo, fue para nosotros y para muchos más, la mejor campaña turística imaginable.

Accedimos al recinto para ver a Imperial State Electric, la banda de Nicke de Hellacopters derrochando energía rockera con ciertos problemas de sonido. Con todo un notable concierto pese a estar algo alejados de las coordenadas de los cabezas de cartel. Los que sí estaban más en esa onda eran sus compatriotas No Fun at All, banda de voluble trayectoria que volvía a Oviedo a escenificar su segunda reunión. Y lo hicieron con hardcore melódico a piñón, con momentos más coreables y otros más oscuros, que apelaban a las nostalgias de unos cuantos asistentes y con un cantante algo estático al frente.

Y es que el Faan Fest no parecía festival para jovenzuelos, aunque haberlos los hubo, pues el punk-rock nunca muere. Que se lo digan a las barbas de Eddie Spaghetti y sus Supersuckers, que dieron un repaso a una trayectoria que arranca a primeros de los 90 y que no sólo va de Arizona a Seattle, sino que bebe de numerosas fuentes del rock y el country americano. Afortunadamente venían acentuando la primera faceta para dejarnos lo mismo clásicos como “Good Luck”, “Creepy Jackalope Eye”, “Rock ‘n’ Roll Records (Ain’t Selling This Year)” o “Pretty Fucked Up” que su reciente versión del “Never Let Me Down Again” de Depeche Mode. Más acertados en el punkrock y sus acercamientos a Social Distortion o hasta Motörhead que cuando coquetean con un hard-rock más clásico, está claro que “la banda de rock n roll más grande del mundo” no son, menos cuando sólo cuentan con dos de sus miembros originales, pero la diversión no se la quita nadie.

En cambio Bad Religion sí que pueden jactarse de ganar en muchas cosas. Fueron pioneros del underground angelino en los 80 y los padres de todo el hervidero del hardcore melódico de los 90. Y aunque su alineación haya sufrido un nuevo golpe con el reciente abandono de Greg Hetson (sustituido por un Mike Dimkich de The Cult, preocupado de clavarlo sobre el escenario), son una banda que se niega a vivir de las rentas y que venía presentando de nuevo un “True North” que ya pasearon a comienzos del verano por el país, lo que hacía algo extraña y exclusiva esta fecha, al margen de su gira europea.

Al final los fans respondieron y el Faan Fest fue un éxito entendemos que gracias al tirón de tan querida formación.

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Ellos también debieron tomárselo como algo especial, ya que despacharon un dilatado set de 34 temas que comenzó algo frío con algunos de reciente hornada pero a la cuarta ya encendió la mecha con una “Stranger than Fiction”. Así se fue esbozando un set que alternaba lo más granado de su presente, recibido con respeto pero también con reservas, con hits tan grandes como “21st Century (Digital Boy)”, “Recipe For Hate”, “Come Join Us” o “No Control”. Todo en un clima de mucha comunión con el público y tremenda energía en las figuras de Graffin, Bentley y Baker, rockeros a los que puede que se les note la edad en el físico, pero difícilmente en la entrega.

La cosa se resolvió así hasta que la proporción de hits en el set tendió a infinito sin ofrecer tregua desde “Punk Rock Song” hasta “Infected”, afamados singles de los 90 que emparedaron seminales machetazos de su insigne “Suffer”. Estaba todo preparado para unos bises marcados por los oscuros compases de “Generator”, su tema más reciente entre las dignas de cerrar un recital suyo, “Sorrow”, y el sumum de lo coreable, “American Jesus” con las que dejaban a todo el público satisfecho, sin discusión. Pero muchos no contaban con que la banda regresaría a pulverizar sus propias marcas con una “Atomic Garden” que se guardaban en la recámara. Más coros, pogos y saltos para despedir a una banda por cuya música no pasan los años y con un culto a la altura.

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27/09/2014, Bilbao

THEE SILVER MT. ZION

Un medio lleno algo triste en Kafe Antzokia para el honor que merece una banda con la trayectoria de estos canadienses, parientes directos de uno de los grupos gafapastas por excelencia, Godspeed You! Black Emperor. Si el bagaje de aquellos ya les lleva desde el post-rock al minimalismo, los toques clásicos, la psicodelia instrumental o los orientalismos, Thee Silver Mt. Zion juegan con una paleta aún menos restrictiva, con la inclusión de voces, expresa agresión punk, melodías y un ambiente coral arrebatador. “Fuck Off Get Free We Pour Light on Everything” toma forma de explosión liberadora y su directo actual carga mucho las tintas en él.

En formato quinteto flanqueado por las dos violinistas, comenzaba el concierto en esta nueva clave más rock. A saber, guitarra eléctrica, bajo y batería.

La actuación proponía un salto al vacío comenzando como el disco, con la vertiginosa “Fuck Off Get Free (For The Island of Montreal)”. Fue un riesgo y el tema se vio deslucido por la flojera inicial, tanto de sonido como de actitud, pues es un tema que requiere una disposición más kamikaze que la de la reposada imagen de su frontman, Efrim Menuck cantando de perfil para atenuar esta negada condición de líder. Todo esto por aquello de reforzar el colectivo, idea muy marcada en la filosofía Constellation.

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2014

Cró nicas

MIXTAPE

La cosa mejoró, aunque no en los dramáticos cambios que también se presentaron endebles, sí con el comienzo de los coros, auténticos ganchos de la banda que quedan majestuosos en vivo. Esa siempre terrible sensación de que un directo no va a igualar al disco, se borró con el riff de “Austerity Blues” y cuando estábamos sumidos en esa extática pugna de violines aquello parecía otra cosa totalmente distinta, desde los momentos de psicodelia más desafiante hasta el estallido de punk precipitado y ese remanso de blues cacofónico final. La perfección había entrado en el concierto por la puerta grande.

Siguieron apostando fuerte a la lucha armada de su último disco, pasando dramáticamente de los aires tristes de “Rains Thru the Roof at the Grande Ballroom” al impacto de “Take Away These Early Grave Blues” introduciendo el sonido apocalíptico de antiguas civilizaciones contemplando la actual con gesto de facepalm y por fin, comenzaron a adentrarse en el pasado con “’Piphany Rambler” y una aclamada “13 Blues For Thirteen Moons”, la pieza más espaciosa y meditativa de un concierto escorado a la furia. Para ellas rescataron el contrabajo, que fue bien explotado a la hora de crear ambientes. Aunque a la hora de destacar virtuosismos bien merece la pena destacar el papel del nuevo miembro a la batería, con un estilo tan versátil como comedido en las formas y que también se encarga puntualmente de teclados y, como toda la banda, de llenar con coros.

Y de nuevo, como haciendo un truco de magia y llevándonos a su terreno hicieron seguir una de las composiciones más ambiciosas del concierto con lo que podríamos catalogar de su “balada” (“What We Loved Was Not Enough”). Lenta, sí, melódica, también, pero no por ello menos poderosa y explosiva. En fin, un derroche de sentimientos que en directo cobra más cuerpo de gospel eléctrico. Todo un espectáculo ver como ese psicodélico juego de drones avanza hasta crear un tema de tan absoluta perfección.

Con un cierre tan majestuoso, no parecía que los bises fueran a tener cabida en el concierto. Pero salieron y aunque se oyeron gritos pidiendo clásicos, se marcaron una paranoica “The State Itself Did Not Agree”, curioso cierre sin ceremonias que nos trajo ecos del post-punk de unos Killing Joke.

Reflexiones de un quinteto de hippies obsesionados con el anarquismo y la decadencia de la humanidad y sus estructuras. A veces es difícil seguir este aspecto en sus letras, pero sin duda más grupos políticos de este calado artístico hacen falta.

Thee Silver Mt. Zion (Madrid) En septiembre también vimos...

DCode

The Jim Jones Revue 79

octubre FOTO: Promocional 22/10/2014, Madrid

FUTURE ISLANDS Con un show a medio camino entre la teatralidad más impostada y el sentimiento más profundo, conquistaron la atención de todo el respetable que había colgado el cartel de “no hay billetes”. Así, los teloneros Celebration gozaron de una cantidad de público bastante aceptable, aunque costó que su propuesta densa e íntima calase, sonando como unos Beach House terrenales y con un sonido regular.

Aunque inevitablemente los temas destacables iban a ser los de “Singles”, fue con una increíblemente sentida “Give Us the Wind” (de “On the Water”) con la que arrancaron. En ella, la banda mostró la tónica del concierto: una banda sólida y aburrida detrás más un frontman que con sus bailes, aspavientos y muecas conquistaba la atención. A continuación, con “Back in the Tall Grass” y “A Dream of You and Me”, la cosa ya se había convertido en un show tan genial como circense, protagonizado todo por el magnético Samuel: voces que cambiaban de melódicas a guturales, bailes imposibles y una fiereza exagerada.

Con el brazo ensangrentado se despidió Samuel de escena, ante los impasibles caretos de sus compañeros de banda, para posteriormente volver a escena a interpretar otro par más de canciones, terminando el cantante empapado en sudor. Así la propuesta más teatral y forzada de la temporada se convirtió en una de las más honestas y reales de cuantas hemos visto. No cabe duda que entre canciones tan redondas, un estilo fácilmente adaptable al público general y, sobre todo, el genial carácter escénico de Samuel Herring, lo de Future Islands parece ir muy para arriba.

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feiticeira.org/radio

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30/10/2014, París

PITCHFORK MUSIC FESTIVAL Aunque fuese solo para un día, hicimos la mochila y nos desplazamos a París para ver cómo se lo montaban los gurús de lo alternativo en su anual cita europea. El festival arrancaba a eso de las 18:00 de la tarde cuando se abrían puertas, y con una organización que nos recordaba que estábamos en Europa, el recinto del Grande Halle de La Villette se iba llenando para presenciar el directo de los canadienses Ought. Presentando tanto su muy notable primer disco, “More Than Any Other Day”, como su nuevo Ep, “Once More With Feeling”, estos cuatro jóvenes tenían la difícil papeleta de mostrar su potencial en apenas media hora. En ese punto es en el que nos dimos cuenta que el Pitchfork Festival es un festival en el que para los grupos es casi más importante estar que ser, y es que la exposición mediática es tremenda, pero los ajustados tiempos de actuación insuficientes. Y eso que tanto las condiciones de escenario (sonido, iluminación) como de público (enérgico y educado según la propuesta), convierten al festival en un lugar que las bandas deben disfrutar con tan solo pisar.

Dicho esto el directo de Ought cubrió y sobrepasó las altas expectativas que teníamos. Tras empezar con la pieza que da nombre a su primer Lp, “More Than Any Other Day”, siguieron con el post punk descacharrado de “The Weather Song” y con la genial “Habit”, mostrando que iban a ir directos a la yugular. No faltó tampoco “Pleasant Heart”, ni la mención a su nueva referencia en 10” de la mano de “New Calm Pt 2”, la cual se antoja un futuro clásico de la banda. Recordando a todas esas bandas que revitalizaron el punk a finales de los 70’ cuando este languidecía, sin duda Wire, Gang of Four o Television tienen hoy una buena hornada de sucesores en cuya punta de lanza están estos cuatro chicos de Montreal.

Los alemanes The Notwist era una de las propuestas que más nos habían empujado a coger un avión hasta París. Dado que se prodigan poco discográficamente hablando, y teniendo en cuenta lo difícil que es verles por España, tratamos de disfrutar de su actuación como si fuese la última.

Indietronica (qué terrible etiqueta) de lujo con un directo en el que hasta seis músicos interpretaban todo en primera persona sin samples ni programaciones. Sobresaliente puesta en escena de un repertorio en el que predominaron los temas de su último disco, “Close The Glass”, pero donde hubo hueco para alguna joya pasada como la bella “Good Lies”, o la muy radioheadiana “This Room”.

De seguido tocaba abrirse hueco para el concierto más esperado del festival, merced a un último trabajo en boca de todos. Centrados exclusivamente en “Lost in the Dream”, The War On Drugs sonaron como un auténtico cañón desde el mismo momento en que sonaba la base ambiental de “Burning”, y así fueron cayendo la muy Dylan “Eyes to the Wind”, los épicos siete minutos de “An Ocean in Between the Waves” o la springsteeniana “Under the Pressure”. Solo “In Reverse” bajó un poco el pistón acercándose más a la obra de su ex compañero Kurt Vile, para, eso sí, acabar en lo más alto con ese himno llamado “Red Eyes”.

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2014

Cró nicas

MIXTAPE

Lo de los escoceses Mogwai en directo empieza a ser como lo de Shellac con el Primavera Sound: da igual las veces que les hayas visto o el disco que presenten. Apuesta segura donde las haya, su concierto fue el más largo del festival, y en su repertorio pudimos encontrar desde clásicos como “Hunted By a Freak”, “Travel Is Dangerous” o “We’re No Here”, hasta temas de sus últimos LP’s como “I’m Jim Morrison, I’m Dead”, “Remurdered” o “Rano Pano” que practicamente ya lo son también. Mención aparte para la catarsis inevitable de “Mogwai Fear Satan” (cuando aquello explota hacia la mitad uno sigue sintiendo el vello erizarse como la primera vez), y para “Teenage Exorcists”, rareza incluida en su último Ep que con su carácter más poppie nos ganó desde la primera escucha.

Quedaba para el final la actuación de James Blake, pero antes la excepcional sesión llevada a cabo por Jon Hopkins iba a dejarnos sin cabeza, y lo que es peor (o mejor, según se vea), sin demasiadas ganas de hacer el esfuerzo de integrarnos en el directo mucho más tedioso y lleno de gorgoritos de Blake. Lo de Hopkins fue una auténtica trituradora que llevó su genial electrónica de diferentes tonalidades, hasta el punto más alto del tecno ambiental. Con proyecciones de sus videoclips de fondo acompañando a algunos de los mejores temas de “Immunity”, su puesta en escena fue sin embargo bastante modesta en el sentido escénico de la palabra. Sesión de dj pura y dura dando a los allí presentes lo que de verdad buscaban ahora que la anoche ya había caído de lleno.

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BIME

Monkey Week

Antiguo Régimen 83

noviembre

01/11/2014, Madrid

CUCHILLO DE FUEGO + Giganto + Afilador

La “Triple España” que da título al debut discográfico de la banda gallega Cuchillo de Fuego se dio cita en Rock Palace con un sold-out de esos agridulces: agrio por ver gente que se queda en la puerta, claro.

Ese triplete se inició con esa formación dispar que son Afilador, en la que cada uno de los miembros aporta su pequeño grano de arena a un sonido conjunto que planea entre el post-hardcore y el post-punk gritón.

Probablemente el llenazo vino con la segunda formación, Giganto, trío instrumental que ahora se ha hecho con los servicios de Jaime de Adrift y Codo a las baquetas. Entre los Sonic Youth más punks y unos Melvins instrumentales de la Meseta, “Fuego Amigo” refrendó ya que lo suyo no es sólo un ejercicio de estilo, también de canciones, así que les costó poco convencernos.

Luego la banda principal de la noche, Cuchillo de Fuego, desplegaron desde Pontevedra su vertiente más punk (“Estrella Park” u “Horizontal”), pero mucho mejor con sus canciones más personales (seguramente las que más recuerdan a The Jesus Lizard), con especial mención al pseudo-hit “Forforcio” y al magnetismo de su cantante en “Bouquet (fuego y mierda)”.

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2014

Cró nicas

MIXTAPE

13/11/2014, Madrid

TINARIWEN La traducción directa del término tamasheq “tinariwen” es simple: desierto. De ahí viene la banda, del Sahara, concretamente de la autoproclamada región de Azawad. Ataviados cada uno con su tagelmust , la banda atacó su repertorio como mejor sabe hacer, como una fiesta. Pero la música de Tinariwen tiene dos caras. La de la música progresiva e hipnótica que mezcla el folclore tradicional islámico con el blues y el rock al uso; pero también la de una reivindicación de sus raíces, de su región como un estado independiente, de la rebelión en general y de, incluso, ir a las armas (el propio Abdallah ha manifestado que el día que su gente necesite más guerreros que músicos estará listo para responder a la llamada).

Pero nos toca analizar lo musical y lo escénico. Lo de Tinariwen es un ejercicio de malabares preciso y sincero, jugando por un lado con una tradición árabe que difícilmente suele encajar con el rock occidental. Ellos lo consiguen, y además por la vía de la ensoñación psicodélica que produce la repetición de sonidos, aunque cuando uno los ve en vivo la cosa se torna más en fiesta que en cualquier tipo de hipnosis. Sobre todo cuando a tu lado unas primeras filas repletas de africanos, lanzan proclamas, cantan y bailan. Incluso, un par de mujeres deciden subir a bailar con una apropiada camiseta de petición de libertad saharui, un tema similar al de los tuaregs pero que nos toca más cerca.

Vivir un concierto de Tinariwen en distancias cortas es algo recomendable para todo aquel que entienda la música como una manera de expresión de tradiciones, de ideas y de emociones. Estilos aparte, uno de los conciertos de la temporada, sin duda.

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John García

Eric Fuentes 85

diciembre

09/12/2014, Madrid

DOWSING

Había tres cosas claras antes del comienzo de este concierto: una, que aquello se iba a parecer más a una fiesta entre amigos que a cualquier otra cosa; dos, que Dowsing nos tenían ganados antes de empezar; y tres, que alguno de los promotores del evento terminaría volando por encima de las cabezas de los asistentes. Las tres se cumplieron.

La noche arrancó con el debut de Wild Animals, una formación que se estrenaba en directo, con miembros de Jamie 4 President, Enoch Ardon, y Allfits. El trío facturó en 25 minutos temas de su primer Ep que grabarían en las próximas semanas. Superchunk y Caves son sus referentes (de los primeros cayó “Precision Auto”), y aunque el proyecto acaba de nacer, podemos estar seguros de que tenemos una nueva banda a la que seguir en lo que a punk rock e indie de alto voltaje se refiere.

Tras ellos era el turno de la otra banda procedente de Chicago, Kittyhawk. Compartiendo varios miembros con Dowsing, pero con voz femenina, su emo noventero tira más por las cadencias melosas. Acompañados de teclados que llenaban la falta de bajo, su actuación vino bien como contrapunto a la energía de Wild Animals, y al subidón de pop de puños en alto que nos esperaba a continuación.

Con Dowsing llegaba el plato fuerte, y el motivo casi quijotesco de todo este entuerto del que feiticeira fue parte para traer a una de las mejores bandas del emo revival actual. Arrancaron su actuación sobre seguro con “Meant to Shred”, y ya desde el comienzo dejaron claro porque son los mejores herederos de The Get Up Kids y de la vertiente más popera del emo. Con una actitud mucho más punk en directo que lo que ofrecen en estudio, fueron cayendo himnos como “Get Weird” o “Amateur Cartography”, al mismo tiempo que pedían comprensión cuando tocaban temas menos conocidos como los del split con Annabel.

No podían faltar tampoco “I Don´t Even Care Anymore” o “Still Don´t Care”, dejando así para el final, y tras los agradecimientos al público por su efusividad, un bis con “Joking/Laughing” y, cómo no, “Gengar! Gengar! Gengar!”.

Broche perfecto para una noche llena de risas, buenos momentos y que mereció la pena desde el primer hasta el último minuto. No estuvieron todos lo que somos, pero sin duda somos todos los que estuvimos. ¡Por muchas noches más como ésta!

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驴2015?

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Venga, en serio Si nos sigues, te mantendremos informado y prometemos sacarte alguna sonrisa de vez en cuando.

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Lo fundamental para nosotros es lo que nos transmiten los artistas con su música. Pero más enriquecedor resulta aún toparnos con músicos que además tienen cosas interesantes que contarnos.

Seleccionamos extractos de algunas charlas que hemos compartido durante 2014.

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NO MORE LIES «Nunca grabaremos un disco si nuestra relación de amigos está maltrecha» No More Lies están de vuelta, con disco e intensa gira y, vistos sus ritmos, no íbamos a desaprovechar la oportunidad para someter a una de nuestras bandas emblema a un amistoso interrogatorio. Máxim (bajo), con algún aporte de Santi (voz/guitarra), es quien se enfrenta a nuestra curiosidad.

Mucho tiempo desde el anterior disco a este. Ya estamos acostumbrados a que los ritmos de No More Lies en estudio sean pausados, pero ¿vosotros cómo lo lleváis? Supongo que en periodo de inactividad surgirán ideas y se puede hacer frustrante esperar años para registrarlas, ¿o no?

Bien, situémonos. La banda paró en Febrero de 2008 y en Mayo de 2011. Aina, aprovechando que Pau (batería y residente en los EEUU) venía un mes, nos proponen dar 2 conciertos: uno en el Bonberenea de Tolosa y el otro en Sant Feliu. Valoramos la idea y aceptamos. Volvemos a ensayar para refrescar el repertorio que tocábamos de 2005 a 2008. A partir de ahí, nos salen más bolos y seguimos con los ensayos donde empiezan a surgir riffs e ideas nuevas.

Nunca nos sentamos a hablar formalmente sobre la vuelta al ruedo ni tampoco, en su momento, dimos el grupo por disuelto. Las cosas fluyen y la relación entre nosotros es buena...

Pasan los meses y cuando nos damos cuenta teníamos 5/6 temas bastante avanzados. Dadas la circunstancias, a principios de 2013 decidimos que pasado el verano grabaríamos disco y así lo hicimos cuando tuvimos los 10 temas de “In the Shade of Expectation”. Teniendo en cuenta que ya de por sí somos una banda poco (o muy poco) prolífica y que nos tomamos las cosas con calma ya tienes los 9 años entre disco y disco.

Nunca grabaremos un disco si no estamos seguros de lo que tenemos

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entre manos y menos aún, si nuestra relación de amigos (de la infancia) está maltrecha. ¡Eso sí que sería frustrante!

Iniciáis ahora una gira bien surtida por todo el territorio estatal. ¿Es una señal de que cuando No More Lies se reactivan hay que aprovechar el tiempo al máximo?

Es señal de que cuando te comprometes en sacar un disco, y mas con Jordi BCore al que estimamos mucho, hay que moverlo todo lo posible dentro de nuestras posibilidades. No olvidemos que somos una banda amateur o muy amateur y tenemos que compaginarlo con nuestra obligaciones laborales, familiares,etc.

A la vista de la gira se ve que de tocar sigue habiendo ganas, así que cuando no lo hacéis ¿qué tal lleváis la rutina? ¿Hay algo de “mono”? ¿Os llamáis los unos a los otros para urgir al resto a dar algún concierto de vez en cuando?

Vivimos de 3 a 5 minutos, andando, el uno del otro, Sant Feliu es un pueblo y si no te ves o encuentras es porque no quieres. Tratamos de ensayar 2 veces por semana y nos encanta ir a tocar por ahí y reencontrarnos con gente que conocemos y apreciamos. ¡Pasarlo bien es la regla sine qua non de este juego!

Lee la entrevista completa

«Somos una banda amateur o muy amateur y tenemos que compaginarlo con nuestra obligaciones laborales, familiares,etc.»

La banda ha ido paso a paso avanzando hacia un sonido algo más melódico, quizá más punk-rockero y directo en “41º46.5’N 3º1.9’E” y un poco más sofisticado en “In the Shade of Expectation”. Como lo lleváis despacio, supongo que es una evolución meditada o al menos sobre la que podéis sacar alguna conclusión.

Creo que en “In the Shade of Expectation” hay cosas de los dos anteriores discos. Hay toques y arpegios de guitarra que tienen más relación con “][“ y por otro lado, la parte vocal, en cuanto a melodía se refiere, tiene más que ver con el disco de las coordenadas. En síntesis, vendría a ser un híbrido en formas de los 2 anteriores.

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Hay que decir, sin embargo, que nunca componemos pretendiendo sonar de una manera u otra: hacemos y si nos gusta, lo damos por válido.

jando de lado los aspectos meramente musicales, seducen por algo más intangible que no te sabría definir específicamente.

Sois una de las bandas más veteranas en activo de las que arrancaron en cierta época y habéis ido ganando mucha reputación con los años, aunque ésta no dé de comer.

Podríamos hablar de varios tópicos como “banda de culto”, “carrera de fondo”. Ya hay quien os tiene como referente igual que vosotros pudiérais fijaros en bandas estadounidenses en su día. ¿Cómo os veis dentro del panorama?

Sí, nos han llamado banda de culto, longevos, seminales y demás. Nuestra percepción es que somos una banda muy respetada y considerada por los diferentes actores de este mundillo (bandas, público y medios) ya que así nos lo hacen sentir y estamos muy orgullosos de ello. También creo, modestamente, que No More Lies de-

Aunque esta pregunta sea lo más manido que uno pueda preguntaros no me parece menos necesaria.

¿Qué papel creéis que ha tenido el Sant Feliu Fest en vuestro crecimiento, ya sea mediante el intercambio de experiencias con otras bandas u otorgándoos cierto prestigio underground? ¡Esos días son magníficos! Siempre hemos estado vinculados, de una forma u otra, con la Atzavara Club que,

«Nuestra percepción es que somos una banda muy respetada y considerada por los diferentes actores de este mundillo ya que así nos lo hacen sentir y estamos muy orgullosos de ello» 91

para quien no lo sepa, organiza el festi. Hemos disfrutado de buenas bandas, hemos conocido y hecho colegas e incluso han venido grupos consagrados que nunca hubiéramos imaginado ver tocar en Sant Feliu.

Con todo, se establece un feedback a modo de máxima irrenunciable: saber dar para poder tomar. ¿Y qué os parece que no haya nadie en el mundo capaz de pronunciar el título de “41º46.5’N 3º1.9’E” y que lo llamen “el de las coordenadas”? ¿Era ésta vuestra intención oculta, tras editar otro disco impronunciable como “][“?

Nosotros también nos referimos a ellos como “el del tornado” y “el de las coordenadas”. En su momento, nos hizo gracia y creímos que era un hecho diferencial para un título de disco. Además, hacía alusión directa a Sant Feliu, donde hemos crecido y hecho. En lo bueno y en lo malo.

Por cierto, el símbolo del tornado en meteorología, las coordenadas marítimas de vuestro pueblo… ¿esconde “In The Shade of Expectation” algún significado más allá del aparente?

Bueno, es el título del track número tres, el cual trata un poco del pasito que hay entre los objetivos persona-

les y la frustración, pues a veces vale mas redireccionarse e intentar conseguir cosas más factibles. Nos sonó bien cómo título de disco y además volviendo después de tanto tiempo, da pie a una ambigüedad que nos pareció interesante.

clas y creímos que podíamos quedar más satisfechos. En fin, Santi acabó remezclando 8 de los 10 temas y de Pelle quedaron “Spiral Desidia” y “Convinced” de los que, valga la redundancia, sí estábamos convencidos.

Pese a contar en la banda con un productor bien reputado, esta vez no ha ejercido como tal y además habéis recurrido a Pelle Gunnerfeldt para la mezcla o parte de ella. ¿Teníais de algún modo la necesidad de que alguien de fuera tomara parte, para dar perspectiva?

Santi quería entrar al estudio y hacer únicamente de músico y dejar de banda su labor cotidiana. Pero todo quedó en casa ya que lo grabó su hermano, Víctor García, en los estudios de Cal Pau en Sant Pere Molanta que regentan Fermín de Biscuit y el malogrado David Teichenné de Rippers. Las voces las grabamos en Ultramarinos y luego nos fuimos a Estocolmo para mezclarlo con Gunnerfeldt con quién Santi había hecho migas en un concierto que hicimos con Randy allá por el 2005 o 2006.

Y sí, buscábamos una “mano” exterior que pudiera darnos un enfoque interesante puesto que nos gustan muchos discos que ha producido Pelle. Pero cuando llegamos a Sant Feliu estuvimos escuchando las mez-

Como veteranos, ¿cómo veis la escena punk-rock hoy en día, en Catalunya o en España?

La veo más viva que nunca. Hay un montón de bandas interesantes por todo el Estado. Nuestros camaradas Bullitt, Hurricade, Ulises Lima, Challenger, Toundra, los enormes Betunizer, Cuello, Encono, los grandes Berri Txarrak, Holywater, Unicornibot, Homens, Manfel, Las Carmonas, I`m, L`hereu escampa... ¡la lista es interminable monada! Y si bien ninguno de los que te he dicho hace punkrock en el sentido más estricto u ortodoxo sí que formamos parte de una misma escena. Llámala X o Y o lo que sea.

«Tengo grandes recuerdos de la primera gira española, allá por septiembre del 98. Pasamos tres semanas de las que quedan un montón de anécdotas imborrables. Acabamos la gira teloneando a Fugazi en Zeleste... ¡Imagínate!»

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Y de grupos internacionales, en vuestra dilatada trayectoria de telonear, montar bolos, grabar discos, compartir tiempo en definitiva. ¿De qué bandas os lleváis las mejores experiencias?

Personalmente, tengo grandes recuerdos de la primera gira española, presentando el “Seeds of Enthusiasm”, con Shanty Rd allá por septiembre del 98. Era nuestro primer tour y pasamos tres semanas de las que nos quedan un montón de anécdotas imborrables. Acabamos la gira, teloneando a Fugazi en Zeleste (ahora Razz1)… ¡Imagínate! En esa misma gira coincidimos con Hitch, banda belga, con quienes hicimos muy buenas migas y nos reencontramos en giras posteriores. Luego, claro que hay que hacer mención especial para Aina. Hicimos bastantes bolos juntos y mantuvimos y mantenemos una excelente relación con todos sus miembros, ocupan un puesto muy especial para nosotros. Yo los vi unas 20 veces mínimo…

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Tampoco puedo olvidarme de Riddle of Steel de St. Louis. Giramos juntos cuando fuimos a Chicago para grabar el anterior disco. Dimos 10 o 11 bolos por el medio Oeste de los States y nos ayudaron muchísimo en todo... Eran grandes músicos y grandísimas personas.

este año y nos dejó tirados. Había un montón de gente esperando el bolo, miembros de la organización esperando para recogerle en Girona y decidió quedarse de turismo por Barcelona con su novia sin coger el teléfono ni dar la más mínima señal o respuesta. Aquí tiene la puerta cerrada.

Después, hemos compartido furgoneta y bolos (BCN y Madrid) con Hot Snakes que es una banda que nos mola mucho así como proyectos paralelos o anteriores de Rich Froberg y Speedo (RFTC, Obits, Drive Like Jehu, Nightmarchers). ¡Curioso!

Al cabo de unos días, Santi consiguió contactar con él (no sé si por Facebook o Twitter) y le cantó las cuarenta debidamente. Vahh, No vale la pena hablar más del personaje este.

Una mala y reciente por lo que respecta al menos a Santi hemos oído que tiene que ver con Garrett Kahn de Texas is the Reason, un mal asunto que al parecer se saldó con una contestación por mail gloriosa. ¿Qué habría de cierto en esto?

Lo cierto es que se comportó como un impresentable. Pues tenía que dar un show acústico el domingo al mediodía para cerrar el Sant Feliu Fest de

Se acaba de presentar el siempre controvertido cartel del Primavera Sound, en el que esta vez estáis dentro del showcase de Bcore. Está claro que un festival así de grande tiene sus cosas muy buenas y otras no tanto, pero es un foco importantísimo de música que casualmente está en Catalunya, ¿qué opinión os merece en general y cual es vuestra valoración de esta edición?

Es un gran festival respaldado por un gran capital, por lo tanto, consiguen

bandas con grandes cachés y difíciles de traer cuando están de gira.

Ese es el punto que creo más destacable. Estuve en la edición de 2012 ya que No More abrimos el festival el miércoles en el concierto gratuito de inauguración que se hace en L`Arc de Triomf de la Ciudad Condal. Me acerqué al recinto del Fórum el viernes por la noche y el sábado, me llevé una impresión muy buena del evento en cuanto a cartel, organización, bonitas guiris y demás. Un gozo para los sentidos.

De la edición de este 2014 no estoy al corriente, ya le echaré un vistazo cuando acabe esta entrevista, jejeje… De todas formas, debo deciros que prefiero un escenario como el de la 2 de Apolo que uno de esos mastodónticos donde tocamos a 10-15 metros el uno del otro. ¡Hostia! Ahora que lo dices, tendré entrada gratis para ver el festi. ¡Bien! ¡Bien! ¡Bien!

Supongo que las letras son un aspecto un poco más solapado en una

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«Nuestros textos siempre han tratado de sentimientos y puntos de vista del individuo respecto a su entorno más inmediato. Eso sí, la intención es presentarlo desde un enfoque positivo y vital» banda de punk-rock que canta en inglés. ¿Qué temas habéis querido tratar en este nuevo disco? ¿Ha cambiado mucho la temática de las letras desde vuestros primeros tiempos?

Nuestros textos siempre han tratado de sentimientos y puntos de vista del individuo respecto a su entorno más inmediato. Esencialmente pues, no hemos cambiado mucho en ese aspecto. Por ejemplo, en “In the Shade of Expectation” se habla de salir de un pozo anímico, de la distancia de la clase política respecto de la ciudadanía, de una mala noche de concierto, de redireccionarse hacia objetivos personales más factibles, de un locus amoenus de Sant Feliu, de tropezar con la misma piedra aún sabiéndolo, etcétera. Eso sí, la intención es presentarlo desde un enfoque positivo y vital. Hay que tener en cuenta, también, que a pesar de que Santi esté casado con una mujer galesa y la novia de Roger es de madre inglesa, el inglés no lo dominamos como el catalán y a la hora de cuadrar las letras, en lo que a métrica y rima, pueden suscitar en el receptor un sentido ambiguo. Pero eso no lo concebimos como nada negativo sino al contrario. Coño, así a bote pronto, cuando yo estudiaba poetas en bachillerato y si no fuera porque el profesor te aclaraba la temática de su obra, de muchos

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hubiera dicho que trataban temáticas distintas de lo que realmente hablaba su obra. Y es que expresarse puede conllevar eso.

Como hemos dicho, muchas fechas peninsulares. ¿Sacaréis hueco para alguna visitilla europea? Seguro que hay gente por ahí arriba que quiere veros, más en estos tiempos en que la música se mueve tanto por Internet.

Queremos hacer algún fin de semana largo en Francia y Suiza (nunca hemos tocado en el país transalpino) ya que tenemos buenos contactos pero empecemos por la península y después ya veremos. Es difícil para una banda como nosotros cuajar toda una gira día tras día por Europa. Además las otras dos que hemos hecho fueron deficitarias. Bueno, en la primera que hicimos con el disco del tornado tuvimos un accidente en Viena y resultó que la furgoneta que llevábamos de alquiler no estaba asegurada… ¡Perdimos hasta la camisa!

Sobre otros proyectos musicales que tenéis los demás miembros de la banda, ¿Tenéis algo entre manos? ¿No habrá nunca más algún recuerdo a esa fantástica colección de canciones de la que participó Santi dentro de Ghouls n Ghosts?.

Yo (Màxim) toco el bajo en Nord que es un grupo de Hard Rock que empezamos con Pri (Unfinished Simpathy) y Gemma (Two Dead Cats) durante el paréntesis de NML. Tenemos un disco editado el 2013 y estamos trabajando en el siguiente.

Santi: Lo de Ghouls and Ghosts fue una bonita aventura y no descarto que algún día nos juntemos para tocar el disco otra vez, de momento todos estamos con otras historias.

Santi, esta es también para ti. Hace unas semanas hablábamos con Nueva Vulcano y nos comentaban cómo te las apañaste durante la grabación de su nuevo single para llevarles al estudio y grabar de esta forma por partes y con claqueta, en vez de en directo como habíais pactado en un principio ¿Algo que decir al respecto? ¿Es cierto que estás empeñado en que sean un grupo de hits?

Santi: A los Nueva siempre les pregunto, antes de cada grabación, cual es su previsión de ventas, a que tipo de público quieren llegar y si tienen ya algún DJ apalabrado para remezcla. Luego hacemos una reflexión colectiva y decidimos si en directo o por partes, con claqueta o sin, banjo o guitarra, Corsari o Rey del Jamón.

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GRUPO DE EXPERTOS

SOLYNIEVE

«Si nos tienen que etiquetar espero que se tengan en cuenta las opiniones que desde el principio nos posicionan claramente» Con motivo del cierre de gira de presentación de su EP “Colinas Bermejas”, charlamos con Manu Ferrón, cabeza visible de los granadinos acerca de su música, su fichaje por El Segell y hasta del libro hipster de moda (Indies, Hipsters y Gafapastas).

Hace no mucho, en una cena entre la que se contaba algún argentino, salió en la conversación un central de fútbol del Estudiantes de La Plata llamado Aguirre Suárez que yo sabía que me sonaba de algo. Efectivamente, él, junto a Montero Castillo, fueron quienes dieron nombre a aquel primer Ep de Grupo de Expertos. Ocho años han transcurrido ya desde aquel primer trabajo, ¿por vuestra cabeza pasaba que lo que en su día parecía un pasatiempo paralelo, estuviese hoy tan establecido?

Entonces ni siquiera teníamos la intención firme de mantener un grupo

estable ni una actividad continuada, simplemente pretendíamos que las canciones que habíamos estado haciendo no permaneciesen ocultas.

Pero, del mismo modo que no hacíamos planes de futuro, no nos negábamos la posibilidad de continuar haciendo cosas juntos mientras nos divirtiésemos haciéndolas. El planteamiento no ha cambiado demasiado y así está bien. Hasta ahora ha dado para grabar tres Eps y dos elepés y hacer un montón de conciertos. A día de hoy, aún hay ganas de más.

Lee la entrevista completa

Disteis vuestro primer concierto en Sevilla hace diez años bajo el nombre de esos dos futbolistas que mencionábamos antes, y en este 2014 habéis vuelto a tocar en el mismo espacio del ciclo Nocturama en el Monasterio de la Cartuja/Centro Andaluz de Arte Contemporáneo. ¿Lo sentisteis como algo especial, cómo el fin de una etapa y el comienzo de algo nuevo?

Fue solo otro paso más aunque, eso sí, con una especial carga sentimental.

Lo pasamos tan bien como la primera vez. Tal vez mejor. Esperamos repetir muchas veces.

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¿Cómo han ido estos primeros meses de andanza de la mano del sello del Primavera Sound, El Segell? De primeras sorprendió vuestro salto de la independencia absoluta, hacia un sello con este cobijo.

Buscábamos un cambio en la gestión de nuestro management y pretendíamos dedicar todo el tiempo disponible para el grupo a componer, grabar y tocar, olvidándonos de la vertiente industrial, de manera que una discográfica que también gestionase la contratación se presentaba como la opción ideal. Tuvimos la enorme suerte de recibir algunas propuestas y la de El Segell del Primavera Sound nos pareció la más conveniente. Ha sido un buen comienzo. Aún estamos acoplándonos, tratando de hacer que el funcionamiento del grupo y el del

sello se combinen y consigan resultados que convengan a ambas partes.

Ojalá sea así. Hasta el momento está siendo una relación fluida porque, aunque parte de una gran estructura, el sello funciona a pequeña escala y resulta fácil para nosotros compartir ideas y esfuerzos con ellos. ¿Siguen siendo vuestras reuniones para componer tan esporádicas como habéis comentado siempre, o Grupo de Expertos es hoy en día la principal ocupación de la mayoría de quienes lo formáis?

El Grupo de Expertos Solynieve sigue funcionando como siempre. Seguimos aprovechando nuestros breves encuentros para ensayar y grabar nuevas canciones a la vez que pre-

paramos nuestros conciertos. No hay un trabajo continuado, más bien nos dejamos arrastrar por ráfagas de viento creativo.

Y en cuanto a la carretera, parece que os estáis prodigando más que nunca, y tras las habituales fechas festivaleras habéis seguido presentando “Colinas Bermejas”. ¿Pensáis dar más conciertos dentro de lo que podría considerarse la presentación del Ep, o se puede decir que el de Madrid es el fin de gira?

Es cierto que no nos prodigamos en los escenarios. Hemos hecho unos diez conciertos desde la publicación de “Colinas Bermejas”, mucho más de lo que acostumbramos. Diferentes compromisos, como la gira americana

«No hay un trabajo continuado, más bien nos dejamos arrastrar por ráfagas de viento creativo»

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de Los Planetas y algunas grabaciones pendientes, nos van a tener fuera de los escenarios otra temporada.

Y para después, ¿estáis trabajando en algo próximo, o habrá que esperar un tiempo más o menos largo?

Ya hay algunas canciones grabadas pendientes de ciertos detalles antes de darlas por terminadas. Supongo que formarán parte de un nuevo Ep que, si nada lo impide, publicaremos no muy tarde, aunque ya en 2015.

En vuestro último Ep, “Colinas Bermejas”, la temática sigue por los derroteros habituales y las referencias al sur. Sin embargo, llama la atención ese tema llamado “Sahariana”, en el que os desplazáis aún más hacia el sur, y donde se filtran incluso influencias tuaregs. ¿Andáis enredando últimamente con todo esa ola de rock que encabezan Tinariwen? ¿Podemos esperar en el futuro nuevos deslices hacia esas sonoridades?

Hace siete u ocho años que venimos siguiendo con atención a bandas como Tinariwen y la psicodelia es desde siempre una notable influencia para los cinco, se manifieste más o menos en nuestras canciones. “Sahariana” es una improvisación en estudio, algo natural y espontáneo que puede volver a surgir o no. No acostumbramos a planificar mucho cómo deben so-

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nar nuestras canciones, simplemente dejamos que ellas decidan la forma en la que quieren sonar. Esto, aunque pueda parecer impreciso, es lo que hacemos cuando entramos al estudio.

Los temas sociales y políticos siempre han estado presentes en vuestras letras, pero en este caso os quería preguntar sobre la polémica surgida en torno al libro de Víctor Lenore, “Indies, Hipsters y Gafapastas”. Como banda a la que se puede incluir dentro de lo que se entiende como Indie, y a su vez con un marcado carácter social, ¿qué opináis de la simplificación que Lenore expone a la hora de querer definir al Indie como el ególatra sonido de las clases dominantes?

Aún no he leído el libro y, por tanto, no puedo hablar con propiedad al respecto, así que prefiero no hacerlo. Víctor siempre me ha parecido un crítico serio y documentado y no voy a juzgar ahora su trabajo en base a comentarios. En cualquier caso, el Grupo de Expertos Solynieve ha vertido desde el principio opiniones que nos posicionan claramente y espero que esas opiniones siempre se tengan en cuenta a la hora de, si fuera necesario, etiquetarnos.

consumo totalmente asimilada por el mainstream, y por lo tanto como modos de consumo aún más condenables si cabe, por su supuesto carácter elitista y diferenciador?

Si es mainstream, no es alternativa.

Se etiqueta equívoca e interesadamente cierta música como alternativa porque se reconoce cierto prestigio en ese adjetivo que la música a la que ahora designa no tiene. Pero, al pan pan y al vino vino. Aún hay miles de bandas al margen de cualquier estructura, con discursos y modos de funcionar contrarios a la industria que no les abre hueco o, directamente, trata de aniquilarlas. Que traten de vender como caviar el sucedáneo no debería sorprendernos ni preocuparnos a estas alturas. Olvidemos el debate terminológico. Lo que no deberíamos hacer es ignorar a las bandas, discográficas o promotores que funcionan de manera realmente independiente, que los hay, y perdernos en un debate superficial y estéril en el que, aunque creamos que todos hablamos del mismo asunto, unos hablamos de arte y otros de dinero.

¿Estáis de acuerdo con esos postulados que hablan de la música alternativa como una nueva forma de

«No nos prodigamos en los escenarios. Hemos hecho unos diez conciertos desde la publicación de “Colinas Bermejas”, mucho más de lo que acostumbramos. » 97

BERRI TXARRAK

«Con nosotros la gente no ha reaccionado como “se han vendido”, sino como “se la han jugado”» Antes de que se tirasen a la carretera para presentar su ambicioso disco triple, hablamos en persona con sus tres miembros sobre el pasado, el presente y el futuro de la banda de rock alternativo más potente de la península.

Recuerdo que mi primer contacto con Berri Txarrak fue allá por 2001. Había problemas para conseguir vuestros discos, luego recuerdo en Madrid que tocabais con nombres secretos por el tema de las amenazas de la extrema derecha. Y ahora no sólo llegáis a todos los lados de la península, sino que habéis llegado hasta Asia, algunos rincones de América, gran parte de Europa… Supongo que puede dar vértigo mirar hacia atrás, pero sobre todo debe ser un gran orgullo saber que todo se ha logrado sin renunciar al discurso ni a señas de identidad de la banda, como el euskera, la carga política en las letras…

Gorka: Pues sí existe algo de vértigo, sobre todo ahora que estoy haciendo el ejercicio de mirar atrás, ya que no es algo que me pare a hacer muy a menudo. Somos más de crear cosas nuevas y ponernos nuevos retos, que de mirar para atrás. Pero si que está bien de vez en cuando darle al pause y ver todo lo ocurrido. Como tú dices, me estoy encontrando a mucha gente para la que Berri forma parte de su vida y ese es el mayor de los premios. Ha sido un viaje alucinante, y lo sigue siendo, y lo más importante es que cuando a veces te preguntan si te arrepientes de algo, puedo pensar que hice ciertas cosas mal, pero sobre todo estoy orgulloso de poder decir que no me arrepiento de haber dejado algo sin hacer. Hemos viajado por todo el mundo, hemos trabajado con gente a la que admiramos, hemos conocido a muchísima gente maravillosa, llevamos casi 100 canciones, 1000 conciertos… Y de algún modo esto se ha convertido en algo que no era mi objetivo cuando empecé, pero no puedo decir que no esté satisfecho de 98

haber logrado que la música se haya convertido en mi oficio. Y somos unos currelas, pero de algún modo no puedes no sentirte un privilegiado, una excepción casi.

Teniendo en cuenta vuestro potencial en Euskadi, ¿creéis que habéis recogido la herencia del rock radikal vasco, y lo habéis modernizado en lo que a sonido y profundidad se refiere, para ser de algún modo la música que representa a una mayoría allí?

G: Entiendo lo que dices, como que se acerca a algo ya casi social. Somos otra generación, y el contexto es muy diferente, pero sí que nos vienen y nos dicen muchos jóvenes que la primera vez que cogieron una guitarra fue gracias a alguna de nuestras canciones. Entonces a nivel referencia sí que creo que somos un eslabón importante en la cadena. Nosotros tuvimos la suerte de que había una escena en Euskadi bastante establecida, pero también es cierto que ha habido que romper muchos prejuicios estilísticos. El pueblo vasco es muy nostálgico. Muy culto también, pero con mucha apetencia por mitificar los 80’. Y fue una década clave, pero después hubo una sombra en los 90’ que me parece mal,

Lee la entrevista completa

ya que dejó por el camino a muchos grandes grupos a los que nos se les hizo ni caso. Lo ocurrido en los 80’ sucedió en un contexto social y político muy determinado, y eso es imposible que vuelva a ocurrir de nuevo. Me parece bien, y está muy bien documentado, pero no se habla apenas de las décadas siguientes, y eso me parece un error a nivel escena.

Es posible que vosotros seáis la excepción y la cabeza visible de todas esas bandas surgidas de los 90’ para acá que no tuvieron la repercusión merecida. Y es más, en muchos casos igual hasta habéis superado a los grandes nombres de los 80’.

G: No sé yo si es para tanto (risas).

Esto que dices puedes suceder un poco ahora, pero a lo largo de estos veinte años no ha sido siempre así. Hemos ido teniendo nuestro público desde ya hace bastante, pero el nivel de estatus casi social del que hablamos yo no he sido consciente de que existiese hasta hace bien poco. Quizás en los conciertos de celebración del 20 aniversario, al recuperar canciones antiguas y observar cómo éstas se pegan a la vida de la gente, es cuando te planteas algo más la repercusión que puedes

«Me estoy encontrando a mucha gente para la que Berri forma parte de su vida y ese es el mayor de los premios»

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tener en su día a día. Y eso es lo más grande que hay.

El tema de veinte canciones como homenaje a veinte años de carrera, ¿en qué momento surge? Y una vez planteado ¿no hay algún momento de flaqueza y de echaros para atrás por lo faraónico del proyecto? Recuerdo que en mayo de 2013 os entrevistamos y estabas un poco dubitativo respecto al futuro de la banda.

G: (Risas) Yo, de verdad que no es una pose, cada fin de gira acabo muy cansado. Vas acumulando cosas en la mochila, y a veces cuesta volver a reactivarte. Necesitas ponerte un reto, o que te salgan dos canciones que de repente te digan “Hostias, qué guapo, por aquí vamos bien”.

Y de dos canciones a un disco triple solo hay un paso.

G: (Risas) Sí, una vez puestos nos liamos la manta a la cabeza. Pero no

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fue premeditado. Todo esto del disco triple se nos ocurrió a finales de año.

Cuando acabamos la gira de “Haria”. Siempre los finales de gira son un poco raros a nivel personal. No tienes nada nuevo que ofrecer, llevas un show totalmente estructurado del que estas algo cansado. Y también pesa el cansancio físico, pero tienes algunos conciertos aún por dar y tienes que darlo todo. Berri lleva una velocidad de crucero difícil de aguantar, lo cual es bueno porque quiere decir que la gente está pendiente de lo que haces, pero a la vez cada paso que das es importante y crucial, y va pesando.

(Hacen aparición los otros dos miembros de la banda.)

Hablando de “Denbora da Poligrafo Bakarra” ¿Se os pasó por la cabeza publicar los tres trabajos como Ep’s independientes al estilo de lo que en su día hizo por ejemplo Thrice, o tuvisteis claro que iba a salir como dis-

«Berri lleva una velocidad de crucero, lo cual es bueno porque quiere decir que la gente está pendiente, pero a la vez cada paso que das es crucial, y va pesando» 99

co triple? Lo digo por lo arriesgado de publicar tantas canciones de golpe en el momento de consumo musical en el que estamos.

David: Lo cierto es que al principio no teníamos muy claro qué hacer, pero sí que estábamos de acuerdo en llevar a cabo algo diferente. Lo fuimos hablando, y primero surgió lo de 20 años 20 canciones, que nos pareció una buena idea. Una vez empezamos a trabajar el concepto pensamos que sería mejor separarlas en tres trabajos, y aprovechando lo camaleónicos que somos en cuanto a gustos, pues fue cuando surgió lo de hacerlo con tres productores intentando trabajar estilos diferentes con cada uno de ellos. No nos paramos a pensar mucho en la locura que esto podía suponer hoy en día.

Gorka: Sí hubo algún momento que se barajó la posibilidad de sacarlos de forma escalonada, pero al final nos pareció demasiado tinglado.

Galder: Además, pensamos que podía dispersar demasiado la atención de la gente. Estábamos en unos meses muy activos, y quisimos huir del clásico recopilatorio o disco en directo para celebrar el 20 aniversario. Nos veíamos con ganas y confianza, y después de tres años de gira, nos apetecía meternos en el local y crear canciones. Y casi que lo peor fue tener que parar para hacer los conciertos de celebración.

Otro de los grupos que también hizo en el pasado algo similar a lo vuestro fue Standstill con su “Adelante Bonaparte”. Precisamente a un músico de esa banda, Ricky Falkner, recurristeis para grabar uno de los discos que integran “Denbora da Poligrafo Bakarra”. Por ser musicalmente el más opuesto a Berri Txarrak de los tres con los que habéis trabajado, es el que mayor curiosidad me despierta sobre cómo fue grabar con él.

Gorka: En veinte canciones vimos que nos daba tiempo a experimentar al menos en uno de los discos. Lo de Ross Robinson teníamos claro cómo iba a funcionar después de haber grabado con él “Haria”. El tema de Bill Steven100

son lo quisimos orientar a hacer temas punk de dos minutos. Y la tercera pata del taburete queríamos que fuese la que sorprendiese a la gente, y también tener nosotros mismos la valentía de hacer algo que nos supusiese un reto. De los nombres que barajamos ganó la opción de Ricky, y creo que hemos acertado de lleno porque hemos congeniado y han salido unos temas muy redondos. Su forma de llevarlo nos ha gustado mucho, y si ya de por sí íbamos muy abiertos, él se ha involucrado mucho también en el proceso de productor.

David: Domina mucho su género, y dentro de ese indie en el que él se mueve, nos ha abierto muchos caminos que es posible que nosotros no hubiésemos investigado.

Con todo, y aun habiendo matices que las diferencian, para mí, si apareciesen mezcladas las veinte, creo que no me chocaría. Al escuchar el adelanto “Lemak, Aingurak” pensé que el giro sería mayor, pero finalmente no veo tanta ruptura. Quizás hay algo en vuestro sonido tan personal que da igual que os produzca un punki en Denver, que un metalero en L.A, que Ricky en Madrid.

David: (Risas) Fue como una especie de provocación lo de sacar “Lemak, Aingurak” como single. Sabíamos que era la más diferente y dijimos, ¿a ver qué pasa? Pero sí, sobre lo que decías de mezclarlas todas y que tampoco chocasen demasiado, es curioso que muchos de nuestros fans más rockeros son los primeros que están viniendo a decir que el Ep de Ricky es el que más les ha gustado.

Parece ser que hoy en día los textos es lo que más te cuesta llevar a cabo, Gorka. ¿En este caso crees que los años juegan más en contra que a favor debido a qué te vuelves más exigente con tus palabras?

Gorka: De unos años para acá le he ido dando cada vez más importancia a las letras. Para que una canción tenga recorrido necesita una buena letra.

Berri siempre ha sido un grupo muy

«Fue como una especie de provocación lo de sacar “Lemak, Aingurak” como single» musical, prevaleciendo la música por encima de la imagen o de cualquier otra cosa. No me arrepiento de que haya sido así, pero también es verdad que dentro de la música, y de la canción, está la letra, y para mi han cambiado los porcentajes de relevancia.

Si antes era un 70% de importancia a la música, y un 30% a la letra, hoy casi que te diría que es un 51% la letra.

Sin ser un disco íntegramente político, la carga social está muy presente y no de una forma muy optimista. ¿Tan mal ves el panorama? ¿No esperas que formaciones como Podemos en el conjunto de la península, o las izquierdas autonómicas puedan regenerar de algún modo todo lo podrido que se ha gestado en las últimas décadas?

Gorka: Es como si estuviésemos a las puertas de, pero no sé si realmente se trata de creer que algo de verdad pueda cambiar, o es más bien el querer que así sea. Ir a peor, desde luego, sería muy jodido, porque en muchos aspectos pasaríamos a un fascismo puro y duro, pero a mí no me gusta coger la bandera del optimismo porque no sirvo para eso. Hay algún destello en algunas canciones que sí que hablan de forma optimista de lo que la creatividad y la cultura pueden aportar para un posible cambio. Pero por lo demás no puede ser algo impostado, y si no lo creo 100% no creo que tenga la obligación de coger esa bandera.

2014

Galder: Yo creo que más que pesimista, son realistas. Te ponen ante un espejo que muchas veces no queremos reconocer, pero que está ahí, y si ayudan al reconocimiento de estas realidades, creo que se convierten al final en algo positivo para quien las escucha.

Gorka: Se trata más de poner el foco en donde duele, y a su vez es también auto focalizar en cada cual lo que no hacemos bien. Se trata de un disco que habla de la inacción, y ahí entramos todos.

David: A veces nos convertimos todos en meros espectadores que ante tanta sobreinformación nos limitamos a cambiar de canal cuando más nos conviene. De esa inacción que habla Gorka no se libra nadie, y es un poco por ahí por donde incide este disco. ¿Y el tema de los festivales cómo se presenta? ¿Se abren nuevas opciones en algunos en los que no hayáis tocado? Lo digo porque a veces cuesta entender que un grupo que se mueve en los géneros que os movéis, no tenga cabida en determinados festivales donde sí tocan bandas internacionales más o menos cercanas a vosotros.

Galder: Lo dices por Shellac en el Primavera Sound (risas)

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MIXTAPE

«Ir a peor, desde luego, sería muy jodido, porque en muchos aspectos pasaríamos a un fascismo puro y duro» cado en los últimos diez años.

Gorka: Yo coincido contigo como oyente en que no estaríamos fuera del tiesto en el Primavera Sound, en el Dcode… De hecho nuestro punto camaleónico nos ha permitido tocar en festis que van desde el Viña Rock, al Resu, pasando por el Cruïlla, que es algo así como muy ecléctico. Pero claro, luego el cómo funcionan por dentro los festivales es otro tema…

Y ya que estamos a finales de año, la típica pregunta de ¿qué recomendaríais de este año 2014 a nivel musical?

Gorka: Yo el de Antemasque. Había perdido un poco la esperanza en Omar y Cedric, pero la verdad es que al final el disco me ha gustado mucho.

Galder: Muchas veces funcionan por sellos, por paquetes de grupos…

David: Yo he descubierto hace poco a Viva Belgrado, y me han flipado mucho. Me gustaría verles en directo.

Oye, y no puedo no preguntarte, Gorka, por el nuevo disco de Weezer.

Como fan reconocido que eres, ¿cuál es tu opinión?

Gorka: Pues me creé demasiado hype con las reacciones de la gente y la prensa cuando salió, y luego no me pareció para tanto. Pero no está mal, y seguramente es lo mejor que han sa-

Galder: A mí me ha gustado mucho el de Biznaga, que no sé si es exactamente de este año o de finales del pasado, pero me ha parecido muy bueno.

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OBITS

«Conocer gente como La Castanya es de las razones por las que tocamos en una banda» Quedan pocos días para que Obits vuelen a Europa para una nueva gira, con su parada en un suelo español que es ya una segunda casa para ellos. Hablamos con Sohrab Habibion, guitarrista de la banda, pocas horas antes de que subiese a un avión con destino a Londres.

“Bed and Bugs” es vuestro nuevo disco y, entre otras cosas, habéis cambiado Brooklyn por Virginia para grabar con Nikhil Ranade como productor. ¿Por qué tantos cambios? ¿Cómo fue el proceso de grabación comparado con los otros dos?

Nikhil es un amigo músico y técnico de sonido y tiene un estudio en su apartamento. Vive en Virginia, así que cuando nos preguntó si queríamos grabar con él, significaba que había que conducir cinco horas al sur desde Brooklyn. Nikhil es un tío maravilloso y es muy fácil trabajar con él, así que fue un placer estar ahí. Alexis y Rick durmieron en su casa, Greg y yo al final de la calle. Así que fue fácil y acogedor, algo que para una banda como la nuestra es importante. No nos gusta el estrés y esterilidad de un sitio más profesional. Para nosotros se trata de estar pasando el rato y sentir buenas vibraciones con cada canción, incluso si hay errores o inconsistencias.

En mi opinión este disco parece algo más enfocado al ritmo y menos al rollo punk-garage de los otros discos. ¿Qué te parece?

No sé qué decir, es complicado para mí decirlo. Es mejor dejarte a ti que lo determines. Nosotros simplemente tocamos la música que nos apetece y las ideas que no nos gustan tratamos de dejarlas atrás. Creo que nuestro fin básicamente es hacer la música que nos gustaría escuchar.

Venís de bandas orientadas a un sonido más punk-hardcore y Obits se 102

enfoca a algo más diverso con toques de garage, surf, rock and roll… ¿Sentís que estáis consiguiendo con cada álbum sonar más a Obits?

Es rock and roll y dependiendo cómo lo toques habrá alguna pequeña diferencia, así que no hay que preocuparse en clasificarlo. Además, es que tiene que tener la última palabra el grupo, independientemente de las influencias.

Lo que parece claro es que escucháis mucha música. ¿Qué se escucha en la furgoneta de Obits de gira?

Empezamos la gira hoy, así que lo sabrás mejor en un par de semanas, pero he estado escuchando Replacements, Duke Ellington, Glaxo Babies, Big Star, Neo Boys, Bombino, Led Zeppelin y Sun Ra. ¿Y qué opinas del revival que está habiendo de garage y psicodelia?

Lee la entrevista completa

Parece que al final esté ya todo inventado en el rock.

No soy un gran seguidor de los revivals, independientemente del tipo de música. Me gusta la música que está tocada por gente que expresan cómo son ellos mismos y no lo de ser parte de una moda. Puede ser tocando un banjo, un piano, una guitarra, un sintetizador… No me importa qué instrumento o género toquen mientras me crea al músico. Si quiero una buena recreación, prefiero ir a jugar o ver una película. ¿Qué bandas nuevas te parecen interesantes haciendo esto?

En cuanto a bandas nuevas, hay montones: Disappears, Metz, Aliment, Biblical, Parquet Courts, The Men, Survival Knife, Tijuana Panthers, Shark?, Pissed Jeans...

«Nos gusta mucho tocar en vivo. No es una ciencia, por lo que incluso la variable más pequeña puede tener un impacto enorme. Es como nadar en el océano, con los ojos cerrados.»

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Rick estuvo en Pitchfork, Drive Like Jehu y Hot Snakes, pero tú también fuiste parte de la escena post-hardcore con tu banda Edsel. ¿En qué punto anda la banda? Tocasteis algunos conciertos hace un par de años, ¿no?

Tocamos unos conciertos el año pasado. Fue divertido. Y queremos tocar más. Hemos ido lentamente reeditando versiones remasterizadas de nuestros discos que habían estado descatalogados hasta ahora. Además encontramos la última sesión de estudio que finalizamos, así que estamos mezclando tres canciones para sacarlas. Somos todos amigos y si la oportunidad surge, haremos más cosas. ¿Cómo de importante es para el proceso creativo de Obits tocar en directo y ensayar?

Nos gusta mucho tocar en vivo. Ir de gira es nuestra actividad principal. A pesar de que conviven, a veces parece que los discos sólo permiten que podamos girar. Y lo que es interesante es que las cosas cambian de noche en noche. Estamos en diferentes estados de ánimo y en diferentes lugares, y el lugar de celebración y el público deja un ambiente diferente cada vez. Las cosas que no podemos controlar son los más emocionantes. Y entonces, tra-

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tar de encontrar la manera de conectar con los demás en ese momento y lugar específico. No es una ciencia, por lo que incluso la variable más pequeña puede tener un impacto enorme. Es como nadar en el océano, con los ojos cerrados. Así que es algo familiar y a la vez hay muchos elementos pequeños que pueden determinar la forma de interpretar la experiencia.

Fue curioso ver el año pasado en el concierto de Nueva Vulcano (banda de Albert de La Castanya) en Madrid, a Rick en la parte delantera... Háblanos de la historia detrás de la amistad entre Obits y La Castanya y por qué es España tan especial para la banda .

Creo que conocimos a Albert y Joan de La Castanya a través de Alexis, nuestro batería. ¿Tal vez fue porque montaron un concierto para Paramount Styles en Barcelona? No puedo recordar, pero ellos son ya viejos amigos.

La Castanya nos ha llevado el booking de varias giras, han sacado un 7 “ y hemos dormido en las camas de cada uno. Son familia. Ellos han convertido a España en un lugar al que venir todos los años, lo cual es increíble. Estas son de las razones por las que tocamos en una banda. Para conocer gente y compartir experiencias.

Para terminar la charla, ¿quieres decir algo a todos los novatos que van a ver Obits por primera vez? ¿Qué deben esperar?

Ir sin expectativas es lo mejor. Sólo tienes que ir, tomar una copa, dejarte llevar, pasar un buen rato y venir a saludarnos después. No hay ninguna “cosa” acerca de nuestra banda. Nadie lleva trajes, nadie se desnuda, no hay espectáculo de luces o carteles.

Rompemos cuerdas, hacemos pausas para afinar y bebemos cerveza. Se trata de cuatro tíos tocando rock and roll. Si estás pasándolo bien, nosotros también lo estamos pasando bien.

Pues muchas gracias por tu tiempo.

Nos vemos el martes en Madrid, espero que lo pasemos bien público y banda.

Estamos con ganas de ello. Me encanta Madrid. Mi esposa y yo hemos estado allí un par de veces y dos amigos muy cercanos viven allí con su hija pequeña, por lo que siempre es bueno verlos. Y los que han venido a los shows de Obits hasta el momento han sido gente asombrosa, inteligente, divertida y un poco borracha. ¿Qué más podría desear una banda?

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Mรกs entrevistas JAMIE FOR PRESIDENT

LOST TAPES

JOAN COLOMO

TRONO DE SANGRE

ERIC FUENTES

TRAAMS

ENCONO

DOWSING

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La pasada temporada inauguramos una serie de artículos con los que repasar esos lanzamientos autogestionados que nos hacíais llegar. Incluso propusimos el uso de un formulario para mejorar este flujo de información. Lamentablemente durante 2014 no hemos encontrado tiempo o fuerzas para continuar con dichos artículos en la web. Por eso es justo ceder este espacio a repasar algunos de los más interesantes.

LE TEMPS DU LOUP - Jauría Trepidante rock instrumental bañado en abundante psicodelia el que practica este trío madrileño. Riffs abrasivos en lucha con pasajes más ensoñadores jalonan este disco de tan sólo 4 temas extensos que recuerda a bandas como Toundra o El Paramo.

CARVING COLOURS - No Way But Forwards Poderoso metal progresivo desde Sevilla con momentos para el impacto death y remansos de melodías grandilocuentes. Conceptuales y con punto emocional, es inevitable acordarse de bandas que abarcan diferentes universos como Opeth.

THE ANIMAL WITHIN - We All Breathe, We All Bleed Surgidos de la escena hardcore/alternativa donostiarra (Krilin, Yaw, Cohen, Adrenalized...) The Animal Within se mueven entre el hardcore melódico, el emo y el post-hardcore de ambientes tipo Thrice.

CAMILLE - Xuto Post-hardcore maño y con incursiones en el aragonés. Guitarras vertiginosas y aceleradas, voz gritona, aires de post-punk y la experimentación ruidosa del indie-rock. Especialmente curioso el folk psicodélico de Walfischgesang.

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TERRESTRE - Terrestre Trío de rock instrumental madrileño que practica un sonido con aires de post-rock, matemática básica y otros detalles del rock progresivo menos ombliguista, todo sin perder de vista la composición.

TARSIUS TARSIER - Ceremonia de Atadura de Manos Hardcore, crust y black mezclados a dentelladas con gente curtida en varias bandas del underground madrileño. Un debut de resgada y veloz oscuridad con momentos de afinidad a bandas desde Ekkaia a Converge pasando por His Hero is Gone.

BLUSA - ¡Toca breakbeat, perro!

Post-rock desde Sevilla con juego de ritmos e intensidades muy medidos, desde los momentos más cinematográficos y contemplativos hasta juegos con guitarras más encendidas y aires de rock psicodélico y jazz-rock.

EL ALTAR DEL HOLOCAUSTO - -H ECon la sombra de Othodox detrás, más por los elementos de estética religiosa que por afinidad estilística, este trío afincado en Salamanca practica un postrock que juega con el misterio litúrgico y resulta ser más luminoso de lo que en principio parecía.

CATORCE - Atlas Con su “no tenemos Vans, tattoos ni dilataciones” como declaración de intenciones enganchan estos sevillanos que practican rock y metal alternativo mezclando gritos y melodías sobre contundentes riffs.

ALBERTO AZUL - La Nueva Palabra Pop limpio en apariencia, pero salpicado de rarezas, pequeños arrebatos punks y letras surrealistas a lo Niño Gusano. Una propuesta valiente en la que también se adivina un poco de Neutral MIlk Hotel de alguna manera y que concretan con convicción en estos 8 cortes.

CELACANTO - Celacanto Metal alternativo renqueante y en nuestro idioma con aires de stoner, doom o sludge. Nacidos como secuela de los más melódicos Los Cuatrocientos Golpes, aquí abundan los riffs más diabólicos y los pasajes depresivos listos para el headbanging.

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EL AÑO EN QUE MURIÓ EL ROCK ALTERNATIVO

1994 fue el año que recordaremos como la despedida de Kurt Cobain.

La trágica muerte de la última estrella del rock humana impactó a lo largo y ancho del planeta dejando claro que el juego había terminado. Todavía colearía unos años, pues el proceso estaba en marcha, pero el romance de underground e industria que diera luz al grunge y el rock alternativo, quedaba profundamente maltrecho y las sucesivas programaciones de temas de Unplugged In New York en la radio no hacían más que hurgar en la herida.

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20 años ya de la muerte de Kurt Cobain, la estrella del rock que murió joven pero no dejó un cadaver nada bonito, tras volarse la cabeza. Es innegable que la tragedia aumentó el culto de Nirvana. Que quizá hubo más de uno que, entre el revuelo de la muerte y descubrir en el Unplugged una música mucho más pausada que la imagen que traslucía de un grupo ruidoso, polémico y rebelde, acabó reconociendo que aquel difunto tenía algo especial.

Pero también existe la postura del “no es para tanto”, “sólo estaban donde tenían que estar”, “hubo grupos mejores que se merecían más el éxito”, etc.

Afirmaciones que pueden ser más o menos ciertas, pero que se olvidan de gran parte de la importancia de Nirvana, porque la verdadera relevancia histórica de Kurt Cobain no residía en sus canciones, ni en su bagaje underground. Puede que si el trío no hubiera sido descubierto por Geffen, ahora tendríamos una extensa discografía de excepción.

O puede que no. Pero lo que está claro es que si no hubieran dado el salto al mainstream, un montón de grupos no hubieran salido a la palestra y quizá ni les conoceríamos.

Estamos hablando de Kurt Cobain saliendo en revistas de primera línea con camisetas de Sonic Youth, de Flipper o de Daniel Johnston, de Meat Puppets siendo invitados a su Unplugged, de versiones de Wipers o The Vaselines, de su pequeño tatuaje con el escudo de K Records... en estos días de festivales “curados” por artistas y llenos de bandas de culto, Kurt Cobain nos parece pionero de todo ello. No se hizo un fanzine, pero podríamos

decir que aprovechó cada momento mediático para dar a conocer a sus bandas favoritas.

Todo este afán de “music nerd” de Cobain tuvo su máximo reflejo en este papelote que visto a día de hoy, me parece una especie de santo grial del rock.

Un top 50 que parece escrito por un chaval de primaria (pero la inclusión de “Dry” de Pj Harvey delata que lo hizo al menos a partir de 1992) y que va desde clásicos como Aerosmith, Beatles o David Bowie, hasta el underground de su época como Butthole Surfers, Scratch Acid e incluso artistas que confieso no haber escuchado aún como Saccharine Trust, Kleenex o Marine Girls, y que, visto lo visto, mucho me sorprendería buscar sus discos y que no me gustaran. Es una lista con clásicos obvios del punk y del post-punk (más obvios ahora que por aquel entonces), pero también con grupos que hoy siguen siendo de culto, como los pioneros del emo (y pre-Fugazi) Rites of Spring, los descacharrantes The Frogs o unos Swans que han tenido que pasar 20 años para que sean un fenómeno global.

Y en en vez de la postura brutalmente honesta de exagerar diciendo que “robó” a Pixies las dinámicas de “Smells Like Teen Spirit”, hoy en día tenemos que aguantar a menudo a bandas que copian sistemáticamente a otros negando la mayor e incluso alegando desconocimiento. Así que yo prefiero aprovechar este día para pensar en eso, en que Nirvana me cambiaron la vida. A mí y a muchos, lo quieran o no. Y no fue sólo gracias a su música, sino a toda la música que trajeron consigo.

Aquí tienes una lista de Youtube, para que la disfrutes en honor del gran curator que la propuso.

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fue un año de transición marcado por la heterogeneidad. Una cima de popularidad para un rock alternativo que tendría sin embargo los días contados.

En cierto modo, 1994 puede considerarse el centro neurálgico de la música de los noventa; un resumen concentrado en doce meses del tipo de discos y canciones que los más talluditos del lugar escuchábamos sin parar desde nuestros walkmans y cuyos videoclips los más afortunados veíamos en una MTV que aún programaba música.

disco independiente más vendido de todos los tiempos. Pero al mismo nivel de calidad como mínimo estaba también una base conformada por nuevas obras de Nofx y Bad Religion, y de pioneros del punk-rock emocional como Jawbox, Sunny Day Real Estate y Jawbreaker, sin los que no puede entenderse el auge del género en aquellos años.

El grunge alcanzó su madurez con nuevas obras grandes de Soundgarden, Pearl Jam, Stone Temple Pilots y Alice in Chains; pero a la vez inició su rápida decadencia con la muerte de Kurt, símbolo de aquella generación, la diversificación o disolución de la mayoría de los grandes grupos y la asimilación, a menudo de manera pobre o hasta ridícula, de sus postulados por parte del mainstream para hacerlo llegar a más público. Sí, aún nos acordamos de todo el daño que hizo aquello llamado postgrunge...

Al otro lado del charco, los británicos vieron la oportunidad de hacerse con el trono de la generación alternativa tras el deceso del grunge. Obras fuertes de Blur, Suede, Pulp y el debut de Oasis hicieron volver las miradas desde Seattle a Manchester y Londres a base de copar las listas de medio mundo con singles de éxito rotundo que hoy en día hacen paliceder a cualquier nadería que se quiera aupar desde el NME. En cambio, el lado oscuro y sinuoso en las islas lo pusieron Portishead y Massive Attack asentando el trip-hop, los beats lisérgicos de Aphex Twin o los Manics embruteciendo su sonido con su último álbum antes de la desaparición de Richey Edwards.

En paralelo y también desde EEUU, el punk llegaba a un nuevo cénit de popularidad gracias a las nuevas obras de Green Day y, sobre todo, The Offspring, cuyo “Smash” sigue siendo el

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Y es que 1994 fue, ante todo, heterogeneidad. Grupos tan dispares como Nine Inch Nails, Kyuss, The Prodigy, Jeff Buckley o Weezer sacaron obras grandes, encajadas dentro de ese cajón de sastre, hoy tan defenestrado, que convino en llamarse rock alternativo. Ya que no olvidemos que de allí también surgieron bandas como Korn o Marilyn Manson, debutantes ese año, que con el cambio de milenio se ocuparon con tesón de patear el género abusando de sus peores clichés en pro de la mera comercialidad y la disolución del talento.

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Pero, como siempre, gran parte de lo más excitante sucedía a nivel independiente y underground, donde se cocían sonidos que marcarían las tendencias y los sonidos de los años posteriores y que dejarían profunda huella en el indie que aún hoy día se factura: Pavement, Built to Spill, Codeine, Guided By Voices, Low, Drive Like Jehu, Shellac, Disco Inferno, Bark Psychosis...

1994, sin lugar a dudas, una añada de las que se recuerdan y vital para la formación musical de todos los que desde la web intentamos haceros llegar lo mejor de lo que se cuece hoy en día.

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vio el nacimiento de ”Super 8”, pistoletazo comercial para el indie español, junto a los primeros pasos del rap, el crossover o una nueva generación de rock no tan urbano.

Hay un antes y un después de “Super 8” en la música de nuestro país. Si bien ya habían aparecido grandes discos de bandas pioneras del indie nacional en años previos, no fue hasta el debut de la banda de J y Florent en 1994 que todo lo que se había venido fraguando en el underground pareció cristalizar de algún modo con este álbum: publicado por una internacional, con una gran producción a cargo de Fino Oyonarte que no lo hacía palidecer frente al sonido de grupos foráneos y, sobre todo, contenedor de un puñado de canciones inmortales, ya himnos generacionales: “De viaje”, “Si está bien”, “Qué puedo hacer”, “Jesús”...

También desde Andalucía, en concreto de Sevilla, nos llegó otro debut que si bien no se puede decir que esté a la altura ni haya influido tanto como el de los granadinos, dio comienzo a una carrera de fondo, prolífica, plagada de

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aciertos y obras grandes como pocas se han visto antes o después en nuestro país. Hablo de Antonio Luque y su siempre mutable proyecto Sr. Chinarro, todavía de actualidad casi a disco por año.

Curiosamente, ambas bandas daban sus primeros pasos justo cuando dos de las pioneras llegaban a su fin. Cancer Moon con “Moor Room” y Surfin’ Bichos con “El amigo de las tormentas” tiraban la toalla tras vivir los últimos coletazos de la Movida y colocar los pilares básicos del indie en un país donde no había ni tradición ni infraestructuras. Unos locos visionarios, que sólo pudieron saborear cierto reconocimiento retroactivo con proyectos futuros o bienvenidos regresos. Y no sin algunas pérdidas por el camino: Josetxo Anitua de Cancer se suicidaría en 2008.

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Dentro del pequeño caleidoscopio de aquel año también destacaron Carlos Berlanga con “Indicios”, mejor disco de electropop nacional tras los ineludibles Family; la consolidación del Donosti Sound con nuevas obras de Le Mans y La Buena Vida; Los Enemigos entregando dos de sus discos más oscuros; Penélope Trip en el ecuador de su particular viaje en nave espacial; proyectos tan de culto como Silvania y 713avo Amor; más debuts como los de Automatics

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o Sexy Sadie; o, ya en otros ámbitos, hasta el primer disco “serio” del hip-hop en español de manos de CPV: “Madrid Zona Bruta”.

Destellos, en definitiva, de una escena que evolucionaba hacia la consolidación que llegaría a mediadosfinales de la década, pero que ya en ese 1994 iba por buen camino.

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1 9 9 4 Internacionales NAS Illmatic PORTISHEAD Dummy JEFF BUCKLEY Grace PAVEMENT Crooked Rain, Crooked Rain KYUSS Welcome to Sky Valley WEEZER Blue Album NIN The Downward Spiral THE NOTORIOUS BIG Ready to Die NICK CAVE AND THE BAD SEEDS Let Love In GUIDED BY VOICES Bee Thousand SOUNDGARDEN Superunknown BURZUM Hvis lyset tar oss LOW I Could Live in Hope MANIC STREET PREACHERS The Holy Bible SUEDE Dog Man Star APHEX TWIN Selected Ambient Works Vol. II BARK PSYCHOSIS Hex JOHNNY CASH American Recordings BLUR Parklife OUTKAST Southernplayalisticadillacmuzik PULP His ‘n’ Hers DRIVE LIKE JEHU Yank Crime GLOBAL COMMUNICATION 76:14 BUILT TO SPILL There’s Nothing Wrong With Love BEASTIE BOYS Ill Communication SHELLAC At Action Park MORRISSEY Vauxhall and I UNDERWORLD Dubnobasswithmyheadman OASIS Definitely Maybe WEEN Chocolate and Cheese SEBADOH Bakesale MARK LANEGAN Whiskey for the Holy Ghost MASSIVE ATTACK Protection UNWOUND New Plastic Ideas SOUL COUGHING Ruby Vroom TORI AMOS Under the Pink SUNNY DAY REAL ESTATE Diary THE PRODIGY Music for the Jilted Generation DISCO INFERNO D.I. Go Pop PEARL JAM Vitalogy GRANT LEE BUFFALO Mighty Joe Moon THERAPY? Troublegum AUTECHRE Amber ELLIOTT SMITH Roman Candle THE FUTURE SOUND OF LONDON Lifeforms STEREOLAB Mars Audiac Quintet PALACE BROTHERS Palace Brothers KILLING JOKE Pandemonium

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HOLE Live Through This THE MAGNETIC FIELDS The Charm of the Highway Strip THE MAGNETIC FIELDS Holiday STONE TEMPLE PILOTS Purple BECK Mellow Gold GREEN DAY Dookie MELVINS Stoner Witch MACHINE HEAD Burn My Eyes FRANK BLACK Teenager of the Year JAWBREAKER 24 Hour Revenge Therapy THE DIVINE COMEDY Promenade THE JON SPENCER BLUES EXPLOSION Orange CODEINE The White Birch CRANES Loved LIVE Thowing Copper THE OFFSPRING Smash JAWBOX For Your Own Special Sweetheart LUSH Split SONIC YOUTH Experimental Jet Set, Trash & No Star NIRVANA Unplugged in New York PANTERA Far Beyond Driven KORN Korn BAD RELIGION Stranger Than Fiction NOFX Punk in Drublic GODFLESH Selfless LUNA Bewitched BSO The Crow BSO Natural Born Killers MANO NEGRA Casa Babylon SLOAN Twice Removed FAILURE Magnified TORTOISE Tortoise LAMBCHOP I Hope You’re Sitting Down THE BLACK CROWES Amorica GIRLS AGAINST BOYS Cruise Yourself SUPERCHUNK Foolish SAINT ETIENNE Tiger Bay ORBITAL Snivilisation MARILYN MANSON Portrait of an American Family THE SMASHING PUMPKINS Pisces Iscariot DINOSAUR JR. Without a Sound ALICE IN CHAINS Jar of Flies R.E.M. Monster POLVO Celebrate the New Dark Age EP SLINT untitled EP RADIOHEAD My Iron Lung EP THE STONE ROSES Second Coming

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Nacionales LOS PLANETAS Super 8 CARLOS BERLANGA Indicios SURFIN’ BICHOS El amigo de las tormentas LE MANS Entresemana CANCER MOON Moor Room LOS ENEMIGOS Tras el último no va nadie LOS ENEMIGOS Sursum Corda SR. CHINARRO Sr. Chinarro 713AVO AMOR Horrores varios de la estupidez actual LA BUENA VIDA La Buena Vida EXTREMODURO Rock transgresivo PENÉLOPE TRIP Usted morirá en su nave espacial SILVANIA Pasaje III DOCTOR EXPLOSIÓN El loco mundo de los jóvenes DEF CON DOS Armas pal pueblo HAMLET Sanatorio de muñecos PIPERRAK Arde ribera PARKINSON D.C. Green Fields LOS HERMANOS DALTON Nada suena igual CPV Madrid Zona Bruta SEXY SADIE Draining Your Brain ELIMINATOR JR. Chándal KTULU Orden genético AUTOMATICS Cesárea AUSTRALIAN BLONDE Aftershave EL FANTÁSTICO HOMBRE BALA Tierra de cerdos AMPHETAMINE DISCHARGE Rotaflex

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En 2014 se cumplió una década desde que nos dejara Elliott Smith. Uno de los cantautores más especiales de su generación cuya sensibilidad le jugó malas pasadas en otra historia tan dramática como poco original en el mundo del rock. El morbo de un suicidio en extrañas circunstancias es evidente, pero toca recordarle por lo que importa: su música.

BASTARD JOHN (HEATMISER) La formación en donde comenzó Elliott Smith es una de las bandas de culto por excelencia de los 90´. Indie Rock, grunge, y pinceladas folk impregnaban el cancionero de una banda con los días contados debido a la necesidad de Elliott de expresarse en solitario. Con todo, nos dejó perlas como esta que bien podrían formar parte del cancionero de Dinosaur Jr o de Sebadoh.

NO NAME # 2 Sin haberse disuelto aún Heatmiser la novia de Elliott le convenció para que grabase esas canciones intimistas que no tenían cabida en la formación. Aún con el miedo al enfado de sus compañeros de grupo, Elliott accedió a publicar “Roman Candle”, una preciosidad lo-fi que puso la primera piedra en el camino del genial artista en solitario. “No Name#2” era una de las gemas de aquel pequeño gran disco.

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NEEDLE IN THE HAY La primera canción del álbum homónimo de Elliott Smith es aún hoy, 18 años después, una de sus canciones más reconocibles. Se notaba que en 1995 el artista de Oregón ya tenía la cabeza en otro lado diferente a Heatmiser, y su apuesta en solitario empezaba a tener un peso que superaba al de su primera banda. “Needle in the Hay” formaría parte años después de la película de Wes Anderson, The Royal Tenenbaums, inmortalizando secuencias de ese mundo freak con el que tanto tenía que ver.

BETWEEN THE BARS Basado en un libro del filósofo Kierkegaard, “Either/Or” es para muchos, entre los que me incluyo, el disco definitivo de Elliott Smith. Una obra de arte, un canto al estar triste y unas canciones que desvelaban el estado depresivo del artista. “Between The Bars” se erige como uno de los mejores ejemplos de ello.

ANGELES La voz susurrada de Smith en este tema pocas veces será superada en lo que a sensibilidad y autenticidad se refiere a lo largo de su carrera. Si alguien se pregunta hoy en día cómo cantaba Elliott Smith, en “Angeles” encontrará la respuesta.

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MISS MISERY Nunca se podrá saber si la elección de esta canción para ser candidata al Oscar por su aparición en El Indomable Will Hunting, fue un regalo o una catastrofe para el cantautor.

Cierto es que impulsó su carrera y ayudó a que su música llegará a muchísima más gente, pero el peso de la fama se antoja como una de las razones para terminar de cavar el pozo en el que poco a poco Elliott se estaba introduciendo.

Una canción fabulosa para una película enorme.

WALTZ#2 El salto a la multinacional DreamWorks para editar “XO”, no iba a suponer un cambio demasiado drástico en las canciones de Elliott Smith que, eso sí, iba a empezar a ver como entraba dinero en sus bolsillos. Los malos hábitos y una vida inconveniente para una persona con sus problemas, no impidieron que volviese ofrecer una colección de canciones brillante, entre las que “Waltz#2” se acabó convirtiendo en el mayor himno.

JUNK BOND TRADER “Figure 8”, fue el último disco que Elliott sacó en condiciones normales, y que contó con una presentación en vivo al uso. Estamos ante su álbum más cuidado, en el que se alejaba del lo-fi, y en donde la influencia de The Beatles se plasmaría más allá de la anécdota de ser parcialmente grabado en los estudios Abbey Road. “Junk Bond Trader” representa perfectamente el cancionero meticulosamente cuidado de “Figure 8”, y muestra sin discusión que detrás de esas melodías pop se escondía un mundo de turbiedad del que no se podía escapar simplemente con bellos arreglos.

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KING´S CROSSING De “From a Basement on the Hill”, disco póstumo, se pueden extraer muchas conclusiones. La principal es que a Smith le quedaba talento para años. Que su muerte fue prematura e innecesaria es evidente. Sin embargo, que la vida de Smith estaba en una espiral que solo podía llevar hacia el conocido dramático final, parece hoy igual de evidente.

Grabado a corazón abierto, quizás estemos ante su disco más sincero, y canciones como “King’s Crossing” son la mejor muestra.

HALF RIGHT Aún quedaría una sorpresa más para los fans de Elliott Smith, y es que en 2007 saltaba la sorpresa al publicarse un nuevo álbum con descartes y rarezas que brindó la oportunidad de escuchar otras 24 piezas del músico. La sensacional “Half Right”, versión acústica de su propia canción con Heatmiser, se me antoja un inmejorable final para cerrar el círculo que une al joven que con 10 años empezó a tocar la guitarra que su padre le regaló, con el genial artista que una década después nos sigue deslumbrando con sus canciones.

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Nicholas Rodney Drake fue un alma torturada víctima de su propia sensibilidad. Incapaz de plantarle cara a las rudezas del día a día, intentó sobrellevarlo mediante las drogas y la música.

Pronto comprobó que su caracter tampoco era el adecuado para actuar en directo, de modo que su obra no llegó a ningún sitio en vida. A pesar de todo, su música, aunque melancólica y nostálgica, también es bella y esperanzadora. Un mensaje que el público descubrió décadas después de su muerte. Con motivo de los 40 años de dicha fatalidad, rindámosle un pequeño homenaje rescatando alguno de los hitos de su inigualable cancionero.

NICK DRAKE RIVER MAN El inglés prácticamente debutaba con una de las composiciones que a la postre ha pasado a ser una de sus más reconocibles y quizá con la que más se le asocia. Un ambiente misterioso, un tono grave, ideal para representar a esta oscura figura del folk, en la que la delicada guitarra se lleva a la perfección con los ominosos arreglos de Harry Roberson. Quizá la canción ideal para descubrir al artista.

‘CELLO SONG Mi favorita de “Five Leaves Left” es esta preciosa canción cargada de deseo y evasión en su melodía y letra. Como bien indica el título, el celo forma una parte importante en ella, señalando con gracia los momentos más emotivos, aunque realmente el eje central vuelven a ser la guitarra, con sus obsesivos arpegios, y la suave voz que nos acaricia.

No nos olvidemos del bajo del Pentangle Danny Thompson y las acertadas congas de Rocky Dzidzornu.

SATURDAY SUN Nuevo cambio de registro, “Saturday Sun” está cargada de jazz y blues. El cierre de su primer disco nos invita a entrar en un pub imaginario en una tarde de Domingo lluviosa, donde esperar al anochecer acompañado de una pinta con la que apartar las penas pero también a esperar algo bueno de la semana que comienza. Y es que en la música de Drake, en el fondo, siempre permanece este hálito de que a veces nos irá bien.

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HAZEY JANE II Para su segundo disco, Drake repitió con Joe Boyd, que le sugirió un sonido más pop y más producido para intentar alcanzar el éxito. El artista en principio estuvo de acuerdo, pero a la postre se arrepentiría al preferir un sonido más desnudo. Por suerte para nosotros, “Bryter Lyter” queda como testigo de la imposición de su productor y temas como “Hazey Jane II” marcan el punto álgido de esta nueva orientación: una canción dinámica, con ritmo, ‘feliz’ y plagada de arreglos, con colaboración de lujo de Richard Thompson de Fairport Convention (muy presentes en sus primeros discos) a la guitarra.

ONE OF THESE THINGS FIRST El piano de Paul Harris manda en esta canción de toque aparentemente liviano y ensoñador. Nick se dedica en la letra a fantasear con que podría haber sido muchas cosas, tanto posibles como imposibles, pero que para él se encuentran igualmente fuera de sus límites emocionales. Ese ‘I could have been...’ que repite hasta la saciedad podría ser considerado el leif motiv de su breve vida.

NORTHERN SKY Hay canciones capaces de resumir la existencia y “Northern Sky” es una de ellas. Lo más parecido a un hit de su discografía es un canto a la eternidad en plácido in crescendo que contó con la inestimable colaboración de todo un John Cale al piano, la celesta y el órgano. Lamentablemente, Island Records volvió a desentenderse y no la lanzó como el single que podría haber llevado a su creador al estrellato. El álbum volvió a ser un fracaso y su autor cayó en su peor período del que ya apenas se recuperaría.

PINK MOON En venganza a la indiferencia con que lo trataba su sello, Drake entregó como tercer trabajo justo el disco que había estado queriendo grabar durante toda su corta carrera: apenas voz y guitarra sin añadiduras, sólo un piano además en este tema titular. Canción que, ya en el año 2000, un anuncio de coches se encargaría irónicamente de convertir en improbable éxito y terminar así de asentar una fama y respeto para su creador tan merecidos como injustamente negados hasta entonces.

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ROAD Devastado ya por las drogas y la depresión, Drake grabó su último trabajo acompañado sólo por el ingeniero, reconvertido en productor, John Wood en unas cuantas horas durante un par de noches de estudio. En esta casi completa soledad Drake alcanzaba su dolorosa esencia con temas cortos tan puros y sentidos como éste, que en conjunto no llegarían a la media hora. Más tarde, no volvería a soportar una sesión completa de grabación.

MAGIC Para suerte de los seguidores, algo de material inédito de enjundia comenzaría a surgir en las décadas posteriores a su desaparición. “Magic” es una mezcla alternativa del “I Was Made to Love Magic” rescatado junto a otro puñado de temas de la casi infructuosa sesión de grabación de un hipotético cuarto álbum que nunca llegó.

Sería lanzado como sencillo en 2004 y alcanzaría el número 34 en la lista de singles británica, primera y única vez para el artista ya largamente desaparecido por entonces. Más ironías del destino…

Como colofón, os dejamos con el documental “A Skin Too Few: The Days of Nick Drake”, que en un rato nos narra la existencia del protagonista de este texto por parte de los que mejor llegaron a conocerle. Un homenaje incompleto a todas luces dado lo esquivo del personaje, pero aún así entrañable e ilustrativo.

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Principalmente a todas las bandas. Unas nos gustarán más y otras menos, pero sin ellas nada de esto tendría sentido.

A los sellos, promotores y gente de prensa que nos facilitan la labor, cuentan con nosotros, cumplen bien como intermediarios con las bandas, etc.

Seguro que alguno nos olvidamos.

Actúa Comunicación Aloud Music BCore Disc Caleiah La Castanya Giradiscos Gran Sol Green UFOs Heart of Gold Houston Party Kafe Antzokia Last Tour International Primavera Sound The Mad Note Co.

Meridiana La Mota Comunicación Mercury Wheels Miles Away Muskerra Ekoizpenak Nooirax SON Estrella Galicia Sonido Muchacho Spyro Music La Suite Unodos Wombat Booking ...

A los programadores, salas, bares, centros culturales, que mantienen la escena viva en cada una de nuestras ciudades.

A los compañeros de webzines y blogs musicales que dedican tiempo, esfuerzo y ganas a difundir la música, sobre todo a los que no se conforman con los grupos famosos de siempre y prestan atención a los de su entorno.

A la gente que asiste a conciertos, a los que difunden música en bares, foros, blogs, redes sociales... en definitiva, a los que ayudan a propagar este virus melómano que llevamos dentro.

A todo el que ha colaborado directa o indirectamente en que exista la web y este anuario. A los que nos ayudéis a difundirlo y a los que contribuís durante todo el año a que lo que hacemos llegue a más gente.

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somos Yuri Morillo Raúl Rey Ricardo Sánchez Amalio Varela

y nuestros muy apreciados colaboradores Miriam Arnedo Laura Quintana Srta. Red Daniel Bodelón Jon Urzelai Tú

Maquetación: Raúl Rey Fotografías crónicas (salvo especificado): Ricardo Sánchez 127

Excepto fotografĂ­as acreditadas