2013|MIXTAPE by Feiticeira Webzine

mixtape MIX TAPE

2013

2013 1

Farewell Transmission 2013. Nuevos artistas, artistas que se mantienen y artistas que vuelven. El ciclo se repite más o menos sin sorpresas aunque su transcurso sí que deje un rastro de pequeñas ilusiones. Que se abra la posibilidad de saldar cuentas con Black Sabbath o The Replacements en directo, por ejemplo. Por otro lado el ciclo que se repite, es el ciclo mismo de la vida. Para algunos se terminó en estos últimos meses y nos acordamos especialmente de Jason Molina, Germán Coppini o Lou Reed, pero afortunadamente su música les mantendrá en este mundo de la más inpiradora de las formas. Nosotros cumplimos con nuestro papel de buen grado y de nuevo recordamos 2013 en estas páginas, resumiendo, recortando, apenas ofreciendo destellos de nuestro trabajo durante este año tomándole el pulso y disfrutando de la música. En 2014 no sabemos si veremos brotes verdes o luz al final del tunel, pero seguiremos al pie del cañón, qué remedio y desde nuestras barricadas culturales, que para algo la cultura es pilar de toda civilización que se precie. Pero ahora, demos un paso atrás, aunque sólo sea para coger carrerilla.

MIX TAPE

2013

INDEX

2013 TIMELINE

BEST OF

DISCOS

CRÓNICAS

ENTREVISTAS

107

1993

144

LOU REED

147

GRACIAS

152

2 0 1 3 Vuelven The Pastels con primer disco en 16 años Suede anuncian “Bloodsport” para marzo, primer disco en 12 años Reuniones en vivo de Automatics y Shock Treatment Vuelven The Postal Service (Coachella y Primavera Sound) The Mars Volta y Emeralds lo dejan Black Flag se reúnen con Ron Reyes (Resurrection)

ENERO

My Bloody Valentine editan “m b v”, su primer disco en 22 años Reg Presley (The Troggs) † Maraworld entra en concurso de acreedores. Se teme por el FIB Kevin Ayers † Vuelve Chucho Vuelven The Replacements. Tommy Stinson y Paul Westerberg graban EP benéfico. Más tarde anuncian gira.

FEBRERO

Clive Burr (Iron Maiden) † Jason Molina (Songs:Ohia, Magnolia Electric Co.) † Jurassic 5 se reúnen (Sónar) My Chemical Romance lo dejan David Bowie edita “The Next Day”, su primer disco en 10 años

Marzo

Pixies anuncian dos fechas en Madrid. Su primer concierto en sala en el país desde 1991 Mazzy Star anuncian “Seasons of Your Day”, primer disco en 17 años, para septiembre Sic Alps lo dejan BCore libera su catálogo en verano Se cancela En Vivo en Madrid y Barcelona JJ Cale † El accidente ferroviario de Santiago hace cancelar o posponer varios festivales y conciertos por luto

JULIO

AGOSTO SEPTIEMBRE Jon Brookes (The Charlatans) † Allen Lanier (Blue Oÿster Cult) † Joey LaCaze (Eyehategod) † Clawfinger se separan

EP de Pixies con cuatro canciones, primera colección desde Trompe Le Monde Godflesh anuncian primer disco en 13 años para 2014 Nace BIME, feria de industria discográfica en Bilbao

MIX TAPE

2013

T I M E L I N E Gira de despedida de Viaje a 800 Chi Cheng (Deftones) † Daniel Blumberg deja Yuck Storm Thorgeson (portadista de Pink Floyd, Led Zeppelin, Muse, Mars Volta…) † Black Sabbath anuncian disco, el primero con Ozzy desde 1978

Abril

Jeff Hanneman (Slayer) † Se anuncia primer disco de Black Flag desde 1988 Ray Manzarek (The Doors) † Vuelven Neutral Milk Hotel y son anunciados para PS14 en pleno PS13 Trent Reznor anuncia nuevo disco de NIN

Mayo JUNIO

Sebadoh anuncian primer disco en 14 años The Replacements anuncian primeras fechas (Riot Fest EEUU/Canadá) Víctor deja Toundra Primer tema de Pixies en nueve años: “Bagboy”. / Kim Deal lo deja Vuelven Nueva Vulcano

Barricada lo dejan Delorean sufren un secuestro virtual durante dos días en México Phil Chevron (The Pogues) † 981 Heritage se cancela en Galicia The Who anuncian gira de despedida para 2015 Lou Reed †

OCTUBRE NOVIEMBRE

No More Lies anuncian “In the Shade of Expectation”, primer disco en 8 años, para Enero Antònia Font lo dejan Kim Shattuck es expulsada de los Pixies. Paz Lenchantin entra en su lugar El catálogo de Led Zeppelin es colgado en Spotify Primer disco de Swervedriver en 16 años Joey Jordison deja Slipknot Nirvana entra en el Rock n Roll Hall of Fame Germán Coppini (Golpes Bajos, Siniestro Total) † Biquette, la cabra grindcorer † Benjamin Curtis (School of Seven Bells) †

DICIEMBRE 5

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tar todo de lo que hablamos, pero tampoco buscamos a quien sólo escuche shoegaze, doom o rap.

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desenvuelvas con blogs, descargas, bandcamp, google docs, buscar imágenes... esas cosas).

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2013

Re señas

MIX TAPE

TOPS 2013 2013 ha sido una cosecha que no ha despertado grandes consensos en nuestra redacción. De matices dulces y con mucho cuerpo para unos, escasa y sin excesivo carácter para otros. Sin embargo todos hemos podido rescatar un buen puñado de referencias, con lo mejor de cada denominación de origen musical. Aunque ya nos pese casi a nosotros de pura repetición, los 90 y últimos 80 siguen ahí, marcando mucha de la música actual de forma más o menos expresa, mientras surgen nuevas mezclas de géneros y otras no tan novedosas alcanzan un público más amplio. Sorpresas como Mikal Cronin o Cuello, exitosos retornos como los de Boards of Canada o Yo La tengo, confirmaciones como Kurt Vile o Triángulo de Amor Bizarro... discos muy sonados de David Bowie, My Bloody Valentine o Arcade Fire... en 2013 ha habido motivos para la celebración y así se refleja en nuestros tops.

En feiticeira.org no hacemos estas listas porque nos creamos más listos que nadie. Sólo queremos compartir nuestros gustos contigo. Si crees que estos discos te pueden interesar, cómpralos, descárgalos, escribe un post sobre ellos, regálaselos a alguien, dedícales un tweet, pinta sus nombres en los muros de la mansión de un político... contribuye a su difusión.

navegar por los tops Click en el nº de pag. para moverse a la reseña Click en las portadas para ir a la reseña completa online 7

Raúl 1

TRIÁNGULO DE AMOR BIZARRO Victoria Mística

YO LA TENGO Fade pg. 26

BOARDS OF CANADA Tomorrow’s Harvest

CALIFORNIA X California X

CUELLO Mi Brazo que te Sobre

pg. 14

WIND ATLAS The Not Found

pg. 27

19 pg.

pg.

MERCHANDISE - Totale Nite 28

15 MORENAS - Trío

GROUPER - The Man Who Died in His Boat 23

18 EL PARDO - El Pardo

POLVO - Siberia 20

15 TENTUDÍA - S/T

THE MEN - New Moon 29

20 BUENA ESPERANZA - Pacifica

MIKAL CRONIN - MCII 13

29 PONY BRAVO - De Palmas y Cacería 23 ZA! - Wanananai

CHELSEA WOLFE - Pain is Beauty

20 SEÑORES - Manual Práctico de Autoestima

MUTOID MAN - Helium Head PISSED JEANS - Honeys

FASENUOVA - Salsa de Cuervo

CLUTCH - Earth Rocker

UNICORNIBOT - Mambotron

VERONICA FALLS - Waiting For Something to Happen 27

21 DISCO LAS PALMERAS! - Ultra 17 INSERTA - Mar de Fondo

SEBADOH - Defend Yourself CULT OF LUNA - Vertikal 20

23 SANTA RITA - High on the Seas

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RICARDO 1

GHOSTFACE KILLAH & ADRIAN YOUNGE Twelve Reasons to Die

TOMAHAWK Oddfellows

CALIFORNIA X California X

BULLITT So Many Ways

CUELLO Mi Brazo que te Sobre

CHALLENGER! Agh!

pg. 27

pg.

pg. 15 BETUNIZER - Gran Veta

DELTRON 3030 - Delta Ii

29 PONY BRAVO - De Palmas y Cacería

KANYE WEST - Yeezus

18 EL PARDO - El Pardo

DOWSING - I Don’t Even Care Anymore CLUTCH - Earth Rocker

COOKIN’ BANANAS - Cookin’ Bananas

DISCLOSURE - Settle

PERRO - Tiene Bacalao, Tiene Melodía 17 DELOREAN - Apar

CAVE - Threace MIKAL CRONIN - MCII 13

ANÍMIC - Hannibal

QUEENS OF THE STONE AGE - ...Like Clockwork 24

23 ZA! - Wanananai

BLACK SABBATH - 13

GINFERNO Y LOS SAXOS DEL AVERNO - Erta Ale

SUPERCHUNK - I Hate Music 17

TIGRES LEONES - Mucho Spírito

FIDLAR - Fidlar 29

DIECISIETE - Sube La Música

OBITS - Bed & Bugs

KIKO VENENO - Sensación Térmica

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YURI 1

KURT VILE Wakin on a Pretty Daze

MY BLOODY VALENTINE mbv

BOARDS OF CANADA Tomorrow’s Harvest

TRIÁNGULO DE AMOR BIZARRO Victoria Mística

pg. 26

PONY BRAVO De Palmas y Cacería

pg. 18

DISCO LAS PALMERAS! Ultra

pg. 14

pg.

ARCADE FIRE - Reflektor 26

17 DELOREAN - Apar

CUT COPY - Free Your Mind 28

ANÍMIC - Hannibal

VERONICA FALLS - Waiting for Something to Happen 27

OSO LEONE - Mokragora

YO LA TENGO - Fade 26

18 EL PARDO - El Pardo

PHOSPHORESCENT - Muchacho 21

15 BETUNIZER - Gran Veta 14 CUELLO - Mi Brazo que te Sobre

BATHS - Obsidian CHVRCHES - The Bones of What You Believe 15

FASENUOVA - Salsa de Cuervo

MAZZY STAR - Seasons of Your Day 20

23 COLECTIVO ORUGA - Paraíso Caníbal

SUEDE - Bloodsports 25

21 NIÑO Y PISTOLA - There’s A Man With a Gun Over There

DAVID BOWIE - The Next Day 24

KIKO VENENO - Sensación Térmica

FUCK BUTTONS - Slow Focus 24

19 WIND ATLAS - The Not Found

THE KNIFE - Shaking the Habitual 23

21 THE CRIME - Another Sunny Day

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AMALIO 1

MIKAL CRONIN MCII

QUEENS OF THE STONE AGE ...Like Clockwork

CUELLO Mi Brazo que te Sobre

pg. 13

BETUNIZER Gran Veta

pg. 24

CRASH OF RHINOS Knots

BULLITT So Many Ways

pg.

POLVO - Siberia 20

PERRO - Tiene Bacalao, Tiene Melodía

NICK CAVE - Push The Sky Away 18

EXTREMODURO - Para Todos Los Públicos

THE MEN - New Moon 29

ANÍMIC - Hannibal 29 WILD HONEY - Big Flash

SIGUR RÓS - Kveikur

27 MARX - Das Emotional

THE DISMEMBERMENT PLAN - Uncanney Valley THE NATIONAL - Trouble Will Find Me 21

UNICORNIBOT - Mambotrón 17 ZIMT - Tube Killers

MODERN LIFE IS WAR - Fever Hunting KURT VILE - Wakin On A Pretty Daze 26

ALLFITS - Nada, Corre, Vuela

PHOSPHORESCENT - Muchacho 21

18 EL PARDO - El Pardo

TOUCHÉ AMORÉ - Is Survived By 15

G.A.S DRUMMERS - We Got The Light

ARCTIC MONKEYS - AM

PREPARATIVOS PARA BODAS - He Dicho que me voy, y me voy

DAVID BOWIE - The Next Day 24

FANTA - Así No Vamos a Ninguna Parte

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TRIÁNGULO DE AMOR BIZARRO VICTORIA MÍSTICA

Triángulo de Amor Bizarro es, en cierto modo, la banda que siempre he esperado en el panorama nacional. Un grupo que, a partir de referentes que no pierden vigencia, ha creado un universo propio. Entre sus fans siempre ha habido una especie de división imaginaria entre los que gustan más de las melodías y los partidarios del caos, entre los que me encuentro. A priori los primeros han ganado con este tercer disco de apenas 30 minutos y en el que Isa tiene más protagonismo vocal que nunca. “Victoria Mística” es corto, pero requiere varias escuchas, sobre todo para romper esa odiosa separación entre los adelantos y los temas restantes. En efecto, ya habíamos escuchado la industriosa “Robo tu Tiempo”, salvaje con sus radiales, sus saxos enrarecidos y sus referencias a Esplendor Geométrico y más tarde la edulcorada pero envenenada en lírica “Estrellas Místicas”. Mucho antes nos llegó también la “versión Sonic Boom” de la brillante “Ellos se Burlaron de mi Magia”, que mezcla pulso kraut y desquicio vocal con un final de coros a lo Pixies. Y es que si algo separa a “Victoria Mística” de “Año Santo” es un concepto más disperso. Donde en su segundo disco había un sentimiento de noise y punk cohesionador, aquí cada canción escoge su camino y sólo podemos apreciar un mayor gusto por la psicodelia como denominador común. Esto se nota en algunas de las mayores delicias pop como “Enemigos del Espíritu” y “De la Mano de las Almas Oscuras”, en las que por fin encontramos esas influencias de shoegaze y post-punk ajustadas a una fórmula propia. Un synth-noise-pop de apariencia inofensiva y con mordiente al acecho. Y se nota también en la balada, “Un Rayo de Sol”, una historia de amor póstuma repuntada con una endiablada jam psicodélica. Pero incluso en el que muchos llaman el “disco pop” de Triángulo de Amor Bizarro encontramos alguna otra sorpresa más jodida, aparte del inicio a lo Einstürzende Neubauten vs. Suicide. A estos últimos encontramos de nuevo sobrevolando “Clara”, vaporosa no-wave que cierra el disco con aire paranoico. Antes habremos disfrutado de “Lo Hispano Marcha-La Banca Paga”, uno de los temas más rockeros, ritmos gruesos y pronunciados, orgía de riffs y ambiente sucio a lo Stooges, sin duda una futura imprescindible en sus directos. Autocrítico con lo que se trae entre manos, el cuarteto ha preferido la brevedad, dejarnos con las ganas y volver así a alzarse triunfal pese a la sombra de su fantástico “Año Santo”.

2013

Re señas

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MIKAL CRONIN MCII

Hay cosas en el mundo de la música absolutamente incontrolables. Cosas que creemos ver y sentir, y que pensamos tener más que analizadas y claras en lo que a nuestra opinión sobre ellas se refiere, pero que sin embargo, en cuestión de unos días, nos sorprenden a nosotros mismos de una forma que no sabríamos explicar. Hablo de ese momento en que parecemos estar segurísimos de que tal o cual grupo y estilo no nos salpicará, y sin embargo, así, de repente, aparece un artista y con ese algo que lo hace diferente, te lanza al tendido atrapándote como jamás pensabas que ocurriría. Mi última experiencia de este tipo me ha ocurrido con el garaje lo-fi tan en boga en la costa oeste norteamericana, y con un artista perteneciente a esa vertiente en concreto: Mikal Cronin. Cuando bandas como Thee Oh Sees, Ty Segall, o White Fence, habían desfilado ante mis ojos y oídos sin provocarme poco más que respeto, aparece ante mí el tal Mikal y me convence de golpe de que realmente de esta escena, esta etiqueta, este género, este estilo, este rollo, también puede salir un disco creado con escuadra y cartabón justo a mi medida. Es el momento en el que sabes que tienes ante ti uno de los discos del año. En “MCII” se aprecian detalles en común con esas bandas de garage lo-fi de costa oeste norteamericana, pero Cronin tiene al pop de su lado. Pop psicodélico, fuzz, punk-rock, garage, y los Beach Boys, se dan la mano en un disco que esconde tras esa inocencia tan deliciosa, una obra madura. Es precisamente en esa indecisión de influencias en donde reside la gracia de “MCII”, y es que aquí hay tanto homenaje a Dinosaur Jr, o a Guided By Voices, como la hay a los Beatles o los Byrds. Y eso por no nombrar a los Neutral Milk Hotel de Jeff Mangum, que revolotean en lo que a producción y esencia vital significa, la segunda obra de Cronin. La adictiva y perfecta emoción desprendida en “Weight”; la luminosa y pegajosa “Shout it Out” con esos irresistibles coros; “Am I Wrong”, que casi podría firmarla un Rivers Cuomo juvenil; o “See It My Way”, que con más rabia y distorsión podría ser un tema de escuela Nirvanera; forman un arranque espectacular. Y es justo entonces cuando Cronin baja el pistón y las reminiscencias folk-rock de T-Rex, Zombies, o Nilsson hacen su aparición y dan forma a temas como la preciosa “Peace of Mind”. Melancolía de la que te hace sonreír. Un disco basado en canciones que nos traerá a la cabeza a muchos de los mejores compositores pop de la historia.

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CUELLO Mi Brazo Que Te Sobre José Guerrero (Betunizer, Jupiter Lion) está ‘on fire’ y se embarca en Cuello, una nueva aventura en la que explota abiertamente las melodías al más puro estilo noventero. O sea, entre toneladas de distorsión guitarrera. Así es “Mi Brazo que te Sobre”, once cortes dulces llenos de jolgorio eléctrico y poesía ininteligible que nos regalará un buen puñado de absurdeces que cantar con el puño al aire y nosotros tan contentos. La mezcla resulta bastante personal pero si nos da por pensar influencias recurriremos tanto a Pixies o Dinosaur Jr. como a Superchunk.

Desde la épica rítmica de “Estudiándote” a los derroches de alegría instantánea de “Trazo Fino”, “Mosquetero Débil Cisne” y “La Ecografía de tu morbo” o los tempos más lentos y los ambientes de “Tu Bilis Confiesa”, “Visado de Reina” o la feriante “La Terraza del Amor”, el cuarteto conforma un sólido y agraciado debut. Una zambullida de lleno en las melodías para una formación con más galones en el punk. Un torrente a partes iguales de buen rollo y cierta nostalgia post-adolescente, elixir sonoro de la felicidad ruidosa y psicodélica.

BOARDS OF CANADA Tomorrow’s Harvest

PIXIES Ep-1

La pareja se ha tomado su tiempo y regresa superando la quincena de trayectoria en la electrónica ambiental con un sonido rabiosa pero humildemente propio, algo que sin embargo sonaba tan retro ya en los 90 como futurista en 2013. La mejor definición de la atemporalidad. “Tomorrow’s Harvest” son 17 cortes de mágica IDM a la que le sobra la D, de banda sonora a un complejo filme de ciencia ficción que nunca se rodará. Una hora de sonidos tan estimulantes y coloristas como evocadores de un paisaje solitario y dramático. Cuánto se puede conseguir con la repetición de un loop adecuadamente ornamentado o de una evolución de sintetizadores en su justo punto, es la mejor lección que los escoceses continúan ofreciendo al mundo de la electrónica. Y así, conseguir ambientes especiales, sugerentes y emocionantes en base a mantenerse fieles a una visión. “Tomorrow’s Harvest” es 2001, es Blade Runner, son sintetizadores analógicos, es Polaroids y VHS quemados, es carrera espacial, es nostalgia y sin embargo es avance. Es en definitiva, una parte del pasado que siempre será futuro.

Con una refrescante táctica (inexistente) de promoción previa han vuelto los de Boston por sorpresa y en formato EP, aunque sin Kim Deal. El cuarteto, con Kim Shattuck (The Muffs) a bordo, ha sabido utilizar su relevancia para hacer lo que les ha venido en gana y ya sólo por eso cabe felicitarles. La rara y a la vez hermosa “Indie Cindy”, la continuista y rockera “What Goes Boom”, la chocante y delicada “Andro Queen” y la brillantez surfera de “Another Toe in the Ocean” conforman un primer capítulo de este retorno que promete más en el futuro y que resulta injusto comparar con un espléndido pasado. Podemos decir que no está a la altura deseada o que suena más a Frank Black en solitario, pero, pensemos en la efímera carrera que los Pixies llevaron en su día, en la evolución en sus discos y en la riqueza interna de cada uno de estos. ¿Acaso tenían un sonido tan definido como para acusarles de desviarse de él? Pixies es la banda rarita que acabó haciéndose con los corazones de casi todo melómano y sólo bajo ese prisma cabe juzgar sus nuevas composiciones.

2013

Re señas

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TOUCHÉ AMORÉ Is Survived By

El disco más ambicioso de su carrera, “Is Survived By”, extrema el contenido posthardcore, ampliando matices, pero guardando la esencia y la sinceridad de su propuesta. La consolidación como unos de los líderes de la escena hardcore actual.

PEARL JAM Lightning Bolt

Cargado de buenas intenciones, “Lightning Bolt” es más entrañable que bueno, el enésimo trabajo de una banda que ha asumido que tiene casi todo dicho. Les falta un poco de encerrarse en el local y compartir ideas y les sobra un poco de grabar disco porque toca.

MORENAS Trío

Morenas son punk y también son pop, al estilo de los 80 americanos, como unos Wipers entregados al canto coral y con la urgencia juguetona de los Feelies. Certero ruido de aires retro, a la vez cortante y jovial.

TENTUDÍA Tentudía

Pasión por la música al margen de géneros y apuesta por la exploración para navegar por las aguas del post-rock, el slowcore y el ruido en un viaje lleno de amargura y rabia, pero también con algunas luces.

CHVRCHES The Bones of What You Believe

Chvrches consiguen darle una pátina de brillo a un género tan manido como el synthpop a base de aglutinar los sonidos de vanguardia sin afectar a una manera clásica de componer canciones.

BETUNIZER Gran Veta

El nuevo puñetazo de Betunizer es más sutil, más sugerente, más refinado, pero no por ello menos contundente. Sobrepasan los límites de sus influencias y paren canciones que los sitúan como una banda única del todo.

YUCK Glow & Behold

Yuck bajan las revoluciones y el ruido y se lanzan a un power-pop entre lánguido y épico, ornamentado con trompeta. Pierden mucho impacto, pero quizá cogen sitio en una parrilla más atemporal.

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2014

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2013

Re señas

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SUPERCHUNK I Hate Music

Tan entrañable como cualquier otro capítulo de Superchunk, pero con pocos momentos a la altura de una trayectoria plagada de hits subterráneos. Nos conformamos, pero con el pequeño regusto amargo de saber que son capaces de más.

INSERTA Mar de Fondo

En “Mar de Fondo”, Inserta acentúan la melodía y un poso más rockero sin abandonar el post-hardcore crispado y urgente. 30 minutos de rock convulso, sucio pero con brillos de pop y palpitantes bríos.

TRUE WIDOW Circunambulation

Pese a perder puntos de emoción frente a su anterior largo, True Widow consiguen crear su propio universo sin fisuras, de riffs crepitantes, renqueantes como un motor viejo y obsesivos y sobrecogedores como el tañido de una campana tocando a funeral.

SPEEDY ORTIZ Major Arcana

Mezcla de aspereza e ironía existencial con el brillo pop envuelto en franela. El cuarteto es apto para aspirar a ocupar el espacio de ese rock alternativo que parecía perdido con la polarización de lo mainstream y lo underground, aunque le faltan canciones.

OKKERVIL RIVER The Silver Gymnasium

Will Sheff revisita su niñez en una obra inferior a la media habitual de la banda. Podremos sacar unas cuantas piezas que no desentonarán en su repertorio, pero el disco en general queda lastrado por los teclados y una producción excesivamente 80´s.

DELOREAN Apar

Encumbrados internacionalmente, Delorean regresan con una cadencia menos eufórica y más sutil. Los ritmos sintéticos explosivos y el continuo éxtasis dan paso a una cierta relajación y una concepción más pop y más ‘de banda’.

ZIMT Tube Killers

Un primer disco lleno de nostalgia, pero sin ninguna melancolía. Zimt recuperan de forma honesta lo mejor de ese post hardcore de ritmos retorcidos y poderosas melodías. Todo con un concepto lleno de asesinos, mentes insanas y humor negro.

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MY BLOODY VALENTINE mbv La losa de “Loveless” pesa sobremanera, pero ha pasado demasiado tiempo como para no exigirle a su creador. Menos mal que estamos ante un disco excelente, aunque también continuista. Repetir la hazaña sería improbable, por lo que el irlandés ha optado por retomar su carrera en el mismo punto que la dejó. El comienzo con “She Found Now” nos lleva a algún momento impreciso de principios de los noventa. Ahí está el ruido blanco, las voces apagadas, la melodía subyacente aunque más en primer plano... todo suena familiar y bien en este medio tiempo. “Only

Tomorrow” es uno de los temas pop del disco, con la voz muy presente de Bilinda Butcher. Nos vamos dando cuenta de que todo suena más relajado que hace dos décadas. Es “Is This and Yes” la mayor revolución de “m b v”. La depuración melódica llega al culmen del minimalismo y nos encontramos ante un tema puramente ambiental guiado por atmósferas creadas sintéticamente, una línea que continúa con “New You”. Los aportes electrónicos se notan más y las programaciones se hacen su hueco en “Wonder 2” y así termina un disco que sale triunfador con las escuchas.

NICK CAVE Push the Sky Away

EL PARDO El Pardo

Nick Cave regresa a la senda del medio tiempo en tensión y la calma engañosa. En este primer álbum sin Mick Harvey y primero tras la vuelta de Barry Adamson desaparece la distorsión en gran parte, dando espacio a los coros, los violines tortuosos, los teclados y el blues, siempre bajo el acercamiento oscuro del artista. “We No Who U R”, que abre el lote, es una perfecta síntesis del contenido. A pesar de su cadencia preciosista y hasta lírica, ciertas sombras impiden que caigamos en el confort. Pero son temas como “Water’s Edge” o “We Real Cool” los que más se aproximan a la lejana primera etapa de la banda. Aún así, se sienten a gusto en el canon del medio tiempo, pero siempre con libertad para salirse por los márgenes, como es el caso de la preciosa “Jubilee Street”. La ración de rock y blues más clásico queda representada por “Higgs Boson Blues”, mientras que la balada mortuoria, con Nick al órgano acompañado de fantasmales voces femeninas, la encontramos en el tema final. “Push the Sky Away” es una vuelta atrás para continuar por un camino abandonado que sigue dando alegrías.

Estamos ante una esperada revitalización de la canción política con influencias donde cabe el abstracto post-punk de The Fall, el hardcore rockero y combativo de Black Flag y el no tan anacrónico punk de Eskorbuto o La Polla Records. Al fin y al cabo, la depresión de décadas pasadas entronca tanto con la actual como deja ver “¡Son los 90!”. Son estos temas, los de mayor minutaje, con una suerte de spoken word sobre hipnóticos escenarios, los que más calan. “La Charla Final”, uno de los momentos musicales más emocionantes del año, nos ofrece una lección de historia contemporánea narrada de forma intensa, transmitiendo con paranoia lo mucho que estamos perdiendo día a día. Hay momentos más ligeros y punk-rock, pero importantes para el equilibrio de lo que acaba siendo una soberana bofetada en forma de disco lleno de letras sangrantes, a veces derrotistas pero casi siempre lúcidas. Un debut capaz de atraer la atención de la Audiencia Nacional, la música que quiso ser clase media tomando conciencia de su posición real.

2013

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SURFER BLOOD Pythons

Sin variar mucho la propuesta, “Pythons” es un disco que tan pronto como deja de sonar se te borra del cerebro, pero que sin embargo acabarás quemando casi sin querer a base de repetidas y casi involuntarias escuchas.

WIND ATLAS The Not Found

Delicados, dramáticos, hipnóticos y sobre todo valedores de una contención y clase sobresalientes, Wind Atlas se muestran gigantes trascendiendo géneros con la templanza de veteranos. Todo un hallazgo.

PRIMAL SCREAM More Light

Su mejor disco desde “Evil Heat” retoma ciertos experimentalismos que les ponen de nuevo en lo alto de su particular montaña rusa. “More Light” no enseña cartas nuevas, pero logra ensamblar sus facetas recuperando algo del brillo de sus mejores trabajos.

NINE INCH NAILS Hesitation Marks

Es fácil hacer leña del árbol caído de NIN en 2013. “Hesitation Marks” hasta podría ser un aceptable equilibrio entre mainstream y vanguardia. Pero lo mejor es tratar de disfrutarlo como lo que es, material de EP con mucho relleno.

MARK KOZELEK & JIMMY LAVALLE Perils From The Sea

Mark Kozelek se embarca en una colaboración con el cerebro de The Album Leaf, sumergiendo su intimismo en electrónica ambiental. Un experimento agradable para cualquier fan del cantautor o interesado por las ramificaciones más sadcore de la “indietronica”.

NO AGE An Object

El dúo lucha por reinventarse manteniéndose en el filo entre el punk y lo experimental. Estructuras simples, acometidas de forma compleja, ese parece ser el nuevo juego de la pareja de Los Angeles y por lo menos esta vez, les ha funcionado.

MILK MUSIC Cruise Your Illusion

Desde el protogrunge caminan hacia el hard-rock en un disco distinto al que esperábamos, pero que les lleva desde la relativa seguridad de la nueva franela a una posición de libertad creativa. Requiere más paciencia, pero da sus frutos.

CULT OF LUNA Vertikal

La numerosa formación de Umea regresa con un disco inspirado en “Metropolis”, repleto de crudeza y pasajes malsanos que sugieren auténtico terror, deshumanización y distopía. Un álbum gélido que carga hacia la electrónica con notable resultado global.

SEÑORES Curso Práctico de Autoestima

Más limpios y melódicos esta vez, desde su base en torno al indie y el punk-rock, han creado un disco expandiéndose a territorios poblados por sus diversas referencias, reflejando un propio microcosmos arreglado con esmero tirando de amistades.

MAZZY STAR Seasons of your Day

No necesita de reclamos para llamar nuestra atención, se va colando poco a poco en nuestra mente, al ritmo perezoso de una tarde de otoño, para justo cuando llega el crepúsculo, nos demos cuenta de que estamos de nuevo meciéndonos en su regazo.

LOVE DIVISION Anthems for the Lost Generation

Una colección de canciones dedicadas al idealismo casi por completo perdido, quizá un réquiem por la humanidad. Rock directo con letras a la altura, políticas, humanistas, que si bien no denota gran originalidad, sí que derrocha sudor y honestidad.

POLVO Siberia

Una vez más, Polvo hacen válido el cliché de “banda que juega en su propia liga”. Otro tratado de cálida complejidad a cargo de una formación de culto que tras su reunión sigue forjando un legado indescifrable.

BUENA ESPERANZA Pacifica

Reencuentro honesto con el pasado, más que revival estilístico. Un disco de estructuras ágiles y dinámicas más complejas, más arriesgado que lo que el estilo emo/post-hardcore pudiera sugerir y cuya escucha quizá se hiciera más amena reduciendo la duración.

ICARUS CRASH Erizos

Los malagueños llegan a su tercer disco de estudio con la lección del rock alternativo aprendida, agitando en su coctelera ecos del grunge, funk-rock, hard-rock y synth-pop y subiendo varios peldaños en cuanto a sonido y arreglos.

2013

Re señas

MIX TAPE

THE NATIONAL Trouble Will Find Me

La fórmula de la banda muestra algún síntoma de fatiga, pero mantiene el equilibrio. Si consiguen seguir así, continuarán demostrando que, en el indie-rock épico y melancólico, son la mejor banda de su tiempo.

NIÑO Y PISTOLA There’s a Man with a Gun Over There

Un disco de folk-rock sin trampa ni cartón que abraza sus influencias y nos transporta a la América de los 70 para crear canciones desde la pasión y la convicción con un trasfondo cinematográfico.

DAYLIGHT Jar

En la senda evolutiva del hardcore/emo hacia los 90 marcada por Title Fight, Daylight son algo excesivos en sus aspiraciones postgrunge. Obviando ese lastre, estamos ante un meritorio debut con ecos también de Seaweed y Failure.

THE CRIME Last Sunny Day

Una media hora escasa de buena música que en esencia pasa de géneros. Pop y rock facturados con elegancia y buen hacer por un conjunto que, si continúa por esta senda, debería encontrar su rinconcito dentro el panorama nacional.

MUY FELLINI Fragmentos de una Explosión

Los pamploneses firman su obra más lúdica, la más variada en sonidos y rica en arreglos a la vez que consolidan su personalidad propia y rinden tributo a influencias varias. Y comienzan a acumular una colección de canciones de gran calado.

PHOSPHORESCENT Muchacho

Un trabajo de redención y consolidación, con intención vitalista pero que no puede evitar caer en la melancolía. Matthew Houck ha conseguido superar su temporal sequía compositiva y, de paso, regalarnos uno de los discos del año.

DISCO LAS PALMERAS! Ultra

Otra palpitante mezcla en la que amplifican los límites del ruido hasta el punto justo en que se funde y confunde con las melodías. La sensación es levemente inferior a la de su debut, pero eso no les quita de seguir contando con toda nuestra atención.

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2013

Re señas

MIX TAPE

ZA! Wanananai

Morro, cachondeo y genialidad, todo junto hace de Za! lo que son. Esta pareja ha venido a pasárselo en grande. ¿Dónde está el límite? Mientras sigamos pensando esto al escuchar un disco suyo, señal de que lo están haciendo bien.

SANTA RITA High On The Seas

Un compendio de influencias aglutinadas bajo el manto del rock alternativo que se materializa en canciones con fuerza guitarrera, cuerpo rítmico y gancho melódico. No son adalides de ninguna modernidad y espero que a mucha honra.

DEPECHE MODE Delta Machine

Flojeando en medios tiempos y baladas, quizá un cómputo total de nueve o diez canciones habría sido más acertado, pero el balance les ha quedado más hacia lo positivo que en otras ocasiones. Aún hay razones para seguirles.

GROUPER The Man Who Died In His Boat

Grouper propone un remanso turbulento, donde seguramente hay más oscuros que claros, más emociones revueltas que placidez, más pesadillas en sepia que sueños teñidos de color. Un reto muy recomendado.

THE KNIFE Shaking the Habitual

Vencido el desconcierto inicial, nos encontramos con un disco único, que produce fascinación como resultado tanto de sus logros como de sus fallos. Los Dreijer no han sido lo suficientemente comedidos pero han conseguido su colofón conceptual.

COLECTIVO ORUGA Paraíso Canibal

El trío gallego/asturiano incita al baile con el uso inteligente de las máquinas, con vistas tanto en los clásicos de los ochenta como en el panorama más actual, oscilando entre momentos puramente hedonistas y una frialdad más propia del post-punk.

JARDÍN DE LA CROIX 187 Steps to Cross the Universe

Un tercer disco más concreto y espaciado. Quizá la única pega es la excesiva fidelidad a su propio sonido. Pero nacieron ya con ideas tan claras y una personalidad tan marcada que están en su derecho de evolucionar sin grandes aspavientos.

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FUCK BUTTONS Slow Focus El ente bicéfalo regresa sin conseguir superar sus revoluciones pasadas e incluso nos pueden sonar ya ‘familiares’, pero consiguen colocarse entre lo mejor de la cosecha electrónica del año. Este nuevo trabajo posee rasgos propios coherentes con la evolución del grupo. Principalmente su inclinación hacia el rock, que esta vez va un poco más allá con percusiones marciales, distorsiones orgánicas y unas estructuras algo más reconocibles que nos asaltan en “Brainfreeze”, primer tema de la colección, y sobre todo en el primer sencillo, “The Red Wing”.

Quizá sólo “Sentinels” o “Hidden XS” se sitúen en aquellos parámetros pasados en los que, partiendo del trance o el techno, nos lanzaban hacia el espacio exterior. Pero lo cierto es que “Slow Focus” es un disco más pedestre, más mundanal incluso. Como si en lugar del despegue de una nave espacial, quisiese mostrarnos el devaneo de un astronauta por la superficie rocosa de algún planeta que parece narrar “Stalker”. Ya no sorprenden tanto, pero siguen teniendo intacto su sentido para crear pasajes sónicos que inducen a la evocación.

DAVID BOWIE The Next Day

QUEENS OF THE STONE AGE ...Like Clockwork

Muchos dábamos por sentado que nunca volveríamos a ver una nueva colección de canciones de David Bowie. La portada, una reinterpretación de la de “Heroes” medio cubierta por un cuadrado blanco, y el videoclip de “Where Are We Now?”, homenaje a su etapa berlinesa, nos hicieron creer que la obra sería, al menos en parte, un recuerdo a aquella fructífera era. Pero lo cierto es que “The Next Day” no se aleja demasiado de sus otros discos del siglo XXI, “Heathen” y “Reality”. Consciente de que ya no tenía que demostrar nada, el inglés se ha contentado con crear una colección de buenas canciones que suenan atemporales. Dos buenos ejemplos serían los sencillos aparecidos hasta ahora: el mencionado anteriormente, una nostálgica balada, o el más enérgico “The Stars (Are Out Tonight)”. “The Next Day” es un disco humilde y sincero. Bowie se deshace de cualquier aire conceptual y aunque no contenga nada realmente sobresaliente, tampoco tiene mucho que desdeñar. Esto lo convierte, probablemente en su mejor disco desde “Outside”. Y en un entrañable epílogo a su carrera, si así lo decide.

En el sexto disco de la banda californiana, el ego del frontman crece más si cabe, imponiéndose sobre todo el elenco de invitados que apenas tienen impacto en el resultado final. Cobra un peso mayor su personal forma de cantar, más cercana al falsete que nunca, en un disco en que el guitarrista se ha dejado llevar por el momento personal tan extraño que han vivido en los últimos años tanto él como la banda. Homme pare así su obra más profunda y turbia, más introspectiva, adentrándose en la noche. Precisamente la soledad que rodea dicha historia sirve como eje a partir del cual construye este ejercicio de vulnerabilidad propia. La primera mitad del disco cuenta con momentos radiables como “I Sat by the Ocean” o “My God Is the Sun”, la balada espectral “The Vampyre of Time and Memory” o “If I Had a Tail” con ilustres coros fantasmagóricos. En la segunda, el glam rock, la teatralidad y lo enfermizo tendrán un peso mayor, culminando un viaje por los bajos fondos de la ciudad que tan alejados están de aquellas psicotrópicas veladas de hace años en el desierto.

2013

Re señas

MIX TAPE

VILLAGERS Awayland

Un disco lleno de contenido y pretenciosidad bien entendida, y que sitúa a Villagers en un plano superior al que se encontraban tras su resultón pero ingenuo debut. El álbum de confirmación de una banda a la que habrá que empezar a seguir más en serio.

SUEDE Bloodsports

El quinteto consigue crear lo que pocos esperaban: un sexto disco consistente y disfrutable, con un buen puñado de sencillos potenciales. Algo de lo que parecen incapaces muchas bandas nuevas que pueblan el NME y encabezan festivales.

WAVVES Afraid of Heights

Pese a su cierta cuota de himnos, Nathan nos muestra una cara más plana y aburrida de su música, en la que cada vez hay menos locuras y menos de esos encantadores ejercicios lo-fi que siempre adornaron su propuesta.

MURDER BY DEATH Bitter Drink, Bitter Moon

No es un disco perfecto, pero siguen teniendo esa capacidad de emocionar con sus mágicas letras o su instrumentación tan variada como austera. Una propuesta totalmente honesta que encandila de principio a fin y deja con ganas de más.

COHEN Cancer Days

El trío ha normalizado un poco sus estructuras, se ha desmarcado del reiterativo uso de la pauta “grito-melódico”, pero a la vez ha hecho el sonido más sucio y denso, ganando en robustez punk-rock y en la solidez de las canciones.

FRANTZESKA BasauriOn!

Una propuesta radicalmente DIY, combativa a la par que artística y sónicamente muy abierta, partiendo del punk y extendiéndose hacia el hardcore melódico, el post-hardcore, el ska, el jazz o el swing.

MIKEL URAKEN Folk Songs for Tormented Souls

El ex-guitarrista de Loan se pasa al folk americanista y oscuro. Pese a que falta depurarlo un poco, atrevido y decidido primer paso en esta madurez acústica de un músico que proviene de algo totalmente diferente.

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ARCADE FIRE Reflektor Arcade Fire rehúyen los caminos marcados para unir fuerzas con James Murphy en un disco con guiños al baile y la experimentación de Talking Heads, una tónica precedida por el single “Reflektor”. Las piezas más sorprendentes del conjunto siguen esta tónica (“Flashbulb Eyes”, “Here Comes the Night Time”, “Porno”), pero siguen siendo una banda de guitarras y estribillos. Lo certificamos con “We Exist”, clásica y efectiva; la excelente “Normal Person”, no tan lejana de Dinosaur Jr.; la juguetona “You Already Know”; y con “Joan of Arc”, rock elegante y complejo.

En el segundo disco nos encontramos con la dupla de “Awful Sound (Oh Eurydice)” e “It’s Never Over (Oh Orpheus)”, en la que las referencias a Prince se dejan notar. “Afterlife”, finalmente, es un trabajo de melodías impecables y ritmo contagioso, la canción con la que se recordará al álbum. “Reflektor” es otro gran disco que justifica su sitio como una de las mejores bandas actuales, con ideas y grandes canciones. Un disco exigente con la experiencia artística todavía como máximo leitmotiv. Si aún así consiguen el éxito, igual sí que pueden declararse la mayor banda del planeta.

YO LA TENGO Fade

KURT VILE Wakin On a Pretty Daze

Un disco tranquilo en el que la sutileza y la ambientación juegan un papel fundamental creando bellas canciones llenas de nostalgia, siempre con un poso de genuinidad y esos matices de la personalidad de Yo La Tengo. La mayor parte del conjunto tiene un tono introvertido, con voces susurrantes sobre pequeños artefactos sonoros que quieren ganarnos desde la intimidad. Así, aunque “Paddle Forward” recupera cierta distorsión, la norma la componen medios tiempos como la bucólica “Is That Enough?” o “Stupid Things”, donde la frágil voz se oculta tras las cuerdas en sutil crescendo. La cosa se vuelve aún más recogida en la segunda mitad, canciones de vocación baladista, nocturna, de melodía minimalista de guitarra acústica, voces y leves adornos. Con “The Point of It” y “Before We Run” recuperan cierta vitalidad, como cerrando un ciclo que enlace con la inicial “Ohm”. Como si acabara de amanecer y decidieran salir a pasear por los campos. En esta capacidad de evocación persiste la esencia de Yo La Tengo, que permanece incólume sean cuales sean las capas que lleve por encima.

Las lánguidas voz y guitarra del de Philadelphia tienen la capacidad de estirar y acortar el tiempo; como sucede en esas interminables tardes ociosas que, sin darnos cuenta, dan paso al anochecer. Vile sublima su capacidad para sonar directo y accesible a la vez que vuelca sus inquietudes folk, indie y rock sin cortapisas. Una especie de disco de espera, de ver cómo pasan las horas pero cayendo en frecuentes momentos de abstracción y ensoñación que nos hacen perder el hilo de la realidad. A pesar de recomendar la experiencia completa, pueden disfrutarse por separado todos y cada uno de los temas, ya que no hay nada que se acerque remotamente al relleno. Así tenemos largos e introspectivos fraseos folk (“Too Hard”), arrebatos de rock coreable (“KV Crimes”), acercamientos a la americana (“Shame Chamber”), momentos de pop directo (“Never Run Away”, “Snowflakes Are Dancing”) o más exuberantes y guiados por líneas electrónicas (las geniales “Air Bud” y “Was All Talk”). Diferentes matices y variaciones dentro de un estilo ya plenamente asentado pero siempre en perpetua búsqueda.

2013

Re señas

MIX TAPE

MARX Das Emotional

Consigue embaucar al oyente en un viaje tan ampuloso y excesivo como sincero y promotor de buenas vibraciones. Esa sensación de querer transmitir algo más que 40 minutos de música, es la principal virtud de este disco conceptualmente cuidado.

VERONICA FALLS Waiting for Something to Happen

Un paso adelante en cuanto a composición e instrumentación, pero sin esa gracia volátil y misteriosa tan irresistible del debut. Sin la parte más oscura, se muestra radiante y luminoso y quizá por eso, más predecible e inofensivo, pero aún así delicioso.

CHEATAHS Cheatahs

Un inglés, un alemán, un canadiense y un estadounidense forman esta especie de ONU del indie-rock que factura un digno debut. Ni inventan nada, ni decepcionarán a quienes gusten de sonidos noventeros.

EL TERCER SEMESTRE Tender Tropic

No es una propuesta tremendamente original, pero su carácter jovial y divertido les hace ganar enteros y eso junto a la brevedad son claves para que “Tender Tropic” resulte una más que agradable carta de presentación.

CALIFORNIA X California X

Un disco cuyas canciones se funden formando una masa compacta en la que apenas caben altibajos. Un brebaje colorista y distorsionado que va desde los Ramones a los Smashing Pumpkins, pasando por la gris Seattle y las playas de California.

THE LAST THREE LINES Leafless

Versiones acústicas con vida propia y la prueba es que ni siquiera es necesario compararlas a las “originales”. Dicho de otra forma, no hace falta ser seguidor de la banda y su trayectoria para poder apreciar este EP, aunque si eres fan seguro que te interesará.

BIFFY CLYRO Opposites

Pese al exceso de minutaje, azúcar y tempos lentos, continúan siendo maestros de la melodía. Sí, de una melodía más facilona que nunca, pero aún así difícil de conseguir para el común de los mortales. Mon the Biffy, pero poco.

CUT COPY Free Your Mind

Regreso al hedonismo sin complejos de “In Ghost Colours” con otro conjunto de frescas y contagiosas canciones. Estribillos matadores, ritmos dance y house pero de vocación pop, capas y obsesión por la epifanía en la pista de baile.

BLAM DE LAM La Máquina y el Movimiento

La psicodelia nacional nos sigue deparando alegrías como este artefacto propulsado por la propia energía cinética de sus canciones, que las lleva hacia lugares insospechados dentro del rock independiente por la senda de Spacemen 3 y sus continuaciones.

MARYLAND Los Años Muertos

Un nuevo salto cualitativo con un paso al castellano al que le quedan cosas por pulir y manteniendo la fórmula con otra colección de buenas canciones, probablemente la mejor que han logrado crear hasta la fecha.

MERCHANDISE Totale Nite

Los de Florida dejan su pasado hardcore para abrazar una de las mezclas más frescas del indie de la temporada. Post-punk, shoegaze, psicodelia y ecos de los Smiths en un disco brevísimo, tan pop como huidizo.

LAS RUINAS Groarrr!

Tercer trabajo que ofrece más de lo que pueda parecer, manteniendo el humor pero con cierta intención de ir más allá. Eso junto a la personal voz y acento de Edu Chirinos, les otorga una identidad propia que los desmarca del resto.

HOLYWATER Wasteland

Vuelven a reincidir en su gusto por el rock alternativo de las últimas décadas, con algún lugar para el stoner o el rock más clásico, devaneos con el power-pop y elegantes medios tiempos. Un disco de rock en su acepción más generalista.

ANNABEL Youth in Youth

Ejercicio pluscuamperfecto de evocar los años 90 y el indie emo en su mayor esplendor. Sensibilidad de ensoñadora esencia, emoción a raudales, juventud, melancolía, épica, y todo manteniendo el pulso rítmico.

2013

Re señas

MIX TAPE

PONY BRAVO De Palmas y Cacería

Mantienen intacta su capacidad para enlazar músicas inesperadas con letras esta vez más directas. Quizá echemos en falta algo de ese dadaísmo castizo de sus primeros discos, pero el Pony Bravo sigue pastando en una cuadra única y sin ladrones a la vista.

LENDRONE Uno

Lendrone mezclan math y post-rock con electrónica espacial formando un sonido característico. Debut para escuchar del tirón paladeando las distintas variaciones dentro de una fórmula compleja pero que parecen controlar.

ICEAGE You’re Nothing

El controvertido cuarteto danés regresa para convencer con otro compendio de punk inconsciente y sociópata. Mientras valga de excusa para que discos como este estén en la palestra, que continúe la provocación.

FIDLAR Fidlar

Hijos de su época, constatan que el garaje y el punk de toda la vida están de moda. Una carta de presentación divertida que bebe mucho de anteriores singles y que viniendo de un grupo que tanto invoca a las fiestas, se antoja algo justa.

WILD HONEY Big Flash

Un mucho más ambicioso segundo disco que busca la brillantez y el cuidado de todo un Stereolab a la producción. Entre eso y el arsenal de pop estival de Guillermo, se conforma un trabajo con gran recorrido.

THE MEN New Moon

Su capacidad evolutiva acojona. No hay otra palabra para trazar el puente entre esos inicios en el noise-rock a la banda de country-rock pasada de fuzz en que se han convertido. Tal vez el querer seguir abarcando mucho sea su único pecado.

THE BRONX IV

Estos cinco capos dejan atras sonidos más ásperos y para elaborar un punk-rock directo y centrado en las canciones. Un disco tan redondo que no sólo ve a una banda avanzando, sino saltándose varios peldaños de golpe.

¿Tienes una banda? Nos dirigimos ahora a esas bandas noveles o no tanto, que nos contactan para que demos cabida a sus discos, EPs y maquetas en nuestras páginas. Estamos aquí para apoyaros, pero dada la avalancha de emails y privados en redes sociales, no podemos dar siempre una contestación inmediata. Esto no quiere decir que vuestras propuestas no sean tenidas en cuenta. Escuchamos todo lo humanamente escuchable y si nos parece interesante, acaba teniendo su pequeño eco en la web. Estamos muy lejos de ser un medio inaccesible y esperamos estarlo siempre. Pero queremos que esta comunicación con nosotros sea lo más efectiva posible, así que hemos habilitado un formulario de Google Drive con el que podéis hacernos llegar vuestra música y que sea fácil tanto para vosotros como para nosotros.

LINK AL FORMULARIO

Algunos de los discos que nos habéis hecho llegar han tenido a lo largo de 2013 cabida en esta serie de artículos.

2013

Re señas

MIX TAPE

CRÓNICAS El directo es la forma más auténtica de disfrutar de la música y la base misma de su existencia. Hacemos un brevísimo repaso en texto e imágenes de lo que fue nuestro 2013 en eventos. Esperamos haber compartido vivencias con vosotros y seguir haciéndolo en 2014. Desde aquí gracias y un abrazo a toda la gente que hace posible los conciertos, desde promotores a dueños o gestores de locales, bandas y como no, público.

Las siguientes páginas recogen un resumen de parte de las crónicas de conciertos más memorables de 2013. Para leer las versiones completas y todas las crónicas:

http://feiticeira.org/cronica

COMIC S A NS por

Se agotan los recursos, consumimos indie-rock por encima de nuestras posibilidades. Raül de los Ríos de (lo:muêso) firma una historia de terror gafapasta y post-animalismo ambientada en un futuro no muy lejano.

Raül de los Ríos

2013

MIXTAPE

04/01/2013, Madrid

PICORE vs. DEVO

Concierto sorpresa de Picore en suelo madrileño, aprovechando el esfuerzo llevado a cabo para reinterpretar el “Q: Are We Not Men? A: We are Devo” dentro de un ciclo de versiones en su ciudad. Ayudados por un teclista, el cuarteto de Zaragoza adaptó sin fisuras temas como “Mongoloid” o “Jocko Homo” a su sonido, pero sin llevarse las canciones al plano sencillo. Bajo y batería se adueñaron a la perfección de las canciones, con pinceladas de guitarras entrecortadas que quizá fueron el punto en común entre ambas bandas. La labor vocal de Dani fue la mayor sorpresa, alejándose de sus habituales locuciones y agudizando el resultado vocal. ¿El mejor resultado? Tal vez el tramo final del álbum, con “Gut Feeling” y “Come Back Jonee”. Una pequeña delicatessen que pudimos disfrutar muy pocos y un directo diferente para una banda tan infalible como es Picore.

enero

Cró nicas

25/01/2013, Madrid

AUTOMATICS Nueva jornada para el recuerdo dentro del ciclo “Dichosos 90” con los jienenses Automatics, que desplegaron con buen sonido ese indie rock y el noise pop de la última década del siglo pasado. Centraron el setlist en su segundo disco “Space Rock Melodies”, haciendo repaso a una trayectoria llena de canciones redondas. Con un Poncho espectacular a la guitarra y en el juego de pedales, sus temas más populares no defraudaron: “To Be Alive” sonó de lujo en directo, la generacional “Watch Over You” provocó los mayores cánticos entre el público, y “Swayfest” y “Side Walking” nos devolvieron a la senda de la reverberación y el exceso. Cerraron con las guitarras pesadas de “Electric Captain” mientras instrumentos y micrófonos acababan por los suelos en el momento más catártico de la noche. Para los bises, despacharon la radiohediana “Creep Down”, “Pop Star” con Manchester por bandera, y un final lleno de loops y oscuridad de la mano de “Revolution”, que funcionó de forma espectacular en directo. Muy notable concierto de estos seis andaluces que, si bien demostraron que ni el carisma ni las poses fueron nunca lo suyo, dejaron evidencias de un repertorio de canciones redondas.

2013

Cró nicas

MIXTAPE

26/01/2013, Madrid

ADRIFT + Moksha

Se antoja complicado volver a hablar de las cualidades superlativas del directo de Adrift sin caer en lo habitual, así que probablemente esto ya lo han leído antes, aunque esta vez fuera ante un Wurlitzer que clavó el cartel de “no hay billetes” por lo que ya merece la pena destacar la velada. Antes de que Adrift volvieran a brillar de oscuridad, Moksha sacaron a pasear la zapatilla más sludge. Su reciente “Sang De Roure” fue la clave de un repertorio extenso, donde destacaron temas como “Esgarriat”, “Humanitat podrida” o “L’ Antidot”, y donde la pegada brutal del combo catalán volvió a quedar fuera de toda duda, con la única pega del cierto estatismo de su sonido a lo largo del concierto. Con Adrift llegó la locura, sobre todo con el habitual y festivo cierre de “Ramses”, aunque durante el concierto se pudo disfrutar de un ambiente alegre perfecto para esas horas (debieron comenzar en torno a la medianoche) pero algo molesto para el disfrute de las partes más densas en las primeras filas. El sonido de Wurlitzer les volvió a ir genial, aunque fue mejorable en cuanto a nitidez y los temas de “Black Heart Bleeds Black” no paran de crecer, si bien el inicio con el clásico “Berzocana’s Bells” fue el mejor recuerdo posible. Por lo demás, más de lo mismo, incluyendo que Jorge volvió a romper un par de cuerdas y eso.

CULT OF LUNA 27/01/2013, Bilbao

SETLIST (The One) I: The Weapon Ghost Trail Finland Mute Departure Vicarious Redemption Owlwood Passing Through (Disharmonia) In Awe Of

+ Humo

2013

Cró nicas

MIXTAPE

Las anteriores veces que Cult of Luna habían visitado Bilbao fueron en el marco del Kafe Antzokia. Lo céntrico de esta sala frente a la Sonora, el entorno de crisis y un domingo con partido del Athletic, no eran los mejores ingredientes para un éxito pero el notable lleno demostró que los de Umea son todo un referente, pese a que los más avezados ya sabían que poco de su pasado íbamos a escuchar esa noche. Desde Asturias, el trío Humo presentó su cd-demo a volumen atronador. Rock instrumental que desde algún momento drone se elevaba a texturas metálicas de marcado carácter ochentero que se alternaban con psicodelia. Puede que tengan hueco para cierta identidad propia pero también pareció que tienen que rodar un poco más su directo, escuchamos algún que otro atropello rítmico. El intervalo de cambio fue excesivamente largo. Tanto que Cult of Luna salieron casi clavando la hora de retraso. Desde aquí hemos de recalcar una vez más que los horarios hay que procurar respetarlos. De lo contrario se genera un efecto negativo de cara a la asistencia a conciertos en el futuro. Algo más a destacar si cabe cuando la mejor baza de esta sala es su increíble proximidad al metro, no se entiende que ningún concierto acabe después de que el servicio termine. En fin, que Cult of Luna salieron a escena en formación de 7 y al fín, esta vez sí, con dos baterías. Tan fríos y poco comunicativos como siempre, incluso siendo la Sonora una sala menos teatral y que impone menos, hicieron la intro y comenzaron fortísimos con “I: The Weapon”. No, a COL no les hizo falta engrasar y este primer tema, nuevo, sonó en directo como un verdadero clásico, como una de las piezas más sofisticadas de la banda y que a servidor hasta le recuerda a una versión post-metalera de los Radiohead del “In Rainbows”. Johannes desgarraba su garganta entre las filigranas de guitarra (tres guitarristas tejiendo climas machacones y progresivos al tiempo) y teclado y los poderosísimos ritmos de la formación, tan marcial como siempre. Podemos decir que en cuestión de repertorio el comienzo del concierto fue lo mejor, sobre todo al enlazar “Ghost Trail” y “Finland”, únicas piezas de su disco más melódico, “Somewhere Along The Highway”. Ambas son ya auténticos clásicos del género, como muchas otras que se negaron a recuperar (especialmente dura fue la total ausencia de “Salvation”). Como fans podemos patalear, pero una banda que se niega a vivir de las rentas siempre es algo para elogiar. Autentico maestro de ceremonias del ritual metálico, Johannes se mostró tan estupendo a la voz que cuando sus compañeros le daban alguna réplica no hacían sino poner de mayor relevancia la figura principal y su garganta, tanto en los momentos más rugientes como en los más agónicos. Así, el concierto iría alternando piezas que promediarían los 8-10 minutos con algunas intros matizadas por una voz mucho más cálida que la de su cantante principal. La presencia del teclista se hace cada vez más clave (entendemos el concepto de Metrópolis en las nuevas canciones de la formación, pero quizá nos acordemos más de otras joyas de la ciencia ficción como Blade Runner o 2001), en una orgía de efectos y secuencias que rozaron lo paródico en ciertos momentos de “Vicarious Redemption”. El poder hipnótico de la formación hizo su influjo de nuevo durante hora y media en la que no hubo flaqueos ni prácticamente parones, un todo muy monolítico y conceptual al que las condiciones de sonido de la sala hicieron perfecta justicia. Y también de iluminación, necesaria para que el show de los suecos cumpla esa función gélida e irreal y esa vertiente industrial que siempre nos gusta destacar. Con “In Awe Of” remataron la jugada dejando claro lo mucho que confían en “Vertikal”. Y si, puede que nos quedáramos sin “Adrift”, sin “Echoes”, sin “Dim” o sin “Following Betulas”, pero que siguen a la cabeza de estos sonidos, incluso ahora que la moda ha remitido, es indudable.

febrero

3/02/2013, Madrid

GLEN HANSARD + Lisa Hannigan

Fue una noche especial, una de esas actuaciones más centradas en la magia del directo que en canciones. Más de corazón que de cabeza, como el mismo Hansard proclamaba en una de las desenfadadas charlas que nos regaló. El irlandés igual no goza de un gran cancionero pero propone un concierto de larga duración el que prima su honestidad, comunicación y cercanía al público. Su reciente disco “Rhythm and Repose” copó los primeros compases, abriendo con “The Storm, It’s Coming” para pasar inmediatamente a “You Will Become” entre otras, pasado por la trituradora de una banda de acompañamiento de once piezas con sección de vientos, cuerda, teclados, guitarra, batería y bajo. Glen demostró inteligencia a la hora de construir el setlist, jugando no sólo con el origen de las canciones, sino también con el número y tipo de componentes involucrados. Cuando había repasado lo suficiente su disco se pasó a The Frames y a The Swell Season con unas sensacionales “When Your Mind’s Made Up” y “Low Rising”. En mitad de ello para no aburrir decidió desnudar más las canciones. El resto de actores fueron secundarios de lujo, empezando por un público respetuoso y emotivo y terminando por la banda, con una precisión increíble en cada momento, con especial mención al carismático Graham Hopkins a la batería. También los invitados marcaron la diferencia. Como Javier Mas, fantástico guitarrista maño o la propia telonera Lisa Hannigan, con su delicada voz. Su set en solitario fue bonito y mostrando tablas, aunque fue algo lento como teloneo de un concierto extenso. Pero el momento de los bises de Hansard fue el punto álgido para la mayoría del público, cuando ella y su ukulele comenzaron primero con un precioso y desnudo “Blue Moon” (popularizado por Frank Sinatra) que se unió a la esperada “Falling Slowly”. Aún no siendo especialmente fans, nos cuesta no quitarnos el sombrero ante artistas así de entregados.

2013

Cró nicas

MIXTAPE

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PLAYLIST 2014 39

08/02/2013, Madrid

THE JON SPENCER BLUES EXPLOSION + Tokyo Sex Destruction

Los veteranos Tokyo Sex Destruction fueron una apertura ideal para el concierto de sudor y rock and roll que proponía Jon Spencer. El grupo que encabezaba la noche apareció ya con la sala casi llena. El sonido de la But no tiene la mejor nitidez, pero respondió bien al ataque de distorsión cargada de graves del trío neoyorquino. Su repertorio se alargó hasta casi la hora y media de concierto utilizando esas bazas habituales de fuerza, meneo de caderas y ese derroche de presencia del bueno de Jon. Aunque todo esto ya lo habíamos visto antes y es cierto que su directo pierde un poco en factor sorpresa y va ganando en deja-vu. Esta vez se saltaron gran parte de su repertorio más querido, con apenas un “I Wanna Make It All Right” de “ACME” entre canciones de su reciente “Meat and Bones” que fueron bien recibidas. “Sweat”, “Greyhound”, “Blues X Man” y “Full Grown” en el final de concierto calmaron esa sed, aunque lo que nos sorprendió fue ese “She’s On It” de Beastie Boys a modo de homenaje al recientemente fallecido, MCA. La banda llevó el ritmo facilitando que nos fijáramos en las habilidades escénicas de Jon, en cómo destrozó el theremin, en cómo clavaba la rodilla en cada tema y en cómo lucía esos pantalones de cuero plateados a sus casi cincuenta años. No fue su mejor concierto, pero su núcleo de seguidores está dispuesto siempre a sufrir una nueva descarga de este trío que sigue sin defraudar.

2013

Cró nicas

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14/02/2013, Madrid

METZ

Mucha expectación para ver a Metz en una sala tan acogedora y atronadora como es Siroco. El trío se dedicó a repasar de pe a pa su reciente y celebrado debut en Sub Pop. El ambiente de pequeña gran cita se respiraba desde primera hora. A un horario muy temprano saltó a escena el trío, que en apenas diez minutos había peinado a base de distorsión a las primeras filas. “Knife in the Water” y “Get Off” aparecieron enseguida para convencernos de que la pegada de Metz en vivo duplica a la de un disco ya cargado de tensión eléctrica y de fuerza. Es cierto que el sobrecogedor sonido de su bajo se perdió entre los decibelios, así como la voz, que adquiere un deje más rasgado en concierto, luchaba por sobrevivir entre la maraña de guitarra y batería, pero el conglomerado general fue casi perfecto. Aunque si hay que quedarse con algo de la banda es con esa entrega, lucha y sudor, especialmente con un batería que, afortunadamente para su salud, sólo tuvo que tocar cuarenta minutos.

23/02/2013, Madrid

TOUNDRA + The Hardtops

SETLIST

Ara Caeli Cielo Negro (Black Sky) Bajamar Marte (Mars) Lilim Requiem I Believe In Miracles (Ramones) Medusa Magreb Zanzibar EspĂrita Bizancio/Byzantium

2013

Cró nicas

MIXTAPE

Antes de que Toundra se terminasen de encumbrar en el mundillo musical madrileño cedieron el protagonismo a The Hardtops, banda aunque no lo parezca de similares orígenes. Para hacer su estilo de punk rock clásico y mikenessizado hay que tener delante un crack escénico y ellos lo tienen, pues Escri se adueñó de la escena, mientras la formación (miembros de Emerge y/o Trono de Sangre) se mantenía al nivel. Como momento simpático apareció Esteban de Toundra a ayudarles con un muy buen “High Voltage” de AC/DC. Después, Toundra salieron en volandas de la Joy Eslava. Su ambición humilde de no tocar en la ciudad desde que salió su disco para poder llenar dicha sala, fue un éxito. Comenzaron con “Ara Caeli” y siguieron con “Cielo Negro”, pero el impacto visual del cuarteto de cuerda, los teclados y la propia banda ya dejaban claro que la noche era especial. Fueron pasando invitados, desde vientos, cuerdas o guitarristas amigos, siendo el momento álgido esa enorme “Requiem” con doce personas en el escenario. Sorprendente fue la versión del “I Believe In Miracles” de Ramones, al estilo de la versión que hicieran Zeke con Eddie Vedder, con Escri de The Hardtops como vocalista. Una declaración de intenciones acorde con sus raíces punk-rock, aún así los derroteros de ahí en adelante fueron más por los momentos místicos y sobrecogedores de algunos pesos pesados de la banda. “Medusa” nos contentó a los más old-school, y la unión “Magreb” y “Zanzíbar” es ya una ejecución de maestría. El cierre con “Bizancio” fue tan emotivo como de costumbre, con el aliciente de que esta vez tenían delante a mil personas que habían aplaudido ya las primeras notas. Crecimiento continuo, con cabeza y con honestidad, para seguir haciendo verdaderas demostraciones de calidad encima del escenario.

25/02/2013, Bilbao

MONO

Un concierto que fue la prueba de que tan importante como la destreza del grupo en sí, lo es el ambiente para la propuesta de una banda. Si dicha banda es un cuarteto japonés dedicado a insuflar estructuras clásicas a un post-rock muy cinematográfico, este efecto se multiplica por cantidades hiperbólicas. Esto es lo que notamos en un concierto de Mono en una sala teatral, espaciosa, con escenario a una altura idónea y con gente muy respetuosa que ni sacó el móvil a pasear. Así pues entramos minutos antes de la hora indicada y el público ya estaba encarado al escenario, mirando sólo instrumentos en un ambiente de luz baja y una sintonía de dulces drones que iban poniendo en situación. Con puntualidad rigurosa, salieron los cuatro al escenario, los guitarristas sentados a los flancos, en el medio y de pie, la bajista y detrás el batería con su set, su gong y los metalófonos. Con esto, un teclado y poco más, la banda estaba a punto de regalarnos hora y media de grandioso rock instrumental sin apenas parones, sin saludos, sin comentarios, etc. Comenzaron con esa circular “Legend” un microcosmos en sí mismo. Fue asombroso como fueron capaces de recrearla preservando y ampliando la fuerza del estudio aún sin arreglos orquestales. Si hay algo parecido a la magia musical, Mono son capaces de ello. Ovación tras un clímax que hubiera parecido el final de un concierto que no había hecho más que empezar. Se sumieron en el viento inmortal de su anterior obra que acaparó el concierto, al lento avance de “Burial at Sea”, a ritmo de la percusión y la épica estuvo esta vez muy marcada por la batería y el frenesí final de su intérprete, que oscila entre esos tempos sutiles hasta el extremo y las grandes escaladas en las que lucha por marcar el camino de las guitarras tremolantes. Una técnica muy sofisticada y llena de recursos. Con “Dream Odyssey” llegó la melancolía y la bajista cambió a los teclados para tejer ese patrón con apenas variación mientras los guitarristas desarrollaban serpenteantes y tristes progresiones. Ver a la pareja con el pelo cubriéndoles la cara tan entregados a su instrumento nos hace pensar en virtuosos, una especie de maestros del post-rock, equivalentes en lo suyo a los grandes del blues, el jazz o el flamenco. Está claro que lo suyo va mucho más de pedales y efectos, pero es imposible no apreciar la sensibilidad que ponen en lo que tocan. Siguieron con los tonos tristes en esa soñolienta “Pure As Snow” que sin embargo culminó en una de las varias catarsis del concierto, ruido a raudales y los guitarristas rasgando cuerdas y buscando la distorsión perfecta con la misma pasión que precisión. Después, la escueta “Follow the Map” que tan rápido alcanza uno de esos clímax de película y la insistente melodía en crecendo de “Unseen Harbor”, última parada en “For My parents”. Así hasta el que para muchos sería pico del concierto, la esperada “Ashes in the Snow”, cuya tormenta final fue pura poesía agitada y ruidosa. Y tanto se enfocaron a “Hymn to the Inmmortal Wind” que se despidieron con el lagrimeo de teclas de “Everlasting Light”, que nos dejó flotando en esos mares de shoegaze evocador, nos elevó con las andanadas rítmicas finales para dejarnos despertar del trance una vez terminados sus repuntes y viendo que la banda abandonaba el escenario con tímidos saludos y sonrisas de agradecimiento. ¿La pega de rigor? La hora y media de concierto se nos hizo corta. A la vez nos parece inteligente no darle mucha más cuerda ya que su propuesta tampoco es un alarde de variedad y así se aseguran de no redundar sobre similares construcciones en directo. Pero es que con esa despedida tan “suya”, dejando el escenario vacío y una música de fondo a modo de outro, nadie se quiso mover hasta que empezaron los pipas a desmontar. 44

2013

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marzo

02/03/2013, Bilbao

LAGARTIJA NICK Aunque se anunciaba como con la formación original, M.A.R. Pareja no estuvo en la recreación del “Hipnosis” de Lagartija Nick que vivimos en la sala Azkena bilbaina. Así pues, si ya el cancionero primigenio de la mítica banda granadina tenía mucho de punk, en formato trío esta sensación impactante y veloz fue más acusada. El sonido, sobre todo al principio distaba de ser perfecto, pero fue un concierto de comunión y también de entrega y sudor de una banda solvente en este sonido más básico y encantada de revisar su pasado. “No lo puedes ver”, “Hipnosis” o “Tan raro tan extraño tan difícil” empezaron a caer prácticamente en orden aunque supieron romper el devenir del disco con versiones o los más inesperados temas del EP “Algo Cínico”. Así continuaron sin apenas respiro, a veces parando para que Arias hiciera algún comentario sobre las canciones pero a menudo engarzándolas al mejor modo punk-rock. Y es que el tono de la noche fue tan monolítico que temas más melódicos como “La Gran Depresión” fueron remansos de paz extraños y psicodélicos. La recta final con “Déjalos Sangrar” o “Disney World” puso alguno de los momentos más agitados de la noche. Agotado “Hipnosis” regresaron para tocar clásicos de su mucho más celebrado “Inercia”, coreados con frenesí por el público. Volvieron a salir una segunda vez, para interpretar una “Nacidos para dominar” de Parálisis Permanente y finiquitar la noche con “Mi Chófer Psicodélico”. “Sois unos locos sádicos”, decía Arias ante el jaleo del público para que tocaran más.

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Vídeos/// 2013

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Os presentamos algunos de los vídeos más destacados del año http://feiticeira.org/videos

YO LA TENGO - Ohm

Un viaje animado al mundo de Yo La Tengo, que incluso en un disco tan introspectivo encuentran hueco para las buenas vibraciones y el buen humor.

DAVID BOWIE - The Next Day

David Bowie regresó con ganas de impactar en imágenes. Su decadente fiesta llena de simbología religiosa es caldo de cultivo para la polémica.

QUEENS OF THE STONE AGE - ...Like Clockwork

El misterioso cortometraje de animación oscura que funcionó en forma de diferentes adelantos virales del nuevo trabajo de Josh Homme y los suyos.

PONY BRAVO - El Político Neoliberal

Cachondeo y denuncia política, las dos facetas más acentuadas de lo último de Pony Bravo se reflejaban a la perfección en este paródico vídeo

15/03/2013, Madrid

BEACH HOUSE Corría apenas el minuto quince o veinte del concierto de Beach House en la madrileña sala La Riviera cuando su cantante, Victoria, se dirigía al público madrileño. “Hacía mucho tiempo que no veníamos por aquí” venía a decir, y aunque en realidad sólo hacía cuatro años de su última actuación en la capital, parece que haya sido una eternidad en la que el dúo de Baltimore no ha parado de crecer, primero en cuanto a críticas positivas de medios especializados y ahora también en cuanto a la cantidad de seguidores. Por eso su actuación en La Riviera tuvo mucha energía desde las primeras filas y por eso el repertorio tuvo que centrarse casi exclusivamente (salvo una pincelada de recuerdo a su debut con “Master of None”) en “Teen Dream” y en su reciente “Bloom”. Es como tenía que ser, y ellos hicieron su trabajo sabiéndolo. Y vistos los repertorios totalmente cambiantes que han ido dando a luz en esta gira, se ve que han dado un paso de gigante a la hora de defender un directo que ya tiene mucho cancionero entre el que elegir. No olvidemos que pese a que su éxito haya sucedido en los últimos años, Beach House lleva ya nueve años de carrera. Muchos se empeñan en recordar que el denso y bello manto que componen sus excelentes melodías bajo el paraguas de esa etiqueta poco tangible del dream pop lo han hecho otros antes, pero es innegable que en directo tienen un aura especial y un estilo único. Su manejo de los tiempos durante todo el concierto, la pasión de Alex Scally sufriendo cada nota con su guitarra y una imponente presencia de Victoria deben convencer, pero al final lo que mejor tienen son sus canciones. Al concierto le costó ir arrancando y haciéndose con el complejo sonido de la sala, pero finalmente el reverb terminó encajando a la perfección entre los ritmos gruesos del grupo. “Other People” y “Lazuli” fueron el primer aviso con el “Bloom” debajo del brazo, pero quizá la señal final llegó con una Victoria vocalmente perfecta en “Norway”. El momento álgido apareció de todos modos hacia el final del set, con la única parte que permanece más o menos fija en sus setlists de 2013: “Zebra”, “Wishes”, “Take Care” y “Myth” seguidas y con una carga de emoción positiva que embriaga en los tiempos que corren. Para el bis no consiguieron seguir del todo la línea emotiva in crescendo, pero “Real Love” y “10 Mile Stereo” jugaron de nuevo esa baza para el cierre con “Irene”, el momento más psicodélico y de viaje astral de todo el concierto. Ellos decían adiós tímidamente, entre las penumbras habituales de sus conciertos, aunque la luminosidad de sus canciones parece haber calado ya en un público que crece de manera espectacular. Para abrir el concierto viajaron con su colega Marques Toliver, un simpático violinista de gran voz que comenzó sorprendiendo pero al final cayó en un concierto plano y con la sensación de estar viviendo siempre el mismo tema. Quizá si se ayuda de banda, además de violín y grabadora, pueda dar más juego.

2013

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SETLIST

Wild Better Times Other People Lazuli Norway Master Of None Silver Soul The Hours New Year Zebra Wishes Take Care Myth Bises:

Real Love 10 Mile Stereo Irene

30/03/2013, Bilbao

JOSEBA IRAZOKI MobyDick

Última jornada del BasqueFest con dos artistas ya conocidos y solventes en directo. Dos caras muy diferentes de cómo ofrecer un buen one-man-show. Comenzó MobyDick, cantautor folk-rock más al uso en su disposición: Él, una guitarra y su patxaran. Dedicado a los tonos oscuros, por su música planean sobre todo los 90 desde el grunge a Buckley o Nick Cave (sonó su escalofriante versión de “Mercy Seat”) y con su voz y carisma es capaz de dejar a la gente tan callada que puede prescindir de micro cantando en el centro de la Alhóndiga. Una solemnidad que impacta más cuando choca con ese humor mordaz. Pero lo que importaron fueron esas canciones oscuras que nos hemos aprendido a golpe de directo. Y después vino Joseba Irazoki. El veterano músico es famoso por pasárselo en grande en los directos y eso se nota. Es como un niño desatado sobre el escenario, hombre orquesta y payaso en el mejor sentido. Poniendo caras de loco, rasgando la guitarra, aporreando un bombo y un plato desvencijado... haciendo ruido, básicamente, epató a la incrédula audiencia. Para muchos fue demasiado, pero los que nos quedamos pudimos bailar y echarnos unas risas con sus ritmos a destiempo, sus letras balbucidas en diferentes idiomas u ocurrencias tan propias de un “Basquefest” como sacarse un txistu. Precisamente fue despidiendo su actuación invocando a vertiginosos tonos folk, para regocijo de los presentes. 49

abril

05/04/2013, Sevilla

ALONDRA BENTLEY +Nine Stories

A veces un obstáculo puede ser una oportunidad si corres el riesgo, como hicieron Alondra Bentley y Nine Stories en La Caja Negra. Ante la imposibilidad de tocar en eléctrico, ambos se entregaron a conciertos acústicos sin micro ni ningún tipo de ampli, en un recital de carácter recogido y familiar. El líder de Nine Stories interpretó un puñado de canciones de “Trafalgar”, valiéndose de su guitarra y teclado. Sus pequeños artefactos de pop risueño funcionaron perfectamente para romper el hielo, intercalados entre divertidos comentarios y anécdotas con las que por fin nos enteramos que habían sufrido algún fallo técnico que les impedía tocar con los mencionados elementos eléctricos ausentes. Para cuando subieron Alondra y el trompetista Pepe Andreu, para interpretar los tres juntos las canciones del repertorio de la artista, el ambiente estaba ya cargado de magia por lo especial de la situación. La dulce voz de la anglo-murciana acompañada en ocasiones por los coros de Nacho, la amortiguada trompeta, la delicadeza del teclado y las guitarras acústicas sonaron con matices que igual se habrían perdido en circunstancias habituales: unos de jazz, otros de pop e incluso algunos más graves, en un tono y complicidad que no bajaron en ningún momento. Entre medio, se habían repartido galletas, imitado a pájaros, cantado canciones para niños y dado toda una lección de profesionalidad y talento.

06/04/2013, Bilbao

TRIÁNGULO DE AMOR BIZARRO + Sonic Trash

El cuarteto gallego nos visitaba a las puertas de lanzar su tercer largo “Victoria Mística”. Antes de arrojar algo de luz sobre sus nuevos temas teníamos a los siempre solventes Sonic Trash, con su rock de impronta noventera pero también clásica y ahí estuvo el “Loose” de los Stooges para dar cuenta de ello. Ya el aspecto de la sala parecía otra cosa cuando les tocaba salir a los coruñeses. Dieron el pistoletazo de salida con “La Malicia de las Especies Protegidas” a un setlist cada vez más variado, en el que se equilibran los dos primeros discos y se da paso a sonidos inéditos que ni se molestaron en presentar. Primero cayó una que explotaba su vena más pop-punk, después una (o quizá dos) que comenzó con tonos hipnóticos y psicodelia para estallar en el ruido más salvaje y finalmente rearrancar como indie-rock ácido. Más adelante otra nueva con un marcado toque de kraut escalofriante. El final, crudo, sin bises, rematado con ruido revienta-oídos, lo puso otro nuevo tema que probablemente se encuentre entre lo más rockero de su repertorio, con ritmos gruesos y mayor peso en la contundencia que en las atmósferas. Total que incluso con repertorio semidesconocido dejaron el listón bien alto, al nivel de una banda definitoria del indie-rock. Mentiría si dijera que sólo del español.

2013

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12/04/2013, Madrid

HAMLET Llegaba el Insomnio Tour a la ciudad en la que son profetas. En una Rock Kitchen hasta arriba, la banda liderada por J.Molly defendía de nuevo su mejor obra y cima del nu-metal nacional. Con un sonido arrollador, volvieron a demostrar que en directo son una apisonadora. Sonó “Insomnio” en el mismo orden en que sonó en nuestro reproductor allá por el año 98, y si eres de los que disfrutó con esa crítica a la televisión que es “Tortura Visión”, del perfecto homenaje deftoniano que es “Tu Medicina”, del rap metal de “Dementes Cobardes”, del trash-core de “¿Quién Cree qué Raquel se Suicido?”, o de la sublime y acongojante “Antes y Después”, no sabes lo que te perdiste. Usando todos los trucos de directo conocidos, para el recuerdo quedarán los tremendos pogos en “Muérdesela” o “La Cabra”, así como el espectacular estado de forma de Molly, con su peculiar carisma, una versatilidad vocal sobresaliente y una energía digna de alabar en un músico que lleva ya 25 años en esto. Una vez finiquitado “Insomnio”, para el primer bis interpretarían hasta siete canciones de “El Inferno”. Atronadora quedó en escena “El Mejor Amigo de Nadie”, de igual modo que se coreó hasta la saciedad la magnífica “Denuncio a Dios”, pero fue “Vivir es una Ilusión” la pieza más destacada de esta parte de una actuación. En un segundo bis en el que las fuerzas y el calor ya hacían mella, consiguieron volver a meterse a todos en el bolsillo con su último éxito “Un Mundo en Pausa”, y su himno por excelencia “Irracional”.

13/04/2013, Madrid

GINFERNO +Fasenuova

Primero tuvimos el paso por el escenario de Fasenuova, dúo asturiano de electrónica industrial, con el derroche de entrega escénica de su cantante. Luego Ginferno presentaron álbum, primero en formato quinteto, con el reciente fichaje de César a la batería. Ahora la propuesta podríamos considerarla algo más seria, para bien y para mal. Como una banda más al uso que quiere hacer canciones, pero con menor espíritu experimental. Por este motivo suponemos que faltaron clásicos de su carrera, repasando casi entero su nuevo disco y recordando mucho “Mondo Totale”. Por lo demás, hay que quedarse con la sensacional labor de instrumentación en temas que se pegan al cerebro como “Mambo Rabbits”, “Sugar Ray” o “San Vicente Rambla” y otros que se pegan a las suelas de los zapatos para hacerte bailar como “Ahriman’s Dance” o “Transantilles”. Pese a cambiar a lo largo de los años, la banda mantiene un manto de calidad con Dani Fletcher como artífice máximo, así que sólo queda esperar que siga haciendo lo que le de la gana siempre.

2013

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Una selección de canciones que nos han alegrado el año. La mejor mixtape de 2013 que verás en 2014. Grábasela a tu mascota, a tu madre y a tu vecino

2013 MIXTAPE A

DATE/TIME NOISE REDUCTION ON OFF

1. YO LA TENGO - Ohm

11. NICK CAVE - Jubilee Street

2. MIKAL CRONIN - Weight

12. ARCADE FIRE - Afterlife

3. PIXIES - Another Toe in the Ocean

13. CHVRCHES - Gun

4. TRIÁNGULO DE AMOR BIZARRO -

14. CRASH OF RHINOS - Interiors

Delirio Místico

15. POLVO - Total Immersion

5. VERONICA FALLS - If You Still

16. MORENAS - Mírala

Want Me

17. PHOSPHORESCENT - Song For Zula

6. KURT VILE - KV Crimes

18. PONY BRAVO - Zambra de Guantá-

7. DAVID BOWIE - Valentine’s Day

namo

8 CHEATAHS - The Swan

19. MERCHANDISE - Anxiety’s Door

9. CALIFORNIA X - Lemmy’s World

20. KANYE WEST - Hold My Liquor

10. FIDLAR - No Waves

21. THE MEN - Half Angel Half Light

escucha en Grooveshark

13/04/2013, Bilbao

VIAJE A 800 + Arenna

El adiós de Viaje a 800 deja la desazón de cualquier despedida pero con ella el sabor dulce de, por una vez, habernos dado cuenta de la grandeza de esta banda desde prácticamente sus comienzos. Porque el medio aforo del Azkena no difería en gran exceso del alcanzado en previos conciertos por Euskadi. La gente sabrá, a nosotros nos parece que es el fenómeno de lo más parecido a Kyuss que hemos visto en cuestión de banda ignorada en su momento y llamada a quedar en los anales del rock de por aquí. Sabor dulce también porque viéndoles por el escenario se nota que, ni han perdido la pasión, ni las relaciones entre los miembros son distantes, más bien todo lo contrario. Los algecireños venían con ganas sinceras de tocar en Bilbao, aunque tampoco vamos a caer en el error de decir que por ser el último fue el mejor. Pero primero llegarían Arenna con su stoner en inglés tan heredero de Kyuss. Y es que en su perfección, quizá lo sea demasiado. En todo caso, stoner de alto copete y muy curtido en directo con sus partes de hard-rock monolítico y las de psicodelia más melódica. Después y en un clima de buen rollo, el trío comenzó un periplo por su corta pero excelsa carrera con la solemnidad de “Luto” y el stoner andalusí “El amor es un perro del infierno”. Escalofriantes esos momentos en que Poti recita sobre los guitarrazos de su compañero, que ya dio las primeras muestras de virtuosismo en los laberínticos pliegues de “Patio Custodio”. Esta última gira era después de todo tanto despedida como presentación de “Coñac Oxigenado” su disco menos complaciente con temas de hard psicodélico más insondables y de larga duración. Por ello, “Ni perdón ni olvido” o “Tagarnina Blues” acapararon minutaje con esas atmósferas oscuras y esa imaginería mística. Ni que decir que sonaron tan a clásicos como cualquiera, especialmente la primera que despertó el fervor tanto o más que el exceso eléctrico de “Dios Astrónomo”, su agónico “Roto Blues” o el asalto punk-rock de “Zé”. Así es, el trío triunfó tanto con temas de 10 minutos como de apenas 3, ya fueran instrumentales, cantados o recitados. Tal vez entre esta sucesión de momentos álgidos destacara “Cabezas de Tungsteno”, donde al buen hacer de la banda se sumó el cantante de Arenna para hacer segunda voz megáfono en mano y los posteriores gritos alternados. En momentos como estos uno se fijaba en la camiseta de Soundgarden que portaba el cantante y bajista de la banda y no podía escapar a los paralelismos del sonido tan personal con el que cuentan ambas bandas. Uno que casualmente hace que en mi cabeza se encuentren entre dos de las formaciones que más color y extraño magnetismo han sabido sacar de un género a menudo apoltronado en la repetición de esquemas como es el rock duro. Una sensación de estar viendo a una banda con una química que sobrepasa la mera yuxtaposición de instrumentos que tuvimos en directo.

2013

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Hasta que llegó el momento que la banda paró, era hora de coger fuerzas -y la Flying V- para unos bises programados que arrancaron con más de ese rock metálico con esencia andaluza que es “Oculi omnium in te sperant domine”. Aquí la banda ya salía a echar el resto y no había más que ver a su ya descamisado guitarrista gesticular y dar bandazos. Y en cuanto al público, cuando en una de tus canciones los norteños se ponen a acompañar con aflamencadas palmas sin que siquiera se lo pidas, sabes que estás triunfando y a lo grande. Era el preludio a ese incansable y demencial solo de batería que deriva en texturas de jazz, tal vez imprescindible para que fuéramos conscientes de su fundamental labor, a menudo eclipsada por la de un guitarrista que también es para erigirle un monumento. El final del concierto fue el momento en que el fan de la banda pudo despedirse a gusto. Primero balanceándose al lento compás de los riffs y entonando la letra de “Solo” y finalmente con esa especie de single que nunca existió como tal. Imposible no estremecerse al escuchar arrancar esos ritmos y escuchar chirriar y gorjear esa guitarra. “Los Ángeles que hay en mi Piel”, la misa negra con la que gritamos y nos sacudimos todo lo a gusto que pudimos, pensando que al menos de momento, será la última. Y no será porque no teníamos ganas de abusar de la entrega de la banda y pedir más, pero con la generosa duración pasadas dos horas era ya una exigencia inútil.

25/04/2013, Bilbao

LEE RANALDO En su actual fase en solitario Lee Ranaldo busca más la canción, pero eso no significa que deje atrás los climax ruidísticos, ni la tortura a su arsenal de guitarras en directo. De hecho, se acompaña de un segundo guitarrista con una destreza a su nivel. La sección rítmica la formaba un más que competente bajista y alguien que se diría que es tan protagonista como el propio Ranaldo. Hablamos de Steve Shelley, un batería sin pose ni aspavientos, pero que acaparaba gran parte de la atención con su toque, tanto en los momentos más atmosféricos, en las repeticiones hipnóticas o directamente evocando las mejores turbulencias de Sonic Youth. Ranaldo es consciente de esto al llevarse a su compañero de gira aún con su proyecto personal. El guitarrista, comunicativo, no reparó en explicarnos los temas que había detrás de las piezas que interpretaba, y pronto sonaron “Off the wall” o “Angles”. Pero cual sería nuestra sorpresa de que el concierto fue un crescendo casi continuo, cada vez más intenso, con luchas más encarnizadas en lo instrumental y alternando temas llenos de misterio y extrañeza como “Xtina As I Knew Her” o “Hammer Blows” en la que ya sacó un arco de violín para violentar las cuerdas, con canciones nuevas y versiones a cada cual más agradecida como el “Everybody Has Been Burned” de David Crosby o “Thank You For Sending Me An Angel” de Talking Heads. Fácilmente el enlace de esta última versión con la poliédrica “Fire Island (Phases)” fuera uno de los grandes momentos del concierto y evidencia de la destreza del músico y la banda para pasar de las texturas melódicas al rock más furibundo. Incluso hubo algún breve momento de ese tan personal “croon” libre de Ranaldo a la “Skip Tracer”, que emociona. En definitiva, las cosas no han cambiado demasiado y eso es algo para celebrar. También lo es que podamos ir a ver a un artista rondando los 60 años debido a su trabajo rabiosamente actual y no por revivir pobremente viejos cancioneros, como tantas veces ocurre.

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29/04/2013, Madrid

EFTERKLANG + I Am Dive

Regreso al Teatro Lara para disfrutar del concierto de los daneses Efterklang. I Am Dive abrieron en un ejercicio de emotividad y depresivo ambiente ganando en directo muchos enteros. Efterklang comenzaron como su reciente “Piramida”, con el aura misteriosa de una música oscura pero repleta de matices brillantes y esperanzadores. Así repicaban las percusiones y las voces en “Hollow Mountain”, hasta desembocar en una versión arrebatadoramente cercana de “Apples” que se despedazaba entre las luces rojas. Prosiguió una pequeña visita a su debut, que los introdujo en el tramo más denso y oscuro, pero supieron medir el momento para levantarlo con la vigorosa y brillante “Black Summer”, de lo mejor del concierto con el permiso del cierre de set más pop con “Modern Drift”. Si al papel de los tres miembros oficiales -Rasmus Stolberg al bajo como cara amable, Casper Clausen en el centro llevando la voz cantante y, en la sombra, un serio y multiinstrumentista Mads Brauer- sumamos la angelical voz de Katinka Fogh Vindelev, la ejecución se muestra inmejorable. Para el cierre final, la magia terminó de salir a la luz, ante el respeto del público. “Alike” en versión desenchufada, con la excepción de un teclado, fue el colofón perfecto, haciendo poco más o menos lo que aparece en la versión de su película “An Island” pero en formato reducido y con Casper entre la gente. Un concierto redondo y difícilmente imaginable.

27/04/2013, Bilbao

LISABÖ

Emotiva despedida de Lisabö de los escenarios por un tiempo. La formación vasca no se deja influir por las alabanzas de la crítica y continúa haciendo de la banda un pasatiempo, que sigue siendo tal pese al creciente culto. Algo que cada cierto tiempo ha de parar y oxigenarse. Así, cerraban en el Kafe Antzokia de Bilbao la gira de este “Animalia Lotsatuen Putzua”.

+ Unicornibot

SETLIST

Gau Minean Oroimenik Gabeko Filma Gordintasunaren otordu luzea Hemen ez Naiz Gelditzeko baina Ezereza Mugak (Martxel Mariskal) Ez Zaitut Somatu Iristen Sekula Etxean Izan Ez Alderantzizko Magia Murgilduta Ur Gainean

Para la ocasión habían invitado a una de esas bandas con las que han trabado amistad en esta singladura subterránea. Siempre agrada ver este tipo de alianzas entre bandas de filosofías afines y en este caso, Unicornibot además suponían un contraste de lo más interesante. Frente a la intensidad sostenida y oscura de los de Irún, Unicornibot siempre ofrecen diversión vibrante, cuatro grandes músicos tocando muy juntos y en sincronía, capirotes de papel de albal empapados en sudor y ritmos sincopados.

BISES Oinazearen Intimitatea Hazi Eskukada

Tras hacer los preparativos pertinentes para esa atípica formación doble (dos guitarras, dos baterías, dos bajos), el sexteto salía a escena. Karlos, Jabi y Xabi portaban casualmente pobladas barbas en esta ocasión, casi como una metáfora de que “Animalia Lotsatuen Putzua” ya ha envejecido en directo. La cosa comenzó reposada, seca, áspera, como suenan algunos de sus temas antiguos sin cuerdas. Pero lo cierto es que también parecía culpa de un sonido en el que las guitarras no tomaban cuerpo del todo. Un arranque a medio gas que se animó en ritmo con esa agresiva y frenética apertura de su última obra y continuó por los surcos de guitarra más psicodélicos de “Gordintasunaren Otordu Luzea”. La velada avanzó con corrección pero quizá la maldita expectativa convertía este en un concierto más de los irundarras, no al nivel de sus mejores actuaciones, ni por tanto digno de cerrar una gira suya. Pero aunque sólo fuera por su presencia escénica, no ya en número sino en arrojo, tanto en movimiento disperso como recogidos en torno al núcleo de su doble batería, por ese espectáculo crudo de luz inmóvil o por recurrir a clásicos como “Hemen ez naiz gelditzeko baina” en un

2013

Cró nicas

setlist siempre inesperado, la experiencia ya estaba mereciendo la pena.

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sí, lo habían conseguido una vez más: impactar a gente que ya les ha visto unas cuantas veces esta misma gira. Y aún esperabamos el “Así, así, así eskukada”, como les pidieron algunos de estos fans tan jotescos en su mayor momento de gracia. Tras hondos agradecimientos al público y a toda la gente que hizo posible el concierto desataron “Oinazearen Intimitatea”, el tema más catárquico de “Animalia...” y el que nos permite siempre corear entre espasmos su título. Y entonces sí, “Hazi Eskukada”, ese curioso fenómeno del “single aclamado” para una banda ruidosa. Un final muy celebrado y en perfecta comunión con el público que culminó con toda la banda en torno a las baterías, tocando los platos, Karlos subido a una y Javi directamente derrumbándose sobre ellas. Destrozo tras el que, entonces sí, procedía la clave festiva y hasta algún que otro baño de cerveza.

Y por fin, llegó el momento especial de la noche, el guiño que todos esperábamos como broche a una gira ya histórica dentro de la música euskaldun. Y no pudo ser más emotivo, apareció a escena el miembro en la sombra, el que inunda su música de poemas desoladores pero que no pisa los escenarios. Esta vez lo hizo. Martxel Mariskal salió con un puñado de hojas dobladas a recitar sus palabras, recordando el bombardeo de Gernika e introduciendo referencias a antiguas canciones de la banda, mientras esta tejía una trama de ruido más sutil que nunca para acompañar el momento con desasosiego. Enlazó su recitado inicial con el de “Ez Zaitut Somatu Iristen” y se fue no sin antes compartir muestras de afecto con los músicos. La felicidad en las caras de la banda, al completo, fue patente y qué duda cabe que marcó un punto de inflexión en el concierto, insuflando energía a esa máquina de entrañas que es el sexteto. Perdón, el septeto.

Sólo resta decir que, si las expectativas de hace dos años cuando empezábamos a tener noticias de que la banda preparaba disco parecían desorbitadas, han conseguido cerrar un capítulo con inmejorables sensaciones. Laster arte, Lisabö!

Ese “Norberak badu bere haria korapilo hontan...” fue el acicate mágico para desatar a los mejores Lisabö, y a partir de aquí fue todo gozo, en forma de rabia casi lacrimosa, a veces más contemplativa, otras más punk y entrando por fin en los territorios de “Ezlekuak”. Si no me equivoco fue precisamente en “Alderantzizko Magia” donde una parte del público, que parecía tomarse la despedida con un extra de elemento festivo, decidió agacharse para levantarse de golpe con el subidón instrumental, algo que sin ánimo de ser borde, se me antojó tan impropio en un concierto de Lisabö como invadir el escenario a pegar botes o subirse a las escaleras, gesto que quizá a los espectadores de detrás no les parecería tan divertido. Por suerte, en la parte musical no podemos hablar sino de excelencia y de entrega salvaje. Un par de pelotazos de “Ezarian” en vena: uno, vibrante y agitado; otro, arrastrado y emocional e hicieron un más que merecido parón dejando los ánimos a punto de ebullición. Aprovechamos para coger aire y compartir la impresión de que

SOS 4.8

mayo

03 y 04/05/2013, Murcia

El festival SOS 4.8 afrontó la crisis con cierta pérdida de atractivos como cabezas de cartel, puesto que recayó en unos The xx muy en auge pero ni siquiera con exclusividad en el festival y unos M83 que han pasado por España en los últimos años. Además perdían el aliciente del Auditorio. Aún así el resultado de público ha sido positivo, gracias a un precio ajustado y a haberse adaptado con buenas bandas, aunque fueran más baratas.

THE XX Luego llegó el gran plato fuerte de la mano de los británicos The XX, que hicieron un setlist similar

al que hemos visto en sus conciertos recientes en suelo español, aunque con la pérdida de un par de temas con respecto a su conciertos del Poble Espanyol del día antes y del de Lisboa de un día después. Hay que reconocer que su estado de forma es magnífico, y a pesar de que desde aquel concierto de debut en Primavera Sound nos daba en la oreja que con la pérdida de factor sorpresa iban a perder en impacto, lo cierto es que el trío es cada vez más sólido y fuerte en vivo. Si bien el del festival SOS 4.8 es un tipo de respetable más bien centrado en la fiesta y en pasarlo bien que en atender a un concierto con mucho componente de tranquilidad y de emoción como el de The xx, el público dio cierta tregua y hasta consiguió adentrarse en los beats que Jamie XX lanzaba con sus dedos. La presencia del dúo de cantantes que forman Oliver y Romi es también cada vez más sólida, dentro de esa actuación tan estática como sentida y sobrecogedora. Si a todo esto sumamos que la gente ya ha hecho suyos temas como “VCR”, “Heart Skipped a Beat” o “Crystalised” del primero y “Reunion” o “Fiction” de “Coexist”, el éxito fue de sobresaliente. De hecho, fueron los grandes salvadores de un día que no terminó de dar toda la esperada calidad.

M83 El concierto de los franceses, capitaneados por el siempre genial Anthony Gonzalez, bebió sobre

todo de “Hurry Up, We’re Dreaming” y de sus hits “Reunion”, “Steve McQueen” y sobre todo “Midnight City”, con todas ellas siendo interpretadas hacia la primera mitad del concierto. Aún así también hubo cierto recuerdo a “M83” con “Sitting” y a “Before The Dawn Heal Us” con otros dos temas (“Teen Angst” fue un sensacional inicio), pero por lo que fuera parece que el concierto no llegó a enganchar del todo a la comunidad del SOS 4.8, entre otros al que escribe. Quizá fue simplemente que la banda se mostró un poco yendo a piñón fijo y con ganas de terminar el cortísimo set que tenían preparado (y sin bis) o quizá que el hecho de no estar propiamente de gira los deje algo faltos de forma. Veremos cómo se presenta su futuro.

2013

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10/05/2013, Barcelona

AMPLIFIER + Charlie Barnes

Arrancó la noche Charlie Barnes, cantautor que empezó tocando su guitarra cual espontáneo, para terminar haciendo originales loops a base de golpear micrófonos y trastear con su Mac. Con un enorme carisma y una voz espectacular maravilló a un público para el que era un completo desconocido. Amplifier aparecieron puntuales, entre excesivo humo y con una cuidada puesta en escena basada en su anterior trabajo The Octopus. Desde el primer minuto convencieron con un mar de pedales de efectos y el propio Barnes como guitarra de apoyo. El arranque con la suave “Mary Rose” consiguió dejar a todo el mundo encandilado, para acto seguido arrastrar en la apisonadora que es “The Wave”, uno de sus temas más laureados en directo. Presentaron un setlist que recogió de toda su discografía, aunque ningunearon su segundo disco “Insider”. En éste sentido las canciones de su último trabajo “Echo Street” ganaron muchos enteros, pues su naturaleza más calmada sirvió de excelente contrapunto al tono más estridente de su pasado. Pese al medio lleno, la banda mostró un compromiso total, con una generosa duración de dos horas, que con su fenomenal atmósfera e interpretación pareció menos. Y eso que advirtieron que debido a restricciones de tiempo, tocarían seguido para no perder tiempo con bises. Muestras de profesionalidad que reforzaron la gran conexión con el público en un género más bien distante.

11/05/2013, Barcelona

MURDER BY DEATH No es habitual que un grupo de Estados Unidos toque un concierto con una entrada a escasos 13 euros, ni que sea el mismo cantante el que esté vendiendo merchandising en la entrada, mientras los demás miembros se mezclan entre la gente como si tal cosa. Daba la impresión de que Murder By Death no venían a ganarse la vida, sino a agradecer a sus seguidores las contribuciones que recibió el año pasado su exitosa campaña en Kickstarter. De hecho ellos mismos dijeron que se sorprendieron del montón de donaciones recibidas desde Europa. El setlist reflejó el feliz momento por el que está pasando la banda, centrándose sobretodo en sus tres últimos álbumes. Un acierto que arrancó con temas más rockeros y animados como “As long as there is whiskey in the world”, que dieron paso a los clásicos momentos introspectivos como por ejemplo la espléndida “No Oath, No Spell” de su último álbum. Una parte de corte más intimista del concierto fue tocada por el frontman Adam Turla y la Cellista Sarah Balliet, una mezcla que desnudó el sonido de la banda en sus dos principales pilares. En ésta línea más adelante Turla hizo algo ya habitual, tocando a solas con su guitarra “Shiola”, uno sus temas más emblemáticos que recogió una buena ración de coros de parte del público. La naturalidad propia de los grandes impregnó todo el concierto: guitarras rotas a media canción que obligan a terminarla a capella, humor sobre instrumentos mal afinados y acoples... se agradeció la predisposición honesta de la banda a venir a pasarlo bien y hacer disfrutar a su público. Esta fue la primera ocasión en que vimos en tierras europeas al multi-instrumentalista Scott Brackett, una gran incorporación que con su asombrosa versatilidad consiguió aportar al directo la variedad de sonidos que va incorporando la banda con el paso de los años. La banda cerró el concierto con “Spring Break 1899”, después de una ronda de bises. Quizá lo único que se les podría achacar es la corta duración del concierto que, si bien va siendo normal en los tiempos que corren, se esperaba más tratándose de un concierto sin teloneros donde ellos eran el plato único.

2013

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En conjunto sin embargo fue un concierto maravilloso. Murder By Death demostraron que allí por donde pasan levantan pasiones y consiguen fervientes seguidores, aunque se les siga escapando la piedra filosofal del éxito de masas. Quizá algún día los veamos con la tipografía grande en algún festival de relumbrón, pero esto sin embargo nos impediría disfrutar de veladas tan íntimas, especiales y con tal nivel de conexión como la del pasado sábado.

16/05/2013, Madrid

LOW +Arborea

Fue un aperitivo interesante y bonito el de los norteamericanos Arborea para una audiencia que iba llenando la sala desde bien pronto. El dúo formado, al igual que la banda principal, por un matrimonio, nos ofreció una música de raíces folk que se acercaba a la canción popular irlandesa, utilizando la etérea voz femenina para captar nuestra atención. Con el público coreando la cuenta atrás en pantalla salieron a escena Low, comenzando con “Plastic Cup” la primera canción de su último “The Invisible Way”, el cual fueron desgranando con perfección y un sonido cristalino. Siguieron con “On my own” y su explosión final controlada, “Amethyst” con unos teclados que hacen la canción más bonita aún si cabe que en estudio, y finalmente “Clarence White” para hacer un parón y recordar “The Great Destroyer”. La tétrica “Monkey”, luego “Especially me” dando todo el protagonismo a una Mimi Parker en la parte vocal y nuevamente, recuerdo a su primer disco con SubPop con la tristísima “Silver Rider”... “A veces tu voz no es suficiente” cantaba un Alan muy agradecido al público de Madrid, que mostró respeto absoluto con su silencio. La primera parte del setlist acabó con “So Blue”, acto seguido un bis largo de cuatro canciones para acudir nuevamente al recuerdo y emocionar a muchos espectadores de la vieja escuela con “Sunflower”. Hubiera sido el final perfecto, pero decidieron acabar con “I Hear... Goodnight” de su disco compartido con Dirty Three. Supongo que por aquello del título, al salir de la sala me encontré con una lluvia persistente que no me borró la sonrisa de la boca.

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TERRITORIOS 17 y 18/05/2013, Sevilla

Territorios 2013 ha sido una edición controvertida. Arropada por muchos por sus precios populares y un plantel de grupos cercanos y de orientación festiva, para otros ha supuesto una especie de ‘quiero y no puedo’ o incluso un retroceso por falta de cierto riesgo artístico en el cartel y molestos problemas de sonido. Esperemos que la gran respuesta de público conseguida sirva para cuadrar cuentas y llegar el año que viene a un consenso entre los que buscan mera diversión y los que exigen algo más. Pero hasta entonces nos quedamos con lo vivido en esta decimosexta edición…

PONY BRAVO Tras un notable concierto de Emir Kusturica, la cosa siguió cuesta arriba con el concierto de Pony

Bravo. Los ilustres sevillanos salieron puntualmente a interpretar “El rayo”, única representante de su debut (una pena, todo hay que decirlo), para continuar, ya con el público en el bolsillo, con una buena muestra de sus dos discos posteriores. A pesar de venir presentando “De palmas y cacería”, el cuarteto se demoró con temas como “La voz del hacha” o “Noche de setas” antes de encarar “Cheney”, la primera representante del álbum. Con una compenetración a prueba de balas y un ritmo rápido por las exigencias del horario, siguieron con temas muy aplaudidos como “El político neoliberal”, “Ninja de fuego” o “La rave de Dios”; sorprendieron con otros menos evidentes como la versión de Devo “Whip It”, o las reposadas “Guajira de Hawaii” y “Salmo 52.8”; y emprendieron la recta final con las bailables “Ibitza” y “Zambra de Guantánamo”. Culminaron, como viene siendo habitual, criticando lo que se ‘cuece ahí atrás’ (señalando al backstage), con “Mi DNI”. El mejor concierto del festival.

CORIZONAS La llamada del rock’n’ roll nos llevaba directos al segundo escenario. Aún teníamos fresco el diver-

tidísimo concierto que Los Coronas ofrecieron en la ciudad hacía unos meses, por lo que la ecuación que resulta en Corizonas al unírseles Arizona Baby no podía pasar desapercibida. Ya justo al llegar nos ganaron con toda una “Supernaut” de Black Sabbath al estilo vaquero claro. Y el septeto no paró de derrochar energía y carisma en todo momento; ya fuera versionando clásicos como la mencionada o una “Wish You Were Here” de Pink Floyd; tocando temas propios como los ya muy populares “Run to the River”, “Hey Hey Hey (The Words Today)” o “I Wanna Believe”; o simplemente lanzando sus características proclamas divertidas pero con su toque de reivindicación repartidas entre Fernando Pardo y Javier Vielba. Otro de los grandes momentos de Territorios, con gran diferencia.

PRIMAVERA SOUND 23 al 25/05/2013, Barcelona

Resumir el Primavera Sound es siempre un dolor. De los muchos conciertos que se nos quedaron en la retina y el pabellón auditivo hemos destacado así unos pocos para este anuario. Momentos de un #bestfestivalever que, bromas aparte, demostró un gran nivel con las pegas de los sonidos que se colaban entre algunos escenarios y algo que no nos esperábamos: pasar frío en el Fòrum en mayo.

JUEVES 23

TAME IMPALA El primer gran lleno de Primavera Sound 2013 estuvo plenamente justificado. Los de Kevin Par-

ker ofrecieron un gran concierto en el que se entendió perfectamente el concepto de psicodelia: melodías lánguidas aunque cristalinas y sonido nítido sobre proyecciones coloristas entre las que inevitablemente hay que resaltar el medley “Elephant”/”Feels Like We Only Go Backwards” o “Apocalypse Dreams”. No se notó la reciente baja de su bajista, y definitivamente, nos encontramos ante una de las mayores realidades del género más allá del hype.

BOB MOULD Perfecto fue para cualquier fan el setlist de Bob Mould, beneficiado además por el envidiable so-

nido del ATP, sobre todo por comparación a otros escenarios. Como si fuera tal cosa, Bob Mould se presentaba en formato trío muy espaciado en el escenario respecto de Jon Wuster (Superchunk) a la batería y Jason Narducy al bajo. Y comenzaba el show con el dramático riff de “The Act We Act” en un impresionante viaje por la primera parte del mítico “Copper Blue” de Sugar (“A Good Idea”, “Changes”, “Helpless” y “Hoover Dam”) en un éxtasis irrefrenable que dejó en entredicho otros conciertos-repaso de discos de indie-rock que tuvimos este mismo año. La entrega, intachable; el público maravillado, y un Mould al que se ve muy contento de haber desempolvado su pasado guitarrero. Tanto que, tras recurrir a algún momento de su reciente “The Descent” que para nada bajó el ritmo del concierto revivió con ganas ese pasado en Hüsker Dü algo más tortuoso en lo personal, con auténticos remueve-emociones como “Makes No Sense At All”, “Chartered Trips”, “Celebrated Summer” o “Flip Your Wig”. Y rivalizando con ellas, “Keep Believing”, sublime himno de nuevo cuño.

2013

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FOTO: Dani Cantó

THE POSTAL SERVICE El caso de The Postal Service como cabeza de cartel es curioso. No vamos a poner en duda que lo que

Ben Gibbard y Jimmy Tamborello consiguieron con “Give Up” y esa mezcla de electrónica y pop-rock alternativo fue grande, pero también significaba un repertorio algo corto para estar en lo alto. Estábamos equivocados. A Ben y su continuo meneo de caderas le costó bien poco meterse al respetable en el bolsillo, primero gracias a un inicio bien elegido con “The District Sleeps Alone Tonight” y posteriormente con mucho más factor sorpresa. Hablamos de “We Will Become Silhouettes”, quizá el momento más brillante con una actuación total en la que Jimmy se encargaba de las programaciones, Ben se arrancaba en la recta final como baterista, mientras los coros, guitarras y teclados de ayuda corrían a cargo de Jenny (de Jenny and Johnny) y Laura Burhenn (de The Mynabirds). Un espectáculo que finalmente se vio refrendado con un cierre portentoso con “Such Great Heights” y “Brand New Colony”, aunque en mitad del setlist el repertorio había flaqueado en contenido y variedad. 67

HOT SNAKES Tras extrañas peticiones no sabemos si en serio para que la noria parase durante su actuación, Hot

Snakes pusieron uno de los toques más agresivos de la edición. Su post-hardcore abrasivo caló a golpe de temazo que repasa esa carrera breve pero fulminante que Frohberg y Reis registraron tras disolver Drive Like Jehu. Encantados de estar ahí (Barcelona va camino de ser su segunda casa), fueron otro de los grandes éxitos del ATP de esta edición gracias a cuchilladas punk-rock como “LAX”, “Suicide Invoice”, “If Credit’s What Matters I’ll Take Credit“, “Braintrust” o incluso ese final más melódico con “Plenty for All”. Y demostraron que el punk no sólo es para jóvenes, lo que siempre está bien que a uno le recuerden.

GRIZZLY BEAR Los neoyorquinos Grizzly Bear son uno de los mejores ejemplos de “bandas Primavera Sound”, ese tipo de grupos que nunca faltan. Y tampoco fallaron esta vez, con otra notable muestra de elegancia y de personalidad. Sigue siendo difícil encuadrar a Ed Droste y sus compañeros en cuanto a composición, pero sus nuevos temas no andan lejos de sus exitosos “Knife” y “Two Weeks”. Un soplo de aire fresco y melódico para nuestros oídos que se vio refrendado encima de las tablas con un notable en las voces y un sobresaliente a los instrumentos, especialmente con la concreta labor de Chris Bear a los tambores.

FUCK BUTTONS Tras tres años en los que se ha ido forjando una cierta leyenda en torno a ellos como uno de los gran-

des renovadores de la electrónica ruidista, Fuck Buttons volvían a Primavera Sound por la puerta grande. Durante una hora entera, desde el ATP ofrecieron una sesión continua en la que fue imposible no moverse y volar. Y es que Andrew Hung y Benjamin John Power son ya unos maestros en esto de la progresión sintética con frecuentes miras hacia el rock y un poso popular; haciendo que no pudiéramos dejar de movernos en trance ante los temas de su esperado tercer disco y los clásicos de “Tarot Sport”: “Surf Solar”, “Olympians” y “Flight of the Feathered Serpent”.

VIERNES 24

TINARIWEN Los artistas africanos, bien representados en esta edición, ofrecieron algunos de los momentos más destacables. El caso de Tinariwen es el del trance desértico elevado a su máxima expresión, tirando de la tradición tuareg de su Mali natal, pero entremezclada con dejes de puro rock americano. El colectivo de músicos volvió a traernos sus mensajes de esperanza, ya que aunque no entendamos sus letras nos transportaron a una realidad paralela por un rato.

2013

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THE JESUS AND MARY CHAIN No entendemos las acusaciones a estas alturas hacia Jesus & Mary Chain de grupo ‘soso’, ‘estático’ o

‘desganado’. Los Reid nunca han mostrado otra cara que la huraña y arisca, y su música inspiró a oleadas de chavales retraídos a meterse en el noise y el shoegaze. El quinteto ofreció lo que debía esperarse de ellos: salir, dar un buen repaso a su discografía y volverse tal cual habían entrado. Postura clásica del indie que en ellos es completamente legítima. Quizá a algunos no convenciera que basaran su actuación en “Automatic” y “Honey’s Dead” en detrimento de un “Darklands” del que sólo rescataron “Happy When It Rains” o un “Psychocandy” cuyas representantes fueron dejadas en su mayoría para el final; pero cuando se tiene un repertorio como el suyo, con temas como “Head On”, “Far Gone and Out”, “Some Candy Talking” o “Never Understand”, tocadas a un buen volumen (no al necesario, para muchos) muchas bocas deben cerrarse. Y si además se produce un momento mágico de esos que parece sólo pueden ocurrir en el Primavera, como que Bilinda Butcher de My Bloody Valentine salga a hacer coros en “Just Like Honey”, pues más aún.

BLUR La responsabilidad de encabezar un cartel como el de Primavera Sound debe ser dura, y más cuando has estado en barbecho durante tanto tiempo. Fueron el principal motor de ventas de abonos este año y lo refrendaron con un buen directo. Damon Albarn salió con muchas ganas, aunque disminuyeron un poco según fue avanzando el repertorio. “Girls & Boys” y “Popscene” sonaron fuertes y jóvenes y si en los vídeos de Coachella vimos una banda apática, en Primavera Sound fue todo lo contrario, aunque seguimos echando de menos ciertas canciones de corte más animado de “The Great Escape” o algún repaso más minucioso a su “Blur”. El sonido estuvo bajo, pero eso no pudo contra una colección de canciones excelentes. No sé qué decir que no se haya dicho ya de “Parklife”, “The Universal”, “Country House” o “Coffee & TV”, aunque “Song 2” sigue siendo una especie de broma desatinada. Como nota curiosa, The Wedding Present ejercieron de teloneros por sorpresa, en el techo de uno de los stands del lateral del escenario y sonaron mucho mejor que la banda principal.

TITUS ANDRONICUS Íbamos a Titus Andronicus dispuestos a vivir una fiesta de punk-rock y cerveza. Lo que no imaginábamos era que el más borracho del escenario Pitchfork fuera el propio Patrick Stickles, frontman de los de New Jersey. No sólo nos regaló una colección imparable de himnos de puño en alto sino descacharrantes e insistentes alusiones en ¿español? a los criterios de Pitchfork a la hora de evaluar sus discos o a la figura de Daniel Johnston.

Empezaron fuerte con su emblemático “A More Perfect Union” un setlist que consistió en una equilibrada mezcla entre sus tres discos y en el que brillaron con luz propia consignas aptas para el desmadre en el pogo como “You will always be a loser” (“No Future Part Three: Escape From No Future”) “I’m going insane” (“Titus Andronicus vs. The Absurd Universe (3rd Round KO)”), “Your life is over” (“Titus Andronicus”) o “The enemy is everywhere” (“Titus Andronicus Forever”). El Primavera podrá llevar a la última diva del pop o a la última sensación de la electrónica pero será un festival sin alma sin una dosis necesaria de rock&roll pasado de moda.

NEUROSIS Quizá la gran banda de “metal” imprescin-

dible para el Primavera Sound y que nunca había estado, el oscuro quinteto californiano pisaba por fin el Fòrum y la mala fortuna quiso que fuera el año en que nos cambiaron el ATP. Había miedo de que su propuesta no cuajara, de que languideciera en comparación a esa institución del ruido en el festival en que se han convertido Swans. Lo de Neurosis, es algo mucho más mundano y primario, una fuerza bruta que emerge del hardcore y se orienta al trance, los cambios de atmósfera y el headbanging. Comenzaron una liturgia de subidas y bajadas muy respetadas con un corte de su penúltimo álbum y, tras recurrir a un primer celebrado paso por “Through Silver in Blood”, se enfocaron a la triada inicial de su último disco en orden inverso, mediando la catarsis de la escalada de “At the Well” con los insistentes gritos de Kelly. Demasiado minutaje centrado en este disco quizá, pero se trata sólo de perspectiva histórica y no de que los nuevos temas flojeen en directo. Además, la mayoría se lo perdonaría con una fase final formada por la también reciente y tensionada “Distill” y la esperada “Locust Star” en la que se vivieron algunos de los momentos más sobrecogedores del festival sobre todo con la mezcla de bramidos de los guitarristas. Mejorable eso sí en lo visual ya que, pese al impacto de ver a esta banda de moteros exorcizar sus demonios al unísono, el trabajo de su habitual compañero Josh Graham hubiera llevado un gran concierto a otra dimensión.

FOTO: Javier Perea 70

2013

Cró nicas

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THE KNIFE El musical de The Knife no fue algo para todos los públicos. El nuevo show de los hermanos Dreijer

apenas puede llamarse concierto, o al menos ‘directo’, pero no por ello deja de ser una experiencia digna. Acorde con la imagen extraña que han desarrollado durante toda su carrera salieron, acompañados de un nutrido grupo de bailarines, vestidos de monjes a un escenario en el que había varios instrumentos camuflados entre la niebla. Pero tras un par de canciones, el baile, la performance y el playback se impusieron. Con hieráticos e imprevistos movimientos, acordes a la imaginería queer que quieren trasmitir, los bailarines tomaron el protagonismo mientras se movían al ritmo de, los en gran parte grabados, mejores momentos de “Shaking the Habitual”. De hecho, pudimos ver en las pantallas cómo Karin y Olof permanecían en ocasiones a un lateral, cantando, tocando algo de sintetizador o simplemente tutelando el show, quedando así totalmente al descubierto la naturaleza del evento. A pesar de lo desconcertante y estimulante de la experiencia basada en este nuevo trabajo, lo más aplaudido, “Full of Fire” aparte, fueron los rescates de “Silent Shout”: “One Hit” y el tema título con el que cerraron.

SÁBADO 25

PANTHA DU PRINCE & THE BELL LABORATORY Una de las sorpresas del festival tuvo lugar, una vez más, en el Auditori. A una hora tan temprana

como las cuatro de la tarde, cuando seguro aún miles de asistentes se acababan de levantar, comenzaba a fluir la magia. El artista electrónico y sus colaboradores vestidos de alquimistas con túnica y delantal, aparecieron silenciosamente con sus campanillas ofreciendo unos primeros minutos en que fueron lo único que sonó. Después la cosa cambió bastante, el alemán se acercó a su mesa y sus secuaces a sus respectivos repertorios de campanas y comenzó el viaje más allá del laboratorio que tenían representado en escena. Durante una hora nos tuvieron absortos ante ritmos bailables de una delicadeza cristalina gracias a esos instrumentos, de muy variable tamaño, que tocaban de todas las formas posibles siempre siguiendo las líneas microhouse de Pantha. El remate vino cuando, en formación monacal, subieron hasta el fondo de las gradas, con todo el mundo en silencio y sólo las campanillas del principio oyéndose. La ovación que siguió es de las que se recuerdan.

MOUNT EERIE El drone bucólico de Phil Elverum y sus féminas acompañantes sufrió y mucho del colapso de sonidos que se formaban entre el Heineken y el ATP. El Sonido de Adam Green invadía constantemente las suaves atmósferas de Mount Eerie, amenazando con destruir el concierto. Pero no éramos pocos los congregados para verle y tras Elverum asegurarse de que estábamos disfrutando de su música, aún en tan nefastas condiciones, continuó un concierto repleto de ruido ensoñador y benévolas catarsis que fue, en sus propias palabras “un extraño placer”. 71

ORCHESTRE POLY RYTHMO DE COTONOU Si digo que el concierto de los de Benín fue uno de los mejores del festival sorprendería a muchos, pero todos esperábamos que fuera a estar entre los más divertidos. ¿Cómo no vamos a disfrutar con la lección de ritmo, buen rollo y de profesionalidad que dieron los Poly Rythmo? Tuvieron un par de bajas en la banda por estas cosas de los aeropuertos pero se bastaron para hacer bailar con su afrobeat hasta al más sieso.

DEAD CAN DANCE Aunque su ubicación ideal hubiera sido el Auditori, el lugar y hora en el que finalmente tocaron Dead

Can Dance también nos satisfizo: en el Ray-Ban a la hora del crepúsculo. Y es que no es la pareja australiana un conjunto para ver de cualquier manera. Necesita de condiciones especiales para disfrutar de su música poco convencional pero subyugante. Condiciones que se cumplieron cuando las primeras notas de “Children of the Sun” comenzaron a sonar con los últimos estertores del astro rey ante un público, en su mayor parte en el foso, callado y respetuoso. Con uno de los mejores sonidos del festival, la música del dúo (banda completa en directo), que viene de lugares y épocas exóticas pero con una pátina siempre de cierto pop, encandiló desde el principio a sus seguidores y a muchos casuales. Lisa Gerrard y Brendan Perry confían plenamente en el material nuevo de “Anastasis” y casi la mitad del repertorio estuvo basado en él, rivalizando en emoción con clásicos como “Black Sea” o “The Ubiquitous Mr. Lovegrove”. Ambos estuvieron maravillosos a las voces, aunque nos quedamos con Perry por su mayor cercanía y cerrar el concierto en solitario con una preciosa “Song to the Siren” que a algunos nos dejó con lágrimas en los ojos.

MEAT PUPPETS Tal veneración siento por los Kirkwood que sacrifiqué la incuestionable visita de Nick Cave y los suyos.

No hubo hueco para el arrepentimiento porque esta veterana formación freak que lo mismo le da a la psicodelia que a la ranchera-punk despachó un concierto cuyo sonido, con un bajo atronador, amenazó al del escenario grande, intercalando esos antiguos hits avalados por Kurt Cobain con inagotables jams que iban del hardcore troglodita al rollo más fumeta, además de versiones como el “Hey Baby Que Pasó” de Texas Tornados o el “Sloop John B” de Beach Boys. Entrañables y demoledores, al mismo tiempo.

2013

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WU-TANG CLAN El colectivo que nos ocupa lo ha sido todo en el mundillo del hip hop y quiere

recuperar el cetro con nuevo disco. Para la ocasión, su concierto distó mucho de la espectacularidad que pudimos ver en los vídeos de Coachella: se sabía que no habría orquesta, pero no sabíamos que al final iban a venir con la mitad de la formación y con un repertorio muy lastrado por ello. RZA asumió los mandos como era de esperar, mucho más con las ausencias notorias de Raekwon y Method Man, aunque bien parapetado tras la figura del grandote Ghostface Killah. El set vino condicionado totalmente por las citadas bajas, que excusaron hablando de pérdidas de vuelos, así que no hubo un “Shame on a Nigga” completo, ni un repaso especial a su disco de debut como habían prometido. A pesar de todo hay que reconocer que el concierto fue uno de los más divertidos del festival, con unos MC’s que hicieron su papel a la perfección. La pena es que las expectativas eran mucho más altas.

FOTO: Eric Pamies

junio

21 y 22/06/2013, Madrid

DÍA DE LA MÚSICA

Con unos horarios más favorables para luchar contra el calor habitual de estas fechas, y principal enemigo en ediciones pasadas, arrancaba el Día de la Música 2013. A continuación destacamos nuestras actuaciones preferidas por día.

VIERNES 21

CÁPSULA Los vasco-argentinos Cápsula des-

pacharon su enérgico y vigoroso directo de puro rock en el escenario pequeño del festival. Tocaron unos cuantos temas del inminente nuevo disco, aunque hubo tiempo a repasar algunos de los de su ya nutrida carrera. El torbellino se adueñó así de un público mayoritariamente pop para hacerle partícipe de la gran fiesta de distorsión, ganas y buen rollo. Son infalibles.

PIONAL Al acercarse la hora de cierre, la ca-

lidad no iba a menguar, al contrario. Pional, habitual colaborador de John Talabot, iba a ofrecer una auténtica exhibición con un set live que incluyó unas exquisitas líneas vocales de las que él mismo se encargaba. Su elegante electrónica salpicada de elementos house, atmósferas incluso triphoperas, y subidas de matizado sabor techno y trance, nos hizo bailar de un modo que no por esperado dejó de sorprender. Su buen hacer logró una sonada ovación que se vio recompensada con un último tema de cierre que nos dejó con ganas de que continuase toda la noche.

2013

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SÁBADO 22

THE FALL La banda que lidera desde hace más de 30 años el carismático y peculiar Mark E. Smith, saltaba al

escenario principal y ya desde el inicio se veía que iban a cumplir con las expectativas. Alternando algunas versiones (no faltó “Strychnine” de The Sonics), con canciones de su último Lp “Re-Mit”, así como algún que otro clásico como “Theme From Sparta F.C.” o “Hot Cake”, demostraron que su postpunk, al menos en lo que actitud se refiere, tiene mucho más de punk que de post. Smith, con sus 50 años bien entrados, se paseó por todo el escenario dando una lección de anti impostura, y demostrando con mala baba (no paró de jugar con los amplificadores y los teclados de su banda) lo que el punk pudo ser en otra época. Su recital de spoken word acompañado de bajos gruesos y ritmos repetitivos fue lo mejor de un sábado al que los británicos añadieron algo de sabor y elegante presuntuosidad.

DISCLOSURE Con los hermanos de Disclosure todo el mundo bailó. Los temas de “Settle” son ya de por si muy

buenos, con especial mención a “White Noise” y “When a Fire Starts to Burn”. El dúo los revive con justicia en directo y la jugada de intentar tocar en vivo lo máximo que pueden, les queda bien. Que si ahora cojo el bajo, que si luego toco la percusión, que si lanzo samples, que si me ayudo de las pantallas... sin duda se harán muy grandes.

15/06/2013, Bilbao

CLUTCH

+Orange Goblin +Truckfighters SETLIST

Crucial Velocity Cyborg Bette Mr. Freedom Book, Saddle & Go The Mob Goes Wild The Profits of Doom Earth Rocker Unto the Breach Burning Beard Regulator DC Sound Attack! 50.000 Unstoppable Watts Mice & Gods Gone Cold The Face Electric Worry BISES Oh, Isabella The Wolf Man Kindly Requests

Las ganas eran terribles por parte del público rockero de ver a Clutch en 2013. Y no será porque la banda no se ha prodigado en los últimos años, pero no parecía haber forma de desligarse de los corsés horarios de los grandes festivales, que aún así no les impedió eclipsar en el Azkena Rock Festival o el Sonisphere, a más de un cabeza de cartel. Por fin los norteamericanos pisaban las salas y en Bilbao además arropados por dos bandas afines muy asentadas. Diremos afines porque la personalidad de Clutch queda muy al margen de la corriente stoner, aunque haya puntos coincidentes. Puntualísimos comenzaron los suecos Truckfighters y empezaron, sobre todo de mano de su alocado guitarrista, un recital arrollador de pleitesía al fuzz con actitudes más punk-rock. Orange Goblin triunfaron aún más con su cazurrismo extremo medio stoner medio heavy metal. Así que tras dos conciertos muy buenos, los de Maryland saldrían apostando todo a su presente interpretando “Earth Rocker” en su totalidad. Aunque nos de pena quedarnos sin algún que otro clásico, el disco lo merece, no hay motivo de queja por ese lado. Tampoco por la entrega de siempre por parte de Neil Fallon, su voz e intimidatoria presencia, ni del espectacular Jean-Paul Gaster a las baquetas, el groove personificado. Ellos son como siempre a quienes toca mirar en el escenario mientras Dan Maines al bajo apenas se mueve y Tim Sult, pese a ser un guitarrista de quitarse el sombrero varias veces, está tan encogido y concentrado en su instrumento que no sabemos siquiera si echa alguna mirada al público durante el concierto. Pues eso, “Earth Rocker” por un tubo y comienzo arrollador con “Crucial Velocity” y “Cyborg Bette” para entrar en los aires funk-rock de la irresistible “Mr. Freedom”. Canciones que desde el minuto uno fueron coreadas, bailadas y recibidas como clásicos, tal y como corresponde quizá, a su disco más directo. La primera de las contadas perlas del pasado a las que recurrieron fue “The Mob Goes Wild” tal vez en un momento aún muy temprano para que efectivamente la turba enloqueciera como es debido, pero al continuarla con el poderoso stoner de “Profits of Doom” describieron uno de los momentos álgidos del concierto apenas comenzado. Pero la cosa no iba a parar por un tiempo

2013

Cró nicas

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ya que como decimos la mayoría de temas nuevos, al menos los más punk-rockeros, dan incluso menos tregua que los antiguos. Si en este trayecto comprobamos además que son una banda auténtica, que cambia los setlists día a día permitiendo en Bilbao disfrutar por ejemplo de una “Burning Beard” o una “Mice & Gods” que no habían caído en Madrid ni Barcelona, la euforia crece y crece. A destacar dentro de un concierto tan sólido y rocoso, la armónica y el cencerro en “D.C. Sound Attack” o los únicos momentos de relax con “Revelator” y más tarde “Gone Cold”. Complicado por cierto encajar esta última en mitad de un concierto tan de subidón. Se me ocurre por ejemplo que sería una opción ideal para abrir los bises y tal vez contaría con más respeto por parte de la gente, en vez de aprovecharla para comentar la jugada, que es lo que suele suceder. Por contrapartida, “50.000 Unstoppable Watts” y finalmente la ineludible “Electric Worry” de cuyos pogos no hay quién se esconda en un concierto de Clutch, fueron dos de los últimos grandes cartuchos del concierto, siempre combinados con otros de rabiosa actualidad. Lo malo es que quizá terminaron el setlist reglamentario demasiado en lo alto para lo que les quedaba por ofrecer en los bises. “Oh, Isabella” y “The Wolf Man Kindly Requests” sonaron bien, se disfrutaron, pero fueron incapaces de prender la mecha dónde la habían dejado y así terminó el recital de forma un tanto triste que en nada hizo justicia a lo que había sido: la constatación de que para muchos, a diferencia de retornos a medio gas, viejas glorias arrastrándose o grandes esperanzas con todo por demostrar, Clutch son la banda de rock n’ roll más grande que hay. Si les toca un público que corresponde y el gran sonido que nos brindó la Santana27, la cosa roza la perfección.

28 y 29/06/2013, Vitoria-Gasteiz

AZKENA ROCK FESTIVAL Complicada cuando menos la edición del Azkena Rock Festival 2013. Cambios de fecha, plazos de confirmación atípicos y rumores, muchos rumores planeaban sobre una realidad palpable, que es que el festival se ha tenido que replantear y replegar volviendo a la fórmula clásica de dos escenarios alternos y con un cartel que, pese a una razonable relación calidad/precio despertaba más bien pocos entusiasmos incluso entre los fieles. Fieles que finalmente respondieron dando quizá un voto de confianza a la cita rockera y esperando que se reponga en el futuro.

VIERNES 28

THE BLACK CROWES En la carpa, los neoyorkinos Alberta Cross triunfaron con su mezcla de rock americano y sensibilidad

pop británica, fueron un refrescante aperitivo previo a The Black Crowes, ese menú de varios platos que comenzamos a degustar con ganas, llegamos a saciarnos con excesivas jams y finalmente acabamos satisfechos. Pero no nos podemos quitar la sensación de que los mismos cocineros lo han hecho mejor en anteriores ocasiones y que siguen teniendo mejores ingredientes de los que podrían echar más mano. Un concierto remarcable que mezcló hits imprescindibles (“Soul Singing”, “Remedy”) con temas más especiales (“By Your Side”, “Good Friday”) y versiones varias como la festiva “Hush” que popularizasen Deep Purple. Recital que, aún con sus escollos, no les baja del pedestal de “institución del Azkena”.

THE SHEEPDOGS The Sheepdogs demostraron, mal que a algunos nos pese, que este tipo de bandas y no Modest Mouse a los que sustituían, son las que están hechas para triunfar en el Azkena. ¿Sabes el grupo que cada año se “consagra” en el festival y acaba viniendo a llenar salas al poco tiempo? Pues esos fueron los canadienses este año gracias a su animado rock sureño que hizo disfrutar de lo lindo en la carpa a los amantes del género.

2013

Cró nicas

MIXTAPE

SÁBADO 29

LOS ENEMIGOS El sábado venía marcado por la sucesión de cabezas de cartel un poco flojos pero que en su tota-

lidad pretendían convencer. Los Enemigos cumplieron como valor seguro que son, sus fans no se pegaban por estar en las primeras filas sino más bien por canturrear en corros de amigos un repertorio que despierta muchas nostalgias y que sigue sonando igual de bien, una retahíla de himnos canallas que deberían ser espejo de otros “rockeros” patrios que también poblaron el cartel.

THE GASLIGHT ANTHEM Pese a su estatus internacional muy considerado, The Gaslight Anthem eran una especie de patitos

feos del cartel cuya credibilidad parecía cuestionada casi como si fuera su culpa que el sábado no contase con un cabeza de cartel mayor. El ahora quinteto comenzó con “Handwritten” un setlist dedicado a su último disco aunque con paradas más o menos en los tres últimos, incluso una muy necesaria “1930” de su casi olvidado debut para paliar momentos algo más melosos. Mucho himno apto para corear, entre el punk melódico de deje springsteeniano y temas de mayor homenaje a la guitarra como “Even Cowgirls Get the Blues” y “Too Much Blood” o delicados como “The Queen of Lower Chelsea” o “Here Comes My Man”. Posiblemente no hubiera sido lo mismo sin el sencillo carisma del sonriente Fallon, siempre encantado de estar ahí y agradando al personal con una fantástica versión del “Bonzo Goes To Bitburg” de Ramones y otra más típica aunque improvisada sobre la marcha de “Baba O’Riley” para el climax final.

ROCKET FROM THE CRYPT Finalmente Rocket From the Crypt jugaron a dividir al público. Speedo fue más Speedo que nunca

y achispado, dio speeches a diestro y siniestro. Un error que le granjeó los odios de la mayoría de asistentes no muy entregados a la banda y que incluso minó la paciencia de más de uno en el pogo, que veía como el ritmo era cercenado. A veces estuvo gracioso pero sobró tanto jugueteo con la cámara y dedicarle tanto tiempo al numerito de que la gente le tirase camisetas. El sonido para colmo, dejó que desear. A algunos todo nos lo compensaría un comienzo tan excitante con “Middle”, “Born in 69” y “On a Rope” o más adelante “Sturdy Wrists”, “I Know” y en definitiva un puñado de temazos de rock n’ roll acelerado y trompeteado. Cuando el circo roba tantísimo tiempo de actuación no deja de lastrar lo que se prometía un glorioso cierre de festival.

julio

11/07/2013, Madrid

NUEVA VULCANO + Biscuit + Aliment

En una escena independiente en la que no siempre perduran los más especiales o más honestos, casos como el de Nueva Vulcano nos reconfortan. Antes de este concierto sorpresa, Aliment, banda de corte garagero/lo-fi, supo aprovechar el sonido de la caverna que es Costello para sonar más punk. Biscuit ofrecieron en cambio rock and roll desde la veteranía. Cuando sacan su vena más powerpopera las cosas funcionaron mucho mejor que cuando se ponen clásicos. Y luego llegó el regreso oficial de Nueva Vulcano a los escenarios, que empezó calmado recordando “Principal Primera”, pero para cuando atacaron “El Día de Mañana” de “Juego Entrópico” la cosa ya se tornó en el mayor karaoke del mundo, sobre todo cuando la guitarra de Artur falló y el respetable siguió la canción con Albert y Wences. No hubo marcha atrás. Ni con las cuatro canciones nuevas que presentaron inmediatamente después de repasar por completo “su mejor disco” según Artur, el EP “Los Días Señalados”. Finalmente llegó el cierre con el repaso a “Los Peces de Colores”: “Dulce y Ácida”, “Te Debo un Baile”, “Amor Moderno” y “Níquel, Canela”. El resultado final fueron sonrisas, abrazos, sudor y una ovación cerrada a un grupo único en todos los sentidos.

2013

Cró nicas

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BILBAO BBK LIVE 11-13/07/2013, Bilbao

Una nueva edición del Bilbao BBK Live que contó con el respaldo del gran público y que volvió a sufrir de problemas organizativos y logísticos. Tras 7 años de festival, deberíamos haber avanzado algo en el tema de accesos y colas, por mucho que la situación del recinto sea compleja. Este año se agravó aún más para quienes sufrieron el desplazamiento del camping. Toca actuar si se quiere afianzar una cita asentada en cartel y número de asistentes que pese a lo masivo, este año fue salvada en lo musical por los grupos de nombre más pequeño. Destacamos algunas de sus actuaciones FOTOS: Musicsnapper & Tom Hagen

JUEVES 11

ALT-J

ALT-J La banda revelación de Leeds no necesitó más que ejecutar a la perfección los temas de su primer

disco para meterse en el bolsillo a todo el público que poblaba ya las campas. Temas que ya se sienten como clásicos y son bailados con ganas (“Dissolve Me”, “Fitzpleasure”) o coreados hasta la saciedad (“Something Good”, “Matilda” y como no, “Breezeblocks”). Sonido de lujo y defensa a la altura tanto vocal como instrumentalmente de un disco nada fácil. Culminando con una versión a capella del popular “A Real Hero” de la banda sonora de Drive y “Taro”, dieron la imagen de banda experimental pero orientada al buen rollo y se ajustaron perfectos al sol de la tarde. Esperamos que tengan un crecimiento sostenido y no se conviertan en flor de un día, porque tienen madera de cabezas de cartel. Desde luego, se hubieran impuesto a los de las tres jornadas del festival esta edición.

BIFFY CLYRO Los escoceses llegaban presentando un disco en el que se les va la mano con la balada y el medio tiempo, pero supieron buscar un equilibrio y hacer gala de una entrega que sólo corresponde a una banda de rock con todas las letras. Como casi siempre a pecho descubierto y ayudados por ese cuarto miembro en la sombra, desplegaron el rock alternativo de tintes épicos que puebla sus últimas obras, destacando momentos catárquicos tanto en sacudidas (“The Captain”, “Bubbles”) como en la calma (“God & Satan”). Momentos que dejan claro más que nunca en directo que “Opposites” es más de lo mismo que había en “Only Revolutions” pero en peor, sin paliativos. De su nueva obra lo que más brillaron fueron los aires de punk melódico de “A Girl and his Cat”. “Spanish Radio” con sus trompetas imaginarias y “Opposite” protagonizaron en cambio lo más tedioso del concierto en su ecuador. Lo remontaron con el ritmo maníaco de “Living is a Problem”, empezando una alternancia final de rock y medios tiempos con garra con puntos álgidos en “That Golden Rule” y “Mountains”, piedra rosetta de esa mezcla entre los aires del rock alternativo americano y sus aspiraciones pop de estadio. Continúan siendo valor seguro en directo.

VIERNES 12

MARK LANEGAN BAND Prácticamente el comienzo de Mark Lanegan y de la lluvia fueron de la mano, primero tomado esto último con risas, después resignación y finalmente hastío. Hubo quien corrió a resguardarse, pero si el músico estadounidense se muestra impertérrito truene o haga sol, nosotros tampoco íbamos a abandonar el escenario. Llegaba a tener hasta su gracia presenciar un concierto de este adalid de la oscuridad bajo un enfurecido cielo gris. “Gray Goes Black”, “The Gravedigger’s Song” y “Hit The City” entre otras, consiguieron sonar hasta que alguien salió e indicó a la mesa de sonido que había que cortar. Terminó la canción y se lo comunicaron a Lanegan que ni corto ni perezoso se largó sin hacer amago de adiós. Quizá dejarle seguir tocando visto el panorama fuera una temeridad, pero para el público con agua hasta en el DNI y ya sin nada que perder, el parón sí que supuso un verdadero jarro de agua fría.

2013

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PIL Uno no va a ver a una banda liderada por John Lydon sin algo de miedo en el cuerpo. Lydon fue Lydon con toda su excentricidad, pero qué duda cabe que aprecia mucho más esta encarnación musical que a los Sex Pistols y se entrega en consecuencia. Y es que seguramente PiL sea una de las bandas de post-punk más infravaloradas a la par que influyentes y en Bilbao se demostró tanto lo uno como lo otro, y a gran parte del público no le hizo nada de gracia. Me van a disculpar que no me fíe de una audiencia que se trague sin protestar lo de KOL y que luego se aburra con Public Image Ltd. Comenzaron con fuerza y su hit “This Is Not a Love Song”, mucho más aguerrida hoy en parte por la garganta de Lydon. De todos modos, casi tanta atención como el frontman requería ese ‘guitarrista’ que es Lu Edmonds con un arsenal de étnicos instrumentos de cuerda digno de galería. Y resulta impresionante su figura tocándolos entre ese clima hipnótico, a veces rozando la rave, a veces mostrando que bandas tan populares como The Prodigy o Rammstein también llevan parte de sus mimbres. Scott Firth al bajo y Bruce Smith a la batería se encargaron por su parte de tejer la maraña rítmica necesaria, como supervivientes del género (el segundo ha militado también en The Slits o The Pop Group). Post-punk, folk oscuro y dub decadente que quizá en la parte central llegó a hacerse demasiado duro, pero sonó entre lo más interesante y vanguardista que escuchamos en todo el festival. Habiendo transcurrido 30 años desde sus tiempos uno se pregunta ¿qué le está pasando a la música popular hoy? Algunos pensarán que Lydon hace años que está acabado, pero lo triste en realidad es que hay muchos chavalillos triunfando que ni siquiera han empezado.

SÁBADO 13

TWIN SHADOW Mientras Green Day ofrecía la primera parte de su espectáculo, George Lewis Jr. ofreció un notable concierto en el que su sintético y ochenterista cancionero tomó fuerza rockera. De hecho, por momentos sonó a un rock de estadio bastante alejado de su pedigrí indie con temas como “Golden Light” o engrandecidos himnos synth-pop de nuevo cuño como “Five Seconds”. Tal vez sea ese aire retro, esa concepción del pop al estilo de hace décadas, pero sus canciones y su música en general tienen tal potencial comercial que nos extraña estar viéndole aún en un escenario pequeño de festival. Seguro que no pasa mucho hasta que esté en las ligas mayores. De momento ya le tiraron unas bragas y después un sujetador, como a los toreros, vaya.

2013

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25/07/2013, Sevilla

MCENROE + Blam De Lam

A pesar de haber transcurrido ya casi un año y medio de la publicación de “Las orillas”, McEnroe no habían acudido a presentarlo en formato eléctrico a Sevilla. Primero fue el momento de los jienenses Blam de Lam para presentar su debut. Ejercieron de acertados teloneros con su rock espacial y su shoegaze intenso, con claras miras al indie nacional de hace décadas, dejando buen sabor de boca. Sin mucho misterio sino con sencillez, subieron cuatro de los seis miembros de la banda al escenario. Comenzaron con dos de los mejores temas de “Tú nunca morirás”, “Tormentas” y “Los veranos”, y en menos de diez minutos los de Getxo supieron trasladar lo mejor de su música al directo: intensidad eléctrica contenida a favor de una tensa oscuridad melódica; respetada con más silencio de lo habitual en este ciclo al aire libre, obviando a un espontáneo de primera fila. Así, el resto de la velada vino ya de corrillo. Con el teclista ya sobre el escenario, Ricardo Lezón agradeció a Raúl Pérez, productor de “Las orillas”, que se encontraba al control de sonido, y continuaron con un repertorio de sus tres últimos discos. “La cara noroeste” no tardó en caer para regocijo del público; tampoco “Los valientes”, quizá el momento más movido de la noche. “Las mareas” sonó preciosa, extendido su final para que el público hiciese con sus coros justicia a una de las canciones más bonitas hechas en este país en los últimos tiempos. No se olvidaron de “Mundo marino”, con “Islandia” o “Jazz”, ni momentos más escondidos como “En Mayo” que emocionó en su tramo final. Finalmente, invitaron a subir a David Cordero de Úrsula, para acompañar el crescendo delicado de “La Palma”. Y antes del bis, cayó “Mundaka”. Bajaron, pero no tardaron en subir a tocar esa joya de directo que no se deciden a grabar como es “Resurrección”. Una noche bien completa y emocionante, de las mejores de Nocturama 2013.

JAZZALDIA 26-28/07/2013, Donostia

Si había un momento que hacía del Heineken Jazzaldia 2013 algo especial ese era sin duda el del Kursaal en la jornada del sábado. John Zorn y su libro Masada eran el epicentro de un mini festival dentro de un festival. Si el resto de jornadas el nombre propio destacado había sido el del Escenario Verde y con un cariz más populista, ahora tocaba pasarse a la experimentación minoritaria del universo Zorn.

Masada Quartet

¿Qué puede haber mejor que empezar el maratón Masada en un festival de jazz que con la formación más puramente jazzística del mundillo Zorn? Además, con el propio saxofonista como una pieza más de la formación y no sólo dirigiendo. La trompeta de Dave Douglas lució, pero poco a la sombra del genio del saxofón. Greg Cohen en su sitio, pero sobre todo soberbio Joey Baron y su versatilidad al instrumento, y eso que con la genial actuación de Masada Quartet sólo acababa de empezar su lección. Fue el primer aviso de que la cosa no iba a pasar de los tres o cuatro temas por formación.

Duo Sylvie Courvoisier & Mark Feldman

El matrimonio formado por el violinista Feldman y la pianista Courvoisier quizá fue de los más duros para los no demasiado iniciados en el jazz. La ejecución y el magnetismo entre ambos fueron perfectos, pero se tornó en algo monótono y carente de sustancia para abrir fuego. Una música que en la comodidad del Kursaal hizo que hubiera algún que otro bostezo en las cercanías del que escribe.

Banquet of the Spirits

El proyecto más personal del percusionista Cyro Baptista fue todo lo contrario al calmado y lineal show de violín y piano. A Cyro, en su rincón de escenario reservado justo al lado de Zorn, le dio por sacar cachivaches hasta que se le acabó el tiempo: panderetas, una rueda enorme con platillos, ... Pero es cuando se pone con las congas y los tambores cuando mejores resultados obtiene. La formación, estuvo correcta pero aportó poco más que un soporte al desvarío del brasileño con sus instrumentos y ejerciendo de director de orquesta.

Mycale

Con el cuarteto formado por Tammy, Ayelet, Malika y Sofia llegó la presencia vocal en el escenario donostiarra. Si últimamente hemos visto bandas creando propuestas con mucha carga vocal, lo de Mycale cuajó bastante poco. Tiene mérito pero en lo suyo no están a la altura de lo que ofrecía el resto de músicos del evento.

David Krakauer ‘s Ancestral Groove

El clarinete de David Krakauer era el hilo conductor de una banda de apoyo interesantísima y variada, donde la música judía y el jazz convergen perfectamente con el funk y el blues. De hecho, entre los cuidados samples y bases de Keepalive y esa sección rítmica precisa es mucho más fácil brillar y sorprender. Por poner pegas, demasiado protagonismo en los solos de David no le hicieron bien del todo al resultado final.

Bar Kokhba

Una de las formaciones más variadas y rítmicas del universo zorniano volvió a salirse con la suya. Marc Ribot a la guitarra apareció por primera vez en escena para meterse a todo el mundo en el bolsillo, cosa que terminaron de hacer también Cyro Baptista y un Joey Baron con un disfraz (no literal) nuevo. John Zorn salió otra vez a escena dirigiendo.

2013

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Secret Chiefs 3

Eran seguramente la formación más fuera de juego de todas las que pasaron por el Masada Marathon, sin duda la menos jazz y la más rockera. Para su corta actuación de cuatro temas naturalmente repasaron su “Book of Angels” con mucho tino y sin las habituales túnicas. El sonido del teatro no terminó de hacerles sonar bien, perdiendo parte de la pegada de las guitarras de Trey Spruance y de Gyan Riley (que sólo les acompaña en sus conciertos Masada). El día siguiente en solitario dieron probablemente el concierto del festival (maratones aparte).

Erik Friedlander

El concierto de Friedlander sólo ayudado por su chelo parecía encaminado a ser uno de los mayores aburrimientos del festival, o al menos uno de los más complicados para los que estábamos más por la experimentación que por la vena jazz. Error grave de cálculos, porque la versatilidad de estilos y sonidos de Erik es algo digno de aplauso. Gran e inesperada ovación.

The Dreamers

La cara más amable y cercana de la jornada fue otra actuación triunfante. Suponemos que los fans más devotos de Zorn siguen sin serlo de una formación más melódica y armoniosa como esta, pero el resultado de su concierto es de una majestuosidad que hay que aplaudir. El vibráfono de Kenny Wollesen concentraba toda la atención mientras a su lado aparecían por primera vez Jamie Saft a los teclados y Trevor Dunn al bajo, aunque el resto del protagonismo se lo volvieron a llevar los Baptista, Ribot y Baron, con el permiso del saxo del propio Zorn.

Masada String Trio

De nuevo Zorn en escena, esta vez dirigiendo como suele hacer en este formato trío de Masada: con las rodillas cruzadas sentado en el suelo, justo frente a los músicos. La gestualidad para dirigir a las formaciones no siempre parece tener sentido, pero en el caso de este trío de cuerda sí se hizo tan divertido como pudiera pasar con Electric Masada. Una actuación con ritmo alegre y excepcional trabajo de los tres ejerciendo de base musical de las piezas o de solistas.

Uri Caine

El piano de Uri sonó de lujo, aunque nos diera la espalda durante su actuación, pero tras el subidón de Dreamers y Masada String Trio su show no encontró la manera de contentar. Estar entre las formaciones más esperadas, justo antes del cierre de Marathon, no ayuda.

Electric Masada

Voy a robar directamente lo que un buen amigo me dijo del Masada Marathon y que viene muy al hilo del que fue último concierto del ciclo. La reflexión del susodicho es que en el evento estábamos ante un menú degustación, no ante un chuletón de cien euros que claramente nos iba a dejar más llenos pero habríamos comido lo mismo todo el rato. Con esto pasa igual, porque la sensación con la que me fui del Electric Masada de los genios Zorn, Ribot, Saft, Baptista, Wollesen (a una batería), Baron ( a la otra), Dunn y la asiática Ikue Mori, es de haber visto algo que no es de este mundo. No se me ocurre nada que pueda explicar este compendio de locuras virtuosas y estructuradas que me hicieron dar brincos con cada sobresalto. Sin duda que una actuación larga de este combo puede cansar a algunos, pero el impacto que consiguieron para cerrar el ciclo de conciertos Masada fue el mayor de todos.

septiembre

06/09/2013, Sevilla

PONY BRAVO + Santa Rita

Lo que algunos sospechábamos se hizo realidad: el concierto de clausura de Nocturama 2013 resultó ser el mejor de todo el ciclo. Es difícil igualar el estado de gracia, el nivel de creatividad y originalidad del cuarteto. También había curiosidad había por ver a una de las promesas del panorama nacional, Santa Rita. Las barcelonesas tocaban por primera vez en Andalucía y se mostraron muy asombradas por la cantidad de gente que abarrotaba el patio de la Cartuja. Aún así, no se anduvieron con mucha complacencia y ofrecieron un concierto adusto y basado enteramente en la distorsión, tal como destila su debut “High on the Seas”. Se notaba que el rock las dominaba y que ellas sólo podían responder tocando lo más intenso y fuerte posible; configurando así uno de los conciertos de ROCK más genuinos de todo el ciclo. Al menos por el sur, han dado un paso hacia adelante y hacia arriba. La sorpresa de este nuevo concierto de Pony Bravo fue su mayor empaque electrónico. El cuarteto, que se confesó muy nervioso por tocar en casa, salió entre penumbras y desconcertó a todos con un comienzo nada habitual: “El mundo se enfrenta a grandes peligros”, amenazante y ambiental tema que cierra su reciente “De palmas y cacería”. Después entroncaron con las más recurrentes “China da miedo” y “Noche de setas”, pero ya desde ese primer instante vimos esos ciertos aires de novedad en el siempre mutable directo de los sevillanos. Así, restándole presencia al suficientemente presentado “Un gramo de fe” (más de dos años girando con él), el grupo tocó íntegro su último trabajo intercalando sus canciones con temas clásicos y algunas versiones seleccionadas. De su debut rescataron “El rayo” y una “El Pony Bravo” radicalmente mutada en esta encarnación más electrónica. Comprobamos como “Turista ven a Sevilla” y, sobre todo, “El político neoliberal” son ya parte tan básica de su repertorio como “La rave de Dios” o “Ninja de fuego”, una de las tres versiones que sonaron junto con “Whip It” de Devo y una inesperada “Baila cadera” de Silvio y Luzbel. Encuentro entre dos luminarias de la ciudad que, tarde o temprano, tenía que alumbrar. Hubo tiempo además para escuchar la evolución de “Mangosta”, transformada ya en un tema con todas las de la ley con guasón poso sudamericano, pero la guinda llegó al final. Con Darío del Moral manejando el sinte y Pablo Peña a cargo de la percusión electrónica, “Zambra de Guantánamo” e “Ibitza” sonaron por fin con todos los beats que se les exigían, dejando a la ‘rave’ incluso en evidencia en cuanto a convocatoria techno. La experiencia finalizó, como viene siendo habitual, con una “Mi DNI”, convertida en hype si hacíamos caso a los gritos de mucha gente pidiéndola antes del bis. Curioso como el personaje del que habla el tema se encarnó en realidad en varios individuos que ‘posaban’ luego durante la exquisita sesión de Darío tras el concierto.

2013

Cró nicas

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AHORATENEMOS BLOGS Por fin podemos decir aquello de “Feiticeira no se responsabiliza de las opiniones vertidas en este artículo”

RAUL

AMALIO

YURI

RICARDO

KUTXA KULTUR FESTIBALA 6-7/09/2013, Donostia

Hay festivales que se tornan en algo especial, bien sea por un cartel cuidado, un aforo reducido, un entorno especial, o varios de esos factores juntos. El Kutxa Kultur Festibala cumple alguno de ellos a la perfección, enmarcado en el Parque de Atracciones del Monte Igueldo, con una de las mejores vistas posibles de San Sebastián. En lo negativo, la falta de información, el exceso de aforo y cierto descontrol en la salida del festival causaron un malestar que hay que mejorar.

JUNIP

La aparición estelar de este primer día de Kutxa Kultur era la de los suecos Junip. Liderados por el sueco José González, el sexteto se presentó como una banda completa para llevar todos los detalles de sus discos al directo. No son un grupo especialmente destinado a los festivales, pero siendo a una hora temprana, cuando la gente no lleva aún mucha cerveza en el cuerpo, sí que se creó un clima adecuado para disfrutar de su folk escandinavo. Sonaron “Always”, “In Every Direction”, o la genial “Without You”, de su alabado, “Fields”, pero sin duda el momento clímax de su hora de actuación llegó casi al final cuando los primeros acordes de “Line of Fire” trajeron consigo el primer diluvio del fin de semana. Pocas veces la lluvia fue tan bienvenida en un concierto al aire libre. Increíble tema el que abandera su último y homónimo disco, e increíble su representación en vivo.

2013

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DINOSAUR JR.

El trío nos parecía apropiado para cerrar el festival dado que se encuentra entre nuestros favoritos, pero a la vez sabíamos que la alegría de la huerta precisamente no son en directo. Viendo a J. Mascis pasearse por los escenarios con esas pintas continuas de recién levantado de la siesta ya imaginábamos que la cosa no iba a ser muy diferente, pero al menos esta vez estaba Murph a la batería, al que no pudimos ver en el pasado Primavera Sound. Precisamente el setlist no varió demasiado de aquel y es que pese a esta merecida fama de ir a su bola de la banda lo cierto es que cargan el set de hits. Así entre muy bien recibidos temas nuevos como “Watch the Corners”, “Don’t Pretend You Didn’t Know” o “Rude”, esta última con Lou Barlow a las voces, no pestañean en meter “Feel the Pain”, “The Wagon”, “Start Choppin” o su eterna versión del “Just Like Heaven”, entre otras perlas de su repertorio que son interpretadas con el mismo pasotismo por parte del líder de la banda. Mientras, paradójicamente un provocativo Barlow grita al público que a ver si lo pasa bien y ante la afirmativa respuesta, reincide diciendo que no lo parece. Parte del cómico juego de esta extraña pareja del indie-rock. El concierto echó en falta un poco más de volumen y mayor complicidad del público en general. Pero eso me temo que no es algo exclusivo de la banda sino del contexto temporal. No sé a dónde fueron a parar los pogos, pero esta es otra historia.

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18/09/2013, Erandio

LOMA PRIETA +Enoch Ardon

La reputada banda californiana venía presentando un cuarto disco titulado “IV”. Dado su culto, sobre todo entre los más aficionados a géneros como el screamo, el crust o el power violence, fue apropiado que les acompañaran los asturianos Enoch Ardon, banda puntera de nuestro screamo y bastante más que unos teloneros. Reactivados y con la baterista de Allfits, salvo algún simpático problema técnico, ofrecieron un concierto con el público parado y atento. Fue breve, como demanda el estilo y certero, destilando esencia 90s a través de ruido y agresión guitarrera y catárquicos remansos melódicos. Por su parte los californianos hacen algo de valor tratando de escapar de su nicho, por no hablar de una notable entrega física enlazando todas las canciones de su show. Si Enoch Ardon son más vaporosos, ellos son más rotundos, si los asturianos son más hardcore, ellos son más metálicos, más noise y sus juegos instrumentales, más intrincados. Grandes músicos los cuatro, sólo le pondría pegas a la voz del cantante principal, en ocasiones demasiado aguda y cargante. Fue un recital asfixiante y en el que la melodía brilló por su ausencia salvo en un tema hacia el final de los aproximadamente 30 minutos que tocaron. Lo que me extrañó, fue que el público consiguiera sacarles finalmente un bis de un par de temas.

2013

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23/09/2013, Madrid

MOON DUO +Terrier

Meteórico ascenso el de la pareja formada por Ripley Johnson y Sanae Yamada en suelo madrileño, en tres años pasando de la Nasti a la Boite Live. Antes de que la pareja atronase nuestros oídos con sus ritmos machacones, los locales Terrier defendieron su reciente EP. Si bien su faceta en estudio es algo más popera en directo ganaron en pegada y en ruidera, para bien y para mal. Garage divertido que vino bien para abrir fuego. Después aparecieron en escena Moon Duo, con Sanae y sus dos teclados a la izquierda y Ripley a la derecha con sus amplis y guitarra. Ahora traen como novedad a un batería al fondo, un gran acierto. Porque si Sanae y Ripley encajan sus instrumentos a la perfección, esta percusión aporta viveza a una propuesta que era quizá algo estática en directo. Además estuvo muy comedido imitando los ritmos del disco, aportando lo justo, algún que otro relleno de bombo o caja. Entre el repertorio, poca novedad al margen de temas redondos de melodía muy reconocible como “Sleepwalker” o “I Can See” de este reciente “Circles”. El sonido de La Boite volvió a funcionar mejor que nunca, haciendo todavía más grandes las interpretaciones de “Mazes”, “In The Sun” o “Motorcycle, I Love You”. Y para colmo, a pesar del sold-out, la gente estuvo metida en el concierto y sin charletas de los que van a lucir palmito.

octubre

02/10/2013, Madrid

COLOUR HAZE

+My Sleeping Karma + El Páramo Uno de los conciertos más ansiados para los amantes del stoner y la psicodelia más pesada. Los alemanes Colour Haze pisaban por fin suelo español en sala consiguiendo el sold-out de toda una Caracol. La tarea de abrir el concierto fue la de los muy apropiados El Páramo, una apisonadora que hubiera puesto las cosas difíciles a teloneados de menor empaque. Los que sí sufrieron para mantener el nivel fueron My Sleeping Karma, con una apuesta más cercana al post-rock que además tuvo problemas con la electricidad. Por suerte con la banda principal no sólo no sufrimos cortes, sino que vivimos un sonido de precisión casi perfecta. Comenzó el concierto como si nada con “She Said” y para cuando comenzaba la segunda canción (“Moon”) ya nos habíamos dado cuenta que esa noche iba a ser especial. Durante dos horas y pico de concierto la banda llenó de vigor el clima cálido que presentaba la sala Caracol, manteniendo el tipo muy bien con un repertorio equilibrado, repasando con un par de temas tanto “Tempel”, “Colour Haze” o el reciente “She Said”, e incluso con un tema nuevo. Por si fuera poco, regalaron un bis extenso, con la habitual “Peace, Brothers & Sisters!” que fue tan interesante y bien ejecutada como inapropiada para ir cerrando (aproximadamente veinte minutos). Por suerte el cierre final con “Get it on” y el final de set normal con “Tempel” no tuvo fallo posible, una pieza que aún yéndose casi a los diez minutos consiguió dejar la mejor sonrisa a los asistentes que abandonaban la sala sabiendo que habían sido participes de algo especial... y espacial.

2013

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RED BULL MUSIC ACADEMY WEEKENDER 3-4/10/2014, Madrid

La edición madrileña del Music Weekender de Red Bull aterrizaba con un cartel diverso para comenzar. El nombre de Omar Souleyman comandando la jornada inicial no iba a pasar desapercibido para el gran público.

OMAR SOULEYMAN La gran estrella siria Omar Souleyman, capaz de contentar a públicos locales en bodas o en festi-

vales de electrónica, en Primavera Sound o Coachella con un manto en la cabeza y unas gafas de sol. Suponemos que se ha convertido en la última sensación hipster sin buscarlo. Lo que aporta Souleyman y su sensacional teclista (a veces hasta percusionista) es difícil de explicar, de hecho creo que los que más disfrutamos del concierto lo hicimos más por el aura festivo, más que porque entendamos del todo esta propuesta. Podríamos tirarnos un triple y decir que es un genio, pero en realidad lo que aporta no es tan alejado de lo que podría significar en España unos Camela con bases más interesantes o todo lo que rodea al mundo del corta-pega que hace Manu Chao en estudio. Lo que es indudable es lo divertido de la propuesta. A veces, sólo se trata de contagiarse del magnetismo que tiene la música. Eso sí, empezar con su hit “Leh Jani”, fue algo muy temerario, aunque al final salió más que airoso de un concierto que terminó empapado en sudor y sonrisas.

CHRIS & COSEY El segundo día el plato fuerte fue la pareja formada por Chris Carter y Cosey Fanni Tutti, con una fecha practicamente exclusiva, ya que la banda está dando una corta serie de conciertos desperdigados por Europa. Y quién lo diría, porque en forma están, aún sin ensayar y tocar a menudo. Aunque, ¿quién lo necesita tras 40 años juntos?

Atrás quedaron los tiempos en que Chris & Cosey se llamaban Carter Tutti, como rezaba el logo del dúo en las proyecciones al final de cada canción, pero dieron una verdadera lección de cómo contentar al público. Lo hicieron con un set muy acertado aunque corto, con una presencia escénica impactante sin demasiados alardes: una pantalla, Chris detrás de una mesa y Cosey portando a veces guitarra y otras solamente cantando como de costumbre. La sombra de Throbbing Gristle es alargada para ellos, pero con temas como “Driving Blind”, “Obsession” o “Watching You” consiguieron que el público entrase de lleno en un concierto muy especial.

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23/10/2013, Madrid

RETRIBUTION GOSPEL CHOIR + Montefuji

Prodigioso concierto una vez más de Alan Sparhawk en España. Steve Garrington como inseparable escudero y un Eric Pollard que se ha desprendido de su hercúlea melena no fueron menos. Y es que hay algo místico en la manera que toca Alan y su presencia escénica totalmente magnética. Con Low esos pasajes ambientales lo llevan a una dimensión distinta, pero es muy difícil haciendo puro rock como en Retribution Gospel Choir, alcanzar dicha mística. En esta ocasión el concierto del trío trajo novedades que resultaron en un directo mucho más desbordante y variado, merced a los temas de “3”, un soplo de aire fresco para el directo. De hecho, es donde la cosa adquiere sentido, porque los veinte minutos de catarsis hipnótica de guitarras de “Can’t Walk Out” y los otros tantos mágicos minutos al final con “Seven” fueron motivo suficiente para volver a quitarnos el sombrero. Casi entrelazadas sonaron rugosas versiones de lo mejor de su segundo disco: “Workin’ Hard”, “Hide it Away”, “Poor Man’s Daughter” y hasta una versión extendida e improvisada de “’68 Comeback”. De su debut sonó también lo más granado, con especial mención a una impecable “Breaker” y el cierre algo cortante de “Take Your Time”. En cuanto a la labor de teloneros de Montefuji, las guitarras funcionaron bien pero a las melodías les queda terminar de impactar del todo. Parece que tienen lo que quieren hacer bien claro en la cabeza, pero aún estén en vías de plasmarlo del todo.

30/10/2013, Madrid

fIRA fEM La singular belleza del Teatro Lara y el juego de luces fueron los compañeros perfectos para la percusión electrónica que abre el tema “Stained Glass”, que sirve de intro perfecta por su ritmo ascendente. Continuaron con dos cortes más del último disco demostrando su positiva evolución, y las palabras del vocalista emocionado dieron paso a temas más movidos como “Pandolight” o “I Fucked Fira Fem Before They Were Famous” que hacían dificil mantener el trasero pegado al asiento. La bonita melodía de piano de “Navigates” destacó por encima del resto y la voz repetía la misma frase una y otra vez trasladando al espectador a una galaxia desconocida. Es el tema que cierra su disco homónimo y supuestamente también lo hacía con el concierto, aunque el bis estaba más que asegurado. No se hicieron de rogar y salieron de nuevo al escenario para terminar con un bis de tres canciones. Dos cortes del último álbum y “la última de verdad” fue la acertada “Ipanema, Oh mine!” del “Aedificatoria”, un tema protagonizado por coros que anuncian un final feliz.

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noviembre

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01/11/2013, Madrid

A PLACE TO BURY STRANGERS A pesar de que el honor de ser “la banda más ruidosa” del planeta les debería intimidar, el trío volvió a arrasar los tímpanos de los asistentes. Y en esta ocasión no sólo con experimentación sonora, también con idas de olla en primera fila y, esta vez sí, con muchas buenas canciones detrás que funcionan como una unidad sin caer en el aburrimiento. Sorprendentemente el repertorio se centró mucho más en “Exploding Head” que en “Worship”, aunque hay que reconocer que la experiencia que Oliver Ackermann consigue crear como jefe de la banda va mucho más allá de una selección de canciones. El trato del sonido que sale por la multitud de cachivaches es tan cuidadoso y sobrecogedor como destartalado en el aspecto visual. Ackermann, además de lo que hace con A Place To Bury Strangers construye pedales de efectos, así que nada de adaptarse a modas de muros de sonido, sino todo lo contrario. Una experiencia atronadora, aunque con la ausencia de luz se pasaron un poco. Los chicos de Bambara compartían unos parámetros muy similares a los de la banda principal, pero con menos carga de distorsión y un elemento percutivo mucho más fuerte. Una verdadera sorpresa. 99

08/11/2013, Madrid

PIXIES

En el segundo sold-out consecutivo de Pixies en Madrid certificamos que nos encontramos ante una banda viva, orgullosa de su pasado, sí, pero también ilusionada con su presente. Siete nuevas composiciones tocaron esa noche, algunas inéditas, que tuvieron que colocar, con más o menos fortuna, entre su retahíla de hits y varios temas más oscuros y versiones. Un setlist extraño, caprichoso, podrán decir algunos, pero también valiente y coherente. SETLIST

Big New Prinz (The Fall) Dead Ed Is Dead I’m Amazed Broken Face Indie Cindy Brick Is Red Break My Body Monkey Gone to Heaven Another Toe in the Ocean Silver Snail (Frank Black) The Sad Punk Ana Wave of Mutilation (UK Surf) In Heaven (Lady in the Radiator Song) Andro Queen Motorway to Roswell Winterlong (Neil Young) Blown Away Where Is My Mind? Bagboy River Euphrates What Goes Boom Blue Eyed Hexe Greens and Blues Debaser Tame Rock Music Wave of Mutilation Isla de Encanta Crackity Jones Something Against You Vamos

Ya el comienzo cogería desprevenido a más de uno con la versión de “Big New Prinz” de The Fall. Este homenaje a Mark E. Smith, sirvió de declaración de intenciones y para valorar el sonido de La Riviera, muy nítido y potente para lo que es habitual. Tras este despiste inicial, las hordas pudieron saltar por fin con varios pequeños clásicos seguidos “Dead”, “Ed Is Dead”, “I’m Amazed” y, sobre todo, “Broken Face”, que pusieron a todos a saltar y con los que se formaron los primeros, tímidos, pogos. Con “Indie Cindy” y “Another Toe in the Ocean” llegaron momentos de cierta controversia. Muchos disfrutamos de estas canciones de última hornada, pero algunos sólo querían oír un ‘greatest hits’ y se quejaron, cosa que se repetiría en varias ocasiones. Francis y compañía siguieron a lo suyo, como hicieron durante todo el concierto, y volvieron al cauce ganador con “Break My Body” y una “Monkey Gone to Heaven” que volvieron a desatar la histeria. Poco después llegó otro clásico matador, aunque distorsionado, como es “Wave of Mutilation” en su versión surf antes de entrar en el momento más oscuro de la noche, compuesto por versiones como “In Heaven”, “Winterlong”, algún corte nuevo como “Andro Queen” y temas de siempre pero no demasiado conocidos. Un segmento de unas cinco canciones en el que el ritmo se resintió un poco y motivó algunas nuevas quejas y silbidos, que fue roto con “Where Is My Mind?”, con la que encendieron las luces para que media sala pudiera grabar el vídeo de rigor, antes de caer de nuevo en terrenos de lo nuevo con la desconcertante “Bagboy”. “River Euphrates” fue otro momento de breve euforia antes de presentar varios temas nuevos seguidos, que sonaron muy bien e incluso las llegamos a tomar por desconocidas caras B. Tras ellas, un corto tramo de traca con “Debaser”, “Tame” y “Rock Music”, falsa despedida, los minutos de espera de rigor y vuelta para el bis, que suponemos para muchos fue lo mejor de la noche.

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Y es que aunque tocaron de nuevo “Wave of Mutilation”, ya en su versión original, la concatenación de temas tan salvajes como “Isla de Encanta” (toda La Riviera extasiada), “Crackity Jones” y “Something Against You”, enlazando con el apoteósico final de “Vamos”, recompensó a los que aprobamos a estos remozados Pixies (Kim Shattung cumplió con su cometido, la más dinámica del conjunto) y a los que no estaban convencidos porque no les tocaron un ‘best of’ de principio a fin. Y es que aunque echamos de menos montones de canciones y deben darle un repaso al orden del setlist, no hay duda de que los de Boston han dejado de ser unos dinosaurios que apuestan únicamente por lo seguro. Y esto, en su posición de leyendas, es algo tan arriesgado como excitante.

20/11/2013, Sevilla

BERRI TXARRAK + G.A.S. Drummers

Da gusto ver que, tras casi veinte años de trayectoria, haya bandas que sigan intentando hacerlo lo mejor posible, superando las adversidades, sonando auténticos, dejando fuera la complacencia y manteniendo una relación especial con sus seguidores. Abrieron G.A.S. Drummers con el buen hacer que les caracteriza, presentando las canciones de “We Got the Light” junto a otros de una carrera que abarca ya tres lustros. Sin dar apenas respiro, Dani Llamas volvió a demostrar que es todo un frontman mientras la banda ofrecía cuarenta minutos de puro punk-rock. Después subió el trío para poner la sala patas arriba. Una actitud concentrada pero sin dejar de dirigirse al público, un sonido potente y nítido y una concepción del directo que sólo puede dar la veteranía y la ilusión permitieron la comunión inmediata, con pogos casi desde el comienzo en primeras filas. Sonaron igual de bien clásicos como “Jaiko.Musika. Hil”, “Oreka” o incluso la lejana “Oihu”, como las recientes “FAQ” o “Harra” Gorka Urbizu, lejos de reclamar su puesto como líder, permaneció en su lugar en el lateral derecho y aunque no mantuvo tanto contacto con el público como su compañero bajista, con perlitas dedicadas a Franco (era el 20N) o una sentida declaración sobre su amor hacia la música, quedó claro quién era el ideólogo de esta nave que va para su segunda década de existencia. Tras hora y pico de clímax casi constante, llegaron los bises con varios momentos de lo más crudo, explotando finalmente con “Denak ez du bailo”, con el que incluso un servidor se animó a poguear junto a un tercio o más de los asistentes. Tras varios golpes y zarandeos, salimos de allí con la sensación de que había sido uno de los mejores bolos en Sevilla de todo el año. 101

22 y 23/11/2013, Barakaldo

BIME

La primera edición de la feria de industria musical BIME, llegaba a su festival. Había dudas acerca del formato, dentro del enorme recinto del BEC. La afluencia fue algo floja y la organización pudo ser más efectiva en cuanto a circulación y controles. Confiamos en que se pulan las aristas porque el recinto promete, las fechas son buenas y la selección musical se ha salido del modelo clónico de festival con los nombres de siempre.

FOTOS: MusicSnapper

MANIC STREET PREACHERS

Avalados por una carrera dilatada y por su inmejorable paso por el BBK Live, ni su algo lánguido último disco hizo mella en el setlist. Lo tocaron de pasada y en cambio hicieron un greatest hits en toda regla, decisión acorde al perfil mayoritario de público del BEC y su público español en general, más familiarizado con los tiempos de “This is My Truth,...” que con los de “Generation Terrorists”. No hubo más que notar como la apertura con la tremenda “Motorcycle Emptiness” fue peor acogida que, a continuación, la más pachanguera “Your Love Alone”. Faltó algo de “Gold Against the Soul” pero las incendiarias “Suicide is Painless”, “You Love Us”, “Motown Junk” o “Revol” prendieron la mecha para los incondicionales mientras que “You Stole the Sun From My Heart”, “Tsunami” o una acústica “The Everlasting” hacían de llamadas al público más accidental. Garra punk-rock, sensibilidad pop, guitarras heavies, trompetas, excesos épicos, minimalismo sofisticado, significado político y hits en los 40, todo esto encierra el universo de los galeses (banderas mediante) y todo lo supieron plasmar sin quiebros, finiquitándolo con su universal “If You Tolerate This, Your Children Will Be Next”. Un concierto que dio testimonio de una banda infalible en directo tremendo al que sólo faltó más calor humano.

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THESE NEW PURITANS

Continuaba el BIME en su segunda jornada y la gran sorpresa la protagonizaron These New Puritans, que en numerosa formación salían atronando y llenando el escenario principal de ruido malsano. Sacaron trompa y trompeta pero debían ser las del apocalipsis porque ofrecieron un concierto droneante y oscuro, casi siempre hipnótico en ritmos tribales o en ambientes etéreos con voz femenina. Los ecos iban desde la épica atmosférica de Sigur Rós hasta los coqueteos con las músicas del mundo tenebrosas de Dead Can Dance. Tal vez el concierto de volumen más brutal que llevó a más de uno a darse por vencido. Quedarse fue una de las mayores experiencias del BIME.

MARK LANEGAN

Tocaba ver lo que nos tenía preparado Mark Lanegan tras su accidentado último concierto en el hermano mayor de este festival, el BBK Live. Se anunciaba un acústico y ciertamente no era un concierto de rock eléctrico pero no estaba precisamente solo. Con sus teloneros Duke Garwood y Lyenn acompañándole, además de su guitarrista habitual y un dúo de cuerda que lo mismo tocaban cello y violin que le daban a las maracas. Digamos que un clima orquestal contenido, algo así como esos unplugged que compañeros suyos de Seattle hicieran en los 90. El concierto estuvo marcado por esa impertérrita clase del cantautor, que habló un poco más de lo habitual, presentando a la banda, y hasta tuvo un encuentro con los fans en la mesa de merchandising. La parte quizá más negativa, un repertorio muy corto respecto a lo que figuraba en los horarios y con mucho peso de sus recientes discos, sobre todo al ser uno de versiones y otro junto a Garwood. Esto restó tiempo para clásicos de su repertorio habitual que todo fan quiere oír, aunque si cayeran “When your Number Isn’t Up”, “One Way Street” o la más curiosa en este formato, “Gravedigger’s Song” desprovista de su soniquete electrónico. Aunque un artista robó a Lanegan el protagonismo esa noche, siempre con su beneplácito, ya que el “Satellite of Love” que dedicaron a Lou Reed quedó como la más emocionante memoria de este recital.

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01/12/2013, Bilbao

BERRI TXARRAK

Hay veces que lo que tenemos lo damos por sentado. Nos pasa con familiares y amigos a los que no valoramos del todo mientras no hay perspectivas de perderlos. Siempre están ahí y lo mismo pasa con Berri Txarrak: pese a ser plenamente consciente de su valor en la música contemporánea, tal vez en los últimos años no les he prestado toda la atención debida. En parte por siempre estar ahí, mientras otros vienen y van, en parte porque a nivel sentimental ya me dieron prácticamente todo hace tiempo. En este sentido, parece normal que el fin de gira en Bilbao estuviera repleto de adolescentes y veinteañeros, gente que descubra ahora su música. Es verdaderamente genial que una banda así llegue tanto a la juventud vasca. Lo que falta es que esa juventud de el paso a otras bandas locales, que las hay muy buenas y pocas llenan salas con públicos de esta franja de edad. Al llegar al Kafe Antzokia y con el sold-out desde hace tiempo, lo que nos encontramos fue una cola de seguidores puntuales que querían coger sitio, algo inusual por estos lares. La banda respondió comenzando con relativa puntualidad y ni el todopoderoso fútbol pudo con la música de los de Lekunberri esa noche. Las notas de Olafur Arnalds y el escenario teñido de rojo y con vistosas luces de estadio comenzaban a crear clima hasta que el trío salió a escena. El sonido empezó agarrotado, demasiado comprimido y metálico (este extremo se mantuvo) para comenzar fuerte en la emoción con “Gelaneuria”. Todos los grupos tienen sus temas más y menos populares, pero es innegable que Berri Txarrak ofrecieron un setlist de todo éxitos intercalados con algún parón en el nuevo disco, siempre con mesura. Unas fueron más cantadas y otras algo menos, aunque se puede asegurar que entre el público había gente para cada canción, lo que es todo un premio a la trayectoria. Ya se trate de himnos de la juventud euskaldun como “Bisai Berriak”, alegatos para los apasionados de la música como “Jaio.Musika.Hil”, de insertar la impropia “On a Train” de Yuksek entre pan y pan de “Oreka” con efectismos teatrales incluidos, desempolvar una “Aspaldian Utzitako Zelda” que paró el tempo del concierto o arremeter con su densa versión/homenaje a Mikel Laboa. Retazos de una banda que siempre ha entendido la música de una forma aglutinadora y que se aleja de etiquetas de toda clase más de lo que a algunos les gustaría.

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La comunión con el público fue buena aunque no tanto como la cita parecía exigir. Poco ambiente de pogo y no demasiado movimiento aunque sí, por otro lado, mucha garganta entonando las letras de corazón y aplausos a rabiar. No se puede evitar en momentos así pensar que Gorka Urbizu merece un puesto en Euskaltzaindia, porque su labor práctica de embajadores del euskera no hay escritor que la supere y terminar la gira en Kafe Antzokia, cuna del idioma en Bilbao, no podría ser más apropiado. Ante este público, una banda simpática, con David y Galder animando y Gorka comunicándose lo justo para agradecer de corazón no sólo a su equipo sino también “Berri Txarrak entzuten, sentitzen, ulertzen eta maitatzen duzuen guztiei” (a todos los que escucháis, sentís, entendéis y queréis a Berri Txarrak). Una vez encarrilado el concierto a nadie le sería difícil emocionarse e incluso empañar un poco los ojos con sus temas favoritos, además de momentos evidentes como “Oihu” o “Denak ez du Balio”. Hicieron levantar las manos (“Eskuak”), bailar rap-metal que envejece muy bien (“Biziraun”), agacharse pare recibir los riffs de “Ikasten” o abrazar la nueva catarsis de “Iraila”. Y pese a que iban a despedirse con el escupitajo a la realidad política navarra de “Stereo”, finalmente le siguió una icónica “Ikusi Arte”. Qué duda cabe de que no es su mejor canción, pero su papel como hit iniciático de una carrera tan fructífera lo merece. Y así se cerró un setlist que rozó la complicada perfección, por parte una banda en formato trío, absolutamente entregada y sin trucos... sólo faltó un público algo más a la altura. Tal vez se trate de, como decía al principio, que por estos lares un concierto de Berri Txarrak es algo muy común (y eso que la banda ha hecho en los últimos años por dosificarse). Mi compañero Yuri con su crónica de hace unos días en Sevilla me hizo reflexionar sobre esto, a la vez que da cierta envidia acerca de una audiencia quizá más conectada puramente con la música y menos condicionada por otros factores. Teorías aparte, sí que sentimos cerrar capítulo junto a una banda irrepetible. Historia viva de la máxima Jaio.Musika. Hil que algunos compartimos.

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SETLIST

Gelaneuria Bisai Berriak FAQ Jaio.Musika.Hil Bueltatzen Izena Izana Ezina Lepokoak Ez Dut Nahi Paperezkoa Oreka / On a Train (Yuksek) Yuksek Isiltzen Banaiz Aspaldian Utzitako Zelda Zirkua Achtung Liluraren Kontra (Mikel Laboa) Zertarako Amestu Denak ez du Balio Oihu Soilik Agur Bises

Eskuak Harra Biziraun Ikasten Iraila Stereo Ikusi Arte

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concierto?

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ENTREVISTAS Lo fundamental para nosotros es lo que nos transmiten los artistas con su música. Pero más enriquecedor resulta aún toparnos con músicos que además tienen cosas interesantes que contarnos. Seleccionamos extractos de algunas charlas que hemos compartido durante 2013.

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CALIFORNIA X «Yo pienso en nuestra música como ‘heavy pop-rock’ o algo así» California X son una de las bandas que más nos han hecho disfrutar en los últimos meses. Hablamos con su bajista Dan sobre la banda, sus influencias, Amherst y las ganas que tienen de grabar ya una continuación a esa fresca mezcla de sonidos noventeros entre el pop, el punk y el metal de su debut.

¿De dónde os viene el nombre? ¿Tiene algo que ver con “X” la banda de punk-rock californiana? El nombre es en realidad algo aleatorio que vino de una broma. A todos nos gustan los X de Los Angeles, pero el nombre no es una referencia para nada. No es un buen nombre. Cuéntanos un poco cómo formasteis la banda. Creo que habéis añadido otro guitarrista recientemente pasando de trío a cuarteto... Lemmy y yo crecimos y fuimos juntos al colegio en Connecticut. Vivíamos en New Haven, Connecticut cuando hace un par de años tuvimos la idea de montar una banda de “loud/heavy/fun rock”. Zack, que se acaba de unir a la banda y toca la guitarra, también fue al colegio con nosotros. Conocí a nuestro bate-

Sólo porque vivamos en Amherst no significa que tratemos de ser Dinosaur Jr.»

ría, Cole, en Boston a través de otra banda que compartimos. Así que ya contabais con otras experiencias en el pasado, ¿no? Todos hemos estado en otras bandas, a veces juntos. Nos conocemos desde hace años así que algunas de esas bandas cruzaban a menudo sus miembros. Cole, Lemmy y yo estamos en una banda que apenas toca ya. Lemmy está ahora mismo en otra banda que toca poco porque la mitad vive en Nueva York y la otra está aquí en Amherst. Cole de hecho acaba de grabar una demo con otra banda de la zona. Zack ahora mismo vive en New Haven y ha estado militando en bandas durante un tiempo. Vuestra música es una mezcla de varias cosas, ¿vosotros cómo la definiríais? ¿Más como punk-rock, indierock o hard-rock? Creo que todas son válidas. Yo pienso en ella como heavy pop-rock o algo así. Al reseñar vuestro disco nos salieron muchas posibles influencias (Dinosaur Jr, Hüsker Dü, Torche, Weezer...) ¿Hay alguna banda en concreto a la que os digan que os parecéis y que no reconozcáis? No se me ocurre nada específico pero creo que buscamos más bien algo entre Smashing Pumpkins, Foo Fighters y Wipers. Todos escu-

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Lee la entrevista completa

chamos esas bandas que has listado y estoy seguro que influencian parte de lo que hacemos pero sólo porque vivamos en Amherst no significa que tratemos de ser Dinosaur Jr. Curiosamente, al final de “Spider X” escuchamos una versión de piano de “Sucker” que recuerda un poco a la apertura del “Mellon Collie And The Infinite Sadness” de Smashing Pumpkins. ¿Lo hicisteis con ello en mente? No, sólo fue algo para divertirnos. Nuestro viejo batería no sabía que Lemmy tocaba el piano y al enterarse le preguntó si había escrito las canciones al piano. No era el caso y entonces Lemmy tocó “Sucker” para probar lo absurdo que sonaría si lo hiciera. Lo pusimos en el disco simplemente porque suena ridículo. Vemos un cierto revival de la franela en jóvenes formaciones hoy día. ¿Creéis que hay algo generacional con bandas como The Men, Milk Music o vosotros tratando de captar ese espíritu de los 80-90, SST, Sub Pop, etc.? No creo que tenga nada que ver con el espíritu ni nada de eso. Simplemente es un estilo de música muy divertido de tocar. Desde vuestra experiencia, ¿cómo es estar en una banda emergente en Estados Unidos, en términos de prensa y popularidad? Desde aquí parece que hay bandas tocando en sótanos

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y demás sin que nadie sepa de ellas hasta que Pitchfork escribe una reseña positiva y de repente pasa a la popularidad mundial. Hemos tenido suerte con el tema de Pitchfork y NME, pero aún tocamos en sótanos. Ciertamente nos ha brindado más oportunidades para tocar en algunos festivales muy guays con bandas que nos gustan mucho. Estamos emocionados por poder tocar y que a la gente le guste.

tengan ningún impacto en la ‘escena’ pero a veces les puedes ver por la ciudad. Por ejemplo, una vez di la vuelta a un pasillo en Whole Foods y ahí estaba J. Mascis llevando la misma camiseta de Wipers que yo. La última Semana Santa vi a Frank Black en un restaurante con unos 20 niños pequeños. Mucha gente que conozco aquí creció escuchando sus bandas así que es raro verles en esos contextos.

Sobre vuestra ciudad, Amherst, sabemos apenas dos cosas: Dinosaur Jr. son casi embajadores y Frank Black estudió en la UMASS (luego eso se reflejó en una canción de Pixies). ¿Tienen estas cosas impacto en la escena local? Ninguno de nosotros es en realidad de Amherst. No creo que esos tíos

Mientras esperamos una visita, cuéntanos un poco como son vuestros shows, tiene pinta de que haya mucha diversión y energía en ellos. No sé si parecemos muy enérgicos, pero creo que todos tocamos muy duro. Tener un segundo guitarrista realmente ayuda a completar las

cosas. Creo que nuestros shows están mejorando. Vuestra música parece muy basada en riffs. ¿Escribís canciones de esa forma, primero el riff y luego la canción o no necesariamente? Lemmy escribió todos los temas del disco y creo que hace una mezcla de ambas cosas. Estamos entusiasmados por trabajar en nuevo material ahora que la alineación es sólida. Creo que todo el mundo tiene muchas ideas para nuevas canciones y sobre cómo queremos que suene el nuevo disco.

«Hemos tenido suerte con el tema de Pitchfork y NME, pero aún tocamos en sótanos»

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LISABÖ «En los últimos años cuando asistes a algunos conciertos parece que acudes a un centro comercial» Mucho se ha hablado de Lisabö ya, pero aún teníamos ganas de saber más de las interioridades de una de las bandas más singulares de aquí. Eneko Aranzasti, 50% de esa característica doble batería, es quien se presta a arrojar más luz sobre la banda y su saludable autogestión.

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FOTO: Ramon M. Zabalegi Ya que la excusa que sirve para esta entrevista es vuestra aparición en el AloudMusicFest, ¿qué opinión tenéis sobre el sello Aloud y qué experiencia habéis tenido con ellos, ya sea en lo personal o con su actividad? Aunque son diferentes formas de actuar, supongo que hay puntos en común con lo que hacéis con bIDEhUTS. La primera referencia que tuvimos de Aloud fue gracias a un concierto que compartimos junto con Lo:Mueso, durante la gira de “Ezlekuak”. Más tarde llegaron los discos de The Joe K-Plan, Atleta, Ainara LeGardon... Gracias a la relación que tenemos con Ainara llegamos hasta Sergio. Creo que entonces fue cuando los lazos entre Aloud y Lisabö se estrecharon más firmemente. También a través de Bonberenea, Centro Social Autogestionado, de Tolosa, con quien ambos (Lisabö y Aloud) guardamos estrecha relación. Pudimos así conocerles más de cerca, y si algo une ese triángulo Aloud - Lisabö - bIDEhUTS, yo diría que es la pasión por hacer las cosas tal y como las pensamos y sentimos. Es un placer poder formar parte del primer AloudMusicFestival. Con Toundra, los otros cabezas de cartel del festival, también creo que ha habido buenas vibraciones tras un concierto que compartisteis en Málaga ¿no es así? Si, estuvimos muy a gusto y la verdad gracias a ellos pudimos tocar con la

sala bastante llena en Málaga. Fue un placer. Pero aquella noche la recuerdo especialmente por el ambiente que se sentía en la sala. Se notaba que la gente estaba con ganas de concierto, de escuchar a las dos bandas. Desgraciadamente en los últimos años cuando asistes a algunos conciertos parece que acudes a un centro comercial en el que lo único que intentan es meterte publicidad por todas las esquinas y parte del público esta más pendiente de anunciar mediante las redes sociales que está viendo ese concierto que de centrar la atención en la propuesta de la banda. Junto con ellos, sois las bazas más populares de este festival. Dos grupos estatales. Creo que es algo que bandas, sellos, prensa... teníamos asumido, pero ¿parece que por fin mucha gente se va dando cuenta que tenemos cosas cerca con mucha calidad y que no todo lo de fuera tiene necesariamente que ser mejor? Pues no sé... tal vez esta respuesta esté ligada con lo comentado en la anterior. Creo que hay un público al que no le afecta la procedencia de la banda y se interesa más en descubrir nuevas propuestas y acudir a conciertos. Y hay otro público que se guía más por otro tipo de prioridades... En Euskal Herria, gracias a todo el movimiento cultural (sobre todo musical) creado en torno a los gaztetxes creo que hemos tenido el pri-

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«Los momentos más emocionantes pueden ser tan mundanos como estar riendo con el organizador del concierto vete a saber dónde» vilegio de crecer viendo del mismo modo conciertos de bandas vascas y extranjeras, y eso ayuda a la hora de no crear ese tipo de prejuicios. Pero bueno, la oportunidad de ver a bandas extranjeras normalmente es menor, y por consecuencia la expectación aumenta. Os hemos visto en festivales dando conciertos tanto de los mejores hasta ahora (Primavera Sound) como de los más flojos (Azkena Rock). ¿Es para vosotros más complicado poneros en situación al aire libre y

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con luz de día, etc. que en sala o no importa? Bueno…al final todo influye, pero sí es verdad que estamos más acostumbrados a tocar de noche o en salas. De día tal vez resulte más difícil mantener la concentración, y más en grandes festivales donde todo parece urgente y ves como la gente pasa por delante de ti con los horarios en la mano buscando un escenario. Aún así, en PS todos los técnicos se implicaron muchísimo, dedicándonos más tiempo incluso del que nos pertenecía, y eso ayudó claramente a que todo saliera mejor. También el ambiente que se respiraba. En Azkena... fue todo algo... demasiado raro. Desde la casi pasividad de bastantes de los técnicos hasta problemas varios e irreversibles nada más arrancar. Cuando esto ocurre en un festival en el que ni siquiera te dejan checkear en las condiciones previamente pactadas, el concierto se puede ir al garete, y pueden ocurrir cosas como las que ocurrieron en ARF.

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Un concierto en otro festival más modesto que nos perdimos pero creemos que fue especial fue el del Lemon Day en Capellades. Ahí además coincidíais con Aina, con quienes creo que disteis vuestro primer bolo ¿no? El Lemon Day es una gran fiesta, una celebración en la que mogollón de gente se vuelca para poder sacarlo adelante, de forma totalmente apasionada y desinteresada. Desde el primer hasta el ultimo concierto la zona del backstage estaba vacía,

todo el mundo estaba viendo los conciertos. Y eso no es habitual. Volver a tocar con Aina fue un subidón, y compartir el día con todas las bandas, toda la gente que curra para sacar el festival adelante, Sergio Aloud etc. fue un lujo. Maite (Mursego) ya nos avisó que ese festival era especial. El pasado año se nos fue Jason Noble (Rodan, Shipping News) y sabemos que habéis participado

«Prefiero que una persona que no pueda pagar por un disco se lo copie y lo escuche, a que deje de escucharlo por falta de dinero» 111

homenajes como el programa especial de Carne Cruda o el Kafe eta Galletak en Gernika para recaudar fondos para su familia. ¿Podéis contarnos un poco más de la repercusión de su música en Lisabö? Aunque todo ha terminado siendo un homenaje, un recuerdo póstumo, la idea inicial no era ésta. La idea inicial era poder aportar algo de apoyo, económico y moral, en la lucha que Jason y sus allegados llevaban contra su enfermedad en los últimos años. Lo que en un principio iba a hacerse hace un par de años se fue retrasando, hasta que en agosto llegó la noticia. Aún siendo ya tarde decidimos seguir adelante, y plantearlo como una fiesta de despedida, a una persona que aportó tanto a la música, a una música que tanto nos ha influido, y a una persona que tanto nos ha aportado en lo personal. ¿Cómo veis el proyecto bIDEhUTS hoy en día?. Supongo que al principio lo plantearíais como un sello pequeño, a operar en Euskal Herria y cada vez tendréis más pedidos del estado, etc. ¿Creéis que podéis seguir manteniéndolo dentro del DIY estricto? ¿Os da miedo que el éxito de Lisabö o al que parecen apuntar ahora Willis Drummond,

pueda atentar contra los ideales que mueven bIDEhUTS? Desde el primer día sentimos el proyecto como algo global, pero con los pies en el suelo y poco a poco. El espíritu autocrítico y de replanteamiento siempre está presente y eso facilita mirar hacia adelante. Y si el éxito termina con bIDEhUTS supongo que será señal de que algo hemos hecho mal y no hemos sabido adaptarnos al momento. Aún y todo creo que el supuesto “éxito” acabaría antes con los supuestos ideales de la banda, ya que la banda es la que hace la apuesta por la autoproducción, bIDEhUTS sólo es el medio. Y en cuanto al directo de Lisabö, ¿no os ha picado el gusanillo por sacar vuestra música a Europa, por ejemplo? Ahí tenemos, salvando las distancias, el caso de Berri Txarrak demostrando que la diferencia idiomática es casi más valor añadido que impedimento. Es difícil por motivos laborales. Por ejemplo este mismo fin de semana salir a Castellón y Barcelona ya es un puzzle de días libres, vacaciones etc que afortunadamente ha encajado. Ojalá algún día se de la carambola de poder salir un par de semanas a Europa.

«El control que tienen las marcas comerciales sobre la música es enorme, y desgraciadamente ese control acaba afectando y contaminando al público a la hora de asimilar las propuestas de las bandas» 112

Desde que las facilidades de la era digital permiten acceder a más música, una excusa del fan siempre ha sido el copiar discos porque el beneficio iba a un sello y no al artista. Cuando se da la autoedición como en vuestro caso, ¿os molesta la distribución de vuestros discos u otro material (vídeos que os graben en directo, etc.)? Prefiero que una persona que no pueda pagar por un disco se lo copie y lo escuche, a que deje de escucharlo por falta de dinero. Nuestros discos los editamos bajo una licencia Creative Commons por la que eres libre de copiar la obra siempre y cuando no hagas uso comercial de ella. Lo que realmente nos molesta es el uso que la SGAE hace de canciones no registradas bajo su licencia, recaudando fondos que luego no llegan al artista. Esperemos que cartas como la enviada por Pony Bravo a la dirección de la SGAE ayuden a aclarar y sacar a la luz todo ese timo. En esta mayor repercusión de Lisabö que decíamos, vemos un paralelismo con una banda internacional, los Swans de 2010 a esta parte. Se trata de propuestas en principio de difícil digestión que de repente han prendido una mecha en sectores a priori impropios, con las controversias que parece crear entre parte del público (los de siempre, los nuevos, etc...). ¿Cómo veis todas estas cosas, os afectan de algún modo? Cada banda crea su camino, paso a paso. Y a veces llega el día en el que se dan una serie de coincidencias, sales en diversos medios, tocas en el festival X y de repente resulta que tu propuesta es interesante para gente que meses atrás no perdía ni un segundo en tu música. Y tras ese intervalo, habrá gente que se siga interesando en ti, y gente que se olvida. El control que tienen hoy en día las marcas comerciales sobre la música es enorme, y desgraciadamente pienso que ese control de las

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empresas sobre algunas bandas y festivales acaba afectando y contaminando al público a la hora de asimilar las propuestas de las bandas. Tal vez esté metiendo la pata, pero creo que una banda como Swans no hubiera tenido el mismo nivel de aceptación si no hubiera pasado por el PrimaveraSound y nuestro caso puede ser parecido. El cartel del Primavera suele estar plagado de propuestas arriesgadas, bandas que durante el año no llegarían a meter 200 personas en una sala pero que solo por el mero hecho de tocar en el festival parece que son exitosas. Algo que impacta bastante de vuestros conciertos es el uso de luces generalmente blancas y fijas. Resulta curioso cómo realza la crudeza de lo que pasa sobre el escena-

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rio ¿cómo llegasteis a ello? Tener durante todo el concierto el escenario iluminado con un ambiente blanco y fijo es de la forma más cómoda que nos encontramos en él. No perdemos la visión los unos de los otros en ningún momento, cosa imprescindible en Lisabö. Por otro lado estéticamente también nos parece muy atractivo. Otra constante suelen ser los cambios de setlist, supongo que los confeccionáis antes de cada concierto. ¿Tenéis algunas canciones “fijas” y otras van rotando o es completamente abierto en cada ocasión? Siempre es abierto, pero dentro de las posibilidades de ensayar que tengamos durante esa semana. Es una manera de mantener la tensión y no acabar tocando como autóma-

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tas y también una forma de mantener vivas las canciones y la banda también, claro. El cambiar la lista en cada concierto te obliga a no desconectar, te motiva a probar cosas nuevas. Echando la vista atrás, ¿cuáles diríais que han sido los momentos más emocionantes para Lisabö hasta ahora? Sin duda el día que no sabíamos si pasaría la furgoneta por la puerta del parking o no. Aquello fue muy emocionante… Es broma. Hay muchos momentos, además de que cada uno tendrá los suyos. Pero pueden ser momentos tan mundanos como pegar un trago de agua en un viaje o estar riendo con el organizador del concierto vete a saber dónde.

MURDER BY DEATH

«Cuando haces tu sexto álbum, creo que el desafío es continuar siendo creativo sin tan sólo copiar el trabajo que ya has hecho en el pasado» La banda norteamericana de folk-rock Murder By Death nos visitó para presentar las canciones de su último trabajo “Bitter Drink, Bitter Moon”, así como su álbum de versiones “Kickstar Covers”. Sobre todo ello y mucho más hablamos en una entrevista llena de buen humor y simpatía. ¡Felicidades por el éxito del Kickstarter! ¿Os pilló el éxito de sorpresa o era lo que esperábais? Un poco ambas cosas. Dedicamos mucho tiempo trabajando en el concepto, asegurándonos que hiciera el proceso de preventa como algo divertido, en vez de ser sólo suplicar dinero. Tal y como yo lo veo, estábamos haciendo

una venta anticipada típica a través de Kickstarter, y tan sólo mejoramos las ventajas con una locura de opciones añadidas. Muchas de estas ideas fueron sugeridas por los mismos fans. ¿Y qué fue de esa fijación con el whiskey? ¿Os pusisteis sobrios para

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el último álbum? El tema parece menos presente… El área donde vivimos es de dónde es originario el Whiskey bourbon, de modo que es sólo la bebida común en las ciudades alrededor de Kentucky del norte y el sur de Indiana. También bebemos bastante. Y sí, no me gusta hacer lo mismo demasiadas veces,

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preferiría que (el Whiskey) no pareciera un truco barato si fuera posible. Parece haber una tendencia desde el ambiente tenebroso de ‘Who Will Survive...’ e ‘In Bocca Al Lupo’ hasta el sonido más optimista de ‘Good Morning Magpie’ y ‘Bitter Drink, Bitter Moon’, ¿Refleja esto cómo os sentís como banda en un momento determinado? Hay un poquito de tinieblas y posibilidades de optimismo en “Bitter Drink”. Cuando haces tu sexto álbum, creo que el desafío es continuar siendo creativo sin tan sólo copiar el trabajo que ya has hecho en el pasado. Intentamos hacer que cada álbum tenga una personalidad por sí solo, sin sacrificar el estilo por el que somos conocidos. Muchos de vuestros álbumes se funden alrededor de un tema o concepto, ¿Qué álbumes consideraríais como fuente de inspiración para crear un álbum conceptual? Creo que mi álbum favorito de todos los tiempos podría ser “The Rise and Fall of Ziggy Stardust” de David Bowie. Recuerdo escucharlo cuando tenía alrededor de 11 años. Acababa de encontrar una copia en Vinilo en el sótano y empecé a escucharlo. El álbum es oscuro y brutal, descaradamente bobalicón- te rockea fuerte y luego te lleva a lo más bajo. Mis álbumes favoritos siempre han tenido éste efecto, la montaña rusa de estilos. La introducción de una vocalista femenina en algunas canciones suena genial. ¿Cómo se os ocurrió ésta de-

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cisión y creéis que va a volver ocurrir en el futuro? Nuestra amiga Samantha Crain tiene una voz enorme, y somos fans respectivos de nuestros trabajos de modo que queríamos darle un giro al asunto. Vamos a intentar por todos los medios volver a hacer algún trabajo juntos. Es fabuloso que todos los trabajos de Murder By Death tengan un sonido único que les caracteriza, y por ello siempre mantengan el factor sorpresa. ¿Cómo describiríais el proceso cuando toca decidir cómo va a sonar uno de vuestros discos? El truco es no pensarlo más de la cuenta. Cuando tenemos tiempo libre para componer, esto es todo en lo que me concentro. No me gusta componer de gira porque creo que la mente tiene que estar clara para poder ser creativo. Intento también pensar sobre corrientes musicales que me parecen cansinas, ¡y entonces hacer justo lo contrario! ¿Tenéis planeado hacer otro proyecto de banda Sonora similar al Finch EP? No tenemos planes por ahora, se trataba de una propuesta tan especial que fuimos a por ello sin pestañear. Si alguien perfecto apareciera de nuevo, definitivamente lo consideraríamos. Tengo muchas ganas de hacer otro trabajo de banda sonora. ¿Cual consideráis que es la lección principal que habéis sacado de vuestra aventura con Kickstarter? ¿Ha sido una cosa única o tenéis planeado hacerlo de nuevo?

«Al componer, intento pensar en corrientes musicales que me parecen cansinas, ¡y entonces hacer justo lo contrario!» 115

Difícil de decir. Ha sido tanto trabajo satisfacer los pedidos y los compromisos, pero lo haría de nuevo si los fans estuvieran interesados en ello. ¿Qué responderías a algunas críticas recibidas hacia proyectos en Kickstarter, en el sentido que te hace dependiente de lo que tus fans esperan que vayas a producir? Creo que tan solo te obliga a crear bienes físicos y te fuerza a ser creativo en un sentido diferente (diferente de como las bandas son normalmente creativas a través de sus composiciones). Te hace considerar el marketing que se necesita para conseguir que la gente escuche tu música, y también ayuda a elaborar un mejor trabajo artístico a través de ediciones especiales de los álbumes y objetos únicos. Creo que es algo positivo en tiempos dónde es difícil decir qué está pasando exactamente con la industria discográfica. Habéis girado por Europa a menudo en los últimos años, ¿cuáles son las principales diferencias que encontráis entre el público americano y el europeo? Los Americanos son más ruidosos y más borrachos, lo que a veces es algo bueno. Cuando giramos por Europa, definitivamente el público no está tan alborotado – pero cuando tocamos canciones más calmadas, siento que el público está más preparado para escucharlas atentamente. Hace 3 años desde que empezamos a girar por Europa, de modo que tenemos muchas ganas de estar de vuelta. Si no hubiera más Whiskey en el mundo, ¿cuál sería vuestra bebida recomendada para tomar mientras se escucha un álbum de Murder By Death? Vino tinto aromático de garrafa para los temas oscuros, y ginebra para las canciones animadas.

A PLACE TO BURY STRANGERS «No me parece que tengamos influencias de ningún grupo en este momento; nos movemos en nuestra propia dirección» A Place to Bury Strangers publicaron el año pasado “Worship”, trabajo que reconocen más centrado para ser una banda acostumbrada a desatar el caos ruidista. Hablamos con su frontman, Oliver Ackermann, con motivo de su último paso por Madrid, Barcelona y Vitoria-Gasteiz.

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Desde vuestros primeros conciertos se os etiquetó con descripciones como “el grupo más ruidoso del mundo”, aunque seáis una banda con más que ofrecer. ¿Ha sido una etiqueta difícil de despegar en vuestra carrera? No, pero no me importa. Si la gente se basa en etiquetas o en reseñas se están perdiendo la belleza de la música. Y la música que hacemos se malinterpreta tanto por doquier que ya ni me importa ni pienso en ello. Creamos música y experiencias; es en eso en lo que queremos concentrarnos. ¿Cómo explicarías la experiencia de APTBS en directo? Porque me da la impresión de que vuestros conciertos se tratan más bien de una experiencia emocional que de un grupo de gente tocando canciones, ¿no es así? Sin duda. Las canciones sólo son una pequeña parte del todo, algo para guiarnos en nuestros conciertos en algunos momentos de la actuación. No me interesa ser un buen guitarrista. Lo que hacemos es modelar el sonido y la parte visual para transportar a la gente que nos rodea a otro lugar. Todo el sentimiento y la emoción detrás de las actuaciones es lo importante; la técnica de la música es secundario.

«Si la gente se basa en etiquetas o en reseñas se están perdiendo la belleza de la música»

Creo que hay un paso de gigante de “Exploding Head” a “Worship”. Parece que estáis orientando el patrón de APTBS algo más hacia el pop con menos ruido... ¿Sentís lo mismo? ¿Era vuestro objetivo? Creo que nos quedó un disco más centrado. En ese momento habíamos mejorado mucho a la hora de grabar y trabajamos más en captar el sentimiento adecuado para las canciones. En general es un trabajo más logrado. Puede que haya algunos elementos pop de los que no me haya dado cuenta, pero sin duda el ruido está más controlado. Unas veces más intenso, otras no tanto.

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Desde el principio se os ha comparado con esa tradición noise-pop/noise-rock que va desde Jesus and Mary Chain hasta Velvet Underground. ¿Hasta qué punto os ha influido ese tipo de música? ¿Qué artistas son los más influyentes en este momento para la banda? Cuando cogí una guitarra por primera vez me encantaban The Jesus and Mary Chain, Slowdive y grupos del estilo, así que me da la impresión de que esta música me inyectó la pasión por hacer que una guitarra no suene como una guitarra. A medida que pasa el tiempo, siempre quiero cambiar cosas y hacerlo todo más interesante de manera que me pueda emocionar de formas diferentes. No me parece que tengamos influencias de ningún grupo en este momento; nos movemos en nuestra propia dirección. Sí que hay un grupo, Bambara, que nos trajimos de Nueva York como teloneros, que toca de forma tan intensa y tan potente que me transmiten esa locura e intensidad, así que supongo que pueden ser una inspiración. ¿Crees que tiene sentido usar hoy en día etiquetas como shoegaze o noise-rock? Porque grupos como APTBS suenan a mucho más que sólo a shoegaze o bandas como My Bloody Valentine.

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Creo que esas etiquetas, como shoegaze, se crearon para describir a My Bloody Valentine, pero nosotros somos algo diferente. Son un grupazo, pero no tiene mucho sentido intentar sonar como otro grupo. Además, intentamos salirnos de cualquier género, lo que dificulta que la gente nos describa, pero realmente, a quién le importa. Si te gusta y te emociona, es bueno y punto. Acabáis de grabar algunas canciones en Noruega ¿no? ¿Irán al nuevo disco? ¿Cómo fue el proceso de grabación y de creación de las canciones? ¿Por qué allí? Sólo grabamos un par de canciones en Noruega que tengan posibilidades de entrar en este nuevo disco. Todavía estamos en el proceso de grabar y escribir para este trabajo, y con suerte estará listo para publicarse el año que viene. Escribimos las canciones vagamente en nuestro local de ensayo de Brooklyn y después las llevamos a ABC Studios para trabajarlas desde ahí. Emil Nikolaisen y yo produjimos las grabaciones, y además él tocó la guitarra en el disco. Nos invitó a grabar en la cooperativa Made In Etne y fue una experiencia maravillosa. Nos metimos entre montañas en una antigua iglesia reconvertida. Todo sonaba genial, además de que era el lugar perfecto para evadirse y concentrarse en la música.

«Si la gente se basa en etiquetas o en reseñas se están perdiendo la belleza de la música. Creamos música y experiencias; es en eso en lo que queremos concentrarnos» ¿Solías estar involucrado en la producción perfeccionando los sonidos del álbum en general? Produzco, mezclo y masterizo la mayoría de todo lo que hacemos, ya que tenemos una estética muy específica que no creo que otra gente pueda entender. Se trata de crear un nuevo sonido general para algo que está en mi cabeza y que sé cómo quiero que suene. Igual es hasta peor para mí, ya que siempre tocamos una música muy potente, pero no me parece que esté perdiendo oído con los años, y he tocado música sumamente alta. ¿Qué diferencias hay de APTBS del disco al directo? Suele ser muy diferente, pero estamos intentando cambiar eso para nuestro trabajo más reciente. Solemos pasar mucho tiempo experimentando, trabajamos hasta cuando meamos por la mañana para exprimirnos el coco, y nos ponemos en situaciones extraordinarias para que nos ocurran cosas impredecibles e intensas que puedan entrar en las grabaciones. Hemos estado reconstruyendo el estudio para captar nuestro sonido en directo. He incluido algunos micrófonos, preamplificadores, distorsionadores, cámaras de reverberación y más cosas para poder trasladar la potencia de nuestros directos al formato físico. Es complicado, ya que convergen muchos factores, pero me gustan los retos así que nos metimos de lleno. Este año es el décimo aniversario del primer concierto de APTBS. ¿Cómo os sentís al echar la vista atrás y observar el legado del grupo? Es una locura. Nunca pensé que el grupo aguantaría tanto. Siempre necesito un montón de válvulas de escape para la creación artística, y es increíble que la gente me ayude en ello. Hemos cambiado mucho como grupo, y hemos creado tantas canciones y conocido tanta gente maravillosa que me considero una persona totalmente

afortunada al poder hacer lo que más me gusta. Creo que es importante seguir el dictamen de tu corazón y dedicarte siempre a lo que amas. Si económicamente no te funciona, al menos estás haciendo lo que te encanta. Desde el principio fuisteis un grupo que dirigía su propio trabajo (“do it yourself”) y aquí seguís, creciendo como músicos. ¿Creéis que internet fue importante para el desarrollo de conjuntos como el vuestro durante los últimos diez años? Sí, creo que sí. Internet, antes de que se abarrotase de gente obligándote a escucharlo todo, era un lugar que igualaba las condiciones de los artistas. Podías escuchar grupos desconocidos de todo el mundo sin ningún tipo de prejuicio, y seguías buscando para encontrar más música buena. Existía una pizca de emoción verdadera al poder escuchar grupos que a su vez creaban algo propio y que sonaban bien. Esto sigue hoy en día, así que genial. Los grupos más grandes no ganan tanto dinero porque ahora cualquiera puede ser músico y colgar su trabajo en internet, y eso es bueno. ¿Y cómo está la escena de Brooklyn ahora mismo? Parece que más diversa que nunca, ¿verdad? Exacto. Brooklyn es un lugar en el que conviven y tocan tantos grupos que es una locura. Me encanta. Hay tantas escenas que parece que no haya una escena en particular, lo cual es bueno. Si la música es buena, se da a conocer sin que importe el tipo o lo guays que sean sus componentes. ¿Tienes alguna recomendación musical de Brooklyn para nosotros? The Dreebs, the Vandelles, Grooms, True Womanhood, Weekend.

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PONY BRAVO

«Queremos triunfar frente a esos problemas, tratándolos con humor, diciendo las cosas claras pero intentando mantener la belleza» Pony Bravo vuelven a estar en boca de todos. Su sonido único unido a una mayor concienciación social han hecho que “De palmas y cacería” se haya convertido en toda una declaración artística contra la crisis y la clase política.

Enhorabuena por “De palmas y cacería”. Suena más cohesionado conceptualmente que los anteriores y vuestro sonido está cada vez más asentado, ¿queríais un trasfondo más claro en esta ocasión? ¿Os llevó más tiempo componer o grabar? Muchas gracias. Todo parte de las letras, en realidad. Dani tenía mucho material con el que llevaba tiempo queriendo currar, casi todas las letras giraban en torno a los mismos temas. Dani siempre ha tenido esta fibra social y, en los últimos años las temáticas más superficiales han ido quedando en un segundo plano de manera natural. De lo que nos apetecía hablar es de los políticos, del poder, de la corrupción, del individualismo, de cómo el poder fluye alejándose de la gente, en definitiva de la realidad que tenemos en este momento en nuestro día a día. Retratar nuestra cara de gilipollas cuando nos mienten sistemáticamente, nos mangonean, nos quitan derechos que ya habíamos ganado, espacios de poder que costaron mucho conquistar... Queremos sobreponernos y triunfar frente a esos problemas, criticándolos o tratándolos con humor, diciendo las cosas claras pero intentando mantener la elegancia, la poesía, el humor, la belleza... No sé si hemos logrado nuestro objetivo, pero nos hemos quedado a gusto. La verdad es que el proceso de composición ha sido bastante variado. En esta ocasión, hemos entrado en el estudio para maquetar las demos, intentando que Raúl produjera desde el principio. Hemos vuelto al local a trabajar en ellas, otra vez al estudio a

grabar, de vuelta al local y una última visita al estudio. Esto nos ha permitido probar mucho con la grabación y la producción, es mucho más emocionante, aunque hay que subirle el sueldo al productor... trabajo extra para él. Se nota en las nuevas canciones una más clara crítica y sátira hacia la política, abandonando un tanto ese tono costumbrista y surrealista de vuestros trabajos anteriores. ¿Con el paso de los años (y los discos) sentís la necesidad de afrontar temas que os afecten más directamente, o que están más apegados a la realidad? Por supuesto, no nos apetece hacer canciones de amor, aunque es precioso y a todos nos gusta, pero mejor tratarlo de manera transversal. El amor está en todas las canciones, todas están hechas con amor. Pero creemos

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que se puede hacer un tema escapista y dar caña con ello. Hay que dirigir esa ensoñación hacia un lugar donde no te quedes en una nube, alejado de la realidad. Para escapar, hay que enfrentar los problemas y reírte de ellos. Pero nunca perderles el respeto, tomarlos en serio, aceptar su existencia y no morirte de pena , sacar fuerzas e intentar transformar las cosas, llevártelas a otro terreno. Yo así, siento que mi trabajo no es en balde, que puede servir para algo. A pesar de que abordéis temas serios, lo hacéis con humor bastante particular y con notable éxito. De hecho, el clip de “El político neoliberal” llego casi a convertirse en un fenómeno viral. ¿No teméis que haya malentendidos? ¿Es vuestra manera de quitarle hierro a determinados temas?

«De lo que nos apetecía hablar es de los políticos, del poder, de la corrupción, del individualismo, de cómo el poder fluye alejándose de la gente» Malentendidos no creo. Está todo muy claro, ¿no? No creo que le hayamos quitado hierro; yo cuando veo al político de fiesta, con nuestro dinerito, disfrutando de la vida, mirándonos desde lo alto con esa cara de “sois idiotas, hago lo que quiero con vosotros, os miento a diario, os mando a los antidisturbios, os quito cultura... y además no es culpa mía, son los Mercados...” pues me hierve la sangre, la verdad. La realidad supera a la ficción.

Es curioso cómo conseguís que canciones tan, a priori, diferentes como “Guajira de Hawaii”, “Mi DNI” o “Ibitza”, por mencionar tres, acaben sonando únicamente a vosotros. Pocas bandas actuales tienen tal versatilidad, ¿sentís que haya algún punto de conexión, algo que digáis ‘si no aparece tal cosa en una canción, no es de Pony Bravo’? Nos conocemos desde hace mucho y quizás ya sabemos lo que espera el otro, ya sabemos lo que nos gusta, tenemos claro lo que queremos decir. No

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hemos pensado mucho en tener un sonido propio, cada canción la encaramos de forma diferente, con nuestras limitaciones como músicos, con influencias y objetivos musicales diferentes. En general, lo que prima es la idea, la música tiene que trabajar para la historia que quieres contar. Sigue habiendo una gran presencia de folclore patrio y comienza a haber lugar para el sudamericano en vuestra música. Quizá incluso le han quitado algo de terreno al post-punk y el kraut. ¿Os sentís más cercanos ahora mismo a estos sonidos? Quizás, sí. Hay determinadas músicas con las que nos vamos encontrando y es emocionante hacer cosas nuevas con ellas. No vamos a estar tres discos haciendo kraut o post-punk... Hay que huir de la fórmula, incluso si la fórmula es Pony Bravo, hay que huir. De paso, así no nos aburrimos. La familia de El Rancho sigue creciendo: Mansilla, Lumineón, ... ¿te-

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néis más fichajes en el horizonte? ¿Se trata más bien de una ‘familia’ que acoge a vuestros proyectos y a los de vuestros amigos? Intentamos que la estructura de trabajo sea colaborativa, definiendo bien los términos, pero sí, actualmente colaboramos con mucha gente, y esperamos que sea mucha más. Nos encantaría llevar más grupos, grabar, producir... pero, a día de hoy, se trata de intentar que los proyectos que nos molen se beneficien del trabajo en El Rancho y que todos ganemos. Pero todavía estamos en la fase de mantener a flote el sello, pagar las facturas, cobrar, auto-editarnos a veces, co-editar en otras... Esperamos ir mejorando cada año. Por otro lado, habéis llegado a un acuerdo con BCore para la distribución (y reedición) en CD. ¿Sigue sin atraeros la idea de fichar por un sello más o menos afín a vuestros ideales como el mencionado o Aloud? La verdad es que no han aparecido muchas ofertas de sellos en estos años y las que han aparecido suponían ceder mucho control o mucho dinero. Desde el principio teníamos el objetivo de crear nuestra propia estructura, y el proceso CreativeCommons ha sido lento, sobre todo para los sellos tradicionales que han tardado bastante en incluirlo. Justo los dos que nombras son pioneros en trabajar con los grupos generando un acuerdo a medida. Estamos muy contentos con el acuerdo con BCore, es uno de los sellos míticos de la escena, y suponía un beneficio doble: colaborar con ellos y contar con ediciones en CD que ya hacía mucho que estaban agotadas. El futuro ya veremos, por el momento nuestro objetivo es seguir trabajando en las mismas líneas que llevamos: auto-edición, apoyo a grupos y proyectos asociados a El Rancho y acuerdos puntuales con sellos, distribuidoras, etc. Si en ese camino aparecen opciones interesantes se estudiarán pero cada vez vemos más lejos lo de “fichar por un sello”

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y más cerca lo de “somos un sello atípico, pero sello”. La carta que enviasteis por mediación de David Bravo a la SGAE, en la que pedíais, entre otras cosas, que dejaran de cobrar a los grupos que licencian en CCommons, tuvo bastante repercusión. ¿Os llegaron a contestar? Seguimos en conversaciones con varios abogados especializados en derechos de autor, otros grupos CreativeCommons y la propia SGAE. Para nosotros lo lógico sería que la nueva directiva de la SGAE, sea cuál sea, optara por abrir el camino. No nos gusta pensar que la única opción para que te paguen por los derechos generados por un concierto en la radio sea siendo socio de una entidad que se mete en las bodas y persigue a los peluqueros, o que no permite el uso educativo en colegios, institutos, etc. de forma gratuita. Se podrían hacer muchas cosas que beneficien a la cultura sin ir en contra del autor, pero se acogen al modelo antiguo. Ya veremos qué ocurre. ¿Qué valoración tenéis actualmente de “Si bajo de espalda no me da miedo” y “Un gramo de fe”? ¿Los veis como la revolución de la música nacional que todo el mundo pareció ver? ¿Cambiaríais algo de ellos hoy en día? No, si como dices fue una revolución, vamos a dejarlos como están, jeje. Realmente lo pasamos bien grabando esos discos y llevándolos al directo. Seguro que si nos ponemos a analizarlos cambiaríamos cosas: qué músico no ha tenido que obligarse a parar componiendo; algunas veces no ves el final, sobre todo si intentas seguir aprendiendo y conociendo nueva música. Creemos que vuestro directo sigue mejorando con los años, y que conseguís una gran conexión con el público. Además las canciones siguen mutando en vivo, ¿notáis que efectivamente vayan cambiando de concierto o en concierto o es más cosa

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del local de ensayo? ¿Qué es lo más os cuesta traspasar al directo? Tampoco cambian tanto, una vez al año como mucho... Ahora tenemos el reto de conseguir que la parte de electrónica suene potente en directo. Todavía estamos en pañales en este sentido. Nuevos sonidos, nuevos cacharros... lo que más cuesta es conseguir que funcione la canción sin tener que llevar cuatro cajas de ritmo, cinco teclados, una sección de cuerda... Seguir manteniendo la simpleza, aun cuando la canción viene cargada de arreglos porque se te fue la olla en la grabación. Volvéis a Nocturama, ciclo que pronto cumplirá diez años y que prácticamente os vio nacer. Nos parece increíble que, en una ciudad donde cuesta que funcionen los conciertos en salas, siga adelante algo así en verano e inmersos en una crisis. ¿A qué creéis que es debido? Funciona porque está hecho con cariño, porque, desde La Suite arriesgan en sus propuestas y pagan caché a grupos buenos y puedes verlos en un enclave bonito y fresquito, porque no hay muchas salas de conciertos ni buenos bolos durante el año, porque el precio es asequible. Para finalizar, hemos de preguntar por Fiera. ¿Fue un proyecto eventual o sigue habiendo futuro para aquel animal tan poco doméstico? Sigue habiendo futuro, por supuesto. De hecho estamos empezando a reactivarlo. Es un proyecto más complejo técnicamente, dado que los instrumentos son fabricados y, en este sentido, nos queda mucho que aprender. Encontrar nuevos sonidos y nuevos instrumentos está al mismo nivel que hacer los temas, lo que hace que el proceso sea más largo, pero el proyecto va de eso, entre otras cosas.

WILLIS DRUMMOND

«Hay mucha falta de originalidad y de personalidad tanto en la sociedad como en la música» Willis Drummond ya no son un secreto del underground sino que se han convertido, por méritos propios, en uno de los grupos de rock con más proyección de la escena vasca. Aprovechamos la reciente salida de su nuevo disco “A ala B” para hablar con los miembros Rafa Rodrigo (guitarra) y Jurgi Equiza (voz y guitarra)Se nota que en este disco habéis cuidado más que nunca los detalles en estudio. ¿Estáis satisfechos con el resultado? Rafa Rodrigo: Estamos muy contentos con el resultado. Hemos cuidado mucho el sonido incluso antes de entrar a grabar, hemos probado diferentes amplificadores, hemos grabado en el local, escuchado, cambiado detalles, añadido pistas, etc... y todo eso se nota al final... Después de haber grabado con Karlos Osinaga e Iñigo Irazoki, las mezclas las habéis hecho con Burke Reid, en los estudios Bronco de Canada. ¿Le conocíais de antes? ¿Por qué os decantasteis por él? R.R.: No le conocíamos, pero sí su trabajo con otros grupos y esto fue lo que nos hizo ponernos en contacto con él. Todo ha ido muy bien con él, ha sido muy eficaz. Felix, nuestro batería se encargaba de comunicar con él durante las mezclas y fue muy fluido. “A ala B” suena más rockero y Pearl Jam están más presentes que nunca. Pero puede ser que la rabia y la experimentación hayan quedado algo al margen. ¿Habéis encontrado el sonido en el que estáis más a gusto o puede que deis otro giro estilístico? ¿Son posibles unos Willis que exploten la vena punk, por ejemplo?

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«Cuando se ve quién hace las leyes, para quién sirven, y a quién castigan, desobedecer puede ser totalmente legítimo» R.R.: No sabemos cómo será nuestro próximo disco y todo es posible. Con el tiempo, tal vez estemos encontrando nuestro propio sonido y nos reconocemos en canciones muy diferentes entre sí... Las canciones de “A ala B” nos han salido más sencillas o clásicas que otras veces pero nadie sabe cómo será lo próximo que hagamos... Sobre las letras, seguís reflexionando sobre la vida o la música con un estilo personal. Vuestro disco se puede abrir por ambos lados y hay que elegir A o B, incluso en la canción de mismo título decís que sólo hay dos opciones y no es posible una tercera vía. ¿Podríais hablarnos de la temática del disco? Jurgi Equiza: Pues, lo has resumido bastante bien. La canción habla de este momento o de esta edad, en la cual tienes que tomar la decisión que siempre has retrasado. Y cuando llega este momento, te das cuenta de que no hay miles de opciones, sino dos: A

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o B. Y aunque eliges la buena opción, siempre abandonas algo con la otra.... Después, decidimos dar este nombre al disco, porque además, la dualidad siempre ha estado bastante presente en willis drummond y en cada uno de nosotros. Últimamente he echado de menos un tema directo y con claras letras de denuncia en el rock vasco teniendo en cuenta los tiempos que corren. Parece que en “Ilegala” habéis tomado ese camino. ¿Sentís que ya es hora de posicionarse sin ambigüedades? J.E: Siempre me cuesta un poco hablar de mis letras, porque deberían hablar por ellas mismas! jejeje... y además, me cuesta un poco hablar de lucha, de militancia o de política, así, en dos minutos... Aunque sería un placer discutir de todo eso contigo y con tiempo. Lo único que quería decir con esta canción es que, cuando se ve quién hace las leyes, para quién sirven, y a quién castigan, desobedecer puede ser totalmente le-

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gítimo... además de ser a veces la única manera de hacer cambiar las cosas. Fugazi, en su película Instrument, hicieron una radiografía de lo que era el grupo y el contexto que les rodeaba. Vosotros en Tresna parece que os animáis con algo similar. ¿Tan difícil es encontrar algo auténtico en esta sociedad? ¿Y en la música? R.R.: Sí que es difícil, hay mucha falta de originalidad y de personalidad tanto en la sociedad como en la música... es como si solo se pudiera elegir entre un puñado de modelos que nos dan. Es más fácil adoptar una pose definida y ya asimilada pero desde luego que eso no es auténtico... Decís que la canción “Munduari Kondenatuak” está inspirada en la película de Alain Resnais, “Mon Oncle D´Amerique” y el nombre del grupo viene de la serie Arnold (Diff´rent Strokes). ¿Es el mundo audiovisual una importante fuente de inspiración para las letras? ¿Qué películas o series nombraríais? J.E.: Para decirte la verdad, el mundo audiovisual es muy anecdótico para mí. Vivo sin televisión desde hace más de 10 años, y no conozco ni una serie de las miles que salieron desde esa época... y no me hace falta, aunque a veces, el mundo entero parece hablar de eso... jejeje... El cine me gusta, pero tampoco

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soy un aficionado. El caso de “Munduari Kondenatuak” es otra cosa. Miré la película porque ya sabía que aparecía el Profesor Laborit, gran especialista del comportamiento humano, y quería conocer sus teorías. Ha sido una revelación para mí, y además me gustó la peli, con su dirección y su montaje tan peculiar. Hay que verla absolutamente... La primera vez que os vi, fue en las txoznas de mi pueblo. No han pasado ni cinco años y ya habéis llegado a tocar en festivales y en las mejores salas de Euskal Herria. Se podría decir que os estáis convirtiendo en referentes. ¿Os sentís cómodos en este nuevo contexto? ¿Os lo esperabais? R.R.: Bueno, en estos últimos años no hemos parado de tocar y tocar e intentar mejorar lo que hacemos y parece que esto ha dado sus frutos. Nos alegramos de ver que cada vez viene más gente a vernos y nos halaga que se hable de nosotros pero no nos sentimos como un referente... No nos esperábamos ver al público cantando nuestras nuevas canciones unos pocos días después de haber sacado el disco... esto nos anima a seguir nuestro camino dando lo mejor de nosotros mismos. Es curioso que habéis logrado cierta repercusión en el Estado Español pero parece que no sucede lo mismo con Francia. ¿Os resulta más difícil tocar

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en Toulouse que en Barcelona? ¿Está más presente Euskal Herria en España que en Francia? ¿Es un impedimento el idioma? R.R.: Es posible que, cantando en euskera, sea más difícil entrar en los circuitos franceses que en los del estado español... En Francia lo “vasco” tiene connotaciones “folclóricas” pero igual no lo hemos intentado lo suficiente, no sé, habrá que seguir intentándolo! No me gustaría terminar sin hablar de Iparralde. Contribuisteis al disco “Kantuz: Euskal Presoak Etxerat” que refleja el buen estado de la escena. Del mismo modo, movimientos como el del colectivo Brah Brah, el festival Euskal Herria Zuzenean y los gaztetxes hacen que desde fuera se vea la situación con relativo optimismo. R.R.: No hay que olvidarse de que Iparralde es muy pequeño y tiene pocos habitantes pero claro que hay gente y colectivos como los que citas que se mueven para sacar adelante proyectos interesantes. J.E.: En Baiona también hay gente que trata de mover las cosas, aunque sea mucho más difícil (la souche rock, le microscope, BGA, etc...). Después, en el mundo de la música también, con tanta prohibición, y tantas normas y reglas que respetar, la cosas van a cambiar en los próximos años... Seamos optimistas, y pensemos que será en el buen sentido!!

FASENUOVA

«Trabajamos con la idea de hacer “hits”. Nunca pretendimos no ser entendidos y ser raros» El dúo asturiano Fasenuova está a punto de estrenar nuevo disco “Salsa de Cuervo”, así que los cazamos a dos días de la salida oficial y a tres de su presentación en el Red Bull Music Weekender para que Ernesto nos contase acerca del estado actual de la banda, de Asturias y de sus orígenes musicales. Los adelantos del disco, así como el single previo de “Disimulando”, nos traen una impresión general de un sonido algo más accesible, dentro de lo que cabe. Nosotros siempre decimos que tenemos etapas muy difíciles para la gente, más experimentales y eso. Pero siempre desde el principio, trabajamos con la idea de hacer “hits”. Son “hits” de los que no se iba a enterar nadie, pero nunca pretendimos no ser entendidos y ser raros. En el disco hay canciones que no son nada accesibles, así que algunas serán más difíciles de escuchar. Creo que variamos bastante, con momentos más duros y más extraños. Lo que está claro es que si quisierais haber aprovechado eso de sonar algo más “normal”, habríais metido “Disimulando” en el disco. No nos encajaba en la idea de disco que teníamos, simplemente. Porque en el conjunto no encajaba. Igual a otra persona sí, pero nosotros tenemos un concepto de canciones y “Disimulando” no encajaba en ese conjunto con lo que queríamos decir y exponer. Es algo personal, pero es que Fasenuova sois vosotros, claro. ¿Y cómo componéis las canciones? ¿Con ideas muy preconcebidas o con cosas que vienen del directo? Nosotros componemos de forma muy parecida a lo que se nos ve en directo, es decir, componemos tocando juntos. No escribe el uno y se lo lleva al otro. No, ponemos los instrumentos en el lo-

cal de ensayo y nos ponemos a tocar, y allí entre los dos añadimos un ritmo, ponemos un sintetizador y decimos como está, queremos una letra con estas palabras... Nos ponemos a jugar con ello. Las canciones van saliendo. O sea, sale de jugar y no de hacer cosas más preconcebidas... A veces hay ideas que pueden venir, como frases o un ritmo que es el que te lleva, siempre hay algo de lo que partes. Pero todo eso lo desarrollamos tocando juntos, no separados. El método se va haciendo. Te vas sintiendo más cómodo haciendo las cosas así. Contadnos un poco sobre un sello como Discos Humeantes, que parece que está funcionando muy bien últimamente. Sello asturiano que en realidad no tiene tantas bandas de allí. Es un sello de una dimensión más de fuera de Asturias, desde el comienzo. Hay buenos sellos que se dedican a la música asturiana, como en cualquier otro sitio, pero Humeantes antes de conocernos y antes de nuestro disco ya tenían una manera de pensar global más que local.

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Y en Asturias como veis las cosas musicalmente ahora mismo. Parece que las cosas están, si no mejor que nunca, sí en un buen momento. Bueno, pensamos que siempre hubo unos artistas muy buenos. Como en todos los sitios, hay momentos más fructíferos y de más sequía. Nos parece que desde luego este es un buen momento. Y que va yendo a más y que llegan a más gente, con buenas bandas y bien trabajadas. ¿Cómo influye un festival tan especial y tan exclusivo como el LEV? ¿Creéis que verdaderamente influyó a la gente de Asturias a hacer música así? A gente más joven que nosotros sí que es probablemente un foco importante, un festival potente y muy bien hecho. Para gente joven por Asturias y seguramente de fuera de Asturias, porque viene mucha gente de fuera. Es una iniciativa asturiana, pero transciende más allá la verdad. Siguiendo con el tema asturiano, ¿qué artistas recomendarías en la electrónica asturiana y fuera de ella? Pues hay muchas, en la electrónica hay gente como Exium, G-Kahn que es

«Queríamos ser un grupo de estadio de estar por casa. Y por qué no, romper las reglas de la canción ‘pop’» 124

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nuestro productor, Alex Ohmios, Karman, Herr Manos, está Helios Amor. Luego está Kresy, por supuesto, una incorporación de hace unos años. Hay cosas más contemporáneas, y con mucha calidad, igual el que más proyección internacional tiene ahora mismo es .tape. Luego nosotros en la electrónica es donde nos dominamos, pero en el rock and roll hay muchas cosas. Grupos como Repugnance, que nadie conoce, que están siempre perdidos en la memoria de la gente y fueron gigantescos por aquí y son accesibles hoy en día con Internet. Luego ya hay muchas cosas, como Chiquita y Chatarra muy buenos, está Pablo Und Destruktion otro músico que está haciendo las cosas bien. Folk hay a patadas, aunque hay cosas también muy buenas. Ejemplos hay muchos, vamos. O sea, que se puede decir que venís de la electrónica desde pequeñitos. Yo creo que claramente sí. El rollo industrial, Kraftwerk en su día hace muchos años, Suicide... Además que parece que últimamente Suicide, Swans, la no-wave, el ruido, se han puesto de moda, ¿no? Puede ser, pero nosotros es que lo mamamos. Nosotros lo vivimos. Yo tengo alguna publicación del 84, cuando estaba en mi colectivo que se llamaba Ética Maquinal. Yo es que lo mamé de verdad, de crío, crío. Yo no busqué modas, lo llevo haciendo desde siempre. Volviendo a lo de que nos hemos hecho algo más “audibles”, bueno es que yo creo que la gente se está abriendo mucho más. Sí, parece que la gente ha educado un poco su oído a cosas que igual antes costaban más para la mayoría, como por ejemplo el ruido. Sí, luego yo creo que está que nosotros evolucionamos lógicamente y es lo más natural del mundo. Además creo que es bueno. Pero, la oreja de la gente también cambia y en el camino hay un momento en el que el público y la banda se encuentran. Pero el oído se aburre de escuchar cosas que no

te apetecen tanto, quieres explorar un poco más... Al final a alguien que le acaba gustando la música quiere escuchar más músicas. Internet hace todo más fácil, claro. Hoy en día el que quiere investigar no tiene excusa. Es eso, ahora mismo se puede encontrar y es accesible realmente. Luego te quiero decir una cosa, sobre nuestra “accesibilidad”... Bueno, vuestra accesibilidad “relativa”... Eso, relativa. Pero que nosotros al cantar en castellano tenemos un acceso más fácil a la gente de aquí... Sí y no, creo yo. Por el tipo de letra igual precisamente tira para atrás a muchos que escuchan y dicen “Pero éste, ¿qué cojones dice?” (risas) Puede ser, puede ser. Pero eso que no sé si es virtud o no, pero nos sentimos capaces de hacer “Disimulando” y nos salió así. Pero al mismo tiempo hacemos cosas como “Rojo y Né”. Que son muy distintas entre sí...

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Si, está claro que es parte de la gracia de Fasenuova En ese momento nos desinhibimos desde el principio. No quisimos nunca estar en un estilo y sólo en un estilo. No queríamos atarnos a ningún estilo y que lo que nos gustase hacer lo haríamos, y punto. No estamos obligados a seguir siendo un grupo industrial, como si fuera una tribu urbana. Nunca fuimos así, fuimos eclécticos. Que fuera nuestra, que si hemos mamado el ruido evidentemente lo haremos con ruido... No con el propósito de ser de una manera o de hacerlo de una manera. Para cerrar, contadnos qué os gusta más del cartel del festival de Red Bull. Lo que nos gusta, claro, coincidir con Haxan and Cloak y Chris and Cosey que son influencia directa para nosotros que hemos vivido, que los conocemos desde que salieron. No mitificamos a nadie ni a nada, pero son importantes en nuestras vidas. (risas) Vimos muchas fotos, muchos vídeos... Protagonistas en nuestras vidas.

BERRI TXARRAK

«Nuestra música nos permite tocar en un Kursaal abarrotado y en el Hellfest en la misma gira» Con su último disco “Haria” dando ya los últimos coletazos, nos apetecía charlar con Gorka de Berri Txarrak en torno a varios asuntos que desde hace tiempo nos despiertan curiosidad. El futuro del grupo, el fenómeno Lisabö, o su relación con Matt Sharp, son entre otros los temas sobre los que el de Lekunberri nos da su visión. Parece increíble, pero el año que viene hará 20 años de la formación de Berri Txarrak. ¿Cuál crees que es la razón que os ha llevado a perdurar hasta hoy, y sonando cada vez más frescos si cabe que entonces? Creo que somos una banda que se dejó de chorradas y se montó en una furgoneta para tocar y sudar la camiseta. Eso y la curiosidad, algo vital en la música. 7 discos y un crecimiento progresivo que os ha llevado de ser una banda local más, hasta convertiros en un referente de la música de aquí, y más en concreto de la escena vasca, además de haber girado por todo el mundo con bandas enormes. ¿Cuál es el siguiente paso para BTX? Me cuesta mucho tomar decisiones y a veces uno siente el desgaste de los años, pero confío en las corazonadas a nivel musical, así que será lo que tenga que ser. De momento no hay planes de futuro concretos más allá de los conciertos programados. Echando la vista atrás, ¿cómo definirías en breves palabras cada disco de la banda? -‘Berri Txarrak’: Los comienzos. No reniego de él, simplemente creo que no está al nivel de los siguientes. -‘Ikasten’: Aquí se sentaron los cimientos de lo que considero el sonido BTX, algo que se me hace difícil de explicar pero al mismo tiempo fácil de identificar.

-‘Eskuak/Ukabilak’: Es curioso que contiene muchos ‘clásicos’ de nuestro repertorio (Oihu, Stereo, Biziraun, Eskuak…), sin embargo no recuerdo que en esa época triunfaran especialmente. -‘Libre ©’: Creo que el disco funciona como un bloque, de ahí que pusiéramos todos los temas sin silencio entre las pistas. Y contiene ‘Denak ez du balio’. Todo el proceso de contacto con Tim y lo que ha acarreado es una bella historia que ocurre una entre mil veces. -‘Jaio.Musika.Hil’: Un disco especial por muchos motivos: el debut como trío, el proceso de grabación con Txap en casa de Marino Goñi, el comienzo de nuestra “trilogía americana” en la producción con Ed Rose en Kansas, la posterior gira por todo el mundo… Un disco al que siempre le tendré un cariño especial y cuyas canciones van envejeciendo muy bien.

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-‘Payola’: Más difícil todavía: 16 pistas, cero ordenadores, cero edición, fue casi un ejercicio de estilo a ese nivel. Un disco muy oscuro en todos los sentidos. -‘Haria’: Grabar con Ross Robinson fue una experiencia vital y ‘Haria’ un disco en el que todos aprendimos muchísimo. Veníamos de un disco oscuro y fue como una respuesta al anterior. Lo entiendo como una dupla de discos que se retroalimentan: Haria le da sentido a Payola y al revés. Payola es blanco y negro, Haria es color. En cierta manera uno hace mejor disco al otro. ¿Qué opinas de los conciertos de conmemoración de discos pasados en su aniversario que en los últimos años están tan de moda, y que hace todo el mundo, desde The Pixies hasta Hamlet? ¿Podríamos ver algo así de BTX por ejemplo de “Libre” que cumple 10 años este 2013?

«A veces se habla de boom gratuitamente, sin tener en cuenta el nivel underground que lleva consigo el hacer rock en euskera» 126

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Quién sabe. Vivir de y para la música por tantos años como las bandas que citas a veces resulta tan complicado que he aprendido a respetar cualquier estrategia, siempre que no sea una pantomima. Quiero decir, que cada uno haga con sus canciones y su carrera lo que quiera, faltaría más. No soy muy fan de las nostalgias pero entiendo que es un sentimiento lícito y muy común. Por ejemplo cuando leí que Weezer iban a hacer una gira tocando el “Blue Album” y el “Pinkerton” entero pensé que hubiera sido la ostia haber podido estar ahí. Siempre me ha llamado la atención vuestra capacidad para gustar a muchos tipos de públicos muy diferentes entre sí. Sois de los pocos que podéis tocar en un Viña Rock, en un Resurrection Fest, o ante públicos más indies. ¿Os sentís cómodos siendo un grupo heterogéneo o echáis de menos el pertenecer a una escena

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concreta? Siento que pertenecemos a la familia rock, punto. Nuestra música nos permite tocar en un Kursaal abarrotado y en el Hellfest en la misma gira: no me paro a pensar en por qué gustamos a tal tipo de público o a otro, quiero pensar que simplemente les llegan nuestras canciones. Aún así, creo que todavía hay mucho prejuicio y demasiada tontería en esto de los estilos. Y en cuanto a sonido, nunca habéis tenido miedo de evolucionar, trabajado con productores tan distintos entre sí como Albini o Ross Robinson. ¿Tenéis ganas de seguir probando con gigantes de este calibre, o después de tanto tiempo vais a buscar algo más “conservador” que se centre en el sonido actual de Berri aprovechando el excelente momento actual? Esa es una pregunta difícil de responder hasta que haya nuevas canciones. Siento que la trilogía americana Rose

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«La música es capaz de derribar muchos muros y todavía no se ha inventado nada que supla esa sensación de placer que te da el subirse a un escenario»

«Somos una banda que se dejó de chorradas y se montó en una furgoneta para tocar y sudar la camiseta» - Albini - Robinson cierra una etapa, pero es probable que me contradiga. Aunque creo que Gorka, tú habías colaborado en algo con él, ¿cómo llegasteis a liar a Matt Sharp para colaborar en una banda que en principio se aleja de su estilo habitual? Invitamos a Matt Sharp a tocar el bajo en el disco ‘Payola’. Le hicimos llegar nuestros discos y nos dijo que estaba muy liado, pero que le había encantado nuestro documental “Zertarako Amestu” y que de alguna manera lo había inspirado para los vídeos de su proyecto multidisciplinar “Songs About Time”. Eso trajo después que yo hiciera de narrador en castellano en alguno de ellos y más tarde que grabara un bonus track en castellano y otra inédita en euskera de una canción de su disco. El círculo se cerró cuando vimos que ‘Haria’ sería grabado en LA, donde vive él. Le dimos el toque, nos invitó a su casa (¡Una fiesta Prince!) y allí surgió la idea de que se pasara por el estudio. ¿Cómo es ese momento en el que te paras a pensar todo lo logrado? (colaboraciones con ídolos como Tim McIlrath o Matt Sharp, giras por el extranjero, compartir cartel con grandes bandas…) ¿El Gorka melómano y adolescente sigue flipando con estas experiencias, o llega un punto en que se pierde ese punto mitómano y de fan?

¡¡Me sigue haciendo la misma ilusión!! lo que sí es verdad es que con la experiencia ves que al final, por mucho que te hayan marcado tanto, son sólo personas que se dedican a lo que más les gusta como tú o cualquier otro fan de la música, eso es lo bueno. De todas vuestras giras, os habréis llevado muy diferentes reacciones a vuestra música, idioma y letras. ¿Cuáles han sido las más curiosas, enérgicas, destacables, de entre todos esos países visitados a lo largo de los años? Reacciones ha habido de todo tipo: desde los fans acérrimos donde menos te lo esperas, hasta la curiosidad o el interés por la lengua, la sorpresa, la censura o la indiferencia (afortunadamente las menos). Si algo sacas en claro es que la música es capaz de derribar muchos muros y que todavía no se ha inventado nada que supla esa sensación de placer que te da el subirse a un escenario y compartir tus canciones. ¿Hasta qué punto es BTX la banda de Gorka o es un grupo en toda regla? No creo que importe demasiado. Siento que tengo la responsabilidad de preservar el legado de BTX simplemente porque soy el único que está desde el principio. A veces esa 128

mochila es un lastre, además creo que no valgo para liderar nada, pero en fin. Aún así, para mí la sensación de grupo es indispensable, tanto con David y Galder como con el crew, y sinceramente creo que en 2013 puedes disfrutar de los mejores Berri. Si alguna vez hiciera algo en solitario sería bien diferente. ¿Con la formación que completó Galder a la batería se estabiliza la banda como trío o la puerta sigue abierta a un cuarto miembro si fuese necesario? No sé cuánto durará BTX, pero seguro será en formato trío. Sin entrar mucho en temas políticos, es increíble a los límites que estamos llegando. Desahucios, manifestaciones diarias, salidas de tono de los gobernantes vergonzosas... Y sin embargo parece que la música independiente es hoy más inofensiva y vacía que nunca. Hay excepciones, ¿pero no crees que este nuevo indiemainstream está más amaestrado y adormilado que nunca? Es imposible tratar este tema sin entrar en temas políticos cuando son ellos los principales responsables. De todas formas estoy de acuerdo con lo que dices, partiendo de la mítica frase “Soy más indie que indignada”, poco más se puede decir.

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Volviendo a la música, tu gusto siempre ha sido llamativo por lo heterogéneo del mismo. De Nirvana, a Weezer, pasando por Pedro The Lion o Bon Iver. ¿Con qué bandas está a día de hoy Gorka, o cualquiera del resto de miembros, enganchado? Personalmente llevo una época bastante revival 70’s, bandas de hoy pero que emulan esos sonidos: Graveyard, Motorpsycho… Es curioso porque nunca he sido demasiado fan de ese rollo, pero me parecen muy buenas bandas. Ahora en mi coche suena ‘Cold Fact’ de Rodríguez, me pasó como con Daniel Johnston, que al alucinar tanto con el documental me enganché a su música. También están Red Dons, que me los descubrió Galder y Overseas (Bazan siempre será mi debilidad). Y ya de caña creo que Deathwish es la discográfica a seguir (Converge, Touché Amoré…), un poco lo que representó Hydrahead o Victory hace una década. Quería preguntarte también por la opinión que te merece el boom Lisabö, que tras estos años parecen haber crecido notablemente en lo que a popularidad se refiere. ¿Se ha borrado en gran medida la dificultad del tema del euskera para poder llegar a alcanzar a un público más amplio? A veces se habla de boom gratuitamente, sin tener en cuenta el nivel underground que lleva consigo el hacer

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«La sensación de grupo es indispensable (...) Si alguna vez hiciera algo en solitario sería bien diferente» rock en euskera. Si queremos llamar boom a tocar en salas de 300 podemos hacerlo, pero probablemente el cantante de Maldita Nerea se esté riendo en su sofá. Personalmente me alegro mucho de que de alguna manera Lisabö haya sido descubierto por más gente de la que a priori se espera de su música –genial, por otro lado-. Creo que puede abrir algunas puertas. Habrá gente que se rasgue las vestiduras porque el “tesoro mejor guardado” de la escena ya no les pertenece sólo a ellos, pero estoy un poco harto de esa pose: si algo es bueno quiero que lo conozca más gente. Recientemente realizasteis una actuación especial en el Kursaal donostiarra, ¿cómo fue la experiencia de actuar en un espacio más cercano a un teatro que a la habitual sala de conciertos, y con la gente a priori sentada? Fue algo memorable. Era la primera vez que tocábamos en un recinto así y

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puedo decir que fue una de las experiencias musicales más emotivas de mi vida encima de un escenario. Y el tema de vuestros grupos paralelos, ¿cómo se compagina Berri con Cobra? ¿Hay posibilidades de que se reactiven Peiremans+ en algún momento? ¿Existen ahora mismo proyectos alternativos en tu cabeza o Berri ocupa todo tu tiempo? Lo de Cobra se lo tendrás que preguntar a David :) Peiremans+ está aparcado por cuestiones obvias de agenda, pero la puerta siempre estará abierta: tengo muy buena relación con Imanol Ubeda (Bide Ertzean) y me parece que hace muy buenos temas. Las canciones del EP me gustan y además compusimos otras tantas en la minigira que hicimos hace un par de años que se quedaron sin registrar. Aunque de momento no hay nada de nada.

BULLITT «La ilusión de seguir adelante se mantiene con el solo hecho de imaginar lo tristes que seríamos cualquiera de nosotros sin la banda» Los gerundenses acaban de publicar su tercer disco, que indaga en la búsqueda de la canción perfecta, pero sin alejarse demasiado del sonido Sant Feliu. Con Xavier Calvet, guitarrista y cantante, charlamos durante largo rato mientras le enseñábamos algunos de los bares más cañís de la capital.

Cuarta referencia en cuatro años, sin duda se puede decir que Bullitt estáis en un momento fructífero, y que no paráis de crear. Forma parte del rodaje que llevamos como banda, y de la filosofía de curro que tenemos. Somos muy de ensayar todas las semanas dos veces, y nos gusta ir ofreciendo cosas nuevas porque además creemos que con este ritmo también crecemos como banda. Hay que tener en cuenta que por temas de curro no podemos salir a tocar fuera todo lo que quisiéramos, así que aprovechamos para estar constantemente componiendo. Piensa que además no nos ha pillado de chavales, y como no sabes cuándo se va a acabar pues preferimos darnos un poco de bulla y aprovechar y disfrutar todo lo que se pueda. En este nuevo “So Many Ways” hay una pretensión de buscar un sonido más elaborado, un mayor peso melódico si cabe… ¿Es fruto de una evolución, o es algo en parte buscado? No, es simplemente que han salido estos temas. Somos un grupo que cuando componemos, si una canción nos dice algo, seguimos trabajando en ello. De esta forma juntamos 14 o 15 cancio-

nes y nos metemos a grabar y a decidir las mejores, pero sin importarnos si suenan más o menos homogéneas. Con que nos gusten tiramos para adelante. Sí que es cierto que se aprecia mucha variedad, de forma que “She Leads My Soul”, o las finales “See The Light” y “Headblower”, siguen siendo canciones puro Bullitt, e incluso cercanas al sonido post hardcore más clásico. Lo que pasa es que los cuatro tenemos muchas influencias comunes, pero también otras muchas muy personales. Eso se nota cuando vamos componiendo, y de igual modo que hay canciones que salen muy rápido porque hay una línea de voz muy marcada y unos acordes muy simples, como puede ser el caso de “Lucky”, luego hay otras que han requerido de mucho más trabajo en el local como “See The Light”, o como “Hiding In The Trees”. La clave está en que el tema nos mole. ¿Ha sido complicado todo ese curro de armonías, de voces, de coros…? La verdad es que en todo eso nos ayuda mucho Santi (ndr: García, su

«Como no sabes cuándo se va a acabar, preferimos aprovechar y disfrutar todo lo que se pueda» 130

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productor). Posiblemente el momento en el que mejor me lo paso es cuando ya está todo grabado, me meto en la pecera a trabajar en las voces, y Santi me va diciendo vamos a ir por aquí, vamos a probar esto otro, vamos a meter una tercera voz por arriba… Como cantante me lo paso genial pues me hace intentar cosas que a mí solo en principio no se me ocurren. Te decía antes que he extraído de la escucha del disco muchas influencias de bandas power pop tipo Fountains Of Wayne, Teenage Fanclub, o Nada Surf, con canciones como “Lucky”, “Live Unfraid” o “How Did You Think”. Sin duda están muy presentes todas estas bandas, y seguramente aquí soy yo el más culpable ya que soy un fan absoluto de este estilo. Eso unido a que por ejemplo a Ferrán también le encantan Weezer, o a Enric los Gigolo Aunts, pues nos ha llevado en general a buscar la canción como concepto. Es decir, si hay canciones con potencial que funcionan a un nivel pop, pues hemos ido a por ello. ¿Los textos son todos tuyos? ¿Hasta qué punto le imprimes un carácter personal a las letras? Sí, son míos, y he de decir que son muy personales ya que soy de esos creadores que no tienen mucha imaginación para inventarse películas, y por lo tanto hablo de lo que me toca de cerca.

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¿Eso quiere decir que eres una persona positiva? Pues puede significar eso, pero también puede significar que no soy ese tipo de persona, y que lo que hago es utilizar las letras y las canciones para darme a mí mismo ese punto de positividad para seguir adelante en el día a día por los diferentes caminos que se te van presentando. Incluso el título del disco habla de eso. “So Many Ways”. Es que creo que la vida es eso, y nosotros como grupo hemos vivido muchas cosas y situaciones que no esperábamos, por lo que al final es ir afrontando las cosas que no sabes cómo ni por dónde te van a venir. A nosotros nos parece que la mejor forma de afrontar todo esto es con los brazos abiertos y con la positividad por delante. Uno de mis temas favoritos del disco es “Fallen”, con ese teclado, y ese crescendo emocionantísimo al final.

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Pues es un tema para el que la inspiración me vino un día paseando por el paseo marítimo de Sant Feliu, y se llama así porque fue como caer en un sitio de tu mente que ni siquiera tú conocías. Fui directo para casa a grabar los acordes y la melodía que se me había ocurrido, y luego cuando la enseñé al resto la verdad es que les gustó mucho. Creo que es una canción cuyo riff tiene como referente a Aina, pese a que no suene a Aina, o quizás los Pearl Jam de entrada del “Vitalogy”, y me hace mucha gracia que Carles siempre la llama la canción del ritmo soulero (risas mientras imita el ritmo y unos hipotéticos vientos). Estoy de acuerdo en que es de las que mejor han quedado del disco. Y de “Have It All”, ¿qué me puedes contar? Para mi es la canción más potente del álbum. Pues te puedo contar que es la que más ha gustado en Radio 3 (risas), y que su origen tiene que ver con nuestra última visita a Madrid como telone-

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ros de Last Days of April. Aquel día cuando acabamos se me ocurrió el riff y no tenía donde apuntarlo ni donde grabarlo, así que le dije a Màxim de No More Lies, que suele venir con nosotros de gira, “oye Màxim recuerda esto mañana por la mañana”. Al día siguiente después de una larga noche, el muy crack lo primero que hizo nada más encontrarnos fue tararearme la melodía. Ya teníamos tema nuevo (risas). También estoy de acuerdo contigo en que con ese rollo tan Queens Of Stone Age es una de las mejores canciones del disco. Tenemos la costumbre de nombrar siempre bandas extranjeras como influencias, pero quizás va siendo hora de nombrar las bandas de por aquí que han sido vitales. Te hablo por ejemplo de The Unfinished Sympathy, y del tema “Dinosaurs”. Mira este tema se llama así porque en un principio nos recordaba a Dinosaur Jr, pero sí que es cierto que una vez terminado lo escuchaba con

Santi y decíamos “joder es que tiene mucho rollo Unfinished”. Bueno, que te voy a decir… Yo no puedo esconder que sin Aina, No More Lies, y The Unfinished Sympathy, Bullitt no habría existido. Son bandas vitales en nuestra creación, y estoy de acuerdo en que debemos empezar por ellos cuando hablamos de influencias como grupo, pues aprendimos la mayoría de cosas de estos grupos. También hay una cercanía hacia sonidos más clásicos. Sabemos que te chiflan bandas como Dr.Dog, o Wilco, y en un sentido más punk-rock, también está ahí la esencia de unos Gaslight Anthem. Como si cada vez os alejaseis más del hardcore para ser una banda de rock a secas. ¿Qué opinas de esto? Pues que lo estás clavando (risas). Nosotros no escondemos de dónde venimos, pero es evidente que te vas haciendo mayor, y que como músico cada vez buscas más el rock a lo grande. Todas esas bandas que me nombras me valen como ejemplo a seguir. Dr.Dog por ejemplo fue uno de los conciertos que más disfruté en el último Primavera Sound que tocaron, y es una banda que descubrí gracias a un vídeo en una tienda de discos que me pasó un amigo. Fue un enorme descubrimiento. Supongo que al final no dejan de traer al presente las melodías de The Beatles, y claro que vamos a decir de los Beatles… Han hecho todas las melodías perfectas que existen, así que cuando cantas por algún tiene que salir todo eso. En cuanto a la producción, entiendo que iría sobre ruedas con Santi García en los Ultramarinos de Sant Feliu. Supongo que ni os planteasteis cambiar. Es innegociable. Nos conoce desde el principio, ha vivido el proceso de creación de todos nuestros discos, es un amigo, nos apoya, y además le damos confianza absoluta para que haga con nosotros lo que quiera. Es decir llevamos todo el trabajo hecho de casa, pero siempre con la voluntad de que él participe del proceso de creación del disco igual que cualquie-

«Nos gusta pensar que somos de los pocos que quedamos de lo que era en principio Bcore» ra de nosotros cuatro. También está además la figura de Víctor García, que nos ayuda mucho con las baterías, y que se está especializando en masterizar haciendo trabajos increíbles. Si existiese un lugar mejor, quizás iríamos, pero desde luego ellos vendrían con nosotros. Y por parte del sello… Bcore. ¿También innegociable? Pese a su apertura de sonido, parece que hay hueco para bandas que mantienen vivo el sonido clásico del sello. Sí, es un poco eso. A nosotros nos gusta pensar que somos de los pocos que quedamos de lo que era en principio Bcore, y es un orgullo enorme formar parte de un sello donde han estado muchas de nuestras bandas favoritas. Por otro lado tampoco se me ocurren muchos sellos en este país que estuviesen dispuesto a apostar por un grupo como nosotros, por lo que difícilmente podemos estar mejor que en Bcore. Entiendo que al grupo le dedicáis mucho tiempo, pero no os da para vivir de ello profesionalmente. ¿Cuáles son las motivaciones al final para seguir adelante luchando con la banda? Yo creo que la ilusión de seguir proviene de imaginar lo tristes que seriamos cualquiera de nosotros sin esto. Ha habido momentos en los que te desanimas, en los que te gustaría que pasasen cosas que finalmente no ocurren, pero al final la recompensa está en los días que puedes salir, meterte en la furgo, conocer gente nueva, y que venga uno, aunque solo sea uno de los que estaban en el público, a decirte que ha disfrutado con el concierto. Eso es suficiente para recargar las pilas al 100% y seguir adelante. La mayoría de músicos te dirán lo mismo, y es que una vez que has empezado es muy difícil vivir sin ello. 132

¿Tienes algún héroe musical, alguna banda con la que te gustaría compartir escenario? Pues nos ha pasado varias veces. Nos pasó con Bluetip. Soy muy fan de Jason Farrell, y tras verle actuar en directo todavía más. Nos pasó con The Get Up Kids, que era mi banda favorita en la universidad. Y nos pasó también con Samiam que los pondría en el top 3 de mis grupos favoritos de toda la vida. Y por pedir algo más, pues Texas Is The Reason, Weezer, Gaslight Anthem… ¿Y algún guilty pleasure, algún grupo prohibido? Pues durante tiempo tuve que esconder mi amor por Oasis por miedo a que me llamasen “mariquita” en el circuito hardcore (risas). Y bueno quizás Scissor Sisters, o Pet Shop Boys, no ya porque me avergüence, si no porque quizás la gente podría pensar que no cuadran conmigo a priori. Por último, pregunta obligada, ¿cómo ves eso que llamamos escena? ¿Te parece que atraviese un buen momento el rock independiente en España? La verdad es que por un lado veo cierto revival noventero que me agrada mucho, y es que soy de los que sostenían que la moda esta de la vuelta de los 80´no podía durar demasiado. Al final no dejan de ser ciclos en la historia de la música, y ahora tocaba que los 90´ volviesen. Me gustan mucho bandas jóvenes como The Destroyed Room, que creo que son muy originales recuperando estos sonidos 90´s de los que hablamos; me flipan unos chicos nuevos de Sant Feliu que se llaman Please Wait, y que con 16, 17 y 18 años, tiene toda la pinta de que se van a comer el mundo como relevo natural de No More Lies y demás bandas de esa zona… en general veo buena salud en los grupos que van surgiendo.

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WILD HONEY

«La música pop a priori es muy limitada, con estructuras y posibilidades melódicas muy claras, pero al arreglarlas todo se amplía hasta el infinito» El bajista de Mittens, Guillermo Farré, está de vuelta con su proyecto personal Wild Honey. Hablamos con él antes de que echen a andar sus conciertos de presentación para que nos explique los pasos dados al frente en este segundo disco. Con tu debut la principal pregunta era qué y quién es Wild Honey. ?Ahora sigue siendo tu proyecto personal o hay cabida para algún personaje más en esta historia? La idea de montar Wild Honey surgió como una manera de hacer música a mi ritmo tras llevar muchos años tocando en grupos. Tocar con gente tiene cosas alucinantes, pero al mismo tiempo es difícil que todo el mundo se implique al mismo nivel y vaya a una dirección determinada. Wild Ho-

ney en principio era un proyecto de habitación, quería limitarme a grabar canciones en casa, probar arreglos y experimentar cantando yo los temas, que nunca me había atrevido a ello. Es en el momento en el que surgió la oportunidad de trasladar esas canciones al directo cuando Wild Honey deja de ser algo 100% personal, ya que todas las personas que colaboran conmigo acaban aportando cosas a la música. Por ejemplo, la mayoría de las bases rítmicas de “Big Flash” las han

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grabado Diego Blanco y Javier Lorente, que han ayudado a definir el sonido final que tiene el disco. ¿Qué rasgos les explicarías como definitorios de Wild Honey respecto al sonido de Mittens? ¿Cuáles son las señas de identidad de este proyecto que le diferencian de tu otra banda? En Mittens éramos cinco músicos y al final tiras por aquellos puntos de unión que compartíamos. Con Wild Honey, si me apetece hacer una intro de una

«Me gusta probar cosas diferentes y arriesgar con aspectos de producción y de sonidos que a lo mejor en un grupo con más personas no siempre encajan» canción que parezca un breakbeat de una canción de rap, me puedo dar el gustazo. Tratando de que no sea un pastiche, me gusta probar cosas diferentes y arriesgar con aspectos de producción y de sonidos que a lo mejor en un grupo con más personas no siempre encajan. Centrándonos en tu nuevo trabajo, “Big Flash”, parece que hayas tratado de alejarte de ese folk-pop delicado de tu anterior obra para expandir tu sonido hacia otras coordenadas, y crecer como creador. ¿De ahí tu interés en contar con Tim Gane de Stereolab? Totalmente. El primer disco lo grabé en casa sin tener ni idea de temas técnicos. Lo hice preguntando a amigos y leyendo foros de grabación. Me di cuenta de que al final, si tienes una guitarra y un banjo para grabar un tema, pues tienes muchas posibilidades de que acabe sonando más folk que otra cosa. Me planteé el nuevo disco como un aprendizaje: quería trabajar con alguien con experiencia, en el que confiara a ciegas en el punto de vista musical, y que me permitiera ampliar la paleta de sonidos con la que estaba trabajando hasta ese momento. Se me ocurrió la opción de Tim Gane, y me pareció la persona perfecta. Lo que no imaginaba es que pudiera ser posible, ya que en un primer momento era solo un sueño poder trabajar con alguien como él. ¿Cómo ha sido trabajar con él? Porque teniendo en cuenta que es su pri-

mera producción al margen de Stereolab, es todo un logro. Piensa que con un proyecto como Wild Honey, donde yo me costeo todo, no puedo ni plantearme grabar en un estudio profesional, y menos pagar a un productor reputado. Leí una entrevista con Tim Gane en Wired en la época en la que lanzó “Chemical Chords” de Stereolab, y vi que uno de mis músicos favoritos de todos los tiempos tenía un método de trabajo muy similar al que yo tenía, salvando las distancias claro. Dar con él no fue sencillo, pero luego escuchó mi primer disco y le pareció interesante la experiencia de producir el nuevo. Recientemente había estado trabajando con Bradford Cox en lo que iba a ser el segundo disco de Atlas Sound, pero parece ser que la cosa no salió muy bien. Así que tras escuchar “Epic Handshakes And A Bear Hug” la única condición que me puso es que teníamos que conocernos antes de comprometernos a nada. Pasé un fin de semana en Berlín viendo su estudio, charlando de música y de mil cosas más, nos caímos bien, y de ahí salió todo. Y el tema de las canciones, ¿las llevabas muy trilladas de aquí, o aprovechaste la presencia de Tim para experimentar y dejarte llevar por lo que él te aconsejase una vez allí? Hay un poco de todo. Llevaba demos de dieciocho canciones donde estaban sugeridas estructuras, arreglos e intención de todas ellas. Hay temas que se quedaron muy cerca de lo que yo llevaba pero grabados con otros instrumentos, y luego hay otras que sí 134

que dieron bastantes giros. Por ejemplo, yo tenía en la cabeza utilizar guitarra acústica lo menos posible, pero a Tim le parecía un elemento básico de las canciones y me animó a que siguiera siendo la base de muchos de los temas. Tengo un montón de demos que me gustaría ir subiendo a internet en los próximos meses, pues es interesante ver el punto de partida y luego cómo quedaron finalmente. Si por algo destaca la música de Wild Honey, además de por sus ensoñadoras melodías, es por la cantidad de arreglos, ¿cómo llevas el ser tan detallista? Porque tiene toda la pinta de acarrearte un trabajo tremendo, pero a su vez parecen ser la clave de tu sonido, ¿no? Creo que la parte de arreglar canciones es con la que más disfruto a la hora de escribir o de grabar. Siempre digo que la música pop a priori es muy limitada, las estructuras son muy claras, las posibilidades melódicas también, pero a la hora de arreglarlas todo se amplía hasta el infinito, puedes llevar una misma canción a que suene a los Go-Betweens, a Rhianna, o a Merle Haggard. Como no tengo formación clásica, al final trabajo a base de prueba y error, cada canción acaba pasando por diferentes fases hasta que doy con el arreglo concreto. Hay en esos teclados, órganos, y sintes, un aura fantasmal que trae a la cabeza a un artista que no suele nombrarse entre tus influencias, Elliott Smith. ¿Es una influencia para tu música en Wild Honey el artista de Omaha? Soy muy fan de Elliott Smith desde hace muchísimos años. Lo descubrí cuando publicó “XO”, y en su día me volvió completamente loco. Sigo escuchando muchísimo sus discos, me encanta su manera de cantar, como suenan sobre todo sus últimos discos, y los ecos que se escuchan en su música de Big Star, Zombies, o de los Beatles del disco blanco. Quizás no nombro mucho a Elliott Smith pero porque doy por hecho que se nota bastante. Siempre me sorprende que la gente hable de

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la música de Elliott Smith como algo oscuro, ya que la veo muy luminosa. Siempre con ese toque fantasmal que comentas, pero cercana tanto al soft pop como al folk inglés. ¿Y qué banda actual crees que se cuela más en vuestro sonido? A mí se me vienen a la cabeza, aunque siendo más excesivos en sus planteamientos, Tame Impala… Tame Impala me parecen alucinantes. Creo que son mi grupo favorito de la actualidad, me muero por verles en directo. Está claro que se acercan a terrenos más pesados, pero hay canciones suyas, o producciones como la del disco de “Melody’s Echo Chamber”, que me gustan mucho y que son claramente una referencia para mí. Escucho mucha música actual, los dos discos de Neon Indian me gustan muchísimo, todo lo que hace Caribou, el último disco de Ducktails lo llevo escuchando sin parar varias semanas… vivimos un momento increíble para la música, no paran de salir discos muy interesantes de gente que usa referencias clásicas pero que al mismo tiempo trata de aportar cosas nuevas

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a nivel de producción, que se atreven a mezclar diferentes estilos… El tema de los medios y la escena ¿cómo lo ves a día de hoy? ¿Parece que poco a poco, la escena nacional va cobrando más importancia y mejora sus infraestructuras, o sigues siendo pesimista respecto a la situación musical en nuestro país? Hombre, a nivel de circuito de salas y de directo está todo muy parado. Fuera de las grandes ciudades no existen apenas salas con buen sonido, y seguramente no haya tampoco mucho público para la cantidad de bandas que hay. Me da la sensación de que hay un pequeño grupo de bandas grandes y luego directamente el grueso de bandas que son totalmente underground. No existe una clase media y me da la sensación de que la razón es la falta de infraestructura para ello. Ves países como Suecia y es justo el caso contrario, parece que tienen una clase media de bandas infinita, y eso da mucha envidia. Quitando esto, creo que hoy día hay más grupos interesantes que nunca, no paran de salir discos que me 135

«Las estructuras para tocar en directo son muy pobres, pero a la vez hay mil cosas interesantes» encantan, creo que el nivel de las producciones ha mejorado de manera abismal en los últimos años, y hay muchos sellos sacando cosas interesantes. Así que me parecen dos cosas diferentes: la música pop no tiene el estatus que otras expresiones artísticas, las estructuras para tocar en directo son muy pobres, pero a la vez hay mil cosas interesantes, muchísima gente escribiendo blogs y millones de maneras de acceder a música chula.

AGORAZEIN

«La idea era que por lo menos se pudiera plantear la duda de si es simplemente un disco de Hip Hop u otra cosa diferente» El pasado año se colaba en los top de lo mejor del año una banda de un género cómo el rap, normalmente marginado en este tipo de listados. Eran Agorazein, colectivo de jóvenes madrileños que han logrado ir haciéndose con un nombre que está incluso trascendiendo la, a veces, hermética escena del rap nacional. Ahora ha tocado la publicación de este segundo trabajo de C.Tangana, “LOVE’S”, pero ¿cómo surge Agorazein y de dónde provenís? Porque no sois una banda al uso… AGZ: Pues simplemente somos unos chicos normales, con algunas inquietudes parecidas que se cruzaron y que hicieron un grupo de rap. Cada uno es un poco a su manera, proviene de un sitio, hace una cosa, lleva unas pintas y en esa variedad reside la clave de lo que somos Agorazein. Hasta ahora hemos trabajado en proyectos que en cada caso venían de una idea muy personal, y que es lo que quizás nos hace ser atípicos. Hemos puesto por delante esos proyectos que cada uno quería llevar a cabo antes que la imagen standard de grupo. Hasta llegar a este momento C.Tangana, has mutado tanto de nombre, como en estilo musical, e incluso en la forma de rapear. Resúmenos la evolución desde aquel Crema hasta este C.Tangana actual C. Tangana : He ido creciendo y aprendiendo todo lo que he podido. Es difícil explicar la evolución porque para mí ha sido muy natural, la he vivido segundo a segundo. Sí que hay una brecha entre el disco “Agorazein” (2008) y “Kind of Red” (2011) ya con todos juntos, pero porque pasó mucho tiempo en el que no hice nada de música y es una parte del trayecto que desde fuera se queda en blanco. De todas formas intento estar siempre activo, me gusta mucho probar, hacer algo más de dos veces es vicioso y poco divertido.

“LOVE’S” ha entrado en las listas de lo mejor del año de medios más cercanos al indie o la electrónica. ¿Os sentís cómodos entrando en este tipo de medios, y alejándoos un poco del estereotipo de grupo rapero español? C.T: Respecto del mundo del hip hop nuestra perspectiva es distinta que la de generaciones anteriores en nuestro país. Nosotros hemos crecido con la posibilidad de escuchar prácticamente todo lo que se había hecho hasta el momento. Grupos que ahora son el standard de hip hop en español han crecido prácticamente en otro mundo. Con 17 años no tenían a su alcance el número de discos que yo tenía con esa edad y eso influye mucho cuando estas aún muy verde y te empapas de todo. Además somos más jóvenes y hemos podido ver las cosas ya hechas, definidas, lo cual también es completamente distinto que verte inmerso en ellas mientras se gestan. A lo que voy es que somos bastante distintos al estereotipo de grupo español ya desde el origen. Ahora mismo nos sentimos muy cómodos viendo que hay posibili-

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dades de hacer algo no convencional en España. Nos gustaría que nuestra música tuviera valor independientemente del hip hop, que tiene sus propios valores, circuitos, medios etc... Y nos sentimos muy halagados con la respuesta del último disco. Musicalmente encontramos influencias que van desde el soul o el R&B, a la búsqueda de atmósferas a las que por aquí no se está muy acostumbrado ¿Habéis tratado de hacer rap desde la libertad absoluta? C.T: No sé, imagino que dependiendo de la idea que tengas del rap verás este disco de una forma u otra. Hemos intentado que fuera un disco de “música” como tal, sin más. Grabamos y producimos todo en casa de Fabianni, y esto nos permite alargar la parte creativa y darle vueltas hasta que prácticamente nos imponemos cerrar los temas por cuestiones de tiempo. La idea era que por lo menos se pudiera plantear la duda de si es simplemente un disco de hip hop, u otra cosa diferente.

«La imagen del rapero español que tiene alguien que no se ha acercado nunca a esto es bastante ridícula, y eso es en parte culpa de todos los que estamos dentro» 136

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Siempre habéis ido un poco a contracorriente, y señalado la poca autocrítica del género en España, el excesivo ego o los modos en que ha estado organizado. AGZ: Tampoco queremos llegar los nuevos y decir cómo se tienen que hacer o no las cosas, pero en términos generales creemos que se pueden hacer mejor. Nosotros sólo somos un grupo pero hay toda una nueva corriente de gente que quiere subir el listón. Primero porque no existe ni mucha variedad ni mucha riqueza en lo que es puramente la música. Pero además el resto de aspectos relacionados tampoco ayudan. Por ejemplo la imagen del rapero español que tiene en la cabeza alguien que no se ha acercado nunca a esto es bastante ridícula, y eso es en parte culpa de todos los que estamos dentro. Cambiarlo pasa por cuidar los criterios de calidad, los medios especializados, los videos, la parte técnica de los discos, hacer un poco de criba, cuidar el diseño, olvidarse de los colegas…etc. C.T: Es una cuestión de hacerse respetar por gente ajena al mundillo del rap, y mayor de 17 años. JERV: Creo que has acertado con el tema de la autocrítica. El ego está presente en lo que hacemos, soy yo el que me pongo y, en mi caso, escribo, desde mi mismo, de forma crítica y persiguiendo una idea. No concibo

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hacerlo de otra manera. Pero ya hemos dicho que no hemos venido a ser los “científicos del rap” ni nada de eso. Simplemente se trata de coger las influencias que nos gustan, pensar en lo que queremos hacer, qué necesitamos para ello, y ponernos a trabajar de la forma más humilde posible. Creo que si te lo planteas así la crítica sale sola y, si te superas, llegas a cosas de verdad, reales y que podemos valorar todos. Ciertamente no he visto esta actitud en mucho de lo que se ha hecho hasta ahora y ese es nuestro camino. En vosotros se siente un discurso que aboga por la normalidad, y en este mundo de poses y productos en serie, parece que cada vez la gente valora más esa cercanía. ¿Cómo lo veis? JERV: Es sobre todo a la hora de crear (escribir, producir, grabar, etc.) donde buscamos siempre ese plus de calidad. Todo el que es creativo y muestra su creación al resto tiene algo de pretencioso, eso va con la parte de exhibirse, pero sí que creo que damos esa imagen de gente normal de la que hablas. Y creo que se debe a que se ha quemado mucho la imagen contraria, y a que cualquiera que se acerca a nuestras referencias ve que evolucionamos, que vamos viendo cosas nuevas que nos motivan, nos hacemos mayores poco a poco, como ellos, y eso puede que sea lo que nos acerca a la gente. 137

Vuestra forma de trabajar siempre ha sido al margen de sellos, ¿era la industria tal y como estaba planteada, un impedimento para la innovación? AGZ: Nuestras ideas sobre la industria son muy simples. Por un lado nosotros compramos discos, vamos a conciertos y aportamos a lo que nos gusta. Por otro estamos encantados con que la industria tenga que renovarse. Ahora mismo el target no es cualquier persona que escucha música. Cada vez es más importante ofrecer un producto con la calidad suficiente como para que le guste a la gente que consume música (que pone dinero), que hoy en día ya no es cualquiera. La gente que sigue pagando es gente más especializada. Nosotros hemos optado por usar internet en vez de enfrentarnos a él porque también nos hemos nutrido de él. Nos parecería ridículo no hacerlo pues siempre lo hemos visto como una oportunidad. FABIANNI: Tampoco es que los productos buenos salgan así como así a relucir. Hemos tenido que invertir mucho tiempo y trabajo en mover nuestra música y tratarla de forma profesional. Nos ha funcionado pero es un doble esfuerzo. Por un lado haces de músico e intentas dar lo mejor, y por otro tienes que ser tu manager, hacerte la promo, buscarte conciertos, organizar, fabricar y distribuir cualquier producto... Estamos deseando dejar de hacer esa parte.

NUEVA VULCANO «Podría decirse que “ESTAMOS ANTE UN MOMENTO DE MADUREZ DEL UNDERGROUND ESTATAL”» Nos encontramos en Madrid con Nueva Vulcano a mitad de la gira de presentación de “Todo Por el Bien Común”, y no pudimos perder la oportunidad de hablar con ellos sobre el pasado, el presente y el futuro de una de las bandas de culto más importantes del país.

Después de un tiempo fuera del circuito, estáis de vuelta con unas letras y un concepto de canción especialmente optimista. ¿Es de alguna forma una reacción ante la que está cayendo, o realmente atravesáis ese momento como banda de tanto buen rollo e ilusión? Artur – Creo que hasta ahora habíamos estado escribiendo más de nuestros defectos que de nuestras virtudes, y para esta ocasión tocaba dejar de lado el fustigamiento emocional que nos pudo caracterizar en nuestros primeros discos. Ha sido algo voluntario que, quizás, ya aplicamos de alguna forma en “Los Peces de Colores”, pero que ahora hemos terminado de llevar a cabo aplicando más aún la ironía, el sentido del humor y desdramatizando un poco la bajona anterior en busca del equilibrio. Pero sí, fue voluntario, y más ahora que volvemos después de un tiempo, cuando lo que mola es animar el cotarro. Wences- Aunque también hay que tener en cuenta que a las letras de Artur se les puede dar multiples lecturas. Las letras de este single tienen varias palabras que podemos tildar de poco eruditas, como ‘mogollón’, ‘flipar’, o expresiones como ‘mandar a la mierda’… y en general son letras cercanas y sencillas. En el pasado algunos críticos os achacaban rebuscar mucho el vocabulario, los significados… ¿Crees, Artur, que has llegado a tener tal seguridad en tu forma de escribir como para no darle más vueltas de lo necesario a lo que quieres decir?

Artur- Sí, viéndolo como espectador, aunque para mi sea difícil, creo que todo lo que hablábamos antes tiene de alguna forma relación. Por ejemplo, es importante también el hecho de que antes no se oyese tanto la voz, pues a medida que eso ha cambiado hemos tratado de simplificar un poco las cosas usando un lenguaje más llano. En “Mogollón” llegué y les dije, “oye he probado con esto, y es una parida, obviamente, pero creo que funciona”. Y después te das cuenta que es una palabreja que está muy bien y con la que se te llena la boca. El tema de la mezcla de la voz, cuando salió “Los Peces de Colores” generó algunas dudas en torno a la ecualización llevada a cabo por Santi García. Ahora con estos temas seguís por ese camino. ¿Al final se ha convertido en parte de vuestra esencia? ¿Por fin le habéis dejado hacerlo como él quería desde el principio o esta vez directamente os ha obligado? Artur – Esta vez se ha pasado de 40

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Principales (risas), quiere que triunfemos a toda costa y ha hecho una producción de Universal y Warner. Ahora le hemos dicho ¡para ya tío! Ya tienes los hits, ahora vamos a hacer un poco el guarrete. Albert – Con el tema del single ha jugado sus cartas, y aunque seguramente no nos mintió, creemos que de alguna forma exageró para llevarnos por donde él quería. La idea principal era grabar en directo en una sala nueva que ha montado por donde el Atzavara, y que se ve que suena de la hostia. Bien, pues una vez pasado el Sant Feliu Fest, como siempre hubo algún problemilla de ruido con los vecinos, y como nuestras fechas para grabar eran pegadas al festi pues ya nos dijo que iba a ser imposible, que estaríamos más cómodos en su estudio, grabando por partes. Vamos que cambió los planes y dirigió la grabación hacia lo que él quería, que era el rollo del hit. (Risas)

«A mí lo de la Fiesta Betunizer me ha afectado. Ver esa actitud, cómo funcionó todo con un montón de grandes bandas, me llegó mucho» 138

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O sea que lo que empezó a tramar en el “Peces de Colores” lo ha rematado ahora. Albert – Sí, sí, exactamente. Todo lo que iba a ser directo, sin claqueta, buscando el sonido y la espontaneidad de “Principal Primera”, y pensando nosotros “grabamos esto y que suene como tenga que sonar”, pues él hizo su jugada para lo contrario. Y está bien que lo pongas para que cuando lo lea se vaya mentalizando de que queremos que deje de tratar de que triunfemos. (Risas) Artur – Aunque todo hay que decirlo, y por finiquitar el tema, el single suena de maravilla y estamos encantados. Grabar con él siempre va a ser un placer. O sea que de cara al futuro ni se discute que trabajaremos con él, y solo saldremos de su estudio si quiere que vayamos a grabar fuera, pero siempre con él a los mandos como ya hicimos en el disco anterior desplazándonos a los Estudios Gara-

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te de Kaki Arkarazo. Albert – Kaki estará encantado si volvemos porque se pasó los tres días en la tumbona mientras Santi grababa. (Risas) Pero vamos que llegado el momento lo hablaremos con Santi y lo que prefiera. Entrando un poco en el tema del libro de fotografías de Alberto Polo, ¿fue un proyecto premeditado o más bien surgió fruto del día a día? Artur – Que lo explique él, pero yo creo que ninguno de nosotros imaginamos, a priori, que podría surgir un libro de todas esas fotos. Albert- El tema vino a raíz de que nos hiciese las fotos de promo del disco anterior, y de que nos pidiese, porque le apetecía, venirse de gira y subirse con nosotros a la furgoneta. Poco a poco la convivencia fue dando forma al proyecto.

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Alberto Polo – Digamos que se comentó algo al principio, pero la idea básica era pasarlo bien y documentar algo que a mí personalmente me apetecía mucho. En seguida nos fuimos sintiendo cómodos y al final con todo el tema del 10 aniversario de la banda y el 5 aniversario de La Castanya, pues acabó cuadrando el hacer algo bonito. ¿El hecho de girar prácticamente por la mayoría de salas y asociaciones más míticas de la escena obedece a alguna máxima de no tocar por tocar, y aseguraros que allí donde vais es el sitio, público y condiciones más apropiadas para lo que según vosotros es esto de la música independiente? Artur – Responde a que en esta gira en concreto nos estamos sintiendo como si volviésemos a empezar. Tratando de reencontrarnos con nosotros mismos a la vez que visitábamos sitios

«Las canciones siguen sonando a Nueva Vulcano. Estoy muy contento de ver que al juntarnos las cosas salen como siempre» que nos gustan, y otros que aún no habíamos estado como La Residencia o el Pío Sound, y de los que nos habían hablado muy bien.

que iba a venir no sé quién de tal grupo, y no sé quién de otro, en plan va a haber muchos músicos. Y hombre, sí que te quedas como ¡qué fuerte neng!

Albert – Además no tenemos un Lp que presentar como para pretender ir a sitios más grandes, que además traerían consigo más curro para los sellos o la gente de promo.

Albert – La verdad es que si te paras a pensarlo, que gente como Conrado, de A Room With A View, sea fan del grupo y colabore contigo para montar los conciertos de Madrid, pues sí que hace ilusión, claro.

Wences – Y luego hay una cosa importante y es que todos los sitios por donde vamos a pasar en esta gira son lugares en donde lo que prevalece es el bien por la cultura y por la música. No es el negocio lo importante, y se junta detrás de todos estos sitios un montón de gente con la que tienes una forma de pensar muy parecida. El poder bajar del escenario y tener conversaciones fantásticas sobre cualquier cosa. Eso es más difícil en otro tipo de salas más grandes, y en estos momentos de reencuentro nos parecía lo idóneo. Lo cual no quita que nos cerremos en banda para llevar a cabo otro tipo de proyectos en adelante. Cada cosa tiene su momento. Hablábamos antes del 10 aniversario de la banda. Ha llegado el punto en que Nueva Vulcano se ha convertido en un referente. Ahora ya no se citan tanto las bandas que os influyen a vosotros si no que hay bandas que, se puede decir, siguen un poco vuestra senda y así lo reconocen. ¿Cómo sienta todo esto? Albert – Hombre siempre suenas a algo, pero supongo que la banda tiene el discurso tan construido que quizás es menos evidente esa influencia de Guided By Voices o esa otra de Flaming Lips. Artur – Es cierto que antes de los bolos de Madrid nos empezaron a comentar

Artur – O gente como Betunizer, que Dios les ha dado todos los putos dones que existen (risas), y que nos vayan a ver a Valencia y se lo pasen bomba con nosotros, pues para mí es muy grande porque hablamos de gente que lo toca todo y que tiene un talento impresionante. Como veteranos que ya sois ¿Cuál es vuestra opinión de la escena actual tanto en Catalunya, como en el resto del país? ¿Os parece que atraviesa un momento interesante? Artur – A mí lo de la Fiesta Betunizer me ha afectado. (Risas) Estuvimos nosotros también allí y fue increíble la verdad. Artur – Es que en serio, ver esa actitud, cómo funcionó todo con un montón de grandes bandas, me llegó mucho. Albert – También creo que todos estamos más preparados. Un grupo como Betunizer hace 10 años lo habría tenido más complicado por la propuesta que ofrecen, y a día de hoy está tocando en los grandes festivales de Barcelona, incluido el BAM, que es la fiesta mayor de la ciudad. En todo este tiempo los programadores han ido abriéndose, y por su parte el público también ha ido haciéndose más receptivo.

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Artur – Podría decirse que “ESTAMOS ANTE UN MOMENTO DE MADUREZ DEL UNDERGROUND ESTATAL”. Ya tenemos titular. (Risas) Todo el tema de los sellos pequeños parece que también atraviesa un momento muy interesante con vosotros (La Castanya), Boston Pizza, Caleiah, Desert Pearl, Discos Humeantes, Matapadre, La Agonía de Vivir… Albert – Hablando el otro día con Marcos (Junquera, de Betunizer) pues comentábamos cómo han crecido pequeñas escenas en muchas ciudades. Ahora Valencia tiene un montón de grupos nuevos que están surgiendo, y si sale gente joven que forma bandas pues terminan saliendo sellos. Y de igual forma Discos Humeantes están en la zona de Asturias, Matapadre en Galicia, Caleiah aquí en Madrid, en Barcelona hay unos cuantos… Wences – Con lo que estamos muy contentos principalmente es con ver que hay gente que tiene ganas de hacer cosas. Unos montando bolos, otros tocando, otros publicando… Y la figura de ese cuarto miembro que es Marc Clos. ¿Sigue contando para futuros proyectos? Artur – Sí, nos gustaría. Hay mucho margen de mejora en ese tema porque siempre han sido cosas un poco precipitadas. Hasta ahora solíamos mandarle las grabaciones para que añadiese sus elementos de forma espontánea, y esto tiene su gracia por el hecho de “a ver qué sale”, pero nos gusta mucho trabajar con él y quizás sí que molaría en algún momento juntarnos todos juntos y colaborar con más calma. Que de alguna forma participase en el tema compositivo. Si fuésemos un poco más artistas como los Za! o Mishima, pues

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nos cogeríamos un loft y nos pondríamos a trabajar todos juntos en ello. Joan (La Castanya) – Ayer se debió de dar muy bien el bolo porque te veo muy crecido Artur. (Risas) ¿Pero entonces se puede decir que estáis trabajando en un Lp? ¿Que la cosa no se queda en esta gira y estos dos temas? Albert – Sí claro, la intención es seguir haciendo canciones para un disco que no sabemos si dará tiempo a que salga en 2014, pero que sí que pretendemos que se vaya grabando a lo largo del año que viene.

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Común”. Una está incluso grabada y se llama “La Historia Más Veces Jamás Contada”. De hecho hay un vídeo en directo con la gente de Tots Sants que debería salir en breve. Es un tema que nos gusta, pero como con muchos otros que hemos grabado tiempo atrás con la banda, no sabemos qué será de él. No creemos que vaya a formar parte del Lp, así que bueno ya le buscaremos salida por algún lado, o quién sabe si el día de mañana se puede hacer algo junto a los descartes que tenemos de discos pasados. Artur – Si somos inteligentes, por nuestro bien, mejor que no lo saquemos nunca, porque hay cada cagada...(Risas)

¿Y por dónde van los temas nuevos? ¿Similar a lo que hemos escuchado en los singles? Wences – Pues si algo me está gustando de esta nueva época es que las canciones siguen sonando a Nueva Vulcano. Después de tres años casi parados, oyendo millones de músicas diferentes, en los que te haces más mayor… pues quizás podía perderse la sustancia y la raíz. Pero no, estoy muy contento de ver que al juntarnos las cosas salen como siempre.

¿Qué música han escuchado los miembros de Nueva Vulcano en estos últimos años? Albert – Yo estoy obsesionado con Kurt Vile, y aunque a estos no les termina de entrar estoy a ver si les convenzo para hacer algún tema de estos largos de los que tiene él. Me ha dado muy fuerte este verano, y es que se disfruta mucho mientras conduces con las ventanas abiertas durante horas como ha sido mi caso. Así que a ver si consigo que al menos haya una larguita en el disco.

Albert – Tenemos las ideas bastante claras, y de hecho ya estamos tocando en la gira otros dos temas más aparte de “Mogollón” y “Todo Por el Bien

Artur – A mí la paternidad me ha cambiado bastante en este sentido porque obviamente la música que escuchas en casa varía. Lo que más he estado es-

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cuchando ha sido Billie Holliday, cosas divertidas que les gusten a los niños y la verdad que poco rock. Pero bueno cuando se van todos y me quedo solo por la mañana, ¡betún a tope! Wences – Yo cosas muy tranquilas tipo Magnetic Fields. Estuve preparando el 10 aniversario de la muerte de Elliott Smith para Sidecar y también le di mucha caña. Recuperé a The Posies también. Para terminar una duda de la nota de prensa. Me hizo especial ilusión leer, pues es mi canción favorita de ellos, que rendíais un pequeño homenaje a “Outdoor Miner” de Wire en “Todo por el Bien Común”. ¿Pero cuál es? Estuve escuchando una mañana entera tanto la versión corta como la larga, y después vuestro tema, y no fui capaz de saber a qué os referís. Por no hablar del uso del traductor de Google para ver si era algo de la letra… Artur – (Risas) Bueno simplemente por lo que genera esa canción. Es una canción que siempre vuelve, que la sigo escuchando y me sigue generando cosas positivas. Y bueno un poco por la cadencia de la voz, por la sencillez, el rollo en sí… y porque como sé que a Joan le gusta mucho pues a ver si me decía algo. Pero se ve que no se lo ha leído porque no me ha dicho nada. Joan (La Castanya) - ¿Cuál? ¿Cuál?

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1993 fue año de asentamiento para el rock alternativo. Guitarras distorsionadas en tonos graves, voces sucias, pelo desgreñado, colores saturados... los logros y clichés del género sonaban en las radios y aparecían continuamente en videoclips profusamente programados por la MTV para adolescentes y jóvenes que ya no respondían ante los estímulos del rock de estadios. Kurt Cobain y Eddie Vedder eran los nuevos héroes: individuos con sus excentricidades, pero más cercanos y creíbles y con los que cualquiera podía identificarse. Así, el grunge siguió recogiendo éxitos y colocándose cómodamente en las listas, con las nuevas obras de Nirvana y Pearl Jam, pero también con el impulso que supuso “Siamese Dream” de Smashing Pumpkins; disco que descolgaría a la banda de Billy Corgan de la órbita de Seattle para situarlos a la cabeza de un rock alternativo con sana vocación popular que no pudo evitar ir degenerando con los años.

En paralelo, el indie de herencia 80s seguía evolucionando por un camino más silencioso, afín a sus orígenes underground, en un ejercicio que le reportaría a muchas bandas un prestigio que nunca ha dejado de brillar. Breeders, Afghan Whigs, Melvins, Mazzy Star, Archers of Loaf, Red House Painters, Yo La Tengo, The Posies, Frank Black… sacaron obras clave que siguen influyendo a día de hoy. Al otro lado del charco, en UK, comenzaba a forjarse la respuesta al ruido americano. Las notas sostenidas del shoegaze se fueron apagando con los últimos discos grandes de Slowdive y Boo Radleys, mientras otro movimiento mucho más radiable, heredero del pop de los ochenta y Madchester, hacía su aparición. Suede y Radiohead debutaban y Blur sacaba su segundo disco: había nacido el britpop, que sacudiría las radios y charts de Europa durante toda la década. PJ Harvey, Björk, y Liz Phair debutaron y/o sacaron algunos de sus mejores discos, reclamando el lugar para la mujer dentro de la generación alternativa. Y en cuestión de obituarios, Frank Zappa, Mick Ronson o el inefable Euronymous nos dejaron ese año para reclamar su nicho en la historia del rock. Esto, en resumidas cuentas, fue 1993.

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En España quizá no podamos hablar de conquista popular del indie hasta el debut en largo de Los Planetas al año siguiente o, sobre todo, la irrupción de Dover, aunque sí que nos hartamos de escuchar el “Chup Chup” de Australian Blonde. El Inquilino Comunista debutaron con uno de los mejores álbumes patrios de la época y el Donosti Sound se afianzaba gracias al maravilloso único álbum de Family, “Un soplo en el corazón”, y primerizas obras de La Buena Vida y Le Mans. Fermín Muguruza sacudió el corazón político con Negu Gorriak, mientras en el otro extremo Héroes del Silencio se convertían en la banda de rock en español más popular de todos los tiempos. Y de tapadillo, sin hacer apenas ruido, tótems de la talla de Sr. Chinarro o Los Planetas comenzaron sus andaduras con sendos modestos EPs. 091, Silvania, Hermanos Dalton, Beef, Patrullero Mancuso, Usura… completarían el mosaico musical de aquella aún incipiente escena. La nuestra.

1993

El Inquilino Comunista “El Inquilino Comunista” Australian Blonde “Pizza Pop” Family “Un soplo en el corazón” Le Mans “Le mans” La Buena Vida “La Buena Vida” Negu Gorriak “Borreroak Baidtu Milaka Aurpegi” Héroes del Silencio “El espíritu del vino” Los Planetas “Medusa” EP Sr. Chinarro “Pequeño Circo” EP 713avo Amor “A veces el dolor” 091 “Tormentas imaginarias” Extremoduro “¿Dónde están mis amigos?” Silvania “En cielo de océano” Usura “Hake romana” Los Hermanos Dalton “Ya están aquí” Beef “Beef Songs” El Regalo de Silvia “Dream Factory” Patrullero Mancuso “Fantasía” Flow “Headquake” Shock Treatment “Shock Treatment” Piratas “Quiero hacerte gritar”

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2013

Lou Reed

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MIX TAPE

LOU REED

EN 15 CANCIONES

La desaparición de Lou Reed no debería ser relevada a la categoría de trending topic durante unas horas para dejar paso a la próxima sensación del momento. Y es que, con Reed se nos ha ido el pionero de toda una rama del rock: aquélla que, partiendo de él, se extendió hacia Bowie, The Stooges y Talking Heads y prosiguió a lo largo de las siguientes décadas con Sonic Youth, The Jesus and Mary Chain hasta Los Planetas o los sucesivos revivals. O básicamente, hasta toda banda de jovenzuelos que se haya dedicado a maltratar y deleitar nuestros oídos con todo el hastío, nihilismo, fuzz y apatía posibles desde el lado más salvaje de la vida. Punk, noise, post-punk, shoegaze, indie, rock alternativo… todos estos géneros, muchos de los favoritos de lectores y redactores de la web, le deben mucho a Reed y a la Velvet. Desde feiticeirA, como humilde homenaje ya pasados unos meses desde su fallecimiento, aportamos nuestro granito de arena para que su figura siga presente en forma de este personal top quince. No son necesariamente sus mejores canciones, ni ofrecen una retrospectiva completa, pero sí que muestran un breve vistazo a una carrera que abarcó casi cinco décadas y brilló en muchas ocasiones. Con ustedes, Lou Reed en 15 Canciones:

2013

Lou Reed

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HEROIN (de “The Velvet Underground & Nico” (1967))

En plena época hippie de celebración del pacifismo, la libertad y el LSD, The Velvet Underground se desmarcaron con una oda a la adicción a la heroína, adelantándose al desencanto por esa época y, por tanto, al desengaño del sueño contracultural. La unión de guitarras distorsionadas y viola eléctrica dieron, sin saberlo, nacimiento al noise, y a pesar del constante homenaje e imitación por otros en años futuros, la pieza sigue manteniendo su sórdida fascinación.

THERE SHE GOES AGAIN (de “The Velvet Underground & Nico” (1967))

La otra cara del disco del plátano. Además de auténticas locuras vanguardistas y experimentales como “Venus in Furs”, “All Tomorrow’s Parties” o “European Son”, el disco contiene un puñado de sencillas y brillantes gemas pop. “There She Goes Again” es un tema perfecto en este aspecto: una melodía que se puede silbar y que se te queda a la primera escucha, inocentemente dulce pero plagada de veneno. Versionada montones de veces.

WHITE LIGHT/WHITE HEAT (de “White Light/White Heat” (1968))

Concreción del noise para añadirle las palabras rock y pop al final. ¿Había sonado antes una guitarra así de sucia? En menos de dos minutos y medio, Reed, Cale y demás componen el esquema de una forma de hacer música popular inhaudito y despreciado en el momento, pero que unos lustros después se convertiría en piedra roseta sobre la que basarían carreras completas muchísimas bandas.

WHAT GOES ON (de “The Velvet Underground” (1969))

Ya con John Cale fuera, Reed se siente cada vez más a gusto dentro del campo melódico en el tercer disco de la Velvet, el que muchos han querido ver como su primer disco bajo su entero control. “What Goes On” es una de las mejores recogidas aquí: un adictivo rock en el que hay cabida para la maraña noise y en el que puede encontrarse un adelanto de lo que años después crearían Sonic Youth.

SWEET JANE (de “Loaded” (1970))

Antes de abandonar por desinterés la banda, el neoyorquino aún fue capaz de entregar otro puñado de clásicos para la posteridad en su cuarto disco, “Loaded”. “Sweet Jane” es el tema totémico del álbum y por derecho propio: un riff sencillo y poderoso en tensión y la característica voz, entre la animosidad y el recitado, que serían la marca para su inminente carrera en solitario. Otro tema que crearía escuela.

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SATELLITE OF LOVE (de “Transformer” (1972))

Uno de los himnos totales del glam, movimiento del que Reed fue padrino, al que se adelantó unos años y en el que encajaría totalmente. Con la colaboración de Bowie y Mike Ronson a los coros y producción, consigue crear la canción de amor definitiva para marginados e inadaptados. ¿Acaso sonaron mejor unas palmas y unos coros en una canción?

PERFECT DAY (de “Transformer” (1972))

Junto con la anterior y añadiendo “Walk On the Wild Side”, nos encontramos con la trilogía esencial del cancionero de Lou Reed, recogidas todas no por casualidad en “Transformer”. Lo que parece una melancólica canción de amor esconde en realidad un quejido en pleno síndrome de abstinencia. Nada que ver con la versión ‘all star’ que sufrimos en los noventa…

LADY DAY (de “Berlin” (1973))

“Berlin” fue la contrapartida melodramática y solemne a “Transformer”, y un (otro) sonoro fracaso en su tiempo. Como otras de las canciones contenidas ahí, “Lady Day” es una especie de grand guignol auditivo, en las que las habituales referencias a los bajos fondos y la mala vida van a la par que las orquestaciones y el tono más triste y pesimista que nunca le hemos oído a su autor. Lo que es mucho decir.

STREET HASSLE (de “Street Hassle” (1978))

Uno de los ejercicios más extremos del artista en solitario (detrás de“Metal Machine Music” claro) y quizá el que más nos recuerde a los momentos más extraños de la Velvet. Durante once minutos, unas repetitivas cuerdas y un órgano (el alma dislocada de Cale presente) crean una especie de mantra que nos hace entrar en un bucle a la postre fascinante. Y todo en plena eclosión de los dos minutos del punk...

WAVES OF FEAR (de “The Blue Mask” (1982))

Reed encara comienzo de década con otro álbum grande. Y además coincidiendo con la No Wave y la consolidación del noise en su ciudad. Quizá consciente de ello, nos regala este tema plagado de distorsión guitarrera en un momento de popularidad relativa para que las nuevas generaciones tuvieran en cuenta quién era el maestro de todo aquello. Imaginamos a Thurston Moore y Lee Ranaldo entre el público tomando nota…

2013

Lou Reed

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DIRTY BLVD. (de “New York” (1989))

Tras varios años de discos correctos o menores, acompañados extrañamente de éxito popular, Reed volvió a dar con la tecla en “New York”, uno de los discos más decididamente rockeros de su discografía. “Dirty Blvd.” es un buen ejemplo de lo que encontramos en él: riff pegadizo al instante y tono irónico en el sempiterno cuasirecitado del artista, en las antípodas de algunos de sus más risibles ejercicios sintéticos de aquella década.

NOBODY BUT YOU (de “Songs for Drella” (1990))

Reed se une a John Cale por primera vez en veintidós años para homenajear al por entonces aún recién fallecido Andy Warhol. De aquella esperada reunión surgió “Songs for Drella”, disco bien diferente de lo que crearon con la Velvet: ritmo pausado, grave y solemne, propio de dos artistas maduros, pero que aún así conserva gran parte de la magia en temas como éste.

SWORD OF DAMOCLES (de “Magic and Loss” (1992))

Un Lou Reed crepuscular se enfrenta aquí a la muerte en el que es quizá su último gran trabajo, “Magic and Loss”, compuesto en honor a sus amigos Doc Pomus y Rotten Rita, recién fallecidos. Las desgarradoras cuerdas acompañan a una sencilla guitarra acústica y a una voz que se nos muestra quizá más afectada que nunca. Y es que, tras haberla esquivado varias veces, quizá por primera vez el artista es consciente de que él también puede desaparecer.

MODERN DANCE (de “Ecstasy” (2000))

En su disco, según él mismo, sobre relaciones y matrimonio (reciente aún su unión con Laurie Anderson), vemos una depuración de su sonido para dejar las canciones en la esencia del sonido clásico Reed. El resto, poco, que aún tenía que llegar serían exploraciones más o menos afortunadas, por lo que con canciones como esta cerraba en cierto modo la puerta a la música popular.

CALL ON ME (de “The Raven” (2003))

“The Raven” habría sido un buen epílogo a la carrera del neoyorquino de haber concluído aquí, ya que la habría rubricado abrazando a uno de los grandes clásicos de las letras americanas: Edgar Allan Poe. Entre sus curiosas colaboraciones nos quedamos con esta bonita pieza a dúo con la compañera de sus últimos años, ideal para cerrar esta, brevísima, retrospectiva.

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Gracias

Desde feiticeira.org queremos agradecer sinceramente...

Principalmente a todas las bandas. Unas nos gustarán más y otras menos, pero sin ellas nada de esto tendría sentido. A los sellos, promotores y gente de prensa que nos facilitan la labor, cuentan con nosotros, cumplen bien como intermediarios con las bandas, etc. Aquí van algunos de ellos, seguro que de más de uno nos olvidamos. Actúa Comunicación Aloud Music BCore Disc Caleiah La Castanya Giradiscos Gran Sol Green UFOs Global Music 360º Heart of Gold Houston Party Kafe Antzokia Last Tour International

Primavera Sound The Mad Note Co. Meridiana La Mota Comunicación Muskerra Ekoizpenak Nooirax SON Estrella Galicia Sonido Muchacho Spyro Music La Suite Wombat Booking ...

A los programadores, especialmente los locales, que mantienen la escena viva en cada una de nuestras ciudades. También salas, bares, centros culturales, que arriman el hombro. A los compañeros de webzines y blogs musicales que dedican tiempo, esfuerzo y ganas a difundir la música, sobre todo a los que no se conforman con los grupos famosos de siempre y prestan atención a los de su entorno. A la gente que asiste a conciertos, a los que difunden música en bares, foros, blogs, redes sociales... en definitiva, a los que ayudan a propagar este virus melómano que llevamos dentro. A todo el que ha colaborado directa o indirectamente en que exista la web y este anuario. A los que nos ayudéis a difundirlo y a los que contribuís durante todo el año a que lo que hacemos llegue a más gente.

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2013

somos Yuri Morillo Raúl Rey Ricardo Sánchez Amalio Varela

y nuestros muy apreciados colaboradores Miriam Arnedo Daniel Bodelón Diego S. de Hoyos Josep Monrós Jon Urzelai Tú

Maquetación: Raúl Rey Fotografías crónicas (salvo especificado): Ricardo Sánchez 153

You’re going to reap just what you sow

2013 Excepto fotografías acreditadas