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Hayao Miyazaki

El legado, su retiro y el Studio Ghibli

EDICION Nﾂｰ 115 - WWW.ACUATRO.COM.CO - REVISTA SOBRE DISEﾃ前 GRﾃ：ICO - EJEMPLARES 25.000 - Aﾃ前 2 - $ 5.000 - SEPTIEMBRE 2013

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o que un diseñador debería practicar

Uwe Loesch: Un cartelista y diseñador gráfico de prestigio

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e he puesto un poco reflexivo estos días respecto a las actitudes que me toca contemplar en la comunidad de diseño.

Es una maravillosa carrera que si se toma en serio nos puede llevar a enfrentar grandes retos y vivir experiencias geniales. Tomar en serio la carrera, no es sólo trabajar, practicar y aprender las técnicas y métodos de comunicación visual. Hay algunos puntos en especial que se descuidan por no prestarles importancia.

Cuidar la ortografía “A ver, haber, haya, allá, halla, a, ha…” una y otra vez hemos sido testigos de estas confusiones ortográficas y gramaticales, el punto peligroso es que estas faltas pueden afectarnos personal y profesionalmente en todos los aspectos. Si nunca pusieron atención a su materia de ortografía durante la escuela, nunca es tarde para aprender. No es broma ni exageración, este detalle puede afectar a cualquiera, desde un diseñador que busca trabajo hasta una agencia en una campaña. Las razones son obvias, ¿con qué seriedad puedes contemplar el trabajo de alguien si no tiene el cuidado para escribir correctamente?

Cultivar nuestras mentes Somos diseñadores gráficos… ¿Qué hacemos? Comunicamos ideas gráficamente… ¿Cómo lo hacemos?¿Cómo transmitimos una idea de la que ni nosotros tenemos conocimiento alguno?

Es bien sabido que el promedio anual de libros leídos en México es de 1 libro. Un diseñador no debe formar parte de esa cifra. Nuestra profesión, si se quiere llevar a cabo de la mejor manera, implica investigación y enriquecimiento cultural. Tenemos que saber lo que sucede a nuestro alrededor, tenemos que aprender aquellos temas que no tengan que ver directamente con el diseño. ¿Por qué tendríamos que leer novelas o alguna revista de ciencia y tecnología? Sencillo, al leer adquieres conocimiento, y cada idea aprendida representa un área de oportunidad para generar conceptos sólidos con buenos fundamentos. Si sólo nos quedamos con lo que percibimos directamente de los medios de comunicación es más fácil estancarnos y reciclar las mismas ideas una, y otra, y otra vez.

Editorial

Por Rodrigo Martinez mrodrigo@acuatro.net

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Hayao Miyazaki, el legado, su retiro y su estudio Ghibli

Diseño Mexicano, razón para celebrar

Ilustración: Nacho Riesco Constanza Close up: Tex Avery

Creadores del pasado: Alan Fletcher

Lo que un creativo quiere saber, pero se le olvida

Institución Universitaria Pascual Bravo: 75 años de tradición

Revista A4 Diseño Gráfico

DIRECCIÓN GENERAL: Felipe Londoño

DIRECCIÓN COMERCIAL: Diana López

COMUNICACIONES: Liliana Ramirez

DISEÑADOR: Melisa Moreno

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¿abuso de una moda?

La tendencia minimalista, siempre ha sido una forma clara, concisa e inteligente de transmitir un mensaje de forma visual, pero últimamente se ha convertido en una moda que parece estar llegando al punto del abuso.

Por Camila Aristizabal acamila@acuatro.net

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o pretendo ser un juez que de veredictos sobre ningún tópico, simplemente, me gustaría hacer una reflexión sobre un tema que últimamente se está volviendo muy controversial.

En las últimas semanas, hemos visto el rediseño de algunas de las marcas más grandes y conocidas de nuestro medio. Microsoft, eBay, HP (aunque no era algo oficial), y la más reciente USA Today, por citar algunos casos. El común denominador de todas ellas, ha sido optar por el minimalismo, pero un minimalismo tan extremo que llega al punto de hacernos dudar de si realmente la marca está ganando personalidad o perdiéndola.

Estoy completamente de acuerdo con el hecho de refrescar una marca y darle un aire más moderno y actualizado mediante un retoque de identidad, pero ¿es siempre el minimalismo la respuesta? ¿Es realmente minimalismo, o un simplismo innecesario?

Casos de éxito

Ésta marca, y más que una marca es un país. Hablo de Canadá y su impecable rediseño por parte de Studio 360.

Dos líneas rojas y punto. Pero a Por ejemplo en el caso de USA diferencia del frío círculo de USA Today, eligieron renovar el antiguo Today, o el texto casi muerto de logo, por un enorme círculo de coeBay, esas dos líneas rojas tienen lor azul. Personalmente, me pareuna connotación y un significado ce una solución bastante arriesmuchísimo más amplio. Son vergada por dos razones: primero, sátiles y prácticas, y transmiten un tienen una tarea bastante ardua mensaje claro “esto es Canadá”. de branding y marketing, para poDefinitivamente en diseño, hablar sicionar en la mente de los conde cosas adecuadas o inadecuasumidores un simple círculo azul. das, sería un tema para horas y Segundo, ¿cuántas marcas puehoras de debates, simplemente den existir en el mundo usando debemos recordar que no todo lo el mismo círculo para representar que se ve bien funciona, y no todo cosas completamente diferentes? lo que “se está usando” es realMe parece que el logo se queda mente lo mejor. corto en darle “identidad” a la marDar identidad a una marca, es ca. algo muy delicado y cada vez que Probablemente con el minimalisse crea o rediseña un logo, debemo, nos está ocurriendo lo mismos tener mucho cuidado de que mo que con la Helvetica, antes de realmente le estamos sumando usarlos en un proyecto, asumimos personalidad a la marca y no quique siempre es correcto, y que tándosela. siempre funcionará, cosa que generalmente no es así.

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Miyazaki Su legado, su retiro y el Studio Ghibli

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9 Por Rodrigo Martinez Arango rarango@acuatro.com

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na noticia importante se anunció el 1o de septiembre, la leyenda del ánime Hayao Miyazaki se retiró oficialmente del cine. El creador de grandes obras maestras de la animación como “Mi vecino Totoro”, “El viaje de Chihiro” (con la que ganó el Óscar en el 2001) y “La princesa Mononoke” hizo este polémico anuncio durante el Festival de Venecia.

Es importante conocer y reconocer a los talentos que han dejado una marca importante dentro del arte y en general, la expresión visual.

Hayao Miyazaki ha marcado toda una

época dentro de la animación y ha sido un gran creador de historias fantásticas que le han valido el reconocimiento mundial.

Hayao Miyazaki es un director de cine de animación, ilustrador, dibujante de cómics (mangaka) y productor de dibujos animados (anime) japonés.

Cofundador de Studio Ghibli y director de populares filmes de animación como El viaje de Chihiro, La princesa Mononoke, Mi vecino Totoro, El castillo ambulante y Ponyo en el acantilado.

Una de sus primeras grandes obras fue Nausicaä, quien vió la luz en manga en 1982. En 1984, lanzó la película Nausicaä of the Valley of Wind, basado en el mismo manga.Film permitió establecer un estudio de animación, Studio Gilbi, donde dirigió, produjo y escribió muchas otras películas con Takahata.

En general, las historias de Miyazaki han tenido una gran aclamación por la crítica.

Por ejemplo, con la Princesa Mononoke, recibió el Japan Academy Award por mejor película, y fue la película con mayor ingresos en el cine nacional en la historia de Japón hasta que fue superado por otro trabajo de Miyazaki, Spirited Away (El viaje de Chihiro).

Aunque me considero apenas un principiante en cuestiones de anime, las películas de Miyazaki proyectan la esencia humana con mucha precisión y empatía. A pesar de diferencias culturales, la naturaleza humana se ve reflejada en sus personajes inmersos en mundos llenos de magia y misticismo.

El respeto a la naturaleza, a los espíritus y hacia las personas que nos rodean son gran parte de los valores universales que profesa en su trabajo.

Otra de las cosas que me han causado mucha admiración, es el detalle impresionante que le dan a la animación tradicional, sus movimientos naturales, la delicadeza de los escenarios, la brillante gama de colores y muchas demás maravillas en general que hacen del trabajo de Miyazaki, una valiosa experiencia visual.

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Detrรกs de camaras

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Por Rodrigo Martinez Arango rarango@acuatro.com

Ghibli

es un estudio japonés de animación, y considerado por la crítica especializada y muchos cinéfilos como uno de los mejores estudios de animación del mundo en la actualidad.

Su nombre deriva del apodo que los italianos usan para sus aviones de exploración del Sahara en la Segunda Guerra Mundial, el cual deriva de la palabra italiana usada para el viento arenoso, caliente y seco que sopla en el desierto del Sahara.

Aunque el nombre es del italiano, la pronunciación cuando se refiere al Estudio es ‘ji-bri’ o ‘ji-bu-ri’, para adaptarse a la fonética japonesa.

La teoría detrás del nombre era que ellos estaban “soplando” un nuevo viento en la industria de la animación.

Fundado en 1985, está dirigido por el galardonado director Hayao Miyazaki (Miyazaki Hayao) junto a su amigo y mentor Isao Takahata. Sus orígenes datan de 1983, con la película Nausicäa del Valle del Viento (Kaze no tani no Naushika, 1984), que empezó como un manga en una publicación de la revista Tokuma Shoten. Tokuma era la compañía “madre” del Estudio

Ghibli, y cedió a Disney los derechos de video y distribución de varias películas; entre ellas La princesa Mononoke (M ononoke Hime, 1997) y El viaje de Chihiro (Sen to Chihiro no kamikakushi, 2001). El compositor Joe Hisaishi ha creado la banda sonora para muchas de las películas del Studio Ghibli.

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12 Studio Ghibli Detrás de camaras

Por Rodrigo Martinez Arango rarango@acuatro.com

“Creo que la gente, con el paso de los años, ha sabido

captar y valorar el gran trabajo que lleva haciendo Ghibli durante todo este tiempo y lo han encumbrado a una categoría que va más allá de la de un “buen estudio de animación”. Sean o no Hayao Miyazaki o Isao Takahata los directores del próximo proyecto del estudio, desde hace años que se levanta una gran expectación entre los medios. Así mismo, a Hayao Miyazaki lo consideran como el Walt Disney japonés, no tanto por su filosofía de trabajo, sino por la huella que ha dejado en el mundo de la animación y los logros que ha conseguido”.

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Las películas de Studio Ghibli se caracterizan por sus altas dosis de creatividad, sus historias desbordantes de imaginación y calidez, dando siempre gran importancia a una serie de valores fundamentales en el mundo de hoy como son el cuidado del medio ambiente y el amor a la naturaleza, la amistad, la tolerancia y el respeto a los mayores.

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13 Aunque el Studio Ghibli no se caracteriza por explotar hasta el agotamiento sus licencias, cualquiera en Japón reconoce a Totoro (personaje de Mi Vecino Totoro) o Jiji (el gato protagonista de Nicky la Aprendiz de Bruja) u otros protagonistas de películas más recientes, como Ponyo”.

El viaje de Chihiro es a mi parecer, una de las mejores películas que se han hecho jamás, ese extravagante viaje visual por la casa de los baños de Yubaba, cada uno de los 8 millones de dioses, el Sincara, los sirvientes de la mansión, y todo ese fantástico mundo, salido de la mente sinigual de Hayao Miyazaki; hace que me pregunte cómo será el impresionante proceso de producción de películas como ésta.

Gracias al blog Flooby Nooby, que guarda una completisima recopilación del concept art de las maravillosas películas de este estudio Japonés

El viaje de Chihiro La película ha recibido más de catorce premios internacionales, entre ellos el premio Óscar a la categoría «Mejor película de animación», siendo la segunda película que recibe dicha condecoración (la categoría se inició en 2001

Lo que hace tan especial a los estudios Ghibli es: “Su filosofía de trabajo, su forma de entender este negocio. Ellos buscan crear proyectos rentables, pero no a cualquier precio. A lo largo de sus casi treinta años de historia han ido evolucionando, pero nunca he tenido la sensación de que se “hayan vendido”. Ellos buscan hacer rentables películas de animación de calidad, pero fieles a sus ideales, los cuales son bastante difíciles de encontrar en el mundo empresarial”.

Cuentos de Terramar, El castillo ambulante, La princesa Mononoke, Porco Rosso y muchísimos títulos más son algunos de los que componen la larga historia de Studio Ghibli, que desde 1985, nos ha puesto a soñar con personajes de mundos fantásticos.

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Diseño

Mexicano:

Razón para celebrar Por Liliana Moreno lilianam@acuatro.com

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nivel creatividad, México desde hace un tiempo ha tenido grandes logros en forma de todos los recursos posibles. Desde iniciativas importantes a través de la política, grandes artistas que han evolucionado cada vez con mayor fuerza, eventos que sirven como canales de difusión para los nuevos talentos, hasta el reconocimiento de estudios de diseño, agencias y colectivos como una nueva fuente de trabajo a través de su desarrollo como PyMeS. Hoy a través de esta nota, les queremos compartir un poco de la gran emoción que nos da estar involucrados en un medio tan grande como es el diseño en un gran país que siempre será México.

Desde años muy atrás, desde la época prehispánica, la gente que habitaba el país hacía tanto grabados como los famosos códices, ya sea para preservar su conocimiento, historias, leyendas, o simplemente por afán de querer escribir por medio de imágenes lo que les estaba ocurriendo, su paso de los días. Cuando llegan los conquistadores viene la tipografía como

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la conocemos a México, claro está que la mayoría de la gente no sabía leer estos signos nuevos, por lo que la gráfica comenzó a tener un lugar importante mientras más pasaba el tiempo. Sin embargo, la llegada de la imprenta en México, remarca la necesidad de un México más informado y sobre todo mucho más poblado. Pero la historia del diseño gráfico mexicano viene dándose realmente más marcado desde las olimpiadas en México, es como una línea donde podemos ver para atrás y para adelante. Para atrás podemos ver el grabado, el muralismo y la pintura por mencionar solo algunos movimientos que dieron paso al diseño gráfico en México y que quizá sin ellos, no sería lo mismo. n el grabado mexicano, tenemos a un personaje reconocido mundialmente por las famosas calaveras que impactaron a la gente de la época, a lo extranjeros y nos siguen pareciendo fenomenales hasta el día de hoy, me refiero a José Guadalupe Posada, que por ser las calaveras lo más reconocido, no quiere decir que sea su único trabajo.

Realmente éste hombre trabajó y trabajó hasta el último día de su vida, conocido en todo el mundo por sus estampas populares y caricaturas sociales, inspiradas en el folklore mexicano, deja un legado que tiene dos aspectos: es una exhaustiva crónica satírica de su época y a la vez presenta un brillante estilo artístico que inspiró a todas las generaciones posteriores de artistas mexicanos.

Cortesia Sukem, reconocido diseñador gráfico mexicano

15 en los cuales puedes ir conocer e incluso consumir productos generados por la creatividad de otros. Hay mucho más intercambio de bienes económicos por ideas y muchas más personas que se involucran con la imagen de su marca, empresa o proyecto para reforzar su identidad y ofrecer un mejor producto al público.

Al final, todo esto se trata de cubrir necesidades, pensar en el otro y dignificar de forma verdadera y congruente lo mejor que puede tener una persona involucrada en este medio: su creatividad. Esperamos que estas fechas sólo sean un factor más de recordar y sobre todo de reconocer, que la verdad nos hará libres, pero que la identidad nos hará fuertes.

México, uno de los lugares que sin saberlo a través de elementos de diseño ha logrado forjar una identidad única e irrepetible.

Esta evolución del diseño y la creatividad a través del punto de vista económico nos deriva en otras dos situaciones que han aumentado tanto el valor (lo que el consumidor percibe) como el costo (lo que el consumidor compra) de las “industrias culturales” y estas dos, son el desarrollo de más eventos dedicados al diseño, así como lugares que fomenten el desarrollo educacional de esto. Hasta hace diez años, ser diseñador gráfico era una carrera innovadora y fresca, incluso ser publicista era extraño en las comidas familiares donde no faltaba la tía que te preguntara: “¿Y tu que estudias mijit@?”. Hoy ya hay más publi-

cistas, más diseñadores, más ilustradores y en general, más personas que le apuestan a la creatividad como un elemento para generarse un bien económico. No nos confundamos, no es que el dinero sea todo, pero el hecho de que alguien sea consciente de que su creatividad puede generarle un bien económico es darle un valor justo a una característica tan importante en el ser humano a nivel incluso antropológico.

Hoy ya existen escuelas especializadas en brindarte herramientas para que seas un buen creativo (en la rama y con la herramienta que tu desees potencialidad).

Existen más espacios de difusión tangibles

Estos últimos años, los diseñadores, ilustradores, artistas visuales y todo tipo de creativos, hemos podido disfrutar de varios beneficios generados por cuestiones que han ayudado a nuestro desarrollo y que se han generado a nivel nacional e internacional.

La primera de todas es sin duda el uso del Internet y un poco aprovechar la globalización.

Por una parte sabemos todo lo malo que ambos derivan, pero por otra parte la creación de redes como Behance Network, Facebook e incluso Pinterest, han ayudado a la difusión del trabajo de muchos artistas.

Incluso, publicaciones impresas que han sobresalido en el mercado por ser una plataforma de difusión, se han unido a los avances tecnológicos y han aprovechado estas redes para conocer y dar a conocer nuevos talentos. Además nos permite estar mucho más al tanto de la vida de nuestros personajes favoritos, conocer un poco más de ellos y ver que son tan humanos como nosotros.

Una cuestión que se deriva de este poder de difusión es sin duda que ahora varias instancias del gobierno consideren al diseño como una fuente importante de egresos a nivel económico. Muchos estudios, agencias y colectivos se han embarcado en convertirse en PyMes (Pequeñas y Medianas empresas) para generar más empleos y sobre todo apoyar el reconocimiento de la creatividad como parte de la economía creativa.

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NACHO RIESCO GOSTANZA Ilustración desde España Por Rodrigo Martinez Arango rarango@acuatro.com

Estilo

Me estilo preferido es el figurativo, actualmente desarrollo casi todo lo que creo en 3D, me encanta la libertad que tienes al modelar y pintar en un espacio tridimensional

Autobiografía

Ubicación: Ribadeo (ESPAÑA) Categoría: Ilustración Intereses laborales: Diseño Gráfico Especialidad: Ilustración Modalidad: Freelance Nivel de Experiencia: Profesional El personaje fue creado para su utilización en un tutorial sobre Photoshop publicado en la web de PSDTuts+

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Soy un artista autodidacta, mi principal cualidad es la creatividad. Soy una persona con inquietudes artísticas que me llevaron a aprender y desarrollarse, todo tipo de técnicas, desde el dibujo, la pintura, hasta la aerografía.

Actualmente estoy totalmente inmerso en el mundo digital, con los píxeles y polígonos como mis principales herramientas creativas.

17 TEX AVERY El hermano malo de Walt Disney

Por Melisa Alvarez rarango@acuatro.com

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os dibujos animados no tienen piedad con sus creadores; los acaban devorando. Pocos animadores son al menos tan recordados como sus personajes. Tex Avery (que ahora cumpliría cien años de seguir aún vivo) es uno de ellos.

Los personajes que desarrolló o creó (el pato Lucas, Bugs Bunny o Porky) son anárquicos, violentos e imprevisibles, pero él siempre fue un obsesivo perfeccionista (llegó a poner sus voces en ocasiones) que no estaba dispuesto a que escaparan de su control o le robaran protagonismo.

La mayoría de estos personajes los creó en el seno de la Warner, en la que, en 1935, Leo Schlesinger le contrató para hacer frente al imperio Disney. Avery pudo contar con colaboradores de la talla de Chuck Jones o Bob Clampett, con los que trabajaba en una casa de campo (denominada Terraza Termita por razones obvias) alejada del edificio principal de los estudios Warner.

De esas reuniones salieron cortos

Tex Avery y Michael Maltese guionista estadounidense

como A wild hare (1940), en el que Tex Avery diseñó a Bugs Bunny tal y como le conocemos. Algunas de las frases míticas como “qué hay de nuevo viejo” o el estilo sardónico del conejo son obra suya.

En lugar de copiar el modelo Disney, que era lo que hacían todas las compañías de animación de la época sin éxito alguno, Avery decidió pervertirlo. Si el trazo de los dibujos de Disney tendía al realismo y sus intenciones eran moralizantes, Avery optó por un estilo de animación más

divertido, rápido y salvaje.

Los chavales se quedaban embobados con las animaciones de Avery, por su ritmo frenético y repleto de gags de humor físico y canalla.

Hasta padres y hermanos mayores se engancharon a sus creaciones al comprobar que, más allá de las onomatopeyas y explosiones de cada animación, los personajes del tejano tenían sus mismas preocupaciones y obsesiones adultas.

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TEX AVERY El hermano malo de Walt Disney

Olvídate del realismo Avery perdió casi por completo la visión del ojo izquierdo cuando accidentalmente un clip metálico impactó en su pupila. Perdió la percepción de profundidad, pero también la vergüenza, proclamándose desde entonces enemigo del naturalismo en la animación.

El tejano deformaba a conciencia los rasgos de los personajes, cuyas expresiones desafiaban las leyes de la física y la lógica. En sus trabajos para las series Merrie Melodies o Looney Tunes, los ojos de sus creaciones se salían de sus órbitas cuando recibían una impresión fuerte y sus mandíbulas rodaban

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por el suelo. Si salían corriendo, era habitual que volvieran a buscar su silueta o sus ojos.

Los personajes de Tex Avery se sentían incómodos en las dos dimensiones que permitía la animación de la época. Por eso, y de una forma absolutamente pionera, interpelan directamente al espectador, aparecen a destiempo en los títulos de crédito o se enfadan cuando una silueta negra cruza la pantalla y les descentra.

Avery plantó cara a Walt Disney incluso en su terreno favorito: los cuentos de hadas. Sus piezas no están protagonizadas por simpáti-

cos animalillos que viven en idílicos bosques, sino por seres consumidos por la satisfacción inmediata de sus instintos básicos.

Entre 1937 y 1949, Avery realizó siete cuentos, donde personajes tan aparentemente inofensivos como Caperucita Roja o Cenicienta se transforman en turgentes bellezas que exaltan la líbido del lobo de turno, cuyo cuerpo paralizado levita en el aire por un instante. La censura de la época creyó ver en este movimiento una expresión claramente fálica.

Años más tarde, el propio Avery les confirmó que tenían razón.

19 El brillante animador acabó sus días trabajando para Hanna-Barbera y realizando anuncios (el mítico spot para televisión del insecticida Raid), pero su legado ya es inmortal y sus herederos se cuentan por miles. Robert Zemeckis le homenajeó con la explosiva protagonista de ¿Quién engañó a Roger Rabbit? y series animadas tan populares como Ren y Stimpy saquean a placer tanto su feísmo estético como su humor negro.

Cuentos tórridos de hadas La tórrida caperucita roja (1943) es uno de los cuentos que mejor ejemplifica el modelo Avery. Una empalagosa voz en off comienza a narrar el cuento según el modelo universalmente conocido de los hermanos Grimm. “Hola chiquillos. Érase una vez Caperucita roja, una hermosísima y dulce niña...”, hasta que el lobo feroz, mirando a la pantalla, exclama: “Estoy aburrido de estas bobadas. Es la misma vieja historia una y otra vez, si no pueden hacerlo de manera más innovadora yo me largo”.

Finalmente, el narrador cuenta la historia que quieren los personajes. Ahora Caperucita Roja trabaja en un night club, el lobo es un depredador sexual al que le venden “cigarrilos extra-largos” y la abuela es una vampiresa atormentada porque el lobo prefiere a su nieta.

Los seres unidimensionales de la factoría Disney se habían transformado en personajes repletos de ambigüedades morales y represiones sexuales con los que el público adulto se podía identificar.

Si en su periodo Warner Avery resultaba políticamente incorrecto, en la Metro-Goldwin-Mayer (1942-1945) pasó directamente a convertirse en enemigo público de la censura, al amplificar el grado de frenesí y violencia de sus animaciones.

Nunca llegó al mal gusto, aunque lo rozó con la ardilla Screwy, un personaje de muy corta vida, que sometía sin miramientos a torturas a sus enemigos.

En realidad, y salvo el parsimonioso perro Droopy, a esas alturas de su carrera Avery no estaba interesado en crear personajes duraderos, sino en perfeccionar y multiplicar los gags de humor y realizar cortos autoconclusivos.

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Creadores del pasado:

Alan Fletcher En esta ocasión vamos a hacer un poco de historia del diseño gráfico con una de las mentes que sintetizó las tradiciones gráficas de Europa y Norteamérica para desarrollar un estilo personal único. Se trata de Alan Fletcher. Una de las figuras más influyentes en el diseño Británico como fundador de Fletcher/Forbes/Gill en los sesentas y Pentagram en los setentas.

Por Clara Arango rarango@acuatro.com

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omo socio fundador de Pentagram en los setentas, Fletcher ayudó a establecer el modelo de combinar asociaciones comerciales con independencia creativa. También desarrolló alguno de los esquemas gráficos más memorables de la era. Destacan las identidades de Reuters, Institute of Directors y el de Victoria & Albert Museum, y su marca en el diseño de libros como director creativo de Phaidon.

Durante los cincuentas asistió a 4 diferentes escuelas de art, cada una más cosmopolita que la última. Abandonando la escuela de arte en Hammersmith para un ambiente más ameno en la Central School, se encontró en clase con sus futuros compañeros Colin Forbes y Theo Crosby. Después de graduarse del Central School, se dedicó un año a enseñar inglés en Barcelona y después ganar un lugar en el Royal College of Art. En Londres, Fletcher, Forbes y Bob Gill

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establecieron su estudio Fletcher/Forbes/ Gill. Su estilo se caracteriza por una publicidad de Pirelli que ilustra la adherencia de un neumático con tipografía elegantemente desviada. La idea es directa, los elementos gráficos están controlados y la composición es hábil. La fusión de tipografía con imagen no tenía precedentes en el diseño británico.

Fletcher, Forbes and Gill estaban dentro de los primeros diseñadores gráficos en hacer resaltar su marca, tanto que aparecieron en la revista Vogue.

En 1971, Fletcher se le ocurrió la idea de un nuevo nombre que reflejara el espíritu de su estudio: Pentagram, una estrella de cinco puntas, cada uno punta para cada socio.

Mucho del trabajo de Fletcher que desarrolló en Pentagram sobreviven.

Como su logotipo para Victoria & Albert Museum de Londres. Creado desde la tipografía Bodoni, el diseño de Flercher crea una unidad de la abreviatura del museo – V&A – permitiendo que el serif del ampersand se mantenga para formar el puente de la A. La fuerza y singularidad de la idea detrás de este diseño es consistente con su larga carrera. Similarmente, su logotipo para el Institute of Directors, en el que las iniciales del título son escaladas dependiendo de su importancia.

Fletcher falleció en el 2006, sin embargo su gran influencia en el mundo del diseño, dígase, Pentagram, el DA&D y su manejo de tipografía son ahora legado del cual aún sirven de inspiración para muchos.

21 Lo que un creativo debe saber, pero se le olvida Por Rodrigo Martinez Arango rarango@acuatro.com

El mundo laboral es muy competitivo, pero el de un diseñador pareciera que a veces es un campo de batalla.

Por una parte eso es bueno, ya que significa que es un campo en donde siempre tendrás que mejorar y presentar cada vez mejores propuestas, pero por otro lado existen cosas que se pierden con tal de pertenecer a ese mundo o que simplemente se olvidan. Nosotros las hemos logrado localizar, pero preferimos compartirles estos simples consejos de la fuente más confiable que conocemos, la de una diseñadora.

Ross es originaría de Monterrey y además de amar el branding tenemos que mencionar que es una gran ilustradora para cualquier tipo de temática. De hecho ha colaborado para diversas publicaciones y es autora del comic Sin y Laf. Por si fuera poco fue una de las encargadas de realizar una muñeca para la exposición “Doñitas” de Gurú Galería.

Su amplia y diversa experiencia nos hace comprobar que es la fuente más confiable para dar algunos consejos, que más allá de ser simples recomendaciones son valores con los cual un diseñador, publicista o cualquiera relacionado con este medio debería conservar y sobre todo aplicar en su día a día.

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23 Institución Universitaria Pascual Bravo Celebra

75 años

Por Redacción redaccion@acuatro.com

La historia académica de la Institución Universitaria Pascual Bravo se empieza a escribir el 4 de julio de 1938, con la creación de la Escuela de Artes y Oficios Pascual Bravo, en honor al héroe antioqueño, uno de los más jóvenes y epónimos gobernantes que se registra en el país.

Desde la época hasta la fecha, la Institución ha llevado a cabo con responsabilidad y disciplina la formación de profesionales idóneos, que a lo largo de estos 75 años, han contribuido al desarrollo del sector productivo de la región.

¡ ¡

Entre todos construimos el Pascual Bravo que queremos.

Estos lazos estrechados décadas atrás con la industria, le permiten a la I.U. Pascual Bravo continuar brindándoles a muchos jóvenes de la ciudad y el departamento, una educación pertinente con las actuales necesidades económicas que determina el sector productivo y empresarial.

El acto de conmemoración que tendrá lugar el jueves 10 de octubre a las 6:30 de la tarde en el teatro La Convención, se desarrollará en el marco de las Jornadas Tecnológicas que este año se extenderán a una semana, del 7 al 11 del presente mes.

Durante una semana se realizarán una serie de eventos académicos, culturales y deportivos donde todos los miembros del Pascual Bravo y la comunidad en general, interactuarán alrededor de diferentes actividades, entre las que se encuentran la presentación del libro “Valientes Guerreros que duran muy Poco en la Vida”

Una nueva biografía del héroe antioqueño Pascual Bravo Echeverri escrita por su sobrino bisnieto José María Bravo Betancur, la primera Feria de Internacionalización, el Tercer Simposio de Diseño Sostenible, charlas, torneos deportivos, encuentro anual de egresados, conciertos, entre otras interesantes actividades.

Actualmente la Institución cuenta con 11 programas Tecnológicos, 3 Técnicos Profesionales, 3 Ingenierías y una especialización en Gestión de Proyectos, además de una fuerte presencia en los municipios de la región y su apertura al mundo a través de la firma de convenios de movilidad académica internacional con países como México, Francia, Turquía, España, Perú y Argentina.

75 años después el Pascual Bravo continúa haciendo historia y aportando a la educación, a la consecución de proyectos investigativos y sobre todo en la formación de profesionales con gran capacidad de trabajo en equipo, compromiso social, liderazgo empresarial, conciencia ecológica y sensibilidad para administrar el talento humano que requiere el mercado laboral en pro del desarrollo tecnológico, productivo de la región y del país.

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