Catálogo Feria Ch.ACO 2017 by Feria Ch.ACO

Catรกlogo / Catalogue Ch.ACO 2017

Feria de Arte Contemporรกneo Contemporary Art Fair

COLOFÓN COLOPHON Editor / Editor Ch.ACO Diseño gráfico / Graphic Design Gracia Fernández Trinidad Sánchez Producción / Production Sara Riveros Corrector de texto / Style corrector Joel Poblete Impreso por / Printed by Ograma Impresores @Edición: Ch.ACO @Edition: Ch.ACO @Textos: sus respectivos autores @Texts: respective authors @Fotografías: sus respectivos autores @Photographies: respective authors Todas las imágenes de las obras son responsabilidad de los autores y no representan el pensamiento o imaginario de la organización. All the artworks’ images are under the responsability of their authors and do not represent the opinion or the imagery of the organization. Este libro ha sido impreso en papel Olin Rough High White de 120 gramos, con el apoyo de Antalis Chile. This book has been printed on Olin Rough High White of 120 grams, with the support or Antalis Chile. ISBN 978-956-8871-07-9 Edición 1.500 ejemplares Edition 1.500 copies Impreso en Chile, octubre 2017 Printed in Chile, October 2017

EQUIPO STAFF Directora / Director Elodie Fulton Directora fundadora / Founding Director Irene Abujatum Gerenta de negocios / Business Development Manager Camila Miranda Comunicación y contenidos internacionales/ Communications and International Content Eugenia Bertelè Comunicación nacional / National Communications Sofía Aldea Coordinador general / Chief Coordinator Tomás Santa Cruz Comunicaciones digitales / Digital Communications Elisa Alcalde Coordinadora de prensa / Communications Coordinator Mariana Fuentes Coordinadora galerías / Exhibitor Coordinator Carolina Astaburuaga Coordinadora Ch.ACO en la calle / Ch.ACO off coordinator Josefina Lagos Productor general / General Producer Eugenio González Asistente producción / Assistant Producer Fernando Celedón Arquitectura / Architecture Beatriz Palma Coordinadora administrativa / Administrative Coordinator Valentina Rodríguez Coordinador programa VIP / VIP Program Coordinator Juan Pablo Fernández Coordinadora VIP desk / VIP Desk Coordinator Catherine Gelcich Periodista colaborador / Journalism Colaborator Matías Castro Identidad y campaña gráfica / Identity and Graphic Campaign Gracia Fernández Trinidad Sánchez RRPP / Public Relations Francisco Yávar Director artístico / Art Director Camilo Yáñez Spot TV / TV Spot Montaje y Producción / Assemblage and Production Maricruz Alarcón Intervención sonora y spot radio / Sound Intervention and Radio Spot Edición y música / Edition and Music Rodrigo Araya

Carta Ministro Minister Letter

Carta Corporación Cultural Cultural Corporation Letter

Editorial Ch.ACO Ch.ACO Editorial

Galerías Galleries Ch.ACO Main Ch.ACO Focus Ch.ACO Planta Ch.ACO Nave

16 126 164 192

Directorio de expositores Exhibitors Guide

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Fundación FAVA FAVA Fundation

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En memoria In Memoriam

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Auspiciadores Sponsors

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Ch.ACO 2017

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Durante el Gobierno de la Presidenta Michelle Bachelet nos hemos comprometido a abordar desafíos y acciones que constituyen transformaciones significativas para el ámbito cultural y artístico. El principal de ellos, es la concreción del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, que nos permitirá, entre otras cosas, incluir al sector creativo de manera transversal en las estrategias de desarrollo de nuestro país. En la construcción de este nuevo escenario, el Estado debe propender a la acción colectiva, buscando aliados en el mundo privado y en la sociedad civil. En este sentido, el rol de las ferias de arte es fundamental para dicho objetivo. Su aporte genera recursos materiales y simbólicos que impulsan el desarrollo de la creación y la investigación, pero también son puntos de encuentro que junto con incentivar la venta, abren un espacio donde curadores, críticos y especialistas del arte provenientes de diversos territorios, tienen la oportunidad de conocer los proyectos de galerías grandes y más pequeñas en un mismo lugar. La Feria de Arte Contemporáneo, Ch.ACO, es un gran ejemplo de ello. En su novena edición se consolida como un aliado central y un socio estratégico para nuestra institución, al construir un camino orientado a la sustentabilidad, abriendo puertas para artistas y audiencias. Esto es imprescindible para nuestros creadores, porque es a través de estas miradas, que ellos y ellas pueden ir aportando en la conversación que hoy se da

Ernesto Ottone Ministro Presidente Consejo Nacional de la Cultura y las Artes.

dentro de esta disciplina. Labor fundamental para que las narrativas que se construyen a partir de las colecciones privadas e institucionales, ya sean grandes o pequeñas, tiendan cada vez más hacia la inclusión y la diversidad. Ch.ACO se alinea a estos objetivos, poniendo su desarrollo en sintonía con la aspiración de hacer del arte en Chile un espacio de acceso transversal. Una aspiración que se ve refrendada por acciones de extensión y mediación, que efectivamente incluyen y diversifican el arte contemporáneo. Es necesario destacar que esta orientación se encuentra en sintonía con la Política Nacional de Artes de la Visualidad 2017 – 2022, una herramienta que justamente busca generar articulación entre los distintos agentes, para ampliar el acceso y la participación ciudadana en las diversas problemáticas del campo de las artes de la visualidad, atendiendo brechas existentes. Conscientes de la importancia del desarrollo de una feria de estas características para la escena local, hemos querido una vez más tender puentes entre el ámbito privado y público, aportando con una instancia que se alinea plenamente con el momento histórico que estamos viviendo como institución cultural y como país.

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UN NUEVO ESCENARIO

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La Corporación Cultural de Vitacura lleva a cabo programas y proyectos que buscan construir, promover y colaborar de manera amplia e integral en la difusión del arte y la cultura. Su labor está marcada por el sello de la inclusión y la innovación, buscando que todas sus iniciativas contribuyan a la calidad de vida y el desarrollo pleno de la sociedad. La gestión de la Corporación Cultural ha contribuido a posicionar a Vitacura como una comuna líder a nivel nacional. A lo largo de sus 21 años de existencia ha establecido instancias de apoyo fundadas en la cooperación, la nitidez de objetivos, la valoración de la cultura para la sociedad y el respeto de la diversidad de propuestas y quehaceres artísticos. La alianza establecida con Ch.ACO se inscribe en la línea del apoyo a entidades que estimulan la realización de programas y actividades artísticas, objetivo que esta feria de arte contemporáneo, nacida en nuestra comuna hace ya nueve años, cumple sobradamente dado que se ha transformado en una de las vitrinas de arte más actualizadas del país.

Hernán Swart Figueroa Director Ejecutivo Corporación Cultural de Vitacura

Para la Corporación Cultural de Vitacura es un honor patrocinar este evento y favorecer al desarrollo de talentos en las artes al ofrecerles una vitrina de nivel internacional. Al mismo tiempo, el impulso conjunto de esta iniciativa contribuye al incremento de la apreciación artística y a la formación de nuevos públicos. Esperamos que esta nueva versión de Ch.ACO en Vitacura continúe la labor de promoción del arte y la cultura. No sólo al interior de las salas y recintos privados que tradicionalmente se han destinado a ello, sino que contribuya a hacer más amables las calles y espacios de la comuna y la ciudad para que todos los habitantes accedan a la creatividad y la belleza.

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PROMOCIÓN DEL ARTE Y LA CULTURA

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Ch.ACO FLUYE, CONFLUYE Ch.ACO FLOWS, OVERFLOWS

En estos ocho años como organizadores de feria Ch.ACO -la feria de arte internacional de Chile- hemos sido testigos de cómo el mercado se ha profesionalizado e internacionalizado en el país. Parte de nuestros objetivos al crear esta iniciativa ha sido contribuir al desarrollo de las artes visuales y al coleccionismo nacional, misión en constante avance que año a año se ha ido consolidando. El tema de la campaña de este año tiene que ver con esto: un lenguaje donde los flujos del mundo, en constante movimiento, dan cuenta del lugar donde confluye el arte, los objetos, las personas, los mercados, las relaciones, los materiales, los pueblos, la política. Y es en este contexto donde Ch.ACO funciona como un punto interceptor y receptor de todos estos flujos. Desde 2009, hemos sido testigos del nacimiento de diversos proyectos que en su conjunto han generado nuevas comunidades en torno a las artes; el número de coleccionistas ha aumentado considerablemente y las empresas, instituciones y organizaciones en general, cada día están más involucradas con la cultura visual. En los últimos años hemos sido testigos de cómo ha aumentado el interés por parte de todos los actores, lo que se ha visto reflejado también en las transacciones concretadas en la feria. Es sus ocho ediciones, feria Ch.ACO se ha celebrado en diferentes espacios icónicos de Santiago, convirtiéndose en un evento itinerante que involucra a toda la ciudad. A partir de esta lógica, el año pasado se dio inicio a una nueva etapa; que la feria tenga lugar en un edificio en construcción, combinando así el actual y prolífero mercado inmobiliario de Santiago con las obras y propuestas más novedosas de arte contemporáneo. Este año, feria Ch.ACO se realiza en el edificio CV Galería, ubicado en el eje clave de Alonso de Córdova con Vespucio, en la comuna de Vitacura.

Over the past eight years as organizers of the Ch.ACO Fair —Chile’s international art fair— we have witnessed the way in which Chile’s art market has grown more professional and international. One of our objectives for creating this initiative was to contribute to the development of visual arts and art collecting in Chile, a constantly advancing mission that has gradually consolidated itself over the years. This year’s campaign theme has to do with this: a language in which the world’s constantly moving fluxes account for a place in which art, objects, people, markets, relationships, materials, nations and politics all converge. And it is in this context that Ch.ACO serves as an interception and reception point for all of these flows. Since 2009, we have seen the birth of diverse projects that as a whole have generated new communities surrounding the arts: the number of art collectors has grown considerably, and companies, institutions and organizations in general have become more and more involved with visual culture each day. Over the past few years, we have witnessed the way in which every player’s interest in the arts has increased, something that has also seen itself reflected in the Fair’s concrete transactions. For its eight previous editions, Ch.ACO Fair has been held in different iconic spaces throughout Santiago, becoming a traveling event that involves the entire city. Based on this logic, a step was taken in a new direction last year: the Fair would be held in an under-construction building, thus combining Santiago’s current and proliferous real estate market with the most innovative proposals and pieces the contemporary art market has to offer. This year, the Ch.ACO Fair shall be held in the CV Galería Building, located at a key intersection between Alonso de Córdova and Vespucio avenues, in the neighborhood of Vitacura.

One of the main objectives that we have set out for ourselves is to expand our audiences. It is for that reason that this year, our official presenter is Vitacura’s Corporación Cultural, with whom we are preparing a program that focuses on adults, teenagers, and children, so that they may get to know and discover some of the most relevant artists working today. Also, thanks to the support of the CNCA, we shall be able to bring the art world closer to general audiences through two interesting programs, one involving educational mediation and guided visits destined for public education establishments, and the other involving open and free of charge lectures. This focus also holds relation to the project’s internationalization. Together with ProChile, we have established an alliance in order to strengthen the international diffusion of both art galleries and national artists. The Ch.ACO Fair is part of the wide array of art fairs that are held around the world, and which draw massive crowds each year. It is from this space that we intend to reinforce the country’s image, through the development and consolidation of the national art market. If last year was the year of announcements and new sections, this one is year of consolidation and growth. For the second year in a row, the three-year program Ch.ACO Focus, directed by curator and art historian Cecilia Fajardo-Hill, aims to be a space for dialogue between artists from different countries who elaborate proposals based on one common theme. This year’s theme is Object/ Subject, in which two artists from each gallery present projects that render an account of a subjective relationship with objectuality. Once more, Ch.ACO Planta, a section under the curatorship of Chilean historian Carolina Castro Jorquera, presents Latin American creation and management projects that focus on adaptability and collaboration as alternatives to more traditional galleries. This section seeks to reinforce the idea that these new spaces are a contribution to the market and the way in which it is perceived. In Nave de Ediciones, both national and international publications and publishing houses that specialize in contemporary art are brought together, selected by Camila Opazo, director of the art magazine TONIC. The central theme this year is the book object, evincing that these printed projects are often works of art in themselves. The objective behind these three sections —which are developed in collaboration with these three specialists

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Nos hemos puesto como uno de nuestros principales objetivos ampliar las audiencias. Es por eso que este año nuestro presentador oficial es la Corporación Cultural de Vitacura, con quien trabajamos una programación enfocada en adultos, jóvenes y niños, quienes podrán conocer y descubrir algunos de los artistas más relevantes de la actualidad. Además, gracias al apoyo del CNCA, podremos potenciar el acercamiento del mundo del arte al público general a través de dos interesantes programas; uno de mediación educativa y visitas guiadas destinado a establecimientos de educación pública; y el otro de conversatorios abiertos y gratuitos. Este foco también tiene un correlato en la internacionalización del proyecto. Junto a ProChile establecimos una alianza para fortalecer la difusión al exterior, tanto de las galerías como los artistas nacionales. Feria Ch.ACO se enmarca en la amplia oferta de ferias artísticas que se celebran alrededor del mundo, y que anualmente convocan a un público masivo. Es a partir de este espacio, que fortaleceremos la imagen país a través del desarrollo y consolidación del mercado del arte nacional. Sí el año pasado fue tiempo de anuncios y nuevas secciones, éste es el de consolidación y crecimiento. Por segundo año consecutivo, en este proyecto a tres años, Ch.ACO Focus, a cargo de la curadora e historiadora del arte Cecilia Fajardo-Hill, busca ser un espacio de diálogo entre artistas de distintos países que elaboran propuestas basados en un tema común. El tema a trabajar esta vez es Objeto/Sujeto, donde dos artistas de cada galería presentan proyectos que den cuenta de la relación subjetiva con la objetualidad. En Ch.ACO Planta, bajo la curatoría de la historiadora chilena Carolina Castro Jorquera, se presentan nuevamente proyectos de creación y gestión latinoamericana enfocados en la adaptabilidad y la colaboración, alternativas a las galerías de perfil más tradicional. Esta sección busca fortalecer la idea de que estos nuevos espacios son un aporte para el mercado y la manera en la que éste se entiende. En Nave de Ediciones, se reunen editoriales y publicaciones nacionales e internacionales especializadas en arte contemporáneo, seleccionadas por Camila Opazo, directora de la revista de arte TONIC. El tema central de este año es el libro objeto, dando cuenta de que estos proyectos impresos muchas

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veces son, en sí mismos, una obra de arte. El fin de estas tres secciones -que se desarrollan en colaboración con estas tres especialistas durante nuestra octava, novena y décima versión- es potenciar la industria del mercado del arte, donde la creación, los nuevos modelos de gestión y los medios impresos son claves para difundir e invitar a nuevos actores. Como equipo estamos trabajando con miras al próximo año, fecha en la que cumpliremos 10 años. El tiempo ha pasado rápido, pero ha sido fructífero. Mirando hacia atrás, es grato ver cómo, de a poco, hemos cumplido con las metas que nos propusimos ocho años antes. Eso ha sido posible gracias al trabajo colectivo y la confianza de los protagonistas del mundo de las artes visuales. Agradecemos a los artistas, galeristas, curadores, autoridades, empresas, instituciones y el gran público, que han creído en el proyecto, y quienes estamos seguros que nos seguirán acompañando en todo lo que está por venir.

Elodie Fulton Directora Director Irene Abujatum Directora Fundadora Founding Director

for our eighth, ninth, and tenth versions— is to strengthen the art market’s industry, where creation, new management models, and printed media are key points for dissemination and inviting new players. As a team, we are working with our eyes set on next year, when we shall be celebrating our ten year anniversary. Time has flown by, but it’s been a fruitful ride. Looking back, it’s gratifying to see how, little by little, we have met the goals we laid out for ourselves eight years ago. This has been possible thanks to the collective efforts and the trust placed on us by leading players of the visual arts world. We’d like to extend our thanks to the artists, gallery owners, curators, authorities, companies, institutions and wonderful audience, all of whom have believed in this project, and whom we are certain shall continue to accompany us through everything that is yet to come.

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Bienvenidos a Ch.ACO 17’ Welcome to Ch.ACO 17’

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GalerĂas Galleries

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FOCUS AFA, Art for Art Chile Aninat Isabel Galería Chile Carmen Araujo Arte Venezuela Galería Patricia Ready Chile Henrique Faria Fine Art EEUU-Argentina Marilia Razuk Brasil Metales Pesados Visual Chile Revolver Galería Perú-Argentina Vermelho Brasil

PLANTA Big Sur Argentina KM 0.2 Puerto Rico Panam Chile Pasto Argentina Piedras Argentina Sagrada Mercancía Chile Tokio Galería Perú Totoral Lab Chile UV Argentina NAVE DE EDICIONES Alias México ArtNexus Colombia-EEUU Big Sur Argentina Danilo Montanari Editore Italia Ediciones Popolet Chile Flach Chile Instantes Gráficos Argentina Meier Ramirez Perú Naranja Librería Chile Revista Mármol Chile Socios Fundadores Argentina Terremoto México Tonic Chile Vortex Chile

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MAIN 80m2 Livia Benavides Perú AFA, Art for Art Chile Aldo de Sousa Argentina Aninat Isabel Galería Chile Artespacio Chile Bendana | Pinel Art Contemporain Francia Buenos Aires Fine Arts Argentina Carmen Araujo Arte Venezuela CO Galería Chile Die Ecke Chile Espacio El Dorado Colombia Gachi Prieto Argentina Galería de Arte La Sala Chile Galería Patricia Ready Chile Isabel Croxatto Galería Chile Kleur Gallery Chile NG Art Gallery Panamá-Cuba Polígrafa España Prima Galería Chile Revolver Galería Perú-Argentina Rossmut Italia Rubber Stamp Art Projects EE.UU Vermelho Brasil XS Chile

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MAIN

80m2 Livia Benavides Perú AFA, Art for Art Chile Aldo de Sousa Argentina Aninat Isabel Galería Chile Artespacio Chile Bendana | Pinel Art Contemporain Francia Buenos Aires Fine Arts Argentina Carmen Araujo Arte Venezuela CO Galería Chile Die Ecke Chile Espacio El Dorado Colombia Gachi Prieto Argentina Galería de Arte La Sala Chile Galería Patricia Ready Chile Isabel Croxatto Galería Chile Kleur Gallery Chile Galería de Arte La Sala Chile NG Art Gallery Panamá-Cuba Polígrafa España Prima Galería Chile Revolver Galería Perú-Argentina Rossmut Italia Rubber Stamp Art Projects EE.UU Vermelho Brasil XS Chile

80m2 Livia Benavides es una galería especializada en arte contemporáneo peruano y su dinámica con la escena internacional, caracterizada por representar artistas conceptuales con un interés en la reflexión tanto política como social. La institución promueve activamente espacios de discusión sobre el arte y el espectro cultural a través de conversatorios con los artistas, publicaciones y mesas de debate. La galería busca apoyar un arte caracterizado por la experimentación y el riesgo, dado que la existencia del discurso crítico es esencial para entender el arte local, extender su circulación y asimilar la compleja manera en la que la reflexión artística ha influenciado y sigue influenciando hechos contemporáneos. DIRECTORES DIRECTORS

Livia Benavides

ARTISTAS ARTISTS

Adán Vallecillo David Zink Yi Eliana Otta Gabriel Acevedo Iosu Aramburú Marco Pando

80m2 Livia Benavides is a gallery that specializes in Peruvian contemporary art and its dynamics with the international scene, and which characterizes itself for representing conceptual artists interested in both political and social considerations. The institution actively promotes spaces in which to discuss art and the cultural spectrum through artist talks, publications, and discussion panels. The gallery seeks to lend support to an art that is characterized for its experimentation and risk, given that the existence of critical discourse is essential in order to understand local art, extend its circulation, and assimilate the complex way in which artistic reflection has influenced and continues to influence contemporary events.

Maya Watanabe Nancy la Rosa Raura Oblitas Rita Ponce de León Sandra Gamarra Santiago Roose

Sergio Zevallos Teresa Burga Ximena Garrido-Lecca William Córdova

AFA, ART FOR ART Chile AFA -Art for Art- es un espacio comercial, una editorial y una oficina de proyectos artísticos. Más que sólo un espacio de exposiciones, esta galería se erige como un catalizador del arte contemporáneo y una alternativa real a la rigidez del mercado por lo que, junto a los artistas, busca posibilitar un ejercicio de asociatividad de proyectos y estrategias relacionadas a las obras y a los intereses particulares de cada parte. Con el convencimiento de que nada es suficiente en la gestión de las artes visuales, el espacio valora la cadena productiva que lleva a una galería a ser un mediador, consciente de la corriente continua de acciones que exploran las expectativas de una sociedad para que un artista se mantenga en movimiento. DIRECTORES DIRECTORS

Elodie Fulton Irene Abujatum

ARTISTAS ARTISTS

Claudio Correa Daniel Santiago Francisca Sánchez Francisco Uzabeaga Ignacio Gumucio Joaquín Cocíña

AFA —Art for Art— is a commercial space, a publisher, and an office for artistic projects. More that just an exhibition space, this gallery stands as a driving force for contemporary art and a true alternative to the rigidity of the market, which is why, working along with the artists, it seeks to facilitate an association between projects and strategies related to the artwork and to each party’s particular interests. With the conviction that no effort is made in vain when it comes to visual arts management, the space esteems the productive chain that leads the gallery to become a mediator, conscious of the continuous flow of actions explored by society’s expectations, so that an artist can keep moving.

Juan Pablo Langlois Martín Parr Mmmm…(Adrián Fisher & Luna Montenegro) Nicolás Franco Pablo Langlois Prado

Paz Errázuriz Philippe Gruenberg Pilar Quinteros Rodrigo Arteaga

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80m2 LIVIA BENAVIDES Perú

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ALDO DE SOUSA Argentina Desde 1972, la galería Aldo de Sousa se dedica a la exhibición y difusión de artistas argentinos y latinoamericanos. Con sede en Buenos Aires, el proyecto se centra en la reunión de autores de distintas generaciones y trayectorias para forjar una comunión atemporal en la práctica del oficio. Se caracteriza por una fuerte impronta asociada al arte concreto -considerada la vanguardia más importante de la escena- la recuperación de sus artistas y la vigencia de esa búsqueda estética en diversas prácticas contemporáneas. La galería trabaja en el asesoramiento de colecciones y museos internacionales, promoviendo una plataforma de visibilidad mundial y exportando contenidos a países como Estados Unidos, Canadá, España, Brasil, Colombia, Perú, Chile, Venezuela, Puerto Rico y Uruguay. DIRECTORES DIRECTORS

Aldo de Sousa Pablo de Sousa

ARTISTAS ARTISTS

Agustina Quiles Benjamín Ossa Carlos Silva Claudio Girola Enio Iommi

Since 1972, Aldo de Sousa Gallery has been commited to the exhibition and difusion of argentinian and latinamerican artists. Located in Buenos Aires, Argentina, the project focuses on the reunion of authors from different generations, in order to build a timeless communion during the practice of the profession. It is known for its strong imprint linked to concrete art -which is considered the most important vanguard at the scene-, the recovery of its artists and the validity of the search for the aesthetics in diverse contemporary practices. The gallery works in the assessment of collectors and international museums, promoting a worldwide and visible platform and exporting content to countries such as the United States, Spain, Brazil, Colombia, Peru, Chile, Venezuela, Puerto Rico and Uruguay.

Gonzalo Maggi Inés Marcó Jorge Lezama Jorge Pereira Pablo Lehmann

Raúl Mazzoni Sebastián Mejía Sofía Berakha Virgilio Villalba

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ANINAT ISABEL GALERÍA Chile En 1982, Isabel Aninat -licenciada en filosofía y estética- creó Aninat Isabel Galería, un espacio de exhibición, debate y reflexión en Santiago de Chile. Fundada bajo el lema “agrandando el círculo”, sus objetivos son difundir, comercializar y proyectar el arte contemporáneo chileno y latinoamericano, enfocándose en la consolidación de artistas tanto a nivel local como internacional a través de su presencia en importantes ferias de arte internacionales.

In 1982, Isabel Aninat, a Philosophy and Aesthetics graduate, founded Aninat Isabel Gallery, an exhibition space for debate and reflection in Santiago, Chile. With the intention of “widening the circle”, the gallery aims is to diffuse, commercialize and project contemporary Chilean and Latin American art, maintaining a special focus on the consolidation of Chilean artists throught the promotion of their work in the most important international art fairs.

DIRECTORA DIRECTOR

Isabel Aninat

DIRECTORA EJECUTIVA EXECUTIVE DIRECTOR

Javiera García-Huidobro

ARTISTAS ARTISTS

Alberto Borea Carlos Leppe Catalina Swinburn Cecilia Paredes Fernando Gutiérrez

Iván Contreras-Brunet Josefina Guilisasti Juan Castillo Lotty Rosenfeld Manuela Viera-Gallo

Marisela Telleria Mónica Bengoa Nicolás Franco Pedro Tyler Raúl Zurita

En 1995, dos galeristas, María Elena Comandari y Rosita Lira, deciden asociarse para formar Galería Artespacio, animadas a aportar a la promoción del arte contemporáneo y el coleccionismo local. Artespacio fue la primera galería chilena que marcó tendencia al dedicar especial presencia a la escultura, así como también a ampliar el campo de desarrollo del arte, la fotografía, la pintura, el arte textil y las instalaciones, logrando posicionarse como un referente. Concentrada en un selecto grupo de artistas conformado por destacados exponentes de las generaciones más activas de los sesenta y setenta, así como también jóvenes que irrumpían en la escena local y regional, el espacio se preocupa de la internacionalización de sus artistas a través de ferias y exposiciones en el extranjero. DIRECTORAS DIRECTORS

María Elena Comandari Rosita Lira

ARTISTAS ARTISTS

Andrés Vio Ángela Leíble Benjamín Ossa Bororo Carlos Edwards Francisca Cerda Francisca Garriga

In 1995, two gallery owners, María Elena Comandari and Rosita Lira, decided to partnered to create Artespacio Gallery, encouraged to contribute to the promotion of contemporary art and local collecting. Artespacio was the first Chilean gallery to set trends by paying particular attention on sculpture, as well as to expand the field of development of art, photography, painting, textile art and installations. Artespacio managed to position itself as a reference, congregating a select group of artists made up of outstanding exponents of the most active generations of the sixties and seventies, as well as young people who burst onto the local and regional scene. Artespacio also focuses on the internationalization of its artists through fairs and exhibitions.

Francisco Bustamante Gonzalo Contreras Francisco Gazitua Javier Arentsen Keka Ruiz-Tagle Maria Angelica Echavarri María José Mir

Mauricio Guajardo Ofelia Andrades Pascale Lehman Roberto Matta Tomas Rodriguez Verónica González

BENDANA|PINEL ART CONTEMPORAIN Francia Coleccionista de arte contemporáneo y diplomático, Juan Carlos Bendana-Pinel interrumpe definitivamente su carrera para abrir en 2008 una galería en el bario parisino Le Marais. Su objetivo: la creación artística en todas sus manifestaciones –pintura, escultura, fotografía, video, instalaciones y dibujoy una programación que concede amplio espacio a los artistas internacionales, principalmente europeos y latinoamericanos. La galería ha participado en variadas muestras internacionales, como FIAC, (OFF) ICIELLE, Paris Photo, Drawing Now (París), ART-O-RAMA (Marsella), Artissima (Turín), Loop (Barcelona), Arco (Madrid), ArteBA (Buenos Aires) y ArtRio (Río de Janeiro). DIRECTOR DIRECTOR

Juan Carlos Bendana-Pinel

ARTISTAS ARTISTS

Alejandra Laviada Caio Reisewitz Christiane Pooley Dias & Riedweg Florencia Rodríguez

Contemporary art collector and diplomat, Juan Carlos Bendana-Pinel definetely put aside his career to open a gallery in the Parisian neighborhood of Le Marais in 2008. The focus was placed on creation in all its forms: painting, sculpture, photography, video, installation and drawing and in a program laying great emphasis on international artists, mostly European and Latin Americans. The gallery has been part of several international fairs, such as FIAC, (OFF)ICIELLE, Paris Photo, Drawing Now (París), ART-O-RAMA (Marseille), Artissima (Turin), Loop (Barcelona), Arco (Madrid), ArteBA (Buenos Aires) and ArtRio (Río de Janeiro).

Giancarlo Scaglia Maria Friberg Matthias Reinmuth Mauro Giaconi Miguel Rothschild

Morgane Denzler Niklas Goldbach Pablo Lobato Pedro Motta Thomas Broomé

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ARTESPACIO Chile

BUENOS AIRES FINE ARTS Argentina

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Buenos Aires Fine Arts comenzó como galería virtual y funciona desde 2011 en un edificio señorial en el barrio de Belgrano en Buenos Aires, Argentina. Con presencia nacional e internacional, busca promover desde artistas emergentas hasta grandes maestros del arte en Argentina, Latinoamérica y el resto del mundo. DIRECTORES DIRECTORS

Dr. Diego Schavelzon Martín Schavelzon

ARTISTAS ARTISTS

Manuel Rubin Dalmiro Sirabo

Buenos Aires Fine Arts began as a virtual gallery and has been working since 2011 in a stately building in the neighborhood of Belgrano in Buenos Aires, Argentina. With national and international presence, it seeks to promote from emerging artists to great masters of art in Argentina, Latin America and the world.

Cristina Santander Claudio Vega

Luis Tomasello César López Osornio

CARMEN ARAUJO ARTE Venezuela Inaugurada en el año 2010, la galería Carmen Araujo Arte se encuentra ubicada dentro de los espacios de la Hacienda La Trinidad Parque Cultural, en el sureste de la ciudad de Caracas. Tiene como su actividad principal el estudio, la divulgación y la promoción del arte contemporáneo de Venezuela y América Latina, labor que lleva adelante a través de una cuidada programación expositiva, la participación en ferias de arte a nivel nacional e internacional, la producción de publicaciones, así como la organización de diversos tipos de eventos que facilitan el acercamiento entre artistas, curadores, coleccionistas y público en general. DIRECTORA DIRECTOR

Carmen Araujo

ARTISTAS ARTISTS

Alexandra Kuhn Armando Ruiz Camilo Barboza Christian Vinck Daniel Medina

First opened in 2010, Galería Carmen Araujo Arte is located inside the Hacienda La Trinidad Parque Cultural, south east of the city of Caracas. The gallery’s principal function is the study and promotion of Venezuelan and Latin American contemporary art, a task that is fulfilled through a careful exhibition program, participation in national and international art fairs, the production of publications and the organization of events that allow the rapprochement between artists, curators, collectors and the public.

Deborah Castillo Dulce Gómez Esmelyn Miranda Gerardo Rosales Iván Candeo

Juan Iribarren Luis Arroyo Luis Poleo Luis Salazar Marco Montiel-Soto

CO GALERIA Chile

DIRECTORES DIRECTORS

Lucía Cintas Coca Malena Cintas Coca

ARTISTAS ARTISTS

Adonis Flores Ariamana Contino Bárbara Palomino Evelyn Aguilar

CO Galería is a space focused on the promotion and commercialization of contemporary Latin-American art. It has a special emphasis on Art from Cuba and Chile. The gallery is well positioned within the art circles in Latin America through constant programming in its Santiago de Chile headquarters and International art fairs. Additionally, the gallery collaborates with artists, galleries and art centers in several countries to organize exhibitions. CO Galería is a member of the AGAC (Asociation of Contemporary Art Galleries of Chile) and the Sectorial Mark for the Visual Arts of Chile SISMICA, a project managed alongside Pro Chile.

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CO galería es un espacio enfocado en la promoción y comercialización de arte contemporáneo latinoamericano, con especial énfasis en arte chileno y cubano. La galería propone un modelo de gestión enfocado en optimizar los recursos en función de lograr una mayor circulación y visibización de las nuevas propuestas de arte latinoamericano a nivel internacional, mediante las exposiciones que organiza en su sede en Santiago, la representación de artistas en ferias internacionales y la organización de exposiciones en diferentes países en colaboración con artistas, galería y centros de arte. CO galería es miembro de la Asociación de Galerías de Arte Contemporáneo de Chile (AGAC) y de la Marca Sectorial de Artes Visuales de Chile SISMICA, proyecto que se gestiona en conjunto con Pro Chile.

Jorge Cabieses-Valdés José Ángel Vincench Lidzie Alvisa Liliana Zapata

Mabel Poblet Rodrigo Vergara Vogel

DIE ECKE Chile Desde su fundación en Santiago de Chile en 2003, Die Ecke Arte Contemporáneo tiene por misión la representación de artistas y el incentivo del coleccionismo de arte contemporáneo. Fundado y dirigido por Paul Birke, Die Ecke es un espacio independiente que difunde la producción artistica chilena y latinoamericana mediante la comercialización, el desarrollo de proyectos y la educación asumiendo el carácter de una galería compleja con el objetivo de ampliar su aporte al medio local junto obtener un sello que la identifique.

Since its foundation in Santiago, Chile in 2003, the focus of Die Ecke Arte Contemporáneo has always been representing its artists and stimulating the collecting of contemporary art. Die Ecke is an independently run art space founded and directedby Paul Birke. The circulation of Chilean and Latin American artwork through commercialization, the development of projects and educational means is that which defines Die Ecke as a complex gallery; one with a focus on its identifiable seal as well as its ongoing contribution to the local art scene.

DIRECTOR DIRECTOR

Paul Birke

ASISTENTE ASSISTANT

Amandine Roche

ARTISTAS ARTISTS

Alejandra Prieto Catalina Bauer Cristóbal Lehyt Enrique Ramírez Felipe Mujica

Francisca Benítez Grace Weinrib Ignacio Gatica Johanna Unzueta Julen Birke

Leonardo Portus Marcela Moraga Mario Navarro Nicolás Rupcich Tomás Rivas

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ESPACIO EL DORADO Colombia Espacio El Dorado es una galería de arte contemporáneo fundada a mediados del 2014 en Bogotá, Colombia. Su nombre viene de la leyenda de El Dorado que permitió los procesos de descubrimiento, conquista, colonización y mestizaje de América. Aunque nunca se encontró esta ciudad de oro, eso es lo que se busca mostrar en Espacio El Dorado: ideas ambiciosas y aparentemente imposibles, proyectos que cambian profundamente la identidad del artista, del espacio y de la escena del arte. Las muestras son obras desarrolladas in situ y son el resultado de un diálogo interdisciplinario. Acompañadas de contenidos y textos, incitan a cuestionamientos abiertos al error y a la experimentación. DIRECTORA DIRECTOR

Valentina Gutiérrez Turbay

ARTISTAS ARTISTS

Alfonso Suárez Andrés Matías Pinilla Andrés Felipe Uribe Antonio Castles Gómez

Espacio El Dorado is a contemporary art gallery, wich was founded in the middle of 2014 in Bogotá, Colombia. His name came of the legend “El Dorado” that allow the Processes of discovery, conquest, colonization and mestizaje of America. Although the gold city was never found, the illusion was enough to lead the conquerors to do the impossible. Espacio El Dorado shows ambitious ideas and seemingly impossibles projects that change the artist identity, of the space and the art scene. The exhibits are produced in situ and are the result of an interdisciplinary dialogue, accompanied by content and texts which prompt questions and are open to error and experimentation.

Camilo Leyva Carlos Castro Arias Gustavo Niño Blanco Jorge Ortiz

Leonel Castañeda Galeano

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GACHI PRIETO Argentina Espacio de gestión y reflexión independiente que se proyecta como punto de encuentro para dinámicas propuestas de arte latinoamericano contemporáneo. Nace en el 2007 como una consultora para la difusión del arte argentino en el exterior, la gestión cultural y el intercambio con galerías e instituciones del continente. Desde entonces, trabaja con el compromiso de asumir prácticas que prioricen al artista, a la obra y al contexto de producción. Además, desarrolla un ciclo de siete muestras por año, especializándose en site-specifics que toman el espacio como desafío para generar y actualizar contenidos, acentuando el trabajo vinculado al campo discursivo que se desprende de cada propuesta. DIRECTORA DIRECTOR

Gachi Prieto

ARTISTAS ARTISTS

Alejandro Chaskielberg Andrés Waissman Kirsten Mosel Lihuel González Lorena Marchetti

Gachi Prieto is a space where arts management meets independent thinking to create dynamic proposals within contemporary Latin American art. In 2007 it started promoting Argentinian art abroad and facilitating exchange between galleries and institutions in Latin America. Since then, it has been committed to prioritize the artists, their work, and the contexts of production. In a cycle of seven exhibitions per year, Gachi Prieto focuses on site-specific works that use space as a challenge to create and update content, drawing attention to the discursive field that emerges in each proposal.

Martín Salinas Nino Cais Nora Aslan Sabrina Merayo Núñez Samy Benmayor

Sebastián Camacho Silvana Lacarra Valeria Conte Mac Donell Verónica Ibáñez Romagnoli Viviana Zargon

GALERÍA DE ARTE LA SALA Chile

DIRECTORA DIRECTOR

Alejandra Chellew

ARTISTAS ARTISTS

Carlos Llosa Gonzalo Sánchez Juan Luis Dörr

The Sala Art Gallery was born in 1998 as an innovative project that responded to the growing interest of young people and adults to approach the visual arts, becoming a place of cultural circulation and art accessible to both, the mass public and the collector. Dedicated to spreading contemporary art, The Sala Art Gallery is characterized for been always open to various artistic expressions, contributing to discover and promote emerging talent and exhibit consecrated artists, both nationally and internationally. In addition, it carries out important artistic projects and cultural activities in Chile and abroad, promoting local artists and their works as a contribution to the internationalization of the national artists. 23 / 276

Galería de arte La Sala nació en 1998 como un proyecto innovador que respondió al creciente interés de jóvenes y adultos por acercarse a las artes visuales, convirtiéndose en un lugar de circulación cultural y de arte accesible tanto al público masivo como al coleccionista. Dedicada a difundir el arte contemporáneo, Galería La Sala se caracteriza por estar siempre abierta a diversas expresiones artísticas, aportando a descubrir e impulsar talentos emergentes y exhibir artistas consagrados, tanto a nivel nacional como internacional. Además, realiza importantes proyectos artísticos y culturales en Chile y el extranjero, promoviendo a los artistas locales y sus obras como una contribución a la internacionalización del medio artístico nacional

María Elena Naveillan Paula Lynch Sebastián Cobo

GALERIA PATRICIA READY Chile Considerando la diversidad de prácticas artísticas actuales, galería Patricia Ready promueve el trabajo de artistas contemporáneos a través de muestras que desafían y un programa rigurosamente curado de exposiciones. La galería no sólo es un espacio de exposición, sino también una plataforma para la discusión crítica, la educación y la formación de nuevos públicos. Con el fin de alcanzar estos objetivos y contribuir al desarrollo cultural, Patricia Ready mantiene una organización sin fines de lucro denominada Corporación Cultural Arte+, que tiene dentro de sus objetivos principales la entrega de becas a artistas jóvenes y la publicación de La Panera, periódico mensual de cultura y artes visuales. DIRECTORA DIRECTOR

Patricia Ready

ARTISTAS ARTISTS

Adolfo Bimer Alicia Villarreal Andrea Silva Bernardo Oyarzún Cecilia Vicuña

Considering the substantial diversity of artistic practices today, Patricia Ready promotes the work of contemporary artists through defying exhibitions and a rigorous curatorial program. The gallery therefore is not only an exhibition space, but a platform for critical discussion, education, and the formation of new audiences for contemporary art. In order to meet these goals and contribute to the cultural development of the country and region, Galería Patricia Ready maintains a not-for-profit organization named Corporación Cultural Arte+. It’s main objective is to grant scholarships to Young artists and to publish La Panera, a monthly newspaper.

Christiane Pooley Isidora Correa Javier Toro Blum Joaquín Sánchez Livia Marin

Macarena Ruiz-Tagle Marcela Correa Nicolás Grum Patricia Domínguez Rodrigo Zamora

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ISABEL CROXATTO GALERÍA Chile Fundada en 2012 por la coreógrafa y gestora cultural Isabel Croxatto -quien tras 35 años de experiencia, aporta una nueva mirada a la escena de las artes visuales chilenas- este espacio de excelencia de arte contemporáneo está enfocado en artistas emergentes y de mediana trayectoria nacional e internacional. Su gestión se centra en promover el trabajo de artistas en Chile y el exterior, fomentar nuevas formas de coleccionismo y abrir nuevos mercados para el arte contemporáneo a través de colaboraciones con artistas, curadores, coleccionistas, espacios y plataformas públicas y privadas. Ha participado en reconocidas ferias internacionales de arte contemporáneo, como Ch.ACO (Chile), Zona Maco (México), Sydney Contemporary (Australia), Contemporary Istanbul (Turquía) y Art Central (Hong Kong).

DIRECTORA DIRECTOR

Isabel Croxatto

ARTISTAS ARTISTS

Ali Elmaci Andrea Wolf Armando de la Garza Axel Ríos Bruna Truffa

Founded in 2012 by Isabel Croxatto, choreographer and cultural manager, who after 35 years of experience, aims to contribute with a fresh view to the Chilean visual arts scene, creating a contemporary fine art space, focused on emerging and mide career artists with a distinguish national and international recognition. Isabel Croxatto Galeria, emphases on promoting the work of artists in Chile and abroad, by inspiring innovative and trend-setting projects, encouraging new forms of art collection, opening new markets for Contemporary Art, through national and international collaborations with artists, curators, art collectors, public and private Art Institutions, in addition to its constant participation in recognized International Contemporary Art Fairs as Ch.ACO (Chile), Zona Maco (México,) Sydney Contemporary (Australia), Contemporary Istanbul (Turkey), Art Central (Hong Kong).

Carlos Gallardo Cecilia Avendaño Francisco Uzabeaga Jacky Tsai Juana Gómez

Miss Van Nicola Verlato Víctor Castillo

Ch.ACO 2017

KLEUR GALLERY Chile Fundada en el 2014 por el economista y art dealer Mauricio Ceballos, desde su comienzo este espacio planteó mostrar las propuestas más interesantes del ámbito latinoamericano en la ciudad de Caracas, Venezuela. A lo largo de 15 años de labor ininterrumpida, ha logrado posicionarse en Chile, en referencia ineludible a los más reconocidos maestros del arte internacional, como Oswaldo Vigas, Juvenal Ravelo, German Tessarolo y otros. La galería trabaja directamente con sus artistas en apoyar arte público y social en Chile, por ello trabaja de la mano con fundaciones como Rayu Down, Paréntesis y Hogar de Cristo.

DIRECTOR DIRECTOR

Mauricio Ceballos

ARTISTAS ARTISTS

Alexis Fernández German Tessarolo

Founded in 2014 by the economist and art dealer Mauricio Ceballos, from its beginnings pose to show the most interesting proposals of the Latin-American ambit in the city of Caracas, Venezuela. Through a long 15 year period of uninterrupted work, it has accomplish to position itself in Chile as the inescapable reference for the most wellknown masters from the international arts such as Oswaldo Vigas, Juvenal Ravelo, German Tessarolo and others. The gallery works directly with their artists in supporting public and social arts in Chile, working hand by hand with foundations such as Rayu Down, Parentisis and Hogar de Cristo.

Juvenal Ravelo Oswaldo Vigas

NG ART GALLERY Panamá/Cuba

DIRECTOR DIRECTOR

Nivaldo Carbonell

ARTISTAS ARTISTS

Adrián Fernández Gerardo Liranza Jorge Otero Jorge Dáger José Luiz Bermúdez

Based in Panama City, NG Art Gallery is the definitive venue for contemporary Cuban art. Ever since its inception, the gallery’s goal has been to work closely with emerging Cuban artists, while still plugging the works of well-known, influential artists in the Cuban visual arts realm. With the certainty of ensuring the success of our artists, NG has set the clear goal of contributing to the history of Cuban art, and to do so by relying on its immediate, prominent future.

Kmilo Morales Lancelot Alonso Lisandra Ramírez Manuel Mendive Moisés Finalé

Niels Reyes Rafael Villares Rigoberto Mena Roberto Fabelo William Acosta

POLÍGRAFA OBRA GRÁFICA España Polígrafa fue fundada por Manuel de Muga en 1964, y desde entonces ha colaborado con más de 300 artistas. En 1970 Joan de Muga, hijo del fundador, inaugura un taller de grabados y otras técnicas de impresión. Actualmente los socios Juan de Muga, José Aloy y Álvaro Puigdengolas continúan el negocio desarrollando nuevos proyectos en el taller ubicado en Barcelona, al que son invitados renombrados artistas contemporáneos que realizan sus ediciones de obra gráfica, como Chillida, Christo, Motherwell, Lam Tàpies, George Segal, Joan Miró, Helen Frankenthaler, Roberto Matta, Ed Ruscha, Vito Acconci, Julio Larraz, Jaume Plensa y Antoni Tàpies, entre otros. Además, participa permanentemente en las más importantes ferias de arte en todo el mundo, con el objetivo de internacionalizar el trabajo de sus artistas. DIRECTORES DIRECTORS

Álvaro Puigdengolas José Aloy Juan de Muga

ARTISTAS ARTISTS

Alfons Borrell Antoni Tàpies Benjamín Lira Carlos Cruz-Diez Christo

Polígrafa Obra Gráfica was launched in 1964 by Manuel de Muga and since then has published editions featuring over 300 leading artists. In the 1970s Joan de Muga, son of the founder, opened Polígrafa’s own workshop with facilities for etching, lithography, woodcuts, and other traditional print techniques. Current partners Joan de Muga, José Aloy and Álvaro Puigdengolas continue the business to develop new projects with renowned contemporary artists in their workshop in Barcelona. They have collaborated with Chillida, Christo, Motherwell, Lam, Tàpies,George Segal, Joan Miró, Helen Frankenthaler, Roberto Matta, Ed Ruscha, Vito Acconci, Julio Larraz, Jaume Plensa, Antoni Tàpies, among others. Polígrafa is to be found at the principal art fairs around the world.

Enoc Perez Francisca Sutil Iván Navarro Joan Miró Jordi Alcaraz

Julio Larraz León Ferrari Liliana Porter Ricardo Maffei Samy Benmayor

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Con sede en Ciudad Panamá, NG Art Gallery es el espacio definitivo para el arte cubano contemporáneo. Desde sus inicios, su objetivo ha sido el trabajo con artistas jóvenes en ascenso, complementado por algunos nombres icónicos dentro del ámbito de las artes visuales en Cuba. Con la certeza de garantizar el éxito de sus artistas, NG se ha propuesto contribuir a la historia del arte cubano, apostando por su prominente futuro inmediato.

PRIMA GALERÍA Chile

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Prima Galería es el resultado de una colección particular especializada en Roberto Matta que decide hacerse pública el año 2014, con el objetivo de compartir de forma abierta el aporte del artista chileno en la pintura contemporánea. Desde entonces, ha centrado su atención en las vanguardias chilenas y latinoamericanas, a la vez de apostar por nuevos artistas y lenguajes, convirtiéndose en un espacio de producción y promoción del patrimonio cultural chileno, especialmente de las corrientes realistas y cinéticas. DIRECTORES DIRECTORS

Pablo Repetto Juan Pablo Repetto

ARTISTAS ARTISTS

Alberto Biasi Mario Caamaño

Prima Gallery starts as a private art collection specialized in Roberto Matta’s artwork. In 2014, the collection was opened to the public; exhibiting the Chilean artist’s pieces to contribute in the contemporary art scene. Since then, the gallery has been focused on Chilean and Latin American Avant Garde artists, betting for new art languages and becoming a space that pursues the development and promotion of Chilean cultural heritage, mainly through realistic and kinetic expressions.

Mario Morales Ricardo Herrera

Roberto Matta Tomás Munita

REVOLVER GALERÍA Perú-Argentina

Ch.ACO 2017

Revolver Galería se creó en el año 2008 como respuesta a la necesidad de crear una plataforma para la exhibición y producción de proyectos de arte contemporáneo en Lima, Perú. A lo largo de su trayectoria, la galería no sólo ha logrado activar la producción artística local, sino también ha impulsado multitud de intercambios y conexiones con la escena internacional. DIRECTORA DIRECTOR

Giancarlo Scaglia

ARTISTAS ARTISTS

Alberto Borea Andrea Galvani Andrés Marroquín Winkelmann Elena Damiani

Revolver Galería was created in 2008 in response to the need of a new exhibition and production platform for contemporary art in Lima, Perú. Throughout its trajectory, the gallery has not only been able to actively stimulate local art production, but also boost a series of connections and cultural exchanges at an international level.

Giancarlo Scaglia Ishmael Randall-Weeks Jerry B. Martin Jorge Eielson José Carlos Martinat

Juan Salas Marlena Kudlicka Matías Duville Philippe Gruemberg

ROSSMUT Italia

DIRECTORA DIRECTOR

Gilda Lavia

ARTISTAS ARTISTS

Abel Azcona Anila Rubiku

Located in Rome, Rossmut Gallery, promotes research and experimentation by paying attention to performing arts and new languages. It’s eclectic selection of artists clearly highlights it’s guidelines: the Spanish performer Abel Azcona; the young Italian award-winner Pamela Diamante (whose works were acquired by art foundations; the three Cuban artists Ricardo Miguel Hernández (photographer and video artist), Luis Gómez Armenteros (acknowledged artist present in relevant international collections) and Carlos Martiel (who is currently representig Cuba at the 57th Venice Biennale). Concerning his work, Rossmut has recently collaborated with the PAC of Milan and the ZAC of Palermo. 27 / 276

La galería Rossmut, situada en Roma, promueve la investigación y experimentación, prestando especial atención a las artes performativas y los nuevos lenguajes. La selección ecléctica de artistas destacad su orientación: el performer español Abel Azcona; la joven española ganadora de premios Pamela Diamante, cuyas obras fueron adquiridas por fundaciones; los cubanos Ricardo Miguel Hernández, fotógrafo y videoartista; Luis Gómez Armenteros, reconocido artista presente en relevantes colecciones internacionales; y Carlos Martiel, que en este momento representa a Cuba en la 57 Bienal de Venecia. Con respecto a su obra, Rossmut ha colaborado recientemente con el PAC (Milán) y el ZAC (Palermo).

Carlos Martiel Luis Gómez Armenteros

Pamela Diamante Ricardo Miguel Hernández

RUBBER STAMP ART PROJECTS Estados Unidos Rubber Stamp Art Projects es una galería dedicada a promover el trabajo de artistas emergentes y de media carrera. Su espacio de exposición de 1,300 pies cuadrados -en el distrito de Allapattah, en Miami- permite a los artistas visuales contemporáneos la posibilidad de obtener exposición en esta vibrante ciudad. Rubber Stamp Art Projects es dirigido por las artistas visuales Laura Villarreal (México) e Isabel Brinck (Chile). Aunado a la representación de artistas, además ofrece un espacio para proyectos educativos y diferentes iniciativas que contribuyen a la afluencia de arte en la escena artística local. DIRECTORAS DIRECTORS

Laura Villarreal Isabel Brinck

ARTISTAS ARTISTS

Anja Marais Babette Herschberger Isabel Brinck

Rubber Stamp is dedicated to promote the work of emerging and mid career artists in the city of Miami and the United States. Its 1,300sq ft exhibition space in the upcoming Allapattah district in Miami is dedicated to providing contemporary visual artists the possibility of getting exposure in this vibrant city. Rubber Stamp is led by visual artists Laura Villarreal (Mexico) and Isabel Brinck (Chile). In addition to artist representation, Rubber Stamp also provides a setting for educational projects and various initiatives that contribute to the inflow of art into the local art scene.

Kerry Phillips Laura Villarreal Sebastian Gross

Tina Salvessen

VERMELHO Brasil

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Después de 15 años desde su creación, Vermelho se ha establecido como uno de los principales espacios para el arte contemporáneo en Brasil, alentando nuevas ideas y producciones de artistas emergentes y consagrados. En mas de 3.000 m2, la galería cuenta con dos salas de exposiciones, una sala de cine / video con 30 asientos, una terraza para instalaciones y esculturas, la editorial de libros de artista Tijuana y la fachada que ha servido de soporte para más de 50 obras de arte. Vermelho representa diversos artistas consagrados como Rosangela Renno, Dias & Riedweg y Carmela Gross, como también a una nueva generación como Iván Argote, Marcelo Cidade, André Komatsu y Jonathas de Andrade. DIRECTORES DIRECTORS

Eduardo Brandão Eliana Finkelstein

ARTISTAS ARTISTS

Chiara Banfi Lia Chaia Nicolás Bacal

After 15 years since it’s creation, Vermelho has established itself as one of the main spaces for contemporary art in Brazil. Vermelho encourages new ideas and art production by emerging and established artists. In 10.000 square feet, Vermelho hosts two main exhibition rooms, one feature film/video room with 30 seats, one sculpture/installation terrace, Tijuana (artist book publisher), and a multitask gallery façade that has served as support to over 50 artworks. Vermelho represents a diverse cast of artists, such as Rosângela Rennó, Dias & Riedweg, Carmela Gross, sided with a new generation, like Iván Argote, Marcelo Cidade, André Komatsu and Jonathas de Andrade.

Ch.ACO 2017

XS Chile XS es una plataforma de difusión y comercialización del arte contemporáneo chileno. Como galería, busca impulsar artistas reconocidos y fomentar los talentos emergentes tanto nacional como internacionalmente. XS propone un programa versátil y una visión distintiva del arte que llama al público a romper con los supuestos tradicionales. Su objetivo es contribuir al desarrollo del arte chileno con exhibiciones de calidad, estimulando un intercambio entre curadores, instituciones y artistas, diversificando el público y enriqueciendo la difusión y el diálogo. DIRECTORAS DIRECTORS

Ana Jorquiera Carolina Couve

ARTISTAS ARTISTS

Cristian Silva Francisca Valdivieso Magdalena Atria

XS is a gallery and a platform for contemporary art in the midst of the commercial gallery circuit. It produces high quality exhibitions promoting an exchange between curators, institutions and artists, aiming for a greater diversity of public, dissemination and dialogue. It has a versatile program. The gallery seeks to develop a mobile structure, and proposes a distinctive vision of art, a perspective that calls the public to break with traditional assumptions and to emancipate the work from commitments.

Marcos Sánchez Natalia Babarovic Nicolás Radic

Paula Dittborn

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80M2 LIVIA BENAVIDES PerÃº

Perfil de la Mujer Peruana, Teresa Burga, 2017.

80M2 LIVIA BENAVIDES PerĂş

Destilaciones VIII, Ximena Garrido-Lecca, 2016.

80M2 LIVIA BENAVIDES Perú

Díptico Copia del original, Teresa Burga, 2016.

80M2 LIVIA BENAVIDES Perú

AFA, ART FOR ART Chile

Seco (detalle), Ignacio Gumucio, 2017.

AFA, ART FOR ART Chile

De la serie Papeles ordinarios, La Lavandera, Juan Pablo Langlois, 2017.

AFA, ART FOR ART Chile

Energía potencial, Camilo Yáñez, 2017.

AFA, ART FOR ART Chile

Crash Baby at Notre Dame, Carlos Leppe, 1999.

ALDO DE SOUSA Argentina

Fotograma, Jorge Pereira, 1968.

ALDO DE SOUSA Argentina

Fotograma, Jorge Pereira, 1965.

ALDO DE SOUSA Argentina

De la serie Sos todo lo que yo no puedo ser, Ángeles Ascúa, 2016.

ALDO DE SOUSA Argentina

Calle (intervalo peatonal), Sebastián Mejía, 2016.

ANINAT ISABEL GALERÍA Chile

Novo Mondo, Eugenio Telléz, 1985.

ANINAT ISABEL GALERÍA Chile

ANINAT ISABEL GALERĂ?A Chile

Te devuelto tu imagen, Juan Castillo, 1981.

ANINAT ISABEL GALERÍA Chile

Prisma sin fin, Pedro Tyler, 2014.

ARTESPACIO Chile

Vestigios de una civilizaciรณn perdida, Gonzalo Contreras, 2016.

ARTESPACIO Chile

Madame C, Francisco Bustamante, 2017.

ARTESPACIO Chile

Engranaje II, Francisca Garriga, 2017.

ARTESPACIO Chile

Cuerpos imposibles, María José Mir, 2017.

BENDANA | PINEL ART CONTEMPORAIN Francia

As above, so below, Thomas BroomÃ©, 2014.

BENDANA | PINEL ART CONTEMPORAIN Francia

Waiting for A. Harrison, Christiane Pooley, 2012.

BENDANA | PINEL ART CONTEMPORAIN Francia

Estrahno no paraÃso, Pedro Motta, 2017.

BUENOS AIRES FINE ARTS Argentina

Sin tĂtulo, Dalmiro Saribo, 2017.

BUENOS AIRES FINE ARTS Argentina

Yellow Shine, Dalmiro Sirabo, 2016.

BUENOS AIRES FINE ARTS Argentina

Drilo, Manuel Rubin, 2015.

BUENOS AIRES FINE ARTS Argentina

CARMEN ARAUJO ARTE Venezuela

Buen viaje, Camilo Barboza, 2011.

CARMEN ARAUJO ARTE Venezuela

Ficciรณn postal, Daniel Medina, 2016.

CARMEN ARAUJO ARTE Venezuela

Serie La verdad no es noticia, Marco Montiel Soto, 2016.

CARMEN ARAUJO ARTE Venezuela

Serie La verdad no es noticia, Marco Montiel Soto, 2016.

CO GALERÍA Chile

Extremismo, José Angel Vincech, 2016.

CO GALERÍA Chile

Sin título, Roser Bru, 1974-1975 .

CO GALERĂ?A Chile

SONO, Liliana Zapata, 2017.

CO GALERÍA Chile

DIE ECKE Chile

LI-Ion, Alejandra Prieto, 2017.

DIE ECKE Chile

‘América’ de un poema en ASLSCh (ASL + LSCh) con dos formas de la mano (A+B), Francisca Benítez, 2016.

DIE ECKE Chile

February 3, Man sucked from jet, Basco Vasko, 2016.

ESPACIO EL DORADO Colombia

Sorry Wörtermauer (American Standards Cover), Andrés Felipe Uribe, 2017.

ESPACIO EL DORADO Colombia

Words Downward Stairway, AndrÃ©s Felipe Uribe, 2017.

ESPACIO EL DORADO Colombia

Verde, Oro, Naranja, Plata, Gustavo NiĂąo Blanco, 2015.

ESPACIO EL DORADO Colombia

Plata, Naranja, Verde, Oro, Gustavo NiĂąo Blanco, 2015.

GACHI PRIETO Argentina

Kristen Mosel, Serie Doblecut, 2015.

GACHI PRIETO Argentina

De la serie A la gente de la ciudad de Santiago, Samy Benmayor, 2016.

GACHI PRIETO Argentina

Sin título II bis, Andrés Waissman, 2012.

GALERÍA PATRICIA READY Chile

Ekeko, Bernardo Oyarzún, 2013.

GALERÍA PATRICIA READY Chile

Habitaré mi nombre, Marcela Correa, 2017.

GALERÍA PATRICIA READY Chile

ISABEL CROXATTO GALERÍA Chile

Serie Enfermedades preciosas E.P 4, Cecilia Avendaño, 2016.

ISABEL CROXATTO GALERร A Chile

Transferencia, Juana Gรณmez, 2017.

ISABEL CROXATTO GALERÍA Chile

María Antonieta, Francisco Uzabeaga, 2017.

ISABEL CROXATTO GALERÍA Chile

This Land Is Your Land, Víctor Castillo, 2017.

KLEUR GALLERY Chile

Contraformas, Oswaldo Vigas, 1956

KLEUR GALLERY Chile

Composiciรณn en diagonal III, Oswaldo Vigas, 1956

LT A

FO TO

KLEUR GALLERY Chile

Fragmentaciรณn de la luz y el color, Juvenal Ravelo, 2016.

KLEUR GALLERY Chile

Fragmentaciรณn de la luz y el color, Juvenal Ravelo, 2016.

GALERÍA DE ARTE LA SALA Chile

Marilyn, Martín Mancera, 2014.

GALERÍA DE ARTE LA SALA Chile

Serie Líneas AL - L1, Dante Mellado, 2017.

GALERร A DE ARTE LA SALA Chile

Cordillera, Gonzalo Sรกnchez, 2015.

GALERÍA DE ARTE LA SALA Chile

NG ART GALLERY Panamรก-Cuba

Barbra Barbra Streisand Streisand,, Jorge Jorge Dรกger, Dรกger, 2017. 2017.

NG ART GALLERY Panamรก-Cuba

Lazo sencillo, Jorge Otero, 2017.

NG ART GALLERY Panamรก-Cuba

Biography Nยบ3, William Acosta, 2017.

NG ART GALLERY Panamรก-Cuba

Big Brother III, Niels Reyes, 2016.

POLÍGRAFA España

Serie Semana, Jueves, Carlos Cruz-Diez, 2013.

POLÍGRAFA España

Sense títol, Jordi Alcaraz, 2016.

POLÍGRAFA España

Letra O, Antoni Tàpies, 1976.

POLÍGRAFA España

PRIMA GALERร A Chile

De la serie Cuba al borde del cambio, Despedida a Fidel, Cuba, Tomรกs Munita, 2016.

PRIMA GALERÍA Chile

Sin título, Roberto Matta, 1980.

PRIMA GALERÍA Chile

REVOLVER GALERÍA Perú-Argentina

268:II, Adolfo Bimer, 2017.

REVOLVER GALERÍA Perú-Argentina

Tablo Puantiyé emé par muá, Emilio Rodríguez Larraín , 1928.

REVOLVER GALERÍA Perú-Argentina

Lippard Ukeleles, Jerry B. Martin, 2017.

ROSSMUT Italia

That’s not my intention, Luis Gómez Amenteros, 2016.

ROSSMUT Italia

ROSSMUT PerĂş

Mar sin orillas, Carlos Martiel, 2016.

ROSSMUT Perú

RUBBER STAMP ART PROJECTS EE.UU

Place to live, Sebastian Gross, 2017.

RUBBER STAMP ART PROJECTS EE.UU

Flabbergasted, Isabel Brinck, 2017.

RUBBER STAMP ART PROJECTS EE.UU

Hope Always, Laura Villarreal, 2017.

RUBBER STAMP ART PROJECTS EE.UU

VERMELHO Brasil

Sin título, Nicolás Bacal, 2012.

VERMELHO Brasil

Sin título, Nicolás Bacal, 2017.

VERMELHO Brasil

La gravedad de mi รณrbita alrededor tuyo 3, Nicolรกs Bacal, 2009-2010.

VERMELHO Brasil

XS Chile

Celofรกn , Nicolรกs Radic, 2017.

XS Chile

Goteo, Marcos Sรกnchez, 2017.

XS Chile

Sectaria XI, Magdalena Atria, 2016.

XS Chile

80 mt Chile

Ch.ACO 2017

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FOCUS A cargo de la curadora e historiadora del arte Cecilia Fajardo-Hill, esta sección busca ser un espacio de diálogo entre artistas de distintos países que elaboren propuestas basados en un tema común. En su segunda versión, la invitación fue a trabajar el tema objeto/sujeto en el arte contemporáneo. “En este espacio curado, las galerías y los artistas colaboran para promover una situación de diálogo alrededor de un tema. La sección posee una coherencia y se evidencian, desde múltiples perspectivas, ideas centrales para pensar y apreciar hoy el arte contemporáneo en Latinoamérica”, explica Fajardo-Hill. Led by curator and art historian Cecilia Fajardo-Hill, this section seeks to be a space for dialogue between artists from different countries who elaborate proposals based on a common theme. For its second version, the invitation was to work with the issue of object/subject in contemporary art. “In this curated space, artists and galleries collaborate in order to encourage a dialogue on a specific subject. This section presents a coherence in which central ideas are evinced, from multiple perspectives, in order to think about and appreciate contemporary art in Latin America today”,Fajardo-Hill explains.

CURADOR CURATOR CECILIA FAJARDO-HILL Cecilia Fajardo-Hill es historiadora del arte y curadora en arte moderno y contemporáneo. De nacionalidad venezolana/británica y basada en el sur de California, su espacialidad es el arte latinoamericano. Es co-curadora de la exhibición Mujeres radicales: arte latinoamericano, 1960-1985, Hammer Museum, Los Ángeles, septiembre 16-diciembre 31, 2017, un proyecto de la Getty Pacific Standard Time LA/LA. Actualmente, es co-editora de dos tomos de arte de Guatemala del siglo 20 y 21, una iniciativa de Arte Arte GT 20/21 y de la Universidad de Harvard. Cecilia Fajardo-Hill is a British/Venezuelan art historian and curator in modern and contemporary art, specialized in Latin American art. She is the co- curator of Radical Women: Latin American Art, 1960-1985, the Hammer Museum, Los Angeles, September 16-December 31, 2017, a Getty PST LA/LA project. Presently she is co-editor of two tomes on 20th and 21th century Guatemalan art, an initiative of Arte GT 20/21 and Harvard University.

Artista, Nombre obra, año.

OBJECT/SUBJECT CECILIA FAJARDO-HILL

Objeto/Sujeto reúne obras centradas en el objeto, un objeto que desde prácticas artísticas experimentales escapa su supuesta objetividad y pragmatismo para ser un objeto abierto, político, imaginativo y afectivo. En el siglo XX, el objeto sufrió una serie de transformaciones importantes: el gesto de firmar un urinario de Duchamp, inauguró el ready-made; con la emergencia del psicoanálisis el surrealismo repensó el objeto desde el deseo y el fetichismo; artistas de la post-guerra desarrollaron ensamblajes con objetos encontrados; el arte pop en América Latina celebró la cultura popular a la vez que fue expresión política y en Estados Unidos y Europa, se celebró o ironizó la cultura de consumo. Y finalmente, el arte conceptual -a partir de los años sesenta- propuso una suerte de desmaterialización del objeto. Hoy en día, el objeto tiene un lugar protagonista en el arte contemporáneo y, particularmente en América Latina, el uso y transformación de objetos cotidianos y de objetos usados es una forma importante no sólo de interpelar críticamente el modernismo, sino también de realizar operaciones conceptuales y simbólicas con la historia del objeto y sus contextos culturales, sociales y políticos, además de borrar las fronteras y jerarquías entre el arte y la vida, entre el arte y la realidad. La compleja relación estética y afectiva entre el objeto y el sujeto resulta en el desdibujamiento de la definición cerrada del objeto, y por ende del sujeto, de su clasificación, y de un posible absolutismo. Estamos acostumbrarnos a relacionarnos con los objetos a través de sus funciones utilitarias y por las asociaciones que éstos tienen con nuestras realidades. Puesto que estamos habituados a ordenar al mundo a través de polarizaciones, tales como negro/blanco, mujer/hombre, útil/ inútil, bello/feo, etc., tendemos a cosificar no sólo los objetos sino también las personas, la historia, la naturaleza y el arte, para mencionar algunos ejemplos significativos. Justamente una de las posibilidades más relevantes del arte es que puede sugerir sentidos más allá de la condición básica de su materialidad y como ésta se institucionaliza, sea ésta en un formato tradicional como la pintura o en la adopción de un objeto como el ready-made. Sabemos por la forma como la historia del arte, la institucionalidad y el mercado absorben y clasifican al arte, que una de las funciones principales del arte es producir formas continuadas de tensión crítica y poética con la realidad y sus

Object/Subject rounds up works of art that are centered on the object, one that through experimental artistic practices escapes its supposed objectivity and pragmatism in order to be an open, political, imaginative and affective object. During the XX century, the object suffered a series of important transformations: Duchamp’s gesture of signing a urinal inaugurated ready-made art; with the emergence of psychoanalysis, surrealism reconsidered the object from desire and fetishism; post-war artists developed assemblages with found objects; pop art in Latin America celebrated popular culture and was simultaneously political expression, and in Europe and the United States, consumer culture was celebrated or ironized. And finally, conceptual art —beginning from the sixties— proposed a dematerialization of the object of sorts. Today, the object has a prominent place in contemporary art and, particularly in Latin America, the use and transformation of everyday and used objects is an important way of not only critically questioning modernism, but also of performing conceptual and symbolic operations with the object’s history and its cultural, social, and political contexts, as well as of erasing boundaries and hierarchies between art and life, between art and reality. The complex aesthetically and affective relationship between object and subject results in the blurring of the object’s closed definition, and therefore, or the subject, of its classification, and of a posible absolutism. We are used to relating to objects through their utilitarian functions and through the associations that these have with our realities. Since we are accustomed to organizing the world through polarizations, such as black/white, woman/man, useful/useless, beautiful/ugly, etc., we tend to commodify not only objects, but also people, history, nature and art, just to mention a few significant examples. Precisely one of art’s most relevant possibilities is that it can suggest senses that go beyond its materiality’s basic condition, and how this is institutionalized, whether it is a traditional format such as painting or in the adoption of an object, in the manner of ready-mades. We know by the way in which art history, institutionalism, and the market absorb and classify art, that one of the main functions of art is to produce continuous forms of critical and poetic tension with reality and its systems. One early interesting example from art history, in the use of domestic objects, is the still life genre starting from the XVI cen-

Artista, Nombre obra, año.

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OBJETO/SUJETO CECILIA FAJARDO-HILL

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sistemas. Uno de los ejemplos tempranos interesantes en la historia del arte, en la utilización de objetos domésticos, es el género de la naturaleza muerta a partir del siglo XVI, particularmente del Vanitas en el siglo XVII, considerados como una forma de arte menor por su asociación a la domesticidad, a tal punto que se tildaba despectivamente de femenino. La posibilidad que la naturaleza muerta ofrecía de reflexionar sobre la fragilidad y lo efímero de nuestra existencia, es una buena metáfora sobre el empleo del objeto en la contemporaneidad. Desde el potencial mismo de lo cotidiano y una relación estrecha con la realidad, podemos abordar cualquier tema y problema de hoy. Uno de los aspectos liberadores de la naturaleza muerta fue justamente el lugar no canónico que ésta ocupaba en el arte, como fue el ready-made particularmente en sus inicios. Este espacio intersticial entre naturaleza muerta y ready-made, entre lo cotidiano y lo conceptual, entre lo pragmático y lo simbólico, expresa el potencial del objeto en el arte contemporáneo. Para Objeto/Sujeto encontramos a varios artistas que trabajan directamente con el objeto explorando su potencial más allá de lo funcional, como Ana Luiza Batista, Andrés Bedoya, Isidora Correa, Alexandra Kuhn, Catalina Mena, Joaquín Sánchez y Marina Wettford. La obra de Ana Luiza Batista es multidisciplinaria, girando siempre alrededor del objeto y creando conexiones, situaciones y tensiones inesperadas al negar su funcionalidad. La artista explica: “generalmente estoy interesada en exponer y (ojalá) re-condicionar nuestra relación instrumental con la realidad. Lo hago no tanto creando nuevas formas de sociabilidad o de formas emancipadas, sino al manipular objetos preexistentes de una manera directa, con tan poco procesamiento como sea posible, cambiando la escala, yuxtaponiendo o combinando elementos y a la vez subvirtiendo su vocación pragmática”.1 En Pair of Pins, 2017 (Par de bolos), junto a In Effect, 2017 (En efecto), Batista crea una instalación en la cual las bolas de boliche no ruedan sobre la bolera, sino la bolera es la que rueda (se enrolla) y los bolos están en estado de suspensión a punto de caer. Si bien los componentes de la instalación emulan el juego del boliche, la acción es suspendida subvirtiendo con sentido del humor el objetivo prescrito del juego, y creando así una situación absurda e indeterminada. La serie de objetos e instalaciones de Andrés Bedoya hacen referencia al cuerpo y su relación al tiempo y los espacios que ocupa y afecta. El artista escribe:

tury, particularly of Vanitas in the XVII century, considered to be a lesser form of art due to its domestic association, to the point where it was respectively branded as feminine. The possibility still life offered for reflecting on our fragility and ephemeral existence is a good metaphor for the object’s usage today. Through the potential of everyday objects and a close relationship to reality, we can address any of today’s issues and problems. One of the liberating aspects of still life was precisely the non-canonic place that it held in art, just as ready-mades did, particularly in its beginnings. This interstitial space between still life and ready-made, between everyday and conceptual, between pragmatic and symbolic, expresses the potential of the object in contemporary art. For Object/Subject, we have brought together several artists who work directly with the object, exploring their potential beyond their function, such as Ana Luiza Batista, Andrés Bedoya, Isidora Correa, Alexandra Kuhn, Catalina Mena, Joaquín Sánchez and Marina Wettford. Ana Luiza Batista’s work is multidisciplinary, always revolving around the object and creating unexpected connections, situations, and tensions by denying its functionality. The artist explains: “I’m generally interested in exposing and (hopefully) reconditioning our instrumental relation to reality. I try to do so not by proposing new forms of sociability, not by creating emancipated forms, but by handling pre-existing objects in a very straightforward approach, with as little procedures as possible, rescaling, juxtaposing or combining elements and thus subverting their pragmatic vocation1”. In Pair of Pins, 2017, along with In Effect, 2017, Batista creates an installation in which bowling balls do not roll down the bowling alley, but rather, the bowling alley is the one that rolls up, and the pins are in a state of suspension, about to fall. Although the installation’s parts emulate a game of bowling, the action has been suspended, humorously subverting the game’s prescribed objective and thus creating an absurd and undefined situation. Andrés Bedoya’s series of objects and installations make references to the human body and its relationship with time and the spaces that it occupies and affects. The artist writes: “For this project, I am interested in producing sculptures that exist within a space of rupture. A space in which the absence of the body generates an obsolescence of sorts that redefines and transforms the object.”2 In pieces such as Colgador, 2016, made out of wire and banana peel, a kind of crisis of the

Correspondencia con la artista, 10 de julio 2017. Traducción de la autora. Propuesta del artista, 4 de mayo, 2017 Propuesta de la artista, 25 de mayo, 2017

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object is generated, since the banana can already been consumed, and all we can observe is its shriveled shell. The residue speaks of absence —a body that was there, a fruit that was— and of a disruption of the spectator’s natural active relation with the natural consumer object. A certain negation of desiree is presented, not only of the act of consuming, but of the symbolic access to the fruit, its integrity, and its nutritional potential. In this piece and in others, such as Amalgama de ropa, 2017, we experiment the object through residual elements, creating a symbolic and logical crisis of sorts regarding life’s everyday functional purpose. Isidora Correa is a multidisciplinary artist who explores objects’ life stories through their production, consumption, and disposal, often activating in her reconfigurations what the artists denominates “residual fragments”. These range from market value in a capitalist consumer society, to the exploration of imagination and desire. The artist writes: “I’m interested in intervening in the objects’ time, constructing a new event in their histories and distorting some future archeology.”3 Correa gathers, collects, cuts, and assembles objects, as she does in the series Correlación #4, 2017, for which she brings together ceramic objects and rocks, creating an inseparable dialogue between what’s natural and artificial. This is not only given by the fact that the rocks and ceramic elements are organically fused and thus inseparable, but also because both rock and ceramic share the same material in their basic structure: silica. There are further echoes of these conjugations in the leaf and flower patterns on the ceramic elements, suggesting that even in these objects’ artificiality, there are still correspondences with the natural world. The series of gladioli petal collages in Naturaleza Muerta, 2009, by Alexandra Kuhn, proposes suspending time, then overcoming it through the delicate exercise of preserving and composing sets of petals, whilst her piece Semilleros que muestran su entraña dorada, 2017, presents seedbeds intervened with acrylic, which are suspended in space and remit to the potential of what is dormant. The artist writes: “This piece takes us back not only to the notion of gathering, but also to

Correspondence with the artist, July 10th, 2017 Artist’s proposal, May 4th, 2017. Artist’s proposal, May 25th, 2017

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“para este proyecto me interesa producir esculturas que existen en un espacio de ruptura. Un espacio donde la ausencia del cuerpo genera una especie de obsolescencia que resignifica y transforma el objeto”.2 En obras como Colgador, 2016, realizada con cáscara de banana y alambre, se genera una suerte de crisis del objeto ya que la banana ya fue consumida y sólo observamos una concha marchita. El residuo habla de ausencia –un cuerpo que estuvo, una fruta que fue- y de una disrupción de la relación natural activa del espectador con el objeto natural de consumo. Se presenta una suerte de negación del deseo, no sólo del acto de consumo, sino del acceso simbólico a la fruta, su integridad y su potencial nutritivo. En esta obra y otras como Amalgama de ropa, 2017, experimentamos el objeto a través de lo residual, creando una suerte de crisis simbólica y lógica del propósito cotidiano funcional de la vida. Isidora Correa es una artista multidisciplinaria que explora la historia de vida de los objetos desde su producción, consumo y desecho, muchas veces activando en sus reconfiguraciones lo que la artista denomina “fragmentos residuales”. Éstos incluyen desde el valor de mercado en una sociedad de consumo capitalista, a la exploración de la imaginación y el deseo. La artista escribe: “me interesa intervenir en el tiempo de los objetos, construyendo un nuevo hito en su historia y distorsionando alguna futura arqueología”.3 Correa recoge, acumula, corta y ensambla objetos, tal como ocurre en la serie Correlación #4, 2017, para la cual une objetos cerámicos y piedras, creando un diálogo inseparable entre lo natural y lo artificial. Éste no sólo está dado por el hecho que las piedras y los fragmentos cerámicos están fusionados orgánicamente y son inseparables, sino también porque tanto la piedra como la cerámica comparten en su estructura básica que están hechos de un mismo material: la sílice. Hay otros ecos en estas conjugaciones en los patrones de hojas y flores de los elementos cerámicos, sugiriendo que aun en la artificialidad de estos objetos hay correspondencias con el mundo natural. La serie de collages de pétalos de gladiolas en Naturaleza Muerta, 2009, de Alexandra Kuhn, propone suspender el tiempo, superarlo a través del ejercicio

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delicado de preservación y composición de conjuntos de pétalos, mientras que en Semilleros que muestran su entraña dorada, 2017, presenta semilleros intervenidos con acrílico que son suspendidos en el espacio y que remiten al potencial de lo que está latente. La artista escribe: “esta obra nos remite no sólo a la noción del encuentro, sino también a la noción del adentro, la cavidad, la entraña en la que las producciones y transformaciones suceden antes de mostrarse, evidentes, afuera”.4Ambas obras hablan del tiempo, uno desde el potencial de un futuro y el otro desde la expansión de lo que ya fue. Contradicciones diarias, 2017, es un proyecto de Catalina Mena para el cual interviene varios cuchillos, todos de diferente forma y antigüedad a los cuales son adosados alas de diversos materiales, como metal y cuentas de colores, convirtiéndolos en una suerte de joyas preciosas. La artista busca con esto remitir a ideas de vuelo, ascenso y goce e interpelar el potencial del cuchillo como arma y por ende sus alusiones al poder y la violencia, además de expandir su rol cotidiano como herramienta doméstica. La artista explica: “el cuchillo alado dialoga con la vida y la muerte, con la realidad y los sueños, como una bisagra entre sobrevivencia y defensa, invitándonos a reflexionar en nuestro entorno y la fragilidad que nos constituye”.5 La Pullira (pollera en aymara), 2016-17, de Joaquín Sánchez, refiere a un rito que rinde tributo a la Pachamama -creadora de vida y protectora del universo- de la cultura Tiwanacota, ancestralmente de la isla Pariti, en el lago Titicaca. Sánchez explica: “mi estudio de la condición humana se nutre de la cultura popular e indígena y las fricciones del transitar por realidades de países con entramados diferentes. Mi mayor ocupación son aquellas historias olvidadas que me mantienen en un constante ‘volver al futuro’ y me permiten articular una visión poética de los hechos”.6 En esta obra, se registra y se escenifica el rito de la colocación de las pulliras sobre las cosechas de papas. En este ritual, la pullira deja de coexistir con el cuerpo de la mujer para coexistir con la tierra y así, tal como explica el artista, “revela y esconde, contiene y libera”. En la obra, Sánchez activa un espacio material y simbólico desde el arte, donde el pasado y el presente coexisten y Propuesta de la artista, 24 de julio, 2017 Correspondencia con la artista, 31 de mayo, 2017 6Propuesta del artista, 25 de mayo, 2017

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Artist’s proposal, July 24th, 2017. Correspondence with the artist, May 31st, 2017. 6Artist’s proposal, May 25th, 2017.

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the notion of inside, of cavity, of the entrails where productions and transformations occur before revealing themselves, evident and outside.” Both pieces speak of time, one from the potential of a possible future and the other from the expansion of what has already taken place. The series of gladioli petal collages in Naturaleza Muerta, 2009, by Alexandra Kuhn, proposes a suspension of time, and to then overcome it through the delicate exercise of preservation and composition of sets of petals, whilst her piece Semilleros que muestran su entraña dorada, 2017, presents seedbeds intervened with acrylic, which are suspended in space and remit to the potential of what is dormant. The artist writes: “This piece takes us back not only to the notion of gathering, but also to the notion of inside, or cavity, of the entrails where productions and transformations occur before revealing themselves, evident and outside.”4 Both pieces speak of time, one from the potential of a possible future and the other from the expansion of what has already taken place. Contradicciones Diarias, 2017, is a project by Catalina Mena, for which she intervenes several knives, all of different shapes and age, to which she adheres wings made of diverse materials, such as metal and colored beads, turning them into precious jewels of some sort. Through this, the artists seeks to remit to ideas of flight, ascent, and enjoyment, and in this way question the knife’s potential as a weapon and thus its allusions to power and violence, as well as expanding its everyday role as a domestic tool. The artist explains: “The winged knife dialogues with life and death, with reality and dreams, like a hinge between survival and defense, inviting us to reflect on our surrounding and on the fragility that we are made up of5.” La Pullira (skirt in Aymara), 2016-17, by Joaquín Sánchez, refers to a rite that pays tribute to the Pachamama —creator of life and protector of the universe— of the Tiwanacota culture, traditionally from the island of Pariti in lake Titicaca. Sánchez explains: “My study of the human condition is nurtured by popular and indigenous culture and the frictions that come from circulating through the realities of countries with different social fabrics. My largest concerns lie with those forgotten stories that keep me in a constant ‘back to the future’ and allow me to articula-

te a poetic vision of the facts.”6 In this piece, the rite of placing the pulliras on top of the potato harvest is documented and portrayed. In this ritual, the pullira ceases to coexist with the female body in order to coexist with the earth, and in this way, just as the artist explains, “it reveals and hides, it contains and liberates.” Through this piece, Sánchez activates a material and symbolic space through art, in which the past and the present coexist, and where our mestizo condition is also an inseparable part of our reality. Marina Weffort transforms daily objects by extrapolating notions of domesticity in poetic and aesthetic gestures. The series Tecidos is made out of curtain fabric that has been frayed to the point where its everyday reference disappears. Sim, 2017, is a transparent cup that, upon being fractured and reconfigured, no longer serves its natural function. In spite of the material differences between these two pieces, they share a structural deconstruction that turns them into immaterial objects, with a new life that dwells in transparency and fragility, in the phantasmagoric aspect of its original existence. Object/Subject also includes artists that extrapolate the object through the language of abstraction. It is necessary to mention that here, the notion of object expands to include language and letters as objects, as well as landscape, residual materials, or music such as objectual elements of sorts that are transformed through aesthetic operations. The artists that fall under this category are Emilia Azcárate, Chiara Banfi, Lia Chaia, Marlena Kudlica, Esmelyn Miranda and Luis Roldán. Emilia Azcárate is constantly inventing abstract vocabularies in order to explore different types of investigations. One of them has to do with the signs within language, for which she creates her own abstract alphabet that can be conjugated in different ways. The pieces she presents in Object/Subject are based on the artist’s investigations on Chile’s history and the way in which it has been represented over time. In some of her paintings, the Mapuche star is fused with the body paintings of the Selknam people —who were robbed of their lands and exterminated—, establishing a dialogue between the indigenous cultures that preceded Spanish colonial times. In other works, she explores the paintings of German traveller Johann Moritz Rugendas, who not only painted Chilean landscapes, but also events such as El rapto de Trinidad Salcedo, 1835 (“The Kidnapping of Trinidad Salcedo”), which is elaborated in Azcárate’s painting by tensing lines

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donde nuestra condición mestiza también es parte inseparable de nuestra realidad. Marina Weffort transforma objetos diarios extrapolando nociones de domesticidad en gestos poéticos y estéticos. La serie de Tecidos es realizada con tela de cortina que ha sido deshilachada a tal punto que su referencia cotidiana desaparece. Sim, 2017, es una taza transparente que al ser fracturada y reconfigurada ya no cumple su función natural. A pesar de la diferencia material de estas piezas, ellas comparten una suerte de deconstrucción estructural que las convierte en objetos inmateriales, con una nueva vida que habita en la transparencia y la fragilidad, lo fantasmagórico de su existencia original. En Objeto/Sujeto también se encuentran artistas que extrapolan el objeto con el lenguaje de la abstracción. Es necesario mencionar que aquí, la noción del objeto se expande a incluir el lenguaje y letras como objetos, al paisaje, los materiales residuales o la música como suerte de elementos objetuales que son transformados a través de operaciones estéticas. Los artistas en este apartado son Emilia Azcárate, Chiara Banfi, Lia Chaia, Marlena Kudlica, Esmelyn Miranda y Luis Roldán. Emilia Azcárate está constantemente inventando vocabularios abstractos para explorar investigaciones de diferente índole. Uno de ellos tiene que ver con los signos del lenguaje, para los cuales crea su propio alfabeto abstracto que se conjuga de diferentes formas. Las obras presentadas en Objeto/Sujeto son basadas en investigaciones que la artista realizó sobre la historia de Chile y cómo fue representada a lo largo de la historia. En algunas de las pinturas se fusionan la estrella mapuche y las pinturas corporales de los indios Selknam -a quienes quitaron sus tierras y exterminaron- estableciendo un diálogo entre estas culturas indígenas anteriores a la Colonia. En otros trabajos, explora las pintura del viajero alemán Johann Moritz Rugendas, quien no sólo pintó el paisaje chileno, sino eventos como El rapto de Trinidad Salcedo, 1835, que en la pintura de Azcárate es elaborado a partir de tensiones de líneas en el plano que aluden a las lanzas y las espadas. Otras como BANG, BANG, 2017, representan las guerras y dictaduras. En la obra multidisciplinaria de Chiara Banfi, se encuentra una investigación sobre la corporalidad del sonido, específicamente del silencio, que aunque no sea percibido por el oído humano está impregnado de vibraciones y oscilaciones como las que existen en las pausas en una composición musical, tal y como aparece en Pausa de Bach 5, 2014-16, en

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la cual la artista cubre con tinta china todas las notas, sólo dejando expuestos los símbolos de pausa y silencio. En Estudo 2 - da série Estudos de Debussy, 2016 (Estudio de la serie de estudios de Debussy), la artista borra notas sobre las partituras de Debussy creando una nueva estructura compositiva. La artista también usa piedras como la turmalina, la ágata y la obsidiana en sus composiciones, por su cualidad intrínseca de transmitir vibraciones y frecuencias. En Pauta, 2016, cristales que contienen fragmentos naturales de turmalina son dispuestos en línea horizontal sugiriendo una suerte de partitura musical rítmica. La obra multidisciplinaria y multifacética de Lia Chaia concierne centralmente el cuerpo y a través de él explorar las relaciones y las tensiones críticas y poéticas entre naturaleza y cultura en el mundo contemporáneo y sus contextos urbanos. La artista crea composiciones en la forma de collages que refieren directamente a la naturaleza y el cuerpo humano por medio de metáforas biológicas de corporeidad y el uso del verde de follaje, como en Tira 1, 2017, que está hecha con recortes de fotografías de hojas que son ensamblados en una gran composición orgánica que sugiere un cuerpo de gran gestualidad. En la serie de esculturas Cabeças, 2017 (Cabezas), sobre estructuras geométricas de la misma altura de la artista, se apoyan cubos orgánicos hechos a mano y llenos de cables desordenados. Cabeças representan la cabeza humana y los cables las venas del cuerpo que se desparraman hasta el piso. Por la forma como la organicidad de la cabeza contrasta con la racionalidad de la geometría, observamos como la artista subvierte la presión de la sociedad de encapsular el cuerpo en la racionalidad y lo artificial. Los collages y estructuras escultóricas de Marlena Kudlicka parten de la deconstrucción desde una aproximación lingüística de un orden preestablecido como el espacio y de estándares de medición y de las posibilidades concretas del lenguaje para así expandirlas y repensarlas. De allí que letras y palabras se transforman en objetos escultóricos en tensión con otros elementos abstractos como líneas y planos, al igual que texturas de mallas de metal y la transparencia del vidrio. De este modo, crea una situación flexible y a la vez fracturada, basada en el contrapunto entre lo racional y lo subjetivo, entre lo intelectual y lo intuitivo, entre lo preciso y lo maleable, entre lo lógico y lo ilógico, lo frágil y lo sólido. Y se produce una suerte de materialización del pensamiento en escultura. La serie de libros de Venezuela y Colombia

across the plane, in allusion to spears and swords. Others, such as BANG, BANG, 2017, represent wars and dictatorships. Chiara Banfi’s multidisciplinary work presents an investigation on the corporeality of sound, specifically, of silence, which although may not be perceived by the human ear, is imbued with vibrations and oscillations like the ones that exist in a musical composition’s pauses, just as it appears in Pausa de Bach 5, 2014-16, where the artist has covered all of the notes with India ink, exposing only the musical notation that indicates pauses and silences. In Estudo 2 - da série Estudos de Debussy, 2016 (A Study of Debussy’s Study Series), the artist erases notes from Debussy’s scores, creating a new compositional structure. The artist also uses stones such as tourmaline, agate, and obsidian in her compositions, which have the intrinsic quality of transmuting vibrations and frequencies. In Pauta, 2016, crystals containing natural fragments of tourmaline are placed in a horizontal line, suggesting a rhythmic musical score of sorts. Lia Chaia’s multidisciplinary and multifaceted work is mainly concerned with the body, and with using it to explore the relationships and critical and poetic tensions between nature and culture in the contemporary world and its urban contexts. The artists creates compositions in the form of collages that make direct references to nature and the human body through biologic metaphors for corporeality and the use of green foliage, as she does in Tira 1, 2017, which is made of leaf photograph clippings that are assembled into a large organic composition that suggests an expressive body. In the sculpture series Cabeças, 2017 (Heads), handmade organic cubes covered with messy cables are placed on geometric structures of the same height as the artist. Cabeças represents the human head, and the cables are the body’s veins, which are spilling over onto the ground. From the way in which the head’s organic display contrasts with its geometry’s rationality, we can observe the way in which the artist subverts society’s pressure to encapsulate the body in rationality and artificiality. Marlena Kudlicka’s collages and sculptural structures stem from deconstruction, through a linguistic approximation of a pre-established order such as space, of measuring standards, and of all of language’s concrete possibilities, in order to then expand and rethink them. Words and letters are then transformed into sculptural objects that exist in tension with other abstract elements such as lines and planes, just like textures made of meta-

Correspondencia con el artista, 15 de julio, 2017. Correspondencia con el artista, 2 de agosto, 2017. Correspondence with the artist, july 15th, 2017. 8 Correspondence with the artist, august 2nd, 2017. 7

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llic mesh and transparent glass. In this way, she creates a flexible yet fractured situation, based on the interplay between rational and subjective, between intellectual and intuitive, between precise and malleable, logical and illogical, fragile and solid. This produces a certain materialization of thought through sculpture. The series of books from Venezuela and Colombia called Post Books, which Esmelyn Miranda produces with pages constructed out of plastic bags and exposed seams, originates from the recycling of materials found in urban spaces undergoing crisis in these two countries, particularly in Venezuela. The artist comments: “Each one of these books is put together taking their temporalities and situations into consideration, more directly with their places of recollecting and their materials, color, and shape, evincing their provenance as well as their function as registers of that everyday life which is the cause, and its immediate effect are these residues, which I am using.”7 Miranda also produced the series Mayo, 2017, a group of wall curtains made out of plastic bags collected in the same manner as for the books, which in their residual quality reflect the visual, social and political textures of the ranches and precarious urban spaces that exist in these countries. 1973, 2017, of the serie I to C by Luis Roldán, is made up of a group of paintings made on small recycled boards that are informally installed on a wall by means of copper wires. These paintings make references to visual memories of a trip that the artist took in 1973 through the Atacama desert. Thinking about the genre of landscape, his work visits the small landscape paintings of Colombian artist Roberto Páramo, made on cardboard as apparent annotations of reality, and which Roldán describes as possessing “the beauty of recovered phantoms”, the same quality that his paintings have. Roldán writes: “When I began to remember these landscapes, there was an enrichment between the remembered image and the Chile that becomes richer over the years through readings, films, photographs, paintings, friendships, etc. I see that by conjugating the previous version with the current one, it becomes fleeting, unstable, and transient.”8 The landscapes of 1973 inhabit an interstitial place between abstraction and figuration, between reality and memory. And as such, they are fluctuating, intimate, and subjective.

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denominados Post Books, que produce Esmelyn Miranda con páginas construidas con bolsas plásticas y costura expuesta, provienen del reciclaje de materiales encontrados en los espacios urbanos en crisis de estos dos países, en particular Venezuela. El artista comenta: “cada uno de los libros está armado tomando en cuenta sus temporalidades y situaciones, más directamente con los espacios de recolección y en su materialidad, color y forma, evidenciando su procedencia, además del carácter de registro de esa cotidianidad que es causa y el efecto inmediato es lo residual de lo cual me valgo”.7 Miranda también produce la serie Mayo, 2017, un grupo de telones para pared hechos con bolsas plásticas recogidas de la misma forma que los libros, que reflejan en su carga residual, las texturas visuales, sociales y políticas de los ranchos y los espacios urbanos precarios de estos países. 1973, 2017, de la serie I to C de Luis Roldán, está conformado por un grupo de pinturas realizadas en pequeñas tablas recicladas que son instaladas informalmente en la pared por medio de alambres de cobre. Estas pinturas refieren a las memorias visuales de un viaje que el artista realizó en 1973 por el desierto de Atacama. Pensando en el género del paisaje, su trabajo visita las pequeñas pinturas de paisajes del artista colombiano Roberto Páramo hechos sobre cartón como aparentes anotaciones de la realidad, y que Roldán describe de poseer “la belleza de fantasmas recuperados”. La misma cualidad que sus pinturas tienen. Roldán escribe: “cuando empecé a recordar estos pasajes había un enriquecimiento entre la imagen recordada y el Chile que a través de los años se va enriqueciendo por medio de lecturas, películas, fotos, pinturas, amistades, etc. Veo que la visión anterior al conjugarla con la actual se vuelve fugaz, inestable y pasajera”.8 Los paisajes de 1973, ocupan un lugar intersticial entre la abstracción y la figuración, entre la realidad y la memoria. Y, como tal, son fluctuantes, íntimos y subjetivos. Un tercer grupo de artistas en Objeto/ Sujeto explora aspectos ideológicos relacionados con el objeto, su historia y su contexto de producción y consumo. Estos son Claudio Correa, Martín Eluchans, Pilar Quinteros, Camila Ramírez e Ishmael Randall Weeks. Todas las obras en esta sección funcionan en un juego de tensiones críticas entre el pasado

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y el presente. No sólo nuestra memoria es elusiva en cuanto a nuestras propias historias y sus traumas, sino que nuestra mirada se encuentra ineludiblemente en constante relación dialéctica con una realidad en incesante crisis, con una realidad inestable en constante cambio. El Ángel Exterminador, 2017, de Claudio Correa, está conformado por tres instalaciones en forma de collages objetuales que combinan fragmentos de medallas de guerra que son ensamblados junto a prótesis dentales y luego son encapsulados dentro de cápsulas Petri y de recipientes de laboratorio de vidrio. Esta superposición de elementos científicos de laboratorio, la prótesis dental y las medallas militares, crea una conexión inexorable y crítica con el cuerpo humano. Las asociaciones que emergen son históricas, pero suprimidas por la memoria y por las narrativas oficiales, como los actos de tortura de taladrar y extraer dientes, la prótesis como ausencia y el condecorado militar como algo mortecino, no celebratorio, sino asociado a la destrucción de la vida humana. Los dispositivos de laboratorio que encierran a las medallas también hablan de la forma clínica y distante como construimos la historia, justamente a través de la ausencia del ser humano que debería estar en el centro de su narrativa. El artista escribe: “este proyecto hace referencia al ícono principal de la medalla otorgada como premio a los colaboradores de la dictadura de Pinochet, que también fue ícono en Chile de la moneda de 5 y 10 pesos durante todo su régimen y que paradójicamente tenía bajo sí la leyenda “Libertad”. Las condecoraciones militares son paradigmas de la iconografía de guerra y representan el ejercicio colectivo de la violencia como hecho estético”.9 Martín Eluchans presenta una instalación compuesta de delicados bordados en hilo rojo de los límites entre países con conflictos geopolíticos. Cuestionando la arbitrariedad, complejidad política de las fronteras y los conflictos limítrofes que nos definen como culturas y personas, se encuentran representados: Argentina / Islas Malvinas; Estados Unidos / China; Chile / Perú / Bolivia; Francia / África; Chile / Bolivia; América Latina / América Latina; España / Latinoamérica; México / Estados Unidos. Cada par es presentado a diferentes escalas y también se incluye un manto representando al Ecuador, que es un país a la vez que una división hemisférica, que pensamos divide el mundo en formas iguales, pero Eluchans muestra que lo divide en tercios. El artista escribe: “este proyecto busca replantear el concepto de nación a partir de conflictos

A third group of artists in Object/Subject explores ideological aspects related to the object, its history, and its context for production and consumption. These are Claudio Correa, Martín Eluchans, Pilar Quinteros, Camila Ramírez and Ishmael Randall Weeks. All of the pieces in this section operate within a pulling and pushing of critical tensions between the past and the present. Not only our memory is elusive with regards to our own histories and their traumas, but our perspective too is inescapably in a constant dialectic relationship with a reality that is relentlessly in crisis, with an unstable reality in constant change. The piece Ángel Exterminador, 2017, by Claudio Correa, consists of three installations in the form of object collages that combine fragments of war medals assembled along with dental prostheses and are then encapsulated within Petri capsules and glass laboratory recipients. This superposition of scientific laboratory elements, dental prostheses and military medals creates an inexorable and critical connection with the human body. The associations that emerge are historical, but suppressed by memory and official narratives, such as acts of torture in which teeth were drilled and extracted, with the prosthesis representing an absence and the military decorations interpreted at something dim, not celebratory, but instead associated to the destruction of human life. The laboratory equipment that encloses the medals also speaks of the clinical and distant way in which we construct history, precisely through the absence of the humans who should be at the center of the narrative. The artist writes: “This project makes references to the main icon on the medal that was presented as an award to collaborators of Pinochet’s dictatorship, which was a also an icon for Chile on its 5 and 10 peso coins throughout his entire regime, and which paradoxically had the word ‘Liberty’ inscribed below it. The military decorations are paradigms of the war iconography, and represent the collective use of violence as an aesthetic event.”9 Martín Eluchans presents an installation in which red thread delicately embroiders the borders between countries with geopolitical conflicts. Questioning arbitrariness, the political complexity of frontiers, and the border disputes that define us as cultures and as people, the following are represented: Argentina / Islas Malvinas; United States / China; Chile / Peru / Bolivia; France / Africa; Chile / Bolivia; Latin America / Latin America; Spain / Latin America; Mexico / United States. Each pair is presented in different scales,

Correspondencia con el artista, 27 de junio,2017. Correspondencia con el artista, 21 de junio, 2017.

9Correspondence with the artist, June 27th, 2017. Correspondence with the artist, June 21st, 2017.

and a blanket been included to represent Ecuador, which is both a country and at the same time a hemispherical division, which we believe divides the world into equal parts, yet Eluchans proves that it is divided into thirds. The artist writes: “This project seeks to reformulate concept of nation through the territorial and political conflicts that different countries have suffered. At times in which the concept of territory and visions of immigration are being increasingly polarized, through the use of red thread, a symbol for the blood that has been spilled in the represented conflicts, the past is able to reveal current politics and its permanent game of power.”10 Pilar Quinteros is an artist who operates in a contextual, often site-specific way, in order to excavate the history of Chile’s urban spaces, creating architectonic structures that retrieve urban memories in a symbolic and metaphoric way. El Teatro de la Victoria, 2017, focuses on an emblematic building with the same name, built during first half of the XX century in the city of Valparaiso, which, after several fires, a mega-earthquake, and more fires, was finally demolished a few decades ago. To the artist, the building’s various construction and destruction processes represent an analogy for Chile’s history. The installation of different fragments of the building, such as pillars, terraces, and windows in a fragile, flexible, yet resistant material that is mica, symbolically represents a dialectic relationship between history and the present, between what is imaginary and what is real; a monument of sorts that exists between the archive, the ruin, and utopia. Camila Ramírez’ multidisciplinary work is centered on questioning notions of utopia that are underlying at the base of certain central ideologies of modern history, such as communism, which is the focus of this installation. In this sense, Utopías, 2017, consists of red wooden pencils intervened with the word “utopía”. These have been worn down, used to create a drawing that unites successive points and numbers on a plane, forming the archetypal Communist symbol of the hammer and sickle. In addition to this, by using a pop-up technique, Ramirez has created the figure of a fist used by the Ramona Parra Brigade, the Chilean Communist Party’s muralist collective. The installation includes Silla comunitaria, 2017, also constructed

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territoriales y políticos que han sufrido diferentes países. En tiempos donde el concepto de territorio y visiones de la inmigración se presentan cada vez más polarizados, a partir del uso de un hilo rojo, símbolo de la sangre derramada en los enfrentamientos representados, el pasado permite develar la política actual y su permanente juego del poder”.10 Pilar Quinteros es una artista que trabaja de forma contextual, muchas veces site specific, para excavar la historia de los espacios urbanos de Chile, creando estructuras arquitectónicas que recuperan de forma simbólica y metafórica la memoria urbana. El teatro de la victoria, 2017, está centrado sobre el edificio emblemático del mismo nombre, de la primera mitad del siglo XX en la ciudad de Valparaíso, que, luego de varios incendios, un mega terremoto y más incendios, hace unas décadas fue finalmente demolido. Los varios procesos de construcción y destrucción de este edificio terminan representando para la artista una analogía con la historia de Chile. La instalación de diferentes fragmentos del edificio como pilares, terrazas y ventanas en un material frágil, flexible y a la vez resistente como lo es la mica metálica, justamente representan simbólicamente una relación dialéctica entre la historia y el presente, entre lo imaginario y lo real; una suerte de monumento que existe entre el archivo, la ruina y lo utópico. La obra multidisciplinaria de Camila Ramírez se centra en cuestionar nociones de utopía que subyacen a la base de ciertas ideologías centrales de la historia moderna como el comunismo, que es el foco de su instalación. En este sentido, Utopías, 2017, es realizada con lápices de madera de color rojo intervenidos con el texto “utopía”. Éstos son desgastados, al ser empleados para realizar un dibujo de unión de puntos y números sucesivos sobre un plano, representando el símbolo arquetípico del comunismo de la hoz y el martillo. Adicionalmente, a través de la técnica del pop up, Ramírez realiza la figura de un puño que reproduce la gráfica de la Brigada Ramona Parra, un colectivo muralista del Partido Comunista de Chile. La instalación incluye una Silla comunitaria, 2017, también realizada en el reconocido rojo del comunismo, y que propone una convivencia que ultimadamente conlleva a tres cuerpos a la inmovilidad y el encierro. Cada una de las piezas involu-

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cra la acción del cuerpo en un ejercicio prefigurado, que en la propia acción del hacer utópico está implicado el desgaste y el desmembramiento de esa misma utopía. La obra Ceques de Ishmael Randall Weeks, perteneciente a la serie de Maquetas de Ceques, es una escultura compleja con muchos elementos en tensión. Conceptualmente algunos aspectos apuntan a la construcción de la cultura en tensión entre la historia y la modernidad, y otros a la construcción misma de la ciudad. Ceques es una estructura de acero, con fratachos, libros tallados, imagen de huaca y pilar con fósil incrustado donde cada elemento refleja diferentes capas de tiempos históricos; desde la era de los fósiles, la cultura prehispánica, la modernidad y nuestros días, que en su conjunto hablan sobre la forma cómo se construye la cultura y la nación. El artista escribe: “los fratachos hablan de labor y trabajo manual y las bisagras aluden a un vínculo, un sistema basado en la unión de personas para construir una nación. Visualmente el sentido en ángulos que siguen los elementos de la pieza arman un sistema, ‘un plan’ directamente relacionado a los Ceques, Huacas y lo andino. Una maqueta en sí, que trata de conceptualizar la construcción de una ciudad. Los pilares de concreto hablan de las ciudades, de la construcción sin terminar, del proceso físico y mental de pensar una ciudad del futuro y del progreso”. Una de las operaciones más importantes del objeto en el arte contemporáneo en América Latina es que expande las nociones de lo cotidiano, de la contingencia, de lo político y de lo poético. Y estas operaciones borran la distancia entre objeto y sujeto. Uno de los retos del arte contemporáneo es que a través de los objetos, pueda expandir sus asociaciones para incluir aquello que el lenguaje no puede pronunciar o imaginar; para develar aquellas historias reprimidas y olvidadas, para sugerir cómo nuestros pasados, presentes y futuros están entretejidos y, finalmente, expandir nuestra percepción limitada y dualista de la realidad por una renovada complejidad.

in the red hue that is identifiable with communism, and which proposes a coexistence that ultimately leads three bodies to immobility and confinement. Each one of these pieces involves a body’s action in a prefigured exercise, which through the utopian action itself, implies the wearing down and dismemberment of this same utopia. The piece Ceques by Ishmael Randall Weeks, belonging to the series Maquetas de Ceques, is a complex sculpture that contains several elements in tension. Conceptually, some of its aspects point to the construction of a culture that lies in tension between history and modernity, while others point to the construction of the city itself. Ceques is a steel structure, with trowels, carved books, images of huacas (ancient Andean monuments), and pillars embedded with fossils, in which each element reflects a different layer of our periods in history: from the era of fossils, pre-Hispanic culture, modernity, and current times, the combination of all of these speaks of the way in which notions of culture and nation are constructed. The artist writes: “The trowels speak of manual labor, and the hinges allude to a vehicle, a system based on the union amongst people in order to build a nation. Visually, the angled directions that the piece’s elements follow create a system, ‘a plan’ that holds direct relation to the ceques, huacas, and Andean elements. A model in itself, one which attempts to conceptualize a city’s construction. The concrete pillars speak of cities, of unfinished constructions, of the physical and mental process of thinking of a future city, and of progress.” One of the most important operations that the object fulfills in Latin American contemporary art is that it expands notions of everyday life, of contingency, of politics and of poetry. And these operations erase the distance between object and subject. One of the challenges of contemporary art is for it to expand its associations through objects in order to include that which language cannot pronounce or imagine: in order to unveil repressed and forgotten stories; to suggest the way in which our past, present and future are interwoven; and finally, to expand our limited and dualistic perception of reality for a renewed complexity.

AFA -Art for Art- es un espacio comercial, una editorial y una oficina de proyectos artísticos. Más que sólo un espacio de exposiciones, esta galería se erige como un catalizador del arte contemporáneo y una alternativa real a la rigidez del mercado por lo que, junto a los artistas, busca posibilitar un ejercicio de asociatividad de proyectos y estrategias relacionadas a las obras y a los intereses particulares de cada parte. Con el convencimiento de que nada es suficiente en la gestión de las artes visuales, el espacio valora la cadena productiva que lleva a una galería a ser un mediador, consciente de la corriente continua de acciones que exploran las expectativas de una sociedad para que un artista se mantenga en movimiento.

DIRECTORES DIRECTORS

ARTISTAS ARTISTS

Elodie Fulton Irene Abujatum

Claudio Correa Pilar Quinteros

CLAUDIO CORREA (1972, ARICA, CHILE)

PILAR QUINTEROS (1988, SANTIAGO, CHILE)

El proyecto de obras titulado Si pudiera lo haría peor investiga distintas formas de recrear emblemas institucionales y utensilios de la historia reciente de América Latina. El resultado son instalaciones, collages, fotografías y videos que se apropian de elementos de la “escultura monumentalista”. La obra Ángel exterminador se refiere al ángel mencionado en la Biblia como el encomendado por “El Señor” para causar la muerte, planteando una inquietante dualidad. En este proyecto, se hace también referencia al ícono principal de la medalla otorgada a los colaboradores de la dictadura de Pinochet, que también fue imagen en Chile de la moneda de $5 y $10 pesos durante todo el régimen, y que paradójicamente tenía como leyenda “Libertad”.

El teatro de la victoria es un proyecto que reflexiona en torno a la fragilidad del contexto urbano de Valparaíso, mientras la ciudad era afectada por incendios que arrasaron con varios poblados. En su investigación, la artista encontró la historia de un edificio emblemático de primera mitad del siglo XX, el que, luego de varios incendios y un mega terremoto, fue demolido hace unas décadas. Para ello realizó una instalación en las cercanías del sitio original del teatro, compuesta por un modelo de tres metros de alto hecho en mica metálica -material que luce fuerte y resistente, pero que en realidad es frágil y flexible- que estuvo montado unas pocas horas hasta que fue retirado por terceros. Hoy queda el registro fotográfico.

CLAUDIO CORREA (1972, ARICA, CHILE) The project Si pudiera lo haría peor investigates different ways of recreating institutional emblems and vintage utensils from Latin America’s recent history. The results are installations, collages, photographs and videos that appropriate elements of “monumental sculpture” in order to interfere with this imagery. The piece Ángel exterminador refers to the death angel mentioned in the books of Exodus and Apocalypse, suggesting a God with a disturbing evil duality. In this piece, there are also references to the icon that appears on the medal won by collaborators of Pinochet’s dictatorship, which also was present on Chilean 5 and 10 peso coins throughout his entire regime, and which paradoxically had the word ‘Liberty’ below it.

PILAR QUINTEROS (1988, SANTIAGO, CHILE) In El teatro de la victoria the artist reflected on the frailty of the urban context whilst this city was affected by fires that did away with numerous buildings. In her inquiries, she ran across the history of an emblematic building built during the first half of the XX century, which after enduring several fires was finally demolished a few decades ago. During her residency, she set up an installation in the vicinity of the theater’s original site consisting of a three-meter model made of mica, a material that seems strong and resistant at a first glance, but is actually fragile and flexible. It was there for a few hours, until it was taken down by a third party. Today, only the photographic record remains.

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AFA, ART FOR ART Chile

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ANINAT ISABEL GALERÍA Chile En 1982, Isabel Aninat -licenciada en filosofía y estética, y profesora universitaria- creó Galería Isabel Aninat, un espacio de exhibición, debate y reflexión en Santiago de Chile. Fundada bajo el lema “agrandando el círculo”, los objetivos de la galería son difundir, comercializar y proyectar el arte contemporáneo chileno y latinoamericano, manteniendo un especial énfasis en la consolidación de un grupo de artistas chilenos tanto a nivel local como internacional. Galería Isabel Aninat busca ampliar las fronteras mediante nexos con importantes galerías extranjeras, curadores, instituciones y coleccionistas, y por ello participa en ferias de arte internacionales exhibiendo y promoviendo el trabajo de los artistas que representa.

In 1982, Isabel Aninat, a Philosophy and Aesthetics graduate and university professor, founded Isabel Aninat Gallery, an exhibition space for debate and reflection in Santiago, Chile. With the intention of “widening the circle”, she founded gallery aims to diffuse, commercialize and project contemporary Chilean and Latin American art, maintaining a special focus on the consolidation of a group of Chilean artists, both locally and internationally. The Isabel Aninat Gallery seeks to extend boundaries via ties with important international galleries, curators, institutions and collectors. As such, the Gallery participates in International Art Fairs exhibiting and promoting the work of the artists it represents.

DIRECTORA DIRECTOR

Isabel Aninat

ARTISTAS ARTISTS

DIRECTORA EJECUTIVA EXECUTIVE DIRECTOR

Javiera García-Huidobro

Catalina Mena Martín Eluchans

CATALINA MENA (1971, SANTIAGO, CHILE)

MARTÍN ELUCHANS (1984, SANTIAGO, CHILE)

Contradicciones diarias es un proyecto de creación visual que consiste en una instalación conformada por varios cuchillos usados que han sido intervenidos con alas de diferentes procedencias y materiales. Este conjunto de cuchillos alados se presentará cual si fueran joyas de colección. “La noción de fragilidad es lo principal en mi trabajo. La fragilidad toma su lugar de importancia y en base a ella se estructuran los demás conceptos, siendo la memoria y el cuerpo los dos principales ejes”.

Realizado con bordados hechos a mano -dado el tiempo y el cuidado que requiere la técnica, pero también la fragilidad propia del material- Fronteras sin límites busca replantear el concepto de nación a partir de conflictos territoriales y políticos que han sufrido diferentes países. “Me formé como escultor. Y a través de experiencias en el mundo del teatro, fui interesándome en la escenografía y sus espacios. A partir de esos intereses, busco crear en mis trabajos un mundo ficticio cargado de realidad”.

CATALINA MENA (1971, SANTIAGO, CHILE)

MARTÍN ELUCHANS (1984, SANTIAGO, CHILE)

Contradicciones diarias is a visual creation project that consists of an installation made up of several used knives, which have been intervened with wings of different origins and materials. This collection of winged knives shall be presented as if they were collector’s jewels. “The notion of fragility is the main element in my work. Fragility takes on the most important role, and the rest of the concepts are structured around this, with memory and body as the two main pillars”.

Made out of hand sewn embroideries —with the time and care that this technique requires, as well as the material’s own fragility—, Fronteras sin límites seeks to reformulate the concept of nation based on the territorial and political conflicts endured by different countries. “I studied to be a sculptor. And through experiences in the world of theater, I became interested in set design and its spaces. These interests have led me to create a fictitious world laden with reality within my work”.

Inaugurada en el año 2010, la galería Carmen Araujo Arte se encuentra ubicada dentro de los espacios de la Hacienda La Trinidad Parque Cultural, en el sureste de la ciudad de Caracas. Tiene como su actividad principal el estudio, la divulgación y la promoción del arte contemporáneo de Venezuela y América Latina, labor que lleva adelante a través de una cuidada programación expositiva, la participación en ferias de arte a nivel nacional e internacional, la producción de publicaciones, así como la organización de diversos tipos de eventos que facilitan el acercamiento entre artistas, curadores, coleccionistas y público en general.

DIRECTORA DIRECTOR

ARTISTAS ARTISTS

Carmen Araujo

ALEXANDRA KUHN (1966, CARACAS, VENEZUELA) Alexandra Kuhn vive y trabaja en Madrid, España. Para Ch.ACO la artista desarrolla una propuesta ligada a la transformación de piezas naturales, de semilleros en las que fueron creadas y preservadas sus propias semillas, su probable futuro. La obra es una pequeña instalación de semilleros intervenidos con acrílico, en que se evidencia la figura de la mandorla que nos habla del encuentro, resaltando la forma almendrada que se genera en la intersección de dos círculos. La obra nos remite a la noción del encuentro y del adentro, la cavidad, la entraña en la que las producciones y transformaciones suceden antes de mostrarse.

ALEXANDRA KUHN (1966, CARACAS, VENEZUELA) Alexandra Kuhn lives and works in Madrid, Spain. For Ch.ACO, the artist has developed a proposal that holds relation to the transformation of natural pieces through seed beds that have created and preserved their own seeds, their probable future. The piece consists of a small installation of seed beds intervened with acrylic, in which the figure of the almond appears, speaking to us about encounter, highlighting the almond-shape that is generated by the intersection of two circles. The piece brings us to the notion of gathering and of inside, of cavity, of the entrails where productions and transformations take place before they are revealed.

Alexandra Kuhn Esmelyn Miranda

ESMELYN MIRANDA(1997, VALENCIA, EDO. CARABOBO, VENEZUELA) El artista Esmelyn Miranda desarrolla para Focus una propuesta donde reúne una serie de libros titulados “Post books”, con materiales rescatados de espacios y situaciones sensibilizadas por las crisis. Los libros/objetos aparecen desde la perspectiva de la materia residual como contenedora de información y experiencias, aludiendo a la idea de memoria colectiva afectada por la precariedad de estos espacios y momentos. El material utilizado en este grupo de obras son bolsas plásticas recuperadas de espacios de venta de mercancía regulada a causa del desabastecimiento en Venezuela y el mismo material es recogido en el centro de la ciudad de Cali, Colombia, donde la sobresaturación de mercancía va de la mano con la piratería. ESMELYN MIRANDA(1997, VALENCIA, EDO. CARABOBO, VENEZUELA) For Focus, Esmelyn Miranda has developed a proposal in which she has gathered a series of books entitled “Post books”, with materials rescued from spaces and situations that have been sensitized by crisis. The books/objects emerge from the perspective of residual materials as containers of informations and experiences, alluding to the idea of collective memory affected by the precariousness of these moments and spaces. The material used for this group of pieces are plastic bags recovered from retail spaces selling regulated merchandise due to shortages in Venezuela, and the same material is collected in downtown Cali, Colombia, where the supersaturation of merchandise goes hand in hand with piracy.

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CARMEN ARAUJO ARTE Venezuela

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GALERÍA PATRICIA READY Chile Considerando la diversidad de prácticas artísticas actuales, Galería Patricia Ready promueve el trabajo de artistas contemporáneos a través de muestras que desafían y un programa rigurosamente curado de exposiciones. La galería no sólo es un espacio de exposición, sino también una plataforma para la discusión crítica, la educación y la formación de nuevos públicos. Con el fin de alcanzar estos objetivos y contribuir al desarrollo cultural, Patricia Ready mantiene una organización sin fines de lucro denominada Corporación Cultural Arte+, que tiene dentro de sus objetivos principales la entrega de becas a artistas jóvenes y la publicación de La Panera, periódico mensual de cultura y artes visuales.

Considering the substantial diversity of artistic practices today, Patricia Ready promotes the work of contemporary artists through defying exhibitions and a rigorous curatorial program. The gallery therefore is not only an exhibition space, but a platform for critical discussion, education, and the formation of new audiences for contemporary art. In order to meet these goals and contribute to the cultural development of the country and region, Galería Patricia Ready maintains a notfor-profit organization named Corporación Cultural Arte+. It’s main objective is to grant scholarships to young artists and to publish La Panera, a monthly newspaper.

DIRECTORA DIRECTOR

ARTISTAS ARTISTS

Patricia Ready

ISIDORA CORREA (1977, SANTIAGO, CHILE) Isidora Correa presenta un grupo de objetos que construyen un paisaje establecido por la correlación entre elementos de orden natural y artificial: piedras y objetos cerámicos se ensamblan a partir de un sistema de correspondencias, generando una serie de unidades fusionadas.

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ISIDORA CORREA (1977, SANTIAGO, CHILE) Isidora Correa presents a group of objects that construct a landscape established by the correspondence of natural and artificial elements: rocks and ceramic objects are assembled through a system of correlations, generating a series of fused units.

Isidora Correa Joaquín Sánchez

JOAQUÍN SÁNCHEZ (1975, EUSEBIO AYALA, CORDILLERA, PARAGUAY) Joaquín Sánchez presenta la La Pullira (pollera en Aymara). Esta obra es más que la captura de un momento efímero y más que una imagen de documentación; es el relato de un instante. Mirar a través de la Pullira es mirar hacía nuestros ritos y creencias, es mirar nuestra historia y su fecunda producción simbólica. JOAQUÍN SÁNCHEZ (1975, EUSEBIO AYALA, CORDILLERA, PARAGUAY) Joaquín Sánchez presents La Pullira (skirt in Aymara). This work of art is more than the capturing of an ephemeral moment and more than a documentary image: it’s the description of a moment. To look through the Pullira is to look to our rites and beliefs, to look at our history and its prolific symbolic production.

HENRIQUE FARIA FINE ART EEUU/Argentina Henrique Faria Buenos Aires continúa y amplía la iniciativa que viene desarrollando Henrique Faria Fine Art en Nueva York desde el 2001 en torno a la difusión y proyección internacional de lo más relevante de la producción moderna, conceptual y contemporánea latinoamericana. En el marco de la demanda exponencial de obras de arte latinoamericano, esta galería ha contribuido a la formación y expansión de colecciones privadas e institucionales, con un foco especial en las pertenecientes a fundaciones y museos internacionales.

Henrique Faria Buenos Aires continues and expands the initiative developed by Henrique Faria Fine Art in New York since 2001 around the dissemination and international projection of the most relevant of modern, conceptual and contemporary Latin American art. In the frame of an increase in the demand for Latin American works, the gallery has contributed to create and expand private and institutional collections, with a special focus on those belonging to international museums and foundations.

DIRECTORES DIRECTORS

ARTISTAS ARTISTS

Emilia Azcárate Luis F. Roldán

EMILIA AZCÁRATE (1964, CARACAS, VENEZUELA)

LUIS F. ROLDÁN (1955, CALI, COLOMBIA)

La selección de obras propuestas de Emilia Azcárate se relacionan a un alfabeto diseñado por la artista en 2012. Su alfabeto se asemeja a los jeroglíficos, a una escritura cuneiforme, o códice, donde el texto y la imagen se hacen inseparables. Este alfabeto se vincula en sus trabajos con la imaginería propia de poblaciones indígenas americanas, plasmando en estos casos como una fusión entre la estrella mapuche y las pinturas corporales de los indios Selknam. También se vincula con las pinturas de los raptos de Rugendas, quien participa de esta selección de obras, mediante un retrato, ocultando su rostro deformado a la manera de las mujeres tapadas. En esta obras Azcárate habla de la mujer, del hombre, de su lugar y lo que los rodea.

La obra 1973 designa en su título el año en el cual acontece en la vida del artista un suceso importante: su primer viaje al exterior. Recorriendo en bus la parte occidental de Sudamérica, tenía por destino final la ciudad de Valparaiso. Su regreso fue emprendido por rutas diferentes, a excepción de una única repetida: la costa chilena. Este tramo fue el que escogió para configurar en miniaturas aquello que no es posible recrear: su experiencia espacio temporal. La obra presenta tabletas de madera caoba reciclada, con accidentes de trazos del antiguo esmalte que cubre la superficie. El artista añade algunas pinturas al óleo, sugiriendo de manera abstracta paisajes rápidos y retomando la figura del pintor viajero y de los álbumes familiares en forma de viñetas numeradas, pero sin un orden específico.

EMILIA AZCÁRATE (1964, CARACAS, VENEZUELA)

LUIS F. ROLDÁN (1955, CALI, COLOMBIA)

The selection of proposed pieces by Emilia Azcárate are associated to an alphabet that was designed by the artist in 2012. Her alphabet has similarities to hieroglyphics, an cuneiform script or code, in which text and image are inseparable. In her work, this alphabet is related to the imagery that belongs to indigenous american nations, depicting in these cases a fusion between the Mapuche star and Selknam body paintings. Her work also draws associations to paintings of kidnappings by Rugendas, who participates in this selection of pieces through a portrait, hiding his deformed face as covered women do. In these works, Ascárate speaks of women, men, their places, and what surrounds them.

The piece 1973 indicates in its title the year in which an important event took place in the artist’s life: his first trip abroad. Traveling down South America’s western side, he rode several buses that took him to one final destination, the city of Valparaiso. His return trip led him on different routes, except for one single stretch that he chose to repeat: the Chilean coast. Making mental notes, he chose this part of the journey to create a miniature version of that which is impossible to recreate, yet possible to suggest through levity: his space-time experience. The work of art presents pieces of recycled mahogany wood with marks that remain from the old varnish that once covered the surface. The artist has added oil paint to some of the wood, abstractly suggesting quick landscapes. In this way, he takes up the figure of the traveling painter and of family photo albums in the form of vignettes that have been numbered, yet fail to follow any specific order.

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Eugenia Sucre Paz Lucero

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MARILIA RAZUK Brasil Galeria Marília Razuk fue inaugurada en 1992 con el objetivo de promocionar la producción de arte contemporáneo a través de la representación de artistas nacionales e internacionales, participación en ferias internacionales y exhibiciones organizadas por curadores invitados. La galería tiene dos espacios independientes que acumulan diez exhibiciones al año: la galería principal fue inaugurada en el año 2010, mientras que la segunda – que es más pequeña, pero más flexible - es usada como sede para proyectos especiales. La galería representa tanto a nombres consagrados, esenciales para una buena comprensión del arte brasileño del siglo XX, como a artistas emergentes nacionales e internacionales.

Galeria Marília Razuk was inaugurated in 1992 with the aim of promoting contemporary art production through the representation of national and international artists, through participation in international fairs and through exhibitions organized by invited curators. The gallery has two independent spaces that account ten exhibitions a year: the main one inaugurated in 2010, while the second – that is smaller, yet more flexible - is used as a project room for special projects that are often sitespecific. Galeria Marília Razuk represents both established names, essential to the correct understanding of Brazilian 20th century art, as well as emerging national and international artists.

DIRECTORES DIRECTORS

ARTISTAS ARTISTS

Paula Barría Sergio Parra

ANA LUIZA DIAS BATISTA (1978, SAO PAULO, BRAZIL)

Ch.ACO 2017

Ana Luiza Dias Batista destaca objetos cotidianos y construye trabajos que los incorporan y adoptan sus formas y comportamientos. Sus arreglos involucran operaciones tales como re-escalamientos, imitación, reflejo, duplicación, inversión y reiteración, con el propósito de investigar las condiciones bajo las cuales se construye el significado. El sentido crítico surge de la ambigüedad que es generada por el objeto de arte en relación a la funcionalidad o finalidad de los objetos originales, que han sido re-organizados y puestos en un nuevo contexto.

ANA LUIZA DIAS BATISTA (1978, SAO PAULO, BRAZIL) Ana Luiza Dias Batista singles out everyday objects and fabricates works that either incorporate them or adopt their shapes and behaviors. Her precise arrangements involve operations such as re-scaling, mimicry, mirroring, duplication, reversal and reiteration, aiming at investigating the conditions under which meaning is constructed. The critical sense of her works emerges from the ambiguity generated by the art object in relation to the functionality or finality of the original objects, now re-arranged and re-contextualized.

Andrés Bedoya Camila Ramírez Gajardo

MARINA WEFFORT (1978, SAO PAULO, BRAZIL) El trabajo de Marina refleja los conceptos de movimiento y quietud, junto con una reflexión sobre el paso del tiempo. Sus esculturas encarnan objetos banales tales como fichas de control, botellas y piedras; símbolos clásicos de naturalezas muertas en estructuras estáticas que pulsan con un movimiento latente. En la serie Tejidos, actúa desencadenando una nueva organización en la estructura de la tela al crear situaciones de luz y sombra, tensión y distensión, otorgándole propiedades cinéticas al material en una reconfiguración de lógica constructiva y escultural.

Marina Weffort (1978, SAO PAULO, BRAZIL) Marina’s work reflects concepts of movement and staleness, together with a reflection on the passage of time, to the sphere of building forms. Her sculptures embody banal objects such as time sheets, bottles and stones, classic symbol of still life in static structures that pump with latent movement. In the series “Tejidos” [fabrics], she acts on the orthogonality of the fabric through the shredding of the horizontal or vertical lines, triggering a new organization in the structure of the fabric creating light and shadow, tension and distension, conferring kinetic properties to the material in a reconfiguration of constructive and sculptural logic.

Metales Pesados Visual es un espacio de difusión de obras de artistas chilenos y latinoamericanos orientado al desarrollo del arte en la escena nacional e internacional. La misión es apoyar y promover las artes visuales, así como también aportar a la discusión sobre el arte actual chileno en pos de acercarlo a un público amplio y consolidarse como referente en la escena regional. Uno de los propósitos fundamentales de la galería es fomentar una nueva escena de arte contemporáneo, apostando por nuevos artistas que trabajan con temas de contingencia, generando un espacio para la reflexión artística, crítica y social a partir de los diversos tópicos problematizados.

Metales Pesados Visual is a work spreading spot of Chilean and Latinamerican artists oriented to arts development in the national and international scene. It is mission is to support and promote visual arts as well as to contribute to the discussion about the current chilean art. It is aim is to bring closer a wider audience and to grow stronger as a region scene model. Also, one of the gallery’s fundamental purposes is to encourage a new contemporary art scenario, supporting new artists working on current issues and giving rise to a place for artistic, critic and social reflection based on various topics.

DIRECTORES DIRECTORS

ARTISTAS ARTISTS

Paula Barría Sergio Parra

ANDRÉS BEDOYA (1978, LA PAZ, BOLIVIA) Estudió en The University of Texas at Austin donde obtuvo un Bachelor of Fine Arts (BFA) en teoría de diseño. Bedoya ha presentado obras y muestras individuales y colectivas como artista y curador en varios países incluyendo la Bienal Do Mercosul en Porto Alegre, Brasil, Dixit en Buenos Aires, Argentina y Videobrasil en Sao Paulo, Brasil. En Bolivia, ha presentado su obra en el Museo Nacional de Arte en La Paz y Kiosko en Santa Cruz; y en EE.UU. presentó obra como artista y organizador de eventos en varios espacios incluyendo Brooklyn Is Burning en MoMA PS1. Actualmente, ANDRÉS BEDOYA (1978, LA PAZ, BOLIVIA) Bedoya attended the University of Texas in Austin, where he obtained a Bachelor of Fine Arts degree (BFA) in Design Theory. Bedoya has presented artworks and both individual and collective exhibitions as an artist and curator in various countries, including the Bienal Do Mercosul in Porto Alegre, Brazil, Dixit in Buenos Aires, Argentina and Videobrasil in Sao Paulo, Brazil. In Bolivia, he has presented his work at the National Art Museum in La Paz and at Kiosko in Santa Cruz; and in the USA, he has presented his work as an artist and as an organizer of events at various spaces, including Brooklyn Is Burning at MoMA PS1.

Andrés Bedoya Camila Ramírez Gajardo

CAMILA RAMÍREZ GAJARDO (1988, ANTOFAGASTA, CHILE) Licenciada en Arte de la Universidad Diego Portales y Magíster en Artes Visuales de la Universidad de Chile, Ramírez ha expuesto individualmente en el Museo de Arte Contemporáneo MAC, Galería Tajamar y en el Museo de la Solidaridad Salvador Allende, entre otros. Ha participado en exposiciones colectivas en Chile, Perú, Argentina, Alemania, España e Italia y en 2015 su proyecto Alzada y Caída fue ganador de un FONDART Nacional.

CAMILA RAMÍREZ GAJARDO (1988, ANTOFAGASTA, CHILE) Ramirez holds a Bachelor’s degree in Art from Universidad Diego Portales and an Master of Fine Arts degree from the Universidad de Chile. She has mounted individual exhibitions at the Museo de Arte Contemporáneo MAC, Galería Tajamar, and at the Museo de la Solidaridad Salvador Allende, amongst others. She has participated in collective exhibitions in Chile, Peru, Argentina, Germany, Spain and Italy, and in 2015, her project Alzada y Caída was awarded a grant from Chile’s FONDART program.

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METALES PESADOS VISUAL Chile

REVOLVER GALERÍA Perú-Argentina Revolver Galería se creó en el año 2008 como respuesta a la necesidad de crear una plataforma para la exhibición y producción de proyectos de arte contemporáneo en Lima, Perú. A lo largo de su trayectoria, la galería no sólo ha logrado activar la producción artística local, sino también ha impulsado multitud de intercambios y conexiones con la escena internacional.

DIRECTORA DIRECTOR

ARTISTAS ARTISTS

Giancarlo Scaglia

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ISHMAEL RANDALL WEEKS (1976, CUZCO, PERÚ) Su obra ha sido expuesta en el MoMA, New York; el Museo de Arte Contemporáneo de Lima; el Museo de Arte de Lima (MALI); Museo MACRO, Roma; el Museo de Artes y Diseño, Nueva York; Museo del Banco de La República, Colombia; y La Fundación Cassa di Risparmio di Modena, Italia, entre varios otros. Su trabajo también ha sido incluido en la 10ma Bienal de La Habana, la 9na Bienal de Cuenca, y la 6ta Bienal de Archivos S en el Museo del Barrio. Ha recibido numerosas becas, residencias y premios de una variedad de instituciones incluyendo recientemente la del Bellagio Center Residecy Program otorgado por la fundación Rockefeller.

Ch.ACO 2017

ISHMAEL RANDALL WEEKS (1976, CUZCO, PERÚ) His work has been displayed at the MoMA, New York; Museo de Arte Contemporáneo Lima; Museo de Arte (MALI), Lima; MACRO Museum, Rome; the Museum of Arts and Design, Nueva York; Museo del Banco de La República, Colombia; and the Cassa di Risparmio di Modena Foundation in Italy, amongst several others. His work has also been included in the 10th La Habana Biennial, the 9th Cuenca Biennial, and the 6th Biennial, entitled “The (S) Files”, at the Museo del Barrio.He has been awarded numerous scholarships, residencies and grants from various institutions, including recently the Bellagio Center Residency Program, issued by the Rockefeller Foundation.

Ishmael Randall-Weeks Marlena Kudlicka

MARLENA KUDLICKA (1973, TOMASZÓW LUBESLKI, POLONIA) Kudlicka ha recibido diversas becas, premios y residencias a nivel internacional como Award of The Head of Academy of Fine Art Poland (1997/8) y Young Art Award in Painting and Installation Poland (2002). Ha tenido exposiciones individuales en lugares como Lyon, Madrid, Lima, Viena, Berlín, París, New York y Polonia.Paralelamente ha colaborado en exhibiciones colectivas en TheStructure, Buenos Aires; Arco, Madrid; Lenguaje L21, Palma de Mallorca; A History of Wrocław’s Avant-Garde Ludwig Múzeum —Museum of Contemporary Art Budapest and Wrocław Contemporary Museum; ArtBo, Colombia; y White Box, New York, entre otros. MARLENA KUDLICKA (1973, TOMASZÓW LUBESLKI, POLONIA) Kudlicka has been awarded various international scholarships, grants, and residencies, as well as distinctions such as the Award of The Head of Academy of Fine Art Poland (1997/8) and the Young Art Award in Painting and Installation Poland (2002). She has presented individual exhibitions in places such as Lyon, Madrid, Lima, Vienna, Berlin, Paris, New York, and Poland. Simultaneously, she has collaborated in collective international exhibitions at TheStructure, Buenos Aires; Arco, Madrid; Lenguaje L21, Palma de Mallorca; A History of Wrocław’s Avant-Garde Ludwig Múzeum — Museum of Contemporary Art Budapest and Wrocław Contemporary Museum; ArtBo, Colombia; and White Box, New York, amongst several others.

DIRECTOR DIRECTOR

ARTISTAS ARTISTS

Eduardo Brandão Eliana Finkelstein

Chiara Banfi Lia Chaia

CHIARA BANFI (1979, SAO PAULO, BRASIL)

LIA CHAIA (1978, SAO PAULO, BRASIL)

Chiara Banfi se graduó de sus estudios de Arte en la Fundação Armando Álvares Penteado (FAAP), en São Paulo, el año 2003. El trabajo de Banfi propone diálogos entre el espacio y el sonido. En este contexto, la artista ha explorado diferentes caminos a través de los cuales el sonido es capaz de navegar visualmente por la arquitectura. Los elementos de la naturaleza están siempre presentes en su trabajo. Partiendo con formas orgánicas, Banfi también ha explorado una aproximación más cercana al medioambiente, para así sugerir alternativas para habitar el mundo. La artista vive y trabaja en Rio de Janeiro.

Lia Chaia vive y trabaja en Sao Paulo. Estudió Bellas Artes en la Fundação Armando Alvares Penteado (FAAP). Su trabajo se mueve a través de diferentes lenguajes, tales como fotografía, video, performance, instalación e intervenciones urbanas. Entre sus inquietudes están las percepciones y experiencias de la vida cotidiana, como además la permanente tensión entre cultura y naturaleza, parte de un proceso de reflexión sobre la manera en la que la naturaleza ha sido apropiada por los estándares de la cultura urbana.

CHIARA BANFI (1979, SAO PAULO, BRASIL)

LIA CHAIA (1978, SAO PAULO, BRASIL)

Chiara Banfi graduated in Arts by Fundação Armando Álvares Penteado (FAAP), in São Paulo, in 2003. Banfi’s works propose dialogs between space and sound. In this context, the artist has explored paths in which sound can visually navigate the architecture. Elements of nature are always present in her work. Starting with organic forms, Banfi has also explored a further proximity with the environment in order to suggest alternatives to inhabit the world. The artist lives and works in Rio de Janeiro.

Lia Chaia lives and works in Sao Paulo. She is graduated in Fine Arts by Fundação Armando Alvares Penteado (FAAP). Her work moves through different languages such as photography, video, performance, installation and urban interventions. Among the issues of her concern are the perceptions and experiences of everyday life, as the permanent tension between culture and nature, part of a process of reflection on the way nature has been appropriated by the standards of urban culture.

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VERMELHO Brasil

AFA, ART FOR ART Chile

Bling Bling, Claudio Correa, 2017.

AFA, ART FOR ART Chile

El teatro de la victoria, Pilar Quinteros, 2017.

ANINAT ISABEL GALERĂ?A Chile

Serie Contradicciones diarias / Cuchillo Mariposa, Catalina Mena, 2017.

ANINAT ISABEL GALERÍA Chile

Islas Malvinas / Argentina, Martín Eluchans, 2017.

CARMEN ARAUJO ARTE Venezuela

Semilleros que muestran su entraĂąa dorada, Alexandra Kuhn, 2017.

CARMEN ARAUJO ARTE Venezuela

Serie Post, Esmelyn Miranda, 2017.

GALERร A PATRICIA READY Chile

Correlaciรณn #4, Isidora Correa, 2017.

GALERÍA PATRICIA READY Chile

Pullira 5, Joaquín Sánchez, 2016.

HENRIQUE FARIA FINE ART EEUU-Argentina

Sin título, Emilia Azcárate, 2017.

HENRIQUE FARIA FINE ART EEUU-Argentina

1973, Luis Roldรกn, 2017.

MARILIA RAZUK Brasil

Pair of pins, Ana Luiza Dias Batista, 2014.

MARILIA RAZUK Brasil

Untitled, Marina Weffort, 2016.

METALES PESADOS VISUAL Chile

Utopías, Camila Ramírez, 2017.

METALES PESADOS VISUAL Chile

Vestimenta I (Ropa para fantasmas), AndrĂŠs Bedoya, 2017.

REVOLVERREVOLVER GALERÍA Perú-Argentina Perú

f=different,01%f-, Marlena Kudlicka, 2017.

REVOLVERREVOLVER GALERÍA Perú-Argentina Perú

Maqueta de Ceques, Ishmael Randall-Weeks, 2017.

VERMELHO Brasil

Fiume 6 da sĂŠrie Achates, Chiara Banfi, 2015.

VERMELHO Brasil

Faces, Lia Chaia, 2016.

Ch.ACO 2017

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PLANTA Bajo la curatoría de la historiadora chilena Carolina Castro Jorquera, esta sección presenta diferentes proyectos de creación y gestión latinoamericana enfocados en la adaptabilidad y la colaboración, alternativas a las galerías comerciales. “Planta es, como dice su nombre, un ente orgánico donde cada uno de los espacios, con sus artistas y gestores, pueden generar alianzas a largo plazo con sus pares y con los principales coleccionistas de la región”, cuenta Castro Jorquera. “Nuestro objetivo es que este espacio se transforme en un encuentro de proyectos independientes, y se convierta en referente a nivel latinoamericano”. Curated by Chilean art historian Carolina Castro Jorquera, this section presents different Latin American creation and management projects that focus on adaptability and collaboration, as alternatives to commercial galleries. “Planta is, as its name suggests, an organic entity in which each one of the spaces, with its artists and agents, can generate long-term alliances with their peers and the main art collectors in the region,” Castro Jorquera states. “Our objective is for this space to transform itself into a gathering place for independent spaces and projects, and to become a benchmark for all of Latin America.”

CURADOR CURATOR CAROLINA CASTRO JORQUERA Carolina Castro Jorquera (1982, San Felipe, Chile) es curadora e investigadora. en Historia del Arte de la Universidad Autónoma de Madrid, ha cursado el Master Contemporáneo y Cultura Visual del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en (2010) y participado en el 4to Curso Internacional de Curadores de la Bienal de (GBICC), Corea del Sur (2012).

Doctora en Arte España Gwangju

Carolina Castro Jorquera (1982, San Felipe, Chile) is a curator and investigator. She has a PhD in Art History from the Universidad Autónoma de Madrid, a Master Degree in Contemporary Art and Visual Culture from the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía in Spain (2010) and participated in the 4th International Curator’s Course at the Gwangju Biennial (GBICC), South Korea (2012).

NEW SPACES CAROLINA CASTRO JORQUERA

Desde comienzos de 2016, mi rol como curadora de Planta me ha llevado a desarrollar una enriquecedora labor de investigación y observación de las diferentes plataformas de gestión independiente que existen a lo largo de América Latina, así como también a conversar con muchos de los agentes que hoy desarrollan su práctica en este escenario. Para mi sorpresa, ha sido más fácil tener acceso a información sobre las iniciativas que están operando en la región de Centro América y el Caribe que en la de Sudamérica. Al parecer, esto tiene su origen en una anécdota frecuentemente citada que cuenta acerca de la exposición Ante América curada por Gerardo Mosquera en la Biblioteca Luis Ángel Arango de Bogotá, en 19921, en la cual éste no habría incluido artistas centroamericanos, en sus palabras, debido a la poca documentación y a la dificultad local de proporcionar información sobre lo que sucedía en estos países2. La muestra planteó nuevas reflexiones sobre el arte de la región y fue entonces que -por medio de exposiciones, publicaciones e iniciativas curatoriales- para un grupo de destacados profesionales se volvió indispensable iniciar una labor de edificación de la representación regional como un bloque activo y presente en el debate global. El resultado ha sido notorio. Y no sólo ha visibilizado a los artistas centroamericanos, sino que ha puesto en el mapa a toda una región, incluido el Caribe, con proyectos de gestión que hoy son referentes indiscutibles para todo el continente; TEOR/ética en Costa Rica, Diablo Rosso en Panamá, Proyectos Ultravioleta y Kamin en Guatemala y Beta-Local en Puerto Rico, por mencionar algunos3. Todos ellos

Since early 2016, my role as curator of Planta has led me to carry out the fulfilling task of investigating and observing the different independent management platforms that exist throughout Latin America, as well as of speaking to many of the agents who are developing their work in this scenario. To my surprise, it has been easier to gain access to the initiatives that are operating in the regions of Central America and the Caribbean than to the ones operating in South America. Apparently, this tendency originates from a frequently-cited anecdote, which tells of the Ante América exhibition, curated by Gerardo Mosquera at the Luis Ángel Arango Library in Bogota in 19921, in which he failed to include any Central American artists, in his own words, due to the lack of documentation and the local difficulties for providing information about what was going on in those countries2. The exhibition brought up new reflections about art in the region, and it was then that—by means of exhibitions, publications, and curatorial initiatives— a group of renowned professionals made it their topmost priority to initiate the task of building their regional representation as an active and present block within the global debate. The results have been notorious. And not only have these efforts brought Central American artists into the limelight, they have also placed the entire region, including the Caribbean, on the map, with management projects that are currently indisputable benchmarks for the entire continent: TEOR/ética in Costa Rica, Diablo Rosso in Panamá, Proyectos Ultravioleta and Kamin in Guatemala and Beta-Local in Puerto Rico, to mention a few3. All of these have contributed tremendously to diversifying symbolic production places in a scenario in which institutions as we know them aren’t as important as the mobility, relationships, conjunctures and networks that are needed

La exposición se mostró también en el Queens Museum de Nueva York, el Center for the Arts de San Francisco, el MADC de Costa Rica, entre muchos otros lugares. Anécdota relatada por Alicia Zamora Noguera en la publicación Lenguajes Contemporáneos desde Centro América Editado por Luisa Fuentes Guaza y publicado en 2013 por Turner.

The exhibition was also shown at the Queens Museum in New York, the Center for the Arts in San Francisco, MADC in Costa Rica, amongst many other places. An anecdote recounted by Alicia Zamora Noguera in the publication Lenguajes Contemporáneos desde Centro América Edited by Luisa Fuentes Guaza and published in 2013 by Turner.

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NUEVOS ESPACIOS CAROLINA CASTRO JORQUERA

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han ayudado tremendamente a diversificar los espacios de producción simbólica en un escenario donde la institución tal y como la conocemos no importa tanto como la movilidad, las relaciones, las coyunturas y las redes para producir proyectos que promueven el arte en la escena local e internacional. En este nuevo panorama no podemos decir que Sudamérica se ha quedado atrás, puesto a que el estatus quo institucional es muy similar al de nuestros hermanos centroamericanos. El surgimiento de espacios de producción y creación bajo modelos de gestión independiente ha proliferado en los últimos años, transformándose en muchos casos en la herramienta más fértil de difusión y desarrollo del arte contemporáneo local. Iniciativas como Flora ars+natura, en Colombia, y Pivó, en Brasil, se proyectan como importantes referentes de la región, incentivando nuevos modelos de educación artística y prácticas curatoriales. En países como Perú, Argentina, Ecuador y Chile también hay un sinnúmero de proyectos que trabajan en la producción de exposiciones o en la creación de canales de visibilización e infraestructura a nivel local, en vías de posicionarse con fuerza en el escenario internacional. En el caso específico de Chile, y como señala la periodista y fundadora de la plataforma online Artishock Alejandra Villasmil, “son estos espacios sustentables, y raramente las instituciones, los que han demostrado una capacidad real de leer el medio y difundir un arte contemporáneo local con identidad y fuerza. En este sentido, es la autogestión bien llevada un factor relevante y constructivo en la escena chilena, un sistema que activa ciertas capacidades creativas que luego son reutilizadas en otras áreas y con otros propósitos”.4 Si observamos todo el panorama continental, desde Chile hasta México -e incluidas todas las islas y archipiélagos- estas iniciativas son las que están creando nuevos modelos en un terreno institucional que, como en los años noventa, continúa siendo frágil. Es allí donde posiblemente radica el valor de sus modelos, ya que muchos de

in order to produce projects that further art in both local and international scenes. In this new panorama, one can’t say that South America has lagged behind, since the institutional status quo is quite similar to that of our Central American brothers. The emergence of production and creation spaces under independent management models has proliferated over the last years, in many cases becoming the most fertile tool for development and diffusion of local contemporary art. Initiatives such as Flora ars+natura, in Colombia, and Pivó, in Brazil, project themselves as important pacesetters within the region, incentivizing new models of artistic education and curatorial practices. In countries such as Peru, Argentina, Ecuador, and Chile, there are also a countless number of projects that work in the production of exhibitions or in the creation of channels for visibility and infrastructure on a local level, on their way to strongly positioning themselves in the international scene. In the specific case of Chile, and as pointed out by journalist and founder of the online platform Artishock, Alejandra Villasmil, “It is the sustainable spaces, and seldom the institutions, which have demonstrated a true capacity for interpreting the scene and conveying local contemporary art with strength and a sense of identity. In this sense, wellexecuted self-management is a relevant and constructive factor in the Chilean scene, a system that activates certain creative capacities that are then reused in other areas and for other purposes4.” If we observe the entire continental panorama, from Chile to Mexico -and including all of the islands and archipelagos- these initiatives are the ones creating new models within an institutional terrain that, just as in the nineties, continues to be a fragile one. It is there where the value of its models possibly originates, for over time, many of them become “the institution5”, since several factors come together due to economic restrictions: the freedom to develop aesthetically diverse projects —and

Vienen a mi mente también iniciativas que existieron paralelamente en países como Chile, Perú y Argentina, pero que cerraron por diversos motivos, pienso en Galería Chilena, La Culpable e Isla Flotante respectivamente. Villasmil, Alejandra. “Ser autogestor en Chile”. En coleccióncisneros.org

Several initiatives that existed in parallel in Chile, Peru, and Argentina come to mind as well, but which were closed down for diverse motives. I’m thinking of Galería Chilena, La Culpable and Isla Flotante respectively. 4 Villasmil, Alejandra. “Ser autogestor en Chile”. From coleccióncisneros.org 3

especially those that show great openness of opinion towards each place’s social and political affairs—, the professionalism of its agents and artists, and foremost, the knowledge and sensitivity that both can contribute to society. Currently, future projections aren’t as important as they were at the beginning of our “cultural exoticizing”, when our predecessors struggled to explain to the world who we were and what “Latin American” meant. Today, we are autonomous and have managed to turn our precariousness into a tool for productivity. And it is this “productive precariousness” —borrowing the term coined by Guatemalan curator Pablo José Ramírez— which allows us to go beyond the economic limitations, which we have managed to endure through the creation of conceptual economies and the economy of friendship6. Just like in its first edition, Planta’s leitmotiv is to bring together a selection of spaces that, by presenting their artists, invite others members of the art world that come together at Ch.ACO —such as collectors, art dealers, and museum directors, amongst others— to question themselves and understand why spaces directed by artists, curators, or independent agents play a central and distinctive role in visual arts culture, and how these present a complex, heterogeneous, and necessary set of alternatives to artistic institutions, museums, and commercial galleries. It is clear that these operate differently whether they are at their places of origin or within the context of the Fair, but this change makes this phenomenon even more interesting to observe and analyze, raising questions such as: What positions do self-managed spaces currently occupy within the field of contemporary art?

5 Uso comillas ya que si bien utilizar la palabra institución resulta útil para entender la importancia que la iniciativa independiente toma, ésta involucra a su vez responsabilidades y significados muy alejados de los que un espacio independiente puede cumplir. 6 La economía conceptual es un término utilizado por los artistas Felipe Mujica, Johanna Unzueta y Karin Mundt que define como modo de colaboración la confrontación de ideas para la construcción de un contexto más amplio y generoso. La economía de la amistad es un concepto que aparece constantemente en la conversación sobre gestión independiente en América Latina, donde los vínculos afectivos se han convertido en un importante recurso de articulación de comunidad para la confección de nuevos espacios. (Fuentes Guaza, Luisa. “El vínculo como recurso–herramienta”. En coleccióncisneros.org )

I use quotation marks here because although using the word institution is useful for understanding the importance of independent initiatives, it also involves responsibilities and meanings that lie far from what an independent space may fulfill. 6 Conceptual economy is a term used by artists Felipe Mujica, Johanna Unzueta and Karin Mundt to define the confrontation of ideas for the construction of a broader and more generous context as collaboration. The economy of friendship is a concept that comes up frequently in conversations regarding independent management in Latin America, where affective bonds have become an important resource for articulating the community towards the elaboration of new spaces. (Fuentes Guaza, Luisa. “El vínculo como recurso–herramienta”. From coleccióncisneros.org ) 5

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ellos se convierten con el tiempo en “la institución”5, puesto a que como consecuencia de las restricciones económicas confluyen en un mismo lugar la libertad de desarrollar proyectos de diversas estéticas -y sobre todo de gran apertura de opinión frente a los acontecimientos políticos y sociales de cada lugar-, el profesionalismo de sus gestores y artistas y, principalmente, el conocimiento y sensibilidad que ambos pueden aportar a la sociedad. Actualmente las proyecciones a futuro no importan tanto como en los comienzos de nuestra “exotización cultural”, cuando nuestros antecesores luchaban por explicar al mundo quiénes éramos y como se definía “lo latinoamericano”. Hoy somos autovalentes y hemos conseguido hacer de nuestra precariedad una herramienta de productividad. Y es esa “precariedad productiva” -acuñando el término del curador guatemalteco Pablo José Ramírezla que nos está permitiendo traspasar las limitaciones económicas, que bien hemos sabido sobrellevar mediante la creación de economías conceptuales y de amistad6. Como en su primera edición, el leitmotiv de Planta es reunir una selección de espacios que mediante la presentación de sus artistas invitan a aquellos otros integrantes del mundo del arte que confluyen en Ch.ACO -como coleccionistas, galeristas y directores de museos, entre otros- a preguntarse y comprender por qué los espacios dirigidos por artistas, curadores o gestores independientes son una parte central y distintiva de la cultura del arte visual y cómo éstos presentan un conjunto complejo, heterogéneo y un necesario set de alternativas a la institución artística, el museo y la galería comercial. Está claro que ellos operan de manera diferente en sus lugares de origen que en el contexto de la feria, pero es este cambio el que

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vuelve este fenómeno aún más interesante de observar y analizar, despertando preguntas como qué posición ocupan actualmente los espacios autogestionados dentro del campo del arte contemporáneo; si deberían estar en oposición o en paralelo a otras estructuras del mundo del arte; cómo se atribuye el valor a estas prácticas a menudo transitorias y si este valor se reconoce dentro del campo; cómo se organizan estos espacios y si pueden los espacios autogestionados desarrollarse y sostenerse sin necesidad de institucionalizarse y qué aportan los espacios autogestionados a la ecología de la sociedad civil. ¿Qué podemos decir acerca de las trayectorias futuras o esperadas? El futuro siempre le carga el peso al presente. Puede resultar preocupante la fugacidad y corta vida de muchos de estos proyectos, pero al mismo tiempo esta característica es parte de la constante transformación de la materia y la energía, que cuando deja de estar concentrada en un esfuerzo específico se disemina y se va a otros lugares. Las condiciones de vida de cada una de estas iniciativas son diferentes, ya que los modelos que funcionan en un país, ciudad o barrio no necesariamente son exitosos en la localidad vecina. Porque a diferencia de las galerías del circuito comercial -que tienen un comportamiento más predecible y homogéneo- aquí siempre nos encontramos con la riqueza de lo inesperado, que obliga a estar constantemente probando formas diferentes de hacer, pensar y compartir. Planta es una invitación a observar y estar abierto a esa transformación.

Should they stand in opposition or operate in parallel to the other structures of the art world? How should one place value these often transitory practices, and is this value recognized within the field? How are these spaces organized, and can self-managed spaces develop and sustain themselves without the need for institutionalizing themselves? And finally, what do self-managed spaces contribute to the ecology of civil society? What can we say about future or expected trajectories? The future never ceases to weigh down on the present. The transience and short lifespan of many of these projects may seem worrisome, but at the same time, this characteristic is part of the constant transformation of matter and energy, which when liberated from one specific effort, is disseminated and spread out to other places. The conditions for the survival of each one of these initiatives are different, since the models that work in one country, city, or neighborhood aren’t necessarily successful in the neighboring locality. Because unlike galleries belonging to the commercial circuit —which tend to behave in a more homogeneous and predictable manner—, here we can always find ourselves uncovering the treasure of what is unexpected, which forces us to be constantly trying out different ways of doing, thinking, and sharing. Planta is an invitation to observe and remain open to this transformation.

BIG SUR Argentina

DIRECTOR DIRECTOR

Álvaro Cifuentes

ARTISTAS ARTISTS

Denise Groesman Luis Hernández Mellizo Mariana Ferrari

Big Sur Books is a Latin American contemporary art publishing house located in Buenos Aires, Argentina, which has been putting out printed publications since 2011 together with artists, who also mount exhibitions in their gallery space or with whom they reach an agreement for the production of the material. BSB selects pieces, edits, generates contents and decides on format and materials with the artist’s consensus, as a result of both parties’ interest inproducing the publication, whether these are fanzines, posters, short print runs of special editions or original artist books.

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Big Sur Books es una editorial de arte contemporáneo latinoamericano ubicada en Buenos Aires, Argentina, que desde 2011 edita publicaciones impresas en conjunto con artistas, quienes también realizan exhibiciones en el espacio de galería o con quienes se llega a un acuerdo para la producción del material. BSB selecciona las obras, edita, genera el contenido y decide el formato y los materiales en consenso con el artista, como resultado del interés de ambas partes por producir la publicación, ya sean fanzines, posters, ediciones especiales de pocos ejemplares o libros de artistas originales.

KM 0.2 Puerto Rico Km 0.2 es un espacio de taller y una plataforma de exhibiciones sin fines de lucro ubicado en Santurce, Puerto Rico. El espacio fue fundado en diciembre de 2015 por los artistas Karlo Andrei Ibarra y Yiyo Tirado Rivera y tiene como misión la exhibición, investigación y elaboración de prácticas artísticas contemporáneas específicamente de Centroamérica, Latinoamérica y el Caribe. Desde su fundación, en el año 2015, Km 0.2 ha realizado un total de once exhibiciones, colectivas e individuales, con la participación de artistas como Radamés Juni Figueroa, Jonathan Harker y Donna Conlon, Oscar Figueroa, José Castrellón, Fernando y Angel Poyón Cali, entre otros. DIRECTORES DIRECTORS

Karlo Andrei Ibarra Roberto “Yiyo” Tirado

ARTISTAS ARTISTS

Karlo Andrei Ibarra Roberto “Yiyo” Tirado Sofía Gallisá Muriente

Km 0.2 is a workshop space and a nonprofit exhibition platform located in Santurce, Puerto Rico. The space was founded in December 2015 by the artists Karlo Andrei Ibarra and Yiyo Tirado Rivera. Km 0.2 mission is the exhibition, research and development of contemporary artistic practices specifically in Central America, Latin America and the Caribbean. Since its foundation in 2015, Km 0.2 has made a total of eleven exhibitions including collective and individual projects with the participation of artists as Radames Juni Figueroa, Jonathan Harker and Donna Conlon, Oscar Figueroa, José Castrellón, Fernando and Angel Poyón Cali, among others.

80 mt Chile

PANAM Chile

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Galería Panam es un espacio independiente en pleno centro de Santiago dedicado a la difusión, experimentación y promoción de las artes visuales. Creado y dirigido por la artista y productora de exposiciones Ana Sanhueza, tiene como fin consolidar un espacio para el arte, difundir la obra de artistas contemporáneos activos en el contexto cultural, consolidarse como un espacio de arte que prioriza el valor artístico y la coherencia de la muestra, mas allá del afán especifico de venta, e implementar una infraestructura para la profesionalización de los artistas DIRECTORA DIRECTOR

Ana Sanhueza

ARTISTAS ARTISTS

Alejandra Araya Ángela Castillo Claudio Muñoz Oyarce Carolina González Edwards Estay

Panam Gallery is an independent artistrun space dedicated to the promotion of visual arts as an alternative space in downtown Santiago, Chile. Created and directed by artist and exhibition manager, Ana Sanhueza, its mission is to promote the work of contemporary artists, active in our local art scene; to consolidate a space for art practices prioritizing the artistic value and coherence of the exhibit over its commercialization and to implement infrastructure that offers opportunities to a strong and flourishing art community.

Enrique Flores Ivo Vidal Javier Mansilla Marcela Fuentealba María José Rojas

María Paz García Mario Z Melania Lynch Pamela Alvarado Álvarez Robinson Carrasco

Ch.ACO 2017

PASTO Argentina Pasto es una galería y una plataforma de diseminación de arte contemporáneo latinoamericano. En un país con un mercado en vías de desarrollo, asume su rol fundamental como plataforma de encuentro y difusión y emplea esa potencia para visibilizar prácticas y miradas divergentes. La programación incluye tanto exposiciones individuales como colectivas, proyectos curatoriales y de investigación. Pasto participa de ferias nacionales e internacionales y apuesta especialmente al mercado latinoamericano con el objetivo de contribuir a la creación de lazos entre artistas, curadores, críticos y coleccionistas de América del Sur. DIRECTOR DIRECTOR

César Abelenda

ARTISTAS ARTISTS

Agustín González Goytía Ariel Cusnir Donjo León Erica Bohm Estefanía Landesmann

Pasto is a gallery and a platform for the dissemination of contemporary Latin American art. In a country with a developing market, it assumes its fundamental role as a meeting and dissemination platform and uses that potential to provide visibility to divergent practices and ideas. The program includes both solo and group exhibitions, curatorial and research projects. Pasto participates in national and international fairs and focuses especially on the Latinoamerican market with the aim of contributing to the creation of boundaries between artists, curators, critics and collectors of South America.

Gimena Macri Gustavo Nieto Juan Sebastián Bruno Laura Ojeda Bär Lucas Simoes

Martín Carrizo Pablo Cavallo Víctor Florido

80 mt Chile

Piedras es un espacio de producción, exhibición y comercialización de arte contemporáneo que funciona en la ciudad de Buenos Aires desde 2014. El proyecto busca nuevas formas de pensar el arte y brindar posibilidades y visibilidad a artistas emergentes. Además, es una plataforma de diálogo y mediación que plantea unir proyectos de distintas latitudes mediante el intercambio de actividades, posibilitando así el cruce de experiencias según cada contexto. Sumado al calendario anual de exhibiciones, en 2017 se lanzó el programa Residencia Palacio Piedras, instancia para el desarrollo de propuestas artísticas y de investigación que funciona como laboratorio de ideas y experimentación.

DIRECTORES DIRECTORS

Rafael Beltrán Santiago Gasquet

ARTISTAS ARTISTS

Beto Álvarez Constanza Giuliani Estrella Estévez Guido Yannitto

Piedras is an artist-run gallery established by Rafael Beltrán and Santiago Gasquet in 2014. The gallery opened in San Telmo, Buenos Aires, as a testing space for experimental art shows. During 2014, the project moved to a new space on the 4th floor of a historic building, designed by architect Mario Palanti. The gallery specializes in work by emerging and mid-career artists experimenting with interdisciplinary practices. Consciously working with a small number of artists, we are able to closely collaborate with the creators and present work using a variety of media and approaches. Aside from exhibitions, Piedras works as a dialogue and exchange channel, working together with different initiatives by managing workshops, art fairs, parties and residencies.

Mónica Heller Santiago Gasquet Teresa Giarcovich

SAGRADA MERCANCÍA Chile Sagrada Mercancía es un colectivo de carácter autónomo y autogestionado formado en el año 2010, cuyo objetivo es generar un espacio crítico de reflexión estética que promueva la producción, exhibición e inscripción de obras de arte independiente y abrir un campo de poder en un plano espacial y temporal, a través de un proceso de inserción contextual y autoral de nuevas propuestas visuales. Desde 2014, está instalado en un garage acondicionado como espacio de proyectos artísticos ubicado en Santiago Centro. DIRECTORES DIRECTORS

Adolfo Bimer César Vargas Santiago Cancino Víctor Flores

ARTISTAS ARTISTS

Adolfo Bimer Adolfo Martínez Jessica Briceño Matías Solar

Sagrada Mercancía is an autonomous and self managed collective formed in 2010. Their objective is to set a critic space for aesthetic reflection that promotes production, exhibition and inscription of independent artworks and create a field of power in a spatial and temporal space, carrying a process of contextual and authorial insertion of new visual proposals. Since 2014 they work in a garage located in downtown Santiago.

Santiago Cancino Sofía de Grenade Víctor Flores

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PIEDRAS Argentina

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TOKIO GALERÍA Perú Tokio Galería nace a fines del 2016 de manera virtual y es recién en abril del siguiente año que acciona una serie de eventos relacionados a exposiciones, residencias, recitales, mesas de debate o cualquier formato que congregue gente en un mismo lugar. Su nombre se debe a la segunda novela de Ray Loriga: Tokio ya no nos quiere, que cuenta la historia de un comerciante de una droga sintética que hace olvidar los malos recuerdos.

Tokio Galería was born by the end of 2016 as a virtual platform. In April of the next year, it took action through a series of events related to exhibitions, residences, recitals, discussion tables, and other formats that have one aim in common: bringing people together in a shared space. The name was taken from Tokyo Doesn’t Love Us Anymore, Ray Loriga’s second novel, that tells the story of a fellow who roams the globe selling a miracle substance that erases bad memories.

DIRECTOR DIRECTOR

Emilio Vargas Vera

CO-DIRECTOR CO-DIRECTOR

Alexander Neumann

ARTISTAS ARTISTS

Adrián Pijoan Aldair Indra Aaron López Alexander Neumann Emilio Vargas Vera Frances Munar Aparicio Jimena Brescia Rodrigo Carazas Portal

GALERISTA GALLERY MANAGER

Daniella Rangel

Ch.ACO 2017

TOTORAL LAB Chile Totoral Lab es una galería interesada en explorar principalmente el paisaje. Se encuentra inmersa en un bosque ubicado en el litoral central de Chile, entre Algarrobo y el Totoral, donde se realizan proyectos site specific. Además de ser un espacio de exposiciones, ofrece un programa de residencias con artistas nacionales e internacionales, en el que los artistas desarrollan trabajos en contacto con la naturaleza y sus 5.000 m2 albergan instalaciones, excursiones plein air, esculturas y performances. Desde sus inicios, su principal objetivo ha sido la investigación de nuevos medios, orientando los procesos creativos hacia la experimentación y cruce interdisciplinario. DIRECTOR DIRECTOR

Felipe Quezada

ARTISTAS ARTISTS

Cristián Velasco Javiera da Fonseca Michael Edwards

This gallery´s main interest is in landscape. Situated in a forest in the central coast of Chile, between Algarrobo and Totoral, they develop site specific projects and land art, offering a programme of exhibitions, art residencies and cultural events that engage local and international artists. The gallery gives space to develop the work in contact with nature: 5.000 m2 have been housing of instalations, open air excursion, sculpture and performances. From their beginnings, they have been interested in researching new art forms, focusing the processes on experimentation and cross-disciplinary projects.

Mono Lira Mr. Trafixxx Rolando Cisternas

UV Argentina

DIRECTORA DIRECTOR

Violeta Mancilla

ARTISTAS ARTISTS

Agustín Ceretti Básica TV Emilio Bianchic Fede Cantini

UV is constantly growing and defining itself. In this project, work, research and exhitions are combined with an eternal celebration of visual arts. UV is a search for unexpected surprises in caos and the continuous production of new ideas, where risk is law.

Guzmán Paz Hoco Huoc Jair Jesús Toledo Lolo y Lauti

Luciano Demarco Maruki Nowacki Rodri y Lenny 173 / 276

UV es un proyecto en constante construcción y definición. Un proyecto de trabajo, investigación y exposición en convivencia, un cumpleaños eterno del arte. UV es la búsqueda de la sorpresa en el caos de la producción de ideas, donde el riesgo es ley.

BIG SUR Argentina

Artistas del mundo unĂos, Luis Hernandez Mellizo, 2017.

LT A

FO TO

BIG SUR Argentina

Sin tĂtulo, Mariana Ferrari, 2017.

KM 0.2 Puerto Rico

Embelecos, Sofía Gallisá Muriente, 2017.

KM 0.2 Puerto Rico

B-roll, Sofía Gallisá Muriente, 2017.

PANAM Chile

Bull, Edwards Estay, 2015.

PANAM Chile

Techno Future Dream, Javier Mansilla, 2016.

PASTO Argentina

El foco estรก en infinito, Erica Bohm, 2011-2016.

PASTO Argentina

Cruz de prova, Lucas Simoes, 2017.

PIEDRAS Argentina

La cena, Constanza Giuliani, 2017.

PIEDRAS Argentina

Bola de plantas medicinales, Santiago Gasquet, 2015.

SAGRADA MERCANCร A Chile

Fosa (pieza nยบ 3), Santiago Cancino, 2017.

SAGRADA MERCANCÍA Chile

Sin título, Sofía de Grenade, 2017.

TOKIO GALERÍA Perú

Paisaje, Emilio Vargas, 2017.

TOKIO GALERÍA Perú

Paisaje, Alexander Neumann, 2017.

TOTORAL LAB Chile

Conversar con la montaña, Cristián Velasco & Mr. Trafixxx.

TOTORAL LAB Chile

Roca negra de los Andes sobre acuarela, Mr. Trafixxx.

UV Argentina

Beso enfermizo, Paz Guzmรกn, 2017.

UV Argentina

Ch.ACO 2017

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NAVE DE EDICIONES Con el objetivo de visibilizar y legitimizar el rol que cumplen las editoriales en la escena artística, Nave de Ediciones reúne publicaciones nacionales e internacionales especializadas en arte contemporáneo. Curada por Camila Opazo, directora de la revista chilena Tonic, en su segunda versión la sección tratará el tema del libro objeto o libro de artista. “Nuestra invitación es a volver a mirar las publicaciones como un espacio de tiempo y reflexión, además de valorar la posibilidad de que lo impreso permite que las obras de arte o la propuesta de cada autor puedan viajar por el mundo a menor costo, sin perder la relación personal con el espectador”, cuenta Opazo. With the objective of highlighting and legitimizing the role that publications play in the art scene, Nave de Ediciones brings together national and international publications that specialize in contemporary art. Curated by Camila Opazo, director of the Chilean magazine Tonic, the second version of this section shall address the subject of book objects and artists’ books. “Our invitation is to look at publications once again as a space for time and reflection, as well as to appreciate the possibility that printed materials allow for works of art or each author’s proposals to travel throughout the world at a lower cost, yet without losing a personal relationship with the spectator,” Opazo says. CURADOR CURATOR CAMILA OPAZO Licenciada en Artes visuales, ha participado y gestionado iniciativas independientes como KM-0 colectivo de artistas, creando exhibiciones nacionales e instancias de diálogo y ampliación a concursos. En 2014, fue Directora Comercial de galería AFA y en 2015 fundó junto a un equipo Revista TONIC, donde oficia como Directora general y Editora. Camila Opazo has a Bachelor’s degree in Visual Arts and has participated in and managed independent initiatives, such as the KM-0 artists’ collective, producing national exhibitions, instances for dialogue and extension into contests, In 2014, she worked as Commercial Director of AFA Gallery and in 2015, together with a group of partners and international collaborators she founded TONIC magazine, where she works as General Director and Editor in Chief.

PRINTED ART CAMILA OPAZO

Las publicaciones han sido un espacio controversial a lo largo de la historia de la humanidad. Es el objeto que contiene, resguarda, hace permanente y re-visitable el pensamiento y el imaginario humano, transformándose en el principal formato de conservación de los movimientos de vanguardia y revoluciones políticas y culturales. Dentro del universo de las publicaciones, el libro objeto o libro-arte ha sido una importante veta a investigar. Hay muchas versiones de cuándo se manifestó por primera vez; algunos nombran los escritos de Da Vinci, otros la Caja Verde de Duchamp. Pero lo que sí podríamos afirmar, es que la importancia del libro-objeto se manifiesta en la década de los sesenta y ésta está totalmente relacionada con su idoneidad como estrategia de difusión y democratización del arte. El tener un costo inferior al de una obra y su versatilidad creativa, le ha permitido lograr altas cotas de público. Esto se puso en cuestionamiento en los años noventa con la llegada de la era digital, época en la que el mundo pensó que el libro como objeto había llegado a su fin, así como también se postuló sobre la pintura. Ambas disciplinas pensaron ser relegadas a la categoría de antiguos. La lucha por la idea de la democratización generó varios conflictos en el medio editorial, y fue en ese minuto donde el libro-objeto volvió a interrumpir la escena uniendo los pensamientos de piezas únicas con el objetivo de parar un consumismo desenfrenado. A partir de eso, lograron la presencia del consumo con una inflexión; en la relación de pertenencia entre el lector y la publicación. Luego de esto, en 2013 se vivió un estancamiento del 25% de los libros digitales, lo que permitió generar una nueva y desafiante problemática estetica para los editores. Me parece interesante unir esta breve historia del libro objeto versus el libro digital para hacer una analogía con el actual crecimiento de las distintas sociedades que han propiciado los movimientos intrafronterizos de los artistas, mas no necesariamente de las obras de arte. La exigencia de la simultaneidad y de la rapidez de la imagen ya no atañe sólo a lo digital. Se ha hecho cada vez más

Publications have been a controversial subject throughout the history of mankind. They are the objects that contain and safeguard human thought and imagination, making them permanent and revisitable, and have become the main format for preserving avant-garde movements, as well as political and cultural revolutions. Within the universe of publications, the book object or artist book is an important area for examination. There are several versions that account for when this format appeared for the first time: some name the writings of Da Vinci, whilst others point to Duchamp’s Green Box. But what we do know for certain is that the importance of the book object was manifested during the sixties, and that this was completely related to its adequacy as a strategy for the dissemination and democratization of art. Its creative versatility, along with its lower costs in comparison to works of art, gave it the capability of reaching larger audiences. This was called into question during the nineties with the arrival of the digital era, a period in which the world thought that the era of books as objects had come to an end — just as it was once predicted for painting. Both disciplines were ready to be demoted to a thing of the past. The struggle towards the idea of democratization generated several conflicts in the publishing world, and it was then that the book object irrupted into the scene once more, combining thoughts about unique pieces with the objective of putting a halt to unbridled consumerism. With this, a turning point in the presence of consumerism was reached, in the sense of ownership between reader and publication. After that, in 2013, a 25% stagnation in digital book sales took place, which generated a new and challenging aesthetics conundrum for publishers. I find it interesting to pair this brief history of book objects versus digital books in order to form an analogy between this and the current growth of the different societies that have nurtured artists’ movements across borders, yet not necessarily works of art themselves. The demand for simultaneity and speed in regard to images is no longer just a concern for digital media. The return to paper,

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ARTE IMPRESO CAMILA OPAZO

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importante la vuelta al papel, al archivo y la proyección de la memoria frente a la realización del arte contemporáneo como actual y futuro foco de estudio. Es por esto que la publicación como “objeto” de viaje se ha vuelto una disciplina fundamental para los diálogos de las artes. Hoy en día el libro de artista nos permite identificar una obra donde se pueden depositar diferentes técnicas, expresar uno o varios conceptos de forma lineal con diferentes herramientas de discurso visual y rítmica de lectura. Esto permite obtener una obra en reducido formato, la que se puede guardar dentro de una maleta y ser llevada hacia otro sitio, propiciando la inicial idea de la democratización de las artes visuales y la actual necesidad de simultaneidad. Editoriales pondrán sobre sus mesas ejemplares que acompañan esta teoría. Por otra parte nos enfrentamos también a la publicación como objeto: publicaciones con directrices llevadas hacia las revistas, fanzines, bookzines, entre otros, que se han transformado en el nuevo centro de propuestas, tanto visuales como intelectuales. En varias de las actuales publicaciones de periodicidad determinada, encontramos expuesto el concepto general que evoca a diferentes artistas y obras creando una línea de pensamiento y nuevas preguntas en base a un contexto determinado. La transportabilidad de este tipo de publicaciones permite generar en diferentes puntos del mundo conversaciones en torno a la idea, propuesta que complementada con la diversidad de artistas publicados genera una rápida proliferación de la visualidad de diferentes contextos. Para esto contaremos con ejemplos donde podremos ver el ejercicio del planteamiento de conceptos como coleccionismos, artes, diseño, patrimonio, y procesos de producción latinoamericano, entre otros. En ambos casos, el viaje de la publicación se remite al nuevo formato de trasladar una obra de arte, conceptos e investigaciones actuales del campo de las artes visuales, diseño y patrimonio proponiendo una transversalidad de espectadores e incentivando una apertura de las diferentes disciplinas a las más variadas regiones del mundo.

archives, and the projection of memory has become more and more important in the face of conducting contemporary art practices as a current and future focus of study. It is for this reason that publications that are regarded as traveling “objects” have become a fundamental discipline for art dialogues. Today, the artist book allows us to identify a work of art that can display different techniques and express one or several concepts in a linear fashion with different tools for visual discourse and reading rhythm. The result of this is a work of art in a reduced format, which can be stored inside a suitcase and transported to a different place, thus fostering the initial idea of the democratization of visual arts and the current need for simultaneity. Publishers shall present copies of their publications that convey this theory. On the other hand, we are also addressing publications as objects: publications that lean towards magazines, fanzines, and bookzines, amongst others, which have become the new central focus for proposals, both visual and intellectual. In several periodical publications, we can find a general concept that evokes different artists and pieces by creating a line of thought and new questions based on a determined context. The portability of these kinds of publications allow for conversations on a determined idea to be generated at different points around the world, a proposal that, when complemented with the diversity of published artists, generates a quick proliferation of the visualization of different contexts. For this purpose, we have also invited magazines in which we shall be able to appreciate the exercise of proposing concepts such as collecting, art, design, patrimony, and Latin American production processes, amongst others. In both cases, a publication’s journey remits to a new format for transporting a work of art, concepts, and current investigations in the field of visual arts, design, and patrimony, proposing transversality in its spectators and inspiring different disciplines to open up to the most varied regions of the world.

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EQUIPO TEAM

ALIAS México

Damián Ortega Olga Rodríguez Claudia Romero Christian Burgos Marek Wolfryd Alias is an editorial project conceived by Damián Ortega, who publishes texts which he considers to be valuable contemporary art references. Creations that have not been translated, printed, and disseminated in Spanish, or also, whose previous editions have been discontinued or have never been distributed in México. Alias also addresses contemporary art through its collection Antítesis, which consists of its own publications on Mexican artists. Alias is a non-profit organization.

Hélio Oiticica, Alias

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Alias es un proyecto editorial, concebido por Damián Ortega, que publica textos que considera referencias valiosas del arte contemporáneo. Creaciones que no han sido traducidas, impresas y difundidas en habla hispana; o bien, cuyas ediciones anteriores están descontinuadas o nunca han sido distribuidas en México. Alias también se acerca al arte contemporáneo con su colección Antítesis, de ediciones propias sobre artistas mexicanos. Alias no tiene fines de lucro económico.

Ch.ACO 2017

Marcel Broodthaers, Alias

Pantera Negra, Alias

ARTNEXUS Colombia/EE.UU

Published since 1976, ArtNexus is a leading magazine for Latin American art. Each edition includes articles written by academics, critics, and museum curators, and is an indispensable referent for the Latin American art market. ArtNexus has been circulating continuously for the past 39 years, in English and Spanish on a quarterly basis.

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ArtNexus es la revista líder de arte latinoamericano publicada desde 1976. Cada número incluye textos escritos por académicos, críticos y curadores de museos y es una referencia indispensable para el mercado del arte latinoamericano. ArtNexus circula ininterrumpidamente desde hace 39 años, trimestralmente en inglés y español.

Edición 105

Edición 106

EQUIPO TEAM

BIG SUR BOOKS Argentina

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Álvaro Cifuentes Bettina Pavetti María Sibolich Víctor López Zumelzu Big Sur Books es una editorial de arte contemporáneo latinoamericano ubicada en Buenos Aires, Argentina, que desde 2011 edita publicaciones impresas en conjunto con artistas, quienes también realizan exhibiciones en el espacio de galería o con quienes se llega a un acuerdo para la producción del material. BSB selecciona las obras, edita, genera el contenido y decide el formato y los materiales en consenso con el artista, como resultado del interés de ambas partes por producir la publicación, ya sean fanzines, posters, ediciones especiales de pocos ejemplares o libros de artista originales.

Ch.ACO 2017

Instrucciones de uso, Andy Fasoli y Mariano Gilmore

Un Artista, Malena Pizani

DANILO MONTANARI EDITORE Italia

EQUIPO TEAM Danilo Montanari Serena Oliva

Danilo Montanari Editore, in Ravenna, has been operating steadily since 1980, and has published about 800 titles in the field of contemporary art, photography and artist’s books. In addition to established authors such as Alighiero Boetti, Maurizio Cattelan, Giulio Paolini and Sol Lewitt, among others, the catalogue also includes new players in the international art scene, such as Flavio De Marco, Riccardo Benassi and Paolo Ventura. 199 / 276

Ubicados en la ciudad de Ravenna, la casa editorial Danilo Montanari Editore ha operado de manera continua desde 1980, publicando más de 800 títulos relacionados al arte contemporáneo, la fotografía y libros de artista. Entre sus títulos se encuentra el trabajo de consolidados autores, como Alighiero Boetti, Maurizio Cattelan, Giulio Paolini y Sol Lewitt, entre otros, además de nuevos talentos de la escena del arte internacional, como Flavio De Marco, Riccardo Benassi y Paolo Ventura.

Alex & Me, James Pfaff

Behind the walls, Paolo Ventura

EQUIPO TEAM

EDICIONES POPOLET Chile

Ignacio Gatica Martin La Roche Dong Young Lee

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Popolet es una editorial independiente basada en Chile, que busca difundir y promover libros y objetos que plasman la nueva escena artística santiaguina. El proyecto editorial pretende extender los lenguajes gráficos tradicionales y proponer nuevas formas de difusión que tengan una relación íntima con la obra misma. Es importante que el objeto editorial sea una obra en sí misma, y así se presentan afiches, libros, vinilos, zines, cajas, trípticos, desplegables, poleras y otros formatos no tradicionales.

Paso, Aníbal Bley

Ch.ACO 2017

Ghost Pavillion, Ediciones Popolet

Popolet is an independent publishing house based in Chile, which seeks to distribute and promote books and objects that portray Santiago’s new art scene. The publishing project seeks to expand traditional graphic languages and propose new forms of dissemination that are intimately related to the work itself. It is important for a published object to be a work of art in itself, and following this line of thought, Popolet also presents fliers, books, vinyl records, zines, boxes, triptychs, fold-outs, t-shirts and other non-traditional formats.

FLACH Chile

EQUIPO TEAM Carlos Borlone Javier Godoy Fajardo Soledad Abarca

Flach works under the concept of store/gallery as an intermediate space for the diffusion and circulation of Chilean and Latin American authors and photography. It is a platform that works with self-managed projects, with an emphasis on those coming from places other than Santiago, as a way of balancing and exhibiting the state of national art with regard to photography and its exponents.

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Flach trabaja bajo el concepto de tienda/ galería como un espacio intermedio de difusión y circulación de autores y obra fotográfica nacional y latinoamericana. Es una plataforma que acoge proyectos autogestionados y con un énfasis en trabajos de regiones, como forma de equilibrar y visibilizar el estado del arte nacional en cuanto a la fotografía y sus exponentes.

La Manzana de Adán, Paz Errázuriz

INSTANTES GRÁFICOS Argentina

EQUIPO TEAM Carla Rey Mariana Rodríguez Noelia Papastavros Carola Ferloni Magdalena Testoni Instantes Gráficos is a network of artists who work in the language of the artist’s book. Directed by Carla Rey, it stands out for a deep research and experimentation on their work. Each new book involves a new search for forms, resources. Hence the focus of production, for Instantes Gráficos this is the formula: The artist’s book is a work of art.

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Instantes Gráficos es una red de artistas que trabajan en el lenguaje del libro de artista. Dirigida por Carla Rey, se destaca por su profundo trabajo de investigación y experimentación. Cada libro nuevo implica una nueva búsqueda de formas, de recursos. De ahí el enfoque de la producción, para Instantes Gráficos ésta es la fórmula: El libro de artista es una obra de arte.

Agua centinela, Marie Benaim

Te ofrezco, Claudia Stile

Ch.ACO 2017

Libros objetos-vidrio, Lilian Margulis

EQUIPO TEAM

MEIER RAMIREZ Perú

Meier Ramirez tiene como objetivo trabajar con artistas peruanos e internacionales, con el fin de traducir las ideas detrás de cada uno de sus proyectos a un lenguaje editorial. Desde el año 2017 todas sus ediciones limitadas forman parte de los archivos del Solomon R. Guggenheim Museum y del MoMA The Museum of Modern Art en Nueva York. Trabajan con diversas disciplinas artísticas dentro de su programa editorial, por lo que el equipo está conformado por un grupo de diseñadores, escritores y editores, cuya intención es producir una serie de publicaciones como vinilos, fanzines y libros de autor.

Meier Ramirez is a publishing platform where Peruvian and international artists, jointly translate into an editorial language the ideas behind each of their artistic projects. In 2017 all their limited edition Artist’s Books were included in the Solomon R. Guggenheim Museum and the MoMA The Museum of Modern Art - Nueva York archives. As they work with diverse artistic disciplines, a team of designers, writers and editors has been assembled to produce a series of publications that can range from vinyl records, to fanzines and artist books.

Arquitectura del humo, Ximena Garrido-Lecca

País con futuro, José Luis Martinat

Cuento elegante, Andrés Marroquín Winkelmann

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Andrés Marroquín Winkelmann Humberto Delgado Andrea Olortegui Amanda del Carpio

NARANJA LIBRERIA Chile

EQUIPO TEAM

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Sebastián Arancibia Sebastián Barrante

Naranja es una librería y editorial ubicada en Santiago de Chile, dedicada a la investigación, difusión, creación y comercialización de libros de artista, libros objeto y publicaciones experimentales donde contenido y objeto se encuentran en comunión en torno al mensaje que el autor quiere transmitir. Su catálogo está compuesto en gran medida por obras de autores chilenos que exploran las posibilidades del libro llevando al extremo sus cualidades formales. Además, cuentan con obras de editoriales brasileñas, mexicanas y españolas.

Naranja is a bookstore and publishing house located in Santiago, Chile. It is dedicated to the investigation, dissemination, creation and commercialization of artist books, book objects,and experimental publications in which the object and its contents commune around the message that the author wishes to transmit. Its catalog consists greatly of works by Chilean authors that explore the book’s possibilities, pushing the envelope in terms of their formal features. In addition to this, Naranjo also sells works by Brazilian, Mexican, and Spanish publishing houses.

“Alquimia”, Guillermo Núñez

Ch.ACO 2017

La imagen es el residuo de mi reflexión, Sebastián Barrante.

EQUIPO TEAM

REVISTA MÁRMOL Chile

Mármol es una revista bianual enfocada en interiores y personas que, a través de conversaciones y ensayos fotográficos, explora la manera en que los lugares que habitamos y los objetos que poseemos definen y hablan de quiénes somos. Lanzada en mayo de 2016, cuenta con una red de colaboradores de diferentes disciplinas –entre éstos hay escritores, cineastas, ilustradores y diseñadores– y sus contenidos, editados en español, son producidos en distintas ciudades de Latinoamérica.

Sección portafolio

Revista Mármol Nº 01, 02 y 03

Mármol is a biannual magazine that focuses on the relationship creative people from Latin America have with their living and working spaces. Through photo essays and conversational-style interviews, Mármol explores how the places in which we live and the objects with which we surround ourselves define us. The publication was launched in May 2016, and is based in Santiago, Chile. Its contents are produced in different cities, especially in Latin America, by a range of contributors from different fields, such as writing, film, illustration, photography and design.

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Cristóbal Palma Rodrigo Bravo Sofía Aldea

SOCIOS FUNDADORES Argentina

EQUIPO TEAM Jacqueline Golbert Pablo Petkovsek Martina Juncadella

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Socios Fundadores es una editorial de poesía, narrativa y ensayo, asentada en Buenos Aires desde 2016. Socios Fundadores busca visibilizar nuevas voces de Argentina, Latinoamérica y Estados Unidos. Uno de los objetivos es publicar primeros libros; varios de nuestros autores proceden de distintos campos artísticos y se mueven de manera periférica. Para cada edición se invita a un artista visual para diseñar la tapa, concibiendo el todo como un objeto de arte.

Socios Fundadores is a publishing project, focused on poetry, narrative and essays, based in Buenos Aires since 2016. One of the objectives is to publish first books, several of the authors come from different artistic fields and move in a peripheral way. For each edition we invite a visual artist to design the cover, conceiving the whole as an object of art.

Amor envenenado, Candela Benetti

Contraseña, Jacqueline Golbert

Ch.ACO 2017

As they say, Sarah Moses

EQUIPO TEAM

TERREMOTO México

Dorothée Dupuis Antonella Rava Diego del Valle Ríos Ana Laura Martínez Jaramillo Studio Katsu Created in 2013 in Mexico City, Terremoto is a digital and print free magazine and archive about contemporary art in the Americas. Each issue offers a transversal point of view on current practices and problematics in the region, through original contributions in English and Spanish by some of the most novel voices in the continent.

Revista Terremoto

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Creada en 2013 en Ciudad de México, Terremoto es una revista digital e impresa, de distribución gratuita, sobre arte contemporáneo en las Américas. Cada edición ofrece una mirada transversal sobre prácticas y problemáticas actuales, a través de contribuciones originales en inglés y español por algunas de las voces más innovadoras de la región.

TONIC Chile

EQUIPO TEAM Camila Opazo Geraldine Compton María Alcalde Tonic is a Contemporary Art Magazine, Market and Art Collecting with articles about Design, Architecture and many Interviews. Our mission is to promote art collecting that historically has solved many cultural crisis in different countries. We want to increase interest in art and change the market for better, making it fair and transparent. We believe that artistic patrimony has to be known, it must create history so that future generations know and understand their country’s culture.

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Tonic es una revista de arte Contemporáneo, Mercado y Coleccionismo, con artículos de Diseño, Arquitectura y varias Entrevistas. Nos interesa fomentar el coleccionismo que históricamente ha solucionado las crisis culturales de los países. Queremos aumentar el interés en el arte y cambiar el mercado, hacerlo justo y transparente. Creemos que el patrimonio artístico de un país debe ser dado a conocer, debe crear historia y que las futuras generaciones entiendan y conozcan la cultura de su país.

Ch.ACO 2017

Revista Tonic

EQUIPO TEAM

VORTEX Chile

Gerhardt Rubio Swaneck

Vortex is an editorial project that seeks to dispel boundaries between art, architecture, design and photography to create encounter visions as well as desagreements. This way, creative process and colaborative working its fundamental to every project towards the organization of visual and textual contents as well as the publication of art and design.

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Como proyecto editorial, Vortex busca disolver los límites entre el arte, la arquitectura, el diseño y la fotografía para generar puntos de encuentro y discusión mediante proyectos de diversos ámbitos dentro del arte contemporáneo; los procesos creativos y colaborativos, la organización del contenido visual y textual y el diseño y publicaciones de arte.

Nave, Santiago Cancino

Antología de arte digital Kamilia Kard

DIRECTORIO DE EXPOSITORES EXHIBITORS GUIDE

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MAIN 80 M2 Livia Benavides

Carmen Araujo Arte

Calle y número: Malecón Pazos 252, Barranco Código postal: 15063 Ciudad: Lima País: Perú Teléfono: +511 252 9246 Email: galería@80m2galeria.com Website: www.80m2galeria.com

Calle y número: Urb. Sorocaima, Calle Rafael Rangel Sur, Hacienda La Trinidad Parque Cultural, Secadero No. 2. Código postal: 1080 Ciudad: Caracas País: Venezuela Teléfono: +582124198263 Email: info@carmenaraujoarte.com Website: www.carmenaraujoarte.com

AFA, Art for Art

CO Galería

Calle y número: Phillips 16, 5to piso, Oficina Z, Centro Santiago Código postal: 8320340 Ciudad: Santiago País: Chile Teléfono:+56 2 26648450 / +56 2 26648631 Email: afa@galeriaafa.com Website: www.galeriaafa.com

Ciudad: Santiago País: Chile Email: malenacintas@cogaleria.com luciacintas@cogaleria.com Website: www.cogaleria.com

Aldo de Sousa Calle y número: Arroyo 858 Código postal: 1007 Ciudad: Buenos Aires País: Argentina Teléfono: +54 11 43930803 Email: arroyo@aldodesousa.com.ar Website: www.aldodesousa.comm.ar Aninat Isabel Galería Calle y número: Alonso De Córdova 4355 Ciudad: Santiago País: Chile Teléfono: +56 2 24819870 Email: contacto@galeriaisabelaninat.cl Website: www.galeriaisabelaninat.cl

Ch.ACO 2017

Artespacio Calle y número: Alonso de Cordova 2600 Código postal: 6670194 Ciudad: Santiago País: Chile Teléfono: +56 2 22062177 / +56 2 222346164 Email: artespacio@artespacio.cl Website: www.artespacio Bendana | Pinel Art Contemporain Calle y número: 4 Rue du Perche Código postal: 75003 Ciudad: París País: Francia Teléfono: +33 1 42 74 22 97 Email: galerie@bendana-pinel.com Website: www.bendana-pinel.com Buenos Aires Fine Arts Calle y número: Cuba 1930 Código postal: C1428AED Ciudad: Caba País: Argentina Teléfono:+54 11 47850130 Email: info@buenosairesfinearts.com Website: www.buenosairesfinearts.com

Die Ecke Arte Contemporáneo Calle y número: Av. José Manuel Infante 1208 Código postal: 7500000 Ciudad: Santiago País: Chile Teléfono: +56 2 2269 0401 Email: info@dieecke.cl Website: www.dieecke.cl Espacio El Dorado Calle y número: Carrera 4ª · 26c-49 Código postal: 110311 Ciudad: Bogotá País: Colombia Teléfono: 7495802 Email: info@espacioeldorado.com Website: www.espacioeldorado.com/ Gachi Prieto Calle y número: Uriarte 1373, Palermo Código postal: 1414 Ciudad: Buenos Aires País: Argentina Teléfono: +5411 4774 6656 Email: info@gachiprieto.com Website: www.gachiprieto.com Galería de Arte La Sala Calle y número: Francisco de Aguirre 3720 Código postal: 7630440 Ciudad: Santiago País: Chile Teléfono: +56 2 2 2467207 Email: galeriasala@manquehue.net Website: www.galerialasala.cl Galería Patricia Ready Calle, número: Espoz 3125, Vitacura Código postal: 7630192 Ciudad: Santiago País: Chile Teléfono: 229 536 210 Email: galeria@galeriapready.cl Website: www.galeriapready.cl

Isabel Croxatto Galería

Rubber Stamp Art Projects

Ciudad: Santiago País: Chile Teléfono: +56994340011 Email: contacto@isabelcroxattogaleria.cl Website: www.isabelcroxattogaleria.cl

Calle y número: 2635a Nw 20st Código postal: 33142 Ciudad: Miami, FL País: EEUU Teléfono: +3058048624 Email: info@rubberstampartprojects.com Website: www.rubberstampartprojects.com

Ciudad: Santiago País: Chile Teléfono: +569 78244505 Email: ventas@kleur.cl Website: www.kleur.cl NG Art Gallery Calle y número: Avenida Balboa. Plaza Bay Mall. Local Nº2. Código postal: 0819 Ciudad: Panamá País: Panamá Teléfono: (507) 264 8121 Email: gcarbonell@ngartandgallery.com Website: www.ngartgallery.com Polígrafa Obra Gráfica Calle y número: Calle Balmes, 54 Código postal: 08007 Ciudad: Barcelona País: España Teléfono: +34 93 488 23 81 Email: aloy@poligrafa.net Website: www.poligrafa.net Prima Galería Calle y número: Luis Pasteur 6500, local 5, Vitacura Código postal: 7640272 Ciudad: Santiago País: Chile Teléfono: +56 2 29535843 Email: prima@primagaleria.cl Website: www.primagaleria.cl Revolver Galería Calle y número: País Av. El Bosque 291 San Isidro Código postal: 27 Ciudad: Lima País: Perú Teléfono: +51 1 6080884 Email: contacto@revolvergaleria.com Website: www.revolvergaleria.com Calle y número: Dr. Luis Belaustegui 732, Villa Crespo Código postal: 1416 Ciudad: Buenos Aires País: Argentina Teléfono: + 54 9 1157660100 Email: contacto@revolvergaleria.com Website: www.revolvergaleria.com Rossmut Calle y número: Via dei Reti 29B Código postal: 000185 Ciudad: Roma País: Italia Teléfono +39 0655803788 Email: info@rossmut.com Website: www.rossmut.com

Vermelho Calle y número: Rua Minas Gerais 350 Código postal: 01244-010 Ciudad: São Paulo País: Brasil Teléfono +55 11 3138 1520 Email: info@galeriavermelho.com.br Website: www.galeriavermelho.com.br XS Calle y número: Av. Nueva Costanera 3723 segundo piso AMS Marlborough Código postal: 7630437 Ciudad: Santiago País: Chile Teléfono: + 562 2 5026584 Email: contacto@xsgaleria.cl Website: www.xsgaleria.cl

FOCUS AFA, Art for Art Calle y número: Phillips 16 - 5to piso - Oficina Z – Centro Santiago Código postal: 8320340 Ciudad: Santiago País: Chile Teléfono: +56 2 26648450 / +56 2 26648631 Email: afa@galeriaafa.com Website: www.galeriaafa.com Aninat Isabel Galería Calle y número: Alonso de Córdova 4355 Ciudad: Santiago País: Chile Teléfono: +56 2 24819870 Email: contacto@galeriaisabelaninat.cl Website: www.galeriaisabelaninat.cl Carmen Araujo Arte Calle y número: Urb. Sorocaima, Calle Rafael Rangel Sur, Hacienda La Trinidad Parque Cultural, Secadero No. 2. Código postal: 1080 Ciudad: Caracas País: Venezuela Teléfono: +58 2 124198263 Email: info@carmenaraujoarte.com Website: www.carmenaraujoarte.com Galería Patricia Ready Calle y número: Espoz 3125, Vitacura Código postal: 7630192 Ciudad: Santiago País: Chile Teléfono: 229 536 210 Email: galeria@galeriapready.cl Website: www.galeriapready.cl

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Kleur Gallery

Henrique Faria Fine Art

Km 0.2

Calle y número: 35 East 67th St. 4th Floor / Libertad 1628 Código postal: NY 10065 / C1016ABH Ciudad: New York / Buenos Aires País: Estados Unidos / Argentina Teléfono: + 1 212 517 4609 / + 54 11 4813 3251 Email: info@henriquefaria.com / info@henriquefaria-ba.com Website: www.henriquefaria.com / www.henriquefaria-ba.com

Calle y número: Calle Cerra #630 Código postal: 00907 Ciudad: San Juan País: Puerto Rico Teléfono: +1 787 459 9224 / +1 787 639 5966 Email: kilometro0.2pr@gmail.com Website: www.kilometroceropuntodos.com Pasto

Marilia Razuk Calle y número: Rua Jerônimo da Veiga 131b Código postal: 04536-000 Ciudad: São Paulo País: Brazil Teléfono: + 55 11 3079-0853 Email: contato@galeriamariliarazuk.com.br Website: www.galeriamariliarazuk.com.br

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Metales Pesados Visual Calle y número: Merced 316 Código postal: 8320310 Ciudad: Santiago País: Chile Teléfono: +56 2 26642451 Email: contacto@metalespesados.cl Website: www.metalespesadosvisual.cl Revolver Galería

Ch.ACO 2017

Calle y número: País Av. El Bosque 291 San Isidro Código postal: 27 Ciudad: Lima País: Perú Teléfono: +51 1 6080884

Calle y número: Pereyra Lucena 2589 Código postal: C1425EDA Ciudad: Ciudad Autónoma de Buenos Aires País: Argentina Teléfono: +54 11 4804.3060 Email: hola@pastogaleria.com.ar Website: pastogaleria.com.ar Piedras Calle y número: Avenida Rivadavia 2625 piso 4 Código postal: 1034 Ciudad: Ciudad Autónoma de Buenos Aires País: Argentina Teléfono: +54 11 206 59844 Email: info@espaciopiedras.com Website: espaciopiedras.com Sagrada Mercancía Calle y número: Sazié # 2065 Santiago Centro Código postal: 8370016 Ciudad: Santiago País: Chile Teléfono: +56 9 32493765 Email: Info@sagradamercancia.com Website: www.sagradamercancia.com Tokio Galería

Calle y número: Dr. Luis Belaustegui 732, Villa Crespo Código postal: 1416 Ciudad: Buenos Aires País: Argentina Teléfono: + 54 9 1157660100 Email: contacto@revolvergaleria.com Website: www.revolvergaleria.com

Calle y número: Jirón Constitución 250, Callao Ciudad: Lima País: Perú Teléfono: +51 935 981 172 Email: tokio.galeria@gmail.com Website: www.instagram.com/tokiogaleria/

Vermelho

Totoral Lab

Calle y número: Rua Minas Gerais 350 Código postal: 01244-010 Ciudad: São Paulo País: Brasil Teléfono: +55 11 3138 1520 Email: info@galeriavermelho.com.br Website: www.galeriavermelho.com.br

Calle y número: Araucarias N°3 Código postal:2710000 Ciudad: Valparaiso-Algarrobo País: Chile Teléfono: +56 9 51246550 Email: totoral.art.lab@gmail.com Website: http://totoralnetwork.blogspot.cl/

PLANTA Big Sur Calle y número: Carlos Calvo 637 Código postal: 1101 Ciudad: Buenos Aires Capital Federal País: Argentina Teléfono: + 54 11 24657669 Email: books@big-sur.com.ar / alvarocifuentesg@gmail.com Website: http://big-sur.tumblr.com/

UV Calle y número: Humboldt 401 Código postal: 1414 Ciudad: Buenos Aires País: Argentina Teléfono: +54 9 11 33301745 Email: info@uvestudios.com Website: www.uvestudios.com NAVE DE EDICIONES

Galería Panam

Alias

Calle y número: Guardiamarina Ernesto Riquelme 586 Código postal: 8340322 Ciudad: Santiago País: Chile Teléfono: +56 9 9322 7404 Email: Sanhueza.ana@gmail.com Website: www.galeriapanam.cl

Calle y número: Gobernador Luis G. Vieyra 38, San Miguel Chapultepec I Secc Código postal: 11850 Ciudad: Ciudad de México, CDMX País: México Teléfono: + 52 55 5533 2849 Email: informes@aliaseditorial.com Website: www.aliaseditorial.com

Artnexus

Big Sur Books

Naranja Libreria Calle y número: Estados Unidos 228, depto. 101 Código postal: 8320125 Ciudad: Santiago País: Chile Email: hola@naranjalibreria.cl Website: www.naranjalibreria.com

Calle y número: Carlos Calvo 637 Código postal: 1101 Ciudad: Buenos Aires Capital Federal País: Argentina Teléfono: + 54 11 24657669 Email: books@big-sur.com.ar alvarocifuentesg@gmail.com Website: http://big-sur.tumblr.com/

Socios Fundadores

Danilo Montanari Editore

Ciudad: Ciudad de México País: México Email: magazine@terremoto.mx. Website: www.terremoto.mx

Calle y número: via A.Zirardini 3 Código postal: 48121 Ciudad: Ravenna País: Italia Teléfono: +39 338 5948186 Email: info.danilomontanari@gmail.com Website: www.danilomontanari.com Ediciones Popolet Ciudad: Santiago País: Chile Email: blokis@gmail.com Website: www.edicionespopolet.com Flach Calle y número: Villavicencio 301-A, Barrio Lastarria. Santiago Centro Código postal: 8320129 Ciudad: Santiago País: Chile Teléfono: +56 2 26380718 Email: flachtiendagaleria@gmail.com Website: Facebook/flachtiendagaleria Instantes Gráficos Calle y número: Dr. Ceraso 694 Código postal: 1674 Ciudad: Buenos Aires País: Argentina Teléfono: +54 9 11 5919 5650 Email: instantes.graficos@gmail.com Website: www.instantesgraficos.com Meier Ramirez Calle y número: Pasaje la Española #179, Malecón Costa Sur Chorrillos Código postal: Lima 9 Ciudad: Lima País: Perú Teléfono: +51 965089976 Email: hola@meier-ramirez.com Website:www.meier-ramirez.com Revista Mármol Calle y número: General Holley 186 Of. C Providencia Código postal: 7510035 Ciudad: Santiago País: Chile Email: hola@revistamarmol.cl Website: www.revistamarmol.cl

Ciudad: Buenos Aires País: Argentina Email: socios.fundadores.editorial@gmail.com Terremoto

Tonic Calle y número: Av. Andrés Bello 1051 Torre A depto. 703 Código postal: 7500124 Ciudad: Santiago País: Chile Teléfono: +56 9 65737489 Email: contacto@tonic.cl Website:www.tonic.cl Vortex Ciudad: Valparaíso País: Chile Teléfono: + 56 9 85267493 Email: editorialvortex@gmail.com Website: wwweditorialvortex.com

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Ciudad: Buenos Aires País: Argentina Teléfono: +54 9 11 33301745 Email: info@uvestudios.com Website: www.uvestudios.com

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FAVA Fundaciรณn de las Artes Visuales Asociados

The Fundación de Artes Visuales Asociados (The Associated Visual Arts Foundation, FAVA) —a private and non-profit entity— was created in 2012 by a group of professionals who set the mission of working through four pillars: education, philanthropy, patrimony and collecting. This effort was carried out thanks to a group of patrons who offered their financial support for this way of thinking, thus achieving an association between our foundation and people and companies interested in developing art and local culture. In 2014, FAVA was authorized by the Chilean Arts and Culture Council’s Classifying Committee for Private Donations to operate through the Cultural Donations Law, thus opening the possibility for donors to support the foundation and obtain tributary benefits. This law, along with the Municipal Tax Law obtained by FAVA in 2015, has not only facilitated FAVA’s management, but has also allowed for the creation of our patronage program: PAC_FAVA.

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La Fundación de Artes Visuales Asociados (FAVA) -entidad privada y sin fines de lucro- fue creada en el año 2012 por un grupo de profesionales que se propuso como misión trabajar en torno a cuatro ejes: educación, filantropía, patrimonio y coleccionismo. Este esfuerzo se lleva a cabo gracias a un grupo de patronos que apoya financieramente este capital de pensamiento, logrando así una asociatividad entre nuestra fundación y personas y empresas interesadas en desarrollar el arte y la cultura local. En 2014, FAVA fue autorizada por el Comité Calificador de Donaciones Privadas del Consejo de la Cultura y las Artes de Chile para operar por medio de la Ley de Donaciones Culturales, dando la posibilidad que los donantes puedan apoyar a la fundación y obtener beneficios tributarios. Esta ley, en conjunto con la Ley de Renta Municipal obtenida por FAVA en 2015, no sólo ha facilitado la gestión de FAVA, sino que también ha permitido crear nuestro programa de patronazgo: el PAC_FAVA.

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¿Qué es PAC_FAVA?

What is PAC_FAVA?

Dado que FAVA cree que el fomento de la filantropía es esencial para el desarrollo artístico del país, en 2014 se instauró como modelo filantrópico el Patronato de Arte Contemporáneo, PAC_FAVA, una orgánica conformada por un grupo de patronos animados por contribuir a la educación, fomentar la filantropía, impulsar el coleccionismo y resguardar el patrimonio. Nuestros patronos fundadores son Patricia Angelini y Víctor Leyton (Inversiones e Inmobiliaria Monte de Asís), a los que con el tiempo se sumaron Alejandro Ferreiro, Elizabeth Kassis, Pablo Guerrero, Matías Kappés, Alejandro y Rodrigo Saval (Sociedad de Inversiones Celta) y María Soledad y Roberto Caces (Sociedad Educacional Carampangue).

Because FAVA believes that the promotion of philanthropy is essential to the country’s artistic development, in 2014, it adopted the Contemporary Art Patronage program, PAC_FAVA, as its philanthropic model: an organization put together by a group of patrons eager to contribute to education, promote philanthropy, encourage art collecting and protect our patrimony. Our founding patrons are Patricia Angelini and Víctor Leyton (Inversiones e Inmobiliaria Monte de Asís), who over the years have been joined by Alejandro Ferreiro, Elizabeth Kassis, Pablo Guerrero, Matías Kappés, Alejandro and Rodrigo Saval (Sociedad de Inversiones Celta), and María Soledad and Roberto Caces (Sociedad Educacional Carampangue).

PAC_FAVA Actions (2014 - 2017)

Premio FAVA Reconoce de manera bienal –con la suma de 5.000.000 de pesos chilenosa un artista visual chileno que haya enriquecido el bagaje y el imaginario cultural del país. En su primera versión, realizada el año 2014, el Premio FAVA fue otorgado al artista chileno Enrique Ramírez (Santiago, Chile, 1979) por su trayectoria artística e importantes aportes en el área de las artes visuales. En su segunda versión –año 2016- la fundación confirió este reconocimiento al artista visual Gonzalo Pedraza (Chile, 1982), el cual ha desarrollado una exhaustiva investigación en torno al coleccionismo mediante una serie de proyectos titulados “Colecciones”.

FAVA Award This award gives recognition on a biennial basis —with the sum of 5,000,000 Chilean pesos— to a Chilean visual artist who has made a contribution to the country’s cultural baggage and collective imagery. In its first version, held in the year 2014, the FAVA Award was presented to Chilean artist Enrique Ramírez (Santiago, Chile, 1979) for his artistic career and important contributions in the area of visual arts. In its second version —in 2016—, the Foundation conferred this recognition to visual artist Gonzalo Pedraza (Chile, 1982), who has developed an exhaustive investigation on collecting through a series of projects entitled Colecciones (Collections).

Colección FAVA La Colección FAVA es un acervo de arte contemporáneo que se ha formado bajo la curaduría del mexicano Pablo León de la Barra -actual curador del Guggenheim UBS MAP para Latinoamérica- y que está compuesta por obras que mapean y conectan diferentes geografías a nivel continental, generando un diálogo y reflexión en torno a la idea de territorio y los límites físicos y conceptuales presentes en las fronteras de Latinoamérica. Considerando esto, y gracias al financiamiento del PAC_FAVA y a donaciones de artistas, la Colección FAVA ya cuenta con 15 obras; número que va creciendo anualmente a través del plan de adquisición que se ejecuta en cada versión de Feria Ch.ACO, la plataforma del mercado de arte más importante a nivel local.

FAVA Collection The FAVA Collection is a body of contemporary art developed under the curatorship of Mexican curator Pablo León de la Barra —currently the curator of the Guggenheim UBS MAP for Latin America—, and which is made up of works of art that map out and connect different geographies on a continental level, generating dialogue and reflection on the idea of territory and the physical and conceptual limits that exist at Latin America’s borders. With this in consideration, and thanks to PAC_FAVA’s financing and artists’ donations, the FAVA Collection already consists of 15 works of art, a number that grows each year thanks to the acquisition plan that is executed at each version of the Ch.ACO Fair, Chile’s most important art market platform.

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Acciones Pac_FAVA (2014 - 2017)

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Programa FAVA VA! Programa de mediación artística con integración curricular que consiste en la mediación de una exposición por estudiantes –de 7º básico a 4º medio o estudiantes de pedagogía- que han sido inducidos en el lenguaje e historia del arte contemporáneo y las obras que componen la Colección FAVA. Se trata de un programa de innovación metodológica (inducción-mediación) y de interacción comunitaria que radica en que la Colección FAVA se instala en la institución anfitriona, en formato de exposición, y los educadores de MYRE Educación preparan a un grupo de alumnos para que se conviertan en mediadores (guías) para sus pares, profesores, apoderados y la comunidad en general. De esta manera, el programa permite promover las artes visuales como lenguaje-herramienta de aprendizaje e inclusión social, mediante una experiencia colectiva que fomenta la participación de la ciudadanía y otorga un sentido de comunidad. Itinerancias Programa Educativo FAVA VA! 2015-2016-2017 FAVA VA! a Cerro Navia FAVA VA! a Talagante FAVA VA! a Santiago Centro FAVA VA! a Feria Ch.ACO (versiones 2015, 2016 y 2017) FAVA VA! a MAC (Museo Arte Contemporáneo Santiago) FAVA VA! a Santa Inés (Viña del Mar) FAVA VA! a Colina

FAVA VA! Program An artistic mediation program with curricular integration that consists in the mediation of an art exhibition by students —from grades 7 through 12, or university students studying pedagogy— who have been introduced to the language and history of contemporary art, as well as to the pieces that make up the FAVA Collection. This is a program for methodological innovation (induction-mediation) and community interaction that consists in having the FAVA Collection installed at the hosting institution as an exhibition, and in MYRE educators preparing a group of students so that they can become mediators (guides) for their peers, professors, parents and the community in general. In this way, the program allows for the promotion of visual arts as a language/ tool for social learning and inclusion, through a collective experience that encourages the public’s engagement and imparts a sense of community. FAVA VA! Educational Program Venues 2015-2016-2017 FAVA VA! at Cerro Navia FAVA VA! at Talagante FAVA VA! at Downtown Santiago FAVA VA! at Ch.ACO Fair (2015, 2016 and 2017) FAVA VA! at MAC (Santiago’s Contemporary Art Museum) FAVA VA! at Santa Inés (Viña del Mar) FAVA VA! at Colina

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FAVA en Feria Ch.ACO FAVA -en su afán de promover y difundir la cultura y las artes visualesdesde 2015 ha organizado y ejecutado todos los programas educativos sin fines de lucro de Feria Ch.ACO. Entre estas iniciativas se destacan el Conversatorio FAVA, el Programa educativo FAVA VA! a Ch.ACO y recorridos de visitas guiadas. Además, FAVA cuenta con un stand donde el público puede informarse de la fundación y conocer la Colección FAVA.

FAVA at Ch.ACO Fair Since 2015, FAVA —in its efforts to promote and disseminate culture and visual arts— has organized and executed all of Ch.ACO Fair’s non-profit educational programs. These initiatives include the FAVA Conversation Program, the FAVA VA! at Ch.ACO educational program, and guided visits to exhibitions. In addition to this, FAVA has a stand at the Fair where the public can obtain information about the Foundation and get to know the FAVA Collection.

FAVA TALKS En nuestra búsqueda por abrir diálogos y construir redes de trabajo con agentes del sistema del arte internacional, es que Fundación FAVA crea los FAVA TALKS: encuentros gratuitos con destacados conferencistas internacionales. En 2014 la fundación invitó a Barry Keldoulis, director de las Ferias Melbourne Art Fair y Sydney Contemporary, y a Nirith Nelson, directora de arte del programa de residencias Jerusalén Center of Visual Arts. Estas dos enriquecedoras experiencias permitieron generar un espacio de discusión y reflexión en torno a modelos y proyectos desarrollados en el extranjero, así como generar vínculos entre destacados agentes internacionales y nuestro circuito artístico. En 2015 y 2016 este esfuerzo persistió mediante un modelo similar en el Conversatorio FAVA, y actualmente se está trabajando en el relanzamiento de los FAVA TALKS en 2018 con el anhelo de seguir enriqueciendo el sistema del arte chileno por medio de instancias didácticas e interactivas que permitan acercar el arte contemporáneo a nuevas generaciones y públicos y contribuir a la democratización y descentralización de la cultura y las artes.

FAVA Talks In our quest to open up dialogues and build working networks with agents belonging to the international art system, the FAVA Foundation has created FAVA TALKS: free conferences featuring renowned international lecturers. In 2014, the Foundation invited Barry Keldoulis, director of the Melbourne Art and Sydney Contemporary Fairs, and Nirith Nelson, director of the Jerusalem Center of Visual Arts residency program. These two enlightening experiences generated a space for discussion and reflection on the models and projects that are being developed abroad, as well as links between prominent international agents and our local artistic circle. In 2015 and 2016, these efforts persisted through a similar model with the FAVA Conversation Program. Efforts are currently being made to relaunch FAVA Talks in 2018, with the ambition of continuing to enrich the Chilean art system through didactic and interactive instances that bring contemporary art closer to newer generations and audiences, and contribute to the democratization and decentralization of culture and the arts.

Other activities From its very beginnings, FAVA has also followed a line of action that has allowed it to develop a series of activities, projects and programs that meet the fundamental objectives of its existence: the development, investigation, and dissemination of visual arts, as well as the public’s education and formation with regard to culture and the values that these represent. These initiatives include events that have been key to the development of visual arts and culture in Chile, such at the Art Benefit Gala, whose proceeds allow for the donation of a work of art to a public museum; the TransparentArte Award; the Arte en Vivo Award; the collaboration with the Curatorial Program for Research in Chile; the Ch.ACO Fair and FAVA Foundation Conference-Luncheon, two instances for developing the visual arts system in Chile —organized by Chile’s Cultural Patrimony Corporation—, and social activities such as the Corporate Social Responsibility Breakfast —held at the MAC—, which seeks to promote and incentivize private businesses’ support in the area of culture.

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Otras actividades Desde sus inicios, FAVA también ha seguido una línea de acción que le ha permitido desarrollar una serie de actividades, proyectos y programas que cumplen con los objetivos fundamentales de su quehacer: el desarrollo, investigación y difusión de las artes visuales, así como la educación y formación de la población en torno a la cultura y los valores que ésta representa. Entre éstos destacan iniciativas que han sido claves para el desarrollo de las artes visuales y la cultura en Chile, como la Gala Benéfica de las Artes, cuya ganancia permite la donación de una obra de arte a un museo público; el Concurso TransparentArte; el Concurso Arte en Vivo; la colaboración con el Curatorial Program for Research en Chile; la Conferencia-Almuerzo Feria Ch.ACO y Fundación FAVA, dos instancias para el desarrollo del sistema de las artes visuales en Chile -organizada por la Corporación Patrimonio Cultural de Chile- y actividades de carácter social como el Desayuno de Responsabilidad Social Empresarial –realizado en el MAC- que buscó promover e incentivar el apoyo de empresas privadas en el área de la cultura.

FAVA VA!, 2017.

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2017 News and Activities

FAVA VA! a Santa Inés Este 2017 FAVA cumplió con una aspiración que tenía desde sus inicios: que la Colección FAVA y su programa educativo FAVA VA! itinerara por regiones de Chile. Este deseo fue cumplido gracias al apoyo de Inmobiliaria Las Salinas, filial de Empresas COPEC, que apoyó el proyecto y promovió que el programa FAVA VA! se activara en la localidad de Santa Inés (Viña del Mar). Una acción que no sólo habla del compromiso de esta inmobiliaria con la educación y la cultura, sino también de su responsabilidad hacia la comunidad y su deseo de construir relaciones colaborativas que aporten valor a los vecinos del terreno de Las Salinas. Fue así que la Colección FAVA se instaló en la Iglesia del Colegio Luterano Concordia -establecimiento anfitrión de FAVA VA! a Santa Inés- donde en esta ocasión fueron alumnos de octavo básico los que se convirtieron en mediadores de arte contemporáneo, tanto para sus pares como para la comunidad local, consiguiendo que los vecinos pudiesen tener un acercamiento al arte contemporáneo y, con ello, comprenderlo mejor. Paralelamente fue activado Proyecto Pregunta -dispositivo de participación ciudadana creado por el colectivo chileno Mil M2 y que es parte de la Colección FAVA- en la Plaza Santa Inés, donde durante tres días la comunidad formuló preguntas en torno a estas tres interrogantes: ¿Qué le preguntarías al mar?, ¿Qué le preguntarías a Santa Inés? y ¿Qué le preguntarías a tu ciudad? Esta instancia motivó innumerables reflexiones sobre el contexto local y, ante todo, permitió que los partici-

FAVA VA! at Santa Inés In 2017, FAVA met a goal that it had from its very beginnings: to have the FAVA Collection and its educational program FAVA VA! travel through different regions of Chile. This wish was granted thanks to the support of Inmobiliaria Las Salinas, an affiliate of Empresas COPEC, which backed the project and pushed for the FAVA VA! program to be activated in the locality of Santa Inés (Viña del Mar). An action that not only speaks of this developer’s commitment towards education and culture, but also of its responsibility towards the community and its intentions of building collaborative relationships that contribute to the community that lives in the Las Salinas area. This was how the FAVA Collection was installed at the church of the Colegio Luterano Concordia —FAVA VA!’s host establishment in Santa Inés—, where on this occasion, eighth grade students were the ones who became contemporary art mediators, both for their peers as well as for the local community, giving their neighbors an opportunity to get closer to contemporary art, and in this way, to gain a better understanding of it. Simultaneously, the Proyecto Pregunta —a device for public participation created by Chilean collective Mil M2, and which is part of the FAVA Collection— was activated in Santa Inés’ main square, where for three days, the community formulated questions related to these three queries: What would you ask the ocean? What would you ask Santa Inés? and, What would you ask your city? This instance brought on countless reflections on the local

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Actividades y novedades 2017

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pantes manifestaran sus inquietudes y anhelos a través de este proyecto que ha dado vuelta al mundo.

context and, above all, allowed the participants to manifest their concerns and wishes through this project, which has travelled all around the world.

FAVA VA! a Colina En agosto la Colección FAVA se trasladó al Centro Cultural de Colina, donde los vecinos del sector pudieron acceder gratuitamente a la exposición de una selección de 10 obras de la colección y a la mediación de un grupo de alumnos(as) que se convirtieron en mediadores(as) de arte. En este contexto, también se desarrolló el Proyecto Pregunta, el que se instaló en la plaza interior del centro cultural con el afán de generar nuevos debates colectivos. Esta vez se formuló en torno a tres nuevas interrogantes: ¿Qué le preguntarías a Colina?, Qué le preguntarías al campo? y ¿Qué le preguntarías a Chile? En esta ocasión el programa FAVA VA! se activó gracias al trabajo mancomunado entre FAVA, MYRE y cuatro establecimientos educacionales de Colina, labor que permitió desarrollar el concepto de Territorialidad, que busca facilitar el acceso a las artes visuales para el entorno y producir un sentimiento de pertenencia que contribuye al desarrollo de la identidad cultural de grupos sociales que constituyen un espacio geográfico.

FAVA VA! at Colina In August, the FAVA Collection travelled to Colina’s Centro Cultural, where the locality’s neighbors had free access to an exhibition that included ten of the Collection’s pieces, as well as to mediation by a group of students who became art mediators. Proyecto Pregunta was also activated in this context, installed in the culture center’s inner courtyard with the objective of generating new collective debates. This time, questions were formulated in regards to three new queries: What would you ask Colina? What would you ask the countryside? and, What would you ask Chile? For this occasion, the FAVA VA! program was activated thanks to joint efforts made by FAVA, MYRE, and four of Colina’s educational establishments, a labor that allowed for the development of the concept of territoriality, which seeks to improve the access to visual arts for its surroundings and produce a feeling of belonging that contributes to the development of cultural identity in the social groups that make up a geographic space.

Biblioteca 700 Desde sus inicios la aspiración de FAVA ha sido desarrollar un programa editorial. Esta meta se ve materializada a través de la Biblioteca 700: una colección bibliográfica especializada en libros, revistas y catálogos de artes visuales. Este programa nace gracias al gesto de Feria Ch.ACO de donar a FAVA material bibliográfico recibido por

Biblioteca 700 From its beginnings, FAVA’s aspirations have included developing a publishing program. This goal has been met through Biblioteca 700 (Library 700): a bibliographical collection that specializes in visual arts books, magazines, and catalogs. This program has been materialized thanks to Ch.ACO Fair’s gesture of donating bibliographic materials that

it receives through its Nave de Ediciones Program to FAVA, and is currently in collection and cataloguing stages.

CONSOLIDACIÓN FUNDACIÓN FAVA

CONSOLIDATION OF FAVA FOUNDATION

Internacionalización de la Colección FAVA Este 2017 el destacado curador mexicano, Pablo León de la Barra, y el director artístico del MASP, Adriano Pedrosa, solicitaron dos obras de la Colección FAVA para integrar la exposición Histórias da sexualidade, a realizarse del 19 octubre al 14 febrero de 2018 en el Museo de Arte Contemporáneo de Sao Paulo (MASP). Las obras solicitadas fueron Latinoamérica Masculina (2007) y Latinoamérica Femenina (2007) de la artista Cristina Lucas, dos adquisiciones que FAVA realizó en el año 2015 en el marco de Feria Ch.ACO a la galería holandesa Tegenboschvanvreden Gallery. Los trabajos muestran el resultado de una investigación realizada por Lucas en diversos países de Latinoamérica, donde se le preguntó a la gente local los términos utilizados para referirse coloquialmente a los órganos sexuales femeninos y masculinos. El resultado es una cartografía lingüística y de género que enrarece a la vez el concepto de tabú. Alianza con la Oficina Regional de Educación para América Latina y el Caribe de UNESCO Gracias a la excelencia y los sobresalientes resultados que ha tenido cada activación del programa FAVA VA!, UNESCO hace un reconocimiento a este programa de mediación artística mediante la autorización del uso de su logo. Este incentivo desafía y motiva aún más a seguir construyendo esta alianza para

Internationalization of the FAVA Collection In 2017, renowned Mexican curator Pablo León de la Barra and MASP’s artistic director Adriano Pedrosa requested that two works of art belonging to the FAVA Collection be loaned to the exhibition Histórias da sexualidade, to be held from October 19th through February 14th of 2018 at the Sao Paulo Museum of Contemporary Art (MASP). The requested pieces were Latinoamérica Masculina (2007) and Latinoamérica Femenina (2007) by artist Cristina Lucas, two works of art that FAVA acquired in 2015 from the Dutch gallery Tegenboschvanvreden Gallery, in the framework of the Ch.ACO Fair. The pieces display the results of an investigation that Lucas conducted in diverse countries of Latin America, in which she asked locals for the colloquial terms used to refer to male and female sexual organs. The result is a linguistic and genre map that simultaneously rarefies the concept of taboo. Alliance with UNESCO’s Regional Bureau of Education for Latin America and the Caribbean Due to the excellence and outstanding results of each activation of the FAVA VA! program, UNESCO has acknowledged this artistic mediation program by authorizing the use of its logo. This incentive challenges and further motivates us to continue to build this alliance in order to obtain the reputed

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medio de su Programa Nave de Ediciones, y que actualmente esta etapa de acopio y catalogación.

obtener el anhelado Sello UNESCO, acreditación que además de dar un mayor prestigio al programa significa una serie de posibles beneficios: asesoría metodológica, apoyo en publicaciones, financiamiento para futuras itinerancias, entre otros.

UNESCO Seal, an accreditation that, in addition to lending the program more prestige, also means a series of possible benefits: methodological mentoring, support for publications, financing for future travels, amongst others. Acknowledgements and Invitation

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Participa de FAVA FAVA se ha consolidado y ha tenido avances sustantivos en su misión. Esto se plasma en las diferentes actividades que ha realizado, que demuestran que FAVA efectivamente aporta en el desarrollo y fomento a la educación, la filantropía, el patrimonio y el coleccionismo público y privado en Chile. Con estos antecedentes, es una buena ocasión para reiterar nuestros agradecimientos a cada uno de nuestros patronos, los cuales son claves para el funcionamiento de nuestra fundación y además un admirable ejemplo de filantropía local. Un valor a seguir y que aspiramos a fomentar en pos de no sólo profesionalizar el sistema del arte chileno, sino también con el anhelo de contribuir a concientizar a la comunidad respecto a la trascendencia que tiene el arte y la cultura en el desarrollo de nuestro país y en la vida de los seres humanos. Con el firme propósito de seguir avanzando en nuestra misión, invitamos a todos los interesados a sumarse a participar comprometidamente en el desarrollo de las artes visuales en Chile.

FAVA has consolidated itself and made substantial progress towards fulfilling its mission. This has been reflected in the different activities that it has carried out, which demonstrate that FAVA effectively contributes to the development and advancement of education, philanthropy, patrimony and both public and private art collecting in Chile. With this track record, this is a good occasion on which to reiterate our gratitude to each and every one of our patrons, whose help has been key to the functioning of our Foundation, as well as an admirable example of local philanthropy. An example worth following, and one which we seek to encourage in pursuit of not only professionalizing the Chilean art system, but also with the aspiration of contributing to making the community aware of the transcendence of art and culture in the development of our country and of people’s lives. With the firm resolution of continuing to advance in our mission, we invite all of those who are interested to join in and engage in committed participation for the development of visual arts in Chile.

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María Soledad Saieh Guzmán 29 agosto 1972 - 29 agosto 2017 En este triste momento, queremos agradecer a María Soledad por haber impulsado este proyecto, que se levantó gracias a su energía y su visión. Nuestro cariño nos llevará a prolongar este legado. Elodie e Irene

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AUSPICIADORES SPONSORS

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1 AÑO 196 ARTISTAS

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4 MIL M2 PARA EL ARTE

A un año de su apertura esta institución estatal, dependiente del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes, pasará a formar parte del futuro Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio. Visítanos, acércate al arte contemporáneo y se parte de las numerosas actividades de mediación dirigidas a la comunidad. MARTES A DOMINGO, DE 10:00 A 18:30 HORAS Ex Aeropuerto de Los Cerrillos. Av. Pedro Aguirre Cerca 6100. A pasos de la Estación Cerrillos de la nueva Línea 6 del Metro de Santiago.

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