FRENTE N. 73

LA SEMANA DE

FRENTE

$0.00 CERO PESOS

AÑO 2, NÚMERO 73, DEL 18 AL 24 DE OCTUBRE DE 2012

WWW.FRENTE.COM.MX

café

tacvba

las piezas del objeto VERSUS Michel Franco CRÓNICA Corona Capital COMIDA Tacos Gus CONTRALORÍA | DETRÁS | HORÓSCOPOS MÚSICA JUMBO CINE JAMES BOND ARTE AFFORDABLE ART FAIR LETRAS JON LEE ANDERSON MEDIOS PREPPERS

www.frente.com.mx | FRENTE del 18 al 24 de octubre de 2012 | ÍNDICE | 3

DIRECTORIO Dirección general

EDITORIAL

Mafer Olvera | mafer@frente.com.mx

Dirección editorial

Un café y nos vamos

Raúl David Vázquez | ruleiro@frente.com.mx

Conozco bien al Café Tacvba. La primera entrevista que les hice fue hace 20 años, en el cuarto del Meme, cuando todavía vivía con sus papás y aún no publicaban su primer disco. Y pese a la amistad que hemos desarrollado desde entonces, las múltiples charlas que hemos sostenido con y sin micrófono de por medio, y los viajes que hemos realizado, aún logran sorprenderme con algunas decisiones que toman en torno a su carrera. Sin embargo, al final nos demuestran que la ruta que han seguido tiene sentido, y que lo que puede ser descalificado como una vil excentricidad es en realidad un riesgo necesario que toma un grupo de rock que no le encuentra sentido a perpetuarse en su zona de confort para sobrevivir.

En Crónica, Carlos Velázquez da una cátedra de periodismo gonzo: me asegura en todo paso tal cual. Le agradezco que la haya escrito mientras nuestra selección de futbol le ganaba a su similar de El Salvador allá en Torreón, partido para el cual tenía boletos y no fue por cumplir sus compromisos con este periódico, que además fue incapaz de acreditarlo para el Corona Capital.

Les recuerdo que contamos con una dirección electrónica a la cual nos pueden mandar invitaciones, críticas, currículos, quejas, piropos, mentadas, sugerencias, palmaditas y besos pipo: hola@frente.com.mx. Nos interesa mucho saber qué están pensando.

Hasta el jueves siguiente.

Coordinación editorial Lucas Vernon| lucas@frente.com.mx

Editores Música Mariana Vidal | mariana@frente.com.mx

Cine Roberto Garza | roberto@frente.com.mx

Letras Diego Rabasa | diego@frente.com.mx

Arte Marisol Rodríguez | marisol@frente.com.mx

Agenda Benjamín Ocaranza | benjamín@frente.com.mx agenda@frente.com.mx

—Rulo

DIRECTORA DE ARTE Astrid Stoopen | astrid@frente.com.mx

Asistente de diseño Luis Quiroz

EDITOR de fotografía Óscar González Huerta, Turco | turco@frente.com.mx

COORDINACIÓN de fotografía

corrección Paula Bouchot

web Miriam Ríos | miririos@frente.com.mx

frente

la semana de

Victoria Garza Levy | vicky@frente.com.mx

$0.00 cero pesos

año 2, número 73, del 18 al 24 de octubre de 2012

www.frente.com.mx

café

Mayté Valencia Salinas

10 en portada

café tacvba, se llamaba disco por Rulo

Distribución

19 comida

Red Digital Publicitaria, S.A. de C.V. Presidente Masaryk 169, Col. Chapultepec Morales, Mexico, DF. CP. 11570.

Todos los caminos llevan a Tacos Gus por Gerardo L.S

oficina frente Yoali Maya Guzmán | yoali@frente.com.mx

se llamaba

disco

Colaboradores

Gustavo Guzmán, Alejandro Romero, Rodrigo González, Karen Olvera, Miguel Heredia, Jorge Obregón, José Jorge David Vázquez, Mafer Olvera, Raúl David Vázquez, Luis Enrique Wah y Rodrigo Velázquez.

Versus Michel Franco CróniCa Corona Capital Comida Tacos Gus Contraloría | detrás | HorósCopos músiCa Jumbo Cine James bond arte affordable art fair letras Jon lee anderson medios PrePPers

fotos de portada Adrián Duchateau y Toni François

Diseño Editorial:

Magdalena Lara M. Antonio Reyes L. en

sociedad FuNCIONAL

36 DETRÁS

La semana que fue Charlyfornication por Carlos Velázquez monedita de oro por Jorge “negro” hipólito

38 HORÓSCOPOS por laura gamboa

AGENDAS DE LA SEMANA — del 18 al 24 de octubre de 2012 — 20 MÚSICA

¿Te acuerdas lo bueno que era ese Restaurant?

por Lucas Vernon

Si te gustan en disco necesitas verlos en vivo

LA SEMANA DE FRENTE. Periódico de distribución gratuita; se publica semanalmente.

Publicado por La Ciudad de Frente a sus Contenidos, S.A. de C.V. Editor responsable: María Fernanda Olvera Cabrera. Número de certificado de reserva de derechos al uso exclusivo otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor 04-2010-112411305400-101.

Certificado de Licitud de Título y Contenido: No. 15162 del 8 de mayo de 2011. Domicilio de la publicación: Calle Popocatépetl 7-PB, Col. Hipódromo Condesa, Delegación Cuauhtémoc, C.P. 06100, México, D.F. T 5914 0335. Impreso por: Grupo INFAGON, calle de la Alcaiceria #8, colonia Zona Norte Central de Abastos-Iztapalapa México D.F. C.P. 09040.

Los artículos de los autores colaboradores de esta publicación reflejan únicamente la opinión de los mismos y no necesariamente coinciden con la de esta editora. D.R. ©La Ciudad de Frente a sus Contenidos, S.A. de C.V., México, 2012. www.frente.com.mx Se prohíbe la reproducción parcial o total de las obras y demás contenidos de esta publicación sin previa autorización por escrito de la editora.

Michel Franco por Lucas Vernon Mientras tocaban los Black Keys, me agarré a madrazos

VENTAS y facturación

CONSEJO ADMINISTRATIVO

6 versus

por Carlos Velázquez

Dallana Trejo | dallana@frente.com.mx | T. 4171 2961 Vivian Helton| vivian@frente.com.mx | T. 4171 2961

Julio Martínez Ríos, Laureana Toledo, Alan Page, Adrián Duchateau, Toni François, Gerardo L.S. Luli Serrano Eguiluz, Miguel Franco, Rodrigo Alcocer de Garay, José Antonio Valdés Peña, Roberto Fiesco, Sofía Margarita, Sofía Ashbury, Rubén Olegnowicz “El Paella”, Carlos Velázquez, Jorge “Negro” Hipólito, Laura Gamboa, Luciana Gallegos Dino-Guida.

Opinan: Julio Martínez Ríos, Diego Rabasa, Laureana Toledo, Alan Page

8 crónica

tacvba

asistente editorial

4 CONTRALORÍA

28 ARTE

Llévelo, llévelo por Marisol Rodríguez Nueva Matemática por Sofía Margarita Además artefacto y agenda

por Luli Serrano Eguiluz

Además novedades de discos, la vara y agenda

24 CINE

32 LETRAS

El historiador del futuro por JVG

James Bond, el mismo espía pero revolcado por Roberto Garza 34 medios Archivero por Roberto Fiesco columna cinefernalia José Antonio Valdés Peña El fin está cerca (según ellos) por Sofía Ashbury Además estrenos y agenda columna mundos para lelos por el paella Twitter @frentemx | Facebook /frentemx

columna invitada

por Diego Rabasa

¿Abeja o avispa?

Gore Vidal, may he rest in peace, solía decir que los Estados Unidos son como un pájaro con dos alas derechas. Las personas que crean que Obama es un socialdemócrata están equivocadas. En las nociones clave que definen la doctrina político-económica de un país, las posturas de ambos candidatos difieren nomás en que el demócrata las dice sonriendo y el ex gobernador de Massachusetts tiene el carisma de un hijo bastardo de Marta Sahagún y Mario Marín.

Veamos: ambos aseguran que la economía de libre mercado es una especie de fuerza natural cósmica que tiene al planeta rotando; ambos creen que el hecho de que cualquier desequilibrado adicto a Jersey Shore o Two and a Half Men pueda comprar una pistola en Walmart es parte de lo que los hace americanos. Ninguno habló, por ejemplo, del gravísimo problema de adicciones que tiene su sociedad y ninguno tiene una plataforma remotamente incluyente para los inmigrantes.

Dicho lo anterior, vamos al debate. Un poco de contexto preliminar. La elección se va a decidir en nueve estados; los otros ya tienen una tendencia marcada y aparentemente irreversible hacia uno de los dos partidos. Y recordemos que la elección la gana no el candidato que tenga más votos, sino aquel que obtenga más asientos en el colegio electoral. Antes del primer debate Obama ya iba arriba en los sondeos por 8 puntos y en 6 de los 9 swing states. Sólo dos veces en la historia de los Estados Unidos se ha dado el caso en el

que un debate presidencial influya en el resultado de la elección: a favor de George Bush contra Al Gore, y a favor de Kennedy contra Richard Nixon.

El carismático Obama contra el robot Romney.

Obama el inspirador, contra Romney el representante del 1% más acaudalado. Los momios estaban más desequilibrados que en un Barcelona-Gallos Blancos. Pero el republicano rompió la quiniela y dejó a un pálido y pusilánime Obama en la lona. Emparejó la elección, revirtió la tendencia favorable que Obama tenía entre las mujeres, y dio —por primera vez desde que inició la campaña— la impresión de que podía ganar la elección.

Así que así de importante era este debate, que, en términos generales, me parece que lo ganó Obama. El dinámico formato permitía discusiones uno a uno, que por momentos llegaron a recordarme el Jerry Springer Show. El contexto le ayudó a Obama a mostrar rapidez frente a su rival. Ambos hicieron lo suyo: Romney hablar de la incapacidad de Obama de contener el déficit público, de dinamizar el crecimiento económico y de reducir a niveles aceptables el desempleo. Obama puso a Romney como un junior que no entiende al país, lo acusó de tener inversiones en compañías que hacen outsourcing a China y le dijo mentiroso e hipócrita una y otra vez. En el mar de cifras que dieron me parece que ambos perdieron, porque ninguna pudo hacer un verdadero impacto. Muy poco interesante en ese sentido.

calabozos y dragones

Lo que realmente me parece que llama la atención es ese discurso nacional soberanista que ambos tienen. Ninguno tiene duda alguna de que el mundo es un adolescente que está intentando rebelarse ante Big Brother Sam. Ambos ven a China como a un enemigo y a México como un gran hoyo negro del que supuran inmigrantes ilegales y que mantiene su industria armamentista como por arte de magia. Cuando Romney le reclamó a Obama la operación Rápido y Furioso su indignación tenía que ver con que una de esas armas había matado a un ciudadano norteamericano (así que el tipo de cambio humano está 1:50,000, para que no nos quejemos del dólar). Obama presumió que durante su administración había habido una de las mayores tasas de deportación y menores tasas de infiltración en la historia. Romney tartamudeó un terrible eufemismo cuando le preguntaron acerca de la resolución nazi de la autodeportación.

Con todo y todo voy Obama. Creo que ganó el debate y sólo la profunda podredumbre mental —evidenciada en el puritano y decadente American Way of Life, en sus nauseabundos íconos de entretenimiento masivo— promedio de los gringos podría hacer que esta elección la ganaran los republicanos. Aunque pensándolo desde la perspectiva de vecino, y por supuesto como ciudadano de cualquier parte del mundo, es como si te preguntan que qué prefieres: que te pique la frente una avispa o una abeja.

por Julio Martínez

Arce, poliuretano y aluminio Nos íbamos a la maderería por unas vigas y triplay. Casi todo lo que comprábamos eran sobrantes.

El presupuesto se conseguía a partir de la suma de nuestros domingos.

Ahora le nombrarían “proyecto de colaboración”, o algo así. Sofisticado.

Todo es ahora mucho más sofisticado. Existe otra conciencia. Los más grandes, los que ya estaban en la prepa, se encargaban del aspecto técnico y la talacha: ensamblar la rampa, dejar un tramo pegado que sirviera con transición, la entrada para las ruedas. Colocaban las hojas con la curvatura necesaria para el salto.

San Tony Hawk.

San Mike McGill.

San Steve Caballero.

San Mike Vallelly San Ray Barbee.

La santísima Bones Brigade.

Fue la tabla una de nuestras primeras expresiones de individualidad. No era posible en aquellos días expresar una visión del mundo a través de la computadora, el teléfono celular, o una bitácora electrónica. Nuestras mochilas eran portafolios aburridos y el reglamento exigía entrar a clase con uniforme y credencial.

De ese modo, los Gullwing verdes, las ruedas T-Bones (cada una de distinto color), la calcomanía de H-Street, la lija rosa, las tablas modelo Toyoda, Natas, Eddie Reategui; la Caballero de segunda, tercera mano que algún conocido ofrecía muy barata, se transformaron en manifestaciones personales: todas las tablas eran iguales, todas representaban la misma idea de traslado y acrobacia. Ninguna era idéntica a la otra.

El primer ollie de una tabla nueva tenía (tiene) implícita una certeza: estas siete capas son efímeras, estos huesos son efímeros, esta banqueta, esta escalera, este pasamanos, esta cultura, esta respiración. Todo termina. Toda forma de arte lleva implícito un proceso de destrucción.

Don Julio, el señor que nos vendía los baleros y las ruedas en el bazar, nos hacía una recomendación mañosa cuando íbamos a mercar los tenis para el ritual: “Cómprense dos, unos para que los rompan en la tabla y otros para salir con las chamacas”. Tenía razón el señor. Además nos habríamos vuelto ricos con esos Vision.

Airwalk Prototype 540 F. Airwalk Vic. Airwalk Prototype 600 F Torch.

Hoy fui a comprar café montado en una tabla. Una tabla nueva. Sofisticada.

Todo es ahora más sofisticado. Una de esas ediciones especiales de Santa Cruz que adaptan los diseños originales de Jim Phillips a la iconografía de los Simpson. Es algo corta para mí, tengo que concentrarme para encontrar el borde trasero. Esta vez no monté con el café en la mano, ya lo hice una vez y una grieta me hizo regresar al expendio, mojado y lleno de polvo.

Eso también sucede: andar en patineta es un sistema de prueba y error.

Una forma de aproximación a la realidad que ofrece aprendizaje en cada pequeña derrota. Y la derrota es constante.

El otro día, mi amiga Alejandra me preguntó por qué las patinetas son tan populares, por qué veía tantos chicos y chicas en todas las colonias, en todos los parques, empujándose sobre ellas. ¿Qué magnetismo ejercen?

No encontré palabras capaces de ofrecerle una respuesta.

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CASI CASI

FANGO

por Alan Page

por Laureana Toledo

tráfico DF

En clase turista

Nuestro tráfico jamás me dejará de fascinar: es la gran roncha del cuerpo político, el e pluribus unum de pequeñas miserias vueltas sinfonía. Pero como todo síntoma, no puedo evitar pensar que aquel inmenso nudo de rabietas esconde un secreto: que más allá de la suma de todas las causas particulares de la obstrucción de nuestras vías existe una verdad intolerable sobre quiénes somos cuando estamos solos, escondidos detrás del claxon.

Como buen síntoma, el tráfico es causa de dos cosas. La primera es el puro padecer: padecer la trabazón, la ignorancia del prójimo, la incompetencia de la autoridad, la falta de planeación urbana, etc. Pero la segunda cosa de la cual es causa el tráfico es una especie de hipocondría, un afán de teorizar infinitamente sobre la causa del tráfico, una sed de asignar culpas: a la ignorancia del prójimo, la incompetencia de la autoridad, la falta de planeación urbana, etc. Hay un problema teórico que resolver aquí: existe el dolor engendrado por el tráfico, y la infinidad de maneras en que nos lo narramos. Pero el problema es que uno no es extricable del otro. Pareciera que no podemos sentir dolor sin darle sentido, sin asignar responsabilidad.

Esto me lleva a un segundo punto: con un síntoma del tamaño del tráfico mexicano, nuestras pequeñas explicaciones hipocondríacas sobre la causa del tráfico nunca son explicaciones locales, particulares. Siempre, detrás de la gran queja común sobre el tráfico, flota el fantasma de

A riesgo de sonar como vieja y nostálgica, puedo afirmar que viajar no es lo que era antes. Desde que tengo memoria he viajado mucho. Crecí en una familia muy inestable y móvil, y viajar era la forma de cambiar de vida, o de regresar a ella. Durante los años ochenta viajaba varias veces al año a visitar a mi padre, que siempre vivía en “algún otro lado”.

Viajar ahora es verdaderamente un suplicio que, por supuesto, siempre se justifica al ser por tu propio bien y seguridad.

El escenario para unas “vacaciones” se ha vuelto muy poco prometedor: pagar todo lo que tienes ahorrado por un boleto al fondo del avión que hace que no alcance para hoteles —yo por suerte tengo muchos amigos, y combinando cuatro noches en casa de cada uno de ellos, me da la oportunidad de conocer barrios inesperados de ciudades medianamente familiares. Los aeropuertos, como casi todos los lugares del planeta, se han vuelto una extensión del centro comercial. La seguridad es ridícula —intentan intimidarte, y si de verdad alguien quisiera raptar un avión, no sería tan difícil hacerlo. Los asientos en los aviones cada vez son más estrechos, compactos, sucios e incómodos. Incluso los de clase ejecutiva o primera clase. La comida es genérica y horrible: la carne dura y los cuchillos de plástico. Las filas para pasar inmigración duran en promedio dos horas y ni siquiera esto garantiza que te dejen entrar al país al que nomás

la identidad nacional. Nunca es sólo un “este idiota en específico se pasó el alto”. No. “Ese idiota” siempre aparece como una especie de embajador del espíritu mexicano, un ejemplo de todo lo que está mal con “nosotros”: nuestra mala fe, nuestra compulsión de salir adelante a expensas de los demás, nuestra falta de educación cívica, o lo que gusten. Vivimos el tráfico como la escena de un encuentro con “este idiota”, esa parte indomable de nosotros, aquello que, literal y figuradamente, no nos deja avanzar. Él es la causa de todo impedimento; él es la causa de esta gran claxoniza.

Excepto que no, y ésta es la razón por la cual escribo esta columna. El horror del tráfico, el encuentro con la furia de la muchedumbre, no es sólo un encuentro con esta figura —la personificación de la causa del bloqueo—: es un encuentro con nuestra sed de castigarlo. Es una diferencia pequeña, pero importante.El ruido y la rabia del tráfico mexicano provienen de quienes se creen los justos, los buenos: es un clamor de justicia, una queja dirigida a un juzgado inexistente. Es el deseo del “buen hombre”, furioso e impotente, de hacerse oír.

Estamos colmados por nuestra imagen del mexicano maleducado.

Como buenos neuróticos, lo responsabilizamos de todo lo intolerable de nuestra vida política. Pero se podría argumentar que igual, o hasta más característico del mexicano, es esta sed furiosa de justicia, la urgencia de que nuestra irritación se registre, nuestras ganas de linchar...

exvoto moderno

por Reluant

vas a gastar tu dinero. Los agentes te preguntan con ojos sospechosos cuánto tiempo te quedas y qué diablos quieres en su país —si es que no te separan de los demás pasajeros y te hacen preguntas ridículas, como por qué tu italiano es tan bueno o cuántos cuartos tiene tu casa.

Ya que llegamos y nos instalamos en el sofá de alguien, la fila en un museo es casi igual que la del aeropuerto, o peor. Me hace sospechar de las verdaderas intenciones de los visitantes y me parece que tiene que ver más con el consumo de cultura en un plan demostrativo y de moda, que de una forma de vida y de crecimiento espiritual, aunque en una de ésas algo se les ha de pegar. Las tiendas llenas, los restaurantes llenos y caros, las atracciones turísticas hay que evitarlas a toda costa, junto con las ofertas de temporada y para alguien tan snob como yo, no queda más que transitar por lugares poco interesantes, comer en el chino más sucio y casi no conocer las maravillas que supuestamente hacen atractiva a una ciudad. Extraño recurso para no sentirme turista, como todos los demás.

LA SIGUIENTE SEMANA COLABORAn: > Warpig >Mariana Linares >Toni François

VERSUS

Michel Franco

Éste ha sido un gran año para Michel Franco: estrenó su segundo largometraje, Después de Lucía, en Cannes, y ganó el premio Un Certain Regard gracias a esta cinta, misma que ha sido seleccionada para representar a nuestro país como mejor película extranjera tanto en los premios Óscar como en los Goya. Previo al estreno de esta película en nuestro país platicamos con el director de 32 años sobre éste y el resto de sus proyectos, por qué José María Torre sale en todas sus películas y por qué todavía no ha hecho la película que siempre ha querido hacer.

Texto: LUCAS VERNON Fotos: Turco

www.frente.com.mx | FRENTE del 18 al 24 de octubre de 2012 | VERSUS | 7

¿Cómo salió la idea de Después de Lucía?

Pues una combinación de temas, está obviamente la parte del bullying y de la violencia cotidiana que se vive en la calle, en entornos laborales, que me pareció interesante analizar por qué hemos aceptado vivir en una sociedad violenta, que consiente que los niños crezcan de una manera... Últimamente se le ha hecho mucho enfoque a eso, ¿no?

Pues es que es un tema urgente al que se le había dado menos atención de la que merecía, o por lo menos no se le había tomado con la atención que merece. ¿Qué tan difícil fue conseguir productores y el financiamiento para tu película?

A mí no me gusta complicar las cosas, como te decía tengo esta productora desde hace ocho años, esto es Pop Films y además ahora estoy montando una nueva productora que se llama Lucía Films, a partir de este proyecto.

Mi socio se llama Moisés Zonana, y él es el que se está encargando de financiar las películas. Ya encontré un mecanismo que funciona: por un lado llevo con Pop ocho años y hemos comprado equipo y luces y demás, entonces como yo produzco con mi equipo, ya no dependo de terceros tanto.

Después de Lucía es una película en la que la mayor parte de los actores son jóvenes, ¿qué tan difícil fue tratar de sacar las expresiones o la naturalidad que querías? Porque hay escenas que son muy fuertes.

Pues es incluso más fácil, porque confían más y se entregan más, no tienen prejuicios ni miedos ni están tan conscientes de sí mismos, y es más fácil que se dejen llevar por las situaciones que planteas en el guión.

También es importante escoger a los actores o no actores idóneos, ésa es la clave para que sea fácil o difícil rodar.

En la escena que se nota que van a tener sexo, por ejemplo —que no llega hasta ese punto porque no hacía falta mostrarlo—, pues era importante generar un ambiente en donde se sintieran cómodos, y que hubiera confianza entre ellos y confianza conmigo. Todo es eso, hay que proteger a los actores para que se sientan cómodos.

Tus dos películas están muy apegadas a una realidad muy específica, como clase media alta del DF. ¿Por qué tomaste esa decisión?

Bueno, cada película tiene que estar situada en un contexto particular. La película nueva, por ejemplo, que estoy terminando de editar y posproducir, A los ojos, trata sobre una trabajadora social de clase media baja, y está filmada casi toda en zonas marginales de la ciudad, entonces no hay una crítica de parte mía en particular hacia la burguesía o lo que sea: creo que las mismas historias, por lo menos Después de Lucía, se pudieron haber situado en un ambiente de clase media, pero pues tienes que tomar decisiones y ubicarlo… Tampoco es una opulencia exagerada la de Después de Lucía; en Daniel y Ana creo que sí.

Creo que hay un sector de la población que cuando ve cine nacional no se siente tan identificado o no es tan directa la relación,

como la gente que va a Valle de Bravo todos los fines de semana o yo qué sé.

Sí, bueno, también tiene que ver con que yo conozco bien ese mundo, evidentemente, pero no todas mis películas van a estar situadas en ese contexto. Creo que muchas veces se hacen películas sobre clase alta o media alta y justo ves clichés y cosas que no corresponden a la realidad, y me atrevo a decir que en mis películas sí está retratado de manera fiel, sin exageraciones.

En tus películas tienes una estética muy definida, son muy sencillas en ese sentido. ¿Por qué has tomado esa decisión?

Creo en la simpleza, creo que si logras comunicar ideas complejas, profundas, analizar la psicología a profundidad de una manera aparentemente sencilla o sin obstrucciones, pues es más efectivo y más respetuoso hacia el espectador. No hay tantos filtros, hay más objetividad, y pues eso, que no estás ni suavizando ni maquillando ni tampoco acentuando para que sea más morboso.

Creo que trato de que sea la medida justa y que no haya nada entre el espectador y las ideas y las emociones. Por eso la puesta en escena es aparentemente sencilla, porque a veces llegar a expresar las cosas con menos recursos es a veces más difícil.

Hasta ahora, ¿crees que se te podría describir como un director de terror? ¿De terror? Bueno, más bien yo creo que en la realidad hay mucho terror, y a veces no queremos ver ciertas cosas que están sucediendo en nuestras casas o en nuestras cabezas o en nuestro país, y pues creo que el cine es un buen vehículo para hacer una pausa y observar qué somos, quiénes somos y por qué vivimos como vivimos, y si ahí hay terror pues es inevitable topárselo. ¿Y A los ojos y el resto de los proyectos que tienes en mente actualmente siguen esa línea?

Bueno, cada película es distinta...

Bueno, pero en las dos que llevas sí sales del cine con un sentimiento horrible.

Sí, supongo que A los ojos no va a ser tan distinta en ese sentido, pero las dos películas siguientes que estoy escribiendo pues no sé, apenas las estoy escribiendo, y no planeo…

O sea, te puedo hablar de las que ya filmé, pero de las que voy a hacer no, porque no lo tengo tan claro, y creo que es importante no tenerlo tan claro y permitirse estar cambiando y explorando. Apenas tengo 32 años y A los ojos es mi tercera película, entonces si me trato de clasificar yo solo sería un error.

Yo nunca sería de esos que dicen “es una trilogía de esto o una trilogía de aquello”, creo que hay que trabajar por intuición.

Codirigiste A los ojos con tu hermana. ¿Por qué tomaste esa decisión?

Porque el rodaje duró cinco meses.

Uff, cinco meses es muchísimo.

Es mucho, lo que pasa es que la única actriz profesional es Mónica [del Carmen, protagonista de Año bisiesto de Michael Rowe]; el resto de quienes aparecen en la película son principalmente gente en situación de calle, entonces mi hermana primero hizo un documental que le tomó meses para que

la conocieran en la calle, para desarrollar una relación con Casa Alianza, o sea que lo empezamos juntos, pero a mí no me gustan los documentales, nunca he hecho un documental ni creo hacer jamás uno. ¿No te gustan para ti o en general?

No me gustaría hacer un documental y veo muy pocos porque a mí del cine lo que más me interesa, más que el contenido, es lo cinematográfico, la forma; no de una manera superficial, sino de una manera cinematográfica, profunda, y los documentales rara vez alcanzan eso. Pero bueno, volviendo a A los ojos, mi hermana hizo este documental y después de varios meses encontramos a Benjamín, que es el actor principal —bueno, el no actor principal de la calle— y entonces ya empezamos con la ficción, pero ya para eso llevaba varios meses la película. De la parte de ficción o de dirección de actores me encargo yo, y la parte en la calle, en la realización de cuando va Mónica trabajando, eso lo hace mi hermana, entonces era muy natural la combinación. ¿Cómo te sientas a trabajar en los guiones?

Pues ahorita con dificultad por la falta de tiempo y de paz, y eso me estresa mucho, porque lo que más me gusta es generar proyectos nuevos. Tardan años en madurar las ideas en mi cabeza. ¿Las que estás escribiendo ya las tenías pensadas desde hace mucho tiempo?

Pues para darte un ejemplo, en el 2009 cuando presenté Daniel y Ana, me preguntaban en Cannes que qué seguía, y ya ahí en las entrevistas daba adelantos sobre Después de Lucía, aunque no la tenía muy clara, pero ya estaba trabajando en eso, entonces me tomó por lo menos un año nada más pensar en la historia y todo, y luego otro año escribirla. A los ojos está basada en un corto mío que se llama Entre dos, del 2003, y pues llevo nueve años pensando en llevarlo a largometraje, o sea desde que acabé el corto me siguió interesando el tema, apenas lo cerré, ya ahorita no tengo más que decir al respecto. Es importante tener muchas ideas y que vayan madurando. ¿Te gustaría dirigir cosas que no son tuyas?

Sí, si hay algo interesante sí.

Pero no es como que lo estás buscando.

Pues buscando no, y además soy muy escéptico, dudo mucho encontrar algo que realmente me pudiera interesar, porque mi interés no está en contar historias, está en explorar ideas, y son ideas muy personales… va a ser muy difícil que algo escrito por otro me llame. ¿Y por ejemplo, lo contrario? ¿Tú escribir algo y que alguien lo dirija?

Ah, eso nunca, primero que nada porque no me gusta escribir, entonces invertir tanto tiempo… o sea mi incentivo para escribir es filmarlo, y segundo porque no me considero un guionista: escribo para filmar, pero no tengo el oficio de guionista.

Chema Torre aparece en tus dos películas, ¿por qué?

Pues en la primera porque hizo un buen casting y le quedaba bien el papel y fue natural,

y porque no tengo prejuicios, hay gente que quiere puros actores como de arte, y dirían Marimar Vega o Chema Torre son muy de ya sabes, y yo no tengo esos problemas, para nada. Y a partir de la primera película nos hemos vuelto buenos amigos y la razón por la que sale en la segunda es por lo mismo que salen Marco Treviño, Humberto Bustos, Carmen Beato, Mónica del Carmen ya ni sale pero se escucha su voz, Nailea Norvind también: porque son puros actores de primer nivel, que invité personalmente, o sea yo les llamé y les pedí que hicieran esas escenas y así yo me facilito las cosas, para que las escenas con actores secundarios o con apariciones menores queden muy bien. Es un lujo que me puedo dar. ¿Sientes alguna diferencia o beneficio ahora que volviste a ganar en Cannes, o todavía es muy pronto para eso?

Pues el primer beneficio es que hay más interés hacia el trabajo y que la película se está distribuyendo en México y muchos países con más interés y con mayor alcance, y ya eso es muy importante, porque cuando uno se sienta a escribir y filmar lo que quiere es que las ideas alcancen a la gente, entonces eso sí, claro que se está reflejando. Que si lo siguiente va a ser más fácil, pues realmente no, o sea sí mejoran las circunstancias externas pero las internas no: a la hora de sentarte a escribir es volver a empezar de cero, y creo que la parte importante de las películas viene más en el desarrollo interno, porque dependiendo de eso pasan o no cosas después. ¿Cuál es la película que siempre has querido hacer? ¿O ya la hiciste?

No, yo siempre quería hacer comedias, entonces... ¡¿Ah sí?!

Sí, estoy muy lejos de hacer lo que... Pero yo creo que uno hace las películas que puede, no las que quiere, y creo que las películas de alguna manera te llegan: si tú las persigues y eres necio el resultado no es orgánico. Creo que no hay que controlar más de la cuenta.

Pero eso es algo que te gustaría explorar eventualmente. ¿Hacer una comedia? Me encantaría, sí. El primer guión que escribí para filmar antes que Daniel y Ana es una comedia.

Pero no tienes planeado filmarlo próximamente.

Pues me metí en otro canal ahora, obedeciendo un poco a eso de no controlar, entonces esto es lo que está sucediendo y está funcionando bien. ¿Te gustaría migrar a Estados Unidos?

No, yo iría a cualquier lugar para hacer las películas que en su momento me interese hacer, pero puede ser Estados Unidos o puede ser Venezuela o puede ser Argentina o lo que sea. ¿Pero como Alejandro González Iñárritu?

Así como mudarme a que ya vivo ahí no, no me gustaría para nada, me gusta México pero no lo digo como una cosa de cuestión patriótica. Me gusta mi vida en México y me funciona, entonces para qué arriesgar y cambiar eso. F

CRÓNICA

Mientras tocaban los Black Keys, me agarré a madrazos

The Black Keys

TEXTO: CARLOS VElázquez FOTOS: TONI FRANÇOIS

Para R sta publicación cantó victoria antes de que sonara la campana. Que la presente edición del Corona Capital ha sido la mejor organizada, no hay duda. Pero dista mucho de considerarse a la altura de festivales como Coachella o Lollapalooza.

Me atrevería a afirmar que incluso el Ozzfest cuenta con una mejor logística. Y no hablemos de mi querido Vive Latino, que pese a las fallas técnicas que sufrió este año, en cuanto a programación se refiere, rotundo superó al Corona. Y es que no basta con aglomerar bandas: el revoltijo. La planeación, el cartel y algunos grupos quedaron a deber. Aplaudo la réplica del festival (tomada de Coachella) de albergar a una banda legendaria que haya resucitado. Sin embargo, la irregular actuación de New Order debería obligar a los organizadores a replantearse este objetivo. No abogo porque desaparezca, pero podrían reconsiderarse a conciencia la banda a seleccionar o su posición dentro del espectáculo.

E

Dos coronas a mi madre, al panteón voy a dejar

Sábado Mi propósito era arribar a tiempo para ver a Hello Seahorse!

Los traigo atravesados desde el “Vive”. Por culpa del tráfico me los volví a perder. Así como a The Walkmen. Llegué justo a Death in Vegas, una banda que me moría por escuchar en vivo desde su primer disco, Dead Elvis (1997). Cuando comenzaron su actuación, el escenario Bizco Club estaba abarrotado. Pero a la segunda o tercera canción, comenzó a producirse una desbandada de hipster ravers que se desilusionaron con el arranque del performans del grupo. En definitiva,

no es música para saltar. Y he aquí la cualidad más grande del show: no iniciaron con un atronador beat para el dance floor. Por el contrario, lo que más me agradó fue lo contenida que lució la banda, quien estalló en el momento idóneo. La actuación fue en aumento hasta volcarse sobre sí mismos hacia el final, para poner a bailar a toda la carpa, que pese a las deserciones continuó atestada. Richard Fearless demostró que no se requiere ser un gran vocalista para desempeñar el papel de front man.

Debido al retraso para que apareciera Death in Vegas, no alcancé a Iron and Wine. Me lancé directo a los Kills. No tuve la oportunidad de verlos en su visita pasada al DF, este mismo año, y junto con Death in Vegas era una de las bandas que más me interesaban. Y no defraudaron en absoluto. No es lo mismo observar a Alison Mosshart en los videos que en concierto. Qué manera de dominar el escenario. Y lo agresiva que luce con el cabello teñido de rubio. Y atrás no se queda el despliegue técnico de Jamie Hince en la guitarra, quien en un momento álgido del show tomó el pedestal del micrófono a manera de slide, demostrando que es un instrumentista consolidado. No considero a este dueto los White Stripes en ácido, como los han etiquetado por ahí. Esta actuación que presencié me lo reafirma. Su pureza no radica únicamente en el legado del que proceden, sino en el sonido que despliegan. Se escuchaban tal y como los aprecias en el disco.

Como en el caso de Death in Vegas, me quedé a disfrutar de toda la actuación. Soslayé a Suede, y perdí demasiado tiempo en trasladarme hasta Franz Ferdinand. La banda estaba en el escenario Capital, alejadísimo de los otros dos escenarios importantes. Confieso que he perdido la fe en este grupo. Sus dos últimos discos me han resultado aguadísimos. Llegué a la mitad del show, y debo reconocer que en vivo son un gran

espectáculo. Son mejor banda en concierto que en estudio.

Sólo tengo una queja: el instante en que los cuatro miembros se encamaran sobre la batería y con baquetas aporrean tambores.

Parecía un espectáculo de Stomp o Safri Duo. Pinches bandas, por qué no se dedican únicamente a tocar rock and roll.

No me lamento por haber ignorado a Suede, sin embargo un error grave del festival es empatarlo con Franz Ferdinand. A eso me refiero con las deficiencias en la programación a la que me refería. El sábado no fue tan incómodo para mí, asistí a pocos grupos, pero el domingo anduve corre y corre para oír apenas unos minutos de las bandas que me interesaban. Y después de Franz, me morí en el pasto. A esperar una hora cuarenta y cinco minutos a que le tocara el turno a Basement Jaxx. No pelé a los Hives. ¿Cómo se atrevieron los organizadores a cerrar el festival en el escenario principal con esa banda? Si bien es cierto que no son los mismos chaquetos de hace dos años —están mejor producidos—, la música es un asco. Y éste es otro gran descalabro en la primera jornada del festival: un grupo que no está a la altura, como “broche de oro”, por encima de Suede o Franz Ferdinand.

Basement Jaxx fue la fiesta del año. Armados con dos rotoplás —dos negras vestidas de marinerotas— como cantantes, sacudieron la carpa Bizco, que estaba a reventar, sí, como los vestidos de las vocalistas. Y la cereza en el pastel fue una tercera negra, también vestida como oficial de navío, que se unió para formar un trío de voces con una coreografía sacada de un burlesque en Nuevo Orleans durante la época de recesión. No fue un concierto común, basado en la interpretación de piezas; más bien una construcción de estados de ánimo a partir de la improvisación y las voces de las invitadas. El momento cumbre, por supuesto: “Where’s Your Head At?”, con dos botargas de gorilas, no mandriles, incluídas.

“El día flojo” le deparó una asistencia al festival que superó a los cincuenta mil asistentes. Acabé en mi hotel a las cuatro de la mañana, y todavía me esperaba el día siguiente.

El plato fuerte.

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Domingo Aunque me dormí después de las cinco de la mañana, lo conseguí. Estuve en el Corona justo para Alabama Shakes, para mí, una de las grandes atracciones del festival. Y no me equivoqué.

Su disco no me pareció tan portentoso como la voz de Brittany Howard, su vocalista. Me resulta demasiado extenso y desigual. Grandes temas seguidos de otros no tan buenos. Pero mi intuición me dictaba que esta banda era para gozarla en vivo.

Y sí. Pese a salir a las tres de la tarde, el escenario Capital lucía nutrido, y la actuación fue emotiva. Como pocos grupos dentro del festival, consiguieron conectar con el público de manera especial, algo que no sucedió con otros conjuntos. Sin escenografía, sin vestuario, pero con mucho soul, la banda conmovió.

Cumplió con las amplias expectativas que la audiencia se ha forjado sobre ella desde el lanzamiento de su primer single.

Me decepcionaron los Maccabees, de quienes esperaba demasiado. Sonaron demasiado pop. Yo recordaba su primer disco —no he escuchado el segundo— como un arrebato protopunk que me había mantenido despierto en algunas pedas. Pero su show en el Corona se me antojó insípido. No despertó emociones. Así que no lo presencié completo, y decidí acercarme a husmear a los Raveonettes. Otro fiasco. Cuando debutaron, todo mundo quedó impresionado por su sonido decididamente retro. Pero en el Corona se me antojaron anodinos. Sus canciones suenan todas igual. La novedad de su primer disco ha muerto. Rock acomodaticio, lo llamaría yo.

Tampoco me quedé al espectáculo completo.

Los que me volaron la cabeza fueron Who Made Who. No me los esperaba, qué sorpresa. No los había escuchado. Apenas oí un par de rolas en el coche, en el trayecto hacia el DF. Ya habían comenzado cuando pisé la carpa Bizco club, pero me quedé hasta el final. Pretendía indagar en Neon Indian, pero como deseaba agarrar buen lugar para My Morning Jacket, me fui a la segunda canción.

Había oído un par de temazos de My Morning Jacket a principios del 2000, pero no ganché hasta Circuital, que fue enlistado como uno de los mejores discos del 2011. Para cuando comenzaron a tocar ya había anochecido, hacía frío y comenzaba a soplar el viento, lo que le otorgó un toque místico a la banda que ofrecería música cósmica. Indumentado con su poncho a lo Chavela Vargas, Jim James salió a escena para encender el festival con una música agrestre, algo que contrastó con el resto del cartel.

Además de la banda, lo acompañaban en el escenario dos osos: una replica de Grizzly también con poncho, y una escultura de oso dorado en miniatura. Lamentablemente no atestigué el recital completo: el morbo me impelió a moverme a New Order.

La curiosidad, y el pequeño detalle de que no los había visto en vivo. Pero ya me encontraba resignado. Mi última oportunidad para verlos fue durante la gira del Get Ready, y no lo hice. Pero fui autómata de esa banda y me apersoné a oírlos. Me llamó la atención que en las pantallas apareciera de manera recurrente el bajista, como una manera de evidenciar que Peter Hook no hacía falta, lo que indica que las críticas sí han pesado sobre la banda. El rendimiento vocal de Bernard Sumner afectó el concierto que ofrecieron. El set list fue afortunado. Abrieron con “Crystal”, y repasaron a Joy Division.

Pero la gelatina no acababa de cuajar. Algo faltaba. No era sólo el ausente Hook y el purismo inherente a ello. La actuación carecía de fuerza. Aguanté hasta el final. Quería estar ahí. Lo disfruté. Pero soy consciente de lo que atestigué.

Y entonces tocó el turno a Black Keys, quienes también me movían el tapete cabrón. El salto cuantitativo, aunque natural, de sus álbumes anteriores a El Camino, es impresionante. Me apuré, pero cuando me estacioné en el escenario principal ya habían comenzado. Estaba mal ubicado, así que comencé a avanzar, a situarme más adelante, a internarme entre la gente hasta quedar situado en un sitio privilegiado. Pese a estar aperrado, ese huequito en medio de la multitud lucía como el páramo perfecto para quedarme. Me acompañaba mi compa el Barry. Nos acomodamos. Entonces descubrí por qué nadie ocupaba ese lugar. A los dos minutos vi cómo un tipo detrás de nosotros le agarró las nalgas a un morro que estaba a nuestro lado. Vendrán juntos, pensé. Después le agarraron el culo a Barry, quien no hizo aracles porque pensó que había sido

WhoMadeWho

New Order

Basement Jaxx

yo. Como no dijimos nada, lo empujaron. Barry me dijo: “El gringo ese me acaba de aventar”. El bromista traía puesto un sombrero con los colores de la bandera de Estados Unidos.

Tranquilo, le dije. Creí que no había sido a propósito. Y al no obtener respuesta, el pendejo ese me agarró las nalgas. No fue una palmada, me las apretó. Volteé y lo descubrí burlándose. No soporté su risita estúpida. Avancé un paso y le asesté un cabezaso. Al instante, una chava se acercó y me dijo que por favor no los pelara. Que eran unos ingleses amigos de su roomie. Mientras hablaba con ella, un morro que estaba a la izquierda se acercó y me dijo: “Pártele su madre”. Al parecer ya tenían hartos a todos. Se la habían pasado mame y mame.

Y como el animalito medía 1.80 y estaba mamado, pensó que podía abusar de quien se le antojara. Y así fue. Y a todos jodió. Hasta que se topó con esta bestezuela. La morra me rogó que no hiciera pedo. “Llévatelos”, le dije, pero era demasiado tarde. El cabezaso había enfurecido al hooligan. Como vi que se me venía encima, me quité el cinto y le acomodé tres cintarazos en la cara. Pues más se encabronó. En eso, la chava se acercó con el afán de detenerlo y le puse dos más en la cabeza. Volteó y al tirarle uno más el cinto se enredó en su brazo y me lo quitó.

Y me le colgué de los güevos. Me arrastró como dos metros.

Entonces lo solté y me puse de pie. Barry estaba delante de mí, aguantando las embestidas del torote ese.

Barry pensaba que aquel cabrón me iba a madrear durísimo. Yo pensé que me iba a matar. Estaba bien culeado. Nunca me había medido a putazos con un especimen de aquel tamaño. Y Barry defendiéndome. El inglés quería llegar a mí, pero Barry se interponía. Entonces nos persiguió y abrimos espacio entre la gente. Me tiró un golpe. No acertó. Pero con el antebrazo alcanzó a Barry y le tumbó los lentes, y me quedé solo. Y se me echó encima. Debía tener 25 o 26 años, y aunque presumo que se metió unas chelas, no estaba pedo. Yo sí. Lo primero que intentó fue voltearme la sudadera sobre mi cabeza, pero al sentir el contacto de sus manos en la ropa me la quité. Quedé sin playera. Tiraba unos volados capaces de arrancarme la

cabeza, pero no me atinó. Me daba en la frente. El único que me conectó fue entre la oreja y el ojo, y mal conectado. Había poca luz, pero la suficiente para verle bien la cara y llevarlo de una orilla a otra a madrazo limpio. Pero no se caía, y no se cansaba. Y pensé: —¿Qué no vendrá la policía?—. A esas alturas prefería caer al bote a que me matara aquel idiota.

Conforme se fue desarrollando la pelea gané terreno. Tanto que otro inglés se me echó sobre la espalda, pero Barry lo tacleó. Y seguí puteando de lo lindo al inglés, hasta que supo que no iba a poder ganar esa pelea y se replegó. El otro inglés se puso junto a él, deteniéndolo. Era evidente que yo lo estaba abarantando. Gacho. En eso Barry y otro chavo me abrazaron.

Yo le hacía señas al inglés de que se la había pelado, pero la provocación no surtió efecto. Volvería sólo para que lo siguiera madreando. El chavo me arrastró hacia la gente y me llevó hasta donde estaban sus compas. “Estás cabrón”, me gritaba.

“Estás cabrón.” “¿De dónde eres?” “De Torreón”, le respondí. “¿Qué te hicieron?” “Me agarró las nalgas.” Y en chinga gritó: “Que nadie le agarre las nalgas a Torreón”.

Vi el resto del concierto con la sangre caliente, hasta que finalizó. Sólo entonces pude calmarme. Si no me equivoco, nos agarramos cuando sonaba “Nova Baby”. Cuando todos se fueron, me puse a buscar mi sudadera. Fue lo que más me dolió. Era una sudadera de la selección mexicana que había comprado en Tijuana. Ya no fui a DJ Shadow. De cualquier forma ya lo había visto. Salí a comprarme una playera, ¿de quién? De los Black Keys, agüevo. Y yo qué pensé que mis días salvajes habían pasado. El saldo fue tres chipotes, dos por golpes y uno por el cabezaso. Dos arañones. Y un golpe.

No me llevé más. Durante el camino al coche, Barry me dijo: “Carnalito, yo te quería y te respetaba, pero después de lo de esta noche te quiero y te respeto más”. Mientras miraba el amanecer en la carretera puse un disco en el estéreo. ¿De quién creen? De los Black Keys. Que ya me gustaban, pero ahora me gustan más. Me recuerdan la noche en que un norteño doblegó a un hooligan. F

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Las piezas del objeto Como muchos de ustedes ya lo saben, tras un lustro sin mostrar nuevas canciones, Café Tacvba está a nada de editar un nuevo ¿disco? grabado de manera poco usual: en vivo y en directo, en sesiones realizadas frente a fans, amigos y familiares en cuatro ciudades diferentes. ¿La razón? Alterar la fórmula para llegar a resultados diferentes.

A propósito de ello, nos pegamos al grupo en su pasada visita a Xalapa (aparentemente es más fácil entrevistarlos cuando están de gira que en sus días de descanso) para platicar largo y tendido con cada uno de sus integrantes, que amablemente nos recibieron en sus respectivas habitaciones antes de un concierto memorable en el estadio de beisbol de la ciudad. Ésta es la historia de la creación de El objeto antes llamado disco, testimonio de un grupo obligado a reinventarse constantemente para poder seguir existiendo.

Por Rulo Fotos Adrián Duchateau

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El larguísimo sabático

Pasaron cinco años entre Sino y El objeto antes llamado disco.

Quique: La gira de Sino duró dos años, se juntó con las celebraciones de nuestros 20 años y fueron tres años y cacho de estar tocando, con dos semanas de descanso de vez en cuando, pero fue muy pesada. Tuvimos que atender, por ejemplo, la situación de la película (Seguir siendo), que en teoría iba a coincidir con la salida de unos libros [sobre el grupo, que aún no se publican]. Estuvimos atendiendo más cosas de las que nos hubiera gustado en un periodo de descanso, aunque tampoco fue tan pesado. Pero sí había la necesidad de espacio para proyectos personales…

Meme: Dos integrantes del grupo no vivían en la ciudad de México y no es tan fácil juntarnos como en un pasado, todos vivíamos a cinco minutos de nuestras casas y a los ensayos unos llegaban en bicicleta y otros caminando, algo muy práctico. Hoy día, la logística demanda mucho más, cada quien tiene su familia, sus vidas o sus intereses.

Lo primero

Meme: Hace como un año, justamente, tuvimos las primeras reuniones para ver cuándo nos íbamos a ver y poner una fecha, porque estábamos realmente desconectados. Yo veía a algunos pero de trabajo no habíamos hablado nada, entonces como para tocar tierra y ver, más allá del disco, en qué andaba cada quién, con qué intenciones… A partir de esas reuniones llegamos a la idea de vernos en enero del 2012, para empezar a hacer el nuevo disco.

Quique: A finales del año pasado empezamos a ver nuestros tiempos y se decidió que en febrero y marzo nos íbamos a ver para mostrarnos canciones, ver hacia dónde queríamos dirigir el disco y cuándo querríamos presentarlo.

Joselo: Para tener esa junta, ya todos sabemos que queremos hacer un disco. Ya quedamos por mail qué día empezamos. Si alguien dice —que ha pasado— que no está listo para ese rollo, se aplaza. A mí lo que más me entusiasma de esa junta es que todos mostramos canciones, es un momento muy especial. De eso se trata, al menos para mí. Yo les toqué cinco canciones con mi guitarra. De ésas se quedaron cuatro.

Meme: Nos juntamos en enero con esta idea, había una premisa de hacer un disco ágil, porque queríamos tocar pronto y no queríamos que esto se extendiera —como pasó— por diferentes circunstancias, en los dos discos anteriores.

Quique: La primera junta tiene que ver con el estado de ánimo que tenemos en el periodo,

digámosle… sabático. Estamos en contacto, atendiendo asuntos del grupo, aunque estemos en proyectos diferentes, por medio de correo electrónico. En alguno de estos correos, alguien plantea la inquietud: “Oigan, ¿cuándo nos vamos a juntar para ver lo del siguiente disco?”.

Rubén: La primera junta es para sentir a los demás y ver en qué ánimo están. Yo estaba con el ánimo de disfrutar. Dos años me pasé haciendo diferentes cosas, tocando con Hoppo, que es una experiencia que me gusta mucho y que es completamente lo contrario a Café Tacvba. En ese grupo tú cargas los amplis, los desconectas una vez que terminas. Es ir a los hoteles que sea, o quedarnos en casa de quien nos contrata. Y en Café Tacvba no tenemos que conectar ni cargar ni nada, vamos de rockstars. Quería volver a disfrutar de mi grupo, disfrutar de mis compañeros que hacen unas canciones increíbles y tienen su forma de tocar que me encanta.

La incertidumbre

Para algunos que conocen de cerca al grupo, Sino podía ser su última grabación. Además, el prolongado silencio discográfico de la banda servía para alimentar todo tipo de especulaciones.

Meme: Por lo menos yo sentía que teníamos que hacer este disco, y no solamente eso, por contrato todavía lo teníamos que hacer. Nunca nadie mencionó que no lo quería hacer o que había que brincarse el contrato. Conociendo al grupo, sé que hay una cuestión de respeto hacia esos compromisos, y desde la primera reunión yo me di cuenta de que todo mundo quería ya juntarse y trabajar en canciones.

Para mí la incógnita la neta era ver si iba a haber aún una compatibilidad. Para mí ésa era realmente la incógnita. ¿Y esa incógnita se siente en cada disco o al menos en los últimos tres?

Meme: Yo creo que sí, y por lo menos para mí cada vez más, porque ha habido más distancia entre cada ciclo, y al mismo tiempo, la vida de cada uno de nosotros ha estado más… no quiero decir separada, pero sí más polarizada en cuanto a lo que cada uno tal vez está buscando de su vida, de sus gustos, de su filosofía.

Hay puntos de antagonismo profundo; ahora yo lo notaba más y decía “a ver en dónde nos encontramos de nuevo”. ¿Y esto es más musical o filosófico?

Meme: Yo creo que un poquito de todo. Sin poder hacer una disección sobre dónde están las diferencias o dónde las similitudes, lo único que sé, y lo vuelvo a comprobar, es que cuando nos juntamos sigue habiendo una química que produce algo, más allá de lo que yo piense, o la historia diga o la gente opine; nos reunimos y salen chispas.

Las canciones

Una vez que cada integrante ha expresado sus deseos de grabar y se ha comprometido a entregarle al grupo todo su tiempo, empieza la selección de canciones que integrarán el disco. O como le vayamos a decir en un futuro. ¿Cómo son las discusiones cuando cada quien llega con sus canciones? ¿Son duras, amables, diplomáticas?

Meme: No lo había notado, pero ahora que lo preguntas, siempre que llevamos una canción, idea o concepto, y lo noto en los demás, hay un ambiente de nerviosismo, de no saber si van a gustar las canciones, o si a algunos les van a gustar y a otros no; de aprobación, digamos, si van a aprobar o no mi materia prima. Por experiencia yo sé que van a haber cosas que sean aprobadas y otras rechazadas. Entonces cuando tú estás creando, primero tienes tu filtro y tú escuchas, medio separas algo y llevas algunas canciones, pero el último filtro lo dicta el grupo. ¿Y es duro para el ego cuando te rechazan una canción?

Meme: Justamente es eso a lo que yo iba, porque en el momento en el que inicia ese pro-

ceso, es cuando te das cuenta de que eres un grupo. Después de no haberlos visto por años, llevo mis canciones, las muestro, y cuando se comienza a opinar al respecto, yo no confío en nadie más que en ellos, porque en lo que ellos digan, es donde empieza a haber una comunión. Si hay algo en lo que yo puedo conectar con los demás es a través de la creación.

Joselo: Hay roles en el grupo. El de Rubén es cantar las canciones. Si yo traigo una canción lo que más deseo es que quede en el disco y él la quiera cantar. Yo tampoco puedo escribir algo que no me defina a mí. Y lo mismo Meme. Pero entonces el juego es que una composición nuestra sea interpretada por otro y eso hace que todo crezca. Rubén no puede cantar una canción que no le prenda. Ahí fue donde surgió la idea de que Meme cantara “Aprovéchate”, que es mía. Y entonces el mismo Rubén sugirió que yo cantara una que compuso Meme, y es así que yo acabo cantando “Espuma”. Es otro juego, buscando formas de hacer las cosas diferente.

Meme: En los discos anteriores probablemente hay canciones que no son del agrado de to-

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me he expresado de otras formas. He estado ocupado en otros proyectos y ahorita no tengo necesidad de componer.

Quique: Lo planteó así tal cual, sin dar una razón, pero curiosamente eso ayudó a unificar el camino hacia el cual construimos este proyecto.

Rubén: Recuerdo un comentario de Joselo que dijo: “Bueno, pero todavía estamos a tiempo, puedes traernos canciones”. Quizá dudé en traer alguna canción, pero no, yo estaba seguro de que en estos momentos no quería componer.

Joselo: En el momento en el que dijo que no traía lo percibí como una postura, decidir no forzar es una postura. Es un concepto. Y Rubén es muy de conceptos, es uno de sus valores. Lo que resultó fue que tuvo más chance de tomar la dirección, que es algo que a mí me gusta, que dirija ciertas cosas. Tiene ese don de líder, es un líder nato, que a veces no quiere serlo, muy válido, pero cuando lo hace, le resulta. Entonces me gustó que liderara muchas de las cosas de este disco.

Quique: Es una extensión de lo que sucede sobre el escenario: es el que marca hacia dónde van nuestros conciertos, dependen de él, cómo lo lleva. Yo estoy muy orgulloso y contento que este equipo puede apoyar esa decisión [de no componer para este disco].

dos, o algunas más o menos, y yo creo que en este disco todas las canciones son casi de todos en la misma medida, aunque son diferentes compositores. Por eso digo, la comunión en el discurso, yo no la había sentido antes.

Rubén: Siempre ha habido mucha apertura.

Cuando alguien trae una composición la pone a disposición, es una hoja en blanco. Siempre ha habido esa libertad. Tal vez nunca fui lo suficientemente elegante como para preguntarles si podía o no cambiar la letra, simplemente lo hice y así se quedó este proceso.

Le cambio la letra conforme a lo que siento y pienso. Esa libertad es algo que agradezco mucho, porque precisamente me da el espacio para hacer mía la canción y poder interpretarla, poder crear imágenes y transmitirlas.

Meme: Yo llevaba canciones, y en las que me gustaban no veía mucho eco. De repente leí por dónde podía yo acercarme para que alguna de mis canciones tuviera acceso al disco: tenía yo que tener un discurso en donde Rubén se sintiera cómodo, y pudiera amplificarlo, transmitirlo y hacerlo suyo. Y eso para mí no había sido tan

así como en este disco. Quizá en canciones de los discos anteriores no se necesitaba eso, había una aprobación pero no total y de todas formas se montaba. Y hoy día si está ahí en el disco la canción es porque todos estamos convencidos de que podemos salir a batirnos por cualquiera de ellas. Hay dos o tres canciones en donde fue brutal eso, y cuando pasó por el grupo y la garganta de Rubén, la emoción o el discurso se hizo mucho más potente. Al final el disco se trata de que todos estemos cómodos y podamos tener algo en común. Es ahí donde me sorprendo de la capacidad que tiene el grupo de redirigirse hacia un lugar donde ninguno de nosotros cuatro esperamos las cosas. Y eso me entusiasma.

Rubén: Ahí es donde se hace esa mezcla de todo lo que somos como individuos dentro de un grupo, y que lo dejamos impreso en un disco.

El silencio del delantero

Atípicamente, Rubén no presenta ninguna canción para ser grabada.

Rubén: No he compuesto nada, pienso que

Rubén: Para mí como la máxima zen, de repente dije: “¿Para qué quiero hacer canciones si no las hago tan hermosas como las de ellos?”. Y sobre todo si a partir de ellas digo lo que tengo ganas de decir. A mí siempre me gusta jugar con los elementos, y el silencio es una parte muy importante de la ecuación.

En este disco, el hecho de que yo no fuera compositor también le dio un movimiento diferente, porque pude salirme del grupo, visualizar y acomodar todo de diferente forma.

Siempre hay un juego de egos y pude salirme de él, fue benéfico para mí y siento que también para el grupo en todo el proceso creativo. Es una forma distinta de fundirse con la canción de alguien más. Fundirse me parece una buena palabra.

El montaje de las canciones

Meme: Lo que siempre hacemos es montar las canciones, cada quien con sus instrumentos.

En algunos discos ha sido más experimental, pero en éste fue un poco más ortodoxo: guitarra, bajos, teclados y programación (caja de ritmos). Así siempre empiezan todos nuestros discos. Los últimos dos evolucionaron y la base rítmica fue sustituida por la batería con base en los demos e ideas que había. Para este disco cada quien traía un planteamiento sonoro para averiguar algo que no habíamos hecho con nuestros instrumentos y aderezarlos, pero dentro de la misma posición en el terreno, e hicimos los demos.

¿Qué adjetivos son recurrentes a la hora de montar las canciones?

Quique: Digamos que primero vemos cómo nos suena la canción, cómo la hace suya cada quien a través de su instrumento… y luego alguien dice: “Ese bajo suena muy new wave” o “ese sonido del teclado está superprogresivo” y entonces se toma la decisión de llevarlo más para allá o menos para allá. Y eso nos va dirigiendo: “Oye, creo que debe ir más lento”, “oye, no creo que debas poner un sonido menos electrónico en la caja [de ritmos]”, “¿por qué no me callo aquí para que se note más la figura que están haciendo el teclado y la voz?”. Se van haciendo sugerencias alrededor de la canción, y vamos reorientando constantemente.

El productor

De nueva cuenta, la producción la realiza el doble ganador del Óscar, Gustavo Santaolalla, quien ha dirigido todos sus discos.

Meme: Nosotros mandamos canciones, y él nos preguntó sobre el tipo de disco que queríamos, y ya le dijimos que un disco corto, tal vez de diez canciones, que no fuera muy complejo. Y nos contestó que con esas canciones ya estaba el disco; y de hecho, sólo había escuchado ocho, porque las otras dos no las habíamos terminado. Nos dijo que así como estaba en los demos, había que reproducir eso, nada más mejorando a nivel interpretación, pero que no quería hacerle nada más, porque había algo de espontaneidad, de luminosidad, de inconsciencia y de inocencia que le atraía mucho y que nunca antes nos había visto.

Rubén: Gustavo, y más con nosotros, es muy llevadero. Nos dice: “Ustedes digan qué es y va”. Por eso también es lo disfrutable. Y también nosotros nos ponemos en ese tono con él, empezaron a asomar ideas y puntos de vista. En algo en lo que coincidimos desde el principio es que iba a ser fluido. Hicimos el disco muy rápido, en todo nos poníamos de acuerdo fácilmente. Eso nos lo corroboró Gustavo cuando le llevamos las canciones y dijo: “Está poca madre, muy fresco, ya ni ensayen”.

Joselo: En el disco pasado, Sino, yo sentía que ya estaba y Gustavo nos regresó a hacer más canciones. Esta vez yo pensaba que nos podía decir lo mismo, aunque también sentía que ya estaba listo.

Meme: Antes nos decía: “¿Saben qué? Me gustan éstas, pero sigan haciendo más canciones y demos”. Ahora sólo nos preguntó que cómo lo queríamos grabar. Dijo que no había que grabar más de lo que ya estaba, porque si no íbamos a llegar a otro lado, que si le sumábamos algo se iba a romper. “Es como una foto de ustedes que tomaron en algún momento dado, y si la retocamos, se convertiría en otra cosa.”

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Rubén: Gustavo en el primer disco nos decía: “No, pero no se casen con el demo”, y ahora fue “regresemos al demo, porque desde ahí ya estaba chingón.”

La decisión

Para la grabación, músicos y productor eligen un método poco ortodoxo: grabar con público durante varias sesiones en diferentes ciudades. La idea es de Rubén.

Quique: Originalmente teníamos la idea de hacer este disco de una manera y en un lugar en el que nunca hubiéramos grabado un disco, para ver de qué manera el mundo fuera del estudio podía influir en el sonido de lo que quedaba registrado en la grabación. Imaginamos diferentes escenarios: Berlín, Buenos Aires, Australia, Japón… lo que fuera, pero resultaba poco factible por presupuestos y tiempo.

Meme: De pronto, Rubén dijo: “¿Saben qué? A mí me gustaría que pudiéramos hacer el disco en vivo, que lo tocáramos y grabáramos con público”. En el momento, como suele pasar con las ideas de Rubén, todos nos sentimos intimidados, “¡pero cómo si ya habíamos hablado de esto!” o “¿por qué, si no es lo que necesita el disco?”.

Joselo: Yo lo rechacé. Rubén nos los dijo o nos lo puso en un mail —manda muchos mails con ideas que tiene o cosas que quiere proponer. Yo ya me había hecho la idea de lo otro, yo ya me hacía en Berlín, era algo que quería vivir. No sé qué tan alcanzable era en términos de presupuesto.

La propuesta de Rubén era salir del estudio y no me gustó. Pero poco a poco me di cuenta de que estaba rechazando la idea porque era algo nuevo.

Me causaba terror el rollo, estar con el público.

Meme: Ya estábamos encaminados, ya con el disco y listos para irnos al estudio prácticamente, y puf, ahora, cambiamos la idea y el concepto. Toma tiempo, pero lo único que se tiene que hacer es cambiar el chip, ver cómo se puede resolver y buscar las formas de estar todos cómodos. Y al final fue armar sesiones con público, en diferentes ciudades, porque se nos dio la gana… porque Gustavo estaba en Argentina, y Chile está cerca de ahí, y tenemos un amigo que tiene un restaurante y pasamos a visitarlo; obviamente México y Los Ángeles, porque ahí era donde lo íbamos a terminar mezclando.

Quique: Rubén tenía desde hace tiempo la idea de grabar un disco ante un público: si

Foto: Toni François

Meme: La primera idea era irnos a un lugar donde nunca hubiéramos estado ni grabado, porque la experiencia de estar en una ciudad así tal vez le brindaba algo distinto al disco. Siempre los discos los habíamos grabado en México o en Los Ángeles. Como sueño guajiro pensábamos irnos a Berlín u otra ciudad que nos atrajera, y vivir un poco la ciudad, ir al estudio y ver qué resultaba.

mal no recuerdo era hacer un concierto tocando canciones inéditas, lo cual técnicamente resultaba más complicado de lo que suena.

Y una vez que fuimos armando el proyecto, vimos que era mejor que llevarle la música a la gente, que la gente fuera a un espacio controlado por nosotros, que como testigos afectaran nuestra forma de grabar, además del lugar, que también fue una parte importante del proyecto, hacerlo en diferentes ciudades.

Rubén: De repente decía: “Puta, nosotros tenemos un dinero ahí para hacer una grabación, ¿y nos lo vamos a ir a gastar a Berlín?

Pues mejor nos los gastamos en esta fiesta, ¿no?”. De hecho yo lo veía como una fiesta “¡vengan y grabamos!”. En realidad no me detengo a recordar qué es lo que propongo, ¿sabes? Sólo estoy diciendo ahí cosas y a ver cuál prende, y si prende pues está bueno. ¿Cómo se le ocurrió eso a Rubén?

Meme: Yo creo que él te lo podría decir mejor, pero va más por esta cercanía y contacto con la gente, y sobre todo, con ese factor que siempre tiene Rubén de llevar todo al límite y de decir “estamos en esta zona de confort, pero yo ya me aburrí o quisiera retar a la situación. Hagamos algo que no hayamos hecho, ¿les interesa o no?”.

Rubén: Yo siempre pienso que el instrumento te lleva a un proceso diferente, y de alguna forma, si cambias el proceso eso también te lleva a algo distinto. Ésa era la intención al principio, pero después pensé que seguía siendo lo mismo.

Meme: A Gustavo le encantó la idea, pero pidió que no se perdiera la idea de que era un disco de estudio de todas maneras, porque también estaba la onda de subir algunas letras de canciones en internet para que la gente las cantara y se escucharan sus voces. Pero no, Gustavo

dijo que seguía siendo un disco de estudio y que la gente no se iba a escuchar. Realmente la experiencia era para nosotros, íbamos a estar en un estudio los cuatro, pero con 40, 100 o 500 personas a nuestro alrededor, compartiendo esa energía, sumando o restando, y pues lo que tuviera que pasar.

Rubén: A Café Tacvba, de alguna forma, los llevo a hacer cosas que tal vez los puede hacer sentirse incómodos. Yo sabía que esto podía ser difícil, sobre todo para Joselo y para Quique, porque a ellos les cuesta trabajo enfrentarse a algo diferente. Yo desde siempre, cuando tenemos alguna canción nueva, les digo: “Ya, ya, vamos a tocarla”, y ellos me dicen: “No, espérate, todavía no la tenemos bien ensayada”. Meto cosas que quizá no los hacen sentir bien, pero que al final nos resulta.

Quique: Yo fui el más reticente ante la idea de grabar de esta manera. No porque quisiera seguir los cánones establecidos, pero para mí el trabajo en el estudio es una labor interesante, necesaria; me gusta ese hermetismo que se da, me gusta esa barrera que existe en la que los únicos involucrados en ese proceso, en esa química, en ese laboratorio, son los músicos, el productor y el ingeniero. En los diferentes discos que he hecho, eso hace que haya un foco que te ayuda a conseguir la mejor interpretación y grabación de una composición. No veía que esto pudiera ser factible grabando de este modo. Pero existía la posibilidad de que si alguno no estaba satisfecho, se podía volver a grabar de nuevo. Con eso me sentía satisfecho.

Joselo: Cuando Gustavo nos dijo: “Ya no ensayen las canciones, ya no toquen estas canciones, ya no hagan nada, ya no escuchen estas canciones”, Rubén dijo que sí necesitaba tenerlas, se las tenía que aprender, hacerlas suyas.

Me di cuenta de que haciendo el disco de esta manera, en vivo, podría suceder lo que Rubén quería lograr, darles un carácter por el hecho de tocarlas en público diferente a que si está en un estudio encerrado. Eso me hizo cambiar la perspectiva, pensar que Rubén necesitaba eso.

Yo creo mucho en la figura del front man, del cantante que es la punta de lanza de tu grupo.

Como creo en eso, tengo que apoyar lo que él está pidiendo o tiene ganas de proponer.

Rubén: Sí necesito estar en movimiento. Siento que es mi forma de aprender cosas, de estar haciendo algo diferente y enfrentarme a un reto nuevo, totalmente desconocido para mí. Así funciona mi mente; creo que no es tan fácil, porque a veces me trae momentos complicados en los que se compromete mi persona, mi ego y mi autoestima. Llego, me enfrento, quiero hacer algo nuevo y me aviento a hacerlo aunque no sepa hacerlo. No me importa no saber hacer las cosas, porque de todas formas sé que lo voy a hacer y que voy a aprender en el proceso

La grabación

Resulta que esta forma de trabajar le acaba agradando a todo el grupo, pese al rechazo que sintieron por la idea en un principio.

Meme: Se abre ese círculo de intimidad; no se rompe, sino se comparte con todos los que estuvimos ahí en esos momentos.

Es intimidante, como cuando eres niño y te suben a un trampolín y te vas a aventar por primera vez: primero no te avientas o lo dudas, y una vez que lo haces y sientes esa sensación de vértigo, excitación y adrenalina, sales y te vuelves a aventar una y otra vez.

Joselo: Y cuando ya lo estábamos haciendo estaba muy contento de hacer eso, de poder

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tener gente ahí, conocidos y desconocidos. Me gustó mucho.

Quique: El público tenía instrucciones de mantener silencio hasta que termináramos de tocar cada canción, pero se sentía la energía de algunos muy emocionados, había muchas expresiones de sorpresa, de satisfacción… Sorpresa sería la más presente. Intriga también (risas)… había unos que no entendían, que no sabían hacia dónde iba.

Rubén: Yo creo que la decisión que uno toma siempre es la correcta, porque es lo que existe; la otra dejó de existir en el momento en el que ya no tomaste esa decisión, y no puede ser ni correcta ni incorrecta, porque no existe. Y sí, disfrutamos mucho del proceso, estuvo poca madre, estaba un poco predispuesto, no sé, como un día de campo que está planeado para que te la pases chingón.

Quique: Lo disfruté. El objetivo era cambiar el proceso para llegar a otro resultado. Desde la primera o segunda sesión me sorprendí sintiéndome cómodo tocando frente a un público… aunque esto quizá no está bien expresado, porque nos estábamos presentando ante nosotros cuatro, en un círculo, y la gente estaba alrededor, que es como ensayamos. Me sentí cómodo de esa manera y desde la segunda y tercera sesión, que estaba escuchando a través del público, me hizo orientar de manera diferente algunos de los arreglos, algunos de los pasajes, y así se fue construyendo el disco.

El viaje

Rubén: En un principio la idea era hacerlo en el DF y ya después fue hacerlo en Argentina y en Chile. Preparamos todo para pasarla chingón y disfrutarlo. La relación con Gustavo, por ejemplo, ha tenido sus momentos difíciles y de desencuentro, y en este momento fue redescubrir a nuestro amigo desde hace años.

Meme: En Buenos Aires nos encontramos con Gustavo, y ahí fue donde hicimos la preproducción del disco, en el lugar donde íbamos a hacer la primera sesión. Entonces estuvimos como cuatro días haciendo la preproducción y no sólo preparando cada canción, sino que nos dimos cuenta de que lo que estábamos haciendo también era un espectáculo… o sea, empezamos a articular todo. También Gustavo quiso que grabáramos las canciones en el orden en el que aparecen en el disco, entonces comenzamos a probar en los ensayos diferentes órdenes, como si hicieras un playlist en el iPod, pero aquí lo ejecutábamos todo. Lo tocamos hasta que salió. Hubo un día en el que ya todos estábamos muy cansados, pero Gustavo nos dijo: “Éste es el orden, funciona espectacular y así queda”. Fue como armar una especie de musical o de obra de teatro: es una pieza que había que presentar y que era importante que la energía de la gente no

se diluyera, porque eso nos aportaba a nosotros para tocar, y había que mantener esa conexión durante toda la sesión. Entonces fue la elaboración de una obra de teatro musical, de un espectáculo para grabar un disco con canciones inéditas. Eso es muy diferente a lo que siempre habíamos hecho.

Quique: En Los Ángeles estábamos viendo un par de opciones muy interesantes, pero Joe Chicarelli nos dijo: “No estaría mal también considerar la posibilidad de grabar como lo hacía Frank Sinatra en los estudios EastWest: Montaba su orquesta, invitaba a sus amigos, les ponía mesitas… él necesitaba para su interpretación cantar ante alguien”. Fue como cerramos las sesiones, donde ya habíamos decidido que se iba a mezclar y masterizar. ¿Había muchas variantes en las tomas?

Meme: Aunque fuera sutil, sí había una diferencia en la interpretación y algunas te emocionaban más que otras; veíamos algunas interpretaciones de Rubén donde decíamos: “¡Qué bárbaro, cómo cantó!” y así. Y lo que pasó es que en vez de ser una canción de una sesión en particular, todas las canciones tenían elementos de diferentes ciudades.

El peculiar título de un objeto que sigue siendo disco

Quique: Cuando nos juntamos para decidir el título, ya estaba decidido cómo íbamos a grabar, se estaba trabajando en la logística… cada quien llegó con diferentes propuestas y sugerencias. Hay un pedazo de letra en la canción de “Volcán” que dice “Sabia savia” y ése lo propuso Joselo. Yo había sugerido hacer un disco sin nombre, un disco que pudieras identificar por un símbolo. No me acuerdo cómo llegué a eso, me gustaba la idea de no tener un nombre. Rubén ya había solicitado hacerse cargo de la parte gráfica, pero yo tenía unas ideas, había varias ideas… Y cuando vimos qué sugerencias había, todo mundo dijo que estaba interesante eso del símbolo y que no tuviera nombre. Pero la gente lo tenía que conocer de alguna manera: el disco de los Beatles que no tiene nombre es conocido como el Disco blanco, ¿éste cómo sería conocido? Y entonces Rubén dijo: “Como el objeto antes llamado disco”. Nos reímos, pero se quedó. Nos preguntamos qué connotaciones tenía eso: quizá sea el último disco que saquemos, quizá la próxima grabación que hagamos no esté en un soporte físico. O sea, se llamaba disco.

El resultado

Meme: Fue muy relajante saber que ya no iba a haber cambios. Y entendía perfecto que ya no había que hacer nada, o sea, el disco estaba resuelto desde que Gustavo nos dijo:

“Éste es el disco, no le pongan más”. No fue ese tipo de disco que se va construyendo en el estudio, que se va haciendo un mastodonte donde después hay que empezar a editar y negociar lo que le gusta a cada uno. Aquí ya estaba todo decidido. La gira de la grabación fue nada más para dedicarse a disfrutar, subir, tocar y concentrarse.

Tus compañeros hablan más del proceso que del disco mismo, como si fuera lo más trascendente.

Quique: Supongo que es una suerte de pudor para no hablar de las propias composiciones.

Joselo: Es que en el proceso está el resultado. ¿De qué se trata el disco?

Joselo: Para mí es muy difícil. Yo te puedo decir de qué se tratan cada una de mis canciones. Pero luego vienen las de Meme, las de Quique. Y luego cómo las interpreta Rubén.

Por ejemplo, “Zopilotes” es un cuento de ciencia ficción. En varias entrevistas la gente me dice que es muy mística; yo les digo que no, que de dónde lo sacan. La oyen mística porque la está cantando Rubén: él les da ese rollo con

su interpretación, que es lo que nos hace un grupo. Cada quien suma y cambia el resultado. Por eso, el tema de mis canciones no es el tema del disco.

Meme: En esta ocasión nos fuimos a vivir dos meses a esta ciudad cercana del DF, donde dos de los integrantes ya vivían, y el resto nos fuimos para allá. Me di cuenta de que la geografía, el contexto y la energía del lugar tuvieron un paso determinante por la inspiración. Pasa un poco por un rollo mucho más espiritual. También hay un reconocimiento de que la vida y el trayecto con el grupo, pese a que ha tenido sus tropezones y sus lados complejos, ha gozado de una fortuna inmensa. Y yo creo que este disco es una celebración por estar juntos de nuevo, y para mí ésa es la temática: un reconocimiento del grupo, de la vida, de la familia, de la tristeza, del dolor, pero de una manera, no quiero decir festiva, pero yo creo que en lo espiritual es un festejo de alegría, desde diferentes lecturas.

Quique: Por alguna razón la gente que escucha este disco ha dicho que se nota una con-

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ciencia social, que hay un regreso a las raíces… le cuelgan diferentes estandartes que yo no estoy seguro que sean válidos. En las reuniones previas no dijimos: “Vamos a hacer un disco con conciencia social acercándonos a las raíces del grupo”. Lo más cercano a dirigir hacia ese rumbo la composición fueron un par de canciones en las que Rubén dijo: “A mí me gustaría sugerir otra interpretación, cambiando algunas palabras de la letra”. Fueron pequeños cambios que hicieron que, en efecto, el sentido de la composición original tuviera otra dirección.

Meme: Tiene mucho que ver con el goce de nuestra actividad, del disfrute del proceso, de grabar y salir a tocar, y de todo lo que tiene que ver con el grupo. Tal vez en este momento nos estamos dando cuenta de lo que está chingón en el grupo, porque también tiene esa maravilla, ¿no? No es una actividad en la que siempre sea lo mismo, sino que tiene sus momentos y fases. Eso es lo que estamos disfrutando.

Quique: Es un disco introspectivo… si tuviera que ubicar al personaje que canta este disco, y no me refiero al vocalista, la voz del disco, habla de una introspección en un espacio donde alrededor hay conflicto… creo que ése sería el tema del disco. Creo que no se equivocan algunas voces que han escuchado el disco cuando señalan que en este disco nos acercamos a lo que hicimos en los primeros tres [Café Tacvba, Re, Avalancha de éxitos].

Joselo: A mí me pasa que lo descubro años después. Cuando oigo el Yo Soy digo: “Ya lo entendí”, pero cinco o diez años después. Mis

hijas oyen mis discos, los oigo a través de sus oídos. Entiendo cosas. Ahorita están oyendo el Re y estoy descubriendo cosas que antes no había captado.

Rubén: Para mí el disco habla del término y comienzo de ciclos, es ese momento que vendría a ser en el que una curva empieza a tomar el sentido opuesto. Claro, no tiene un tema, porque nosotros no lo hemos hablado nunca, pero relacionando la lírica de las diferentes canciones y la intención que nosotros hemos puesto en ellas podría pensar que es eso. A mí por eso me costó trabajo el personaje del zopilote: porque lo pienso como esta ave carroñera que es un personaje que gustosa y, de alguna forma, amorosamente ayuda a pasar a otro momento: a terminar un ciclo y comenzar otro nuevo.

Para mí esta idea englobaría lo que siento y pienso sobre el disco.

Un crítico de Clarín decía que el nuevo disco le recordaba el Re. Quique: Mucha de la composición tiene referencias de música tradicional, con la cual experimentamos al principio. No lo tienen el Sino y el Cuatro Caminos.

Joselo: Sí, no sé por qué. Dicen. Gustavo lo dijo en una junta, que tenía muchas cosas del Re y tal. Al final, por más que queramos cambiar o inventar algo diferente, somos nosotros cuatro, los mismos. Yo ahora ya no veo tanta diferencia entre el primero, el segundo y el tercer disco. En el momento la gente nos decía que habíamos cambiado mucho, nos decían que estábamos en otro pedo, y

a la distancia ni es cierto, todo cabe entre el mismo grupo.

una cosa creativa, usar creativamente todo lo que está pasando.

¿Y a qué se debió que hayan retomado la música tradicional?

Quique: No lo sé. Debe ser el constante péndulo en el que se mueve nuestra música. A veces nos movemos más hacia el rock…

Meme: En el fondo cada uno de nosotros sabe que va a haber un nuevo disco. Lo que sí, es que yo no sé qué tipo de disco va a ser o qué va a pasar en el ejercicio de ese disco.

El péndulo son ustedes cuatro… ¿se mueven todos juntos al mismo lugar?

Quique: Coincidimos en muchas visiones.

Pertenecemos a la misma generación. Crecimos en la misma ciudad. Vivimos en las mismas circunstancias. Tenemos el mismo trabajo. Y nuestras visiones si bien en ocasiones difieren, eso enriquece el movimiento del péndulo: da vueltas completas, puede hacer elipsis… lo que sea.

¿Es la despedida de Café Tacvba?

Por lo visto, no.

Joselo: Yo creo que se abre mucho el juego de qué es lo que va a suceder. Éste es nuestro último disco del contrato con la disquera, es el final de una etapa en esos términos, nos da la posibilidad de renegociar o ver qué podemos hacer. Es realmente una situación que no nos preocupa porque da muchas posibilidades. Lo que más nos puede afectar como banda es no tenerlas: que nos tenga encerrados, inmóviles, es lo peor que nos podría pasar.

Ahorita hay esta idea de que podemos hacer lo que queramos, tomar cualquier camino, y hacer de nuestra relación con la industria

Quique: En este disco no. En otros sí he llegado a pensar que los intereses personales ya no podrían coincidir. Yo lo digo a cada rato, esto es lo mejor que tengo en mi vida, y entre toda la música que hago, ésta es la mejor de mi vida. ¿Y después de éste qué? ¿Te ves haciendo otro disco de Café Tacvba?

Rubén: Sí, pero pregúntame esto dentro de 13 años, cuando la pila ya esté en rojo, y todavía hay que salir a tocar, ir al aeropuerto y desvelarse…

Pero, ¿sabes qué? Ahorita a mi edad siento que tengo más energía de hacer cosas para las que antes no tenía tantas ganas. Yo pienso que sí, con otros dos años de sabático, voy a estar listo para otra aventura, porque a fin de cuentas Café Tacvba me da la posibilidad de vivir aventuras que de otra forma no podría vivir; o sea, viajo, conozco gente, veo otras expresiones artísticas y formas de pensar… eso a mí me encanta, y sí quiero tener energía para llegar a esos lugares y personas.

Meme: Me parece un gran momento por el que estamos pasando todos y el grupo. Después de esto fue reconocer que seguimos en lo mismo, y que hoy más que nunca estamos divirtiéndonos y disfrutando cada momento: desde hacer el disco, salir de gira, estar con el público. Para mí es un milagro seguir haciendo esto. F

¡FESTEJAMOS NUESTRO TERCER ANIVERSARIO TODO EL MES DE OCTUBRE!

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COMIDA por

Fotos: Turco

en estas sinergias, se ha ido dando en los demás locales. Tenemos varios amigos que nos dicen sobre algún lugar y si nos vibra lo escogemos. Se han hecho estudios de mercado, pero es más de voz.

Todos los caminos llevan a Tacos Gus La génesis de Tacos Gus es conocida: Gustavo Millán, hijo de “el Güero” Millán, dejó el negocio que construyó con su padre (Tacos Hola) y con la ayuda de amigos y conocidos, además de una resonada cruzada en redes sociales, abrió su propio negocio, una taquería donde el menú y ambiente de camaradería lo hicieron famoso.

M

eses después de conocer esta historia probé mi primer taco de guisado en Tacos Gus en la sucursal Condesa (Ometusco #56), primera en línea de lo que se convertiría en una flotilla de taquerías que buscan replicar el concepto de la original en su totalidad sin importar la zona en la que se ubiquen.

No conocía al famoso Gus entonces, pero cuenta la “leyenda” que se aprende el nombre y guisado favorito del cliente, el que sea: que tiene la memoria de un elefante, un elefante que armó uno de los menús de tacos más buscados en la ciudad y contesta personalmente cada mensaje que recibe en redes sociales, por el simple gusto de convivir con la banda.

Pasó aproximadamente un mes después de mi primera visita a Tacos Gus Condesa cuando se abrió la sucursal de la colonia Roma; después le siguieron Santa Fe, Avenida Toluca e Insurgentes. Próximamente abrirá una más en Polanco.

Sin duda ha sido el año de Gustavo “el gran Gus” Millán: cinco nuevas sucursales en el cinturón, así como un plan de alternativas vegetarianas, un proyecto de postres y café hechos con ingredientes locales y orgánicos.

Pero hay muchas preguntas: ¿Cómo es que un proyecto de tacos de guisado en la Condesa se convirtió en lo que puede ser una de las taquerías más importantes de la ciudad en tan poco tiempo?, ¿será que ha bajado la calidad al expandirse?, ¿qué onda con las batitas de colores?

Sobre esto tuve la oportunidad de platicar con la mente detrás del proyecto en la sucursal de la colonia Roma. Aquí un fragmento de esa conversación con el gran Gus. ¿Cómo fue el proceso de expansión de Tacos Gus este año?

Creemos en lo que estamos haciendo y en alimentarnos sanamente. Tacos Gus fue creciendo, y poco a poco el concepto fue tomando forma y expandiéndose… Condesa, Roma, etcétera.

Cuando abres un lugar nuevo, ¿cómo escoges la zona?

Han salido, digamos. Algo que tiene el lugar es que tiene buen ambiente, buena vibra; creemos

¿Tienes algún ritual de apertura? ¿Tradición?

No hay ningún ritual, lo generan los muchachos, se transmite en los alimentos, desde la cocina: Busco que en cualquier lugar de donde vengan mis compañeros se transmita la chispa del lugar anterior, que te traten como un amigo, que se sienta como en casa, no importa a dónde vayas a Tacos Gus. Ahora que abres más lugares, ¿ha sido difícil importar el concepto y la calidad?

No es difícil, solamente es contagiar la sonrisa, más que importar o exportar, es como un virus. Contagiar la buena vibra y que se pueda multiplicar: así es, como una red.

Los guisados los hacemos con muy poca grasa, con cariño, las aguas como se nos ocurran: combinadas, pepinos con naranja, etc. En la cocina intentamos no limitar, no traemos una línea, hacemos lo que nos gusta hacer, encuentras a veces chicharrón con salsita verde o roja y todo lo vamos variando, papa con atún. No sabes qué es lo que vas a encontrar, pero es una alternativa incluso si eres vegetariano. ¿Tienes algún guisado favorito?

Todos. A pesar que se inició esto en el 68 —desde que nací estoy en el negocio— siempre he comido así. Hace rato unos amigos me preguntaron si no me aburría de comer lo mismo. Desde que nací siempre he comido tacos, y no me aburro. Los taqueros siempre son gorditos o demás, pero yo predico lo que digo: si te vendo un taco saludable es porque realmente metemos cosas orgánicas. Todo lo que traemos, cualquier detallito, es saludable y orgánico. Traemos cosas de Tlaxcala o Puebla, quelite, espinaca, etc. Al cuidarnos o ponernos a dieta nos quitan los tacos y nosotros queremos decir: “Güey, existen tacos que puedes meter en tu dieta”, y encontrar para cada uno lo que necesite.

Una de las cosas que te hicieron famoso es el servicio personalizado: te sabes los nombres y guisados preferidos de tus clientes, atiendes redes sociales personalmente, etc.

Al crecer ¿se ha hecho difícil? ¿Ha cambiado?

Para mí es exactamente igual. No es un problema, esa palabra no existe en mi cabeza: es un reto, es algo muy bonito aprenderse los nombres de los clientes. Fue como un detalle al principio y ha ido creciendo, me aprendo cuatro o cinco nombres por día; al multiplicarse, me aprendo de 25 a 30 nombres a la semana, mi memoria RAM, que es del corazón, no tiene límites. Estoy con un amigo y hablarle por su nombre igual hay que cuidarlo mucho, no somos de “que tranza cuñadito” es más amigable, personal. Redes sociales las han hecho todos: yo no sabía utilizar Twitter, para mí era mandar un mensaje al universo, pero el eco de esos mensajes fue agarrando peso. No me idolatro de los seguidores que tengo, simplemente no los veo y mejor leo los mensajes que mandan todos y me alimenta mucho. Hay gente que cree que no manejo la cuenta, les pido que me pongan a prueba y siempre les contesto con detallitos porque los ubico (por la memoria) perfecto.

Sin la banda no existe Tacos Gus, siempre cuido mucho eso y lo seguiré haciendo. ¿Qué trae el taco perfecto para Gus? Trae imperfección (risas). ¿Por? Es que un taco perfecto no existe, debe tener imperfecciones: que se le escurra el caldito, que no se caliente o se enfríe, hay diferentes comensales y cada paladar es distinto. Hay gente que me dice: “Me alcanza para dos tacos, ¿me lleno?”. Por supuesto que te llenas, si les das con intención y con ganas se van satisfechos de aquí, es algo alquimista.

Suena chistoso pero vienes estresado de trabajar y comes acá y sales contento. ¿Qué viene para el futuro en Tacos Gus? Queremos hacer muchas cosas (risas), queremos meter el café, algunos detallitos como postres, posiblemente caseros o regionales, todavía falta, diferentes tipos de guisos, uno a la semana, hasta pulque, porque es algo nacional. No queremos que se quede en un solo local: que se expanda, faltan alternativas para la banda vegetariana, esto aumenta y me da gusto, pero me gustaría que cuando vieras un Tacos Gus dijeras “ya lo conozco” y vayas. Va para más. F —Gerardo l.s

Cortesía OCESA

MÚSICA

¿Te acuerdas lo bueno que era ese Restaurant?

Tocadiscos presenta: Restaurant de Jumbo Jueves 25 de octubre; 22 hrs. $350-500 Plaza Condesa

ESTE AÑO JUMBO CUMPLE 15 AÑOS, Y PARA FESTEJAR ESTARÁN TOCANDO SU PRIMER DISCO, RESTAURANT, DE PRINCIPIO A FIN EN EL PLAZA CONDESA, ADEMÁS DE REEDITAR SU DEBUT JUNTO CON UN ÁLBUM DE REINTERPRETACIONES POR OTROS MÚSICOS. PLATICAMOS CON CLEMENTE CASTILLO Y FLIP TAMEZ, EL VOCALISTA Y GUITARRISTA DE LA BANDA, SOBRE LA EVOLUCIÓN QUE HA TENIDO EL CONJUNTO Y QUÉ ES LO QUE SIGUE PARA ELLOS.

T

odo fue muy rápido. De un día para otro, los integrantes de Jumbo, de entonces unos 22 o 23 años, tuvieron que renunciar a los trabajos con los que subsistían para volar a Boston, en donde grabarían su álbum debut, el cual sería posteriormente mezclado en Miami, después en los estudios Sonic Ranch, en El Paso, y luego masterizado en Nueva York, todo patrocinado por la disquera que recién los había firmado, BMG (obviamente, aquellos eran otros tiempos). “Era una avalancha todo, todo sobrepasaba tus expectativas, [y eso rebasaba las] expectativas sónicas de lo que habías trabajado”, dice hoy en día Flip Tamez, el guitarrista del conjunto.

De la noche a la mañana, Jumbo se había convertido en una de las bandas más prometedoras del rock nacional, parte de la Avanzada Regia, como se le empezó a llamar al boom de bandas de Monterrey que sonaban por todo el país a mediados y finales de los noventa —entre las que se encontraban Control Machete, Zurdok

y Plastilina Mosh— gracias a temas que se convertirían en clásicos inmediatos, como “Siento que” o “Fotografía”. “El impacto de que saliera un sencillo con este pollo”, continúa Flip, “y que estuvieras en los canales de videos todo el día y que esto te permitiera tocar en todos lados y que tú fueras a tocar y conocieras ciudades, comida, gente, parranda, y toda la gente cantara tus canciones, era una avalancha de emoción muy padre.”

De ser un grupo que tocaba en lugares pequeños, Jumbo se iría de gira seis semanas con Jaguares por Estados Unidos, para regresar a tocar a un festival en la capital de nuestro país, del cual no habían oído hablar hasta el momento: el Vive Latino. “Ya venía yo en un éxtasis de haber tocado en el Fillmore en San Francisco, en el House of Blues de Chicago, esta arena de hockey en Anaheim gigante, y que aparte la gente nos trataba increíble, y pos oía que veníamos a un festival, pero pos como buen regio no teníamos mucha idea de qué pasaba

con ese festival”, sigue Flip. “Creo que por el momento en el que pasábamos nos dieron entrada al escenario principal y literal del aeropuerto fuimos a tocar, así sin soundcheck ni nada [ríe], tons salgo al escenario —porque la camioneta llegó por atrás— y digo: “A la madre, ¿qué pedo? ¿Qué es esto güey, por qué?”.

El disco que hizo posible todo eso fue Restaurant, el cual sigue siendo su álbum más conocido y aclamado a la fecha, y que será tocado de principio a fin por el conjunto el 25 de octubre en el Plaza Condesa, además de ser reeditado próximamente junto con otro LP con reversiones de sus canciones, hechas por bandas tan distintas como Siddharta, Niña, Disco Ruido, The Volture, Pato Machete y Los Rebel Cats, entre otros (una nueva versión del video de “Fotografía”, con los mismos personajes 13 años después pero con el cover de Los Claxons, está en pláticas).

Han transcurrido 15 años desde que Jumbo se formó, y el tiempo no ha pasado en vano: de las bandas de la Avanzada

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Regia, pocas han logrado mantenerse no sólo vigentes, sino unidas: Zurdok se desbandó hace tiempo ya, al igual que Control Machete —aunque son fuertes los rumores de la reunión de estos últimos para la próxima edición del Vive Latino—, Plastilina Mosh aparentemente también ha dejado de existir, y grupos como Kinky y El Gran Silencio siguen tocando, aunque la mayoría de sus canciones más celebradas tienen ya varios años.

Para Jumbo las cosas tampoco han sido fáciles durante todo este tiempo: en enero del 2005 dos de sus integrantes, los hermanos Enrique y Eddy González, baterista y tecladista, abandonaron al grupo. “Nos costó mucho trabajo ese año volver a salir y respirar y tomar control de las cosas”, dice Clemente Castillo, vocalista de la banda, quien lo llama el momento más difícil que ha sufrido el conjunto. El resto de los integrantes decidieron seguir adelante, y el esfuerzo brindó frutos: en el 2007 no sólo lanzaron un nuevo disco, Superficie, sino que participaron en las bandas sonoras de algunas películas y estuvieron de gira con el Rockampeonato. “Fue un momento en donde estando muy escondidos del mainstream” (Superficie es descrito por Castillo como un disco de culto), “estábamos muy activos y muy contentos porque se le había dado la vuelta a la página.”

Después de pasar de largo su décimo aniversario, la banda de Monterrey decidió que sería su festejo de 15 años el que merecería una celebración especial, y por eso escogieron reeditar y dejar que reinterpretaran su primera placa. “Dijimos: “¿Sabes qué? Vamos a hacer algo, vamos a hacerle saber a la gente que la banda está pasando por este cierre de segundo capítulo”, dice Castillo. “El primero empezó en el 97 y terminó en el 2005, ahora yo creo que del 2005 al 2012 se cierra el segundo ciclo y estamos en vísperas de realizar un nuevo material, un nuevo álbum que se editará en 2013. Estamos como con la pila, empieza a haber cambios en la mentalidad y podemos incorporar otra gente al equipo; yo creo que era un buen momento para hacerlo [la reedición y el tributo a Restaurant].”

Puede que 13 años después Restaurant siga siendo su disco más aclamado, pero para los integrantes de Jumbo no sólo no es su álbum predilecto, sino que creen que lo mejor está por venir. “Para mí el mejor disco de Jumbo es el que se está cocinando”, dice Castillo. “Ojalá y éste que viene sea el que estamos esperando que sea, un disco de expresión máxima, un disco cumbre, el que te siga volando la cabeza. Siempre el afán es ése, es meterte al estudio a hacer un buen disco.”

Ya veremos. F —Lucas Vernon

Si te gustan en disco necesitas verlos en vivo Kasabian

23 y 24 de octubre Auditorio Blackberry (Insurgentes Sur núm.

453) $450-880

Una de las bandas con mejor directo de su generación está de vuelta en la ciudad tras una presentación exitosa en el pasado Festival Vive Latino.

Tom Meighan, el vocalista del conjunto, nos cuenta su sentir sobre la presión de los escenarios, sus ambiciones, su asociación con el fútbol y su aspiración a reinventarse. ¿Cómo ha sido regresar a México en tan poco tiempo?

Es increíble. No hemos tocado ahí muchas veces y eso que hemos visitado demasiado América. Ya hemos estado en muchos países en Europa, así que es tiempo de tocar en Sudamérica. ¿Es emocionante para ustedes tocar en un concierto solos? ¿Qué esperas de esto?

Sí y realmente no sé qué esperar. ¿Cuando tocan en lugares pequeños, sienten una presión distinta de cuando tocan en arenas?

Ya no siento presión de ningún tipo. Un show de rock and roll es un show de rock and roll. Ya estamos aquí. Ya lo hicimos como banda. Es una sensación de disfrute y de felicidad incomparable. Ya no hay nervios. ¿Qué es lo que se siente entonces?

Se siente maravilloso (risas).

El productor del último disco fue Dan the Automator, ¿qué crees que les trajo al grupo?

Creo que nos dio un buen espacio. Encuentra cosas en nuestra música que nosotros no escuchamos y toma todo eso para ponerle su sello, lo que es increíble. Él utiliza esas cosas y nos da un empujón. Es un hombre inteligente y es muy bueno en lo que hace. ¿Tenían idea de que habría canciones suyas que funcionarían como himnos de futbol?

En absoluto. No teníamos esa idea para nada al escribirlas. Todos somos fans del futbol, pero no imaginamos esa clase de reacción. Nuestra música tiene esa particularidad, atrae (a productores de) televisión, cine, juegos de video. La energía de nuestra música proyecta eso, es por ello que a la gente parece gustarle. No escribimos música para fútbol. Me gusta pero no sé explicar por qué sucede. ¿Es extraño tener que visitar de pronto otros países, como Estados Unidos o México, donde tienen que empezar de nuevo cuando ya son muy grandes en Inglaterra y Europa?

No lo sé. Creo que este es el caso de muchísimas bandas en este momento, ¿cierto? No es tan grande y masivo como solía ser [el negocio de la música]. Somos una banda de clubes en Estados Unidos y en Canadá. Podemos tocar para 3 o 4 mil personas en cualquier otro lugar. Sin embargo, es extraño. En Toronto pasó que tuvieron que cambiarnos de venue porque el primero quedó chico y se vendió demasiado rápido.

Kasabian es uno de los grupos que ha demostrado sus grandes dotes en vivo.

Estoy de acuerdo contigo (risas). Tienes que ir a vernos. Somos un grupo de rock. Ahí es donde realmente funcionamos. De ahí proviene nuestra credibilidad. Cuando nos ves en directo, todo cobra sentido de alguna manera, cobra vida.

Te han citado a menudo haciendo declaraciones controversiales ¿te arrepientes de alguna?

Para nada. Tenemos una actitud que tal vez no es muy agradable, pero la gente no debería tomárselo tan en serio. Yo respaldo lo que digo, pero la mayoría de las veces son declaraciones que no tienen mayor trascendencia. ¿Qué haces para relajarte cuando no tocas en el grupo?

Me gusta mucho dibujar, en serio. También me encanta leer, lo amo. Cuando todo se detiene y Kasabian termina gira, siento que es como un cambio climático. Es como si vivieras en el mediterráneo y de pronto alguien te arrojara al Polo Norte.

Han sido una banda por más de diez años, ¿cómo hacen para que la vida en tour y los procesos creativos sean frescos?

Tratando de no aburrirnos y de reinventarnos, como lo ha hecho por ejemplo Radiohead.

Creo que ellos son un buen ejemplo de eso.

En West Ryder Pauper Lunatic Asylum hicimos un disco conceptual. Con Velociraptor! volvimos a la normalidad, a la composición básica, buenas canciones de pop. ¿Cuáles son tus ambiciones? ¿Qué te queda?

Sólo quiero seguir haciendo música mientras la gente esté interesada en nosotros.

Puedo ver al grupo unos quince o veinte años más. Hay todavía mucho que conquistar y no puedo esperar a hacerlo todo. F —Luli Serrano Eguiluz

22 | música | FRENTE del 18 al 24 de octubre de 2012

LA VARA QUE MIDE

NOVEDADES King Kong “el musical” En junio se estrenará en Australia una versión teatral de King Kong, musicalizada por Massive Attack, Elbow, Justice, The Avalanches.

Pussy Riot libre

Jay-Z pro-Obama El esposo de Beyoncé aparece en la campaña electoral de Obama llamándolo “la promesa del país”. A ésta también se han sumado otros personajes del mundo de la música, como los Foo Fighters y Stevie Wonder, apoyando la reelección del presidente de Estados Unidos.

Billy Joe se rehabilita El cantante de Green Day entra a rehabilitación, cancela shows y dicen que no saldrá de ahí hasta el 2013. Por lo pronto, Metallica suplirá a esta banda en el festival Voodoo Arts & Music.

Ilustración: Rigo Rocha

Una de las tres cantantes de la banda de punk Pussy Riot es liberada por la justicia rusa.

Las otras dos la felicitan desde su jaula de vidrio, en la cual permanecen por vandalismo e incitar al odio religioso.

Justin Bieber vomitón Lady Gaga ya no es la única que vomita a sus fans. El niño Bieber vomitó sobre el escenario durante un concierto en Arizona, culpa a una leche podrida y se disculpa en Twitter. Hay quien ha vomitado y culpa a sus canciones.

Flying Lotus Until the Quiet Comes Warp – 2012 Con su cuarto álbum, el californiano Steve Ellison (Flying Lotus) demuestra que la accesibilidad no está peleada con la introversión y el amor al detalle. El sobrino nieto de Alice Coltrane ha refinado los trucos y tamizado las influencias mostradas en su álbum anterior, Cosmogramma: IDM (Intelligent Dance Music), hip hop abstracto, jazz, r&b y psicodelia, en una obra que debe y merece ser escuchada de jalón para apreciar sus valles y cimas, sus recovecos e ideas que van sembrando el camino de lo que es la música negra del futuro.

Ritmos quebrados de un IDM cálido e intimista bordados en patrones rítmicos pulsantes, progresiones de jazz funk subacuático y colaboraciones (entre la vigilia y el sueño) de Erykah Badu, Thom Yorke y Thundercat, en una obra que relaja y altera patrones cerebrales.

—Miguel Franco Jason Lytle Dept. of Disappearance Anti – 2012 En su segundo álbum solista, el originario de Modesto, California continúa su recorrido de los imaginarios paisajes desérticos llenos de carcasas de plástico alguna vez color crema —ya amarillo pardo— y tarjetas de silicio con circuitos oxidados de aparatos alguna vez anhelados, prontamente descartados —como todo en nuestra época— para envolvernos ahora en historias, si bien aún universales (amor, despecho, soledad, anhelo), ahora inspiradas por el paisaje artificiosamente bucólico de la Montana del siglo XXI, ambos escenarios perfectos para el melancólico pop idiosincrático, casi vernáculo para estas épocas donde uno puede irse a vivir a una cabaña y seguir conectado vía cualquier método que un ludita como este individuo utilice. Acá no hay nada nuevo, son las mismas melodías meticulosamente construidas para arrancar suspiros que Lytle viene haciendo desde que lideraba Grandaddy; es la misma narrativa de añoranza, el mismo deseo de no estar, o sólo no estar ahí, sobre los mismos arreglos de indie relajado de la ruta 66 con sintetizadores de segunda mano que viene haciendo desde hace casi veinte años. Si no está roto, para qué arreglarlo, o mejor aún, entrando en la lógica Jason Lytle, para qué cambiarlo por algo “más nuevo”. “Dept. of Disappearance” y “Somewhere There’s a Someone” pueden sacarle lágrimas hasta a una 286 con Windows 3.1; “Get Up and Go” y “Your Final Setting Sun” se siente como pasar a una Pentium. Precioso.

—Rodrigo Alcocer de Garay Boys Noize Out of the Black Boys Noize Records – 2012 No es poca cosa cuando llevas casi 10 años sonando de cajón en las partes más atascadas de los set lists de los 2 Many DJ’s, Erol Alkan, Tiga y otros tantos de esa generación dosmilera de pinchadiscos estrella (sí, el Maison 1 de la Kitsuné salió hace 10 años; a que las pastillas ya no se sienten igual); tampoco es poca cosa que en el último par de años hayas reclutado a medio mundo para sencillos en tu disquera y hayas ya colaborado con Snoop Dogg (me niego a reconocerlo como Lion), Skrillex (meh), Erol y Mr. Oizo. Alex Ridha es un tipo que además de tener la tecla pegada y el dedo apuntado muy claramente en lo que cree debe estar sonando, tiene una ética de trabajo incansable, alemana pues. Con su tercera entrega, Out of the Black, supera por mucho el bache que fue el Power y parece hacer un disco que, manteniendo su sobresaturado electro ácido, lleno de sintes distorsionados en plan le-falta-oxígeno-a-mi-cerebro, y bases rítmicas de bajos truena bocinas y pura tarola explotada y filtrada, explora cosas hasta hace poco inimaginables por parte de este alemán —como el electro funk vieja escuela (“Touch It”); o el techno industrial con el que todos los lerdos relacionamos a la electrónica berlinesa (“Reality”)— pero que en realidad parece estar diseñado para que sus amigochos famosos (y cualquier otro entusiasta de la lasereada de discos en forma) puedan encajar específicamente canciones en sus sets. Es así como desde “What You Want” podemos presentir que aparecerá en algún set de Justice, mientras que ese electro Miami bass pasadísimo que es “XTC” sonará con Alkan; el puente de salida, sorprendentemente disco, de “Ich R U” no va a tardar nada en ser enlazada con algo francés de finales de los noventa, y “Circus Full of Clowns” aparecerá entre los Wub-a-dub-Wubs de algún bro-steppero. En fin, un disco que de preferencia se escucha en cachos y que está repleto del esperado, germánico, sobresaturado y cítrico pounding techno music (traducido mejor como “puro-pinche-techno”) al que nos tiene acostumbrado.

—Rodrigo Alcocer de Garay

www.frente.com.mx | FRENTE del 18 al 24 de octubre de 2012 | música | 23

AGENDA SI QUIERES QUE TU FORO APAREZCA EN ESTA LISTA, MANDA TU CARTELERA A AGENDAS@FRENTE.COM.MX PARA QUE SEA TOMADO EN CONSIDERACIÓN. JUEVES 18 • SERRAT & SABINA Auditorio Nacional; 20:30 hrs. $300-$1,800 • DE LEONE + SAN LOUIS Caradura; 22 hrs. $50 +18 • 2 Festival Internacional Cerro de Arena: Chris Cogburn + Nicole Bindler (EUA) CCU Tlatelolco; 18 hrs. Entrada libre.

• Chris Cogburn (EUA) + Fernando Vigueras y Fernando Lomelí (México) CCU Tlatelolco; 20 hrs. Entrada libre.

• DESCARTES A KANT Centro Cultural de España; 22 hrs. Entrada libre. +18 • FESTIVAL ALTERNA JAZZ: SEX MOB + TROKER Centro Cultural Roberto Cantoral; 20:30 hrs. $200-$600 +18 • Oumou Sangare El Plaza Condesa; 21 hrs. $400-$500 • I WAS A ROBOT Ft. Wolfgang Flür (ex KRAFTWERK) El Imperial; 22 hrs. $250 +18 • BEAUJEAN PROJECT Foro El Tejedor; 20:30 hrs. $150 • EL BARBERO DE SEVILLA (Clásica) Palacio de Bellas Artes; 20 hrs. $150-$650 • noche de electrónica alemana – mexicana: ALVA NOTO + Signal Deluxe + Cubenx + H.I.S. + Gebrüder Teichmann Pasagüero; 21 hrs. $170 • PEACHES DJ EXTRAVAGANZA Rhodesia Club Social; 23 hrs. M $100 - H $200 +18 • STEVE KOVEN TRIO Zinco Jazz Club; 22 hrs. $250 VIERNES 19 • HA*ASH Auditorio Nacional; 20:30 hrs. $200-$800 • D.D.A + jehú Barrio Urbano Cocina; 21 hrs. $50 +18 • Miró + Masfaldas + Jiangsu & The Band From Marz Caradura; 22 hrs. $100 +18 • SONORA DINAMITA Centro de Cultura Digital Estela de Luz; 20 hrs.

Entrada libre.

• Actually Huizenga (Performance) Cine Tonalá; 21 hrs. $150 • YUCATÁN A GO GO! + LOS OXIDADOS Club Atlántico; 21 hrs. $70 +18 • RODRIGO ROJAS Foro El Tejedor; 20:30 hrs. $200 • ALBITA

Lunario del Auditorio Nacional; 21 hrs. $650-$750 • WISIN & YANDEL Palacio de los Deportes; 21 hrs. $200-$1,000 • AGORA Rock and Road; 21 hrs. $150 • MERCURIO Teatro Metropólitan; 21 hrs. $250-$2,500 • LA SONORA SANTANERA Teatro Tepeyac; 18 y 20:30 hrs. $160-$200 • FESTIVAL JAZZBOOK.2: MOLE Zócalo capitalino; 20 hrs. Entrada libre.

SÁBADO 20 • Bryan Adams Arena Ciudad de México; 20 hrs. $250-$1,250 • the used Auditorio BlackBerry; 20 hrs. $550 • SERRAT & SABINA Auditorio Nacional; 20 hrs. $300-$1,800 • RUIDO ROSA Caradura; 22 hrs. $100 +18 • sonidos urbanos presenta: LOS MARTY Casa del Lago; 14 hrs. Entrada libre.

• MEXICAN DUB WISER FULL SHOW Club Atlántico; 21 hrs. $60 +18 • CELSO DUARTE Foro El Tejedor; 21:30 hrs. $150 • Noches de Salón Lunario: Alberto Pedraza con su guaracha sabrosona Lunario del Auditorio Nacional; 21 hrs. $350 • ROLLING CIRCUS Rock and Road; 21 hrs. $150 +18 • Arvo Pärt y el Coro de Cámara de Estonia Palacio de Bellas Artes; 19 hrs. $90-$465 • Música de Cámara: Dúo Cadena de la Sierra Beatriz Cadena, violonchelo; Tonatiuh de la Sierra, piano. Sonata de Debussy, Sonata op.

38 de Brahms, Madrigal y Sonatina de Carlos Chávez y Suite popular española de Falla.

Sala Carlos Chávez del Centro Cultural Universitario; 18 hrs. $130 • OFUNAM: ENSAYOS ABIERTOS Sala Nezahualcóyotl del Centro Cultural Universitario; 10 hrs. Entrada libre.

• OFUNAM, tercera temporada: programa 3 Ollitapio Lehtinen, director huésped; Kun Woo Paik, piano. Ángelus de Bernal Jiménez, Concierto para piano no. 4 de Beethoven, Vals triste, Suite Karelia y Finlandia de Sibelius.

Sala Nezahualcóyotl del Centro Cultural Universitario; 20 hrs. $100-$240 • ENCUENTRO DE LAS GRANDES BANDAS: Orquesta Universitaria de Pepe Luis + La Súper Banda de Tomy + La Banda Rojo + Orquesta Latín Swing Teatro de la Ciudad; 19 hrs. $94-$208 • MERCURIO Teatro Metropólitan; 18 y 21 hrs. $250-$2,500 • FESTIVAL JAZZBOOK.2: JARAMAR Zócalo capitalino; 20 hrs.

Entrada libre.

DOMINGO 21 • SERRAT & SABINA Auditorio Nacional; 18 hrs. $300-$1,800 • DESBORDAMIENTOS, ENCUENTRO SONORO Curaduría: Chris Cogburn y Fernando Vigueras.

1er Set: Bonnie Jones + Andrea Neumann Duo. 2do Set: Carmina Escobar. Cine Tonalá; 18 hrs. $80 • SONIDOS URBANOS PRESENTA: VESSPA Foro El Dinosaurio, Juan José Gurrola del Museo del Chopo; 19 hrs. $120 • EL BARBERO DE SEVILLA Clásica Palacio de Bellas Artes; 17 hrs. $150-$650 • OFUNAM, tercera temporada: programa 3 Ollitapio Lehtinen, director huésped; Kun Woo Paik, piano. Ángelus de Bernal Jiménez, Concierto para piano no. 4 de Beethoven, Vals triste, Suite Karelia y Finlandia de Sibelius.

Sala Nezahualcóyotl del Centro Cultural Universitario; 12 hrs. $200-$400 • Conciertos Conmemorativos Eduardo Mata 70 Aniversario Orquesta Juvenil Universitaria Eduardo Mata.

Avi Ostrowsky, director huésped; Jorge Federico Osorio, piano. Obertura de La italiana en Argel de Rossini, Concierto para piano no. 23 de Mozart y Sinfonía no. 7 de Beethoven.

Sala Nezahualcóyotl del Centro Cultural Universitario; 18 hrs. $50 • FESTIVAL JAZZBOOK.2: GUPSTER Zócalo capitalino; 20 hrs. Entrada libre.

LUNES 22 • HÉCTOR ULISES VERA: SERES QUE MURMURAN (Música electroacústica) CCU Tlatelolco; 17 hrs. Entrada libre.

MARTES 23 • KASABIAN Auditorio BlackBerry; 21 hrs. $450-$880 • TERROR CÓSMICO + TINIIEBLA El Imperial; 22 hrs. $50 • JARABE DE PALO Lunario del Auditorio Nacional; 21 hrs. $650 • SONIDO SAN FRANCISCO Pata Negra Salón; 23 hrs. Entrada libre. +18 • G3 2012: Joe Satriani + John Petrucci + Steve Lukather Teatro Metropólitan; 20:30 hrs. $300-$1,100 MIÉRCOLES 24 • KASABIAN Auditorio BlackBerry; 21 hrs. $450-$880 • the y + motora Caradura; 22 hrs. $50 +18 • EDGAR DORANTES TRÍO (Jazz) Casa del Lago; 19 hrs. Entrada libre.

• JARABE DE PALO Lunario del Auditorio Nacional; 21 hrs. $650 • G3 2012: Joe Satriani + John Petrucci

- Gracias a todos por hacer del Corona Capital la gran experiencia que fue! Nos vemos en el 2013 - Bruce Springsteen 10 de Diciembre Palacio de los Deportes Preventa Banamex 22 y 23 de Octubre - Sigue @indioemergente para una sorpresa muy pronto

+ Steve Lukather Teatro Metropólitan; 20:30 hrs. $300-$1,100

LUGARES • Auditorio BlackBerry auditorioblackberry.com Insurgentes Sur 453, Hipódromo Condesa.

• AUDITORIO NACIONAL–LUNARIO www.auditorio.com.mx Paseo de la Reforma 50, Chapultepec.

• BARRIO URBANO COCINA Sinaloa 199 entre Sonora y Guadalajara, Roma.

• CARADURA www.caradura.com.mx Nuevo León 73 1er piso, Condesa. T 5211 8035 • CASA DEL LAGO www.casadellago.unam.mx Antiguo Bosque de Chapultepec 1a Sección. T 5211 6086 • CCU TLATELOLCO www.tlatelolco.unam.mx Ricardo Flores Magón 1, Nonoalco-Tlatelolco. T 5583 0960 • Centro Cultural Roberto Cantoral Puente de Xoco puerta A, Xoco.

• CINE TONALÁ www.cinetonala.com Tonalá 261, Roma Sur. T 5266 4101 • CLUB ATLÁNTICO www.atlantico.mx República de Uruguay 84, piso 3.

• EL IMPERIAL www.elimperial.tv Álvaro Obregón 293, Roma.

T 5525 1115 • EL PLAZA CONDESA www.elplaza.mx Juan Escutia 4, Condesa.

• FORO EL DINOSAURIO–MUSEO UNIVERSITARIO EL CHOPO www.cultura.unam.mx Dr. Atl 37, Santa María la Ribera. T 5546 347 • PALACIO DE BELLAS ARTES–SALA MANUEL M. PONCE www.bellasartes.gob.mx Av. Juárez y Eje Central, Centro. T 5512 2593 • PALACIO DE LOS DEPORTES Av. Río Churubusco, Granjas México. T 5237 9999 • PASAGÜERO www.myspace.com/pasaguero Motolinía 33, Centro. T 5521 6112 • Rock and Road rockandroad.com.mx Luz Saviñón 1315, Narvarte Poniente. T 5543 9069 • RHODESIA CLUB SOCIAL www.clubsocialrhodesia.tv Durango 181, Roma.

T 5533 8208 • TEATRO DE LA CIUDAD www.cultura.df.gob.mx Donceles 36, Centro Histórico. T 1719 3000 • TEATRO METROPÓLITAN www.ocesa.com.mx Independencia 90, Centro.

T 5510 1035 • TEATRO TEPEYAC Calz. de Guadalupe 497. T 5517 6560 • ZINCO JAZZ www.zincojazz.com Motolinía 20, Centro. T 5512 3369 • ZÓCALO CAPITALINO Plaza de la República s/n, Centro.

CINE Georges Lazenby

Daniel Craig

Sean Connery

Han pasado 50 años del estreno mundial de Dr. No (1962), la primera película de James Bond, y la saga del imbatible espía británico se mantiene como una de las franquicias cinematográficas más rentables y famosas a escala mundial. Con motivo del próximo estreno de Skyfall, la entrega número 23 de la saga, preparamos un sucinto análisis de este mítico personaje.

Roger Moore

Timothy Dalton

Pierce Brosnan

James Bond, el mismo espía pero revolcado

L

a leyenda de James Bond nació oficialmente el 5 de octubre de 1962, día en que se llevó a cabo el estreno mundial de Dr. No en un cine de Londres. Aunque, para ser más precisos, podemos decir que en 1962 James Bond ya tenía casi una década de vida, si tomamos en cuenta la adaptación que ese año hizo la cadena CBS para la tele gringa de Casino Royale (1953), la recién editada novela del ex agente británico Ian Fleming. Pero como nuestro tema no es la tele sino el cine, vamos a tomar a 1962 como el año del natalicio del mítico Agente 007, que en esa primera entrega (Dr. No) fue encarnado por Sean Connery.

Los responsables directos del nacimiento de James Bond fueron los productores Harry Saltzman y Albert R. Broccoli, quienes compraron los derechos de toda la serie de novelas (salvo Casino Royale, propiedad de la CBS), mismos que encontraron la fórmula para crear un flamante héroe de acción (inteligente, guapo, astuto, fino, elegante, seductor, justiciero, incorruptible), que de inmediato se instaló como un nuevo referente en el imaginario de millones de personas alrededor del mundo.

Para entender a James Bond es necesario, en principio, ubicarlo como un personaje ficticio surgido de la mente de un escritor que prestó sus servicios a la inteligencia militar británica durante la Segunda Guerra Mundial y los primeros años de posguerra. En este sentido, el perfil del Agente 007 es el de un héroe de la Guerra Fría, es decir, un superespía (con licencia para matar y hacer lo que le venga en gana) cuya misión es proteger a toda costa los nobles intereses del sistema capitalista contra los embates de sus archienemigos del bloque socialista.

En la primera etapa de la saga vemos a un Bond cien por ciento antisoviético, que no se tienta el corazón ante sus enemigos y que incluso es capaz de asesinar a sangre fría (lo hace en Dr. No). Al cabo de algunas entregas, la saga comenzó a desmarcarse sutilmente del discurso antisoviético, y el perfil político e ideológico de los villanos

dejó de ser tan obvio. Estamos hablando de la época en la que los malos pertenecían a la organización criminal Spectre y sus motivaciones para hacer el mal eran más la ambición y la codicia que la agenda política del bloque socialista. Más adelante, y tras la caída del Muro de Berlín y la desintegración de la URSS, los villanos se la saga se han diversificado: hemos visto desde líderes de corporaciones internacionales perversas hasta dictadores latinoamericanos deschavetados.

Pero James Bond, en esencia, sigue siendo el mismo agente justiciero y refinado que encarnó Sean Connery hace 50 años. Pensemos en Daniel Craig, que representa al mismo superespía pero en versión reloaded y descamisado. Ya sea Sean Connery, Georges Lazenby, Roger Moore, Timothy Dalton, Pierce Brosnan o el actual Daniel Craig, el Agente 007 siempre ha sido el mismo espía hipersofisticado que salva al mundo (en particular a la Corona británica) y enamora incluso a las mujeres (esas bellísimas “chicas Bond”) que intentan matarlo. Algunos serán más elegantes (como Brosnan), otros más atléticos (como Craig) o incluso pasarán completamente inadvertidos (como Lazenby), pero todos, sin excepción, se siguen presentando como Bond… James Bond, andan en una supernave, traen todo tipo artefactos high-tech para defenderse y al final del cuento siempre salen victoriosos y encamados con una mujerona de ensueño.

Así que en Skyfall, la más reciente y próxima a estrenarse entrega número 23 de la saga, veremos al mismo James Bond haciendo exactamente las mismas cosas que ha hecho durante medio siglo: localizar la amenaza y destruirla, sin importar los costos ni los daños colaterales.

Por ello es posible afirmar que Bond, James Bond no ha evolucionado como personaje; lo que sí ha evolucionado es la saga de James Bond, entendida como un cuerpo de 23 historias independientes pero cohesionadas por una serie de elementos que la distinguen e identifican. F —Roberto Garza

www.frente.com.mx | FRENTE E del 18 al 24 de octubre de 2012 | CINE | 25

ARCHIVERO por Roberto Fiesco Yogi Ruge Cuando entró a la cabina de Reactor, donde trabajo los sábados, su aspecto me pareció imponente: el de una walkiria de sonrisa segura. Le extendí esta foto y dijo de inmediato: “Me la tomó Eva Norvind, que era vecina mía en Tepoztlán. Trajo su cámara y estuvo conmigo todo un fin de semana haciéndome fotos con diferentes vestuarios. Ella me ayudó a echar andar la carrera de una manera profesional”.

Su papá, mexicano hijo de alemanes, le puso Tiahoga, en honor a una leyenda esquimal, pero a su mamá —holandesa— ése no le parecía el nombre adecuado para aquella niña rubita y la trató siempre con el apelativo de Yogi. Jamás pensó en dedicarse a la actuada, pero cuando estudiaba biología y ambientalismo en Houston la becaron porque pertenecía al grupo de teatro. A su regreso —y por dominar ocho idiomas— consiguió un trabajo como directora comercial de los Estudios Churubusco.

Fue ahí donde la vio Juan Ibáñez (el más felliniano de nuestros realizadores) y le ofreció un papelito de niña fresa en México nocturno, película que la introdujo en los fascinantes mundos del teatro frívolo y del cine. A ella le pareció fantástico y tuvo una meteórica carrera en los platós, de la mano de su agente Lonka Becker, sólo durante tres años. ¿La razón? Su belleza blonda y los lascivos efectos que producía en producto-

res y funcionarios, que apenas al verla entrar a sus oficinas le querían saltar encima.

Así, todas sus citas duraban apenas medio minuto después de la negativa a desvestirse.

Sin embargo, logró trabajar con directores “respetuosos” como Alberto Mariscal, Tito Davison, René Cardona o Gabriel Retes. Con este último hizo Bandera rota y viajó a Moscú en 1979 para asistir al festival de cine; ahí conocería a un personaje cercano a Federico Fellini que le dijo que si iba a Roma le presentaría al director. La Ruge fue a plantarse a Cinecittà y Federico, que iniciaba el rodaje de La ciudad de las mujeres, la invitó a comer pasta y la contrató como asistente de dirección.

Su primera labor en el día era llegar a las 6:30 a su oficina para escuchar sus sueños y transcribirlos en un cuaderno; después se ocupaba de supervisar a los extras, el vestuario y los decorados, amén de hacer algún bit en la película.

Tullio Kezich, en su biografía sobre el realizador, se refiere a ella como: “Una joven actriz mejicana (…) con la que el director tuvo una relación un tanto borrascosa”. Amantes… no. Yogi, que confiesa no ser ninguna perita en dulce, cuenta que era capaz de desafiarlo y de hacerle sugerencias ante la sorpresa de todos, que veían al de Rimini como a un monstruo sagrado.

En una ocasión cometió una equivocación y Fellini la corrió de la película. Ella se fue desolada a su departamento romano dispuesta a hacer sus maletas para volver a México, cuando a los dos días alguien tocó a su puerta. Se trataba del propio Federico, que le dijo: —¿Por qué no has ido al rodaje? —¡Porque usted me corrió!

—Pues eso es lo más normal del mundo, así que regresa. Volvió e incluso lo convenció de conocer México.

Fellini estaba obsesionado con la obra del misterioso Carlos Castaneda, el de Las enseñanzas

estrenos por RG

de don Juan. Yogi propició un encuentro entre ambos y participó de un accidentado viaje a México para que el director conociera el universo del autor y las posibles locaciones. La película no se llevó a cabo, pero de aquellas fabulosas aventuras que llevaron al italiano hasta las ruinas mayas de Quintana Roo quedó constancia en un estupendo cómic realizado con maestría por Milo Manara. La última vez que se vieron fue en Los Ángeles, en 1993, cuando al italiano le entregaron un Óscar honorario. “La siguiente película que vamos a hacer es Viaggio a Tulum, así que prepárate”, le dijo Federico a la actriz, pero a los pocos meses el director murió. Casi 15 años después el proyecto regresó a ella, pero ante la falta de presupuesto se lanzó a dirigir su propia historia con Fellini, un viaje plagado de chamanes y mágicos encuentros que tituló Soñando con Tulum, que estrenó recién en la Muestra de Mujeres en el Cine y la TV. Dejó de ser Yogi cuando se fue de agregada cultural a la India (“Los yoguis están en los Himalayas y no quiero que me confundan.”).

Hoy todos se refieren a ella, la gran especialista en educación ambiental, como Tiahoga.

Hablamos mucho, al aire y fuera de él. Yo, extasiado con su cadencia al hablar y esa mirada de mil vidas en una. Al despedirnos me dijo: “Luego te sigo contando de aquellas épocas del cine mexicano, me pusiste a recordar muchas cosas en las cuales hace mucho no pensaba”.

Espero que me lo cumpla.

cinefernalia por José Antonio Valdés Peña HISTORIA(S) DEL CINE: CASSAVETEANDO (5)

Después de Lucía

Felícitas

La chispa de la vida

Dir. Michel Franco, 2012. Con: Tessa Ia, Gonzalo Vega Jr., Tamara Yazbek.

Dir. Érika Araujo, 2012.

Dir. Alex de la Iglesia, 2011.

Con: José Mota, Salma Hayek.

Ganadora de la sección Una Cierta Mirada en el pasado Festival de Cannes, Después de Lucía, narra el complejo proceso de mortificación de Alejandra, una adolescente que, tras la muerte de su madre (Lucía), se muda de Puerto Vallarta al DF junto con su padre. Tras un incidente erótico, Alejandra se convierte en víctima de un despiadado bullying a través de las redes sociales. Con éste, su tercer largometraje, Michel Franco se revela como un autor que evoluciona con firmeza hacia la construcción de un estilo propio.

Retrato de cinco mujeres que buscan la felicidad en un país donde la igualdad de géneros se ve brutalmente opacada por la discriminación, el machismo, la violencia, la explotación, el acoso y demás sutilezas de nuestra deformada cotidianeidad. Érika Araujo se sumerge en los pensamientos de estas cinco mujeres, que con valentía revelan ante la cámara sus secretos, sus penas, sus miedos, sus alegrías y sus más profundos sentimientos.

Cargada del corrosivo sentido del humor que distingue a la obra de Alex de la Iglesia, La chispa de la vida narra la historia de un publicista desempleado que, al sufrir un accidente, queda atrapado de tal forma que nadie se pone de acuerdo en cómo rescatarlo. Lo absurdo de la situación llama la atención de los medios de comunicación, al tiempo que el publicista ve una oportunidad para sacar partido de su tragedia y así resolver los problemas económicos de su familia.

Después del éxito de público y crítica de Neurosis de mujer (1974), la película que le brindó su única nominación al Óscar como mejor director, John Cassavetes decidió probar suerte y realizar un filme apegado a las convenciones estéticas y narrativas del film noir norteamericano clásico. El resultado fue El asesinato de un apostador (1976), uno de sus filmes más fascinantes y a nivel industrial un catastrófico fracaso que regresó al cineasta y actor a la trinchera de la independencia creativa.

Ben Gazzara, habitual en el universo de Cassavetes, interpreta al protagonista, un gángster de poca monta propietario de un antro de mala muerte en Los Ángeles, llamado el Crazy Horse West, un lugar en el cual el erotismo de cualquier strip-joint se fusiona con poemas y demás florituras a manos de un desagradable personaje llamado Mr. Sophistication, un maestro de ceremonias salido de las peores pesadillas del Bob Fosse de Cabaret. Perdedor empedernido, empresario de pacotilla y farolón profesional, el protagonista no tarda en perder una fuerte suma ante un grupo mafioso rival, viéndose obligado a hacer lo que ellos digan para salvarse.

El segundo acto del filme tiene al protagonista tratando de cumplir torpemente con la encomienda de asesinar a un tramposo apostador de origen oriental que ha jugado muy sucio. ¿Cumplirá con su cometido y salvará su pellejo? No importa. Porque lo que a Cassavetes realmente le interesaba era orquestar un estudio casi etnológico sobre el fracaso existencial de una civilización entregada al sinsentido, en la cual la violencia es la moneda corriente.

En su momento, El asesinato de un apostador fue la más vapuleada cinta de Cassavetes, acusada de absurda, desorganizada, poco menos que insoportable. Vista a la distancia, en el conjunto de su obra es quizá su filme más experimental, el más arriesgado narrativa y visualmente de todos, entre su estética neo-Noir y violentas elipsis que consiguen distanciamientos casi brechtianos. (Continuará...)

26 | CINE | FRENTE del 18 al 24 de octubre de 2012

AGENDA Programación sujeta a cambios.

• THE MOVIE COMPANY PLAY (Suecia-Dinamarca-Finlandia; Ruben Östlund, 2011); 20:30 hrs. PEQUEÑAS VOCES (Colombia; Jairo Carrillo y Óscar Andrade, 2010); 16 y 18:15 hrs.

JUEVES 18 SÁBADO 20 • CINE TONALÁ LA VIDA SEGÚN ATTENBERG (Grecia; Athina Rachel Tsangari, 2011); 17 hrs.

Ambulante, ideas migratorias: A/K/A MRS. GEORGE GILBERT + ELS SEGADORS (Estados Unidos; Coco Fusco; 2004); 19 hrs.

• FILMCLUB CAFÉ Cena-Cinema: TENEMOS QUE HABLAR DE KEVIN (Reino Unido-Estados Unidos; Lynne Ramsay, 2011); 20 hrs.

• IFAL EL FOGONERO DEL DELIRIO (México; Gustavo Domínguez, 2011); 16:30 hrs.

Entre rejas: UNIDAD 25 (Argentina-España; Alejo Hoijman, 2008); 20 hrs.

• MUSEO CARRILLO GIL Programas dobles: PROBLEMAS DE ALCOBA (Estados Unidos; Michael Gordon, 1979); 14 hrs. / UN PIJAMA PARA DOS (Estados Unidos; Delbert Man, 1961); 16 hrs.

• THE MOVIE COMPANY EL FOGONERO DEL DELIRio (México; Gustavo Domínguez, 2011); 18 y 20 hrs. tótem (Alemania; Jessica Krummacher, 2012); 16 hrs.

VIERNES 19 • CINE LIDO Ciclo Hamlet: Rosencrantz y Guildenstern han muerto (Gran Bretaña-Estados Unidos; Tom Stoppard, 1990); 20 hrs.

FELÍCITAS (México; Érika Araujo, 2012); 18:15 hrs.

LOS ROLLOS PERDIDOS (México; Gibrán Bazán, 2012); 16:15 hrs. PLAY (Suecia-DinamarcaFinlandia; Ruben Östlund, 2011); 14 hrs.

• CINE TONALÁ Ambulante, ideas migratorias: CUATES DE AUSTRALIA (México; Everardo González, 2011); 19 hrs.

CESADO (México, Daniela Schneider, 2011); 17 hrs.

• FILMCLUB CAFÉ Macabro: LOS VIVOS (Canadá; Eduardo Lucatero, 2011); 20 hrs.

Doctubre: OTRA NOCHE EN LA TIERRA (España; David Muñoz, 2012); 20:30 hrs.

• IFAL EL FOGONERO DEL DELIRIO (México; Gustavo Domínguez, 2011); 16:30 hrs.

Entre rejas: LA CELDA OLVIDADA (Estados Unidos; John Frankenheimer, 1962); 20 hrs.

• MUSEO CARRILLO GIL Programas dobles: PROBLEMAS DE ALCOBA (Estados Unidos; Michael Gordon, 1979); 14 hrs. / UN PIJAMA PARA DOS (Estados Unidos; Delbert Man, 1961); 16 hrs.

Cine documental: SER Y TENER (Francia; Nicolas Philibert, 2002); 18 hrs.

• BIBLIOTECA VASCONCELOS PEQUEÑAS VOCES (Colombia; Jairo Carrillo y Óscar Andrade, 2010); 17 hrs.

• CINE LIDO Ciclo Hamlet: HAMLET (Reino Unido-Estados Unidos; Kenneth Branagh, 1996); 18:30 hrs.

Cinemundi: El valle de Gwangi (Estados Unidos; Jim O’Connolly, 1969); 12 hrs.

FELÍCITAS (México; Érika Araujo, 2012); 14 hrs.

LOS ROLLOS PERDIDOS (México; Gibrán Bazán, 2012); 16 hrs.

• CINE TONALÁ Ambulante, ideas migratorias: SANS SOLEIL (Francia; Chris Marker, 1983); 15 hrs. / CAMPO 9 (México; Carlos R. Rivero Uicab, 2012) + LA FANTASMAL VIENA EXTRANJERA (Austria; Lisl Ponger, 1991-2004); 17:30 hrs. / ACCIÓN LENTA (Reino Unido; Ben Rivers, 2010); 18:45 hrs.

XANINI, RITOS DE RIO, TRYPPS (México; Dante Cerano, 1999) + REENSAMBLAJE (Vietnam; Trinh Minh-ha, 1982); 19:30 hrs.

• FILMCLUB CAFÉ Macabro: TOQUE DE QUEDA (Guatemala; Elias Jiménez / Ray Figueroa, 2011); 20 hrs.

• IFAL EL FOGONERO DEL DELIRIO (México; Gustavo Domínguez, 2011); 18 hrs.

Entre rejas: CUATRO MINUTOS (Alemania; Chris Kraus, 2006); 20 hrs.

• MUSEO CARRILLO GIL Cinemundi: EL VIAJE FANTÁSTICO DE SIMBAD (Estados Unidos; Gordon Hessler, 1973); 14 hrs.

Observatorio: NUOVOMONDO (Italia-Francia; Emanuele Crialese; 2006); 17 hrs.

• THE MOVIE COMPANY PLAY (Suecia-Dinamarca-Finlandia; Ruben Östlund, 2011); 20:30 hrs. PEQUEÑAS VOCES (Colombia; Jairo Carrillo y Óscar Andrade, 2010); 16 y 18:15 hrs.

DOMINGO 21 • BIBLIOTECA VASCONCELOS Cinemundi: LA BESTIA DE OTRO PLANETA (Estados Unidos; Nathan Juran, 1957); 12 hrs.

• CINE LIDO Ciclo Hamlet: SER O NO SER (Estados Unidos; Michael Almereyda, 2001); 20 hrs.

Cinemundi: El valle de Gwangi (Estados Unidos; Jim O’Connolly, 1969); 12 hrs.

FELÍCITAS (México; Érika Araujo, 2012); 16 hrs.

LOS ROLLOS PERDIDOS (México; Gibrán Bazán, 2012); 14 hrs. PLAY (Suecia-DinamarcaFinlandia; Ruben Östlund, 2011); 17:30 hrs.

• CINE TONALÁ

Ambulante, ideas migratorias: LOS EXILIADOS (Estados Unidos; Kent MacKenzie, 1961); 14 hrs. / NO ES UNA PELÍCULA (Irán; Jafar Panahi y Mojtaba Mirtahmasb, 2012); 15:30 hrs.

Cineclub Sprockets en Cine Tonalá: Cambio de Guardia + El Laberinto + Frivolidad + Rojo y Negro + Silla + Todo lo que es el número de + El Caballo + Escalera + El Viaje + Hijo; 12 hrs.

• FILMCLUB CAFÉ Historia del cine mudo: EL DIFUNTO MATÍAS PASCAL (Francia; Marcel L’Herbier, 1926); 13 hrs.

• MUSEO CARRILLO GIL Cinemundi: EL VIAJE FANTÁSTICO DE SIMBAD (Estados Unidos; Gordon Hessler, 1973); 14, 16 y 18 hrs.

• THE MOVIE COMPANY PLAY (Suecia-Dinamarca-Finlandia; Ruben Östlund, 2011); 20:30 hrs. PEQUEÑAS VOCES (Colombia; Jairo Carrillo y Óscar Andrade, 2010); 16 y 18:15 hrs.

LUNES 22 • CINECLUB CONDESA DF Entrañable soledad: UN TIPO SERIO (Estados Unidos; Joel Cohen e Ethan Coen, 2009); 20 hrs.

• CINE LIDO Ciclo Hamlet: LA TRAGEDIA DE HAMLET (Gran Bretaña-Francia-Japón; Peter Brook, 2002); 19:30 hrs.

CIUDAD RURAL (México; Roberto Canales, 2011); 13:30 hrs. LOS ROLLOS PERDIDOS (México; Gibrán Bazán, 2012); 15:30 hrs. PLAY (Suecia-DinamarcaFinlandia; Ruben Östlund, 2011); 17:15 hrs.

• FILMCLUB CAFÉ Ciclo de cortometrajes Macabro: VISIONES DEL FIN DEL MUNDO; 20 hrs.

• THE MOVIE COMPANY PLAY (Suecia-Dinamarca-Finlandia; Ruben Östlund, 2011); 20:30 hrs. PEQUEÑAS VOCES (Colombia; Jairo Carrillo y Óscar Andrade, 2010); 16 y 18:15 hrs.

MARTES 23 • CINE TONALÁ BUENAS NOCHES ESPAÑA (España-Filipinas; Raya Mrtín; 2011); 16 hrs. los últimos cristeros (México-Holanda, Matías Meyer, 2011); 18 hrs.

• IFAL EL FOGONERO DEL DELIRIO (México; Gustavo Domínguez, 2011); 18 hrs.

Entre rejas: 9 X 2 m2 (Francia; Joseph Cesarini y Jimmy Glasberg, 2005); 20 hrs.

• THE MOVIE COMPANY PLAY (Suecia-Dinamarca-Finlandia; Ruben Östlund, 2011); 20:30 hrs.

PEQUEÑAS VOCES (Colombia; Jairo Carrillo y Óscar Andrade, 2010); 16 y 18:15 hrs.

MIÉRCOLES 24 • BIBLIOTECA VASCONCELOS NO ES UNA PELÍCULA (Irán; Jafar Panahi y

Mojtaba Mirtahmasb, 2012); 17 hrs.

• CINE LIDO Ciclo cine y letras: posesión satánica (Gran Bretaña; Jack Clayton, 1961); 17 y 19 hrs. CIUDAD RURAL (México; Roberto Canales, 2011); 13:30 hrs.

• CINE TONALÁ CESADO (México, Daniela Schneider, 2011); 19 hrs.

LA VIDA SEGÚN ATTENBERG (Grecia; Athina Rachel Tsangari, 2011); 17 hrs.

• FILMCLUB CAFÉ Ciclo 100 directores: sucedió una noche (Estados Unidos; Frank Capra, 1934); 20 hrs.

Doctubre: ANA PAVLOVA VIVE EN BERLÍN (Alemania; Theo Solnik, 2011); 20:3o hrs.

• FORO SHAKESPEARE el MOCITO (Chile; Jean de Certeau y Marcela Said, 2010); 21 hrs.

• IFAL EL FOGONERO DEL DELIRIO (México; Gustavo Domínguez, 2011); 18 hrs.

Entre rejas: El experimento (Alemania; Oliver Hirschbiegel, 2001); 20 hrs.

• THE MOVIE COMPANY PLAY (Suecia-Dinamarca-Finlandia; Ruben Östlund, 2011); 20:30 hrs. PEQUEÑAS VOCES (Colombia; Jairo Carrillo y Óscar Andrade, 2010); 16 y 18:15 hrs.

LUGARES • BIBLIOTECA VASCONCELOS www.bibliotecavasconcelos.gob.mx Eje 1 Norte esq. Aldama s/n, Buenavista.

T 9157 2800 • CINECLUB CONDESA DF www.circo212.org.mx Veracruz 102, Condesa.

• CINE LIDO Tamaulipas 202 esq. Benjamín Hill, Condesa.

Dentro del Centro Cultural Bella Época Librería Rosario Castellanos.

• CINE TONALÁ www.cinetonala.com Tonalá 261, Roma Sur. T 5266 4101 • FILM CLUB CAFÉ www.filmclubcafe.com.mx Blvd. Manuel Ávila Camacho 1695.

T 5373 9055 • FORO SHAKESPEARE Zamora 7, Condesa. T 5553 4642 • IFAL www.ambafrance-mx.org Río Nazas 43, Cuauhtémoc. T 5566 0777 • LA SOCIEDAD DE CINE TLATELOLCO www.circo212.org.mx - www.tlatelolco.unam.mx Ricardo Flores Magón 1, Nonoalco-Tlatelolco.

T 5583 0960 • MUSEO DE ARTE CARRILLO GIL www.museodeartecarrillogil.com Av. Revolución 1608, San Ángel. T 5550 6260 • THE MOVIE COMPANY www.themoviecompany.mx Av. San Jerónimo 263, Tizapán San Ángel.

T 5550 0859

Llévelo, llévelo ARTE Affordable Art Fair

Expo Reforma, Av. Morelos 67, (entre Abraham González y Bucarelli), colonia Juárez.

Metro Línea 3 estación Juárez, Metrobús Línea 4 Expo Reforma o Glorieta de Colón, Línea 1 Reforma.

19-21 de octubre. Entrada libre. affordableartfair.com/mexicocity

Cortesía Affordable Art

Mexico

Affordable Art Fair, la feria internacional dedicada a vender arte a precios accesibles, llega a la ciudad de México en un evento de tres días, del 19 al 21 de octubre, en Expo Reforma.

Con ocasión de esta feria nacida en Londres en 1999 que promete “una atmósfera inspiradora y amigable en la que puedes encontrar miles de pinturas, grabados, esculturas y fotografías originales, todo bajo un mismo techo, y todo por debajo de $99,000 pesos”, conversamos con su directora en México, la mercadóloga Nelsa Farrugia.

Wear Your Moustache With Pride Manu Prinster (Abraham Mascorro), Galería PI

¿Por qué la insistencia en que un público amplio coleccione?

Ampliar la base de coleccionistas fomenta el crecimiento y aparición de nuevos artistas.

Además, nos interesa que más gente pueda experimentar la emoción de adquirir una obra de arte original, y no se necesita ser ni el gran experto ni el gran millonario para hacerlo. Y al hacerlo estás apoyando la cultura de tu país, por eso el 80% de la galerías que hay en AAF son mexicanas. ¿Esta suerte de “democratización” del coleccionismo no devalúa las piezas que la gente colecciona en este tipo de ferias?

Para nada. Al ampliar la cantidad de coleccionistas (demanda) haces que el arte cobre mayor valor, incluso ayuda a valorizar mejor la obra de los artistas ya consagrados, y no sólo eso, sino que contribuyes a que se produzca más, estás incentivando la carrera del artista y al hacerlo influyes directamente en la posibilidad de que esa obra llegue a cobrar más valor. ¿Cuál es la relación actual entre el mercado y el arte?

Estamos en una época en la que el arte contemporáneo ha alcanzado precios elevadísimos, incluso en artistas vivos; es decir, en los últimos años se ha estrechado la relación entre mercado y producción artística.

Sin embargo, considero que deben de existir

plataformas como Affordable Art Fair que amplían el nicho y le permiten a otros artistas que actualmente no están insertos, a tener un pedazo del pastel. ¿Crees que la relación entre el espectador y el arte debe estar necesariamente mediada por el mercado?

No necesariamente, pero sí creo que el mercado es el territorio donde los artistas se conectan con quienes compran sus obras. Por eso creemos que es importante apoyar a los artistas que hoy en día están activos y la manera más directa y útil es que más personas compren sus obras. ¿Cómo saber que las obras que se compran en su feria tienen plusvalía?

Típicamente para saber si una obra de arte subió de valor respecto al precio en que la compraste, independientemente de donde la compraste, debe pasar bastante tiempo.

El arte no es un activo como el oro, que cada día sube de precio. Es una inversión bastante arriesgada, por eso nosotros no incentivamos a que la gente compre arte por inversión, nosotros preferimos destacar que vale la pena comprar esa pieza con la que conectaste: si te basas en la emoción que te generó es muy difícil que te equivoques y la obra cobrará plusvalía emocional. Comprar arte te da emociones únicas que no te da ninguna otra compra.

¿Bajo qué criterios se seleccionan a los artistas que participan en su feria?

Los artistas participan a través de su galería, pedimos que cada galería presente un mínimo de tres artistas distintos y que todos sean artistas vivos, además que las obras presentadas estén a la venta por debajo de los 99 mil pesos. Una vez cumplidos estos requisitos básicos, el análisis de selección se centra en la calidad de las obras y su potencial en el mercado y, en menor grado, en la trayectoria del artista. ¿Qué artistas destacados podremos ver en esta feria?

Considero que todos y cada uno de los artistas que han sido seleccionados para participar en AAF, a través de sus galerías, son destacados por su talento, sean conocidos o no sus nombres. Para darte algunos ejemplos, contaremos con obra gráfica de artistas consagrados como Francisco Toledo, Rafael Coronel, Manuel Felguérez, José Luis Cuevas y con obra de artistas más jóvenes con muchísimo talento, como Jorge Luna, Anibal Catalán, Meredith Dittmar, Emilio Rangel, Valerie Campos, Adrian Porcel, entre cientos de otros. ¿Te parece que el modelo de la “feria de arte” debe ser mantenido?

Me parece que Affordable Art Fair rompe con el modelo tradicional de las ferias de arte al introducir un concepto menos elitista,

Yuxtaposición, Arturo Cuervo, Galería Noox

más abierto y relajado. Considero que debe haber más conceptos novedosos como éste, que amplíen el mercado. ¿No consideras que coloca la atención en un fenómeno ajeno a la producción artística, a saber, el precio de una obra?

Al presentar una feria de arte donde todos los precios están a la vista, se rompe con la principal barrera que hace que la mayoría de nosotros dejemos de acercarnos al arte. Para la mayoría de nosotros la posibilidad o no de comprar una obra de arte está directamente relacionada con tu presupuesto, y después viene toda la parte de análisis si te gusta o no, etcétera.

Hoy en día el término “arte” es de facto sinónimo de “mercado del arte”. ¿No crees que la diferencia entre ambos es un matiz necesario que debe mantenerse?

Si, definitivamente. Creo que cierta parte del arte contemporáneo está demasiado contaminada por el mercado, como cuando ves una chamarra de piel tirada en una esquina venderse por $690,000 dólares.

Si es más barato, ¿es mejor o peor arte?

No siempre el precio tiene una relación directa con la calidad de la obra. Así como tampoco si una pieza se vende en millones de dólares es necesariamente buen arte, nosotros lo que probamos es que la calidad no está peleada con la accesibilidad. F —Marisol Rodríguez

www.frente.com.mx | FRENTE del 18 al 24 de octubre de 2012 |ARTE | 29

Cortesía Museo Tamayo

Nueva Matemática

Introducción a la teoría de la probabilidad, Michael Stevenson, 2008.

Still en video hd. Cortesía del autor.

El Museo Tamayo Arte Contemporáneo presenta la muestra Nueva Matemática del artista neozelandés Michael Stevenson.

Museo Tamayo Arte Contemporáneo

Reforma y Gandhi s/n.

Entrada $19, domingos entrada libre.

Hasta el 18 de noviembre.

Nueva Matemática es resultado de la En el mundo del arte un discurso bien formado merecería tener la capacidad coyuntura de ambas historias, una suerte de ser develado en distintos niveles de transición que deja atrás al Sha para según el interés, formación, sensibilidad, introducir a Chuchú, quien a decir verbagaje cultural o simplemente el nivel dad no era sólo guardaespaldas, sino que de cafeína contenido en las venas de un también ejercía las profesiones de maobservador. Michael Stevenson, quien es temático, filósofo, profesor y piloto. Un oriundo de Nueva Zelanda, es un artista personaje contradictorio que aparentaba multidisciplinario cuyo fuerte radica en un pragmatismo elevado y a su vez se le una capacidad maravillosa de sintetizar escuchaba hablar sobre pruebas de la información obtenida de amplias investi- existencia del demonio. gaciones y traducirlas a objetos que pueLa muestra, curada por Magnolia de den ser experimentados con una distancia la Garza y ubicada en la sala 5 del Museo considerable de la basta información que Tamayo, se compone de piezas audiovida como resultado sus instalaciones. En suales, sonoras, muestras de escritos y el caso de Nueva Matemática, muestra ac- esculturas que permiten la interacción tual del artista en del público. Éstas el Museo Tamayo, forman un reco“Nueva Matemática deja atrás esta capacidad de rrido transitorio crear discursos de la manera en la al Sha para introducir a Chuchú, legibles desde disque Chuchú y sus quien a decir verdad no era sólo teorías matemátintos niveles de guardaespaldas, sino que también ticas se inmiscuatención e interés es sobresaliente. ejercía las profesiones de matemático, yen en el arte de Stevenson. La Stevenson, en filósofo, profesor y piloto.” pieza sonora, la un salto digno de cual emite el ruido la propia Teoría de la probabilidad (título del video que se pre- de una avioneta haciendo referencia senta en la muestra), se encontró, a tra- a la Teoría del vuelo de Chuchú, vés de su proceso de investigación, con tiene un paralelo en el espacio de arte la figura de José de Jesús Martínez, alias contemporáneo Portikus, en Frankfurt, con “Chuchú”, quien fuese guardaespaldas del la proyección de la imagen de la avionegeneral Omar Torrijos, primer mandata- ta a través de una cámara oscura. Para rio de Panamá de 1968 a 1981. Y es que culminar Nueva Matemática, se editará mientras el artista le seguía los pasos a la un libro bilingüe entre el Museo Tamayo, controversial historia de Mohammed Reza Portikus y la editorial Köning, que deberá Pahlevi, último Sha de Irán, encontró que estar disponible a finales de este año. su camino lo llevaba a la Isla de Contadora, donde Panamá otorgó asilo político al Sha. —Sofía Margarita

Persepolis 2530, Michael Stevenson, 2007. Cortesía del autor.

Artefacto

México es teatro

conaculta 2012 Disponible para iPad y iPhone, gratis desde la App Store Esta aplicación es a la vez museo, archivo y cartelera múltiple del teatro en México.

En ella puedes consultar la historia del teatro desde 1492 hasta la actualidad pasando por el México Virreinal, el periodo independiente, el Porfiriato, la Revolución y el siglo XX. México es teatro te ofrece un archivo con los programas de mano y las imágenes de algunas funciones representativas en la historia del teatro en nuestro país. Además, en ella puedes consultar la cartelera de teatro y teatro infantil con semanas de anticipación y día por día, accediendo en un solo lugar a los datos, actores, sinopsis e informaciones prácticas para que te pongas al día con esta disciplina artística de añeja tradición en México.

—M.R.

30 | ARTE | FRENTE del 18 al 24 de octubre de 2012

AGENDA ÚLTIMOS DÍAS • CASA DEL TIEMPO NOTACIONES DE COMPÁS De Galia Eibenschutz. Hasta octubre 27.

• CENTRO CULTURAL UNIVERSITARIO TLATELOLCO MIRADA Y TESTIMONIO De Pedro Valtierra. Hasta octubre.

• EX TERESA ARTE ACTUAL ASTERISMOS Instalación-lumínico sonora de Nacho Rodríguez.

Hasta octubre 28.

• GALERÍA DISTRITO 14 EL LUGAR DEL CINE SESIÓN DOBLE Videoinstalación de Carles Asensio.

Hasta octubre 20.

• KURIMANZUTTO POSICIÓN APARENTE De Paloma Polo. Hasta noviembre 3.

• MUAC CIRCUITO ABIERTO, DOS EXPERIENCIAS EDITORIALES: FONDO FELIPE EHRENBERG Programa de exposiciones de archivo y dentro del programa de exposiciones del Centro de Documentación Arkheia.

Hasta octubre 28.

• MUSEO DE ANTROPOLOGÍA SAMURÁI: TESOROS DE JAPÓN Hasta octubre 21.

• MUSEO DEL PALACIO DE BELLAS ARTES MUSEO NACIONAL DE ARQUITECTURA CINCO DÉCADAS DE TEATRO De Alejandro Luna. Hasta noviembre 5.

• MUSEO TAMAYO TAMAYO/TRAYECTOS Hasta noviembre.

EL MAÑANA YA ESTUVO AQUÍ Hasta noviembre.

PRIMER ACTO Hasta noviembre 30.

EL DÍA DEL OJO De Pierre Huyghe. Hasta noviembre 3.

NUEVA MATEMÁTICA De Michael Stevenson. Hasta noviembre 18.

BOING, BOING, SQUIRT De Ryan Gander. Hasta noviembre 4.

• MUSEO UNIVERSITARIO DEL CHOPO BODAS DE PLATA Parte del Festival Internacional por la Diversidad Sexual. Colectiva multidisciplinaria.

Hasta noviembre 7.

• YAUTEPEC FIND FINDING ING De Annie Lappin. Hasta octubre 20.

EXHIBICIONES • ANONYMOUS GALLERY HUMAN KIND De Kostas Seremetis. Hasta noviembre 10.

• ARRÓNIZ ARTE CONTEMPORÁNEO TEMPORADA DE PLOMO De Mauro Giaconi.

DEMASIADA MATERIA De Luciana Lamothe.

• PROYECTO PARALELO BALDESSARI

• CENTRO CULTURAL DE ESPAÑA MIRADAS CRUZADAS De Eduardo Chillida, Josep Guinovart, Albert Ràfols-Casamada, Rafael Canogar y Antoni Tàpies. Curaduría: Miguel Ángel Muñoz.

Hasta noviembre 11.

• EDS GALERÍA URBAN De Sandra Valenzuela. Hasta diciembre 16.

• GALERÍA PARADA 54 DISECCIONES Colectiva de Hitnes, Aureliano Salinas y Taiyo Miyake.

• GURÚ GALERÍA BALBUCEOS De Inés y Roi Café con Leche.

• LA MISCELÁNEA EL RESPLANDOR De Cristina Ochoa.

• LUIS ADELANTADO LA ISLA DE LOS LINKS De Diego Bianchi.

DECOSTRUCCIÓN De Luis Rodrigo.

• MODO EL MODO DE VIVIR LA MUERTE • MUAC LA PROMESA De Teresa Margolles.

Curaduría: María Inés Rodríguez.

Hasta enero 8.

NICOLÁS PARIS: EJERCICIOS DE RESISTENCIA Curaduría: María Inés Rodríguez.

Hasta enero 8.

• MUAC - ESPACIO DE EXPERIMENTACIÓN SONORA TIERRAS DE NADIE: CARTOGRAFÍA SONORA De Concha Jerez y José Iges.

Hasta enero 6.

• MUNAL TRAZO Y VOLUMEN De Rubén Herrera. Hasta noviembre 11.

• MUSEO DE ARTE CARRILLO GIL GENÉRICACOLECCIÓNMACG Curaduría: Carlos Palacios. Hasta diciembre 30.

• MUSEO DE ARTE MODERNO UN IMPULSO CONSTRUCTIVO De Fernando García Ponce.

• MUSEO DE LA CIUDAD DE MÉXICO CAMPO EXPANDIDO: 2006-2012 De Raymundo Sesma. Hasta noviembre 30.

LOS DESASTRES COLATERALES Intervenciones de Damián Flores a los grabados de Francisco de Goya.

Hasta noviembre 18.

MANUEL RAMOS Curaduría: Alfonso Morales.

Hasta diciembre 3.

• MUSEO DEL PALACIO DE BELLAS ARTES - MUSEO NACIONAL DE ARQUITECTURA EN LA MIRA: PRIMEROS 25 AÑOS De Brian Nissen. Hasta noviembre 25.

• MUSEO FRANZ MAYER EL ARTE DE BORDAR LA VIDA De Francisco Toledo. Hasta octubre 28.

• PROYECTOS MONCLOVA 1.1.4 De Eduardo Terrazas.

• SALA DE ARTE PÚBLICO SIQUEIROS DEJÁNDOLE ALGO A LA SUERTE De Wilfredo Prieto. Hasta noviembre 12.

• SALÓN DE LA PLÁSTICA MEXICANA IMÁGENES INESPERADAS De Blanca Charolet.

EVENTOS DEL VIERNES 19 AL DOMINGO 21 • EXPO REFORMA AFFORDABLE ART FAIR Feria de arte contemporáneo de artistas jóvenes.

Todas las piezas por debajo de los $99,000.

Horarios: Viernes 19; 13 a 21 hrs. Sábado 20; 12 a 20 hrs. Domingo 21; 11 a 18 hrs. Entrada general: $100 pesos. Niños menores de 16 años gratis.

-50% descuento para adultos mayores de 60 y estudiantes. Es indispensable presentar prueba para el descuento.

JUEVES 18 • EX TERESA COLOGNEOFF 2012: FESTIVAL INTERNACIONAL DE VIDEOARTE 20 hrs. Entrada libre.

• MUSEO DE LA CIUDAD DE MÉXICO Inauguración: LOS DESASTRES COLATERALES De Damián Flores sobre Los desastres de la guerra de Francisco de Goya.

19 hrs. Entrada libre.

MIÉRCOLES 24 • SOMA Miércoles de SOMA: PLÁTICA CON KATARINA LOFSTROM. 20:30 hrs. Entrada libre.

LUGARES • ANONYMOUS GALLERY anonymousgallery.com Zacatecas 173, Roma Norte. Martes a viernes de 12 a 18 hrs. Sábado de 13 a 16 hrs. T 6305 0364 • ARRONIZ ARTE CONTEMPORÁNEO www.arroniz-arte.com Plaza Río de Janeiro 53, Roma. T 5511 7965 • Casa del Tiempo Pedro Antonio de los Santos 84, San Miguel Chapultepec.

• CENTRO CULTURAL UNIVERSITARIO TLATELOLCO www.tlatelolco.unam.mx Ricardo Flores Magón 1, Nonoalco-Tlatelolco. Martes a domingo de 10 a 18 hrs. Entrada general: $20. Descuento a estudiantes, trabajadores de la UNAM, IMSS, INAPAM, ISSSTE. T 5583 0960 • EDS GALERÍA www.edsgaleria.com Atlixco 32, Condesa.

Martes a viernes de 11 a 17 hrs. T 5256 2316 • EX TERESA ARTE ACTUAL www.exteresa.bellasartes.gob.mx Licenciado Verdad 8. Centro Histórico. Entrada libre. T 5522 2721 • EXPO REFORMA www.exporeforma.com.mx Av. Morelos 67, Juárez. T 5140 9660 • GALERÍA DISTRITO 14 www.d14gallery.com Córdoba 25 esq. Puebla, Roma Norte.

• GALERÍA PARADA 54 www.parada54.com Molière 54, Polanco.

Lunes a sábado de 11 a 19 hrs. T 4756 8293 • GURÚ GALERÍA Colima 143, Roma. Martes a viernes de 12 a 20 hrs.

Sábado de 12 a 19 hrs. Domingo de 13 a 15 hrs. Entrada libre. T 5533 7140

• KURIMANZUTTO kurimanzutto.com Gob. Rafael Rebollar 94, San Miguel Chapultepec. T 5256 2408 • LA MISCELÁNEA www.lamiscelanea.net, Tabasco 97-B, Roma Norte. Lunes a viernes de 10 a 19 hrs.

• MUAC www.muac.unam.mx Insurgentes Sur 3000.

Miércoles, viernes y domingo de 10 a 18 hrs.

Jueves y sábado de 12 a 20 hrs. Entrada general: $40. T 5622 6972 • MUNAL www.munal.com.mx Tacuba 8, Centro.

Entrada general: $37. Domingo entrada libre.

T 5130 3459 • MUSEO DE ANTROPOLOGÍA www.mna.inah.gob.mx Av. Paseo de la Reforma y calzada Gandhi s/n, Chapultepec Polanco. Entrada general: $57. Martes a domingo de 9 a 19 hrs.

Domingo entrada libre. T 4040 5300 • MUSEO DE ARTE CARRILLO GIL www.museodeartecarrillogil.com Av. Revolución 1608, San Ángel. Martes a domingo de 10 a 18 hrs.

Entrada general: $15. T 5550 6260 • Museo de la Ciudad de México www.cultura.df.gob.mx Pino Suárez 30, Centro.

Martes a domingo de 10 a 18 hrs. Entrada general: $20. T 5542 0083 • MUSEO DEL PALACIO DE BELLAS ARTES Eje Central Lázaro Cárdenas s/n y Av. Juárez, Centro. Martes a domingo de 10 a 17 hrs. Entrada general: $43. T 5521 9251 • MUSEO FRANZ MAYER www.franzmayer.org.mx Hidalgo 45, Centro.

Martes a viernes de 10 a 17 hrs. Sábado y domingo de 11 a 19 hrs. Entrada general: $45.

Estudiantes y maestros $25. Martes entrada libre. T 5518 2266 • MUNAL - MUSEO NACIONAL DE ARTE www.munal.com.mx Tacuba 8, Centro. Martes a domingo de 10:30 a 17:30 hrs. Entrada general: $37. Estudiantes, maestros, INAPAM, ICOM y SEPALO entrada libre. T 5130 3459 • MUSEO TAMAYO www.museotamayo.org Paseo de la Reforma y Gandhi s/n, Bosque de Chapultepec. Martes a domingo de 10 a 18 hrs. Entrada general: $15.

T 5286 6519 • MUSEO UNIVERSITARIO DEL CHOPO www.chopo.unam.mx Dr. Enrique González Martínez 10, Santa María la Ribera. Martes a domingo 10 a 19 hrs. Entrada general: $30.

Estudiantes e INAPAM: $15. Martes entrada libre. T 5546 3471 • PROYECTOS MONCLOVA www.proyectosmonclova.com Colima 55, Roma.

Martes a viernes de 11 a 16 hrs. Sábado de 12 a 16 hrs.

T 4754 3546 • PROYECTO PARALELO proyectoparalelo.mx Alfonso Reyes 58, Condesa.

Abierto con previa cita.T 5286 0046 • SALA DE ARTE PÚBLICO SIQUEIROS www.saps-latallera.org Tres Picos 29, Polanco.

Martes a domingo de 10 a 18 hrs. Entrada general: $10. T 5203 5888 • SALÓN DE LA PLÁSTICA MEXICANA www.salondelaplasticamexicana.bellasartes. gob.mx Colima 196, Roma. T 5525 7274 • SOMA somamexico.org Calle 13 núm. 25, San Pedro de los Pinos. T 5277 4947 • YAUTEPEC www.yau.com.mx Melchor Ocampo 154-A, San Rafael. Martes a sábado de 14 a 18 hrs. T 5256 5533

Foto: Daniel Mordinski

LETRAS

El historiador del futuro Decir que Jon Lee Anderson es uno de los mejores periodistas del mundo hoy en día es una verdad a medias: es una aseveración incontestable, pero es también una afirmación incompleta. Además de ser el cronista más objetivo y capaz para entender la compleja problemática de las revueltas árabes, Jon Lee es también un historiador y un sociólogo.

En sus textos observamos lo mismo contextos históricos que explican los conflictos más como consecuencias de desórdenes antiguos que como manifestaciones espontáneas de violencia, que narraciones de personajes y situaciones que relatan el enloquecedor y terrible efecto que el poder tiene en la mayoría de las personas que lo detentan de manera totalitaria. Presentamos a continuación para los lectores de Frente, una crónica inédita del autor que muestra lo recién explicado con mucha contundencia.

E

n marzo de 2005, un amigo afgano me invitó a unirme para cenar en casa de un pariente que vivía en el campo, cerca de la ciudad de mercado de Charikar, a unos ochenta kilómetros al norte de Kabul. Tendríamos que dormir ahí, dijo, pues no era seguro conducir durante la noche. Era sabido que los automovilistas que se aventuraban en aquella carretera después del atardecer corrían el riesgo de ser sorprendidos por asaltantes. Con la mirada de alguien que guarda un secreto, me prometió que sería una noche “especial”. Intrigado, no pude resistir la invitación. Manejamos más o menos una hora hacia el norte, a través de la fértil planicie de Shamali, camino a Charikar, al pie de las primeras colinas del Hindu Kush.

Después de Charikar, el camino se eleva y se vuelve sinuoso y pronto entra por la estrecha boca del fantástico valle del Panjshir, símbolo de la resistencia muyahidín durante la ocupación militar soviética de Afganistán. Durante la década que estuvieron ahí, los soviéticos jamás lograron tomar el Panjshir. Como testimonio de su fracaso, se observan todavía al lado del camino, a lo largo y ancho del valle, restos de sus tanques y transportes blindados.

Inmediatamente después de capturar Kabul, los guerreros talibanes marcharon hacia el

norte, dejando un rastro de masacres a través de la planicie de Shamali, pero tampoco lograron tomar el Panjshir. Su última línea de defensa contra la Alianza del Norte quedó establecida justo al sur de Chikar hasta que tuvieron que retirarse, en noviembre de 2001, después de seis semanas de continuos bombardeos aéreos estadounidenses.

Luego de la derrota de los talibanes, cientos de agricultores que habían sido desplazados regresaron a sus tierras en el Shamali y comenzaron a reconstruir y cultivar, incluso mientras los expertos de la ONU seguían encontrando minas antipersonales en los campos y los caminos de la zona. En cambio, más allá de la vieja línea del frente, todo alrededor de Charikar, los huertos y viñedos se veían repletos de frutas y los canales de irrigación resplandecían con agua del deshielo reciente.

Eventualmente llegamos a un terreno rodeado con una barda de barro. Ahí encontramos a nuestro anfitrión, Atta, un hombre que se acercaba a los cuarenta años. Mi amigo me dijo que Atta era su primo y que era un caudillo militar. Había sido comandante de la Alianza del Norte durante muchos años y ahora era granjero y terrateniente. Debido a su pasado guerrero y su relativa riqueza, seguía siendo la

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autoridad de facto en la región. Aun cuando ya no era legal hacerlo, Atta conservaba medio centenar de hombres armados en su nómina.

Ante un gobierno central todavía débil, ayudaban a mantener la seguridad en la zona. Si más pistoleros eran necesarios, explicó mi amigo, Atta podría convocar rápidamente más voluntarios entre sus arrendatarios y vecinos.

Atta nos condujo graciosamente hacia una amplia habitación alfombrada y sembrada de almohadas, donde nos presentó a varios adolescentes de aspecto tímido: hermanos menores y sobrinos. Un hombre de complexión robusta y tez morena dio un paso al frente. Mi amigo susurró emocionado que su nombre era Samad Pashean, y que se trataba de un tradicional maskhara, o bufón, de cierto renombre.

Había sido invitado a casa de Atta a petición suya, y en mi honor, para entretenernos durante esa noche. Pashean tomó mi mano con un fuerte apretón mientras me miraba fija y valientemente a los ojos. Tenía una cara traviesa. Mi amigo me dijo: “Te dije que sería una noche especial”. Sonreía rebosante de orgullo. Ésta era en verdad una rara oportunidad. Hasta donde yo sabía, los maskhara afganos eran una especie extinta. Durante siglos, los maskhara entretuvieron a los monarcas con sus bromas, payasadas y sátiras. Es muy probable que esta figura se encuentre además en el origen de la tradición de los bufones y juglares de las cortes europeas, pues el término, de origen arábico o quizá sánscrito, apareció en la Europa medieval alrededor del siglo XVIII, junto con los primeros bufones reales, dejando tras de sí exotismos como “máscara” o “mascara” [inglés para máscara de pestañas o rímel].

Samad Pashean calculaba tener alrededor de sesenta años, y era evidentemente uno de los últimos maskhara de Afganistán. Había sobrevivido la abolición de la monarquía, la ocupación militar soviética, la sangrienta guerra civil que le siguió, y más tarde los años del talibán, vagando de la guarida de un caudillo militar a otra, ofreciendo sus jocosas habilidades a cambio de comida, abrigo y la ocasional limosna.

Según explicó mi amigo, Pashean se encontraba ahora bajo la protección de Atta, quien le proveía con una casa cercana y raciones regulares de comida. Atta nos pidió a todos que nos sentáramos mientras un grupo de jóvenes muchachos traían grandes charolas cargadas con ensalada, arroz pilaf, cuencos con yogur, sopa de carne de cordero, fruta, pollo y cordero asados, y las depositaron en la alfombra frente a nosotros. Mientras disfrutábamos de la comida, que tomábamos de los platos con las manos, Atta se jactaba de los múltiples talentos de Pashean, e insistía con orgullo en que, además de ser un gran cómico, era un chantajista profesional, un ladrón inigualable y un prolífico asesino, con unas cincuenta víctimas muertas por su propia mano. Al tiempo que Atta se deleitaba en un exaltado recuento de sus últimas estadísticas en la materia, los otros hombres y los jovencitos reían y miraban con reverencia a Pashean, que sonreía y asentía.

Poco después se llevaron las charolas con comida y sirvieron un azucarado té negro y moras secas. Entonces Pashean comenzó su actuación, compuesta de parodias al estilo vaudeville, bailes, chistes verdes y pequeños monólogos que abordaban todos los temas, desde sexo hasta política. Para la extática diversión de Atta y sus muchachos, Pashean interpretó un número que llamó “La novia indispuesta en su noche de bodas”. Para ello, convenció a uno de los chicos a jugar el papel del “ansioso novio”, y envolvió su propia cabeza con un turbante para que pareciera una burka.

El “novio” intentaba contener las risitas histéricas y hacía gestos de acariciar a Pashean, que se había transformado en una asustadiza novia virgen, un inquieto nudo de rodillas, cachetadas y quejidos en falsete que aparentaban terror. Pashean llamó a su siguiente pieza “La novia dispuesta en su noche de bodas”. El mismo chico jugó el papel del “novio”, pero ahora Pashean imitaba los amorosos arrullos y agitados suspiros de una mujer supuestamente apasionada. Luego se montó sobre el regazo del joven mientras acariciaba sus muslos lascivamente. El número terminó con suficiente decoro: Pashean acostado, la cabeza en las piernas del chico, al que miraba con ojos de amor.

Ante mis ojos occidentales, la cosa era más bien inocente. Más Perils of Pauline que Sex and the City, pero para los afganos presentes, la actuación de Pashean era embriagadora y los tenía a todos riendo hasta el llanto.

Minutos después, Pashean interpretó su propia muerte. Llamó la escena, simplemente, “La muerte de Samad Pashean”. La representación consistía en Pashean tirado en el suelo frente a nosotros fingiendo respirar con dificultad, hasta que finalmente dejó de respirar.

Los estertores finales fueron sumamente realistas. Claro que para Pashean la muerte no era un asunto desconocido. Más tarde, como para subrayar el punto, comenzó a presumir uno de los asesinatos que había cometido. Al parecer un hombre lo había insultado y, para vengar su honor, Pashean había ido a su casa, lo había matado y luego había robado sus zapatos. Haberse quedado con el calzado de su víctima era la cúspide del descaro —y al parecer algo verdaderamente cómico, pues todos reían a carcajadas. A continuación, dirigiéndose a mí, Pashean ofreció asesinar a quien yo quisiera en Kabul por el equivalente a dos mil dólares estadounidenses.

Cuando le dije que encontraba el precio absurdamente elevado, él soltó una sincera carcajada. Tal como lo sospechaba, el precio de Pashean era una postura de negociación inicial.

“Podemos arreglarnos”, dijo mientras guiñaba un ojo. Como todo buen bufón, Pashean tenía algunas cosas irreverentes que decir acerca de los poderosos. Se ensañó particularmente con Hamid Karzai, presidente de Afganistán.

Afirmó que Karzai era como uno de esos tontos perros de la montaña que los afganos acostumbran tener como mascotas y que suelen salir a cazar solos en invierno únicamente para perderse en el bosque, incapaces de regresar

a casa. No pude comprender la metáfora hasta que mi amigo me explicó: “Karzai ha pasado tanto tiempo con los estadounidenses que ha olvidado todo sobre Afganistán”.

Conforme Pashean se embarcaba en una retahíla de comentarios sobre Karzai—ninguno de ellos halagüeño—, comencé a discernir de dónde venía tanta sorna. Como casi todos en la habitación, Pashean era de origen tajik.

Hamid Karzai es pastún, lo mismo que los odiados talibanes a quien había reemplazado.

Gracias a los estadounidenses que lo eligieron, Karzai había tomado el puesto de presidente interino de Afganistán, pero se vio obligado a compartir el poder con líderes tajik y con la Alianza del Norte, dominada por uzbekos, cuyos soldados habían marchado desde Charikar para capturar Kabul luego de recibir dinero, armas y entrenamiento por parte de la CIA. Sin embargo, una vez que obtuvo la mayoría de los votos en las primeras elecciones en Afganistán después de la guerra—seis meses antes de mi visita a casa de Atta—, Karzai se deshizo de la gran mayoría de ellos y los reemplazó con sus propios hombres.

Pashean acusó a Karzai de ser un malagradecido con los hombres que habían luchado en la Yihad. “Los muyahidines la están pasando muy mal. Karzai los está echando del gobierno.

Pero cuando alguien ha trabajado duro para ti, tienes que darles algo a cambio”. Añadió, refunfuñando, que la mayor parte de los proyectos de

reconstrucción financiados por el gobierno de los Estados Unidos se llevaban a cabo en zonas dominadas por los pastunes, y no en aquellas habitadas por tajiks. Finalmente preguntó: “¿Por qué se está premiando a los que apoyaron a los talibanes, y no a quienes lucharon contra ellos?”

Pashean sabe cómo complacer a una multitud. Los hombres que lo escuchaban tenían una expresión agraviada y afirmaban con la cabeza a cada uno de sus comentarios.

Volviéndose nuevamente hacia mí, comenzó a hablar de la campaña respaldada por los Estados Unidos para desarmar y desbandar los ejércitos muyahidines. Pashean dijo: “Los afganos son como escorpiones, ¿sabes?, y los estadounidenses están tratando de cortarles las colas. Los estadounidenses están tratando de convertir a los escorpiones afganos en inofensivas ranas, pero eso no va a funcionar”. Pashean tenía un gesto alegre pero desafiante. “Sólo estamos entregando las armas malas, y nos quedamos con las buenas, por si acaso llegamos a necesitarlas nuevamente en el futuro.” Soltó una carcajada y todos los demás rieron también. Pashean concluyó: “Los afganos hemos aprendido a comer sin necesitar ayuda de nadie, como las vacas, que una vez que tienen la comida en la boca, saben distinguir lo que deben ingerir y lo que es mejor escupir”. F Texto: Jon Lee Anderson Traducción de Juan Luis de la Mora

LIBROS RECOMENDADOS DEL AUTOR Ché Guevara, Anagrama.

Quizá constituya hoy por hoy la biografía de referencia sobre el guerrillero argentino.

El dictador, los demonios y otras crónicas, Anagrama.

Pinochet, el rey Juan Carlos de España, Fidel Castro y García Márquez, entre otros, retratados con la sutil pero punzante y ante todo subjetiva pluma de Jon Lee Anderson.

La caída de Bagdad, Anagrama.

Texto que muestra en toda su crudeza y en toda su complejidad la cruenta y sangrienta incursión norteamericana en Irak. Historias como la de una madre iraquí que le pidió a su hijo diez muertes por cada uno de los dedos que tenía en las manos y en los pies su primogénito asesinado, nos muestran el horror de la guerra cara a cara.

La herencia colonial y otras maldiciones, Sexto Piso.

Conjunto de crónicas africanas (Liberia, Angola, Sudán, Santo Tomé, Zimbabue, Guinea, Somalia y la Libia de Muammar Gaddafi) que muestran los estragos causados por las potencias coloniales europeas en estos países, recientemente liberados, en cuyo seno se puede observar la podredumbre del modelo de desarrollo occidental (fincado en la corrupción y en la acumulación exacerbada de dinero) y la violencia tribal que azotan el continente negro.

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Cortesía Natgeo.tv

MEDIOS

El fin está cerca A (según ellos) Según los protagonistas de Preppers, el mundo terminará con la mayoría de nuestra especie próximamente. Afortunadamente, Nat Geo nos presenta sus técnicas para sobrevivir, Y nos dice dónde se encuentran, para poder pedirles asilo cuando esto pase (si es que logras permanecer con vida, y ellos no te matan antes).

Preppers

National Geographic Miércoles, 21 hrs.

ceptémoslo, el fin del mundo siempre ha sido una preocupación para nuestra efímera y racional especie. ¿Cuándo vamos a dejar de existir? ¿Por qué? Y sobre todo, ¿cómo detenerlo? El acervo histórico de la humanidad está lleno de especulaciones y teorías; vaticinios hay de sobra. Si bien la angustia no es novedad, sí lo es Preppers, el programa de National Geographic que explora la subcultura que se dedica a prepararse para el fin del mundo como lo conocemos. A ellos les dicen doomsday preppers (algo así como los preparadores para el apocalipsis). El programa documental muestra en cada episodio más o menos cuatro familias en su vida cotidiana, la cual gira alrededor de sus planeaciones para la supervivencia. Claro está, cada grupo tiene su propia predicción, y por lo tanto, sus propias estrategias para subsistir.

Colapsos financieros, pandemias, terremotos y explosiones son las catástrofes más mencionadas. ¿Qué hacen estas personas que usan el pánico como gasolina? Almacenar comida para varias décadas, aprender defensa personal y otras fuentes de energía son los pasos básicos. Los extremos a los que llegan son impresionantes. Al final de cada bloque, un equipo de expertos analiza la logística y les da recomendaciones.

Después, el equipo de National Geographic señala la probabilidad de que el cataclismo suceda. Pobres preppers, la probabilidad es mínima casi siempre. ¿Será que National Geographic se está burlando de ellos? ¿Qué tan ético es darles las recomendaciones y luego decir que no va a pasar? ¿Es esto es un aprovechamiento más de la industria del fin del mundo? Probablemente. ¿Es entretenido? Sí. Con toda la paranoia

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MUNDOS PARA LELOS por El Paella

PROMETEO HA ATERRIZADO

que el supuesto fin del mundo vaticinado por los mayas ha causado, este programa no podría haber llegado en mejor momento (y sus altos niveles de rating en América Latina lo confirman). La histeria llega a grados inimaginables para quien no piensa mucho en el final de los finales. Con la increíble vasta cantidad de información útil e inútil que la gente comparte hoy en día a través de la red, es fácil encontrar en segundos un tutorial de YouTube para hacer que tu comida no se pudra por décadas y sumergirte en ello por el resto de tus días. Los preppers llegan al extremo. Los medios fatalistas no ayudan. Pero, ¿qué sería de estas personas después del fin si sobrevivieran? ¿Quién alimentaría su paranoia? ¿Qué vale más la pena, pasar toda la vida preparándose para el fin de nuestros días, aunque exista la posibilidad de que no vas a sobrevivir, o disfrutar de estos últimos momentos? ¿No es este temor infundado a perecer de cierta manera similar al pánico por envejecer que actualmente abunda en la sociedad occidental? El miedo no es lo único que la gente de esta subcultura tiene en común. A pesar de parecer muy diversos, las personas retratadas en el programa por lo general son blancos, del sur de Estados Unidos y amantes de las armas.

Así serían los nuevos pobladores del mundo (a menos que nos invadieran los aliens, ¡duh!). Si ése es el futuro que nos espera, por favor ahórrense el ponerme en animación suspendida, como a Walt Disney.

Un entretenido e interesante programa de larga duración (aunque sería mejor si fuera de media hora).

—Sofía Ashbury

“Cinco minutos después de ver Avengers ya te preguntabas dónde sería la cena, mientras que meses después del estreno de Prometheus sigue habiendo dudas y discusiones sobre la película”, afirmó Charles De Lauzirika, el productor de la edición en DVD y Blu-ray de la más reciente cinta de Ridley Scott (Blade Runner, Alien). En un evento en The Cove, un antro ubicado a unas cuantas cuadras del puente de Londres, se realizó la presentación de Prometheus en disco de video con sus múltiples características especiales, incluyendo además de escenas eliminadas y alternativas, la capacidad para interactuar con un teléfono inteligente o tableta como segunda pantalla, en el caso del Blu-ray.

La frase publicitaria del lanzamiento fue “Las preguntas serán respondidas”, y vaya que varias de ellas encuentran explicación en el contenido extra —quizá mucho más de lo que quisiéramos algunos, pero no se puede negar que ésa fue la principal observación de varios que vieron la película cuando salió en cines. Algunos culparon al guionista Damon Lindelof, también coescritor de Lost, por generar tantas incógnitas; otros simplemente aceptamos que el origen de la vida no puede ser explicado por una película en dos horas. El cineasta español Nacho Vigalondo (Cronocrímenes, Extraterrestre), por ejemplo, a través de su cuenta de Twitter, cuestionó: “¿Qué es lo que no les gustó de la película?”.

Algunos de los extras se sienten como si el mago revelara su truco, pero no dejan de ser apasionantes fragmentos de una historia que, como bien dice el actor Michael Fassbender (X-Men First Class, Shame) no es de ciencia ficción, sino que simplemente da la casualidad de que ocurre en el espacio. Él interpreta al androide Dave en Prometheus y es pieza clave en la trama. En el evento

pude platicar con el diseñador de producción Arthur Max, la diseñadora de vestuario Janty Yates, el diseñador de criaturas Neal Scanlan y el experto lingüista Anil Biltoo.

Max me comentó que mucha de la tecnología que aparece en la película fue producto de consultar con NASA y que otra está inspirada en prototipos reales, como en el caso del medipod o cápsula médica robótica, que es algo que trabaja el ejército de Inglaterra para sanar a soldados durante combate. Asimismo, me resolvió la duda de por qué se tomó la decisión de que la tecnología luciera más nueva que en la nave Nostromo de Alien: simplemente porque el Nostromo era una vieja nave de carga que siempre se estaba descomponiendo, mientras que Prometheus es una nave científica y de exploración con lo más avanzado para servir a los intereses de la corporación Weyland.

Otras de mis preguntas más inquisitivas fueron para el lingüista, quien además de fungir como asesor para el lenguaje extraterrestre basado en Proto Indo Europeo, aparece en el filme como el holograma que enseña idiomas al androide David. Con él pude conocer la palabra “urnaja”, que en varias culturas antiguas significa “paraíso”, derivada de “uranus” o cielo. En fin, una vez que vean las características especiales entenderán su relevancia. Valen mucho la pena: en la edición especial hay un documental de 3 horas con 41 minutos llamado The Furious Gods, aparte de más de dos horas de comentario de audio de Ridley Scott y otras dos de los guionistas. Lo que más me gustó es que no son esos videos del elenco y del equipo de producción hablando bien unos de otros y lo maravilloso que fue la experiencia, sino que se observan las dificultades durante el rodaje y los conflictos que hacen que se aprecie mucho más el resultado final.

LA SEMANA QUE FUE

DETRÁS MARTES 9

MIÉRCOLES 10

JUEVES 11

Entregan a John Gurdon y Shinya Yamanaka el Premio Nobel de Medicina por descubrir que células adultas pueden transformarse en células madre, que podrían regenerar tejido dañado en el cerebro, el corazón y otros órganos.

Revelan que el subdirector operativo de la Policía Municipal de Acuña, Coahuila, Rodolfo Castillo Montes, está implicado en el homicidio de José Eduardo Moreira, al ser él quien lo entregó a sus secuestradores.

Amnistía Internacional denuncia que la tortura y la violación a los derechos humanos incrementaron en más de un 300% durante el gobierno del presidente Felipe Calderón, siendo el mayor problema la pasividad para combatir estos delitos.

VIERNES 12

SÁBADO 13

DOMINGO 14

La Unión Europea El Movimiento de Rerecibe el Premio Nobel generación Nacional de la Paz 2012, lo cual (Morena) aprueba su desata críticas y protesconformación como tas en los países afectapartido político, con dos por la actual crisis una votación del 94% y económica; también se aproximadamente dos cuestiona la injerencia mil delegados en los militar europea sobre Congresos Regionales. otros países como Siria y Libia.

LUNES 15

El paracaidista austriaco Alvin E. Roth y Lloyd Felix Baumgartner se con- S. Shapley son galarvierte en el primer hombre donados con el Premio en romper la velocidad del Nobel de Economía, sonido al saltar en caída dos estadounidenses libre desde la estratósfera, cuyo trabajo se comen un vuelo tripulado en plementa para poder el globo aerostático más aplicar la teoría de grande y que más altura juegos en la vida cotiha alcanzado en la historia diana con usos concrede la humanidad. tos y prácticos.

CHARLYFORNICATION (biopic de un rockstar de la literatura mexicana) por Carlos Velázquez

No es una masterpiece Desde el lanzamiento de Time Out of Mind, cada nuevo álbum de Bob Dylan se convierte en todo un acontecimiento. Y Tempest no es la excepción. Apenas apareció fue saludado por la crítica como una obra maestra. Lo mismo le ocurrió a Together Through Life (aunque a éste en menor medida), Modern Times y Love and Theft. Y con seguridad le ocurrirá al próximo, el tan cacareado disco religioso, que con el revival de motivos demostrados en Tempest, se antoja una especie de concepto similar a las grabaciones góspel que realizó Johnny Cash antes de su muerte.

Lo cierto es que, pese al entusiasmo de sus adoradores (entre los que me incluyo), los trabajos de Dylan a partir del año dos mil han resultado medianones.

Que Tempest sea su mejor placa desde Time Out of Mind no está a discusión. Pero dista de ser una piedra angular dentro de su discografía. Desde su resurgimien-

MONEDITA DE ORO

to, marcado oficialmente en 1997, se han formulado disparatadas teorías sobre el proceso creativo del último Dylan. De manera absurda, se agrupó a Time Out of Mind, Love and Theft y Modern Times como una trilogía. Pero la salida de los dos discos más recientes ha echado abajo este planteamiento. La trilogía existe, pero está conformada por Oh Mercy, Under the Red Sky y Time Out of Mind. Es en 1989 que se presenta la resurrección. ¿En qué radica la diferencia entre Time Out of Mind y sus predecesores, hasta llegar a Tempest? Mencionaré sólo dos debido a la falta de espacio. La más importante: la ausencia de un productor. Time… fue producido por Daniel Lanois. Y en delante, bajo el pseudónimo de Jack Frost, Dylan le ha metido mano a todos sus trabajos. Y la otra: la pérdida del concepto álbum. Sus discos recientes han perdido la cohesión

que caracterizó a la trilogía arriba mencionada. Se trata de colecciones de canciones. Y aquí sí debemos reconocer que lo mejor del Dylan del tercer milenio ha sido arrojar un puño de temas memorables. Como “Ain’t Talkin’”. O el material de descarte que aparece en el Bootleg Vol. 8.

La carrera de Dylan ha sido tan inconstante como brillante, que deseamos mitificarlo antes de su caída.

Antes de que aviente un disco malo, como los que ya tiene. A lo que asistimos en Tempest es a la repetición de una fórmula que Dylan ha aprendido a dominar a la perfección. Que lo mantiene a salvo del desplome, pero no exento de resbalones, como Christmas in the Heart. Tempest posee grandes piezas; sin embargo, el Dylan forajido destaca sobre el folk. El conjunto de canciones es desigual: es como si alternaras juguetes con armas de fuego.

por Jorge “negro” Hipólito

Aquí nos tocó vivir

LA SIGUIENTE SEMANA COLABORA: > Pepe Casanova

Resulta que una muy buena amiga la semana pasada publicó en su muro de Facebook lo siguiente: “Buenas tardes a todos, menos a los que ven Sabadazo.

Ellos no merecen nada, han elegido el camino de la ignorancia y deberían desaparecer. PUNTO”. “¡Ay cabrón!”, fue lo primero que dije ante tal afirmación, reacción seguida por incredulidad. La verdad es que mi muy pobre entendimiento no me alcanzaba para comprender tal destello de intransigencia y lo peor es que esto no acababa ahí: un amigo suyo apoyaba el comentario con la siguiente afirmación (cito textual): “Sí sí que mueran y tmbn los que escuchan a Toño Esquinca”. Ahí sí fue cuando ya me quedé con cara de “What?”. No entendía nada. Para empezar, el ilustre usuario de Facebook que escribió esto no sabe o no le enseñaron en la primaria a escribir la palabra “también”; en segundo lugar, supongo que

su resentimiento al locutor de radio, Toño Esquinca, proviene de una supuesta superioridad intelectual hacia alguien que lo único que hace es su chamba todas las mañanas. Contradicción: dudo que alguien que no sabe escribir bien en su propio idioma pueda presumir de superioridad intelectual hacia cualquier otro individuo. En fin, querida lectora, querido lector, no me queda más que insistir en lo mismo, aunque su servidor ya parezca disco rayado. Creo que este país lo que menos necesita es seguir polarizándose y que unos pocos sigan creyendo tener la verdad universal sobre otros. ¿Cuánta intolerancia tendremos que segur viviendo? ¿No se supone que vivimos en un país democrático y que cada quien es libre de ver, escuchar o votar por quien se le dé la gana? Yo sí veo Sabadazo y escucho a Toño Esquinca y lo digo sin ningún temor. Qué le vamos a hacer, vivimos en el país

de los reaccionarios de juguete que no ven Sabadazo ni escuchan a Toño Esquina. Y no nos queda más que citar a la gran escritora y cronista de nuestra ciudad Cristina Pacheco, “aquí nos tocó vivir”.

Posdata Muchachos, ya déjense de lambisconeos y agradecimientos a los promotores del Festival Corona Capital. ¿No se supone que un promotor tiene que ofrecer un concierto o festival de acuerdo a los precios que ofrece? Pues eso fue lo que pasó este fin de semana, los organizadores y promotores del festival sólo hicieron bien su trabajo. A nosotros como espectadores sólo nos queda esperar que así lo sigan haciendo. Al final ésa es su chamba, como la de nosotros pagar lo justo por ver bien y buenos organizados conciertos y festivales.

He dicho.

Ilustraciones: Luciana Gallegos Dino-Guida

TAURO

HORÓSCOPOS por Laura Gamboa

libra

Del 24 de septiembre al 23 de octubre

Para que algo salga bien hay que ponerle atención a los detalles, y aunque lo tuyo, lo tuyo no es clavarte demasiado en el fondo (a ti más bien te gusta darle formita a las cosas y adornar el resultado final), tendrás que arremangarte para hacer algunas de las chambas a las que todo el mundo les está sacando la vuelta. A fin de mes las cosas te irán pareciendo más lindas, así que por ahora no hagas pucheros y apechuga (que vivan las palabras con “ch”).

Del 20 de abril al 21 de mayo La musa te persigue y tú ocupándote sólo de tareas mundanas. Haz una pausa y clávate en algo más creativo, porque tendrás una inspiración tre-menda, y lo que inicies te quedará de concurso, o sea que a cocinar, pintar, sembrar, tomar fotos, escribir, redecorar, o lo que quieras, pero ponle ondita y te enorgullecerás con los resultados. Sí, con algunos de tus proyectos te estás topando con pared, pero si eres flexible y paciente tarde o temprano encontrarás por dónde llegarle.

géminis

Del 22 de mayo al 21 de junio Están medio tediosas algunas de las cosas que tienes que hacer, pero no hay de otra más que aplicarte y entre menos tiempo y energía gastes en hacerte guaje o repelar, pues mejor. Sueles ser medio pata de perro, pero en estos momentos tu casa es un buen lugar para estar, o sea que cancela los veintiún compromisos que tienes para el fin de semana e instálate en tu hogar a ver series, leer, ordenar, pintar, bailar sin ropa (¿?) o lo que quieras.

ESCORPIÓN

ACUARIO

cáncer

SAGITARIO

piscis

leo

Del 24 de octubre al 23 de noviembre Andas que no se te escapa ni una, y es que tu mente está de lo más claridosa pues se le ha abierto un panorama nuevo con más contrastes, que para ti son pistas para entender mejor las cosas. Sólo trata de mantener la objetividad, para que tu pesimismo no te impida ver las infinitas posibilidades que hay de resolver tus dilemas y mejorar tu situación. Las próximas semanas son para atender tus finanzas, o sea que haz cuentas y checa qué necesitas para mejorar tu economía.

Del 20 de enero al 18 de febrero Calcula cada una de tus movidas en el trabajo, porque traes la luz del reflector encima y nada de lo que hagas pasará desapercibido. De hecho te conviene asumir una actitud de aprendiz, así que consíguete buenos asesores que te aconsejen antes de dar pasos en falso. Y en temas menos serios pero más importantes: deja de fingir que eres puro intelecto y convierte en realidad esas pasiones que te atormentan en tus acaloradas noches de insomnio.

Del 22 de junio al 23 de julio Tus palabras te representan, o sea que no sólo elige unas muy constructivas, sino con ondita y sentimiento, para que no suenes a folleto ni a discurso de político. Lo que sí es un hecho es que te irá muy bien en las juntas y reuniones, pues tus planes les parecerán espectaculares a los demás.

Es buen momento para fumar la pipa de la paz con ese hermano —o esa persona que consideras “hermano(a) del alma”— de quien te distanciaste por enredos telenoveleros que ya qué flojera, ¿no?

Del 24 de noviembre al 21 de diciembre Marte anda en tu signo haciendo de las suyas, encanijándote un poco más de la cuenta. Adentro el aire bueno y afuera el aire malo, que esta influencia también se puede canalizar por el lado amable, o sea, usando la energía guerrera no para echarle bronca a medio mundo, sino para hacer ejercicio, trabajar a full (sin excederte, claro) y obtener resultados más rápidos. La energía de Marte también abre puertas y te da determinación para conseguir lo que quieres, ¡vas!

Del 19 de febrero al 20 de marzo Andas repartiendo juicios a diestra y siniestra y lo peor es que otros harán lo mismo contigo a partir de tus palabras, o sea que cuídalas muy bien pues eso de que “todo lo que digas podrá ser usado en tu contra” es cierto. Pero bueno, tampoco te estreses mucho, que tu panorama galáctico también indica que tu suerte en el amor está increíble, o sea: no te limites y tírale la onda a quien te gusta porque no podrá resistirse a tu mirada de venadito lampareado.

Del 24 de julio al 23 de agosto Comunícate mejor con tus papás, hermanos y demás familiares importantes, pues a veces sólo los dejas ver tu mejor parte para no preocuparlos, y mantener una imagen perfecta puede ser agotador y, a la larga, inútil, porque tarde o temprano la verdad sale a la luz. Traes un corajillo guardado con equis persona y si te la topas, uf, le vas a armar un numerazo calibre producción de Broadway.

Antes de hacerlo habla con un amigo que te dé perspectiva… en una de ésas estás exagerando.

CAPRICORNIO

ARIES

virgo

Del 22 de diciembre al 19 de enero Analiza de qué manera te perciben los demás y checa si no estás actuando sólo con el afán de seguir manteniendo esa imagen. La cuestión es que siempre te sientas libre de romper el esquema e improvisar sin miedo de sorprender a tu gente.

Total, quien te quiere en serio sabrá aplaudir tus cambios, siempre y cuando éstos te alejen de las falsificaciones y te acerquen cada vez más a tu verdadera esencia. Dale crédito a tu intuición y si alguien te da mala espina pinta tu raya.

Del 21 de marzo al 19 de abril Tu camino se está despejando para que por fin puedas llevar a cabo los proyectos que has estado planeando desde hace varios meses. Échate agua y sácale el máximo jugo a cada día, porque si pospones perderás oportunidades muy valiosas. Habla de las cosas que te preocupan, pues si te guardas los agobios, al rato se enredarán con otros asuntos y perderás perspectiva. Tendrás que defender tus ideas en una discusión: hazlo con argumentos sólidos y no a grito pelado.

Del 24 de agosto al 23 de septiembre ¿Para qué negarlo? El chisme se está poniendo buenísimo y lo mejor es que tienes muy buenos informantes, así que organízate las chelas y el dominó, o el cafecito y el tejido, y lánzate a intercambiar datos (o sea, a chismosear), que bien sabes que la información es poder. Aliviana tu humor porque conseguirás mucho más por las buenas —con una sonrisita, un pestañeo triple y una voz melodiosa—, que dando manotazos en la mesa o haciéndole manita de puerco a alguien.