SELF by Galeria H2O

SELF Una exposición sobre el “otro” autorretrato Fotografías y libros de : Seba KURTIS / Eufália C. PAZ / Moira RICCI María SÁNCHEZ / Lilla SZÁSZ / Román YÑÁN Isabelle WENZEL Comisaria: Natasha Christia

ÂŠ Design H2O, 2014

SELF Una exposición sobre el “otro” autorretrato 02.12.14 - 24.12.14

La exposición Self recoge las instalaciones de siete autores que experimentan, reinventan y actualizan el género del autorretrato. Aunque todos ellos parten de un propósito autorreferencial a la hora de plasmar sus objetivos formales y estéticos, sus representaciones transcienden los límites de la identidad-espejo y amplían el abanico creativo de la representación del yo. Retratarse ante la cámara no implica solamente reflexiones acerca de momentos vivenciales o una declaración de principios, sino que actúa como desenlace para narrativas creativas que abarcan nociones más universales, como la recreación de los vínculos con la genealogía o el pasado colectivo. Retratarse puede servir también como excusa para subrayar la presencia de uno mismo en un escenario de roles, jugando, alterando y subvirtiendo códigos e iconologías visuales establecidas. Los siete fotógrafos invitados a participar en esta muestra son Seba Kurtis, con “Shoe Box” (2010); Eufália C. Paz, con “O destino de um coração” (2013); Moira Ricci, con “20.12.53-10.08.04” (2004-2009); María Sánchez, con “Interiorismo” (2012); Lilla Szász, con “Happy New Year” (2013); Román Yñán, con “Self-Series” (2014), e Isabelle Wenzel, con “Autotimer” (2009-2013). Sus instalaciones respectivas incorporan, aparte de la fotografía, otros medios de expresión, como el vídeo y el fotolibro. Vinculado con los diarios de su familia, el trabajo de Román Yñán (Barcelona, 1975) implica reflexiones vivenciales a modo de lenguaje estético e idiosincrásico que el autor lleva años desarrollando. Con motivo de esta exposición, Yñán revisita sus archivos y presenta “Self-Series”, una instalación de imágenes inéditas que colocan en su centro de atención al propio autor y las huellas de su cámara. Discretos pero marcados, los destellos del flash conforman una narrativa fenomenológica, rítmica e hipnotizadora, al final de la cual el ego, el universo del fotógrafo y su mirada directa acaban por diluirse en la trama de la imagen. En la encrucijada entre lo documental, el archivo y una escritura propia sumamente expresiva, la serie “Shoe Box” de Seba Kurtis (Argentina, 1974) deposita en una instalación todo lo que queda de una infancia. Una caja de zapatos, rescatada de una inundación y transportada de Argentina a Europa, constituye el único recuerdo de una historia familiar marcada por la crisis económica argentina de los años ochenta. © Design H2O, 2014

Y no solo eso. Kurtis ha recuperado las copias originales y las muestra tal como son en sus cualidades plásticas. El anverso y el dorso de las copias dañadas por el agua se convierten en un medio de expresión plástico sobre una identidad y una infancia, con una inmediatez y una autenticidad que asombran. Moira Ricci (Italia, 1977) revisita en “20.12.53-10.08.04” su propia historia. Igual que en el caso de Kurtis, Ricci parte de un álbum familiar de fotografías amarillentas por el paso del tiempo, en las que aparecen siempre las mismas personas en instantes diferentes de sus vidas. El denominador común de estas instantáneas es una mujer delgada: la madre de la autora fallecida en 2004. Ricci manipula los originales y entra en la imagen como una figura-fantasma procedente del futuro que observa incesablemente el rostro de su madre. Según sus propias palabras, el motivo de este anacronismo no es solo congelar y preservar el instante perdido, sino más bien la necesidad de acompañar, entender y formar parte de la vida de su madre antes de su muerte. La manipulación confiere a estas imágenes una cualidad atemporal y crea un espacio visual en el que el encuentro es posible en un presente eterno. Lilla Szász (Hungría, 1977) redefine su identidad mediante un acto de apropiación. La narrativa de su serie “Happy New Year” sucede en la esfera de la recreación y la ficción. Un piso y la historia de sus dos inquilinas: Lilla Szász y la Sra. Biro, nacida en 1925 y fallecida a los 86, sirven de telón de fondo a un reality de apropiaciones visuales en el que las identidades se funden. En un intento de entenderse más a si misma, Lilla entra en la piel de la Sra. Biro. Durante un año convive con sus efectos personales, diarios y prendas. Hay instantes en los que se convierte en ella, para poder luego regresar a su propio yo. Las dos identidades se cristalizan en una, generando un espejismo fascinante en el que las historias de las dos mujeres se fusionan en una narrativa femenina más universal. De un modo parecido, en su instalación “O destino de um coração”, Eufália C. Paz (Brasil) experimenta con el autorretrato, llevándolo al campo de la apropiación y la hibridación. Sus fotografías suponen la documentación de actos performativos en los que la artista se introduce en la imagen, asumiendo la identidad de su padre ausente. Sin dejar de ser ella, Eufália se convierte en el “Otro”, y desde ese lugar somatiza la ausencia de los seres queridos y sus efectos, trascribiendo en la imagen los lazos de su genealogía y poniendo en observación sus dinámicas ocultas. La dualidad de su figura, que se sitúa dentro y, a la vez, fuera del campo de lectura de estas imágenes, ejerce un magnetismo particular. Críptica y ambigua, la narrativa de “O destino de um coração” desvela detalles de un cuento en continua mutación que deja mucho por imaginar y traza el destino de un corazón. La serie “Interiorismo” de María Sánchez (Ávila, 1977) consiste en una serie de autorretratos de la autora en escenarios domésticos procedentes de reproducciones de los años cincuenta y sesenta. La estética de nostalgia y una atmósfera de comodidad banal son el envoltorio de estos collages construidos que perfectamente podrían haber sido extraídos de cualquier fotograma de Imitación a la vida de Douglas Sirk. La figura de Sánchez queda arropada, pero también aplastada, por estos interiores. © Design H2O, 2014

Su cuerpo tiende a convertirse en un elemento decorativo más, en una superficie dada a la contemplación del sentimentalismo y la rendición. Una sensación de incomodidad y de falta de nexo entre el cuerpo y su entorno prevalece en la composición final. Aunque en principio Sánchez parece apuntar al papel secundario al que por convención se ve relegada la figura femenina en la narrativa tradicional, finalmente su rostro evita enfrentarse a la cámara, rompiendo así con el convencionalismo de estos escenarios y desafiando la esperada lectura final. Por último, “Autotimer”, una serie de autorretratos que Isabelle Wenzel (Alemania, 1982) ha desarrollado a lo largo de los últimos cinco años (2009-2013), trata del encuentro entre la cámara y el modelo. Wenzel explota las posibilidades de improvisación y escenificación de la imagen fotográfica, aprovechando al máximo y con mucho sentido del humor las cualidades plásticas de su cuerpo. Sus acciones se basan en un modo de trabajo instantáneo. Con el disparador automático en marcha, le quedan pocos segundos para improvisar, controlar el resultado y pasar a la siguiente toma. Esta reproducción de la experiencia del “instante decisivo” aporta resultados inesperados y subvierte los patrones establecidos de representación directa. El cuerpo de la artista pasa a ser una masa escultórica anónima y una entidad de articulación del sinsentido. El juego entre lo lógico y lo ilusorio, lo figurativo y la abstracción, el equilibro y la falta de equilibrio, convierte sus autorretratos en bodegones en los que la identidad vuelve a su esencia, la forma. Self se complementa con una serie de actividades paralelas, como una mesa redonda, visitas guiadas y la publicación de una edición especial de artista junto con Erase Editions. La muestra rinde un pequeño homenaje de agradecimiento al fotógrafo Christian Maury, a quien se debe la idea original de este proyecto. Natasha Christia

ÂŠ Design H2O, 2014

SELF An exhibition on the other self-portrait 02.12.14 - 24.12.14

The exhibition Self brings together the installations of seven photographers who experiment, reinvent and enrich the genre of self-portraiture. The list of invited artists includes Seba Kurtis with his series “Shoe Box” (2010), Eufália C Paz with “O destino de um coração” (2013), Moira Ricci with “20.12.53-10.08.04” (2004-2009), María Sánchez with “Interiorismo” (2012), Lilla Szász with “Happy New Year” (2013), Román Yñán with “Self-Series” (2014), and Isabelle Wenzel with “Autotimer” (2009-2013). In their majority, the projects of these photographers, previously featured in international publications and festivals, are presented for the first time in a gallery show in Barcelona. Besides photography, their installations incorporate various formats, such as video and photobooks. Despite the fact that these seven artists employ self-referential elements as their point of departure, when it comes to putting in practice their formal and aesthetic premises, their final practices transcend the traditional leitmotiv of identity mirroring. Experimental, audacious and playful, their statements renovate the consumed language of self-portraiture contributing to novel and fresh creative approaches. Posing in front of one’s camera inevitably involves a series of existential statements on the author’s persona and a declaration of principles on the raison d’être of the photographic work. But it also serves as an excuse for open-ended narratives that impulse a multiple perception of the self while propelling a much broader and universal understanding of private genealogies and the collective past. Self-portraiture can also be an excuse for mere fiction. The body turns into the agent of a novel setting of roles. By means of a constant reinvention and re-conceptualization or objectification, it playfully subverts codes and established iconologies, altering and expanding the matrix of the very same image. Drawing constant inspiration from his family life, the diaries of Román Yñán (Barcelona, 1975) revolve around minor everyday experiences transmitted by means of eclectically and meticulously edited sequences with a marked aesthetic identity. For this exhibition, Yñán has revisited his archives. The result of this process is “Self-Series”, an installation of unpublished pictures, wherein he brings, for the first time, his own self and the traces of his camera into the focus of attention. © Design H2O, 2014

Subtle but marked, the flash of Yñán’s camera gives place to a rhythmical and hypnotizing narrative with phenomenological nuances. Whereas straight photography prevails at the beginning, gradual captures of reality break up into multiple versions (positive/ negative) and end up dissolving in the grain of the image. The work of Seba Kurtis (Argentina, 1974) oscillates between documentary, archive and a proper expressive viewpoint. His autobiographical series “Show box” contains all that is left from a childhood. A shoebox, rescued from a flooding and transported from Argentina to Europe, conforms the only sole reminiscence of the middle-class dream of a family dispossessed from its belongings in the early eighties. Kurtis recovers the original copies and shows them as they are –with their faded colours, the marks of water, the stains and imprints of other lost pictures upon them. The fronts and backs of the prints turn into a tangible testimony of an identity and a childhood and the message is transmitted with a beguiling immediacy and authenticity. Moira Ricci (Italy, 1977) revisits in “20.12-53 – 10.08.04” her proper family story. In a similar way to Kurtis, Ricci departs from a family album of faded photographs, documenting different instants of a family life. The omnipresent element in these snapshots is a thin woman –Ricci’s mother who passed away in 2004. Ricci manipulates the original pictures and enters the image frame assuming the role of a ghostly figure from the future who incessantly observes the face of her mother. In her own words, the origin of this anachronism is not so much to preserve/freeze the lost instant, but rather the need to accompany, to form part of her life of her mother before her death. Manipulation confers to these images a timeless quality and creates a visual space wherein encounters are possible and the past turns into a constant present. Lilla Szász (Hungary, 1977) redefines her identity by means of a daring act of appropriation. In “Happy New Year” the narrative takes place in the sphere or recreation and fiction. The protagonists are a flat and its two owners: a young woman (Lilla Szász) belonging to the present, and, from the other side, Mrs. Biro, born in 1925 and dead in the age of 86. They both work as the actresses of a reality show of visual appropriations in which identities intermingle. In an attempt to comprehend her own delicate situation, Lilla decides to enter the skin of Mrs. Biro. For a whole year she lives together with the latter’s personal belongings, diaries and clothes. There are moments when Lilla becomes her, to be able then to come back to her proper new self. The two identities shift, oscillate and crystalize into one, generating a fascinating mirroring, wherein the stories of the two women become the same ingredients of a universal female narrative. In her installation “O destino de um coração”, Eufália C Paz (Brazil) experiments with self-portraiture, bringing it to the area of appropriation and hybridization. Eufália’s pictures are the documents of her performances in which she restages and re-enacts family scenes, assuming the identity of her lost father.

Without ceasing to be herself ever, Eufália is introduced into the scenes as the Other. From that novel place, she somatises the absence of the beloved beings and its effects, transcribing her genealogy bonds on the image and observing the hidden dynamics behind them. In its duality, the persona that Eufália creates lies within and, at the same time, outside the semantic field of these images, and as such, it exercises a particular magnetism to the viewer. Cryptic and ambiguous, the narrative of “O destino de um coração” reveals details of a story in constant mutation that allows for a lot to be imagined and traces the destiny of a heart. “Interiorismo” by María Sánchez (Ávila, 1977) consists of a series of self-portraits of the artist within domestic spaces of the fifties and the sixties. Impregnated with an atmosphere of banal commodity and a nostalgic mood, these constructed collages seem to draw a great deal of inspiration from the aesthetics of movie classics, such as “Imitation of Life” by Douglas Sirk. Sánchez’s silhouette does not become fully integrated to these interiors. Situated far away from action, her body tends to work as an element of stasis –a mere surface of contemplation, sentimentalism and rendition. A sensation of discomfort and the lack of cohesion among the body and its ambience prevail in the final compositions. While Sánchez employs representations that apparently comply with the secondary decorative role of females in traditional narrative, her final statement seems to speak in another direction. By effacing her face, by hindering direct confrontation with the camera, she inserts her subjective viewpoint in these pictures, breaking free from their conventionalism and challenging their final reading. Finally, the witty self-portraits of Isabelle Wenzel (Germany, 1982) in “Autotimer” negotiate the encounter between the camera and the photographer as a model. In a relentless exploration of improvisation and staging, Wenzel exploits to the maximum –and with a great dose of humour- the plastic qualities of her body within always the margins of the photographic image. Her practice is based in a spontaneous, momentary action. With the automatic shutter at work, there are only a few seconds left for control, composition and improvisation, before passing on to the first shot. The deliberately clumsy and awkward reproduction of the “decisive moment” contributes to hilarious, unexpected results that subvert the established patrons of straight representation. Wenzel’s self turns here into an anonymous, amorphous sculpture, and to an entity of articulation of non-sense. The play between the logical and the illusory, figuration and abstraction, balance and imbalance, turns these self-portraits into still lives. Identity returns here to its primary essence: Form. Natasha Christia

Instalación de 8 fotografías y libro de artista Impresiones por inyección de tintas en papel de algodón 42x56cm Ed. de 20

En su instalación “O destino de um coração”, Eufália C. Paz (Brasil) experimenta con el autorretrato, llevándolo al campo de la apropiación y la hibridación. Sus fotografías suponen la documentación de actos performativos en los que la artista se introduce en la imagen, asumiendo la identidad de su padre ausente. Sin dejar de ser ella, Eufália se convierte en el “Otro”, y desde ese lugar somatiza la ausencia de los seres queridos y sus efectos, trascribiendo en la imagen los lazos de su genealogía y poniendo en observación sus dinámicas ocultas. La dualidad de su figura, que se sitúa dentro y, a la vez, fuera del campo de lectura de estas imágenes, ejerce un magnetismo particular. Críptica y ambigua, la narrativa de “O destino de um coração” desvela detalles de un cuento en continua mutación que deja mucho por imaginar y traza el destino de un corazón.

Eufália C PAZ O destino de um coração

Instalación de 8 fotografías Copias de exposición: Originales del álbum familiar del autor Disponibles a la venta: Impresiones por inyección de tintas, a partir de los originales 18x25cm Ed. de 7

En la encrucijada entre lo documental, el archivo y una escritura propia sumamente expresiva, la serie “Shoe Box” de Seba Kurtis (Argentina, 1974) deposita en una instalación todo lo que queda de una infancia. Una caja de zapatos, rescatada de una inundación y transportada de Argentina a Europa, constituye el único recuerdo de una historia familiar marcada por la crisis económica argentina de los años ochenta. Kurtis ha recuperado las copias originales y las muestra tal como son en sus cualidades plásticas. El anverso y el dorso de las copias dañadas por el agua se convierten en un medio de expresión plástico sobre una identidad y una infancia, con una inmediatez y una autenticidad que asombran. “A finales de los años ochenta, Argentina sufrió una crisis más. Mi padre perdió su negocio y nos embargaron la casa y nuestras pertenencias. Lo único que quedó fueron una caja de zapatos con todos los recuerdos de nuestra familia. Se habían estropeado por una inundación. Me apenó cuando tomaron nuestra televisión. Recuerdo estar a solas en casa con mi madre ese día. La vi llorando. Estaba firmando unos papeles y le pregunté qué estaba pasando, a lo que ella respondió: “Nada de todo esto nos pertenece más”. Después del desahucio, nos quedamos solo con nuestra ropa y una caja de zapatos llena de fotos. Me costó entender qué estaba pasando. Era un adolescente apenas interesado en la economía o la política. Todo lo que sabía era que mi padre había perdido su negocio y la casa y que teníamos que empezar de nuevo desde cero. Mi padre y yo haríamos cualquier cosa para ganarnos la vida, de la venta de periódicos en el semáforo hasta la venta de verduras. El argentino “sueño de la clase media” terminó para muchas familias en ese momento. Cuando la crisis volvió a golpearnos de nuevo, tenía veinte años y pude darme cuenta de todo. Se puede culpar a la corrupción política, a las multinacionales, a la globalización y el sacrificio de América Latina. Pero, al final del día, cuando uno lucha para poner comida en la mesa para la familia, no puede evitar pensar sentir que ha fallado como un individuo. Esa es la mirada que vi en el rostro de mi padre. © Design H2O, 2014

Seba Kurtis Shoe Box, 2010

ÂŠ Design H2O, 2014

Así que después de pasar por todo esto, convertirnos en inmigrantes ilegales no fue gran cosa para mi familia. Lo vimos como una oportunidad positiva para seguir adelante y hacer un nuevo comienzo en Europa. Empecé a trabajar en una obra de construcción en España con personas procedentes de América del Sur y África. La primera en unirse a mí fue mi hermana. En ese momento el gobierno argentino hizo un pacto con los bancos internacionales y congeló los ahorros de todo el mundo durante un año. El segundo a llegar fue mi padre. Trabajaba de noche como guardia de seguridad y en los seis meses había ahorrado suficiente dinero para llevar a España a mi madre y a mi hermano más joven. Después de una temporada, nos dieron permiso para quedarnos en Europa. Hace unos años, mis padres se fueron de visita a Argentina y volvieron con la caja de zapatos que se había quedado en la casa de mi abuela. Las fotografías habían sido dañadas por una inundación. Decidí incluir en “Shoe Box” algunos de los anversos de las fotografías. Se habían pegado el uno con el otro. Me sentí atraído de las huellas de las imágenes desaparecidas, de su emulsión y colores. Se trata de fotografías que nunca se verán de nuevo, pero que han dejado una marca física. La caja de zapatos es la historia de mi familia.... Esperanza”. Seba Kurtis

ÂŠ Design H2O, 2014

Instalación de 6 fotografías Copias Lamda en aluminio Ed. de 5 + 3 P.A. Cortesía VERONICA arte Contemporanea

Moira Ricci (Italia, 1977) revisita en “20.12.53-10.08.04” su propia historia. Ricci parte de un álbum familiar de fotografías amarillentas por el paso del tiempo, en las que aparecen siempre las mismas personas en instantes diferentes de sus vidas. El denominador común de estas instantáneas es una mujer delgada: la madre de la autora fallecida en 2004. Ricci manipula los originales y entra en la imagen como una figura-fantasma procedente del futuro que observa incesablemente el rostro de su madre. Según sus propias palabras, el motivo de este anacronismo no es solo congelar y preservar el instante perdido, sino más bien la necesidad de acompañar, entender y formar parte de la vida de su madre antes de su muerte. La manipulación confiere a estas imágenes una cualidad atemporal y crea un espacio visual en el que el encuentro es posible en un presente eterno. “20.12.53–10.08.04 nació a partir de mi deseo por estar cerca de mi padre recién fallecida y por poder pasar juntas todo el tiempo que no compartimos en su momento porque no estaba presente o por el mero hecho de que todavía no había nacido. La fotografía se convierte en el vehículo que hace posible el reencuentro con mi madre dentro de una ilusión. Me convierto en una imagen solo para poder estar cerca de ella. Llevo la ropa y el peinado de la época, adoptando su estilo sencillo y modesto. La observo, intentando establecer una conexión más fuerte entre nosotras. Aunque las personas no hablan en las imágenes, con mi mirada espero hacerla entender que corre peligro. Estoy esperando a que eventualmente mi madre se gire hacia a mi para saltar las dos fuera de la imagen. Si esto no pasa, lo aceptaré y permaneceré a su lado para siempre dentro de la imagen”. Moira Ricci

Moira Ricci 20.12.53-10.08.04, 2004-2014

ÂŠ Design H2O, 2014

Instalación de 20 fotografías Copias de exposición en formatos variados,plotters, impresiones por inyección de tintas Formatos variados Ed. de 5

“Autotimer”, una serie de autorretratos que Isabelle Wenzel (Alemania, 1982) ha desarrollado a lo largo de los últimos cinco años (2009-2013), trata del encuentro entre la cámara y el modelo. Wenzel explota las posibilidades de improvisación y escenificación de la imagen fotográfica, aprovechando al máximo y con mucho sentido del humor las cualidades plásticas de su cuerpo. Sus acciones se basan en un modo de trabajo instantáneo. Con el disparador automático en marcha, le quedan pocos segundos para improvisar, controlar el resultado y pasar a la siguiente toma. Esta reproducción de la experiencia del “instante decisivo” aporta resultados inesperados y subvierte los patrones establecidos de representación directa. El cuerpo de la artista pasa a ser una masa escultórica anónima y una entidad de articulación del sinsentido. El juego entre lo lógico y lo ilusorio, lo figurativo y la abstracción, el equilibro y la falta de equilibrio, convierte sus autorretratos en bodegones en los que la identidad vuelve a su esencia, la forma. “Mi método es instantáneo. Utilizo la técnica del auto- disparador que condiciona mi forma de trabajo. Todo tiene que ir rápido. Aprieto el botón, voy corriendo delante de la cámara, tengo a mi disposición algunos segundos para tomar mi posa, la cámara hace clic, controlo el resultado en la pantalla y paso a la imagen siguiente. Hay mucha improvisación en mi trabajo, realizo entre cincuenta y cien tomas hasta llegar a la toma perfecta. Ser el creador y el modelo, a la vez, significa que no puedes controlarlo todo. La pérdida de control y el instante decisivo suponen dos elementos muy importantes en mi proceso creativo. Estoy convencida de que hay un modo de pensar al que no puedes llegar sentado en la silla; mi cuerpo es mi medio de expresión a través del cual se desarrolla una serie de conceptos. Estos conceptos se sitúan a veces muy lejos de la lógica. Mis imágenes no buscan la perfección sino más bien tratan de enseñar al espectador la dinámica de los bodegones de mi propio cuerpo. Disfruto trabajando a solas en mi estudio. Construir el escenario, escoger prendas y objetos de mi stock, realizar la sesión, reconocer y redescubrir lo que hice en el ordenador y finalmente, imprimir la obra final es un proceso sumamente personal. Mis cuestiones principales son: “Quién soy? “¿Qué es el objeto? y “Qué relación existe entre nosotros dos y el observador?” Isabelle Wenzel

Isabelle Wenzel Autotimer, 2009-2013

Instalación de 14 fotografías y de un fotolibro Impresión por inyección de tintas a partir de negativo 30x40cm Ed. de 5

Lilla Szász (Hungría, 1977) redefine su identidad mediante un acto de apropiación. La narrativa de su serie “Happy New Year” sucede en la esfera de la recreación y la ficción. Un piso y la historia de sus dos inquilinas:, Lilla Szász y la Sra. Biro, nacida en 1925 y fallecida a los 86, sirven de telón de fondo a un reality de apropiaciones visuales en el que las identidades se funden. En un intento de entenderse más a si misma, Lilla entra en la piel de la Sra. Biro. Durante un año convive con sus efectos personales, diarios y prendas. Hay instantes en los que se convierte en ella, para poder luego regresar a su propio yo. Las dos identidades se cristalizan en una, generando un espejismo fascinante en el que las historias de las dos mujeres se fusionan en una narrativa femenina más universal. “Feliz Año Nuevo es una historia de dos mujeres. La primera, ya fallecida, pasó toda su vida en este piso donde ella crió a sus dos hijos, perdió a un marido, tuvo un perro, vivió, amó y murió. La otra es una mujer joven que desea comenzar una nueva vida después de una separación. Compró un piso en el que todas las pertenencias de su inquilina anterior habían quedado intactas: la ropa, los libros, los muebles, incluso sus diarios ... Parecía como si alguien todavía viviera allí. Su nueva vida se entrelaza con sus propios recuerdos y los de la señora Brown. El proyecto trata de la comunicación entre las dos mujeres. A través de las imágenes de sus objetos y las palabras de sus diarios llegan a conocerse mejor. Cada una habla de su propia vida, ya sea con imágenes o con palabras”. Lilla Szász

Lila Szász Happy New Year, 2013-2014

Instalación de 7 fotografías Impresiones por inyección de tintas en papel Hahnemühle Photo Rag Pearl Formatos: 40x30cm, 50x30cm, 25x50cm Ed. 6 + 2 P.A.

La serie “Interiorismo” de María Sánchez (Ávila, 1977) consiste en una serie de autorretratos de la autora en escenarios domésticos procedentes de reproducciones de los años cincuenta y sesenta. La estética de nostalgia y una atmósfera de comodidad banal son el envoltorio de estos collages construidos que perfectamente podrían haber sido extraídos de cualquier fotograma de Imitación a la vida de Douglas Sirk. La figura de Sánchez queda arropada, pero también aplastada por estos interiores. Su cuerpo tiende a convertirse en un elemento decorativo más, en una superficie dada a la contemplación del sentimentalismo y la rendición. Una sensación de incomodidad y de falta de nexo entre el cuerpo y su entorno prevalece en la composición final. Aunque en principio Sánchez parece apuntar al papel secundario al que por convención se ve relegada la figura femenina en la narrativa tradicional, finalmente su rostro evita enfrentarse a la cámara, rompiendo así con el convencionalismo de estos escenarios y desafiando la esperada lectura final.

María Sánchez Interiorismo, 2012

Instalación de 10 fotografías Impresión por inyección de tintas en papel RC perla Formatos: 40x50 cm / 48x63 cm / 35x45 cm Ed. de 20

Vinculado con los diarios de su familia, el trabajo de Román Yñán (Barcelona, 1975) implica reflexiones vivenciales a modo de lenguaje estético e idiosincrásico que el autor lleva años desarrollando. Con motivo de esta exposición, Yñán revisita sus archivos y presenta “Self-Series”, una instalación de imágenes inéditas que colocan en su centro de atención al propio autor y las huellas de su cámara. Discretos pero marcados, los destellos del flash conforman una narrativa fenomenológica, rítmica e hipnotizadora, al final de la cual el ego, el universo del fotógrafo y su mirada directa acaban por diluirse en la trama de la imagen.

Román Yñán Self-Series, 2014

SELF Una exposición sobre el “otro” autoretrato Índice de obras

1.- O destino de um coração. Eufália C. Paz 2.- Shoe Box, 2010. Seba Kurtis 3.- 20.12.53-10.08.04, 2004-2014. Moira Ricci 4.- Autotimer, 2009-2013. Isabelle Wenzel 5.- Happy New Year, 2013-2014. Lila Szász 6.- Interiorismo, 2012. María Sanchez 7.- Self-Series, 2014. Román Yñán © Design H2O, 2014

Galeria H2O

Director Joaquim Ruiz Millet Coordinació Àlex Castro

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Edición catálogo Maquetación: Carmina Carot Fotografías Eufália C. Paz, Seba Kurtis, Moira Ricci, Isabelle Wenzel, Lila Szász, María Sanchez, Román Yñán.

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EdiciĂłn numerada y firmada por la comisaria y el galerista de 5 ejemplares, tres numerados en cifras romanas y dos en nĂşmeros ĂĄrabes para la comisaria y el galerista.

Natasha Christia Comisaria

Carrer Verdi, 152. 08012 Barcelona Tel. (34) 934 151 801 galeria@h2o.es http://www.h2o.es

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