La Panera Num. 21

La Panera Periódico mensual de Arte y Cultura

I

octubre 2011

21 Distribución gratuita

Las divas de la chanson

Am La Un

Rosa Ramírez momento de decisión

Joris Ivens

el filósofo de la moda

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gentileza Museo de Artes Decorativas de París - Moda y Textil. Fotografía: © Christopher Moore. Colección Sakoku, primavera/verano 2011

Hussein Chalayan

vuelve a Chile

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Artes Visuales Palazzo Grassi. François Pinault, paradigma del coleccionismo contemporáneo Las obsesiones escultóricas de Edgar Degas

Retratos Gracias a Violeta

Cine Documental Paisaje emocional de Gabriela Mistral

Literatura La nueva poesía estadounidense

Comic Nuevos superhéroes de la novela gráfica

Música La importancia de los productores

Jazz Gonzalo Araya, el armonicista chileno del blues

Teatro El mundo de Alejandro Sieveking

Gestión Cultural Economía Creativa "Hecha en Chile"

Identidad Cultural ¿Compra huevos? A la otra esquina

Patrimonio Museo a cielo abierto

Testimonio Isla Riesco, algo por lo que vale la pena luchar

Miguel Laborde La capital poética de América del Sur

Tecnología La guerra por el genoma humano

Agenda Panorama cultural, nacional e internacional

PERIÓDICO MENSUAL DE ARTE Y CULTURA EDITADO POR LA CORPORACIÓN CULTURAL ARTE+

lapanera@galeriapready.cl

Presidenta Patricia Ready K. Directora y Editora Jefa Susana Ponce de León G. Coordinadora Pilar Entrala Vergara Dirección de arte y diseño Rosario Briones R. Asistente de diseño Simoné Malacchini Colaboradores Jessica Atal - Rosario Briones - Elisa Cárdenas - Claudio di Girolamo - Pilar Entrala Ferreira Gullar - Sergio Fortuño - Willy Haltenhoff - Miguel Laborde - Luciano Lago - Pamela Marfil Carlos Navarrete - Mónica Oportot - Edison Otero - Juan Carlos Ramírez - Heidi Schmidlin Valeria Solís - Pabla Ugarte - David Vera-Meiggs - Claudia Vergara - Antonio Voland Corporación Cultural Arte+ Espoz 3125, Vitacura, Santiago, Chile Fono +(562) 953-6210 Representante Legal Rodrigo Palacios Fitz-Henry. Imprenta Gráfica Andes.

LAS OPINIONES VERTIDAS EN ESTA EDICIÓN SON DE EXCLUSIVA RESPONSABILIDAD DE QUIEN LAS EMITE.

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Esta publicación se distribuye gratuitamente en Chile y en el extranjero.

Para auspicios, escribir a lapanera@galeriapready.cl Contacto: Roxana Varas Vea la versión digital de La Panera en www.galeriapready.cl www.lapanera.miracultura.cl

PROYECTO ACOGIDO A LA LEY DE DONACIONES CULTURALES Nº18.985

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Artes Visuales

vistazo a la colección François Pinault Un verano interminable se ha dejado caer en el hemisferio norte, los países que más lo padecen parecieran ser los que económicamente están a la baja, producto de la crisis griega y las malas administraciones estatales. Venecia, como siempre, no da tregua al amante del arte con su Biennale y una serie de nuevos espacios que revitalizan las nociones de coleccionismo y exhibición del arte contemporáneo.

Por Carlos Navarrete

Desde Venecia

E

l nombre de François Pinault se ha erigido como el paradigma del coleccionista contemporáneo, ya que por una parte representa el mecenazgo a favor del arte actual mediante su magnífica colección de obras ofrecidas al público en dos espléndidos lugares de Venecia y, por otra, encarna la eterna continuidad de cómo en pleno siglo XXI el coleccionista no es otra cosa que lo que una vez Walter Benjamin dijo: “Para el coleccionista, la propiedad es la relación más íntima que se puede tener con los objetos”. Y agrega que no es que los objetos vivan en el coleccionista, es al revés; él vive en ellos. Y al final desaparece entre ellos” (1).

Algo de esto se aprecia al recorrer el Palazzo Grassi y la Punta della Dogana, dos lugares habilitados por el arquitecto japonés Tadao Ando, sumando a la armonía de las formas arquitectónicas cargadas de historia, una simpleza de los espacios pulcros y severos

capaces de acoger la creación contemporánea adquirida por este empresario francés dueño de FNAC, Printemps de Gucci, Yves SaintLaurent, los viñedos Château-Latour y la casa de subastas Christie’s, entre otras empresas de amplia relevancia mundial.

Ahora bien, lo interesante de esta colección es que abarca desde 1945 hasta nuestros días, haciendo hincapié en que no se han privilegiado nacionalidades, ni mucho menos estilos. De hecho, entre las más de 2.500 piezas hay pocos artistas franceses (Christian Boltanski, Bernard Frize, Pierre Huyghe, Martial Raysse y Pierre Soulages), los que rara vez han sido expuestos al mismo tiempo, ya que cada muestra dura más allá de cuatro meses, y están a cargo de un equipo de curadores, quienes van dando forma a las nuevas adquisiciones del magnate francés.

La elección del Palazzo Grassi (del cual Pinualt es dueño en un 80%) como una de las sedes de esta colección no fue algo azaroso en la búsqueda de un hogar para este tesoro del magnate francés, más bien, es el punto de partida para enlazarse con la historia que el in-

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1.

2.

1. Joana Vasconcelos «Contamination» 2008-2010 2.Takashi Murakami «727-272 (The Emergence of God at the Reversal of Fate)» 2007.

3. Jeff Koons «Elephant» 2003

3. dustrial italiano Gianni Agnelli había tenido con ese lugar entre 1983 y mayo de 1995, ya que la Fiat la había utilizado como su espacio cultural. En ese mismo eje de ideas, fue en ese palacio donde la Bienal de Venecia 1995 celebró su primer centenario, ya que el francés Jean Clair, entonces curador en jefe de la la famosa exposición internacional, dispuso su muestra «Identidad y Alteridad» (2) como un gesto que pretendía unir la idea de la pintura y del arte moderno a esta arquitectura ligada a la familia Grassi, la que en 1748 ordenó la construcción del palacio como reflejo de su esplendor comercial gracias al comercio de la madera.

Esparcimiento cultural

Por lo tanto, al recorrer los salones y espacios comunes de este recinto se respira no sólo la historia del coleccionismo de Pinault, sino también la historia de la ciudad, su bienal y, particularmente, las relaciones que cada una de las obras de arte van entablando con la arquitectura que las alberga.

Destacando que en este lugar, los grandes nombres están para los grandes recintos y no necesariamente son los elementos centrales de la muestra. Por ejemplo, la obra de Jeff Koons domina el amplio hall de entrada pero en nada se relaciona con la instalación de Joana Vasconcelos, ubicada en frente de ella. Aunque al ir recorriendo los salones del segundo piso se puede advertir las relaciones que el video establece con la pintura y ésta con la escultura. Sobresaliendo las pinturas monocromas de Rudolf Stingel y la sala que Urs Fischer ha dedicado al dibujante Raymond Pettibon, en una clara alusión al eterno problema del original y de la copia.

Si bien el recorrido por cada una de las dependencias toma algo más que un par de horas, se debe dejar tiempo para visitar el restaurante del palacio, ya que el servicio de garzones es en sí mismo una performance de gestos, carreras y risas a la italiana, para atender a cada uno de los comensales extranjeros que a la hora del pranzo (almuerzo), se dejan caer junto a parte del personal que ahí trabaja.

Este dato no menor sirve para explicar que cada elemento de la colección Pinault ha sido una y mil veces pensado y revisado. Uniendo de manera perfecta el esparcimiento con el turismo cultural.

Un largo peregrinaje

Otra cosa es visitar la Punta de la Dogana, ese emblemático recinto que mira del otro lado del gran canal hacia la Plaza San Marco, desde donde se puede advertir por la escultura de Hércules sosteniendo la Tierra. Inaugurado en 2009, el espacio se ha convertido en el eje de una serie de renovaciones arquitectónicas y culturales de esa parte de la isla. De hecho, está muy cerca de la recientemente habilitada Fondazione Vedova y pasa a ser el extremo de la ruta que une el Museo de la Academia y la Fundación Peggy Guggenheim. Por lo tanto, se debe dedicar tiempo, energía y una batería de buenas cervezas, aperitivos y aguas minerales para resistir el largo peregrinaje por cada uno de estos lugares.

“Todo lo que se llama estudiar y aprender no es otra cosa que recordar”, Platón (ca. 428 a.C. / 427 a.C. - 347 a.C. ), filósofo griego.

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La gran diferencia que tiene la Punta de la Dogana con el Palazzo Grassi como recinto expositivo es que en el primero la idea curatorial está al servicio de las obras y en el palacio, las piezas de arte están a merced de la arquitectura. Por eso, aquí es posible ver los roces de las obras más que el diálogo de las mismas al quehacer de una teoría. Por ejemplo, en uno de los recintos principales se ha buscado la convivencia de una escultura minimalista de Donald Judd y una intervención objetual de Mauricio Cattelan. O bien, se ha dejado en el más completo aislamiento un trabajo de David Hammons para que el visitante inexperto no lo encuentre, o el paseante erudito se queje por la falta de indicaciones para llegar a la obra. Esto hace de Punta della Dogana el complemento perfecto para un espíritu coleccionador, que no da tregua a los distintos visitantes que se dejan caer por el lugar. Ello, debido a que hay obras para todos los gustos, arte de todas las generaciones y, lo más interesante, el coleccionista se ha dado el tiempo de comisionar trabajos para el lugar en sí mismo, lo que otorga al todo exhibido una rara sensación de estar visitando una bienal dentro del contexto de otra gran Biennale.

Notas 1. Véase, adriana Valdés, «un duende y una novela: sobre una obra de adolfo couve», en «composición de lugar». editorial universitaria, santiago, 1996. pp.181-182 2. una secuencia detallada de lo que se narra aparece en www. labiennale.org/en/ art/history

lo interesAnte De estA colección es Que ABArcA DesDe 1945 HAstA nuestros DÍAs, HAcienDo HincAPiÉ en Que no se HAn PriVilegiADo nAcionAliDADes, ni mucHo menos estilos. De HecHo, entre lAs mÁs De 2.500 PieZAs HAY Pocos ArtistAs FrAnceses.

Construyendo

CULTURA

Av. Nueva Costanera 3698 oficina 201 - Vitacura -Teléfono 245 3081 www.constructoramarchetti.cl 6 I La Panera

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[ POÉTICA VISUAL | POR FERREIRA GULLAR ]

«La danza de la vida»

«Atardecer en el Paseo Karl Johann

UN VISIONARIO E

DEL FRÍO

s como si no hubiese día: o es noche o es crepúsculo, como mucho. Edvard Munch no ve el mundo desligado de su persona pero sí envuelto en sus sentimientos y juicios: impregnado de pasión: las formas vibran de una energía interior que ultrapasa el contorno para propagarse como un eco en el espacio: un grito de la materia y del alma que niega la objetividad del mundo: las personas que transitan por la calle Karl Johan al anochecer son, como la propia calle, una fantasmagoría el mundo no es lo que aparenta oculta una verdad alucinada.

Munch la revela. Con la mano de maestro, grabando o pintando.

Sus figuras ganan la fuerza de símbolos de una realidad inusitada, sufrida.

Los colores son más que colores, transfigurados, como en un cuadro de intensa expresión simbólica y pictórica: “Vampira”.

Pero el misterio que envuelve la obra de Munch no se circunscribe al mundo psicológico. Por el contrario, en ella resuena la relación del hombre con la

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«En dirección al bosque»

«Vampira»

“PERO EL MISTERIO QUE ENVUELVE LA OBRA DE MUNCH NO SE CIRCUNSCRIBE AL MUNDO PSICOLÓGICO. POR EL CONTRARIO, EN ELLA RESUENA LA RELACIÓN DEL HOMBRE CON LA NATURALEZA Y EL COSMOS”.

naturaleza y el cosmos, como se aprende en el xilograbado “En dirección al bosque”: una pareja camina abrazada contra una zona oscura; las formas difusas de algunos árboles nos indican que aquello es un bosque; un bosque que no se caracteriza por el verdor de los árboles y el frescor de la naturaleza sino, por el contrario, por lo que tiene de poderoso e insondable. Así, la pareja no parece caminar al amor y al idilio, sino a un espacio amenazador y desconocido. Esto es lo que nos sugiere la obra en cuanto a la escena pero, junto a este mensaje, constituyéndola, profundizándola, enrique-

FERREIRA GULLAR es el poeta y crítico de arte vivo más importante de Brasil. Fundador, en 1959, del grupo poético Neo-concreto, el también biógrafo, dramaturgo y pintor tiene decenas de trabajos publicados, y la incuestionable calidad de su obra le ha significado tres nominaciones al Nobel de Literatura.

ciéndola y trascendiéndola, está el arte del grabador, que nos ofrece la sutileza de los colores y de las formas nacidas de la madera, de las incisiones, de los cortes y de las fibras de la placa trabajada por la mano sensible de Munch.

Munch, el maestro de las técnicas del grabado y de la pintura. Arte visionario pero nacido del dominio técnico del lenguaje. Poder expresivo de las formas, cuya significación misteriosa parece resonar en la atmósfera del cuadro: lenguaje denso, mágico, de líneas y colores imantados de significados.

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Artes Visuales

DEGAS EL IMPRESIONISTA REBELDE Por primera vez se exhiben en Chile las esculturas de Edgar Degas. Hasta el 30 de octubre, el Museo de Bellas Artes comparte esta exhibición traída desde el Museo de Arte de Sao Paulo, y cuya totalidad de 73 figuras -incluyendo su archi famosa «Bailarina de 14 Años»- sólo está en otros tres museos del mundo.

POR ELISA CÁRDENAS.

“S

i Degas continúa haciendo esculturas, y si conserva su estilo, tendrá un lugar en la historia de las artes crueles”, escribió en 1881 Paul Mantz, crítico de Le Temps. El artista francés Edgar Degas, entonces muy relacionado a los Impresionistas (aunque con una inspiración más urbana), debutaba como escultor en la VI Muestra Impresionista de París, con la hoy famosa Bailarina de 14 años.

La figura de cera había comenzado a ser trabajada en 1878 y estaba vestida con zapatos de baile, calzas, un corpiño y un tutú. La cera no era considerada el estado final de la escultura, sino una parte del proceso; a este atrevimiento técnico, Degas sumó una factura de terminaciones imprecisas, donde no era tan importante retratar fielmente a la modelo (o su belleza) como su actitud corporal en el momento preciso en que él la observó. Los críticos alegaban “¿por qué es tan fea y marcada por una expresión tan profundamente viciosa?”.

Hasta entonces, Degas era conocido por sus retratos y series casi obsesivos sobre el mundo del ballet y, en segunda instancia, sobre las carreras de caballos y los desnudos femeninos.

En todos ellos, su utopía realista perseguía la captura del instante y estaba fuertemente influenciada por los nacientes avances de la fotografía y los primeros pasos del cine. Sus creaciones escultóricas eran una respuesta a esa ampliación de la experiencia visual, buscando recrear lo que para él era “la verdadera

exactitud del movimiento”, mientras sostenía que “es esencial repetir cada tema una y cien veces. En el arte nada debe parecer fortuito, ni siquiera el movimiento”. Este hombre solitario terminó convirtiéndose en uno de los artistas más importantes del siglo XIX y su Bailarina de 14 años -la única escultura que exhibió en vida- es actualmente una obra universal, la más cara dentro de su legado artístico, valorada en unos US$19 millones por la casa de subastas Sotheby’s.

EL TESORO DE 73

Existen 22 ejemplares de esta Bailarina en todo el mundo, y uno de ellos está en Chile, como parte de la exposición Degas Escultor. Impresiones de la vida moderna, correspondiente a la colección del Museo de Arte de Sao Paulo Assis Chateaubriand (MASP). La muestra, que ocupa tres salas del Museo de Bellas Artes hasta el 30 de octubre, contempla 73 esculturas en bronce realizadas entre 1918 y 1930, a partir de los moldes de cera encontrados en el taller de Degas, tras su muerte, en 1917.

La tendencia en estas colecciones -tituladas El Saludo, Gran Arabesque, La Danza, Caballos, Cabezas, En el Baño, Arabesque y Bailarina (Bailarina de 14 años) es la representación del movimiento total, como en una secuencia fílmica. En algunos casos ofrece varias vistas de una misma pose, reflejando el interés de Degas -muy propio de su época- de imitar la realidad de tal manera que sus piezas casi cobraran vida.

La colección fue adquirida por el museo

«BAILARINA DE 14 AÑOS» Esta figura comenzó a ser trabajada en 1878 y estaba vestida con zapatos de baile, calzas, corpiño y tutú. La cera no era considerada el estado final de la escultura, sino parte del proceso.

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DEGAS NUNCA ALCANZÓ A VER LA FUNDICIÓN AL BRONCE DE ESTAS ESCULTURAS. PERSEGUÍA LAS ACTIVIDADES Y DINÁMICAS SOCIALES PROPIAS

DE LA MODERNIDAD. TRAS SU MUERTE, EN 1917, EL COMERCIANTE PAUL DURAND RUEL TUVO LA MISIÓN DE INVENTARIAR SUS TRABAJOS.

brasileño en 1951. Degas nunca alcanzó a ver la fundición en bronce de estas esculturas. Tras su muerte, en 1917, el comerciante Paul Durand Ruel tuvo la misión de inventariar sus trabajos. Para sorpresa de muchos, el artista había seguido esculpiendo por varios años, y en su taller se encontraron 150 piezas, 73 de las cuales fueron guardadas por Durand Ruel en los depósitos subterráneos del fundidor Adrien-Aurélien Hébrand. Las esculturas corrían peligro de ser alcanzadas por algún bombardeo durante la Primera Guerra Mundial, pero una vez concluido este conflicto, Albert Bartholomé, escultor y amigo de Degas, restauró estas piezas de cera y yeso, y realizó copias en gelatina de cada una de ellas, las que sirvieron finalmente como matrices de su fundición al bronce, conservando los moldes originales.

La colección que exhibe el Museo de Bellas Artes es una de las copias oficiales de las 73 figuras de Degas, pero se sabe que existen al menos dos series más, no oficiales, que habrían sido comercializadas. En tanto, las esculturas de cera originales están en la National Gallery de Washington. Aparte del MASP, la colección completa de estas 73 esculturas se encuentra en el Metropolitan Museum de Nueva York, en el Museo D’Orsay de París y en el Ny Carlsberg Glyptotek Museum de Copenhague.

ENAMORADO DE LA MODERNIDAD

Teixeira Coehlo, director del MASP, formó un equipo curatorial con los chilenos Sandra Accatino y Pablo Chiuminatto para idear el montaje y el programa educativo de esta exposición. Los especialistas definieron como ejes de la muestra una mirada a la escultura

como búsqueda por capturar la vida y el movimiento; la manera en que cada época y cada artista utiliza las formas y los temas de la tradición; y cómo esas formas y temas se renuevan bajo la mirada subjetiva de cada artista.

En base a estos puntos, el MNBA ha organizado todo un programa de extensión, con mesas redondas, videos y talleres de aproximación a la obra del artista francés. El montaje sigue los más estrictos requerimientos para una colección de carácter histórico y, al mismo tiempo, busca generar conexiones y complementariedad entre las piezas de distintas series, dando cuenta de los procesos de creación de Edgar Degas, insertos en las preocupaciones visuales y en los avances científicos de su época.

Catalogado dentro del Impresionismo, el artista siempre quiso desmarcarse de este movimiento. Si bien la inspiración moderna y ciertamente revolucionaria para su tiempo lo acerca a creadores como Manet y Van Gogh, él siempre buscó retratar la vida en las ciudades y cómo ésta se iba transformando. Mostraba escenas con luz artificial y no perseguía la naturaleza, sino las distintas actividades y dinámicas sociales propias de la Modernidad.

Su mundo de bailarinas y mujeres hermosas, pero no idealizadas, influyó mucho a Toulouse-Lautrec. El dibujo se convirtió en la base de su trabajo, pues lo requería su estudio del movimiento y el intenso proceso escultórico, que sólo pudo ser realmente valorado mucho tiempo después de su muerte.

Esta exposición es una iniciativa de La Fundación Cultural CorpArtes y cuenta con el patrocinio de CorpBanca.

«Pura Sangre a pasos»

FOTOS: Edgar Degas París, Francia 1834-1917 Colección MASP Museo de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand Fotografía de João L. Musa

«Arabesque»

“La inhumanidad del hombre hace que el mundo se mantenga de luto”, Robert Burns (1759-1796), uno de los poetas en lengua escocesa más renombrados.

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Exposiciones que usted no debe perderse [ POR PABLA UGARTE ]

Javier González-Cristián Salineros ESTEGANOGRAFÍA, PAISAJE ENMASCARADO Sala de Arte CCU (Vitacura 2680) Hasta el 19 de noviembre

n esta muestra estamos frente a un grupo de objetos cotidianos: auto, colchón, carretilla, mesas, sillas, entre muchos que están yuxtapuestos de tal forma que generan una situación que nada tiene que ver con un orden diario esperado; al contrario, nos enfrenta a un nuevo orden o, simplemente, al desorden. Objetos dispuestos unos sobre otros, generando grupos escultóricos, pero a la vez de fácil recorrido, que por un lado son lúdicos y por otro nos inquietan. Todos estos objetos están recubiertos con muchas capas de masking tape y luego pegados al suelo y a los muros con el mismo producto 3M, originando un manto blanco que se corta, creando un horizonte a una altura de las murallas en que -a la mayoría de las personas- nos encierra dentro de este gran contenedor que es la sala de exhibición.

Así se ha construido un paisaje fantasioso, irónico y desconcertante. Aquí, el paisaje es el resultado de una suma de objetos que generan esculturas, no es el fin principal, sino su consecuencia. El paisaje, según la RAE, es una extensión de terreno que se ve desde un sitio o es considerado en su aspecto artístico, o es la representación de dicha expansión. Lo que necesitamos para que exista un paisaje son entonces una persona que mire y el terreno observado. Sumergirnos en el imaginario personal de los artistas desde

ÁLVARO MARDONES

E

la escultura. Esa es la invitación: entrar a un mundo congelado en el tiempo, gracias a su gran porfía.

Dada la escala de la sala y la de todos los objetos recubiertos, este trabajo podría ser considerado una “pérdida de tiempo”: son muchísimas las horas y días que se necesitaron para obtener esta obra, pero, paradójicamente, el resultado es el detenimiento total.

La momificación de un instante.

El masking tape es una estrategia de recubrimiento eficiente para enmudecer esas memorias de los objetos, su carga icónica y la personal han sido silen-

ciadas, de alguna forma se transforman en imágenes fantasmales con una sensación de levedad. Todos los objetos tienen o se han acumulado y dispuesto sobre ruedas, situación que en medio de este paisaje desjerarquizado les ha obligado a permanecer detenidos, potenciando lo absurdo, planteando preguntas. Quietud, anulación de la memoria y monocromía son algunos de los aspectos que transitan por este paisaje silencioso que nos interpela, al que nos han convocado estos artistas. Invitación que no deberíamos dejar pasar.

DEGAS ESCULTOR: IMPRESIONES DE LA VIDA MODERNA Museo Nacional de Bellas Artes (Parque Forestal) Hasta el 30 de octubre

E

«Mujer bañando o secando la pierna izquierda»

dgar Degas es uno de los más clásicos o realistas de los creadores impresionistas. Influenciado por la fotografía y los grabados japoneses -muy en boga entre los artistas en esa época-, Degas desarrolla un gran interés por los interiores, la perspectiva y el movimiento: retratos, situaciones en bares, bañistas, carreras de caballo y bailarinas de ballet.

Esta exhibición se concentra en el aspecto más desconocido del artista en su tiempo: la escultura, ya que en vida sólo exhibió en una ocasión «Bailarina de catorce años», hecha en cera. Aquí estamos frente a 73 piezas de bronce que componen la muestra de una de las colecciones más importantes de Latinoamérica -perteneciente al Museo de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand MASP. El interés de Degas por comprender las formas, cuerpos y volúmenes se traduce esta vez en una terminación imprecisa que caracteriza a sus esculturas -si es que pudiésemos afirmar que el artista las dio por terminadas. Poses y movimientos evidencian la factura de Degas frente a la técnica de la cera con que las modeló. Estas esculturas nunca fueron fundidas al bronce mientras él vivía, lo que refuerza la

idea del artista ejecutando estudios de observación del movimiento y del tiempo, capturando un instante a través de volúmenes. Hoy, el movimiento es capturado y estudiado metódicamente en pequeñas esculturas de bronce. Hay en ellas un interés de detener y observar, una y otra vez, la precisión de un paso de ballet, el salto de un caballo o la actitud de una mujer en el baño.

La muestra se estructura de forma didáctica, cada serie tiene su espacio. Este montaje nos ayuda a dilucidar una faceta bastante rigurosa e incluso un poco obsesiva del artista, ya que además de las esculturas, Degas boceteaba muchísimo, lo que hace del estudio y de la observación parte esencial de su quehacer.

Lo que vemos, por primera vez en Chile, en Degas como escultor, es el conjunto de procesos que develan parte importante de su metodología con su práctica de creación, justamente esa rigurosidad y convencimiento con que se detuvo en el detalle de una vida urbana moderna que, en ese momento, podía parecer cotidiana o incluso corriente, y que es lo que le da a este artista una relevancia hasta nuestros días.

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[ retratos | por Claudio di girolamo ]

Violeta en la tierra uy

concentrada,

Violeta da unos toques de pintura a una de sus obras con un pequeño pincel que unta en un cartón que funciona como paleta. Sin embargo, escucha atenta.

“Violeta, usted es poeta, músico, hace arpilleras, pinta…”

Solamente se oye la voz de la entrevistadora, que permanece fuera de cuadro. “…Si yo le doy a elegir uno solo de estos medios de expresión, ¿cuál elegiría usted... si tuviera ese ÚNICO medio de expresión?”

Violeta levanta la cara hacia su interlocutora, un poco sorprendida, y, con una leve sonrisa, envía de vuelta esta apabullante respuesta: “Yo elegiría quedarme con la gente…”

Un instante de silencio, después, la voz, con incredulidad: “¿Y renunciaría a todo esto?”

Violeta levanta un poco los hombros, como para anticipar lo obvio de la segunda respuesta…

“Es la GENTE que me motiva a hacer todo esto”.

Violeta, decenas de veces he revisado las imágenes de este diálogo que tuviste un día ya muy lejano, en Ginebra, con Magdeleine Brumagne, experta en arte.

En esa ocasión llevabas, muy orgullosa, ese vestido cortado y cosido por las hábiles manos de doña Clarisa Sandoval, tu madre y eximia costurera, además de guitarrera y cantora. Una tenida única, una especie de mosaico de diferentes telas coloridas, que llegó a mimetizarse contigo hasta componer el ícono de tu imagen más recordada.

Tu rostro, tus gestos y tus palabras siguen grabándose en mí con la fuerza y ternura con que me golpearon y me llenaron la primera vez que te vi y te oí pronunciarlas. Vuelvo a encontrar tu actitud de humildad sincera, la misma sonrisa y la tímida sencillez del tono de tu voz al desgranar tus tremendas y reveladoras respuestas, que descubren la parte más profunda de tu vocación de artista.

No te inmutaste, ni contestaste con esas frases que suelen aflorar con tonos grandilocuentes o tan secos, como para cortar con el interlocutor.

Por el contrario, dejaste caer entre una y otra una muy pequeña dosis de esa enorme ternura que siempre te habitó.

Pero aún faltaba algo que decir en ese diálogo.

“Tus arpilleras son muy bellas…” “¿Tú crees?...”

“Son sencillamente maravillosas…” “¿De veras?” “¡Definitivamente!”

“Eres la primera persona que me lo dice. Necesito agradecértelo” Violeta se queda pensativa: “Te voy a hacer un regalo…Siéntate, por favor…”

“Me siento… Ella toma la guitarra, se para frente a las arpilleras y… me las canta, todas… una por una, mientras yo no paro de llorar”, termina contando Magdeleine.

La ternura de un gesto como ése, querida Violeta, no brotó de improviso; era la misma

Claudio di Girolamo, mural «Chile» 2006 (detalle). Óleo sobre tela, 482 x 1.350 cms. Centro de Extensión Universidad de Talca.

Claudio di girolamo Muralista, ex Director Ejecutivo de Canal 13 (1969-1971).

Integrante del Ictus, se destaca por su trabajo audiovisual y su largometraje «VI° A 1965» es seleccionado en el primer festival F.I.P.A. de Cannes.

Como director teatral recibe el premio otorgado por el CELCIT. Creador de la Escuela de Cine U. Arcis. Conductor de «Bellavista 0990».

En 1997 asume como Jefe de la División de Cultura.

En 2001 recibe la Orden Gabriela Mistral por su aporte al arte y la cultura.

que cubriste y protegiste día a día con tu dura corteza de sobreviviente que te permitió salir airosa de tantas batallas, hasta que sucumbiste a los embates del único “adversario” que podía contigo: el AMOR, así con mayúscula, aquel que nos propone el Misterio y nos ofrece la Belleza, que termina poseyéndonos enteros.

Querida Violeta, hoy, una vez más, otras imágenes vuelven a hablarnos de tu constante presencia entre nosotros, y ponen de nuevo en nuestro corazón quién fuiste y quién sigues siendo para esa “gente” que somos tu pueblo. Nos regalaste la creación de una vida entera. Con generosidad, infinita constancia y una pasión sin límites has entregado a esta tierra hasta tu último aliento, y has sembrado muy profundo en el alma de Chile.

Allí están tus voces y sonidos, tus pinturas y arpilleras, que nos remiten al enorme caudal de tu creatividad. Todas ellas se funden en ti como un solo lenguaje que nos habla de nuestra pertenencia a las raíces y de nuestra extraña e inacabada identidad.

Mucho se ha especulado acerca de tu legado; ha sido objeto de debates muy complejos y “sesudos”; alrededor de esa parafernalia se tejieron las más diversas elucubraciones y teorías… No puedo dejar de imaginarme tu cara, querida Violeta, al oír todo este farragoso barullo.

Estoy seguro que, por toda respuesta, tomarías tu guitarra y contestarías en décimas, rasgueos y punteos, a golpes de versos llenos de picardía y sabiduría campesina. Es que eres de esa especie de seres que están inmersos en la vida a cada instante, sin prejuicios, titubeos ni cálculos y que, sin despreciar la reflexión, tienen la rara virtud de volcarse por entero a la acción en el momento oportuno. Siempre fuiste una ardiente defensora de la palabra viva, punzante y creadora, y

no te dejaste paralizar nunca por el temor de la incomprensión o del rechazo.

Desde San Fabián de Alico, o San Carlos, da lo mismo, has iniciado tus pasos que te han llevado a “patiperrear” por toda nuestra comarca tan especial, hurgando en sus raíces escondidas.

Te convertiste en partera sacando de nuevo a la luz los sones y versos que han alimentado desde siempre nuestra cultura más primigenia, de hombres y mujeres de la tierra. Tu obra ha recorrido el mundo entero, llevando tu poesía transformada en imágenes y canto. En tu caminar, has sembrado en miles y miles de hombres y mujeres tu pasión por la vida, tu voz de aliento para construir un mundo nuevo, y también tu grito desgarrado para despertarnos de nuestra indiferencia y para instarnos al compromiso por la justicia y la paz.

En los frutos generosos de tu inagotable trashumancia a lo largo y a lo ancho de nuestro Chile, que caracterizó tu vida, nos trajiste de vuelta el latido de la mejor música de nuestro pueblo.

Violeta, tú fuiste al mismo tiempo volcán, nostalgia y ternura; hoy, sigues siendo la madre tierra que nos cobija en los profundos pliegues de su alma. Una de las voces más poderosas de nuestra poesía y de nuestro canto.

Con tu voz, a veces desgarrada, otras, chispeante y socarrona en sus giros campesinos, contribuiste, a tu inconfundible e inimitable manera, a la siempre inconclusa tarea de construir un país más justo y equitativo, en el cual la cultura sea el pan cotidiano para todos. Un Chile repleto de niños, cantando y riendo al son de esa música nacida de tus dolores y alegrías, de tus esperanzas y sueños, mientras todos nuestros sentidos se llenan de la belleza creada por ti, entrañable cantora del pueblo.

Gracias, Violeta, por quedarte para siempre con tu gente.

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Cine Documental

«LOCAS MUJERES» María Elena Wood Largometraje documental.

Recibió el Fondo para el Desarrollo de Proyectos Audiovisuales CORFO (2007) y el Fondo Audiovisual del CNCA (2008).

«LOCAS MUJERES» El paisaje emocional chileno se completa con esta delicada y sensible visión sobre la intimidad de Gabriela Mistral, expuesta por ella misma y conservada para llegar a los cines.

POR VERA-MEIGGS

S

i hiciéramos caso a las enseñanzas de doña Gabriela Mistral cuando dijo, allá por los años treinta, que en todas las bibliotecas escolares de Chile debieran haber películas, tendríamos en nuestros documentales los mejores textos de estudio. Para enseñar Chile, las que mencionaremos aquí son ejemplos indispensables que la Maestra podría haber aprobado.

No es nuevo que los documentales chilenos alcancen la certidumbre y emoción que la ficción no logra. ¿Será la presunción imaginativa que traiciona las verdades simples de la realidad? ¿Tal vez la voluntad manifiesta de significar al mundo antes de descubrirlo? ¿La soberbia de un magisterio no entendido como servicio? Cualquiera sea la respuesta, da un resultado que no admite muchas discusiones en este momento: los documentales la llevan en Chile.

Sólo algunos ejemplos recientes bastarían para armar cinematográficamente el país ante los ojos de nuestros jóvenes, que tan necesi-

UNA BELLA Y MELANCÓLICA AVENTURA tados están. El Norte Grande está entero en Nostalgias de la luz, de Patricio Guzmán, el más famoso de nuestros documentalistas.

Cielo estelar y tierra seca son explorados en Atacama con el fin de encontrar el pasado. El techo nortino es transparente y los telescopios modernos se multiplican en sus cerros más altos. En el valle, las mujeres de los detenidos desaparecidos rastrean con instrumentos domésticos la tierra en la búsqueda dolorosa de algún vestigio que pueda ayudarlas. Emociones sin estridencias y un ritmo dictado por el bello paisaje mudo. Cine noble y útil que debiera estar en todas las escuelas para cumplir con los deberes de la memoria del sufrimiento que nos hemos dado.

GUARDADO CON CELO

El Sur Austral impregna la sensibilidad exhibida por Hans Mülchi en Calafate, zoológicos humanos, un título algo feo para una historia hermosísima, la del descubrimiento y repatriación de los restos de un grupo de fueguinos secuestrados a fines del siglo XIX

por un empresario alemán para ser exhibidos en un circo. Fácilmente transformable en un alegato moderno sobre los errores del pasado, la película sabe ir mucho más allá del utilitarismo político correcto y desmonta las tramitaciones burocráticas que el Estado chileno se guarda para ocasiones así, dejando de paso una estela de sospechoso racismo latente en una sociedad moderna y ansiosa de logros materiales. Melancólica y bella aventura por un paisaje esperanzado, filmado con respeto y contención.

El Centro, terremoteado como nunca, es el protagonista dolido de Mauchos, de Ricardo Larraín y Rodrigo Moreno. Difícil es quedarse indiferente ante una calamidad tan fresca y eso podría facilitar el golpe fácil al lagrimal de los espectadores, al mejor estilo televisión chilena. Pero al igual que Calafate…, aquí se trata de escudriñar en lo mejor de lo nuestro y no en lo abyecto y sórdido.

Los realizadores no esquivan lo terrible, pero nunca se solazan en ello y la destrucción parece suponer el comienzo de una nueva vida, que debiera ser mejor que la anterior. La

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naturaleza inescrutable e indiferente ante la desgracia humana es también vista con belleza y esperanza.

Pero el territorio nuestro no se agota en un mapa. La geografía chilena se extiende en su humanidad patiperra, que encuentra en Gabriela Mistral su ejemplo más preclaro.

Poco visitado por las cámaras, el mundo de la Mistral ha aparecido reducido a unos cuantos tópicos, en los que esmeradamente encerramos toda la perturbación que el personaje fue capaz de provocar y que ha costado tanto reconocer. Locas mujeres, de María Elena Wood,, escudriña en el archivo de Gabriela Mistral guardado con celo durante cincuenta años por Doris Dana,, su albacea testamentaria. Al fallecer Dana, su sobrina Doris Atkinson lega este archivo al Estado chileno. El documental retrata ese proceso, asomándose a algunos materiales escritos, pero también grabados en cintas magnetofónicas, fotografías y dos trozos filmados inéditos, en los que vemos a doña Gabriela en colores en el jardín de su casa en Estados Unidos.

Ya se sabe que las revelaciones que el archivo contenía echaron luces sobre la antigua sospecha del lesbianismo, y el documental no esquiva el tema, pero tampoco pone énfasis en él. La obra de Wood agrega a lo que ya se sabe un tono de suelta intimidad que aflora de las grabaciones y de los cuadernos manuscritos.

Si sólo fuera un tono, su aporte sería anecdótico, pero la cineasta sabe despegar desde ahí hacia los más profundos sentimientos que se guardaron estas mujeres y que una de ellas atesoró por medio siglo, cuidando el legado de sus recuerdos, consciente de que algún día sería de dominio público. En ese sentido, el documental es la perfecta continuación de esa voluntad y, por extensión, la de la propia poeta. No es el morbo el que alimenta toda la empresa, sino la exploración de un alma dolida por la tragedia, que logra encontrar un cariño que muchas veces los hombres le negaron y que, tal vez, ella se negó a sí misma.

Delicioso es reconocer esa voz algo monocorde, dulce y severa, que no servía para la recitación, pero en la que existía la travesura, la cavilación, la sensibilidad auténtica y la autoridad moral de la lucidez. En escuchar esa

Es evidente que Doris Dana no guardó cuidadosamente todo esto para que fuera depositado en un subterráneo eterno y Wood así lo entiende cuando revisa cajas y recortes, fotos y libretas.

ma lesbiana, es altamente significativo que no tome todo esto como un acto de proselitismo o justificación, sino como un deber hacia una cultura con la que no tiene deuda alguna. Mensajera de una misión que la precede, Atkinson parece colocada en una encrucijada que se soluciona con la donación a Chile y es ahí donde la obligación de difundir ese legado se vuelve necesaria.

Es evidente que Doris Dana no guardó cuidadosamente todo esto para que fuera depositado en un subterráneo eterno y Wood así lo entiende cuando revisa cajas y recortes, fotos y libretas. Lo que de ahí se desprende es una fragancia a tiempo ido, a amores ocultos, a desafíos intelectuales de envergadura y a emociones que sólo ahora parecen alcanzar carta de ciudadanía, cuando las podemos ver en pantalla, libres de polvo y aventadas por la transparencia de la operación. Mientras los textos de mayor enverEL TERRITORIO NUESTRO gadura ya alcanzaron la NO SE AGOTA EN UN MAPA. dignidad de la publicación en Almácigo, LA GEOGRAFÍA CHILENA SE el documental cumple EXTIENDE EN SU HUMANIDAD con sus deberes en lo PATIPERRA, QUE ENCUENTRA que respecta al imaginario cotidiano. En ese EN GABRIELA MISTRAL SU aspecto, la fantasmal EJEMPLO MÁS PRECLARO. aparición de la Mistral posando para la película alcanza insólitos niveles de magia y extrañeza. voz, amenizada con pertinentes imágenes del No parece ella y ni siquiera parece humana, contexto en que todo eso se dio, es que el do- más bien un símbolo, una vestal mestiza, discumental fluye con delicada armonía. Por eso tante, alta y majestuosa, cuya sonrisa no logra quizás las revelaciones más íntimas no causan hacer aterrizar su humanidad en las estrechas extrañeza. La envoltura sutil, el entramado de dimensiones de la pantalla. Esa imagen casual, complicidades que se adivinan y el ritmo pau- pero también misteriosa y sugestiva, debiera sado y cotidiano permiten una entrega plena entrar a competir con las solemnes fotogray natural a una vida doméstica guardada con fías oficiales repetidas hasta hoy. Esas breves celo comprensible. escenas hablan de una gran mujer, asignada a cumplir un destino mayor, pero que quería NECESARIA DIFUSIÓN también simplemente ser amada, como todas las personas.

Interesante resulta también el rol de DoNo deja de resultar interesante que María ris Atkinson como heredera del archivo. Una Elena Wood sea hermana de Andrés Wood, persona común y corriente que debe cumplir cuya Violeta se fue a los cielos coincida en con deberes no buscados y que reflexiona so- las pantallas y esté recogiendo un singular bre ello a partir de la tragedia de Yin Yin, el éxito con una biografía sobre otra grande de sobrino suicida de la Mistral. Siendo ella mis- nuestra cultura: Violeta Parra.

PAISAJE DOCUMENTAL / 3 ejemplos recientes

«NOSTALGIA DE LA LUZ» Patricio Guzmán

«MAUCHOS» Ricardo Larraín y Rodrigo Moreno

«CALAFATE, ZOOLÓGICOS HUMANOS» Hans Mülchi

“Hay hechos que no tienen forma, sufrimientos que no tienen lengua”, Percy Bysshe Shelley (1792-1822), poeta inglés.

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Cine Documental

«Historia del viento», su última obra realizada en China y en que a los noventa años enfrenta el viento “Que me debe alejar de este mundo… para renovarlo”.

Documentalista de los grandes movimientos sociales del siglo XX e importante estimulador del género en Chile.

Joris Ivens

el holandés errante primer plano de un caballo en el jardín delantero del hogar paterno, para lo cual el animal debió atravesar por el interior de la casa, con la consiguiente destrucción de mobiliario, tuberías y lámparas. La madre presagió que tal empeño no prometía nada de bueno.

Luego vendrían los estudios de economía, indispensables para la administración del negocio familiar, y con ellos el descubrimiento del activismo político, el aprendizaje de idiomas y los contactos con federaciones estudiantiles de toda Europa, especialmente desde que continuara sus estudios en óptica y física fotográficas en Berlín en los años veinte.

Por Vera-Meiggs

H

ay cineastas que han marcado una época con sus imágenes (Eisenstein es la revolución soviética por antonomasia; en el bando contrario, Leni Reifensthal es el nazismo), otros han logrado abarcar dos, como Hitchcock desde sus años treinta ingleses hasta los sesenta norteamericanos. Raros son los casos que parecen haber cubierto un siglo entero, como Manoel de Oliveira, que a sus ciento un años (no es error de imprenta, ¡101 años!) sigue activo y vigente. Joris Ivens es de esa estirpe, aunque vivió sólo… 90.

Es absolutamente imposible hacer una historia del cine sin mencionarlo, a pesar de que su nombre no tiene la popularidad de otros y sus películas no son tan fáciles de encontrar, simplemente por el hecho de ser documentales. Nadie filmó más y mejor los grandes acontecimientos sociales del siglo XX. Durante más de sesenta años enarboló la más inquieta cámara, la más certera y apasionada, la más cercana a la vida y a la muerte del hombre contemporáneo.

Joris nació en las postrimerías del siglo XIX en una Holanda imperial y al mismo tiempo familiar e intimista, donde la tradición y la religión articulaban el ordenamiento colectivo. La suya era la tercera generación de Ivens

El calor del público

Cuenta en sus memorias cómo se empeñó en filmar un primer plano de un caballo en el jardín delantero del hogar paterno, para lo cual el animal debió atravesar por el interior de la casa.

fotógrafos y su destino era la mantención del oficio familiar, algo que efectivamente cumplió hasta los treinta años. El resto de su vida lo dedicaría al uso de “ese artefacto raro”: una cámara filmadora Pathé que estaba en el estudio de su abuelo y con la que hizo su primera película, una de vaqueros interpretada por padres y hermanos, siendo él el director, el camarógrafo y el intérprete de Rayo de Fuego, un indio de piel embetunada con cacao en polvo y con un penacho de plumas de pavo pertenecientes al ave de un vecino. Cuenta en sus memorias cómo se empeñó en filmar un

Instalado definitivamente en Amsterdam y seducido por el ambiente intelectual, comienza a aficionarse al cine-arte, actividad muy controlada por la censura de la época.

De ahí surge su necesidad de crear la Filmliga, la primera agrupación de cinéfilos del reino, cuyo gran éxito le permite traer filmes y realizadores de la vanguardia europea, de los que aprende en modo obsesivo. Al punto que ni él puede recordar el momento en que pasa definitivamente a la realización y cómo este nuevo empeño lo empuja a abandonar la empresa familiar a la que tanto debe. Es el final de los años veinte. De estas fechas pro-

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CIERTAS DIFICULTADes

Vuelve a Holanda totalmente transformado. Abandona sus experimentos formales y se entrega de lleno a participar activamente en los conflictos sociales de una época convulsionada por la pobreza desatada por el capitalismo. La URSS le da la ocasión para realizar un documental sobre la construcción de una siderúrgica en los Urales. Sigue con «Borinage» (1933), que retrata la atroz vida de los mineros belgas en huelga y la polémica no se hace esperar. Llega a España para filmar la Guerra Civil, a lo que se suma Ernest Hemingway, quien escribe un texto que es leído por un joven actor de talento llamado Orson Welles, que así realiza su primer trabajo cinematográfico. «Tierra de España» (1937), probablemente el más bello filme que produjo aquella tragedia, es estrenada en la Casa Blanca, pero Franklin D. Roosevelt no cambia su actitud de no intervención frente al conflicto. Aun así, Ivens, Hemingway (quien finalmente grabará la versión definitiva de su propio texto), Lillian Helman y otros intelectuales lograrán reunir dinero para enviar ambulancias a la causa republicana.

Las urgencias son mayores que las posibilidades de reflexionar sobre las formas que ha ido adquiriendo el lenguaje de Ivens y al año siguiente llega a China para filmar la guerra

ficando todos los aspectos técnicos. De ahí salta a los recién inaugurados socialismos de Europa del Este, que rápidamente lo aburren y vuelve a su viejo amor: la capital francesa. Inspirado por unos versos de Jacques Prèvert, filma «El Sena encuentra a París» (1957) y encuentra el esquivo favor de la crítica, los premios y el éxito de público, todo lo cual lo estimulan hacia nuevas aventuras: Italia, Mali, Laos, Vietnam, Cuba y Chile. Aquí realiza «A Valparaíso» (1963), donde da rienda suelta a su vena lírica y obtiene no poca fama, pese a que el equipo chileno hasta hoy no le perdona ciertas banalidades. En todo caso, su paso por nuestro cine marca un antes y un desIvens (izquierda) junto a Ernest Hemingway durante la filmación de una pués en el desarrollo del documental. Le escena sobre la Guerra Civil española. siguen «El circo más pequeño del mundo», Ivens vuelve contra la invasión japonesa, esta vez acom- nuevamente con colaboración de Prèvert, al Puerto pañado del famoso fotógrafo Robert Capa. y «El tren de la victoria» (1964), sobre la «Los 400 millones» es quizás más orgánica campaña presidencial de Salvador Allende.

En el próximo que la obra anterior y es también un docuEn Vietnam recibe la colaboración de MarFestival de Cine Recobrado de Val- mento inapreciable de ese terrible conflicto celine Loridan, cineasta francesa que pasa a ser su esposa y juntos paraíso se exhibirá que sólo ha vuelto a ser están en la realización de una muestra selec- mencionado por el cine Es absolutamente todos los trabajos futuros, cionada de la obra reciente. Aquí se inicia incluyendo la URSS, Chide Joris Ivens, que una larga relación entre imposible hacer una na nuevamente y también incluirá las siguien- Ivens y el pueblo chino, historia del cine sin al que vuelve en diversas Holanda, donde es rehates piezas: oportunidades.

La pelíbilitado después del epimencionarlo, a pesar de «Indonesia llama» cula se estrena con ciertas sodio de Indonesia.

(Indonesia, que su nombre no tiene dificultades en 1939, pero Cineasta materialista, Australia, 1946) es prohibida en muchas panteísta a veces, poléla popularidad de otros «Carnet de viaje» partes por el temor que mico, pero siempre soy sus películas no son tan (Cuba, 1960) despierta la agresividad cial más que ideológico, «600 millones japonesa.

Finalmente lo que ha permitido la fáciles de obtener. con usted» estalla la guerra e Ivens buena sobrevivencia de (China, 1958) debe permanecer en Essu obra, llega al final de tados Unidos.

Logra convencer a la ya retirasu existencia comprobando que los cuatro «Borinage» da y legendaria Greta Garbo para hacer una elementos servían para dar organicidad a (Bélgica, 1933) película sobre la resistencia escandinava, pero su abundante y desperdigada obra: Fuego, «Cuba, pueblo las autoridades diplomáticas persuaden a la Agua, Tierra y Aire. A este último le dedica armado» estrella de la necesidad de “hacerse la sueca” «Historia del viento», su última obra realiza(Cuba, 1961) por las represalias que podría sufrir su familia, da en China y en que a los noventa años en«Tierra española» y el proyecto naufraga. frenta al viento “que me debe alejar de este (España, 1937) mundo… para renovarlo”, como dice en su Encuentro con Chile presentación en Venecia, donde hace gratos «Zuiderzee» recuerdos de Chile, “…al que volveré como (Holanda, 1930-33) La inquietud errante no lo abandona y viento desde el Pacífico, para ver el renacer «Comienza la parte a Australia para hacer un filme so- de la democracia…”. primavera» bre la guerra de liberación de Indonesia y Es septiembre de 1988. Fallece meses des(China, 1958). aunque las autoridades holandesas lo des- pués y su viuda Marceline Loridan mantiene autorizan, logra realizar su objetivo, sacri- hasta hoy la difusión de su extensa obra.

Latinstock

vienen sus primeros trabajos, centrados en la experimentación formal y en el descubrimiento del lenguaje. Muy influenciado por el cine soviético y la vanguardia francesa, Ivens explora con ejemplar intimismo holandés temas menores y casi anecdóticos: «Estudio de movimientos» (1927), «El puente» (1928), «Lluvia» (1929), pero lo hace con rigor estético, sentido plástico y la rara capacidad de traducir una atmósfera emocional, a pesar de ser la figura humana una ausencia casi constante.

Justamente de tal ausencia es que tendrá su aprendizaje más intenso. Invitado a la Unión Soviética, descubre las tensiones y placeres de una relación inédita con el público. Es llevado de una república a otra a presentar sus cortometrajes y luego mantiene diálogos con unos espectadores inquisitivos hasta la impertinencia, de los que aprende la importancia que su trabajo puede despertar en las emociones de las masas.

Algunos títulos que marcaron su paso por el cine

«Valparaíso»

«Lluvia»

«Indonesia llama»

«Borinage»

“El arte de la vida consiste en hacer de la vida una obra de arte”, Voltaire (1694-1778), escritor, filósofo y abogado francés.

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Moda

AIRBORNE Otoño/Invierno 2007.

Presentada en cuatro partes -primavera, verano, otoño e invierno- la colección muestra cómo los ciclos del clima son paralelos a los ciclos de la vida y la muerte del cuerpo.

HUSSEIN CHALAYAN RÉCITS DE MODE (Relatos de moda) Museo de Artes Decorativas de París (107 rue de Rivoli).

Hasta el 13 de noviembre.

Curado por Pamela Golbin.

Montaje de Block arquitectos www.lesartsdecoratifs.fr

HUSSEIN CHALAYAN

LA MODA ES

EL MENSAJE

Vestidos que se transforman en mesas, otros comandados por control remoto. Así es la obra de este creador, donde la arquitectura, el arte y el diseño se mezclan para abordar el cuerpo desde un punto de vista tecnológico.

POR ROSARIO BRIONES

Fotos: Museo de Artes Decorativas de París / © Christopher Moore

V

estirse nunca tuvo antes tanto significado como con Hussein Chalayan. En 1993 presenta su primera colección, The Tangent Flows, una serie de vestidos de seda que entierra con sedimentos de fierro en un jardín durante tres meses para metamorfosearlos totalmente por oxidación y por la alteración de los tejidos (las modelos deben vacunarse contra el tétano antes del desfile). Este es el resultado de una profunda reflexión en torno a la materia y el espíritu, sin embargo, tiene claro que sus colecciones deben ser usables y que su concepción puede permanecer en el misterio para sus clientes: “Es el resultado lo que cuenta, ellos no tienen por qué conocer el proceso”.

Sus “Buried Dresses” (vestidos enterrados) despiertan el entusiasmo inmediato de la crítica, marcando el inicio de una carrera que el Museo de Artes Decorativas de París ha querido presentar. La exposición está dividida en

dos etapas, la primera exhibe colecciones e instalaciones con los grandes temas del diseñador: los límites geográficos, culturales y técnicos. La segunda, el movimiento, la velocidad y la interpretación del tiempo y del espacio.

Su obra devela su historia personal y sus posiciones ideológicas, llenas de multiculturalismo. Chalayan nace en 1970 en Nicosia, Chipre (luego su familia se traslada a Londres, donde estudia en la Central Saint Martins). Crece en la isla mediterránea en medio del conflicto entre turcos y griegos, viendo cómo los turcos-chipriotas, incluidos miembros de su familia, sufren la “limpieza étnica” antes de 1974, cuando Chipre es dividida.

Esta experiencia se refleja en After Words (Después de las palabras) otoño-invierno 2000, donde explora la experiencia de la guerra y del desarraigo, y cómo la gente debe esconder sus bienes para llevarlos con ellos al destierro. Presenta la colección en una pieza blanca y minimalista, amoblada como una sala de espera, con cuatro butacas, una mesa, un televisor y una repisa llena de objetos. Las modelos entran y comienzan a vestirse con las fundas de las sillas, guardan todos los obje-

«Remote Controle dress»

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AIRBORNE Primavera/ Verano 2007.

Combinación de cristales Swarovski y miles de ampolletas LED. BETWEEN Primavera/ Verano 1998.

Investigación en torno a la noción de identidad.

GEOTROPICS Primavera/ Verano 1999.

Geotropismo es el crecimiento de un organismo orientado por la fuerza de gravedad.

“NO ME IMPORTA LA HISTORIA DE LA MODA Y TAMPOCO ME GUSTAN LAS REVISTAS ESPECIALIZADAS. ME OCUPO DE REFLEJAR, CULTURALMENTE HABLANDO, LA FUNCIÓN DEL CUERPO EN RELACIÓN CON LA ARQUITECTURA, LA CIENCIA O LA NATURALEZA, E INTENTO QUE MIS CONOCIMIENTOS SE REFLEJEN EN MI OBRA”. (1)

tos de los estantes en sus bolsillos, elaborados especialmente para este fin. La última modelo mete sus pies en el centro de una mesa de madera que se despliega hasta su cintura, transformándose en una falda voluminosa.

Las butacas se pliegan y se transforman en maletas, que las modelos se llevan, dejando la sala vacía.

PREMIOS

ROPA ANIMATRÓNICA

Considerado uno de los diseñadores más innovadores y visionarios de su época, desde sus inicios se distingue por experimentar de manera original con diferentes medios, como la escultura, el mobiliario, el video y los efectos especiales del cine. Es el creador de un nuevo concepto: la ropa animatrónica, que utiliza la tecnología para replegarse, estirarse, cambiar de forma o de color e incluso desaparecer con sólo apretar un botón.

Una de sus obras más emblemáticas es el Remote Controle dress, de la colección Before Minus Now (primavera-verano 2000). Con su estructura blanca, lisa y móvil parece salida de una fábrica de aviones. Chalayan explora los poderes de la expansión, el magnetismo y la erosión, y cómo estos elementos pueden ser aplicados sobre la ropa para modificar su forma. El modisto investiga constantemente nuevos campos de reflexión, se interroga tanto sobre la ropa como por el cuerpo que la porta, redefiniendo el contorno de la vestimenta en su rol social, sin olvidar jamás que el medioambiente tiene tanta importancia en su trabajo como la búsqueda formal.

AFTER WORDS Otoño/Invierno 2000.

Reflexión en torno a la guerra y el destierro y cómo la gente debe esconder sus cosas para llevarlas consigo.

En la foto, una mesa de madera se transforma en una falda para “camuflarse”.

“El buen humor es una de las mejores prendas de vestir”, William M. Thackeray (1811-1863), novelista inglés.

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Dos veces consagrado British Designer of The Year (1999 y 2000), nombrado Miembro de la Orden del Imperio Británico en 2006, desde 2008 es director creativo de la marca Puma.

Su obra ha sido exhibida en todo el mundo, desde la 51 Bienal de Venecia (2005, representando a Turquía), hasta el Victoria & Albert Museum (Londres, 2001) y el Museo de Arte Contemporáneo de Tokyo (2010).

(1) «Moda, el siglo de los diseñadores» Charlotte Seeling Editorial Könemann

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Literatura El octeto de los ochenta 2. Jorie Graham (Nueva York, 1951)

3. Mark Doty (Tennessee, 1953)

G

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anadora del Pulitzer 1995, está comprometida con el esquema humano completo -intelectual, global, doméstico, apocalíptico- y se instala como una constructora de experiencias. Jorie Graham busca sumergir al lector (“Yo te puedo llevar hacia allá…// …

Esto es/ lo que los vivos hacen: entran”), ya sea en asuntos filosóficos o políticos, ya sea en sí misma, y retener cada momento, porque “Nada volverá a ser como era”. Su amor por el arte y la filosofía son centrales en su obra, en la cual explora constantemente la polaridad existencial; las tensiones entre cuerpo y espíritu, entre lo mítico y lo real, entre el movimiento y lo estático.

arece en un primer momento extasiado ante el glamour de las grandes ciudades, pero un poco más allá de lo externo hay una inherente reflexión sobre la evanescencia implícita en la fascinación con lo superfluo. Doty se cuestiona el modo de estar en el mundo: “Él lo dice como si ya hubiese tenido suficiente (…)// aunque lo que quiere decir es/ que nunca va a estar satisfecho y, por lo tanto// ha establecido esta disciplina,// un tipo de ensayo severo”. Su lenguaje tiene el color de un momento irrepetible, ya sea el fortuito encuentro con una mujer desconocida en la calle o con un tipo psicótico que vende poemas. Doty forja, a través del habla, una forma de expresar cómo es ser uno mismo, atravesando diferentes puertas de la vida y de la muerte: “¿De qué color es/ el reverso de la piel?/ No es tan malo, morir/ si pudiésemos abrirnos/ a esto (…)”, escribe en «A Green Crab’s Shell».

En busca de

sí mismos Una revisión de la poesía de ocho autores estadounidenses nacidos en los años cincuenta, que corresponderían a la generación de los 80.

1. Edward Hirsch (Chicago, 1950)

S

e interna en oscuros abismos del alma humana y, en este sentido, es como un valiente héroe siguiendo los pasos de Homero, Virgilio, Dante o Milton.

Como sostenía Ezra Pound, Hirsch cree que sólo las emociones permanecen y éstas surgen urgentes, ya sea al abordar asuntos familiares o mundanos. En el poema «My father’s back» leemos: “Yo no sé por qué volvemos sobre nuestras viejas heridas/ Una y otra vez en la mente, los falsos comienzos/ los verdaderos inicios/ de un mundo que llamamos pasado,/ como si nos pudiera descifrar quiénes somos ahora,/ o lo que fuimos, o pudimos haber sido…”. Hirsch otorga posibilidades de redención tanto al arte como al amor, aunque a veces sea a través de una escritura desbordantemente cruda.

Por Jessica Atal K.

E

n 1844, Ralph Waldo Emerson (18031882) termina de escribir su segunda colección de «Ensayos». Entre ellos está «El Poeta», donde el filósofo insta a estos artistas a dedicarse de lleno a recrear el imponente paisaje estadounidense, ese “poema ante nuestros ojos”, ya que el poeta es capaz de recrear las diversas manifestaciones de la naturaleza y del Universo entero, pues el mundo externo es, a su vez, manifestación del alma.

Más o menos en esa misma fecha, Alexis de Tocqueville finaliza «Democracia en América», donde afirma no haber encontrado en aquella época grandes expresiones artísticas en Estados Unidos, pero sí predice un buen futuro al afirmar que allí existe la libertad de espíritu y, lo más importante, reinan intensas pasiones.

En este sentido, Emerson y Tocqueville coinciden en que el objetivo del poeta sería ahondar en el alma humana, revelar sus misterios, y el poema, a su vez, debe sorprender más que complacer, remecer las emociones más que satisfacer el gusto estético.

Alejado de temas históricos (ya que poca o nada era la historia que podían condensar entonces como

nación), el sujeto de la poesía estadounidense será el “sí mismo”, la exteriorización del alma. Las pasiones y las ideas serán el terreno de la creatividad; y revelar “el espíritu interior”, la finalidad del poeta.

Es en el siglo veinte cuando Estados Unidos experimenta el apogeo artístico que corrobora las palabras de estos visionarios. A Walt Whitman lo siguen los grandes de la poesía moderna: T.S. Eliot, Ezra Pound, William Carlos Williams, Marianne Moore, Hart Crane, Wallace Stevens.

Luego aparece otro grupo que llega a ser aún más diverso y atrevido que el anterior. Son muchos los que aquí marcan pauta: desde Robert Lowell, Elizabeth Bishop, Theodore Roethke, John Berryman y Robert Penn Warren hasta Frank O’Hara, Allen Ginsberg, John Ashbery, Anne Sexton, Seamus Heaney, Sylvia Plath y Mark Strand, entre otros. En estas líneas, sin embargo, revisaremos la poesía de ocho autores nacidos en los años cincuenta, que corresponderían a la generación estadounidense de los 80. Todos ellos -en formas y perspectivas diversas- han plasmado en su obra las pasiones, dudas y reflexiones que mueven e inquietan el alma de lo que tanto Emerson como Tocqueville esperaban encontrar en un verdadero poeta norteamericano.

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4. Gjertrud Schnackenberg (Tacoma, Washington, 1953)

5. Carl Phillips (Everett, Washington, 1959)

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nriquece su lenguaje con imágenes de luz y sombra. Poeta del Nuevo Formalismo, utiliza modos tradicionales en ritmo y métrica. Sin embargo, a pesar del rigor formal e intelectual, Schnackenberg no subyuga las corrientes emocionales, esa pasión que fluye tanto en su poesía más íntima como en formas épicas, legendarias y mitológicas. Fluctuando continuamente entre lo lírico y lo épico, uno de sus poemas más conocidos es «Supernatural Love», una escena entre una niña de cuatro años y su padre que hojea las páginas de un diccionario, donde las definiciones de ciertas palabras («Carnation», por ejemplo) van estableciendo relaciones, entretejiendo hilos cuya repetición en contextos diferentes profundiza la resonancia de su verso.

uvo la temprana influencia de los antiguos griegos y romanos, en especial Tucídides, Cicerón y Tácito. De ellos, el poeta afroamericano suscribió la fuerza de la síntesis, el uso de la compresión cuando se trata de vértices y matices emocionales o psicológicos. Los primeros versos del poema «Revisión» dicen: “Lo que es peor –no ser/ yo mismo, por largas horas, pudiendo/ dar cuenta de mi propia ausencia”. Phillips se atiene a la naturaleza humana (la propia) para llevar magistralmente sus poemas a fronteras minimalistas por el camino sutil de la intuición.

Phillips descubriría más tarde a los metafísicos ingleses, como George Herbert y John Donne, y según el jurado que en 1998 le otorgó el National Book Award, sus apasionados y líricos poemas se leen como rezos: aparecen las mismas vacilaciones, los mismos arrebatos, pero siempre hay detrás un profundo deseo de precisión.

6. Rita Dove (Akron, Ohio, 1952)

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a segunda afroamericana Premio Pulitzer de Poesía (1987), tiene en «Canary» uno de sus poemas más hermosos. Es una íntima elegía a Billie Holiday que termina con un verso que acaso cierra emblemáticamente el destino de la artista: “Si no puedes ser libre, sé un misterio”. Su obra refleja su interés por la música y el arte, así como su compromiso con asuntos raciales, donde su mirada temeraria se fija en verdades de lo humano, en eventos que han marcado la infeliz segregación de afroamericanos en el mundo. Su poema «Parsley» es el relato de un hecho criminal cometido por Rafael L. Trujillo en 1957, cuando ordenó matar a 20 mil negros por no poder pronunciar la letra “r” en la palabra “perejil”. En su trabajo más reciente, «American Smooth», aborda la danza, su gran pasión, que ella vive aquí como una continuación de la poesía, ambas expresiones libres de gracia y movimiento.

7. Henri Cole (Fukuoka, Japón, 1956)

Todos ellos -en formas y perspectivas diversas- han plasmado en su obra las pasiones, dudas y reflexiones que mueven e inquietan el alma de lo que tanto Emerson como Tocqueville esperaban encontrar en un verdadero poeta norteamericano.

8. Li-Young Lee (1957, Indonesia)

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sa el silencio de una manera tal que se acerca al misticismo, aún cuando está totalmente comprometido con la vida, construyendo y dándole forma a su yo interno a través del lenguaje. En su poema «One Heart» dice: “…El primer cielo/ está dentro de ti, abierto/ en ambos finales del día”. Lee emigró en 1964 a Estados Unidos y aunque se le ha definido como un poeta en extremo lírico, usa elementos narrativos para plasmar terrenos universales. En «This Hour and What is Dead» escribe: “En esta hora, lo que está muerto es inquietante/ y lo que vive es fugitivo”. Lee mantiene una visión profunda, seriedad y un ideal heroico que recuerda a John Keats, a Rilke y, tal vez, a Theodore Roethke. En palabras de Lee, “todo es forma del Cosmos o de Dios”.

“Con mi poesía no he tenido un propósito, sino una pasión”, Edgar Allan Poe (1809-1849), escritor estadounidense.

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stá consciente de los miedos que puede enfrentar en el territorio poético, pero eso es lo que busca, y, a modo de rito inicial, entregándose a las musas, en «Chiffon Morning» pide al «pequeño poema» que le ayude a decir todo lo que tiene que decir, pero mejor. Cole se interna en las misteriosas relaciones entre el sufrimiento, el amor y la alegría a través de un lenguaje que toca lo puramente humano, totalmente lejos del escapismo. Se trata de conocer y expresar sensaciones y él tiene a su favor una memoria nítida de crudas imágenes de infancia, que utiliza recurrentemente para elaborar un yo en todos sus tiempos. Sobre su obra, el autor dice: “Me he acostumbrado a la astringencia; ya no tengo ninguna compulsión por esconder o apaciguar la verdad”. En «Beach Walk» leemos: “Caemos, caímos, estamos cayendo. Nada lo mitiga/ El oscuro embrión desnuda sus dientes y nosotros pasamos a otra cosa”.

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comic

Nuevos superhéroes rocKeros, tangueros y cantantes

de la novela gráfica desde jimi Hendrix a carlos gardel, los cómics profundizan con rigor periodístico -y algunas licencias de la ficción- las vidas de aquellos que se dedican al oficio de las canciones. por J.C. RAMÍREZ FIGUEROA

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i superhéroes existencialistas ni confesiones personales. La actual novela gráfica está comenzando a esquivar estas rutas -históricamente las más elogiadas y exitosas- para arriesgarse en las biografías, como si de una investigación periodística se tratase.

Y no es que antes no hayan existido (incluso la vida de San Alberto Hurtado fue convertida en cómic en los noventa). Lo interesante es que los últimos lanzamientos se centran en los músicos: desde Carlos Gardel a The Smiths.

Por supuesto, todas estas biografías son narradas con los mismos elementos de expresividad del dibujo y profundidad de los guiones presentes en obras maestras del género, como «Maus», de Art Spiegelman, o la saga «Hate», de Peter Bagge. Auténticas epopeyas ilustradas que suspenden al lector en una dimensión más allá de la típica película, libro o documental televisivo con que se suele hablar de los músicos.

Quizá se esté cumpliendo lo que la revista «El Cultural» de España vaticinó: “La epopeya es al héroe griego lo que el cómic a la estrella del rock”.

TANgO, miTOS Y viÑeTAS

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na de las obras más significativas es «Carlos Gardel, la voz del río de La Plata», de Carlos Sampayo y José Muñoz. El trazo duro en blanco y negro potencia el ambiente bohemio y cargado de nicotina por el que transitó el “zorzal criollo”.

La historia comienza con un debate en televisión donde diversos “conocedores” (un sociólogo, un doctor autodenominado “máxima autoridad en temas gardelianos”) hablan del cantante. Inmediatamente el lector advertirá que no lo conocen tanto. Hasta que en otra viñeta aparece un anciano que dice: “Yo conocí a ese hombre”.

Esto nos lleva al tema de fondo: los mecanismos con que Argentina -y Latinoamérica- construyen los mitos populares. Un trabajo que en la práctica los autores se tomaron con sumo cuidado. “Más de una vez pensé en tirar la toalla, y cuando lo terminamos sentí un inmenso alivio”, señaló Sampayo en una entrevista acerca de este libro premiado en Francia y recién llegado a Chile.

Acá vemos a Gardel en el hipódromo, en Nueva York, tocando guitarra, con mujeres, extrañando Buenos Aires. Cada episodio

hace referencias a las letras de los tangos que interpretó. Ese es el blindaje que usan los autores, que afirman no querer crear un nuevo mito. “Carlos Gardel, incluso desaparecido físicamente, se defiende bien, tanto de alabanzas como de censuras, aunque estas últimas son infrecuentes... Partimos de la base de que nadie conoce la vida verdadera de Gardel, sus datos nacieron diluidos”, señalan los autores en la “advertencia preliminar” de la novela gráfica.

Ellos reconocen que al momento de planificar el libro no tenían hilo conductor: “Parece baladí, pero sin hilo se deshacen las costuras de cualquier historia. Y un buen hilo es siempre oro”. Afortunadamente, un artista amigo -Oscar Zárate- les dio la clave: “(Gardel) es el país. Yo le daría voz al país a través de Gardel. Es la República Argentina la que habla...

Gardel obedece a un anhelo, el de la necesidad de un país de establecerse como tal”.

Sólo así podemos entender una obra cruzada por el misterio, la nostalgia y la estatura mítica de Gardel. «carlos gardel. La voz del río de la plata» José Muñoz y Carlos Sampayo (Libros del Zorro Rojo. Barcelona, 2010).

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el príncipe valiente de la guitarra

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na de las sorpresas de la temporada ha sido «Electric Requiem», cómic italiano centrado en la vida de Jimi Hendrix, sin duda, uno de los guitarristas más grandiosos de la música popular. Y no sólo por sus composiciones que transitan -y mezclan- el funk, jazz, blues y ruidismo. También por establecer una estética del espectáculo rock: tocar con los dientes, prenderle fuego a la guitarra, usar la amplificación y los efectos intuitivamente.

Su estructura simula un disco conceptual, donde cada capítulo es una canción. Las canciones se organizan en tres partes: nacimiento, auge y declive. “Hemos intentado crear un libro que jugase con las reglas del cómic como Jimi jugaba con las estructuras musicales”, explican los dibujantes y guionistas Mattia Colombara y Gianluca Maconi.

Aunque el músico falleció en 1970, cuando tenía apenas veintisiete años (y sólo había sacado tres discos) por causas que aún se desconocen pero que se han vinculado a su afición al alcohol y a las drogas, el libro prefiere esquivar lo escabroso y optar por lo místico. Por un lado, la cultura cheyenne y por otro, el contexto afroamericano. Las dos influencias que configuraron su identidad.

Además, hay varios pasajes “surrealistas” donde Hendrix combate contra

monstruos para lograr conseguir la piedra filosofal de la música. Todo esto inspirado en un dato no tan conocido: al guitarrista le encantaba «El príncipe valiente» cuando era niño. En otra escena aparece vestido como Hamlet y declara: “El amor no quiere a nadie en estos tiempos”.

Pero también hay rock. Están sus encuentros con Eric Clapton o la pelea con Pete Townshend en pleno Festival de Monterey (1967). Recordemos que ésa fue la presentación donde Hendrix saltó a la fama en Estados Unidos (él construyó su carrera en Inglaterra) y donde sacó todos los recursos de su guitarra. También aparecen Los Beatles y los Rolling Stones, entre otros.

Los autores explican que buscaron hacer una historia universal, donde el guitarrista pudiese comunicarse con cualquier lector.

“Esperamos que los apasionados de la guitarra no se hayan molestado al no encontrar revelados misterios increíbles”.

«Electric requiem» Mattia Colombara y Gianluca Maconi.

(Editorial La Cúpula. España, 2011).

Avalancha de héroes-músicos

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os cómics sobre The Smiths, Gardel y Hendrix son sólo el comienzo de algo que debería convertirse en tendencia. Ya lo fue en los sesenta, sin la sofisticación de la novela gráfica, cuando Stan Lee, de Marvel Comic, decidió incluir a The Beatles en las aventuras de «Los cuatro fantásticos» en el carísimo número 130 de la serie «Strange Tales», donde los músicos de Liverpool aparecen dibujados por Jack Kirby. Además, ha habido referencias a la banda en Batman, por ejemplo, e incluso se pueden ver por internet en el completísimo sitio Beatlescomic.com

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todas estas biografías son narradas con los mismos elementos de expresividad del dibujo y LA profundidad de los guiones presentes en obras maestras del género.

Auténticas epopeyas ilustradas que suspenden al lector en una dimensión más allá de la típica película, libro o documental.

The Smiths o cómo dibujar las canciones que salvan vidas

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oviembre será un mes marcado por el lanzamiento de «Unite and take over», una colección de cómics inspirada en The Smiths. Una banda que en los ochenta (junto a The Cure y Housemartins) se convirtió en la cara masiva de un pop sensible, guitarreado y con un concepto lírico de alto impacto.

Titular un disco en Inglaterra como «La reina ha muerto», o usar el humor negro para una canción de amor (“Y si un bus de dos pisos nos mata/morir a tu lado sería una celestial forma de morir”), no es un logro cualquiera.

Así, las letras del cantante Morrissey fueron el motor para que el editor estadounidense Shaw Demembrum encargara a dieciséis artistas construir historias gráficas a partir de las canciones de la banda. Algunas elegidas son «Girlfriend in a coma» (un calmado tema sobre

una chica grave y el novio asegurando que la cosa “es seria”) o «How soon is now».

Según lo que ha adelantado “The Guardian”, estas mininovelas gráficas abarcan desde el propio Morrissey convertido en superhéroe hasta la recreación textual de las historias contenidas en las canciones.

El editor ha declarado que cuando adolescente escuchó tantas veces «Please, please, please let me get what I want», que llegó a desgastar la cinta del caset que la contenía (algo común entre los fans de la banda, que encontraron una especie de salvavidas en canciones que son bastante más complejas -y retorcidas- que lo que insinúan sus títulos). Y reconoce que cuando las escucha le invade una “extraña sensación de soledad y optimismo que solo consigue sentir con las canciones de Morrissey”.

iss fue una de las primeras bandas en tener una serie propia, editada por la Marvel en 1977. Con más bajo perfil, The Ramones también protagonizó tiras cómicas. Un referente establecido fue «Rock´n´roll comics», editado entre 1989 y 1992, con biografías no autorizadas de Guns N´Roses, The Cure, Bob Dylan, Metallica o Frank Zappa. En Europa -como recalca un estupendo informe del sitio Muzikalia.com- se siguió una línea más fina, cuyos protagonistas eran bandas como The Cramps o The Clash.

Más recientemente, en Francia se han editado novelas gráficas de Edith Piaf o Sèrge Gainsbourg, mientras que en Estados Unidos se ha actualizado el panteón de héroes con Nirvana o Michael Jackson.

“Lo que embellece al desierto es que en alguna parte esconde un pozo de agua”, Antoine de Saint-Exupéry (1900-1944), escritor francés.

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Música

LOS PRODUCTOS DEL

PRODUCTOR Su rol pasa inadvertido entre los oyentes casuales, pero muchas veces han sido responsables de decisiones e innovaciones artísticas que han cambiado la cara de la industria musical. El productor de un disco puede ser tan importante como el intérprete que lo firma.

POR SERGIO FORTUÑO L.

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ntre esa especie en extinción que son los compradores de discos, se sabe que la información relevante en los créditos de un álbum no son sólo el título, el nombre de la banda y las canciones incluidas. Quien aparezca como productor aportará una buena porción de antecedentes sobre qué esperar de esa grabación e incluso puede favorecer o desfavorecer la decisión de compra.

Los productores se transformaron en figuras clave de la industria musical a mediados del siglo pasado, cuando la música popular se convirtió en un negocio a escala mundial dedicado principalmente a la juventud. Las nociones de estilo e identidad, relevantes a partir de la adolescencia, no siempre son prioritarias para músicos que funcionan sólo como ejecutantes de una composición o compositores de una pieza cuyo registro final les es indiferente.

Para lograrlas, se recurre al productor.

Los productores en la industria discográfica son una mezcla entre artistas, ingenieros y empresarios. Según Phil Ek, productor de bandas que hoy gozan de cierto éxito en el circuito del rock independiente, como The Shins, Modest Mouse y Fleet Foxes, “el pro-

ductor es la persona que guía o dirige creativamente el proceso de hacer un disco, como un director lo haría con una película… El mejor productor es alguien que escucha qué es lo mejor de un grupo y extrae lo mejor de él, lo que a veces no es más que dejar que la banda sea la banda”.

En la última década del siglo 19, en el primer estudio de grabación de la historia, Fred Gaisberg realizó por primera vez una de las funciones artísticas del productor de discos al indicar a un cantante de ópera que se acercara o alejara de la bocina de un gramófono para seguir las indicaciones dinámicas de una partitura (que apuntan el volumen en que debe realizarse una ejecución). Durante las primera décadas del siglo 20, el productor de un disco no tenía mayor injerencia artística. Su principal labor era la de controlar la gestión de un proceso de grabación: contratar músicos, arrendar estudios, coordinar sesiones, contratar personal técnico.

LA EDAD DE ORO

En los años cincuenta surgieron los productores independientes, que no trabajaban para un sello específico, sino que encabezaban grabaciones para diversos artistas de di-

versas casas discográficas. Con ellos, distintos números musicales adquirieron rasgos distintivos comunes asociados al estilo del productor, quien, de esta manera, se convertía en un nombre más relevante que el de los propios intérpretes en ciertos casos.

El productor musical emblemático de esta era es Phil Spector, cuya propuesta sonora tomó por asalto las listas de popularidad y ventas de la música pop en la primera mitad de los años sesenta. Su fórmula consistió en envolver éxitos juveniles de amor y desamor en la sonoridad de grandes arreglos orquestales, donde la presencia, o el volumen asignado a cada instrumento, era el mismo. El efecto era el de un fondo de acompañamiento contundente y espeso, de alta riqueza tímbrica, que enfatizaba la energía pasional y el dramatismo de las voces con que jóvenes cantantes recorrían los vericuetos emocionales del amor y del deseo. Estas técnicas y procedimientos recibieron el bastante alegórico nombre de “Wall of sound” o “muro de sonido”. El mismo Spector las describía como “una aproximación wagneriana al rock&roll, pequeñas sinfonías para los chicos”.

Uno de los éxitos que produjo en la década, «You’ve Lost the Loving Feeling», de The Righteous Brothers, ostenta el récord de haber

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1. El productor George Martin junto a los Beatles, durante las sesiones para el disco «Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band».

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2. Brian Wilson, de lentes, dirige a los Beach Boys en una sesión vocal para el histórico disco de 1966 «Pet Sounds», producido por el mismo Wilson.

3. Fred Gaisberg (izquierda), uno de los primeros productores de la historia. Lo acompañan Sir Edward Elgar y Yehudi Menuhin, luego de una grabación del Concierto para Violín de Elgar, en 1932.

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4. El productor Brian Eno trabaja mientras lo observan David Bowie y el guitarrista Robert Fripp.

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sido la canción más tocada en las radios estadounidenses durante el siglo 20. Phil Spector fue el único productor que trabajó con los Beatles aparte de George Martin, agregando arreglos orquestales a canciones del disco «Let It Be» y produjo algunos de los más exitosos álbumes en solitario de John Lennon y George Harrison.

Su aproximación a la música inspiró a artistas como Brian Wilson, líder del grupo The Beach Boys, quien se convirtió en uno de los primeros modelos del músico obsesionado con el trabajo de estudio, donde las ideas, los conceptos y las técnicas se ponen al servicio de lograr un ideal estético que trasciende los ámbitos de la composición y de la interpretación. Influidos a su vez por Brian Wilson, los Beatles entraron a la segunda mitad de los sesenta con la misma obsesión. Habiendo abandonado las giras para tocar en vivo en 1966, el grupo tenía como exclusivo hábitat artístico los estudios del sello EMI en la calle londinense Abbey Road. Junto al productor George Martin, cuyo rol fue el de un facilitador de medios para lograr la visión estética de los compositores de la banda, los Beatles no tardaron en descubrir el potencial expresivo de las tecnologías de registro sonoro y las exploraron asiduamente hasta su disolución.

ALTA FIDELIDAD Y EXPERIMENTACIÓN

La tecnología aplicada al audio evolucionó rápidamente desde los sesenta en adelante.

Las grabaciones y sistemas de reproducción en alta fidelidad, junto a la masificación de la transmisión radial en FM, posibilitaron dos

5. El productor Quincy Jones (derecha) fue el artífice de los discos más exitosos de Michael Jackson.

vías estéticas para los productores. Por un discos «Low» y «Heroes», de David Bowie, lado, se enfatizó la definición de los sonidos, ambos de 1977, álbumes de un sonido inquiepermitiendo a los oyentes distinguir clara- tante que abrieron por sí solos nuevos camimente distintas fuentes sonoras. Por otro, se nos para la música pop. Entre las anécdotas privilegió el uso de la tecnología para ofre- de sus sesiones con David Bowie, se cuenta cer al oyente sonidos nuevos, de origen no que Eno había organizado algunas sesiones identificable. de grabación como un juego de azar donde Entre los productores que destacaron en- los músicos tomaban tarjetas de instrucciocauzando su trabajo por nes redactadas por Eno la vía de la fidelidad y y las ejecutaban a medida SE TRANSFORMARON la nitidez en el regisque las extraían. En los tro está Quincy Jones, noventa, Brian Eno fue EN FIGURAS CLAVE DE quien del trabajo con también decisivo como el LA INDUSTRIA MUSICAL orquestas de jazz pasó al productor de la banda irrhythm&blues y descolló landesa U2 que moderA MEDIADOS DEL SIGLO en la dirección sonora de nizó su sonido y entró en PASADO, CUANDO LA MÚSICA tres de los más imporesa década con un nivel tantes discos de Mide estrellato aumentado POPULAR SE CONVIRTIÓ chael Jackson: «Off the y corregido.

EN UN NEGOCIO A ESCALA Wall» (1979), «Thriller» La tecnología actual (1983) y «Bad»(1988). ha provocado que crear MUNDIAL. Sobre todo en los dos música y ejecutarla sean primeros álbumes, Jones actos independientes. construyó una sucesión de figuras melódicas Hoy, es posible ser músico sin saber tocar que resultan tan protagónicas como la voz un instrumento. La composición musical de Jackson, y bases rítmicas donde cada cor- se convierte así en un ejercicio de organichea parece imprescindible, aunque se trate zación sonora, sin grandes limitantes de acde golpes aislados en algún pequeño instru- ceso (el computador promedio puede cummento de percusión. plir las funciones de un estudio de sonido y En la vereda de la exploración y de la ex- de un grupo de intérpretes al mismo tiemperimentación, el británico Brian Eno, co- po) ni de conocimientos en lectura o ejecunocido inicialmente como tecladista de Roxy ción. El productor, como actor creativo en Music, la banda de glam rock de los setenta, la concepción de una obra musical, prefiguhizo de su nombre un sinónimo de búsque- ró a los jóvenes que hoy hacen música sodas en el estudio de grabación, produciendo los en sus dormitorios, valiéndose nada más a bandas del post punk de fines de los setenta que de sus notebooks, un par de programas y como Devo y Talking Heads, además de los su imaginación.

“En las adversidades sale a la luz la virtud”, Aristóteles (384 a. C. -322 a. C.), filósofo de la Antigua Grecia.

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Baby EL LINAJE DE LAS CANTANTES FRANCESAS

Françoise Hardy a Carla Bruni C C De

uando cantaba «Ma jeunesse fou le camp» («Mi juventud se va»), Françoise Hardy (1944) tenía apenas 23 años. Parece exageración pero no lo es si se considera que la cantante y compositora firmó su primer contrato discográfico a los 16 años, con el sello Vogue Records.

Se dice que si Edith Piaf representa la chanson tradicional, entonces Françoise Hardy es la más emblemática figura de la nouvelle chanson, la que mezcló la poética antigua con los nuevos ritmos del pop yeh-yeh. Sofisticada, melancólica y de una belleza superlativa, Hardy ha marcado la historia hasta nuestros tiempos a través de colaboraciones con actuales protagonistas de la música gala, como Air, el dúo de electrónica pop de Versailles.

arla Bruni (1967) no cuenta ni de cerca con la misma popularidad de Hardy. Menos cuando la modelo y cantante italiana radicada en París desde su juventud ha reemplazado la vida privada y bohemia que gozó en los 90, con un bullado romance con Mick Jagger, por los protocolos del Palacio del Elíseo. Bruni es la esposa del cuestionado presidente francés Nicolás Sarkozy, pero aún así se ha dado espacio para seguir escribiendo canciones pop y folk como las que ha editado en sus tres discos. El lanzamiento de un cuarto título ya está agendado.

op

La industria francesa no ha parado de lanzar figuras de la chanson en todas sus épocas y variedades. También actrices, modelos y celebridades, este es un recuento de cantantes de ayer y de hoy que no hay que dejar de escuchar. POR ANTONIO VOLAND

«QUELQU’ UN M’A DIT» (2003)

«THE YEH-YEH GIRL FROM PARIS!» (1965)

Jane Birkin a Charlotte Gainsbourg D D De

esde que sus gemidos aparecieron con todo en la canción «Je t’aime... moi non plus» de 1969 («Te amo... yo tampoco»), que Sèrge Gainsbourg (19281991) escribió pensando primero en Brigitte Bardot, la actriz británica Jane Birkin (1946) pasó a ubicarse en la primera fila de la escena mundial del pop. Tres años antes había actuado en la película «Blow up», de Antonioni, uno de los retratos más descriptivos de lo etéreo que era el ‘Swingin’ London. Fue el inicio de su camino al estrellato, consolidado en París, la ciudad donde vive hace más de 40 años.

«ARABESQUE» (2002)

e la relación explosiva de Birkin con Gainsbourg («Je t’aime...» fue considerada la más grande canción de amor horizontal de la historia), nació Charlotte Gainsbourg (1971), también actriz y cantante británico-francesa. De su madre sacó la figura y la gracia, y de su padre, las duras facciones y el talento compositivo. Una de sus más provocadoras apariciones está en la canción «Lemon incest», que grabó con Gainsbourg cuando tenía doce años.

«IRM» (2010)

France Gall a Coralie Clément S C De

èrge Gainsbourg se aseguró convenientemente de que France Gall (1947) fuera mayor de edad antes de entregarle (en 1966) su canción «Les sucettes» (chupetines, lollipop, kojak). El audaz propósito sexual, una verdadera alegoría a la felación que la cantante sólo descubrió años después, provocó gran polémica en Francia. Además decretó el término abrupto de la relación con el compositor que había dedicado otros éxitos a la rubia, como «Poupée de cire, poupée de son», pieza de espléndidas orquestaciones que marcó su debut, a los 18 años, en el Festival Eurovisión.

«BABY POP» (1966)

oralie Clément (1982) es una cantante de pop francés actual que ha contado con el apoyo del «Gainsbourg moderno», el compositor y cantante de pop y rock Benjamin Biolay (que además es su hermano mayor), un tipo que se vive el personaje de Gainsbarre (álter ego de Gainsbourg) como si fuera un guión. Clément debutó en el disco a los 20 años, mientras estudiaba la carrera de Historia. Sus canciones y su apariencia están muy relacionadas con las figuras de la era yeh-yeh, como Hardy y Birkin, lo que le ha significado el crédito de revivalista de la chanson pop.

«SALLES DES PAS PÈRDUS» (2002)

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Sylvie Vartan a Julie Délpy Q A De

uizás lo más francés que haya hecho Sylvie Vartan (1944), nacida en un pueblito cercano a la ciudad de Sofía en Bulgaria, sea haberse casado con Johnny Halliday, “el Elvis Presley galo”. De esta manera ingresó directamente a la bullante escena yeh-yeh y junto a Halliday formó la pareja francesa de moda mucho antes que la de Gainsbourg y Jane Birkin.

«TWIST ET CHANTE» (1963)

ctriz y cantante, pero también guionista y directora de cine, Julie Délpy (1969) apareció como la protagonista de «Blanc» (1993), la segunda pieza de «Trois coleurs», la trilogía de Krzysztof Kieslowki.

Pero de manera mucho más masiva lo hizo para Hollywood, como la chica de «Antes del amanecer» (1995) y «Antes del atardecer» (2004), dos películas con los mismos actores conectadas en el tiempo. En la segunda, cuando Délpy ya es una mujer bien entrada en sus treintas, muestra su lado autoral con un bello vals que dedica a Ethan Hawke, su coprotagonista.

Divas británicas

De

Dusty Springfield a Duffy S

«DUSTY IN MEMPHIS» (1969)

L

«ROCKFERRY» (2008)

«JULIE DÉLPY» (2003)

De

Brigitte Bardot a Vanessa Paradis L C De

«BB» (1964)

onsiderada en los 90 como una «nueva BB», más por sus dientes separados que por una anatomía voluptuosa, la modelo, actriz y cantante Vanessa Paradis (1972) ha sido parte de la renovación del pop francoparlante.

Como Charlotte Gainsbourg, también se inició siendo adolescente, con la recordada canción «Joe le taxi», que alcanzó éxito en 1987. Pero fue a sus veinte años que la novia del astro Johnny Depp llegó a alturas mayores con un disco homónimo producido por otro símbolo sexual masculino de los 90: Lenny Kravitz.

«VANESSA PARADIS» (1992)

a galesa Duffy, que apareció en Inglaterra poco después del éxito de Amy Winehouse como revivalista, se ha conectado con una raíz estadounidense de un modo parecido al de Dusty, cuyo mayor disco de blue-eyed soul (es decir, el soul de cantantes blancos) tiene el sonido del sello Stax y de la escuela de Memphis en toda su extensión.

Marianne Faithfull a Adèle E

«LIVE AT THE BBC» (1966)

o bueno de Brigitte Bardot (1934), sin contar las virtudes que la convirtieron en una bomba sexual de Europa en los años 50, era que no tenía muchas nociones sobre el arte canoro. Impulsada por productores franceses y por el negocio de la industria, BB cantó igual. Sus primeros discos de pop bubblegum («Brigitte Bardot», 1963; «B.B», 1964; y «Brigitte Bardot show», 1968) se ajustan a esos requerimientos y muestran un lado alternativo a ese éxito apabullante en el cine, con canciones radiales («Moi je joue», «L’ appareil a sous», de Gainsbourg), y también experiencias lisérgicas («Contact»).

on reconocibles en un punto en común que tiene que ver con la apariencia, y no pocos especialistas opinan que la nueva cantante de soul Duffy (1984) realiza un permanente homenaje a Dusty Springfield (1939-1999), la más grande estrella del pop británico de la historia. Se advierte en el peinado y en la manera de pararse en el escenario, pero también en las sentidas interpretaciones.

n qué momento de la década de 1960 Marianne Faithfull (1946) pasó de virginal jovencita a desaliñada yonqui es uno de los misterios que siguen sin resolver. Algunos opinan que fue en 1967, cuando viajó a Marruecos con su amiga Anita Pallenberg para fumar hachís, y otros aseguran que ocurrió en 1968, durante el rodaje de la película «Rock and roll circus». En ambos episodios, por cierto, están involucrados los Rolling Stones.

Al tiempo en que se iniciaba como actriz de teatro, Faithfull grabó una serie de discos de música melódica y pop juvenil que le redituaron un éxito demoledor. Durante los 70 y 80, eso sí, perdió el rumbo y se fue deteriorando progresivamente. Hoy ha recuperado su posición, aunque con trabajos más vinculados al avant-garde.

C «21» (2011)

on su disco «21», que contiene la emotiva «Rolling in the deep», Adèle (1988), la nueva figura del pop británico tras la muerte de Amy Winehouse, está viviendo tiempos similares a los de Marianne Faithfull, aunque en una proporción inversa: tiene mucha voz y poca apariencia de modelo.

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Música TRES ACORDES Y MUCHO MÁS LA BANDA DEL CAPITÁN CORNETA / «Perros días» (1994) “Pancho Rojas (cantante y armonicista) tiene toda mi admiración. Mi hermano se compró el caset de los Corneta cuando apareció.

Si bien no es un disco neto de blues, tiene mucha armónica y para mí eso era fundamental. Fue una inspiración. Este año me invitaron a tocar en uno de sus conciertos con la formación nueva”.

GONZALO ARAYA / «Gonzalo Araya & amigos» (2011)

LA RATA BLUESERA / «Patas negras» (2011)

EL CRUCE / «770» (2008) “En la portada del disco aparece la placa con el número de la casa de calle Cumming que usaban como sala de ensayo. Allí se parieron muchas canciones. Con el terremoto debieron irse del barrio Yungay y ahora ensayan en Portugal con Matta. El Cruce es la nueva banda referente del blues.

Con ellos toco los martes en el club de jazz El Perseguidor y en ese disco aparezco en la canción ‘Sexoul’ ”.

“Son maestros del blues sureño. Valdivia es una ciudad donde pasan muchas cosas. Imagínate que Miguel Botafogo, un bluesero argentino clásico que tocaba con Pappo, ni siquiera pasa por Santiago. Se va directo a Valdivia a tocar o de vacaciones. La Rata grabó este disco íntegro con Botafogo”.

“Armé un repertorio que siempre hubiera querido tocar y lo grabé con todo tipo de músicos invitados.

Tiene que ver con lo que he estado trabajando y tocando, y con el sonido que me gusta lograr en vivo. Con Felipe Toro, guitarrista de El Cruce, hicimos ‘Goin down’, un tema rockero duro. Quedó espectacular”.

GONZALO ARAYA EN LA ESQUINA DEL BLUES

Si usted camina a eso de las 20:00 horas por Providencia y Monseñor Sótero Sanz, justo a la salida norte de la estación del metro Pedro de Valdivia, seguro escuchará a los blueseros de la calle. El armonicista rancagüino es uno de ellos.

El más brillante en su instrumento.

POR ANTONIO VOLAND

S

tradivarius para el violín, Steinway para el piano, Selmer para el saxofón, Scandalli para el acordeón.

Cada instrumento cuenta con su fabricante de distinción, y la armónica, por muy simple que parezca, también lo tiene.

Siempre que sale de su casa, el rancagüino Gonzalo Araya lleva consigo su case (maleta metálica) con doce armónicas de diez orificios, además de una cromática que le permite obtener mayor cantidad de notas. Todas son Hohner, fábrica que auspicia al músico chileno. “Es que los alemanes están a otro nivel.

Son unos maestros de las cosas bien hechas”, cuenta Araya.

Reconocido por especialistas como el más connotado de los armonicistas chilenos, ha hecho del blues una ruta de vida. Ha tocado en Brasil y Argentina, y prepara maletas para actuar a fin de año en Francia con la cantante chilena de soul Mistysa. Entre tanto, actúa en bares, clubes de jazz y hasta en fondas, junto a los pocos cultores de la ciudad.

“En Valparaíso está Daniel Bahamondes, y en el grupo El Cruce, Claudio Valenzuela.

También tenemos un referente como Pancho Rojas, de La Banda del Capitán Corneta (ver recuadro). El blues siempre ha permanecido en el underground. Si no eres Eric Clapton o BB King, esa es la realidad”, asegura.

Fue en plenos 80 que escuchó por primera

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vez un blues en un caset de un amigo en Rancagua. “¿Qué era esa música impresionante? ¿Quién estaba tocando? Era el armonicista Little Walter. La cinta estaba hecha mierda, pero fue mucho mejor así. Entonces entendí que eso se llamaba blues. Después me dediqué a buscar discos, a escuchar a los héroes, y fueron apareciendo los personajes: Buddy Guy, Muddy Waters, BB King…”.

SONIDOS DESPROLIJOS

Hoy tiene su primer disco como líder (ver recuadro), pero ha tocado la armónica en otros veinte más. En uno de los escenarios más importantes de la capital, el Backstage Experience, se sumó en 2008 a una inédita temporada que trajo desde Estados Unidos a solistas de categoría: Andrew Jr. Boy Jones, Maurice John Vaughn, Matt O’Ree, Andrea Dawson y Guitar Shorty, el hombre que impartió las primeras lecciones de guitarra blues al joven Jimi Hendrix en Seattle. “Con algunos de ellos gra-

bé canciones en este disco, que se llama «Gonzalo Araya & amigos». También hay blueseros chilenos. El Backstage ha sido un escenario muy bueno para tocar y escuchar”.

-También hay buen blues en la calle. En las tardes, al lado del Liceo 7 de Niñas, en Avenida Providencia.

“Sí, allí tocan tipos como Johnny Blues, que es ciego y por lo tanto tiene un sentido musical mucho más definido. Si vas al centro, seguro te lo encuentras en algún lado. Providencia con Monseñor Sótero Sanz podría ser nuestra propia esquina del blues. Además, allí está el quiosco de Luis Campos, que toca muy buena música. Nadie le dice nada por tener sus parlantes a todo volumen. Esa esquina es como nuestro juke joint, el tipo de lugar en los campos del sur de Estados Unidos donde se toca blues al final de la jornada de trabajo.

Es un establo donde se conversa, se toma cerveza y se hace blues. Es bueno volver a la calle para tocar. Ahí se toca de corazón”.

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[ DISCOS | POR ANTONIO VOLAND ]

GYPSY TRÍO

MILES DAVIS

(2011, independiente)

(2011, Sony Legacy)

D

P

«Swing gitane» esde el compositor y pianista José Bohr, dueño del swimmy «Y tenía un lunar», grabado hacia 1926, hasta la era del foxtrot chileno con autores como José Goles («El paso del pollo», 1939) y Gamaliel Guerra («En Mejillones yo tuve un amor», 1945).Y del hot jazz del guitarrista Luis Silva en Valparaíso al jazz guachaca de Roberto Parra en la capital. El ritmo cruzado y acelerado de los años locos ha protagonizado una historia musical que tiene una raíz profunda aquí. El último de estos referentes chilenos se llama Panchito Cabrera, un guitarrista de Chuquicamata, hoy de 81 años.

Desde que llegó a Santiago en 1947 fue conocido como el “Django Reinhardt chileno”. Por virtudes musicales y por un sorprendente parecido físico.

Pero esa escuela de swing francés, que está emparentada con el foxtrot y otros ritmos afines, no se queda allí ni solamente en Panchito. Al menos unos diez guitarristas jóvenes siguen hoy la línea del hot jazz de Reinhardt.

«Swing Gitane» es el último trabajo de análisis y ejecución de aquellos antiguos repertorios. El guitarrista talquino Cristóbal Gómez encabeza el Gypsy Trío, dedicado a recuperar y actualizar cancioneros de swing gitano. En 2007 viajó a París, buscando conocimientos en terreno y regresó preparado para liderar esta clase de proyectos de investigación musical. El Gypsy Trío rescata mucho material desconocido de Django y de otros autores, como el violinista Stéphane Grappelli, además de una serie de piezas gitanas anónimas. Gómez ataca la primera guitarra con velocidad, ritmo y swing, un efecto difícil de conseguir si no se está bien entrenado. Lo acompaña en la alternancia solista Gabriel Montt, otro talquino, mientras que la base rítmica tiene a Ignacio Díaz como guitarra de apoyo y a Sebastián Gómez en el contrabajo. No hay batería. El swing gitano no lo necesita.Y así, en un trabajo exclusivamente limitado a las cuerdas, con cruces, entrejuegos y contracantos, queda expuesto todo el lirismo melódico. En valses, en swings menores y graciosos, y en temas del tipo «Swing gitane», la más representativa pieza del disco, donde queda la impresión de que en cualquier instante las cuerdas saltan de la guitarra. El Gypsy Trío es una maquinita.

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«Live in Europe 1967» or todas partes reaparece la figura del trompetista Miles Davis. Hace veinte años murió en Los Angeles, en medio de la grabación de un disco que estilísticamente iniciaría la moda del acid jazz. «Doo bop» apareció en 1992 como un trabajo póstumo y su muerte sorpresiva, aunque esperada, nos privó de verlo en acción por primera vez, pues planeaba una gira por las grandes capitales de Sudamérica. En la conmemoración de su muerte siguen apareciendo ediciones discográficas, como la caja de discos «Simply Miles Davis», que recorre algunos momentos de esa historia prolífica y va de 1945 a 1991.

«Live in Europe 1967», en cambio, es un registro fotográfico de un instante.

Ese año, Davis estaba en la última etapa de su trabajo con el quinteto que formó en los años 60 con músicos jóvenes. Poco después comenzaría a introducir sonidos electrónicos a su música, marcando el advenimiento de otro período histórico: el jazz en la era del rock. En 1967, Davis llevó en reiteradas ocasiones a su quinteto post bop a Europa. De esos viajes con Wayne Shorter (tenor), Herbie Hancock (piano), Ron Carter (contrabajo) y Tony Williams (batería), el trompetista editó discos con actuaciones en Berlín, Roma y Antibes. Esta grabación se nutre de ese material y por eso es presentada como «The bootleg series» (las grabaciones piratas). El repertorio está escogido de los discos que Miles Davis había producido con este avanzado quinteto entre 1965 y 1967. Se caracterizaba sobre todo por las abstracciones del material de trabajo, principalmente escrito por Shorter y Hancock. En vivo, y en registros informales, el conjunto tiene momentos y momentos. Se oye áspero, pero también muy ajustado, y siempre desafiante. En esos tiempos, la dirección musical de Davis se basaba en narraciones bastante ilógicas para la norma, con la inclusión de muchos silencios, emboscadas sonoras y cambios de tempo de las piezas originales.

Este registro queda para la historia, con bemoles y sostenidos, pero con la identidad del Miles de los años 60 en plena dimensión. Se lo dijo el baterista Art Blakey, uno de sus amigos en los primeros tiempos de la Calle 52: “Si no cometes errores, entonces no lo estás haciendo bien”.

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Teatro

Rosa Ramírez

La Negra Ester

a 23 años de hoy La compañía Gran Circo Teatro vive momentos decisivos. Necesita cinco millones de dólares para remodelar la casona de República 301, hoy su sede, para convertirla en un centro cultural que tendrá escuela, biblioteca, museo, talleres de circo, teatro, música y danza.

Una meta gigante, a la altura de los sueños con que nació este grupo inspirado por Andrés Pérez.

Por Willy Haltenhoff Nikiforos

E

l 8 diciembre de 1988 nació un fenómeno teatral llamado «La Negra Ester», escrita por Roberto Parra, protagonizada por Rosa Ramírez y dirigida por Andrés Pérez, a la cabeza de la compañía Gran Circo Teatro. El debut fue en la Plaza O´Higgins de Puente Alto.

Casi a 23 años de aquella jornada, cifras aproximadas dan cuenta que la obra ha sido vista (tanto en Chile como en el exterior) por más de dos millones de espectadores, suma que sigue creciendo.

Tras muchos avatares, la compañía (que montó 13 espectáculos hasta la muerte de Andrés Pérez, el 3 de enero de 2002) logra hoy tener sede propia. Se trata de una vieja casona de 52 habitaciones, ubicada en República 301. Ahí funciona su carpa-teatro, la Fundación Andrés Pérez, (constituida el 7 de julio de 2008) y el Centro Cultural Gran Circo Teatro. Siempre atareada y llena de proyectos, Rosa Ramírez cuenta que necesitan cinco millones de dólares para transformar esta casona en un moderno espacio para la cultura: “Saldrá del mundo privado o del público, o de ambos, pero de algún lado saldrá”, asegura con esa pasión arrolladora con la que interpreta a su Negra Ester, rol que hace unos años alterna con la actriz Claudia Pérez.

-¿Costó salirse del personaje?

“Comencé a dejarlo cuando alguien debía hacerse cargo de la obra desde fuera. Como para mí era más fácil buscar un reemplazo, decidí dejar la Negra. Además, he aprendido que uno debe desapegarse de las cosas, de co-

sas significativas. Desapegarme de la Negra me llevó a ser mejor persona, porque uno puede apropiarse de algo que no corresponde”.

-¿Cuál es tu balance desde que lideras esta compañía?

“Me hice cargo de la compañía hace diez años. Cuando Andrés falleció estábamos con funciones de la obra. Incluso, lo velamos en el hoy teatro Nescafé de las Artes, antes Providencia, donde el escenario ya estaba montado, partíamos con funciones el viernes 6 de enero y Andrés falleció el martes 3. No lo pensé mucho, simplemente lo asumí. Teníamos compromisos que cumplir, no tenemos recursos para hacer duelo; somos obreros del teatro, todos los días debemos ser capaces de generar las lucas para seguir”.

-¿Te has sentido sola, pensando en que eres la única que queda del grupo original?

“Nunca he estado sola; aunque ha cambiado bastante, seguimos siendo un equipo de trabajo. Soy la que ha permanecido como cabeza de la compañía pero, aparte de la gente que está a la cabeza, hacer teatro independiente en este país es muy difícil, sobre todo cuando tienes una autonomía total, no somos regalones del Consejo de la Cultura, ni ahora ni ayer ni antes de ayer, no tenemos cercanía política con ningún poder, eso te da una libertad enorme pero también una gran inseguridad, pues nunca se sabe cómo resolver los proyectos, además nosotros viajamos mucho…”.

-Ya cuentan con Fundación, Centro Cultural, un espacio que tienen en comodato por 35 años, ¿estás satisfecha de esos logros?

“Sí, estoy satisfecha, aunque durante mucho tiempo le hice el quite a la Fundación, porque finalmente son paraguas, y estamos llenos de fundaciones… Eso responde al modelo neoliberal que detesto profundamente. Amo esa época cuando con Andrés decíamos ‘hagamos (teatro) callejero’ y nos atrevíamos a salir a la calle; hoy la respuesta es distinta, si decimos ‘hagamos callejero’, hay que pensar quién consigue los permisos, cómo nos subimos a las micros (hay que tener tarjeta de Transantiago…). Antes era otra vivencia”.

-Hoy se hace poco teatro callejero, ¿será por la burocracia, o porque hay más salas?

“Dejó de existir en la medida que hay que solicitar autorización. Hemos hecho teatro en La Plaza de Armas y no le pedimos permiso a nadie, y si un día nos llegan a agarrar, les diremos que nuestra convicción es que no se necesita licencia para compartir belleza. El teatro callejero irrumpe en un espacio público libremente. Así lo hicimos en plena dictadura, el año 80, y nos llevaron preso bastantes veces… ¡no vamos a pedir permiso ahora!

Para nosotros, hacer teatro callejero es fundamental, tenemos muchos proyectos en ese sentido”.

-¿Cuál ha sido el momento más doloroso desde que asumiste ser cabeza de la compañía?

“Han sido varios, y si bien voy a hablar a título personal, el más doloroso e indigno fue que no hayan confiado en mí para el 11 de mayo (Día Nacional del Teatro y fecha del natalicio de Andrés Pérez) del año pasado, ocasión en que llegué a La Moneda a tomar desayuno con el Presidente. Fui porque es la

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Chris Heyerdahl

El Festival Internacional Santiago a Mil 2012 traerá al Théâtre du Soleil, que dirige Ariane Mnouchkine, cuando se cumplen 10 años de la muerte de Andrés Pérez, ex integrante de esa famosa compañía.

única vez que me han invitado a un evento de esa naturaleza, pero para nosotros tuvo un costo político bien fuerte”.

-Recibiste muchas críticas…

“No me interesan las críticas en la medida que no tienen fundamento, pero hubo críticas mal intencionadas. De hecho, la Fundación se quedó sin su presidente: Enrique Correa renunció ante este suceso. Y me parece extraño, porque sigo siendo una NN. Si no fuera por ‘La Negra’ nadie me reconocería, porque en la medida que no tienes cercanía con el poder político ni económico, eres bien NN, y yo cuido mucho eso”.

-¿Y los momentos más gratificantes?

“Muchos… Nos motiva y emociona profundamente llegar a lugares donde nunca han visto teatro y que la gente diga ‘¡pero si es ‘La Negra Ester’, es Andrés Pérez, es el Gran Circo Teatro!’ Eso es increíble”.

-¿Te gusta esa popularidad?

“Lo que me gusta es que la gente tenga concepto de historia, de memoria. Muchos nos quieren meter tonterillas en la cabeza y me gusta que la gente se defienda contra eso.

No hay que olvidar que la expresión artística es expresión del alma del ser humano, eso se debe atender, por eso es malo que nos quieran transformar en seres ‘desalmados’, siento que eso es pecaminoso”.

-¿Cuál es la marca indeleble que dejó Andrés Pérez en el teatro chileno?

“Dejó varias marcas, una de ellas es que Andrés tenía un sentido, o mirada, frente a los sectores populares, así como de los artistas, súper generosa. Nunca le vi tener desprecio o desdén cuando había que hacer teatro infantil o poblacional o callejero. Eso era así porque Andrés siempre tuvo el convencimiento de que todos somos seres inteligentes. Por eso la vara que nos ponemos es alta, y

eso es algo que muchos juraditos del Fondart no han comprendido cuando nos dicen que nuestra metodología es muy emocional. Sí, trabajamos mucho con las emociones y eso es porque partimos de la base que somos seres inteligentes. Otro aspecto innato de Andrés era su sentido de grandeza, era capaz de descubrir lo que otros creadores no ven, y él no era un esteticista, no andaba buscando lo estético porque sí”.

-¿Qué buscaba?

“Buscaba el alma de los personajes. Son los personajes los que engrandecen los espectáculos, eso tiene que ver con contenidos… No es poner el trapecio porque está de moda: tiene que ver con los estados emocionales del personaje. Hay obras que emulan a ‘La Negra’ pero que se quedan en el maquillaje, en el vestuario, es decir, sólo en la estética, pero esta obra no es sólo una estética, uno llega a ser lo que hace porque hay una historia detrás, esa historia se cuenta a partir de desnudar el alma de cada personaje”.

-¿Cómo fueron los últimos momentos de Andrés? Se sabe que se sentía mal por haber sido expulsado de Matucana 100, espacio que él había descubierto.

“Estuvo siempre muy consciente, se sentía muy menoscabado, traicionado, muy triste.

Creo que eso apuró su muerte, pensaba que ya no tenía mucho que hacer, no tenía más ganas de seguir luchando. Lo acompañé hasta el último momento, le dí todo mi tiempo, por suerte no estaba ensayando, sentía por él una profunda amistad, ambos éramos volcánicos. Nos tuvimos mucho amor, amistad, pasión, cariño, él fue un regalo lindo que me dio la vida. Cuando lo veía, sentía que ya había cumplido un ciclo, porque la vida es sabia.

Recuerdo que estuve con él hasta las cinco de la mañana del 3 de enero, estaba muy cansada y las enfermeras me aconsejaron dormir unas horas. Le dije a Andrés ‘voy a descansar un rato y si quieres viajar, hazlo, yo vuelvo enseguida’. Me fui y al poco rato me llamaron para decirme que Andrés murió una hora después que me fui”.

LO QUE VIENE Reservas: 6890045 www.grancircoteatro.cl Programa: Domingo 16 de octubre, Compañía Gran Circo Teatro estrena la obra «El mundo de Algacira», Plaza de Curacaví. Creación y dirección Rosa Ramírez. El montaje visitará las comunas de Santiago, San Joaquín, Independencia, Malloco y María Pinto.

Jueves 27 de octubre: estreno en República 301 de la comedia de equivocaciones «Dime Rufo», del dramaturgo Álvaro Ríos, bajo la dirección de Rosa Ramírez.

Sábado 22 y 29 de octubre: talleres gratuitos para los residentes del barrio República, como parte del proyecto de formación y creación, financiado en parte con fondos concursables de la Municipalidad de Santiago.

-¿Qué fue lo último que te dijo?

“Eso lo guardo para mí”.

1. «La Negra Ester». 2011, camarines.

gran circo teatro

2. «Un circo diferente», de Andrés Pérez Ramírez. Actores: Rosa Ramírez, Fernando Pereira, Nilton Gutiérrez, Micaela Sandoval y Marco Herrera.

“La palabra imposible no está en mi vocabulario”, Napoleón Bonaparte (1769 –1821), Emperador de Francia y Rey de Italia.

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Teatro

Tratando de entender

el mundo Alejandro Sieveking habla de su activa vida teatral y del placer que siente con el reestreno en Chile de «La Mantis religiosa».

Por Valeria Solís T.

E

scribir y actuar son una sola cosa para Alejandro Sieveking (76).

“No podría despegar lo uno de lo otro. Creo que si uno muere, morirían los dos”, señala. Con 16 obras de teatro a su haber (entre las que destacan «Ánimas de día claro», «Tres tristes tigres» -que Raúl Ruiz llevaría al cine a fines de los 60- y «La remolienda», que en este momento está en el Teatro Alcalá), el artista sintió que se había secado creativamente. Eran los 90. Sin embargo, al cambiar la máquina de escribir por el computador, fluyeron otras ideas y nacieron tres novelas. “Y cuando volví al teatro, me pareció ¡fantástico!”, recuerda con el rostro iluminado. Ahora trabaja en una obra a la que describe como menos social y cuyos protagonistas están inspirados en personajes de la televisión.

Recientemente, ha pisado los escenarios para los montajes de «Pana» (dirigida por Francisco Albornoz, ganadora del premio Altazor 2009), y «Cabeza de ovni», esta última junto a Bélgica Castro, su pareja desde 1956: “Nuestra unión fue un pequeño escándalo, porque ella era una estrella y yo, un cabro que recién pasaba a segundo año pero ya con una cierta reputación.

Por lo menos, a la gente del Instituto del Teatro Experimental les parecía una promesa”.

En cine, ha tenido una particular generosidad con los nuevos directores Sebastián Silva («Gatos viejos», Festival de Cine de Valdivia 2010) y Esteban Larraín («La pasión de Michelangelo», sobre el vidente de Peñablanca), pero aclara: “Nosotros vamos por el proyecto nuevo y no por las obras, ya que éstas no tienen edad cuando son buenas…”.

Una película italiana

Hoy, Sieveking está contento de que, tras 40 años, se haya estrenado en Chile una

nueva versión de «La Mantis religiosa», que estuvo durante junio y julio en el Teatro La Palomera, protagonizada por él y dirigida por Paulina García, quien tiene los derechos de la obra hasta enero y la remontará el próximo año en un lugar aún no definido.

«La Mantis…» es una de sus obras más entrañables y cuenta con diversos y exitosos montajes en Estados Unidos. Este hecho nos lleva a profundizar en su historia teatral, donde la poética y el drama se entremezclan con humor, un elemento clave en su creación, “porque, simplemente, su ausencia es cansadora”.

-«La Mantis religiosa» se ha dado mucho en Estados Unidos con distintos directores y distintas miradas, ¿qué opina al respecto?

“Eso es lo que tal vez me facilitó totalmente esta experiencia (el reestreno en Chile), porque he visto versiones muy distintas. En una, por ejemplo, había una pila de televisores donde mostraban escenas de carabineros golpeando a manifestantes en las calles de Santiago. Ví tres montajes de grandes teatros, con grandes actores y directores. Eran la interpretación de un texto y me empecé a acostumbrar a la idea de que debía ser un autor muerto; apreciar qué hallazgos había. Más que el respeto a la obra (que todos lo tenían), era ver qué cosa estaba mejor de lo que había hecho yo”.

-Entiendo que Víctor Jara iba a dirigir «La Mantis…» y no pudo.

“La primera dirección de Víctor fue con «Parecido a la felicidad», una obra mía. Nosotros queríamos montar la comedia musical «Asuntos sofisticados», con música de Sergio Ortega, pero no se hizo porque eran muchos los personajes y ya estaba encima el festival de la escuela (Universidad de Chile). Víctor me pidió que le escribiera una obra para dirigirla y pensé: ‘Y qué le dio a éste por dirigir…’ . Éramos compañeros en el curso más espectacular que se pueda imaginar: estaban Víctor,

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Ficha «La Mantis religiosa» de Alejandro Sieveking.

Dirigida por Paly García.

Elenco: Germán Moya, Mónica Acevedo, Roberto Scott, Alejandro Sieveking, Rodrigo Fonerón y Tania Rebolledo.

Jaime Vadell, Sergio Urrutia... Escribí la pie- lista”. De ahí nacería la compañía que inteza en una semana para cuatro actores y como grarían junto con Ana González: “El grupo la Bélgica ya era mi pareja, Víctor la llamó se decidió por «La Mantis» y llamamos a para que hiciera un papel”.

Víctor, pero era 1971 y él estaba ocupado con El dramaturgo recuerda que a pesar de que las campañas políticas y con muchas giras al Jara era su mejor amigo, se llevó una gran sor- exterior. Me pidió que lo aplazara, pero decidí presa al verlo dirigir: “Mostró una inteligencia dirigir yo, siguiendo su sistema. Fue el estreno que nunca le había visto, porque como actor del Teatro El Ángel”. tenía limitaciones, como todos. Fue un trabaSieveking aclara que siempre se alejó de lo jo fuerte, de un mes de ensayos de mañana y que se esperaba de él política y creativamente, tarde para alcanzar a llegar al festival y resultó porque lo importante era que las obras trastan bien, ¡tan bien!, sobre todo gracias a su cendieran en el tiempo, como ha ocurrido con dirección. Víctor era extraordinariamente en- «La Mantis…». Este drama relata la historia de cantador como director, suave, comprensivo y tres hermanas que viven con un padre alcohómuy, muy divertido. Luego, debido al éxito, la lico y soñador, quien añora la presencia de una misma escuela llevó el montaje a Buenos Ai- cuarta hija que se encuentra oculta detrás de res. Allá lo hicimos en teuna puerta; de ella se sabe levisión y cuando la vieron por sus quejidos o gritos, SIeVeKInG SIeMPre Se creían que era una película los cuales se manifiestan italiana”. con más fuerza cuando la aleJÓ de lo QUe Se «Parecido a la felicidad» más atractiva de las hereSPeraBa de Él PolíTIca Y logró tal notoriedad que manas decide invitar a un creaTIVaMenTe, PorQUe lo hicieron una gira durante pretendiente a la casa. El ocho meses por toda Latigran misterio es qué hay IMPorTanTe era QUe laS noamérica: detrás de la puerta: oBraS TraScendIeran en “Fue una locura, pero, “Veníamos de la muerte a mitad del tour, Víctor de los Kennedy, de Marel TIeMPo. se devolvió a estudiar ditin Luther King, es decir, rección teatral. Su obra de de gente que estaba tragraduación fue «Ánimas de día claro», que yo tando de entender el mundo. Esa fue la idea había escrito para Bélgica, y después dirigió elemental. Lo escondido no es tan atroz como «La remolienda». Cada vez que estrenábamos se dice. En la versión original, al comienzo nos iba fantástico. Habíamos egresado el año era más de película de terror, aunque llena de 60 y Víctor en 1962 como director. El actor chistes. No es una obra que quiera dictar cáNelson Villagra (‘El chacal de Nahueltoro’), tedra de nada. Las hermanas representan la que era alumno de la escuela, le enseñó a tocar mentalidad de la clase media, son muy distinguitarra (1959) y cuando andábamos en gira tas, pero con un pensamiento común, que está con las obras, Víctor interpretaba siempre tres dirigido a vivir como se vivía antes, cuando cuecas. Era espectacular”. las cosas estaban quietas. Bélgica interpretaba a una especie de actriz de los años 30, -¿Y que pasó con «La Mantis»? convencida de ser un personaje terriblemente “La escribí en 1966 para el programa de te- misterioso e intelectual, pero creo que todas levisión «La historia de los lunes». Tuvo un las versiones tienen sus acentos”. elenco espectacular: Ana González, Jaime Vadell, Tennyson Ferrada, Nelson Villagra, Delfina Guzmán. Cada lunes era un autor chileno distinto, estábamos en el apogeo de los dramaturgos (María Asunción Requena, Jorge Díaz, Egon Wolff, Sergio Vodanovic).

Escribí «La Mantis» en un acto, pero luego la desarrollé más, dándola por terminada en 1968. En esos años me ganaba la vida como guionista de televisión, fueron tiempos muy agitados a nivel creativo”.

Respondiendo a una invitación, Sieveking y Bélgica Castro realizaron una gira por Europa durante ocho meses con «El Evangelio según San Jaime», de Jaime Silva, y al volver tuvieron la idea de replicar un teatro “a la checoslovaca”: “Son espacios pequeños donde haces grandes obras, sin decorado, pero con elementos muy sugerentes, es más minima-

“En lo más crudo del invierno aprendí que había en mí un invencible verano”, Albert Camus (1913-1960), novelista francés.

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«La Mantis» nació a partir de una pequeña obra de media hora. Se estrenó en 1971 con motivo de la inauguración del Teatro El Ángel.

Dirigía Sieveking y en el reparto figuró Bélgica Castro (en la foto).

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Gestión Cultural

ECONOMÍA CREATIVA

UN NUEVO DESAFÍO PARA LA CULTURA

“MADE IN CHILE” Con este inédito concepto bajo la manga, el Programa de Fomento a la Industria Creativa de CORFO proyecta, de aquí a cinco años, que los artistas y creadores nacionales puedan vivir de su obra; y que el mundo, con los ojos bien abiertos, pueda conocer lo que los chilenos somos capaces de producir.

POR PILAR ENTRALA V.

ilustración: Alejandra Acosta

¿C

uántos habrán soñado alguna vez con ser grandes pintores, escritores, bailarines, cineastas, tomar la guitarra y vivir de los frutos que eso rinde?

Hoy se imponen nuevos y prometedores jóvenes talentos, pero aún así se vive bajo los prejuicios de que la producción artístico cultural no tiene suficiente impacto económico, ni para el país ni para quienes la generan.

La falta de “marcos institucionales y reguladores apropiados para atraer inversiones, aplicar nuevas tecnologías y convencer a las empresas” estaría dentro de las razones para no “jugársela” por el gesto de la creación.

Aún así, a nivel mundial, la industria denominada “creativa” y sus diversos sectores es un ámbito más resistente al impacto de las crisis económicas que las tradicionales manufactureras. Las cifras indican que a pesar de la reducción del 12% experimentado por el comercio global en 2008, el comercio internacional de este tipo de productos y servicios continuó expandiéndose con un promedio anual de crecimiento del 14%. El 43% del comercio con el

sur del mundo estuvo dado justamente por la exportación de bienes creativos. ¿Ejemplos concretos? A fines del año pasado, la UNCTAD (Conferencia de las Naciones Unidas sobre el Comercio y el Desarrollo) y el PNUD (Programa de las Naciones Unidas para el Desarrollo) expusieron en su Informe sobre Economía Creativa más de 40 casos específicos que incluyeron desde la moda en África y Asia hasta las telenovelas en México y Brasil; desde la industria cinematográfica en la India y el reggae en Jamaica hasta el carnaval en Brasil y el Caribe.

En Chile, los estudios indican que al menos tres ámbitos -audiovisual, músical y editorialaportan el 1,3% del Producto Interno Bruto, más que el sector de la pesca. En este escenario, hoy se sellan alianzas público-privadas que promueven las “bondades” de un nuevo concepto, como es el de la Economía Creativa, para sumarse a una carrera que apuesta por las nuevas estrategias de desarrollo socio económico en pleno siglo XXI. Bajo esta premisa, el Gobierno Regional Metropolitano, CORFO y la Cámara de Comercio de Santiago anuncian una nueva ruta, por un monto de 500 millones de pesos, para generar nuevos modelos de negocio de

exportación, con el fin de incrustar las obras y productos de contenido creativo en el mercado extranjero, con énfasis en Latinoamérica, Asia Pacífico, Canadá, norte de Europa y Australia, de aquí a cinco años.

HACIA UN PACTO SOCIAL

“El desarrollo socioeconómico de un país pasa por considerar obligatoriamente la creatividad, su cultura y su gente. Hoy nos toca instalar este nuevo concepto de la economía para asumir que la gente en Chile no sólo puede vivir de la creatividad, sino que el mundo quiere conocer la creatividad que somos capaces de producir”, adelanta Leonardo Ordóñez, gerente del nuevo Programa de Fomento a la Industria Creativa de Santiago.

-¿Un proyecto de Estado o de Gobierno?

“De Estado, en un trabajo que considera al sector privado. Tiene su gestación en la administración anterior, y el actual Gobierno, a través de CORFO, lo apoya e implementa”.

-¿Cuándo se dará a conocer?

“Pensamos hacerlo el próximo año. Para identificar a los clientes de este programa

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estamos en un esfuerzo de planificar muy bien qué vamos a hacer con cada sector. Es necesario avanzar de manera articulada con el ámbito político, económico, la academia y la sociedad civil, para contribuir en el futuro a un pacto social económico que instale este concepto y así facilitar el trabajo conjunto”.

-¿Las metas más inmediatas?

“Promover las redes con las universidades, organismos internacionales y observatorios de políticas culturales. Los artistas, creadores y productores no tienen información de los mercados globales, no saben dónde dirigir su obra en términos de comercialización, quieren viajar para aportar al impacto cultural con el contenido de su obra, pero no saben que también está la posibilidad de que otros quieran consumir su obra e invertir en ella”.

ALTO RIESGO

Todo apunta a “un sector de alto riesgo, con un valor productivo mayormente intangible, centrado en la propiedad intelectual, lo que dificulta su valorización en la banca privada y, por ende, la obtención de financiamiento”. A pesar de los “contra”, esta aventura comercial promete abrir nuevas oportunidades.

TODO APUNTA A “UN SECTOR DE ALTO RIESGO, CON UN VALOR PRODUCTIVO MAYORITARIAMENTE INTANGIBLE, CENTRADO EN LA PROPIEDAD INTELECTUAL, LO QUE DIFICULTA SU VALORIZACIÓN EN LA BANCA PRIVADA Y, EN CONSECUENCIA, LA OBTENCIÓN DE FINANCIAMIENTO”.

-¿Qué es la Economía Creativa?

“Una disciplina con el potencial de generar crecimiento, empleo, ingresos de comercio, favorecer la inclusión social, la diversidad cultural y el desarrollo humano. Promueve la distribución de bienes y servicios creativos. Esto significa favorecer la distribución de bienes y servicios en que los creadores y productores pueden cobrar por los derechos de propiedad intelectual y hacer respetar tanto los derechos patrimoniales como los derechos morales que están detrás. El programa atenderá los sectores del diseño, la música, el audiovisual, el ámbito editorial, las artes escénicas, las artes visuales y la artesanía”.

-¿Cuándo parte?

“Ya se puso en marcha. Estamos en la planificación y diseño de una estrategia interesante a través de la articulación territorial con los actores relevantes, que incluye la experiencia internacional a través de la exportación, o bien, a través del intercambio de mejores prácticas.

Colombia, Argentina, el Reino Unido, Australia, Canadá están trabajando los componentes de esta industria y han dado saltos cualitativos importantes”.

Destacan en la propuesta el estímulo a la

distribución y al mejoramiento de la gestión: “En el modelo de negocio, mediadores, distribuidores, productores y exhibidores debieran implementar mejores herramientas para llegar a nuevos públicos, materia que en Chile no se ha instalado del todo. Uno ve con preocupación que los mediadores están desapareciendo y dejando al artista con la lucha permanente de seguir creando y, más encima, administrando esa creatividad. Con estos componentes estratégicos vamos a generar un antes y un después”, adelanta Ordóñez.

NO ES UN FONDO CONCURSABLE

-¿Cómo se puede postular?

“Lo primero, aclarar que no es un fondo concursable. Pensamos en un centro de información sobre mercados globales. Luego, un centro de negocios para que existan rondas de negocios, transferencias tecnológicas, misiones comerciales a países importantes, traer extranjeros para mostrarles lo que están produciendo nuestros artistas. La meta es poner en valor el producto de Chile afuera”.

-¿Qué es un producto cultural hecho en Chile?

“Está realizado por chilenos, tiene rescate de identidad, derecho de propiedad intelectual, reúne códigos y símbolos nacionales que se dan a conocer dentro y fuera del país, por el que existe mucho interés”.

-Comentas que los artistas quieren vivir de su obra, pero se ha dicho que suelen ser malos administradores.

“Los artistas deben crear. Para que conozcan la gestión está el rol de la academia, de quienes forman gestores y mediadores, pero hay que formarlos profesionalmente y conscientes. Y en ese sentido, hay mucho por hacer. Pero también está el rol y la formación de los distribuidores: las galerías de arte, los distribuidores de cine, los exhibidores, los gestores, y no me refiero al rol de los gestores sólo y exclusivamente como productores”.

-Entonces, no se enfoca a transformar a los artistas en “emprendedores”.

“Estamos viviendo el momento en que el artista deja de crear para administrarse. Y eso no puede ser y no es la idea. Apuntamos a facilitarle la vida a los artistas, para que existan emprendedores profesionales que los ayuden a que sus obras se pongan en valor. Ahora, si con el paso del tiempo esos artistas quieren colaborar, arriesgarse y asumir el desafío de lo que eso significa, bienvenido sea”.

“El conocimiento llega, pero la sabiduría se demora”, Lord Alfred Tennyson (1809-1892), poeta inglés.

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El ‘Nollywood’ Nigeriano estaría produciendo más de 1.000 películas anualmente, creando miles de empleos y siendo en ese país la segunda industria más importante, nada menos que después del petróleo. Aquí, los 50 ejemplos más destacados de la Industria Creativa nacional serán publicados a principios del próximo año bajo el lema “Made in Chile”.

La selección estará a cargo de un comité editorial compuesto por más de 15 personalidades de los más diversos ámbitos.

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Identidad Cultural

«Gran catástrofe en Mulchen: cinco niñas ahogadas juntamente con sus tres hermanitos.

La invasión de culebras en Carampangue.

Inevitable choque de la Tierra con el cometa Biela»

Hasta la cultura puede convertirse en un elegante y sutil estilo futbolero de “pasarse la pelota”. En este ámbito, equivale al “compra huevos” tradicional.

Por Heidi Schmidlin M.

C

omo las versiones no se ponen de acuerdo sobre la categoría patrimonial que UNESCO ha otorgado a nuestra Lira Popular (o Literatura de Cordel), tratamos de aclarar la duda con un experto. Las opciones son “Patrimonio Inmaterial de la Humanidad”, “Memoria del Mundo” o “Tesoro de la Humanidad”. Nos aconsejan preguntar al encargado de cultura en UNESCO-Chile.

Y ahí comienza el partido: La pelota sale de UNESCO, donde diversos mediocampistas ensayan pases: de la Oficina de Comunicación e Información de UNESCO a la oficina de prensa de ONU. ONU la pasa a Unicef, Unicef devuelve a UNESCO y después de varias “chilenitas”, gol de Juan Cristóbal Tomic, quien finalmente encaja una respuesta: “No hay un cargo formal de ‘encargado de cultura’ en estos momentos en la oficina de Santiago. Esta es la Oficina Regional de Educación para América Latina y el Caribe.

Sin embargo, de manera provisoria, estoy yo como consultor de programas a cargo de los asuntos culturales para Chile. Asimismo, para las postulaciones, el canal oficial de comu-

A la otra

esquina… nicación entre la sede de UNESCO y Chile, no es la oficina de UNESCO Santiago, sino la Comisión Nacional de Cooperación con UNESCO, radicada en el Ministerio de Educación de Chile. Su secretaria ejecutiva es Ana María Foxley”, explica Tomic muy amablemente y con la valentía de tomar la pelota en sus manos, aunque no la conozca bien.

Preguntamos quién de UNESCO tiene información sobre la postulación de las Liras Populares a Memoria del Mundo, y nos indican el conducto regular: Ana María Foxley, que juega de titular en la Coordinación de la Comisión Nacional de UNESCO. Es la encargada de informar, llamar y facilitar el acceso a programas, fondos e iniciativas culturales de UNESCO o instituciones asociadas, donde los gestores culturales nacionales pueden participar. Pero Foxley hace un rápido y definitivo offside: -Buenas tardes, estoy trabajando sobre el reconocimiento de las Liras Populares como Memoria del Mundo. Juan Cristóbal Tomic, consultor de programas para asuntos culturales de UNESCO, me informa que usted sería el conducto regular…, preguntamos a Foxley vía e.mail.

Y ella responde: “Si bien yo estoy informada sobre este tema, los antecedentes com-

pletos y oficiales te los puede entregar Ana Tironi, Directora de la Biblioteca Nacional, institución que estuvo en el origen de esta postulación”.

Insistimos con un lance de esquina: -Entendemos que la Biblioteca Nacional hizo la postulación, pero quisiéramos saber cuál fue el apoyo que dio la Coordinación Nacional UNESCO, como conducto regular de las gestiones a nivel mundial.

La escueta respuesta llega a través de un correo enviado por la Comisión Nacional UNESCO informando que Ana María Foxley está con licencia. Esperamos su recuperación y a las dos semanas insistimos, ya con ánimo de consultar sobre las próximas convocatorias, pero hay cambio de fechas: “Estaré fuera de la oficina desde el 22 de agosto al 20 de septiembre”.

Esquina abortada… siga participando.

Una jugadora de la zona medular en cultura, goleadora en el ámbito de patrimonio arquitectónico, se hace cargo del offside, pero desde la banca: “Aunque Ana María Foxley cumple un doble rol (por su trabajo en el MINEDUC y en UNESCO) no se ha establecido un canal de comunicación formal y específico para esos efectos en Chile. Basta

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revisar la página web de UNESCO o la del Ministerio de Educación para comprobar que el capítulo CHILE/UNESCO cultura no figura con pestaña propia. En definitiva, son los propios interesados los que resuelven, cuando llegan a informarse de las postulaciones. Es una gestión de autoservicio que lleva a perder muchos fondos asignados por desconocimiento de la operativa, de los plazos o de su misma existencia. Tampoco hay una gestión permanente para tener a Chile presente entre los países postulantes”, explica la profesional, que prefiere seguir en el anonimato trabajando sus proyectos.

Nos indican la necesidad de contar con un oficial específico del área cultura UNESCO, por lo que intentamos reanimar a un atento, pero ya cansado Juan Cristóbal Tomic: -¿Conocen, ustedes como UNESCO, la postulación de la colección Andrés Bello (U. de Chile) de Liras Populares al programa Memoria del Mundo? ¿Para cuándo se estima que llegará un técnico del sector Cultura, uno de los brazos que dan razón de ser a la UNESCO? “Aún no existe ningún registro de la Lira Popular como Memoria del Mundo. Repito, no está registrada a nivel mundial. Ya te expliqué cómo funciona la postulación: es vía Comisión Nacional (Mineduc), y te expliqué que los Comités, conformados por expertos de países miembros (gobiernos de países) realizan la votación, no la secretaría de UNESCO. Respecto a la segunda pregunta, la Oficina Regional de Cultura de UNESCO para América Latina y el Caribe está en La Habana. Puedes dirigirte a ellos si quieres ”.

La esquina cubana aparece atractiva, pero demasiado lejana; mejor insistir de local.

Según mis investigaciones, la U. de Chile divulgó en su sitio el reconocimiento de la Lira Popular como Memoria del Mundo (www.uchile.cl/noticias/69777/coleccion-lira-popular-de-la-u-de-chile-memoria-delmundo) tras una postulación que realizó con la Biblioteca Nacional (DIBAM) al sitio asociado www.mowlac.org. La Comisión Nacional de Coordinación UNESCO no participó en la gestión, ni tampoco en la difusión de esta declaratoria. De ahí que algunos se preguntan si llegará un oficial específicamente a cargo del área cultural UNESCO/CHILE que no tenga doble rol en el país.

Pero Juan Cristobal Tomic minimiza dicha necesidad ya que para ello hay una comisión: “Las convenciones y el programa Memoria del Mundo representan la voluntad de los países miembros de proteger el patrimonio y promo-

ver la diversidad cultural, reconociendo a las comunidades detentoras de dichos saberes o expresiones. No son premios. Por tanto, es la Comisión Nacional UNESCO, y no UNESCO, la encargada”. Gol y final del juego.

No hay bien que por mal no venga

El partido fue arduo y largo, pero al final sentó las bases para un propósito mayor. Tal como puntualiza Soledad Abarca, Jefa del Archivo de Literatura Oral de la Biblioteca Nacional: “Creo que existe una falta de coordinación en las colecciones patrimoniales del país. Por otra parte, UNESCO es muy extenso y puede haber confusión entre sus instrumentos y los resortes donde operan. A raíz de la postulación, nos hemos dado cuenta con Alejandra Araya, Directora del Archivo Central Andrés Bello de la Universidad de Chile, que debemos redoblar los esfuerzos de coordinación y difusión de los patrimonios materiales e inmateriales para facilitar su acceso. Lo primero es que el 14 de octubre se activarán las reuniones del Comité Nacional Memoria del Mundo, que si bien existe desde 2001, no ha mantenido la sistematicidad de encuentros que comunique a las instituciones con patrocinio de documentos”.

-¿Quiénes participan de este Comité?

“Entre ellos está Samuel Salgado, Director del Centro Nacional del Patrimonio Fotográfico; Patricia Huenuqueo, del Archivo Nacional; Alejandra Araya, de la Universidad de Chile; el archivo eclesiástico, la DIBAM, y UNESCO como invitada. Después de la postulación, vimos la necesidad de reiniciar un trabajo conjunto. Con la Universidad de Chile, específicamente, concretaremos un convenio centrado en la investigación y difusión de patrimonios materiales de ambas entidades.

Una de las primeras acciones será avanzar en conjunto hacia la postulación mundial de las Liras Populares, no como colecciones diferenciadas, sino como un patrimonio nacional indiviso. También se creará un software con audio e imágenes de las colecciones, que se podrá ver desde el sitio virtual de la Biblioteca Nacional (DIBAM). Por otra parte, nos dimos cuenta con Juan Cristóbal Tomic de que no teníamos mucho conocimiento de lo que hacía el otro, por lo que estamos abocados a la tarea de construir un puente que vaya más allá de una postulación específica”.

Fue un juego con final feliz: el próximo partido conjugará pases coordinados y contará con una mayor difusión orientada a enlazar opciones y programas, en aras de facilitar el acceso a gestores tanto independientes como institucionales. ¿O no?

Fue un juego con final feliz: el próximo partido conjugará pases coordinados y contará con una mayor difusión orientada a enlazar opciones y programas, en aras de facilitar el acceso a gestores tanto independientes como institucionales. ¿O no?

«Contrapunto entre el despachero i el tomador»

«La chilota que dió a luz un niño con tres cabezas, en el parral»

“La risa, como las flores y las mujeres, está bajo la influencia del sol y el clima”, Rubén Darío (1867-1916) escritor nicaragüense.

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Patrimonio

por Claudia Vergara

E

l Museo a Cielo Abierto de Valparaíso se experimenta a modo de paseo que sube al cerro Bellavista por calle Ferrari desde la Plaza Victoria, centro tradicional de la ciudad. Una propuesta singular, que alberga 20 pinturas murales de 18 artistas, entre los cuales figuran seis Premios Nacionales, cuyos diseños fueron donados y ejecutados en los muros del cerro por jóvenes estudiantes de la Universidad Católica de Valparaíso.

Esta iniciativa impulsada por Francisco Méndez y Nemesio Antúnez tuvo como fin revalorizar y embellecer el espacio urbano, poniendo en contacto el arte con los habitantes del Puerto. Las pinturas fueron diseñadas por integrantes de una valiosa y reconocida generación nacida en las décadas de los 40 y 50, que había estudiado en Europa y Estados Unidos, y cuyas variadas tendencias se plasman en las serpenteantes laderas.

MUSEO A CIELO ABIERTO

VALPARAÍSO A punto de cumplir 20 años, este proyecto, que reúne obras de 18 artistas consagrados, entre ellos los Premios Nacionales Roberto Matta, Sergio Montecino, José Balmes, Rodolfo Opazo, Guillermo Núñez y Gracia Barrios, espera ser reinaugurado en 2012, funcionando al 100%.

Continuación de un sueño

La idea tiene su origen en las actividades de Francisco Méndez (académico en la Facultad de Arquitectura) como profesor de la cátedra de Artes Plásticas en el Instituto de Artes de la Universidad Católica de Valparaíso. Recuerda Méndez: “En 1969 quisimos establecer un diálogo entre la pintura y el entorno de la ciudad. Con mis alumnos surgió el proyecto de pintar murales en las casas, en los muros de contención de los cerros, en los accesos y en las escaleras”. Fueron diseños realizados por él y ejecutados por los estudiantes que venían de diferentes carreras. Entre 1969 y 1973 se fue estableciendo una estrecha relación con los vecinos: “Había un deseo insatisfecho de compartir y convivir con obras de arte y lo que nunca fue cercano ahora estaba en medio de ellos”, dice Méndez.

A inicios del 73, el profesor decidió invitar a sus amigos artistas Nemesio Antúnez, Eduardo Pérez y Eduardo Vilches, pero el proyecto se interrumpió por los acontecimientos políticos de ese año, y los cerca de 60 murales pintados se perdieron en transformaciones, pinturas y estucos. El único perteneciente a esa etapa es el Mural Nº 20, incluido actualmente en el recorrido del Museo como un testimonio de esa época.

Recobrada la democracia, se revitalizó esta iniciativa de fundar un gran museo al aire libre basada en la idea original de Francisco Méndez y esta vez formada por una colección representativa de artistas con una trayectoria reconocida.

En 1991, con la ayuda de Nemesio Antúnez, entonces Director del Museo de Bellas

La iniciativa impulsada por Francisco Méndez y Nemesio Antúnez tuvo como fin revalorizar y embellecer el espacio urbano, poniendo en contacto el arte con los habitantes del Puerto.

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Artes, se convocó a los artistas a formar parte del proyecto con sus diseños y la elección en diferentes lugares del cerro. Se celebró un convenio entre la Universidad Católica de Valparaíso y la Municipalidad porteña, que permitió la realización material del Museo a Cielo Abierto, inaugurado en julio de 1992 en presencia de varios de los artistas, de vecinos que donaron parte de sus fachadas y de personalidades regionales.

Los artífices del Museo

El hecho de que las pinturas tengan diferentes propuestas estéticas (surrealistas, expresionistas, abstractas, figurativas, op y pop art) destaca la riqueza y el estatus de una colección de museo tradicional. La libertad otorgada a los creadores convocados para plasmar su propia visión, reafirma este concepto.

El arte intervino el espacio público luego de un período de acercamiento de los impulsores del proyecto a la comunidad. En un comienzo, la gente se mostró reacia a pintar sus muros ya que este hecho se asociaba a la pintura de protestas y acción política de los convulsionados años 80, que era fuertemente reprimida por la autoridad. Por otro lado, el que las obras fueran de tendencias más abstractas dificultaba su comprensión. Poco a poco, artistas, estudiantes y profesores fueron comunicando la importancia y el valor de entregar los muros para contemplar un arte vivo en una experiencia cotidiana.

Los niños fueron los más receptivos. Por ejemplo, en la obra de Eduardo Vilches colaboraron en la aprobación de los colores.

Cabe recordar que en esos tiempos la ciudad lucía mucho más triste y gris. El proyecto «Pinta tu Fachada» fue impulsado recién en 2005 a propósito del nombramiento de ciertos sectores de Valparaíso como Patrimonio de la Humanidad. Por lo tanto, en los años noventa, el Museo a Cielo Abierto era el único punto de color que emergía de los cerros.

Los 18 artistas que forman parte de esta permanente muestra son los Premios Nacionales de Artes Plásticas Sergio Montecino (1993), José Balmes (1999), Rodolfo Opazo (2001), Guillermo Núñez (2007) y Gracia Barrios (2011); Roberto Matta, Premio Nacional de Arte 1990, y Mario Carreño, Eduardo Pérez, Matilde Pérez, Eduardo Vilches, Ricardo Yrarrázabal, Mario Toral, Ramón Vergara Grez, Francisco Méndez, Roser Bru, Nemesio Antúnez, Augusto Barcia y María Martner.

Se necesita guardianes y mecenas

Preservar las obras del deterioro provocado por el ambiente marino y por el rayado de los graffiteros son los desafíos y la preocupación permanente de Paola Pascual, Curadora del Museo, e Isabel Ibáñez, Jefa de Extensión Cultural de la Universidad Católica de Valparaíso. Ambas dan cuenta de los

Preservar las obras del deterioro provocado por el ambiente marino y por el rayado de los graffiteros son los desafíos y la preocupación permanente.

esfuerzos por restaurar los muros. En 2004 se hizo una reparación completa de ellos, pero la inclemencia del clima, los excrementos de pájaros y el hecho de no contemplar un cierre del área, hace que el control deba ser compartido por lo vecinos. La universidad destina un presupuesto anual para su mantención, el que se hace insuficiente. Lo demás proviene de concursos y fondos públicos y privados. Entre ellos está el destinado a la obra de Roberto Matta (cuyo diseño fue donado por Pablo McClure, discípulo de Matta), que está siendo restaurado durante 2011 junto a otros tres murales cercanos a la obra: los de Rodolfo Opazo, Ramón Vergara Grez y Mario Toral.

El Festival de las Artes de Valparaíso, que se realiza todos los años en enero, contempla incluir entre sus actividades visitas guiadas al Museo a Cielo Abierto. También se pretende ir capacitando periódicamente a los vecinos para que ellos mismos sean guías culturales.

“Podríamos elegir guías del Bellas Artes, pero no es la idea. La base del museo es estar en contacto directo con el barrio. Eso debe ser constante, porque le da valor al conjunto”, señala Paola Pascual.

Este año se obtuvo una acreditación para acogerse a la Ley 18.985, de Donaciones Culturales, que abarca el período julio 2011-mayo 2013. Por medio de esta gestión se persigue que las empresas tengan un mayor estímulo y comprometan su apoyo y financiamiento a las distintas actividades culturales que organice la Universidad, entre ellas, la restauración del Museo a Cielo Abierto.

La Universidad Católica de Valparaíso ha optado por formar un equipo multidisciplinario para la protección de los muros, comprometiendo al Consejo de Nacional de la Cultura y, especialmente, al Centro Nacional de Conservación y Restauración ya que “en 2012, el Museo cumplirá 20 años y queremos reinaugurarlo funcionando al 100%”, comenta Isabel Ibáñez.

El hecho de que las pinturas tengan diferentes propuestas estéticas (surrealistas, expresionistas, abstractas, figurativas, op y pop art) destaca la riqueza de la colección.

“El éxito nos muestra un lado del mundo; la adversidad nos trae el revés de la pintura”, Charles Caleb Colton (1780–1832) escritor y coleccionista británico.

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Testimonio

Laguna de aguas glaciares que desaparece en verano.

Monte Atalaya

Vela por tu tierra Isla Riesco, algo por lo que vale la pena luchar.

TEXTO Y FOTOS: Mónica Oportot

V

oy recorriendo con extraña paz el borde costero de aguas transparentes, sintiendo el graznido de las aves marinas y la respiración salada de un mar limpio.

Magallanes posee áreas de paisajes prístinos, con escasa o ninguna intervención humana, bellezas escénicas impolutas, sin huellas de actividades o de industrias contaminantes, ideal para el turismo contemplativo de naturaleza y de intereses especiales, que no consumen ni depredan el patrimonio que emplean para desarrollarse.

Mirando ese panorama, viviendo sus bondades, me es imposible comprender por qué -sin saber nada del viento ni de las corrientes por donde pasan las ballenas, delfines y lobos marinos- el Gobierno de Chile (con la ilusión del crecimiento infinito) pactó un acuerdo económico potencialmente autodestructivo al aprobar un emprendimiento de tan gran envergadura como la explotación a tajo abierto de la minera Invierno, el primera de cinco ya-

cimientos de carbón de Isla Riesco. El proyecto se basa en la extracción de un recurso fósil no renovable, cuyo uso contribuiría enormemente al proceso de calentamiento global que amenaza la sobrevivencia de la Tierra. Y para colmo, esto ocurre mientras entramos en un estado de crisis ecológica mundial.

La gran mayoría preferimos los recursos renovables no convencionales y queremos que el Estado incluya energías limpias, nos permita vivir en una sociedad más justa y en equilibrio con su entorno, y que impida que el poder económico destruya la democracia para mantener sus privilegios. ¿Por qué, entonces, una minoría puede impedir que cumplamos nuestras aspiraciones? ¿Dónde están las herramientas para defendernos de estas facciones?

Destruyen la belleza del paisaje porque los esplendores de la naturaleza carecen de valor para ellos si no pueden sacar un provecho económico. No importa que esto favorezca el corto plazo sobre el largo plazo, no toman en cuenta a las generaciones futuras.

El sentido de su vida es enriquecerse, han

olvidado que pensar en términos económicos no es consustancial a los seres humanos.

Afortunadamente, esa gran mayoría que no piensa así ha sacado la voz y por ello Ana Stipicic tiene en las redes sociales más de 35.000 seguidores, los que aumentan día a día. Ella es una mujer de corazón, capaz de hacernos sentir la urgencia de una vuelta a la conversación pública imbuida de ética. Hace dos años que se opone al megaproyecto minero en Isla Riesco: “Inmediatamente me di cuenta de que era algo por lo que merecía la pena luchar”. Como ella, miles de personas estiman que, siendo ciudadanos de una sociedad libre, tenemos el deber y el derecho de mirar críticamente a nuestro mundo y de velar para que nosotros y las futuras generaciones podamos vivir en él de la mejor forma posible.

Sobriedad, frugalidad, respeto

Para llegar aquí cruzamos en barcaza por el canal Fitz Roy, que está entre dos cuencas hidrográficas formadas por los mares interiores de Skyring y Otway. Si hay mal tiempo se

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suspende el servicio de balseo en el canal. Hay solamente 30 estancias desparramadas en esas tierras que guardan un importante reducto de huemules en estado salvaje.

El doctor Gregor Stipicic valora la vida que lleva en la estancia familiar de Isla Riesco. El precio de la soledad no es carga para él. La interacción pura con la naturaleza es cultura, por ello cuida a sus ovejas y vela para que la tierra esté sana y sustentable. Se preocupa de recuperar el suelo sin ocupar fertilizantes. Solamente por medio del empleo de métodos naturales se conservan las aguas limpias y la tierra viva. Dice que en el pasado esta isla fue un lugar muy frecuentado por los canoeros cazadores recolectores marinos kawéskar y por los cazadores-recolectores terrestres Aonikenk. Intercambiaban pieles y otros bienes entre ellos, y fueron los que más tiempo pasaron en esta zona. Antiquísimos vestigios y sitios arqueológicos han sido encontrados en Ponsonby y en la isla Englefield (mar de Otway).

El fuego arde en la cocina de la estancia Anita Beatriz, que guarda la herencia del bisabuelo Jorge Stipicic, quien llegó desde Croacia a la Patagonia cuando era un joven marino del imperio austro-húngaro en búsqueda de oro y nuevos horizontes. Son cuatro generaciones las que han trabajado con esmero en esta bella tierra, agradeciendo sus dones.

El agua que usamos viene de los manantia-

les. Y cuando el atardecer en colores pasteles se refleja en un mar cercano y la inminente oscuridad exterior me produce una sensación de aislamiento, Gregor aclara la penumbra con una lámpara de kerosene y luego sale a la intemperie para activar un motor que nos ilumina nuevamente.

Patagonia, una reserva de agua y vida

En 1829, una expedición dirigida por el capitán Robert Fitz Roy penetra por el canal Jerónimo. El resultado de la exploración consigna por primera vez una imagen geográfica aproximada marítima y terrestre de la futura comuna de Río Verde, que incluye Isla Riesco. Los colonos pioneros que llegan son en su mayoría europeos, construyen sus casas y explotan la madera, después prenden fuego para “limpiar los campos”, quemando miles de árboles del bosque nothofagus, (coigüe, lenga, ñirre) para introducir la ganadería lanar.

La explotación de las minas de carbón Elena y Josefina (que instalan a 400 trabajadores donde viven sesenta y seis estancieros) tiene gran auge, pero al término de la Segunda Guerra Mundial viene la depresión económica en Magallanes y el cierre de las minas en Isla Riesco. Con empeño renovado de pionerismo se restablece la mayoría de los estancieros para dar vida a la actividad pecuaria, la que se lleva a cabo respetándose y respetando.

Estancia Anita Beatriz

En la Reserva Alacalufe, que cuenta con unas 2.320.000 hectáreas, viven huemules, pumas, cóndores, coipos, y zorros, entre muchos otros animales. Y más de 66 especies de aves. Aquí se ubican los cerros Ladrillero y Atalaya, las cumbres más altas de la isla.

Ana Stipicic tiene en las redes sociales más de 35.000 seguidores, los que aumentan día a día. Hace dos años que se opone al megaproyecto minero en Isla Riesco.

“Es mejor prender una vela, que maldecir las tinieblas”, Confucio (551 a. C.- 479 a. C.), filósofo chino.

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[ FUNDACIÓN EL OBSERVATORIO | POR MIGUEL LABORDE ]

EN EL CORAZÓN DE AMÉRICA DEL SUR I N V I TA D O S POR Huidobro, que no estaba en su casa; se lo dijo para merecerlo, epicentro de todo. Su fundador “la otra Bolivia”, la que dialoga con Ar- la esposa, Ximena Amunátegui, a la que Iommi llegó a este interior en busca de Eldorado, luego gentina y Brasil, la petrolera y expor- no pudo olvidar. La conquistó y al final terminó de andar tras él por Panamá, la laguna de Guatatadora agroindustrial, la atenta a los radicado en Chile. vita en Colombia, Ecuador, Perú… Emociona sesignos de los tiempos. Su ciudad principal, Santa En la Católica de Valparaíso, con Alberto Cruz guir su biografía, conocer su testaruda inocencia, Cruz de la Sierra, es la más grande y poblada, Covarrubias, crearían la poética del “mar inte- que lo lleva ser el que llega más lejos, el que no el centro económico e industrial más dinámico rior” de esta América; del mirar hacia adentro. claudica, por ese sueño. de ese país.

Proyectaron la Cruz del Sur sobre el continente, Debió pensar en alguien como él Arthur RimFue bueno conocer a Larry Scarpa, innovador su parte meridional, y como epicentro apare- baud cuando escribió su célebre verso: “Y a la arquitecto de California que, ya millonario, se ha ció… Santa Cruz de la Sierra. En un viaje mítico, aurora, armados de una ardiente paciencia, endedicado a diseñar unos notables bloques de de 1965, con recursos precarios, llegaron hasta traremos en espléndidas ciudades”… vivienda social de bajísimo consumo energético. el borde austral, y en Punta Arenas, luego de un Uno puede tomar un avión desde Bogotá, en Leonardo di Caprio se entusiasmó tanto que rito artístico, partieron hacia el corazón de esta el aeropuerto Eldorado, y desembarcar en el lo llevó a la televisión y lo transViru Viru en Santa Cruz de la Sieformó en una suerte de héroe rra, fundada por ese conquistamoderno. Uno de sus bloques, dor que soñaba con Eldorado… de fachada muy contemporánea, La ciudad tuvo un entorno de 10 lo pensó a partir de un display misiones jesuíticas -en realidad, de chocolates en un aeropuerto. todavía las tiene, ya que los de Algo le gustó en su desorden, le aquí siguen siendo pueblos vivos, tomó una foto con su celular y habitados-, asentamientos que le anduvo dando vueltas hasta también fueron un sueño de ressalir con la suya: una obra fresca, plandores barrocos, el sueño de “excitante”. crear lugares donde el indígena Es lo que buscan en Santa Cruz americano no fuera perseguido, de la Sierra, la capital del Oriente violentado, humillado.

Boliviano; porque tienen historia Esta es una tierra de sueños, de sobra pero necesitan, también, aunque el fundador llegara con presente y futuro. una consigna que intriga: al arribar Necesitan, por supuesto, un anuncia que viene a “desencantar Relato. Y lo de “corazón de Améla tierra”… Más atrás hay otro rica del Sur” es su núcleo. Efectisueño enigmático: los habitantes UNA OBRA FRESCA, “EXCITANTE”. ES LO QUE BUSCAN vamente, esta ciudad dialoga con indígenas, en su mayoría de raza la Bolivia Andina, con el Chaco guaraní, avanzaban hacia el inteEN SANTA CRUZ DE LA SIERRA, LA CAPITAL DEL ORIENTE del Paraguay, con el Matto Grosrior en busca de La tierra sin mal.

BOLIVIANO; PORQUE TIENEN HISTORIA DE SOBRA PERO so de Brasil. Su territorio siempre Así llegaron hasta acá; como los fue un punto de cruce de paisajes jesuitas, como todos.

NECESITAN, TAMBIÉN, PRESENTE Y FUTURO. y etnias, y es por eso que el cerro ¿Desencantar? Borrar mitos, Samaipata se llama así, cerro de supersticiones, magias, para hacer gigantesco arte rupestre, cuyo nombre significa, América. En los poblados se detenían, marcando ingresar el territorio a una economía, a una insexactamente, “punto de encuentro”. su ruta con arte. Hay un pueblo donde pregun- titucionalidad, a un orden jurídico, occidentales.

Están interesados en la ciudad, en los detalles taron por la historia del lugar, y la pintaron en Y bueno, parece que lo lograron en esta Bolivia del por qué, desde la Católica de Valparaíso, y en el muro de la escuela. Nadie sabía bien quiénes eficiente, productiva. Pero, ya sin hambre, ya sin los años 60, un grupo de artistas visuales, poetas, eran, pero lamentaban verlos alejarse. miseria, tienen razón de querer asomarse a su arquitectos, viajó hasta allá a declarar a esa ciuDesde el norte argentino entraron a Bolivia. otra mitad: la poética, la del ensueño. Es por eso dad “capital poética de América del Sur”. Tienen Pero los militares bolivianos los fueron cercan- que, para abrir su Congreso de Arquitectura y datos pero quieren la historia completa. do, desviando, bloqueando, y no lograron llegar Ciudad, le encargan la conferencia inaugural a la Ella comenzó cuando un grupo similar, de Ar- a Santa Cruz de la Sierra; sólo en Tarija, lo más chilena Cazú Zegers; en el nombre del habitar gentina y Brasil, decidió partir a Europa en 1939, cercano, pudieron dejar una obra de arte. Dos poético de América del Sur. cuando París era el epicentro de las vanguardias, años después, en 1967, supieron que habían inRazón y emoción, geografía e historia, Los Antodavía. Pero estalló la Segunda Guerra Mundial y tentado cruzar la zona misma donde el ejército des y la Amazonía, el Chaco y el Mato Grosso, se dijeron, por qué no descubrir América, mejor. boliviano perseguía al comandante Peredo y al Chile y Perú, Argentina y Brasil, el indígena y el En lugar de mirar hacia fuera, mirar hacia aden- Che Guevara. Por entonces nacía la pionera re- europeo, el pueblo originario y el pueblo inmitro. Por el río San Francisco se internaron, hacia forma universitaria de Valparaíso, antes que en grante, ¿podrán tener aquí su Samaipata, su “lugar los lugares sin nombre de la Amazonía, en busca Santiago, con una frase puesta por Iommi en la de encuentro”? de lo inaccesible: donde todavía había espacios puerta del claustro, sintomáticamente la misma América Latina lo necesita, América del Sur para fundar ciudades. Anduvieron por Colombia, que aparece en París al año siguiente, en el mayo lo necesita; una Bruselas, una Ginebra, donde se Perú, y uno de ellos, el poeta argentino Godofre- de 1968: “Prohibido prohibir”. instalen organismos internacionales en una ciudo Iommi, de regreso a su Argentina natal pasó El nombre quedó flotando en el paisaje cálido: dad con vocación cosmopolita, abierta, tolerante, por Chile. Como se sabe, para conocer a Vicente “capital poética de América del Sur”. Tiene tanto epicéntrica, como Santa Cruz de la Sierra.

MIGUEL LABORDE es Director Cultural de la Fundación El Observatorio (Centro de Estudios Geopoéticos de Chile), director de la Revista Universitaria de la UC, profesor de Urbanismo (Ciudades y Territorios de Chile) en Arquitectura de la UDP, miembro del directorio de la Fundación Imagen de Chile, miembro honorario del Colegio de Arquitectos y de la Sociedad Chilena de Historia y Geografía, y autor de varios libros.

CÉSAR CATALÁN

UIMOS

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[ NOTASCUL | POR PAMELA MARFIL ]

>SI NO PUEDES CONTRA ELLOS…

L

os libros digitales se abren paso en las bibliotecas virtuales de los lectores del mundo. De hecho, Amazon (una de las primeras empresas en vender productos a través de Internet) declaró recientemente que está vendiendo más libros en versión digital que en papel. Frente a esta situación, desde las editoras proactivas surgen creativas iniciativas de sobrevivencia que están aportando nuevas variables en la definición del lector “2.0”. Como ejemplo, la pequeña editora Melville House, lanzó sus HybridBooks, que son libros en papel con atributos de los libros digitales. Gracias a un código QR incluido en las páginas impresas, el lector puede acceder a una gran cantidad de extras como: audio ad-hoc, mapas, videos y fotos, entre otros, que complementan y enriquecen la lectura. Basta escanear el código con la cámara del celular o entrar directamente al sitio web especificado. Un mundo de nuevas posibilidades que es de esperar aumenten el número de lectores con la aparición de más alternativas que se ajustan a cada consumidor. http://mhpbooks.com

>CORTO, PRECISO Y GENIAL: EINSTEIN “Es un milagro que la curiosidad sobreviva a la educación reglada”. “¡Triste época la nuestra! Es más fácil desintegrar un átomo que un prejuicio”.

“No podemos resolver problemas usando el mismo tipo de pensamiento que usamos cuando los creamos”.

“Nunca pienso en el futuro. Éste llega lo suficientemente rápido”.

>¡POPEYE CONTRA LA ANEMIA POST GRAN DEPRESIÓN!

P

opeye no tiene secretos, todos sabemos que su fuerza proviene de las espinacas que consume. Sin embargo, no siempre fue así. Inicialmente era un secreto. Sólo después de que el Gobierno de Estados Unidos decidiera utilizar al héroe americano más popular de los años 30 para su campaña de consumo de la espinaca como substituto de la carne, es que se reveló que este vegetal era el responsable de sus poderes. Todo surgió como consecuencia de la Gran Depresión, que llevó la debacle económica al país.

Había que encontrar sustitutos a la costosa carne. En aquel tiempo, un científico alemán descubrió que la espinaca contenía grandes cantidades de hierro (posteriormente se confirmó que no mucho más que otros alimentos, pero el mito ya estaba popularizado). El problema es que había que convencer a la población de consumirla, para lo cual Popeye el Marino era la mejor herramienta. El vegetal pasó a ser la tercera comida favorita de los niños después del pavo y del helado. Además, y de paso, la campaña promocionó el uso de la comida enlatada como una perfecta forma de acumular stocks de emergencia. ¡Todo un acierto!

>CÓMICS QUE CAMBIARON EL MUNDO (a partir de la investigación de Mark Juddery)

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uperman derrota al Kukux Klan? Increíble, pero cierto. En los años 40, el KKK promovía la xenofobia recurriendo al terrorismo, a la violencia y actos intimidatorios como la quema de cruces e incluso el linchamiento. La secta había generado tal ambiente de terror que nadie se atrevía a denunciarlos. Por esa época, el activista Stetson Kennedy (1916), famoso por sus trabajos de investigación sobre varios grupos racistas, se infiltró en el Ku Klux Klan, aprendiendo todos los secretos de la poderosa organización. Kennedy tuvo la brillante idea de convencer a los productores de «Aventuras de Superman», la serie radial más famosa de la época, para que incluyeran algunos episodios donde los villanos fueran los triple K. Con la caída de Hitler desaparecía el archi-enemigo del súper héroe y era bienvenido un nuevo villano contra quien luchar. A partir de junio de 1946, y a través de 16 capítulos, los secretos mejor guardados del KKK fueron entregados a la opinión pública, sus rituales profanados y su estructura revelada, de forma tal que el programa despojó al clan de su mística.

¿ >POESÍA EN LA VOZ DE SU PROPIO AUTOR

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n «Voz y Video en la Poesía Iberoamericana» del link www.palabravirtual.com, los amantes de este género literario podrán acceder a la completa audiovideoteca, fonoteca y videoteca de Blanca Mateos. En su mayoría declamados por el propio autor, se puede escuchar y/o ver a Mario Benedetti, Julio Cortázar, Federico García Lorca o Luis Camoes, entre muchos otros.

De nuestro país están considerados Pablo Neruda, Vicente Huidobro, Gabriela Mistral, Armando Uribe, Carmen Berenguer, Floridor Pérez, Gonzalo Rojas, Nicanor Parra, Oscar Hahn y Ricardo Gómez López.

Pero si de datos se trata, lo anterior no es todo. Los fanáticos de Jorge Luis Borges podrán encontrar 26 de sus textos leídos por él mismo en http://soundcloud. com/benthamite/sets/jorge-luis-borges-por-el-mismo/ ¡Tremenda colección que no requiere espacio para su almacenamiento!

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[ TECNOLOGÍA | POR EDISO OTERO ]

CIENCIA PÚBLICA, CIENCIA PRIVADA fue un hito digno se estaban obteniendo. Y tuvo bastante éxito hasta que Clinton de inicio de milenio. Ese día, en la Casa Blanca, el enton- le puso condiciones que no pudo rechazar. Para su ventaja, Vences Presidente Bill Clinton anunció solemnemente el ter tenía al frente a científicos políticamente ingenuos y con una desarrollo del borrador de la secuenciación del geno- concepción candorosa y optimista de la conducta humana. Conma humano. Como se sabe, esta expresión se refiere al conjunto fiaron mucho más allá de lo prudente y fueron sorprendidos una de los genes humanos y muchos expertos lo definen como el y otra vez. Incluso aquellos, como el británico John Sulston, que manual de instrucciones que permite la construcción y funciona- desconfiaban de Venter, sólo algunas veces estuvieron a la altura miento de nuestro cuerpo.Todo viene empaquetado en 23 pares del estilo conspirador y mediático del científico. de cromosomas distintos.

Tal vez, nadie como Sulston estaba tan comprometido con una El anuncio ha quedado registrado en varias fotos que hoy idea que consideraba en el corazón mismo de la investigación constituyen auténticos íconos. En el centro, Clinton; a su dere- científica: los resultados deben ser de conocimiento público y cha (izquierda para el observador), Craig Venter, y a su izquierda de disponibilidad pública. Tratándose de cuestiones tan decisivas (derecha para el observador), Francis Collins, ambos científicos como el conocimiento del genoma humano, no podía haber seestadounidenses. Corrocretos y nadie podía penborando que los hombres sar en su propio provecho. de ciencia colaboran pero El objetivo de Sulston era también compiten (como avanzar lo más rápido poafirman los estudiosos de sible en el borrador de la esta disciplina), la presencia secuenciación del genoma de los sonrientes Collins y hasta tenerlo completo y Venter oculta una fuerte y luego publicarlo en revistas despiadada rivalidad. Miencomo «Nature» o «Scientras Venter representaba ce», dejando así a Venter allí a la investigación privada con los crespos hechos. Por -principalmente a su propia lo demás, muchos de los empresa, Celera-, Collins lo aportes económicos que hacía por los laboratorios financiaban los laboratorios públicos, estadounidenses y liderados por Sulston probritánicos, principalmente. venían de fondos públicos Craig Venter tuvo la asy comprometían a los protucia de elegir como sus pios gobiernos.

LA CONFERENCIA DE PRENSA DE CLINTON interlocutores a los medios Entre 1990 y 2000, Sulsde comunicación, ignoranton y sus colegas y colaSIGNIFICÓ UN ANUNCIO CUYA IMPORTANCIA ES tes, incautos y ávidos de boradores se implicaron SÓLO COMPARABLE AL DESCUBRIMIENTO DE LA espectáculo. Combinando en una carrera con obstáanuncios sorprendentes, culos destinada a lograr la ESTRUCTURA DEL ADN, EN 1953. PERO, BAJO CUERDAS, conferencias de prensa secuenciación y ponerla a FUE LA EXPRESIÓN DE UN ARMISTICIO. efectistas, hizo sentir a la disposición del público, los opinión pública que los gobiernos, los investigadolaboratorios públicos esres y de todos quienes se taban gastando mucho dinero sin alcanzar logros significativos, interesaran. Por cierto, los interesados sobraban, sobre todo en avances que la empresa privada podía garantizar con eficiencia las empresas privadas, en los laboratorios privados. Tenían claro y prontitud. De hecho, declaró haber alcanzado la secuenciación que los conocimientos que derivaban de la investigación en curso completa sin haberlo conseguido realmente. Su motivación prin- tendrían profundas consecuencias en la identificación de los gecipal era patentar cada descubrimiento, por pequeño que fuera, nes eventualmente responsables de enfermedades hereditarias, y luego cobrar por el acceso a la información. Estimulados por el consecuente desarrollo de medicamentos para combatirlas y Venter, incluso hubo quienes patentaron genes. las consecuentes implicaciones éticas y comerciales. Un ligero cálA estas alturas, la idea aparece como absolutamente oportu- culo de los dineros que puede significar la propiedad privada de nista y desatinada. Valga una analogía: era como patentar las cuer- algunos de estos desarrollos eleva las cifras a montos siderales. das vocales y luego cobrar a todos los que hablan por usarlas. En Y multiplica miles de veces la desigualdad de las personas para los años inmediatamente anteriores al anuncio del borrador de acceder a ellos. La conferencia de prensa de Clinton significó un la secuencia de los componentes del genoma humano, Celera anuncio cuya importancia es sólo comparable al descubrimiento vio crecer el valor de sus acciones a la nubes y Venter se volvió de la estructura del ADN, en 1953. Pero, bajo cuerdas, fue la riquísimo. expresión de un armisticio, un cese provisional del fuego entre De hecho, Craig Venter participó a contrapelo en la conferen- intereses cruzados, entre las instituciones públicas y las empresas cia de prensa encabezada por Clinton. Hasta esa fecha hizo todo privadas. La guerra ha continuado en los años recientes, en el lo posible por no compartir los resultados de sus propios labo- contexto de una verdadera ‘fiebre del oro’ por apoderarse del ratorios y exigió conocer aquellos de los laboratorios con finan- conocimiento sobre las bases moleculares de la vida. La paz no ciamiento estatal. Puso todas las cortapisas posibles para que su se divisa en el horizonte. Nunca fue tan apropiada la expresión: empresa se beneficiara rápidamente de los conocimientos que es cuestión de vida o muerte.

L 26 DE JUNIO DE 2000

EDISON OTERO BELLO es Licenciado en Filosofía y profesor titular por la Universidad de Chile.

Se ha especializado en las áreas de la epistemología, el desarrollo del pensamiento crítico y la teoría de la comunicación.

Actualmente es investigador y editor del Centro de Estudios Universitarios (CEU) de la Universidad Uniacc.

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Agenda Santiago / octubre Agenda Agenda

[ por pamela marfil ]

Teatro Nescafé de las Artes Manuel Montt 032, Providencia - Teléfono: 236 3333 - www.teatro-nescafe-delasartes.cl - www.ticketmaster.cl

PEDRO AZNAR

ANNA BOLENA

13 y 14 de octubre, a las 21:00 horas. Entradas: $18.000 a $26.000

15 de octubre, a las 14:00 horas.

Entradas: $25.000 a $30.000

El destacado músico argentino Pedro Aznar regresa a Chile en el marco de una gira nacional para recorrer lo mejor de su discografía y presentar un adelanto de su próximo disco. La visita contempla varias ciudades del país: Punta Arenas, Chillán, Temuco, Concepción, La Serena, Salvador y Copiapó, entre otras.

PASIÓN FLAMENCA 20 y 21 de octubre, a las 20:30 horas. Entradas: $15.000 a $50.000 pesos

Israel Galván, ganador del Premio Nacional de Danza de España, es considerado el bailaor más original, vanguardista y arriesgado del momento. Llega a Chile para desplegar un gran espectáculo de flamenco conceptista y barroco.

VICENTE AMIGO 11 y 12 de octubre, a las 20:30 horas. Entradas: $15.000 a $50.000

Consagrado como uno de los más virtuosos y destacados intérpretes de su generación, el artista Vicente Amigo despliega, junto a la expresiva fuerza de su guitarra, las enormes posibilidades estéticas y sonoras del flamenco.

Regresa el suceso artístico y social más esperado del año, con las mejores óperas del mundo en directo, a través de pantalla gigante Full HD. Estrenando la tercera temporada se transmitirá la ópera belcantista «Anna Bolena», de Gaetano Donizetti. Esta tragedia lírica se basa en la vida de la segunda esposa del rey Enrique VIII de Inglaterra y muestra el fascinante mundo de los amores e intrigas de la realeza británica del siglo XVI. Dirección: Marco Armiliato. Elenco: Anna Netrebko (en la foto, Anna Bolena), Elina Garanca (Giovanna Seymour), Tamara Mumford (Smeton), Stephen Costello (Lord Riccardo Percy), Ildar Abdrazakov (Enrique VIII).

JOSÉ SACRISTÁN «CAMINANDO CON ANTONIO MACHADO» 18 y 19 de octubre, a las 21:00 horas.

Entradas: $8.000 a $38.000

El legendario actor español José Sacristán visita por primera vez Chile para homenajear, con un monólogo de poderosa poética y musicalidad, la vida y obra de uno de los grandes autores de la literatura hispana como es Antonio Machado.

CIRCO GALAPIAT «RIESGO ZERO» 22 de octubre, a las 20:00 horas; 23 de octubre, a las 19:00 horas.

Entradas: $8.000 a $20.000

«Riesgo Zero» es la apuesta del Circo Galapiat, revelación del arte circense contemporáneo francés, que se adentra con una caravana de divertidos personajes en el misterio, el peligro y la emoción de esta renovada disciplina. Con la compañía de Pacheco Kaulen Hermanos.

Teatro Municipal

CINE FRANCÉS

Agustinas 794, Metro Santa Lucía - Fono Venta: 800 471000 Oficina de Abonos: 463 8888 - Boulevard Parque Arauco, Local 352-A - Teléfono: 432 9696 - www.municipal.cl

BALLET «LA CENICIENTA» Pequeño Municipal, 9 de octubre, 12:00 horas.

Entradas: público general desde $3.500, niños $3.500

El clásico cuento de hadas de Charles Perrault es presentado en una hermosa versión a cargo del Ballet de Cámara del Teatro Municipal de Santiago. Coreografía de Patricio Gutiérrez.

«ROMEO Y JULIETA»

ORQUESTA SINFÓNICA NACIONAL JUVENIL 12 de octubre, a las 13:00 horas.

Entradas: público general desde $ 4.000, jóvenes $3.500

La Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil se presenta en el Teatro Municipal con un programa único.

Comienza con «Capriccio Italiano» Opus 45, de Tchaikovski, para continuar con la Suite del ballet «El Zorro», creación original del director de esta agrupación, José Luis Domínguez, ganador del premio del Círculo de Críticos de Valparaíso 2010.

Museo Histórico Nacional (Plaza de Armas 951, teléfono 411-7010).

Con una selección de películas en torno a Reflexiones sobre Educación, el Museo Histórico Nacional y el Instituto Chileno Francés ofrecen el 2º ciclo gratuito de cine galo, todos los miércoles de octubre, a las 13:00 horas.

Programa: «Ser y tener», de Nicolas Philibert, 12 de octubre; «Los coristas», de Christophe Barratier,» 19 de octubre; y «Por Favor, vota por mí», de Weijun Chen, 26 de octubre.

EL CRIN

10 y 11 de octubre, 19:00 horas. Entradas: $2.000 a $42.000

Las dos últimas funciones de «Romeo y Julieta» presentado por el Ballet de Santiago, con coreografía de John Cranko (en la foto), se realizarán los días 10 y 11 de octubre. La música de Sergei Prokofiev será interpretada por la Orquesta Filarmónica de Santiago, bajo la dirección de José Luis Domínguez. ÓPERA «AÍDA» 30 de octubre y 5 de noviembre, a las 17:00 horas; 2, 3, 4, 7 y 8 de noviembre, a las 19:00 horas. Entradas: desde $3.000

Obra emblemática de Giuseppe Verdi, de impresionante despliegue escénico y vocal. La régie está en manos de Michael Hampe, y la escenografía y vestuario son responsabilidad de Germán Droghetti. La concertación musical está a cargo del maestro Rani Calderón y, bajo su dirección, las voces de conocidas figuras nacionales e internacionales: Tamara Wilson- Elizabeth Meister (Aída)/ Francesco Hong- José Azócar (Radamés)/ Elena Manistina- Anna Viktorova, Isabel Vera (Amneris)/ Stanislav Shvets- Homero Pérez-Miranda (Ramfis)/ y Elchin Azizov- Manuel Álvarez (Amonasro). Adicionalmente, el 13 de octubre, a las 20:00 horas, se realizará la actividad «Detrás del Telón», una conversación en torno a las historias, misterios y secretos de Aída (inscripción gratuita).

INGRID FLITER 26 octubre, a las 19:00 horas. Entradas: desde $1.500

La pianista argentina Ingrid Fliter, que debutó en el Teatro Colón a los 16 años, se presenta en nuestro país para homenajear a dos grandes de la música clásica: Ludwig van Beethoven y Frédéric Chopin. Programa: Sonata nº 18 en Mi bemol mayor opus 31 nº 3 «La caza»; Sonata n°17 en Fa menor opus 31 nº 2 «La Tempestad», de Beethoven; y una selección de valses de Chopin. ÓPERA «HANSEL Y GRETEL» Pequeño Municipal 2 de noviembre, a las 13:00 horas.

Entradas: público general desde $ 4.000, jóvenes $3.500

De las siete óperas compuestas por Engelbert Humperdinck, «Hansel y Gretel» -basada en el clásico cuento de hadas de los hermanos Grimmes para muchos la mejor. Orquesta Filarmónica de Santiago y Coro del Teatro Municipal.

Parque Bicentenario de Vitacura Entradas: lunes a viernes $3.000 público general, $1.000 estudiantes y tercera edad. Sábados y domingos $3.500 público general, $1.500 estudiantes y tercera edad.

En su versión número 38, la Muestra Internacional de Artesanía organizada por la Universidad Católica se realizará entre el 28 de octubre y el 13 de noviembre. En esta versión participan 15 países que expondrán parte de su artesanía tradicional en el Parque Bicentenario de Vitacura, teniendo como protagonista el Tejido en Crin.

ARTE ORIGINARIO Casa Santa Rosa de Apoquindo (Padre Hurtado 1155, esquina Colón).

Entradas: $3.000. Convenios $2.000, tarjeta vecinos $1.000

En su quinta versión, el Encuentro de Arte Originario se realiza en Santiago, en Casa Santa Rosa de Apoquindo. Organizado por la Corporación Cultural de las Condes, el montaje utiliza sólo materiales reciclados y módulos ensamblados para recibir a más de 100 artesanos provenientes de Perú, Argentina, Bolivia y Chile. Los orfebres, luciendo sus trajes típicos, trabajarán en terreno exponiendo sus herramientas y materiales originales.

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Agenda internacional / octubre Agenda

TATE MODERN LONDRES 6 de octubre al 8 de enero de 2012 www.tate.org.uk/modern

GALERÍA MAX HETZLER BERLÍN Hasta el 5 de noviembre www.maxhetzler.com

COlOreS pUrOS Beatriz milhazes emplea los estereotipos culturales y el kitsch tropical en relación a las estrictas líneas racionalistas. Destacan zonas de colores puros con un vórtice verdadero de las formas. Este enfoque da a sus cuadros una cierta excitación y el dinamismo con que se condujo la iconografía típica de Brasil a un territorio menos delimitado. Las formas abstractas geométricas sobresalen por encima de los motivos florales brillantes. El carácter urbano de río de Janeiro, así como el vocabulario formal del Barroco brasileño van al encuentro de las asociaciones de trabajo con las primeras pinturas de Henri Matisse en la muestra de la Galería max Hetzler, de Berlín.

SMITHSONIAN INSTITUTE WASHINGTON, DC Hasta enero de 2012 www.si.edu/Exhibitions

GALERÍA GAGOSIAN NUEVA YORK Hasta el 22 de octubre www.gagosian.com MUSEO DE ARTE MODERNO ARKEN COPENHAGUE Hasta septiembre de 2012 www.arken.dk

ViSiTa imperDiBle Gracias a la generosa donación hecha por la Fundación Merla Art de Londres, creada por Dennis y Jytte Merla Dresing, ahora los visitantes del museo de arte moderno arKeN pueden disfrutar de un total de ocho obras del conocido artista británico Damien Hirst (1965). Es sin duda una excelente oportunidad para seguir de cerca el trabajo de uno de los creadores más controvertidos de los últimos tiempos. Siempre enfocadas hacia las preguntas existenciales de la humanidad en el universo, «La paradoja del amor» (la cesión o la autonomía, la separación como condición previa para la conexión), realizada en 2007, y «San Bartolomé, Dolor exquisito» (2006) son dos piezas fascinantes de esta visita imperdible.

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GALERÍA PERROTIN, PARÍS Hasta el 22 de enero de 2012 www.perrotin.com

mOmeNTOS SiGNifiCaTiVOS Coincidiendo con su cumpleaños número 80, «Gerhard richter: panorama» es una retrospectiva cronológica que agrupa en la Tate modern de Londres los momentos más significativos de la carrera de este extraordinario pintor.

Incluye retratos basados en fotografías, como la famosa «Betty» (1988), además de abstracciones, paisajes sutiles, cartas de colores, obras sobre papel, espejos y tres construcciones de vidrio importantes. richter es uno de los primeros creadores alemanes en reflexionar sobre la historia del nacional socialismo a través de pinturas de los familiares que fueron miembros de este movimiento, así como de las víctimas de los nazis.

Junto a obras que responden a los acontecimientos históricos, la muestra presenta muchas de las más ambiciosas piezas de su pintura abstracta. laS SOmBraS De aNDY La espectacular obra del artista estadounidense andy Warhol (pittsburgh, pennsylvania, 1928-1987) es desplegada por el Smithsonian institute de Washington en una imponente sala de casi 450 metros cuadrados, haciendo uso hasta de los rincones y desafiando así todos los convencionalismos para adaptarse a las atractivas imágenes sobre la cultura popular, los anuncios publicitarios, las fotografías y los retratos de este ícono de las artes visuales. «Sombras» se titula la muestra e incluye un total de 102 lienzos serigrafiados y pintados a mano con fotografías distorsionadas de las imágenes generadas por el artista en su estudio. Las increíbles formas, frente a motivos brillantes versus los colores mate, sugieren y a la vez se burlan de la pincelada de los expresionistas. mÁS WarHOl La conocida serie de retratos de Elizabeth Taylor que realizó andy Warhol en los años 60 se exhibe este mes en la Galería Gagosian de Nueva York. En los retratos individuales, como «Silver Liz» (1963) y «Liz 6» (1963), el rostro de la legendaria actriz aparece aislado en un campo blanco y negro junto a un ícono ruso reinterpretado, para hacer alusión al altar de la fama. Destacan su cara luminosa y sorprendente, sus labios rojos y carnosos. Los mismos que el artista hace “sangrar” más allá de lo habitual en el lienzo, mientras los ojos de la diva resaltan el nivel de teatralidad dado por el color turquesa intenso. Cada retrato capta y amplifica la intensidad, la extravagancia y la carnalidad de la mundialmente venerada estrella de Hollywood. reTrOSpeCTiVa HiperrealiSTa Elogiado como un provocador, un bromista y hasta como un poeta trágico de nuestra época, el artista italiano maurizio Cattelan ha creado algunas de las imágenes más inolvidables del arte contemporáneo reciente. La Galería perrotin de parís exhibe por primera vez la totalidad de su obra, en una exposición narrativa coherente. Son más de 130 obras prestadas de colecciones privadas y públicas de todo el mundo, que van desde la década de los 80 a la fecha. Esta retrospectiva reúne los trabajos de un artista cuya esencia puede ser descrita como hiperrealista. Cattelan crea esculturas “inquietantemente veristas”, según los expertos, e instalaciones que revelan las contradicciones de la sociedad moderna.

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GALERÍA GAGOSIAN PARÍS Hasta el 12 de noviembre www.gagosian.com

GALERÍA THADDAEUS ROPAC PARÍS Hasta el 15 de octubre www.ropac.net

GALERÍA WHITECHAPEL LONDRES Hasta el 26 de febrero www.whitechapelgallery.org

eNTre el arTe Y la ViDa La Galería Gagosian de parís presenta una atractiva serie de pinturas y esculturas de milton ernest rauschenberg (port Arthur, Texas,1925-2008). reconocido por haber trazado una ruta en el ámbito del Expresionismo Abstracto, el artista estadounidense saltó a la fama en los años 50 en plena transición hacia el pop Art. Su enfoque fue muchas veces reconocido por los expertos como Neo-Dada, una etiqueta que compartió con el pintor Jasper Johns. rauschenberg quería trabajar “en la brecha entre el arte y la vida”, por lo que sugirió un cuestionamiento de la distinción entre objetos de arte y objetos de uso diario, que recuerda las interrogantes planteadas por la obra de Marcel Duchamp, pionero del Dada. reconocido con la Medalla Nacional de las Artes en 1993, ganó un premio Grammy por su diseño del álbum del grupo musical de new wave Talking Heads. rauschenberg vivió y trabajó en Nueva York y en Captiva Island, Florida, hasta su muerte.

leNGUa De aCerO La Galería Thaddaeus ropac de parís presenta las impresionantes esculturas del artista suizo Not Vital (1948), considerado uno de los más talentosos y vanguardistas de nuestro tiempo. El escultor utiliza el elemento sorpresa como la base de su propuesta. La lengua de vaca, por su forma, se convierte en ícono en su obra, pero el significado que le da sigue siendo ambiguo. La lengua de acero inoxidable que encabeza la muestra se aleja de su forma inicial y el significado, acercándose a una estructura totémica, se vincula más a la arquitectura. La exhibición incluye esculturas variadas en materiales y contenidos, sin embargo, se mantienen unidos por un fuerte sentido de la visión del artista, tratando de encontrar siempre nuevas maneras de expresión. Su permanente trabajo con diferentes artesanos en China, y las influencias de la cultura en Beijing, brindan a la propuesta de Vital un sentido sofisticado y a la vez fascinante.

ilUmiNaCiÓN Y alTUra mark rothko (1903-1970) formó parte de una generación de pintores estadounidenses cuyo estilo se hizo conocido bajo el concepto de Expresionismo Abstracto. Desde la década de 1950 empleó colores apagados para hacer flotar rectángulos luminosos en la superficie de sus lienzos. La exposición en la Galería Whitechapel de Londres cumple a cabalidad las instrucciones del artista en cuanto a los niveles de iluminación y altura para colgar cuadros. Todo esto crea una sensación de inmersión para el visitante. El crítico de arte Sylvester David escribe: “Frente a las pinturas de rothko la pantalla arroja nueva luz sobre su conexión con Gran Bretaña, destacando la relación que formó durante su viaje en el verano de 1959 y un ciclo de diálogo permanente entre artistas británicos y estadounidenses”.

MUSEO GUGGENHEIM BILBAO Colección permanente www.guggenheim-bilbao.es

VerTiGiNOSO reCOrriDO richard Serra es uno de los escultores más célebres del siglo XX y ha sido elogiado por su obra desafiante e innovadora. Cuando aún era un artista emergente, contribuyó a cambiar la naturaleza de la producción artística. Junto con los creadores minimalistas de su generación, recurrió a materiales industriales y poco convencionales en sus obras, otorgando especial importancia a sus propiedades físicas. «La materia del tiempo» en el Guggenheim de Bilbao es la reflexión más completa de este creador en torno al espacio y la naturaleza de la escultura. La muestra permite percibir la evolución de sus formas escultóricas, desde una elipse doble relativamente sencilla hasta la complejidad de una espiral. Las dos últimas piezas de esta propuesta están creadas a partir de secciones de tornos y esferas que suscitan diferentes efectos de percepción, en una vertiginosa sensación de movimiento.

LA FABRIQUE NANTES www.apo33.org/fr

UN CHileNO eN fraNCia El pasado 30 de septiembre, Sebastián mahaluf presentó en la ciudad francesa de Nantes su nueva obra «realidad Suspendida», con motivo de la inauguración de las nuevas dependencias del Instituto APO33 en el flamante centro cultural la fabrique. En esta performance, el artista chileno continúa desarrollando su línea de investigación sobre las características de los espacios y las relaciones entre la sociedad y el mundo. Ubicado en Nantes, el Instituto Apo33 es un laboratorio interdisciplinario de artes fundado por Julien ottavi en 1996.

Esa entidad apoya y desarrolla proyectos que exploran el intercambio a través de las artes y la filosofía.

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[ POPURRÍ | POR LUCIANO LAGO ]

Descansando en los laureles DESTINOS La inefable actriz norteamericana Mae West afirmaba: “Las chicas buenas van al cielo, las malas a todas partes”.

Gioacchino Rossini fue uno de los músicos más afamados del siglo XIX, autor de óperas como «El barbero de Sevilla», entre muchas otras.

En 1829, a los 37 años, luego de dos décadas de producción abundante y exitosa, y tras el estreno de «Guillermo Tell», el compositor entró en una misteriosa etapa de inactividad creadora, que sólo rompió en un par de ocasiones (sin contar algunas canciones que compuso para deleite de unas reuniones semanales que celebraba en su casa) en los 39 años de vida que transcurrieron hasta su fallecimiento, en 1868.

Múltiples interpretaciones trataron de explicar un silencio tan largo. Muchos pensaron que se debía a su temor de quedar a un nivel inferior al de otros talentos musicales que habían surgido como competidores. Ya anciano reconoció: “Después de «Guillermo Tell», un éxito más en mi carrera no añadiría nada a mi renombre; en cambio, un fracaso podría afectarlo. Ni tengo necesidad de más fama, ni deseos de exponerme a perderla”.

Cláusulas y deberes HIJO DIFERENTE En el libro «In My Father's Shadow» se reproduce este diálogo: -“¿Qué significa único?”, pregunta a su padre la autora, Chris Welles Feder, hija del genial Orson Welles, quien la había bautizado como Christopher (nombre de varón en EE.UU).

-“Diferente de todos los demás”, le responde el cineasta, actor director y productor.

-“Pero papá, yo no quiero ser diferente.

En la escuela los chicos me molestan por tener nombre de varón”.

-“Cuando seas grande, te van a envidiar”.

Así fue.

Actualmente todos se sorprenden ante los contratos de los artistas populares y sus exigencias. Por eso es bueno recordar el que firmó el compositor Franz Joseph Haydn el 1 de mayo de 1761 y en el que, entre sus obligaciones, figura vestir de uniforme con medias blancas, camisa blanca, peluca con pólvoras o bien con lazo, siempre que actúe la orquesta. Pero no sólo hay referencias a cómo vestir, sino también al comportamiento, que debe ser “siempre digno, evitando toda vulgaridad en el comer, en el beber y en el hablar”.

FLOR DE EROS La orquídea es considerada una flor erótica y su nombre proviene de la palabra griega orchis, que significa testículo.

PLUMERO CONFLICTIVO El invento del plumero tiene a sus espaldas un grave conflicto conyugal que comenzó cuando la joven estadounidense Susan Hibbard tuvo la ocurrencia de no tirar las plumas de los pavos que cocinaba y formar con ellas un ramillete con el que quitaba rápidamente el polvo de los muebles. Lo curioso es que fue su marido quien solicitó la patente del plumero, por lo que Susan se separó e inició un duro procedimiento judicial. Por fin, en 1876, el plumero quedó registrado como idea de Susan.

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Somnífero El escritor catalán Jaume Perich reflexionaba: “El cine ayuda a soñar. La televisión a dormir”.

HEY, SOBRINO Originalmente titulada «Hey, Jules», la canción fue escrita por Paul McCartney para consolar al pequeño Julian, de seis años, durante el divorcio de sus padres, John Lennon y Cynthia Powell, en 1968. Tras componerla, McCartney decidió cambiar “Jules” por “Jude” pues pensó que sonaba mejor a la hora de interpretarla.

Julian tardó cerca de veinte años en descubrir que el tema «Hey, Jude» había sido escrito para él por su “tío Paul”.

EL CAFÉ MÁS CARO Para los fanáticos del café les pasamos el dato: el Kopi Luwak es el más caro del mundo, el más exótico y el más codiciado.

Aparte de su especial aroma y sabor, es oneroso por su proceso de elaboración y por su escasez.

Este café procede de las defecaciones de un preciado animal llamado civeta, que se alimenta de los granos que están en su grado de óptima maduración. Sin embargo, el grano interno del café no es digerido, pero parece ser que sí es modificado químicamente por las enzimas presentes en el estómago de este mamífero.

Los granos excretados, que están aún cubiertos por las capas internas del fruto, son recolectados por los lugareños, y lavados y tostados a mano sólo ligeramente durante 12 minutos para no estropear los complejos sabores que se han desarrollado durante el proceso.

El luwak o civeta es un mamífero que vive en los árboles y es de un aspecto similar a los mapaches, aunque también tiene rasgos parecidos a los gatos. Vive en los cafetales de las islas de Indonesia, alimentándose de los granos de café. La fermentación especial producida en el interior de este animal es la que da al café un sabor peculiar. Según estudios de la Universidad de Guelph, en Canadá, el proceso de digestión elimina proteínas del grano, reduciendo así su amargura.

Las semillas son vendidas a 500 dólares el kilo, lo que le da la categoría del café más caro del mundo. Es un verdadero lujo para los amantes del delicioso elixir, aunque en realidad no son muchos los que han tenido la suerte de probarlo. Todavía no llega a Chile. En Estados Unidos disfrutar de una taza de Kopi Luwak cuesta 40 dólares, y en Londres, el doble de esta cifra…

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