Historia de La Arquitectura by Gheorghe Montezuma

HistArqIII Arquitectos Influencia de sus diseños en la arquitectura y sus creaciones emblemáticas

Frank Lloyd Wright School of Architecture Criterios de implantación para el diseño del pabellón de Alemania de Mies V. D. Rohe

Distribución organizativa de la casa Farnsworth de Mies V. D. Rohe.

Año 2015, Numero 1

Gerente: Gheorghe Montezuma Editor: Gheorghe Montezuma Fotograf铆a: Gheorghe Montezuma Redacci贸n: Gheorghe Montezuma 19,850,410 Venezuela

Contenido

Arquitectos Influencia de sus diseños en la arquitectura y sus creaciones emblemáticas

Frank Lloyd Wright School of Architecture

pabellón de Alemania de Mies V. D. Rohe

casa Farnsworth de Mies V. D. Rohe.

Walter Gropius Walter Adolph Georg Gropius (18 de mayo de 1883 - 5 de julio de 1969) fue un arquitecto, urbanista y diseñador alemán. fundador y director de la Bauhaus de 1919 a 1928, figura clave en la renovación arquitectónica del siglo XX. Tenía veintitrés años cuando se le confió el primer encargo de arquitectura: la construcción de un grupo de casas rurales. A los veintiocho, daba a la arquitectura contemporánea una de sus obras fundamentales: el establecimiento Fagus. procedente de la burguesía inteligente, había estudiado en Berlín y en Munich. Trabajó en la primera de estas ciudades, de 1907 a 1910, con Peter Behrens, el primer arquitecto contratado por una gran empresa industrial como responsable artístico: es ésta una circunstancia que hay que considerar determinante para la orientación ideológica de Gropius, el cual ha planteado siempre el problema de la edificación en nuestro tiempo en relación con el sistema industrial, con la producción en serie. Llegará incluso hasta el extremo de considerar el edificio como un producto directo de la industria y fundará en 1943, junto con Konrad Waschsmann, una empresa de edificaciones prefabricadas.

La Bauhaus existió en los años entre las dos Guerras Mundiales, que influyen en gran medida la corriente del arte moderno y la arquitectura. Al igual que muchos modernistas de la época, Gropius estaba interesado en la mecanización del trabajo y el utilitarismo de las fábricas de reciente desarrollo. En el Bauhaus ideó Gropius su proyecto de "teatro total"; y allí escribió sus obras más importantes, Internationale Architektur y Bauhausbauten in Dessau. La escuela, que se había trasladado de Weimar a Dessau, ocupaba el más bello edificio construido por Gropius; pero el acento revolucionario de su obra era tan patente y tan opuesto al nacionalismo de Hitler, que éste ordenó su clausura en 1933.

Uno de los principios establecidos por La Bauhaus desde su fundación: " La forma sigue a la función".

Influencia de sus diseños en la arquitectura y sus creaciones emblemáticas Los edificios de Gropius reflejan el más puro estilo de la Bauhaus, ya que están construidos con materiales nuevos, que les confieren un aspecto moderno, desconocido en aquella época. Sus fachadas son lisas y de líneas claras, y carecen de elementos ornamentales innecesarios. Con ello, Gropius ha sido uno de los creadores del llamado "estilo internacional" en la arquitectura. Interesado en la creación de una nueva forma de diseño que se encuentra en la intersección de la arquitectura, el arte, el diseño industrial, la tipografía, el diseño gráfico y el diseño de interiores, Walter Gropius se inspiró para crear con un estilo emergente que influiría para siempre la arquitectura. Escuela de la Bauhaus, La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico; puede decirse que antes de la existencia de la Bauhaus estas dos profesiones no existían tal cual y fueron concebidas dentro de esta escuela. Sin duda la escuela estableció los fundamentos académicos sobre los cuales se basaría en gran medida una de las tendencias más predominantes de la nueva Arquitectura Moderna, incorporando una nueva estética que abarcaría todos los ámbitos de la vida cotidiana Fábrica Fagus; Según Gropius, la forma exacta sin enmascaramientos, con contrastes claros, la secuenciación de formas iguales y la unidad de forma y color debían constituir la base de la rítmica de la creación arquitectónica. En este edifico se encuentran plasmadas estas ideas, un bloque prismático, de tres plantas con base rectangular y cubierta plana cuya estructura de hormigón armado con los soportes desplazados hacia el interior permite liberar los muros exteriores de cualquier función portante y cuya planta expresa claramente sus intereses comerciales modernos y funcionales. Casa de Gropius; tenía un impacto dramático sobre la arquitectura americana, como un ejemplo temprano y prominente al que los americanos, a la aversión de Gropius, llaman como “El Nuevo Estilo Internacional”. l arquitecto y el constructor futuros tendrán en su disposición algo como una caja de ladrillos para jugar con ellos, y la variedad infinita de piezas intercambiables,

mies van der rohe Combatió en la infantería en la gran guerra y puede que allí, en el campo de batalla, incubara el cambio a una arquitectura “de piel y huesos”

Nace en Aquisgrán el 27 de marzo de 1886, hijo de Jakob Mies (negociante de mármoles) y Amalia Rohe. En 1913, con su esposa Ada Bruhn se traslada a Werder (a las afueras de Berlín), donde se instala. Allí nacen sus hijas Marianne y Waltrani, y más tarde Dorotea, que cambia el nombre por el de Georgia. Hasta entonces, sus relaciones personales y profesionales se habían desarrollado entre las familias acomodadas. La guerra de 1914-1918 trastocó dichas relaciones; Ludwig se separa de su familia y entra en contacto, de la mano de Hans Richter, con la vanguardia del momento: Van Doesburg, Man Ray, Hilberseimer, Walter Bejamin y Raoul Hausmann, entre otros. Mies se instala en los Estados Unidos en 1938, concretamente en la ciudad de Chicago, donde trabaja en la escuela de arquitectura del Armour Institute of Technology, de la que es nombrado director. Proyecta y construye el campus del nuevo Illinois Institute of Technology, así como sus edificios prismáticos, con estructura de acero y cierres de obra vista y cristal. Su primer reto como nuevo arquitecto fue meter la naturaleza en los edificios. Lo hizo con vidrio. En viviendas como la casa Tugendhat en Brno o rascacielos como las torres de Chicago se vive con más intensidad lo que ocurre fuera. “A veces sublime, a veces temible”,. En 1958-1959 puso broche de oro a su carrera con el famosísimo Seagram Building de Nueva York, del que se dice que es el rascacielos más hermoso en vidrio ahumado y aluminio, y la Neue Nationalgalerie de Berlín (1962-1968), con un pesado techo de acero que se apoya en pocas y delgadas columnas, con lo que adquieren todo el protagonismo las paredes de vidrio. Con esta obra, Mies van der Rohe se mantuvo en la línea de oponer el horizontalismo de sus obras arquitectónicas europeas al verticalismo predominante en las estadounidenses.

No son pocos los arquitectos que se inventaron una vida, pero Mies van der Rohe se la construyó. “No se hizo a sí mismo, se creó”, contó su hija Georgia. Y no lo hizo sólo para progresar socialmente. Buscaba cuadrar la relación entre persona y obra. En eso consiste su arquitectura: en restar hasta que todo encaja. El máximo representante de la sobriedad moderna no estudió arquitectura. Ni siquiera se sacó el bachillerato. A pesar de no tener estudios, Mies leyó toda su vida. Su primer cliente, el filósofo Alois Riehl, le inculcó la costumbre. Era un joven de provincias de 20 años cuando le encargó su casa en Postdam, a las afueras de Berlín, y le transmitió una idea: la transformación del individuo como requisito para la transformación de la sociedad.

Influencia de sus diseños en la arquitectura y sus creaciones emblemáticas

La consagración de Mies van der Rohe se produjo en 1929, cuando realizó el pabellón de Alemania para la Exposición Internacional de Barcelona, considerado por muchos su obra maestra y una de las obras arquitectónicas más influyentes del siglo XX. Su enorme simplicidad y la continuidad de los espacios, que parecen no tener principio ni fin, son sus cualidades más admiradas. En la misma línea realizó posteriormente algunas otras obras, caracterizadas siempre, como era connatural en él, por un uso avanzado de los nuevos materiales de construcción (cemento armado, acero y vidrio) y una gran simplicidad, que lleva a dejar las estructuras desnudas y a dotarlas de formas casi lineales en las que se cifra la creación de belleza.

En 1958-1959 puso broche de oro a su carrera con el famosísimo Seagram Building de Nueva York, del que se dice que es el rascacielos más hermoso en vidrio ahumado y aluminio, y la Neue Nationalgalerie de Berlín (1962-1968), con un pesado techo de acero que se apoya en pocas y delgadas columnas, con lo que adquieren todo el protagonismo las paredes de vidrio. Con esta obra, Mies van der Rohe se mantuvo en la línea de oponer el horizontalismo de sus obras arquitectónicas europeas al verticalismo predominante en las estadounidenses.

En el diseño de esta obra, que se posa sobre un jardín verde, Mies decidió utilizar la estructura para generar el concepto de planta libre, donde utilizó un módulo cuadrado como base. Esta galería rodea totalmente al gran vacío central, envuelto en vidrio. La flexibilidad de distribución interior que entrega la estructura de exoesqueleto, permite que las oficinas del segundo nivel estén separadas por paneles móviles, pensando en futuros cambios y organización de la administración.

La simplicidad y composición rígida de estas obras sin elementos ornamentales, es una representación fiel de los postulados de Mies van der Rohe, “menos es más”.

Le Corbusier Charles Édouard Jeanneret-Gris, más conocido, a partir de la década de 1920,1 como Le Corbusier, La Chaux-de-Fonds, 1887 - Cap Martin, 1965. Arquitecto francés de origen suizo que fue, junto a Walter Gropius, el principal protagonista del renacimiento arquitectónico internacional del siglo XX. Además de ser uno de los más grandes renovadores de la arquitectura moderna, fue un incansable agitador cultural, labor que ejerció con pasión a lo largo de toda su vida. Con sus escritos se ganó una merecida fama de polemista y aportó un verdadero caudal de ideas innovadoras que han hecho que su obra influya decisivamente en la arquitectura posterior. Con una formación tan sólo artesanal, construyó su primera casa a los diecisiete años. Aprendió después con los mejores arquitectos de su época: Joseff Hoffmann, Auguste Perret y Peter Behrens. En 1919 fundó con Amadée Ozenfant el purismo, una derivación del cubismo. También había creado una revista, L'Esprit Nouveau, desde la que lanzaba sus proclamas contra la Escuela de Bellas Artes y fustigaba los dictados de una tradición anquilosada y obsoleta. La vida moderna traía consigo una serie de exigencias cuya satisfacción era imposible encontrar en la pervivencia de la arquitectura tradicional; había por ello que adecuar la arquitectura a la civilización industrial.

"Le Corbusier, quien nunca fue sin un cuaderno de bocetos en el bolsillo, devotó todos los días durante un período de 45 a la escritura, la pintura y el dibujo - lo que él llamó su "Atelier de la recherché patiente"

Le Corbusier fue un trabajador incansable. Realizó innumerables proyectos, muchos de los cuales nunca llegaron a realizarse, pero que marcaron a generaciones posteriores de arquitectos. Le Corbusier fue, además de un gran arquitecto y pintor, un eminente teórico de la arquitectura. Escribió varios libros, en los que ejemplificaba sus ideas mediante proyectos propios. Tuvo muy claro que, aparte de saber crear buenos edificios era necesario saber explicarlos y transmitirlos al resto de los profesionales y a los estudiantes, y ejerció con gran maestría la tarea de publicitar su propia obra. Como visionario, Le Corbusier veía la posibilidad de cambiar el mundo a través de la arquitectura. Si bien nunca se alió con un grupo político en particular, su postura estaba más cerca de una postura liberal (algunos lo han descrito como un socialista, adjetivo que probablemente se queda corto para caracterizar sus actividades), y como tal, veía todo proceso de diseño con fines utópicos. Lo que le permitió contribuir grandemente al significado de la arquitectura en general. Articulo sacado de: http://es.wikiarquitectura.com/index.php/Categor%C3%ADa:Le_Corbusier

Ante el caos de los grandes centros urbanos, incapaces de absorber la imparable aglomeración de vehículos y personas, Le Corbusier soñó una ciudad de rascacielos conectados por jardines y autopistas, pero sus sueños eran sólo de papel y, aunque proyectó decenas de rascacielos, nunca construyó ninguno. En los años veinte, aun tenía que conformarse con la construcción de casas aisladas; una de éstas, que ha pasado a la historia como magnífico ejemplo del racionalismo corbuseriano, es la Ville Savoye (1928-1929, Le Possy), una aplicación de la casa sustentada por pilotis, relacionada con el exterior a través de grandes cristaleras y con los espacios interiores conectados.

Influencia de sus diseños en la arquitectura y sus creaciones emblemáticas

La Ville Savoye (1928-1929)

Villa Jeanneret-Perret (1912 -1915)

La machine à habiter (1947 – 1952)

La Villa Jeanneret-Perret (también conocida como Maison Blanche), es la primera obra diseñada en solitario por el arquitecto Le Corbusier. Fue construida como vivienda para sus propios padres en 1912, en la localidad suiza de La Chaux-de-Fonds, lugar de nacimiento del arquitecto. El edificio abandona el estilo "Art Nouveau" en favor de un personal neoclasicismo, heredero de sus experiencias como estudiante en los estudios de Auguste Perret en París, y de Peter Behrens en Berlín. Le Corbusier es conocido por su definición de la vivienda como la máquina para vivir también llamada la máquina para habitar traducido literalmente. Con ello, Le Corbusier ponía en énfasis no sólo el componente funcional de la vivienda, sino que esta funcionalidad debe estar destinada al vivir, comprendiéndose esto último desde un punto de vista metafísico. Le Corbusier creía que el objetivo de la arquitectura es generar belleza (muy conocida también es su frase: la Arquitectura es el juego sabio, correcto y magnífico de los volúmenes bajo la luz), y que ésta debía repercutir en la forma de vida de los ocupantes de los propios edificios. El primer ensayo de construcción seriada lo formula en el proyecto de las casas Citrohän. "Las casas Citrohän representan el primer ensayo importante de Le Corbusier sobre una vivienda en serie que puede construirse a partir de elementos estandarizados. Convencido que el avance de la industrialización puede ser el vehículo para satisfacer gran parte de las necesidades del hombre intenta, con un criterio práctico y racional, dirigir la arquitectura por ese rumbo." Hoy en día la obra y el pensamiento de Le Corbusier siguen vigentes tanto en la práctica como en la enseñanza y en la teoría de la arquitectura. Como una de las figuras clave de la arquitectura moderna, la continuación del movimiento tiene en él y en sus obras un referente directo. Como uno de los precursores del brutalismo, sus trabajos posteriores han servido de base a corrientes arquitectónicas apoyadas en la tectónica (expresión de los materiales y sistemas constructivos) y en diferentes enfoques regionalistas. Si bien para muchas figuras del pensamiento arquitectónico contemporáneo, la modernidad es un movimiento obsoleto, y por lo tanto las obras y premisas de su arquitectura no deben continuarse, hay un grupo importante de arquitectos (llamados neomodernos o simplemente modernos) que continúan haciendo arquitectura en el espíritu de Le Corbusier. Articulo disponible en línea_ http://es.wikipedia.org/wiki/Le_Corbusier

Kenzo Tange un fanático del concreto Nació el 4 de septiembre de 1913 en un pueblo de la isla de Shikoku, Japón. Cursó estudios de arquitectura e ingeniería en la Universidad de Tokio, donde llegó a ser profesor en 1946. Creó en la misma universidad el Laboratorio Tange, por cuyas aulas se formaron arquitectos de prestigio como Fumihiko Maki o Arata Isozaki. Le encargaron la reconstrucción de Hiroshima, que había quedado reducida a cenizas por la bomba atómica. En la zona más afectada por el bombardeo Tange levantó un museo y el llamado Parque de la Paz, un símbolo del pacifismo, y se convirtió en un referente internacional de la modernización de Japón. La mayoría de sus estructuras son de hormigón armado. Durante la década de 1950 proyectó edificios públicos, palacios de congresos, bibliotecas y ayuntamientos. Su estilo se consolidó en 1958 con las oficinas para la Prefectura de Kagawa en Takamatsu, un edificio de nueve plantas en el que dejó a la vista el sistema de vigas y pilares de hormigón pretensado. Este apasionado por la arquitectura fue un claro heredero del suizo Le Corbusier, lo que se refleja tanto en sus obras a través del uso de diseños simples y racionales, del hormigón a la vista y de la azotea como una quinta fachada, como en ciertos conceptos de diseño urbano y planificación de ciudades. Gracias a su gran obra, Tange fue galardonado con importantes premios como la Medalla de Oro del Royal Institute of British Architecs (RIBA), la Medalla de Oro del American Institute of Architecs (AIA), la Medalla de Oro de la Academia Francesa de Arquitectura y el Premio Pritzker el año 1987. Los proyectos de Tange reflejan su convicción de que la arquitectura debe tener algo que llega al corazón de las personas. Aun así, las formas, los espacios y el aspecto deben responder a una lógica. Tange creía que el diseño de nuestro tiempo debe combinar tecnología y humanidad. La tradición puede estar presente de alguna manera en la creación de un nuevo proyecto, pero ya no es visible en la obra terminada.

Sus primeros trabajos muestran una fuerte influencia japonesa, pero para los años sesenta se convierte en uno de los mayores impulsores del estilo internacional, basando sus diseños en un concepto de orden estructural muy claro y definido.

Influencia de sus diseños en la arquitectura y sus creaciones emblemáticas Catedral de Santa María de Tokio; La estructura original, un edificio de madera de estilo gótico, databa de 1899. Construida originariamente como capilla de un seminario, se convirtió en iglesia parroquial de Sekiguchi en 1900. Las superficies exteriores están revestidas de acero inoxidable, lo que les otorga un cierto brillo que se corresponde con el espíritu religioso de la construcción. El uso que hace Tange del hormigón, contribuye a la estética del conjunto, haciéndolo resaltar. Tange logra que el material se convierta en parte esencial del proyecto y no en un mero soporte constructivo. Museo Memorial de la Paz de Hiroshima; El edificio principal fue planeado por el arquitecto Kenzō Tange. La fundación que dirige el museo reúne objetos de recuerdo de los incidentes y narraciones de experiencia de los víctimas y participa en el movimiento internacional de la paz. El museo no sólo expone detalladamente la catástrofe del 6 de agosto, sino que también muestra información sobre las armas atómicas en el mundo. En comparación con otro museo japonés, el Yūshūkan de Tokio, el museo de la paz muestra una vista diferente de la historia japonesa y hace crítica del militarismo japonés. La embajada de Japón en México; es una muestra de la concepción de proyectos conjuntos que logran reunir dos culturas tan diferentes y al mismo tiempo tan representativas en el medio arquitectónico. El maestro Tange lo desarrolló en colaboración con Rosen Morrison y Pedro Ramírez Vázquez. Los niveles del edificio son soportados por cuatro grandes columnas que albergan los servicios generales. Espacios abiertos rodean la oficina del embajador y los dos niveles superiores se encuentran en cantiliver, lo que permite jugar con las formas de las fachadas. Una característica del diseño sigue siendo el concreto aparente como elemento recurrente en todos los proyectos del maestro o la utilización de las entrecalles para marcar los entrepisos. Este edificio vino a marcar una tendencia arquitectónica muy fuerte entre los arquitectos mexicanos y sirvió de ejemplo para muchos edificios que aún se conservan en magnificas condiciones en la ciudad, aportando el manejo de las formas y el manejo del concreto aparente como parte de nuestra cultura y como aceptación de las tendencias estilísticas del momento en el medio. Articulo disponible Instituto Mexicano del Cemento y del Concreto, A.C. Revista Construcción y Tecnología. Junio 2000.

Gracias a su creatividad ha dejado huella en la arquitectura mundial y con sus diseños ha fomentado el uso del concreto aparente, no sólo como material estructural, sino como elemento decorativo y formal.

Alvar

Alto

(Kuortane, 1898 - Helsinki, 1976) Arquitecto finlandés, uno de los más importantes del siglo XX. Completó la educación recibida en Finlandia con viajes por el extranjero. Durante la década de 1920 estuvo influido por el gran maestro del funcionalismo, Le Corbusier, y él mismo fue un pionero de este movimiento en Finlandia. Pronto logró el reconocimiento internacional, y desde 1940 hasta 1949 fue profesor del Instituto de Tecnología de Massachussets, en Cambridge (EE UU). En 1955 ingresó en la Academia Finlandesa. Aalto se empapó de la arquitecta moderna e internacionalizadora pero, al igual que otros arquitectos de la segunda generación, buscó la manera de agregar las variables de cada territorio y cultura. Pensaba en las relaciones de las piezas por sí mismas y en aras de un todo que atendía a cultura, sociedad y emplazamiento, extendiendo el razonamiento a los propios materiales. Esto partía en Aalto, según se desprende de sus escritos, de la preocupación por la humanización de la arquitectura, en la que ésta se entiende como propuesta cultural que responda a una sociedad concreta y no sólo como algo funcional y técnico; la manera de conseguirlo era proyectando espacios que fueran simultáneamente funcionales y ergonómicos, lo que terminó desembocando en la adopción de una arquitectura orgánica. Por otro lado, para Aalto la pintura y la arquitectura se habían influenciado mutuamente, así como pensaba que las artes compartían orígenes y procesos. En este sentido, se vio influido por los pintores Paul Cézanne y Fernand Léger, de quien fue amigo. “La arquitectura no es una ciencia. Sigue siendo el gran proceso sintético de la combinación de miles de funciones humanas definidas (...) El funcionalismo es correcto, sólo si puede ampliarse hasta abarcar incluso el campo psicofísico”. Alvar Aalto

Sus primeros edificios famosos son las oficinas e imprenta de un periódico en Turku (1927-1930), célebre por las columnas afiladas que sostienen el techo de la sala de prensa; la biblioteca de Viipuri, que se ha convertido en ejemplo de este tipo de edificios para la arquitectura moderna; y el sanatorio antituberculoso de Paimio (19291933), donde, además de los avances tecnológicos, los pacientes disfrutan de elementos arquitectónicos como los soleados balcones, abiertos hacia unas magníficas vistas. Para éste y para otros muchos edificios, Aalto y su primera mujer, Aino Marsio, diseñaron la decoración y los muebles, casi siempre de madera laminada. En 1935 fundaron la empresa Artek, que todavía hoy produce un mobiliario innovador. La reputación internacional de Aalto creció con una serie de edificios anteriores a la II Guerra Mundial, todos ellos realizados con estructuras de madera, como el Pabellón de Finlandia de la Exposición Internacional de París de 1937 o la Villa Mairea (1938-1939), construida para un cliente acomodado, en donde además consigue, siguiendo los principios de la arquitectura racionalista, una sensación de lujo hasta entonces nunca lograda. Llegó a los Estados Unidos en 1940 como profesor invitado por el Massachusetts Institute of Technology (MIT), y allí permaneció ocho años, durante los cuales proyectó la Baker House (1947), una sorprendente residencia cuya planta serpentea junto al río Charles. Aalto regresó a Finlandia en 1948 para dirigir la Oficina de Reconstrucción de este país, después de la devastación producida por la II Guerra Mundial. Ideó para Säynätsalo, una villa isleña, el Ayuntamiento (1950-1952), de ladrillo y madera, elevado sobre un podium. De los edificios de Aalto en Helsinki, el más impresionante es la Casa de la Cultura (1967-1975), situada a la orilla del lago. Aalto murió el 11 de mayo de 1976, en Helsinki.

En la arquitectura de Alvar Aalto el uso de formas geométricas básicas revela el racionalismo funcionalista del que partió en sus obras tempranas y que nunca abandonó. Sin embargo, la utilización conjunta de líneas sinuosas tiende a romper la ortogonalidad de la caja arquitectónica a la vez que acentúa la corporeidad del edificio, para cuya composición no hay fórmulas fijas.

Todo ello hace que sus obras estén impregnadas de un personalidad propia que las distancia de la estandarización funcionalista. Para Aalto la arquitectura es un juego libre de volúmenes y formas en movimiento; sobre estructura geométricas de clara disposición superpone superficie "blandas" que restan rigidez al conjunto y le dotan de un espíritu más humano y más acorde con las formas de l naturaleza.

La Villa Mairea es una casa de veraneo construida en 1938 en Noormarkku, Finlandia por el arquitecto del mismo país Alvar Aalto, en la cual basó todos sus principios de compromiso con la cultura, el respeto y el amor por la naturaleza de su paísAalto planteaba como idea principal un espacio en donde el arte y la vida cotidiana se mezclaran de manera natural. De allí surge la idea de crear un jardín “cerrado” por la forma en L de la planta .

Sin duda el edificio más importante de Alvar Aalto en Helsinki es el Finlandia Hall, no solamente por el tamaño y la calidad de su fábrica, sino por la importancia que este complejo tuvo en el planeamiento de la capital finesa. Aalto era sobre todo un funcionalista y su mobiliario combina su facilidad de uso con fineza y simplicidad estética. El edificio se caracteriza por su horizontalidad y asimetría, interrumpida por el volumen de la sala de conciertos que y tiene una forma trapezoidal truncada.

La Biblioteca de la Universidad de Aalto posee techo ondulado de su salón de actos, construido en madera, un plano continuo y plegado que da la sensación de alargar el espacio. La curva es usada de continuo por el arquitecto a partir de esta obra. El proyecto es pródigo en detalles. Así, por ejemplo, escasean las ventanas a favor de una iluminación cenital uniforme y de una luz artificial que ilumina suavemente los muros encalados.

Alvar Aalto proyectó este edificio (Bremen, Alemania; 1958-62) con forma de abanico, característica en él. Con esta forma singulariza cada apartamento, de manera que todos son distintos aun sin perder las mismas propiedades (una fachada, salida al mismo espacio, igual disposición de los espacios). Además, la disposición en abanico puede tener un origen funcional en cuanto a las comunicaciones, ya que éstas, al encontrarse en su vértice, se acortan, evitándose largos pasillos Articulo extraído de: Alvar Aalto: proyecto y método (2009 edición). Madrid

Frank Lloyd Wright Arquitecto estadounidense. Nacido en el seno de una familia de pastores de origen británico, pasó su infancia y su adolescencia en una granja de Wisconsin, donde vivió en estrecho contacto con la naturaleza, algo que condicionó su posterior concepción de la arquitectura. Ingresó en la Universidad de Wisconsin para estudiar ingeniería, pero tras dos cursos, se trasladó a Chicago, donde entró en el estudio de Ll. Silsbee; como éste era un arquitecto demasiado convencional, no se sintió a gusto y lo abandonó para trabajar con L. H. Sullivan, con quien colaboró estrechamente a lo largo de seis años y al que siempre recordó con respeto y afecto. Su primera obra en solitario fue la Charnley House de Chicago (1892), a la cual siguió, algo más tarde, toda una serie de viviendas unifamiliares que tienen en común su carácter compacto y la austeridad decorativa, en oposición al eclecticismo de la época. En estas primeras realizaciones de arquitectura doméstica, conocidas como prairies houses o «casas de las praderas», están presentes algunas de las constantes de su obras.

En 1893 abrió su propio estudio de arquitectura en Chicago. Wright acuñó el término de arquitectura orgánica, cuya idea central consiste en que la construcción debe derivarse directamente del entorno natural. Desde los inicios de su carrera rechazó los estilos neoclasicistas y victorianos que imperaban a finales del siglo XIX. Siempre se opuso a la imposición de cualquier estilo, convencido como estaba de que la forma de cada edificio debe estar vinculada a su función, el entorno y los materiales empleados en su construcción. Este último siempre fue uno de los aspectos donde demostró mayor maestría, combinando con inteligencia todos los materiales de acuerdo con sus posibilidades estructurales y estéticas. tra de sus aportaciones fundamentales a la arquitectura moderna fue el dominio de la planta libre, con la que obtuvo impresionantes espacios que fluyen de una estancia a otra. Este concepto es evidente en las llamadas prairie-houses (casas de la pradera), entre las que destacan la Martin House en Buffalo (Nueva York, 1904), la Coonley House en Riverside (Illinois, 1908) y la Robie House en Chicago (1909).

Wright fue el pionero en la utilización de nuevas técnicas constructivas, como los bloques de hormigón armado prefabricados y las innovaciones en el campo del aire acondicionado, la iluminación indirecta y los paneles de calefacción. En los últimos años de su vida realizó sobre todo proyectos, algunos de los cuales se convirtieron en realidades concretas después de su muerte. El legado arquitectónico de Wright puede resumirse en dos conceptos que constituyen el centro de su reflexión: la continuidad exterior del espacio interior dentro de la armonía entre naturaleza y arquitectura y la creación de un espacio expresivo en el interior de un volumen abstracto. Wright diseñó toda clase de proyectos, y en todos introdujo criterios originales y avanzados para su época. También escribió otros libros y numerosos artículos, algunos de los cuales se han convertido en clásicos de la arquitectura de nuestro tiempo. Su carrera de precursor de la arquitectura moderna, que se prolongó a lo largo de más de sesenta años.

Influencia de sus diseños en la arquitectura y sus creaciones emblemáticas

Es una vivienda diseñada por el arquitecto estadounidense Frank Lloyd Wright, y construida entre 1936 y 1939 sobre una cascada del río Bear Run, en el condado de Fayette del estado de Pensilvania. la "casa de la cascada" su obra maestra, así como uno de los hitos principales de la arquitectura del siglo XX. Llamada «la residencia más famosa que se haya construido». ásicamente consiste en integrar en una unidad (edificación) los factores ambientales del lugar, uso y función, materiales nativos, el proceso de construcción y el ser humano o cliente. Con esta obra Wright consigue la máxima libertad de expresión manteniendo la armonía con el entorno. Con la integración de agua, árboles, roca, cielo y naturaleza en toda la vivienda se cierra una cierta visión romántica de la casa, pero se abre una nueva dimensión espacio-temporal para el refugio del hombre.

La casa Robie. Es alabada como la obra culmen de sus casas de la pradera y como uno de los edificios más representativos de la arquitectura del siglo XX. Ideada y construida entre 1908 y 1910, está inventariada como hito histórico nacional de los EEUU. En la década de 1900 Wright había desarrollado un lenguaje arquitectónico propio basado principalmente en las líneas horizontales, los aleros pronunciados y las plantas centradas en la figura del hogar. El mejor ejemplo de este modelo, que se conoció colectivamente como prairie houses (casas de la pradera) debido a su aparente inspiración en las extensas líneas horizontales comunes al paisaje de praderas que rodea Chicago, es la casa Robie. La casa Robie coincide con una etapa proyectual de Wright que abarca los últimos años de la década de 1890 y toda la década de 1900. En esta época Wright diseñó modelos de casa de la pradera, como las llamó, que aunaban una concepción espacial original con influencias de las artes y oficios. Innovador, creativo, provocador, mesiánico, druídico, genial… Quizás en parte, todos los términos podrían aplicarse en forma perfecta a quien fuera el máximo exponente de la arquitectura norteamericana: Frank Lloyd Wright. Figura destacadísima en su tiempo y espacio, resulta curioso ver los orígenes de sus antepasados galeses y la influencia que ejerció sobre su pensamiento y obra sus raíces ancestrales célticas.

El concepto clave de Wright es lo “gótico”; siguiendo la interpretación del gótico por parte del prerromanticismo ingles, compara “gótico” con “orgánico” y “natural” y solicita, para el arte y la arquitectura de la vida moderna, una vuelta al “espíritu gótico”, y trata con ironía la falta de criterio al elegir estilo en la arquitectura estadounidense, por lo que postula un nuevo estilo, desarrollado a partir del espíritu norteamericano el cual no estaba en Nueva York sino en Oeste y Medio Oeste. El estilo orgánico, en sentido gótico, que es tan natural y ha de desarrollarse a partir de las necesidades de los habitantes, de la naturaleza de los materiales y de las propiedades naturales del paisaje. Si esto viene dado, el estilo surge por si solo. Wright acuñó el término de arquitectura orgánica, cuya idea central consiste en que la construcción debe derivarse directamente del entorno natural. Desde los inicios de su carrera rechazó los estilos neoclasicistas y victorianos que imperaban a finales del siglo XIX. Siempre se opuso a la imposición de cualquier estilo, convencido como estaba de que la forma de cada edificio debe estar vinculada a su función, el entorno y los materiales empleados en su construcción

Frank Lloyd Wright School of Architecture Frank Lloyd Wright School of Architecture se encuentra en Arizona

La Escuela de Arquitectura Frank Lloyd Wright se inició formalmente en 1932, cuando veintitrés aprendices llegaron a vivir y aprender Taliesin. Desde los años 30 tiene fuentes esta filosofía educativa. La escuela opera en dos campus: Taliesin West, en Scottsdale, Arizona (campus principal, términos de primavera y otoño); y Taliesin, en Spring Green, Wisconsin (período de verano). Los estudiantes tienen la oportunidad de asistir a ambos campus. Cuenta con espacio de trabajo y equipos para artesanía en madera, trabajos en metal, pintura, impresión, fotografía, escultura, cerámica, y creación de modelos. La casa escuela se ubica en la cima de una colina, para no distorsionar el paisaje y esta construida con materiales vernáculos. En ella se aplicaron varios de los estilos constructivos del maestro, como la arquitectura orgánica. En esta escuela no solo se snseña la arquitectura, sino que se crea e investiga. Ofrece dos cursos de pregrado plenamente acreditados: Maestría de Arquitectura y Licenciatura en Estudios de Arquitectura. Ambos programas de la escuela están diseñados para estudiantes orientados al diseño y pensamiento critico. Las escuela es péqueña lo que facilita la enseñanza individualizada, y fomenta la estrecha vinculación entre estudiantes, docentes y escuela.

pabellón Alemán en Barcelona Ludwig Mies van der Rohe. El Pabellón alemán de Barcelona, fue el edificio de representación de Alemania en la Exposición internacional de Barcelona celebrada en el año 1929. Diseñado por el maestro Ludwig Mies Van Der Rohe. Este edificio constituye uno de los hitos en la historia de la arquitectura moderna, al ser una obra donde se plasman con particular rotundidad y libertad las ideas del entonces naciente Movimiento Moderno, y está considerado como una de las cuatro piezas canónicas de la arquitectura del movimiento moderno. El conjunto se abre hacia el eje principal de la exposición este, es permeable hacia el oeste, mientras que se cierra en el norte y el sur. Su emplazamiento es apartado. El acceso no es directo, sino que se produce de forma tangencial, con los 8 peldaños que forman la escalera de acceso oculto a la vista desde el camino principal. El edificio explora los conceptos de planta libre y continuidad espacial. La utilización del vidrio, modulado como el resto de elementos de la composición permite también la continuidad en transparencia fenomenal. El diseño se rige por un estricto módulo, es así como la selección de los materiales enriquecen al proyecto de Mies. La altura del pabellón está totalmente relacionada a las dimensiones de las piezas modulares utilizadas. La innovación de los materiales y de los procedimientos constructivos cada día eran más valorados e iban teniendo más fuerza por todo el surgimiento tecnológico, industrial, comercial que se en ese periodo empezaba surgir. Se empezaban a traducir estos cambios y nuevos conocimientos en las obras del periodo moderno. Las tendencias de la época estaban cambiando y así mismo la arquitectura debía seguir este proceso de cambio. Evolución tecnológica de los materiales de construcción. La innovación de los materiales y de los procedimientos constructivos cada día eran más valorados e iban teniendo más fuerza por todo el surgimiento tecnológico, industrial, comercial que se en ese periodo empezaba surgir. Se empezaban a traducir estos cambios y nuevos conocimientos en las obras del periodo moderno. Galería Nacional de Arte Del Ecuador. Arquitectura y Espacio La Teoría del Espacio Universal en la Experiencia Urbana. Martin Proaño A. La arquitectura tradicional japonesa tuvo gran influencia en muchos maestros de la arquitectura modernista y moderna, desde Charles R. Mackintosh, hasta Frank Lloyd Wright. Muchos investigadores han encontrado paralelos entre el Pabellón Alemán y la arquitectura nipona tradicional, particularmente en cuanto a la marcada horizontalidad en composición formal, la independencia entre columnas portantes y tabiques divisores del espacio, la asimetría, la organización espacial, la dinámica secuencia de movimiento, la integración del edificio a la naturaleza, e incluso la utilización de estanques de agua, predominantemente serenos.

Casa Farnsworth de Mies V. D. Rohe.

El diseño de la vivienda fue elaborado por Mies van der Rohe en 1946, a instancias de la doctora Edith Farnsworth, quien deseaba disponer de una segunda vivienda en la que pasar algunas temporadas en un ambiente relajado y solitario.

La construcción se llevó a cabo en 1950 y su coste, superior al presupuesto inicial, acabó provocando un grave distanciamiento entre la clienta y el arquitecto. Aquella acusó a éste de haberse excedido en el encargo y Mies consideró que la rica señora Farnsworth carecía de sensibilidad ante su arquitectura, mientras la doctora contrarreplicaba que cuando se instaló en la casa a fines de 1950 la cubierta rezumaba agua hacia el interior y la calefacción producía un efecto de condensación de vapor sobre los cristales. La vivienda consiste en una estructura metálica sólo cerrada con vidrio que responde a la concepción de un mirador, con lo que se brinda homenaje a la belleza del espacio que circunda la casa. La transparencia permite que desde el interior se tenga plena conciencia del paisaje, pero también actúa a la inversa, al incorporar el espacio interior de la casa al enclave de modo radical. Mies actúa con plena conciencia de tal responsabilidad y estudia cuidadosamente cada elemento en función de su repercusión en el nuevo sitio que así se ordena. El arquitecto elige conscientemente las condiciones del lugar que asume y el modo de afrontarlas. De este modo, Mies llevó a cabo la única obra de su carrera que no está en contacto directo con el terreno. De la tendencia neoplástica se observa la descomposición del volumen elementos simples como lo son planos y líneas. El cuerpo de la vivienda se eleva sobre ocho pilares metálicos pintados de blanco. Las líneas horizontales de los cantos de los forjados los unen prolongándose más allá del último pilar. Tiene una plataforma horizontal elevada de acceso que constituye el primer paso en la separación del edifico del terreno. Una vez superada esta primera plataforma se llega a un espacio abierto pero cubierto por el forjado de techo. Este espacio además de ampliar el comedor del interior funciona como protección frente a la incidencia directa de los rayos de sol en el interior de la vivienda. El interior se trata como un espacio continuo con una caja de madera que acoge los servicios como único elemento cerrado. Esta vivienda junto con la villa Saboya de Le Corbusier y la casa de la Cascada de Wright son los paradigmas de la vivienda del movimiento moderno.

El edificio, de una sola planta, se dispone en el territorio sobre una plataforma hueca, separada del suelo 1.5 metros, sobre ocho soportes de acero que sustentan con la misma estructura, el techo. Se trata de una casa configurada en base de tres planos orizontales separados del suelo y los pilares que hacen esto posible. La idea de Mies era sobre todo integrar la naturaleza en la vivienda. Una idea de fusión entre el medio y el lugar donde se vive. Respetó los árboles y situó la casa cuidadosamente entre los arces con su eje más largo en la dirección esteoeste. El color y la textura son los principales causantes de la unidad entre naturaleza y vivienda. Si se mira la obra, uno comprende que la arquitectura se desvanece y va desapareciendo y lo que importa es su proximidad a la naturaleza. El tema de la casa es el espacio que fluye y la naturaleza a la que es devuelto el hombre, de forma completa no asilándolo de ella. A parte de elevar la casa, incluso en el detalle de las escaleras expresan esta idea de ligereza y fluidez. En este espacio único de planta libre se proyectó una cocina que daba la sensación de ser una pieza más del mobiliario. El interior se define sobre todo por la sombra de los planos superpuestos, y los cerramientos acristalados. El espacio, contínuo.

“Esta obra constituye uno de los ejemplos pioneros y paradigmáticos del minimalismo: los únicos elementos que destacan en la construcción son los tres planos horizontales que forman la terraza y el suelo y techo de la vivienda, soportados perimetralmente por los pilares, que no llegan a perforar los planos”.

La vivienda se sitúa en una parcela de 24 hectáreas a orillas del río Fox, a unos 90 km al sur de Chicago. La construcción se eleva del terreno formando el terna de espacios que propugnaban varios de los maestros del Movimiento Moderno: Plataforma de acceso: espacio abierto, descubierto. Porche de la vivienda: espacio abierto, cubierto. Vivienda: espacio cerrado, cubierto.

Hor贸scopo.

Gheorghe Montezuma Venezuela. Mayo 2015.