PROTOTIPO Taller Tipografía, Composición y Diagramación Programa Curricular de Diseño Gráfico Facultad de Artes Universidad Nacional de Colombia Dirección Orlando Beltran Duque Fredy Chaparro Sanabria Edición y coordinación editorial Claudia Marcela Jaimes Ladino Ginneth Viviana Hernández Galvis Redacción y diagramación Julián Ricardo Rodríguez Sosa / Alexa Prado / Bernardo López / Andrés Felipe Díaz Ortiz / Julián David Prieto Velandia /Alejandro Salas Prada / Bryan Edison Sandoval Hernández / Carlos Augusto Carrillo Forero / Oscar Fabián Sarmiento Vega / José Daniel Calderón Bohórquez / Juan David López Rico / Diego Andrés Téllez Rivera / Paul Hernan Guacheta Fernández / Diana Ximena Guzmán Castiblanco / Andrés Felipe Rico Mahecha / Juan David Sosa Ramírez / Nicolás Menéndez Rodríguez / Jesse Olaff Moreno Rojas / José Nicolás Jiménez Abril / Valentina Huertas Veloza / Angie Katherine Figueroa Cárdenas / Juan David Puentes Galaviz / Andrés Felipe Campos Hernández / Brayan David Sánchez Correa / Julián David Benítez Rivero.
Diciembre de 2015
Contenido Andreu Saul Neville Matthew William A. Rubén Eric Lucas de Edward Terry Nedo Josef Paul Paul Aleksandr Paula Álvaro Eric Alex Jan Jan Massimo Fred Hermann
Introducción 7 Balius 8 Bass 16 Brody 24 Carter 32 Cassandre 40 Dwiggins 48 Fontana 56 Gill 64 Groot 72 Jhonston 80 Jones 88 Mion Ferrario 96 Müller Brockmann 104 Rand 112 Renner 120 Ródchenko 128 Scher 136 Sotillo 144 Spiekermann 152 Trochut 160 Tschichold 168 Van Krimpen 176 Vignelli 184 Woodward 192 Zapf 200
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Introducción Esta publicación es un ejercicio de clase, con el propósito de profundizar en los conocimientos sobre los diferentes elementos, factores y procesos, relacionados con el diseño tipográfico y editorial. Su objetivo principal es ampliar la información y cultura general explorando la obra, el contexto histórico, social y tecnológico de destacados diseñadores del siglo xx y xxi, que representan referentes históricos y teóricos relevantes para los diseñadores gráficos en formación y cualquiera interesado en la tipografía como un medio de comunicación.
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Andreu Balius
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“La tipografía es la representacion del lenguaje, y a la vez es lenguaje”
Andreu Balius Es reconocido como uno de los diseñadores de tipografía más importantes a nivel mundial, creador del proyecto tipográfico García fonts & co en 1992 y Autor del libro Type at Work, usos de la tipografía en el diseño editorial. Miembro fundador del colectivo Grrr, en Barcelona, miembro de AGI (Alliance Graphique Internationale) y de la Association Typographique Internationale (ATypI). Sus trabajos han sido publicados en numerosas revistas especializadas, y ha sido ganador de varios premios por sus proyectos tipográficos entre los que se destaca el Excellence in Type Design otorgado por el Type Directors Club.
t Portada de la revista Victoria’s Secret. En la imagen se ve la variante de la tipografía Carmen Display diseñada por Andreu Balius para la firma de ropa interior.
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- Andreu Balius
Biografía
p Andreu Balius. Diseñador gráfico, especializado en el diseño de tipografía, algunos de sus diseños forman parte de los catálogos de TypeRepublic, FontFont e ITC (Internacional Typeface Corporation).
Andreu Balius nació en Barcelona en 1962. Estudio Sociología en la Universidad Autónoma de Barcelona y Diseño Gráfico en el Institut d’Estudis Politécnics de Barcelona (IDEP) en Barcelona. En 1993 crea el proyecto tipográfico García Fonts & Co y en 1996 funda el estudio de diseño tipográfico Typerware. Desde el 2001 es profesor asociado en la facultad de Ciencias Sociales y de la Comunicación en la Universidad Pompeu Fabra, en Barcelona. Es miembro de la Asociation Typographique Internationale (ATypI) desde 1996, miembro de AGI (Alliance Graphique Internationale) y Miembro fundador del colectivo Grrr en Barcelona. Ha sido invitado a participar y presentar sus trabajos en diversos seminarios entre los que se destacan el ATypI Barcelona en 1995, TypoBerlin en 1996, ATypI Helsinki en 2005 y Lisboa en 2006. Ha recibido varios premios por sus proyectos tipográficos, entre los que se destacan el Excelente in Type Design concedido por el Type Directors Club en 2002 y 2005, Excellence in Type Design por l’association Typographique Internationale en 2001 y el ADOBE Power of Design Award, en 1997. En 2003 escribe el libro Type at work, usos de la tipografía en el diseño editorial, en el libro se presentan diversos proyectos realizados por algunos de los estudios más interesantes del momento, a partir de los que se muestran los procesos y las diferentes maneras de entender y trabajar con la tipografía. Este mismo año crea TypeRepublic, como espacio de diseño tipográfico, dedicado al diseño y distribución de fuentes digitales.
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Contexto La irrupción del computador en el panorama del diseño gráfico de los años 80 del pasado siglo, provocó que los diseñadores y creativos enfocaran su trabajo hacía las nuevas posibilidades y caminos que esta herramienta ofrecía y que la tipografía fuera uno de sus principales destinatarios. De esta época data la aparición de “exploradores de la letra” como Neville Brody o David Carson, por citar a dos de los más conocidos, que buscaban los límites de la tipografía en el nuevo entorno digital y esbozaban una nueva forma de comunicación gráfica. En España las cosas eran algo diferentes. El nuevo panorama gráfico era abrazado por unos pocos “adelantados” que de la mano de las novedosas revistas provenientes del extranjero donde se experimentaba con la tipografía, vislumbraban una nueva actitud y una nueva manera de expresarse. Su primer contacto con la tipografía fueron los trabajos experimentales de las vanguardias históricas. Básicamente, el trabajo de los futuristas (Marinetti, Depero), los constructivistas (Rodchenko, El Lissitzki, Mayakovski) y los dadaístas (Schwitters). Al terminar sus estudios aparecieron los primeros ordenadores y con ellos, los primeros software de diseño de fuentes digitales. En aquel momentos, sus referentes en tipografía eran Zuzanna Licko (Emigre), pionera en el diseño de fuentes digitales, y Erik Spiekermann (FontFont). Más adelante, Matthew Carter y Gerard Unger a quienes no ha dejado de admirar. Sus primeros trabajos en tipografía buscaban a partir de la experimentación y la agresividad una manera de explorar las nuevas posibilidades que ofrecía el ordenador, lo que le permitió aprender las herramientas y reflexionar acerca del papel de la tipografía en un momento en el cual la tecnología cambiaba la manera de entenderla y de diseñarla.
t Balius es profesor asociado en la Universidad Pompeu Fabra, e imparte docencia en la Escuela Elisava, en Barcelona; Es profesor, también, del Máster de Artes digitales de la Universidad Pompeu Fabra, e imparte docencia en otros másters y cursos de postgrado, en diversas escuelas de diseño.
t Andreu Balius empezó a diseñar tipografías de manera autodidacta, dada la falta de tradición en la enseñanza del diseño de tipografías en España y la escasez de información al respecto..
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u Carmen es un tipo de letra inspirado en el personaje de Carmen creado por Prosper Merimée para la novela del mismo título. La familia Carmen, en sus variantes redonda, cursiva y títulos, h a sido diseñada por encargo para la composición de los textos de una nueva edición del texto de Prosper Merimée. Disponible en la fundición tipográfica digital Typerepublic. Diseñada por (20072008)
u TypeRepublic. logo de la fundición digital creada por Andreu Balius en 2003, dedicada al diseño y distribución de fuentes digitales. El logo fue diseñado usando la tipografía Barna Stencil Una familia diseñada por Andreu Balius para la composición de textos, en el año 2010.
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t Victoria Secret. Tipografía personalizada diseñada para la firma de ropa interior Victoria’s Secret. Basada en la tipografía Carmen Display. Un tipo sexy para cuerpos inteligentes. Esta incluye un largo número de caracteres decorativos y ligaduras para completar el conjunto.
t Carmen de Prosper Merimée. En la imagen se ve la variante Carmen Regular aplicada al texto.
t Victoria´s Secret. La tipografía Carmen es utilizada en la revista y la página web de la firma Victoria’s Secret. Una hermosa y apropiada utilización del tipo Carmen acompañando a un buen número de chicas bonitas.
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u Pradell es el resultado de una investigación sobre la tipografía española del siglo XVIII y, en concreto, sobre el trabajo del grabador de punzones Eudald Pradell. Obtuvo el premio a la excelencia tipográfica por el Type Directors Club de Nueva York en 2002. la Familia Pradell está pensada para la composición de texto, incluye un conjunto completo de glifos para cualquier lenguaje basado en el latín. Diseñada por Andreu Balius (1999-2003)
u Mecano tipografía basada en estructuras geométricas y modulares, sus formas simples y abiertas reflejan el espíritu de la tecnología mecánica. Diseñada por Andreu Balius (2007)
u DSIGNES tipografía diseñada por encargo de la empresa Signes para usos corporativos y señalización de espacios. El ancho de los caracteres está pensado para economizar espacio. Simplicidad y claridad, buen equilibrio entre formas y contraformas son esenciales para una buena legibilidad a distancia. Diseñada por Andreu Balius (2009)
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Balius
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t Forum. Diseño de una tipografía para la señalización del Centro de Convenciones de Barcelona. Trabajo realizado conjuntamente con Mario Eskenazi.
t Type at Work, usos de la tipografía en el diseño editorial. De Andreu Balius (Index Book, 2003), publicado en castellano, Inglés y francés.
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“El diseño es el pensamiento hecho visual”
Saul Bass En el pasillo la alarma nos avisa de que la sesión comenzara en breves instantes. Se inicia el ritual. Tomamos asiento, las luces se apagan, la película abre con los títulos de crédito. Durante un minuto y medio o dos, sobre la pantalla aparecen los nombres del equipo artístico y técnico. Cierra con dirigido por. Algunos espectadores pueden pensar que esos minutos son minutos prescindibles, después de todo antes de entrar al cine ya sabemos qué actores participan, o quién es el director, y ¿a quién le interesa quién es el director de fotografía o el compositor? Aparte de la necesaria información que esos minutos aportan, ¿son prescindibles? El extraordinario diseñador gráfico Saul Bass, a lo largo de su carrera, demostró que también en el cine la primera impresión es la que cuenta.
t Poster for Saint Joan, 1957. Bass se centra en un solo símbolo. De la figura incompleta que sostiene una espada rota, como un grabado en madera sin terminar, contrasta el título sin problemas con letras.
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Biografía
p Pat Kirkham interviewing Saul Bass and Billy Wilder, Los Angeles, 1993. © Andy Hoogenboom.
Saul Bass nació en la ciudad de Nueva York, en el Bronx, 1920. Aprendió su camino alrededor de la gran ciudad y desarrolló un sentido de sofisticación que acompaña a la vida en una metrópoli de clase mundial. Desde 1936 hasta 1939, en preparación para una carrera en diseño gráfico, estudió el modernismo en el Art Students League de Nueva York bajo la dirección de Howard Trafton. Cerca del final de la Segunda Guerra Mundial. Se matriculó en el Brooklyn College con Gyorgy Kepes, un diseñador gráfico húngaro que había trabajado con László Moholy-Nagy en Berlínantes de emigrar a los Estados Unidos. Kepes fue el que introdujo a Saul Bass al estilo Bauhaus de Moholy y constructivismo ruso. Después de trabajar en varias agencias de diseño de Nueva York, Bass trabajó de forma independiente como diseñador gráfico. Se mudó a Los Ángeles en 1946, donde abrió su propio estudio en 1950, dedicado inicialmente a la publicidad, hasta que Otto Preminger lo invitó a diseñar el póster para su película Carmen Jones (1954). La imagen central ideado por Bass para esa película era una rosa simple pero sugerente en llamas. A éste le impresionó tanto el trabajo de Bass, que le pidió que diseñara también la secuencia de los títulos de la película. Pronto se especializó en el diseño de títulos de películas, como the big knife de Robert Aldrich y the seven year itch de Billy Wilder. Pero fue en el siguiente proyecto de Preminger, the man with the golden arm, en donde Bass se reveló como un maestro del diseño de títulos de crédito de películas. Colaboró con Alfred Hitchcock en psycho haciéndosele responsable del story board de la escena de la ducha, aunque no se le reconoció. Luego dirigió varios cortometrajes, como from here to there (1964) y why man creates (1968) con la que ganó un Óscar. Finalmente realizó una película como director en 1974, llamada phase iv. Regresó al diseño gráfico comercial, creando los logotipos para at&t, united airlines, minolta, bell, y warner communications. Diseñó también el póster para los juegos olímpicos de Los Ángeles en 1984.
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Contexto Él era un maestro de presentación y comunicación. Extrajo momentos sencillos y sin pretensiones en el tiempo, levantando cada uno al nivel del gran arte. Con su gran habilidad para exponer una fusión mágica entre la imagen, la tipografía, y el movimiento, ocupó cineastas experimentados en asombro como en repetidas ocasiones que capturó la esencia desnuda de una película de dos horas de largometraje y se condensa la emoción del drama en un breve título un registro de dos minutos o menos. Bass poseía un gran sentido de la expresión y la capacidad de transmitir la atmósfera, el tema, y la línea de la historia a través de la secuencia del título preliminar de un largometraje. Durante cuatro décadas, él agarró la atención de la película a bolsa, sosteniendo espectadores clavados en la pantalla de plata, deseosos de seguir la pista del título en la sustancia de la trama. Como diseñador de publicidad dotó extensiones similares de forma y la percepción de los productos distintos de las imágenes en movimiento. Con combinaciones hábilmente coordinadas de la publicidad y el embalaje del producto, transformó la imagen corporativa en una personalidad coherente, a punto de seducir al consumidor.
t The Seven Year Itch, 1955. Una pantalla vacía se llena de rectángulos pastel. Algunos parches se abren, como un puerta, y revelan un crédito por debajo de blanco la escritura caligráfica en negro. El título de la película es revelado en cuatro segmentos, que ocupa la extensión de la anchura del marco. apareciendo en lugares variados sobre el marco.
t La vuelta al mundo en 80 días comienza con una introducción impasible por Edward R. Murrow. Con cara de piedra y sentado detrás de un escritorio grande, Murrow ofrece un relato monocorde de la tecnología y la ficción de Julio Verne. Cuando finaliza, la película simplemente empieza, sin títulos de apertura a la vista.
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u The Man with the Golden Arm, 1955. Bass destrozó la idea de mostrar la estrella de la película, Frank Sinatra. En lugar de disparos a la cabeza o escenas, representó a la película icónica. El brazo torcido, el entorno, resistente rendido tipo san-serif y bloques geométricos de color la ficha técnica sólida creó la mayor cantidad de un toque como su diseño para la secuencia del título de la película. nena, sperae.
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t North by Northwest, 1959. Los trenes ocupan un lugar destacado en la muerte en los talones, por lo que no es una coincidencia que Saul Bass diseñara una secuencia de títulos que se abre con las líneas que cruzan la pantalla como
t El crédito final (por el director) aparece como un hombre corpulento (enganche en su cameo marca comercial) carreras en intento de coger un autobús, sólo para ver las puertas cerradas en su cara.
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u Exodus, 1960. Fue el sexto de 13 secuencias de títulos Saul Bass diseñados para el director Otto Preminger.
u Dato: Como las películas de Otto Preminger crecieron en su alcance (y longitud) a finales de 1950 y principios de los años 60, los títulos de Saul Bass se convirtieron en factores importantes para distinguir las películas de los otros poemas épicos
u Exodus cartel 1960. Tiene un fondo contorno de color blanco. El fondo es azul.
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t Psycho, 1960. Psycho fue la tercera y última colaboración entre Saul Bass y Alfred Hitchcock. Aunque su trabajo en Vértigo y North by Northwest se limitaba a las secuencias de títulos, en este caso, Bass también fue acreditado como “asesor pictórico” por su papel como asesor en algunos de secuencias de críticos de la película, incluyendo la famosa escena de la ducha.
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Neville Brody
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“La idea no estaba en la palabra escrita, pero sí en la forma en que se escribe la palabra.”
Neville Brody Un diseñador transgresor, experimental, inovador y puramente creativo en definitiva nos referimos a Neville Brody, quien revoluciona el diseño gráfico rompiendo sus reglas. Sus diseños han recibido reconocimiento internacional por su estilo novedoso y experimental. Fue el primero en manipular directamente las tipografias, llegando a crear caracteres dotados de personalidad propia. Apasionado por la geometria, el color y por hacer caso omiso a las reglas, cautivó la mayor parte de la inspiración para generar su propia visión del Punk y la cultura Pop.
t Cartel de una de sus exposiciones. Su diseño siempre se basa en romper el esquema de la grilla y exponer su diseño comunicativo experimental, corrompiendo las reglas y manteniendo en el mensaje por medio de la forma.
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Biografía
p Neville Brody. Diseñador gráfico y Tipógrafo. Fotografía por Ysa Perez ©
Neville Brody nació en 1957 en Southgate, un pequeño suburbio al norte de Londres, donde creció. En 1975 Brody asistió al programa Fine Art Foundation en Hornsey College of Art; la escuela era muy conservadora y fue cuando decidió por ese tiempo ir por una carrera en Artes Gráficas en vez de Bellas Artes. En el otoño de 1976 inició un curso en gráficas de tres años en el London College of Printing. Odió su estadía allá, pero fue muy necesaria para su desarrollo como diseñador. “Yo quería comunicar a cuanta gente pudiera, además hacer una forma popular de arte que era más personal y menos manipuladora. Tenía que saber más de cómo funcionaba éste proceso y la única forma de saberlo, era yendo a la escuela y aprenderlo”. En cierto nivel estuvo a punto de ser expulsado por poner la foto de la reina torcida en el diseño de una estampilla de correo. “Si mis tutores decían que les gustaba algo de lo que hice, lo cogía y lo cambiaba, porque la aprobación de ellos me hacía pensar en que algo iba mal en el trabajo”. A finales de los 70, Brody empezó a diseñar portadas de álbumes para compañías de música punk inglesas. En 1981 comenzó a trabajar en una revista llamada The Face donde cuestionó la estructura tradicional de éstas. Su idea era que los leyentes tuvieran que ver dos veces cada página y hacer que la revista se vea lo más interesante posible. Trabajó en The face hasta el 86, y durante los años 80 también trabajó con City Limits y New Socialist. Durante los años entre el 87 y el 90, trabajó en la revista Arena, se volvió famoso, se publicó su biografía, sus trabajos fueron expuestos en exhibiciones de arte e hizo su propio estudio en Londres. Su transición a diseñar digitalmente se vio reflejada a partir de los 90 y abrió FontWorks con un colega llamado Stuart Jenson. Se hizo director de la FontShop International donde lanzaron la revista experimental de tipo llamada FUSE. En la actualidad es presidente de D&AD. Brody cambió la forma de ver y diseñar la tipografía.
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Contexto En la década de 1980 el diseño claramente no tenía la fuerza que tiene hoy en día. Estaba estrechamente relacionado con el arte (incluso lo confundían con él), y apenas se consideraba su influencia en medios impresos. Por aquel tiempo debido a la tecnología que se utilizaba, la forma de diseñar cualquier material impreso era muy conservador pese a que los carteles si tenían su propia forma de comunicación particularmente surrealistas. Brody, A finales de los 80 en su estudio, se dio cuenta de la cantidad de clientes que querían su trabajo, encargos de Haus der Kulturen der Welt Berlin, Men’s Bigi y Parco in Japan, y la oportunidad de diseñar sellos para la Dutch PTT, por ejemplo, y adoptó la ayuda completa del computador. A mediados de los ochenta hubo una crisis económica debido al petróleo. En el entonces Maquintosh de destacó por desarrollar un sistema operativo y software amigables con los que la producción general del diseño se vio drásticamente reducida en precios; la creación de nuevas tecnologías como la impresión láser, dieron también cierta revolución en la producción en masa de impresos. Brody sintió que estaba siendo estafado en su trabajo, por ello se retiró y se dedicó a hacer fuentes simples, y evadió crear algo exótico por un tiempo. Los años noventa en el diseño tipográfico, gracias a la influencia de romper reglas de brody y la facilitación del computador, la revolución tipográfica se dio a conocer. Una revista tipográfica dirigida por brody FUSE dio ánimo a este fenómeno revolucionario.
t Master of typographers. Una muestra de el caos producido en sus diseños, haciendo su distintivo énfasis en el seguimiento de la lectrabilidad por formas, muy característica de él en sus trabajos.
t Portada del tomo 20 de FUSE, revista en la que trabajó. Superponiendo los textos de la misma manera, resaltando el número veinte y las letras al contario, efecto que hace que el espectador escarbe visualmente el mensaje.
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u Tomo número 21 de The Face. Versión y edición especial con la participación de Madonna publicado en Junio de 1990.
- Neville Brody
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- Neville Brody
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t Cambio de marca para The Face con las nuevas reglas de juego de Brody, apuntando a la liberación de la grilla.
t Varias dobles páginas diseñadas siguiendo sus criterios e ideas, proyectando en cada página diferentes ideas para mantener en las páginas al lector. Están para The Face y FUSE.
t “Screw the rules”. Ejemplo de Brody plasmando su idea de que la lecturabilidad se puede experimentar y hallar en la forma de la letra.
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u “Ocean’s Eleven” y “Ocean’s Twelve”. Carteles para dichas películas, ocean’s eleven 2001 y ocean’s twelve 2004. Proponiendo una perspectiva de los números y aprovechando los los espacios blancos para comodidad de lectura.
u “FUSE Propaganda”. Propuesta para la 12° edición de la revista FUSE, valiéndose de distintos puntos de inicio para las columnas, del uso de negativos intercalados en medio de la lectura jugando con el número 12 en el fondo.
u Varios ejemplos de tipografías diseñadas por Brody. Creados a partir del retiro de las revistas a finales de los ochenta y autoras de los grandes cambios en la historia del diseño.
Brody
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Brody
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t “Racial Equality”. Invitación a una exibición pro-igualdad de razas en Octubre de 2012.
t “Just do it”. Propaganda a doble página en una revista para NIKE. Así mismo hubo para distintas marcas comerciales.
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Matthew Carter
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“Una fuente es un hermoso grupo de letras, no un grupo de hermosas letras”
Matthew Carter
La tecnologia ha sido un factor determinante en las formas de concepcion del diseño tipografico y ,obviamente, su produccion; cubrir las necesidades de las diferentes platafomas tecnologicas de desarrollo tipografico ha sido uno de los retos más grandes que han afrontado los diseñadores cuyo trabajo se desenvuelve pasado la mitad del siglo XX. La tecnologia ha cambiado con el paso del tiempo, y así como ha traido una evolucion a partir de la superacion de problemas del pasado, ha traido consigo nuevos problemas; La fotocomposicion,la composicion digital, de escritorio, para pantalla y web de las fuentes conlleva un nuevo universo de trabajo en el diseño de fuentes y precisamente ello ha sido el trabajo de Matthew Carter. Su trabajo no solo ha consistido en el diseño y creacion de tipos y fuentes, sino más bien, en la comprension y apropiacion de los problemas y necesidades de las plataformas tecnologicas para el dieño de fuentes y así desarrollar un producto funcional para cada.
t Cartel tipografico, Andrés Díaz, composicion tipografica de las tipografias verdana y georgia de M.Carter
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- Matthew Carter
Biografía
p Matthew Carter retrato fotografico. Se describe a si mismo como parte de un puñado pequeño de personas que se desesperan al ver el mal espaciado entre la T y la E. Es una persona detallista y eso se debe, según él, a su labor. Ve su trabajo como el de un diseñador industrial con procesos logicos y metogologias propias.
Matthew Carter, Nacido en Londres inglaterra en 1937 es el heredero de la tradicion del diseño tipografico ingles. Henrry Carter, su padre y tambien diseñadro de fuentes, fue su primer acercamiento a la labor de la creacion de tipos graficos. En su juventud tuvo la fortuna de, por favor de su padre, trabajar en la casa de fundicion tipografica Koninklijke Joh. Enschedé en Holanda como aprendiz del asistente del diseñador tipografico aleman Jan Van Krimpen, de quien aprendio el arte del tallaje de tipo; metodo con el cual desarrollaria su primer trabajo tipografico con la version semi-bold de la fuente Dante, la carrera de Carter ha en frentado las transiciones tecnologicas mas dramaticas, ya que de pasar de la labor del punch cutting enfrento el cambio a la composicion digital, haciendo del trabajo de Carter el testigo fiel del cambio en las maneras tecnicas de produccion de fuentes tipograficas. En su regreso a Londres se dedico al trabajo freelance de la tipografia, aunque tambien trabajo Mergenthaler Linotype como diseñador de fuentes para quien haria la tipografia del centenario de la compañia bell telephone company de las guias telefonicas de los estados unidos bell centennial en 1962. Luego en 1981 se enfrentaria al diseño digital de fuentes ante una pantalla de 8 bits, en la cual realizo el diseño de la fuente tipografica Verdana para la compañia Apple y Microsoft y las tres versiones condenced de helvetica como fuentes de uso digital de reproduccion en monitores. Tambien desarrollaria en una pantalla la tipografia Georgia, la cual fue utilizada para la impresion y uso recurrente en periodicos locales estadounidenses. En la actualidad Matthew Carter sigue dedicandose al diseño de fuentes web y digitales, ello le ha valido para ser galardonado con el titulo MacArthur Fellow con su mas reciente trabajo tipografico itc carter sans en el 2010.
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Contexto
Observar el contexto del desarrollo de la
obra de Matthew Carter es observar, de alguna manera, la evolucion del diseño tipografico y la relacion testimonial mas feaciente de la interrelacion de la tecnologia con las maneras tecnicas de desarrollo de las fuentes, no solo por el hecho mismo de los cambios en los avances, aveces atrasos, tecnologicos en creación, sino por la labor de diseño y la forma de asumir los promblemas de cada una para sin embargo crear un producto funcional. En 1962, año en que Carter comenzaria su camino de diseño, la fundicion y tallaje de los tipos moviles seguia siendo la norma de creacion de una tipografia mientras en los años venideros y no muy lejanos entre sí se concebirian nuevas formas, desarrollando maneras mas practicas que enfrentarian a los diseñadores a nuevos retos, ejemplo de ello son la fotocomposicion , la composicion digital, para pantallas o web. Las herramientas implicaban entonces una nueva forma de realizar el tipo. A ello tuvo que sobre vivir el diseñador para consolidar todo un trabajo. Es de resaltar entonces la escencia del hecho de la fuente como un elemento adaptable, pero cuya adaptabilidad requiere sus propios metodos particulares a su forma de creacion.
t Imagen en cerigrafia de el trabajo manual de creaccion de tipos movilies, Punch Cutting. Labor aprendida por Carter como aprendiz de P.H. Reaschade en la imprenta Holandesa Joh. Enschedé.
t Computadora construida con monitor de 8 bits similar a la cual Carter uso para crear las fuentes tipograficas Verdana, Georgia y las versiones Condenced de Helvetica.
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Tipos grĂĄficos
u Imagen tomada de la conferencia “my life in typefaces� por M. Carter para TEDtalks.Mapa de vectores de la creacion de una fuente en sketch, la cual se transformaria en Georfia y verdana para pantalla, en aquel entonces las tipografias serifadas consumian demasiada informacion para la creacion de sus cerifas, adiferencia de las sans, por ello Carte decidio intentar crear una fuente con remates angulares. Una solucion estetica para un problema tecnico que se resolveria con codigos de compresion de archivos.
u Specimen tipografico de la tipografia Verdana creada en 1981 para Microsoft por Matthew Carter.
- Matthew Carter
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t Specimen tipografico Fuente Bell Centennial, Desarrollada para impresion de bajo puntajo; los pixeles faltantes en los caracteres son cortes diseĂąados a partir de la asimilacion de la tinta por el papel de guia telefonica, esto con el fin de evitar la saturacion de tinta y la alteracion del caracter.
t Fotografia de la Guia telefonica de estados unidos usando la fuente tipografica Bell Centennial. diferentes pesos tipograficos y niveles son perceptibles.
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u Imagen tomada de la conferencia “my life in typefaces” por M. Carter para TEDtalks. Mapa de Bits en pantalla de la letra h en el diseño de la fuente tipografica Georgia.
u Imagen tomada de la conferencia “my life in typefaces” por M. Carter para TEDtalks. Mapa de Bits tipografia Verdana, Caracter S de caja baja.
u Imagen tomada de la conferencia “my life in typefaces” por M. Carter para TEDtalks. Mapa de bits de la letra O, Fuente tipografica Verdana, l disposicion binaria y encajonada de los bits creaba una perfecta simetria en los dos ejes de la letra.
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t Aplicacion de texto corrido de la fuente Verdana y georgia, aunque la construccion de los tipos fue hecha en programacion binaria, es nitable la diferencia entre los dos tipos. (Parte superios Verdana, Parte inferior Georgia).
t Specimen tipografico de la fuente Georgia, creada en 1981 por Matthew Carter, inicialmente fue concebida como una fuente para panallas de menor resolucion, en la actualidad, este es el specimen de los tipos Georgia en pantallas de mayor resolucion (version regular).
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Cassandre
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“El diseño debe estar basado en el texto no a la inversa”
Adolphe Mouron
Reconocido por ser el padre del Art Deco, creando casi por si solo la generalidad de esta vanguardia, por lo mismo no se puede hablar del Art Deco sin hablar de Cassandre y viceversa. Creador de tipografías tales como ACIER, LE BIFUR y la más conocida LE PEIGNOT, entre sus obras tipográficas se resalta la creación del logotipo de Yves Saint Laurent, uno de sus últimos trabajos. t Yves Saint Lauren Uno de los últimos trabajos de Cassandre 1963. Este logotipo lo utiliza esta casa de moda actualmente.
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Cassandre
Biografía
p Adolphe Jean-Marie Mouron “Cassandre” Fotografía tomada a los 39 años de edad.
Adolphe Jean-Marie Mouron, más conocido por su seudónimo “Cassandre”, francés de origen ucraniano nacido el 24 de agosto de 1901, famoso por ser el creador del Art Deco, representado en sus afiches como en sus carteles. A muy corta edad se muda de su ciudad natal (Járkov-Ucrania) a París, donde estudio en la Academia de Bellas Artes y en la Academia Julián. Es sus inicios como diseñador de carteles empieza a ser reconocido en este mundo, donde comenzó a ser uno de los padres del cartel moderno junto con Alfons María Mucha. En su trabajo tipográfico se destacó la creación de varias fuentes tales como Bifur (1929), Acier (1930), Acier Noir (1936) Peignot (1937) y Touraine (1947), al publicar estas tipografías Mouron se dio cuenta de que estas tipografías fracasaban al intentarse colocar como texto corrido, por lo mismo todas ellas fueron publicadas como tipografías decorativas, utilizadas para carteles y afiches. A partir de la década de los 60’s comienza a imponerse y a imperar un nuevo estilo el Pop Art y el nuevo realismo .Cassandre al ver que su estilo comienza a decaer se niega a cambiar su estilo lo cual se cree que fue la causa de su suicidio en 1968 París Francia.
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Cassandre
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Contexto La mayoría de sus obras fueron influenciadas fuertemente por el futurismo, aunque también se pueden ver claras influencias del conocido como le Corbusier, y del cubismo. Con el futurismo Cassandre logra darle dinamismo y sensación de velocidad a su nuevo estilo gráfico Art Deco. La Académie Julian fue fundada en 1868 por Rodolphe Julian en el Passage des Paranomas, es una escuela de arte privada, en esta escuela de arte como egresados reconocidos se pueden nombrar a Alfons Mucha (1860-1939), Marcel Duchamp(1887-1968), Oscar Naranjo (1907-2006) y Diego Rivera (1886-1957). Cassandre en 1930 participó en la Union des Artistes Modernes (UAM) y se convirtió en miembro de esta Asociación en el año de 1933. Junto con Charles Loupot, y bajo la dirección de Mourice Moyrand, fundan la Alianza Gráfica. Ademas trabajó para Fortune, una revista global de negocios y en el año de 1936 para Harper´s Bazaar, una revista de moda.
t Las señoritas de la calle de Avinyó-1907 Pablo Picasso, obra realizada en óleo sobre lienzo, en el estilo del cubismo, actualmente se conserva en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York
t Pablo Picasso 1912 Retrato por Juan Gris, esta pintura fue realizada en óleo sobre lienzo y se encuentra en el instituto de Arte de Chicago, EEUU.
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u Alfabeto en Acier -1930. La fuente Acier fue utilizada por Cassandre en diferentes carteles de su autoría como Bonal y Air Orient.
u Alfabeto en Le Bifur-1929. Es la más característica del art Deco, originalmente fue diseñada en blanco y negro, pero a lo largo de los años, se le fue incorporando color.
u Alfabeto en Le Peignot-1937. Tipografía de origen francés, con fuertes influencias del Art Deco y de la escuela artística de la Bauhaus.
Cassandre
Tipos gráficos -
Cassandre
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t Nord Express 1927 Cassandre Color en litografía Era un tren de servicio introducido en 1896 por la Compagnie Internationale des Wagons-lite, que operaba como trenes de lujo en toda Europa.
t Étoile du Nord 1927 Cassandre Color en litografía Su significado literal es “Estrella del Norte” que alude al inicio del recorrido al norte de París.
t Normandie-1935 Cassandre Color en litografía El SS Normandie, fue un trasatlántico francés, de tecnología moderna (para su época) construido en 1935.
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u Thomson-1931 Cassandre Color litográfico Es un fabricante francés multinacional de electrónica y proveedor de servicios multimedia establecido en IssyLes-Moulineaux. En el 2010 cambiaron su nombre de SGS-Thomson a Technicolor SA.
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Cassandre
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t Dubo, Dubon, Dubonnet-1932 Cassandre Color en litografía Es el más famoso de los aperitivos franceses, tiene un 15% de alcohol, la referencia más conocida es de color rojo
t Au Bucheron-1947 Cassandre Color tipogràfico Este cartel ganó un premio en la Expocisión de Artes Decorativas en 1925.
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William A. Dwiggins
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“Olvida el arte y utiliza el sentido común.”
William A. Dwiggins
Se le atribuye la denominación de “Diseño Gráfico”, en definitiva, un tipógrafo digno de recordar. Su legado no se reduce a las familias tipográficas que durante los mejores años de su carrera realizó, a sus trabajos como diseñador editorial, calígrafo o ilustrador. Sus investigaciones y críticas sobre el diseño de libros fueron sumamente influyentes en la gráfica que se desarrollaba en su época, sus contribuciones, todavía polémicas y tal vez discutibles, permanecen en el diseño del mundo contemporáneo.
t Composición tipográfica realizada con fuente Eldorado, 1950. Una de las últimas tipografías que realizó.
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- William A. Dwiggins
Biografía
p William Addison Dwiggins. Su amor por la talla de marionetas lo llevó a la creación de un teatro de marionetas en Hingham, Massachusetts.
William Addison Dwiggins, nació en Ohio en 1880. Como diseñador gráfico desarrolló su obra en la caligrafía, la tipografía y el diseño editorial. Ganó inicialmente su reconocimiento desde la caligrafía, y desde entonces se dedicó a escribir críticas sobre el diseño de libros de los años 20 y 30. Suele referirse a Dwiggins como el diseñador que más influyó en los cambios en el modo de diseñar libros desde que escribió sus ensayos. Es conocido por diversos aspectos, entre esos, está el hecho de ser quién acuñó el término “Diseño Gráfico”para describir varias actividades en las comunicaciones impresas como el diseño de libros, la tipografía, caligrafía o la ilustración. En la actualidad se preservan algunos de los archivos que documentan sus investigaciones sobre por ejemplo, la diagramación en la publicidad o las propiedades físicas de los libros. Además de su trabajo escrito, su legado comprende fuentes como Charter, Hingham, Arcadia, Tippecaone, Eldorado, Falcon y sus más reconocidas familias tipográficas: Mertro, Electra y Caledonia. Un año después de su muerte, en 1957, Bookbuilders of Boston, una organización de publicación de libros profesionales que Dwiggins ayudó a establecer, renombró su más grande premio con su nombre.
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William A. Dwiggins
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Contexto Gran parte del trabajo de William Addison Dwiggins se encuentra enmarcado en los llamados “locos años veinte”, pero también posteriormente como parte del ciclo económico, dentro del contexto de la gran depresión. Pasada la primera guerra mundial, Estados Unidos se había fortalecido económicamente respecto de los países Europeos, alcanzando este país una gran prosperidad económica que incentivó el consumo de bienes y servicios de tal manera que llevó a muchos a endeudarse por fuera de sus posibilidades. Después de esta hegemonía política y económica en Estados Unidos, hacia el final de los años 20 se hacía evidente la burbuja especulativa que se formaba y que en el Gran Crac del 29 tuvo consecuencias sociales y económicas profundas. Las acciones en la bolsa descendieron abruptamente, vendiéndose de manera acelerada y dejando a los empresarios en bancarrota días después cuando los bancos exigieron los créditos cedidos. Algunos historiadores le atribuyen a dicha crisis económica la falta de un pleno progreso de disciplinas como el diseño gráfico de la época. Un factor contextual imprescindible para la obra del diseñador es el técnico, uno de los hechos que suponen una caracterización de su tipografía es la elaboración de los caracteres para la linotipia. Proceso mecánico de impresión cuyos resultados se caracterizan por su pulcritud y la cantidad de detalle apreciable. Sin duda fuentes como metro, eldorado o caledonia llevan el aspecto de la tecnología con la que se implementan.
t Los Locos Años 20. También llamados los felices años 20, un periódo de abundancia económica posterior a la Primera Guerra Mundial. Trajo consigo diversos efectos en en la sociedad Estadounidenses de índole económica (dándole paso a posteriores situaciónes) y cultural.
t La Gran Depresión. Fue una crisis económica mundial que se prolongó durante los años 30. Fue la depresión más larga en el tiempo, de mayor profundidad y la que afectó a mayor número de países en el siglo XX .
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u Fuente Electra, 1935. Específicamente diseñada para la composición en liniotipia, una de las más usadas fuentes diseñadas por el Estadounidense.
- William A. Dwiggins
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William A. Dwiggins
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t Gráfico de Investigación de las Propiedades Físicas de los Libros, 1919. Con algo de humor, Dwiggins critica el diseño de libros de su tiempo.
t Doble página y nota de Investigación de las Propiedades Físicas de los Libros, 1919. En este libro Dwiggins junto con la sociedad de Calígrafos afirman que “Todos los libros de hoy estan mal hechos” como una conclusión unánime.
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u Fuente Caledonia, 1938. Una de las fuentes diseñadas por Dwiggins para la compañía Mergenthaler Linotype; generalmente usada para libros.
- William A. Dwiggins
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William A. Dwiggins
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t Detalle de Caledonia, 1938. La G es abierta y la R tiene una cola curvada. Los carácteres p y q no tienen serifa al final de las descendentes.
t Metro, 1920. Probablemente su familia tipográfica sans serif mas notable, hecha en respuesta a tipografías similares que se empezaban a vender como Futura o Gill sans.
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Tipos gráficos - Rubén Fontana
Tipos gráficos - Rubén Fontana
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“La tipografía es la probidad del diseño”
Rubén Fontana El diseño tipográfico Latinoamericano no puede dejar pasar por alto el nombre de Rubén Fontana, no únicamente por los destacados resultados que ha conseguido con cada proyecto que ha realizado, sino también por ser el entusiasta impulsor de las cátedras de tipografía en la Universidad de Buenos Aires, Argentina. Al ser la tipografía su pasión, sus esfuerzos se han centrado en poder construir una pedagogía tipográfica que logre hacer que sus estudiantes entiendan y visualicen el papel de la tipografía en la comunicación, tanto como palabra e imagen. El nacimiento y carácter de la vocación que hoy conocemos como diseño tipográfico en Latinoamérica, es consecuencia del entusiasmo de Rubén Fontana.
t Libro PENSAMIENTO TIPOGRÁFICO. Portada del libro escrito por Rubén Fontana, en la cual reúne la experiencia pedagógica y trabajos que desarrolló con los estudiantes de tercer semestre en la UBA.
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Biografía
p Nació el 06 de mayo en 1942. Estudio diseño Gráfico en Buenos Aires Es ganador de premios internacionales por sus diseños tipográficos.
Como una vívida memoria, Rubén Fontana se recuerda a sus cinco años de edad preguntándole a su madre el método para que los diarios lograran dibujar siempre todas las letras iguales, duda que tuvo que resolver por sí mismo al cumplir 17 años, al trabajar en Agens, una agencia cautiva del grupo Siam, como armador, donde empezaría su vida como diseñador. Estas experiencias le permitieron relacionarse con grandes del diseño tipográfico, como Roberto Laureda, Juan Andralis y Juan Carlos Distéfano, el cual hoy en día considera su mayor influencia en la tipografía. Aunque no tenía un camino claro en el mundo del Diseño Gráfico, el trabajo de estas tres personas, lo fueron guiando. Durante los años 70, cuando se encontraba en Europa, Diestéfano lo invitó a trabajar junto a él, lo que lo trajo de vuelta Argentina. Durante esta década fue contratado en Buenos Aires donde empezaría su vida como docente, de esta época logró conseguir el material suficiente para escribir su libro “PENSAMIENTO TIPOGRÁFICO”. Durante la siguiente década, al observar la primera generación de egresados de la UBA, pensó “cómo puede ser si todavía no empezaron a aprender”; decide impulsar la edición de la revista TipoGráfica uno de los mayores aportes editoriales de fontana, en la cual, además de destacar por la calidad de sus contenidos y ser totalmente en castellano, se convertiría en un “punto de reunión” para opinar acerca del mundo editorial del momento. Actualmente dedica su tiempo a la empresa editorial, FONTANADISEÑO, la cual se ha centrado en edición de revistas e identidad empresarial o institucional, además de continuar dando cátedras en la universidad de la UBA.
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Contexto Al observar los logotipos y diseños tipográficos alrededor del mundo de los años 70, se puede identificar una moda tipográfica, que se caracterizó por utilizar las tipografías Bold, rompiendo algunas reglas de tipografía, como el interletrado o interlineado, convirtiendo la palabra más en una imagen de estilo expresivo, pero sin dejar de lado lo identificativo.. Desde 1950 Argentina vive una guerra civil, que se desencadena en los años 70 donde toma mayor fuerza. Como resultado de este conflicto se generó una división ideológica en la política, la cual sigue vigente hasta la actualidad. Durante estos años de conflicto, los jóvenes adoptan posiciones radicales, por lo que está década se caracteriza por una censura masiva a la libre expresión. Desde los años 40 hasta nuestros días, la tecnología digital se ha ido desarrollando, dándoles a los diseñadores tipográficos la oportunidad de simular procesos de manufactura, con mucha más rapidez. Como era de esperarse poco a poco lo digital fue dejando en segundo plano los procesos de imprenta, por lo que el diseño tipográfico empezó a adaptarse a los desarrollos tecnológicos digitales. En los años 90, Latinoamérica empieza a tener acceso al diseño tipográfico, esto como fruto de la tecnología digital. A partir de este punto, se han producido avances significativos que en anteriores décadas eran impensables.
t Logo de AVANT GARDE, diseñado por el norteamericano Herb Lubalin, rechazando el estilo posmoderno de Europa, fue uno de los pioneros que innovo el diseño tipográfico en EEUU.
t Una de las muchas fotografías, en los años 70, de las protestas que estallaron en las calles de buenos aires y toda Argentina. Las protestas reflejaban el deseo de cambio de las clases obreras, incluso si se debían tomar las armas para conseguirlo.
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Tipos gráficos - Rubén Fontana
u Revista TipoGráfica Tapa del número 10 de la revista TipoGráfica, creada (1987) y dirigida por Fontana. Esta revista, que consta de 48 páginas e impresa a una sola tinta, nace con el objetivo de ampliar el conocimiento tipográfico, principalmente, en los estudiantes de la UBA. Acogida por los diseñadores latinoamericanos, que lamentaron su finalización en el año 2006, con el número 74, donde reunió a 20 diseñadores en homenaje a los 20 años de la revista.
u Tapas del número 31, publicada en 1994 y el número 71, publicada en el año 2006, esta conforma parte de la última generación de la revista TipoGráfica.
Tipos gráficos - Rubén Fontana
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t Cartel PALABRA E IMAGEN. Cartel diseñado por Rubén Fontana y Juan C. Distéfano en el año 1972, para una exposición del Museo de Arte Moderno que se llevaría a cabo en Buenos Aires, teniendo como tema central la Palabra e Imagen. Fontana confiesa un gran cariño a esta pieza debido, no únicamente por diseñarlo con su maestro, si no por el concepto que lograron expresar en esta. “Es que la palabra debería ser imagen y la imagen palabra”, este comentario de Distéfano fue el detonante de la pieza. Como Fontana dijo en sus palabras “Hacer este afiche, me movió muchas cosas.”
t Tipografía FONTANA Diseñada para la revista TiposGráficos, no únicamente con el objetivo de darle una identidad a la revista, si no también ara aumentar la capacidad de texto de la página. Fue la primera fuente diseñada en Latinoamérica en utilizarse para un medio masivo.
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Tipos gráficos - Rubén Fontana
u Tipográfia DISTÉFANO. Diseñada en homenaje para el artista, y maestro de Fontana, Juan Carlos Distéfano. Esta nace en base a algunos bocetos realizados en 1983 por Fontana. Utilizada en el libro DISTÉFANO, el cual consistía en una recopilación de sus obras plásticas.
u Portada del libro ANDRALIS. Publicado en el 2001, donde Rubén Fontana refleja la perdida que supuso para él la muerte de su maestro en 1994. En homenaje a Andralis, el libro reúne aspectos de la tipografía y el diseño editorial. Rubén Fontana diseño una tipografía única con la cual edito este libro.
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t Logo YPF. Hasta el 2007 la marca YPF tenía en la comunicación masiva una presencia compartida con Repsol YPF, generándose una dispersión de su natural potencial marcario. La nueva imagen pretendía manifestar con fuerza la capacidad de esta empresa como macrocomunicador.
t Tipográfia ANDRALIS Diseñada para textos largos, fue la tipografía con la que el maestro Fontana editó el libro en homenaje a su maestro Andralis.
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Eric Gill
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“Las letras son signos para sonidos, signos para números y para otras cosas.”
Eric Gill Destacado inglés, se desempeñó en ámbitos de la tipografía y el arte. Se le reconoce por su amplio portafolio de diseños tipográficos, entre los cuales se encuentra la destacada Gill Sans para la empresa Monotype de Londres, también se destaca por sus trabajos de diseño editorial acompañados de ilustraciones propias, con tendencias a lo erótico. t Portada del libro An Essay on Typography, 1ª Ed. Londres (1931). Una pieza invaluable gracias a su irreverencia y humor, acompañado de precisión respecto de la técnica y detalle en la evolución histórica de las letras en el mundo occidental. Logró una refinada combinación que permite acercar la tipografía a cualquier lector.
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Eric Gill
Biografía
p Retrato Arthur Eric Rowton Gill (1882-1940). Detrás de él, tallado propio de tipografía lapidaria.
Arthur Eric Rowton Gill, crece en Steyning, Sussex (Inglaterra) en una familia estable económicamente con la que se mudó a Chichiester, donde estudia en Chichester Technical and Art School, posteriormente en 1900 se radica en Londres con el fin de aprender Arquitectura (profesión donde fracasa). A su vez conoce la labor de tallar lápidas, desarrollando una gran destreza, tras aprender en Central School of Arts and Crafts, lugar donde conoce a su maestro Edward Johnston, influencia directa para la creación de la reconocida familia tipográfica Gill Sans (1927-30), diseñada para la empresa Monotype. Entre sus obras, se encuentran las tipografías Perpetua (1926), Perpetua Greek (1929), Golden Cockerel Press Type (1929), Solus (1929), Joanna (1930-31), Aries (1932), Floriated Capitals (1932), Bunyan (1934) y Jubilee (conocida también como Cunard; 1934). Escribió libros y ensayos sobre religión, arte y tipografía, Christianity and Art (1927), Art (1934) y An Essay on Typography (1931). En el último libro se reconoce una lectura aún vigente, no como manual tipográfico, sino como indicio de la laboriosidad de la práctica en los inicios del siglo xx. Además ilustran los libros The Devil’s Devices (1938) y The four Gospels (1931), en el último, adicionalmente desarrolla el diseño editorial y hace provecho de la fuente Golden Cockerel Press Type mencionada previamente. Igualmente se le reconocen esculturas como Virgin and Child (1928), Ariel Between Wisdom and Gaiety (1932) y dos caballos de mar (1932) para el Art Deco Midland hotel. Muere a la edad de 58 y previamente a su muerte, en su lápida se describe como escultor, aunque su mayor legado es el tipográfico y editorial.
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Eric Gill
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Contexto Finales del siglo xix e inicios del xx en Europa, llena de cambios como la industrialización, que conllevó a un cambio de pensamiento al llegar a un capitalismo naciente, donde la producción en serie y la estandarización, se convirtieron en palabras comunes para la época. En términos de arte, movimientos como el Art Deco, Arts and Crafts, las Vanguardias, los inicios de conceptualización del diseño, entre otros; permitieron ser la contrapartida de la industrialización, destacando al trabajo manual, por encima de las máquinas y/o aprovechando los recursos mecánicos para llevar a cabo un resultado artístico. Las temáticas en el arte y el diseño se podrían dividir en dos, de una parte las causas sociales y políticas, ya sea a favor o en contra de gobiernos, reinados o monarquías; y de otra parte, las causas corporativas y de empresas particulares, cuyos logos, carteles y distintas muestras que hoy se consideran publicitarias que en la época surgieron con mucha fuerza.
t Fragmento de fotografía reportaje de Battle of the Somme (1926). Hacinados y camuflados en trincheras, los combatientes británicos esperan a que el enemigo no los descubra para atacar con sus largas escopetas en el hostil entorno de la Primera Guerra Mundial.
t Conjunto residencial en Londres (1921). Como consecuencia de la sobrepoblación en las grandes urbes, se replanteó la concepción del uso del espacio, llegando a aglomerar gran número de personas en entornos estrechos. Llenando de cemento y convirtiendo las ciudades en grandes y grises metrópolis.
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u Espécimen tipográfico de la familia Gill Sans (1930). Elaborado para la empresa Monotype, cuyos derechos son plenos sobre la familia, muestra una sans serif versatil, sirviendo para texto, título, subtitulo y logotipos.
u Espécimen tipográfíco Aries. Creada en 1932 demuestra su sutileza y aprecio por la fluidez en las curvas, destacando su habilidad en el ámbito ilustrativo.
Eric Gill
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Eric Gill
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t Tipos móviles en caja alta de la fuente Gill Sans Regular (1927). El diseño tipográfico en la época requería de habilidad motriz especial, ya que tocaba elaborar tipos en madera, plomo, zinc, entre otros materiales para ser usados posteriormente en textos empleando máquinas de la empresa Monotype.
t Virgin and Child (1928). Talló tanto la inscripción como las figuras. Ubicada cercana a la puerta oeste de la capilla de Marlborough College.
t Alfabeto grabado en piedra (1935). Reconocido por formar letras de estilo caligráfico en grabado bajo relieve sobre piedra.
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u Fragmento del libro The four Gospels (1931). Publicado por Golden Cockerel Press. Consta de diseño editorial e ilustrativo perteneciente al movimiento de Arts and Crafts y Art Deco. Hizo uso de las tipografía Golden Cockerel Press en sus máximo esplendor, haciendo de cada página un espécimen tipográfico valioso.
u Portada del manual de la tipografía Golden Cockerel Press (1929). Elaborado para el periódico del mismo nombre, se usó para numerosas publicaciones de libros.
u Cartel conmemorativo sobre la tipografía Gill Sans (2009). Se destaca la relación e influencia de la tipografía Johnston, creada para el sistema de señalización en el Metro de Londres o Underground.
Eric Gill
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Eric Gill
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t Espécimen tipográfico de Perpetua, Joanna MT Std y Gill Sans. Se muestra el alfabeto en mayúsculas y minúsculas.
t Fragmento comparativo entre Gill Sans y Bodoni (2014). Debido a que la tipografía es un oficio cambiante, a principios de s.xx se debatió entre las tipografías sans y serif como mejores para títulos, texto de corrido, logos, entre otros. Esta pieza busca demostrar la versatilidad de ambas tipografías.
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Lucas de Groot
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“Todas mis tipografías <serias> provienen de la creacíon de una tipografía corporativa”
Lucas de Groot Con sede en Berlín, es un diseñador de tipos holandés. Lucas de Groot es mejor conocido por su familia tipografica Thesis: entre las que se encuentran The Sans, The Serif, The Mix, The Antiqua, con variantes mono espaciadas incluso con algunas arábigas. Groot ha diseñado fuentes personalizadas para periódicos como Folha de S.Paulo, Le Monde, Metro, tageszeitung taz.die, Freitag, Jungle World, Der Spiegel -, además de la creación de tipografías empresariales para proveedores internacionales, incluyendo Sun Microsystems, de Bell Sur, Heineken, Volkswagen y Miele. Desarrolló dos familias de fuentes para Microsoft: la familia de fuentes monospaced Consolas, como sucesor de Courier y Calibri, el nuevo tipo de letra predeterminado en Microsoft Word.
t Calibri Regular. Diseñada en 2005 por el holandés Luc de Groot, fue un encargo de Microsoft para formar parte de un nuevo grupo de tipografías acompañando a su sistema operativo Windows Vista y la suite Microsoft Office 2007.
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- Lucas de Groot
Biografía Lucas de Groot nació el 21 de junio de 1963 en Noordwijkerhout, Holanda, conocido profesionalmente como Lucas de Groot, es un diseñador holandés de tipografia. Entre 1982 y 1987 estudió en la Academia Real de Bellas Artes, The Hague, (KABK) donde su maestro más influyente fue Gerrit Noordzij. Entre 1989 y 1993 trabajó en proyectos de identidad corporativa en el grupo de diseño holandés BRS Premsela Vonk. En 1993 se unió a MetaDesign en Berlín junto con Erik Spiekermann en el desarrollo de la familia FF Meta. Actualmente es director tipográfico en MetaDesign, trabajando en proyectos de diseño corporativo, incluyendo diseño de logotipos, conceptos de revistas, y tipos de letra personalizados. Desde 2000 tiene sus propios estudios con los nombres de LucasFonts y FontFabrik donde es la cabeza, ha rediseñado las tipografías corporativas de Volkswagen, Sun Microsystems y Der Spiegel. Es autor de AgroSans, Sun y de la serie de familias Thesis, entre otras. p Lucas de Groot también es un padre, esposo, ilustrador y maestro de muchos oficios. Inventó la Teoría de interpolación tipográfica. y además, enseña tipografía en la Universidad de Ciencias Aplicadas de Potsdam, Alemania
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- Lucas de Groot
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Contexto MetaDesign es una agencia creativa que se especializa en el diseño de marca. Una agencia galardonada y líder a nivel mundial, dentro de su cartera de clientes se encuentran Coca-cola, Audi, Sand disk y Volkswagen, MetaDesign utiliza Fuze daily para permitir la colaboración entre los equipos y sus clientes. La compañía fue fundada por Erik Spiekermann en 1979 en Berlín en el momento de la reunificación alemana. Hoy en día la oficina de empresas de Berlín reside en un edificio emblemático de la industria de 1920 (Berlín-Charlottenburg). La reputación principal de MetaDesign fue obtenida a través de compromisos para el Sistema de Transporte de Berlín (BVG). Seguido más tarde por trabajos de diseño de Volkswagen, Audi, la Autoridad del Aeropuerto de Düsseldorf y Springer Verlag. Metadesign es la firma de diseño más grande de Alemania. Está distribuida en seis ciudades, alrededor del mundo. Algunos de sus diseños tipográficos son: FF Meta, ITC Officina, FF Info, FF Unit, Nokia Sans, Bosch Sans et al. La Real Academia de Arte (en holandés: Koninklijke Academie van Beeldende Kunsten, KABK) es una academia de arte en La Haya. La academia fue fundada el 29 de septiembre 1682, por lo que es la más antigua del Holanda en donde se han adiestrado una serie de artistas significativos. También fue parte del movimiento del arte holandés impresionista. Bajo la influencia de la Bauhaus levantó los departamentos de diseño gráfico, publicidad y fotografía.
t MetaDesign Logotipo con el que cuenta la compañia en la red social twitter.
t KABK. Edificio de la Real Academia de Arte de la Prinsessegracht 4 en La Haya.
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Tipos gráficos
u The Mix. Esta tipografía forma parte de la macro familia Thesis, formada por TheSans (tipografía sin serifs), TheSerif (tipografía con serifs) y TheMix (una mezcla entre las dos). La fuente cuenta con light, regular, bolt y black de izquierda a derecha, de arriba a abajo respectivamente.
- Lucas de Groot
Tipos gráficos
- Lucas de Groot
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t The serif regular. Diseñada por Luc de Groot, esta tipografía forma parte de la macro familia Thesis, junto con la TheSans y TheMix. Las tres familias están diseñadas para convivir entre ellas en cualquier diseño con la única diferencia en que TheSerif posee serifas.
t The Sans mono. Diseñada por Luc de Groot en 1996, esta tipografía está basada en la TheSans, la familia sin serif que forma parte de la macro familia Thesis, creada por el propio de Groot.
t The Sans Regular. Esta tipografía diseñada por Luc de Groot pertenece a una macro familia llamada Thesis, formada por tres familias distintas: TheSans, TheSerif y TheMix.
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Tipos gráficos
u Teoria de Interpolacion. Es una teoría sobre el comportamiento óptico de una familia de fuentes de aumento de peso. El resultado ha sido una fórmula para el cálculo de los pesos intermedios que ha sido influyente entre los diseñadores de tipos en todo el mundo.
u Overview The Sans. Una de las favoritas para el diseño corporativo, diseño editorial y los nuevos medios de comunicación. Se trata de una variedad asombrosa de anchos y pesos, incluyendo un gran conjunto de fuentes muy finas.
u Overview The Sans Arabic. Es la versión del habla árabe de TheSans. Está disponible en 8 pesos de UltraLight a Negro y utiliza un amplio espectro de funtionalidad OpenType inteligente.
- Lucas de Groot
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Lucas de Groot
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t Nebulae. Se derivó de TheSans; sus formas de las letras se han disuelto en nubes de burbujas. Los cuatro versiones se pueden superponer con el fin de obtener una textura más densa de varios colores.
t JesusLovesYouAll. Ofrece una revisión destructiva de proporciones suaves de TheSans. Las formas de las letras han sido distorsionadas por espinas, gotas o daños al azar.
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Tipos grรกficos -
Terry Jones
Tipos gráficos -
Terry Jones
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“El diseño es pan comido, es algo que no debería ser complicado.”
Terry Jones Jones unque terminó formándose como un artista comercial, ahora es diseñador y director posmodernista. Comenzó haciendo trabajos muy icónicos como algunas portadas de los Sex Pistols (God Save The Queen, Never Mind The Bollocks), y luego fundó la revista i-D donde han participado destacadas celebridades. t Portada edición Nº 28 de la revista i-D. 1985. Diseñado por Terry Jones y William Faulkner. Fotografía de Nick Knight y Lizzy Tear.
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Terry Jones
Biografía
p Terry Jones. Viste con jeans, chaquetas azules, zapatillas, y camisas blancas, por eso considera que viste como un plomero, simple, como lo es su trabajo.
Terry Jones nació en 1945, en Northampton (Inglaterra). Estudio diseño gráfico en el West of England College of Art en Briston. Jones no estuvo muy influenciado por la moda como lo es ahora. En su adolescencia vivió en Bristol, en el campo. Sus amigos se preocupaban más por las motos y sus cortes de peinado, el típico prototipo de un rockero de esa época, pero Jones se consideraba beatnik, grupo de literatos que apareció a la década de los 50. En sus primeros años de trabajo, tenía un estilo punk, teniendo referentes del dadaísmo. Empezó a tener su propio estilo, jugando con contrastes muy marcados de color y proponiendo nuevas formas de mostrar la tipografía, haciendo que sus obras tengan cierta esencia del pop-art. Sus obras, también transmitían un mensaje de crítica social fuerte, por lo cual eran muy polémicas y algunas veces censuradas. Jones se acerco a la moda gracias a su esposa, Tricia. Cuando Jones la conoció, siempre vestíacon ropa de marca. La moda refleja un momento, y la clave de i-D es hacer de espejo de ese momento, hablar sobre la gente, mostrar estilos espontáneos y las fantasías más extremas, pero nunca lo que está a medio camino. Las primeras ediciones de i-D tenían cierto estilo punk y tenía la estética de un fanzine, hasta llegar al punto de utilizar un papel brillante y ser reconocida por sus contenidos variados que van desde la moda hasta política.
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Terry Jones
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Contexto El movimiento punk apareció en la década de los 70 principalmente en Gran Bretaña. Las primeras bandas de punk que surgieron estaban influenciadas por el garaje rock, rock agresivo, por ende estas bandas tenían una estética mucho más agresiva en sus letras y escenarios. Este fenómeno tuvo diferentes etapas: primero, empezó siendo un movimiento plenamente musical, que conllevó a ser una moda muy destacada de los setenta, y posteriormente fue convirtiéndose en un movimiento filosófico, convirtiéndolo en una cultura, algunos lo llaman una contracultura por ser marginales. Sex Pistols, The Clash, y Ramones son algunas de las primeras bandas que impulsaron este movimiento. Los fanzine se han considero como un arte alternativo. El término se originó en 1940, pero en 1970 empezó a destacarse por su económica forma de producción y edición. Los fanzines han servido para que las culturas marginales, principalmente, puedan expresar de forma libre sus ideologías, jugando un papel muy importante en la evolución de los medios. Algunas revistas se han destacado por sus diferentes formas de presentar temas de la actualidad de diferentes perspectivas. ¿Cómo distinguirse? Con un logo que sea creativo como lo es i-D-, por su contenido que inspira por ejemplo The Gentlewoman, o basarse en diferentes estilos como la vanguardia que es el caso de Interviwe, así es la forma de innovar y transmitir temas que están a la moda de una forma simple, con el objetivo de captar a un grupo determinado de personas.
t Presentación de los Sex Pistols en Paraiso de Ámsterdam. 1977. Fofografía por Koen Suyk.
t Portada de ciencia The Fanscient. 1949. Creada por Russ Chauvenet. Esta hace parte del fanzine de ciencia ficción Detours.
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u God save the queen. 1977. Caratula de los Sex Pistoln. Diseñado por Jaime Reid y dirigido por Terry Jones.
u Anarchy in the U.K. 1976. Cartel del single de Sex Pistonls. Diseñado por Jaime Reid.
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t Never Mind the Bollocks, Here’s the Sex Pistols. 1997. Dirección por Terry Jone. Fue el único y primer álbum de estudio punk de los Sex Pistols.
t Logo de la revista i-D. 1980. Creado por Terry Jones. Este identificador es la abreviación de identity, además funciona como un guiño, donde las personas que aparecen en las portadas hacen este mismo gesto.
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u Portada de V&A Magazine Cover: From Club To Catwalk. 2013. Diseñada por Terry Jones.
u Portada de la revista i-D, The happy Issue. 1988. Portada diseñada por Terry Jones. Esta revista contiene una carita feliz haciendo alusión a la pastilla del éxtasis, por lo cual este volumen hacía una crítica a los jóvenes que estaban cayendo en el mundo de las drogas y se sentían “felices”.
u Portada de la revista i-D, The Network Issue. 1994. Amber Vallett es la modelo que está fotografiada en la portada con el objetivo de atraer a los chicos. Esta revista trataba sobre el surgimiento del nuevo punk y sus adaptaciones con la música electrónica.
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t Portadas de la revista i-D, ediciones de 1984 a l 2013. Dirección por Terry Jones: 1 Fotógrafo: Mark Lebon. Modelo: Madonna, mayo 1984. 2 Fotógrafo: Todd Cole. Modelo: Lena Dunham, invierno 2012. 3 Fotógrafo: Karim Sadli. Modelo: Daria Werbowy, primavera 2014. 4 Fotografo: Corinne Day. Modelo: Kate Moss, diciembre 1993. 5 Fotógrafo: Richard Bush. Modelo: Cara Delevingne, invierno 2013. 6 Fotógrafo: Terry Richardson. Modelo: Agyness Deyn, mayo 2008. 7 Fotógrafo: Tyrone Lebon. Modelo: Lara Stone, primavera 2013. 8 Fotógrafo: Arthur Elgort. Modelo: Grace Coddington, invierno 2012. 9 Fotógrafo: Craig McDean. Modelo: Kate Moss, otoño 2013. 10 Fotógrafo: Craig McDean. Modelo: Tilda Swinton, junio 2003.
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Tipos gráficos -
Nedo Mion Ferrario
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“Estoy convencido de que el diseño y la pintura constituyen conceptos separados, uno subjetivo y uno objetivo.”
Nedo Mion Ferrario Originario de Italia y radicado en Venezuela, Nedo -como se le conocía- empezó realizando logotipos, carteles y diagramaciones para reconocidas empresas venezolanas en los años cincuenta. A principios de los sesenta trabaja junto a Carlos Cruz Diez y Gerd Leufert en la revista cultural El Farol para luego establecerse como director artístico de la legendaria revista Cal. Su pasión por la geometría, las ilusiones ópticas y las figuras imposibles salta a la vista en sus intrincadas tipografías, sus emblemas en espiral y sus arriesgados diseños de diagramación que lo acreditaron como uno de los precursores del diseño gráfico tanto en Venezuela como en América Latina.
t Detalle del artículo La problemática del Jazz. Revista Cal. 1962. Siendo uno de sus trabajos mas recordados, en la diagramación de este articulo se empieza a distinguir ese estilo arriesgado que caracteriza al diseñador italiano, aunque sin esas figuras geométricas que le darán fama posteriormente. En ella, el texto y las imágenes forman parte de la palabra “Jazz”.
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Tipos gráficos
- Nedo Mion Ferrario
Biografía
p Nedo Mion Ferrario. Reconocido como pionero del diseño gráfico en Venezuela. Nedo se desempeñó también como artista plástico y realizo incluso algunos trabajos de arquitectura. Era un hábil acuarelista e ilustrador.
Nacido el 23 de septiembre de 1926, Nedo tenía un antecedente familiar importante en el arte y el diseño. Su padre era cincelador, y naturalmente llego a estudiar en la Academia de Bellas Artes de Milán. En 1950, tiempos de posguerra, Nedo se traslada junto con su padre a Venezuela, ya habiendo realizado trabajos para varias empresas de ese país. Allí empieza desde cero como ilustrador y diseñador de carteles y pequeñas revistas. Luego, gracias a los contactos de su padre, consigue laborar en la firma Colman Prentis & Varley Inc. En esta empresa progresa y obtiene encargos mejor pagados, llegando a trabajar en la revista cultural El Farol junto a Carlos Cruz Diez y Gerd Leufert, donde se le da más libertad creativa para luego poder independizarse al serle otorgado el cargo de director artístico en otra revista cultural, la revista Cal. Luego de años de trabajo en Cal, decide renunciar para desempeñarse en otras áreas de las artes como las artes plásticas y la arquitectura. Realizó instalaciones arquitectónicas y obras pictóricas con el común denominador de las figuras imposibles o entrelazadas. Sus pinturas han llegado a subastarse por miles de dólares y a exhibirse en museos prestigiosos como el MoMA en EE.UU. Sus obras de diseño se conservan en el Museo de La Estampa de Carlos Cruz Diez, siendo estas escasas por su pérdida como consecuencia de los distintos cambios políticos de Venezuela desde la década de los 60. Fallece en Caracas, el 3 de mayo de 2001.
Tipos gráficos
- Nedo Mion Ferrario
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Contexto A finales de la década de los 40, Italia estaba regida por la dictadura fascista de Benito Mussolini que databa de la primera guerra mundial, a lo cual llegaron a acostumbrarse inevitablemente. Al iniciar la segunda guerra, el mandatario italiano afirmó que su nación no intervendría en el conflicto de sus países vecinos. Esta promesa no duró mucho cuando Mussolini descubrió el poder del partido nazi, que no estaba alejado de sus políticas fascistas. La Italia fascista colaboró con las tropas de Hitler en las invasiones de Francia sufriendo grandes pérdidas de soldados en el transcurso de la guerra. Finalmente, el pueblo italiano derroca a su dictador y se contacta con Estados Unidos y Reino Unido para conseguir la paz para su nación. Luego del caos que ocasionó la guerra, la nación se divide en dos, un sector fascista que secretamente es influenciado por el Tercer Reich y un sector ocupado por militares americanos e ingleses, que llega a declararle la guerra a Alemania. Nedo, junto con su padre, decide trasladarse a Venezuela en el año 1950 al conocer sus políticas de migración. Al llegar se encuentra con un país dotado de gran variedad de formas y colores, donde se le permite realizar diseños vanguardistas y arriesgados, dejando a un lado la censura a la que se sometía en su lugar de origen.
t Soldados italianos capturados por el ejercito britanico. Enero de 1941. Mussolini envió soldados italianos a los países aliados como muestra de apoyo al partido nacionalsocialista alemán. En la imagen, el ejército italiano es capturado por tropas británicas en medio de un ataque contra Egipto.
t Tropas alemanas de la SS en Milan. 1943. Como estado dominado por la Alemania nazi, Mussolini abrió parte del territorio italiano, denominado Republica de Saló al ejercito alemán mostrando su lealtad al partido que comandaba Adolf Hitler.
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Tipos grรกficos
u Alfabeto caligrafico. 1965. Con formas manuscritas que se unen e entrelazan, el alfabeto caligrรกfico es un buen ejemplo de la fascinaciรณn de Nedo por las formas intrincadas.
- Nedo Mion Ferrario
Tipos gráficos
- Nedo Mion Ferrario
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t Logo de la revista Cal. 1962. La dirección del diseño de la revista de literatura lanzada en 1962 fue una sorpresa para Nedo. Pasaba por tiempos difíciles y le ofrecieron el trabajo días antes de impresa. Finalmente llego a ser una de las revistas culturales más importantes de América Latina.
t Escribo luego existo. Ensayo de John Fowles. Revista Cal. 1962. En esta diagramación, Nedo enumera cada uno de los párrafos del ensayo de Fowles y los organiza en una espiral emulando los juegos de mesa, como una analogía al proceso de escritura al que se refiere el autor.
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Tipos gráficos
u Emblema Nedo. 1973. Logotipo diseñado por Nedo para marcar algunos de sus diseños. La tipografía posee líneas paralelas, un elemento común en el diseño tipográfico de la década de los 70.
u Logotipo Instituto Postal Telegrafico. 1979. Nedo repite las líneas paralelas en esta identidad visual de la compañía de correos venezolana. Nótese las 3 iniciales de la empresa entrelazadas, I.P.C.
u Emblema Museo de Arte Contemporaneo de Caracas. 1974. El logotipo muestra una “a” minúscula, inicial de arte, compuesta también de una “c”, que representa tanto “Contemporáneo” como “Caracas”.
- Nedo Mion Ferrario
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Nedo Mion Ferrario
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t Alfabeto reversible. 1972. Constituido por barras gruesas, el alfabeto reversible es una composiciĂłn de figuras imposibles que tienen la capacidad de invertirse para ser caracteres diferentes.
t Imposible. 1967. TipografĂa realizada netamente con figuras imposibles. Cada uno de sus caracteres da la sensacion de tridimensionalidad aunque, al moldearlas volumetricamente, sera imposible terminarlas.
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Tipos gráficos -
Josef Müller Brockmann 105
“La elegancia de lo simple. Eso es difícil de conseguir. Siempre nos gusta ‘aparentar’ más de lo que debemos.”
Josef Müller Brockmann Brockmann Nació en Rapperswil,suiza; quien se destaco por participar en una corriente del diseño gráfico en favor de un estilo anónimo y supranacional. El cual conllevo a un cambio que consistia en eliminar todo elemento decorativo en la composición de la página, para organizar los diversos elementos gráficos en una estructura reticular, es decir propuso la renovación de las formas tradicionales de organizar el impreso.
t Akari Cartel realizado en 1975. para la exposicion de lámparas, los discos multicolores modulados y encendidos simbolizan la energia radiente de las instalaciones y acesorios de alumbrado
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- Josef Müller Brockmann
Biografía
p Josef Müller Brockmann. 19 de mayo de 1914 - suiza. padre autriaco, muerto en la guerra, comenso como aprendis en un estudio de publisidad. Fallesio el 30 de agosto de 1996 a los 82 años de edad.
Josef Müller-Brockmann falleció el 30 de agosto de 1996 a los 82 años de edad. Estaba considerado como uno de los más destacados integrantes de una determinada corriente en el diseño gráfico en favor de un estilo anónimo y supranacional. Esta particular concepción del lenguaje gráfico comenzó a hacerse popular en los años sesenta y supuso una renovación de las formas tradicionales de organizar el impreso. El estilo “suizo” como acabó denominándose a lo que sus promotores consideraban una absoluta revolución técnica e incluso ideológica, pretendía eliminar todo elemento decorativo en la composición de la página para organizar los diversos elementos gráficos en una estructura reticular. Josef Mario Müller, el séptimo de los ocho hijos de una viuda, había nacido el 9 de mayo de 1914 en Suiza; su padre, austriaco había caido en el frente de guerra. Su formación comenzó como aprendiz en un estudio de publicidad. sin ningún tipo de estudios intentó entrar como alumno a tiempo parcial en la Kunstgewerbeschule de Zurich donde impartían clases Ernst Keller y Alfred Willman. Sin duda Müller-Brockmann debe ser considerado un autodidacta por su forma de afrontar los obstáculos con una fuerte confianza en sus posibilidades y su capacidad de trabajo. A pesar del poco tiempo que pudo dedicar a los estudios siguó cursos sobre filosofía, música, economía y psicología, donde recibió clases de Carl Jung durante un periodo de cuatro años. Los años de la Segunda Guerra Mundial los pasó en el ejército de la neutral Suiza para continuar a partir de 1945 con su actividad de artista comercial.
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- Josef Müller Brockmann
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Contexto Nacido en Rapperswil, Müller-Brockmann se convirtió en un aprendiz de diseñador gráfico inmediatamente después de salir de la escuela secundaria. Entre 1932 y 1934 estudió en las clases de Alfredo Keller y Willimann Ernst, dos diseñadores que fueron pioneros del diseño gráfico moderno en la Escuela de Zurich de Artes y Oficios. A principios de 1930 un grupo de arquitectos y diseñadores interesados en el constructivismo, el funcionalismo y la abstracción se había reunido en Suiza. Entre los diseñadores gráficos fueron Max Bill, Anton Stankowski y Hans Erni, cuyos carteles y muestras de diseño resultaron muy influyentes en la definición del estilo de Müller-Brockmann. Después de que Müller-Brockmann había trabajado durante varios años como ilustrador freelance y diseñador de escenarios, su estilo maduro surgió en una serie de carteles de conciertos de la Tonhalle de Zurich en 1952. En el primer grupo, una combinación de la tipografía asimétrica, las retículas y motivos abstractos evocan las obras que se interpretaban. Poco a poco los diseños se hicieron más abstractos y los espacios de color fueron manejados de manera equivalente a la pintura abstracta contemporánea. Una segunda serie de carteles muestran un profundo interés de Müller-Brockmann, en el fotomontaje. Preocupado por el aumento de vehículos de motor y otros temas de su uso en las carreteras de los años de la posguerra, el Automóvil Club de Suiza encargó un cartel para hacer frente a la seguridad de los niños en 1952. Aunque inicialmente criticada por el público, la fórmula fue seguida por una serie de carteles de seguridad vial con el uso de fotografía, un tipo de letra sans-serif Akzidenz Grotesk - y un mínimo de color.
t Unterengstringen Ubicado en Suizaen la provincia Zuric del distrito de Dietikon
t Hochschule für Gestaltung. Edificio de la HfG de Ulm diseñado por Max Bill y terminado en 1955.
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u Música Viva. Cartel realizado en 1971.
- Josef Müller Brockmann
Tipos gráficos
- Josef Müller Brockmann
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t Turandot. cartel para la exposición La película, 1960. La fuerza grafica de este cartel es sobresalinte utilizando unicamente elementos de tipografia y el color logrando un balance perfecto
t Olympische Spiele München 1972. Juegos Olímpicos de Munich.
t betthoven. Realizado en 1955, Para un concierto.
t Betthoven. Realizado en 1955, Para un concierto.
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u Weniger Lärm. Realizado en 1960, cartel de conciencia pública. para concientizar a la población de los daños del exceso del ruido.
u Musica Viva . Realizado en 1972. para un concierto de musica.
u der Film. cartel para la exposicion La pelicula,1960. La fuerza grafica de este cartel es sobresalinte utilizando unicamente como elementos de tipografia y el color logrado un balance perfecto
u Protégez I´enfant! Realizado en 1955, cartel proteje al niño! Para el club de automovil suizo.
Müller Brockmann
Tipos grĂĄficos - Josef
MĂźller Brockmann
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t Beethoven. Cartel realizado el 22 de febrero de 1955, para el cosierto.
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Paul Rand
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“El diseño es simple, por eso es tan complicado”
Paul Rand Diseñador Gráfico estadounidense de mediados del siglo xx. Conocido mundialmente por sus logos hechos para empresas norteamericanas de gran renombre, muchos de los cuales aún se mantienen. No solo se destacó por ellos sino también por crear carteles, y demás piezas gráficas llenas de belleza, simplicidad y funcionalidad. Igualmente se destacó por sus obras escritas sobre diseño y libros para niños: un gran trabajo junto a su esposa. Dejando así un gran legado para diseñadores.
t Cartel realizado para IBM en 1981. A Paul Rand le gustaba utilizar jeroglíficos como puede apreciarse en el cartel, cuyo objetivo fue proporcionar algo de frescura y humanidad a la empresa.
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- Paul Rand
Biografía
p Paul Rand. Fotografía por Peter Allen. Nacido como Peretz Rosenbaum, 15 de agosto de 1914 - 26 de noviembre de 1996. Gran diseñador estadounidense que marcó una era en el diseño americano.
Nacido en Bownsville, Brooklyn en 1914 Paul Rand desde pequeño contó con la habilidad para crear piezas gráficas y aunque su padre no deseaba que estudiara arte, logró que este, pagara por sus estudios nocturnos en el Pratt Institute; también estudió en Parsons School of Design y el Arts Students League. En la década del 30 decidió camuflarse y abreviar su identidad judía por influencia de unos amigos y pasó de Peretz Rosenbaum a Paul Rand, apellido que tomó de un tío. Según su amigo y socio Morris, Paul Rand pensó que cuatro letras en Estados Unidos podían ser un gran símbolo, su nueva identidad, le sirvió de “marca” de muchos logros, fue la primera identidad corporativa que creó. Fue un modernista empedernido tanto así que durante la ceremonia de su retrospectiva en el Cooper Union en octubre de 1995 se le preguntó si el modernismo había muerto. Rand replicó: “Yo sigo vivo”.” Fue pintor, conferencista, diseñador industrial y artista publicitario (diseño gráfico). Trabajó como diseñador en la revista Esquire y posteriormente como diseñador para las revistas Apparel Arts y Direction destacándose por sus innovadoras portadas. Fue profesor en el Pratt Institute y posteriormente en la escuela de diseño para graduados de Yale University, nunca dejó de enseñar. Escribió varios libros e ilustró otros, como los libros infantiles que su esposa Ann escribía y él ilustraba. Gracias a su gran talento, Rand fue incluido en el New York Art Directors Club Hall of Fame” en 1972; en el transcurso de su vida siguió recibiendo premios, medallas de oro y otros reconocimientos por su labor. Murió el 26 de noviembre de 1996 dejando un legado de gran importancia para todo diseñador, ya que con su forma juguetona de abarcar todos sus trabajos marcó un hito en la historia.
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- Paul Rand
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Contexto Rand nació en el seno de una familia judía ortodoxa extremadamente religiosa, sin embargo aunque muchos creían que iba a ser un impedimento para su carrera, no se rindió y desde muy pequeño empezó a realizar algunos trabajos de diseño. Sus primeras influencias fueron las vanguardias del arte y la arquitectura. Paul Klee, El Lissitzky, Le Corbusier lo llevaron a basarse en corrientes europeas llegando a ser uno de los originadores del estilo tipográfico internacional suizo. Este estilo se caracterizaba por tener una composición asimétrica, una retícula tipográfica y una cuadrícula matemática; otro punto era la utilización de tipografías palo seco aludiendo a lo moderno, dando a entender que no se buscaba la formalidad. Fue un gran defensor, líder y hasta inspiración del movimiento modernista. La influencia de las vanguardias europeas en su trabajo cambió el arte comercial norteamericano. Con el inicio de la segunda guerra mundial, aprovechó este recurso para aportar a sus creaciones como se puede ver en la revista Direction en la que en varias ocasiones representó el conflicto y las injusticias de la guerra y sus dirigentes. Paul Rand creía que un buen diseño era una forma de vida.
t Paul Rand en una de sus exposiciones junto a una de sus grandes obras. Detrás de Rand exhibido uno de los carteles de promoción de la gran marca de brandy Coronet (1941), acompañado de un divertido camarero que representaba la cara del licor además de contar con una forma de copa sobre un fondo de puntos como símbolo de la efervescencia de la soda.
t Pequeño estudio en su propia casa rodeado de diversas piezas de inspiración. “Sin juego no existiría Picasso. Sin juego no habría experimentación. El juego es la respuesta a todas las preguntas”- Paul Rand.
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Tipos gráficos
u Logo del IBM (International Business Machines), variación de 8 líneas. “No es sólo una identidad, sino una filosofía de diseño básico que impregna la conciencia corporativa y conciencia pública” mencionó Mark Favermann. Precedida por una variación de 16 líneas, esta versión es la tercera presentada por Rand, la cual fue publicada en 1972.
u Logo creado para la Westinghouse 1960. Para su mayor recordación, Rand combinó partes del antiguo logo, el círculo y la línea inferior, con su nuevo diseño de la W representando una placa de circuito electrónico, logrando así uno de sus mejores trabajos.
u Logo de la famosa cadena de televisión ABC creado en 1962. Para el logo de esta famosa compañía Rand utilizó círculos iguales en su estructura brindándole un ritmo natural junto a una excelente combinación de formas.
u Etiqueta para el whiskey Schenley en 1942. Para esta presentación del whiskey, utilizó un collage de elementos, entre ellos recortes de papel con diseño antiguo con diferentes tipografías para darle un toque moderno sin perder clase y renombre.
- Paul Rand
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- Paul Rand
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t Logotipo de la compañía NeXT (1986). En los años que Steve Jobs duró por fuera de la empresa Apple, se alío con Rand para que le diseñara el tan deseado logo, Jobs afirmó que estaba más que complacido con el trabajo de Rand.
t Logotipo creado para la empresa de encomiendas UPS. Conservando el escudo del logo anterior por demostrar seguridad, añadió la caja de regalo de la parte superior y mejoró la marcación. Tan solo tuvo una semana para la realización y al final pidió la opinión de su amada hija de 8 años Catherine quien inocentemente le dio (según Rand) la mejor respuesta frente al logo.
t El Arte Gráfico de Paul Rand, poster de 1970. Basado en la carátula de su segundo libro infantil. Rand quiso proponer un apariencia casual y fresca para el anuncio de su exhibición.
t Poema del libro I know a lot of things publicado en 1956 (página final). Escrito e ilustrado por Paul Rand y su esposa Ann Rand, un libro lleno de colores y formas el cual les muestra a los niños todo lo que saben escrito en rima. El libro fue la primer incursión de ambos en el mundo de los libros para niños. Utiliza el icónico estilo de corte de papel gráfico de Rand.
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Tipos gráficos
u Portada del libro “American Son” hecha en 1954. Haciendo uso de su famosa tipografía minimalista, logra un estilo rígido pero amable en conjunto a los recortes de papel, un trabajo hecho para Alfred A. Knopf.
u Imagen sacada de la página oficial sobre Rand: paul-rand.com. Portada de la revista Direction para la navidad de 1940, donde Rand sustituyó la cinta de regalo por un alambre de púas el cual representa la opresión y los puntos la sangre derramada.
u Anuncios para el Foro de arquitectura (1945). Diseñadas con una tipografía hecha por Rand, se caracteriza por su esquema y concepto; la caja representa la arquitectura en conjunto con la revista y cada animal simboliza el aspecto del contenido editorial.
- Paul Rand
Tipos gráficos - Paul Rand
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t Portada del reporte anual de la Westinghouse en 1970. Usando una de sus famosas técnicas con recortes de papel le da su toque representativo de modernidad sin perder la seriedad.
t Mr. Disney men’s hat 1947-9. Para este tipo de publicidad, quiso representar la forma idealista de los modelos sonrientes. Para esta línea de diseños se centró en tres elementos: la mascota (el personaje) el sombrero y los cuadrados, aludiendo a la modernidad en todo su esplendor.
t Anuncio para una firma de productos farmacéuticos, 1947. Rand desarrolló este volante con el propósito de mostrar los productos amigables al usuario; sonrientes como sus clientes.
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Tipos gráficos - Paul Renner
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“La Nueva Tipografía no empieza en una forma, en primer lugar debe reflexionar sobre la función.”
Paul Renner Diseñador tipográfico de origen Alemán, del siglo XIX, aunque con una menera de pensar muy adelantada para su época. Escribió numerosas obras, no solo con respecto al diseño, sino tratando temas culturales que tenían incidencia en la disciplina. Posee gran reconocimiento por su trabajo de toda una vida en la tipografía; un trabajo arduo, en términos de que es considerado un puente entre lo tradicional del siglo XIX y lo moderno que se dio en el siglo XX.
t Ejemplo de uso de la tiografía futura (1928). Una de las tipografías de más éxito en la era de la Bauhaus, funcional, sencilla y atractiva, logra captar el espíritu de la época, en este caso, del paso a lo moderno.
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Tipos gráficos - Paul Renner
Biografía
p Paul Friedrich August Renner. Uno de los diseñadores de tipografía más destacados de la historia.
Nace en Wernigerode, un pueblo en el distrito de Harz, Saxony Anhalt, Alemania, el 9 de agosto de 1878, Estudió pintura y arquitectura en Berlín, Múnich y Karlsruhe, para trabajar como pintor en la misma Múnich. De ahí en más se desempeñó en cargos algo más administrativos, como fundando el colegio privado de ilustración en Múnich, en 1911. Además, de 1925 a 1926, trabajó como director del departamento de tipografía y arte comercial de la Frankfurt Kunstskule. En 1933, representa al Reich alemán, diseñando la sección alemana en la Triennale de Milán, recibiendo así el premio del mismo nombre. Desafortunadamente, debido a sus opiniones personales y su desacuerdo con el Reich, en el año de 1932, intentó publicar un libro titulado Kultur-bolschewismus? (¿Bolchevismo cultural?), en el que exponía una crítica a la ideología nazi. Poco después, al ascender el partido nazi al poder, fue arrestado y despedido de su puesto. Renner era un tipo peculiar, esto debido a que si bien no era del todo “liberal”: No era muy amigo del arte abstracto y no le gustaban muchas de las formas de la cultura moderna, como el jazz, el cine y la danza. Pero asimismo, admiraba la iniciativa funcionalista en el modernismo. Por lo tanto, Renner actúa como un puente entre lo tradicional y la modernidad del siglo 20. Creó un nuevo conjunto de pautas para el diseño de libros e inventó la famosa Futura, un tipo de letra sans-serif geométrica utilizada por muchos tipógrafos lo largo del siglo 20 hasta hoy en día. Renner fallece a la edad de 78 años, en Überlingen, el 25 de abril 1956, marcando un hito indeleble en la historia de la tipografía moderna.
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Contexto Sin lugar a dudas, Paul Renner nació y creció en un ambiente que cada vez se inundaba más de influencias y cambios en la manera de concebir e mundo, y en la manera en que la imagen, el color y la forma podían ser concebidas. El modernismo creció con Renner y cada vez se conocían mejor uno al otro. A pesar de que compartía puntos de visa con la Bauhaus nunca estuvo relacionado con la escuela como tal, y pronto, en los años 20, defendía sus posturas en cuanto a cómo debía la nueva tipografía cambiar con respecto al cambio social. Sin embargo, el auge del partido nacional socialista, justo en la época en la que Renner trabajaba formalmente no llegó sin dejar huella a su paso. La censura y la intolerancia eran pan de cada día en ese entonces, hablando de la Alemania de 1913, sin llegar aún a 1919, donde de verdad empezó el declive. Eso le costó al diseño, el cierre de la misma Bauhaus, en el año de 1933. Todo esto sucedía mientras Renner aún ejercía su trabajo como diseñador. A pesar de la adversidad de la época, la justa causa de dar una imagen, de captar el espíritu de la época, fue lograda satisfactoriamente, y ha sido recíproco con creces.
Edificio de la Bauhaus en Dessau. A pesar de que posiblemente Renner nunca aspirase a estar en la escuela, sus numerosas convergencias eran evidentes, al menos en el ámbito ideológico.
El partido Nazi, más fuete que nunca. Y fue uno de los mayores obstáculos en la vida de Paul Renner, y sin embargo, una gran motivación, una llegada al cambio.
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Tipos gráficos - Paul Renner
u Futura. Diseñada sobre el triángulo, el cuadrado y el círculo, la fuente Futura fue muy popular y muy icónica en el contexto modernista dle siglo XX.
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t Izquierda: Renner Antiqua (1939). Esta fuente se destaca por ser diferente a los otros diseños de Renner. Sus formas compactas muestran un marcado contraste.
t Derecha: Plack (1930). Así como Futura, Plak es un diseño sans serif. Sin embargo, sus cualidades especiales constan en su peso mayor, y su poco geométrica “a” minúscula.
t Architype Renner (1997). Es una reproduccón experimental de algunos caracteres que en un principio iban a hacer parte de futura. Se dibujaron caracteres alternativos para la a, la g y la r minúsculas.
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Tipos gráficos - Paul Renner
u Portada del libro: Orden y armonía de los colores (1947). Uno de los últimos libros que escrbió en una etapa más madura de su carrera, retomando temas básicos como el color.
u Portada del libro: Tipografía como arte (1922). Se puede apreciar la letra hecha a mano en una versión manuscrita del libro, editado hasta 1922.
u Portada del libro: ¿Bolchevismo Cultural? (1932). Este es el, tal vez, infame libro que le costó a Renner un encuentro con el Reich.
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t Futura como inspiración moderna. Es en estos casos cuando se identifica la versatilidadde una tipografía como esta. Y más allá de esto, del impacto que tiene y tuvo en el diseño después de Renner.
t Un legado indeleble. Futura deja ver en este caso que su pregnancia visual y mental son difíciles de igualar, su uso tan extendido se veía venir, y el mundo moderno aceptó de buen grado el regalo de Renner al diseño.
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Aleksandr Ródchenko 129
“No soy un artista, soy un ingeniero visual” Aleksandr Ródchenko Uno de los más notables artistas rusos. Máximo exponente del movimiento constructivista ruso, tanto su vida como su trabajo están íntimamente comprometidos con los ideales revolucionarios soviéticos resultando determinante para el ámbito artístico de su patria en ese periodo histórico. Reconocido además por ser un artista versátil, polifacético y prolífico, con innumerables trabajos en pintura, dibujo, fotografía, diseño gráfico y escultura. Consagrándose como un hito para el diseño. t “Libros” de 1925. Uno de los carteles mas celebres de Ródchenko realizado para la sección de Leningrado de la Gosizdat (editorial literaria estatal). Ródchenko en el ámbito de diseño es famoso por sus carteles, llegando a ser considerado un referente indiscutible para el diseño gráfico.
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Aleksandr Ródchenko
Biografía
p Retrato de Ródchenko tomado por si mismo. Él en concordancia con el movimiento constructivista, rechazaba la concepción existente del arte, como elemento decorativo inútil, buscando incluso destruirlo para crear uno nuevo menos elitista y enfocado a la experimentación.
Aleksandr Mijáilovich Ródchenko nació el 5 de Diciembre de 1891 en San Petersburgo, en el seno de una familia obrera, Ródchenko se mudaría con su familia a Kázan, 1909, al año siguiente iniciaría su formación artística en la Escuela de Arte de Kázan y en 1914 continuaría sus estudios en el Instituto Stroganov en Moscú donde se iniciaría en el dibujo abstracto. Llegada la revolución bolchevique en 1917, Ródchenko al igual que otros artistas de la Avant-Garde, se puso de parte de la causa revolucionaria, fue nombrado director del Departamento de Museos en 1920, y realizo una importante reorganización de las escuelas de arte y museos, también fue secretario de la Unión de Artistas de Moscú y profesor de Escuela de Estudios Superiores de Arte entre los años 1920 y 1930. Inicialmente su trabajo estaba centrado en la pintura abstracta, paulatinamente iría dejando la pintura para centrar su trabajo en el diseño de carteles, portadas de libros y pósters de películas. En el año 1921 fundaría con otros artistas el productivismo, movimiento que buscaría un una incorporación del arte a la vida cotidiana, con una función práctica y útil socialmente. En 1923 iniciaría sus primeros acercamientos a la fotografía, primero usando fotografías de otros como sustituto de la pintura en sus carteles, y más tarde tomando sus propias fotografías. Falleció en Moscú el 3 de Diciembre de 1956.
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Aleksandr Ródchenko
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Contexto Con el estallido de la revolución rusa de 1917, pasaría de un país rural extremadamente atrasado, a ser una potencia industrial con una visión de llevar el pueblo al poder. Con esa idea surge una serie de vanguardias que buscaron ser un símbolo de la modernidad de los años 20`s , en un principio predominaba el futurismo y su culto a la máquina, que se ajustaba con los ideales comunistas. Surgirían propuestas artísticas cada vez más novedosas en toda Europa de la post guerra, en una búsqueda de la forma geométrica y la abstracción, elementos que serían incorporados al arte ruso ,surgiendo el suprematismo. Instaurada la unión de repúblicas socialistas soviéticas y su régimen se suprimirían casi todas las formas de arte independiente prevaleciendo únicamente el que se adaptase al nuevo orden, Surgiría el constructivismo que buscaba formar con el arte una nueva sociedad, dando los primeros pasos a el diseño y la propaganda política, dicho movimiento hacia uso de las formas y motivos geométricos, pero además buscando ser comprensible por el sector popular con cierto énfasis al material y la técnica, con una lógica formal y estudios sistemáticos del oficio, sentando las bases para escuelas como la Bauhaus en Alemania. Sin embargo el gobierno tomaría cada vez más control de la producción artística, calificando al arte abstracto como “arte burgués” al ser incomprensible para el pueblo, y regularizo un estilo más realista y censurándose cualquier producto artístico que considerasen inapropiado, esta situación llevo a un declive de las vanguardias artísticas rusas hasta prácticamente su desaparición.
t Lenin dando un discurso a las masas. Vladimir Ilich Uliánov, mas conocido como Lenin subió al poder en 1922 trayendo una serie de enormes cambios a todos los ámbitos de la Rusia zarista.
t Industria automotriz rusa. A principios de la revolución, Rusia experimento un gran crecimiento industrial, entre los que destacan en sector automotriz y el de la aviación.
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u Cartel publicitario para la compañía de chupetes Rezinotrets de 1923. El uso de las formas geométricas en sus composiciones, tales como triángulos, círculos, cuadrados y lineas rectas, ademas del uso de colores planos como el rojo, el verde y el negro son elementos comunes en sus carteles.
Aleksandr Ródchenko
Tipos gráficos -
Aleksandr Ródchenko
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t Serie de carteles hechos por Ródchenko para la compañía estatal de aviación rusa Dobrolet en 1923. Con formas sintetizadas reconocibles y consistencia estética seria uno de los primeros acercamientos al concepto de imagen corporativa.
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u Cartel hecho para Trade Union de 1925. Ródchenko uso frecuentemente la imagen fotográfica en la composición de sus carteles, representando personas del común reforzando los ideales populistas del régimen comunista.
u Cartel promocional para Mosselprom de 1923. Edificio emblemático del movimiento constructivista que fue construido desde el año 1912 hasta 1925, Ródchenko ademas participo en el proyecto pintando una serie de murales decorativos en su superficie.
u Cartel publicitario para la película “Acorazado Potemkin” de 1925 dirigida por Sergei Eisenstein, considerada la película propagandista mas influyente de todos los tiempos por su mensaje pro revolucionario.
Aleksandr Ródchenko
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Aleksandr Ródchenko
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t Construcción espacial No. 12 de la serie construcciones espaciales de 1920. La linea, el plano, el espacio y la luz son los protagonistas de la obra escultórica de Ródchenko y su experimentación quitándole a la escultura su naturaleza estática dotándola de trayectoria, dirección y movimiento.
t “Escalera de incendios” de la serie “Gears” de 1929. Otro campo en el que resalto notablemente Ródchenko fue en la fotografía, recurría frecuentemente a planos y ángulos inusuales, jugando con el punto de vista del espectador, en sus fotografías también era recurrente el uso de composiciones de linea por lo que es usual la presencia de rejas, escaleras, cableados y maquinarias, aunque también es resaltable el componente humano en sus tomas.
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Paula Scher 137
“Mi trabajo es jugar.”
Paula Scher El trabajo de Paula Scher como diseñadora gráfica, especialmente en el ámbito tipográfico ha sido un péndulo entre dos categorías que ella ha adaptado a la lógica de su trabajo; lo “serio y lo solemne”. En sus composiciones abundan los tipos y se logran integrar de manera correcta a el espacio de trabajo, haciendo una sola pieza comunicativa llamativa e innovadora. En su obra se ve la influencia de distintos movimientos como el Art Deco, El constructivismo ruso, El Plakastil y un profundo interés por la gráfica urbana.
t “Mi trabajo es jugar”. Frase tomada de la conferencia “Paula Scher gets serious” realizada en www.TED.com ; En esta ella aclara las dos categorias en las que la lógica de su trabajo se basa lo serio y lo solemne”.
t Cartel para el musical “Bring In ‘Da Noise, Bring In’Da Funk, posters for the orginal off-broadway production” en el New York Shakespeare Festival in Central Park. 1994.
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- Paula Scher
Biografía
p Paula Scher. 67 Años. Diseñadora Grafica
Paula Scher nació el 6 de octubre de 1948 en Washington D.C Estados Unidos. Es una diseñadora gráfica que ha logrado involucrar su trabajo en lo vernáculo estadounidense. Realizo sus estudios en Tyler School of Art, Elkins Park, Pennsylvania y obtuvo un Doctorado Honoris Causa en Bellas Artes de la Facultad Corcoran de Arte y Diseño. En 1972, fue contratada por CBS Records al departamento de publicidad y promociones. Después de dos años, dejó CBS Records para perseguir un esfuerzo más creativo en una de las competencia del lugar donde trabajaba, Atlantic Records, allí se convirtió en la directora de arte, diseñando su primer portada (cobertura) de disco. Un año más tarde Scher regresó a CBS como directora de arte para el departamento de cubierta. Ha sido directora desde 1991 en la oficina de New York de la distinguida consultoría internacional de diseño Pentagram. A mediados de los 90’s su muy conocida identidad para The Public Theater fundió lo alto y lo bajo en una simbología totalmente nueva para instituciones culturales, y sus recientes colaboraciones arquitectónicas han vuelto a imaginar el paisaje urbano como un entorno dinámico del diseño gráfico dimensional. Sus identidades gráficas para Citibank y Tiffany & Co. se han convertido en casos de estudio para la generación de marcas estadounidenses. En 1998 fue incluida en el Hall de la Fama del Art Directors Club, y en 2000 recibió el prestigioso premio Chrysler por innovación en diseño. Ha sido miembro de la junta nacional del Instituto Estadounidense de Artes Gráficas (AIGA) y fue presidenta de su capítulo neoyorquino de 1998 a 2000. En 2001 recibió el más alto honor de su profesión: la medalla AIGA en reconocimiento a sus destacados logros y contribuciones en ese campo. En 2006 le fue concedida la medalla del Type Directors Club. Es miembro de Alliance Graphique Internationale.
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- Paula Scher
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Contexto Los años 60’s y 70’s Fueron décadas que influenciaron el trabajo y el pensamiento de Paula Scher como tipógrafa mientras realizaba sus estudios universitarios. Durante estos años, la guerra de Vietnam estaba vigente, los cambios en ámbitos políticos y en especial los culturales abundaron. En la música, se generó la evolución de géneros como la electrónica dando paso a sub géneros como el funk. Con la música, el diseño gráfico se empezó a conceptualizar y la importancia de cada portada de discos y afiches se elevó. El sueño de muchos diseñadores entre ellos Scher, era el de trabajar en “Pushpin Studios”, el lugar donde se realizaba el mejor diseño gráfico e ilustraciones; fundada por Seymour Chwast, Milton Glaser, and Edward Sorel quienes eran el ejemplo a seguir de muchos. En el mundo tipográfico, la fuerza de la fuente tipográfica suiza “Helvética” pisaba con fuerza. Grandes empresas y diseñadores la usaban en sus imágenes por lo neutra y bien diseñada que era. Para Scher, el hecho de que multinacionales que, de alguna manera aportaban a la guerra que se desarrollaba en Vietnam usaran esta fuente, formo en ella una posición moral frente a la tipografía, tanto como para no usar esta fuente en ningún trabajo.
t Cartel diseñado por Seymour Chwasten “Puspin Studios” como critica a la guerra de Vietnam.
t Cartel diseñado por Milton Glaser para Bob Dylan con el objetivo de mostrar la psicodelia de los años 60’s
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u Uno de tantos Carteles del musical Bring In ‘Da Noise, Bring In’Da Funk, posters for the orginal off-broadway production. en el New York Shakespeare Festival in Central Park. 1994.
- Paula Scher
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- Paula Scher
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t Otro cartel del musical Bring In ‘Da Noise, Bring In’Da Funk, posters for the orginal off-broadway production donde se puede ver el interes por la grafica urbana.
t Cartel para el “public theater” con influencias de el estilo de cartel constructivista lengiz creado por Alexander Rodchenko.
t Cartel para un “Public Theater” posterior, donde se genera un cambio total debido a que el estilo innovador de antes empezó a ser copiado por otros diseñadores.
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u MAPS. Es un libro donde se muestran mapas de continentes, ciudades, islas, construidos a partir de tipografía hecha manualmente con pincel. En estos mapas se presenta información parcialmente sesgada como crítica y comparación con los noticieros. Presenta 39 pinturas, dibujos,
u Primer boceto del logo de Citi Bank dibujado sobre una servilleta durante la primer reunión con los clientes.
u Logotipo de City Bank terminado.
- Paula Scher
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- Paula Scher
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t Centro artístico de Nueva Jersey. Intervención tipográfica que demuestra como se pueden integrar los tipos a una estructura arquitectónica . Año 2000.
t Sus colaboraciones arquitectónicas recientes han reinventado el paisaje urbano como un entorno dinámico de diseño gráfico tridimensional. La arquitectura y el diseño coinciden en muchos aspectos.
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Álvaro Sotillo 145
“No hay idea de diseño sin idea de producción.”
Álvaro Sotillo Álvaro Sotillo es un referente gráfico y editorial. Se caracteriza por la gran ejecución de su interpretación de la tipografía como elemento compositivo, que comunica el carácter de la información y embellece la pieza. Además, su particular percepción respecto a la disposición de los elementos y el espacio, aporta en gran medida al valor práctico y funcional del producto. La constante exploración y el desarrollo de un discurso visual le han otorgado un lugar privilegiado en el ámbito local, sustentado en el desarrollo de investigación, producción intelectual y actividad académica, potenciadas por la creación de instituciones.
t Ictiología Marina,1980. Es quizás el trabajo editorial más representativo de Álvaro Sotillo, por la rigurosidad en cuanto al manejo de la gráfica en composición con la tipografía. Diseñado para la investigación de Fernando Cervigón, este libro le significó a Sotillo un premio de Honor en la Exposición Internacional del arte del Libro de 1982, en Leipzig, Alemania.
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- Álvaro Sotillo
Biografía
p Álvaro Sotillo. Nació en Caracas, Venezuela el 13 de Noviembre de 1946, es reconocido a nivel internacional en el campo del diseño gráfico y editorial.
Álvaro Sotillo nació en Caracas, Venezuela en 1946. Realizó sus primeros ejercicios en el diseño editorial en la revista El Farol. Por otra parte, exploró en el campo de la tipografía, trabajo consolidado en Confrontación 70, su primera exposición individual. Posteriormente se enfocó en el diseño de catálogos y estampas (impresiones litográficas y xilográficas sobre papel) para el Museo de Bellas Artes de Caracas. Su trabajo institucional inicia cuando le es asignado junto a Gerd Leufert y Nedo M.F., la realización de estampillas para el Instituto Postal Telegráfico, en aras de crear una estética postal venezolana en 1978. En el campo editorial ha sido reconocido con múltiples galardones, sin embargo, los de mayor trascendencia son las tres Letras de Oro obtenidas en 1985 por La Emblemática de Gerd Leufert (en conjunto con Leufert), en 1999 por el Diccionario de Historia de Venezuela, y en 2008 por Geohistoria de la Sensibilidad en Venezuela, en el marco del concurso Los Libros más bellos del mundo en Leipzig, Alemania. Sotillo ha realizado además, importantes trabajos en el campo del diseño de identidad visual para diversas instituciones locales como la Galería de Arte Nacional o la Fundación Alfredo Armas Alfonzo. Es característico en el trabajo corporativo de Sotillo, la integración de elementos tipográficos dentro de la composición de un identificador. El papel de Sotillo en la creación de entidades como el Laboratorio de Tipografía de Caracas o como co-fundador de la Escuela de Comunicación Visual ProDiseño, lo han acercado a la actividad docente, académica e investigativa.
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- Álvaro Sotillo
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Contexto La aparición del Diseño Gráfico en Venezuela se dio en la década de 1950 aproximadamente, como consecuencia de la migración de artistas y diseñadores europeos debido a la reestructuración socioeconómica y geopolítica del viejo continente. Interesados en seguir ejerciendo su disciplina, estos recurren a la docencia, lo que genera un nuevo enfoque en la enseñanza de las artes plásticas y la creación de facultades o instituciones de diseño. Diseñadores como Gerd Leufert de origen lituano y el italiano Nedo M.F. (Nedo Mion Ferraro) intervinieron en la imprenta y el diseño corporativo, generando así un espacio propicio para la profesionalización de la disciplina en el contexto venezolano, generando además una cultura gráfica y visual. Incursionaron además en la creación de revistas y catálogos dedicados al diseño y a las artes plásticas, e intervinieron en las ya existentes, como en la revista El Farol, orientando el diseño y producción editorial hacia nuevos contenidos e ideas estéticas. Álvaro Sotillo, interesado por las artes visuales, ingresó a la Escuela de Artes Plásticas Cristóbal Rojas a los 20 años. Sus docentes más destacados eran Leufert y Nedo, que posteriormente le educaron también en el Instituto Neumann. Con estos referentes, es posible entender por qué (además de la sensibilidad, la pasión y las aptitudes) Sotillo se inclinó por el diseño editorial y la tipografía.
t Gerd Leufert. Diseñador, pintor y fotógrafo de orígen lituano, nacido en 1914. Estudió Diseño y Artes Plásticas en diferentes instituciones de Alemania. En 1952 emigró a Venezuela, donde desarrolló diseño editorial y bidimensional y ejerció la fotografía y la docencia. Falleció en 1998 en Caracas.
t Nedo M.F.. Diseñador italiano nacido en 1926 como Nedo Mion Ferrario. Emigró a Venezuela en 1950; inició en la ilustración y el diseño editorial, y con el tiempo desarrolló una extensa labor investigativa y creativa en el ámbito de la tipografía. Falleció en Caracas en 2001.
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u Diccionario de Historia de Venezuela, 1997. La segunda edición de este compendio de la historia Venezolana está caracterizada por un especial tratamiento del kerning en las familias tipográficas empleadas. Esta edición obtuvo una Letra de Oro en el marco del concurso Los Libros más Bellos del Mundo, en Leipzig, Alemania en 1998.
u Doble página de la segunda edición del Diccionario de Historia de Venezuela. En esta edición, la caja tipográfica esta divida en dos columnas.
- Álvaro Sotillo
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- Álvaro Sotillo
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t La emblemática de Gerd Leufert, 1984. Publicación diseñada por Álvaro Sotillo y Gerd Leufert. Es una compilación de las imágenes más significativas realizadas por Leufert entre 1933 y 1984. Esta publicación significó la primera Letra de Oro para Sotillo en el concurso Los Libros más Bellos del Mundo en Leipzig, Alemania en 1985.
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Tipos gráficos - Álvaro Sotillo
u Cartel ProDiseño, 1993. Cartel realizado por Sotillo para la conmemoración del IV aniversario de la Escuela de Comunicación Visual ProDiseño, de la que es co-fundador y ejerció como docente.
u Cartel UCAB, 2006. Cartel realizado por Sotillo para conmemorar cincuenta años de la escuela de letras de la Universidad Católica Andrés Bello de Caracas, Venezuela.
u Letromaquia, 1975. Este es sin duda el cartel más reconocido de Sotillo. Fue elaborado como pieza promocional para la exposición Letromaquia de Nedo M.F.
Tipos gráficos - Álvaro Sotillo
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t Logotipo GAN, 1997. Logotipo realizado por Sotillo para la Galería de Arte Nacional de Venezuela.
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- Erik Spiekermann
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“El Mac nos ha permitido bajar al
tipo de su pedestal; nunca más habrá un tipo sagrado; podemos manipularlo, de la manera que deseemos”
Erik Spiekermann Siempre interesado por todo lo que tuviera relación con el medio impreso; a los doce años, en el sótano de su casa, ya hacía sus primeros experimentos tipográficos. Más tarde estudió Historia del Arte en la Universidad de Berlín. En 1973 se trasladó a Inglaterra movido, tal vez, porque siempre ha considerado que Londres es la «capital gráfica del mundo»; Ya en su adultes este amante de las tipografias realiza entrevistas y escribe artículos para revistas como Baseline, Emigré o Eye, cargados de sentido crítico, reflexión teórica y profundo conocimiento, como tipografo, maestro
t FontShop, Empresa fundada por Spiekermann en Berlín a finales de los ochenta para la distribución de tipos digitales. Cofundador de la compañía tipográfica Filmcomposition. Redibujo de la tipografía LoType, que había sido creada por Louis Oppenheim.
154 Tipos gráficos - Erik Spiekermann
Biografía
p Vive y trabaja en Berlín, Londres y San Francisco, diseñando publicaciones (como la revista The Economist), sistemas complejos de diseño (como el diseño corporativo de Bosch y DB, German Railways) y más tipografías. Su nueva firma de diseño se llama UDN United Designers Network.
Spiekermann estudió Historia del Arte en Universidad Libre de Berlín. Entre 1972 y 1979, trabajó como diseñador gráfico independiente en Londres antes de retornar a Berlín y fundar MetaDesign con dos socios. Los clientes de la firma incluyen a Adobe Systems, Apple Computer, Audi, Hewlett Packard, IBM, y Nike, con oficinas en Berlín, San Francisco, y Zúrich. Es arquitecto de información, diseñador de fuentes tipográficas y autor de libros y artículos sobre tipografía. Algunos de sus diseños tipográficos son: FF Meta, ITC Officina, FF Info, FF Unit, Nokia Sans, Bosch Sans entre otras. En 1979 funda MetaDesign, la firma de diseño más grande de Alemania, con oficinas en Berlín, Londres y San Francisco. En 1988 lanza FontShop, la primera fundición y distribuidora independiente de fuentes digitales. En julio del 2000, se retira de la administración de MetaDesign Berlin. Es profesor honorario de la Academia de Artes de Bremen (Academy of Arts in Bremen), vice-presidente del Consejo Alemán de Diseño (German Design Council), presidente de la Sociedad Internacional de Diseñadores Tipográficos (International Society of Typographic Designers) y miembro del directorio de Asociación Tipográfica Internacional (ATypI). Fue presidente del Instituto Internacional de Diseño de información (International Institute of Information Design). Spiekermann fue la elección unánime del jurado de 2011 para recibir el noveno Premio Tipografía SOTA debido a su trabajo excepcional y diverso dentro del diseño de tipos, por su trayectoria en la enseñanza, su profesionalidad como escritor reflexivo, su influencia en muchos diseñadores y su posición como un líder respetado del mundo tipográfica de la comunidad.
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- Erik Spiekermann
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Contexto Spiekermann desde su nacimiento hasta nuestros días, a raíz de la presentación biográfica no convencional trae trabajo altamente venerado del diseñador a un nivel agradable que está en sintonía con la personalidad del hombre a sí mismo. Aunque interrumpido intermitentemente con cuentas interesantes de su carrera de colegas, amigos y familiares, la trayectoria más bien lineal es totalmente complementaria para comprender la profundidad de influencia de Spiekermann, que permite al espectador moverse junto con el tema desde sus primeros años de composición a los 16 años de Fundación primera fuente minorista de internet en FontShop internacional, así como MetaDesign, red de diseñadores Unidos y más recientemente Edenspiekermann. Para profundizar más en la vida del diseño leyenda, Spiekermann habla sobre su interés en regresar a la tipografía analógica a través de su taller de tipografía privado P89a, su afinidad para bicicletas y lo que le gusta más para hacer en casa.
t Meta se ha convertido en un clásico moderno, usada en todo el mundo. aparte de ser una de sus primeras fuentes creadas es una de las mas usadas en el mundo
t Erik Spiekerman nos cuenta “En mi primeros bocetos para ITC Correspondencia (título provisional), que tenía un ojo puesto en letra gótica y la otra en mi tipo de letra oficina de correos (más tarde FF Meta; ed.)”
156 Tipos gráficos - Erik Spiekermann
u Erik Spiekermann. Es el epítome de un tipógrafo. Con sus tipos de letra, proyectos comerciales y empresas, ha dado forma al mundo del diseño gráfico como ningún otro. Este libro completo es el primero en mostrar su cuerpo de trabajo
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- Erik Spiekermann
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t Spiekermann en su juevntud Pocas personas dentro de la comunidad del diseño merecen tanto elogios como Erik Spiekermann -y aún menos tipógrafos en eso.
t Hasta el 06 de junio de 2011, el Bauhaus-Archiv presenta el trabajo de Erik Spiekermann
t Spiekerman nos enseña como sus hijos son mas que un motivo de inspiracion para el en la imagen vemos a erick spiekerman con sus hijos disfrutando de lo que llama el sus momentos de vagancia, que aun lo mantienen con vida
158 Tipos gráficos - Erik Spiekermann
u Bocetos en lapiz muy duro. como el mismo nos cuenta sus bocetos comienzan aqui despues de mirar por horas alguna fuente tipografica, boceta lo que esta en su mente de esa fuente, pero que ya no es la fuente en si misma
u Tipografias encontradas en el ibro hello i am erik Publicado por Gestalten y editado, escrito y diseñado por su viejo amigo y colega Johannes Erler, la de 320 páginas compendio fue producido en estrecha colaboración con Speikerman, por supuesto.
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- Erik Spiekermann
t Paginas de el libro hecho en su honor Para erik spiekerman el proceso es más interesante que envolver toda la historia de un proyecto en una sola imagen a menos que sea diseño de una sola personas como portadas de libros, carteles y portadas de discos. Es por eso que siempre he pensado que es injusto que los diseñadores llegan a ser más famosa, simplemente porque su trabajo se puede mostrar en una imagen
t Selfie hecha 3D vemos como apesar de el tiempo,se mantiene joven y a la par con la actualidad (A 3D selfie in front of the new typefaces we designed for @autodesk: @susannadulkinys @edenspiekermann)
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Alex Trochut 161
“Las formas de la tipografía son como la comunicación no verbal, casi tan importante como el mensaje mismo.”
Alex Trochut En múltiples ocasiones la tipografía es vista como un aspecto ornamental dentro de un diseño. Sin embargo, existen diseñadores que le otorgan el papel protagónico en sus piezas explotando al máximo su potencial, Alex Trochut es uno de ellos. La tipografía, su gran amor artístico, es el elemento más cercano a lo abstracto y a la gráfica en una creación visual, ya que la ilustración y la fotografía se remiten a lo figurativo. Sus creaciones intentan equilibrar abstracción y legibilidad, dependiendo de quién sea el cliente y del formato que esté aplicando.
t HYPER SPECTRUM Portada Edición “T” Revista Beautiful Decay En esta edición del 2007 se le rinde tributo a lo psicodélico con artistas como Jeremy Blake , David Shaw y Jacob Magraw. El diseño y diagramación de la portada estuvieron a cargo de Alex Trochut quien empleo una de sus impactantes tipografías derretidas.
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- Alex Trochut
Biografía
p Retrato por Carles Roig La fotografía hace parte del estudio realizado en el año2011 por el fotógrafo español para el libro “More is More”.
Alex Trochut nació en 1981 en Barcelona. Nieto del reconocido tipógrafo español Joan Trochut quien fue un pionero de la tipografía catalana de las primeras décadas del siglo XX, actualmente es conocido por sus trabajos como ilustrador, diseñador gráfico y tipógrafo. Cursó sus estudios de diseño gráfico en la escuela Elisava de Barcelona y una vez graduado se trasladó a la ciudad de Berlín (Alemania) donde inició su vida profesional en los estudios Moniteurs y Xplicit. Posteriormente regresó a su ciudad natal donde continúo realizando trabajos para diversas agencias y finalmente decido continuar su camino de manera independiente trabajando como freelance en el 2007. Tras la publicación de su libro “More is More” en 2011 (donde se recogen todos sus proyectos realizados desde 2007 hasta ese momento), Trochut se interesó en la dualidad que podría ser representada en una obra bidimensional en papel. Inventó y patento un proceso bautizado como “Binary Prints” (Impresiones Binarias) a través del cual dos imágenes completamente separadas pueden ser mostradas en una única superficie: una que aparece a la luz, y otra que sólo aparece en la oscuridad. Actualmente divide su tiempo entre Barcelona y la ciudad de Nueva York en Estados Unidos. Algunos de los reconocimientos de los que ha sido acreedor hasta el momento son: Excellence Certificate TDC (Nueva York, 2005), ADC Young Gun (2008), Graphis Poster Gold (2008), Laurs Or (2008), CQ Award (2009), D&AD Book Award (2009), Excellence Certificate TDC 56 (Nueva York, 2009), Illustrative Berlin Nomination Young Illustrators Award (Berlín, 2009) y Premio Gràffica (Barcelona, 2013).
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- Alex Trochut
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Contexto La historia se deja sentir, con sus múltiples manifestaciones artísticas, las imágenes y sus creadores, un puñado de artistas geniales que junto a la trasmisión popular y la imagen mediática han moldeado la Barcelona contemporánea, la Barcelona de Alex Trochut: su entorno de vida y de trabajo, el lugar donde nació, creció y se formó como diseñador, un escenario cultural de influencia máxima en su persona. En esta tradición histórica que pesa sobre los hombros españoles son ineludibles tres nombres: El primero no puede ser otro que Pablo Picasso, padre del cubismo pronto se convirtió en el pintor más reconocido del siglo con una obra que se situó fuera de categorías y tiempo. Esta trascendencia es alcanzada por pocos artistas, como Joan Miró (1893-1983)y Salvador Dalí (1904-1989), hombres que completan el podio catalán. El primero genera una nueva visión sobre el mundo que le rodea con sus geometrías y una paleta de colores básicos que han acabado constituyendo el corpus esencial de Barcelona, y el segundo, es un genio excéntrico precursor de la dimensión espectacular y mediática del arte. Los tres comparten la apuesta individualista por la propia trayectoria, que se aleja definitivamente de las corrientes dominantes; con todo, su aparición y constante experimentación muestran que la modernidad hizo posible una identidad artística múltiple y una simultaneidad de estilos, incluso en un mismo creador.
t De arriba a abajo: Pablo Picasso, Joan Miró y Salvador Dalí. Conocidos como los tres genios, se dedicaron principalmente a la pintura. Todos poseen papeles protagonicos en el nacimiento y desarrollo de las vanguardias, así como en el establecimiento de paradigmas en el arte de la modernidad.
t Alfabeto en Avant Garde Gothic (1979). Esta fuente tipográfica fue diseñada por Herb Lubalin (Nueva York 1918- 1981) otra de las importantes influencias que el mismo Trochut reconoce en su trabajo. Otras influencias son Milton Glaser (Nueva York 1929) y Victor Vasarely (Hungría 1906Francia 1997).
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u go for it Serie impresa If you could 2008. Alex Trochut diseño la pieza para el mes de Febrero de la serie en la que los artistas debían responder a la pregunta: Si pudieras hacer algo mañana, ¿qué sería? Las piezas salían a la venta el primer día de cada mes del año 2008 con un formato B2 (655 x 480 mm) a dos tintas (negro y rojo). En los trabajos de Trochut se aprecia una mezcla sorprendente entre fluidez y geometría.
- Alex Trochut
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- Alex Trochut
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t RAW. Agencia Herraiz Soto 2013. Letras capitulares y diseño de plantilla para Notegraphy.com.
t Celebrate Originality. Adidas 2010. Ilustración para una de las campañas de Adidas Originals empleada en diversas piezas publicitarias como carteles y vallas, así como en algunas prendas de vestir.
t Beercelona. Beer Company 2013. Diseño para la etiqueta de la cerveza artesanal catalana “Beercelona”. Proyectos como este demuestran la capacidad de Trochut de convertir una única palabra en algo singular e impactante.
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u Portada para la revista Creative Review 2011. El artículo principal de esta edición era “The Top 20 Logos of all time” y el más votado fue el logo de Franco Grignani para WoolMArk. El diseño de Trochut esta directamente inspirado en este y en el Op art.
u G 2013. Letra capitular diseñada para la exposición “Simple Tipográfica” realizada en la ciudad de Caracas, Venezuela. En esta pieza experimenta con el Op art y una de las letras que a su parecer brinda mayores oportunidades de experimentación, la g.
u Old is Cool Etapes 2009. Diseño de lettering para la primera edición en español de la revista Etapes.
u The best of 2013 Time Magazine. Diseño de lettering para la edición de Time Magazine que destaca lo mejor del año.
- Alex Trochut
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t Rolled Gold plus The Rolling Stones 2007. Diseño de lettering para la portada del CD Rolled Gold Plus para The Rolling Stones. En este proyecto Trochut experimenta con elementos como la textura y el relieve. Su lista de clientes incluye también a Katy Perry, Arctic Monkeys, Coca Cola, Pepsi, Nike, Adidas, The New York Times, Vanity Fair y Absolut.
t “Style Issue” Lettering. Revista Vanity Fair 2014. La edición especial contiene una lista de las personas mejor vestidas de 2014, por lo tanto un enfoque escrito a mano de lujo terminó siendo la solución perfecta para esta portada. El mismo enfoque es utilizado en los titulares internos.
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Jan Tschichold 169
“La escencia de la nueva tipografía es la claridad, no la belleza”
Jan Tschichold Escritor, diseñador editorial y tipógrafo. En su primera faceta, se le reconoce como el autor de la obra “Die neue Typographie” (La nueva tipografía), escrito que sentó las bases de la tipografía actual; al igual que el primer manual de estílo para una colección de libros Penguin composition rules, texto preliminar a su vinculación con el diseño editorial, etapa en la que se dedicó al rediseño de las portadas de Penguin Books. Finalmente, en su labor como tipógrafo, fue el encargado de crear la tipografía Sabon.
t Portada para Penguin Books. Entre 1947 y 1949. Colaboración que dió cabida entre Tschihold y la editorial mencionada, donde se desarrollaron más de 500 libros; maquetaciones y fuentes de estilo modernos y atemporales para dichos textos.
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- Jan Tschichold
Biografía
p Fotografía de Jan Tschichold. Se le considera como el único difusor de las corrientes de vanguardia cuyo mensaje podía ser entendido por los impresores y la gente de las artes gráficas. Sus ideas, que tuvieron difusión en Alemania, fueron objeto de fuertes polémicas.
Jan Tschichold nació en Leipzig-Alemania, el 2 de abril de 1902, y murió en Locarno-Suiza el 12 de agosto de 1974. A sus 19 años Tschichold inició sus estudios en la academia de artes gráficas de leipzig donde se encaminó al diseño de tipos, allí se interesó por la tipografía clásica, base de su primera etapa. Enre 1921 y 1925 dibujó numerosos carteles caligráficos que le otorgarón cierto reconocimiento, incluso fuera de Alemania. En los años posteriores comenzó a interesarse por la ruptura que representaban los movimientos de vanguardia, de la mano con sus composiciones asimétricas e inclinadas; ésta fascinación significó un giro radical en su concepción tipográfica. En 1928 diseñó y publicó: Die neue Typographie, la primera obra sobre los principios del diseño tipográfico. Éste trabajo fue el primero concebido para diseñadores tipográficos y recogía cuantas innovaciones estaba introduciendo el Movimiento Moderno en aquellos años. Dicho escrito fue la base en su aproximación con el diseño editorial británico vinculándolo con la editorial Penguin Books, donde desarrolló una práctica estandarizada creando maquetaciones y fuentes de estilo modernos y atemporales para los libros de ésta editorial, supervisando entre 1947 y 1949, el desarrollo de más de 500 libros. En 1960 una comisión de impresores alemanes, encargaron a Tschichold su último trabajo antes de morir, la creación de una tipografía que pudiera emplearse tanto para monotipia, linotipia y composición manual. El estilo de la tipografía debía estar próximo al Monotype Garamond pero debía ser más estrecha para poder ahorrar espacio. Con estas condiciones Tschichold elabora una tipografia serif, reconocida bajo el nombre de Sabon. .
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- Jan Tschichold
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Contexto La modernización conservadora del Imperio alemán durante la década de 1870 mantuvo el poder en manos de la aristocracia. De esto que en las escuelas de bellas artes, incluida la escuela de artes gráficas de Leipzig donde estudió Tschichold lo predominante era la arraigada enseñanza de lo clásico, con grandes influencias en el campo de lo tipográfico como Pierre-Simon Fournier y Rudolf Koch, quienes fueron diseñadores y conceptualizadores de la tipografía neoclásica en Europa. Para 1912 las ideas de izquierda en Alemania toman fuerza, dando un giro en los desarrollos políticos, sociales, educativos y artísticos en las dos primeras décadas del siglo XX, cuya especificidad está dada por las vanguardias artísticas de comienzo de siglo. La fundación de la Bauhaus se produjo entonces, en un momento de crisis del pensamiento moderno y la racionalidad técnica occidental en el conjunto de Europa y particularmente en Alemania; de ésta forma las vanguardias representan este auge de transformación en las tradiciones clásicas alemanas. Hacia 1923 el Suprematismo y el constructivismo consiguen un fuerte reconocimiento a lo largo de Europa, y se conoce la primera gran exposición de la Bauhaus en Weimar y el catálogo diseñado por Herbert Bayer.
t Manual Tipográfico. Entre 1764 y 1766. Obra de Pierre-Simon Fournier de dos volúmenes. Ambos volúmenes son una de las mayores fuentes de los procesos de elaboración de tipos en la era de la prensa, además de tener ejemplos de los tipos y ornamentaciones que Fournier utilizaba en su taller. Una de las principales referencías de la tipografía neoclásica.
t Cartel de la Bauhaus 1923. Primer cartel de éste movimiento vanguardista, en WeimarAlemania, catálogo que había diseñado Herbert Bayer. Donde se conciben las nuevas ideas de éste movimiento en una composición asimétrica e inclinada.
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u Libro Die Neue Typograph (Versión en inglés) 1928.Concebido para diseñadores tipográficos, artistas e impresores. Recogía todas las innovaciones que se estaban introduciendo del Movimiento Moderno en aquellos años.
- Jan Tschichold
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- Jan Tschichold
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t Artículo Elemantre Typographie 1923. Escrito para la revista Typographische mitteilungen. En él se explican una serie de principios sobre el uso de la tipografía y la composición editorial.
t Manual Typographische Gestaltung 1932. Es un escrito que hace referencia al diseño tipográfico modernista, en el que Tschichold transmite a sus lectores el valor y la importancia de la tipografía asimétrica en las comunicaciones visuales modernas.
t Manual: Penguin Composition Rules 1947 Son una serie de reglas que servían para que la comunicación entre el autor y el lector fueran más precisas ya que se detallaban los márgenes, títulos, adornos y símbolos que aparecían. en los libros.
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Tipos gráficos - Jan Tschichold
u Lomos de Penguin Books. Entre 1947 y 1949. Tschichold diseñó una plantilla para todo la editorial con posiciones definidas para el título y el nombre del autor con una línea entre los dos. Se unificó el diseño de la parte frontal, el lomo y el reverso.
u Portada PENGUIN BOOKS. Entre 1947 y 1949. Para estos libros no existía una única tipografía, dependiendo del contenido del libro se decidía el tipo de letra que iba a ser empleado, es por eso que se tenía que hacer un diseño particular para cada uno de los libros.
u Portada Penguin Books. Entre 1947 y 1949. Tschichold elaboró un conjunto de normas de composición, que iban ser seguidas por los tipógrafos e impresores de Penguin para asegurarse de que el mismo estilo fuese aplicado.
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Jan Tschichold
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t Bocetos de la tipografía Sabon 1960. Una comisión de impresores alemanes encargaron a Tschichold la creación de una tipografía que pudiera emplearse tanto para monotipia, linotipia y composición manual. El estilo de la tipografía debía estar próximo al Monotype Garamond pero debía ser más estrecha para ahorrar espacio.
t Tipografía Sabon 1960. Sabon ha sido utilizada con éxito en la aplicación tipográfica ya que su diseño se adapta perfectamente a una amplia variedad de requisitos de composición. El nombre de Sabon se debe a Jacques Sabon, un fundidor francés que trabajó en Fráncfort con matrices originales de Garamond.
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Jan Van Krimpen 177
“Todo lo que tiene importancia en tipografía es una sutileza.”
Jan Van Krimpen Durante la primera mitad del siglo XX el diseño tipográfico europeo se concentró en crear fuentes con un estilo clásico sumado a un aire contemporáneo. Dentro del grupo de diseñadores de la época, Jan Van Krimpen aparece como una persona que trabajó con la intención de mantener vivas las formas tradicionales de la tipografía añadiéndoles su toque refinado. Su interés por la caligrafía y la rotulación además de los reconocimientos por su bella letra manuscrita hicieron que pronto se ganára un lugar en la imprenta de Joh Enschedé, en donde trabajó la mayor parte de su vida.
t Spectrum (1952). Se ajusta de forma confortable, el contraste entre los trazos gruesos y delgados es notable y sus bellas capitales, especialmente en tamaños grandes, tienen mucho de la elegancia de sus diseños caligráficos
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Biografía
p Jan Van Krimpen en (1955).Una de las pocas fotografías que hay de Van Krimpen quien era conocido por ser una persona muy estricta y minuciosa en su trabajo.
Jan Van Krimpen nació el 12 de enero de 1892 en la ciudad de Gouda, Países Bajos. Su atracción por la poesía, lo llevó a interesarse por el diseño tipográfico y editorial. Realizó sus estudios superiores en la Academia de Arte de La Haya (KABK). Durante sus primeros años de profesión desarrolló una letra manuscrita resaltada por su belleza, producto del estudio de varios maestros de la caligrafía italiana. Empezó diseñando libros de poetas holandeses, amigos suyos, hasta que fué recomendado a Johannes Enschedé para que diseñara los tipos de una edición especial de sellos para festejar las bodas de plata de la reina Guillermina. Enschedé a gusto con el resultado le propone crear un tipo que será presentado en la feria de Diseño Industrial de 1925, bajo el nombre de Lutetia. Luego de Lutetia, Van Krimpen se vinculó totalmente a la Imprenta de Joh. Enschedé. En 1928 se dedicó a desarrollar su siguiente tipo romano al que denomina Romaneé. En 1931 realiza el tipo Romulus, cuya evolución desemboca en su gran obra maestra, a la que llamó Spectrum. Algo que se le criticó a Van Krimpen fue la poca concordancia entre los tipos romanos y sus itálicas. Van Krimpen murió en Haarlem el 20 de octubre de 1958.
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Contexto La Imprenta de Enschedé, el lugar que vio a Van Krimpen crecer como diseñador fue fundada en 1707 convertida en la más importante de los Países Bajos, imprimiendo billetes y sellos oficiales de la realeza. En esta imprenta también se fundieron tipos de otros diseñadores, como Pierre Didot y Joan Fleischman. Durante la Segunda Guerra Mundial, Los Países Bajos son invadidos por la ocupación alemana, pero esto no hace que Van Krimpen deje de trabajar, por el contrario sigue produciendo trabajos de calidad con textos prohibidos por las fuerzas de Hitler. Mientras iniciaba su carrera, en el resto de Europa el diseño tipográfico en general buscaba recuperar los trazos y formas de la tipografía clásica, claro ejemplo es el ingles Edward Johnston, cuyo libro Writing and Illuminating and Lettering, una de las obras sobre caligrafía antigua más completa de su época influenció a Van Krimpen para realizar muchos de sus diseños. Mas tarde con el nacimiento de la Bauhaus se sobrepuso el valor de la función de la tipografía, mas allá de la forma.
t Rotherdam (1940). Durante la Primera Guerra Mundial, Holanda permaneció neutral, pero en la Segunda Guerra, fue atacada e invadida por el ejercito alemán.
t Imprenta Royal Joh. Enschedé (1911). Una de las empresas más antiguas del país, ha pasado más de 300 años en poder de la familia real Enschedé. Comenzó como una simple imprenta de libros, para luego empezar a producir billetes de banco y sellos, logrando un reconocimiento internacional.
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u Dibujos originales de Romaneé (1928). Éste tipo surgió de la necesidad de crear una fuente que acompañara a la itálica de Kreine Text Nº 2 del diseñador Van Dijck. 20 años más tarde Van Krimpen diseño una itálica acorde a la Romaneé.
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t Muestra de diagramación y uso de capitales (1923).Un ejemplo de sus trabajos en publicaciones de poesía donde se aprecia su estilo para la disposición de los elementos en la página.
t Sellos postales (1920) Con este trabajo consiguió la amistad de Van Royen, quien luego sería crucial para su ingreso a la imprenta Enschedé.
tRomulus (1931) La ausencia de los rasgos caprichosos de Lutetia así como su tensión vertical lo convierten en un tipo de proporciones agradables y forma vigorosa que aún hoy presenta la misma frescura que el día de su aparición.
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u Lutetia (1925).El primer tipo de Van Krimpen el cual, lo catapultรณ hacia una posiciรณn firme en su carrera. En este primer trabajo dejรณ ver la claridad de sus formas y la calidad de su trabajo.
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t Capitales para Curwen Press (1929). Diseñadas especialmente para la publicación de Oliver Simon, años más tarde creó una cabecera par su publicación periódica Signature.
t Haarlemmer (1938) Diseñada especialmente para la impresión de biblias de Monotype, fue digitalizada en 1996 ampliando sus variaciones.
t Romulus specimen (1962) Libro realizado por Sern Harts a la manera de Van Krimpen e impreso por Enschedé para recopilar sus aportes al diseño tipográfico.
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Massimo Vignelli 185
“Si puedes diseñar una cosa, puedes diseñar cualquier cosa.”
Massimo Vignelli Vignelli, uno de los más importantes y reconocidos diseñadores del siglo xx e inicios del xxi; a los largo de su vida se desenvolvió en una amplia variedad de ámbitos diseñisticos, tales como el diseño gráfico, industrial, de interiores e incluso se desempeñó como arquitecto. Dejó un legado innegable y sumamente importante tanto para los diseñadores contemporáneos como para las futuras generaciones. Ethos de Vignelli, su vida profesional se desarrolló bajo este planteamiento que fue puesto de manera gráfica en una serie de posters que se mostraron en Nueva York en 1999 en una exhibición de “Type-Faces”
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Biografía Massimo Vignelli, Nació el 10 de Enero de 1931 en Milán, Italia y murió el 27 de mayo de 2014 en Nueva York, Estados Unidos. Fue un diseñador Italiano radicado en norte América; su Ethos era: “Si puedes diseñar algo, puedes diseñar cualquier cosa” Hecho que demostró en la amplia variedad de campos en los que se desempeñó a lo largo de su vida; tales como carteles, logos e imagen de marca, mapas, muebles e incluso habitaciones de edificios. Estudió en el Politecnico di Milano y en la Università di Architettura, Venecia; visitó Nueva York desde 1957 a 1960 y regresó a esta en 1966 para iniciar la sucursal de Unimark International; firma que rápidamente se convirtió en una de las más grandes del mundo en cuando a diseño y finalmente fue el Co-fundador de Vignelli Associates (1971) junto con su esposa Leela.
Vignelli, un apasionado diseñador que con el tiempo se convirtió en un hito de la disciplina.
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Contexto La mayoría del trabajo de Vignelli se llevó a cabo en los Estados Unidos (a pesar de que él era Italiano), siendo el mapa del metros de Nueva York uno de sus trabajos más paradigmaticos. Fue uno de los fundadores de “Unimark International” que aunque fue una compañía que duró poco tiempo logró posicionarse como una de las más importantes firmas de diseño en el mundo; en 1971 funda Vignelli Associates que incluso hoy en día está consolidada como una importantisima casa de diseño, que ademas posee aulas de clase y funciona como un centro de enseñanza al mismo tiempo. Vignelli fue un apasionado diseñador, cuyo trabajo estuvo tan dividido en muchas áreas que fue una prueba total de su Ethos, tanto así que incluso en sus últimos días se preocupaba por lo que sería del diseño en el futuro. En 2009 Vignelli lanza un E-Book gratuito de publicación gratuita titulado The Vignelli Canon en donde él, en la introducción menciona: “I thought that it might be useful to pass some of my professional knowledge around, with the hope of improving their [Young Designers] design skills.” Dando a entender su preocupación por el futuro de la disciplina que se encuentra en constante cambio y desarrollo; insistía en que la creatividad era de suma importancia, pero que sin conocimientos esta podría verse limitada y en ciertos casos incluso opacada.
The New York metro map fue uno de los trabajos más importantes en la vida de Vignelli, este mismo “diagrama” como el lo llamaba se convirtió en un ícono del diseño moderno al rededor del mundo, pues este mismo ilustraba el estilo propio de Vignelli basado principalmente en figuras geometricas.
The Vignelli Canon; en donde se encuentran las reflexiones hechas por el propio Vignelli en donde expresa sus deseos, conocimientos y preocupaciones en cuanto a la profesión que es el diseño.
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Bicentennial Poster U.S.A 1971. Este poster fue realizado por Vignelli en 1971 para la celebracíon de los 200 años de la independencia de los Estados Unidos; el poster representa la intereacción de las diferentes culturas habitantes en ese país a lo largo de los años.
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New York Metropolitan Transit Autority, Subway Sign System presentado en 1966 por Vignelli; este sería uno de sus trabajos más representativos como diseñador.
Póster para Knoll International realizado en 1966 con la intención de ilustrar la colección de muebles mostrados por la compañía.
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Logo de American an Airlines diseñado o 67; la por Vignelli en 1967; solución fue casi en n su totalidad tipografica, a, sin embargo se vio forzado zado a incluir el aguila porr petición de la compañía. pañía.
Programa diseñado por uno de los aprendices de Vignelli a manera de homenaje; En 2011 Vingelli recibe un premio por parte de la Liga de Arquitectura en r econocimiento a todos sus aportes a los largo de sus 30 años de carrera; este, consta de 5 variaciones de caratula; cada una con una frase de Vignelli escrita en Helvética Médium y con el característico rojo que usaba Vignelli
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Massimo Vignelli
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Logo para El Museo de Bellas Artes de Houston; este logo es utilizado de manera universal en el museo; documentos, invitaciones, identificación de edificios, recuerdos, parqueadero y restaurante. achuctame tius C. At ac .
In Memorian a Vignelli que se encuentra en la página oficial de Vignelli Associates.
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Fred Woodward 193
“Las personas hablan mucho de la tipografía, pero yo creo que es la combinación de la tipografía con la ilustración y la fotografía”
Fred Woodward Con sus contribuciones al diseño gráfico se hizo merecedor de la medalla de la AIGA, junto con sus continuas innovaciones presentes en sus 14 años como director de arte en la revista Rolling Stone, dieron una nueva imagen y llevaron a la revista a su próxima era. El leguaje que desarrolló en sus trabajos era expresivo y ecléctico; ubicando en un nuevo plano sus interpretaciones junto a la caracterización que brindo a sus diseños tipográficos, usando como base su estrecha relación con la fotografía.
t 1994 Portada para la revista Rolling Stone, Woodward no utilizaba el mismo tipo de letra en una sola portada. Es un homenaje a la forma en que podría cambiar el estilo y el diseño del tipo, pero conservando la esencia de la Rolling Stone.
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Biografía
p Fred Woodward, Diseñador gráfico, fotógrafo y director de arte. Nacimiento: 1953, Mississippi
Fred Woodward nació en 1953 en Noxapater, Mississippi, una pequeña comunidad agrícola. Aunque no tuvo modelos enfocados al diseño gráfico, eso no evito que en su adolescencia se viera cautivado por la tipografía y el diseño, a través de un amigo suyo que se encontraba estudiando arquitectura y al que él consideraba un diseñador gráfico frustrado. Al cabo de un tiempo, sus padres aceptaron o mejor dicho se resignaron a su inclinación artística, fue entonces cuando ingreso a la Universidad del estado de Mississippi, para luego enfocar su estudio del diseño en la Universidad del estado de Memphis. Allí conoció diferentes personas que compartían sus intereses, consiguió un trabajo en un estudio de diseño local y aprendió desde collage hasta algunos estándares de algunos líderes en el campo. Ronn Campisi y Greg Paul consiguieron influenciar a Woodward, siendo ellos a los que considera como quienes le mostraron las posibilidades del formato. En 1987 es nombrado director de arte en la revista Rolling Stone, que se había hecho de un renombre entre los fans de la música entre los 60’s y 70’s.Woodward se propuso dar una nueva imagen a la revista, fue cuando desarrollo un lenguaje visual en donde mezcla la fotografía y la tipografía, coordinándolas para que exploten su potencial de forma conjunta.
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Contexto Tras su ingreso a la Rolling Stone, la revista llevaba un impulso que consiguió a través de la música, con las épocas de desarrollo de artistas como John Lennon y Bob Dylan, para luego tomar un ritmo más suave y mantener su posición. La llegada de Woodward en 1987 dio a la revista un carácter diferente, con un nuevo lenguaje visual que desarrollo más expresivo y ecléctico. Como fanático de las tipografías que la Rolling Stone había presentado en el pasado, Woodward quiso desenterrarlas y traerlas de nuevo a la vida. Con la combinación de la fotografía y la tipografía él busco que sus publicaciones tuvieran una mayor expresividad, que las posiciones de las letras transmitieran al lector el tono emocional que llevaba la pieza. También trabajó con grandes diseñadores para crear nuevas tipografías y adaptar las antiguas, dotando de esta manera con más carácter sus trabajos. Resaltando la muerte de Kurt Cobain como uno de los momentos más destacados de su carrera, en el punto cumbre del grunge como lo fueron los 90’s, paso poco tiempo para que fuese reconocido el trabajo de Woodward, siendo añadido al salón de la fama de los directores de arte, en 1996 como su miembro más joven. En el 2001 finaliza su trabajo con la Rolling Stone y pasa a ser el director de diseño en la revista GQ, ahora buscando tomar un respiro, reinventarse y retarse en esta nueva publicación. En el 2004 recibe la prestigiosa Medalla de la AIGA a las Leyendas del Diseño.
t 2015 Oficinas de la revista Rolling Stone
t 1920 Diseñada por James Earle Fraser. La medalla de AIGA el más distinguido reconocimiento de sus logros excepcionales, servicios u otras contribuciones en el campo del diseño y la comunicación visual.
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u 1997 La X edición de archivos de la revista Rolling Stone. Woodward fue capaz de romper con el diseño de portada tradicional y de hacer una edición especial.
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t 1990 Director de arte, Fred Woodward. Rompía los textos de tal forma que el lector tenía que leerlo de una forma especifica.
t 1992 Big shot spread por Fred Woodward. Respuesta tipográfica a la fotografía, fusión de las mismas convirtiendo la llanta en una O.
t 1994 Diseñado por Fred Woodward. Spread para Rolling Stone articulo sobre David Letterman
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u 1996 Revista Rolling Stone, sobre Al Pacino. Fred Woodward
u 1991 Portada para la revista Rolling Stone, Diseñado por Fred Woodward Fotógrafo: Herb Ritts. Con Sinead O’Connor, está portada fue votada como uno de los “Grandes White Cubra” por la Society of Publication Designers
u 1996 Pagina para titulo, revista Rolling Stone. Articulo sobre Tom Wolfe, diseñado por Fred Woodward
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t 1997 Chris Rock, Diseñado por Fred Woodward. La tipografía llena la página dotando a la fotografía de una mayor expresividad y caracter.
t 2003 Spread para el articulo sobre Tobey Maguire “Spiderman”. revista GQ, mostrando de nuevo la capacidad de caracterización en sus trabajos
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Hermann Zapf 201
“Demasiada información incluida en una tipografía complicada puede resultar bonito, pero, para mí, eso no es tipografía, sólo diseño.”
Hermann Zapf Herman Zapf es sin lugar a dudas una de las figuras más importantes de la tipografía de la segunda mitad del siglo XX. Sus tipografías son de un marcado estilo clásico y están influidas notablemente por la caligrafía, siendo uno de los representantes más brillantes de la cultura tipográfica tradicional. Fue un prolífico diseñador de tipos para los diferentes sistemas de composición que se fueron sucediendo durante la segunda mitad del siglo. Dentro de su legado encontramos una amplia variedad de familias tipográficas, así como también varios libros relacionados con el tema.
t Cartel diseñado por Paige Firnberg a partir de la Optima, una fuente que se caracteriza por sus singulares pies abocinados. Sugiere un pie que realmente no existe, lo que hace difícil enmarcarla entre las con serif o entre la sin serif.
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Biografía
p Hermann Zapf, nace en Alemania el 8 de noviembre de 1918 y muere el 4 de junio de 2015. Entre su trabajo como tipógrafo se encuentran fuentes como: Aldus, Comenius, Euler, Hunt Roman, Marconi, Melior, Optima, Orion, Palatino, Zapf Book, Zapfino, entre otras.
Hermann Zapf fue un tipógrafo, calígrafo, diseñador y profesor (entre otras cosas) Alemán considerado uno de los máximos representantes de la cultura tipográfica del siglo XX y XXI. En 1934, Zapf comienza su formación en la imprenta “Karl Ulrich & Co”. Al año siguiente, en 1935, su interés se dirige a la Caligrafía cuando se topa con el trabajo tipográfico de Rudolf Koch. En 1938 comienza a trabajar en el taller de Paul Koch en Frankfurt relacionándose con el arte de la imprenta y el grabado de punzones junto a August Rosenberg. Al poco tiempo de terminar la II guerra mundial, pasa a ser nombrado director artístico de Stempel, una fundidora alemana de tipos. Hermann Zapf trabajó para fundiciones como Stempel, Linotype, ITC, Hell y Bitstream; En 1977 junto a Aaron Burns y Herb Lubalin, crea Design Processing International, Inc en Nueva York. Posteriormente, en 1986 cuando Lubalin muere, Zapf y Burns fundan “Zapf, Burns & Company” que funcionó hasta la muerte de Burns en 1992. Finalmente muere el 4 de junio de 2015 en Alemania en la ciudad de Darmstadt. Su legado incluye más de 200 familias tipográficas entre las cuales están la Optima, Zapfino y Palatino. Además de eso, también fue condecorado con múltiples premios dentro de los que se destaca la Orden del Mérito de la República Federal de Alemania por “contribuir de forma excepcional al desarrollo de la tipografía”.
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Contexto A mediados del siglo XX, las nuevas tecnologías cambiaban el mundo de la tipografía; desde 1950, las primeras máquinas de fotocomposición aparecen y posteriormente la fotocomponedora de tubo catódico, que permitía lograr altas velocidades, posibilita un mejor rendimiento en el trabajo de los tipógrafos de la época, entre ellos personajes destacados como Adrian Frutiger y el mismo Hermann Zapf. Gracias a esto, se comienzan a desarrollar tipos con familias muy extensas y muy versátiles: Helvética, Optima y Univers, son algunas de ellas. Un aspecto curioso en la vida de Hermann Zapf se da en la segunda guerra mundial cuando es reclutado el 1 de abril de 1939. Es enviado a reforzar una unidad en Francia. Allí, debido a la ardua labor, comienza a sufrir problemas cardiacos. En vista de esto, es enviado a hacer trabajo de oficina escribiendo registros y certificados. Conforme avanzaba la guerra, su unidad fue considerada para hacer parte de las Wehrmacht; sin embargo, debido a sus problemas del corazón y a su torpeza a la hora de presentar la prueba, es enviado nuevamente a hacer trabajos de escritorio, para luego ser trasladado nuevamente, esta vez a Jüterbog para entrenarse como cartógrafo. Terminada la guerra Zapf terminaría siendo director artístico de Stempel.
t Máquina de linotipia Nació en 1886 y pasó a la historia a mediados de la década de 1970.
t Una de las primeras máquinas de fotocomposición. Estas permitían una mayor nitidez y pureza a la hora de realizar la lectura del texto.
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u Palatino es una de las tipografías más importantes creadas por Zapf, sin embargo, su belleza y versatilidad han hecho que sea también una de las fuentes más copiadas. (autor del cartel desconocido)
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u Cartel diseñado por Lina Besedina a partir de la Optima es también una de las tipografías más detacadas de Zapf, por no decir que la más importante. Ésta se caracteríza, además de sus singulares pies, por su gran legibilidad y versatilidad.
u Cartel diseñado por Paige Firnberg a partir de la Zapfino, fuente caligráfica caracterizada por su belleza y carácter.
u Cartel diseñado a partir de la Zapfino (autor del cartel desconocido)
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u Trabajo caligráfico, tomado de un libro de caligrafía de Hermann Zapf.
u Logotipo de la compañía de cosméticos Estee Lauder utilizó la tipografía Optima creada por Zapf.
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u ITC Zapf Dingbats, diseñada en 1978 es uno de los tipos de letra dingbat más comunes que incluye símbolos, adornos y elementos tipográficos.