GlamourAffair Vision 2020_01.02 by Glamour Affair

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n.07

2020/01.02 READ ON

glamouraffair.vision RIVISTA BIMESTRALE DI FOTOGRAFIA, ARTE E DESIGN BIMONTHLY REVIEW OF PHOTOGRAPHY, ART AND DESIGN

Registrazione al Tribunale di Milano n° 27 del 14/02/2019 Registration at the Law Court of Milan n° 27 of 14/02/2019

Cover Credits © FILIPPO AVANDERO for Giovanni Gastel

Editorial Staff Direttore responsabile | Editor in Chief ALESSIO GILARDI Direttore artistico | Art Director FLAVIO TORRE - satisfystudio photo Direttore digitale | Digital Director STEFANO GILARDI

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GIOVANNI GASTEL interview GIADA VARRICCHIO painter LINK | Alberto Selvestrel project GRAEME JUKES collage DAN HECHO dance fine-art GREGORY FERRAND comics FLAT 2.0 | Line Design Studio interior RICCARDO TORRI fashion JULIEN PACAUD surrealism KASIA MATEJCZUK portfolio SINZIANA VELICESCU human landscapes ETNA | Matteo Stucchi Design furniture WHAT I HAVE SEEN SO FAR exhibition DESIGUAL the “Love different” Show #GADDICTED the Instagram selection ME WITH... workshop

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GIOVANNI GASTEL

All photos ÂŠ Giovanni Gastel | Backstage photos: Stefano Gilardi

interview

Un milanese, di quelli veri che ormai si stentano a trovare a Milano. Stile raffinato, eleganza ed ironia. Per alcuni è un poeta, per altri un maestro. Per altri ancora una suggestione che sarà a divenire… L’arte e la ricerca di Giovanni Gastel hanno fissato “su pellicola” alcune delle maggiori icone del nostro tempo, portando la sua opera al piano di ispirazione per le generazioni contemporanee e future di fotografi. Lo abbiamo incontrato nel suo studio di Milano per capire quale sia la matrice del suo stile unico ed inconfondibile, ripercorrendo alcuni dei momenti fondamentali della sua carriera. Era una giornata uggiosa, come se ne vedono spesso da queste parti. Forse a ricordarci che nel grigio di questa città, ogni giorno, dietro anonime porte e silenti cortili, il colore dell’arte ha ancora la forza di sopravvivere e generare immensa bellezza... Alessio Gilardi INTERVISTA DI VALENTINA CHERUBINI Valentina Cherubini: Maestro, inizierei con una domanda sulla fotografia, che è stata la protagonista indiscussa di tutta la sua vita. Qual è stato il primo incontro con quest’arte? Giovanni Gastel: L’ho incontrata come quasi tutti… Mi è stata regalata una macchina fotografica quando avevo 14/15 anni, una Nikkormat con un 50mm, ed ho iniziato a fotografare durante i viaggi. In realtà io avrei voluto fare il poeta e a 14 anni avevo già pubblicato un libro. Ma intorno ai 15/16 anni avevo una fidanzata, una compagna di scuola di nome Alexandra, che si rompeva terribilmente a stare in mezzo ai poeti e allora insistette tantissimo perché io facessi il fotografo. Però non è stato il mio primo amore… Così, quando alla fine del liceo mio padre mi ha cacciato di casa, ho aperto con un socio la mia prima “cantina” che si chiamava Alexandra Studio, dedicato alla mia fidanzata. Poi lei, che diceva di annoiarsi con poeti, mi lasciò per sposare un notaio! (ride) Successivamente trascorsi 5/6 anni di gavetta molto dura facendo di tutto, dai matrimoni alle cresime, perché mio padre mi aveva proprio cacciato “a calci in culo” di casa. Io sono Figlio di un incrocio strano: mio padre era della piccola borghesia, mia madre dell’alta aristocrazia, una Visconti di Modrone, sorella di Luchino (Luchino Visconti n.d.r.). Un grande conflitto di etica e di sistemi educativi: mio padre entrava in camera e diceva: “Fai ginnastica! Vai a scuola!”Poi arrivava mia madre, che non aveva mai visto una scuola in vita sua avendo studiato a casa, che diceva: “Ma tu vuoi andare a scuola? - No! - E allora non ci andare!” Infatti sono andato pochissimo a scuola. Poi ho iniziato a studiare come un pazzo come puoi notare! (Indica i libri nella sala). Però tutto questo ebbe i suoi lati negativi: a diciotto anni mi aspettavo un motorino e, invece, mia madre mi ha regalò una cassa con dentro tutti i libri di Flaubert in francese. Bellissimi, però anche un motorino mi avrebbe fatto piacere! (ride) Però ora diamoci del tu... Valentina Cherubini: Master, I would start with question about photography, which has been the undisputed protagonist of your whole life. What was your first encounter with this art? Giovanni Gastel: I met it like almost everyone ... I was given a camera when I was 14/15 years old, a Nikkormat with a 50mm lens, and I started photographing while traveling. Actually I wanted to be a poet and at 14 I had already published a book. But around 15/16 years old I had a girlfriend, a schoolmate named Alexandra, who couldn’t stand to be among the poets and then insisted a lot with me to become a photographer. But it was not my first love ... So, when at the end of high school my father kicked me out of my house, I opened with my partner my first “cellar” called Alexandra Studio, dedicated to my girlfriend. Then she, who said she was bored with poets, left me to marry a notary! (Laughs) Subsequently I spent 5/6 years of very hard apprenticeship doing everything from weddings to confirmations, because my father had really kicked me out of the house. I am the son of an odd crossroads: my father was of the petty bourgeoisie, my mother of the high aristocracy, a Visconti di Modrone, sister of Luchino (Luchino Visconti editor’s note). A great conflict of ethics and educational systems: my father came into the room and said: “Do gymnastics! Go to school! “Then came my mother, who had never seen a school in her life having studied at home, who said:” But you want to go to school? - No! - So don’t go there! ”In fact, I went very little to school. Then I started studying like crazy as you can see! (Points to the books in the room). But all this had its negative sides: at eighteen I expected a scooter and, instead, my mother gave me a box with all the Flaubert books in French. Beautiful, but even a scooter would have pleased me! (Laughs) VC: Ne approfitto per agganciarmi alla prossima domanda che riguarda la poesia, l’ironia e l’arte. Vorrei sapere da te cosa sono singolarmente queste tre parole. GG: Non me le ricordo già più… Quali erano? (Ride) Poesia credo sia una lente che hai o non hai, con cui guardi tutta la realtà. Penso poeti si nasca. Io poi sono un naufrago, settimo figlio allevato da genitori molto anziani in un mondo ovattato di grandi ville, camerieri, cuochi… Quando poi mi hanno detto che era tempo di uscire, ho aperto i cancelli di queste case e fuori le brigate rosse sparavano da tutte le parti, mentre i neri mettevano le bombe nelle banche… Sono tornato da mio padre e mia madre dicendo: “Guardate che il mondo non è fatto come mi avete insegnato”. Mi sono improvvisamente trovato in questo mondo in cui non ero “attrezzato”. Quel che ho potuto fare era dire: parlerò di quel mondo per cui mi hanno preparato tutta la vita attraverso la fotografia, l’arte, la poesia. VC: I take this opportunity to engage in the next question concerning poetry, irony and art. I would like to know from you what these three words are individually. GG: I don’t remember them anymore ... What were they? (Laughs) Poetry I think it’s a lens you have or don’t have, with which you look at all reality. I think poets are born, not made. Then I am a shipwrecked, seventh child raised by very old parents in a muffled world of large villas, waiters, cooks ... When they then told me it was time to go out, I opened the gates of these houses and outside the red brigades were shooting from all the parts, while the blacks put the bombs in the

banks ... I went back to my father and my mother saying: “Look, the world is not made as you taught me”. I suddenly found myself in this world where I was not “equipped”. What I was able to do was say: I will talk about that world for which I have prepared my whole life through photography, art, poetry. VC: E l’ironia? Indubbiamente hai un’ironia tutta tua! GG: L’ironia salva da tutto! Io sono un malinconico che ride sempre sostanzialmente. Se dovessi descrivermi, direi che sono questo: un malinconico molto allegro. Osservo le cose anche dal punto di vista ironico, non so come dirti… Poi penso che la vita sia un po’ quello, mettersi dall’altra parte! Se non si attua questo scambio ci si prende sul serio, invece io tutto voglio tranne che prendermi sul serio. Poi io vivo solo il tempo reale, di tutto il resto non me ne frega niente. Tutto quello che ho fatto sono messaggi nella bottiglia buttati nel mare della comunicazione. Hanno la loro vita e sono aperti ad interpretazioni, non do titoli, non spiego… Vivono la loro vita ed io nella mia isola solitaria ho scritto il mio messaggio. Buttato nel mare, sono già pronto per scriverne un altro! Quel messaggio viaggerà, annegherà, morirà, lo leggerà qualcuno… Li lancio perché spero che qualcuno si ricordi che sono esistito, non per avere successo o denaro. Vorrei che la gente sapesse che ho avuto il culo di nascere e di transitare. Di messaggi ne ho scritti! (ride) Però sai già esserci è una fortuna pazzesca! Lo dico a quelli che mi dicono che hanno una vita sfortunata: attenzione che ci vuole fortuna ad essere vivi! VC: And the irony? Undoubtedly you have your own irony! GG: Irony saves from everything! I am a melancholy who always laughs substantially. If I had to describe myself, I would say that I am this: a very cheerful melancholy. I also observe things from an ironic point of view, I don’t know how to tell you ... Then I think that life is a bit like that, to get on the other side! If this exchange is not implemented, we take ourselves too seriously, instead I want everything except taking myself too seriously. Then I live only real time, I don’t give a damn about everything else. All I have done are messages in the bottle thrown into the sea of communication. They have their lives and are open to interpretations, I don’t give titles, I don’t explain ... They live their life and I on my lonely island wrote my message. Thrown into the sea, I’m ready to write another one! That message will travel, drown, die, someone will read it ... I throw them because I hope someone remembers that I existed, not for success or money. I wish people knew that I had the ass to be born and transit. I have written messages! (laughs) But you already know being there is a crazy fortune! I say this to those who tell me that they have an unfortunate life: attention that it takes luck to be alive! VC: E invece l’arte? GG: Non so se faccio arte… So che se faccio operazioni creative sto bene, anche fisicamente! Se non lo faccio sto male. Poi il giudizio lo daranno i grandi critici, la storia…. Una volta qualcuno mi ha detto: ”Sai, gli unici che hanno scritto artista sul passaporto sono le spogliarelliste. E credo che sia vero! (Ride) Allora evito di chiamarmi artista! Poi, se l’anno dopo che sono morto non si ricorderà nessuno della mia esistenza, chi se ne frega! Io faccio tutto quello che devo fare perché mi fa star bene, perché mi piace. Mi sono poi reso conto che quel mondo che io descrivo, che credevo fosse di nicchia, in realtà piace a tantissima gente! Se pensi che su Instagram ho circa 250.000 followers, vuole dire che ci sono altrettante persone che hanno voglia di eleganza, dignità della donna… L’eleganza è un valore prima morale poi estetico. Non si può avere un’estetica se non si ha un corpus di eleganza morale e di comportamento. Il fatto che interessi a tanta gente mi consola, perché ho vissuto in una grotta tutta la vita a causa del mio talento precoce. Non ho mai avuto una vita sociale e l’ho scoperta molto con i social! VC: But what about art? GG: I don’t know if I do art ... I know that if I do creative operations I’m fine, even physically! If I don’t, I’m sick. Then the judgment will be given by the great critics, the history…. Someone once said to me, “You know, the only ones who are“artist” on the passport are the strippers. And I believe it is true! (Laughs) Then I avoid

calling myself an artist! Then, if the year after I died, nobody will remember my existence, who cares! I do everything I have to do because it makes me feel good, because I like it. I then realized that that world that I describe, which I thought was a niche, in fact many people like it! If you think that on Instagram I have about 250,000 followers, it means that there are a lot of people who want elegance, dignity of women ... Elegance is first a moral value and then an aesthetic one. You can’t have an aesthetic if you don’t have a corpus of moral elegance and behavior. The fact that so many people care consoles me, because I have lived in a cave all my life because of my early talent. I have never had a social life and I discovered it a lot with social networks! VC: Quindi il social e la fotografia social li vedi positivamente? GG: Per quanto riguarda il social, dipende da come lo si usa. Come dico sempre ai ragazzi, è come una penna: puoi scrivere il Barone Rampante, oppure una stupidata. È colpa della penna? No! Io quando sono entrato sui social ho creato il mio social, alto, facendo vedere cose belle e scrivendo cose intelligenti, spero. Il mezzo non ha mai responsabilità, ma l’utilizzo che se ne fa sì! Inoltre la fotografia si è sdoppiata. Attraverso gli smartphone è diventata una lingua che però è trasferimento di dati, non ha ambizione artistica. È un uso linguistico, ma non intacca minimamente il lavoro che faccio io, che è di tipo artistico. Sono anche presidente dei fotografi italiani e l’idea che tutto il mondo abbia una macchina fotografica in tasca, che fa anche le telefonate anche se non ne parla più nessuno, è una bellissima notizia! È il mio mezzo di comunicazione che vince nel mondo. VC: So social and social photography see them positively? GG: As for social media, it depends on how you use it. As I always say to the boys, it’s like a pen: you can write the Rampant Baron, or a fool. Is it the fault of the pen? No! I when I entered social created my social, tall, showing beautiful things and writing smart things, I hope. The vehicle has no responsibility, but the use that makes it yes! In addition, the photograph has doubled. Through smartphones it has become a language which is however data transfer, has no artistic ambition. It is a linguistic use, but it does not in the least affect the work that I do, which is artistic. I am also president of Italian photographers and the idea that the whole world has a camera in his pocket, which also makes phone calls even if nobody talks about it anymore, is great news! It is my means of communication that wins in the world. VC: Quindi preferisci l’analogico o il digitale? GG: Dipende. I mezzi tecnici contengono un’estetica e bisogna mettere in contatto la propria anima con l’estetica del mezzo. Io sono partito “analogico”. Lavoravo sui banchi ottici con le polaroid 20x25 cm sviluppate direttamente, senza nessun intervento. Diciamolo: i mezzi contengono un’estetica. Il grande dibattito tra fotografia digitale e analogica non c’è: la fotografia analogica è già “archeologia fotografica”. La fotografia nasce oggi con l’elettronica. L’elettronica applicata alla fotografia segna la nascita della fotografia secondo me, però è una posizione molto personale. Tutto quello che anche io ho fatto è già archeologia fotografica. Tanti ragazzi vogliono fotografare ancora in pellicola… Io dico benissimo, ci si può occupare di archeologia tutta la vita, però bisogna sapere cosa si sta facendo. Da quando sono passato al digitale ho cercato un’altra fotografia! Sempre mia, ma un’altra. Per esempio il ritratto, che con il banco ottico era difficile immobilizzando la gente, prima non lo facevo. Adesso invece come vedi faccio ritratti. L’estetica del mezzo mi ha concesso di esprimere finalmente la mia volontà. Tutti i vecchi come me ci restano male perché pretendono dal mezzo nuovo l’estetica del mezzo vecchio, e saranno sempre delusi. Invece bisogna rimettersi in gioco! VC: So you prefer analogue or digital? GG: It depends. The technical means contain an aesthetic and you must put your soul in contact with the aesthetics of the medium. I started “analog”. I worked on optical benches with the 20x25cm polaroid developed directly, without any intervention. Let’s face it: the means contain an aesthetic. The great debate between digital

and analog photography is not there: analog photography is already “photographic archeology”. Photography is born today with electronics. Electronics applied to photography marks the birth of photography in my opinion, however it is a very personal position. All I have done is already photographic archeology. Many guys still want to photograph on film ... I say very well, you can deal with archeology all your life, but you need to know what you are doing. Since I went digital I have been looking for another photograph! Always mine, but another. For example, the portrait, which with the optical bench was difficult to immobilize people, before I did not do it. But now, as you can see, I do portraits. The aesthetics of the vehicle allowed me to finally express my will. All the old people like me feel bad because they demand the aesthetics of the old medium from the new medium, and they will always be disappointed. Instead you have to get back in the game! VC: Questa potrebbe essere una chiave di vita… GG: Sempre è così, certo! Io sono profondamente qui, penso che si senta. Perché questo è l’unico tempo! Quello che ci sarà dopo è aleatorio e quello che c’è stato prima è passato. Sant’Agostino diceva che noi dovremmo vivere ogni giorno con lo slancio vitale del primo e la consapevolezza dell’ultimo. Se riuscissimo a fare questo, vivremmo pienamente. In piccola parte ci provo! Aderisco al tempo presente. VC: This could be a key to life ... GG: It’s always like that, of course! I am deeply here, I think you can feel it. Because this is the only time! What will happen next is random and what has gone before has passed. Saint Augustine said that we should live every day with the vital impetus of the former and awareness of the latter. If we could do this, we would live fully. In a small part I try! I adhere to the present time. VC: Tempo fa Flavio (Direttore Artistico di GlamourAffair Vision n.d.r.) era venuto in questo studio e gli avevi dato un consiglio visionando il suo portfolio, suggerendo di essere più autore che fotografo. Cosa intendevi? GG: Il discorso è che, fino all’avvento del digitale, il fotografo poteva ancora difendere se stesso e considerarsi professionista perché conosceva una magia tecnica che altri non conoscevano. Adesso tutto questo è decaduto, perché l’elettronica ha reso la fotografia accessibile da un punto di vista tecnico più o meno a tutti tra virgolette. Un fotografo non può più lavorare solamente sul fatto di saper fare qualcosa che un altro non sa fare. Per fare il catalogo di una tazzina, una persona oggi può usare benissimo il suo iPad. Perché quindi vieni da me? Perché io sono unico al mondo! La fotografia professionale sarà quindi solo per gli autori, perché si dovrà mostrare la propria anima. Devi trovarti, definirti, trovare ciò che ti differenzia da tutti gli altri e su quello costruire la tua estetica, rendendo il proprio prodotto sempre più aderente alla propria unicità. Perché lo fanno in pochi? Perché il prezzo di tutto questo è la solitudine. Se lavori su ciò che ti rende simile agli altri, vivi molto socialmente. Se tutta la vita lavori su quello che ti rende diverso, sei profondamente solo. Bisogna scavarsi dentro non per vedere quello che vorresti essere, ma per trovare quello che sei. Poi se trovi una “parola” che ti descrive e su quello costruisci la tua estetica, diventa tutto più semplice! Tutto si trasforma in estetica, però prima bisogna definirsi. Se vuoi me, ci sono solo io come me! Tutto questo lo faccio io (indicando i lavori appesi), perché sono io! E tutti se ne rendono conto. Se vuoi quel ritratto non c’è nessuno al mondo che te lo può fare così! Magari meglio, ma non così. Tanti copiano il mio stile, ma alla fine tutti vengono qua. VC: Some time ago Flavio (GlamourAffair Vision Art Director n.d.r.) had come to this studio and you had given him an advice by viewing his portfolio suggesting to be more author than photographer. What did you mean? GG: The topic is that, until the advent of digital, the photographer could still defend himself and consider himself professional because he knew a technical magic that others did not know. Now all this has lapsed, because electronics has made photography accessible from a technical point of view to more or less everyone in quotes. A photographer can no longer work only on knowing how to do something that another cannot do. To make the catalog of a cup, a person today can use his iPad very well. So why do you come to me? Because I am unique in the world! Professional photography will therefore only be for authors, because you will have to show your soul. You have to find yourself, define yourself, find what differentiates you from all the others and build your aesthetic on that, making your product more adherent to its uniqueness. Why do few people do it? Because the price of all this is loneliness. If you work on what makes you similar to others, you live very socially. If your whole life works on what makes you different, you are deeply alone. We must dig inside not to see what you would like to be, but to find what you are. Then if you find a “word” that describes you and build your aesthetic on it, everything becomes simpler! Everything turns into aesthetics, but first you have to define yourself. If you want me, there is only me like me! All this I do (indicating the hanging works), because it’s me! And everyone realizes it. If you want that portrait, there is no one in the world who can do it to you like this! Maybe better, but not like that. Many copy my style, but in the end everyone comes here. VC: So che organizzi molti workshop e, se non sbaglio, che sono spesso a sfondo benefico… GG: Adesso partirò in un tour in tutta Italia. Ho pensato che il modo migliore per insegnare fosse fare come i cantanti, cioè girare tre giorni per città con lezioni magistrali, proiezioni, dibattiti con ospiti, poi due giorni di workshop. Tutti i weekend. Mi sembrava un modo più moderno per fare scuola. Pensate che l’ultimo workshop è andato sold out in tre ore! Cose che non mi sarei mai aspettato dalla vita. I workshop li tengo anche per portare fondi all’AFIP, l’Associazione Fotografi Italiani Professionisti. Mi fa piacere aiutarla! Poi ora abbiamo anche una rivista e organizziamo tante attività nella Palazzina Appiani, di fianco all’Arena Civica, la nostra sede.

VC: I know that he organizes many workshops and, if I’m not mistaken, which are often beneficial... GG: Soon I will leave on a tour throughout Italy. I thought that the best way to teach was to do like singers, that is, to travel three days around the city with master classes, screenings, discussions with guests, then two days of workshops. Every weekend. It seemed to me a more modern way to do school. Do you think the last workshop sold out in three hours! Things I never expected from life. I also hold the workshops to bring funds to AFIP, the Italian Professional Photographers Association. I’m glad to help you! Then now we also have a magazine and organize many activities in the Palazzina Appiani, next to the Civic Arena, our headquarters. VC: Com’è nata la nuova rivista? GG: A quel signore là, Luchino, feci una volta la stessa domanda… Ma come nascono le tue riviste? È facilissimo mi rispose! Guardo tutte le riviste del settore e poi vedo cosa mi manca… Che è l’uovo di colombo! (ride) Quindi ho fatto la stessa cosa guardando tutte le riviste di fotografia e mi sono chiesto: ma cos’è che manca? Manca il ragionamento! Questo è il momento di massima esplosione del linguaggio fotografico e nessuno ne parla, nessuno ragiona sulla connessione tra la fotografia e le altre arti. Proviamo a fare una rivista in cui c’è una percentuale di immagini, ma c’è anche molta ragionamento, analisi, filosofia… è molto scritta. Non voglio più abbassare l’asta, voglio una rivista che parli una lingua relativamente alta. Il primo numero è andato benissimo! Ma i primi vanno sempre bene, ora vediamo il secondo… Però è andato meglio di quello che pensavo, con tanti commenti entusiasti. E anche qui non ho fatto le prime cinque cose che mi sono venute in mente… Son partito dalla sesta! In una rivista di fotografia facciamo vedere le fotografie… No! Quello lo fanno già tutti! (ride) VC: How was the new magazine born? GG: To that gentleman there, Luchino, I once asked the same question ... But how are your magazines born? It’s very easy, he replied! I look at all the magazines in the sector and then I see what I miss ... That is the dove egg! (laughs) So I did the same thing looking at all the photography magazines and I asked myself: what is missing? The reasoning is missing! This is the moment of maximum explosion of photographic language and nobody talks about it, nobody thinks about the connection between photography and other arts. Let’s try to make a magazine in which there is a percentage of images, but there is also a lot of reasoning, analysis, philosophy ... it is very written. I don’t want to lower the auction anymore, I want a magazine that speaks a relatively high language. The first issue went very well! But the former are always good, now we see the latter ... But it went better than I thought, with many enthusiastic comments. And even here I didn’t do the first five things that came to my mind ... I started from the sixth! In a photography magazine we show the photographs... No! Everyone already does that! (Laughs) VC: Ottimo modo di ragionare! GG: Anche nella fotografia ragiono così… Le prime cinque idee le scarto perché sono semplici. Ad esempio una volta mandarono qui Miss Italia per un servizio. Mi sono rifiutato di fare una foto con costume, con la corona, la gambetta di fuori… Alle fine ho realizzato un suo ritratto dove i suoi capelli sono spaghetti. È molto famosa, non l’hai mai vista? (Ride) A nessuno verrebbe mai in mente di fotografare Miss Italia così! Ho escluso tutto quello che era banale fin da ragazzo. (Inizia a mostrare delle foto) Come tutti i giovani, ho iniziato con lo still-life perché costava meno. Non hai modelle, il rischio per l’editore è minimo, ecc... Una volta ad esempio mi chiesero di fotografare una pinna, quindi ho dato la mia interpretazione alla pinna! Ora vi mostro un po’ di scatti! In questa ci siamo io e Linda da ragazzi (Linda Evangelista, n.d.r.). Aveva 18 anni e sulla foto scrisse: “The Genius and The Star”… (prosegue a mostrare le foto). VC: That’s an interesting line of reasoning! GG: Even in photography they think like this ... I discard the first five ideas because they are simple. For example, once they sent Miss Italy here for a service. I refused to take a picture with a costume, with the crown, the leg outside ... In the end I made a portrait of her where her hair is spaghetti. It is very famous, have you never seen it? (Laughs) No one would ever think of anyone photographing Miss Italy like this! I’ve ruled out everything that was trivial since I was a boy. (Start showing photos) Like all young people, I started with still-life because it was cheaper. You have no models, the risk for the publisher is minimal, etc ... Once, for example, they asked me to photograph a fin, so I gave my interpretation to the fin! Now I show you some shots! This is me and Linda as kids (Linda Evangelista, editor’s note). He was 18 and on the photo he wrote: “The Genius and The Star”... (continues to show the photos). VC: Entrando abbiamo notato questo bellissimo tavolo... GG: Questo tavolo mi ha accompagnato per tutta la vita artistica e in tutti i miei studi. Arrivava dalla vecchia sede del Corriere della Sera, penso si veda dalla dimensione... E col tempo l’ho impreziosito con questo rivestimento in marmi policromi. Si chiama Alexandra, come la mia prima fidanzata… VC: Upon entering we saw this beautiful table... GG: This table has accompanied me throughout my artistic life and in all my studies. It came from the old headquarters of the Corriere della Sera, I think you can tell it from the size ... And over time I embellished it with this polychrome marble coating. Its name is Alexandra, like my first girlfriend...

Leticia Herrera

www.giovannigastel.it 17

painter

Giada Varricchio

Photo: Tommaso Zaccari

Giada Varricchio nasce a Siena nel 1994. Conclude il suo percorso di studi presso l’istituto d’arte Duccio di Boninsegna con il diploma da decoratrice pittorica. Passa però alla pittura più concreta solo dopo qualche anno. Gradualmente, prende le distanze dallo stile figurativo classico per comprendere e convertirsi ad una prospettiva semi-astratta. Nel cambiamento della sua produzione ed identità di artista predilige paesaggi, paesaggi astratti e soprattutto soggetti floreali. Si presenta calda e sensuale, delicata e pungente allo stesso tempo. Le morbide colline toscane sono fonte di ispirazione per l’artista che, in continua mutazione, cerca di trarne la bellezza valorizzandone i fiori e la natura. Le piace trasformarsi, sperimentare, la sua pittura è

ruvida e liscia, densa e sottile, rugosa e vellutata. Come nella realtà, Giada ha bisogno di esprimere le emozioni che sente e che ognuno di noi prova quotidianamente. Emozioni forti, vigorose, energiche ma anche quelle pacate, tranquille e limpide. “Ci sono momenti in cui devo fermarmi, spegnere il cervello per qualche istante e stendermi all’aria aperta perché tutto intorno, a volte, mi sembra troppo pesante. Guardo in alto e vedo il celeste, il blu, il giallo e tutti i colori che la natura può offrirmi e sento di fondere anche io. Mi sento libera. Ringrazio lo scoutismo che mi ha donato la consapevolezza di ciò che ci circonda, insegnandomi ad amare e rispettare la natura che come l’arte rimane li, eternamente contemplabile. La puoi uccidere ma non morirà mai.”

SOGNI DORATI. Olio su tela, 100x100 cm

Giada Varricchio was born in Siena in 1994. She graduated from the Duccio Di Buoninsegna art school in decorative painting, moving towards concrete art a few years later. She then gradually moved from the classic figurative style to learn and convert to a semi-abstract perspective. During this transition, the artist favored landscapes, abstract landscapes and especially floral subjects. Her style is warm and sensual, delicate yet biting. The smooth Tuscan hills are source of inspiration for the artist who, in a constant change, tries to show its beauty through its flowers and nature. Giada enjoys transforming and experimenting, her art is rough yet smooth, firm yet subtle. In the

same way as in real life, Giada feels like expressing those emotions she, and everyone of us, feel on a daily basis. Emotions that are strong, vigorous, energetic but also those calm and tranquil. â&#x20AC;&#x153;There are moments when I need to stop, switch my brain off for a moment and lay down in the open air as everything around feels so overwhelming sometimes. I look up and I see the blue, yellow and all the colors nature has to offer and I feel free. I thank scouting for giving me the awareness of what is around me, teaching me to love and respect nature which, as art, remains eternally. You can kill it, but it will never die.â&#x20AC;?

FORESTA INFUOCATA, Olio su tela, 100x100 cm

SENZA TITOLO. Acquarelli su cartoncino

IN SETTEMBRE. Olio su tela, 100x100 cm

TUTTO BLU. Olio su tela, 100x100 cm

SOGNANDO. Olio su tela, 120x80 cm

FACEBOOK | Giada Varricchio INSTAGRAM | @giada_varricchio_art

project

LINK Alberto Selvestrel 29

Alberto Selvestrel è nato a Torino il 29 Novembre 1996. Nel 2014, all’età di 17 anni si avvicina alla fotografia con una particolare attenzione rivolta al paesaggio. Due anni dopo approfondisce da autodidatta le sue ricerche e si focalizza sul paesaggio antropico e le sue modificazioni, iniziando a sviluppare il suo stile personale caratterizzato da composizioni geometriche e minimali. La ricerca di Selvestrel è volta a condensare il massimo della sua espressione concettuale nel minimo della forma. Nel 2017 entra a far parte del collettivo inQuadra come membro più giovane. Il primo ottobre 2017 esce il suo primo progetto cartaceo intitolato “IMAGES”. Questo suo lavoro viene recensito e pubblicato da importanti magazine stampati e testate online di tutto il mondo. Durante il 2017 Selvestrel espone il suo lavoro in Italia e nel 2018 a Londra e Bruxelles. Dal 2018 con il Workshop “P3 Project Pixel Paper” gira le più importanti città Italiane con il fotografo Alex Liverani. Il 18 Marzo del 2019 è uscito il suo secondo libro “Link”, con la prefazione di uno dei più grandi fotografi italiani: Giovanni Gastel.

Alberto Selvestrel was born in Turin the 29th November, 1996. In 2014, at the age of 17, he approached photography with a particular attention to the landscape. Two years later he deepened his research by self-studying, and decided to focus on the anthropic landscape and its modifications, starting to develop his unique style characterized by geometric and minimal compositions. Selvestrel’s research is aimed at condensing the maximum level of his conceptual expression into the minimal form. In 2017 he joined the inQuadra collective as the youngest member. On the 1st October 2017, Selvestrel released his first paper project entitled “IMAGES”: this work ends up being reviewed and published by international printed and online magazines. Furthermore, during 2017 Selvestrel exhibited his work in Italy and in 2018 exhibited in London and Brussels. Since 2018 with the “P3 Project Pixel Paper” workshop, Selvestrel tours the most important Italian cities with the photographer Alex Liverani. In March 18, 2019 his second book entitled “Link” was released, with a foreword of one of the greatest Italian photographers: Giovanni Gastel.

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collage

GRAEME JUKES Sono un artista autodidatta con sede a Londra. Il mio lavoro è principalmente il collage e occasionalmente mixed-media. Ho scoperto i collage pop-art di Richard Hamilton e Linder Sterling nei primi anni ‘80 e mi hanno spinto a provare questo strumento. Ho realizzato circa 13 pezzi con questa tecnica prima di abbandonare il progetto e iniziare a dipingere. Non sono tornato al collage fino al 2014, dove ho trovato ispirazione alla Hannah Hoch Exhibition della Whitechapel Gallery di Londra. All’inizio i miei collage erano di fantascienza retrò e umoristica, prima di diventare più oscuri e surrealisti. Negli ultimi due anni, tuttavia, l’enfasi del mio lavoro è cambiata. Inizialmente tentando di catturare il movimento ho iniziato a sviluppare una forma di pop art cubista frammentata. Usando le riviste di moda e celebrità recuperate sui mezzi pubblici, ho iniziato a strappare le immagini piuttosto che a tagliarle, con l’intenzione di frammentare i volti piuttosto insipidi di queste riviste e mettere in dubbio le persone sul loro concetto di bellezza alla moda. Ho realizzato due mostre personali a Londra negli ultimi anni. Ho anche preso parte a sei mostre collettive a Londra, Varsavia e Berlino.

I am a self-taught artist based in London. My work is mainly collage and occasionally mixed-media. I first discovered the pop art collages of Richard Hamilton and Linder Sterling in the early 1980s and they prompted me to try this medium for myself. I did around 13 pieces in this style before abandoning the project and taking up painting. I did not return to collage until 2014 when I became inspired by the Hannah Hoch Exhibition at London`s Whitechapel Gallery. At first my collages were humorous retro sci-fi before becoming darker and more surrealist. In the last two years, however, the emphasis of my work shifted. Initially attempting to capture movement I began to develop a form of fragmented cubist pop-art. Using fashion and celebrity magazines I found lying around on public transport I began to tear the images rather than cut them, my intention being to disrupt the rather bland faces in these magazines and make people question their concept of fashionable beauty. I have had two solo exhibitions in London in the last few years. I have also taken part in six group shows in London, Warsaw and Berlin.

INSTAGRAM | @graemejukes21 ELLO | graemejukes DEVIANTART | graemejukes

ART OR ANARCHY

FRAG

DRESSING UP

SHINE

COD

FACE TIME

HANGING OUT

dance fine-art

DAN HECHO

Mi chiamo Dan Hecho e sono un fotografo fine art dal 2007. Ho una grande esperienza nell’organizzazione di seminari e lezioni di fotografia in tutto il mondo. Le mie attività principali sono la fine art e la fotografia di nudo creativa e commerciale dal 2007 ad oggi, nonché insegnare fotografia fine art, nudo artistico, matrimonio, moda, ritratto, post-elaborazione e fotoritocco in Lightroom e Photoshop . Nel 2012 e 2013 ho organizzato più di 100 seminari in oltre 60 città in Russia, Ucraina, Kazakistan, Bielorussia, Moldavia. Tra il 2014 e il 2019 ho tenuto con successo seminari e lezioni in Brasile, Italia, Stati Uniti, Svizzera, Francia, Germania, Turchia, Spagna, Ungheria, Romania, Repubblica Ceca, Polonia, Austria, Olanda, Grecia, Bulgaria, Bali, India, Cipro, paesi baltici, studi commerciali negli Stati Uniti, in Europa e in Asia. Più di 3000 persone sono state formate e sono diventate fotografi artistici e commerciali rinomati nel loro paese. In passato, sono stato anche fotografo di matrimoni dal 2007 al 2015, circa 200 negli Stati Uniti e in Europa. Esperienza e risultati: • vincitore del concorso internazionale di fotografia di matrimonio ASFo 2009; • vincitore del premio fotografico nazionale russo 2011/2013 nella categoria nudo tra i professionisti; • vincitore, finalista, vincitore del primo premio internazionale Photoshoot Awards NUDE 2013, 2014, 2015, 2016 in varie categorie e nomination; • membro della giuria di Photoshoot Awards NUDE 2017/18/19; • membro della giuria del concorso dell’Associazione tedesca dei fotografi 2014/16; • due medaglie d’oro nel GRAND TRIERENBERG SUPER CIRCUIT 2019 in “Nude” e “Dance”.

My name is Dan Hecho and I’m fine art photographer since 2007. I have a huge experience in arranging photography workshops and classes worldwide. My main activities are Fine art and NUDE photography, as creative and commercial from 2007 to the present days, and teaching photography by genre fine art, artistic nude, wedding, fashion, portrait, post-processing and colour correction in Lightroom and Photoshop photo editors. In 2012 and 2013 I organized more than 100 workshops in more than 60 cities of Russia, Ukraine, Kazakhstan, Belarus, Moldova. Between 2014 and 2019, workshops and classes were coming successfully in the following countries: Brazil, Italy, USA, Switzerland, France, Germany, Turkey, Spain, Hungary, Romania, Czech Republic, Poland, Austria, Holland, Greece, Bulgaria, Bali, India, Cyprus, Baltic countries, commercial surveys in the USA, Europe and Asia. More than 3000 people have been trained, they became leading commercial artistic photographers in their region. In past, I was also wedding photographer from 2007 to 2015, shot about 200 weddings in the United States and Europe. Experience and achievements: • winner of the international competition of wedding photography ASFo 2009; • winner of the national Russian photo award 2011/2013 in the nude category among professionals; • winner, finalist, prize-winner of the first international Photoshoot Awards NUDE 2013, 2014, 2015, 2016 in various categories and nominations; • jury member of Photoshoot Awards NUDE 2017/18/19; • member of the jury of the competition of the German Association of Photographers 2014/16; • two Gold Medals in the GRAND TRIERENBERG SUPER CIRCUIT 2019 in “Nude” and “Dance”.

WEBSITES | danhecho.com / hechopresets.com / danhecho.net FACEBOOK | DanHecho.art INSTAGRAM | @dan_hecho 500PX | hecho

comics

GREGORY FERRAND

NOTHING LASTS FOREVER (AND THATâ&#x20AC;&#x2122;S OK)

HE HAD ENJOYED THE LAST 10 YEARS OF BEING TOTALLY IRRESPONIBLE

I’M NOT REALLY HERE

Gregory Ferrand received a cinema degree from Virginia Commonwealth University in 1997 and promptly headed off to Buenos Aires, Argentina to teach English to business people. While living there he kept an illustrated journal in which he experimented with different media and recorded his observations about the culture and people around him. In doing so, he came to understand two things about himself: that he was a painter and that he was fascinated by the subtext of human interactions. He returned to the States in early 2000 and began painting seriously. Gregory pulls on influences as wide ranging as comics, Mexican muralists, and 1950’s fashion to create paintings that reveal the beauty of living. His background in film is evident in the strong use of narrative he employs to tell stories about characters and situations that do, have, and will exist; gently unmasking the psychological or emotional state of the subject, inviting the viewer to share and/or identify. Gregory is represented in the United States by the Adah Rose Gallery in Kensington and the Evoke Contemporary in Santa Fe.

THEY’LL WORK IT OUT

Gregory Ferrand ha conseguito una laurea in cinema presso la Virginia Commonwealth University nel 1997, trasferendosi successivamente a Buenos Aires, in Argentina, per insegnare l’inglese agli uomini d’affari. Durante la sua permanenza, conservava un diario illustrato in cui sperimentava diversi media e riportava le sue osservazioni sulla cultura e sulle persone che lo circondavano. In questo, ha capito due cose su se stesso: che era un pittore e che era affascinato dal “sottotesto” delle interazioni umane. È tornato negli Stati Uniti all’inizio del 2000 ed ha iniziato a dipingere seriamente. Gregory attinge ad influenze molto ampie come i fumetti, i murales messicani e la moda degli anni ‘50, per creare dipinti che rivelano la bellezza della vita. Il suo background cinematografico è evidente nel forte uso della narrativa che impiega per raccontare storie su personaggi e situazioni che esistevano, esistono ed esisteranno; smascherare delicatamente lo stato psicologico o emotivo del soggetto, invitando lo spettatore a condividere e/o identificarsi. Gregory è rappresentato negli Statu Uniti dalla Adah Rose Gallery di Kensington e dalla Evoke Contemporary di Santa Fe.

SHELTERING IN PLACE

WHO ARE WE NOW

WEBSITE | gregoryferrand.com FACEBOOK | Gregory Ferrand Artist INSTAGRAM | gregoryferrandart

BECAUSE IF YOU DONT YOU JUST MIGHT CRY 7 / 8

interior

LINE DESIGN STUDIO

FLAT_2.0 65

Questo luminoso appartamento monocromatico si trova nell’antico e pittoresco distretto di Kaliningrad (Russia). Il progetto è per contratto di locazione a lungo termine ed il budget per la realizzazione dell’interno era di 8.200 euro. Durante la riqualificazione del soggiorno, della cucina e dell’ingresso, gli ambienti sono stati combinati, realizzando un unico spazio aperto con le relative aree funzionali. L’appartamento è caratterizzato dalla presenza di un erker con tre finestre e un tavolo da pranzo per quattro persone. La cucina, con una configurazione angolare, ospita tutti gli elettrodomestici necessari e una grande superficie di lavoro. Il divano nella zona giorno ha un sistema modulare, con la possibilità di organizzare lo spazio per dormire per due persone. Sopra il divano c’è una mensola a forma di I-beam con illuminazione dal basso, svolgendo quindi due funzioni. Adiacente al divano si trova un tavolo da lavoro, con una zona nascosta per la biancheria da letto, scatole e, sul lato dell’ingresso, si trova una mensola per le scarpe. Una superficie di finitura a maglia è posizionata sopra il tavolo, sottolineando la grafica degli interni con la sua struttura a rete che può essere sfruttata per appendere foto, note di lavoro, vasi di fiori e altri oggetti. Sul lato dell’ingresso, può fungere da appendiabiti, porta ombrelli o altro. Il bagno ha una piccola doccia, un lavandino, wc e una lavatrice sopra la quale sono presenti dei ripiani. Il luogo principale di deposito è un armadio nell’atrio con un piano sopra la porta del bagno. I materiali di finitura sono semplici come l’interno stesso: la vernice industriale sul pavimento, pareti intonacate e verniciate. Le lastre del soffitto di cemento bianco sono rimaste invariate. Piastrelle bianche a parete in formato 10Х10, con fuga nera, supportano l’idea di grafica. Il pino è il materiale in legno più economico sul mercato, quindi è stato utilizzato nella fabbricazione di alcuni mobili. L’ascetismo e la geometria degli interni diluiscono le classiche sedie in legno curvato e le sotto-sedie in ghisa. Il minimalismo si riflette non solo nei mobili, ma anche nella soluzione cromatica degli interni. Bianco e nero - cosa c’è di più semplice. L’abbondanza di bianco consente di riflettere e diffondere la luce in quasi tutto lo spazio, presente in queste esposizione tutto il giorno. Il colore nero separa il posto di lavoro, l’ingresso e il bagno dalle aree principali dell’appartamento. Il monocromo dell’appartamento si unisce alle piante, riempiendolo di calore e colore. E il ruolo principale in questo spazio è interpretato dall’uomo.

This bright, monochrome apartment is located in the old, picturesque district of Kaliningrad. It ‘s for a long-term lease. The budget for the implementation of the entire interior was 8,200 euros. During the redevelopment the living room, kitchen and entrance hall were combined, thus it was possible to achieve a single, open space with the necessary functional zones. This apartment has an erker with three windows, it has a dining table for four people. The kitchen, which has an angular configuration, housed all the necessary household appliances and a large working surface. The sofa in the living room area has a modular system, with the possibility to organize a sleeping space for two people. Above the sofa there is a shelf in the form of an I-beam with illumination from below, thus it performs two functions. Adjacent to the sofa is a work table, which has a hidden storage area for bed linen, paper boxes, and on the side of the entrance hall it is a shelf for shoes. In addition, a smooth reinforcement structure is placed above the table. It emphasizes the graphicity of the interior with its mesh structure, and you can also attach photos, work notes, flower pots and other items to it. On the entrance hall side, it can serve as a hanger for umbrella and other attributes. The bathroom has a small shower, sink, toilet and household unit with a washing machine above which are closed shelves. The main place of storage is a closet in the entrance hall with an antresole above the door to the bathroom. The finishing materials are as simple as the interior itself - industrial paint is on the floor, the walls are plastered and painted. The white concrete ceiling slabs remained unchanged. A wall-mounted, white 10Х10 format tile, see with a black shading supports the idea of graphicity. Pine is the cheapest wooden material on the market, so it has been used in the manufacture of some furniture. The ascetism and geometrics of the interior dilute the classic bent wood chairs and cast iron sub-chairs. Minimalism is reflected not only in furniture, but also in the color solution of the interior. White and black - which can be easier. The abundance of white makes it possible to reflect and spread light in almost all the space that is present here all day. Black color separates the workplace, entrance hall and bath from the main areas of the apartment. The monochrome of the whole apartment dilutes the tree and plants, filling it with warmth and color. And the main role in this space is played by man.

WEBSITE | ldinterior.com FACEBOOK | Line Design Studio INSTAGRAM | @linedesign_studio

fashion

RICCARDO TORRI

Art director e direttore creativo in pubblicità, coordinatore e docente di Art Direction presso lo IED Comunicazione fino al 2009 e docente di fotografia presso IED Moda dal 2019. Dal 2015 anche film maker, direttore della fotografia e fotografo. Principalmente interessato a fashion stories e progetti che integrino storytelling e produzione di immagini hi-end in poco meno di tre anni da fotografo realizza oltre 90 editoriali fashion e beauty pubblicati anche su magazine cartacei nazionali, come Switch e Vanity Fair e internazionali come Fab UK e L’Officiél Baltic. Ottiene finora 15 cover. È anche regista dello spot internazionale per il lancio di Power Skin Carbon per Arena Swimwear e del videoclip Metaxa di Riccardo Ceres. Art director and creative director in advertising, coordinator and teacher of Art Direction at the IED Communication until 2009 and photography teacher at IED Moda since 2019. Since 2015 also film maker, director of photography and photographer. Mainly interested in fashion stories and projects that integrate storytelling and production of hi-end images, in just under three years as a photographer he creates over 90 fashion and beauty editorials also published in national paper magazines, such as Switch and Vanity Fair and international magazines such as Fab UK and The Officiél Baltic. Gets 15 covers so far. He is also director of the international spot for the launch of Power Skin Carbon for Arena Swimwear and of the video clip Metaxa by Riccardo Ceres.

WEBSITE | riccardotorri.smugmug.com INSTAGRAM | @riccardotorri

surrealism

Julien

THE SOURCE, 2018 (Detail)

Pacaud

88 FULL MOON, 2019

SECRET GARDEN, 2018

90 THE FINAL MOVEMENT, 2018

THERE WAS A TIME, 2019

Julien Pacaud è nato nel 1972. Vive e lavora a Parigi, in Francia. Illustratore autodidatta, ha iniziato a sperimentare il collage digitale nei primi anni 2000 dopo aver studiato cinematografia alla scuola Louis Lumière. Influenzato dal cinema e dalla televisione, compone collage digitali surrealisti da una raccolta di vecchie foto che raccoglie perennemente, qui, lì e ovunque. Ognuna delle sue creazioni è un invito a un viaggio in universi paralleli (o come preferisce chiamarli: sogni perpendicolari) in cui il passato e il futuro si incontrano, l’improbabile e l’impossibile, l’inutile e il metafisico ... Reinterpretando la geometria dello spazio, Julien Pacaud raffigura mondi che si diffondono attraverso spesse nuvole di ambiguità, dove galassie, montagne e strani personaggi si scontrano per riorganizzare il caos. Rifiuta la nozione di virtuosismo tecnico, ma usa il computer come uno strumento che consente di andare oltre il semplice taglia e incolla, per essere in grado di raggiungere una coerenza visiva che mette in dubbio il mezzo. Oltre al suo lavoro visivo, Pacaud estende le sue sperimentazioni di collage al suono e alla musica, nell’ambito del progetto a due teste Drahomira Song Orchestra.

WEBSITE | julienpacaud.com FACEBOOK | Julien Pacaud INSTAGRAM | @julienpacaud

THE SOURCE, 2018 (Detail)

Julien Pacaud was born in 1972. He lives and works in Paris, France. A self-taught illustrator, he began experimenting with digital collage in the early 2000s after having studied cinematography at Louis Lumière school. Influenced by cinema and television, he composes surrealist digital collages from a collection of old photos that he collects perpetually, here, there and everywhere. Each of his creations is an invitation to a journey in parallel universes (or as he prefers to call them: perpendicular dreams) where the past and the future meet, the improbable and the impossible, the futile and the metaphysical ... Reinterpreting the geometry of space, Julien Pacaud depicts worlds that spread through thick clouds of ambiguity, where galaxies, mountains and strange characters collide to reorganize chaos. He rejects the notion of technical virtuosity, but uses the computer as a tool which allows to go further than simple cut and paste, to be able to reach a visual coherence that brings some doubt about the medium. Besides his visual work, Pacaud extends his collage experimentations to sound and music, within the two-headed project Drahomira Song Orchestra.

Kasia Matejczuk 94

portfolio

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WEBSITE | kasiamatejczuk.wixsite.com INSTAGRAM | @kasia_matejczuk ELLO: kasiamatejczuk

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Kasia Matejczuk è una fotografa polacca attualmente residente in Polonia. La sua fotografia è conosciuta soprattutto come ritratto in bianco e nero e servizi di moda. Da bambina, Kasia era interessata all’arte della pittura. Ha dipinto principalmente ritratti e le loro versioni astratte. Ha cercato ispirazione soprattutto nei libri di cataloghi di arte e moda. All’età di 14 anni, scopre il mondo della fotografia e i capolavori dei più grandi fotografi. L’interesse per i film in bianco e nero ha avuto un impatto enorme sul suo lavoro. L’eleganza e la semplicità erano un tempo molto legate alle fotografie in bianco e nero. Nel 1998 Matejczuk si trasferì a Berlino per fare alcuni anni di pratica in uno studio fotografico inserito nel settore della moda. Nel 2011 fonda a Berlino un atelier dove lavora a singoli progetti. Alcune sue fotografie sono state pubblicate ed esposte in riviste e gallerie. Oggi Kasia Matejczuk lavora come fotografa freelance, con particolare attenzione alla fotografia di ritratto e moda. Dice: “Amo l’arte in ogni sua forma, la creatività è un’espressione dei nostri pensieri e sentimenti. Le mie più grandi ispirazioni sono le persone e la vita in sé. Scopro l’ignoto e confronto il “nuovo”, questo è il modo di crescere.”

Kasia Matejczuk is a Polish photographer currently based in Poland. Her photography is most recognized as a black and white portrait and fashion works. As a child, Kasia was interested in the art of painting. She painted mostly portraits and their abstract versions. She sought inspiration mostly in books about art and fashion catalogs. At the age of 14, she discovers the world of photography and the masterworks of the greatest photographers. The interest in black and white films had a huge impact on her work. The elegance and simplicity were in further years very related to her black and white photographs. In 1998 Matejczuk moved to Berlin and took a few years of practice in a photo studio involved in the fashion scene. In 2011 she established in Berlin an atelier where she worked on individual fashion projects. Some of her photographs were published and exhibited in fashion magazines and galleries. Today Kasia Matejczuk works as a freelance photographer, with a focus on portrait and fashion photography. She says: “I love art in its every form, creativity is an expression of our thoughts and feelings. My greatest inspirations are people and life in itself. I discover the unknown and confront the “new” that’s the way to grow.”

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human landscapes

Sinziana Velicescu 104

On The Periphery Sinziana Velicescu è una fotografa e cineasta con sede a Los Angeles, California. Si è laureata alla University of Southern California con una tesi in letteratura e film comparati. La sua fotografia esplora l’intervento umano sulla natura in paesaggi che hanno subito cambiamenti politici, sociali o ambientali. Appropriandosi del vocabolario architettonico, Velicescu interrompe la topografia quotidiana attraverso un’attenta composizione per sviluppare una narrazione elegante e divertente e raccontare la storia del luogo. La premiata serie di Velicescu, “On The Periphery”, è stata esposta in gallerie a livello internazionale ed è ora disponibile come libro a copertina rigida, pubblicato da Aint-Bad.

Sinziana Velicescu is a photographer and film maker based in Los Angeles, California. She is a graduate of the University of Southern California with a B.A. in Comparative Literature and Film. Her photography explores human intervention with nature in landscapes that have undergone political, social, or environmental change. Appropriating architectural vocabulary, Velicescu disrupts every day topography via careful composition to develop an elegant and humorous narrative to tell the story of place. Velicescu’s award winning series, “On The Periphery,” has been shown in galleries internationally and is now available as a hard cover book, published by Aint-Bad.

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WEBSITE | sinzianavelicescu.com INSTAGRAM | @casualtimetravel

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www.meroniecolzani.it 114

furniture

ETNA Matteo Stucchi Design Studio

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Il marchio MC Meroni & Colzani nasce dalla fusione di due realtà artigiane storiche, che svolgono la loro attività in Brianza da oltre 50 anni: Meroni produce mobili e complementi da tre generazioni, Colzani arredi imbottiti e accessori tessili. Le due società a conduzione familiare hanno un corso comune, basato su tradizione, qualità sartoriale e standard comuni, incentrato sulla ricerca e l’innovazione. MADE in ITALY è un concetto chiave: tutti i prodotti e i progetti su misura progettati da MC Meroni & Colzani sono al 100% realizzati da artigiani italiani, che modellano e trattano materiali pregiati, come legno, pelle e tessuti, e possono utilizzare le ultime tecnologie per garantirne una lavorazione straordinaria. Il nostro obiettivo è quello di stupire, innovare e allontanare il tempo con forme che seguono gli stili del passato, ma reinterpretate utilizzando nuovi materiali e finiture. MC Meroni & Colzani è nato con questa attitudine e con un unico scopo: offriamo ai nostri clienti italiani e mondiali un senso di familiarità ed esclusività guidati da un’estrema attenzione ai dettagli e a tutte le caratteristiche che creano un prodotto sartoriale. Il flagshipstore nel centro di Milano è il luogo in cui puoi “toccare” l’atmosfera elegante e sofisticata del nostro design, il luogo in cui puoi esplorare il nostro modo per creare i tuoi mobili. Matteo Stucchi, nato nel 1992, inizia la sua carriera dopo essersi laureato in Industrial Design creando una collezione di vasi in ceramica. Il suo design è riconoscibile attraverso un inconfondibile segno di equilibrio tra rigore e immaginazione: l’autenticità è la vera missione del suo lavoro, che vuole raggiungere sia creando prodotti con un carattere individuale sia cercando un nuovo modo di avvicinarsi all’industria. Dal punto di vista del design, si sente molto vicino a uno stato d’animo futuristico ed emotivo, in cui l’impronta di Bruno Munari nel metodo analitico è molto forte.

MC Meroni & Colzani brand results from the fusion of two historical artisan realities, performing their business in Brianza for over 50 years: Meroni have been producing furniture and complements for three generations, Colzani upholstered furniture and textile accessories for the same generations. The two family-run companies have common course, based on tradition and sartorial quality and common standards, focused on research and innovation. MADE in ITALY is a key concept: all products and tailor-made projects designed by MC Meroni & Colzani have been manufactured by 100% Italian craftsmen, who can shape and treat fine materials, like wood, leather and value fabrics, and can use latest technology to grant amazing processing. Our aim is to impress, to innovate and to drive away the time with shapes that follow past styles, but reinterpreted by using new materials and finish. MC Meroni & Colzani was born with this attitude and with a single purpose: we provide our Italian and worldwide customer a sense of familiarity and exclusivity driven by an extremely attention to details and to all the features that create a sartorial product. The flagshipstore in downtown Milan is the place where you can “touch” the elegant and sophisticate atmosphere of our design, the place where you can explore our attitude to create your own furniture. Matteo Stucchi, born in 1992, begins his career after graduating in Industrial Design creating a collection of ceramic vases. His design is recognizable through an unmistakable sign of balance between rigour and imagination: authenticity is the true mission of his work, which he wants to reach both by creating products with an individual character and by seeking a new way of approaching industry. From the design point of view, he feels very close to a futuristic and emotional mood, where Bruno Munari’s imprint in the analitycal method is very strong.

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FACEBOOK | Matteo Stucchi Design Studio INSTAGRAM | @matteostucchistudio

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exhibition

WHAT I HAVE SEEN SO FAR Dorothy Circus Gallery

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ÂŠ Caitlin Cronenberg

La Dorothy Circus Gallery è lieta di inaugurare la programmazione del 2020 presentando un progetto assolutamente inedito, la prima mostra a firma Dorothy Circus dedicata interamente alla fotografia. Si tratta del Chapter One di quella che d’ora in poi sarà una rassegna annuale dal titolo Grey Circus che nasce da un idea di Alexandra Mazzanti e Valentina Ilardi rispettive fondatrici di Dorothy Circus e Grey magazine, rivista dalla forte personalità leader influente in diversi settori quali moda, arte, musica e design. “What I have seen so Far”, porta in scena nelle prestigiose sedi della Dorothy Circus di Londra e Roma, da 13 anni riferimento per l’arte contemporanea figurativa, le opere di fotografi selezionati su scala internazionale per il loro talento e immaginario eccezionali. In mostra: Laurent Chehere, Billy Kidd, Caitlin Cronenberg, Iness Rychlik, Anka Zhuravleva, Peppe Tortora, Karel Chladek, Arash Radpour, Jesse Herzog, Giuseppe Gradella, Mirko Viglino e Adriana Duque. Le opere in mostra evidenziano il forte legame instauratosi tra la fotografia contemporanea e i fondamenti che in questi anni la galleria ha cercato di raccontare attraverso i suoi artisti e le sue mostre. Negli ultimi dodici anni sono stati esibiti principalmente pittori e scultori fortemente legati alla tecnica pittorica e alle tecniche tradizionali, tecniche che però, negli ultimi tempi, sono entrate in perfetta sintonia con la tecnica fotografica, complici altrettanto l’iper moderna visionarietà e il ritrovato culto del bello nonché un animismo generazionale volto a rinnovare temi spirituali ed emozionanti. Assistiamo infatti ad un grande cambiamento proprio nell’immaginario fotografico e ritroviamo nelle opere dei fotografi selezionati codici dell’arte di figura d’avanguardia che da sempre contraddistingue l’immaginario proposto dalla Dorothy Circus Gallery. L’attenzione a questa nuova proposta si basa non solo sulla magnificenza dello stile e della tecnica degli artisti che saranno presenti in mostra, ma ruota soprattutto intorno al concetto di vedere attraverso gli occhi di colui che sta fotografando, quel qualcuno che cattura un frammento di ciò che sfreccia davanti ai suoi occhi e che attraverso un processo creativo stupefacente, lo trasforma in un momento che può durare per sempre. Questa negazione e privazione del tempo, rappresenta una delle componenti più affascinanti dell’arte fotografica, che attraverso il suo realismo si trasforma in un momento eterno, e si lega, in un perfetto equilibrio, al lavoro degli artisti esposti finora il cui lavoro si basa da sempre su un immaginario filosofico e spirituale che unisce tematiche introspettive e profonde, con l’obiettivo di esporre un racconto che parli di umanità e che possa in qualche modo persistere nel tempo. Come scrisse Marcel Proust “Il vero viaggio della scoperta consiste non nella ricerca di nuovi paesaggi, ma nell’avere nuovi occhi”. La mostra sarà infatti legata al concetto più astratto di osservare attraverso gli occhi, perché mentre attraverso la pittura giochiamo con l’immaginazione, con la fotografia non stiamo entrando nell’immaginazione di un’artista, ma stiamo osservando attraverso i suoi occhi. È il vedere quello che sta vedendo un’altra persona. Lo spettatore viene infatti trasportato in un immaginario che si regge in perfetto equilibrio tra viaggio interiore ed esteriore, un viaggio che parte dal Sé per poi tramutarsi e sfociare in qualcosa di più grande, un qualcosa che comprende l’osservarsi e l’osservare. In questo modo, gli artisti presenti in mostra, ci racconteranno più storie, diverse tra loro ovviamente ma che alle volte si intrecceranno, si osserveranno e che, molto probabilmente, ci porteranno in luoghi che daranno completa libertà alla nostra immaginazione. Noi in quanto spettatori immaginiamo con e grazie agli scenari figurativi che ci vengono proposti. Un figurativo che alle volte prenderà le sembianze di un corpo umano, con i suoi segni che lo rendono unico e irriproducibile, mentre altre volte sarà un fiore o un bacio o altrettanto una casa infestata a concederci la libertà di immaginare dimensioni che non credevamo esistenti. In questa mostra si celebrano le forme più diverse e recondite dell’animo umano, si osserva e si cerca di dare forma a quelle sensazioni, a quei moti dell’animo umano, che spesso non hanno materia. Amore, rispetto, gioia, paura, forza e dolore trovano colori e sfumature in questa sequenza di immagini che offrono i panorami più disparati, per permettere a chiunque di immedesimarsi e lasciarsi accompagnare in questo viaggio. Sono stati selezionati dodici fotografi, ciascuno perché ci raccontasse e ci portasse un frammento irripetibile di realtà a noi lontana che allo stesso tempo è anche parallela alla nostra emozione. In mostra saranno presenti tra 4 e 6 lavori per ogni artista e le opere saranno divise tra la Dorothy Circus Gallery di Roma dove inaugurerà il 15 febbraio e quella di Londra inaugurando il 13 febbraio.

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The Dorothy Circus Gallery is pleased to inaugurate the 2020 programming by presenting an absolutely new project, the first Dorothy Circus exhibition dedicated entirely to photography. It’s about Chapter One of what will from now on be an annual review entitled Gray Circus which was born from an idea of Alexandra Mazzanti and Valentina Ilardi respective founders of Dorothy Circus and Gray magazine, magazine with a strong personality and influential leader in various sectors such as fashion, art, music and design. “What I have seen so Far” brings to the prestigious Dorothy Circus offices in London and Rome, for 13 years a reference for contemporary figurative art, the works of photographers selected internationally for their exceptional talent and imagination. On display: Laurent Chehere, Billy Kidd, Caitlin Cronenberg, Iness Rychlik, Anka Zhuravleva, Peppe Tortora, Karel Chladek, Arash Radpour, Jesse Herzog, Giuseppe Gradella, Mirko Viglino e Adriana Duque. The works on display highlight the strong bond established between contemporary photography and the foundations that the gallery has tried to tell through its artists and exhibitions in recent years. In the last twelve years, painters and sculptors strongly linked to the pictorial technique and traditional techniques have been exhibited, techniques that, however, in recent times have come into perfect harmony with the photographic technique, complicit in the same way as the hyper modern visionary and the rediscovered cult of beauty as well as a generational animism aimed at renewing spiritual and exciting themes. In fact, we are witnessing a great change in the photographic imagination and we find in the works of the photographers selected codes of avant-garde figure art that has always distinguished the imagination proposed by the Dorothy Circus Gallery. The attention to this new proposal is based not only on the magnificence of the style and technique of the artists who will be present in the exhibition, but above all revolves around the concept of seeing through the eyes of the one who is photographing, that someone who captures a fragment of what flashes before his eyes and which through an amazing creative process, transforms it into a moment that can last forever. This denial and deprivation of time represents one of the most fascinating components of photographic art, which through its realism is transformed into an eternal moment, and is linked, in perfect balance, to the work of the artists exhibited so far whose work it has always been based on a philosophical and spiritual imagery that combines introspective and profound themes, with the aim of exposing a story that speaks of humanity and which can some how persist over time. As Marcel Proust wrote “The real voyage of discovery consists not in seeking new landscapes, but in having new eyes”. The exhibition will in fact be linked to the more abstract concept of observing through the eyes, because while through painting we play with the imagination, with photography we are not entering the imagination of an artist, but we are observing through his eyes. It is seeing what another person is seeing. The spectator is in fact transported into an imaginary that stands in perfect balance between inner and outer journey, a journey that starts from the Self and then turns and flows into something bigger, something that includes observing and observing. In this way, the artists present in the exhibition will tell us more stories, different from each other of course but which at times will intertwine, observe themselves and which, most likely, will take us to places that will give complete freedom to our imagination. We as spectators imagine with and thanks to the figurative scenarios that are proposed to us. A figurative that at times will take on the appearance of a human body, with its signs that make it unique and irreproducible, while at other times it will be a flower or a kiss or just as a haunted house to give us the freedom to imagine dimensions that we did not believe existed. In this exhibition we celebrate the most diverse and hidden forms of the human soul, we observe and try to give shape to those sensations, to those movements of the human soul, which often have no matter. Love, respect, joy, fear, strength and pain find colours and shades in this sequence of images that offer the most varied panoramas, to allow anyone to identify themselves and be accompanied on this journey. Twelve photographers have been selected, each to tell us and bring us an unrepeatable fragment of reality far away from us which at the same time is also parallel to our emotion. The exhibition will present between 4 and 6 works for each artist and the works will be divided between the Dorothy Circus Gallery in Rome where it will inaugurate on February 15 and that of London inaugurating on February 13.

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ÂŠ Mirko Viglino

WHAT I HAVE SEEN SO FAR Private Opening Dorothy Circus Gallery London - 13th February 2020 Dorothy CircusGallery Rome - 15th February 2020 Starting from 6.30p.m IT | info@dorothycircusgallery.com UK | Info@dorothycircusgallery.uk

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THE “LOVE DIFFERENT” SHOW Art Basel Miami 2019

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Presentiamo il nostro nuovo claim del marchio “Love Different” e la nostra nuova collezione 2020 nell’Art Basel Miami Beach con uno spettacolo che esplora il simbolo universale dell’amore: il bacio. Miami Beach, 9/12/2019. Incitiamo quattrocento persone un venerdì sera nell’Art Basel Miami Beach a baciarsi. A baciarsi molto. Ad apprendere ad amare in modo diverso, divertendosi alla grande. Non si tratta di un baccanale, ma di una performance artistica con cui lanciamo il nostro nuovo claim del marchio. Un’opera diretta dall’artista catalana Carlota Guerrero, con un after-party capitanato dalla DJ The Black Madonna. Un incontro in uno degli spazi di Art Déco più emblematici della città, The Temple House, riproposto in casa di mapping.

We present our new claim of the “Love Different” brand and our new 2020 collection in Art Basel Miami Beach with a show that explores the universal symbol of love: the kiss. Miami Beach, 9/12/2019. We encourage four hundred people to kiss each other on a Friday night in Art Basel Miami Beach. To kiss a lot. To learn to love in a different way, having great fun. This is not a bacchanal, but an artistic performance with which we launch our new brand claim. A work directed by the Catalan artist Carlota Guerrero, with an after-party led by DJ The Black Madonna. A meeting in one of the most emblematic Art Deco spaces in the city, The Temple House, re-proposed in the mapping house.

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L’emozione più naturale: l’emozione del bacio e del nudo. Entri in una grande sala con una scultura di due grandi umani al fondo, quando uno sconosciuto ti si avvicina e ti chiede di metterti una tuta bianca con cui poterti camuffare tra i partecipanti. La gente si disperde nello spazio e le luci cambiano. Entrano sfilando in modo frenetico trenta persone dai diversi stili, età, stature, dimensioni e culture. Queste trenta persone ballano libere e saltano in aria. Cercano il loro posto nella scultura, e in questo momento tutto cambia. Luce, musica e movimenti diventano incontri. Coppie e trii si guardano e si baciano... un bacio eterno, lungo. Un bacio collettivo, che inonda lo spazio e che diffonde tra il pubblico la voglia di baciare... la partecipazione della sala aumenta. E quindi sensualità, eccitazione, provocazione, la luce bassa, e poi compare il nudo. I trenta corpi che formano il bacio lasciano intravedere i loro corpi e, proprio quando pensavi che la performance era ormai finita... inizia una festa dall’altra parte della sala con The Black Madonna, portabandiera del LOVE, mentre lo spazio si riempie di animazioni di Mau Morgo che rappresentano il bacio eterno, dall’alba al tramonto, di diverse coppie e trii in 3D. Lo spazio si riempie di rosa, la musica continua e tutti ballano... Ecco com’è la prima rappresentazione di ciò che significa per noi Love Different: una performance iconica piena di emozioni ed energia sessuale dal linguaggio universale... il bacio. Noi di Desigual adoriamo i baci. Perché amiamo l’amore. E adoriamo i nudi. Perché amiamo il naturale. Siamo emozione e siamo umani. Tour di baci, persone nude nei nostri negozi, coppie di ogni tipo che si baciano e anche foto iconiche di trii hanno preso parte alle campagne di questa azienda in passato. Per questo ci sentiamo così a nostro agio con la direzione intrapresa da Carlota Guerrero per rappresentare il nostro nuovo claim. Perché Love Different per noi significa amare le tue differenze. Ed è anche amare in modo diverso.

The most natural emotion: the emotion of kiss and naked. You enter a large room with a sculpture of two great humans at the bottom, when a stranger approaches you and asks you to put on a white suit with which you can disguise yourself among the participants. People scatter in space and the lights change. Thirty people of different styles, ages, stature, sizes and cultures enter frantically. These thirty people dance free and jump in the air. They seek their place in sculpture, and at this moment everything changes. Light, music and movements become encounters. Couples and trios look a teach other and kiss each other ... an eternal, long kiss. A collective kiss that floods the space and spreads the desire to kiss among the public... the participation of the room increases. And then sensuality, excitement, provocation, low light, and then the nude appears. The thirty bodies that make up the kiss let their bodies glimpse and, just when you thought the performance was now over ... start a party across the hall with The Black Madonna, LOVE’s flag bearer, while the space fills up with Mau Morgo animations that represent the eternal kiss, from sunrise to sunset, of several couples and trios in 3D. The space is filled with pink, the music continues and every one is dancing ... This is how the first representation of what Love Different means to us: an iconic performance full of emotions and sexual energy with a universal language... the kiss. We at Desigual love kisses. Because we love love. And we love nudes. Because we love the natural. We are emotion and we are human. Tour of kisses, naked people in our stores, couples of all kinds kissing and even iconic photos of trio shave taken part in the campaigns of this company in the past. This is why we feel so comfortable with the direction taken by Carlota Guerrero to represent our new claim. Because for us, Love Different means loving your differences. It is also to love in a different way.

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#GAddicted THE GLAMOURAFFAIR INSTAGRAM SELECTION

PHOTO @alfredospagna_fotografia COLLABORATION @zanardi.lara

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Photo: @resetphoto Models: @martynaboni | @scarsell98

2. Photo: @cristina_di_rocco_fotografa⠀ Model: @giorgiacoccia13⠀ 3. Photo: @mazzarolo Collab: @simone_colucciello Model: @frencyfronzoni⠀ 4. Photo: @aau__photo Model: @sergeant_ice

5. Photo: @matteobevilacquaph Model: @_glo.sal

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6. Photo: @phtommasoaprilino â &#x20AC; Model: @gabrieleservoli 7. Photo: @alessio_mapelli & @misspiace_ Model: @queen.jho 8. Photo: @sguardodiverso Model: @francescaparpaglione 9. Photo: @adebrune_photo Model: @cmpchr 10. Photo: @andrea.gargalli.ph Model: @giorgiasoleri_ 8

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11. Photo: @zanardi.lara Collab: alfredospagna_fotografia ⠀ Model: @laurealuminosa⠀ 12. Photo: @stefano.emme Model: @my_face_16_85 13. Photo: @matteo.quaiattini Model: @degano.gabriele 14. Photo: @alessiogiulianoph Model: @kellyosareme⠀ 13

15. Photo: @kevin_daniel_photography Model: @jennycorazza⠀

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Me with... ELISA PAGANOâ&#x20AC;&#x2122;S WORKSHOP

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PHOTO: Andrea Calissi | MODELS: @elisa.pagano.1988, @lucilla.jiggly

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PHOTO: Andrea Calissi | MODELS: @elisa.pagano.1988, @giada__f_

Ho dedicato 10 anni alla fotografia e mi sembrava doveroso festeggiare. Quale miglior modo se non circondarmi di colleghe che condividono la mia passione? Cosí è nato il “ME WITH...”, un evento al mese per un anno intero, location ricercate, master di spicco e modelle strepitose. Il primo evento si é svolto a novembre nella romantica location di “Villa San Simone” con Alessandra Giulia e Giulia Bonci. Alessandra la conoscevo già ma la sua grinta mi sorprende sempre. Di Giulia mi ha sorpreso la sua dolcezza. A dicembre ho avuto il piacere di conoscere Giada Forte e Lucilla Materazzi. Inoltre l’immancabile unica e inimitabile Giulia Rocambole. Giada è sensualità allo stato puro mentre Lucilla ha uno sguardo che stende. Giulia invece...é Giulia, bella, simpatica e una cara amica. Villa Stanley a Firenze ci ha ospitato e ha incorniciato egregiamente questo servizio fotografico. Per l’occasione la stilista fiorentina Giulia Bechi ci ha onorato vestendoci con i suoi abiti fiabeschi. Siete curiosi di conoscere le prossime modelle? Per adesso vi lascio con un piccolo assaggio fotografico...

I spent 10 years in photography and it seemed right to celebrate. What better way than surround myself with colleagues who share my passion? So was born the “ME WITH...”, an event a month for a whole year, exclusive locations, leading masters and amazing models. The first event took place in November in the romantic location of “Villa San Simone” with Alessandra Giulia and Giulia Bonci. I already knew Alessandra but her determination always surprises me. Giulia surprised me with her sweetness. In December I had the pleasure of meeting Giada Forte and Lucilla Materazzi. In addition, the inevitable unique and inimitable Giulia Rocambole. Giada is pure sensuality while Lucilla has a gaze that extends. Giulia instead... is Giulia, beautiful, nice and a dear friend. Villa Stanley in Florence hosted us and framed this photo shoot very well. For the occasion, the Florentine designer Giulia Bechi honored us by dressing us in her fairytale dresses. Are you curious to know the next models? For now I leave you with a little photo taste...

WEBSITE | elisapagano.com INSTAGRAM | @elisa.pagano.1988 FACEBOOK | Elisa Pagano

PHOTO: Andrea Sbisà | MODELS: @lucilla.jiggly, @elisa.pagano.1988, @juliettejulie_, @giada__f_

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PHOTO: Alessio Senese | MODEL: @bobonco

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PHOTO: Simona Pistolozzi | MODELS: @elisa.pagano.1988, @bobonco

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PHOTO: Alessio Mastroianni | MODEL: @alessandra_giulia

PHOTO: Adamo De Rosa | MODEL: @juliettejulie_

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HERE FASHION HUB www.here-cc.com | info@here-cc.com La nostra missione è unire la Cina con l’Europa in nome della moda e del design. L’azienda nasce ad Hong Kong e si ramifica nel suo piano di internazionalizzazione con prima sede a Milano. La netta impronta cross-cultural e la capacità produttiva hanno dato vita al progetto Here, creare uno spazio multi-servizi che possa proporre soluzioni innovative per quei brand che desiderano volgersi verso l’oriente, e viceversa. Attraverso relazioni professionali di riferimento per la ricerca, ideazione, e sviluppo del prodotto moda Here propone solo le migliori risorse a supporto di aziende.