GAVision 2022_07.08 by Glamour Affair

2 n. 2022/07.0822 105685333241754261768494 AURELIO AMENDOLA cover guest YOU SI chinese artist WORLD’S BEST ARCHITECTURE award MICHELE PALAZZO portfolio MASSIMILIANO CARDIA film academy 12TH STREET TOWNHOUSE home design THE KISS - Berengo Gardin photo master CESARE CATANIA italian artist IMPRESSIONI D’ORIENTE photo exhibition PROJET PILOTE distillery design ARCANGELO SASSOLINO Venice Biennale DOSSIER 04/2022 community selection READ ON glamouraffair.vision RIVISTA BIMESTRALE DI FOTOGRAFIA, ARTE E DESIGN BIMONTHLY REVIEW OF PHOTOGRAPHY, ART AND DESIGN Registrazione al Tribunale di Milano n° 27 del 14/02/2019 Registration at the Law Court of Milan n° 27 of 14/02/2019 Cover Credits © AURELIO AMENDOLA - Andy Warhol, The Factory, 1977 Editorial Staff Direttore responsabile | Editor in Chief ALESSIO GILARDI Direttore artistico | Art Director FLAVIO TORRE - satisfystudio photo Direttore digitale | Digital Director STEFANO ALESSANDRAMONICAELEONORAMARIACollaborazioniGILARDI|CollaborationsVITTORIABARAVELLIANNABOVELANDROSCARCI Contact WEBSITE | www.glamouraffair.vision E-MAIL | INSTAGRAMFACEBOOKinfo@glamouraffair.vision|www.facebook.com/glamouraffairpage|www.instagram.com/glamouraffair Publisher QUADRIFOLIUM GROUP Srl P.zza XX Settembre, 40 23900 Leccoinfo@quadrifoliumgroup.comwww.quadrifoliumgroup.comItaly ©2022 - All rights reserved Printer G&G srl Via Redipuglia, 20 35131 Padova

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4 ©AurelioAmendola1977.Factory,TheWarhol,Andy

AMENDOLA

AURELIO FOTOGRAFARE L’ETERNITÀ di Maria Vittoria Baravelli

Maria Vittoria Baravelli: Che cos’è l’arte per te?

Aurelio Amendola: Art, what can I tell you, for me is everything. Art is my whole life because on the threshold of my twenties I met the artist Marino Marini. I certainly didn’t know then what art was but since then, since that meeting, since that moment when I realized I didn’t understand anything, my life has never been the same. And that’s how I grew up with them, with artists, who today are indelible reminders of the 1900s.

AA: Molti continuano a dire sempre più a gran voce che la fotografia sia arte. Questo lo lascio dire a loro io continuo a definirmi un fotografo. Certo che il mezzo fotografico non registra solamente la realtà, soprattutto una volta con la camera oscura. Lo sviluppo è come il pennello di un artista, decidi tu i grigi, i toni. Tra la fotografia fine a se stessa e la camera oscura preferisco il momento dello sviluppo, i passaggi, la stanza nera, la solitudine i solventi e gli acidi. Gli odori. Lavori ed usi le mani proprio come fa un artista. In questo senso un fotografo crea un’opera. La plasma.

AA : Many people keep saying more and more loudly that photography is art. I leave that to them I still call myself a photographer. Of course the medium of photography doesn’t just record reality, especially once with the darkroom. Development is like an artist’s brush, you decide the grays, the tones. Between photography for its own sake and the darkroom I prefer the moment of devel opment, the steps, the black room, the solitude the solvents and acids. The smells. You work and use your hands just like an artist does. In this sense a photographer creates a work. He shapes it.

MVB: E la fotografia?

MVB: What about photography?

Maria Vittoria Baravelli: What is art for you?

Aurelio Amendola: L’arte cosa ti posso dire, per me è tutto. L’arte è tutta la mia vita perché sulla soglia dei vent’anni conobbi l’artista Marino Marini. Non sapevo certo allora cosa fosse l’arte ma da allora, da quell’incontro, da quel momento in cui capii di non avere capito nulla, la mia vita non è stata più la stessa. Ed è così che sono cresciuto con loro, con gli artisti, che oggi sono dei ricordi indelebili del 1900.

Amendola©AurelioMainolfi.LuigidiSulture1999.Montemarcello,Leonardo,diDonna

MVB: What about the last artist you photographed?

AA: The most alive that alive you couldn’t was Gillo Dorfles, a giant of the past, on the other hand, was really Gian Lorenzo Bernini.

AA: At a certain point in my youth, when I returned from a trip to Rome where I had met Marino Marini, a curator, critic and friend Gian Lorenzo Melloni asked me to photograph the work of Giovanni Pisano, the pulpit of Sant’Andrea. I didn’t know how to do that also because in those years there was practically no one photographing the sculpture. If I see those photos again today I certainly don’t like them, but they were important to me. They were also for them, for the Cassa di Risparmio di Pistoia that even made a book and so it was partly by chance partly by my own passion that this desire of mine to photograph the material, the sculpture, was born. The need, as they would tell me years later, to make the sculpture speak. And how do you do that? The secret is light. Then some time later I found myself in Forte dei Marmi talking with Marino Marini because he entrusted me to do a book of his sculptures.

MVB: Far parlare la materia, far parlare Gian Lorenzo Bernini significa avvicinarsi molto all’eternità AA: L’eternità per me è meravigliosa. Partendo da Pisano, dopo anni e anni di ricerca ed esperienza sono arrivato a fotografare sculture famosissime come quelle di Miche langelo. Ho realizzato vari libri su questo, uno tra tutti quello tirato a 33 copie edito da FMR. Credo sia venduto a centomila euro adesso.

MVB: To make matter speak, to make Gian Lorenzo Bernini speak is to get very close to eternity AA: Eternity for me is wonderful. Starting with Pisano, after years and years of research and experience I came to photographing very famous sculptures like Michelangelo’s. I have made several books on this, one of them being the one that was pulled at 33 copies published by FMR. I think it is sold for 100,000 euros now.

AA: Questa è una bella domanda soprattutto perché non c’è una risposta o meglio, io ho bisogno di entrambi. Mi sento a mio agio a fotografare gli artisti, andare a pranzo con loro come facevo sempre con Burri, con De Chirico E Kounellis, ma con lo stesso entusiasmo con cui amo parlare e sentire la

AA: il più vivo che vivo non si poteva è stato Gillo Dorfles, un gigante del passato invece è stato proprio Gian Lorenzo Bernini.

MVB: Nelle tue centinaia di fotografie bellissime non riesco mai a capire se preferisci relazionarti alla scultura fine a se stessa oppure a fotografare gli artisti

MVB: E l’ultimo artista che hai fotografato?

AA: Ad un certo punto della mia giovinezza, tornato da un viaggio a Roma in cui avevo incontrato Marino Marini un curatore, critico e amico Gian Lorenzo Melloni mi chiese di fotografare l’opera di Giovanni Pisano, il pulpito di Sant’Andrea. Mica sapevo farlo anche perché in quegli anni non c’era prati camente nessuno che fotografasse la scultura. Se rivedo quelle foto oggi certo non mi piacciono, ma furono importanti per me. Lo furono anche per loro per la Cassa di Risparmio di Pistoia che fece addirittura un libro e fu così un po’ per caso un po’ per passione mia che nacque questa mia voglia di fotografare la materia, la scultura. La necessità come mi avrebbero detto anni dopo di far parlare la scultura. E come si fa? Il segreto è la luce. Poi qualche tempo dopo mi ritrovai a Forte dei Marmi a parlare con Marino Marini perché mi affidò la realizzazione di un suo libro di sculture.

MVB: I tuoi scatti sono oramai considerati vere e proprie opere d’arte, non è un caso che la tua ricerca personale in campo fotografico sia nata in stretta relazione alla storia dell’arte, è corretto?

MVB: Your shots are now considered true works of art, it is no coincidence that your personal research in the field of photography came about in close relation to the history of art, is that correct?

7 Amendola©AurelioMainolfi.LuigidiSulture2013.Fregene,Ceroli,Mario

8 Amendola©Aurelio2004.SarajevoKounellis,Jannis

MVB: I love your photographs of Mario Ceroli, him with his wings. Can you tell me about your friendship?

AA: This is a good question mainly because there is no answer or rather, I need both. I feel comfortable photographing artists, going to lunch with them as I used to do with Burri, with De Chirico and Kounellis, but with the same enthusiasm with which I love to talk and hear the voice of others so much I enjoyed the long silences in the night in the Medici Chapels when I was photographing Michelangelo and Bernini. Not a voice, just the sound of changing plates. Contemplation and then, however, action as in the photographs of Burri’s combustions and Nitsch’s pours of color.

MVB: Nel tuo libro monografico “Aurelio Amendola, un’an tologia” edito da Treccani sono presentate molte immagini di artisti nei loro studi. Quanto è stato importante vedere lo spazio di azione di ognuno di loro?

AA: A friendship born many, many years ago through a director from Pistoia. I immediately became friends with Mario, and on the occasion of an exhibition of mine at Giorgio Marconi’s I tried to make a series of Happening photographs. So it was October, a time that turns to late autumn, and Ceroli had me take the pictures in his studio. It was beautiful that place but the photos didn’t convince me. So even though I played the part of a pain in the ass we finally went to Fregene. We took the pictures in an hour. The next morning I developed the pictures which I then showed to Mario for lunch, it makes me smile to think that he said “you are a big pain in the a..., but it’s a good thing you are there!”

Amendola©Aurelio2003.BolognaParmiggiani,Claudio

MVB: In your monographic book “Aurelio Amendola, un’an tologia” published by Treccani, many images of artists in their studios are presented. How important was it to see the space of action of each of them?

AA: Un’amicizia nata tantissimi anni fa attraverso un regista pistoiese. Divenni subito amico di Mario e in occasione di una mia mostra da Giorgio Marconi cercai di realizzare una serie di fotografie di Happening. Così era ottobre, un tempo che volge all’autunno inoltrato e Ceroli mi fece fare le foto nel suo studio. Era bellissimo quel posto ma le foto non mi convincevamo. E così anche se ho fatto la parte del rompi coglioni siamo infine andati a Fregene. Le fotografie le abbiamo scattate in un’ora. La mattina dopo ho sviluppato le immagini che poi ho mostrato a Mario per pranzo, mi fa sorridere pensare che mi disse “tu sei un grande rompi c…, ma meno male che ci sei!”

Lo spazio racconta l’uomo più di quanto si pensi in realtà. Ci sono degli studi che ricordo con affetto da Lichtestein a New York a quello di Mario Ceroli vicino a Roma, uno dei posti più speciali che ricordi.

MVB: In your hundreds of beautiful photographs I can never tell if you prefer to relate to sculpture as an end in itself or to photo graphing artists

AA: Io ho sempre e cercato solo quello. Vedere i loro luoghi di lavoro, i loro nidi. Il loro disordine oppure l’ordine maniacale.

9 voce degli altri tanto mi sono piaciuti i lunghi silenzi nella notte delle Cappelle Medicee, quando fotografavo Michelangelo e Bernini. Non una voce, solo il rumore del cambio delle lastre. La contemplazione e poi però l’azione come nelle fotografie delle combustioni di Burri e i versamenti di colore di Nitsch.

MVB: Io adoro le tue fotografie di Mario Ceroli, lui con le sue ali. Mi racconti della vostra amicizia?

AA: I have always sought only that. To see their workplaces, their nests. Their disorder or manic order. Space tells more about humans than we actually think. There are studios I remember fondly, from Lichtestein to New York to Mario Ceroli’s near Rome, one of the most special places I remember.

MVB: In 2016 the Uffizi dedicated the first art exhibition to a photographer. The theme Andy Warhol.

Amendola©Aurelio1971.,ParigiRecalcatiAntonioAmendola©Aurelio1973.Venezia,ChiricodeGiorgioAmendola©Aurelio1977.YorkNewLichtenstein,Roy

MVB: Ma torniamo alla foto della nostra cover, la serie di Andy Warhol A.A. successe che ero a New York con un mio amico e dopo una serata passata da Iolas il famoso gallerista tornati a casa gli chiesi se potesse mettermi in contatto con Andy Warhol, che mi sarebbe piaciuto fotografarlo. Noi non avevamo il numero ma fortunatamente sull’elenco del telefono la factory era segnalata così chiamammo. Io non parlavo una parola di inglese ma fu divertente perchè scoprii ben presto che la segretaria di Andy non era americana bensì di Padova. Fece l’errore di chiedermi chi fossi io per voler fotografare Mr Warhol e li mi arrabbiai parecchio. Anche perchè io avevo già fotografato Marino Marini e De Chirico che in quel periodo erano già molto più famosi di lui. So solo che mi mise un attimo in attesa e avevo paura di finire i gettoni, li ho usati tutti ma fortunatamente mi diedero appuntamento l’indomani alle 11 di mattina. Puntuale elegan tissimo con i jeans e gli stivaletti. È stato favoloso perchè voleva parlare italiano mentre io non sapevo tanto parlare inglese.

MVB: Con molti artisti hai viaggiato, uno tra tutti Kounellis. Sei andato in Messico e poi a New York. Siete riusciti ad intra prendere un rapporto lavorativo ed amicale così profondo tanto da aver firmato a quattro mani un’opera. Mi sono sempre chiesta quanto uno scatto di una istallazione sia del fotografo o quanto sia dell’artista che ha realizzato l’installazione stessa. È un dubbio sensato?

MVB: nel 2016 gli Uffizi ha dedicato la prima mostra d’arte ad un fotografo. Il tema Andy Warhol.

AA: It happened that I was in New York with a friend of mine and after an evening spent at Iolas the famous art dealer, back home I asked him if he could put me in touch with Andy Warhol, that I would like to photograph him. We did not have the number but fortunately in the phone book the factory was listed so we called. I did not speak a word of English but it was funny because I soon found out that Andy’s secretary was not American but from Padua. She made the mistake of asking me who I was to want to photograph Mr. Warhol and there I got very angry. Also because I had already photographed Marino Marini and De Chirico who at that time were already much more famous than he was. All I know is that she put me on hold for a moment and I was afraid I would run out of tokens, I used them all but fortunately I was given an appointment the next day at 11 a.m. Punctually, elegant in jeans and ankle boots. It was fabulous because he wanted to speak Italian while I didn’t know how to speak English so much.

AA: For me it was such a thrill when then-director Antonio Natali asked me to do an exhibition there.

MVB: You have traveled with many artists, one among them Kounellis. You went to Mexico and then to New York. You were able to enter into a working and friendly relationship so deep that you signed a work four hands. I’ve always wondered how much of an installation shot is by the photographer or how much is by the artist who made the installation itself. Is this a meaningful question?

AA: A questo dubbio non c’è una risposta in realtà io so solo cosa ho cercato di fare io. Di essere onesto. Quando abbiamo deciso di fotografare la donna in stato interessante la luce dell’installazione non rendeva bene in foto. Ho dovuto chiedere a Jannis, il suo parere, la possibilità o meno di aggiungere una luce, perché di fatto aggiungendola avrei alterato la sua visione dell’installazione. Lui mi chiede di realizzare due fotografie, una dell’installazione così com’era ed una con l’aggiunta di una luce per me necessaria. Alla fine scelse la seconda, con il mio tocco di luce e fu un signore come solo i grandi sanno fare ed abbiamo firmato quell’opera insieme realizzata a quattro mani.

MVB: But back to our cover photo, the Andy Warhol series.

AA: Per me è stata una tale emozione quando l’allora direttore Antonio Natali mi chiese di fare una mostra lì.

11 Amendolala©AurelioCastello.diCittà1976.Burri,Alberto

12 Amendola©Aurelio2016.Lajatico,DorflesGillo

MVB: E lo hai rivisto? AA: Certo che l’ho rivisto. Patrizia mi diede sempre appunta mento alla Factory la mattina seguente. Sempre alle undici ovviamente!

trare Warhol. Gli chiesi ridendo se si ricordasse ancora di me, glielo chiesi per interposta persona. Sandro Chia la sera stessa mi chiamò per dirmi che Warhol voleva rivedermi, che era disposto a fare altre fotografie.

MVB: But the pictures of Andy Warhol then you gave them to him?

MVB: And did you see him again? AA: Of course I saw him again. Patrizia gave me again an appointment at the Factory the next morning. Always at eleven o’clock of course! Intervista di / Interview by MARIA VITTORIA BARAVELLI

MVB: Your archive is a real treasure.

(@mariavittoriabaravelli) WEBSITE | FACEBOOKINSTAGRAMaurelioamendola.it|@aurelioamendola|AurelioAmendolaFotografo Amendola©Aurelio2009.-Milanorosone)(particolareMilanodiDuomo

AA: It is a giant and complex archive because it encompasses the ancient and the modern. The artists of the 1900s who will exist in the collective imagination forever. I have chronicled a historical period that is timeless. I am very proud of this aspect because I have done with light what artists usually do with their hands or brush, they make matter speak and make eternity exist

AA: è un archivio gigante e complesso perché racchiude l’antico ed il moderno. Gli artisti del 1900 che esisteranno nell’immaginario collettivo per sempre. Ho raccontato un periodo storico che è senza tempo. Io sono molto orgoglioso di questo aspetto perché ho fatto con la luce quello che gli artisti di solito fanno con le mani o con il pennello, fanno parlare la materia e fanno esistere l’eternità

AA: Pensa un po’ che la prima volta che lo incontrai non gliele diedi mai, pensavo avesse troppe foto per essere interessato alle mie. Tanti anni dopo negli anni 70 inoltrati tornai a New York con l’amico artista Sandro Chia. Mi disse che una sera non sarebbe potuto venire a cena con me perché doveva incon

AA: Think that the first time I met him I never gave them to him, I thought he had too many pictures to be interested in mine. Many years later in the late 1970s I went back to New York with my artist friend Sandro Chia. He told me that one night he could not come to dinner with me because he was meeting Warhol. I asked him laughingly if he still remembered me, I asked him through an intermediary. Sandro Chia called me the same evening to tell me that Warhol wanted to see me again, that he was willing to take more photographs.

MVB: Ma le foto di Andy Warhol poi gliele hai date?

MVB: Il tuo archivio è un autentico tesoro

AA: To this doubt there is no answer, really I only know what I tried to do. To be honest. When we decided to photograph the pregnant woman, the light from the installation did not render well in the picture. I had to ask Jannis, his opinion, whether or not to add a light, because in fact adding it would have altered his view of the installation. He asked me to take two photographs, one of the installation as it was and one with the addition of a light that was necessary for me. In the end he chose the second one, with my touch of light, and he was a gentleman as only great people can be and we signed that work together made by four hands.

Nelle sue opere, le linee sono delicate, eleganti, ma anche ritmiche e potenti, subordinando lo spazio, la texture e il colore per esaltare la decoratività e anche la profondità. Linee e forme sinuose, organiche e asimmetriche come fiori, petali e boccioli, come viticci curvilinei o chioc ciole a spirale, sono presenti in tutte le sgargianti composizioni di grandi dimensioni, dando allo spettatore la sensazione di immergersi in questo mondo bellissimo e strano. Sono rimasta ipnotizzata dall’effetto tridimensionale delle sue opere che, insieme alle superfici di grandi dimensioni, crea la sensazione di essere assorbiti dai dipinti, entrando così in un mondo fanta stico e meraviglioso, ma anche in uno stato trascendentale e spirituale.

Describing his works as mental realms, You Si elaborates an “aesthetics” of the micro-reality that illustrates the beauty, the tensions, and the ordered chaos of the real world, placed masterly in symphonic like compositions. Concluding, there are very few contemporary Chinese artists like You Si that show inventiveness, originality (so rare today) and desire to redefine traditional ink painting.

YOU SI 2017FLOWERS,

Descrivendo le sue opere come regni mentali, You Si elabora una “estetica” della micro-realtà che illustra la bellezza, le tensioni e il caos ordinato del mondo reale, inseriti magistralmente in composizioni di tipo sinfonico. In conclusione, ci sono pochissimi artisti cinesi contempo ranei come You Si che mostrano inventiva Living so many years abroad (Australia and USA), You Si’s soul remains untouched by the Pop Art’s glam, the Conceptualist “thinkers” of the present or the easiness of an Abstraction void of any kind of ideas. It would have been very easy for him to copy the Western art (as we frequently see that in many Chinese contemporary artists’ works) he saw around him at that time, but his soul remained faithful to what he studied in China – ink painting. His experience abroad was helpful for reaching a pseudo-abstraction in depicting the world surrounding him and for experimenting, for finding the right tools in order to achieve the best painterly expression. I say pseudo-abstraction because it is not entirely abstract, nor figurative art, his compositions showing a playful mind set for joining, juxtaposing, overlapping and hiding the forms. If earlier artworks showed a higher tendency towards figuration (depicting flowers, the Garden of Eden, the jungle, the forest – 2015-2016), You Si approaches over-zoomed images of the nature surrounding him or of a microscopic detail of an unknown object, choosing intricate abstractions, colorful networks and powerfully inventive entrelacs like a contemporary miniature painter. When looking at his paintings I could feel his closeness to the medieval illuminated manuscripts (his designs and forms reach the smallest dimensions) and to the Art Nouveau style (like Gustav Klimt’s manner of dissolution the real into abstraction reaching high decorativeness). In his works, the lines are delicate, elegant, but also rhythmic and powerful, subordinating the space, the texture and the colour in order to enhance the decorativeness and also the depth.

Sinuous, organic, asymmetrical lines and forms like flowers, petals and buds, like curvy vine tendrils or spiral snails, are present throughout the flamboyant compositions of large dimensions, giving the viewer the feeling of immersing into this beautiful and strange world altogether. I was mesmerized by the 3D effect of his works which, together with the large sized surfaces, created the feeling of being absorbed by the paintings, entering, thus, a fantastic, wonder world, but also a transcendental, spiritual state.

17 Avendo vissuto tanti anni all’estero (Australia e Stati Uniti), l’anima di You Si non è stata toccata dal glamour della Pop Art, dai “pensatori” concettuali del presente o dalla facilità di un’astrazione priva di qualsiasi tipo di idee. Sarebbe stato molto facile per lui copiare l’arte occidentale (come spesso vediamo nelle opere di molti artisti cinesi contemporanei) che vedeva intorno a sé in quel periodo, ma la sua anima è rimasta fedele a ciò che ha studiato in Cina: la pittura a inchiostro. L’espe rienza all’estero gli è stata utile per raggiungere una pseudo-astrazione nella rappresentazione del mondo che lo circondava e per sperimentare, per trovare gli strumenti giusti per raggiungere la migliore espressione pittorica. Dico pseudo-astrazione perché non si tratta di un’arte comple tamente astratta, né di un’arte figurativa, le sue composizioni mostrano una mentalità giocosa nell’unire, giustapporre, sovrapporre e nascondere le forme. Se le opere precedenti mostravano una maggiore tendenza alla figurazione (raffiguranti fiori, il giardino dell’Eden, la giungla, la foresta - 2015-2016), You Si si avvicina a immagini over-zoomed della natura che lo circonda o a un dettaglio microscopico di un oggetto sconosciuto, scegliendo astrazioni intricate, reti colorate e intrecci fortemente inventivi come un pittore di miniature contemporaneo. Osservando i suoi dipinti ho percepito la sua vicinanza ai manoscritti miniati medievali (i suoi disegni e le sue forme raggiungono le dimensioni più piccole) e allo stile Art Nouveau (come il modo di Gustav Klimt di dissolvere il reale in astrazione raggiungendo un’elevata decoratività).

18 GARDEN, 2017

19 FLOWERS, 2018

20 FLOWERS, 2018

21 FLOWERS, 2018

22 GARDEN, 2015

23 GARDEN, 2017 Courtesy of ARTZ GALLERY, Shanghai www.artzspace.art | @artzgallerysh

24 World’s Best Architecture 2022 A+AWARDS by Architizer

25 Ice cubes by Zone of Utopia + Mathieu Forest Architecte, Xinxiang, China, A+Awards Jury and Popular Choice Winner in the Architecture + Glass category, Popular Choice Winner in Cultural & Expo Centers category. Photo credit: ArchExist

Jason Pugh AIA, AICP, NOMA, LEED AP, Principal, Gensler

Architizer, the world’s leading online platform for architecture, announces the winners of the 10th Annual Architizer A+Awards.

Jason Pugh AIA, AICP, NOMA, LEED AP, direttore, Gensler Alla loro decima edizione, gli A+Awards hanno ricevuto oltre 5.000 candidature da più di 100 Paesi, tra cui progetti innovativi che cercano di affrontare le complesse sfide che il mondo di oggi si trova ad affrontare, dal cambiamento climatico e la pandemia COVID 19, all’urbanizzazione e alle disuguaglianze economiche. Tra i giurati di spicco figurano Julie Eizenberg FAIA, FRAIA (Founding Principal Fyrgani by AKA Architects, Sifnos island, Greece, A+Awards Jury Winner in the Architecture +Color category. Photo credit: Cathy Cunliff

“The quality of the work featured this year was both astounding and inspiring. Expressional use of light, color and materiality were brilliantly displayed, and I was particularly impressed with projects that managed to successfully balance the critical regiments of various programs seamlessly against existing surrounding context and communities.”

In its 10th season, the A+Awards received over 5,000 entries from 100+ countries, including a plethora of innovative projects seeking to address the complex challenges facing the world today — from climate change and the COVID 19 pandemic, to urbanization and economic inequity. Notable Jurors included Julie Eizenberg FAIA, FRAIA (Founding Principal, Koning I vincitori della decima edizione degli A+Awards evidenziano un decennio di innovazione nel design. Architizer, la principale piattaforma online per l’architettura, annuncia i vincitori della decima edizione degli Architizer A+Awards. Fondati con l’intento di democratizzare l’archi tettura, gli A+Awards sono il programma di premiazione più grande e internazionale del settore e premiano le migliori architetture e i migliori spazi di tutto il mondo. Per celebrare il suo 10° anniversario, il programma di questa stagione è stato ampliato per includere il nuovo “Firm of the Year” A+Awards, oltre a introdurre una gamma diversificata di nuovi giurati per aiutare a selezionare l’architettura contemporanea più innovativa e d’impatto del mondo. Dopo che un numero senza precedenti di candidature è stato esaminato dalla giuria e dal pubblico mondiale, l’ultima collezione di vincitori costituisce una vibrante celebrazione dell’eccezionale design degli ultimi dieci anni. “La qualità dei lavori presentati quest’anno è stata sorprendente e stimolante. L’uso espressivo della luce, del colore e della materialità è stato brillantemente mostrato, e sono rimasto parti colarmente colpito dai progetti che sono riusciti a bilanciare con successo i regimi critici dei vari programmi senza soluzione di continuità con il contesto e le comunità circostanti”.

Founded on the premise of democratizing architecture, the A+Awards is the industry’s largest and most international awards program and honors the best architecture and spaces from across the globe. To celebrate its 10th anniversary, this season’s program was expanded to include the new “Firm of the Year” A+Awards, as well as introducing a diverse range of new jurors to help select the world’s most innovative and impactful contemporary archi tecture. After an unprecedented number of submissions were reviewed by the jury and the global public, the latest collection of winners forms a vibrant celebration of outstanding design from throughout the past decade.

10th Annual A+Awards Winners highlights a decade of design innovation.

27 P house by Studio MK27, Awarded Best Architecture Firm in Central and South America (Jury Winner). Photo credit: Fernando Guerra Learning & Sports Center by General Architecture Collaborative, Rwanda, A+Awards Jury Winner in the Architecture + Community category. Photo credit: Katie Garner

Photo credit: Dror Baldinger, FAIA Little Island by Heatherwick Studio, New York, A+Awards Jury Winner in the Public Parks and Green Spaces category.

28 Winter Park Library & Events Center, Winter Park, Florida, U.S., by Adjaye Associates, A+Awards Jury Winner in the Libraries category.

Photo credit: Timothy Schenck

di Koning Eizenberg Architecture), Jasmit Singh Rangr (Presidente e Fondatore di Rangr Studio), Germane Barnes (Principalmente di Studio Barnes), Suchi Reddy (Principalmente di Reddymade), Yoko Choy (China Editor della rivista Wallpaper*) e molti altri. In ognuna delle 117 categorie sono stati assegnati un vincitore selezionato dalla giuria e un vincitore a scelta popolare, con oltre 400.000 voti espressi dal pubblico votante.

“The winners of this year’s A+Awards not only form a wonderful exhibition of design innovation, but also powerfully demonstrate architects’ enduring value to society. During these unprece dented times, firms across the globe are responding to big challenges with big ideas, continually striving to reimagine sustainable design, health-conscious architecture and socially responsible construction.”

Back for its eighth edition, the annual compendium Architizer: The World’s Best Architecture, published by Architizer for the first time, will feature every 2022 architecture winner. This stunning hardbound book will be released in fall 2022 and is the defin itive guide to the year’s best buildings and spaces. Architizer’s companion competition, the A+Product Awards, honoring the architectural products, materials, lighting and furniture behind the world’s best buildings, will announce winners in October 2022.

“I vincitori degli A+Awards di quest’anno non solo costituiscono una splendida mostra dell’innovazione del design, ma dimostrano anche con forza il valore duraturo degli architetti per la società. In questi tempi senza precedenti, gli studi di tutto il mondo stanno rispondendo alle grandi sfide con grandi idee, sforzandosi conti nuamente di reimmaginare un design sostenibile, un’architettura attenta alla salute e un’edilizia socialmente responsabile”. Paul Keskeys, direttore di Architizer Torna per la sua ottava edizione il compendio annuale Architizer: The World’s Best Architecture, pubblicato da Architizer per la prima volta, conterrà tutti i vincitori dell’architettura del 2022. Questo splendido libro rilegato uscirà nell’autunno del 2022 e sarà la guida definitiva ai migliori edifici e spazi dell’anno. Il concorso di Archi tizer, gli A+Product Awards, che premia i prodotti architettonici, i materiali, l’illuminazione e l’arredamento alla base dei migliori edifici del mondo, annuncerà i vincitori nell’ottobre 2022.

Key Dates: A+Awards Launch: October 4, 2021 Popular Choice Award Voting: May 17 – May 27, 2022 Winners Announced: June 7, 2022

Paul Keskeys, Editor in Chief, Architizer

Eizenberg Architecture), Jasmit Singh Rangr (President and Founder, Rangr Studio), Germane Barnes (Principal, Studio Barnes), Suchi Reddy (Principal, Reddymade), Yoko Choy (China editor, Wallpaper* magazine), and many more. A Jury-selected Winner and a Popular Choice Winner were awarded in each of the 117 categories, with over 400,000 votes cast by the voting public.

PROJECT WINNERS INCLUDE:

Adjaye Associates (Winter Park Library & Events Center, Winter Park, Florida, U.S.)

Studio Toggle (Jurors’ Choice, Best Architecture Firm in Africa and the Middle East, Popular Choice, Best Young Architecture Firm)

General Architecture Collaborative (The Learning and Sports Center, Masoro Village, Rwanda)

FIRM OF THE YEAR WINNERS INCLUDE:

Zaha Hadid Architects (Jurors’ Choice, Best Large Architecture Firm)

SUP Atelier (Yunzhai Community Center, Yunzhai Village, Changyuan, China)

ARCHITIZER Sede della più grande comunità di architetti online, la missione principale di Architizer è quella di celebrare la migliore archi tettura del mondo e le persone che le danno vita. Grazie a tecnologie in continua evoluzione, forniamo agli architetti l’ispirazione e le informazioni di cui hanno bisogno per costruire edifici migliori, città migliori e un mondo migliore. Forniamo ai professionisti della progettazione e ai produttori di prodotti per l’edilizia una piattaforma globale per promuovere il loro lavoro attraverso premi, concorsi e contenuti coinvolgenti.

Henriquez Partners Architects (Pendrell, Vancouver, Canada) Kengo Kuma & Associates + Geoffrey Nees (Botanical Pavilion, Melbourne, Australia)

Gli Architizer A+Awards sono il più grande programma di premia zione al mondo per l’architettura e i prodotti edilizi, celebrato da un pubblico globale di oltre 400 milioni di persone. La missione del programma è quella di promuovere l’apprezzamento dell’ar chitettura significativa in tutto il mondo e di sostenere il suo potenziale di impatto positivo sulla vita quotidiana.

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32 BEAUTIFUL STRANGERS

33 MICHELE PALAZZO

RAIN

In some projects, then, as in ICELAND and AMERICANA, the human presence is less present than in others, where it is almost inescapable. The result is a well-rounded mosaic, a shifting style. How did the choice of cities photographed over the years come about?

SHINE

Eleonora Anna Bove: You have had the opportunity to photo graph around the world: from beautiful Venice or Sicily to America. These are lands portrayed in all their distinctiveness: in some there is quietness, in others frenzy, and in still others it is the lights and shadows that are the absolute protagonists.

Eleonora Anna Bove: Hai avuto modo di fotografare in giro per il mondo: dalla bellissima Venezia o Sicilia sino l’America. Sono delle terre ritratte in tutta la loro peculiarità: in alcune si avverte la quiete, in altre frenesia, in altre ancora sono le luci e le ombre ad esserne le assolute protagoniste. In alcuni progetti, poi, come in ICELAND e AMERICANA, la presenza umana è meno presente rispetto ad altri, dove è quasi impre scindibile. Ne vien fuori un mosaico ben assortito, uno stile mutevole. Com’è avvenuta la scelta delle città fotografate nel corso degli anni? Michele Palazzo: Fotografare è per me un’azione quotidiana, e la macchina fotografica mi segue in tutti i miei viaggi. Mi sentirei nudo senza di essa. Alcune delle città che hai citato appartengono al mio presente (New York), altre al mio passato (Venezia), queste sono le città dove mi sento a mio agio e che ritraggo ormai da molti anni nella loro mondanità. Una foto come quella che ritrae la signora in giallo nel parcheggio che aspetta il marito sotto la neve è una piccola storia d’amore che si è sviluppata sotto i miei occhi a loro totale insaputa. Ogni foto ha una storia che diventa parte del mio vissuto. Insomma, fotografare per me è quasi un bisogno quotidiano, solo la pandemia fino ad oggi ha rallentato questo ritmo.

Michele Palazzo: Photographing is a daily action for me, and the camera follows me in all my travels. I would feel naked without it. Some of the cities you mentioned belong to my present (New York), others to my past (Venice), these are the cities where I feel comfortable and which have been portraying for many years OR PICTOSTREET 4

EAB: Gli elementi naturali sono spesso presenti: l’acqua della piscina in JENNIE AND THE POOL, la pioggia in RAIN OR SHINE. La relazione tra uomo e territorio circostante è ben evidente in molte tue immagini. C’è un Paese, tra tutti quelli in cui hai scattato, che avverti più vicino al tuo sentire? Come mai? MP: A questo punto, dopo tanti anni, credo che questo Paese sia l’America, in particolare New York. New York è la città che mi ha fatto innamorare nuovamente della fotografia, perché è un esperimento umano in forma di metropoli che riesce a soddi sfare la mia curiosità quotidiana per la vita che la attraversa. Mi piace cogliere momenti di vita, quando cammino per le strade fra casa e lavoro, e viceversa. Nelle mie foto non c’è un “messaggio”, ma sicuramente una visione molto personale delle cose, perché New York la si scopre in maniera differente ogni volta che ci si viene a vivere, e in differenti momenti della propria vita.

MP: At this point, after so many years, I think this country is America, particularly New York. New York is the city that made me fall in love with photography again, because it is a human experiment in the form of a metropolis that succeeds in satis fying my daily curiosity about the life that goes through it. I like to capture moments of life when I walk the streets between home and work, and vice versa. There is no “message” in my photos, but definitely a very personal view of things, because New York is discovered differently each time you come to live there, and at different times in your life.

PICTOSTREET

EAB: Natural elements are often present: swimming pool water in JENNIE AND THE POOL, rain in RAIN OR SHINE. The relationship between man and his surroundings is very evident in many of your images. Is there a country, among all those you have shot in, that you feel closest to your feeling? How come?

35 now in their mundanity. A photo like the one depicting the lady in yellow in the parking lot waiting for her husband under the snow is a small love story that developed before my eyes without their total knowledge. Each photo has a story that becomes part of my experience. In short, photographing for me is almost a daily need, only the pandemic so far has slowed this pace.

36 MY NEW YORK

37 VENEZIA BY NIGHT 2

EAB: Il tuo ultimo progetto, intitolato #PICTOSTREET, ti vede alle prese con alcuni tuoi scatti recuperati dal repertorio e rivisitati attraverso la tecnica del digital painting, a partire dalla pandemia in poi. Qual è il tuo intento e che valore credi abbiano assunto le tue immagini, al di là dell’aspetto meramente estetico, alla luce di questo tuo intervento? MP: Come dicevo prima, la pandemia è stata un momento di pausa per la mia fotografia di strada. Lavorare da casa, lockdown e in generale una città più spenta hanno rallentato la mia attività. Ho incominciato a utilizzare alcuni dei miei vecchi scatti come se fossero una tela su cui aggiungere nuovi livelli di lettura e ho cominciato a trasformare quelle foto in artworks, utilizzando una tecnica di pittura digitale. In passato ho esplorato collaborazioni con artisti che hanno compiuto la stessa operazione sulle mie foto, come UNSEEN per esempio.

EAB: Your latest project, titled #PICTOSTREET, sees you grappling with some of your shots retrieved from the repertoire and revisited through the technique of digital painting, from the pandemic onward. What is your intent and what value do you think your images have taken on, beyond the merely aesthetic aspect, in light of this intervention of yours?

Si trattava di un dialogo artistico con un incredibile artista sardo di nome Giorgio Casu, con il quale abbiamo prodotto 33 artworks che rivelano un’interpretazione molto intima della nostra New York. Con #PICTOSTREET ho voluto aggiungere personalmente quel nuovo livello interpretativo alle mie foto. Il progetto è partito in parte come un puro esercizio estetico di isolamento dei soggetti, ma è presto diventato per me un modo di uscire dalla noiosa quotidianità della pandemia e guardare alle mie foto con occhi nuovi dando sfogo alla mia creatività senza limitazioni.

MP : As I said earlier, the pandemic was a break for my street photography. Working from home, lockdowns, and a duller city in general slowed down my activity. I began to use some of my old shots as if they were a canvas on which to add new layers of reading, and I began to turn those photos into artworks, using a digital painting technique. In the past I PICTOSTREET 6 AMERICANA

explored collaborations with artists who did the same thing on my photos, like UNSEEN for example. It was an artistic dialogue with an incredible Sardinian artist named Giorgio Casu, with whom we produced 33 artworks that reveal a very intimate interpretation of our New York. With #PICTOSTREET I wanted to personally add that new interpretive layer to my photos. The project started partly as a pure aesthetic exercise of isolating the subjects, but it soon became a way for me to get out of the boring everydayness of the pandemic and look at my photos with new eyes giving vent to my creativity without limitations.

EAB: How do your studies in architecture fit into your photo graphic research?

AMERICANA

MP: For many years, during my studies, I was only looking for and photographing architecture in its purest form, following in the footsteps of great masters like Basilico. But the more time passed, the more I grew tired of that sterility. That’s how I began to timidly approach portrait photography to rediscover that human component that I had left out for so long, and later, as an almost natural step, I became interested in street photography where I finally found a language closer to my sensibility. Now I think I’m in a phase where I try to combine the human figure and architecture, or rather the urban landscape.

EAB: Come si inseriscono i tuoi studi in architettura nella tua ricerca fotografica?

MP: Per tanti anni, durante i miei studi, cercavo e fotografavo solo architetture nella loro forma più pura, seguendo le orme di grandi maestri come Basilico. Ma più passava il tempo e più mi stancavo di quella sterilità. È così che ho iniziato ad avvici narmi timidamente al ritratto fotografico per ritrovare quella componente umana che avevo lasciato fuori per tanto tempo, e successivamente, come un passo quasi naturale, ho iniziato ad interessarmi alla street photography dove ho trovato final mente un linguaggio più vicino alla mia sensibilità. Ora credo di essere in una fase in cui cerco di combinare la figura umana e l’architettura, o meglio il paesaggio urbano.

EAB: Alcune tue foto di #PIXOSTREET richiamano chiaramente Hopper. Quali sono i pittori che credi abbiano influenzato le tue scelte estetiche in fotografia?

INSTAGRAM | @streetfauna @streetfauna_art FACEBOOK | Michele

EAB: Some of your photos in #PIXOSTREET clearly recall Hopper. Which painters do you think have influenced your aesthetic choices in photography? MP: Artists and photographers who inspire me, probably a great many, I’ve always had a great visual curiosity and a very bad memory for names. My influences are the most varied, it would be reductive to mention only a few artists. I discover new and old ones every day, and I prefer to keep this sense of continuous surprise and discovery alive. Hopper certainly portrayed American light to perfection: the endless, uncanny and lonely light of the remotest parts of the country; but also the light reflected in the streets of New York that I try to “paint” with my photos. It is almost a way of capturing frames of movies that were never shot. Intervista di / Interview by ELEONORA ANNA BOVE (@eleonoraannabove.artmodel) streetfauna.com Palazzo “streetfauna”

MP: Artisti e fotografi che mi ispirano, probabilmente moltissimi, ho sempre avuto una grande curiosità visiva e una pessima memoria per i nomi. Le mie influenze sono le più svariate, sarebbe riduttivo citare solo qualche artista. Ne scopro nuovi e vecchi ogni giorno, e preferisco mantenere vivo questo senso di continua sorpresa e scoperta. Hopper certamente ha ritratto alla perfezione la luce americana: quella infinita, perturbante e solitaria delle zone più remote del paese; ma anche quella che si riflette nelle strade di New York e che io cerco di “dipingere” con le mie foto. È quasi un modo per catturare fotogrammi di film mai girati.

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Photography

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Massimiliano Cardia - entrepreneur and president of the Studio Cinema International academy with offices in Rome and Verona - tells his “self-made man” story for the first time. The intimate portrait of victories and difficulties that gave birth to Studio Cinema International, today a reference point in the film world for acting, directing and screenwriting. Among the teachers who have participated in Studio Cinema International: Ferzan Özpetek, Paolo Genovse, Gabriele Muccino, Pupi Avati, Lina Wertmuller, Giuliana De Sio, Luca Ward, Giancarlo Giannini, Michele Placido, Ivano De Matteo, Laura Morante, Abel Ferrara, Michele Alhaique, Giancarlo Scarchilli, Cinzia Th Torrini, Alexis Sweet, Giorgio Albertazzi, Edoardo Leo, Susan Batson, Gianmarco Tognazzi, Federico Moccia, Anna Strasberg, Ricky Tognazzi, Casting Director Pino Pellegrino, Pino Insegno, Monica Scattini, Tony Sperandeo, Michela Forbicioni, Lindsay Kemp, Enrico Montesano, Daniele Costantini, Daniele Pettinari, Francesco Pannofino, makeup artists Jeff Goodwin and Stefano Fava, singer Amii Stewart, and dancer André De La Roche.

Massimiliano Cardia - imprenditore e presidente dell’acca demia Studio Cinema International con sedi a Roma e Verona - racconta per la prima volta la sua storia da “self-made man”. L’intimo ritratto di vittorie e difficoltà che hanno dato vita alla Studio Cinema International, oggi punto di riferimento nel mondo del cinema per recitazione, regia e sceneggiatura. Tra i docenti che hanno partecipato a Studio Cinema Interna tional: Ferzan Özpetek, Paolo Genovse, Gabriele Muccino, Pupi Avati, Lina Wertmuller, Giuliana De Sio, Luca Ward, Giancarlo Giannini, Michele Placido, Ivano De Matteo, Laura Morante, Abel Ferrara, Michele Alhaique, Giancarlo Scarchilli, Cinzia Th Torrini, Alexis Sweet, Giorgio Albertazzi, Edoardo Leo, Susan Batson, Gianmarco Tognazzi, Federico Moccia, Anna Strasberg, Ricky Tognazzi, Casting Director Pino Pellegrino, Pino Insegno, Monica Scattini, Tony Sperandeo, Michela Forbicioni, Lindsay Kemp, Enrico Montesano, Daniele Costantini, Daniele Pettinari, Francesco Pannofino, i truccatori Jeff Goodwin e Stefano Fava, la cantante Amii Stewart e il ballerino Andrè De La Roche.

MASSIMILIANO CARDIA di Alessandra Scarci

AS: From actor to entrepreneur. Your path began in suburban theater and then flowed into the elite of film entrepreneurship. How did the Studio Cinema International academy come about? MC : Acting is a wonderful profession but it is very hard, and like many young people, I was a waiter in a pub for 3 years to support myself. I was going through a dramatic time in my life, psychologically heavy, auditioning for auditions but the phone never rang-I was impersonating the typical cliché of the frustrated actor without a dime. I went through a period of home confinement, depression and panic attacks that lasted a good 8 months, but it was just when I hit rock bottom that something inside me clicked. I found myself at a crossroads, facing myself. To go back to the township or not to give up? And I didn’t quit.

Alessandra Scarci: La tua è una storia sulla quale si potrebbe scrivere un film, Massimiliano. Ma partiamo dall’inizio: come nasce la tua passione per il cinema? Massimiliano Cardia : Da piccolo ero uno di quelli che “non voleva fare l’attore” nonostante guardassi molti film e mi perdessi nell’atmosfera magica del cinema. Sono cresciuto in periferia, in un ambiente particolare, difficile, quel tipo di ambiente che si vede “nei film” per l’appunto. Ed è stato in questa circostanza che mi sono avvicinato al teatro, che ha cambiato letteralmente la mia vita. Prendere parte alle classi di recitazione è stato per me come trovare una comunità, una famiglia. Mi sono sentito appartenere ad un gruppo coeso che non si basava più sulla condivisione della rabbia, della forza fisica o aggressività, ma il cui trait d’union era il lavoro riflessivo. Parlavamo di vita, di emozioni, ed era bello. Per me era un mondo nuovo, sconosciuto e ne ero intimorito quanto attratto. Grazie al teatro ho imparato a stare all’interno di un gruppo e attraverso i personaggi che interpretavo ho iniziato a riconoscere e gestire le mie emozioni: è iniziato così il mio percorso come attore teatrale, nel momento in cui ho trasformato le mie zone d’ombra in punti di forza. Alessandra Scarci: Yours is a story on which a movie could be written, Massimiliano. But let’s start from the beginning: how did your passion for cinema come about? Massimiliano Cardia: As a child I was one of those who “didn’t want to be an actor” despite watching many films and losing myself in the magical atmosphere of cinema. I grew up in the suburbs, in a particular, difficult environment, he kind of environment that you see “in the movies” precisely. And it was in this circumstance that I approached theater, which literally changed my life. Taking part in acting classes was for me like finding a community, a family. I felt I belonged to a cohesive group that was no longer based on sharing anger, physical force or aggression, but whose trait d’union was reflective work. We talked about life, about emotions, and it was good. It was a new, unfamiliar world for me, and I was as intimidated as I was attracted to it. Thanks to theater, I learned how to be within a group, and through the characters I played I began to recognize and manage my emotions: thus began my journey as a theater actor, at the moment when I turned my shadowy areas into strengths.

AS: Da attore a imprenditore. Il tuo percorso nasce dal teatro di periferia per poi sfociare nell’élite dell’imprenditoria cinemato grafica. Come nasce l’accademia Studio Cinema International? MC: L’attore è un mestiere meraviglioso ma è molto duro e, come molti giovani, per mantenermi ho fatto il cameriere in un pub per 3 anni. Stavo passando un momento drammatico della mia vita, pesante a livello psicologico, facevo provini su provini ma il telefono non squillava mai: impersonavo il tipico cliché dell’attore frustato senza una lira. Ho passato un periodo di reclusione in casa, depressione e attacchi di panico durati ben 8 mesi, ma è stato proprio quando ho toccato il fondo che dentro di me è scattato qualcosa. Mi sono trovato di fronte a un bivio, di fronte a me stesso. Tornare in borgata o non mollare? E non ho mollato.

AS: It looks just like the set up of a movie. Tell us how it went... MC: Brace yourselves then! I thought for a long time and remem bered a master’s degree I attended with actress Anna Strasberg and began to see the situation from another point of view, I put aside my acting and even egocentric streak - laughs - and began to think on an entrepreneurial level. As chance would have it, my brother met Michele Placido’s nephew in a disco and being aware of my entrepreneurial plans, which at the time were still up in the air, he asked to put us in touch in order to have Michele hold an acting masterclass. For the time it was an innovative idea; no one had ever organized them. So I made arrangements with Placido proposing a mind-boggling cachet despite not having 1€ in my pocket, and he agreed.

AS: Sembra proprio il set up di un film. Raccontaci come è andata... MC: Tenetevi forte allora! Ho riflettuto a lungo e mi sono ricordato di un master a cui partecipai con l’attrice Anna Strasberg e ho iniziato a vedere la situazione sotto un altro punto di vista, ho messo da parte la mia vena attoriale e anche egocentrica - ride - e ho cominciato a ragionare a livello imprenditoriale. Il caso ha voluto che mio fratello conobbe in discoteca il nipote di Michele Placido ed essendo al corrente dei miei piani imprenditoriali, all’epoca ancora campati per aria, chiese di metterci in contatto al fine di far tenere a Michele una masterclass di recitazione. Per l’epoca era una idea innovativa, nessuno le aveva mai organizzate. Così presi accordi con Placido proponendo un cachet da capogiro pur non avendo 1€ in tasca e lui accettò.

AS: Non si può dire che ti manchi l’audacia... ma non avevi paura di esporti con personaggi dello spettacolo di spicco pur sapendo di non poter dar loro delle garanzie, ma sfidando la sorte? MC: La borgata mi ha insegnato il coraggio e comunque a 28 anni ero abituato a confrontarmi con situazioni ben più grandi di me. Proporre delle masterclass e affrontarne il possibile fallimento era per me un gioco da ragazzi. Così con i pochi risparmi a disposizione stampai delle locandine e iniziai a studiare Facebook, che all’epoca era approdato in Italia da meno di 1 anno, e a sfruttarlo a mio favore per pubblicizzare l’evento. Studio Cinema International ha avuto inizio così. Molti sono stati gli artisti che hanno dato il loro contributo dopo Michele Placido: Lindsay Kemp, Amii Stewart, Timothy Martin e altri ancora. Inconsciamente stavo creando ponti tra giovani e artisti e questi primi successi mi hanno restituito la voglia di vivere: per me la miglior terapia è stato il lavoro.

AS: It can’t be said that you lack boldness...but weren’t you afraid to stick your neck out with prominent show business figures even though you knew you couldn’t give them guarantees, but defying the odds? MC: The township taught me courage, and anyway, at 28 years old, I was used to confronting situations far greater than myself. Proposing master classes and facing their possible failure was child’s play for me. So with the little savings I had I printed posters and began to study Facebook, which at the time had landed in Italy less than 1 year before, and exploit it in my favor to publicize the event. Studio Cinema International began in this way. Many artists contributed after Michele Placido: Lindsay Kemp, Amii Stewart, Timothy Martin, and others. Unconsciously I was building bridges between young people and artists, and these early successes restored my will to live: for me the best therapy was work.

AS: Quale pensi sia stata la tua “carta vincente” per entrare nei cuori degli artisti e docenti che hanno creduto nel progetto di Studio Cinema International? MC: Non lo so di preciso, forse per la simpatia, per il mio essere semplice. Così come sono. Vero. Subentrando passo dopo passo nel mondo del cinema mi sono reso conto che l’auten ticità è un vero e proprio lusso. Credo sia stato questo che portò il grande Giorgio Albertazzi ad affidarmi l’organizzazione de “L’Atelier Albertazzi” un ciclo di incontri al teatro di Palazzo Santa Chiara. All’epoca non potevo permettermi un ufficio così chiesi “in prestito” il negozio di arredamento del mio amico che addobbavo, quando avevo degli appuntamenti finalizzati alle iscrizioni ai corsi, con quadri, locandine degli stage prece denti e i cartelloni della scuola. Insomma, facevo di tutto per incarnare lo status symbol dell’uomo in carriera e poi come Totò sparivo, ma ovviamente i corsi erano reali!

AS: Il tuo sodalizio con l’importante casting director Pino Pelle grino, che fa parte del corpo dirigenziale di Studio Cinema Inter national, dura da più di 10 anni. Cosa accomuna due personalità così diverse ma allo stesso tempo compatibili e funzionali?

MC: Più che sodalizio a me piace vederlo come un vero e proprio “matrimonio”. Siamo molto diversi, ma la nostra fortuna è proprio questa. Ho sempre stimato e ammirato Pino e ho sempre pensato che fosse necessario inserirlo all’interno di Studio Cinema International per dare un profilo nuovo alla scuola. Non è stato per nulla facile convincerlo! Ricordo che dopo un suo primo tentennamento, lo coinvolsi per una masterclass che avevo organizzato a Milano e che si rivelò un vero e proprio flop, ma il mio obiettivo era solo quello di farmi conoscere. Purtroppo furono pochi gli iscritti alla masterclass e il giorno in cui dovevo pagare Pino per il lavoro che aveva svolto, inesorabilmente arrivò. Lo chiamai e mi detti per malato. Il suo primo pensiero fu che non avrebbe mai visto i soldi che gli spettavano, ma il giorno dopo lo richiamai e lo incontrai per consegnargli “la busta”. Solo dopo 5 anni gli confessai che quel giorni non avevo la febbre, ma ero andato a impegnare il mio Rolex al Monte dei Pegni che però il giorno prima era chiuso. Lui si è commosso. Comunque se ha accettato di fare parte della scuola non è stato merito mio, un giorno mi ha chiamato e mi ha detto: “La mia astrologa ha detto che va bene” - ride.

AS: Sicuramente queste grandi vittorie hanno portato una ventata di aria fresca nella tua vita ma come è stato gestire gli ingenti successi economici?

MC: I don’t know exactly, maybe because of likability, because of my being simple. Just the way I am. True. As I took over the film world step by step, I realized that authenticity is a real luxury. I think it was this that led the great Giorgio Albertazzi to entrust me with the organization of “L’Atelier Albertazzi” a series of meetings at the theater of Palazzo Santa Chiara. At the time I could not afford an office so I asked to “borrow” my friend’s furniture store, which I decorated, when I had appointments aimed at course registrations, with paintings, posters from previous internships and school posters. In short, I would do everything to embody the status symbol of the career man and then like Totò I would disappear, but of course the courses were real!

MC: Ci sono state non poche difficoltà, come in ogni percorso. Nel 2011 il lavoro andava a gonfie vele, avevo creato infatti l’“Actor House”, la prima scuola di cinema privata, facendo un bel salto di qualità... dall’ufficio “in prestito” nel negozio del mio amico agli Studios di Cinecittà. Ma il troppo denaro ha iniziato a darmi alla testa e ho perso il controllo: tutto ciò che guadagnavo lo utilizzavo per pagare gli insegnanti e il restante per andare a giocare alle slot machine. Ormai al verde decisi di ritirami prima nello studio di casa mia e poi di stabilirmi in un piccolo ufficio alla Fono Roma. E’ stato proprio per una coincidenza, durante un turno di doppiaggio, che ho incontrato un altro uomo che ha cambiato la mia vita: Giancarlo Giannini. Il Maestro Giannini accettò di fare delle masterclass e grazie a lui ho imparato molto non solo sul cinema ma anche sulla vita. Tramite il suo appoggio sono progressivamente entrato in contatto con altri nomi importanti, tutt’ora all’interno del corpo docenti, come Pupi Avati e molti altri. Poi riuscii ad ottenere il numero di telefono del casting director Pino Pellegrino.

MC: There were quite a few difficulties, as in any journey. In 2011 work was going full sail ahead, I had in fact created the “Actor House,” the first private film school, making quite a leap... from the “borrowed” office in my friend’s store to Cinecittà Studios. But too much money started to go to my head and I lost control: everything I earned I used to pay teachers and the rest to go play slot machines. By now broke, I decided to retire first to my home office and then to settle in a small office at Fono Roma. It was by coincidence, during a dubbing shift, that I met another man who changed my life: Giancarlo Giannini. Maestro Giannini agreed to do master classes, and thanks to him I learned a lot not only about filmmaking but also about life. Through his support I gradually came into contact with other important names, still on the faculty, such as Pupi Avati and many others. Then I was able to get the phone number of casting director Pino Pellegrino.

AS: Certainly these big wins have brought a breath of fresh air into your life, but what has it been like to manage the huge financial successes?

AS: What do you think was your “trump card” to get into the hearts of the artists and teachers who believed in the Studio Cinema International project?

AS: Studio Cinema International also gave you the opportunity to realize your acting dream by acting in fact on the set of Gabriele Muccino, how was this experience? MC: With Gabriele, who is part of the faculty of Studio Cinema International, there is an esteem and affection that has become friendship. I had the pleasure of playing two beautiful roles in “Gli anni più belli” and “A casa tutti bene.” It was not easy because I had to come to terms with parts of my past that perhaps I wanted to erase. Being an actor is a real drug for me, it’s like playing with parts of yourself without then coming to terms with the consequences... because it all happens on a set. You can go back to your roots without fear and without repercussions in real life. Gabriele on set is a war machine, a precise and deter mined director, and he always made me feel comfortable. When I finished the Muccino set, I said to myself, “That’s enough acting, otherwise I’ll drop everything and go back to being an actor!”

AS: Your association with prominent casting director Pino Pellegrino, who is part of the management board of Studio Cinema International, has lasted for more than 10 years. What unites two personalities that are so different but at the same time compatible and functional?

AS: Nel 2020 trasferisci la tua sede di Roma all’interno di una nuova struttura. Cosa significa per te raggiungere questo importante traguardo? MC: Sicuramente è il frutto di molto coraggio, di molta costanza ma anche autodeterminazione. Sono 7 anni che ho smesso di giocare, perchè più che i soldi perdevo il mio tempo, e ho focalizzato tutte le mie energie nel fare il “grande salto”. Ora Studio Cinema International mette a disposizione degli studenti 1000 mq di superficie studiati appositamente per gli attori e la loro preparazione. E’ una “piccola Hollywood” a Roma con 3 aule insonorizzate e riproducenti un vero e proprio set grazie alle quali i ragazzi possono esercitarsi in un ambiente profes sionale a 360°, area red carpet, una sala di post produzione, sala riunione e la stamperia, siamo infatti partner di Cartocci, il service più importante di cinema in Italia. Massimiliano Cardia in ordine con: Ferzan Özpetek, Lina Wertmüller, Giancarlo Giannini e Michele Placido.

MC: Con Gabriele, che è parte del corpo docenti di Studio Cinema International, c’è una stima e un affetto che è diventato amicizia. Ho avuto il piacere di interpretare due bellissimi ruoli in “Gli anni più belli” e “A casa tutti bene”. Non è stato semplice perchè ho dovuto fare i conti con delle parti del mio passato che forse volevo cancellare. Fare l’attore è una vera e propria droga per me, è come giocare con delle parti di te stesso senza poi fare i conti con le conseguenze... perchè accade tutto su un set. Puoi tornare alle radici senza paure e senza ripercussioni nella vita reale. Gabriele sul set è una macchina da guerra, un regista preciso e determinato e mi ha sempre fatto sentire a mio agio. Finito il set di Muccino mi sono detto: “Ora basta recitare, altrimenti mollo tutto e torno a fare l’attore!”.

AS: Studio Cinema International ti ha dato la possibilità di realizzare anche il tuo sogno attoriale recitando infatti sul set di Gabriele Muccino, come è stata questa esperienza?

MC: More than a partnership I like to see it as a real “marriage.” We are very different, but our good fortune is just that. I have always esteemed and admired Pino and I always thought it was necessary to include him within Studio Cinema International to give a new profile to the school. It was not at all easy to convince him! I remember that after his first hesitation, I involved him for a masterclass I had organized in Milan that turned out to be a real flop, but my goal was just to make myself known. Unfortunately, very few people signed up for the masterclass, and the day when I had to pay Pino for the work he had done, inexorably came. I called him and called in sick. His first thought was that he would never see the money he was owed, but the next day I called him back and met him to deliver “the envelope.” It was not until 5 years later that I confessed to him that I did not have a fever that day, but had gone to pawn my Rolex at the Pawnshop, which, however, was closed the day before. He was moved. However, if he agreed to be part of the school it was not because of me, he called me one day and said, “My astrologer said it’s okay”-he laughs.

49Massimiliano Cardia con Gabriele Muccino

50 Massimiliano Cardia con Willem Dafoe

MC: Certainly it is the fruit of a lot of courage, perseverance but also self-determination. It’s been 7 years since I stopped playing, because more than money I was losing my time, and I focused all my energy on taking the “big leap.” Now Studio Cinema Inter national provides students with 1,000 square meters of space designed specifically for actors and their preparation. It is a “little Hollywood” in Rome with 3 soundproofed classrooms repro ducing a real set thanks to which the students can practice in an all-around professional environment, red carpet area, a post production room, meeting room and the print shop, in fact we are partners with Cartocci, the most important cinema service in Italy.

AS: Ma Studio Cinema International non è solo una accademia, è anche una casa di produzione grazie alla quale gli allievi possono trasformare il proprio sogno in una realtà concreta e professiona lizzante. A tal proposito state preparando un nuovo film? MC: Esatto, a Ottobre 2022 inizieranno le riprese di “Accatta Roma” per la regia di Daniele Costantini, un film che vuole essere un omaggio per il centenario di Pierpaolo Pasolini e che nel cast coinvolgerà come attori alcuni studenti di Studio Cinema International selezionati dal casting director Pino Pellegrino e dal regista. Ovviamente ci saranno molte sorprese, ma non posso svelarvele! Posso solo anticiparvi che proietteremo il trailer di “Accatta Roma” in occasione della 79ª Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia e avrà luogo l’evento “Studio Cinema Awards” durante il quale verrà conferito un riconoscimento agli studenti che terminano il biennio e un riconoscimento a uno dei docenti della scuola.

AS: But Studio Cinema International is not only an academy, it is also a production company through which students can turn their dream into a concrete and professionalizing reality. In this regard, are you preparing a new film?

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@pino_pellegrino_casting FACEBOOK | Massimiliano moviemachinecardiaCardia

Intervista di /

Interview by ALESSANDRA CAMILLA SCARCI (@alessandrascarci)

MC: That’s right, in October 2022 we will start shooting “Accatta Roma” directed by Daniele Costantini, a film that aims to be a tribute for the centenary of Pierpaolo Pasolini and that in the cast will involve as actors some Studio Cinema International students selected by casting director Pino Pellegrino and the director. Obviously there will be many surprises, but I cannot reveal them to you! I can only anticipate that we will screen the trailer for “Accatta Roma” at the 79th Venice International Film Festival and the “Studio Cinema Awards” event will take place, during which an award will be given to students finishing the two-year course and an award to one of the school’s teachers.

AS: In 2020 you move your Rome office inside a new facility. What does reaching this important milestone mean to you?

AS: Una storia ricca di colpi di scena. Quali sono i tuoi obiettivi per il futuro? MC: La formazione rimane per Studio Cinema International la priorità su tutto, tanto quanto il consolidarsi nel mondo della produzione cinematografica. Studio Cinema International continua a lavorare intensamente per dare ai propri studenti l’opportunità di trasformare concretamente un sogno in una realtà!

AS: A story full of twists and turns. What are your goals for the future? MC: Training remains Studio Cinema International’s priority above all else, as much as establishing itself in the world of film production. Studio Cinema International continues to work hard to give its students the opportunity to concretely turn a dream into a reality!

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I clienti di questa ristrutturazione e ampliamento di una villetta a schiera in legno volevano una casa piena di colori saturi, motivi, texture e luce, con tocchi Art Déco e di metà secolo e materiali di recupero. La casa è stata completamente rivestita in cedro rosso occidentale, con nuove finestre, cornici e sporgenze d’ingresso. Il cedro è stato lasciato nel suo stato naturale per resistere alle intemperie del tempo. L’ingresso al livello del giardino, attra verso una porta turchese, conduce a un vestibolo rivestito di piastrelle di cemento gialle e nere, che riproducono il motivo Art Déco utilizzato da Ernest Hemingway nella sua casa di Key West, in Florida. La sala da pranzo, situata nella parte anteriore della casa, è dipinta con il colore Rainforest Foliage di Benjamin Moore, che fa da sfondo agli elementi dipinti in oro del camino in marmo originale, al pendant in quercia bianca e alle sedie rivestite in lana color senape. Le travi a vista danno consistenza al piano del soffitto nella porzione originale della casa e il pavimento in quercia bianca è diffuso ovunque. Il paraschizzi della cucina è rivestito in terracotta Cle in Ancestral Iron, che fa da sfondo scuro alla collezione di vetri Jadeite dei clienti e ai banconi in pietra macauba bianca. La toilette presenta un lavandino in porcellana turchese recuperato da un altro progetto. Le pareti sono rivestite con carta da parati Nautilus di Cole and Son e piastrelle di cemento color terracotta. Il soggiorno ha un’intera parete di vetro che si affaccia sul cortile poste riore ed è dipinto con il colore “Beautiful in my Eyes” di Benjamin Moore. Un dipinto paesaggistico di Laurence Sisson è appeso sopra i mobili moderni della metà del secolo scorso, che comprendono una panca in legno di quercia che funge da tavolino. Il secondo piano funge da suite principale. Nella camera da letto, una parete dipinta con il colore North Sea di Benjamin Moore funge da vivace testiera. Il bagno è caratterizzato da piastrelle zellige in due colori e da superfici in pietra macauba bianca. Un lucernario convoglia la luce attraverso il piano superiore fino alla vasca da bagno. Il mobiletto è stato ricavato da una cassettiera recuperata. All’ultimo piano, una camera da letto per bambini a volta offre spazio per un letto a baldacchino a forma di casa. Nel bagno, una parete di piastrelle in cemento Popham, con un motivo a raggiera, incontra una finestra a lucernario, che attira la luce attra verso un pozzo con lucernario. Il pavimento è rivestito di piastrelle color terracotta. Una terrazza sul corridoio è ravvivata da un muro rosso e da una recinzione in cedro.

The kitchen backsplash is tiled in Cle tile terracotta in Ancestral Iron, providing a dark foil to the clients’ Jadeite glass collection and the white macauba stone counters. The powder room features a turquoise porcelain sink reclaimed from another project. The walls are clad in Cole and Son Nautilus wallpaper and terracotta-colored cement tiles. The living room features a full wall of glass looking out to the rear yard and is painted in “Beautiful in my Eyes,” a subtly blush color by Benjamin Moore. A landscape painting by Laurence Sisson hangs over the mid-century modern furniture, which includes an oak slat bench that functions as a coffee table. The second floor serves as the primary suite. In the bedroom, a wall painted in Benjamin Moore’s North Sea serves as a vibrant headboard. The bathroom features zellige tiles in two colors, and stone surfaces in white macauba. A skylight funnels light through the top floor down to the bathtub. The vanity is constructed of a reclaimed dresser.

The clients for this wood frame townhouse renovation and extension wanted a house full of saturated color, pattern, texture, and light, with Art Deco and mid-century touches and reclaimed materials. The house was completely reclad in western red cedar, with new windows, cornice, and entry overhang. The cedar was left in its natural state to weather over time. Garden level entry through a turquoise door leads to a vestibule lined with yellow and black cement tiles, replicating the Art Deco pattern used by Ernest Hemingway in his Key West, Florida home. The dining room, located at the front of the house, is painted in Benjamin Moore’s Rainforest Foliage, providing a dramatic backdrop to the gold-painted elements in the original marble mantel, as well as the white oak pendant and chairs upholstered in mustard-colored wool. Exposed beams provide texture along the ceiling plane in the original portion of the house, and white oak flooring runs throughout.

On the top floor, a vaulted child’s bedroom provides space for a canopy bed in the shape of a house. A wall of Popham cement tiles in the bathroom, in a sunshine pattern, meets a clerestory window, drawing light through a skylit shaft. Terracotta colored tiles line the floor. A terrace off the hall is brightened by a red wall and cedar fencing.

è un’azienda certificata WBE con progetti che abbracciano una varietà di tipologie che vanno dall’architettura, agli interni e ai paesaggi per villette a schiera, sviluppi residenziali, residenze private di nuova costruzione, interni, progetti educativi e di vendita al dettaglio, oltre a lavori speculativi nell’area di New York, così come a livello regionale e internazionale.

Founded in 2006 by Alexandra Barker, FAIA, Barker Associates Architecture Office (BAAO) is a WBE-cer tified business with projects spanning a variety of typologies ranging from architecture, to interiors and landscapes for townhouses, residential developments, ground-up private residences, interiors, educational, and retail projects, as well as speculative work in the New York area, as well as regionally and internationally.

Courtesy of v2com-newswire WEBSITE | baaostudio.com INSTAGRAM | @baao_architects FACEBOOK | BAAO Architects

The firm’s award-winning architecture brings inventive, intelligent design to a dynamic, multivalent world through residential, interior, cultural, and commercial projects. Its specu lative and community outreach work looks toward the future of architecture, bringing design to broader communities.

Barker Associates Architecture Office

La pluripremiata architettura dello studio porta un design inventivo e intelligente in un mondo dinamico e multivalente attraverso progetti residenziali, interni, culturali e commerciali. Il suo lavoro speculativo e di sensibilizzazione della comunità guarda al futuro dell’architettura, portando il design a comunità più ampie.

Fondato nel 2006 da Alexandra Barker, FAIA, Barker Associates Architecture Office (BAAO)

60 ©Gianni Berengo Gardin, Venezia, 1959. Courtesy Alessia Paladini Gallery, Fondazione Forma per la Fotografia, Contrasto

GBG: forse ti riferisci al libro oramai introvabile di Venise des Saisons, un libro che avevo proposto a otto editori italiani ma che è stato rifiutato da tutti. Poi fu ben accolto da un editore svizzero che mi mandò un telegramma dicendomi di essere interessato a pubblicarlo. All’interno di questo reportage sui veneziani ci sono testi di Giorgio Bassani e di Mario Soldati, autori incredibili; ma con il tempo siamo diventati amici. In seguito poi lavorai con Giorgio Soavi, insieme lavoravamo all’Olivetti.

MVB: Lei Berengo accosta un reportage più crudo ad uno sguardo più romantico.

GBG: Dipende dal soggetto della mia fotografia. Dipende da quanto io possa essere d’accordo con quello che fotografo.

GBG: maybe you are referring to the now unobtainable book Venise des Saisons, a book that I had proposed to eight Italian publishers but was rejected by all of them. Then it was well received by a Swiss publisher who sent me a telegram saying he was interested in publishing it. Within this report on the Venetians there are texts by Giorgio Bassani and Mario Soldati, incredible authors; but over time we became friends. Later I then worked with Giorgio Soavi, together we worked at Olivetti.

Maria Vittoria Baravelli: How did it all start? Gianni Berengo Gardin: Shall I tell you how I started as a photographer? I can tell you in the meantime that although I was born in Liguria, I lived many years in Venice, I love it very much. My culture is half Venetian and half Ligurian and a little bit also French because you know I lived a few years in Paris and my photography is deeply linked to their visual culture. As well as the American photography of Life and Dorothea Lange. Venice remains in my heart though, I have dedicated eight books to it. However, one of the springs of change was a Swiss critic who pushed me and urged me in considering myself a real professional in photography. That’s why I then had to come and live in Milan.

MVB: L’ultima volta che ho parlato con lei eravamo nel suo studio e mi ricordo che parlammo di letteratura e di quanto lei sia stato affine al mondo di alcuni autori.

MVB: the last time I talked to you we were in your studio and I remember we talked about literature and how you were akin to the world of certain authors .

MVB: Possiamo dire che lei sia un fanatico della pellicola e del mondo analogico, si offende?!

THE KISS Gianni Berengo Gardin Di MARIA VITTORIA

Gianni Berengo Gardin: Le devo dire come ho cominciato a fare il fotografo? Posso intanto dirle che pur essendo di nascita ligure ho vissuto tanti anni a Venezia, la amo molto. La mia cultura è metà veneta e metà ligure e un po’ anche francese perché sa io ho vissuto qualche anno a Parigi e la mia fotografia è profondamente legata alla loro cultura visuale. Come del resto anche alla fotografia americana di Life e di Dorothea Lange. Però Venezia resta nel mio cuore, le ho dedicato otto libri. Comunque una delle molle del cambiamento è stato un critico svizzero che mi spinse e mi esortò nel considerarmi un vero e proprio professionista in campo fotografico. Per questo poi sono dovuto venire a vivere a Milano.

Maria Vittoria Baravelli: Com’è cominciato tutto?

MVB: What did you do for Olivetti? GBG: Social services and assembly line productions, I never photographed the machines for their own sake but rather the workings. Adriano Olivetti was an extraordinary man, he made kindergartens, homes for workers and even libraries.

GBG: si figuri io ho passato 45 anni nella camera oscura dove sviluppavo poi ho smesso perché non avrei avuto più tempo di fare le fotografie. Ma amo la pellicola, amo il fatto che prima di vedere una foto debba passare del tempo. Oggi i giovani non sanno più aspettare e soprattutto se usato e stra abusato il digitale cambia a tal punto la mentalità fotografica che non si pensa più. Invece per me la foto è soprattutto il pensiero. Prima bisogna pensare e poi si scatta, una foto e basta. Herni Cartier Bresson diceva che “una delle cose più belle nella vita di un fotografo è guardare un foglio di provini con il lentino.” BARAVELLI

MVB: Cosa faceva per Olivetti? GBG: i servizi sociali e le produzioni delle linee di montaggio, non ho mai fotografato le macchine fine a se stesse bensì le lavorazioni. Adriano Olivetti fu un uomo straordinario, fece asili, case per gli operai e pensa persino le biblioteche.

MVB: You Berengo juxtapose a more raw reportage with a more romantic look. GBG: It depends on the subject of my photography. It depends on how much I can agree with what I photograph.

GBG: In my Parisian years I hung out with many colleagues including Doisneau Willy Ronis and then many years later Cartier Bresson. Doisneau with time, after a while actually I kind of abandoned him because I disagreed with his photographs. His most famous images are in fact constructed and I don’t care for them. With Willy Ronis things were different because initially I was his assistant maybe bag holder but then we became friends and so we started photographing together. With him I learned technique but mostly how to look at the world. Also from Cartier Bresson years and years later I learned a lot when we became friends thanks to a mutual friend of ours Ferdinando Scianna. Just think that one day he dedicated to me, always talking about Bresson, one of his books on Mexico with the words “ To Gianni with sympathy and admiration” . I could have died the next day, I had earned my gold medal.

MVB: Cartier Bresson l’ha consacrata inserendola con una sua fotografia nella mostra sugli scatti più importanti della storia della fotografia, è corretto?

MVB: Cartier Bresson enshrined you by including you with one of your photographs in the exhibition on the most important shots in the history of photography, is that correct?

GBG: please imagine I spent 45 years in the darkroom where I was developing then I stopped because I wouldn’t have time to take pictures anymore. But I love film, I love the fact that before you see a picture you have to wait some time. Today young people don’t know how to wait anymore and especially if used and overabused digital changes the photographic mentality so much that you don’t think anymore. Instead, for me the photo is above all thinking. First you have to think and then you shoot, a photo and that’s it. Herni Cartier Bresson said that “one of the most beautiful things in a photographer’s life is to look at a sheet of specimens with a loupe.”

MVB: Ieri sera alla presentazione di The Platinum Portfolio da Alessia Paladini Gallery hai raccontato la storia della celebre fotografia del Vaporetto. GBG: Certo che per me che ho sempre stampato ai sali d’argento queste fotografie stampate al platino palladio sono una bella sfida. La foto che dici tu l’ho scattata a Venezia sul vaporetto. Stavo andando da Venezia al Lido perché vivevo lì ed ho scattato una unica fotografia. Era perfetta. E l’impermeabile dell’uomo appoggiato al vetro ha permesso che si specchiasse la città proprio come in uno specchio. È una bella fotografia.

MVB: We can say that you are a fanatic of film and the analog world, are you offended?!

GBG: Nei miei anni parigini frequentai molti colleghi tra cui Doisneau Willy Ronis e poi tanti anni dopo Cartier Bresson. Doisneau con il tempo, dopo poco a dir la verità l’ho un po’ abbandonato perché non ero d’accordo sulle sue fotografie. Le sue immagini più famose sono di fatto costruito e a me non interessano. Con Willy Ronis le cose andarono diversa mente perché inizialmente gli feci da assistente forse porta borse ma poi diventammo amici e quindi cominciammo a fotografare insieme. Con lui imparai la tecnica ma soprattutto come si guarda il mondo. Anche da Cartier Bresson anni e anni dopo imparai molto, quando divenimmo amici grazie ad un nostro amico in comune Ferdinando Scianna. Pensa che un giorno mi dedicò parlo sempre di Bresson un suo libro sul Messico con scritto “A Gianni con simpatia ed ammirazione” . Sarei potuto morire il giorno dopo, la mia medaglia d’oro me l’ero conquistata.

MVB: Last night at the presentation of The Platinum Portfolio at Alessia Paladini Gallery you told the story of the famous Vaporetto photograph.

63 ©Gianni Berengo Gardin, Gran Bretagna, 1977. Courtesy Alessia Paladini Gallery, Fondazione Forma per la Fotografia, Contrasto

64 ©Gianni Berengo Gardin, Venezia, 1960. Courtesy Alessia Paladini Gallery, Fondazione Forma per la Fotografia, Contrasto

GBG: Perché nel 1950 quando ho cominciato a fotografare in Italia era proibito baciarsi per strada. Era oltraggio al pudore. Potevi pure essere arrestato, poi non so se sia mai successo, ma la gente non amava rischiare. Così gli italiani, noi ci baciavamo poco. Quando sono andato a Parigi invece la gente si baciava freneticamente (ride) e mi ha fatto una tale impressione che tornato ho sentito il bisogno di ricercare tutti quei baci. I baci per me hanno sempre mantenuto qualcosa di proibito. Oggi forse li fotografo per invidia!! (ride) Il bacio a Venezia, sotto i portici è venuta per caso. Amavo fotografare la mattina presto è questa

GBG: Of course for me who has always printed in silver salts these photographs printed in platinum palladium are quite a challenge. The photograph you say I took in Venice on the vaporetto. I was going from Venice to the Lido because I lived there and I took one photograph. It was perfect. And the man’s raincoat leaning against the glass allowed the city to be reflected just like in a mirror. It is a beautiful photograph.

MVB: you Gianni when you photograph whether it is a reportage, a procession or two lovers, what do you try to represent?

GBG: se non altro la verità che mi si imprime negli occhi. Io racconto sempre la verità poi certo posso simpatizzare più su alcune cose ed essere più distaccato in altre.

GBG: You know the Mulas story too, how funny. When I was a boy just moved to Milan I went to see him in the studio and for me it was already a very big thrill because he was already recognized as a master. He showed me some of his photographs and I kept saying more and more excited that I thought the photographs were beautiful. Here he told me that photographs are either good or they are useless and that if I kept saying the photographs were beautiful he would kick me out. So it’s true the photographs must be good, then alas to survive in the working world I tell you, the photographs that sell the most are the beautiful ones.

MVB: lei Gianni quando fotografa che sia un reportage, una processione o due innamorati cosa cerca di rappresentare?

MVB: If you heard Ugo Mulas say that a photograph is beautiful, this time you wouldn’t get away so well.

MVB: Se la sentisse Ugo Mulas dire che una fotografia è bella, questa volta non la scamperebbe così bene GBG: La sai anche tu la storia di Mulas, che ridere. Quando ero ragazzo appena trasferito a Milano lo andai a trovare in studio e per me era già una grandissima emozione perché era già ricono sciuto come maestro. Mi fece vedere delle sue fotografie ed io continuavo a dire sempre più emozionato che le fotografie le trovavo bellissime. Ecco mi disse che le fotografie o sono buone o non servono a niente e che se avessi continuato a dire che le foto erano belle mi avrebbe cacciato. Quindi è vero le foto devono essere buone, poi ahimè per sopravvivere nel mondo lavorativo te lo dico, le foto che si vendono di più sono quelle belle.

GBG: if nothing else the truth that is etched in my eyes. I always tell the truth then of course I can sympathize more on some things and be more detached in others.

MVB: Ma lei Berengo, è un uomo romantico?

GBG: la gente dice che sono un poeta ma si sbagliano. Io non sono un poeta ne tanto meno voglio esserlo. Io voglio essere solo un fotografo. Voglio documentare ciò che succede

MVB: But you Berengo, are you a romantic man?

GBG: People say I am a poet but they are wrong. I am not a poet nor do I want to be one. I just want to be a photographer. I want to document what happens MVB: E allora perché così tante coppie, perchè tutti quei baci?

MVB: I would be delighted to receive a note from you, written of course with the letter 22 not the electric one.

MVB: If I tell you Letter 22, what do you tell me?

GBG: Do you want to know about my typewriters? Well I have a modern electric one that I use for work and service commu nications, then I have the famous Olivetti 22 that I only use to write what I like, usually to my friends. The fonts are a little old but I really like to hear the ticking of the mechanical part. It has remained unchanged even though so many years have passed.

66 è stata una fortuna perché a quell’ora il Caffè Florian non aveva ancora aperto e i tavolini in esterno non c’erano ancora è così pulita l’architettura e la prospettiva del portico.

GBG: Non so se se la merita (ride). Intanto mi mandi l’intervista e sarà un piacere. Mi scriva il suo indirizzo però e mai le mail. Quelle le odio.

MVB: Se le dico Lettera 22, lei cosa mi dice? GBG: Vuole sapere delle mie macchine da scrivere? Beh ne ho una elettrica moderna che uso per lavoro e per le comuni cazioni di servizio, poi ho la famosa Olivetti 22 che utilizzo solo per scrivere quello che mi piace, di solito ai miei amici. I caratteri sono un po’ vecchi ma mi piace molto sentire il tic tac della parte meccanica. È rimasto invariato anche se sono passati tanti anni.

GBG: I don’t know if you deserve it (laughs). In the meantime send me the interview and it will be a pleasure. Write me your address though and never e-mails. I hate those. Intervista di / Interview by MARIA VITTORIA BARAVELLI (@mariavittoriabaravelli)

Quando l’argento si trasforma in platino. Per la prima volta in mostra una versione inedita e straordinaria di una selezione di scatti iconici di Gianni Berengo Gardin “The Platinum Portfolio”, organizzata ed esposta da Alessia Paladini Gallery in collabora zione con Contrasto, dal 16 giugno al 9 settembre 2022. When silver turns platinum. On view for the first time is an unprec edented and extraordinary version of a selection of iconic Gianni Berengo Gardin’s shots “The Platinum Portfolio”, organized and exhibited by Alessia Paladini Gallery in collaboration with Contrasto, from June 16 to September 9, 2022. Alessia Paladini Gallery Via Pietro Maroncelli, 11 - 20154 Milano WEBSITE | FACEBOOKINSTAGRAMalessiapaladinigallery.it|@alessiapaladinigallery|AlessiaPaladiniGallery

MVB: io sarei felicissima di ricevere un suo biglietto, scritto ovviamente con la lettera 22 non con quella elettrica.

MVB: So why so many couples, why all the kissing? GBG: Because in 1950 when I started photographing in Italy it was forbidden to kiss in the street. It was an outrage of modesty. You might as well have been arrested, then I don’t know if it ever happened, but people didn’t like to risk it . So the Italians, we kissed very little. When I went to Paris, on the other hand, people were kissing frantically (laughs) and it made such an impression on me that when I came back I felt the need to research all those kisses. Kisses for me have always held something forbidden. Today maybe I photograph them out of envy!!! (laughs) The kiss in Venice, under the arcades, came by chance. I loved to photo graph early in the morning and this was fortunate because at that time the Caffè Florian had not yet opened and the tables outside were not yet there, is so clean the architecture and perspective of the portico.

67 ©Gianni Berengo Gardin, Siena, 1972. Courtesy Alessia Paladini Gallery, Fondazione Forma per la Fotografia, Contrasto

68 CESARE CATANIA Dall’arte contemporanea all’arte digitale

Last June he exhibited his works at the San Babila Gallery in Milan and then at the LAC Museum in Lugano, and it was here that, on the occasion of the day dedicated to the Metaverse, Cesare Catania’s art was able to manifest itself in its entirety. He recently received the award “From Material Art to Digital Art,” having managed to express his emotions and feelings in both traditional and digital fields in a complete and effective way.

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Cesare Catania is a painter and sculptor and began his artistic career several years ago. After a decade of success in the international arena as a traditional artist, he has recently amazed critics with his ability to step into the shoes of a “digital artist.” These two words together create a marriage of tradition and innovation. In his artworks, the boundaries between painting, sculpture and digital art merge, while always maintaining a firm attachment to ‘contemporary art. His artistic roots lie in classical art, but Catania is constantly changing, evolving, always looking for new techniques to best express his inspirations.

L’arte digitale del pittore e scultore Cesare Catania continua a stupire: “La vera rivoluzione digitale si avrà quando le persone saranno in grado di vivere la realtà di tutti i giorni interagendo con contenuti virtuali e artistici in realtà aumentata” Cesare Catania è pittore e scultore ed ha iniziato la sua carriera artistica diversi anni fa. Dopo un decennio di successi in campo internazionale nei panni di artista tradizionale, nell’ultimo periodo ha stupito la critica per la sua abilità di vestire i panni di “artista digitale”. Queste due parole insieme creano un connubio tra tradizione e innovazione. Nelle sue opere d’arte i confini tra pittura, scultura e arte digitale si fondono, mantenendo sempre saldo il suo attaccamento all’ arte contemporanea. Le sue radici artistiche affondano nell’arte classica ma Catania è in continuo divenire, in evoluzione, sempre alla ricerca di nuove tecniche per esprimere al meglio le sue ispirazioni. Nello scorso mese di giugno ha esposto le proprie opere alla Galleria San Babila di Milano e poi al Museo LAC di Lugano ed è proprio qui che in occasione della giornata dedicata al Metaverso, l’arte di Cesare Catania ha potuto manifestarsi nella sua interezza. Di recente ha ricevuto il premio “Dall’Arte Materica alla Digital Art”, essendo riuscito a esprimere in maniera completa ed efficace le proprie emozioni e sensazioni sia in campo tradizionale che in quello digitale.

The digital art of painter and sculptor Cesare Catania continues to amaze: “The real digital revolution will occur when people are able to experience everyday reality by interacting with virtual and artistic content in augmented reality.”

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72 “Feelings and Emotions” – Arlecchino, B version, 2022. Acrilico e silicone su tela, 100 x 80 cm

CC: Feeling and Emotions e’ una collezione di 14 pezzi tra dipinti 3D e sculture che ripercorre le mie sensazioni prima, durante e dopo la realizzazione di una qualsiasi opera d’arte. Ho provato con questa collezione a spiegare in maniera analitica quasi tutti i principali sentimenti che mi accompagnano nel percorso creativo, a partire dalle prime sensazioni di purezza e assenza di pregiudizio, fino alle successive di timidezza nei confronti della tela ancora bianca, fino alla felicità, al relax, ecc...

CC: My passion for mathematics and my engineering training lead me to perceive above all the main forms of the reality around me, to break down the world around me into simple and superimposable polygons, often resulting in paintings with a cubist flavor and sculptures at the same time with an essential and geometric character.

CC: La mia passione per la matematica e la mia formazione ingegneristica mi portano a percepire soprattutto le forme principali della realtà che mi circonda, a scomporre il mondo attorno a me in poligoni semplici e sovrapponibili, dando vita spesso a quadri dal sapore cubista e a sculture allo stesso tempo dal carattere essenziale e geometrico.

ML: You recently launched a new collection, “Feelings and Emotions.” Can you tell us what it is about and more importantly what emotions does it bring forth?

ML: Hermeticism and Cubism. How do you decline these two artistic movements in your works?

ML: Come si è avvicinato a questa forma d’arte che appunto definiamo “digitale”?

ML: How did you approach this art form that we precisely call “digital”?

Monica Landro: How did you manage to combine the concept of creativity and aesthetic taste, typically idealistic concepts, with that of technology and the future, so typically pragmatic?

CC: Feeling and Emotions is a 14-piece collection of 3D paintings and sculptures that traces my feelings before, during and after the making of any artwork. I tried with this collection to explain in an analytical way almost all the main feelings that accompany me in the creative journey, starting from the first feelings of purity and absence of prejudice, to the later ones of shyness towards the still blank canvas, to happiness, relaxation, etc...

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CC: In realtà mi sono avvicinato all’arte digitale per caso già nel 2017, inizialmente a scopo didattico per spiegare le mie opere cubiste attraverso animazioni digitali (vedasi ad esempio l’arazzo Trois Hommes) e successivamente per provare a duplicare le mie sculture tradizionali realizzate in gesso e acrilico attraverso la scansione digitale e la stampa 3D.

ML: Di recente ha lanciato una nuova collezione: “Feelings and Emotions”. Ci racconta di cosa si tratta e soprattutto quali emozioni porta avanti?

Monica Landro: Come è riuscito a coniugare il concetto di creatività e gusto estetico, concetti tipicamente idealistici con quello di tecnologia e futuro, così tipicamente pragmatici?

Cesare Catania: I believe that today’s technology is shaping itself as a tool to make us dream through augmented reality and Metaverse. In this, creativity and aesthetic taste become the pivotal concepts that drive artists to create digital art through technology.

Cesare Catania: Ritengo che la tecnologia di oggi si stia confi gurando come uno strumento per farci sognare attraverso realtà aumentata e Metaverso. In questo la creatività e il gusto estetico diventano i concetti cardine che spingono gli artisti a creare arte digitale grazie alla tecnologia.

ML: Ermetismo e cubismo. Come declina questi due movimenti artistici nelle sue opere?

CC: I actually approached digital art by accident back in 2017, initially for educational purposes to explain my cubist works through digital animations (see, for example, the tapestry Trois Hommes) and later to try to duplicate my traditional sculptures made in plaster and acrylic through digital scanning and 3D printing.

WEBSITE | cesarecatania.eu INSTAGRAM | @art_cesarecatania FACEBOOK | cesarecataniaarte “Feelings and Emotions” - Presenza, 2022. Acciaio, silicone, acrilico e pigmenti naturali, 60 x 60 x 60 cm

CC: Right now I am developing a number of artistic projects. One of them is definitely about the Metaverse and digital art. One day we will see my traditional artworks literally come to life through technology in an augmented reality world. Intervista di / Interview by MONICA LANDRO (@monica_landro)

ML: A Lugano è stato selezionato insieme ad altri artisti inter nazionali, come uno tra i più grandi artisti del settore “digitale”, proiettandosi in un mondo che viene definito “Metaverso”. Cosa significa?

CC: I believe that a true artist should bring his emotions to life through different expressive techniques, and digital art is definitely one of them. In the not-so-distant future we will see the different Metaverses populated with virtual content, and certainly artistic content will be the most appreciated. The real digital revolution will occur when people are able to experience everyday reality by interacting with virtual and artistic content in augmented reality.

ML: In Lugano, you were selected along with other interna tional artists as one of the greatest artists in the “digital” field, projecting yourself into a world that is called the “Metaverse.”

What does that mean?

ML: Your art has certainly had a decidedly futuristic devel opment. How do you think it will evolve in the coming years?

CC: Ritengo che un vero artista debba dar vita alle proprie emozioni attraverso diverse tecniche espressive, e l’arte digitale è sicuramente una di queste. In un futuro non molto lontano vedremo i diversi Metaversi popolarsi di contenuti virtuali, e sicuramente quelli artistici saranno i più apprezzati.

La vera rivoluzione digitale si avrà quando le persone saranno in grado di vivere la realtà di tutti i giorni interagendo con contenuti virtuali e artistici in realtà aumentata.

ML: La sua arte ha di sicuro goduto di uno sviluppo decisa mente futuristico. Come pensa si evolverà nei prossimi anni?

CC: In questo momento sto sviluppando numerosi progetti artistici. Uno di questi è sicuramente quello riguardante il Metaverso e l’arte digitale. Un giorno vedremo le mie opere d’arte tradizionali prendere letteralmente vita grazie alla tecnologia in un mondo di realtà aumentata.

Oriental impressions, that is how Philippe Daverio had defined Veronica Gaido’s shots. A spiritual and above all experimental journey. A photography that we could say liquid, in which the camera like a brush takes on a pictorial dynamism. In which light ludically plays and accompanies us to new horizons. Subjects are transformed, altered, whether they are bodies or architectures. A very personal photographic language straddling impressionism and futurist painting.

Impressioni d’oriente, Così aveva definito Philippe Daverio gli scatti di Veronica Gaido. Un viaggio spirituale e soprattutto sperimentale. Una fotografia che potremmo dire liquida, in cui la macchina fotografica come un pennello assume una dinamicità pittorica. In cui la luce ludicamente gioca e ci accompagna verso orizzonti nuovi. I soggetti si trasformano, si alterano, che siano corpi oppure architetture. Un linguaggio fotografico personalissimo a cavallo tra l’impressionismo e la pittura futurista.

Maria Vittoria Baravelli: How did your love for photography come about?

MVB: Mi racconti perché tra i miti quello di Dedalo ti abbia particolarmente colpito?

Veronica Gaido e la fotografia liquida

Veronica Gaido: Photography has always been a tool, as I am very shy, to be able to have a more immediate contact with the people around me. Photography allows you to have a privileged relationship with the world. Just through the shots, one by one, I was able to empathize more and more with people. I think I got my first camera when I was 12 years old, but I had always loved to capture what was around me. The first time my mother gave me a Nikon for a promotion I started experimenting with colors in the fruit and vegetable stores near my home, photographed everything. I recorded everything and liked to blur the shapes and colors. I spent all my money on developing rolls of film, but I regret nothing. Today even though a lot of time has passed since then, my spirit and approach to photography has not altered, in fact I continue to this day to experiment and search every day for something different, something new. I hate being bored. This eagerness perhaps stems from the fact that I was not a child of art. My taste and passions were born exclusively from me and from what I was gradually trying to grasp and absorb from the reality around me. I love being versatile, changing form, like water that always gets where it needs to go in the end and no one stops it. Then I was lucky because from the very beginning I found kind people who helped me, starting with the local photographers around me. I was a little girl and they passed something of theirs on to me. Those who introduced me to 6x6 rolls of film, those who taught me how to develop in the darkroom. There I made up my mind very much that I wanted to be a photographer. I couldn’t do anything else. And even when I started modeling as a girl I was always angry because on Set I always wanted to be on the opposite side of where they put me from time to time. The masters of photography that I loved are so many. Olaf among them even though my image is totally different. From Penn and his still life to Albert Watson’s light. They all inspire me to tell the truth because I think every person we meet is actually a key that desecrates something about ourselves.

VG: Il mito di dedalo è stato una conseguenza. Quando sono andata nei cantieri Sanlorenzo ed ho cominciato a pensare a cosa fotografare per poi poter rappresentare il loro universo straordinario, secondo la mia poetica, sono rimasta affascinata dai grandi scheletri delle barche, tutti incelofanati con le impalcature e la plastica. Ero piccola piccola e le impalcature gigantesche, sono vere e propri labirinti in cui perdersi. Ho quindi pensato di usare le luci del cantiere, che sono l’unica cosa che ci permetteva di non perderci, come un promemoria per orientarci. Le luci del cantiere come il filo che salvò Arianna. Perché comunque queste intricate geometrie ci attraggono perché ci smarriscono ma anche perché nonostante tutto abbiamo la condizione di poterne uscire, no?!

Veronica Gaido: La fotografia è sempre stato uno strumento, essendo molto timida, per riuscire ad avere un contatto più immediato con le persone attorno a me. La fotografia ti permette di avere un rapporto privilegiato con il mondo. Proprio attraverso gli scatti, uno ad uno, riuscivo ad entrare sempre più in empatia con le persone. La prima macchina fotografica credo di averla avuta a 12 anni ma da sempre amavo immortalare ciò che mi stava intorno. La prima volta che mia madre mi ha regalato una Nikon per una promozione ho iniziato a sperimentare con i colori dei negozi di frutta e verdura vicino a casa, fotografato tutto. Registravo tutto e mi piaceva sfumare le forme ed i colori. Spesi tutti i miei soldi per sviluppare i rullini, ma non rimpiango niente. Oggi anche se è passato molto tempo da allora il mio animo e il mio approccio alla fotografia non si è alterato infatti continuo tutt’oggi a sperimentare e a ricercare ogni giorno qualcosa di diverso, qualcosa di nuovo. Odio annoiarmi. Questa smania forse deriva dal fatto di non essere stata una figlia d’arte. Il mio gusto e le mie passioni sono nate esclusivamente da me e da quello che mano a mano cercavo di carpire e assorbire dalla realtà attorno a me. Amo essere versatile, cambiare forma, come l’acqua che alla fine arriva sempre dove deve e non la ferma nessuno. Poi sono stata fortunata perché sin dagli esordi ho trovato persone gentili che mi hanno aiutato, a partire dai fotografi locali attorno a me. Ero ragazzina e loro mi hanno trasmesso qualcosa di loro. Chi mi ha fatto scoprire i rullini 6x6 chi invece mi ha insegnato a sviluppare in camera oscura. Ecco lì mi sono molto decisa che sarei voluta essere una fotografa. Non potrei fare nessun’altra cosa. E anche quando da ragazza ho cominciato a fare la modella ero sempre arrabbiata perché sul Set volevo sempre stare dalla parte opposta a dove di volta in volta mi mettevano. I maestri della fotografia che ho amato sono tantissimi. Olaf tra tutti anche se la mia immagine è totalmente diversa. Da Penn e i suoi still life alla luce di Albert Watson. Mi ispirano tutti a dir la verità perchè penso che ogni persona che incontriamo sia in realtà una chiave che desecreta qualcosa di noi stessi.

IMPRESSIONI D’ORIENTE

MVB: Can you tell me why among the myths the one of Daedalus particularly struck you?

VG : The myth of Daedalus was a consequence. When I went to the Sanlorenzo shipyards and started thinking about what to

Maria Vittoria Baravelli: Come nasce il tuo amore per la fotografia?

Esercito, 2018

78 Il mio angolo, 2016

MVB : Quanto è cambiata la tua ricerca artistica negli anni e soprattutto, tu sei una ritrattista di successo come cambia il modo di relazionarsi al corpo e ai cantieri? VG : La mia ricerca è in costante e continua evoluzione. È cambiata tantissimo negli anni, ma ogni giorno della mia vita è un momento opportuno per cambiare punto di vista. Un libro letto, un caffè preso in un bar nuovo, una chiac chierata con una amica, una fragranza che non conoscevo solo tutte piccole epifanie quotidiane che mi permettono di sondare una curiosità che mi porta sempre un po’ altrove.

MVB: How much has your artistic research changed over the years

and above all , you are a successful portrait artist, how does the way you relate to the body and to construction sites change?

MVB: Are you talking about the photographs of the Terracotta Army? VG: You have to look at them carefully one by one. In each face of the Terracotta Army there is a human expression. There is the happy one, and the sad one. You see all the emotional states of the people. Because photography always tells a little bit of the truth, and I like that aspect.

Intervista di / Interview by MARIA VITTORIA BARAVELLI (@mariavittoriabaravelli) del centro, 2018

Passare dalle donne ai grattacieli oppure ai cantieri è molto semplice per me. Parto sempre da un tema letterario, sono innamorata della mitologia greca e quindi le donne le ho sempre rappresentate pensando ad Afrodite, loro così lontane oppure così vere nei loro desideri. Nel 2015, 2016 durante una vacanza ho ripreso in mano il testo di Italo Calvino, le città invisibili, da cui ho rubato come direbbe Picasso, il titolo. Mi ha cambiato l’approccio a quello che sono le visioni delle città, dei grattacieli. Ho immaginato che questi grandi grattacieli che come dice la parola stessa grattano il cielo, lo conquistano e li si perdono li ho immagini come creature viventi, come se avessero un’anima. I grattacielo di solito sono rappresentati statici, pesanti come il loro cemento armato, mentre io invece ho cercato di raccontare una immagine delicata, quasi umana e più fragile. In contrapposizione ho immaginato che la popola zione che abitasse queste città fosse non di esseri umani nella loro componente più effimera bensì fatti di terracotta.

Dinamismo

VG: My research is constantly and continuously evolving. It has changed so much over the years, but every day of my life is an opportune moment to change my perspective. A book read, a coffee taken in a new café, a chat with a friend, a fragrance I didn’t know just all small daily epiphanies that allow me to probe a curiosity that always takes me a bit elsewhere. Moving from women to skyscrapers or to construction sites is very easy for me. I always start from a literary theme, I am in love with Greek mythology and so I have always represented women thinking of Aphrodite, they so distant or so true in their desires. In 2015, 2016 during a vacation I picked up Italo Calvino’s text, Le Città Invisibili, from which I stole, as Picasso would say, the title. It changed my approach to what are visions of cities, of skyscrapers. I imagined these big skyscrapers, that, as the word says scratch the sky, conquer it and get lost in it, I imagined them as living creatures, as if they had a soul. Skyscrapers are usually depicted static, heavy as their concrete, while I instead tried to tell a delicate, almost human and more fragile image. In contrast, I imagined that the population that inhabited these cities was not of human beings in their most ephemeral component but rather made of clay.

79 photograph in order to then be able to represent their extraor dinary universe, according to my poetics, I was fascinated by the big skeletons of the boats, all encased with scaffolding and plastic. I was a small child and the scaffolding giant, they are real labyrinths to get lost in. So I thought of using the yard lights, which are the only thing that allowed us not to get lost, as a reminder to get our bearings. The yard lights as the thread that saved Ariadne. Because in any case, these intricate geometries attract us because we get lost but also because in spite of everything we have the condition that we can get out, don’t we!

MVB: Parli delle fotografie dell’esercito di Terracotta? VG: Devi guardarli attentamente uno per uno. In ogni faccia dell’esercito di terracotta c’è una espressione umana. C’è quello felice, e quello triste. Vedi tutti gli stati emozionali della popolazione. Perché la fotografia racconta sempre un po’ la verità e questo aspetto a me piace.

Those that the Viareggio artist captures are forms in constant mutation, thanks to a moving shot, which attract the visitor’s eye and simultaneously deceive it. The initial certainty, induced by the reassuring emotion of recognition, vanishes and leaves room for our imagination.

From June 7 to July 15, 2022, STILL Fotografia in Milan (via Zamenhof 11) is hosting Veronica Gaido’s exhibition, “Daedalus and Other Stories,” dedicated to Sanlorenzo Shipyards, as well as a special selection of the artist’s personal projects. The core of the exhibition, curated by Denis Curti, revolves around forty images that tell the story of Sanlorenzo Shipyards, placed in dialogue with the city of Venice and its millennial tradition as queen of the seas.

Veronica Gaido thus offers the possibility of finding that experiential dimension that rarely belongs to photographs, because they are too descriptive and often intended to recite fragmented summaries of reality.

“It is for this reason,” Denis Curti continues, “that I like to define Veronica’s images as visual thoughts. Inside these abstrac tions there are many stories, there is above all human quantity, because I recognize that ability to listen and perceive silence. And this ability fascinates anyone who approaches these photographs.”

In these works, Veronica Gaido archives the complex and often conflicting relationship between figure and background.

Dal 7 giugno al 15 luglio 2022, STILL Fotografia a Milano (via Zamenhof 11) ospita la mostra di Veronica Gaido, Dedalo e altre storie, dedicate ai cantieri navali Sanlorenzo, oltre a una selezione speciale di progetti personali dell’artista. Il nucleo dell’esposizione, curata da Denis Curti, ruota attorno a quaranta immagini che raccontano la storia dei Cantieri Sanlorenzo, poste in dialogo con la città di Venezia e alla sua millenaria tradizione di regina dei mari. In queste sue opere, Veronica Gaido mette in archivio la complessa e spesso conflittuale relazione tra figura e sfondo.

“Le fotografie – afferma Denis Curti – si dimostrano essere la materializzazione di quello sviluppo armonico che consente di non percepire più alcuna differenza fra i diversi piani. Tutto è democraticamente proposto con la stessa forza e la stessa misura. Lo sfondo non è più solo accoglienza: finalmente può giocare un ruolo da protagonista. La figura è certamente accolta nel contesto, ma non è più la sola a definire il perimetro di senso dell’intera immagine. E allora è come stare dentro un sogno”. Quelle che l’artista viareggina cattura, sono forme in costante mutazione, grazie a una ripresa in movimento, che attraggono l’occhio del visitatore e contemporaneamente lo ingannano. L’iniziale certezza, indotta dalla rassicurante emozione del riconoscimento, svanisce e lascia spazio alla nostra Veronicaimmaginazione.Gaidooffrequindi

San Lorenzo, 2018

la possibilità di trovare quella dimensione esperienziale che raramente appartiene alle fotografie, perché troppo descrittive e spesso destinate a recitare le sintesi frammentate della realtà. “È per questo motivo – prosegue Denis Curti – che mi piace definire le immagini di Veronica come dei pensieri visivi. Dentro queste astrazioni ci sono tante storie, c’è soprattutto quantità umana, perché riconosco quella capacità di ascoltare e percepire il silenzio. E questa abilità affascina chiunque si accosti a queste fotografie”.

“The photographs,” says Denis Curti, “prove to be the materi alization of that harmonic development that allows us to no longer perceive any difference between the different planes. Everything is democratically proposed with the same force and measure. The background is no longer merely welcome: it can finally play a leading role. The figure is certainly welcomed into the context, but it is no longer alone in defining the perimeter of meaning of the whole picture. Then it is like being inside a dream.”

81Il gondoliere, 2017

82 Un classico veneziano, 2018

Veronica Gaido nasce a Viareggio nel 1974 e muove i primi passi nel mondo fotografico ancora adolescente, trasferendosi prima a Milano, dove studia all’Istituto Italiano di Fotografia e poi nelle grandi metropoli per ampliare le sue esperienze frequen tando workshop formativi. Nel 2001 collabora con la Biennale di Venezia di Harald Szeemann per il bunker poetico di Marco Nereo Rotelli. Nell’agosto del 2002 tiene la sua prima mostra Sabbie Mobili nello spazio di Massimo Rebecchi a Forte dei Marmi, curata da Maurizio Vanni. Oltre al lavoro professionistico di fotografo, la Gaido ha esplorato nuove prospettive utilizzando un drone per riprese aeree dedicandosi alla creazione di un video per la Fondazione Henraux, presentato alla Triennale di Milano nel 2012. Nello stesso anno la fotografa fa parte della giuria “Premio Fondazione Henraux”, presieduta da Philippe Daverio, creando il progetto Awareness of Matter. Nel 2013 realizza un tour tra India e Bangladesh che porta al progetto Atman curato da Enrico Mattei e Roberto Mutti. Espone a Pietrasanta, Milano, Londra e Parigi. Dal 2014 si dedica al progetto Mogador intera mente realizzato nel porto di Essaouira in Marocco. Al termine delle lavorazioni, la Gaido espone nel 2017 il suo lavoro con Vito Tongiani a Rabat, Essaouira e Siviglia. Le serie Aphrodite, 2017, e Invisible Cities, 2013-2018, sono state esposte nel 2019, a Roma al museo S. Salvatore in Lauro. Il progetto Dedalo è stato presentato alla Casa dei Tre Oci a Venezia, in contemporanea con la Biennale del 2021.

WEBSITE | veronicagaido.com INSTAGRAM | @veronica_gaido FACEBOOK | veronicagaidophotographer

Veronica Gaido was born in Viareggio in 1974 and took her first steps in the photographic world while still a teenager, moving first to Milan, where she studied at the Italian Institute of Photography, and then to the big metropolises to broaden her experiences by attending training workshops. In 2001 he collab orated with Harald Szeemann’s Venice Biennale for Marco Nereo Rotelli’s poetic bunker. In August 2002 he held his first exhibition Sabbie Mobili in Massimo Rebecchi’s space in Forte dei Marmi, curated by Maurizio Vanni. In addition to her professional work as a photographer, Gaido has explored new perspectives using a drone for aerial shots, devoting herself to the creation of a video for the Henraux Foundation, presented at the Milan Triennale in 2012. In the same year, the photographer was part of the “Premio Fondazione Henraux” jury, chaired by Philippe Daverio, creating the project Awareness of Matter. In 2013 she makes a tour between India and Bangladesh that leads to the project Atman curated by Enrico Mattei and Roberto Mutti. He exhibits in Pietrasanta, Milan, London and Paris. Since 2014 he has been working on the Mogador project entirely in the port of Essaouira in Morocco. Upon completion, Gaido exhibits her work with Vito Tongiani in Rabat, Essaouira and Seville in 2017. The series Aphrodite, 2017, and Invisible Cities, 2013-2018, were exhibited in 2019, in Rome at the S. Salvatore in Lauro museum. The Daedalus project was presented at the Casa dei Tre Oci in Venice, in conjunction with the 2021 Biennale.

84 PROJET PILOTE

Con circa 100 posti a sedere, una cucina completa e le suddette microdistillerie in uno spazio di 2.000 metri quadrati, Projet Pilote rappresenta una vera novità per il Québec.

Un’importante sfida Situato nel vivace quartiere urbano di Plateau-duMont-Royal a Montréal, il sito non presenta le caratte ristiche abituali degli spazi post-industriali che di solito ospitano un locale di queste dimensioni. Pertanto, la sfida consisteva nell’ospitare i (16) serbatoi di fermen tazione e di servizio da 1200 litri del microbirrificio, i (2) serbatoi della distilleria di alcol di cereali con l’annesso alambicco di riflusso sorretto da un’impo nente colonna alta 21 piedi, il tutto fornendo spazio sufficiente per accogliere i clienti.

Fin dall’inizio, Guillaume Drapeau ha affidato ad ACT architecture design un compito ambizioso: creare un ambiente originale che combinasse microdistilleria, birreria e ristorante in un’unica esperienza ospitale.

Per recuperare spazio per il ristorante e il bar del progetto, le attrezzature tecniche sono state collocate su una piattaforma sospesa attaccata alla struttura in acciaio. Questo posizionamento occupa l’ampio volume aereo sottoutilizzato che di solito rende difficile la creazione di uno spazio conviviale. Una nuova struttura completamente indipendente è stata creata per sostenere i serbatoi e i 20.000 litri di liquido che conterranno. Una serie di cornici archi tettoniche chiuse in vetro lungo la piattaforma danno ritmo a questa passerella, mentre la finitura in rame selezionata accentua le vasche prominenti, evitando il solito aspetto clinico dell’acciaio inossidabile standard.

Un’intelligente coabitazione di spazi distinti Secondo i requisiti della legge locale, la distilleria e il birrificio sono separati. Mentre la parte della distilleria dedicata alla produzione di birra si trova sopraelevata, la prima è collocata in un locale separato, vetrato e con un proprio accesso dal retro dell’edificio, mentre il pavimento è stato abbassato per ospitare l’altezza della colonna dell’alambicco di riflusso. Infine, i prodotti stagionali, di qualità e, soprattutto, locali sono in primo piano nel menu artigianale, tanto da richiedere l’inserimento di un orto sul tetto. Questa aggiunta cruciale ha una duplice valenza: celebrando appieno i prodotti coltivati in loco, consente alla parte del progetto relativa al ristorante di ridurre al minimo lo spazio necessario per le scorte e la preparazione della cucina, in un ambiente compatto. Un ambiente caldo e organico Nonostante la complessità tecnica del progetto e l’onni presenza di attrezzature per la produzione di malto, la consueta estetica industriale celebra invece gli aspetti organici e artigianali del processo di distillazione. Così, l’inclusione di materiali e forme naturali come il legno di quercia, le piante e le curve sono evidenziate in tutto l’arredamento. La cucina aperta, la piattaforma con i serbatoi di servizio a vista e il vertiginoso alambicco di riflusso permettono al cliente di ammirare l’esperienza artigianale alla base del processo. La palette di materiali offre due zone, sia che si guardi sopra che sotto la linea orizzontale, separando le aree di produzione e di consumo. Per il bar e il risto rante nella metà inferiore del sito sono stati scelti blu intenso, verde bosco, legno di quercia, velluto, pelle e terrazzo. Piante, legno di quercia e verde chiaro sono stati scelti per lo spazio dedicato alla produzione della birra, che richiama un’estetica pre-modernista, mentre le curve e i toni del rame dei serbatoi evocano una sensibilità più scientifica, come se fossero derivati da un romanzo del visionario Jules Verne.

A clever cohabitation of distinct spaces Per local law requirements, the distillery and brewery are separated. Wherein the brewing portion of the distillery is situated overhead, the former is placed within a distinct, glazed room with its own access from the rear of the building, while the floor has been also lowered in order to house the height of the reflux still column. Lastly, seasonal, quality, and, most essentially, local products are at the fore on the artisanal menu, all but demanding the inclusion of a rooftop vegetable garden. This crucial addition is twofold: by fully celebrating produce grown on the premises, this allows the restaurant portion of the project to minimize the required space for back-stock and cooking prep necessary within a compact environment.

A warm and organic setting Despite the technical complexity of the project, and the omnipresence of malting equipment, the usual industrial aesthetic instead celebrates the organic and craft-inspired aspects of the distillation process. Thus, the inclusion of natural materials and forms such as oak wood, plants, and curves are highlighted throughout the décor. The open kitchen, the platform with the exposed service tanks, as well as the vertiginous reflux still, allow the customer to marvel at the artisanal expertise at the heart of the Theprocess.material palette offers two zones, whether looking above or below the horizontal line, separating the production and consumption areas. Deep blue, forest green, oak wood, velvet, leather, and terrazzo were chosen for the bar and restaurant in the lower half of the site. Plants, oak wood, and a light green were chosen for the brewing space, invoking a pre-mod ernist aesthetic, while the curves and copper tones of the tanks conjure a more scientific sensibility as if derived from a novel by the visionary Jules Verne.

From the start, Guillaume Drapeau entrusted ACT architecture design with an ambitious task: creating an original environment combing a micro-distillery, brewery, and restaurant into a single hospitable experience. With approximately 100 seats, replete with a full kitchen alongside the aforementioned micro-distilleries within a 2,000 s.f. space, Projet Pilote truly represents a first for Québec.

In order to recoup space for the restaurant and bar portion of the project, the technical equipment is placed on a suspended platform attached to the steel structure. This positioning occupies the vast, underused overhead volume that typically makes it difficult to create a convivial space. A new, completely independent structure is created to support the tanks and the 20,000L of liquid they will contain. A series of glass-enclosed architectural frames along the platform bring rhythm to this catwalk, while the selected copper finishing accentuates the prominent tanks, side-stepping the usual, clinical aspect of standard stainless steel.

A sizeable challenge Situated in the vibrant urban neighbourhood of Montréal’s Plateau-du-Mont-Royal, the site lacks the usual characteristics of post-industrial spaces which typically accommodate such a large establishment. Therefore, the challenge was to accommodate the (16) 1200L fermentation and service tanks for the micro-brewery, the (2) grain alcohol distillery tanks with adjoining reflux stillheld aloft by an impressive 21 ft. tall column, all while providing sufficient space to welcome customers.

ACT architecture design inc. ACT architecture design è stato creato quando l’architetto Maxime Gagné e l’interior designer e tecnologo architet tonico Alain Thibodeau hanno deciso di unire le rispettive attività. In qualità di associati, ognuno di loro vanta oltre vent’anni di esperienza nelle rispettive discipline.

Alain founded ACT Design almost 25 years ago, and the firm has experienced constant growth and diversifi cation since its inception. The projects, mainly residential and commercial, have equipped ACT Design with a well-rounded expertise stemming from building various types and scales of businesses and homes.

Alain ha fondato ACT Design quasi 25 anni fa, e lo studio ha conosciuto una crescita e una diversifica zione costanti sin dall’inizio. I progetti, principalmente residenziali e commerciali, hanno dotato ACT Design di un’esperienza a tutto tondo derivante dalla costru zione di aziende e abitazioni di vario tipo e scala. Maxime è un progettista esperto che ha lavorato in alcuni dei più grandi e rinomati studi di Montreal. I suoi numerosi contributi, in Canada e all’estero, gli hanno permesso di ottenere riconoscimenti nel corso degli anni con progetti premiati. È stato anche socio fondatore di Laroche et Gagné, uno studio di archi tettura specializzato in architettura ecologica, ed è responsabile della progettazione del primo edificio pubblico NetZero del Québec. Oltre al suo studio, insegna progettazione architettonica alla McGill University e all’Université de Montréal. Grazie all’unione delle loro competenze e al supporto dei loro collaboratori dedicati, ACT architecture design è uno studio in grado di offrire un portafoglio completo e ben integrato di servizi di architettura e design, dall’i deazione alla costruzione, nonché di progettazione di oggetti e urbanistica.

Maxime is an experienced lead designer who has worked in some of the largest and most renowned firms in Montreal. His numerous contributions, in Canada and abroad, have garnered him recognition over the years with award-winning projects. He was also a founding partner of Laroche et Gagné, an architectural firm specializing in ecological architecture, and is respon sible for designing the first public NetZero building in Québec. In addition to his practice, he also teaches architectural design at McGill University and Université de Montréal. By combining their expertise, and supported by their dedicated employees, ACT architecture design is a firm that can offer a comprehensive and well-integrated portfolio of architectural and design services, from concept to construction, as well as objects and urban design.

Courtesy of v2com-newswire WEBSITE | actad.ca INSTAGRAM | @act_ad FACEBOOK | ACT Architecture Design

ACT architecture design was created when architect, Maxime Gagné, and interior designer and architectural technologist, Alain Thibodeau, decided to merge their respective businesses. As associates, each has over twenty years of experience in their respective disciplines.

93 TECHNICAL SHEET Projet Pilote - Bar, restaurant, urban micro brewery & microdistillery • Location: rue Rachel, Montréal • Client: Projet Pilote ACT architecture design inc. team • Concept architect: Maxime Gagné • Technical drawings: Michèle Comtois and Mathieu Rochette • Construction contract administration: Simon Blackburn Partners • Engineer: Ivan H. Croteau • Construction: Les Projets Drakkar • Graphic design: Caserne Suppliers • Lighting: Luminaires Authentik • Seats and stools: Pouf Pouf • Furniture: Cabinet P et Essai-Coop Établi • Woodwork: Ouimet design • Whitewash: Manon Rita • Metal work: Soudures London et Clash Design • End of the project : July 2021 Photographer Raphaël Thibodeau (@raphael_thibodeau)

94 ARCANGELO SASSOLINO

95 PERCHÉ NULLA DURA PER SEMPRE di MARIA VITTORIA BARAVELLI PianoAltoOsioAgostinoPhoto:Venezia.diBiennaleLIXPavilion,MaltaAstuta,Diplomazija

96 NEWTON DICE CHE…, 2020. Photo: Luca Peruzzi

MVB: It is no coincidence that Matisse created the visual cactus metaphor of a life of endurance, a hymn to the will to succeed AS: Matisse was the trigger, it opened up a world to me, but I wouldn’t stand there and speculate too much with the cactus.

Maria Vittoria Baravelli: Tre aggettivi che ti rappresentano. Arcangelo Sassolino: Lento, pigro, imprevedibile.

AS : As they say, it was definitely love at first sight. The last rooms of the retrospective were just cut-outs and collages. It was a totally free hymn to the joy of imagining and making, perhaps the only one who, with all that magnificent work of his behind him, had managed to simplify the artistic gesture so much, and for me, at that moment in my life, it was the ideal lesson.

MVB: Non a caso Matisse crea la metafora visiva del cactus di una vita fatta di resistenza, un inno alla volontà di farcela. AS: Matisse fu l’innesco, mi spalancò un mondo, ma non starei li a fare troppe congetture con il cactus.

MVB: Una volta hai detto che le sculture che produci mostrano sempre un qualche tipo di falli-mento. “Il conflitto è il padre di tutte le cose”? La tecnologia di base ha un concetto di in-falli bilità, quindi cosa cerchi di mostrare?

Arcangelo Sassolino: Slow, lazy, unpredictable MVB: Che cos’è l’arte per te? AS: E’ un tentativo di riconciliare la coscienza di esistere con il resto della realtà.

PURGATORY 2016.

Maria Vittoria Baravelli: Three adjectives that represent you

AS: Come si dice, fu sicuramente amore a prima vista. Le ultime stanze della retrospettiva erano solo cut out e collage. Era un inno totalmente libero alla gioia di immaginare e fare, forse solo con tutto quel suo magnifico lavoro alle spalle era riuscito a semplificare così tanto il gesto artistico e per me, in quel momento della mia vita, fu la lezione ideale.

MVB: A somewhat late encounter that with art. Tell me about your beginning, your encounter with the work of Matisse (retro spective at MoMA).

Photo: Norbert Miguletz

MVB: What is art for you? AS: It is an attempt to reconcile the consciousness of existing with the rest of reality

AS: L’utilizzo della tecnologia nel mio lavoro credo sia risultato di una necessità insita nella mia ricerca artistica. Per riuscire a portare al limite materiali come l’acciaio, il legno, il vetro e quindi sottoporli a una pressione, a una forza o a una velocità estrema, l’unica possibilità che ho è affidarmi alla tecnologia che quotidianamente, sebbene in altri ambiti, si concentra su queste sfide. La fortuna che ho è che il più delle volte trovo dietro casa gli strumenti concreti per creare le mie opere, avendo nell’entroterra vicentino aziende che si occupano di innovazione in questi ambiti.

MVB: In recent years, technology, robotics has come into your work. How and why? AS: The use of technology in my work I think has resulted from a necessity inherent in my artistic research. To be able to take materials such as steel, wood, glass to the limit and thus subject them to extreme pressure, force or speed, the only option I have is to rely on technology, which on a daily basis, although in other areas, focuses on these challenges. The good fortune I have is that most of the time I find behind my house the concrete tools to create my works, having in the hinterland of Vicenza companies that are focused on innovation in these areas.

MVB: Un incontro quello con l’arte un po’ tardo. Mi racconti del tuo inizio, dell’incontro con l’opera di Matisse (retro spettiva al MoMA)?

MVB: Negli ultimi anni la tecnologia, la robotica si è imposta nel tuo lavoro. Come e perché?

AS: La tecnologia anela all’infallibilità, ma non credo sia infal libile. E’ una differenza cruciale, credo, ed è questo stesso un conflitto che crea una tensione insita alla tecnologia stessa. In modo simile, nelle mie opere do vita ad azioni che manife stano la contrapposizione ineliminabile che c’è tra qualcosa

MVB: E la tua voglia di futuro alla Biennale si è espressa attra verso una citazione di Caravaggio, che è il prima dei poeti moderni. Mi dici qual è il tuo rapporto con la storia dell’arte? (i tuoi maestri e le tue ossessioni).

MVB: Why do you get angry when people call you a muscular artist? AS: Because I think if anything my art is the opposite, it is an attempt to bring out the condition of inherent fragility present in every material. Of course, to be able to do this, to be able to slowly break a piece of wood, for example, I need the pressure of a piston of an industrial nature. And that is also the only way I can do it. But what I am interested in is the cry of the wood, is to bring out that precarious condition inherent in the material, not to put (only) attention on the power of the machine.

MVB: Cos’è il futuro per te Sassolino? AS: Beh, il futuro è senz’altro il tempo che verrà. Detto questo, la cosa interessante è che questo dipende dalle imprevedibili curve che la vita assume. Curve che sono come im-provvise e non controllabili deviazioni rispetto a quello che ci eravamo prefissati di fare o che volevamo fare. Forse il futuro, alla fine, è proprio il rimanere in equilibrio tra queste due condizioni: la progettualità del presente e l’imprevedibilità del presente.

98 che pone una forza e qualcos’altro che la subisce e vi resiste. Ed è proprio in questo conflitto, nella sua manifestazione concreta, che si producono situazioni di sospensione, condi zioni di pericolo e infallibilità, dinamiche necessariamente aperte alla possibilità del fallimento. Contingenze che mi sembrano essere con-dizioni ineludibili di ogni esistenza.

MVB: You once said that the sculptures you produce always show some kind of failure. “Conflict is the father of all things”? Basic technology has a concept of infallibility so what are you trying to show? AS: Technology yearns for infallibility, but I don’t think it is infal lible. It’s a crucial difference, I think, and it’s this very conflict that creates an inherent tension in the technology itself. Similarly, in my works I give life to actions that manifest the ineradicable conflict that exists between something that poses a force and something else that suffers it and resists it. And it is precisely in this conflict, in its concrete manifestation, that situations of suspension are produced, conditions of danger and instability, dynamics neces sarily open to the possibility of failure. Contingencies that seem to me to be inescapable conditions of all existence.

MVB: Ti si potrebbe definire un post-poverista? AS: No. MVB: Could you be called a post-poverist? AS: No MVB: Perché ti arrabbi quando ti definiscono un artista muscolare? AS: Perché credo che semmai la mia arte è il contrario, è un tentativo di far emergere la con-dizione di intrinseca fragilità presente in ogni materiale. Certo, per poter fare questo, per riuscire ad esempio a spezzare lentamente un pezzo di legno ho bisogno di una pressione di un pistone di natura industriale. Ed è anche l’unico modo per poterlo fare. Ma ciò che mi interessa è il grido del legno, è far emergere quella condizione precaria insita nel-la materia, non porre (solo) l’attenzione sulla potenza della macchina.

MVB: What is the future for you Sassolino? AS: Well, the future is certainly the time to come. That said, the interesting thing is that this depends on the unpredictable curves that life takes. Curves that are like sudden and uncontrollable deviations from what we set out to do or wanted to do. Perhaps the future, in the end, is really about staying balanced between these two conditions: the planning of the present and the unpre dictability of the present.

APHASIA 1, 2008. Photo: Photo: Luca Peruzzi

99FIGURANTE, 2010. PHOTO: Federico Perezzani e Fausto Caliari

100 APHASIA 1, 2008. Photo: Norbert Miguletz

AS: At this Basel fair for Sanlorenzo, I made a work in which a sheet of glass is bent to its maximum strength limit before it explodes. It is held curved by a steel staple. Will it hold up? Mine is an attempt to compress time inside a sculpture.

Art Basel 2022, Sanlorenzo presenta l’opera “Tempo Piegato”

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AS: Io credo che non si possa scappare dalla tradizione, ma si possa seguire solo il suo flusso. Quello che tento di fare è liberare la scultura dalla forma e aggiungere un’altra dimen sione che è quella del tempo: tutto è magnificamente e continuamente instabile. Il mio è un tentativo di inchiodare questa cosa nella scultura. In questo senso mi sento vicino ad Anselmo sicuramente, ma anche Brancusi perché dopo Brancusi non si può più fare una forma. E poi un bell’incontro con l’Arte Povera c’è, anche se non voglio appartenere a quell’immaginario lì. Burri, Fontana. Quell’informale lì, quell’a derenza con la sostanza viva è quello che mi ossessiona.

MVB: Ogni tua opera è alla soglia della vita, sul confine liminare tra la materia, il suo essere e il suo non essere più. La tua ricerca è più un inno alla vita o un memento mori?

AS: I find Leon Battista Alberti’s river metaphor about life the most beautiful of all. That great river that drags us all away is too powerful and impossible to handle, what you can do is to become aware of it to stay better afloat, you can ally yourself with your fellow human beings in the journey, but you are still always dragged along. The instability of what I enact with my sculptures is an attempt to record this wonderful feeling of being lost that is life.

AS: Non so se sia l’uno o l’altro. L’arte è un rapporto disperato con l’essere vivi e ti consente allo stesso tempo di trovare sempre il tuo. E’ un modo per aggrapparsi alla vita.

MVB: What about your relationship with Sanlorenzo?

AS: I don’t know if it is one or the other. Art is a desperate relationship with being alive and at the same time it allows you to always find your own. It’s a way of clinging to life.

MVB: Amid the logs that scream like in a circle of Dante, the oils that do not stabilize, the steel that melts and becomes light, can you tell me if it is more important in life to resist or to let go?

MVB: Tra i tronchi che gridano come in un girone dantesco, gli oli che non si stabilizzano, l’acciaio che si fonde e diventa luce, mi dici se è più importante nella vita resistere o la-sciar andare?

MVB: E il tuo rapporto con Sanlorenzo? AS: A questa fiera di Basilea per Sanlorenzo ho realizzato un lavoro in cui una lastra di vetro e piegata al suo limite massimo di resistenza prima di esplodere. È tenuta curvata da una graffa di acciaio. Resisterà? Il mio è un tentativo di comprimere il tempo dentro ad una scultura.

MVB: And your desire for the future at the Biennale was expressed through a quote from Caravaggio, who is the first of the modern poets. Can you tell me what is your relationship with art history? (Your masters and obsessions).

AS: Trovo la metafora del fiume di Leon Battista Alberti sulla vita la più bella di tutte. Quel grande fiume che ci trascina via tutti è troppo potente e impossibile da gestire, quello che puoi fare è prenderne coscienza per stare meglio a galla, puoi allearti con tuoi simili nel viaggio, ma sei comunque sempre trascinato via. L’instabilità di quello che metto in atto con le mie sculture è un tentativo di registrare questa meravigliosa sensazione di smarrimento che è la vita.

AS: I believe that you cannot escape from tradition, but you can only follow its flow. What I try to do is to free sculpture from form and add another dimension, which is that of time: everything is beauti fully and continuously unstable. Mine is an attempt to nail this down in sculpture. In this sense I feel close to Anselmo certainly, but also Brancusi because after Brancusi you cannot make a form anymore. And then a nice encounter with Arte Povera is there, although I don’t want to belong to that imaginary there. Burri, Fontana. That very informal, that adherence with living substance is what haunts me.

MVB: Each of your works stands at the threshold of life, on the liminal border between matter, its being and its no longer being. Is your research more a hymn to life or a memento mori?

Attraverso differenti stati della materia, le opere di grandi dimensioni di Sassolino manifestano uno stato di tensione, sospensione, imprevedibilità, pericolo e sempre possibile falli mento: aspetti altrettanto ineludibili della condizione umana. “Siamo in un’epoca in cui si studia sempre più a fondo la composizione delle molecole, degli atomi, delle cellule. Si cerca di svelare l’origine della sostanza per trovare altre possi bilità, nuove soluzioni, verità nascoste. È un’epoca basata sulla velocità di onde magnetiche supersoniche e impercettibili, siamo collegati da miliardi di click invisibili dentro a microcir cuiti, per questo cerco una nuova possibilità per la scultura dentro la fisica stessa della materia.

Intervista di /

“We are in an age in which the composition of molecules, atoms, cells is being studied more and more thoroughly. We try to unravel the origin of substance to find other possibilities, new solutions, hidden truths. It is an age based on the speed of supersonic and imperceptible magnetic waves, we are connected by billions of invisible clicks inside microcircuits, so I am looking for a new possibility for sculpture inside the very physics of matter.

WEBSITE | arcangelosassolino.it INSTAGRAM | @arcangelosassolino I.U.B.P., 2015. Photo: Luca Peruzzi

Interview by MARIA VITTORIA BARAVELLI (@mariavittoriabaravelli)

Il suo interesse per la meccanica e per la tecnologia apre a nuove possibilità di configurazione della scultura. Velocità, pressione, gravità, accelerazione, calore costituiscono le basi della sua ricerca sempre protesa a sondare il limite ultimo di resistenza e di non ritorno. I lavori consistono solitamente in congegni che generano performances inorganiche. I materiali (spesso di natura industriale) si animano, si consumano, vivono di contrasti, di forze e di conflitti intrinseci, contemplano il rischio del collasso quale parte fondamentale dell’esperienza.

Arcangelo Sassolino (1967) was born and lives in Vicenza, Italy. Sassolino’s work comes to life from the interpenetration of art and physics. His interest in mechanics and technology opens up new possibilities for the configuration of sculpture. Speed, pressure, gravity, acceleration, and heat form the basis of his research, always striving to probe the ultimate limit of resistance and non-return. The works usually consist of devices that generate inorganic performances. The materials (often industrial in nature) come alive, are consumed, live with inherent contrasts, forces and conflicts, and contemplate the risk of collapse as a fundamental part of the experience. Through different states of matter, Sassolino’s large-scale works manifest a state of tension, suspension, unpredictability, danger and always possible failure: equally inescapable aspects of the human condition.

Arcangelo Sassolino (1967) è nato e vive a Vicenza. Il lavoro di Sassolino prende vita dalla compenetrazione tra arte e fisica.

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103Arcangelo Sassolino. Photo: Massimo Penzo

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106 Gallery LIBERATION | THE END Hannaneh Akhoondi

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118 Pag. 112 Photo: @photography_hannaneh Pag. 113 1. Photo: @rosycarletti_photography Model: @cristinaspa_96 2. Photo: @nenerock_photo Model: @irene_flamini 3. Photo: @fvancesco.ciaramella 4. Photo: @sanguisdraconisph Models: @yle__green @morimoriberry 5. Photo: @mylovelyviews 6. Photo: Model:@leonshaydulin@alexey_boyarinov Location: @belkastrelka_spb Pag. 114 7. Photo: @alfredospagna_fotografia Model: @___kael___ Collab: @zanardi.lara 8. Photo: Model:@mariusaudade@eejit_commie 9. Photo: @barbaracannizzaro_ 10. Photo: @anna_zakharova_photo Model: Outfit:Location:@tasha.bonny@loft_room35@we.are.usme 11. Photo: @saman_khademsharif 12. Photo: @vatruhka_bs Pag. 115 13. Photo: @freedom_gallery_ph ��Model: @francescospizzirri_official Make up: @mr_makeup._ 14. Photo: @abollfazl_pix 15. Photo: Models:@grzegorzklosok@sandzia_badura @_alextrbl_ 16. Photo: @andreamacisph 17. Photo: @elsie.hgn 18. Photo: @filatrice.di.sogni Pag. 116 19. Photo: @alex_othwnos Model: @ _alexandriannh_ 20. Photo: @chozo___ Model: @___kael___ 21. Photo: @nogi_kuchiko Model: @jellyfish8w 22. Photo: @c.s.photographer 23. Photo: @alessandro_zenok_lombardo_ 24. Photo: @dedkova.photo Pag. 117 25. Photo: @larisa_usmanova_44 Model: @nekratova_rita 26. Photo: @savairisphoto Model: @golubkinavera 27. Photo: @mazzarolo_giuseppe 28. Photo: @riccardoseravalle 29. Photo: @amin_ffw 30. Photo: @inns_pics PHOTO CREDITS