GLOCAL DESIGN MAGAZINE No. 23 Portada por / Cover by: C CÚBICA by GLOCAL DESIGN MAGAZINE

pais invitado: uk

DESIGN WEEK MEXICO

15-19 oct

MIERCOLES JUEVES VIERNES SABADO DOMINGO PABELLON TAMAYO

DESIGN HOUSE

CONFERENCIAS TAMAYO & MAM

ACTIVIDADES EN EL PARQUE POLANCO

diseño contenido / estructuras efímeras / ruta del diseño / territorio urbano / documentales ACTIVIDADES EN EL PARQUE POLANCO

DESIGNWEEKMEXICO.COM

app

REALIDAD AUMENTADA

INGENIO VIRTUAL Texto Gerardo León

i pensábamos que aquellos efectos especiales que veíamos en las películas durante la década de los años 80, donde los hologramas de personas y otras imágenes salían del teléfono y hasta del escritorio, era simplemente ciencia ficción, estábamos equivocados. El primer paso para que esto suceda ya está al alcance de nuestras manos y se llama Realidad Aumentada, que cada día se convierte en una ayuda básica para diferentes tipos de actividad. Nuestra portada es parte de esta innovadora herramienta de la que ahora podemos disponer tanto para mostrar maquetas virtuales, como para presentaciones con cualquier tipo de imagen en movimiento a través de una aplicación instalada en un dispositivo móvil. “Trabajamos en sentido multidisciplinario, somos un computólogo, un abogado y yo soy arquitecto y urbanista. La idea de la realidad aumentada surgió cuando vimos una maqueta virtual en un video de Youtube, era un edición simulada y pensamos en llevarlo a la realidad; fue cuando Alex empezó investigar a través de aplicaciones de videojuegos y lo desarrollamos entre la parte arquitectónica y computacional”, explica Francisco Vázquez que en conjunto con su hermano Alejandro crearon este concepto. Con sus conocimientos obtenidos en la UNAM sobre ciencias y tecnología, Alejandro fue dando forma al proyecto. “Cuando estaba en la universidad, como proyecto final vimos el tema de Realidad Aumentada, y eran las primeras paqueterías que llegaban a México. Terminé y comencé a investigar sobre paquetería y softwares libres. Empecé a meterme más en el tema de la 3D y comenzar a aprender modelado y diseño gráfico, cómo manejar texturas optimizadas, cómo funcionan los video juegos, entre otros aspectos que dieron origen a este

Infografía Mr.Bob

proyecto”, dice. Estos creativos conforman la empresa City Ink Design, que dio origen a esta aplicación que no solo brinda imágenes nítidas y realistas, sino que verdaderamente nos introduce en un auténtico 3D e incorpora nuestros sentidos al entorno real ya que añade una nueva dimensión a la experiencia visual, ambiental y sensorial. La verdadera Realidad Aumentada ofrece una inmersión inmediata y sobre todo perfecta en las imágenes como si realmente estuviéramos “dentro” o interactuando en lugar de estar en un plano bidimensional. Complejidad, Innovación y creatividad son los conceptos que rigen la filosofía de la industria del software, sin embargo, queda claro que la única forma eficaz de maximizar y ver los beneficios de este avance tecnológico es llevarlo a campos de colaboración donde se pueda consolidar la idea primordial, es decir, lograr la simplificación y la reducción de costos, tales como sería un departamento muestra, catálogos hechos de papel realmente costosos, activaciones de Mercadotecnia y Publicidad BTL entre otros. El nombre de la aplicación -la cual es gratuita- depende de la empresa con la que City Ink Design tenga el convenio (en este caso Glocal) y se puede descargar de App Store y de Google Play desde cualquier dispositivo móvil; sólo se necesita un código Tracker al que acercaremos nuestro teléfono o IPad, para que aparezca un imagen a manera de holograma en la pantalla. Por este trabajo, La empresa City Ink Design fue nominada a los Vuforia Visión Awards 2014 en los Estados Unidos y obtuvo el segundo lugar en el concurso Atrium de la Ciudad de México este mismo año. www.cityinkdesign.com

DIRECTORA GENERAL EDITORA EN JEFE Greta Arcila greta.arcila@glocal.mx FOTOGRAFÍA EDITOR ADJUNTO

Carlos Madrid

Gerardo León

Sófocles Hernández

gerardo@glocal.mx

CONSEJO EDITORIAL ASISTENTE EJECUTIVA

PRESIDENCIA

Gabriela Romero

Gina Diez Barroso

gabriela@glocal.mx CONSEJEROS HONORARIOS ASISTENTE DE DIRECCIÓN

Arturo Aispuro Coronel

Juan Carlos Barriopedro

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Jorge Arditti Arturo Arditti

BECARIA

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DISEÑO

Beata Nowicka

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Gerard Pascal Ariel Rojo

CORRECCIÓN DE ESTILO

Fernando Rovzar

Janine Porras

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TRADUCCIÓN

CONTABILIDAD

Francisco Barriopedro

Víctor Villareal Arturo Xochipa

GERENTE DE VENTAS Y PUBLICIDAD

CONTACTO

Eduardo Rodríguez Moreno

www.glocal.mx

eduardo@glocal.mx

info@glocal.mx Manchester 13, piso 1,

COLABORADORES

Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc,

Gerardo Broissin

México, D.F.

Luis Mercado Rojo

Teléfono 52(55) 55.33.68.18

PORTADA C Cúbica. Glocal Design Magazine es una publicación de Color y Espacio Editorial S.A. de C.V. Revista Bimestral: octubre-noviembre 2014. Publicación protegida por la Ley de Propiedad Industrial y la Ley Federal de Derecho de Autor. Número de Certificado de Reserva otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor: 04-2013-041513043400-102. Número de Certificado de Licitud de Título y Contenido 15894. Editora Responsable: Greta Vanessa Arcila Romero. El contenido de los artículos y de los anuncios es responsabilidad de los autores y de las empresas. Todos los derechos reservados. Domicilio: Mánchester 13, Piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, C.P. 06600, México, D.F. Distribución: Pernas y Cia. Editores y Distribuidores, Poniente 134 No. 650, Col. Ind. Vallejo, Delegación Azcapotzalco, 02300 México, D.F., Tel. 5587-4455. Impresa en: Preprensa Digital, S.A. de C.V. Caravaggio 30, Col. Mixcoac, C.P. 03910. Del. Benito Juárez. México, D.F. Tel 5611-9653.

CARTA EDITORIAL

l plan para visitar el London Design Festival fue no llevar ningún plan. Pocas entrevistas establecidas desde México y seguir las recomendaciones de amigos editores, todo con una intención: sorprendernos más y no llevar la expectativa de ver a diseñadores de renombre. Nos enfocamos sólo en el trabajo, en las piezas, en las instalaciones. Mi primer destino: DesignJuction. ¿Lo primero que vi? Tom Dixon y su venta anual con la que hace que todos podamos comprar sus piezas. Continué mi camino y en la planta baja vi un gran grupo de gente observando algo y mucha prensa. Me acerqué lo más que pude. Eran unos artesanos haciendo pisos de pasta. Todos estaban maravillados y yo a mis adentros preguntaba -¿Qué le ven particular si esto en mi país es tan común?-. Seguí caminando y encontré muchísima oferta de piezas de madera para la mesa: tazas, platos, ensaladeras, etc… Pero, ¿qué no existe eso ya en México también con diseño detrás y no lo aplauden tantos? Callé mi voz interna. Traté de volver a sorprenderme. Subí al segundo piso ¿lo mejor? El trabajo del mexicano Alberto Villareal quien desde hace bastante tiempo cuenta con renombre en Inglaterra. Subí otro piso ¿lo mejor? La selección de Ventura porque siempre encontramos el lado B de los materiales. Muchas fueron las sorpresas ¿lo mejor? La instalación de BMW y A place Called Home ya que nos obligaban a enfrentarnos a experiencias personales. Double Mirror en el Museo Victoria & Albert nos invitaba a mirar nuestra relación con el arte, cómo toma forma dependiendo de la mirada del espectador y cómo reacciona uno al mirarse contemplando algo más. ¿Qué nos dejó Londres? Vivencias, sonrisas y un reencuentro con la sorpresa. ¿Y cómo logramos que ustedes se sorprendan? Buscando alternativas actuales para vivir el diseño. De esta forma unimos esfuerzos entre C Cúbica, Design Week, City Ink Desing y nosotros ¿Para qué? Para presentar a través de la aplicación de Realidad Aumentada recorridos por algunos espacios de Design House, así como una visita virtual al nuevo auditorio Belisario Domínguez en Chiapas, obra de C Cúbica. En cada edición presentaremos nuevas sorpresas con nuestra aplicación. Este año Design Week celebra su sexta edición teniendo como invitado a Inglaterra, consolidándose como una de las más importante plataformas del diseño en México. Este año aloja a 17 diseñadores en Design House; una instalación de Pirwi en el Museo Tamayo; la exposición en el Museo de Arte Moderno; los pabellones de profesionales y estudiantes en el Parque Lincoln –nosotros tendremos uno con Gerardo Broissin-; las mesas redondas en Centro; cartelera de películas de diseño, entre muchos más eventos. Los invito a sumarse y a conocer de cerca cada uno de los proyectos.

Greta Arcila

CONTENIDO EDITORIAL TRAZOS

13 14

CASA GLOCAL

SHOWROOM

019 A U T O M O T R I Z BMW Serie 4 México

Loot México

052

MODA Yakampot México

054

038

N O V E L José de la O, México Kelly Behun, EUA

040

C Cúbica México

T E C H N O Bang & Olufsen Sony Toshiba

046

HOST Red Carpet Westin Guadalajara México

ENFOQUE

LONDON DESIGN FESTIVAL Introducción

048

058

Barber & Osgerby

069 070

arquitectura y diseño de interiores textil y moda industrial, mobiliario y objeto multidisciplinario

A place called home

Colectivos

Mobiliario

Iluminación

Cerámica

Materiales

0 74 076 086 090 092 094

RESIDENCIAL Casa Charabati Casas Mestre Casa Fátima Casa Cormanca

103

PABELLONES Hy-Fi ICD-ITKE Trifolium Breath Box Pavilion 21 MINI Opera Space Palets PreFab PH Pabellón S UAE Pavilion China Pavilion Serpentine Gallery

118

DESIGN WEEK MÉXICO Jaime Hayon Philippe Nigro Matthew Hilton

096 Traducciones

COLUMNAS Gerardo Broissin Luis Mercado

Objeto Glocal

140

146 152 15

trazos

STUDENT LEARNING CENTER Snøhetta Architects | Oslo

l despacho noruego Snøhetta Architects comenzó en 1989 como un taller de arquitectura y paisajismo que realizaba colaboraciones con otros importantes despachos de su país. Hoy, Snøhetta ha crecido hasta convertirse en una firma de renombre internacional especializada en arquitectura de paisaje, arquitectura interior y diseño de marca. Se compone de dos estudios principales, en Oslo, Noruega y Nueva York, Estados Unidos. Dentro de sus proyectos más importantes se encuentra la remodelación de la gran Biblioteca de Alejandría en Egipto, que realizaron después de ganar un concurso internacional de diseño. Ahora dentro de sus próximos planes está la creación del nuevo Student Learning Center de la ciudad de Toronto, una edificación que rompe por completo con el diseño típico de la arquitectura institucional.

El proyecto fue presentado recientemente y será realizado en colaboración con el despacho Zeidler Partership de Toronto. La estructura contará con una piel de vidrio que proporciona diferentes calidades de luz dentro de los interiores. El tema de la sustentabilidad ha sido específico durante la planeación del proyecto, proponiendo la creación del 50% de techo verde y todo el proceso de construcción estará basado en los requerimientos establecidos por la LEED Silver Compliant. El instituto contará con una gran explanada que dará la bienvenida a los usuarios, la cual conducirá a un puente por el que se llegará a la biblioteca principal, para después encontrar las áreas de convivencia, los salones y espacios para profesores. El edificio cuenta con cinco pisos y su fachada será diseñada con algunos gráficos impresos a través de sofisticados sistemas digitales. Se espera que esté terminado para finales del 2014.

www.snohetta.com

TRIANGLE Herzog & de Meuron | París

l despacho suizo Herzog & de Meuron fundado por los arquitectos Jacques Herzog and Pierre de Meuron, estableció su base en la ciudad de Basel en 1978. Han desarrollado una amplia gama de proyectos de diferentes escalas alrededor del mundo, que van desde estadios, hasta museos, oficinas y espacios residenciales en los que plasman todo un lenguaje arquitectónico de vanguardia. Han recibido importantes premios entre los que destacan el Premio Pritzker de arquitectura en el 2001 y la Riba Royal Gold Medal (2007). Actualmente enfrentan uno de sus mayores retos que consiste en crear el rascacielos Triangle, de 180 metros de altura forma de pirámide cuya altura ofrecerá al visitante una panorámica completa

de Versalles y del parque de exposiciones de París en el cual se ubicará el edificio. En cuanto a su forma, esta peculiar estructura triangular tendría 2 motivos concretos: principalmente arrojar menores porcentajes de sombra a los edificios cercanos y además mejorar las condiciones para para la generación de energía solar y de vientos. Este gigantesco edificio sería de uso mixto, contemplando oficinas comerciales, centro de conferencias, 400 habitaciones hoteleras y tiendas comerciales como restaurantes o cafés. Los primeros pisos en tanto, tienen una ocupación totalmente comercial, mientras que en las alturas del edificio se diseñó una plaza mirador totalmente pública desde la cual se podrá apreciar la ciudad en su totalidad.

www.herzogdemeuron.com

SUbwAy

el bAño relAjAnte pArA cUerpo y AlmA Inodoros, lavabos, muebles para baño, tinas y accesorios

Aguascalientes: VITRO HOGAR (449) 913 7675 / Cancún: SPAZIO (998) 887 2770 / Celaya: AZUPISO (461) 611 9996 Colima: MODA CERÁMICA (312) 315 2418 Culiacán: FINISSIMO (667) 713 7125 / Guadalajara: VANDIEX 01 800 504 6863 ZENTH (338) 995 8034 / EL FLUXÓMETRO (333) 615 4042 / Irapuato: GALO (462) 624 8161 / Hermosillo: ELEMENTOS (662) 260 5656 León: GALO (477) 779 4800 / Mérida: SPAZIO (999) 912 2809 / Mexicali: PISOS Y RECUBRIMIENTOS (686) 557 2488 / KURODA (686) 500 2020 México: ART IN LIVING (556) 385 8081 / ARQUIDECO 01 800 710 9090 / DOLSA (555) 545 0130 / VALVO (553) 612 0460 / RECUBRE 01 800 999 94000 PIACERE (555) 520 7022 / PER IL BAGNO (552) 623 2891 / Monterrey: CaSa AQUABOUTIQUE 01 800 713 2463 / GILSA 01 800 014 4572 GRUPO TENUE (818) 338 3825 / Puebla: DECORÁMICA (222) 298 3737 / VALVO (222) 573 9032 / Querétaro: AZUPISO (442) 217 0777 Saltillo: GILSA (844) 454 8001 / PLOMEX (844) 134 0814 / MULTIPISOS (844) 485 1334 / San Luis Potosí: / PLOMERÍA SELECTA (444) 813 3090 Tepic: AMBIENTES DE CERÁMICA (311) 218 1813 / Uruapan: GRUPO ARFI (452) 524 9980 / Zamora: NOVA CASA (351) 515 5800 FLAGSHIP STORE: MÉXICO VALVO (553) 612 0461

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casa glocal

Artículos de Crate & Barrel, Suc. Antara Fotografía: Sófocles Hernández

uando se realiza un proyecto de cocina, la planeación del espacio es esencial para desarrollar todas las actividades que se requieren en este sitio de la casa. El orden y la limpieza son básicos para el correcto funcionamiento de la cocina y actualmente la sobriedad rige de manera considerable el diseño de mobiliario y los detalles que la componen. No sólo se trata de una tendencia en interiorismo, sino de desarrollar las labores de la forma más eficiente posible. En este sentido, se sacrifican elementos estéticos en una zona del hogar donde el ambiente y el mobiliario se liberan cada vez más de la ornamentación. No obstante, el atractivo y la vitalidad recae en los accesorios como acentos del espacio o puntos focales. Contraste de materiales, formas lúdicas y colores brillantes son las vías más asequibles para lograr efectos contundentes y contrastes con peso visual. El énfasis en los accesorios revela la esencia de la cocina y de sus habitantes, tornándose en el corazón de la casa, un espacio que de otra forma sería anodino y frío.

ÉNFASIS 1

1. Ambiente: Cocina en acabados de cerámica y resina / Made a mano. 2. Base para pasteles Petit / Mr. Less & Mrs. More para Youtool 3. Luminaria "57 Series" / Bocci 4. Tazones Bird Bowl / Pia Wüstenberg para Utopia and Utility 5. Bombonera Chapeau / Milia Seyppel para Lyngby Porcel æn

2 3

n ocasiones, y dependiendo de la línea general que se proponga en un espacio, se opta por mantener los ambientes de cocina con un bajo perfil, enfocándose en la funcionalidad y creando un efecto austero pero sutil. La iluminación natural es clave para generar una atmósfera contundente donde los claroscuros imprimen carácter. Se echa mano de texturas en concreto, laminados, plástico y metal. La ausencia de decoración, elementos naturales y la calidad eminentemente industrial de los elementos, marcan la pauta de este concepto, contrario a la tendencia normalizada de manejar la cocina con mucha luz y colores brillantes. En este tipo de propuestas, la paleta se centra en los grises y colores secundarios derivados de la gama azules. De esta forma, muebles y complementos logran destacarse discretamente mediante el uso del cromatismo, haciéndose evidentes pero manteniendo la homogeneidad de todo el ambiente. Se trata de una mesura planificada que no busca protagonismo.

FRÍO 1

1. Ambiente: Cocina modular Milano / Del Tongo 2. Tetera Chai / Jannis Ellenberger para Friesland 3. Lámpara Kvadrat / Studio WM 4. Reloj de pared Time Less / Philippe Stark para Kartell 5. Cuchara de servicio Collective Tools / Antonio Citterio para Iittala 6. Silla P-Chair / Pietro Bastia para Youtool

ransmitir sensaciones de tranquilidad y reposo no es exclusivo de las áreas de descanso dentro del programa de una vivienda, sobre todo en las tendencias contemporáneas, por ejemplo, las cocinas no son sólo funcionales o tecnológicas, sino que se han vuelto espacios con una carga estética que las define e integra dentro del espacio doméstico. La neutralidad visual en un ambiente es básica cuando el estilo del usuario que lo vive requiere quietud y recogimiento. Las maderas claras son un material idóneo para transmitir calidez sin ofuscamiento. Tonos pálidos de gamas térreas y pétreas rigen este concepto, manteniéndolo elegante y relajado a un tiempo. Una manera de romper con la rigidez y austeridad del estilo es el juego de líneas, donde las curvas y diagonales sutiles otorgan dinamismo a la composición.

NEUTRO 1

1. Ambiente: Cocina en madera natural Trapezio / Grattarola 2. Juego de charola y contenedores Vitriini / Anu Penttinen para Iittala 3. Repisa Bloated Shelf/ Damien Gernay 4. Credenza Alba / Jannis Ellenberger para CB2 5. Lámpara colgante Uovo / Daniela Boni para Youtool

a imagen citadina se plasma en los interiores. Congruentes con los nuevos espacios habitacionales en las grandes metrópolis, la arquitectura y diseño de interiores se adaptan al estilo de vida urbano y expresan actualidad con una elegancia discreta, reflejada más en la calidad de materiales y acabados que en la riqueza de formas o la abundancia de los accesorios y complementos. Esa esencial el contraste entre tonos oscuros y claros, siempre dentro de una gama de colores naturales. El contraste de negro y blanco es mancuerna recurrente e infalible. Acero, vidrio y concreto realzan las cualidades artificiales del entorno, creando un espacio matizado donde el mobiliario pueda destacar sin desarticularse de la composición.

URBANO 1

1. Ambiente: Cocina de madera y granito Creta / Del Tongo 2. Decantadora Essence Plus / Alfredo Häberli para Iittala 3. Bases para recipientes calientes Groove / Hallgeir Holmsvedt para Muuto 4. Mesa Merkaba / Nos para Rococo 5. Banca Nostalgia / Rococo

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Canasta y contenedor de Crate & Barrel Regadera Raindance Select E, 120 Green, de Hansgrohe Casa Palacio: Bata de baño De GABEL Lámpara Sweet Bubble Satineé / Lampe Berger Lámpara Cage, marca Diesel / Foscarini Portavelas metálico /Kalikasan Tapete MA / Nourison Fotografía: Sófocles Hernández

na de las preferencias que se ha afianzado en el gusto contemporáneo es el manejo del espacio continuo, sin interrupción de cerramientos. El modernismo arquitectónico del siglo pasado, marcaba como una de sus directrices la planta abierta, pensada como una manera versátil para generar diferentes cuartos, espacios o acomodos, dentro de un plan general que se mantiene flexible al cambio. Actualmente la percepción de amplitud recobra fuerza y, dadas las limitantes en términos de superficie construida en la arquitectura, el diseño de interiores busca estrategias para generar esta sensación, siempre ligada al confort y a la noción de libertad de movimiento y holgura. Así, las diferentes áreas de la casa se libran de paredes y es con el mobiliario y complementos con los que se logra una zonificación clara, manteniendo la comunicación visual entre los distintos espacios y la sensación de unidad en el conjunto.

ABIERTO 1

1. Ambiente: Baño de diseño minimalista / Mastella 2. Lavabo Private Space Furniture Collection / Jannis Ellenberger para Ellenbergerdesign 3. Banca pequeña / Enrico Maria Pastorello para Youtool 4. Portatoallas / Enrico Maria Pastorello para Youtool 5. Módulo Elli / Jannis Ellenberger para Sudbrock

l pensar en el diseño de baños, pensamos primero en funcionalidad. En estos términos, surge una asociación inmediata con la noción de limpieza: el color blanco es sinónimo visual de pulcritud. Por esto, su uso es extensivo en los ambientes, mobiliario y complementos para el baño. Dos de las tendencias que siguen en auge y que son congruentes con el cometido de aseo de estos espacios son el purismo geométrico y la sobriedad en forma y texturas. Las líneas y volúmenes geométricos abstractos nos remiten directamente a la idea de depuración, del mismo modo que el uso moderado del cromatismo comunica limpieza visual en una área. Los acentos en maderas patinadas o con acabado al natural, piedra y metales, siguen siendo mancuerna indisoluble y añaden calidez al ambiente.

PULCRITUD 1

1. Ambiente: Baño en madera y laminado / Ellenberger Studio 2. Portarrollos / Enrico M. Pastorello para You Tool 3. Toallero de pie / Enrico M. Pastorello para You Tool 4. Mesa auxiliar / Private Space Furniture, por Jannis Ellenberger 5. Consola Host / Byte 2.0 de Mastella

l uso de líneas, ejes y ángulos rectos en una composición nos proporciona perspectiva, sensación de fuga y profundidad, pero también un arreglo fácil de interpretar: las líneas rectas nos remiten a un acomodo lógico por su asimilación inmediata. En general, el espacio arquitectónico es ortogonal y seguir este patrón en el arreglo de los interiores crea ecos y juegos de escala que fusionan los elementos que habitan un lugar con el contexto que los contiene. Líneas paralelas y perpendiculares forman esquemas de orden y la disposición de los objetos se revela de forma natural. La cerámica, de uso imprescindible en el baño, transforma sus típicas formas orgánicas en bloques geométricos con aristas pronunciadas. El ambiente se matiza con toques en madera y piedra natural, manejados con discreción. La paleta de colores se simplifica: el blanco y los tonos arena siguen siendo universales para transmitir una sensación de relajación y sencillez.

ORTOGONAL 1

1. Ambiente: Baño en madera y cerámica / Duravit 2. Barra vertical multifuncional Sotto Sopra / Meneghello Paolelli Associati para Artceram 3. Módulos de guardado / Colección Byte 2.0 por Mastella 4. Estantería modular Infinity / Ernesto Messineo para Youtool 5. Grifo monomando / Mariani

3 2

ncontrar el balance óptimo que define la atmósfera de un cuarto de baño, depende visualmente de elementos básicos como la intensidad de la iluminación, control en la saturación de tonalidades y otros detalles con los que podamos crear interesantes contrastes. En cuestión de color, una forma sencilla de lograr la diferencia en esta importante área de la casa, es mezclar o asociar cromas oscuros y claros o complementarios entre sí (azul/naranja, rojo/verde, entre otros); del mismo modo, se puede lograr contraste con cualquier color primario, secundario o terciario con la gama de grises o por sensación de temperatura (colores cálidos/colores fríos). Más allá del uso cromático, se pueden generar contrastes por contornos (cuerpos curvos contra siluetas lineales) además por escala en relación a tamaños y formas. Otras combinaciones se logran con texturas o novedosas aplicaciones como superficies de madera con acero inoxidable que lucen de forma original en paredes o mesas de lavabos.

CONTRASTE 1

1. Ambiente: Artceram 2. Florero "Savoy" / colección Aalto por Iittala 3. Silla Shift / Jonas Forsman 4. Luminaria Pantheon 400 / Targetti 5. Tina de baño Muse / Kos para Zucchetti

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novel nacional

JOSÉ DE LA O T RADICIÓ N C O N VA LO R

A lo largo de su trayectoria, José de la O, diseñador industrial originario de la Ciudad de México, ha llevado a cabo diversos proyectos en los que prevalece el valor del diseño y el arraigo hacia las tradiciones, técnicas artesanales y costumbres de las diferentes regiones de nuestro país. Fotografía cortesía José de la O

gresado de la Universidad Iberoamericana, de la O comenzó su carrera profesional en Ariel Rojo Design Studio, donde ejerció el cargo de diseñador industrial senior; posteriormente, fue galardonado con un Master en Diseño Conceptual en la Design Academy Eindhoven en Holanda; así, el tiempo lo llevó a fundar en 2010 su propia firma: de la O, en la que, además de llevar a cabo proyectos de carácter industrial, también ofrece consultoría creativa para empresas, artistas y demás emprendedores dentro del ámbito del diseño. Inicialmente, la firma se estableció en Eindhoven, Holanda, y fue hasta el año 2014 que se trasladó a la ciudad natal de de la O. Dentro del despacho se desarrollan productos que van desde mobiliario hasta arte objeto que se caracterizan por ser funcionales y duraderos, simples y con los elementos necesarios. Cada uno de ellos trae consigo una historia que habla sobre sus raíces. Para cumplir con este último elemento, trabaja con artesanos de diversos puntos de México basándose en la filosofía de “ir en busca de calidad y no de cantidad”. La obra de José de la O ha sido expuesta en la zona Ventura Lambrate durante la semana de diseño de Milán, Inside Design Amsterdam, Dutch Design Week, Fábrica Mexicana en el Museo de Arte Moderno en México, The Future Perfect en Nueva York y en la exposición The Machine: The New Industrial Revolution en la ciudad belga de Genk. www.studiojosedelao.com

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KELLY BEHUN S I M P L E Z A E S C U LT Ó R I C A

El diseño italiano de los años 80, la sátira de la noción del “buen gusto”, y el sarcasmo hacia el minimalismo, son los principios en los que Kelly Behun se basa para la ambientación de espacios y la producción de su propia línea de mobiliario. Texto Karla Rodríguez Fotografía cortesía kellybehun | STUDIO

sta estadounidense comenzó a relacionarse con el diseño cuando, después de estudiar Ciencia en Economía en la Universidad de Pennsylvania, se mudó a la ciudad de Nueva York e inició a trabajar en Ian Scharager Hotels Design en 1994, donde estuvo al lado de Andree Putman, diseñadora francesa reconocida por un estilo sobrio y efectos visuales en sus creaciones. En Manhattan convivió con Philippe Starck, de quien aprendió los valores de la funcionalidad y la estética tan definida en cada uno de sus productos. Tiempo después, en el año 2000, Behun y un conocido suyo lanzaron una marca de diseño que se centraba en el interiorismo residencial. Ocho años más tarde, Kelly fundó su propio estudio: kellybehun | STUDIO, en el que en conjunto con el artista Alex P. Blanco, además de tener como objetivo la creación de ambientes únicos, también ofrece piezas de mobiliario auténticas que lucen por sí solas como una escultura. El trabajo de Kelly Behun ha sido publicado en diferentes medios de diseño, tales como: Elle Decor, House Beautiful, Vogue, entre otros. Su más reciente colección es Neo Laminati, la cual representa el potencial de la impresión digital en laminados de plástico y es un claro ejemplo de sus principios creativos basados en un eclecticismo recargado y lleno de contrastes. www.kellybehun.com

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DEMASEME STUDIO (55) 5684 9880 - ARTE CUCINE (55) 4159 7823 - METROPOLITAN KITCHENS (55) 6051 0063 COCINAS BENETTI (55) 2167 5301 - ATTARIA MEXICO (55) 5894 6086 - COCINAS QUETZAL (55) 5814 1000 - COCINAS OLIMPIC (55) 1323 3000 EDOMEX : CUCINE E PIU (55) 5290 0500 CUERNAVACA: DI COCINAS Y BAÑOS (77) 7316 6077

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PM STEELE DISEÑO EFICIENTE

PM Steele es una empresa mexicana dedicada a la fabricación de mobiliario corporativo que, bajo la premisa de ofrecer soluciones a las necesidades que requiere el usuario, crea piezas adaptadas a cada uno de los requerimientos que éste demande, tales como la comodidad necesaria para lograr el buen rendimiento laboral y los elementos necesarios que faciliten la productividad. Texto Karla Rodríguez Fotografía cortesía PM Steele

urante su desarrollo dentro del mercado, desde 1950, PM Steele ha creado muebles con diferentes materiales y acabados, todos con una característica en común: ergonomía suficiente para el bienestar del usuario. Para lograrlo, en el caso de la creación de sillería, ha considerado esenciales algunos elementos: estabilidad, reflejada en las sillas de cinco apoyos y ruedas antideslizantes que permiten mayor libertad de movimiento; altura adecuada para que los pies se apoyen en el suelo; respaldo regulable en altura, profundidad e inclinación, suave y cóncavo a nivel torácico y convexo a nivel lumbar para una mejor postura; descansabrazos ajustables; asiento

flexible y firme, y controles de ajuste accesibles. Actualmente, la empresa cuenta con la Certificación ISO9001:2008, la cual garantiza la calidad de los productos y sus procesos administrativos. Además, cumple con los estándares internacionales de seguridad y rendimiento de BIFMA, asociación que ha sido voz de la industria de mobiliario comercial desde 1973. PM Steele dispone de 26 salas de exhibición dentro de la República Mexicana, mismas que se forjan bajo la misma filosofía creativa: satisfacer las necesidades de sus clientes mediante soluciones integrales que brinden eficiencia y productividad en las áreas de trabajo. www.pmsteele.com.mx

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techno

DISEÑO AUDIO

Y VIDEO

Texto redacción Imágenes Imágenes cortesía de las marcas

Además de los televisores y minicomponentes, la tecnología ha invadido el diseño de mobiliario no sólo en los diferentes procesos de producción, sino que ahora, está integrada a su forma ofreciendo completa comodidad.

BeoLab 14, Bang & Olufsen

Sony Fusión

n este tema, las principales marcas imponen tendencia y lanzan novedosos productos que además de hacer la vida más divertida, se integran a los diseños de espacios más vanguardistas. Ejemplo de esto son las mesas Sony Fusión, que están fabricadas en aluminio y resina, y despliegan su superficie para permitir al usuario trabajar como una laptop cualquiera; cuando no se usan, se cierran para convertirse en una sofisticada mesilla de café. Están disponibles en tres tonos, blanco negro y rojo. Pero al momento de dejar a un lado las cuestiones laborales y dar paso al entretenimiento en casa, siempre manteniendo el uso de la tecnología de punta, la marca Toshiba nos ofrece su más reciente lanzamiento que revoluciona la era de las pantallas tridimensionales. Se trata del 4K en 3D que cuenta con un panel LED de 55 pulgadas con 3.840x2160 píxeles, cuatro veces más resolución que el Full HD. Por si eso fuera poco, añade un sistema de 3D que no necesita gafas de ningún tipo para funcionar, pues adapta automáticamente la imagen estereoscópica a cada uno de los espectadores. Las propuestas actuales en audio se adaptan a esta tendencia y sorprenden con originales diseños como el sistema BeoLab 14 de Bang & Olufsen. Sus bocinas funcionan a través de cualquier receptor de TV, minicomponente o computadora sin importar la marca. Sus altavoces crean un impresionante sonido estéreo. Por su parte la marca Panasonic presenta el nuevo minicomponente SCHC39PU-S que integra, en un cuerpo ultra-delgado y compacto, funciones de conectividad inalámbrica vía Bluetooth y NFC, además de una avanzada tecnología para ofrecer un sonido nítido, potente y libre de distorsión. Este nuevo sistema de audio destaca por su cuidado diseño de estilizadas líneas en acabado metalizado, convirtiéndolo en un equipo ideal para armonizar hasta en los espacios más vanguardistas. Presenta la opción de montaje a la pared o puede colocarse sobre una mesa o repisa, brindado la misma facilidad de operación y control de sus funciones en ambos casos. www.sony.com www.bang-olufsen.com www.toshiba.com

Pantalla 4k, Toshiba 47

showroom

LOOT

En este espacio, hasta el más pequeño rincón tiene un toque de originalidad. Aquí se da cita el color, la creatividad y el diseño más alternativo creado por artistas y jóvenes talentos de México y el mundo quienes exhiben sus propuestas. Texto Gerardo León Imágenes cortesía Loot

oot es un showroom ubicado cerca de playa La Ropa en Zihuatanejo, Guerrero, donde se puede descubrir el ingenio con el que diseñadores y artistas de todo el mundo dan forma a mobiliario, accesorios, escultura, libros, ropa y otras piezas con las que crean todo un estilo de vida. “Loot surge de la necesidad de crear un espacio alternativo donde se pudiera descubrir todo lo que sucede en el mundo del diseño, tanto nacional como internacional. Además queremos ofrecer un foro para cambiar la percepción de Guerrero y generar un optimismo en la gente a través de la creatividad”, dijo el arquitecto Andrés Saavedra, propietario de Loot. En este sitio la música también tiene cabida y se llevan a cabo diferentes conciertos como el realizado recientemente por la cantante argentina Daniela Spalla, quien presentó su más reciente sencillo. “Hoy tenemos un concierto, pero mañana habrá un perfomance de ballet y al día siguiente una presentación de algún libro… es un concepto cultural, y a su vez un punto de venta de interesantes marcas globales que generan un contenido cultural”, afirma Saavedra. Entre los diseños que ofrece Loot destacan las tablas de surf fabricadas en resina epóxica del diseñador sueco Thomas

Meyerhoffer, reconocido también por crear las primeras Apple Mac translúcidas del mercado, y por su destacado trabajo para marcas como Porsche y Coca-Cola. “Todas las piezas de Loot deben generar un impacto, deben ser diferentes y con propuesta desde las texturas, hasta su forma. Aquí hay diseño desde el piso, techo, terraza, y hasta en el baño… Queremos ofrecer al visitante una experiencia única”, dice el arquitecto. En Loot se exhiben los perros fabricados en resina del artista mexicano Miguel López Vázquez, que han sido expuestos en diferentes exposiciones en México y otros países. También se ubican otras marcas de accesorios como los lentes Moscot, Bamboo; objetos Wood Look , Avec, Nixon, CBB; y la colección de prendas de la diseñadora Valeria Anastasia; además de la producción de luminarios y mobiliario de la firma Mexa Diseño originaria de Guadalajara. En los próximos meses, Loot formará parte de Ensueño, un complejo residencial que el arquitecto Andrés Saavedra está a punto de terminar como parte de lo más reciente de su trabajo en el desarrollo de espacios de playa contemporáneos. www.loot.mx 53

moda

YAKAMPOT REDISEÑA LO NACIONAL El diseñador Francisco Cancino influenciado por las texturas, colores y el arte del textil mexicano, crea un concepto donde la tradición nacional se convierte en todo un estilo de vida lleno de sofisticación y vanguardia. Texto redacción Fotografía cortesía Carlos Madrid y cortesía Yakampot

akampot,(que en la lengua tzotzil, significa “lugar donde surge el agua”), es el nombre que le ha dado el diseñador Francisco Cancino a su propuesta, la cual, se aloja en una boutique ubicada en la zona de Polanco de la Ciudad de México. “Yakampot surgió hace dos años con su primera colección. Fue una nueva experiencia comercial y nuevo reto como una marca que debía ofrecer una tendencia dentro de los calendarios de la moda de cada temporada. Está inspirada en México y en la identidad de los creadores artesanos; soy de origen chiapaneco y desde muy pequeño estuve empapado con los rasgos artesanales y la indumentaria de los pueblos donde yo vivía”, explica Cancino. La fusión de las tradiciones textiles como el telar de cintura, el bordado y brocado pero con una silueta contemporánea define los trazos de cada colección de esta marca que lleva detrás la intención de evocar a México con un estilo innovador. 54

moda

“Tomar la esencia de los diseños típicos es un gran reto en todos los sentidos, porque se toma la influencia pero debe haber una serie de adecuaciones que tienen que funcionar para un tipo de mercado, un tipo de cuerpo. “Comúnmente tenemos mentalizado que la ropa o indumentaria tradicional es un recurso para cierto tipo de ocasión, pero nosotros queremos cambiar eso y buscar un lenguaje universal que pueda llegar a diferentes mujeres y lugares, no es una tarea fácil ya que hay que aprender muy bien cómo está construida la parte artesanal de las cosas para después transformarla y llevarla a otra historia”, dice el diseñador. Su más reciente colección primavera-verano 2014, está inspirada en la Sierra Mazateca de Oaxaca, donde era originaria la desaparecida chamana María Sabina; “el patronaje, los huipiles y el bordado de esta zona son de mis cosas favoritas dentro de la escena del textil nacional, y es por eso que la mayor intención de esta colección tiene que ver con las mazatecos de Oaxaca”, dice el creativo. No todas las prendas de Yakampot están bordadas a mano, sino que los procesos están influenciados por la historia que cada colección; existe una parte artesanal pero hay una alternativa de pantalones y básicos elaborados industrialmente que complementan el look. Los materiales con los son creadas las piezas como pantalones, blusas, hasta vestidos y sacos van desde frescos linos, lanas y algodones. Casi todos son materiales naturales como viscosa, ramio lino y seda con algodón, seda lana, entre otros. La paleta de color está inspirada en casi en todas las regiones de México y en algunos recuerdos personales de Francisco. “Cuando seleccionamos las telas me recodaba mucho a las sombras de maquillaje que mi mamá usaba cuando yo era un niño , recuerdo que tenían tonos con cierto brillo, eran importantes los grises, los marinos, y los tonos de rosas, sin olvidar los verdes y los grises con cierta opacidad”. La boutique de Yakampot fue creada por el diseñador industrial Emiliano Godoy a través de su marca Tuux donde reinterpretó la esencia y propuesta de cada línea de prendas. En los próximos días Francisco está por presentar su colección primavera-verano 2015, en la plataforma de moda Nook. www.yakampot.com 55

FEBRERO

25 y 26 23 24 27 y 28 CONFERENCIAS

WORKSHOPS OCTUBRE

2015 2014 Polyforum Siqueiros

enfoque

VISIONARIOS DEL DISEÑO

C CÚBICA

ARQUITECTOS

Texto Gerardo León Fotografía Carlos Madrid, cortesía C Cúbica Arquitectos

Después de 24 años, el despacho C Cúbica Arquitectos se consolida con la sexta edición del Design Week México y renueva su perspectiva para integrar su trabajo arquitectónico al contexto actual, generando proyectos con una escala diferente, enfocados a la regeneración del tejido social.

urante los últimos años el despacho C Cúbica, integrado por los arquitectos Andrea Cesarman, Emilio Cabrero y Marco Coello, ha llevado a cabo importantes proyectos relacionados con el ámbito cultural, social y urbanístico, dentro y fuera de la Ciudad de México. Además de cumplir seis años al frente del Design Week, una de las plataformas más importantes del diseño nacional, han enfocado su obra arquitectónica a la regeneración de espacios públicos adaptados a entornos naturales y con novedosos sistemas de construcción. “Estos últimos tres años, el despacho ha logrado un importante crecimiento. Hemos tenido nuevas oportunidades para hacer proyectos más interesantes con otra escala. Crear el hábitat de las personas nos llena muchísimo, y en 24 años de socios esto nos ha llevado por muchos caminos en los que han surgido una gran cantidad de historias. Además de la arquitectura, nos dedicamos a diferentes ramas del diseño y nos hemos consolidado con el Design Week, y promovemos firmas como Blend y Artelinea”, dijo Andrea Cesarman. Como parte de su proceso de crecimiento profesional, estos creativos se enfrentan a nuevos e interesantes retos como la creación del Auditorio Belisario Domínguez de Comitán en el estado de Chiapas. 58

Emilio Cabrero, Andrea Cesarman y Marco Coello.

Auditorio Belisario Dominguez 59

“Estamos en un proceso de maduración y surgen nuevos riesgos que tomar. Hemos tenido la suerte de trabajar con el gobierno de Chiapas, y coincidimos en crear espacios con una visión urbana y arquitectónica, que de alguna manera se conviertan en promotores de regeneración del tejido social, tomando en cuenta cuestiones relevantes de hoy en día como el tema sustentable, la economía, el uso y costumbres locales”, explica Marco Coello. El Auditorio Belisario Domínguez es la primera etapa del plan maestro para el Centro Cultural Comitán, ubicado dentro del campus de la Universidad Autónoma de Chiapas.

Es un recinto de 9,680 m2, dedicado a las artes escénicas y a conferencias magisteriales. El edificio puede albergar a 800 personas divididas en su planta baja y un mezzanine. En su interior pueden llevarse a cabo presentaciones, conciertos, obras de teatro y bailables. Todos los interiores incorporan materiales de la región incluyendo, muros de adobe, celosías de madera y textiles de artesanos locales. El trazo y la volumetría del edificio están basados en las ruinas mayas de Tenam Puente, ubicadas a tan solo 12 kilómetros del sitio. “La democratización de la cultura fue uno de los conceptos

Auditorio Belisario Domínguez

“No hay más tendencia que estar viviendo el momento en el que estás”, Emilio Cabrero

Auditorio Belisario Domínguez 60

Casa Jacaranda

que rigió al proyecto desde sus inicios”, dice Coello. Una plaza cívica en Tuxtla Gutiérrez, un Centro de Convenciones en San Cristobal de las Casas y un museo son parte de los proyectos que realiza C Cúbica en el estado. “Cuando tomas en cuenta un estado tan rico en cultura y recursos, hay que entender e investigar más sobre sus raíces, y descubrir sus materiales existentes para saber cómo aprovecharlos y así generar proyectos verdes y sustentables que regeneren a su vez, la economía del estado”, dice Marco. En cuanto a la visión sobre el entorno urbano de la Ciudad de México, Emilio Cabrero habla de la necesidad de unir esfuerzos para crear una ciudad funcional y accesible donde la arquitectura favorezca a los diferentes estilos de vida de sus habitantes. “Se están retomando los espacios más céntricos de la ciudad porque la gente ya no quiere transportarse hacia lugares lejanos; la gente quiere vivir y trabajar cerca de sus casas, por eso es que hay que tomar más acciones al respecto como las que se están haciendo para rehabilitar la Zona Rosa, la San Miguel Chapultepec, Santa María la Rivera entre otras colonias que cuentan con la infraestructura y el valor histórico para que puedan tomar un nuevo impulso”, sugiere Emilio. Por su parte Andrea opina que “el diseño debe integrarse a la ciudad para que ésta se vuelva más amable, no el diseño como un objeto del deseo, sino como una cuestión de uso diario… convocar a los nuevos talentos creando experiencias de diseño que mejoren el hábitat”. Esto se ve reflejado en un edificio del siglo XVI en la colonia Pensil, que C Cúbica se encuentra restaurando como parte de sus proyectos para rehabilitar el tejido social de nuestra urbe.

Casa Cristal 62

Casa Cristal

“La Ciudad de México tiene que empezar a dividirse, no podemos verla como una sola ciudad”, Marco Coello

Suite Polanco 63

Suite Polanco

Pabell贸n DWM por Tatiana Bilbao 64

Hecho en México

“El diseño debe integrarse a la ciudad para que ésta se vuelva más amable”, Andrea Cesarman

El diseño del hotel Suites Polanco, Casa de la luz, Casa de cristal, Armoni House y el concepto residencial High Park son algunas de las obras que ha realizado el despacho en el Distrito Federal. Estos creativos ven al aspecto colaborativo como una tendencia global en arquitectura, donde el trabajo en equipo es el recurso más eficaz que beneficia no solo a la sociedad, sino a la industria del desarrollo de espacios. “Hemos tenido la oportunidad de colaborar con clientes y arquitectos de otros lugares y lo mismo sucede con otros despachos a nivel internacional; pero en México no sabemos trabajar en equipo. La arquitectura de autor o de rockstar ya ha quedado en el pasado”, expresa Marco. Emilio afirma que “no hay más tendencia que estar viviendo el momento en el que estás y que sea representado en lo que estás haciendo. Como tendencia no me atrevería a decir que es minimalista, pero sí esencialista, donde exista lo necesario: ni más ni menos. La tendencia es el equilibrio. El futuro es la colaboración en el mundo del arte, en la plástica, ingeniería y otros ámbitos porque es la mejor forma de enriquecer a un proyecto.”

Blend 65

Espacios de DWM 2013

“México se posiciona como una capital creativa en el plano internacional”, Emilio Cabrero

Equipo C Cúbica

Esto lo han experimentado incluso en su más reciente obra realizada en el estado de Chiapas donde han trabajado en conjunto con gente de esa zona para dar origen a la inspiración que forma cada estructura que han desarrollado en ese lugar. Estar informados y al día, cubriendo las necesidades actuales del usuario y manteniéndose al margen de tendencias y nuevas corrientes, es como C Cúbica se enriquece para ir formando su nueva historia. Después de más de una década de intenso trabajo, este equipo también está dispuesto a aprender de las nuevas generaciones de creativos. “Las nuevas generaciones son interesantes, pero la viejas generaciones deben seguir aportando sin perder el poder de asombro y seguros de que México es un país lleno de posibilidades para explotar. “Nos cuesta trabajo ir entendiendo a las nuevos creativos y ver su mundo. El enfoque a las redes sociales ha aportado, de alguna manera, algo muy importante a la sociedad y hay que entenderlo y conectarte con eso”, concluye Marco.

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LDESIGN O N FESTIVAL DON EL ECL ECT I SI SMO C ARAC TERÍ STI C O DE LO S IN G L ESES TOM A VI DA EN UN FESTI VAL SI N PREC EDENT ES Texto Greta Arcila

a minamos por una semana las calles de Londres. Subimos y bajamos estaciones del Tube para ir a ver toda la oferta de diseño que nos prometía la capital inglesa. Les compartimos nuestra selección y una entrevista con el Director del London Design Festival. Hace 12 años cuando Ben Evans, el cerebro detrás de exitoso London Design Festival, y su socio Sir John Sorrell, presidente del festival, comenzaron con este interesante proyecto, nunca pensaron la manera en que crecería. En aquél entonces lograron convocar 35 a proyectos de diseño para exhibirse, pero hoy en día el LDF logra tener más de 350 eventos registrados formalmente en la guía sin contar otros eventos informales que aprovechan la plataforma del festival para presentar también sus propuestas de diseño. LDF ha adquirido una vida propia y Evans dice que él y su pequeño equipo, que incluye al director adjunto Max Fraser, son responsables sólo de la décima parte de los eventos que tienen lugar en Londres la segunda semana de septiembre cada año. A la pregunta obligada de qué es lo que lo hace al LDF diferente del resto de los festivales del mundo, Evans dice que este evento es único debido a la forma en que se relaciona con el público así como con los miembros de la industria del diseño y porque se centra en todo tipo de diseño: “queríamos tener un espacio que celebrara diseño en todas sus facetas. Por ejemplo, el Salone Internazionale del Mobile, es lo que es: un evento importante para la industria del mueble; sin embargo nosotros siempre hemos tenido muy claro que la escena de diseño de Londres es mucho más amplia que en otras ciudades y tratamos de reflejar eso cada año”. Otro de los aspectos que han hecho único el LDF son sus "proyectos icónicos" que logran convertirse en hitos urbanos detonantes de una comunicación más franca con la sociedad y con el gremio creativo. Sus instalaciones son encargadas a algunos de los mejores arquitectos y diseñadores del mundo, y se colocan en algunos de los espacios públicos más queridos de Londres. Este año su colaboración más cercana fue con el Museo Victoria & Albert, y Evans comenta que están muy satisfechos ya que los directivos del museo les dijeron que podían estar en cualquier parte de éste, de tal manera, colocaron ahí uno de los proyectos que más comentarios positivos ha dejado: Double Space de Edward Barber & Jay Osgerby para BMW así como la instalación Crest de Zaha Hadid comisionada por Hoteles Melia Internacional. Otro de los proyectos destacados fue A place called Home que se ubicó en Trafalgar Square y en medio del caos de la ciudad nos hizo replantearnos qué es el hogar para las nuevas generaciones. Lograr conceptualizar estos proyectos para Evans ahora es fácil, pues fue director de contenidos de The Millenium Dome, el cual como sabemos, fue la apuesta creativa de Inglaterra para celebrar la llegada del Milenio. Para él este proyecto le dejó mucho pues el gobierno le dio su primer gran concesión a Zaha Hadid y él lideró ese equipo de trabajo. Tres de las ferias que son parte del Festival y que suman con mucho valor son DesignJuction, Tent London y 100% Design. Lo más valioso de DesignJuction, a decir de Evans, es que conjunta los nuevos empresarios del diseño así como las firmas de gran renombre y la selección del material goza de excelente curaduría. Por otro lado, en Shoreditch, zona con gran empuje en materia de diseño en la capital inglesa y que está a cinco minutos de La City, se presentó Tent London y Super Brands. Ahí también se abriga una gran selección de colectivos de varios países. De tal forma vimos jóvenes diseñadores de China, Japón, México, Irlanda, Noruega y múltiples trabajos independientes que son pequeños empresarios del diseño. Por su parte 100% Design sí estaba dentro del recinto ferial Earls Court y su más importante aspecto, además del diseño claro está, es que ofrece también materiales para la industria del interiorismo, “Con esto, LDF se posiciona como un referente del diseño a nivel internacional y esta oferta no es fácil de encontrar en una misma ciudad; somos prácticamente un proyecto aún muy joven y con mucho por dar”. 69

design

DOUBLE SPACE BARBER & OSGERBY En entrevista exclusiva para Glocal Design Magazine el diseñador industrial Edward Barber de la firma de diseño Barber & Osgerby, nos habla sobre el proyecto Double Space para BMW y el Victoria & Albert Museum de Londres, en el marco del London Design Festival. Texto Juan Barriopedro Fotografía cortesía Victoria & Albert Museum y Lee Mawdsley

l proyecto consistió en dos enormes superficies reflejantes suspendidas en la Galería Rafael del Museo Victoria & Albert, que generaban una experiencia cinética, donde el espectador se involucraba al percibir la imagen distorsionada del arte y la arquitectura circundante, así como de su propio tránsito por el espacio. “En realidad tratamos varios aspectos, empezamos por visitar BMW en Munich, vimos su estudio de diseño y fábrica, y pensamos en desarrollar algo relativo a lo mecánico o industrial. Ellos también nos dieron una guía porque patrocinaron la instalación junto con el London Design Festival. BMW recurre a la frase ‘poesía en movimiento’, ellos usan esta expresión para definir su trabajo”. Así, Barber y su equipo trataron de conceptualizar una pieza con sentimiento poético y que desarrollara algún tipo de movimiento en el espacio otorgado dentro del V&A (La Raphael Gallery). “Ahora, la poesía está en la misma arquitectura y en las maravillosas pinturas hechas por Rafael, la poesía es la combinación de arquitectura y pintura que se conjugan con las enormes superficies especulares que diseñamos”, dijo el creativo. El tamaño en conjunto de ambas superficies es de 30 x 10m, un largo equivalente al de 3 autobuses londinenses juntos y “obviamente hubo

inspiración de otras fuentes, como nuestros trabajos más tempranos (donde se exploraron las propiedades y desempeño de materiales laminares) y nuestra pasión por la ingeniería y los diseños aeronáutico, automotriz y naval. Pienso que éste es probablemente el proyecto más complejo y grande realizado por nuestra firma”. El experto define a esta obra como un trabajo extraordinario porque “tienes dos gigantescos espejos curvos, cada uno de 15 x 10m, 6T de peso y tienes que construirlo dentro de un edificio histórico, en una galería con pinturas que pertenecen a la Reina, tienes 10 días para instalarlo y sólo puedes introducir materiales por las puertas de entrada de la galería. Si juntas todo esto, es un proyecto bastante complicado”, expresó el diseñador. El montaje se llevó a cabo con ayuda de estupendos ingenieros locales y un gran equipo que trabajó 24 horas ininterrumpidas por espacio de 10 días. La visión del despacho al que pertenece Edward, tiene una filosofía clara respecto a evitar seguir patrones o tendencias: “Nosotros tratamos de evitar las modas lo más posible, ya que el significado de tendencia se refiere a algo que está de moda, y si algo está de moda eso sólo significa que estará fuera de ella en un corto tiempo. Por eso tratamos de evitarlas, ya que intentamos que cada proyecto dure para toda la vida”.

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Le preguntamos cuáles son sus mayores retos y preocupaciones al desarrollar un nuevo proyecto, a lo que respondió: “El balance entre no tener suficiente diseño y tener demasiado diseño, significando que un objeto tenga suficiente personalidad y alma, pero no tanta como para tener caducidad. Todo lo que desarrollamos para uso (productos) lo pensamos para que sea duradero visual y constructivamente, que dure por siempre”. Respecto a la industria del diseño en México, Barber opina que es importante tomar en cuenta la mano de obra artesanal para generar progreso en este ámbito. “Estuve en México a principios de año y encontré impresionantes muestras de cerámica, cestería, trabajo en madera… Así que yo empezaría trabajando con la gente que crea este tipo de piezas para conseguir productos que no serán fabricados masivamente, pero que puedan tener un volumen considerable de producción para el mercado local. Eso es lo que yo haría si fuera un diseñador en México, porque he visto manufacturas 72

realmente interesantes en este país, así que no todo se trata de tecnología”, dijo el creativo. Nuestro país resulta interesante para este creador quien propone algunas alternativas lógicas para que el talento sea aprovechado al máximo y así lograr el crecimiento necesario en el diseño: “Si yo viviera en México conseguiría los mejores trabajadores de materiales, no necesariamente artesanos sino gente que conozca su oficio y pequeñas empresas dedicadas a esto, es decir, no un ebanista sino una pequeña empresa de producción de mobiliario que tal vez tenga gran calidad pero continúe reproduciendo las mismas fórmulas sin incorporar innovación, buscaría la calidad y trataría de implementar diseño para generar propuestas contemporáneas”.

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Mirra2™ Diseñada por Studio 7.5 para Herman Miller®

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A PLACE CALLED HOME ¿Qué significa para ti la casa en la que habitas, y de qué manera puedes lograr que los elementos que la componen te hagan sentir mejor? Estas y otras preguntas fueron abordadas por cuatro aclamados diseñadores: Jasper Morrison, Patternity, Raw Edges y Studioilse para crear el proyecto Un lugar llamado hogar, dentro del London Design Festival 2014. La instalación ubicada en la Plaza Trafalgar, consistía en crear cuatro pequeñas casas prefabricadas bajo la perspectiva de estos creativos que con ingenio y sentido lúdico, definieron cada uno de los detalles para divertir a los visitantes. Los cuatro "hogares" tienen su propia identidad, y proyectan el sello característico de la obra de sus creadores.

Raw Edges

JASPER MORRISON

El reconocido diseñador británico Jasper Morrison, creó un hogar divertido y sencillo dedicado a las palomas, porque como él dijo: “¿Quién más podría vivir en la plaza de Trafalgar, que ellas?”. Morrison utilizó este personaje para ilustrar su visión de del habitáculo de una persona dedicada a los placeres sencillos, empleando el mobiliario más simple y objetos curiosos. www.jaspermorrison.com 74

RAW EDGES

El equipo de diseño con sede en Londres, creó un espacio con la capacidad de transformar su interior a través de paneles para originar diferentes habitaciones dentro de una casa. El uso de un sofisticado sistema de diseño de espacios por computadora fue su principal inspiración. www.raw-edges.com

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Patternity

Jasper Morrison

Studioilse

STUDIOILSE

El diseñador Ilse Crawford erigió un espacio que desafía a los visitantes para responder a las preguntas de lo que significa el hogar para ellos. Hacer referencia a los rituales diarios en casa, que serán familiares para todos, es lo que Studioilse fabricó y representó en un refugio que eleva los aspectos mundanos pero reconfortantes de la vida en el hogar de manera lúdica y poética. www.studioilse.com

PATTERNITY

El estudio de diseño creó una instalación que es visualmente impactante, y tiene como objetivo contar historias que valen la pena en nuestra vida. El interior de la casa está ocupada por un trío de caleidoscopios gigantes que simbólicamente reflejan el mundo que nos rodea a través de patrón repetido. www.patternity.org 75

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COLECTIVOS Escalera de Xenia Moseley para Ab

La obra conjunta de estudiantes y profesionales del diseño en London Design Festival, dio como resultado una interesante exhibición de nuevas propuestas que iban desde detallados procesos en la producción de vidrio, hasta novedosos conceptos de mobiliario y diseño comercial. Algunos cumplieron sus sueños de elaborar sus propios productos asesorados por afamados diseñadores y arquitectos, mientras que otros lograron demostrar su talento e ingeno a partir de piezas únicas con las que deleitaron a los más exigentes expertos. Con estas creaciones se demostró una vez más que el trabajo colaborativo representa el futuro de la eficacia y el éxito dentro de la industria creativa, la cual puede ser un importante generador económico para cualquier país.

Juego de sacapuntas de Norie Matsumoto para Norman Foster

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WISHLIST Por su parte the Wishlist, proyecto organizado por el American Hardwood Export Council y Benchmark Furniture tuvo como objetivo crear lo que siempre han querido arquitectos y diseñadores y que nunca han tenido o encontrado; es decir, aquellos deseos vinculados con la realización de mobiliario principalmente. Para llevar a cabo cada uno de los deseos que conformaron la lista, ambas firmas trabajaron con diseñadores emergentes que no sólo tuvieron la oportunidad de diseñar lo que querían, sino que tuvieron contacto directo y asesoría de profesionales del ámbito, como Richard Rogers, Norman Foster, Zaha Hadid, Jhon Pawson y Alex de Rijke, entre otros. Módulo de Sebastian Cox para Terence Conran

Pie de foto

Mesa Turned de Barnby & Day para Alex Rijke

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Squire and Partners para Brooks Brothers

Sybarite Architects para GANT

RIBA 78

EKM Works para Karen Millen

El Royal Institute of British Architects (RIBA) se unió por quinto año a la celebración del London Design Festival con un proyecto que hermana las prestigiosas casas comercializadoras ubicadas en la calle Regent con notorios despachos de arquitectura: Regent Street Windows Project. La idea es que los arquitectos desarrollen

propuestas conceptuales de gran contenido visual para los escaparates de tiendas, restaurantes y cafés a lo largo de las calles Regent, Heddon y Brewer. Este año se desarrollaron 15 propuestas que muestran la creatividad de los arquitectos y el compromiso de los negocios que ofrecen gran calidad en el diseño.

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GLASSMANIA Glassmania es un proyecto que reunió el trabajo de estudiantes y egresados de Studio of Glass y Studio of Product Design de Praga, República Checa, que mostró dos enfoques distintos del manejo del vidrio: por un lado el empleo en mayor medida industrial y, por el otro el artesanal, ambas formas orientadas a la experimentación con tecnología de manera creativa, retomando el valor de esta materia prima empleada a lo largo de la historia.

Piezas de Sebastian Kitzberger

Envases de Katerina Handlova

Jarrón Moser de Tadeas Podracky

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HARRODS

Este año Harrods hace su debut en el festival con un “Sendero del Diseño”, instalación que hace un recorrido por diferentes ambientes, integrando la propuesta de varios creadores en los dos pisos dedicados al hogar de este maravilloso y exclusivo lugar. Algunos de los representados son Zaha Hadid, con su primera colección para hogar, la primera selección de YooHome para venta por otros comercializadores, una tienda pop-up para House of Hackney y la intervención del clásico sofá Togo de Ligne Roset por el artista MarcAntoine Goulard. 81

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V&AMUSEUM The T/Shirt Issue, un colectivo con sede en Berlín, ha tomado como residencia el Victoria & Albert Museum durante seis meses para crear una exhibición de diseño alemán en colaboración con el Goethe-Institut de Londres. Sus instalaciones de tela se han creado a partir de escaneos en 3D tomados de objetos de la colección del V & A para crear híbridos únicos. Esta fue una de las salas más visitadas por los artistas conceptuales del LDF. Instalación de textil de The T/Shirt Issue

Carousel Wall del estudio David David

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BOCCI

La Ely House en Dover Street, palacio del 1772 que conserva íntegra su arquitectura, alberga la sede de la casa de antigüedades Mallett. Este recinto acogió las oníricas construcciones de Bocci mandadas a hacer especialmente para este lugar. Se eligieron luminarias de la colección 57 de Bocci para hacer diferentes candiles, siendo uno

de 3 pisos la pieza central de esta instalación, alojado en la dramática escalera principal de la mansión. Cada luminaria de vidrio soplado se hizo con una cobertura reflejante especial que reproduce destellos de las piezas históricas que alberga el espacio y del propio edificio.

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HEINEKEN Tras una convocatoria internacional para diseñar una experiencia lounge, Heineken creó el Pop-up City Lounge, un bar itinerante que tiene una única función: tener cercanía con los usuarios locales a través del diseño. El creador de este concepto es la cabeza creativa a nivel global de esta firma cervecera, Mark Van Iterson quien con el apoyo de su equipo logró conjuntar 20 diseñadores de las ciudades de Varsovia, Singapur, Nueva York y México –Ricardo Casas fue parte de este proyecto al tiempo de ser también invitado como ponente en este mismo contexto-. En esta ocasión estuvo ubicado en el contexto de Tent London y tuvo una excelente acogida. 84

photographty by: Gwenael Lewis

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www.bocci.ca info@bocci.ca

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MOBILIARIO Epítome de la industria, el mercado británico siempre está en avanzada. Su diseño de producto es referente contemporáneo, y en el pasado London Design Festival, captamos algunas claves de las tendencias y gustos que se imponen en el mobiliario. Si bien no todas las muestras de trabajo representan a diseñadores del Reino Unido, es posible notar cierto carácter inglés, tratándose de un país con gran historia de fabricación de bienes de capital y consumo, donde los proyectos se realizan con miras al impacto local. Sobrio pero con espíritu aventurado, cosmopolita sin presunciones, ingenioso pero prioritariamente funcional, son calificativos que surgen cuando tratamos de resumir nuestras impresiones. Hay una clara atención a las tradiciones, a lo sustentable y a la vanguardia para generar un lenguaje propio.

Loop Cabinet de CoucouManou

Ripple por Benjamin Hubert

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Librero Literatura Open de Vicent MartĂnez para Punt

Silla Aranha de Branca

Consola Borboleta de Mudo Design

Mesa lateral Judd de Nathan Yong para Punt

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Silla de la colecci贸n Loom por H

Maceta My Concrete Garden Collection de Tina Rugelj

Librero Kerning de Samuel Chan para Channels

Silla Barca de Branca

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Silla 3/4 de Sandro Lominashvili

Silla Contour de Julian Mayor

Cajonera y estante de Lozi

Consola y sillas de Peter Guenzel para Established & Sons

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ILUMINACIÓN Los metales, especialmente los dorados y bronces, se han convertido en los favoritos de los creativos del diseño internacional, quienes dan origen a novedosos conceptos de luminarias que destacan por su forma de estilo retro con innovadores acabados. Esto se pudo apreciar en el LDF, donde las firmas más importantes de diseño, entre las que destacan Flos, Sarah Colson, LZF, y la plataforma creativa The Saturday Market, se dieron cita para mostrar lo último en tecnología aplicada a procesos de fabricación enfocados al ahorro de energía, así como novedosos sistemas que logran adaptar los diseños a cualquier tipo de espacio. El color fue uno de los protagonistas y se empleó en diferentes temáticas que iban desde el grafiti hasta los más sobrios en lámparas para oficina y el hogar. Se mostró todo un despliegue de colores e innovación para llenar de luz los espacios rompiendo con las formas tradicionales e innovando con cada propuesta.

Vitra Lux de Sarah Colson

Luminarias Booom! de Marc de Groot

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Luminaria Hush de Marion Courtille para David Trubridge

Candil Arlo de Baroncelli

Luminaria Knot de Vitamin

Luminaria Capside de Lo誰c Bard Luminaria Chou de LZF

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CERÁMICA El London Design Festival se mostró abundante en propuestas elaboradas con este material, accesorios que se convierten en objetos de deseo en cuanto los observamos. A continuación les presentamos algunas de las piezas destacadas para esta edición. Jomi Elvers experimenta con agua, aire y gravedad como elementos generadores de forma, inflando globos y aprovechando su deformación natural para desarrollar una colección conceptual de contenedores. Ben Davies logra texturas que nos remiten a estratos geológicos y denotan la naturaleza mineral del material, mediante la mezcla aleatoria de barbotina pigmentada en distintos colores. De impacto visual contundente, la fantástica pieza en porcelana de Keith Varney juega con la escala y la composición geométrica. Finalmente, el trabajo de Emily Myers enfatiza la abstracción en piezas que vuelven protagónicos los esmaltes naturales, barajando opciones cromáticas de gran refinamiento.

Pieza de Keith Varney

Elements de Jomi Evers

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Vasos de Kyra Cane para Contemporary Applied Arts

Mosaicos de Story Tiles

Cilindros de Emily Myers

Tazones Spiral PInch de Ben Davies

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MATERIALES Los materiales pueden ser el eje del concepto detrás de un producto. En este sentido, encontramos tres proyectos con una declaración propia. La diseñadora Afroditi Krassa, de origen griego, presentó Piano, unas losetas realizadas con mortero pigmentado en Tánger, Marruecos, en talleres artesanales que normalmente reproducen intrincados arabescos. Las losetas presentan acabados irregulares, dado el proceso y la factura manual, que rompen con la rigidez de un diseño geométrico estricto. La empresa KAZA, por su parte, exhibió la colección Concurrent Constellations. La propuesta es incitar extensas aplicaciones de texturas ornamentales y módulos para patrones de teselación. Con un balance entre estética y tecnología, KAZA diseña y fabrica soluciones para superficies con una aproximación artística. También destacamos el diseño de la holandesa Emma van der Leest. Su propuesta consiste en una urna funeraria, partiendo de la expresión “polvo al polvo”. Las ideas que aborda son la vida útil, relaciones táctiles y poética del material para contar historias. Después de experimentar con diferentes materiales, desarrolló una urna realizada en cola de hueso, calcio y cuarzo. Está pensada para enterrarse junto con las cenizas del ser querido. En cinco meses la vasija y las cenizas se degradan y reintegran a la tierra.

Urna de Emma van der Leest

Mosaicos Piano de Afroditi Krassa

Baldosas de Kaza

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D ES IN G W EEK M ÉX ICO 2 0 14 Texto Gerardo León Fotografía cortesía de las marcas

el 15 al 19 de octubre abrirá sus puertas Design Week México 2014, que en su sexta edición tiene como invitado especial al Reino Unido, sin faltar el montaje de la tan esperada Design House, que este año promete ser una de las instalaciones más atractivas del evento. La intervención de la ya tan famosa casa, que estará ubicada en Montañas Rocallosas 1210, Lomas de Chapultepec, estará disponible desde el 15 de octubre hasta el mes de noviembre para el público en general. “Actualmente Design Week contiene una interesante propuesta ciudadana porque ya está en la calle. Damos la oportunidad a diseñadores que están en otras áreas de México, de presentarse en una zona donde se encuentran las principales marcas internacionales de diseño como Polanco y Lomas. Se están creando iniciativas con museos como el Tamayo donde se instalarán pabellones de arquitectura; además contaremos con la colaboración de universidades como UNAM, Ibero, Salle, Anáhuac y Centro para crear espejos de agua en el Centro Histórico”, explica el arquitecto Emilio Cabrero directivo de Design Week. Entre otras actividades, la semana del diseño llevará a cabo un interesante recorrido por la calle donde se ubica la casa Luis Barragán de Tacubaya, junto con la ruta del diseño que consiste en recorridos por los showrooms más importantes de la ciudad. Además, en esta edición, el ámbito cinematográfico tendrá cabida a través de películas y documentales que serán presentados al aire libre en el teatro Ángela Peralta. Se incluirá la participación de importantes exponentes de la escena creativa de Londres. “Nos sentimos muy orgullosos de ser anfitriones del Reino Unido, un país tan catalítico en el tema de la innovación, un país donde la industria creativa aporta muchas cosas al diseño en diferentes temáticas como el teatro, los videojuegos, el diseño industrial, entre otros”, dice Cabrero. Más de 15 ponentes del país invitado presentarán su trabajo a través de conferencias y exposiciones. “Con este tipo de eventos, México se posiciona como una capital creativa en el plano internacional, para demostrar que no todo aquí tiene que ser autóctono o huichol; no somos nada más eso y no todos estamos vestidos con trajes regionales, México es una ciudad cosmopolita y el diseño mexicano tiene que ser un diseño global”, expresa el arquitecto. El Design Week, como cada año, recaudará fondos para distintas causas y fundaciones.

www.designweekmexico.com 96

Candy Light de Baccarat

JAIME HAYON

SURREALISMO CONTEMPORÁNEO Texto Greta Arcila Fotografía cortesía de las marcas

Famoso por sus dibujos y mente audaz, el español logra ser de los mejores “Contadores de Historias” pues todo su mundo alterno ya es parte de la escena de diseño actual.

ontrovertido, divertido, único, irreverente. Son las palabras con las que podemos describir a Jaime Hayon. Siempre alegre y atento y con libreta en mano para hacer cualquier cantidad de dibujos mientras platica, Hayon ha logrado que ese maravilloso mundo surreal y sus personajes, cobren vida a través de sus colaboraciones con empresas como Baccarat. Para él trabajar con un material como el cristal sigue siendo un misterio en curso, ya que “desafía las leyes mismas de diseño, lo que significa que pueden ser perfeccionadas a medida de que se continúe trabajando con este material”. La nueva colección Baby Candy Light y Baby Light retoman la colección presentada en el 2011 pero con nuevas texturas y colores.

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Hayon ha logrado que ese mundo surreal y sus personajes, cobren vida a través de sus colaboraciones con empresas como Baccarat.

Otro de los proyectos en los que Jaime Hayon le ha dedicado mucha energía es Orolog, empresa en donde es socio junto con Ian Lowe, quien es altamente conocido en el mundo de la relojería de autor. La serie OC-1 Chronograph Collection (Swiss Made) incluye tres funciones simples y tres cronógrafos con un diseño limpio y de elementos clásicos y contemporáneos. Esta colección se caracteriza por las correas de cuero acolchadas –hechas en los talleres de Hermès- en diversos colores y su forma orgánica redondeada en color oro, negro y plata, la máquina de los relojes es de acero inoxidable en tono mate. En conjunto con la empresa inglesa The Rug Company, dirigida por Chistopher Sharp, Hayón presenta Capitone, Silhouette y Vases. Tres tapetes con personalidades muy distintas. Capitone es mas conceptual pues carece de gráficos y nos lleva de inmediato a su técnica: el capitoneado, tan visto en el mobiliario de Luis XVI, claro está sumamente depurado y traído a nuestra época. Silhoutte nos recuerda a los gráficos de Hayon pero “desdibujados” por una silueta de flores. Con Vases nos presenta bellas bases que igualmente parece que salen de su libreta de bocetos. Así, con tres proyectos distintos revelamos la personalidad y estilo del creativo más importante en la escena de diseño español y quien continúa con interesantes obras en todo el mundo.

www.hayonstudio.com www.baccarat.com www.hayonorolog.com www.therugcompany.com

Reloj Orolog

Colección Baby Candy Light de Baccarat

Capitone, The Rug Company

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Lámpara de la colección Celéste y Clochette

PHILIPPE NIGRO INNOVACIÓN Y REFLEXIÓN Texto Greta Arcila Fotografía archivo Glocal

Uno de los jóvenes talentos de Francia viene a México también con motivo de DWM. Ha colaborado con las firmas de diseño más importantes. Esta ocasión les mostramos tres proyectos de Philippe Nigro.

ombrado este año como diseñador del año en Now! Design à Vivre 2014, el área de innovación de Maison & Objet, el francés Philippe Nigro es sin duda uno de los personajes que están marcando pauta en temas de innovación y empresa. Su historia se remonta al año de 1999 cuando comenzó como becario en la agencia de Michele de Lucchi. Primero fueron trabajos básicos para después convertirse en colaboraciones, hasta el año 2012, con empresas de gran renombre como Olivetti, Poltrona Frau, Artemide, Sèvres, Baccarat, Interni, Alias, Stella, Riva 1920, Listone Giordano, Design Gallery, Banca Intesa entre muchas otras. En el año 2005 comenzó a trabajar con el programa VIA -Valorisation of Innovation Furnishing por sus siglas en inglés- de donde salió el proyecto que lo catapultara dentro de los diseñadores con los que todas las empresas quieren participar: Intersections, que presentó en la feria de París. Ahí conoció a Ligne Roset y comenzaron las pláticas que dieron origen al nombre de Confluences que la casa francesa de mobiliario le dio, el cual habla de la relación de los muebles entre ellos mismos y cómo terminan perteneciéndose, éste ahora es parte de la colección permanente del Centro Pompidou. Otras de las empresas con las que ha colaborado es Hermès quien reforzó su estructura y añadió una línea Nécessaires que consta de ocho

Línea Nécessaires de Hermès

piezas en colaboración con el egresado en artes decorativas y diseño industrial de La Martiniere School and Ecole Boulle. A decir de Nigro este tipo de colaboraciones le hacen replantear más a qué tipo de público llegarán esas piezas y cómo pueden pertenecer a la vez a la empresa, en este caso, Hermès. Otra colaboración exitosa es la que logró este año presentar en el marco del Salone fue con Baccarat para celebrar los 250 años de esta importante firma. Aquí Nigro, fiel a su estilo y aún teniendo la tentación de utilizar un material tan noble como el cristal y poder hacer formas antes no vistas, se queda fiel a su propia línea de diseño pues para él es muy importante la responsabilidad al uso de los materiales. De esta manera nacen Céleste y Clochette en donde tomó la silueta de las lámparas tradicionales japonesas como elemento de inspiración.

www.philippenigro.com www.ligne-roset.com www.hermes.com www.baccarat.com

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Philippe Nigro fue nombrado como el diseñador del año en Now! Design a Vivre 2014, el área de innovación de Maison & Objet.

Lámpara de la línea Celéste y Clochette

Philippe Nigro para Ligne Roset

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Silla Burnham

MATTHEW HILTON LÓGICA Y MOTIVO

Texto Juan Carlos Barriopedro Fotografía cortesía Matthew Hilton

Hilton es hoy en día uno de los diseñadores británicos más reconocidos que estará presente en DWM. Especializándose en mobiliario, sus creaciones exploran una imagen depurada y limpia sin dejar de tener rasgos propios que las vuelven diferentes y les otorgan un sello único.

odas las piezas diseñadas por Hilton han sido una experiencia de aprendizaje en etapas concretas de su labor, ya sea por la aproximación al material, trabajando con una empresa o por cuestiones estilísticas. “Todas mis piezas están cargadas de significado y memoria y son muy personales”, afirma. Si bien el diseño es una disciplina donde siempre se busca un factor de originalidad, no existen ideas genuinamente nuevas y Hilton lo sabe, él no cree en los movimientos dentro del diseño, prefiere pensar en el proceso de diseño como una evolución para cualquier tipo de objeto a través del tiempo. Desde joven, sus intereses comprendieron la pintura, escultura y arquitectura. Fue en la escuela de arte que un maestro le sugirió la posibilidad de ser diseñador, idea que lo llevó a matricularse en Diseño y Mobiliario en el Politécnico de Kingston. Después de graduarse funda su propio estudio y taller en 1984. Para 1991 desarrolla la hoy clásica silla de brazos Balzac, una poltrona de formas orgánicas tapizada en piel. Si bien la silla Balzac marcó un hito en su carrera y la proyección como autor de diseño, su trabajo se ha tornado menos preocupado por el estilo y su enfoque es más funcional y humano, en el sentido de crear

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Cajonera McQueen

muebles para la gente, no se trata de piezas de galería sino de objetos de uso común con los que las personas conviven, el placer en el proceso de diseño viene de la búsqueda por encontrar soluciones adaptables a los espacios domésticos actuales. Su inspiración frecuentemente viene de tipologías de objetos ya establecidas, que él trabaja para actualizar y reinventar. Esta es la razón por las que sus productos hacen referencia a líneas clásicas, pero presentan un giro estético que captura la atención infaliblemente. El sentido de proporción, escala y funcionalidad están en perfecto equilibrio con el manifiesto estético. Además, sus técnicas de trabajo para la madera, material preferido del diseñador, plantean soluciones que requieren una alta tecnificación. Después de más de 20 años de fructíferas colaboraciones con empresas internacionales, en el 2007 lanza su propia marca y continúa trabajando para otras compañías, como es el caso de SCP, empresa que lanzó originalmente la silla Balzac.

www.mathewhilton.com

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Credenza Different Trains

Escritorio Orson

“Para que un diseño trascienda tiene que ser algo relativamente nuevo estéticamente, necesita estimular a la gente”, Mathew Hilton

Silla Tapas

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Diseño ecoefectivivo

CASA CHARABATI SERRANO MONJARAZ ARQUITECTOS Texto redacción Fotografía cortesía Serrano Monjaraz Arquitectos

bicado en el centro urbano al poniente de la Ciudad de México, Interlomas, el proyecto arquitectónico de Casa Charabati se distingue por sus conexiones particulares con el entorno permitiendo, en varios espacios, condiciones de iluminación natural que se complementan con el extenso uso de ventanales en la fachada para crear una sensación de contacto con la naturaleza desde el interior. Los acabados de la casa traen el exterior hacia adentro con el uso de distintas maderas y mármoles. La fachada lateral de la casa está conformada por ventanales de doble altura que permiten la vista hacia el jardín, en la mayoría de las habitaciones. Casa Charabati cuenta con un detalle único: la habitación principal representa un cubo envuelto de madera —que se encuentra desprendido de la fachada—, dando la impresión de estar sellado, ocultando la habitación. Este espacio cuenta con cartelas pivotantes que permiten el paso de la luz natural que proviene de los ventanales de doble altura, creando un efecto inigualable tanto en la iluminación como en la estética. La habitación principal, entonces, se encuentra conectada con el resto de las habitaciones mediante un puente de acero que contrasta con el resto de los materiales haciendo destacar los acabados de dicho puente convirtiéndolo en uno de los detalles más singulares de la casa, una dualidad entre naturaleza e industria. www.serranomonjaraz.com

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Dise単o ecoefectivivo

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residencial

CASAS MESTRE

DELLEKAMP ARQUITECTOS Texto redacción Fotografía cortesía Dellekamp Arquitectos

asas Mestre es un conjunto de tres viviendas agrupadas y adosadas ubicado en un terreno inclinado en las afueras de Valle de Bravo. Fue diseñado con un sistema de terrazas para minimizar la excavación y maximizar las vistas al lago y con orientación hacia el sur. Los volúmenes, dispuestos en cajas, conforman cuatro niveles incluyendo planta baja y juegan entre sí permitiendo una interconexión entre espacios públicos y privados. La imbricación de los espacios públicos y privados configura un sistema que otorga al conjunto no sólo significados funcionales, constructivos y formales, sino también simbólicos espaciales. Cabe mencionar que se conservó la mayoría de los árboles que originalmente se encontraban en el terreno y fueron plantados otros nuevos para reemplazar a los que se encontraban en mal estado. Casas Mestre consigue preservar un vínculo fuerte con su entorno al utilizar los materiales de la zona y a respetar el paisaje y, a su vez, crear su propio lenguaje mediante la disposición de los espacios y sus conexiones. Esta intención, forma parte de una tendencia global relacionada con la importancia de integrar la arquitectura al concepto de sustentabilidad evitando la huella de carbono en cada proyecto. La paleta de color la ofrece los mismos materiales al natural, como los muros aplanados, pisos de piedra y otros acabados. www.dellekamparq.com

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residencial

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residencial

CASA FÁTIMA

JORGE HERNÁNDEZ DE LA GARZA Texto redacción Fotografía cortesía Jorge Hernández de la Garza

l terreno se localiza en la colonia Del Valle, uno de los vecindarios de mayor tradición de la Ciudad de México. Hoy en día esta zona se beneficia de su céntrica ubicación y de su planeación urbana al contar con amplias y arboladas calles adecuadas tanto para el uso vehicular como peatonal, por sus numerosos parques y jardines, que la convierten en una zona donde abundan las áreas verdes. El programa arquitectónico de esta residencia está pensado para una pareja joven quienes serán los que habitarán la casa, y consiste en un primer nivel donde se encuentran las áreas sociales: una agradable estancia con chimenea, comedor, bar, cava, cocina y salón de juegos. En el segundo nivel, se encuentran las áreas privadas: recámaras y un estudio; por último, un tercer nivel de servicio. El proyecto inició estudiando las condiciones del terreno y diseñando una planta cuadrada muy racional en donde los espacios se aprovecharan de la mejor manera, sin embargo, el arquitecto se percató de que este método creaba algunos conflictos visuales del interior hacia el exterior, por lo que decidió extender una crujía de la casa hacia el fondo del terreno logrando con esto una mejor orientación de todos las áreas dentro de una retícula muy bien organizada. La fachada ventilada está cubierta de un revestimiento cerámico NBK, que es un material natural de terracota que provee calidez y durabilidad al proyecto. Esta casa es el primer proyecto en México recubierto por este material en su tipo, lo cual, sitúa a esta casa en un plano global en donde la tecnología y los métodos constructivos son una parte muy importante en el proceso de diseño. www.hernandezdelagarza.com

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Diseño ecoefectivivo

CASA CORMANCA PAUL CREMOUX Texto redacción Fotografía cortesía Paul Cremoux

n volumen monolítico es transformado para crear espacios internos iluminados y claros. El contraste entre la pizarra negra del exterior y la luminosidad del material reciclado del interior transforman la experiencia espacial de esta casa habitación que cuenta con 550 m2 de construcción, en un terreno de 127 m2. El proyecto responde a la necesidad de introducir la máxima cantidad de luz natural ya que el lote se encuentra rodeado de colindancias altas y una orientación limitada. De esta manera, la construcción se erige hacia el norte para lograr la mayor entrada del sol. En realidad, la zona de esparcimiento general se encuentra en el primer piso, es una terraza amplia que contiene el pequeño estudio y el jardín vertical principal. La mayoría de las vistas son dirigidas hacia el sur donde se encuentran las plantas, éstas son la única forma de establecer un vínculo natural trascendente, una vista relajante, un oasis del exterior. Así, la vegetación es tratada como un plano teatral, una cortina que produce la sensación de un posible espacio detrás de ella. Se deseaba que el despacho fuera un elemento enigmático que provocara amplitud sensorial. La casa se encuentra equipada con una serie de sistemas pasivos de control de temperatura, como son chimeneas solares, producción de agua filtrada y baja dependencia energética. Con este proyecto se produjo más oxígeno, humedad, agua limpia y nutrientes para el subsuelo de los que se generaban en el lote antes de su edificación. www.paulcremoux.com

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Dise単o ecoefectivivo

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¿Y que harás después del congreso? www.hotelito.com

Imagine su congreso o reunión de manera distinta. Armonizado como un paraíso, Hotelito ofrece escenarios únicos disponibles para cualquier tipo de grupo. La naturaleza se volvera testigo y nadie más. 118

Playón de Mismaloya S/N, Cruz de Loreto, Tomatlán, Jalisco, México, 48460 (+52) 322 281 4010

pabellones

ESPACIOS

INCIDENTALES Textos redacción Fotografía cortesía de los despachos

mponentes estructuras arquitectónicas, que aunque en ocasiones efímeras, se integran como la principal atracción de recintos feriales en un despliegue de forma y color, en el que se emplean los más avanzados sistemas de producción para sorprender a sus visitantes. Realizamos una selección de los mejores pabellones creados por reconocidos arquitectos internacionales y nacionales, quienes han desarrollado estos diseños inspirados en diferentes temáticas que van desde lo más futurista y orgánico, hasta lo más simple y sustentable. En la lista aparecen importantes nombres como el de Norman Foster, con el proyecto de un pabellón que realizará para la Expo Milán 2015, el cual, representará a los Emirato Árabes Unidos en esta muestra que tendrá como tema principal la nutrición mundial. La nueva tecnología se integra a este contexto y aparecen vanguardistas diseños de pabellones creados a partir de la investigación sobre el proceso biológico de los insectos, se trata del pabellón ICD-ITKE diseñado por la universidad de Stuttgart, en el que participaron especialistas en biomimética, robótica y biología. En esta compilación encontramos una gran diversidad de escalas y formas, en algunos casos destinadas a la reflexión y a las diferentes formas de apreciar el mundo que nos rodea.

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HY-FI MOMA PS1 | THE LIVING Fotografía cortesía The living

on énfasis en los temas medioambientales, incluyendo sustentabilidad y reciclaje, el MoMA PS1 (institución afiliada al Modern Art Museum de Nueva York) lanzó la 15 edición del Young Architects Program (YAP). El ganador elegido entre 5 finalistas, fue el proyecto Hy-Fi, del despacho neoyorquino The Living. La estructura en forma de torres se compone de módulos reflejantes y módulos orgánicos, concebidos por el diseñador David Benjamin mediante un nuevo método de bio-diseño que mezcla ingeniería y biotecnología. Para Hy-Fi, The Living ideó un material nuevo que se crece en lugar de ser manufacturado. Los bloques a manera de sillares tienen una estructura que puede convertirse (casi al 100%) en composta. Están hechos en su totalidad de material orgánico, una combinación de fibras de tallo de maíz y micelios de hongos vivos. Después de unos días de moldeado, la mezcla se convierte en un sólido rígido y liviano. 120

El ciclo natural del carbono, a través del suelo, aire y agua, diverge temporalmente para producir una construcción que crece y puede reintegrarse a la tierra, con un mínimo de desperdicio, sin emisiones de carbono y sin implementación artificial de energía. La construcción está diseñada para crear un microclima agradable para el verano en Nueva York, que suele ser muy caluroso, creando un flujo de aire donde el aire frío entra por la parte baja y el aire caliente sale por un respiradero en la cima. Se trata de una experiencia futurista que resulta innovadora, mueve a la reflexión y está llena de optimismo.

www.thelivingnewyork.com

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La estructura en forma de torres se compone de módulos reflejantes y módulos orgánicos concebidos mediante un nuevo método de bio-diseño.

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ICD-ITKE UNIVERSIDAD DE STUTTGART Fotografía cortesía ICD-ITKE, Universidad de Stuttgart

espués de estudiar diferentes tipos de coraza de escarabajo e identificar sus principios estructurales, la Universidad de Stuttgart, en Alemania, en conjunto con un gran número de colaboradores, generó un sistema para la construcción de un prototipo arquitectónico. Herramientas de diseño y simulaciones por computadora fueron desarrolladas para integrar los principios biomiméticos y las características propias de la fabricación robótica. Este pabellón nace de la investigación en estructuras livianas naturales. Durante la investigación, la coraza protectora de las alas de escarabajo se reveló como un modelo constructivo de eficiencia de materiales. Como material se eligieron polímeros reforzados con fibras de vidrio y carbono, por sus cualidades de relación de resistencia contra peso. La

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fabricación convencional con compuestos de fibras y polímeros, requiere de moldeado para definir una forma. Este proceso no es adecuado para replicar los principios constructivos naturales buscados en aplicaciones arquitectónicas; por esta razón se desarrolló un proceso de arrollado (las fibras no están tejidas entre sí, sino que se tensan sobre puntos de flexión fijos en los marcos de cada unidad estructural) realizado coordinadamente por dos robots industriales que operan en seis ejes. En total se fabricaron 36 unidades, cada una resultando un sistema de soporte de carga con eficiencia de materiales. www.icd.uni-stuttgart.de

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Herramientas de diseño y simulaciones por computadora fueron desarrolladas para integrar los principios biomiméticos y las características propias de la fabricación robótica.

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TRIFOLIUM AR-MA Fotografía cortesía AR-MA

abricado a la manera de un complejo alhajero con cerca de 3 mil piezas, Trifolium parte enteramente del diseño digital para lograr un ensamblaje con tolerancia menor a 1 mm entre sus partes. Con la directriz de explorar la prefabricación digital, la firma Australiana AR-MA suscribió el proyecto a la competencia Fugitive Structures, un concurso creado por la Sherman Contemporary Arts Foundation con sede en Sidney, que busca la promoción de talentos emergentes en Australia, la región Asia-Pacífico y el Medio Oriente. Las piezas se diseñaron y fabricaron con un software hecho ex profeso para el proyecto. Trifolium es un espacio de forma fluida, la estructura se desarrolló en Corian, de tal forma que fuera autoportante, y su interior se encuentra revestido con paneles curvos de acero inoxidable pintado en negro y con 124

pulido de acabado espejo, ambas “pieles” están ensambladas mediante una estructura de soportes de acero. El conjunto está compuesto de tres bóvedas curvas que se unen de forma continua sin uniones aparentes. La forma crea un interior lúdico y activo, donde reflejos, vistas, luz y sombra cambian constantemente. En el vaciado de concreto para los adoquines del piso, se montaron 42 luces de fibra óptica que se reflejan en la superficie interior creando la ilusión de un cielo estrellado. Para la fabricación de las piezas de este proyecto se utilizó un router CNC de cinco ejes, corte láser, soldadura y termoformado, implicando una estricta logística de procesos, materiales y tiempos. www.sherman-scaf.org.au

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La estructura se desarroll贸 en corian para que fuera autoportante, y su interior se encuentra revestido con paneles curvos de acero inoxidable.

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BREATH BOX NAS ARCHITECTURE Fotografía Paul Kozlowski, cortesía de NAS Architecture

n la línea costera de La Grande Motte, el estudio de arquitectura NAS, con sede en Montpellier, Francia, diseñó el pabellón Breath Box para el Festival des Architectures Vives, evento anual centrado en la arquitectura contemporánea. Para este proyecto se pensó en una caja cuya fachada y muro principal estuvieran compuestos por elementos reflejantes y de cara al mar. Con una estructura relativamente simple, se generó un habitáculo que invita al tránsito. No sólo se trata de recrear la imagen del océano, sino de transformar el entorno por medio de los propios atributos del diseño. Cuando la brisa marina impacta sobre los módulos de acabado espejo, se genera un efecto dual de multiplicación de la imagen así como una experiencia visual dinámica en su conjunto. Siendo una ciudad costera, el viento es un factor decisivo a considerarse en el planteamiento de cualquier obra arquitectónica. Los arquitectos decidieron hacer de esta característica un elemento del diseño, más que una cuestión por solucionar. La Breath Box permite sentir el viento en toda su materialidad al ver su manifestación en el movimiento de los paneles modulares. Se puede decir que la fachada cobra vida de la mano de los elementos. La vivencia es sensorial y cambiante, dependiendo de la fluctuación del aire y las condiciones de luz natural, generando un repertorio de imágenes que juegan con el paisaje marino y el de la ciudad. www.nasarchitecture.com

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La Breath Box permite sentir el viento en toda su materialidad al ver su manifestaci贸n en el movimiento de los paneles modulares. Se puede decir que la fachada cobra vida de la mano de los elementos. 127

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PAVILIONC O O21P HMINI OPERA SPACE IMMELB(L)AU Fotografía cortesía COOP HIMMELB(L)AU

avilion 21 MINI Opera Space es un proyecto que retoma el concepto de construcción desmontable y transportable, ya que constituye un espacio cultural en el que se llevan a cabo presentaciones itinerantes de la Ópera Estatal de Baviera, Alemania, por lo que el despacho de arquitectura, diseño y arte con sede en la misma nación, COOP HIMMELB(L)AU, prestó atención a los sistemas acústicos del pabellón, mismos que superan la contradicción entre la creación de una estructura ligera y los requisitos de sonidos para una sala de conciertos. Las consideraciones para lograr una buena acústica a pesar de la reducción de masa, consistieron en incluir elementos (llevados a cabo en conjunto con la constructura ARUP), capaces de transformar la intensidad y calidad del sonido, tal es el caso de las pirámides que hacen de la forma de Pavilion 21 una estructura que aloja secuencias en 3D. 128

De la mano de lo anterior, va el empleo de soundscaping, un método de composición nacido en 1940 que fusiona música y entorno, para lo cual, la firma requirió tres pasos: en el primero realizó el efecto de protección entre la plaza y la calle; en el segundo, dio forma a la geometría del pabellón de tal manera que desviara el ruido externo, y, por último, diseñó la superficie de éste, la cual absorbe y refleja el sonido. El diseño interior de este pabellón se complementa y refuerza con la instalación lumínica de proyección múltiple que cambia la percepción del espacio de modo que la arquitectura parece moverse, característica que teje el espacio con el sonido, el sonido con la luz y la luz con la estructura, generando así un ambiente de abstracción sensorial. www.coop-himmelblau.at

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Las consideraciones para lograr una buena acĂşstica consistieron en incluir elementos capaces de transformar la intensidad y calidad del sonido, como pirĂĄmides que hacen de la forma de Pavilion 21 una estructura que aloja secuencias en 3D. 129

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PALETS ARROYO SOLÍS AGRAZ Fotografía cortesía Guillermo Acevedo

rroyo Solís Agraz es un despacho con sede en la Ciudad de México dedicado al desarrollo y construcción de proyectos arquitectónicos en pequeña y gran escala, por lo que en esta ocasión realizó el pabellón Palets en el marco de la Feria Internacional del Calzado y Artículos de Piel 2014, Sapica, en León, Guanajuato. El concepto creativo consistió en recrear un espacio a partir de la utilización de un material que, al agruparse, constituyó una estructura de repisas donde los productos pudieron ser exhibidos. Ésta sumó 2 mil tarimas para contenedor o palets, que se distribuyeron de tal manera que se logró el punto de equilibrio en el que se sostuvieron por sí mismas. Las piezas daban la apariencia de que el pabellón no tenía fin debido a 130

su acomodo horizontal y alargado. El dinamismo visual de repetición que constituyó Arroyo Solís Agraz permitió dar salida a un proyecto sustentable donde el espacio de 455 m2 surgió de juntar, separar y trasladar las tarimas y, una vez finalizada la feria, éstas regresaron a su estado de uso original. Como colectivo, el despacho Arroyo Solis Agraz ha desarrollado proyectos de gran complejidad y diversas tipologías, entre las que destacan recintos culturales, corporativos, deportivos, conceptos residenciales y comerciales, así como planes de desarrollo urbano y arquitectura efímera como este pabellón. www.issuu.com/vincvlo/docs/arroyosolisagraz-issuu

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Se sumaron 2 mil tarimas para contenedor que se distribuyeron de tal manera para lograr el punto de equilbrio entre ellas. 131

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PREFAB PH CC ARQUITECTOS + PIRWI Fotografía Jaime Navarro

bicado en la explana del Palacio de Hierro de la calle Durango, Colonia Roma, este pabellón surgió de la idea de una vivienda prefabricada, y fue construido para la 12 edición del Corredor Cultural Roma Condesa (CCRC), y llevado a cabo por Manuel Cervantes de CC Arquitectos, firma desarrollada bajo la filosofía de una arquitectura del desarrollo humano, y Alejandro Castro de Pirwi, compañía mexicana que principalmente hace uso de recursos renovables. Pabellón PreFab PH se conformó de dos plataformas: una techada y una al descubierto, las cuales se conectaban entre sí por un puente, con la visión de desmaterializar los muros-librero que dieron forma al lado cubierto. La estructura del pabellón se hizo con los procesos y materiales utilizados en Pirwi, aquellos que vienen de fuentes comprometidas con el medio ambiente y respetan las condiciones de trabajo de los empleados. Contrachapado de abedul en diferentes espesores, bastones de pino y un aglomerado de madera con concreto, son las técnicas que los realizadores emplearon para el diseño del techo el cual, se consideró concepto Pop-up al conducir a una tienda departamental como lo es el Palacio de Hierro. Con este proyecto ambos despachos proyectan una vez más su interés hacia el uso de materiales simples para crear interesantes conceptos amigables con el medio ambiente. www.pirwi.com www.ccarquitectos.com.mx 132

La estructura del pabellón se hizo con procesos y materiales que no perjudican el medio ambiente.

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Para crear el proyecto, había que considerar ciertos aspectos de tipología que marcaban el entorno espacial del lugar.

PABELLÓN S TALLER DIEZ 05-MANUEL HERRERA Fotografía cortesía Taller Diez 05

ituado en el sur del puerto de Veracruz, México, el Pabellón-S es un anexo a una casa-habitación existente que pretende alojar diferentes usos complementarios, a manera de espacio multifuncional. En el aspecto de diseño, el concepto arquitectónico parte de la idea de inserción a un espacio contenido existente y con condiciones tipológicas y naturales predeterminadas. Siendo esta una casa-habitación ya consolidada, había que considerar ciertos aspectos de tipología que marcaban el entorno espacial del lugar: vanos verticales, abocinamientos, celosías, reminiscencias históricas a San Juan de Ulúa, fueron el punto de partida de análisis de los gestos principales que conformarían definitivamente el proyecto. Al encontrarse comprometida por una magnífica área verde existente, la estrategia giró en

torno a realizar un mínimo contacto con las colindancias y elementos de vegetación plenamente estructurados, aprovechando las vistas naturales al entorno inmediato. De manera paralela, esta intervención se ubicó en una zona del predio que debía permitir la vista de un muro verde existente, es por eso que el esquema general es un bloque que agrupa el programa interior a través de una “banda espacial”, liberando su frentes longitudinales, donde la vista desde la casa-habitación es predominante. Para delimitar formalmente el edificio, el pabellón se conecta a la construcción existente a través de una caja-conector de madera, como una articulación entre estas dos piezas; asimismo un muro de concreto enmarca el área de estar y confronta suavemente una estrecha zona de vegetación. 133

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UAE PAVILION FOSTER + PARTNERS Fotografía cortesía Foster + Partners

ste pabellón, el cual representará a los Emiratos Árabes Unidos, en la próxima edición dela Expo Milán 2015, evoca las estrechas calles de la ciudad del desierto mediante las dos paredes ondulantes y paralelas de 12 m de altura que conforman su estructura, mismas que continúan a lo largo de 140 m. El diseño de UAE Pavilion estará inspirado en las crestas y texturas de las dunas de arena. En el trayecto de los muros, el despacho de arquitectos Foster + Partners, que planea llevar a cabo este proyecto, se inspiró, digitalmente, en los históricos acueductos de riego de la región. Dicho camino conduce a un state-of-the-art-auditorium, un espacio al centro del pabellón en el que se llevan a cabo proyecciones, eventos culturales y diversas conferencias para los asistentes locales y extranjeros Además, UAE Pavilion responde a uno de los temas centrales de la expo, – el cual consiste en crear conciencia alimenticia en el mundo a partir de la sana nutrición, por lo que se ofrecerá una gran diversidad de opciones gastronómicas – , al culminar su gran pasillo en forma de un oasis verde que lleva a la cafetería orgánica en planta baja, un restaurante en el primer piso y una terraza en la parte superior. www.fosterandpartners.com

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El despacho de arquitectos Foster + Partners se inspir贸 en los hist贸ricos acueductos 谩rabes para crear el proyecto. 135

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CHINA PAVILION STUDIO LINK-ARC Fotografía cortesía Studio Link-Arc

s a través de su forma ondulante que China Pavilion transmitirá la inspiración con la fue creado para la siguiente edición de Expo Milán 2015: The Land of Hope, ya que su estructura concibe la idea de una nube sobre una Tierra de esperanza (nombre en español), bajo la filosofía de que la esperanza existe cuando se encuentran en completa armonía la ciudad con la naturaleza. Este proyecto, el cual corre a nombre de Studio Link-Arc, cuyo nombre se refiere a la naturaleza colaborativa de la práctica, y Tsinghua University, siendo esta última la institución encargada del diseño interior, rechaza la simple concepción de un pabellón cultural dentro de un espacio, razón por la cual, fue planeado para formar parte del entorno natural. La base estructural es de 136

madera y está cubierta de paneles lumínicos en forma de tejas que hacen alusión a la construcción tradicional en cerámica de China. Al mismo tiempo de brindar luz, éstos suman textura y profundidad al techo del pabellón. Siguiendo la filosofía creativa inicial, el interior de China Pavilion simboliza el pasado de la actividad agrícola de la región asiática, principalmente del trigo; este paisaje natural es una instalación multimedia LED localizada al centro que expande sus destellos al resto del espacio. Dentro del pabellón se albergarán exposiciones culturales que, en sintonía con su alrededor, conformarán The Land of Hope, un interesante espacio dedicado a la esperanza. www.link-arc.com

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La estructura concibe la idea de una nube sobre una Tierra de esperanza (nombre en espaĂąol), bajo la filosofĂa de que la esperanza existe cuando se encuentran en completa armonĂa la ciudad con la naturaleza.

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pabellones

SERPENTINE GALLERY SMILJAN RADIC Fotografía cortesía de la Serpentine Gallery

bicada en el icónico Parque Real de Kensington Gardens, en el corazón de Londres, la Serpentine Gallery toma su nombre del Serpentine Lake, y presenta exhibiciones mundialmente reconocidas de arte, arquitectura y diseño. Cada año, la galería comisiona a un arquitecto la construcción de un pabellón temporal. Este año la obra fue comisionada al arquitecto de origen chileno Smiljan Radic quien planteó el pabellón como una estructura cilíndrica y traslúcida, realizada en fibra de vidrio, que asemeja una concha marina que descansa sobre monolitos de cantera. Consciente del entorno social, ambiental y del uso de materiales, Radic transgrede las fronteras evitando una etiqueta específica para encuadrar su trabajo dentro de un campo particular de la arquitectura. Esta es una característica que le permite responder de modo abierto a las demandas particulares de cada lugar, ya sea las limitantes espaciales de un 138

emplazamiento urbano o las condiciones agrestes del paisaje rural del país natal de Radic. En contraste con el diseño clásico de la Serpentine Gallery, surge la forma a la vez sensual e inusual de esta obra, cualidades que tienen un fuerte impacto sobre el visitante. La estructura se ve como una frágil coraza, que descansa sobre rocas que parecen haber formado parte del paisaje desde siempre, confiriéndole al conjunto la impresión dual de peso y fragilidad, creando una ilusión de flotamiento. El diálogo entre interior y exterior se establece por la convivencia de volúmenes cerrados y abiertos a un tiempo, permitiendo vistas hacia el parque, y desde el parque hacia el pabellón. El piso en los interiores es de duela de madera gris, dando una impresión de terraza exterior más que de un espacio cubierto. www.serpentinegalleries.org

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Smiljan Radic plante贸 el pabell贸n como una estructura cil铆ndrica y trasl煤cida, realizada en fibra de vidrio, que asemeja una gran concha marina que descansa sobre monolitos de cantera. 139

columna arquitectura

LA SEMILLA QUE EL A R Q U I T E C T O O LV I D Ó Texto Gerardo Broissin

ara esta segunda entrega de la columna quiero enfocarme en una preocupación personal, pero que encuentro cada vez más en comunión con el pensamiento de otros colegas, desde luego sólo a algunos que les interesa pensar en otra cosa que no sea el proyecto para el nuevo aeropuerto de la Ciudad de México, del cual comentaré en alguna otra edición, pero adelanto que el trabajo es de Fernando Romero y Norman Foster, permitiéndome anteponer a propósito a Fernando de Norman para recalcar que esa es la dupla que seleccionaron y no la de “Foster y el yerno de Slim”. En fin… tendremos tiempo para ese tema. Ahora hablemos del nacimiento de la arquitectura: creo que de origen el quehacer arquitectónico fue autodidacta, un oficio inducido por la necesidad de protección al clima, y de establecerse en un lugar permanentemente y nada más. No había más ciencia. Imaginaban y ejecutaban los espacios sin mayor técnica que la lógica en sí misma: pongo cuatro ramas que convergen a un centro y en ellas descanso otras más que sujeto con pelo de animales, pastos y hierbas para después cubrirlas con más pastos o pieles. Con esto lograban crear en el interior un nuevo sitio, distinto (en su percepción) y aislado (con relación al exterior), una especie de truco que seguramente elevaba a categoría de nigromante a quien lograba alzar ese espacio. Hablemos o construyamos en nuestra mente el hipotético suceso que pudo originar esta perspectiva, empecemos recordando lo que nos dice Cyril Aydon en su libro La Historia del Hombre cuando el clan de cazadores-recolectores habitó las orillas de un lago repleto de peces donde crecen juncos y los animales se acercan a beber. ¿Cómo era la vida en ese momento? Me refiero a la vida común, al pensamiento del día a día. El alimento abunda, el hielo se ha ido, el clima es más cálido, las planicies se han puesto verdes y los valles capturan el agua del deshielo. Ahora ya no es una preocupación primaria el alimento porque el lugar abastece todo lo necesario para alimentar a muchas bocas de manera cómoda e inmediata por la abundancia de los recursos vegetales y animales que el incremento de la temperatura del planeta trajo como beneficio. Ahora hay tiempo libre y de sobra para que los grupos convivan, jueguen, bailen, rían, en fin… todas esas cosas básicas que el hombre moderno ya no hace. 140

Fotografías Archivo Glocal

El planteamiento suena muy lógico y nos lleva a reflexionar sobre lo que acontece después: es claro que no hay motivo alguno para dejar ese espacio natural mientras éste los abastezca de comida y agua, lo que propicia que más clanes familiares empiecen a acercarse a ese lugar donde el recurso natural es vasto y puede alimentar a muchos. La actividad se diversifica en pescadores, recolectores y cazadores, entre ellos hay un conjunto que le interesa y le gusta las plantas: caminan por el campo explorando y descubriendo nuevos alimentos. La zona está repleta de cereales silvestres que se pueden comer y más aún si los calientan como la avena, salen cada día a recolectar la semillas más grandes de las espigas más altas y fuertes. En el camino de regreso, unas cuantas de esas semillas caen a los lados de la vereda, al paso de los días estas germinan y nacen, en consecuencia, matas más altas y fuertes periódicamente, un proceso de selección natural involuntario en su inicio y que probablemente (en sólo un par de temporadas) daría paso al proceso constituido de la selección de la mejor semilla y a la siembra consciente y controlada, dando origen a la agricultura. De este modo, el hombre tiene la necesidad de asentarse en un lugar fijo para cosechar sus propios sembradíos. Cuando el hombre se volvió productor de su propio alimento, pudo entonces empezar a imaginar un asentamiento fijo, aquí se empieza con los primeros conceptos de urbanismo y arquitectura, con el solitario uso del sentido común y la intención de tener una buena operación en la aldea; no hay más, sólo eso. Este hecho marca la primera apuesta del hombre por cambiar la forma en que vivían y toma el riesgo de resolver viviendas fijas, más duraderas y permanentes, partiendo de la situación social y cultural de ese momento. La historia no es inversa, no caviló primero en la vivienda permanente o en un almacén de granos y luego en la agricultura, es así que la arquitectura tiene su origen en una necesidad específica. En el anterior enunciado nace un punto medular que hemos sesgado en la enseñanza y en el quehacer arquitectónico actual. ¿En qué momento perdimos esta esencia? ¿Cuándo olvidamos que la arquitectura es un mecanismo para resolver necesidades concretas y no una suma de teorías y experimentos? Naturalmente, estoy siendo un tanto exagerado para resaltar la intención de fondo del texto.

columna arquitectura

Centre Pompidou

A lo largo de las épocas, la discusión de la forma versus la función acaparó el contenido de la arquitectura dejando a un lado la prioritaria labor de satisfacer una necesidad a través del oficio de crear espacios aptos. Cuando yo estudié seguíamos en lo mismo, y hoy que soy catedrático enseño lo mismo también... ¡No! ¡Eso si ya no! Intento cambiarlo en realidad. En el asunto concreto de la hipotética primera aldea agrícola y la tribu, resultaría alarmante establecer un debate entre la forma y la función, ya que tengo claro que la arquitectura se propicia por una necesidad y, por ende, debe de cumplir una función dada mediante la unión innegable con la materialidad física de los elementos existentes, no podía ocurrir una cosa sin la otra. La forma entonces puede ser sólo la herencia de la vanidad del arquitecto reflejada en sus proyectos y el simple deseo por sobresalir, probable origen del desgastado concepto de “respeto al contexto”, y demás medicinas académicas necesarias para controlar el ego del arquitecto que si no tuviéramos… ¡que Hollywood se cuide que ahí vienen los arquis!. Cuando a Hannes Meyer (director de la Bauhaus 1928-1930) se le ocurre dejar a un lado la forma en la ecuación forma-función y, en resumen, dice

Pabellón del país anfitrión en la Expo Japón

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que la arquitectura es el producto de la función por economía, paga un alto precio que le cuesta el puesto en La Bauhaus que seguía la ideología de su fundador, en donde la forma sigue a la función y fue remplazado por Mies. La mentalidad de Hannes al abandonar el valor estético de la arquitectura y enfocarse más en las necesidades que conforman la esencia del hombre (biológicas, mentales, espirituales y físicas), estimula a encontrar un nuevo valor que equilibre su fórmula planteada, y nada tendría que ver la forma en este nuevo componente. Abusando de este espacio editorial, que por respeto al pasado teórico de la arquitectura no debería hacerlo, me aviento el riesgo de escribir que, basado en el párrafo que antecede, podríamos acuñar los términos: forma plástica que sería producto directo del uso del material y de sus características físicas individuales y, por otro lado, la forma estética que resulta de la manipulación decorativa del material en el resultado colectivo del proyecto. Así estaríamos hablando de dos conceptos íntegros y limpios que dejarían a un lado la discusión en la que se ha hundido la labor arquitectónica. La arquitectura debe valerse, cada vez más, de la materialidad disponible en su contexto y ser un elemento moderador y de respuesta, no una tendencia plástica a secas. Hemos ya hablado del umbral de nuestra profesión, del discurso ambiguo e incierto de la forma y la función, nos faltaría abordar el origen del alto estatus social del “ser arquitecto”. Seguramente, el suceso de la construcción del primer refugio maravillaba a quienes no podían imaginarlo y lo vieron hasta estar terminado, una expectación similar a la que provoca el truco de colocar todas las fichas del domino sobre una sola, un ejercicio racional que no representa mayor dificultad que la de seguir un proceso lógico y ordenado por parte de quien lo ejecute, y que en el transcurso va robando miradas de incredulidad y asombro de los espectadores al ver que sí es posible hacerlo. Las emanaciones de fascinación de este pensamiento fundamental y el perfeccionamiento del conocimiento empírico para construir un refugio posible en la mente de unos cuantos, y no en la inteligencia de todos los miembros del grupo, generaba una condición social jerárquica muy alta para su creador. Era se trataba de un espacio creado por alguien —con buena capacidad intelectual sobre el resto del clan—, que ya no era una cueva; ahora erigirían su propio espacio. Esto de alguna manera favoreció a que el arquitecto, con el paso de las civilizaciones, adquiriera la condición de artesano de lo mágico, visionario de lo espiritual y creador de lo imposible. El templo de Abu Simbel en Egipto es una muestra milenaria, entre tantas otras, de la condición jerárquica que se le confería al arquitecto, en gran parte por su capacidad de crear lo inconcebible en un periodo específico.

Museo del Holocausto en Los Angeles, California

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Taut decía que la arquitectura tiene el poder de redimir a la sociedad, en el contexto de las guerras mundiales, enunciado correcto sólo en ese contexto. Le Corbusier por su parte maduraba la idea, previo a la segunda guerra mundial: “Arquitectura o revolución, la revolución puede evitarse…”. Walter Gropius fue presa, en su momento también, de este desvío de la lógica original de la arquitectura al tratar de estandarizarla para fomentar el pensamiento perfeccionista y de producción generalizada de la Alemania de principios del siglo XX, más adelante diría que se podían estandarizar las partes, pero no el todo. Aun cuando la búsqueda honesta de una transformación en la enseñanza arquitectónica llevó a Gropius a establecer un precedente importante en la historia moderna y en el pensamiento de la arquitectura fundando la Bauhaus en 1919, convirtiéndose realmente en un agente de cambio en el actuar y en el sentir del movimiento arquitectónico de esos tiempos y que prevalece en la actualidad, la escuela fue cerrada por la presión Nazi a principios de los treinta, a pesar de la fuerza intelectual y revolucionaria detrás de ella. Una muestra de que la arquitectura no tiene el poder de redimir a la sociedad ni mucho menos de evitar una guerra y, desde luego (en términos históricos y efectivos), la profesión ha estado y está aún muy lejos de tener esa posición controladora de manera individual. Llevando estas ideas al papel del arquitecto en el calentamiento global —otro contexto íntimamente ligado con la arquitectura de manera mediática—, me pregunto ¿conseguiría entonces el arquitecto controlar o regular el calentamiento únicamente con el poder contemplativo que nos da la profesión ante la sociedad? Pienso que el arquitecto puede visualizar e influir en el futuro de la sociedad, puede mejorar la calidad de vida de la gente, puede crear mecanismos, formas y espacios que propicien un accionar óptimo en términos sociales, culturales y de valores, sin especular en que tenemos el poder de cambiar o interrumpir el rumbo social de las cosas con propuestas vacías, no hay que esquivar que éste se traza con la suma de muchos incidentes específicos, entre ellos la arquitectura, y evitar ejercicios de arquitectura de pasarela, con un valor inmobiliario o de impacto mediático alto, pero sin ningún valor en la trascendencia evolutiva y resolutiva de la operación de las comunidades, como fue en su origen cuando la arquitectura germinó al tiempo que lo hacía una semilla.

Twitter: @ellobosoplo

columna diseño

POR QUÉ DECIDIMOS SER DISEÑADORES: ¿POR QUÉ SOY DISEÑADOR? ¿ PA R A Q U É D I S E Ñ O ? . . . Texto Luis Mercado

Fotografías Archivo Glocal

Librero de Made in Ratio

reo que son las preguntas con las que todos los diseñadores deberíamos empezar cada día, la respuesta honesta a estas preguntas debería guiar todas las decisiones estéticas, funcionales, productivas… es decir, la forma en la que abordamos nuestro trabajo. Creo que puedo afirmar, de forma bastante segura, que nadie decidió ser diseñador por casualidad o porque era una forma sencilla de ganar dinero. En el fondo, e individualmente, creo que cada diseñador tiene la inquietud de aportar algo nuevo al mundo, que de una u otra forma tenemos una especie de descontento sobre algunas cosas y estamos convencidos de que podemos aportar una idea nueva: más estética, más funcional, con una forma de producción más amigable con nuestro planeta. Que, en general, podemos diseñar algo mejor. Pero, cómo podemos saber de forma objetiva si una idea es mejor. No innovadora, no más llamativa, si no inherentemente —y en el más puro sentido de la palabra— mejor. Aquí es donde radican, en mi opinión, las dos grandes trampas a las que nos enfrentamos en nuestra práctica profesional. Los diseñadores dependemos de la comisión de proyectos por parte de un cliente o decidimos producir y vender nuestros propios diseños. Cada uno de estos caminos está minado por situaciones que hacen que

muy fácilmente nos desviemos de lo que debería ser el espíritu rector que informe nuestra labor. En el primer caso, estamos a merced de los requerimientos del cliente, quien es después de todo, el que nos está pagando por diseñar, y quien (en la inmensa mayoría de los casos) no tiene un entendimiento claro sobre el proceso de diseño. Si lo tuviera, lo más probable es que haría el trabajo él mismo y no contrataría a alguien para hacerlo. Así, su principal preocupación es sacar el mayor rendimiento del dinero invertido. Si optamos por el segundo caso, nos plagamos de dudas sobre la viabilidad comercial de nuestro producto y nos convertimos en nuestro propio “cliente”, cuestionando si nuestras ideas van a justificar económicamente nuestros esfuerzos. Es clarísimo que para poder tener una práctica balanceada, y que nos dé como resultado una vida balanceada, no podemos dejar fuera de la ecuación el dinero, pero por lo mismo es muy fácil perder de vista el motivo principal: por qué somos diseñadores y para qué diseñamos. ¿Por qué, por ejemplo, para un proyecto diseñamos una pieza de mobiliario nuevo, en lugar de especificar uno ya hecho? ¿Qué parámetros estamos usando para justificar que nuestra propuesta es más relevante que cualquiera de las otras opciones ya disponibles? Es muy fácil caer en el juego de proponer algo

Luminaria de Bec Brittain

Banco de Estudio Rococo

diferente, algo nuevo, pero que no es relevante y que no tiene un lugar propio en las propuestas de diseño vistas desde una óptica global e histórica. Si somos sinceros, en términos puros de diseño: ¿es realmente relevante nuestra propuesta?, ¿qué dirían, Eames, Aalto, Jacobsen y compañía, si les pudiéramos presentar nuestras ideas?, ¿cómo justificaríamos nuestras decisiones? La base de toda práctica de diseño debe conformarse por una serie de principios que formen el ethos de nuestro trabajo, una doctrina que contenga parámetros claros y que nos guíen a responder las preguntas: ¿por qué soy diseñador? y ¿para qué diseño? Sólo así tendremos claridad a la hora de vernos enfrentados a decisiones sobre los compromisos que tenemos que hacer y hasta dónde estamos dispuestos a llegar para encontrar el balance entre la viabilidad económica y la relevancia de nuestras propuestas. Este ethos nos dará una base sólida para justificar las condiciones bajo las cuales aceptamos y generamos un proyecto. En definitiva, nos ayudarán a resolver cualquier duda sobre la relevancia de lo que estamos haciendo. Entre más expansiva sea nuestra definición del contexto y alcance dentro del cual queremos que nuestro trabajo exista, más relevantes serán nuestros esfuerzos. Y en teoría, entre más destacado sea nuestro trabajo, los compromisos que debemos aceptar para que un proyecto sea económicamente viable serán menores, y entre más podamos limitar el numero de compromisos que tenemos que hacer, mayor será la libertad con la que podemos trabajar y responder, ¿por qué soy diseñador y para qué diseño?

www.luismercadorojo.com 144

Silla Moving Mountains

Mesas Circle Meet Square

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P. 58 C Cúbica Arquitectos Design Visionaries By Gerardo Leon Images Carlos Madrid, courtesy of C Cúbica Arquitectos After 24 years the C Cúbica Arquitectos bureau consolidates with the 6th Edition of Design Week Mexico and renews its perspective to integrate its architectural body of work to the current context, generating projects with a different scale, focused on the renewal of the social fabric. For the last few years C Cúbica bureau, composed by the architects Andrea Cesarman, Emilio Cabrero and Marco Coello, has carried out various important projects related to the cultural, social and urban fields, inside and outside Mexico City. Besides its 6-year anniversary leading the Design Week, one of the most important fora for national design, it has focused it architectonic works to the renewal of public spaces adapted to natural surroundings with innovative constructive systems. “During the past three years, the bureau has achieved a significant expansion. We have had new opportunities to develop more interesting projects on a grander scale. Creating the people’s habitat makes us very proud and happy, and with a partnership spanning 24 years this journey has taken us down many a path where a great number of stories have begun. Besides Architecture we dedicate ourselves to different Design activities and we have consolidated as an important catalyst for national talents thanks to Design Week,” Andrea Cesarman said. As part of their professional growth process, these young creators are faced by new challenges such as the conception of the Belisario Dominguez Auditorium in Comitan, on the state of Chiapas. “We are on a maturation phase and we find new risks to be taken. We have been lucky enough to work with the Government of the State of Chiapas, and we agree on the creation of spaces with an urban and architectonic vision that will somehow become of catalysts for the renewal in the social fabric, paying attention to critically important, current issues such as sustainability, and the local economic dynamics, ways and traditions”, Marco Coello explained. The Belisario Dominguez Auditorium is the first stage of the master plan for the Comitan Cultural Center, located inside the Autonomous University of Chiapas’ campus. This locale has 31,758.5 squared feet and is dedicated to the scenic arts and Keynote Presentations and Conferences, is intended to be a detonator of a cultural district for the city of Comitan. The building can house 800 hundred individuals separated into lower level and mezzanine sections. In its interior conferences, concerts, plays and dance acts can be performed. All the interiors incorporate materials found in the region including adobe walls, wooden lattices and textiles by local artisans. The outline and volumetrics of the edifice are based on the Mayan ruins of Tenam Puente, located only 7.5 miles away from the site. “The democratization of culture was one of the concepts that guided the project since its inception,” Coello said. A civic plaza in Tuxtla Gutierrez, a Convention Center in San Cristobal de las Casas and a museum are part of the project being carried out by C Cúbica with this state. “When you consider such a rich state in terms of culture an resources, you need to understand and research a lot more about its roots and discover its existing materials to ascertain how to make best use of them, and thus generate green, sustainable projects that, in turn, will result in the economic regeneration of the state”, Marco commented. In terms of their vision regarding Mexico City’s urban landscape, Emilio Cabrero talked about the need for joint

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efforts to create a functional and easily-accessible city where architecture favors the different lifestyles of its inhabitants. “The more centrically-located spaces in the city are being repopulated because people no longer wants to commute to far away locations; people want to work and continue their lifestyles near their homes, that is why more actions have to taken in this respect; just like the ones being enacted to rehabilitate Zona Rosa, San Miguel Chapultepec, Santa Maria la Rivera, among other neighborhoods that have the infrastructure and historical value to gather new momentum,” Emilio suggested. For her part, Andrea commented “design must be integral to the city so it becomes kinder; not design as the object of desire, but as question of daily usage… to call new talents creating new design experiences that improve the habitat.” This is reflected in a 16th Century edification located on Pensil quarters that C Cúbica is currently restoring as part of its social fabric renewal projects. The designs for Suites Polanco hotel, Casa de la luz, Casa de cristal, Armoni House and the High Park residential concept are but of the works that the bureau has created in the Federal District within Mexico City. These creative talents see the collaboration aspect as a global trend in architecture, where teamwork within the guild is what will benefit not only society, but also the Space-Development Industry. “We have had the opportunity to collaborate with clients and architects from faraway places and the same happens with other internationally renowned bureaus; yet in Mexico we don’t know how to work as a team. The d’Auteur architecture or the rockstar posturing have become things of the past,” Marco expressed. Emilio expressed that “there is no other trend than that of living the moment your are in, and this being represented in whatever it is you are doing. With regards to trends I wouldn’t dare to say it is minimalism, yet it surely is essentialism, where the essentials exist: no more no less. The trend is the balance.” Cabrero feels proud of the great success organizing Design Week has represented for C Cúbica, a event carried out in a yearly basis and that on its sixth edition (which has London as its central theme), continues with its objective to promote national talent. “Currently Design Week counts with interesting citizen proposals because it is already out in the streets. We give designers who are in other parts of Mexico the chance to present their work in zones like Polanco and Lomas where leading, world-renowned Design brands can be found. Initiatives are being created with museums like the Tamayo where Architecture pavilions will be erected; we will also have the collaboration od universities like UNAM, Ibero, Salle, Anahuac y Centro to create reflection pools at Centro Historico (Historic Dowtown).” Among other activities, Design Week will organize an interesting tour down the street where the Luis Barragan’s former house is located in Tacubaya, along with the Design Route consisting of tours around the most important showrooms in the city. Added to all of this, this edition will open its door to the Film Industry by means screenings of both movies and documentaries that will be carried out in the open at the Angela Peralta theatre. It will also include the participation of important personalities of the London creative scene. “We feel very proud to be hosting the United Kingdom, such a catalyst country in the issue of innovation, a nation where the creative industry contribute a great many things to the Design Industry in its various forms such as theatre, videogames, and industrial design among others,” Cabrero explained. As part of the program, 15 speakers from the Guest Country will present their works through both conferences and exhibitions. “With this kind of events, Mexico establishes itself on the world map as a creative

capital, to demonstrate that not everything here has to be authochtonus or huichol; we are not only that and not all of us go around dress in regional garb, Mexico City is a cosmopolitan epicenter and Mexican design has to be a global design.” Design Week will be held on October 15th throughout 19th and like every year, it will carryout fundraisers for various causes and foundations. www.ccubicaarquitectos.com www.designweekmexico.com

P. 69 London Design Festival: the classical eclecticism of the English comes alive in an unprecedented festival By Greta Arcila We walked for a whole week through the streets of London. We came up and down several Tube stations so we could witness all the Design offering the English capital promised us. We now share our selection and an interview with the London Design Festival’s Director. It was 12 years ago when Ben Evans, the mastermind behind the successful London Design Festival, and his associate John Sorrel–just recently named Knight of the Crown-began this interesting project; yet, they never foresaw the way it would grow. Back then they were able to muster 35 design projects for their public displaying; nevertheless, these days the LDF has managed to have over 350 events formally registered on its guide and not counting the informal ones who take advantage of the festival’s reputation to present their design statements. The LDF has acquired a life of its own and Evans tells us he and his small team including director adjunct Max Fraser and John Sorrell, who serves as the festival’s president, are responsible for just 10% of the events taking place in London during the second week of September. To the unavoidable question of what is it that makes the LDF so different to the rest of the festivals around the world, Evans answers that this event is unique due to the way it relates with the public as well as with the members of the Design Industry, and because it focuses on all kinds of design instead of just, let us say, furniture or interiorism: “we wanted to have a space that celebrated all kinds of design. By way of example: the Salone Internazionale del Mobile, is what it is: an event of the utmost importance to the Furniture Industry; yet, we have always have a very clear idea about the London Design scene being broader that in other cities and we have tried to show this year after year.” Another aspect that has made the LDF one-of-akind is its "iconic projects" that go on to become urban landmarks that generate a more sincere rapport with society and the creative guilds. Its interventions and installations are commissioned to some of the best architects and designers around the world, and are placed in some of London’s most well-loved public spaces. On past events, the LDF has hosted a life-size Chess game on Trafalgar Square, designed by Jaime Hayon; a pavilion by Zaha Hadid made for Roca; The Endless Stair by dRMM commissioned by AHEC, among many others. This year, tits closest collaboration was with the Victoria & Albert Museum, and by the word of the Dean of the University of the Arts London, they are very pleased given the museum’s board of directors practically told them they were welcomed to every part of the complex,; thus they placed one of the most positively-commentated projects: Doble Space by Edward Barber & Jay Osgerby for BMW, as well as the Crest installation by Zaha Hadid commissioned by Hoteles Melia Internacional. Another one of the important projects and one where the public freely interacted with was A place called Home, which was located on Trafalgar Square and amid the city’s

bustle it made us rethink what home means to the new generations. For Evans conceptualizing these projects is easy in practice, for he was a key figure in the ambitious project The Millennium Dome, which we all know was England’s most important creative venture in a long time, and all with the express intention of celebrating the arrival of the Millennium. It was there that he completely understood what it was that the firms not immersed on the world of Arts and Design needed. TO him this project was a breaking point as it then was when the government gave Zada Hadid her first major commission and it was him that led said work team. Three of the fairs that are part of the festival and add a lot of value to it are DesignJuction, Tent London and 100% Design. The most valuable contribution of DesignJuction, in Evans’ words, is that it gathers the new design impresarios as well as prestigious firms, and the material selections have an outstanding curatorial work. On the other hand, in Shoreditch–an area that is becoming more relevant for its design scene within the English capital and it is just five minutes away from the City–Tent London and Super Brands were featured. Another important point is the hosting an important selection of collectives hailing from other countries. There we could see young designer collectives from China, Japan, Mexico, Ireland, Norway and multiples independent pieces from small design firms. Evans, who in 1997 along with Tony Blair promoted the creative economies, knows that having the government’s support play a key role in the proper workings of the whole of LDF’s framework and promotes new ways of making business, a thing to which he categorically states: “Every passing year the activities based on business depend on the people who can think laterally and be more focused on ideas.” On its part, 100% was inside the fair grounds at Earls Court and its most relevant aspect, besides the design statements of course, was that it also offered materials for the Interiors Industry, and Evans concludes: “With this, LDF has positioned itself as a Design reference on an international level and it all of its facets, and this kind of offer is hard to come by inside the same city… we already are part of the fair all design lovers considered on their yearly agendas and that for us is of the utmost importance because we are a project that is still young and with a lot of potential.”

P. 74 A Place Called Home What does the house you inhabit mean to you and how can you achieve managing its elements so they make you feel better? This and other questions were answered by four acclaimed designers: Jasper Morrison, Patternity, Raw Edges and Studio Ilse to create the A Place Called Home project as part of the London Design Festival 2014. The intervention consisted in the making of four small, prefabricated houses under the particular view of each of these creators, who with ingenuity and a ludic sense defined each of the details to entertain the visitors to this installation that was built on Trafalgar Square. The four “homesteads” have their own identity and display the characteristic feel of their creators’ body of work. Jasper Morrison The renowned British designer Jasper Morrison came up with a fun and simple abode o dedicated to pigeons because, as per his own words: “Who else would be able to live in Trafalgar Square but them?” Morrison used the fictional character to illustrate his vision of a dwelling belonging to a person dedicated to the simple pleasures, using the simplest furnishings and various offbeat objects. Raw Edges

The London-based design team created a space with a capability to transform its interior through the use of paneling to produce different rooms within a house. The use of a particular space-design system software was their source of inspiration. Studio Ilse Designer Ilse Crawford has created a space that challenges its visitors to answer the questions of what does their houses mean to them. By making reference to daily rituals at home, that will be familiar to everyone, Studio Ilse has designed a dwelling that raises the mundane-yet-comforting aspects of house-life, in a ludic and poetic manner. Patternity The designed studio has come up with a visually stunning structure, and with the objective to tell stories worth our while about the world that surrounds us. A trio of gigantic kaleidoscopes that symbolically reflect the world around us through a repetitive pattern occupies the house’s interior. Through the structure, each kaleidoscope hangs from the walls in order to create an interactive installation for the visitors to look at and play with.

PP. 80 Glassmania Translucent Visions Glassmania, a project that gathered the works of both students and ex-alumni of Prague’s Studio of Glass and Studio of Product Design, in the Czech Republic, showed to distinct approaches to the use of glass. On the one hand the use of the more industrialized one, while on the other utilizing the product of the traditional processes, both focused on the experimentation with technology and other creative practices by revaluating this material through its long history. This project was presented by the Academy of Arts, Architecture and Design in Prague, UMPRUM, through the collaborative effort between industrial firms such as Martin Štefánek, one of Europe’s best glassblowers, and the fresh and innovative ideas formulated by the students. www.umprum.cz

P. 86 Furniture Considered the Industry’s peak, the English market is always moving forward. Their product design is a contemporary leading model and the past edition of London Design Festival, we spotted some key elements of the trends and tastes prominent in furniture design. Even when not all the work samples represent the designer born in the United Kingdom, it is possible to spot a certain English character, being a triad of countries with a tradition and long history in the manufacturing of commodities and creation of financial goods and services, where projects are created and aimed at having a local impact. Sober yet with an adventurous spirit, cosmopolitan but unpretentious, ingenious and still primarily functional, are the labels that come forth whenever we try to summarize our impressions. There a clear tension between tradition and vanguard that generates a language of its own. In some instances concept is of outmost importance; it is the ingenuity behind the object, as well as the drive for transgression. In an ecological sense, the main worry lays on the environmental congruence and the responsibility while choosing both materials and methods, this ever so demanded as much by creators as it is by consumers. Leaving great brands aside, the production methods are semi-industrial when not wholly rustic. This by no means points at the furniture having an incomplete or imperfect image; on the contrary there is a prevailing attention to

detail, yet in a country where offshore manufacturing is unquestionably unaffordable to a small or start-up company, it is in the designer’s own workshop where the production takes place, an value added feature that grants the design with a personality of its own. P. 90 Lighting Metallic colors and materials, especially golden and bronze, have become the favorite among the creative minds in international design, who have originated novelty concepts for luminaires that stand out due to their retro-styled shapes and innovative finish. This could be witnessed at the London Design Festival 2014, where the most important design firms such as Flos, LZF and the creative collective LDF stand out and attended to display the latest in applied technology for manufacturing processes designed for energy-saving, as well as novel systems that allow for the adaptation of the designs to any type of space. Color was one of the protagonists and was used for various themes that went from graffiti to the most sober for lamps designed for office or household use. A full array of color and novelties was displayed to fill the spaces with light, and breaking the traditional forms while innovating with every new proposal.

P. 94 Materials The materials can be the center for the concept behind a product. It is this sense that we find three projects with their own statements. Designer Afroditi Krassa, of Greek linage, presented “Piano”, pigmented mortar tiles made in Tangiers, Morrocco, in craft workshops that normally reproduces intricate arabesque designs. Given the process and manual manufacturing, the tiles have an irregular finish that break the rigid rules for strict geometric design. The firm KAZA displayed its Concurrent Constellations collection. The intention is to promote the extensive application of ornamental textures and modules for Penrose tiling patterns. With a balance between aesthetics and technology, KAZA designs and manufactures surface solutions with and artistic approach. This is a refreshing twist that reminisces and hybridizes the ceramic tiles as architectonic lining and ornamental concrete-made modules (used on permeable enclosures). We also note the work by Dutch designer Emma van der Leest. Her proposal consists of a funeral urn, begotten from the expression “dust to dust”. The ideas covered are useful life, touch-relations and the materials’ poetics capable of telling stories. After much experimentation with various materials, she developed an urn made with traditional-recipe glue, calcium and quartz. Designed to be buried containing the ashes of the loved one, both the urn and the ashes degrade and are reintegrated to the subsoil.

P. 106 Dellekamp Arquitectos Mestre Houses By Editorial Team Images courtesy Dellekamp Arquitectos Mestre Houses are an ensemble made up of three grouped and connected homesteads located on a sloping plot of land in the outskirts of Valle de Bravo. It was designed with a terraced system to reduce excavation and maximize the views to the lake and towards the South.

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The volumes, arranged as boxes, form four levels including the floor level and interact between them allowing an interconnection of public and private spaces. The interweaving of the public and private spaces creates a system, giving the ensemble not only functional, constructive and formal meanings, but symbolic-spatial one also. It is worth mentioning that the majority of trees originally present at the site were preserved, and new ones were planted to replace those that were in ill shape. The Mestre Houses achieve and preserve a link with its surroundings by means of utilizing the zone’s materials and by respecting the landscape, while creating their own language at the same time via the arrangement of the volumes and their interconnectivity. www.dellekamparq.com

weight ratio qualities. The conventional manufacturing of fiber-polymer compounds requires of molding in order to define a shape. This process is not ideal for replication of the natural constructive principles required for architectonic purposes. It is for this very reason that a rolling process was developed (as the fibers are not weaved but rather tightened on their flexion points fixed on the frames of each structural unit) and carried out in coordination by two industrial robots operating on a six–axis capacity. A total of 36 units were built, each one resulting in a materials-efficient support system. www.icd.uni-stuttgart.de

P. 120 Hy-Fi MoMA PS1 The Living

By Editorial Team Images courtesy of the Sherman Contemporary Arts Foundation Manufactured as a complex jewel box consisting of nearly 3,000 pieces, Trifolium completely departs from the typical digital design to achieve an ensemble with a tolerance lower than 1 mm between its parts. With the directive to explore digital premanufacturing, the Australian firm AR-MA submitted the project to the Fugitive Structures competition, a contest created by the Sherman Contemporary Arts Foundation with headquarters on Sidney, seeking to promote emerging talents in Australia, the Asian-Pacific region and the Middle East. The pieces were designed and manufactured with software created solely for the project. Trifolium is a fluid-form space, its structure was developed with Corian, in a way it was self-portable, and its interior is lined with curved stainless steel panes painted black and polished to a mirror-like finish, both “skins” are assembled via a structure made of steel pylons. The ensemble is made up of three vaulted ceilings united continuously without visible joints. This shape creates a ludic and active interior where the reflections, vistas, light and shadow constantly change. Forty-two fiber-optics lamps, mounted on the concrete pouring for the cobblestones, that are reflected in the interior surface thus creating the illusion of a starry sky. For the manufacturing of the pieces for this project a five-axis router CNC was used, along with laser cutting, soldering and thermoforming, which amounted to a strict logic in processes, materials and times. www.sherman-scaf.org.au

By Editorial Team Images courtesy of The Living With a special emphasis on environmental issues, including sustainability and recycling, MoMA PS1 (an institution part of New York Modern Art Museum) launched the 15th edition of the Young Architects Program (YAP). The winner, selected from a pool of 5 finalists, was the Hy-Fi project, the New York firm “The Living”. The tower-shaped structure is made up of reflecting modules and organic modules created by designer David Benjamin using a new bio-design method that combines engineering and biotechnology. For Hy-Fi, The Living conceived a new material that is grown instead of its being manufactured. The blocks resembling ashlars have a structure that can be converted (almost to 100%) into compost. They are completely made of organic material, a mixture of corn sprout fibers and mycelia from living fungi. After a few days of molding, the mixture becomes a rigid-yet-light solid. The natural carbon cycle, through soil, air and water, is temporarily diverged to produce a construction that grows and can be reincorporated to the soil with minimal waste, no carbon-dioxide emissions and without artificial energy implementations The construction is designed to create a pleasant microclimate for the New York summer, which is usually very hot, creating an air flow where the cold air enters through the lower section and the hot air comes out through a ventilation shaft on the top, besides of its being an event. This is a futuristic experience that is innovative, promotes thought, and is full of optimism. www.thelivingnewyork.com

P. 122 ICD-ITKE Research Pavilion Stuttgart University By Editorial Team Images courtesy of ICD-ITKE, Stuttgart University After studying different types of beetle carapaces and identifying their main structural basis, a system for the construction of an architectonic prototype was generated. Design tools and computer simulations were developed so as to integrate the biomimetic principles and the particular characteristics of robotic production. This pavilion is born from the research in light natural structure. During said study, the protective carapace of the beetle’s wings was revealed to be a material-efficient constructive model. The materials of choice were fiberglass and carbon fiber-reinforced polymers, given their resistance-to-

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P. 124 Trifolium Sherman Contemporary Arts Foundation

P. 126 Breath Box NAS Architecture By Editorial Team Images Paul Kozlowski, courtesy of NAS Architecture In line with La Grande Motte coastline, the Architecture Studio NAS, with headquarters in Montpellier, designed the Breath Box pavilion for the Festival des Architectures Vives, a yearly French festival centered on Architecture. The idea for this project was a box where the façade and main wall are made up of reflecting material and face the seafront. With a relatively simple construction, a habitat inviting transit was created. Its intention is not only to recreate the image of the ocean, but also to transform its surroundings by means of the design’s own attributes. When the sea breeze hits the mirror-surfaced modules a dual effect of image multiplication as well as a dynamic visual experience is achieved for the ensemble. Being a coastal city, the wind is an important factor to be considered for the planning of any architectonic work.

The architects decided to make this feature a design element more than a problem to be solved. The Breath Box allows the visitor to fully feel the breeze in all its materialness when observing its manifestation via the modular panels’ movement. It can be said that the façade come alive at the hands of the elements. The experience is both a sensorial and fluctuating one, depending of the changes in the wind and the natural lighting conditions, thus generating a repertoire of images that play with the maritime and urban landscape. www.nasarchitecture.com

P. 128 Pavilion 21 MINI Opera Space COOPHIMMELB(L)AU Sensorial Abstraction By Editorial Team Images courtesy of COOP HIMMELB(L)AU Pavilion 21 MINI Opera Space is a project that reuses the concept of existing as a detachable and roving construction, given it is intended as cultural space where itinerant performances by the Bavarian State Opera from Germany take place, a reason why their conational at the architecture, design and art bureau COOP HIMMELB(L) AU payed close attention to the pavilion’s acoustic systems; these surmount the contradiction between the creation of a light structure and the sound requisites inherent to a concert hall. The considerations for achieving fitting acoustics in spite the decrease in mass, consisted on including elements, jointly developed with the Arup Dept., capable of transforming both the intensity and quality in sound, as is the case with the pyramids that turn the Pavilion 21’s form into a structure that houses 3D sequences. Side by side with the previous (solution) goes the use of soundscaping, a composing method born in 1940 amalgamating music and surroundings, and to achieve this the firm made a 3-step journey: first it created the protective effect between the locale and the street; secondly it saw to the pavilion’s geometry being formed in such a way that all external noise would be deflected and, lastly, the locale’s surface was designed as one that absorbs and reflects sound. The pavilion’s interior design is completed and reinforced with a lighting installation projecting multiple beams which alter how the space is perceived in such a way that the architectonic array seems to be moving; a feature that weaves space to sound, sound to light and light to structure, thus generating an ambience of sensory abstraction. www.coop-himmelblau.at

P. 134 UAE Pavilion Parallel Waves By Editorial Team Images courtesy of Foster + Partners This pavilion, which will represent the United Arab Emirates during the next edition of the Milan Expo 2015, evokes the narrow streets of a desert city by way of the two 39-feet tall parallel, waving walls that make up its structure, and which run for 459 feet. The UAE Pavilion’s design is inspired in the crests and textures of the dunes. For the complete length of the walls, the Foster + Partners architecture bureau―which was charged with this project―was digitally inspired by the region’s historical aqueducts. Said in-road lead to a stateof-the-art-auditorium, a space at the center of the pavillion where projections, cultural events and variosu conferences amed at the local and foreign visitors. Even more interestingly, is the fact that the UAE

Pavilion addresses one of the central themes in Expo Milan 2015―which centers on creating Alimentary awareness based on healthy nutrition, a reason for offering a great variety of culinary options realated to healthy gastronomy; this is done by ending the walkthrough in a green oasis that lead to the coffe lounge on the ground level, a restaurant on the first floor and a terrace in the uppermost level. www.fosterandpartners.com

P. 136 China Pavilion Structural Icon of Hope By Editorial Team Images courtesy of Studio Link-Arc It is through its snaking form that the China Pavilion will deliver its theme for the next edition of the Milan Expo 2015: The Land of Hope, given its structure creates the idea of a cloud over a “land of hope”, under the ideal of existing hope whenever city and Nature are in harmony. This project, under both Studio Link-Arc, whose name refers us to the collaborative nature of this practice, and Tsinghua University―being this institution the one in charge of the past design―, rejects the simple notion of a cultural pavilion inside a given space; the main reason why it was planned as becoming part of its natural surroundings. The structure’s base is made of wood and it is covered with lighting panes shaped as tiles that allude to the traditional Chinese ceramic roofing finish. At the same time that they provide light, they also add texture and depth to the pavilion’s ceiling. Following the original creative ideal, the interior of the China Pavilion symbolizes the agricultural activity of the past in this Asian region, mainly wheat production; this natural landscape is a LED multimedia installation located at the center and that expands its glow to the rest of the structure. Cultural exhibitions will be held inside the pavilion all of which, in accordance with their surroundings, will conform “The Land of Hope”, a space for hopefulness. www.link-arc.com

P. 138 Pavilion 2014 for the Serpentine Gallery By Editorial Team Images courtesy of Serpentine Gallery Located in the emblematic Kensington Gardens Royal Park, in the heart of London, the Sepertine Gallery derives its name from Lake Serpetine and hosts worldrenowned art, architectonic and design exhibitions. Each year the gallery tasks an architect with the construction of a transient pavilion. This year the honor was granted to the Chilean-born architect Smiljan Radić whose proposal for the pavilion was one of a cylindrical and translucent structure, built with fiberglass and resembling a seashell resting on quarry stone monoliths. Conscious of the social and environmental surroundings, as well as of the materials usage, Radić breaks the boundaries avoiding a specific label for the categorization of his work inside a particular architectural field. This is one characteristic that allows him to openly respond to the particular demands of every site, be it the space limitations within an urban settlement or the wilderness conditions of the rural landscape of his native Chile. Contrasting with the Serpentine Gallery’s classical design, the piece’s form erupts simultaneously sensual and unusual, both qualities having a profound impact on the visitor. The structure looks like a fragile carapace resting on rocks that seem to have always been apart of the landscape, giving the ensemble a dual feel of weight and fragility, thus creating the illusion of floating.

The dialogue between the interior and the exterior is established by the simultaneous coexistence of both open and closed volumes, allowing views to the park and form the park into the pavilion. The floor inside is made of gray wood planks, giving it the feel of an exterior terrace instead of a enclosed space. www.serpentinegalleries.org

P. 140 The Seed the Architect Forgot For this second column, I would like to focus on a personal concern, but one that I find more an more common among my peers’ ponderings; of course, it is among in just a few who aren’t interested in think about the new (Mexico City) airport project-somthing I will address on some future column, but I can only hint that the piece is by Fernando Romero and Norman Foster, and I am taking the liberty of purposefully mentioning Fernando before Norman Foster to stress the fact that that is the couple that was selected and not the one made up of “Foster and (Carlos) Slim’s son in law”. Anyway, we will make time to address that topic. For now, we will talk about the birth of Architecture. It is my belief that since its inception, the architectonic labor was one of absolute autodidactic, a trade born out of the need to be sheltered from the elements and to settle in a more permanent location and not much else; there was not any science beyond that, just imagination and execution of space with no other technique than logic itself: I put this four branches that converge in a center and I let yet another one lean on one of the previous four, which I tie with animal fur o hair, grass or plants son I can then cover them all up with yet more grass or furs. With this, (ancient man) achieved the creation of sort of trick inside a new space, differentiated in how it was perceived and isolated from the outside world. This trick surely elevated anyone capable of coming up with the new space to the category of Wizard. Let us use our minds eye to reconstruct the hypothetical event that could have originated this perspective: let us start by remembering what we are told by Cyril Aydon in his book “A Brief History of Man” about the time when the hunter-gatherer clan inhabiting the shores of a lake full o f fish where reed grow and animals use as watering hole. What was life like in that moment? And I mean the daily life, the day-to-day thoughts of the community. There’s plenty of food, the ice is gone, weather is a bit warmer, the meadows are turning green and water from the melting glacials is collecting the valleys. Food is no longer a high-priority concern when ye locale provides everything necessary to feed many mouth in comfortable and immediate manner given the abundance of plant and animal resources that are a beneficial consequence of the raise in planet’s temperatures. No the see there’s enough free time for the groups to interact, play, dance, laugh, and whatnot… all those basic things that modern man no longer practice. The ideas sounds logical and causes us to ponder whatever happens afterwards; it is then clear that there was no reason whatsoever to leave this natural location as long as it provides with water and food, a thing promoting more familial clans to approach this place where the natural resources are plentiful and can feed many. Activity is diversified and we soon see fishermen, gatherers and hunters; among these there is a group interested in plants and who like them, roving through the fields, exploring and finding new foodstuffs; the zone is full of wild cereals that can be eaten and even more interestingly, when heated become succulent as is the case with oat. So each day they go out and collect the bigger seeds from the tallest and strongest ears, and on their way back a few of these seed fall along the trail. Time passes and they germinate and, as a consequence (of the selection), taller and stronger sprigs are germinated; an involuntary natural selection process at

first, but that most likely after a couple of seasons would open the way to the conscious selection of the best seeds and its premeditated and controlled sowing, giving birth to agriculture. This way, Man develops the need to settle in a fixed location so he can tend to his own-planted fields. It was when Man became a producer of his own food that he was then able image a fixed settlement; this is the moment where the first concept of urbanism and architecture appeared by using only common sense and the intention of having an efficient operation within the village, nothing more, just that. This event marks Man’s first gamble at changing his way of life and accepts the risk of solving the problem of the creation of fixed, sturdier and permanent abodes, beget by the social and cultural situations in those days. History is not running backwards, it wasn’t like we as a species first pondered on permanent housing or grain storage and then we thought about agriculture; thus it is that Architecture is the answer of a specific need, and right here in this sentence lays the pivotal issue we have managed to bend in our schools and in the current architectonic work: when was it that we lost sight of this essential fact? When was it that we forget that Architecture is a mechanism to solve definite needs and not a summation of theories and experimentation? I am naturally being a wee bit hyperbolic in order to stress the real intention of this text. Progressively and throughout the ages, the discussion of form vs. function became the center of Architecture as a practice, leaving aside the primary endeavor to satisfy the needs through the labor of creating fitting spaces. When I was a student we bled about it and now that I am a professor I am teaching the same thing! No! Not this, not any more! I am really trying to change all that. Regarding the specific issue of our hypothetical first agricultural village and its tribe, it initiating a debate based on the premise of form vs. function would be an alarming straw man, given that I already have it pretty clear that architecture is begotten by nee; thus, it must meet functional criteria given through its undeniable union with physical materiality of the existing elements. One thing cannot happen without the other. Form then, can only be the heritance of the architect’s vanity reflected on his projects and the simple desire to stand out, probable origin of the worn concept of respect to context, and similar academic concoctions necessary to reign in the architect’s ego which if we did not have them… Hollywood beware, here come the Architects! When Hannes Meyer (Director of The Bauhaus 19281930) came up with the idea of leaving form out of the form-function equation and, summarizing, states that architecture is the product of function time economy, he ends up paying a high price that finally costs him his position in The Bauhaus which followed its founder ideology where form follows function and thus he was replaced by Mies. Hannes’s mindset when abandoning Architecture’s aesthetic value and focusing more on the needs that make up the essence of man: biological, mental, spiritual and physical, promotes the finding of a new value that balances la proposed equation and where form would have nothing to do with this new factor. (ab)Using this printed outlet, which out of respect to Architecture’s theoretical past I probably should be doing, it is that I risk stating that based on the previous paragraph we could come up with the terms: plastic form (which would be the direct product of the use of materials and of their individual physical characteristics) and, on the other hand, aesthetic form which is the result of decorative manipulation of the material in the collective outcome of the project. Thus we would be of two whole and clean concepts that would leave the discussion this particular aspect of the architectonic labor has sink into. Architecture has to become ever more so dependent of the accessible materiality in its surroundings and become a moderating and responding element, not a mere plastic trend.

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We’ve talked about the threshold of our profession, of the ambiguous and uncertain discourse of form and function, we are missing the part when we deal with the origins of the high social status that comes with “Being and Architect”. Surely the event when the first refuge was built marveled those who could not imagine it and saw it only until it was finished, an expectation similar to that provoked by our piling all the dominoes on just one piece, a rational exercise that bears no difficult but to just follow a logical and orderly process by whomever is executing it, and that captivates the spectators’ attention while being done, at first disbelieving and the marveled when finding out it is possible to do it. The fascination of the basic idea and the perfecting of the empirical knowledge necessary to build a possible refuge in the minds of a few and not in the intelligence of all the members in the group, generated a hierarchical social station for whomever created it. It was a space created by someone with an intellectual edge over the clan and which no longer was a cave, for now they were able to build their own space. This somehow favored the fact that as the civilizations progressed, the architect gained the station of an artisan of that what is magical, as a visionary of the spiritual and a creator of the impossible. The Abu Simbel temple in Egypt is a millennial proof, among many others, of the hierarchical status conferred to the architect mainly because of his capacity to create the unconceivable with a specific timespan. During the timespan of the two World Wars, Taut stated that Architecture has the power to redeem society; a correct statement but only in that context. On his part and just before World War II, Le Corbusier was concocting the idea of: “Architecture o revolution; revolution can be avoided …” For a while, Walter Gropius was also a victim deviation in the original logic behind Architecture by trying to standardize it to encourage perfectionist thinking and of generalized mass production of a Germany at the break of the 20th Century; later one he stated that it was the parts that could be standardized, but not the whole. Even when a most honest search for a transformation in the teachings of Architecture was what led Gropius to establish an important precedent in modern history and in Architectural philosophy by founding the BAUHAUS in 1919, thus truly becoming an agent of change in the actions and sensitivities of the architectural movement of the times and which prevails in our day. The school was closed due to the Nazi pressure in the early ‘30s in spite of the intellectual and revolutionizing force behind it. A proof of Architecture’s lack of power to redeem society and much less to stop a war; and of course in historical and real terms, our profession has always been and still is very far away from having that controlling position in an individual way. Taking this ideas to the role of the architect when dealing with global warming, another aspect intimately related to architecture by the media these days, I would ask myself; could the architect achieve control or at least a capacity to regulate said warming solely by the contemplative power invested by the profession in the eyes of society? I think that the architect can visualize and influence society’s future, he can increase the quality of life people have, he can create mechanisms, shapes and spaces that further optimal actions in social, cultural and values terms, without the idle speculation of our having the power of changing or interrupting the societies’ course with empty propositions. We must not forget that this course is set by the sum of many specific incidents, Architecture among these, and avoid fashion architecture exercises, with a real-estate value or with a high media impact, but with no value for the transcendental evolution and resolution of the communities’ operations just like it was back in the days when architecture and a forgotten seed blossomed at the same time.

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P. 143 Why do we decided to become Designers: Why am I a designer? Why do I design? By Luis Mercado Images Glocal File I believe these to be the questions all of us designer should begin with each and every day in our lives; the honest answer to these questions should guide all of our aesthetic, functional and productive decisions… that is to say the very way we get our jobs done. It is my belief that I can positively state, and quite sure of it, that no one casually decided to become a designer or because it was a simple way to make money. Deep down, and quite personally, I believe that every designer has an interest in contributing something new to the world, that in one way or another we have a sort of dissatisfaction about certain things and we are convinced that we can come up with a new idea: more aesthetically pleasing, one of increased functionality or with a more planet-friendly production system… that, generally speaking, we can design something that is an improvement, something better. Yet how can we objectively know if and idea really is better. Of its being neither innovative nor merely more attractive, but inherently—and in the purest sense of the word—better. This, in my opinion, is where we the two biggest traps facing our professional practice: we designers depend on the projects ordered by a client or we decide to produce and sell our own designs. Each of these roads is full of situations that can easily cause us to deviate from what should be the guiding precept for our labor. In the first scenario, we are at the client requirements’, he who is paying for our design after all; he who, in the vast majority of the cases, has no understanding of the Design Process. If he did, the most probable result would be that he would be performing it himself and would not hire anyone else to do it. This being so, his utmost worry is to gain the maximum yield from the money invested. Should we opt for the second scenario, we are plagued by doubts concerning our product’s commercial viability and we become our own client, questioning if our ideas will financially justify our efforts. It is very clear that in order to have a balanced practice that will result in a more balanced life for all of us, we cannot leave money out of the equation, but for this very reason it would be too easy to loose sight of the main motivation: the reason why we are designers and why we are design. Foe example, why do we design a new piece of furniture instead of elaborating over an already designed one? What are parameters we are using to justify our proposal being more relevant than any of the other options already available? It is quite easy to fall for the “come up with something new” game, something not seen before but that also happens to be irrelevant and has no real place among the design proposals when seen from a global and historical perspective. Frankly and in terms of pure design terms: are our projects truly relevant? What would Eames, Aalto, Jacobsen and company say if we could present them with our ideas? How could we justify our decisions? Conforming to a series of principles that comprise the ethos of our work should be the basis of all our design practices, a doctrine containing clearly set parameters that lead us to answer the questions: Why am I a Designer? And why do I design? Only thus will we have clarity in the moment we are faced with decisions regarding the compromises we have to make and the limits of how far are we going to go in order to find a balance between financial viability and the relevance of our proposals. This ethos will give us a solid foundation for the justification of the conditions under which we accept and

generate a project. They will definitely help us to solve any doubt about the relevance of what we are doing. The more extensive our definition for the context and reach we want our work to exist, the more relevant will our efforts be. In theory, the more outstanding our works are, the smaller the compromises we will have to accept in order to ensure a project’s financial viability will be, and the more we can limit the number of said compromises we will have to make, the more freedom will we have for doing our jobs and to answer why we are Designers and why it is that we are designing for.

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JAKE PHIPPS DISPERSIÓN ÓPTICA

Texto Karla Rodríguez Fotografía cortesía Jake Phipps

legancia y juego visual son los elementos que caracterizan a Stellar Screen, un biombo del diseñador industrial Jake Phipps cuyo diseño está inspirado en los destellos que desprenden las piedras preciosas como las geodas de amatista y los diamantes, para lo cual espejos cortados en forma triangular de diferentes tamaños fueron colocados en una base lisa del mismo material. Los espejos seccionados crean un contraste con el fondo gracias a que sus vértices se unen entre sí en diferentes ángulos y permiten la creación de una figura en relieve que, paralelamente, aloja la imagen en diversas perspectivas del entorno. Estas variaciones visuales generan una dispersión óptica que descompone la luz y, por lo tanto, el ambiente. Stellar Screen es la pieza más reciente de Phipps y forma parte del trabajo que ha realizado desde 2005, año en el que fundó su propio estudio, que hasta el momento ha sido identificado por la realización de muebles que se encuentran lejos de la norma y logran una fuerte relación emocional con quien los usa. www.jakephipps.com

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