Glocal Design Magazine No. 58 Homenaje a la Trayectoria: Sordo Madaleno Arquitectos by GLOCAL DESIGN MAGAZINE

$180.00 MX

PREMIO NOLDI SCHRECK IN MEMORIAM Y EN VIDA: DON JUAN SORDO MADALENO Y JAVIER SORDO MADALENO BRINGAS | ESPECIAL: 10 AÑOS DE OBRAS EMBLEMÁTICAS DE LA ARQUITECTURA EN MÉXICO

DISCOVER freedom

Muros: Sedona Iron Concrete White Piso: Eternia Azure Gray Concrete Graphite

Series

ETERNIA, SEDONA & CONCRETE Se inspira en la fusiรณn del estilo urbano con la naturaleza. Comprende tres estilos diferentes: piedra, metal y concreto, que en conjunto, crean configuraciones sofisticadas de una manera original.

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Glocal Design Magazine es una publicación de Color y Espacio Editorial S. A. de C.V. Revista Trimestral: octubre-noviembre-diciembre 2020. Publicación protegida por la Ley de Propiedad Industrial y la Ley Federal de Derecho de Autor. Número de Certificado de Reserva otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor: 04-2013-041513043400-102. Número de Certificado de Licitud de Título y Contenido 15894. Editora Responsable: Greta Vanessa Arcila Romero. El contenido de los artículos y de los anuncios es responsabilidad de los autores y de las empresas. Todos los derechos reservados. Domicilio: Manchester 13, Piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, C.P. 06600, Ciudad de México, México. Distribución: ALFESA Comercialización y Logística S. A. de C.V., Calle Corona 23 Int. 1, Col. Cervecera Modelo, C.P. 53330. Naucalpan, Estado de México. Tel. (01 55) 5319 3020. Impresa en: Preprensa Digital, S.A. de C.V., Caravaggio 30, Col. Mixcoac, Del. Benito Juárez, C.P. 03910, Ciudad de México. Tel. 55 5611 9653.

Portada Premio Noldi Schreck In memoriam y en vida: Don Juan Sordo Madaleno y Javier Sordo Madaleno Bringas Arte por Glocal Design Magazine

Hoy en el mañana Vivimos tiempos sensibles. Estamos en un lapso que pareciera eterno, pero que viéndolo desde el universo es tan efímero como impredecible; y sin embargo, la sociedad ha aprendido en pocos meses lo que en otros tiempos tomó décadas. Este ciclo nos ha regresado lo más valioso: nuestra propia humanidad; nos entregó en las manos la sabiduría de reconocer que necesitamos del otro para lo más básico: respirar. Nunca antes comprendimos la fragilidad de ese acto tan elemental, el cual nos regala la vida y, por lo tanto, nos hace depender del otro para existir, para crear una sociedad y para generar el bien común. Hoy el silencio nos obliga a cuestionarnos si somos o hemos sido felices en todos los aspectos de nuestra vida; y desde esa remembranza tan auténtica, les digo con emoción que la sangre aún llega a mi corazón en fracciones de segundo cuando pienso en este proyecto llamado: Glocal Design Magazine.Y sí, sostengo que no hubo mejor momento para celebrar el décimo aniversario de este proyecto, ya que desde el día cero tuvo como misión crear comunidad; colaborar con el otro; crecer a través de alianzas creativas; generar industria; dar voz a los jóvenes; llevar talento mexicano a otros lugares; traer noticias y voces de los grandes personajes que cambian el mundo. Siempre supimos que para crecer, teníamos que mirarnos en el otro. Fuimos los primeros en invitar a diseñar nuestras portadas a gente que admiramos; cada stand y cada espacio creado ha sido hecho en colaboración con la industria y con amigos arquitectos y diseñadores. Desde hace 4 años tenemos dos portadas: una diseñada por un creativo y otra bajo el concepto de Macrotendencias.Y desde

hace 5 años, Design House nos ha albergado para crecer en equipo. Fuimos los primeros en reportear desde las grandes ferias de diseño de México y del mundo. Pero lo importante de estos diez años es que los hemos caminado acompañados de personas interesantísimas, quienes no sólo han compartido su conocimiento, sino que también nos han regalado su pasión y entrega. Nos emociona compartir este importante momento, celebrando In memoriam a uno de los grandes creadores del modernismo en México, Juan Sordo Madaleno, y a su hijo, Javier Sordo Madaleno Bringas, heredero de un conocimiento único y quien con aplomo sigue creando arquitectura única, y que ahora con la tercera generación también al mando, son de esos mexicanos que inspiran a seguir a pesar del momento, ya que la grandeza se demuestra en la manera en que se levanta y se crea oportunidad en la adversidad. También, presentamos un recuento de lo mejor de la arquitectura mexicana en estos 10 años de vida. Esta es la primera de varias ediciones para celebrar lo bien hecho en México, en esta ocasión, nos enfocamos en obra institucional y de gran formato. En meses verán otros frutos de nuestro árbol. No pararemos, ya que tenemos mucho por hacer para y como comunidad creativa. A este México creativo una crisis nunca lo detuvo, al contrario, ha sabido erguirse y dar lo mejor porque tenemos en la sangre pasión y mucha historia por crear. Greta Arcila Editora en Jefe

glocaldesign

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Greta Arcila

@gretaarcila

@arcilagreta

Contenido 04 DIRECTORIO 06 EDITORIAL

12 MISCELÁNEA 14 TALENTO NACIONAL

rrres/Javier Reyes 16 TALENTO INTERNACIONAL

Laurin Schaub © Archivo Sordo Madaleno, fotografía por Guillermo Zamora

ACTUAL 18 Table | Santomate 20 Host | Círculo Mexicano 22 Showroom | Prada Hideaway 22 Londres 24 AUTOS

VW Nivus 26 CROMÁTICO

34 PREMIO NOLDI SCHRECK

Comex Trends 2021 + Color del Año: Banquete

In memoriam y en vida: Don Juan

30 LUMINARIA

Midori |Claudina Flores 32 DISEÑO + EMPRESA

Balsa + Christian Vivanco

Sordo Madaleno y Javier Sordo Madaleno Bringas

DESIGN HOUSE 2020 50 Manada Architectural Bounderies + 50 Materia + Glocal Design Magazine 54 C Cúbica Arquitectos + Artelínea 56 JF Studio 58 Sulkin Askenazi + Valvo 60 Ad Hoc + Raúl de la Cerda 61 Faci Leboreiro 62 Vieyra Arquitectos 64 Marcqó Diseño 65 Uribe Krayer 66 vgz arquitectura + Caralarga

Foto Jaime Navarro

67 Studio Panebianco + Thierry 67 Jeannot + El camino de los Altos 68 Fernanda Rionda/Jardín Sustentable + 68 López Duplan Arquitectos 69 Olga Hanono 70 Ensamble Artesano 71 Público Coworking 73 ESPECIAL

162

10 Años de obras emblemáticas de la Arquitectura en México COLUMNAS 179 Raúl Huitrón

183 Darío Ibargüengoitia 184 OBJETO GLOCAL

Foto Rafael Gamo

181 Homero Hernández

MISCELÁNEA Foto Siska Vandecasteele

HALO LAMPS Marteen de Ceulaer

Halo, es una colección altamente funcional y poética, la cual está basada en un elemento de vidrio circular y una base metálica redonda. La luz viaja a través del vidrio invisiblemente y solo se ilumina el borde redondo arenado, creando una aura brillante y hermosa que parece flotar en el espacio. El nombre que se le da a esta colección hace referencia al efecto de luz que aparece cuando el sol o la luna brilla a través de una niebla de cristales de hielo; de igual manera, Halo representa la descripción del anillo de luz alrededor de cualquier figura ‘santa’. martendeceulaer.com

Esta colección es capaz de jugar con las formas, la simetría y la escala para crear objetos contemporáneos, los cuales resaltan la pureza de los materiales como el mármol sólido y la madera maciza, así como un minucioso trabajo de ebanistería. Antropología muestra la esencialidad del material con un estilo sencillo, honesto y minimalista. Cada pieza emite una sensación de naturalidad y ofrece diversas funciones que logran un equilibrio de uso, expresión y control, filosofía que ha caracterizado el trabajo de Raúl de la Cerda, quien se ha presentado en ferias de diseño como The London Design Festival, Dutch Design Week y Design Week México, por mencionar algunas. rauldelacerda.com

Foto Mariana Achach

ANTROPOLOGÍA Raúl de la Cerda

MISCELÁNEA

COLECCIÓN LAGO Ayres Estudio

Foto Tony Vázquez

Esta la creación más reciente de Ayres Estudio, la cual fue exhibida en el Museo Tamayo a finales de 2019. Lago se conforma por diversas piezas de mármol, talladas por manos artesanas de la localidad de Puebla; dentro de su línea destaca: el Florero, cuyo diseño representa la fluidez del agua de manera atrevida, expresiva y sumamente femenina al tiempo de rendir homenaje a la belleza de las vetas naturales del mármol y al trabajo de los artesanos. Con esta serie, el taller celebra su filosofía de inspirarse en las raíces históricas, naturales y primitivas, destacando la pureza de los materiales, la belleza del diseño y la alta calidad artesanal. ayresmx.com

BUFFET Resistub Productions

Un aparador de metal diseñado que tiene la función de ser un mueble de televisión o un mueble-bar. El diseño de la pieza es limpio, atemporal y selecto por sus líneas redondas. Gracias a su balda extraíble y a su respaldo dotado de pasacables, es un mueble multifuncional con dos puertas que se abren y cierran con una simple presión sobre la superficie. Está fabricado en acero revestido con pintura epoxi con recubrimiento en polvo. Su tapa de roble natural le confiere un carácter inusual.

Foto Paulina Campos Hierro

resistub-productions.com

Foto cor tesía

MESA MONTAÑA Comité de Proyectos

Esta mesa es parte de una colección de tres piezas: una mesa de centro, un macetero y una lámpara de pared. El eje rector de la línea es el reflejo de una condición inherente al ser humano, el anhelo de una búsqueda continúa por transformar la realidad. La mesa cuenta con una cubierta de mármol pulido en la parte superior y en el reverso tiene labrada una cordillera. Su estructura se conforma por barras de cold roll mecanizadas y electropintadas, soldadas a placas que sostienen las superficies. comitedeproyectos.mx

NADA existente Con una sola ‘r’, res no significa nada. “Usé el catalán para recordar que fue allá donde empezó todo. ‘rrres’ tal cual como está escrito es una palabra inventada con la intención de que no pueda ser asociada con nada existente”. –JAVIER REYES Texto MARTHA LYDIA ANAYA

Fotos CORTESÍA rrres

NUEVOS TALENTOS

“A largo plazo, la idea es trabajar con más técnicas, incluir más artesanos y crear más talleres en las comunidades locales”. –JAVIER REYES

“Me mudé a Oaxaca para estar donde están los artesanos; la cercanía con ellos es lo más importante para mí, esto es lo que cambia todo: la calidad de la relación que tenemos”. –Javier Reyes

JAVIER REYES es originario de República Dominicana, estudió diseño gráfico y fotografía y la mayor parte de su vida la ha pasado en esa isla del Caribe que comparte territorio con Haití. Fue en 2014 cuando se fue a vivir a Barcelona, España, en donde estuvo alrededor de cinco años. “Estar en esa parte del mundo me hizo entender mejor nuestra cultura latina y comprender la mezcla de culturas; revaloré lo nuestro y comencé a ver ‘lo hecho en Latinoamérica’ con otros ojos”, dice el creativo. Rrres Estudio lleva unos seis años; al principio, Reyes colaboró con artesanos en República Dominicana. Fue hace cuatro años que se estableció en México. “Siempre tuve mucha admiración por este país; tenía muchas ganas de trabajar con artesanos mexicanos desde que empecé el proyecto. Desde el primer día me he sentido como en casa, nunca en cinco años viviendo en Europa me sentí de esa forma, entendí que nuestros pueblos latinos comparten un corazón muy similar y esto fue muy inspirador”. “Durante mucho tiempo vi como el oficio artesanal ha ido desapareciendo, como los artesanos en todas partes del mundo han sido afectados por esta forma de vida industrializada, esta cultura de consumir cosas hechas rápidas y baratas. Como diseñador tenía la curiosidad e intención de aportar en algo a este problema, mi objetivo principal ha sido fusionar técnicas tradicionales con el diseño para crear propuestas que realmente tengan una salida comercial para los artesanos y les retribuyan con ingresos estables y justos. No pienso necesariamente en cómo hacer piezas que se vean bonitas, sino diseñar objetos que puedan ser reproducidos fácilmente. Es un reto y por eso nos tomamos casi un año de proceso cada vez que empezamos a trabajar en técnicas nuevas”, relata el diseñador. Cuenta que llegó a Oaxaca casi por coincidencia. “No conocía nada. Cuando llegúe a México empecé a reunir información y a investigar con la idea de encontrar un lugar que reuniera variedad de técnicas artesanales y que no estuvieran tan dispersas. Actualmente, sólo trabajo con los artesanos de esta región”. rrrrrr.es

NUEVOS TALENTOS

Esmalte y PIEDRA Nacido en Suiza, Laurin Schaub comenzó a hacer cerámica durante sus años escolares. Después de una etapa de aprendizaje como alfarero y de trabajar en varias fábricas tradicionales; hoy, desarrolla sus propios proyectos. Texto ANA LAURA MUÑOZ Fotos CORTESÍA LAURIN SCHAUB

NUEVOS TALENTOS

Piezas de colores brillantes, superficies vidriadas o apariencia amorfa son parte del paisaje del diseñador. CON LAURIN SCHAUB, las convenciones sobre la forma y el material se desvanecen. Y es que desde hace mucho tiempo, Schaub se ha movido fuera de cualquier marco. Reconoce que los materiales que ha descubierto en la naturaleza de la tierra, el esmalte y la piedra, le han nutrido de las más diversas sensaciones para no tener miedo de experimentar con las superficies y, por lo tanto, con ese conocimiento amplía constantemente el campo de posibilidades de imitación. Así es como sus platos y jarrones han adquirido la apariencia del asfalto mediante el esmerilado y el tratamiento de la superficie; y de esta forma –al azar– le gusta jugar con eso. Con esta filosofía es que Laurin Schaub dirige su propio taller en Berna, Suiza (de donde es originario) y enseña en la Escuela de Diseño; actualmente trabaja con el reconocido fabricante mexicano de vidrio Nouvel Estudio con el que ha creado: Relief, un proyecto que consiste en tres cuerpos planos en relieve hechos de vidrio transparente fundido, basados en las figuras del círculo, rectángulo y triángulo. Las obras Schaub han encontrado una respuesta muy acogedora por parte de los conocedores. De hecho, en 2018 recibió un Swiss Design Award y la Bern Design Foundation ya cuenta con varias piezas realizadas por él. Su trabajo está representado por Gallery Okro y Gallery Nov en Suiza, así como en Gallery Fracas en Bruselas. En opinión de los críticos, Laurin Schaub conoce la perfección de la artesanía y conscientemente nunca se adhiere a ella. Eso hace que su trabajo sea tan irritante e irreverente al mismo tiempo. Siempre se le tiene que mirar varias veces para aprender a entenderlo.. Como miembro del colectivo Goodlife, Schaub cofundó una plataforma para cerámicas contemporáneas en Zurich en 2013. Al año siguiente se unió a la escuela de diseño HEAD en Ginebra y en colaboración con Damian Fopp ganó el primer premio en el Concours International de la Céramique in Carouge en 2015. laurinschaub.ch

Sin miedo alguno, el ceramista suizo juega con la apariencia de los materiales.

ACTUAL | TABLE

RENOVACIÓN y transición del color Santomate | Daniela Bucio Sistos / Taller de Arquitectura y Diseño | Michoacán

@danielabsistos

El ambiente que expresa este restaurante es de serenidad y paz; los comensales van descubriendo poco a poco su belleza arquitectónica y cautivador diseño. A la entrada, se topan con un recibidor verde oscuro, el cual expresa un pequeño guiño de lo que les espera más adentro. Una vez en el interior, hay una barra curva de azulejo artesanal verde acompañada de una contrabarra en cobre; este es el primer remate visual a través de la iluminación cálida del espacio que acentúa las vigas de madera existentes. Varios salones de color azul dan la bienvenida, el principal de estos cuenta con una cálida chimenea que recubre todo un muro de madera, el cual se viste con más de cincuenta piñas de alfarería vidriada, artesanías de San José García, Michoacán. –GA

Fotos Dane Alonso

Calle Patzimba 156 Vista Bella Morelia, Michoacán

En la ciudad de Morelia en Michoacán, la arquitecta Daniela Bucio Sistos en colaboración con sus colegas Edel Hernández, Isabel Molina y Gonzalo Nares Vázquez, sumaron sus mentes creativas para renovar una construcción original de mediados del siglo pasado, recreando un espacio de 870 m2 que se convierte en una grata experiencia gastronómica. Santomate es el nombre de este espacio, ubicado en la colonia La Loma de la Ciudad de la Cantera Rosa; con algunas remodelaciones e intervenciones previas en los años 90, está conformado por tres propiedades, de las cuales, dos de ellas se unen por medio de un patio central que, en su andar, van dejando descubrir la gran variedad de vegetación y materialidad con la que cuenta este lugar, manteniendo un estilo colonial.

ACTUAL | HOST

Fotos Fabián Mar tinez cor tesía de Grupo Habita

Maderas y LUZ NATURAL Círculo Mexicano | Ambrosi/Etchegaray + Carlos Couturier + La Metropolitana | Ciudad de México

República de Guatemala 20 Centro Histórico CDMX circulomexicano.com grupohabita.mx lametropolitana.com

Círculo Mexicano reúne el diseño de hoteles y la hospitalidad de Grupo Habita con una selección de los favoritos de México en el mundo de la comida, moda y diseño, ofreciendo una experiencia única y auténtica de cultura mexicana contemporánea. Ubicado en el corazón del centro de la Ciudad de México, donde las ruinas prehispánicas se cruzan con el Palacio Nacional y la catedral más antigua de América, este hotel lleva el sello distintivo de Ambrosi/Etchegaray, despacho que tuvo a su cargo la ejecución del proyecto. El equipo liderado por Jorge Ambrosi y Gabriela Etchegaray sumado al estilo del interiorista Carlos Couturier y La Metropolitana reimaginan el edificio residencial del siglo xix como un mercado moderno en la planta baja con detalles personalizados que acentúan el esplendor de la construcción original. Así, el sofisticado hotel de estilo de vida montado en el segundo y tercer piso resulta ser único

y lujoso. Las habitaciones con interiores simples y limpios transmiten un énfasis en materiales de primera calidad y resaltan la privacidad. Dieciocho de las veinticinco habitaciones tienen su propio tragaluz y patio contemplativo, mientras que las otras habitaciones cuentan con un balcón con vista a la calle Guatemala, que sirve como una pasarela de la vida en la ciudad. “Ahí en el número 20 de la calle de Guatemala vi muchas cosas que me marcaron para siempre... estoy feliz de haber vivido esas calles. Allí, todo era comida para mi cámara, todo tiene un contenido social inherente y en la vida algo como contenido social”, expresó alguna vez Manuel Álvarez Bravo sobre la dirección de este edificio, un lugar en donde vivió y rodó la icónica imagen de: El ensueño. Es por ello que, en colaboración con la Fundación Manuel Álvarez Bravo, Grupo Habita ha seleccionado una serie de obras de Álvarez Bravo para exhibirla en el hotel. –MLA

ACTUAL | SHOWROOM

Fotos cor tesía Prada

Ramas, vetas de madera y FORMAS NATURALES Prada Hideaway | Martino Gamper | Londres, Inglaterra

Prada Harrods London 87-135 Brompton Rd Knightsbridge Londres SW1X 7XL, Reino Unido prada.com martinogamper.com harrods.com

Prada Hideaway es una instalación emergente creada especialmente para Prada en Harrods, Londres, concebida por el diseñador Martino Gamper. Al utilizar líneas verticales y horizontales, los muebles hechos a la medida definen y dividen el espacio que abarca 90 m 2 . Los patrones de madera se multiplican a lo largo de las paredes para convertirse en paisajes que pueden percibirse desde distintas perspectivas, tanto cerca como lejos. El ventanal principal de Harrods tiene la textura de un ambiente de madera –un árbol fragmentado–. Las imágenes cíclicas de ramas negras y blancas en movimiento, fibras de madera y anillos en expansión, contrastan con los suaves tonos naturales y las esquinas ajustadas de los oblicuos estantes. Este juego entre el primer plano y el fondo crea un movimiento interior y perspectivas inusuales, haciendo resaltar una belleza natural y atemporal. ampliar texto una línea.

La línea de productos de la marca que forman parte de la instalación evoca la idea de simplicidad, la vuelta a la calidad quintaesencial y la belleza de los materiales naturales: incluye piezas para mujer listas para usarse, accesorios y zapatos, con un enfoque en una selección especial de chamarras tipo aviador en tonos neutros. así como una variedad de prendas confeccionadas con el más fino cashmere con tratamientos especiales hechos a mano. De esta manera, los espectadores somos testigos de un espacio sereno, pero llamativo e imaginado por el diseñador italiano Martino Gamper en donde se alberga lo mejor de la ropa femenina de la nueva temporada de Prada, desde prêt-àporter hasta zapatos y accesorios de culto. Siluetas andróginas, chaquetas cuadradas, pliegues deconstruidos y separaciones a medida, además de piezas de moda como cinturones y bolsos de reedición, convergen en una instalación hecha a medida para la marca de moda. –MLA

AUTOS

Deportivo y AGRESIVO Volkswagen Nivus es el primer modelo desarrollado por la marca alemana Volkswagen en Sudamérica, el cual también se producirá y comercializará en el mercado europeo. Texto LESLIE GONZÁLEZ KENNEDY

Fotos cor tesía Volkswagen Brasil

AUTOS

Según los planes, Nivus llegará a México en 2021.

EL NUEVO INTEGRANTE de Volkswagen fue presentado mundialmente de forma digital en Brasil: Nivus llega para hacer historia. Se trata de un diseño innovador con un concepto de conectividad y transmisión. Desarrollado por Volkswagen en América del Sur e inicialmente con producción en la planta Anchieta en São Bernardo do Campo en Sao Paolo para su venta en el mercado latinoamericano; los planes para este auto contemplan que después se produzca en Europa. Nivus inaugura en América del Sur el nuevo diseño de la marca. Este auto fue concebido hace cuatro años cuando salieron a la luz los bocetos pioneros de este modelo que muestran su ADN. Con un diseño interesante, atractivo e innovador, que incluyen líneas que enfatizan su silueta para mostrar una gran personalidad sobre todo en la parte posterior del poste, en donde muestra una caída rápida y fluida dándole el toque deportivo y agresivo de un coupé. Los faros están conectados con una parrilla muy dominante en la que, por cierto, se muestra el nuevo logotipo de Volkswagen que es más simple y bidimensional, cuyas líneas marcadas en el cofre enfatizan por completo el gran carácter de este nuevo modelo. La parte trasera del auto rompe con todos los esquemas de la marca, impresionante como se une un elemento horizontal con las luces LED, formando una pieza única y elegante; las luces comienzan en la cubierta posterior y se extienden por aparte del costado en una combinación única, además, incorpora un alerón integrado en la cubierta trasera, el caul resalta su estética con un estilo deportivo y de coupé. Por fuera, los diseñadores de la marca lograron un auto muy llamativo, mientas que por dentro el ambiente es más innovador gracias a la nueva conectividad: VW Play, un hito tecnológico en la industria es una de las principales innovaciones

Con Nivus, VW compite en el terreno de los B-SUV en Latinoamérica, en donde busca colocarse como una alternativa más atlética y tecnológica que el T-Cross. de Nivus. La central multimedia está desarrollada en Brasil, ofrece una experiencia intuitiva por su pantalla táctil de 10 pulgadas de alta resolución con ‘botones virtuales’; esta plataforma ofrece funciones de conectividad avanzada. VW Play Apps, una tienda virtual exclusiva para los clientes de Volkswagen, tiene 10 GB de memoria para descargar una serie de aplicaciones, además, VW Play ofrece un Manual Cognitivo integrado en el vehículo, este es el primer automóvil del mundo con esta característica, pues tiene la capacidad de leer prácticamente todos los formatos multimedia y es compatible con Android y Apple, con conexión inalámbrica. Pero eso no es todo, ya que este auto tiene el uso masivo de la realidad aumentada y virtual. Para los amantes de la tecnología, Nivus realmente marca el comienzo de una nueva era digital para Volkswagen esto a través de DDX Digital Dealer Experience, en donde se pueden conocer todos los detalles del auto en 3D, de manera virtual. vw.com.mx

Como seres resilientes, para 2021 nuestras prioridades se encaminan hacia el diseño de espacios más seguros, lugares en donde el Color del Año 2021: Banquete 034-07 representa positividad ante un presente inmediato desafiante.

Fotos ColorLife Trends 2021, de Comex

Alegría, bienestar y buenos tiempos

CROMÁTICO

EL INICIO DE ESTA NUEVA DÉCADA ha marcado un antes y un después en la historia de la humanidad, ya no podemos y no seremos los mismos. El impacto de Covid-19 visualiza un futuro con grandes consecuencias sociales y económicas; algunos de estos efectos serán golpes duros a la estabilidad acostumbrada, pero otros abrirán paso a grandes oportunidades de desarrollo para todas las industrias. Para 2021 y los años venideros –como seres resilientes– tendremos nuevas prioridades y comportamientos. Ahora más que nunca se vuelve inminente hacer de nuestros espacios unos verdaderos templos de protección y adaptabilidad. Elegiremos la seguridad, tranquilidad y comodidad de los lugares que nos resguarden en lugar de salir, los cuales es un hecho que se volverán nuestro principal centro de operaciones: trabajo, ejercicio, ocio, esparcimiento, cuidado personal, convivencia... todo ocurrirá dentro de estos nuevos lugares, los cuales tendrán que estar listos para acogernos. En concordancia con estas tendencias, Comex apuesta por la alegría, el bienestar y los buenos tiempos, pues a pesar de que el presente inmediato se respira desafiante, la visión y actitud de mantener arriba el estado de ánimo será el objetivo primordial. Bajo este contexto, los temas alicientes ganarán terreno dentro de las preferencias del mercado; por lo que, el equipo de Comex nuevamente ha trabajado en la creación de una gama de colores que ayuden a embellecer la vida.

Banquete 034-07

El ánimo se encamina a crear espacios de reflexión positiva y comprensión espiritual conforme el uso de materiales industriales ligeros, sencillos y naturales.

El color transforma todo lo que toca y las tendencias de color ColorLife para 2021 son cuatro historias: Sombra, Milpa, Flora y Alegra, que visualizan un futuro esperanzador. Sumado a ello, el Color del Año 2021: Banquete 034-07 se declara elegante, emocional, interactivo, metamórfico y positivo. Representa la resiliencia colectiva y proyecta el renacer de una nueva positividad, mejores comienzos y más oportunidades. Es un amarillo orgánico de tonos medios. Está conectado y funciona con todas las tendencias de color que representan la capacidad para adaptarse a circunstancias adversas o negativas, y que además proyectan una positividad renovada. Banquete refleja los colores de la vida cotidiana y de nuestra tradición; simboliza un México nuevo, más maduro y optimista. Desde el maíz hasta las flores de calabaza, el henequén teñido hasta las fachadas de estuco pigmentadas naturalmente, e incluso las señalizaciones de tráfico en las calles, este es un color con longevidad con el que todos interactuamos inconscientemente de muchas maneras en la vida diaria. Su simbolismo se encamina a fomentar autoconciencia, motivo por el cual invita a crear espacios de reflexión positiva y comprensión espiritual conforme el uso de materiales industriales ligeros y sencillos. Combinado con tonos verdes vegetales, este color crea áreas relajantes versátiles para una conversación activa.

CROMÁTICO

LA TRANSICIÓN que iniciamos el año pasado ha dejado una marca profunda sobre cómo vemos nuestro lugar en el mundo. La resiliencia fomenta la innovación y la colaboración; es la clave de este nuevo mundo al que estamos entrando, donde se consideran y aprecian las necesidades de todas las especies, orgánicas e inorgánicas. Las tendencias de color ColorLife para 2021 se inspiran en cuatro historias: Sombra, Milpa, Flora y Alegra, que son armónicas y entusiastas de mejores tiempos por venir.

Entender que al salir del caos podemos construir no sólo una nueva normalidad sino una mejor realidad, refleja nuestro viaje a través de las tendencias para 2021.

TREND 1 | SOMBRA Es una oportunidad para aceptar nuestros miedos, explorando el lado más oscuro del color para encontrar la fuerza y tranquilidad en el interior. Aceptando el miedo con honestidad y realismo, Sombra se inspira en la inestabilidad global y proyecta el drama y la teatralidad en el diseño. Experimenta con una estética poderosamente oscura, cuya inspiración proviene de los cuentos de fantasía gótica eslava en donde la angustia emociona y se anhela estar rodeados de la sensualidad de los extravagantes interiores hedonistas. El suspenso visual se intensifica por la excitante tensión creada entre luces virtuales atmosféricas en contraste con tonos hipnóticos ricos y suntuosos.

TREND 3 | FLORA Nutre a nuestro ser interior promoviendo la salud y el bienestar a través de micro dosis de combinaciones de colores curativos que refuerzan nuestro poder de tomar decisiones. Basada en el futuro de la salud colectiva en el planeta, investiga las oportunidades que presentan las biotecnologías y la telemedicina. Intuitivas y receptivas, estas ciencias son un despertar que transforma la manera en que nos preocupamos y protegemos tanto física como emocionalmente. Aprovechando las propiedades naturales de las hierbas, los microbios y de nuestro propio ADN, en el diseño podemos crear experiencias de curación a la medida. La fuerza proviene del estar conscientes de nuestra salud mental y de asumir la responsabilidad de nuestro propio bienestar.

TREND 2 | MILPA Construye conexiones entre la cultura indígena, el mundo natural y una nueva narrativa de diseño mexicano que es representativa e inclusiva para todos. Surgiendo de un pasado casi olvidado, reconoce la positividad en la diversidad racial y de género, formando una gran sociedad más innovadora que piensa en el futuro. Cuando los más vulnerables triunfan, todos prosperamos. Nuevas visiones globales como la agricultura vertical y la proteína de los insectos, han estado presentes en la cultura de nuestra cocina desde hace más de 1000 años. Ahora es el momento para el Futurismo Indígena, que se ve reflejado en el respeto y la comprensión inherente de la potente influencia que tiene la Madre Tierra.

TREND 4 | ALEGRA Nos da la pauta para experimentar con nuevas ideas y diálogos que encuentren una forma más feliz de diseñar y vivir solo, pero acompañado. Al crecer de igual manera independiente e interdependiente, revela diversos camino conceptuales que nos llevan hacia un futuro más próspero tanto en lo económico como en social. Esta sensación de libertad mental nos permite llegar a una nueva creatividad. Conectados en internet y distanciados socialmente en núcleos, nos inspiramos en nuestra micro-localidad, afectada por las actitudes de nuestro alrededor que cambian constantemente agregando valor a lo que consideramos alcanzable. comex.com.mx

Fotos ColorLife Trends 2021, de Comex

CROMĂ TICO

Yuma F4-13

Plinto

293-07

Talavera R1-12

Antica A4-08

LUMINARIA

Poema luminoso inspirado en la luz: MIDORI El diseño de Midori se inspira en la mujer actual, como un poema tangible y luminoso que agrada en cualquier espacio interior, pues nadie mejor que las mujeres para cantarle a la vida, regalar una sonrisa e iluminar con su presencia.

Texto GRESSIA ARÉVALO Fotos CORTESÍA ESTUDIO CLAUDINA FLORES

LUMINARIA

ESTUDIO CLAUDINA FLORES desarrolla conceptos que trascienden y dejan huella a través de su singular y especial formar de trabajar. Todos los proyectos que ha creado han sido un referente tanto en espacios como en piezas de mobiliario, superficies y objetos, pues dejan la esencia de la fundadora del estudio: la arquitecta y diseñadora de mobiliario, Claudina Flores. Para la colección Midori, este pensamiento no fue la excepción; las mentes creativas detrás de su diseño, una vez más, dejaron su huella y entrega por el concepto. Esta serie de luminarias –disponible en tres formatos: piso, mesa y colgante bajo una amplia gama de tonos– responde a la expresión de funcionalidad, estética y espiritualidad de las mujeres japonesas. La colección se inspira por completo en la mujer actual; aquella que encuentra el equilibrio y sigue avanzando, aquella que ha aclarando su propio camino a través de su pensamiento y capacidad intelectual, y aquella que capaz de tener amor propio y dejar de prestar especial atención a su apariencia. Midori es un símbolo del emponderamiento femenino y la lucha contra la violencia de género; con su diseño y notable presencia, esta luminaria logra resaltar de manera significativa en cualquier espacio interior, así como una mujer que tiene luz y brillo propio, destaca de manera significativa en cualquier lugar en el que se presenta. Gracias a la luz de esta luminaria, que se transmite a través de una pantalla plisada en la parte izquierda, se logra obtener un efecto de iluminación agradable y acogedor, lo que puede complementar la atmósfera de cualquier estancia. Su sencillez y alta funcionalidad es el resultado de un proceso manual y técnico a la vez, pues instala un sistema de iluminación regulable en su carcasa circular, por lo que la temperatura de la tecnología LED es de 4000k.

Acero, textil encerado y cable tejido son los materiales que se usan en el diseño de Midori, cuya presencia en la oscuridad hace muy cálida las atmósferas.

La sencillez y funcionalidad de esta pieza es el resultado simultáneo de un proceso manual y técnico.

Los materiales que se utilizaron para la creación de Midori son especiales y adecuados a su estructura, entre estos se encuentran el acero, textil encerado y cable tejido. En la oscuridad, la existencia de esta pieza es cálida y discreta; cuando se abre mantiene un ambiente suave, íntimo y poético, perfecto para meditar, tomar té, tener buenas conversaciones con amigos o simplemente disfrutar de un momento de descanso en soledad. claudinaflores.com

DISEÑO + EMPRESA

Tradición, simplicidad e IDENTIDAD Haciendo hincapié en el valor de los diseños originales, Balsa y Christian Vivanco colaboran con maestros artesanos para crear: Bajío, una colección de muebles hechos de ratán natural reciclable y biodegradable de bajo impacto. Texto MARTHA LYDIA ANAYA

Fotos CORTESÍA BALSA y CHRISTIAN VIVANCO

BALSA es una empresa establecida en la Ciudad de México que trabaja en conjunto con familias de artesanos, expertos en fibras naturales, utilizando técnicas tradicionales en riesgo de desaparecer para crear muebles y objetos únicos y atemporales. Cada una de sus piezas se inspira en la tradición y sincretismo mexicano, y es pensada para vivir con las personas y acompañarlas a lo largo de los años en su hogar. Su filosofía radica en la posibilidad de crear muebles auténticos que hereden el conocimiento de los maestros artesanos, tradición e innovación que se cultiva en los talleres en donde fabrican las piezas. La compañía se especializa en el diseño y producción de objetos hechos de ratán natural, no

sólo por su personalidad muy especial y característica, sino también por ser uno de los materiales más sostenibles en la producción de muebles. Y es que el ratán es un recurso renovable genuino, ya que éste vuelve a crecer en sólo 5 o 7 años; además, su producción es de bajo impacto y la fabricación de muebles de ratán es de baja tecnología, lo que significa que no requiere del uso adicional de productos químicos ni un consumo excesivo de energía. Otro punto positivo en el proceso es que aunque son bastante duraderos, los muebles de ratán se pueden reciclar una vez finalizada su vida útil. Y es que tienen la ventaja de que al ser un material natural, éste es 100% biodegradable.

DISEÑO + EMPRESA

Detrás de cada pieza se lee una propuesta de diseño contemporáneo que evoca el lenguaje de los grandes clásicos.

La colección está compuesta por ocho diseños diferentes y un total de diecisiete variaciones de tamaño para personalizar las piezas.

Las sillas de descanso Camelia, las mesas Dalias, los tótems esculturales Los Guajes y la silla colgante Cala son algunas de las piezas que conforman la colección Bajío.

REFUGIO PARA EL HOGAR Bajío es el nombre de la primera colección diseñada por Christian Vivanco para Balsa, la cual está enfocada al hogar como refugio y fuente de recuerdos. “Queremos crear una familia de muebles y objetos que expresen un valor local, tradicional, honesto y familiar”, dice el diseñador mexicano, cuyo quehacer creativo ha sido reconocido y exhibido en las sedes de diseño más importantes del mundo, como Salone del Mobile, Maison & Objet, I.C.F.F., Tokyo Design Week, London Design Museum, entre muchas otras plataformas creativas. Para Bajío, Christian trabajó durante varios meses, mano a mano, con familias de artesanos expertos en fibras naturales, inspirándose en conceptos como: transparencia, ligereza, estructura, tradición y simplicidad para definir la identidad y la estética de la colección. Todos los muebles con hechos a mano y se construyen con ratán natural moldeado al vapor, utilizando técnicas tradicionales y conocimientos adquiridos por generaciones de artesanos. @balsa_mx christianvivanco.com

HOMENAJE A LA TRAYECTORIA

¿Moderno o perpetuo?

Unas cuantas líneas de su lapicero podían establecer la totalidad de un concepto fluido, racional y útil. A 35 años de su muerte, sus dones para el diseño siguen inspirando y dando cobijo al ser humano. Por ALAIN PRIETO SOLDEVILLA

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Retrato © Archivo Sordo Madaleno

Juan Sordo Madaleno forma parte de una generación de arquitectos que profundiza en la creación de una arquitectura con visión nacional.

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EN PLENA REVOLUCIÓN MEXICANA, Juan Sordo Madaleno ve la luz en la Ciudad de México. Era el año de 1916: Albert Einstein publicaba la Teoría General de la Relatividad y Carranza fungía como Primer jefe del Ejército Constitucionalista. En una capital que en cinco años había visto a siete presidentes, Juan da sus primeros pasos y se asoma intuitivamente a los ambientes sobrios y exquisitos del siglo viejo. En el convulso territorio nacional, aún se respiraba el porfiriato en cada esquina a pesar de que el dictador se había exiliado hacía un lustro. Lo que conoció Juan de esta época estremecida por las privaciones y el desconcierto, era que no se aspiraba a mucho, más bien a casi nada, pero la inercia idílica de las cosas sufría ya una tremenda sacudida. La devastación del conflicto mostraba un horizonte urbano impactado. La ciudad exhibía al fallido Palacio Legislativo como un esqueleto mudo en camino a la oxidación y el olvido. Pocos destellos, como las casas del Buen Tono (1913) de Miguel Ángel de Quevedo, parecían retar a la parálisis total. Otro espectacular recinto, Bellas Artes, había quedado en pausa precisamente en 1916. En este contexto y en esta generación nacerían los hombres y las mujeres que unas décadas después abanderarían el “Milagro Mexicano”. Juan, hijo de un matrimonio de ascendencia asturiana formado por José Sordo y Carmen Madaleno, sin duda sería uno de ellos. El niño curioso y hábil pronto se destacaría en la forja del México moderno que tanto se había postergado.

Junto con su generación, Juan Sordo Madaleno impulsó la imagen colectiva para la Ciudad de México en el siglo xxi.

El Hotel Presidente Chapultepec se diferencía dentro de su entorno por su volumetría y expresión arquitectónica.

INSPIRACIONES Cursó sus estudios iniciales en España, pero de regreso en México acudió al bachillerato donde finalmente se decide por la arquitectura que en la década de 1930 sólo se estudiaba en la Academia de San Carlos, cuna de la disciplina y semillero del talento creativo nacional en las artes. La influencia de su padre, desarrollador de fraccionamientos, y su cercanía con el arquitecto José Arnal, para quien trabajó como delineante, producen en el joven estudiante una cultura que transmuta el papel en materia: un arquitecto constructor, un realizador consumado. Lo que lograría introducir Juan Sordo en el contexto nacional y latinoamericano, además, tenía sus bases bien cimentadas en el despertar del funcionalismo. Dos décadas antes de sus primeros proyectos profesionales, se había realizado la emblemática Fábrica de AEG (1909), proyecto de Peter Behrens, y dos años después Walter Gropius iniciaría la Fábrica de hormas de zapatos Fagus. Ambos edificios irrumpirían con sus líneas continuas, sus paramentos lisos y grandes extensiones de vidrio, rasgos que Juan retomará y tropicalizará con otro protagonismo. La Bauhaus y sus directrices formales, teóricas y técnicas, surgidas en Alemania en 1919, alcanzarían a muchos en el panorama posterior a la

Con veintiún pisos y cuatro niveles subterráneos de estacionamiento, Torre Anáhuac fue en su época uno de los edificios más altos en México.

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Monterrey y Álvaro Obregón, un edificio cuya estructura remetida era de las primeras en México en enfatizar el alargamiento de vanos y macizos.

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“…lamentablemente el arquitecto mexicano, salvo contadas excepciones, poco piensa en las técnicas y aún menos en la investigación de los adelantos logrados en otros países”.

Primera Guerra Mundial. Pero no era el caso de México, que continuaba viviendo el tradicionalismo asentado en los conceptos que entendían por grandeza a los palacetes abigarrados de elementos decorativos que se habían vuelto normales con el transcurrir de las épocas. Juan, junto con sus coetáneos más avezados, romperían enteramente con esto y desarrollarían voces propias y trazos privilegiados amparados por la necesidad absoluta de generosidad y orden.

GÉNESIS DE UN VISIONARIO En la Escuela Nacional de Arquitectura, Juan tuvo por maestros a leyendas como Federico Mariscal y José Luis Cuevas Pietrasanta. Con apenas 23 años de edad decide abrir su despacho homónimo. Muy pronto se apartó de las complacencias estéticas ‘californianas’ que imperaban en colonias de nuevo desarrollo como Anzures y Polanco, y tampoco abrazó el neoindigenismo o el pasajero Art Decó. Desechó de inmediato las ataduras a la arquitectura de arcos y tejas y comenzó a explorar las plantas libres y las fachadas cortina, elementos que siguen repitiéndose en este siglo presente, pero muchas veces sin la categoría y la exquisitez del diseño de Sordo y sus destacados colegas. Lo suyo, por decreto, se perfilaba entre los confines de Barragán y O’Gorman, con una alta dosis de Mies van der Rohe, pero que no desconocía a Niemeyer ni a su Conjunto Pampulha, en Belo Horizonte, contemporáneo a la apertura de su firma. Muy pronto, Juan Sordo levantaría edificios de rectas pulcras, de cuerpos ortogonales y que comenzaban a reflejar figurativamente el pulso de un país deseoso de alcanzar a su tiempo, pero también literalmente, en sus caras vítreas, a la ciudad que se extendía irremediablemente. El concreto armado, el aluminio, los pisos de terrazo, pero sobre todo las geometrías imperecederas, son el manual inexpugnable de sus obras. Su tesis profesional, Proyecto de Comercios y Departamentos, fue en realidad un plan para levantar un edificio auténtico en la colonia Roma, en una de las esquinas de Álvaro Obregón y Monterrey, que aunque ya no sobrevive fue inaugurado en 1940 y es el primero en sociedad con Augusto H. Álvarez. Por sus proporciones y la armonía de sus partes, no pasaría desapercibido. En esta misma etapa, serían edificados la Central Médica de Tonalá 15 (nueve niveles de consultorios en 1944, reducido a tres y en abandono). Así también, las oficinas de Paseo de la Reforma esquina con Morelos (1946, alojó una agencia de Eastern Air Lines), que no obstante estar apoyado sobre pilotes profundos fue sustituido por otro inmueble. De este en especial, (con cierta si-

La Iglesia de San Ignacio de Loyola es una obra de la arquitectura religiosa católica romana, proyectada como ejemplo para el futuro.

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“Nuestra arquitectura moderna se caracteriza por un racionalismo que quisiera ser completo; un funcionalismo que quisiera ser integral; lo que la hace parecer de repente inhumana”. –JUAN SORDO MADALENO

FIDELIDAD AL PENSAMIENTO La arquitectura internacionalista que se encontraba en esos momentos ganando reconocimiento fue la corriente en que se catalogó la obra de Juan Sordo Madaleno los primeros años. Acorde a su época, pero trabajando en detalle, consigue sintetizar aún más las propuestas de José Villagrán –quien detestaba los ornamentos en la búsqueda de la “sinceridad de los materiales”– o del mismo Carlos Obregón Santacilia, que aunque pertenecían a otra generación habían evolucionado a la simplificación de las texturas y los volúmenes. Ubicando más allá a sus referentes, la monumentalidad y franqueza desplegadas en Brasilia por Niemeyer y Costa, donde además vivían las soluciones estructurales ligeras e ingeniosas de Cardoso, las tendría muy en mente cuando proyectó el Palacio Legislativo de la colonia Doctores, inaugurado el 15 de octubre de 1964. El conjunto, de gran armonía, mereció estas apreciaciones publicadas en Excélsior: “… se patentizó pleno reconocimiento al Presidente López Mateos y al Regente Uruchurtu por la magnífica obra que entregaron, la que, según se sentenció, ha venido a culminar en forma excepcional la labor desarrollada en el sexenio gubernamental, tendiente a elevar espiritual y materialmente la administración de justicia” [sic]. Los tres cuerpos también empatizan con el Congreso de Campeche, de Joaquín Álvarez Ordoñez (1963). © Archivo Sordo Madaleno, fotografía por Guillermo Zamora

militud a los condominios de Río Guadalquivir de Pani y Salvador Ortega) diría Ann Binkley Horn, crítica de la revista Architectural Record: “Es uno de los mejores edificios de oficinas en México”. Juan estaba siendo reconocido por su arquitectura genuina y pertinente. Esos ejemplos de arquitectura temprana de Juan afortunadamente viven aún en las fotografías de Guillermo Zamora, quien también salvaguardó memorias de la obra de Mario Pani, tres años mayor que Juan, pero de quien se separa notablemente en conceptos formales y en el uso de los materiales, excepto quizá por el Conjunto Urbano Nonoalco Tlatelolco.

De forma ligeramente trapecial, el Palacio de Justicia es un inmueble icónico por su innovación y gran referente de la época del movimiento moderno.

DE UN NOMBRE A UNA MARCA Ya consolidado como un serio ejecutante, Juan Sordo Madaleno se distingue por su muy desarrollada composición y son recurrentes los elementos que podrían verse también en las obras de quien fuera su socio, Augusto H. Álvarez, autor del proyecto arquitectónico de la Torre Latinoamericana. En la década de 1950, incluso las esferas del arte en Nueva York voltean a ver la obra del mexicano. En el sitio web del despacho, hoy Sordo Madaleno Arquitectos (SMA), se recoge que “Henry-Russell Hitchcock, desde la tribuna del MoMa hace notar las “cuidadosas proporciones” de los proyectos de Sordo Madaleno”.

Hotel María Isabel concentra los gestos, maneras y formalismos de Juan Sordo Madaleno; es un edificio paradigmático en su carrera y en el paisaje capitalino.

También la prensa escrita y las compilaciones hacen lo propio: “los editores de la revista californiana Arts and Architecture celebran su gran habilidad en el manejo de la topografía”. Así también es importante la inclusión de la obra de Juan en Mexico’s Modern Architecture [1952], del crítico de arquitectura Irving E. Myers, quien “se refiere a la obra de Sordo Madaleno como una que ‘habla por sí misma’. Para Myers, Sordo Madaleno tenía “un entendimiento inusual de las relaciones espaciales y una particular sensibilidad por el color y los materiales”, cita la Historia de la firma. En esta destacada publicación también aparecen Max Cetto, Manuel de la Colina, Enrique de la Mora, Jorge Gonzáles Reyna, Vladimir Kaspé, Mario Pani, Pedro Ramírez Vázquez, José Villagrán García, el propio Carlos Obregón Santacilia y Abraham Zabludowsky, entre varios más que ya sobresalían y que serían protagónicos en los años 60 y mucho más allá. A partir de aquí ya no será extraño hallar elogios a sus muchas veces emblemáticos proyectos.

El propio Max Cetto llegó a decir que: “diseñaba con mano segura produciendo edificios armoniosos, ajustados a su sitio, con un aire de elegancia y muy bien proyectados tanto en la distribución como en el detalle”, anota el sitio oficial de SMA. Los edificios que comienzan a aparecer con el sello Sordo Madaleno, ya sean condominios o corporativos, contienen estos elementos que se perpetuaron con amplias fachadas, una iluminación natural bondadosa y con estructuras sumamente limpias que pudieron sortear los sismos de 1957, 1979 y 1985. Ya en 1974, surgiría una de sus obras más extensas: el Centro Bancomer. De este dice Enrique X. De Anda en su Historia de la Arquitectura Mexicana (Gustavo Gili, 4° ed.,2019) que “el concepto de transparencia es sublimado en las tres dimensiones, desembocando en un conjunto espacial interno de gran flexibilidad y sutileza en cuanto a su ubicación en el medio jardinado externo”.

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El sello representativo de Westin Regina Los Cabos es ‘la ventana al mar’ un gran vano en el centro del edificio de habitaciones con dimensiones espectaculares.

Para El Palacio de Hierro Polanco las condiciones originales del sitio no permitieron construir un edificio que sobrepasara la capacidad de la zona.

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EL CAMINO SIGUE En 1983, Javier Sordo Madaleno Bringas, el más joven de los tres hijos que tuvieron Juan y Magdalena, asumiría los destinos del despacho. Javier había trabajado con su papá en forma profesional por algunos años, pero a la edad de 27 se enfrentaba con dos retos fundamentales: proseguir con la firma y acrecentar el legado. Aquí se abre una etapa diferente, pero afianzada en los valores con que su padre revistió su profesión. Javier crea Sordo Madaleno y Asociados (luego Sordo Madaleno Arquitectos). En 1986, ya en ausencia de Juan, es presentado el Centro Internacional de Prensa para el Mundial de México 86. El edificio, de apariencia robusta, poseía un acceso con una vistosa losa reticular, un amplio vestíbulo de múltiple altura y artesonados modernos. En sí, una arquitectura moderna de macizos donde ya no predominaba el vidrio. Esta podría considerarse la obra que toma la estafeta, la obra póstuma de Juan. Una década después de la Copa del Mundo, fue adaptado para su destino final, El Centro Cultural Arte Contemporáneo, que por muchos años se consagró como vitrina de artistas nacionales e internacionales, cuya ubicación la daba un inolvidable jingle: “¡En Polanco!” Demolido ya en el siglo presente, en la esquina de Campos Elíseos y George Eliot sólo queda un tapial donde antes se dio casa a las creaciones de Dalí, Álvarez Bravo y muchos más. Vendría la última década del siglo y con ella obras de magnitud como el hotel Westin Regina (1994), en Los Cabos, Baja California, un conjunto turístico con un osado paisajismo y el característico marco monumental que aloja gran parte de las habitaciones. El mismo año, el Centro Nacional de las Artes, obra predominan-

Una trayectoria que suma alrededor de cuatro millones de metros cuadrados desarrollados.

La vida profesional de Javier Sordo Madaleno Bringas cuenta con más de 400 proyectos diseñados.

temente cultural en Churubusco, contaría con la mano de Javier y su equipo al realizar las salas de cine, coincidiendo con Legorreta Arquitectos, Teodoro González de León, TEN Arquitectos y otros. De la producción de Sordo Madaleno Arquitectos van a sobresalir, por su función social de origen sin precedentes y su identificable fisonomía lúdica, los Centros de Rehabilitación e Inclusión Infantil Teletón (CRIT), cuya primera unidad se construyó en 1999 y que hoy cuenta con 22 instalaciones en diferentes ciudades de la república. De ellas, el CRIT de Tampico se hizo merecedor en 2009 al premio del World Architectural Festival en la categoría Health. La red del Teletón, está considerada como el sistema privado de rehabilitación infantil más grande del mundo. También el Palacio de Hierro de Moliere Dos22, en Polanco (1997), abriría en gran forma la tipología de edificios mixtos con vibrantes figuras urbanas que establecían hitos citadinos.

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Por su conexión con el tejido urbano, Antara se ha convertido en un nuevo centro dentro de la Ciudad de México.

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Antara dio inicio a la regeneración urbana profunda de la colonia Granada, en la Ciudad de México. El diseño del proyecto se definió con base en uno de los elementos más esenciales del espacio público: la calle.

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Estudios de aprovechamieto del predio y respeto al área natural sirvieron para sacar partido arquitectónico al Hotel Grand Hyatt Playa del Carmen.

La selección de materiales, vegetación y métodos de construcción minuciosamente estudiados refuerzan el concepto de simbiosis de Solaz Los Cabos.

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En esa línea, Antara aparecería con una innovación: por primera vez un desarrollo comercial se desprende de la cubierta formal integrada y deja las áreas comunes y de transición al aire libre, como si se tratara de una ciudadela. En 2016, este proyecto fue finalista al Global Award for Excellence por el Urban Land Institute, dado que el proyecto también supuso la regeneración de la zona industrial en que se asentó. Para 2009, la Iglesia y Espacio Comunitario San José María Escrivá, prácticamente frente a la Universidad Iberoamericana, campus Santa Fe, propondría una fachada modular revestida con zinc, material recurrente en distintas geometrías del despacho. Los volúmenes componentes son muros y cubiertas a un tiempo desplantándose desde la figura que describe el símbolo del Ichtus (pez). Los lambrines interiores en madera y sus cálidas bancas producen un pacífico ambiente interior. El proyecto de remodelación y ampliación de Plaza Satélite, aún en proceso, procuró renovar integralmente tiendas y circulaciones para los 45 años de su concepción (2016). SMA regresa a su icónico conjunto e introduce fachadas, vestíbulos, fuentes y alturas múltiples con líneas puristas y transparencias. Ambientalmente, propone galerías abiertas, tragaluces y hasta vegetación viva

Oficio y sensibilidad extraordinarias han definido la historia y trayectoria de Sordo Madaleno Arquitectos. en lobbies y pasos perdidos. La escultura-símbolo y las bóvedas encasetonadas características del centro comercial, han dejado espacio a otros espacios y cubiertas. Presente, futuro y también pasado de la empresa que creó Juan Sordo Madaleno descansan hoy en sus herederos. Javier y Fernando Sordo Madaleno de Haro, tercera generación de la firma, se convirtieron en los líderes de Arquitectura y Desarrollo Inmobiliario de GSM en 2010. Al cumplirse 83 años de continua práctica, de contribuciones espaciales, de proponer refugios y escenarios para la actividad humana, sólo se atisban nuevas posibilidades. Hoy, su invaluable estela sigue inventando formas de vivir. sordomadaleno.com

“Artz Pedregal es más que un sólo proyecto, es un espacio que mejora la ciudad y la calidad de vida de sus usuarios”. –Javier Sordo Madaleno Bringas

Ubicada en un espacio urbano recuperado en Santa Fe, al poniente de la Ciudad de México, la Iglesia y Centro Comunitario Josemaría Escrivá se basa en la relación de la arquitectura y la luz.

Resiliencia: creatividad para levantar el espíritu de México Design House 2020.

Entrevistas y textos GRESSIA ARÉVALO Fotos JAIME NAVARRO

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Desnudez elemental y ESTRUCTURAL ESTRIBA | MANADA ARCHITECTURAL BOUNDERIES + MATERIA + GLOCAL DESIGN MAGAZINE EL QUE HOY, Glocal Design Magazine cuente con un espacio en Design House –esta es nuestra sexta ocasión– es, sin duda alguna, el resultado del trabajo de equipo colaborativo con toda la comunidad de diseño en México y el mundo, pero este año tiene un significado distinto. Para los organizadores: Emilio Cabrero, Andrea Cesarman y Marco Coello, así como para todos los involucrados en la edición 2020, es una manera de gritar que queremos reactivar nuestro entorno, nuestro país, nuestra economía. Para esta edición, Greta Arcila, fundadora y directora de Glocal Design Magazine, en colaboración con Alejandro Tapia, socio fundador de Manada Architectural Bounderies y Gustavo Carmona socio director de Materia, presentan: Estribar como parte de la 12ª edición de Design House y dentro del marco del mes del diseño.

La idea del Designer Room surge a lo largo del confinamiento ocasionado por el virus del Covid-19, a través de pláticas entre amigos, ya que más allá de los formalismos están los seres humanos que se dieron apoyo, que creyeron en el otro. La resiliencia jugó un papel importante para las mentes creativas, ya que tuvieron que adaptarse a una vida nueva en la que diversos retos se presentaron a lo largo de este periodo. Estribar es un proyecto que pretende ser menos una expresión de tendencias y más un símbolo para la reflexión acerca de la práctica creativa en un momento de crisis mundial; de modo que este concepto recurre a la idea del andamiaje como estructura y esencia para el soporte de la construcción. Estribar se muestra al desnudo, por la reflexión y lo esencial, cuyo fin es hacer una invitación a los usuarios a experimentar un momento de introspección y meditación a través de las

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Las fuertes vigas de madera de Estriba aluden a la idea del andamiaje como soporte para la construcción de cualquier proyecto. pláticas que se transmitieron por Glocal TV, las cuales buscan compartir con el mundo virtual, ideas y conceptos que nos ayuden a evolucionar para bien en todos los aspectos. El espacio se construyó bajo los mismos principios de un andamio, como elemento para sostener una construcción en proceso; dichos polines se regresarán a las obras de las cuales provienen para continuar con su vida útil. Se escogió la silla #14 de Thonet, cuyo diseño es de hace más de 150 años aproximadamente, es una silla muy simple; sin embargo, en ella se refleja la sencillez con la que podemos vivir en el día a día. Asimismo, se integra al ambiente una silla de Joel Escalona de la colección Laws in Motion para Breuer Studio. Todo el mobiliario seleccionado es atemporal, se buscaron piezas simples en discurso pero contundentes en forma por la misma sencillez de sus líneas. Las grandes esferas que parecen escurrir, son en sí unos colgantes del inglés Tom Dixon. La

iluminación fue un factor importante ya que se pretendía tener un juego interesante de claroscuros y aprovechar al máximo las sombras que produce el andamiaje, de tal forma, se hizo alianza con Lutron para experimentar con su nuevo equipo Ketra, el cual tiene la paleta de color de 16,7 millones de colores y, por lo tanto, puede crear cualquier ambiente imaginado y es controlable desde una sencilla app. Por su parte el sonido estuvo a cargo de Sonos y Arlette Salas/Arquitectura Floral diseñó una intervención personalizada para el espacio. glocal.mx materiarq.com manada.mx

*Agradecemos a: Design Within Reach, Sonos, Lutron, Breuer, IHO Espacios y Comex.

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Los polines realzan el simbolismo y significado del espacio, ya que éstos se tomaron de obras que están en construcción.

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Homenaje a grandes de la ARQUITECTURA CONVERSATORIO | C CÚBICA ARQUITECTOS + ARTELINEA LOS SOCIOS FUNDADORES y directores de C Cúbica Arquitectos y Design Week México: Emilio Cabrero, Marco Coello y Andrea Cesarman, una vez más hacen posible el montaje de Design House que esta vez presenta: Creative Rooms, una serie compuesta por 53 espacios con un formato completamente innovador y adecuado a la ‘nueva normalidad’. Cada una de estas propuestas, diseñadas y producidas por diversos despachos de arquitectos diseñadores y mentes creativas, plantean diversas reflexiones sobre el momento que actualmente enfrentamos como sociedad tras la llegada del virus del Covid-19. En esta ocasión, C Cúbica Arquitectos rinde homenaje al legado arquitectónico neoplástico y emocional de Luis Barragán, Pedro Ramírez Vázquez y Mario Mani, traducido a una escala más íntima con materiales cálidos y reciclados, artes y piezas de artistas y artesanos mexicanos.

Los paneles acústicos que el espacio expone tienen una alta funcionalidad, los cuales permiten brindarle una privacidad propia y, a la vez, logran la creación de una oficina apta para trabajar dentro de una casa. Sin duda, este es un reto que todos los seres humanos están enfrentado e intentando adecuar: innovar de manera creativa para disponer de un lugar para trabajar dentro de su área de descanso, sin que ninguno de los espacios interfiera uno con el otro. El espacio es un Conversatorio para tener juntas y trabajar por medio de las nuevas plataformas digitales que actualmente están en boga. Un lugar en donde, gracias a su acústica y al aislamiento del sonido, se pueden tener conversaciones profundas y claras. ccubicaarquitectos.com

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Un espacio para reflexionar entre piezas inspiradas en un gran legado arquitectรณnico.

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La pandemia nos ha enseĂąado a encontrarnos a nosotros mismos entre las diferentes capas que tenemos como seres humanos, nuestro Yo Infinito.

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YO, tal cual soy YO INFINITO | JF STUDIO YO INFINITO es un rincón para la introspección, el cual se representa en un espacio reducido e íntimo que invita a la autoexploración y autosanación para romper con las barreras que nosotros mismos nos ponemos por temor a encontrarnos con nuestro interior. “Es un espacio que fomenta a la reflexión al estar en una constante búsqueda de mi ser interior; el cual se muestra a través de umbrales que hacen alusión a las capas que los seres humanos se ponen antes de mostrarse tal cual son ante las demás personas, e incluso ante ellos mismos”, explica Jimena Fernández. Durante la pandemia se ha experimentado una constante meditación sobre ‘uno mismo’, lo que ha impactado de manera positiva en cada uno de los seres humanos, ya que –sin duda– ha ayudado a que las personas se autoreconozcan. El Covid-19 llegó para dar un golpe de introspección que tomó por sorpresa a todos, sin embargo, este virus invisible ha puesto en reflexión a cada persona habitante en el planeta tierra para preguntarse y saber verdaderamente ¿quién soy yo? En cuanto una persona se atreve a traspasar y a romper con su primera barrera de protección, y logra llegar al centro de

su interior, su visión de sí mismo es más clara y un poco más transparente, sin embargo, allí dentro, logra percatarse de que aún existen capas de protección que no le permiten encontrarse a sí mismo como verdaderamente es. Diversos factores, experiencias y vivencias son los que nos han hecho volvernos personas llenas de barreras y capas para protegernos del entorno y de los demás, pero a pesar de ello, debemos de tener en cuenta que la transparencia humana puede cambiar el rumbo de nuestras sociedades. Por ello, el Yo Infinito hace una especial invitación a vernos a nosotros mismos de una manera transparente y verdadera, cuya función permitirá abrirnos con los demás y con uno mismo, sin temor a ser juzgados. Al cruzar el último umbral, aparece un espejo en el cual nos topamos con nosotros mismos y con el ‘yo infinito’ que refleja la cuarta dimensión. El encontrarse consigo mismo es un trabajo personal que se hace de manera constante y a ritmo propio, pero definitivamente vale la pena intentarlo. jfstudio.mx

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Entre cenizas y REFLEJOS LABERINTO DE CENIZAS | SULKIN ASKENAZI + VALVO

El juego de vidrio, aromas y texturas genera una visualizaciรณn infinita que comparte una experiencia amultissensorial a los visitantes de este espacio.

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JACK SULKIN Y GABRIEL ASKENAZI han unido fuerzas para fundar Sulkin Askenazi desde el año 2016 con sede en la Ciudad de México, siendo ahora reconocidos como un despacho meticuloso con la calidad espacial y con gran compromiso con su quehacer arquitectónico. En esta ocasión, han creado un espacio adecuado a la contemplación, cuyo objetivo principal es que el usuario experimente a través de ‘un laberinto’ de volúmenes, un recorrido por medio de sus sentidos, activándolos con el juego de vidrio, aromas y texturas que generan visualización infinita. En Laberinto de Cenizas, Sulkin Azkenazi Arquitectos colaboró con Valvo para diseñar una cocina totalmente emocional ya que crearon un espacio totalmente multisensorial. La idea se basó en crear una experiencia por medio de los volúmenes de madera carbonizada –hecha por Fabrica Astilla–, ya que algunos nacen desde la grava del piso y otros se muestran desde el plafón. Se pretende que los visitantes se sientan motivados a recorrer el espacio y que puedan circular a través de los tótems para

que se sientan inmersos en una caja completamente infinita por medio de los espejos que recubren todo el lugar. Desde el momento en el que las personas ingresan al rincón pueden apreciar un sonido al pisar y sentir una textura diferente, lo cual hace que se reactiven sus sentidos y emocionar para estar atentos al entorno y contemplar una percepción distinta al interior de la cocina. De esta manera se genera una singular experiencia multisensorial Laberinto de Cenizas se creó con el objetivo de que los visitantes experimenten una sensación de desorientación, en el que todos los volúmenes del espacio tengan la apariencia de estar flotando, a modo de estar encajando y uniéndose de manera armoniosa para crear un espacio culinario dentro de un entorno en ndonde todo está levitando. El recorrido que se hace al inerior del espacio se realiza con una iluminación tenue para literalmente perderse en un laberinto de perspectivas. sulkinaskenazi.com

Una pausa en el DÍA a DÍA PAUSA | AD HOC + RAÚL DE LA CERDA PAUSA ES UN LUGAR íntimo, con luz cotidiana, serenidad creativa y belleza de los materiales en crudo que se transforman silenciosamente, cuyo cambio sólo se percibe en la intimidad de la soledad. A través del uso del lenguaje contenido en los propios materiales: bloques de mármol, piezas sólidas de recinto volcánico y fibras naturales vegetales y animales entretejidas con maderas sólidas, es que se rompe con la ‘pausa’, liberando la energía y permitiendo su transformación. Estos materiales despiertan los sentidos del tacto, la vista y el olfato, al mismo tiempo que se convierten en objetos cargados de belleza, silencio y serenidad. El acero y barro, la piedra volcánica y seda, la lana cruda y madera, el cepillo y concreto son elementos con un mismo origen local que –conjugados– mutan y se convierten en parte de un mismo lenguaje universal. Las arcillas revelan el paso del tiempo y la existencia de la mano creativa. adhoc.mx rauldelacerda.com Un rincón reconfortante ante la incertidumbre.

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Un espacio de dulzura, esperanza y paz para tomar un respiro del año 2020.

Energía POSITIVA SWEET & SOUR | FACI LEBOREIRO SWEET & SOUR es un espacio de coworking transformado en una dulcería efímera que se presenta a través de una agradable gama de tonos pasteles. La dulcería tiene el fin de crear una atmósfera en donde se disfrute plenamente el ‘ahora’, al mismo tiempo que la energía se torne positiva y perciban un ambiente distinto, dejando atrás el entorno actual que estamos viviendo. Sweet & Sour permite vivir una experiencia sensorial, llena de color, luz y sabor, que pretende desarrollar emociones diferentes a las que se han estado experimentado a raíz de la pandemia; se busca contagiar alegría, inspirando calidez y comodidad. Con cada dulce que se reparte, se comparte un poco de diversión esperanza y felicidad. Se optó por mostrar una dulcería efímera, diseñada y enfocada en iluminación y color, que logre generar diferentes experiencias sensoriales, cuyo objetivo es trasmitir paz, luz y un sabor dulce de la vida. facileboreiro.com

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Color, luz y ESPACIO SUBLIME | VIEYRA ARQUITECTOS SUBLIME es un espacio que se presta para tener un momento introspección y trabajar de manera personal, gracias a la iluminación y a los colores cálidos que protagonizan el interior. La colorimetría se modifica con base en la luz; por ello, la principal inspiración del diseño de Sublime surge a partir del manejo adecuado de la iluminación, el cual logra generar un juego armonioso de luces y sombras altamente cautivador y mágico a la vista de los usuarios. Este es un rincón que contiene a la luz y la luz contiene al rincón, cuyo objetivo permite entablar un diálogo entre color– luz–espacio, que fomenta a la reflexión sobre todo en estos momentos en que la situación mundial que hoy enfrentamos como sociedad ha obligado a repensar nuestras actividades.

El espacio destaca por su fina curaduría de piezas y arte.

El arte que viste el interior del espacio toma un papel primordial, ya que las piezas elegidas son realmente las que habitan Sublime y su presencia genera serenidad y paz. El colgante de Konstantic Gric, la silla de Laura Noriega, el tapete de Balmaceda Studio, la escultura de Rebeca Cors y la pieza de María García Ibañez, hablan de la fina curaduría de piezas del espacio. Lorena Vieyra, fundadora y directora de Vieyra Arquitectos, optó por titular su espacio como: Sublime debido a que busca proyectar en él, la correcta contención del espacio a través de la geometría y lograr un lugar contemplativo. vieyraarquitectos.com

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Una mesa de mármol se convierte en la protagonista de este espacio de estilo clásico.

Entre madera y MÁRMOL EVOLUTION | MARQCÓ DISEÑO/ COVADONGA HERNÁNDEZ MUROS DE MADERA visten este espacio de un estilo clásico, pero de molduras sencillas. La pieza central se presenta a través de una mesa hecha en mármol macizo, que se concibió totalmente irregular, tratando de representar los sentimientos en su forma más básica y natural. Cada una de las piezas que figuran en el interior tienen personalidad propia y contribuyen al equilibrio de esta intervención. Llama la atención una columna de metal, como estructura ya existente, la cual es usada en su estado natural y color original, pero integrándola armoniosamente con una intervención artística por medio de hilos para lograr su justificación total de ‘ser y estar’ en el lugar. En el exterior se presenta un grupo de piezas con personalidad propia, con el objetivo de captar la atención desde cualquier sitio, al mismo tiempo que expresan de una manera representativa la vida de los distintos matices, formas y alturas, que nos toca transitar como seres humanos desde el nacimiento hasta el regreso a la tierra. marqco.com

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Nuestra casa es el lugar por excelencia para disfrutar, relajarnos y reflexionar.

Comodidad y PROACTIVIDAD HOME OFFICE | URIBE KRAYER HOME OFFICE hace referencia a este año 2020 tan peculiar y diferente, en el que Erika Krayer y Ofelia Uribe exploran el nuevo uso interior que los seres humanos están tratando de organizar en sus casas; un espacio que sirva para trabajar, pero también para relajarse y descansar. El despacho optó por usar un escritorio muy versátil de USM, que sube y baja la altura muy fácilmente y permite trabajar de pie, sentado o con la silla en posición alta, para contar con un espacio flexible y cómodo para cualquier persona. Asimismo, presentan un ‘echadero’ para relajarse de Tribeca de Poliforum. El arte que utilizaron para el espacio a través de los cuadros es parte fundamental del ambiente, ya que brinda una sensación de comodidad y proactividad. En el 2020, hemos sido testigos de que nada se puede lograr en la individualidad, por lo que en apoyo a Uribe Krayer en la creación de Home Office colaboraron marcas, como IHO + Ciento Once, Piacere, Design Within Reach, Comex, Tributo, Perch, Raíces, Casa Quieta, Sonos y Tierra Latina. uribekrayer.com

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Fibra natural que ENTRETEJE HILOS CONDUCTORES. TODOS ESTAMOS CONECTADOS | VGZ ARQUITECTURA + CARALARGA ESTE ESPACIO busca reflejar la generación de redes, tramas, relaciones y conexiones entre cada uno de los seres vivos para sentirnos pertenecientes a una comunidad. Para que la humanidad trabaje adecuadamente se tienen que crear conexiones que sean parte de un sistema, con el cual se logre una vida equilibrada. Todos somos parte de un conjunto y cada uno de estos elementos es sumamente importante para que la sociedad funcione correctamente. El todo no existe sin cada una de las partes, las partes no cuentan sin la trama; para que todos brillemos en comunidad es necesario en entretejer lazos constantemente. Hilos Conductores presenta un espectáculo que se experimenta a través de sonidos de personas, naturaleza y animales,

y se complementa por medio del juego de luces que prenden y apagan simbolizando los diferentes grupos que integran la sociedad en general. Las texturas que se eligieron para este espacio son simples y naturales, pero altamente funcionales, ya que son locales y sustentables. La fibra que caracteriza a Hilos Conductores se realizó con una fábrica responsable con el medio ambiente, cuya producción no genera desechos tóxicos. vgzarquitectura.com caralrga.com.mx

LIBROS, texturas y colores LIBRI REFUGIUM MEUM | STUDIO PANEBIANCO + THIERRY JEANNOT + EL CAMINO DE LOS ALTOS LIBRI REFUGIUM MEUM es una colaboración de tres despachos: Studio Panebianco a cargo del interiorismo; el artista francés Thierry Jeannot en iluminación y acabados, y la organización franco-mexicana –no gubernamental– ‘El camino de los Altos’, dedicada al tejido artesanal en conjunto con 133 mujeres de los Altos de Chiapas y diseñadoras francesas, cuyo trabajo se basa en las técnicas antiguas del tejido con el telar de cintura y pedal. Sumando talento y creatividad, los tres despachos han creado un refugio que, ante las circunstancias que caracterizan el 2020, cualquier ser humano hubiese deseado tener. Este es un espacio que hace homenaje a la lectura, a la introspección, a la meditación y a la artesanía mexicana, vista desde un ángulo contemporáneo moderno.

Este es un espacio privado que busca recrear la conexión de la lectura del libro físico, un objeto que a lo largo de los años se ha perdido –en buena medida– por los avances tecnológicos; sin embargo, Libri Refugium Meum, realza ese valor como inspiración que por naturaleza propia otorga a los lectores. El ambiente cuenta con mucha textura y profundidad de colores, pues el objetivo era la creación de un lugar acogedor en el que el usuario sintiera el deseo de quedarse inmerso en un refugio, apreciando cada uno de los detalles. studiopanebian.co thierryjeannot.com elcaminodelosaltos.com

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La idea de este espacio es sensibilizar a las personas sobre la importancia de la vida silvestre.

VIDA silvestre FERNANDA RIONDA/JARDÍN SUSTENTABLE + LÓPEZ DUPLAN ARQUITECTOS UNA INSTALACIÓN VEGETAL temporal, cuyo fin pretende sensibilizar a los visitantes sobre las distintas especies silvestres existentes en México y Europa; al mismo tiempo presenta un ambiente creado por Claudia López-Duplán en donde la atinada selección de piezas generan una unión perfecta entre plantas y piezas. En pocos metros estas diseñadoras crearon un espacio ideal para vivir con muy poco, pero rodeados de naturaleza y vida. El espacio hace una invitación a apreciar la naturaleza y lo rico de su presencia, al tiempo de que se exhibe un cómodo sofá y un librero que contrasta con el espacio en general. Fernanda Rionda es pionera del diseño naturalista de paisaje en México. Su inconfundible estilo refleja un profundo conocimiento sobre las plantas y su indiscutible relación con el entorno. Por su parte, Claudia López Duplán es una interiorista con más de 30 años de experiencia con obras como hoteles de grandes cadenas hasta casas de todos los formatos con un estilo depurado pero en donde el color siempre está presente. jardínsustentable.com.mx

Texturas y COLORES THE NEXT HOTEL | OLGA HANONO UNA PROPUESTA INNOVADORA para la nueva era está en: The Next Hotel . Como primer momento se encuentra el lobby y la sala tipo lounge que son un espacio en el que se puede trabajar mientras se disfruta de un buen trago. La gama de colores se basa en tonalidades cálidas de terracota, en combinación con los metales bronce y cobre, así como la conjugación de las piedras tecnológicas con apariencia de mármol. A través de una estructura artística con paredes de vidrio, en la que se pueden expresar los sentimientos que el 2020 ha dejado, se muestra la transición entre los espacios exteriores e interiores, que dan paso a los dormitorios del hotel. Los dormitorios permiten convivir y coexistir con la naturaleza y los espacios interiores, por medio de una propuesta de una terraza exterior, en donde la regadera es un espacio vital que conecta con la habitación, con lo cual se expresa el diseño en su máximo esplendor en cada elemento, a través de sus textiles, la mampara y las formas geométricas que figuran dentro de ésta. olgahanon.com

El mobiliario de cada elemento para este hotel ha sido diseñado especialmente para su nuevo concepto.

MÉXICO unido, México FUERTE ENSAMBLE ARTESANO | FUNDACIÓN HACIENDAS DEL MUNDO MAYA + TALLER MAYA + MÉXICO TERRITORIO CREATIVO + DESIGN WEEK MÉXICO + ESTAFETA ENSAMBLE ARTESANO es una organización sin fines de lucro, conformada por Fundación Haciendas del Mundo Maya y Taller Maya, en colaboración con México Territorio Creativo, Design Week México y Estafeta. Con las asesorías de Igeneris y el Programa de las Naciones Unidas para el Desarrollo en México. Esta organización prevé y garantiza ingresos justos a las familias y comunidades que conservan el patrimonio e identidad cultural de México, con el fin de contribuir al mantenimiento de la actividad artesanal a través de la producción de una colección de piezas de edición ilimitada, bajo la curaduría y dirección creativa de México Territorio Creativo y Design Week México.

Ensamble Artesano decidió actuar ante la urgencia e incertidumbre que actualmente vivimos, abriendo una convocatoria con grupos artesanales a nivel nacional. Sin duda, el gran trabajo de esta organización dio como resultado un impactante alcance, ya que con base en un modelo de diseño participativo, los artesanos forman parte del proceso creativo de producción de las piezas con el apoyo de instituciones aliadas y diseñadores que se sumaron de manera voluntaria. ensambleartesano.org

Foto cor tesía PÚBLICO

DESIGN HOUSE

La comunidad creativa comparte su fortaleza.

Ingenio e INNOVACIÓN PÚBLICO COWORKING | ANDRÉS MARTÍNEZ SÁNCHEZ HIDALGO + ALFONSO LÓPEZ-VELARDE + EMILIO ILLANES PÚBLICO es una empresa mexicana, integral y multidisciplinaria que se enfoca tanto en la generación e intercambio creativo de ideas, como en el desarrollo de proyectos y productos dedicados a espacios de trabajo, gastronomía y hospitalidad. El coworking fue fundado en 2014 por Andrés Martínez Sánchez Hidalgo, Alfonso López-Velarde y Emilio Illanes. A la fecha, PÚBLICO cuenta con seis edificios de coworking. El más reciente es el de las Lomas de Chapultepec en la Ciudad de México, el cual fue diseñado por Habitación 116. En octubre pasado y como parte del mes del diseño, este espacio prestó sus instalaciones para ser intervenidas por 53 despachos de arquitectos y diseñadores, y así dar vida a la plataforma creativa de: Design House 2020.

Al formar parte de PÚBLICO, la comunidad creativa perteneciente a Design Week México, ha compartido la visión del mundo para generar cambios positivos en conjunto y en espacios diseñados específicamente para dicho propósito. Pese a las circunstancias que se viven actualmente, la sinergia entre PÚBLICO y la comunidad creativa ha hecho posible que Design House 2020 se celebre de manera diferente, pero con la esperanza más fuerte que nunca. De esta manera, profesionales de la arquitectura, el paisajismo, el diseño e interiorismo tuvieron la oportunidad de presentar, una vez más, sus ideas y propuestas. publi.co

ADVERTORIAL

Fotos cor tesía Herman Miller

Arte, arquitectura y moda

Bajo un lenguaje de innovación constante, la marca danesa HAY se integra a la familia de Herman Miller Group en México. Fundada en 2002 en la península de Dinamarca, HAY diseña y manufactura muebles contemporáneos, con los cuales se ha dado a conocer como una de las marcas más importantes en el sector del diseño de alta calidad. Su filosofía y visión es ampliamente conocida en Europa y Asia, mercados en donde cuenta con un posicionamiento sólido; además de contar con una presencia creciente en América del Norte. El objetivo de HAY reside en evocar los icónicos diseños de los muebles daneses de los años 50 y 60, de una forma innovadora con contexto contemporáneo. Sus cofundadores y directores creativos, Mette y Rolf Hay, se han comprometido a trabajar con los mejores diseñadores para crear colecciones de alta calidad; su premisa radica en que “el buen diseño es derecho de todos”. Las creaciones de HAY se basan en tres pilares fundamentales: arte, arquitectura y moda. “Lo que admiro del arte es lo inesperado, la originalidad; la arquitectura

es, por supuesto, el contexto y el hogar de lo que hacemos, y la moda tiene un dinamismo maravilloso que refleja el espíritu de la época.Yo diría que los mejores productos que hemos hecho, pueden existir entre estos tres entornos, extraídos de un poco de todo”, expresa Rolf Hay, cofundador de la marca, sobre la filosofía de la compañía. Una parte de HAY fue adquirida por Herman Miller Group en 2018 –operación que se completó en 2019–, motivo por el cual “estamos encantados de presentar a HAY en América Latina; la sofisticación de sus diseños llena los espacios de energía”, expresa Mario Espinosa, vicepresidente para México y Latinoamérica de Herman Miller, al presentar a la marca danesa como parte de la familia y corroborar que sus icónicas líneas estarán disponibles en todos sus showrooms de Herman Miller en México y Brasil, así como de sus distribuidores para la región Latinoamericana. hermanmiller.com

ESPECIAL DÉCIMO ANIVERSARIO

Obras que escriben la historia de la arquitectura mexicana.

Foto cor tesía LBR&A Arquitectos

Entrevistas y Textos MARTHA LYDIA ANAYA y GRESSIA ARÉVALO

ESPECIAL DÉCIMO ANIVERSARIO

Espacialidad, funcionamiento y TEMÁTICA MUSEO MEMORIA Y TOLERANCIA | ARDITTI + RDT ARQUITECTOS | CIUDAD DE MÉXICO, 2010

ESPECIAL DÉCIMO ANIVERSARIO

Este proyecto se llevó 10 años desde su planeación hasta la apertura en octubre de 2010.

Fotos Ar turo Arditti, Paul Czitrom y Jaime Navarro

Habilitado sobre el cimiento contextual continuo del conjunto de Plaza Juárez, está el volumen principal que contiene a ‘Memoria y Tolerancia’ como dos manos abiertas que, a su vez, sostienen al motivo principal del espacio interior. EL MUSEO de Memoria y Tolerancia tomó 5 años en su construcción, desde la planeación hasta la ejecución del recinto, cuya construcción finalizó en 2010 en un área de 7,500 m2. Para Arditti + RDT Arquitectos, este museo es único porque cambia la vida de la gente y eso es uno de los aspectos más especiales de este proyecto. “En la arquitectura como profesión es extraño tener la vocación de intuir –en la planeación de cualquier proyecto– que la obra servirá para educar a la gente y para generar un cambio de actitud y pensamiento positivo”, cuenta Jorge Arditti, fundador y socio director de Arditti + RDT Arquitectos. Memoria y Tolerancia es un proyecto arquitectónico que tiene la intención de mostrar la irracionalidad de los episodios tristes que con fuerza negativa impulsaron al hombre a cometer

los actos más incompresibles para la mente humana: el exterminio del hombre hacia el hombre. Sin duda, es uno de los museos con más importancia social en nuestro país, ya que se busca generar conciencia y racionalidad a través de la “memoria” que presenta el recuerdo de genocidios, provocados por discriminación racial y de la “tolerancia” que refleja la importancia del respeto y riqueza de la diversidad. El proyecto fue un reto muy complicado debido a la gran responsabilidad de hacer un museo que conllevara su espacialidad, funcionamiento y temática, y que cada uno de estos conceptos armonizara correctamente con la arquitectura. Hay un atrio hecho de materiales naturales en el museo, cuyos elementos se leen y distinguen claramente. Por un lado, una caja de madera tzalam vuela hacia el auditorio, el cual se inclina

ESPECIAL DÉCIMO ANIVERSARIO

hacia abajo para separarlo del Museo de los Niños, mientras que la parte superior se utiliza como base integral para el área y la exposición temporal atrae visitantes. Para el área administrativa, ésta se integra en elementos de granito oscuro. El vidrio opaco empotrado está separado del área principal de exposición del museo, albergando el centro educativo, que está conectado con el museo por un pasillo de vidrio inclinado. La circulación horizontal se superpone como un balcón que percibe diferentes perspectivas del espacio interior abierto, mientras que la exposición permanente del museo está contenida conforme la característica neutra de elementos de concreto aparente en forma de ‘L’. El recorrido por este recinto comienza desde los pisos superiores de la plataforma sobre el Monumento a los Niños. Desde allí, los visitantes aprecian la realidad libre del mundo exterior (Palacio de Bellas Artes, Ministerio de Relaciones Exteriores, Archivo de la Notaría, Palacio de la Alameda, Plaza Juárez, etc.) y se adentran en el espacio interior para presenciar los oscuros acontecimientos que ocurrieron en la historia. ardittiarquitectos.com

En el atrio interior del museo, se leen y diferencian (con materiales naturales) todos sus elementos.

Fotos Ar turo Arditti, Paul Czitrom y Jaime Navarro

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Reconciliar la ciudad y NATURALEZA JARDÍN NATURA, PARQUE BICENTENARIO | GRUPO DE DISEÑO URBANO (GDU)/MARIO SCHJETNAN | CIUDAD DE MÉXICO, 2010

Este jardín botánico presenta los ocho biomas más significativos de México. Cinco son al aire libre y tres dentro de invernaderos de cristal, los cuales destacan como elementos simbólicos en el paisaje urbano. Además se diseñó un gran orquideario dentro de una antigua cisterna.

Fotps cor tesía GDU

El Jardín Natura es parte clave en el plan maestro de un proyecto que responde a la remediación del suelo del sitio.

EL PARQUE BICENTENARIO es el resultado de la conversión de un área industrial en desuso al norte de la Ciudad de México, una refinería perteneciente a Pemex que cerró en 1988, como parte del proceso de cierre y relocalización de plantas y empresas contaminantes. El cierre definitivo se realizó por medio de un acuerdo con el gobierno federal que establece la donación al Estado de 55 hectáreas para la construcción de un parque, de las 100 que ocupa el sitio, reservando las 45 restantes para propósitos de almacenaje. Como parte de este acuerdo, Pemex estuvo a cargo del procedimiento de remediación y limpieza de los suelos del área asignada, en tres etapas: extracción de líquidos; extracción de semisólidos, por medio de la extracción, el lavado y el retorno de la tierra; y aireación, la cual incluyó la ventilación de la tierra dentro de unas losas existentes de casi 40 cm. Mientras se realizaban estas tareas se llamó a concurso nacional y se desarrolló el proyecto ejecutivo.

El desmantelamiento del sitio no dejó en pie ninguna de las estructuras industriales, por lo que el plan maestro propuso un parque totalmente nuevo, conformado por áreas independientes pero complementarias, que permitieron su materialización en etapas. Estas áreas se caracterizaron como jardines diversos –Natura, Viento, Tierra, Sol y Agua– de los cuales sólo se han desarrollado 22 hectáreas. El Jardín Natura, con una superficie de 8 hectáreas, se localiza en la parte noroeste del sitio, directamente conectado al acceso peatonal principal que a su vez se definió en relación con la estación Refinería del Sistema de Transporte Colectivo Metro. Natura se desarrolla como una serie de jardines botánicos que representan los nueve biomas más significativos de México; cuatro de ellos son áreas abiertas, tres se concretan con estructuras acondicionadas bioclimáticamente a manera de invernaderos que aparecen como hitos en el pai-

saje urbano, y el último es un orquidario. “En el Parque Bicentenario el gran reto fue la condición de un suelo altamente contaminado al haber sido una refinería por más de 70 años. En el Jardín Natura el reto fue establecer las condiciones propicias para cada tipo de plantas. Cada bioma requirió una profundidad de tierra y una composición orgánica específica, además de crearle su propio microclima con los invernaderos. Cada invernadero está estudiado para producir un microclima diferente. El resultado ha sido muy satisfactorio ya que todos los ecosistemas o biomas se han desarrollado perfectamente” , explica el arquitecto Mario Schjetnan, director y fundador de Grupo de Diseño Urbano (GDU). gdu.com.mx

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Materialidad HISTÓRICA BIBLIOTECA ANTONIO CASTRO LEAL | BGP ARQUITECTURA | CIUDAD DE MÉXICO, 2011

Para albergar lo que era la biblioteca personal del maestro Antonio Castro Leal –con más de 50 mil volúmenes– se proyectó un área de gran transparencia en la cual los libreros están adosados a los muros y contrastan con planos verticales (libreros) en madera oscura.

ESPECIAL DÉCIMO ANIVERSARIO

Fotos Jaime Navarro

Un área de gran transparencia con libreros adosados a los muros a toda la altura guarda la valiosa colección.

LA BIBLIOTECA ANTONIO CASTRO LEAL ubicada en la colonia Centro de la Ciudad de México se construyó en 2011; es un recinto creado por el despacho de arquitectura bgp arquitectos (bajo la dirección de Bernardo Gómez-Pimienta y Luis Enrique Mendoza) que debido a la importancia del lugar, fue supervisado por Sitios y Monumentos del Patrimonio Cultural del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (Conaculta). Realmente fue todo un reto construir esta obra emblemática, pues se presentaron muchas dificultades durante el desarrollo. Los creativos tenían que trabajar de manera estratégica sin tocar los muros, debido a que se encontraban dentro de un espacio catalogado por el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) y con una trayectoria excepcional escondida tras sus puertas al ser una fábrica real de tabaco, el ‘testigo mudo’ de la escena trágica y el asesinato

del político Gustavo Adolfo Madero, el lugar de la escuela de artes, la sede de la primera biblioteca José Vasconcelos y muchas otras efemérides más. “El principal reto fue plantear una propuesta de convertir una estructura colonial en el primer edificio del siglo XXI con carácter de sustentable, por lo que solucionar la parte técnica y tecnológica al mismo tiempo fue muy complejo. Sin duda, esta biblioteca ha sido un claro ejemplo de cómo transformar un edificio histórico que es compatible con los recursos de que dispone una región, sin perder las características que lo hacían especial y único en su arquitectura”, explica el arquitecto Bernardo Gómez-Pimienta. La biblioteca alberga la colección personal de Antonio Castro Leal, la cual ocupa dos bahías en la terraza noroeste de la histórica plaza de La Ciudadela. Para acomodar la colección, se creó una zona de gran transparencia, en la que las estanterías se pegan a la pared en su altura máxima. Los planos verticales –estanterías– utilizados en madera oscura contrastan entre sí, mientras que los planos horizontales –suelo– contrastan de manera perfecta con la madera clara, el vidrio traslúcido y los muebles blancos. Aunque el espacio es abierto, hay cuatro áreas en su interior: recepción, área de trabajo en equipo, área de lectura personalizada y área de investigación. La solución modular de cada componente responde al ritmo estructural de las

viguetas metálicas de la bóveda catalana original, y el pasillo se suspende de las viguetas mediante varillas de acero inoxidable. La barandilla de acero inoxidable es continua, cambia de dirección y se abisagra al final, independientemente de la estructura. En la nariz de cada estantería hay una fila de Liz, iluminando libros que parecen vibrar en el espacio. La sencillez y modularidad de la librería se complementa y enriquece con el especial diseño de los detalles de hierro de las barandillas y las mesas y sillones, especialmente diseñados para el espacio. Por lo tanto, a través de una solución integral –desde el diseño industrial hasta la arquitectura– sumada al valor de la biblioteca personal de Castro Leal en su casa de Coyoacán, hoy podemos vivir y disfrutar de un espacio en donde la lectura de un libro se favorece bajo el entorno de un espacio visual acogedor. El proyecto recibió el Premio Nacional de Interiorismo, AMDI 2012, primer lugar en la categoría: Institucional. bgp.com.mx

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Arquitectura ATEMPORAL CIUDAD GOBIERNO DEL ESTADO DE ZACATECAS | ARDITTI + RDT ARQUITECTOS | ZACATECAS, ZACATECAS, 2012

El gran reto de Ciudad Gobierno del Estado de Zacatecas fue respetar la ecología y la naturaleza de los alrededores, lo que se superó gracias al uso y adecuación de los materiales.

Fotos Ar turo Arditti y Paul Czitrom

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Por su diseño arquitectónico, sustentabilidad y características de vanguardia, esta es una obra que obtuvo medallas de oro y platino en The International Property Awards en Londres, Inglaterra y en México le fue otorgado el Premio Obra Cemex en la categoría de Asistencia Pública.

ESPECIAL DÉCIMO ANIVERSARIO

Fotos Ar turo Arditti y Paul Czitrom

Para mantener la limpieza del centro histórico, Ciudad Gobierno del Estado de Zacatecas concentra a todas las dependencias.

PARA EL EQUIPO de Arditti + RDT Arquitectos es inspirador y muy alentador ver una arquitectura que trasciende, que se adecúa perfectamente al contexto moderno de la ciudad y que es aceptada por la sociedad, pero lo más importante es otorgarle a los zacatequenses un cambio altamente funcional de los servicios. Ciudad Gobierno del Estado de Zacatecas se ubica en las afueras de ésta misma metrópoli, en la propiedad conocida como Cerro del Gato en dirección al aeropuerto. El proyecto se resolvió generando dos ejes principales, sumado al desarrollo de diferentes complejos junto a éstos. El primer eje de la composición se generó a nivel del complejo, donde se hace referencia al acueducto existente en Zacatecas. El eje comienza desde el hito en la cima de la montaña y termina con el paisaje general que da hacia la Ciudad de Gobierno. El segundo eje componente también partió del hito y finalizó en un doble remate; una es una terraza, que puede llevar la mirada del espectador a la entrada de la ciudad, y la otra es una

plaza que pasa por una ventana de la ciudad entre las mamparas para completar la construcción del edificio sanitario Dado que el edificio está ubicado en una colina, el diseño del proyecto responde a la composición radial, y la colina genera casi naturalmente una curva que conecta el espacio y el edificio. De acuerdo con esta idea, se creó un muro cortina para que cada obra finalmente se integrara en forma y espacio. Ciudad Gobierno de Zacatecas está conformado por los edificios: Gobierno, Seplader-Sedezac, Auditorio, Coordinación Jurídica, Catastro, Contraloría, Desarrollo Integral de la Familia, Obras Públicas, Edificio de los Institutos y Secretaria de Salud, además de edificios de estacionamiento. El área exterior está compuesta por caminos vehiculares circundantes que recorren todo el edificio; los peatones circulan por la plaza decorada con elementos escultóricos y espejos de agua; las aceras, caminos y vías están interconectados en diferentes edificios.

Se buscó que el concepto de arquitectura de las edificaciones sea atemporal.

El paisaje es un elemento clave del proyecto, puede integrar la vegetación existente en la zona y detonar el paisaje para formar un mejor equilibrio con la naturaleza, para ello se involucran múltiples estándares interdisciplinarios de consultores profesionales, con su experiencia y conciencia ecológica. El resultado es un proyecto sostenible que cumple con la normativa local e internacional. En este proceso, la ubicación del terreno es muy importante porque se realizó un gran esfuerzo por no afectar la tierra cultivada y algunas zonas cercanas a aguas como lagunas o ríos. El inmueble está ubicado en el casco urbano y cuenta con las ventajas del tráfico vial, lo que reduce notablemente el tiempo de entrada al edificio en coche. ardittiarquitectos.com

En la planeación y desarrollo de Ciudad Gobierno se procuró que el concepto arquitectónico de las edificaciones fuera atemporal para mantener siempre actual su imagen a través de los años.

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Legado de una CULTURA MILENARIA GRAN MUSEO DEL MUNDO MAYA | GRUPO ARQUIDECTURE | MÉRIDA, YUCATÁN, 2012

Una gran plataforma desplanta al museo como el nuevo centro ceremonial de la cultura maya; revestida con piedra de la región, esta tribuna representa las raíces y el material de nuestra tierra.

Fotos Héctor Velasco

ESPECIAL DÉCIMO ANIVERSARIO

Este museo es una celebración y un encuentro con la raíz más fuerte de la identidad yucateca.

“PARA GRUPO ARQUIDECTURE, realizar el proyecto y dirección de obra del Gran Museo del Mundo Maya, representó uno de los mayores retos en nuestra vida profesional. Desde luego un enorme privilegio, pero también la responsabilidad de sintetizar en una edificación un homenaje a esta cultura milenaria, dando a conocer sus tradiciones, costumbres, ciencia y sabiduría a través del diseño, los espacios, formas, contenidos y ambientes. Nos llenó de emoción y orgullo el poder motivar, inquietar y sobre todo poder enamorar de los mayas a quien lo vive y lo recorre”, describen los arquitectos del despacho sobre la realización de este recinto cultural, cuya conceptualización arquitectónica está basada en uno de los elementos claves para entender la mística del pueblo maya: el árbol de la Ceiba. Ubicado en un terreno, de poco más de dos hectáreas de superficie y 285 metros de frente, ocupa el corazón de un importante subcentro ur-

bano al norte de la ciudad de Mérida; un polígono en proceso de consolidación que ha reactivado su desarrollo con la construcción de este edificio multifuncional que se ubica en medio del flujo natural entre plazas comerciales y espacios de entretenimiento. El Gran Museo del Mundo Maya es emblemático porque manifiesta que la cultura maya es una cultura viva. Nace de dos conceptos fundamentales: la creación del mundo a partir de tres piedras y el árbol sagrado de la Ceiba cuyas raíces penetran y conforman el inframundo, morada de los muertos; en el nivel del tronco se encuentra la tierra, donde se desarrolla la vida y finalmente la fronda, morada de los dioses,, extiende sus ramas hacia el cielo y la trascendencia humana. Tres grandes piedras (salas de exposición, tienda-restaurante y área de niños) construidas con paneles precolados de concreto conforman

el nivel de la vida cotidiana bajo la sombra de la Ceiba. Los faldones de precolados rinden homenaje a los templos mayas con sus proporciones y cumplen diferentes funciones: durante el día sombrean las circulaciones y los muros evitando así la ganancia térmica en las salas de exposición y por las noches se convierten en grandes pantallas para las proyecciones de un espectáculo multimedia. El volumen que conforma la fronda de la Ceiba se materializa con acero y cristal, materiales que marcan la tendencia hacia el futuro; este elemento alberga los espacios de promoción y discusión del legado y trascendencia de esta cultura milenaria. arquidecture.com

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ESTRUCTURAS acústicas CENTRO CULTURAL ROBERTO CANTORAL | BROISSIN ARCHITECTS | PUEBLO DE XOCO, COYOACÁN, CIUDAD DE MÉXICO, 2012

Cinco losas de concreto suben y bajan para dar forma, espacio y luz a este edificio; cada una representa las líneas de un pentagrama, siempre paralelas hasta que el compositor interviene en ellas.

ESPECIAL DÉCIMO ANIVERSARIO

Fotos Paul Rivera

El diseño del edificio está inspirado en el movimiento de la batuta de un director de orquesta.

CENTRO CULTURAL ROBERTO CANTORAL, ubicado en la Ciudad de México sobre una superficie de 8,500 m2, estuvo a cargo del equipo de Broissin Architects / Gerardo Broissin; ha sido acreedor a múltiples premios nacionales e internacionales como los WAN Awards de Londres 2015, obteniendo el primer lugar en Espacio Escénico y el Premio Noldi Schreck, galardonado como primer lugar en la categoría de Arquitectura Institucional en México, 2014. Gerardo Broissin, quien estuvo a cargo de la dirección y ejecución de este proyecto, expresa que al llevarlo a cabo marcó un parteaguas en el quehacer arquitectónico con su equipo de trabajo, pues siempre habían realizado proyectos de carácter privado. El Centro Cultural Roberto Cantoral fue un camino lleno de retos, desde la presentación del proyecto a grandes personalidades de la industria

musical nacional, hasta la inauguración de éste; sin embargo, los desafíos que se presentaron se solucionaron de manera satisfactoria hasta lograr dejar un legado arquitectónico en nuestro país. El diseño del edificio se inspira en el movimiento de la batuta de un director de orquesta: cinco losas de concreto, que suben y bajan armoniosamente, dando forma, espacio y luz al proyecto. Cada línea representa la línea de una varilla, siempre recta, constante y paralela. Broissin tuvo como objetivo el que los visitantes puedan descubrir el proyecto a cada paso, que vayan familiarizándose con la mezcla entre la naturaleza y lo hecho por el hombre de una manera sutil y amigable, caminar por la plaza con tranquilidad, observar cómo se siente una sala de conciertos, la cual no sólo es de concreto y acero, sino que muestra una invitación a la reflexión, la armonía y una invitación a descubrir el mágico mundo de la música. Este recinto es el lugar de nacimiento de la música de Nuevo México, por eso envuelve por dentro, y su forma adopta los ángulos de la acústica. El sonido simplemente se esparce a través del aire, recorriendo cada espacio, cada sillón, cada rincón, dando forma a cada sueño, cada canción, dando forma a la Sala de Conciertos Roberto Cantoral. El color del concreto es el blanco, que representa las características de la música mexicana, que refleja su pureza y originalidad. En la sala, el rojo se muestra como símbolo de la pasión

de los compositores mexicanos por componer canciones. Para rendir eterno homenaje al maestro Roberto Cantoral y hacer eco de los frescos con el mural que revela su rostro, el sol pasa por la cúpula triangular del salón principal a una hora exacta del 7 de junio de cada año, que es la fecha de nacimiento del cantante y compositor mexicano, oriundo de Tampico, Tamaulipas. Curiosamente, cuando se inauguró el recinto, la luz y el triángulo de mármol negro del otro piso estaban totalmente iluminados en ese momento, apuntando hacia la ciudad de Madero, donde nació el maestro. “Queremos que el proyecto viva hacia los árboles y que ellos vivan como parte de su interior, no podemos pensar en una sala obscura y tradicional en un bosque tan hermoso en la zona de Coyoacán; un terreno como pocos había que aprovecharlo, respetarlo y vivirlo, el volumen se disgrega y se une justo como las ramas al viento dejando pasar los rayos del sol haciendo un desfile de fantasía en medio del misterio de su sombras”, dice Broissin sobre el proyecto. broissin.com

ESPECIAL DÉCIMO ANIVERSARIO

Restauración contemporánea de EDIFICIOS HISTÓRICOS CENTRO ACADÉMICO Y CULTURAL SAN PABLO, FUNDACIÓN ALFREDO HARP-HELÚ | TALLER DE ARQUITECTURA MAURICIO ROCHA + GABRIELA CARRILLO | OAXACA, 2012

Este espacio históricamente abierto en el corazón de la ciudad, con una tipología ajena a un destino como Oaxaca, funge ahora como punto de encuentro y distribución hacia los distintos edificios que forman parte del conjunto.

“CUANDO HICIMOS la restauración del Monasterio de Santo Domingo de Soriano, conocido como San Pablo, uno de los grandes retos que más recuerdo fue el trabajo que realizamos en conjunto con un equipo multidisciplinario para encontrar las ruinas de un convento del siglo xvi y xvii, las cuales estaban escondidas por nuevas construcciones que se hicieron en la época del siglo xx. Este convento había sigo cortado en la época de Juárez por una calle, partiendo en dos al inmueble y desde esa disfuncionalidad se fueron construyendo encima otras capas. Para encontrar, identificar y recomponer este lugar junto con el grupo de arqueólogos y de restauradores, tuvimos que meter un nuevo programa arquitectónico que permitiera crear el Centro Cultural Harp Helú; para ello, teníamos que hacerlo conforme una intervención contemporánea y poder tejer varios edificios, no sólo el convento del siglo xvi y xvii sino también edificios que se fueron comprando y que permitían volver a tener el pasaje que recupera la fachada original del edificio. Logramos restaurar los edificios de diferentes siglos conforme acupunturas, un tejido de arquitectura contemporánea que está más definido por elementos metálicos, de madera y cristal, los cuales ayudaron a generar el nuevo programa del sitio”, relata el arquitecto Mauricio Rocha.

Fotos Rafael Gamo

Para dotar al edificio de las funciones culturales con las que fue concebido –las cuales han sido el motor para su rescate–, fue necesario colocar una estructura metálica ligera y reversible para liberar más áreas y espacios útiles.

ESPECIAL DÉCIMO ANIVERSARIO

Como parte del rescate del inmueble se alivió la estructura original, demoliendo la gran mayoría de pegotes. De esta manera se logró recuperar prácticamente el 90% de los corredores altos y bajos del convento, parte de la iglesia y el total de la Capilla del Rosario. La acupuntura que se da en el edificio del siglo xvi y xvii para hacer que suceda el programa no fue

tan sencillo como parece. Rocha cuenta que para intervenir ese patio y lograr la transparencia y ligereza de este elemento reversible, mucho tuvo que ver el diálogo que se tuvo con el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) para lograr que –con las nuevas intervenciones– se pudieran ocupar espacios que sólo estaba permitido restaurar. “Lograr un diálogo profundo con el INAH, las autoridades y el colegio de arquitectos de Oaxaca, para saber cómo se podía restaurar el inmueble con intervenciones contemporáneas hizo posible que este edificio pudiera usarse y activarse con profundo respeto, pero también con una serie de dispositivos

arquitectónicos que hoy provocan el programa. Considero que en ese diálogo estuvo no sólo el éxito de este proyecto, sino también el antecedente importante para lo que puede suceder en muchos de los edificios históricos que tiene el país”, expresa el arquitecto sobre lo que ahora conocemos como Centro Académico y Cultural San Pablo, Fundación Alfredo Harp-Helú Oaxaca. Ubicado a tan sólo una cuadra del zócalo de la ciudad de Oaxaca, entre las calles de Independencia y Hidalgo, se encuentra este conjunto de casas/ edificios que forman parte del primer convento dominico de la ciudad. Antes de su restauración, el ex convento de San Pablo consistía en una edificación prostituida por una serie de añadidos de poco valor histórico que repercutieron en el edificio no sólo de manera estética (dejando el edificio completamente ahogado dentro de estos agregados), sino también porque afectaban directamente la estructura del edificio antiguo por la enorme cantidad de peso que éste tuvo que soportar. tallerdearquitectura.com.mx

ESPECIAL DÉCIMO ANIVERSARIO

Fotos Rafael Gamo

El espacio funge hoy como punto de encuentro y distribución hacia los edificios del conjunto y como espacio público y gratuito para la ciudad.

ESPECIAL DÉCIMO ANIVERSARIO

VERTICALIDAD y silencio para remembrar MEMORIAL A LAS VÍCTIMAS A LA VIOLENCIA | GAETA-SPRINGALL ARQUITECTOS | CIUDAD DE MÉXICO, 2013

Es el único espacio público creado como expresión del dolor, la tristeza, el enojo y el miedo ocasionados por la violencia. Pero a su vez, busca la luz y la esperanza… es un espacio didáctico que está allí para recordarnos los errores y los horrores que nunca deben de repetirse.

Si pensamos en la violencia como destrucción, la construcción de muros de acero juega el papel de un gran antídoto.

Fotos Sandra Pereznieto

ESPECIAL DÉCIMO ANIVERSARIO

Un proyecto entre arquitectura y arte, y en el que la narrativa y el significado son lo más importante.

ESTE SITIO DE PROPIEDAD FEDERAL estuvo por décadas bajo la jurisdicción de la Secretaría de Defensa; la acción del concurso nacional de arquitectura y del proyecto significan en una primera instancia la recuperación de 15,000 m2 en términos de espacio público. “Un memorial es la pieza arquitectónica que materializa el no olvido y la remembranza. En el caso del Memorial a las Víctimas de la Violencia en México se materializa en arquitectura uno de los temas más importantes y actuales de la sociedad mexicana: la violencia; esteconstituye un tema gigante y abierto en el tiempo; ante esto nuestra propuesta conceptual materializa un proyecto abierto en el espacio; abierto a la ciudad y abierto a la apropiación de los ciudadanos, un espacio en una total relación de apertura a la ciudad y a sus actores”, comentan Luby Springall y Julio Gaeta, socios fundadores de Gaeta-Springall Arquitectos. “Nuestro proyecto atiende a la doble condición de espacio público y memorial. Reconocemos en primer lugar, la vocación del sitio en tanto

bosque; de omnipresencia de lo natural; son los árboles que cuentan y determinan antes que nada el sitio con su presencia y ritmo”, explican los arquitectos sobre el proceso de la obra. La violencia está sugerida en la propuesta en dos dimensiones: lo inmaterial y lo construido. El vacío que se propone en el proyecto es el espacio creado entre las paredes de acero y los árboles. Este vacío o el espacio vacío podría recordar el concepto de las presencias y ausencias de las personas para recordar; y las superficies de las paredes de acero, oxidado o reflejo, sirven para demostrar que podemos perdernos, añadirmos o mutiplicarnos a nosotros mismos. La acción proyectual consiste en la construcción de setenta paredes de acero sobrepuestas entre los árboles, es un juego dual entre la naturaleza y la arquitectura: el bosque de los árboles y el bosque de las paredes. La lista de materiales se reduce a acero y hormigón, sumado a los elementos naturales de la selva. “Estamos usando el acero corten en tres formas: reflejo natural, oxidado o de acero

inoxidable, cada uno de ellos con diferentes significados. El acero oxidado significa las marcas y cicatrices que el tiempo hace a nuestra vida. El acero inoxidable espejo se utiliza para reflejar y multiplicar la vida: las personas, los árboles y el agua del espacio central, y el acero natural se utiliza como un elemento imperturbable que recuerda los valores principales y esenciales que las sociedades deben mantener para vivir en paz. El hormigón se utiliza para los carriles y los bancos; para caminar y reflexión”, detallan los arquitectos. En el espacio central hay una fuente con una forma indeterminada y la geometría abierta, para recordarnos que el tema de la violencia está todavía abierto. La fuente está cubierta con una rejilla para que el visitante puede caminar sobre el agua. gaeta-springall.com

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TORRES de usos mixtos MAGMA TOWERS | GLR ARQUITECTOS/GILBERTO RODRÍGUEZ | MONTERREY, 2013

Dos monolitos labrados modifican y enriquecen el paisaje; son esculturas con vida propia en donde se descubren espacios habitables, terrazas y una exclusiva zona comercial, traducida en ambientes y sensaciones que te llevan a un estilo de vida único.

Fotos Jorge Taboada

La gran variedad de configuraciones de vivienda que el proyecto demanda, ayuda a generar una imagen de gran libertad compositiva.

“PARA MI Y TODO EL EQUIPO de GLR Arquitectos, este proyecto fue un gran logro profesional debido a la gran libertad que tuvimos por parte de los clientes, para crear un par de torres negras muy expresivas, radicalmente distintas a todo lo que se estaba creando en Monterrey y posiblemente en todo el país”, refiere el arquitecto Gilberto L. Rodríguez respecto de Magma Towers, un proyecto de usos mixtos que emerge en el corazón de uno de los distritos de más alto valor en México: Del Valle City, en la ciudad cosmopolita de San Pedro Garza García, Nuevo León. Dicho barrio es la visión de una ciudad futuristas en la que estarán en interacción todas y cada una de las diferentes actividades de las personas. Una metropolí que ha tomado años en

definirse y que se ha convertido en el inicio de un ícono de referencia junto a otros reconocidos centros urbanos a nivel mundial. “Para su desarrollo, uno de los grandes retos fue sin duda la fachada negra, la cual por cuestiones térmicas debía ser forzosamente ventilada. El otro gran reto era cómo iba a reaccionar el mercado ante esta propuesta arquitectónica tan vanguardista. Afortunadamente la fachada sí fue ventilada y el edificio funcionó muy bien térmicamente. Asimismo, el mercado acogió con muy buena actitud y muy rápido los 230 departamentos que conforman el proyecto”, cuenta el arquitecto Rodríguez sobre el proceso que conllevó la obra. El proyecto consiste en dos torres de apariencia monolítica que se alzan sobre un basamento

de dos plantas comerciales con estacionamiento subterráneo. “Son dos monolitos labrados –dice el arquitecto– que modifican y enriquecen el paisaje; son esculturas con vida propia en donde se descubren espacios habitables, terrazas y una exclusiva zona comercial, traducida en ambientes y sensaciones que te llevan a un estilo de vida único, todo en un mismo lugar”. Estos monolitos interactúan entre sí en la terraza que separa las áreas residenciales y comerciales. Este nivel se utiliza para alojar la mayoría de las áreas comunes como el gimnasio, el bar y la piscina. La variedad de configuraciones de apartamentos que el proyecto exige, genera una gran libertad en la composición del edificio, en donde unidades tipo loft con doble altura y penthouses coexisten con departamentos más tradicionales. La morfología de las torres consiste en una geometría facetada que genera dinamismo en las fachadas del edificio. El diseño aleatorio de las ventanas y las variaciones en profundidad y tamaño de los balcones se hacen parte de este movimiento y le confieren a Magma Towers un sello propio, a la vez original y permanente. La orientación de las torres y la ubicación de las principales áreas comunes también han sido cuidadosamente elegidas para gozar de increíbles vistas y resaltar la mezcla de arquitectura, interiorismo y paisajismo. El exterior del edificio consta de una imponente fachada, ventanales y barandales de cristal que brindan fluidez y continuidad visual; las esculturas y piezas originales decoran los espacios creando una silueta única. Los interiores reflejan dinamismo y distinción, estableciendo un equilibrio para convertir estas imponentes torres en una sola experiencia holística. glrarquitectos.com

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La PERSONALIDAD de una librería/biblioteca CENTRO CULTURAL ELENA GARRO | FERNANDA CANALES + ARQUITECTURA 911SC | SUR DE LA CIUDAD DE MÉXICO, 2013

El diseño de este espacio contempla los árboles existentes como pieza clave del proyecto, los cuales adquieren una gran jerarquía y se complementan con una serie de espejos de agua en el exterior, así como con dos grandes muros verdes.

Fotos Rafael Gamo y Jaime Navarro

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Los jardines adquieren mayor relevancia al estar integrados en la plaza de acceso y en el sentido longitudinal del volumen del inmueble existente.

UBICADO EN COYOACÁN, este proyecto consiste en la remodelación de una casona ya existente de princpios del siglo xx, cuyo inmueble catalogado se convirtió en el Centro Cultural de la calle Fernández Leal. Así fue como –bajo la dirección de la arquitecta Fernanda Canales– el Centro Cultural Elena Garro atravesó por múltiples retos al construirse en una ciudad que en realidad es un lago, un lugar que se hunde, se inunda y en el que los temblores están a la orden del día; de hecho, al comenzar la obra constructores e ingenieros se encontraron agua a 30cm del nivel de la banqueta. “La idea era generar un gran porche delantero que enmarcara la casa existente y permitiera esparcir los libros en la calle, además de mantener los árboles en el espacio y darle nuevos aires de vida a una casa pequeña que estaba abandonada”, cuenta Canales. La necesidad de proteger la propiedad existente llevó a la decisión de que el proyecto resaltara nuevos usos respetando el cerramiento original. Por tanto, la obra consta de varios elementos

que definen las intervenciones: la primera parte marca la entrada como si fuera una especie de entramado, conectando la obra a la calle y resaltando las viviendas existentes; al final del terreno, hay un espacio rectangular distribuido en tres plantas, compuesto por sala multifuncional, almacén, servicio y estacionamiento en planta baja. Estos fragmentos marcan diferentes recorridos e intentan unir diferentes partes del todo. El primer elemento se extiende por la acera hasta la calle, enmarcando la vivienda existente, resaltando el porche de paso central y dando paso al interior de la biblioteca, y está compuesto por dobles alturas y aberturas para introducir luz natural. La casa antigua se convierte en el espacio central, dedicado a la librería, que se puede ver desde la calle como un espacio amplio y público. El visitante es llevado al nivel superior de la librería a través de una escalera que continúa la forma de la escalera original. Al igual que el primer piso, los tres espacios que componen el proyecto están conectados entre sí por librerías y conducen a la parte inferior

del espacio posterior a través de una escalera, que conecta las diferentes plantas y da acceso al estacionamiento. La escalera también conduce a una terraza en el nivel del techo. Por medio del pasillo central dentro de la librería, se conecta al nuevo volumen detrás de la estantería. Por lo tanto, ingresar al salón multifuncional, el aula y el almacén resultará en tener que pasar por la biblioteca. La conexión entre los dos objetos se articula en torno a la secuencia entre lleno y descargado, la terraza y el ascensor se tratan como una caja transparente como centro de la junta. Este pequeño patio con un restaurante muestra el ‘puente’ que conecta estos dos espacios. Las grandes alturas de la casa original se aprovechan para generar –en el nuevo bloque trasero– alturas intermedias destinadas a servicios y a un estacionamiento en planta baja. La azotea del nuevo edificio se propuso como techo verde para continuar esta serie de espacios encadenados. fernandacanales.com

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Preservando LA HISTORIA MUSEO AMPARO | TEN ARQUITECTOS | PUEBLA DE ZARAGOZA, PUEBLA, 2013

Con su actualización arquitectónica, el Museo Amparo reafirma su posición como centro cultural de referencia en México, tanto por la importancia de su colección permanente y exposiciones temporales como por sus edificios e instalaciones.

Fotos Agustín Garza y Michael Moran

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COMO HOMENAJE a Amparo Rugarcía Espinosa, el Museo Amparo se estableció en 1991 con el objetivo de preservar, estudiar, exhibir y difundir el arte antiguo, virreinal, moderno y contemporáneo de México y el mundo. Existen varios edificios con importante valor histórico y arquitectónico como sede en el centro de Puebla, y uno de ellos era este recinto, por ello, en 2010 el arquitecto Pedro Ramírez Vázquez tomó la batuta de la remodelación de los edificios para poder albergar las diversas colecciones. La Fundación Amparo comenzó el proyecto de renovación arquitectónica, otorgándole la responsabilidad al despacho de TEN Arquitectos para que el desarrollo del proyecto lograra una adecuación a la vanguardia y reglamentaciones en materia museográfica, circulaciones y accesibilidad a personas con discapacidad, teniendo como meta principal otorgar al Museo Amparo una serie de facilidades para convertirse en un espacio de diálogo entre sus exposiciones y un lenguaje arquitectónico contemporáneo. El comienzo de esta nueva etapa comenzó en 2009 y llegó a su fin en 2012; durante tres años, el equipo de arquitectos: Enrique Norten, Salvador Arroyo, Carlos Salas, Alejandro Solís, Marisol

Moreno, Daniel Hernández, Omar Bárcenas, Luis Farfán y Fraid Hernández, entregaron su amplia experiencia y formidable pasión a una superficie de 12,000 m2, en la cual decidieron construir un espacio para otorgar a la comunidad la sensación de pertenencia con el recinto. La estructura del proyecto se basó en la renovación de las salas para exposiciones temporales y permanentes, la modernización del auditorio y la adecuación de las azoteas, logrando entablar una relación con el paisaje urbano del Centro Histórico de Puebla, que transforma la relación del edificio con su contexto y otros cambios que han dejado huella en esta renovación. El Museo Amparo reafirmó su postura al presentarse como centro cultural de referencia tanto en Puebla, como en el resto del país, por su completo programa de actividades culturales y educativas que ofrece a la sociedad, así como su nueva versión vanguardista arquitectónica, fruto del limpio y cuidadoso trabajo de la renovación realizada por TEN Arquitectos. ten-arquitectos.com

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Entre acero y CONCRETO CENTRO ROBERTO GARZA SADA DE ARTE, ARQUITECTURA Y DISEÑO | TADAO ANDO ARCHITECT & ASSOCIATES + LENOIR & ASOCIADOS | 2013, NUEVO LEÓN, MONTERREY

El estilo de un edificio sin color ofrece la imagen de una pieza al natural, mientras que el gris del concreto se asemeja a las montañas que circundan el paisaje. Además, el acabado de concreto aparente y la ausencia de piezas precoladas convierten a este edificio en una magna obra artesanal.

Fotos Archivo Glocal

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Concreto y cristal , en su propia desnudez, hacen de este lugar un sitio emblemático.

Con más de 40 años de carrera adquirida de manera autodidacta, Tadao Ando ha dejado una imborrable huella en México con esta obra. EL ARQUITECTO JAPONÉS Tadao Ando se ha caracterizado por sembrar su trabajo con concreto aparente, mostrar su tratamiento sensible con la luz natural y su fuerte compromiso con la naturaleza. Sin duda, ha dejado huella en cada uno de los territorios en los que ha contribuido con sus obras; un claro ejemplo está en México con un centro académico que fortalece y apoya a los estudiantes: el Centro Roberto Garza Sada en la Universidad de Monterrey. Al despacho internacional de Tadao Ando Architect & Associates se sumó la colaboración del estudio mexicano LeNoir & Asociados para crear una sinergia formidable y construir el recinto que impulsa el futuro de los jóvenes mexicanos. Ubicado en el estado de Nuevo León e inaugurado en 2014, este espacio es considerado: “La puerta de la creación” y ha sido un lugar lleno de pasión,

cuidado, belleza y arte no sólo para las mentes creativas, sino también para docentes y estudiantes que ahí desarrollan sus habilidades y diversas tareas de aprendizajes académicos. Este edifico, que reside al interior de la Universidad de Monterrey, presenta un espacio de bienvenida con un acceso intelectual y un hito arquitectónico; se muestra a primera vista como majestuoso, y es –nuevamente– el concreto aparente el que le ha regalado una particular e impotente personalidad. En su libre expresión, se presencia la alta creatividad que emana de él, ya que en el cuerpo geométrico ortogonal se cavó un generoso espacio inferior, queriendo reafirmar la idea crear una ilusión óptica de un pórtico. El complejo plasma un gesto vigoroso en concreto para dar la bienvenida a los alumnos, profesores, colaboradores y visitantes como otro de los símbolos más significativos de la Universidad de Monterrey. La dificultad de su diseño se caracteriza por trabajar en la trasformación de simples muros a un espacio que impulsa la creatividade innovación. El proyecto se levanta en 13,155 m2; el inmueble mide 99 metros de largo por 27 metros de ancho y cuenta con seis niveles de altura, que arrojan 5.40

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Fotos Archivo Glocal

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metros entre cada uno de éstos; para su construcción se requirieron 800 toneladas de acero y 1,300 metros cúbicos de concreto. La estructura se basa en concreto y acero que envuelven las formas geométricas, cuyo objetivo es replicar las formas de las montañas para encajar con el entorno que rodea esta obra. Se trata de dos abanicos que se encuentran, con claros de diferentes alturas por cada lado. Un aspecto que distingue este centro educativo es la serie de pliegues que simulan una pieza doblada a la que se le denomina: ‘la vela’, cada una de éstas se presenta de diferentes tamaños –la más larga de ellas es de 77 metros– y formas, por lo que debieron realizarse forzosamente a mano; gracias a ello también es catalogado como una estructura artesanal.

El Centro Roberto Garza Sada de Arte, Arquitectura y Diseño cuenta con dos ágoras tanto en oriente como en poniente, cuya descripción se muestra como espacios abiertos concebidos para que una colectividad pueda compartir su aprendizaje. Las áreas lúdicas están inspiradas en el concepto de la antigua ágora griega, en la que los estudiantes y maestros dialogaban uno de lado de otro en total libertad, y guarda una forma semicircular que fomenta la convivencia estudiantil. tadao-ando.com lenoir-asociados.com

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Este edificio se lee como: un umbral hacia la creación con sus volúmenes de concreto, masivos y poderosos.

La compleja superficie geométrica, a los que le han llamado: ‘la vela’, por su estrutura que emana de un triángulo y de la paraboloide, ha sido uno de los principales retos a los que tuvieron que hacer frente para construir este recinto.

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Museo ESCULTÓRICO MUSEO JUMEX | DAVID CHIPPERFIELD ARCHITECTS | CIUDAD DE MÉXICO, 2013

Aunque la calidad individual de sus edificios vecinos anula cualquier intento de integrar este museo a un contexto urbano particular, el inmueble destaca por sí solo por su volumetría y envolvente escalonada.

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Fotos Simon Menges

El edificio se describe como un pabellón independiente que corresponde a una naturaleza ecléctica.

ESCOLTADO por grandes edificios comerciales, el sitio restringido del museo está delimitado por la calle principal Miguel de Cervantes Saavedra, las vías de la línea del Ferrocarril de Cuernavaca y una propiedad adyacente hacia el Este. La ausencia de un paisaje urbano discernible hace que el proyecto se inscriba cómodamente en un arquetipo de coherente estética, por lo que se ofrece una oportunidad única para crear una construcción distinta que contribuye simultáneamente a la conformación de un contexto urbano más amplio y diverso. La masa del inmueble responde a la planta no ortogonal del sitio, que explota para proporcionar la máxima huella mientras entrega su programa arquitectónico dentro de las limitaciones de los requisitos de planificación local. Actualmente, el museo presenta un programa de exposiciones temporales, incluyendo obras

de la Colección Jumex en constante expansión. Como tal, los espacios de la galería se han adaptado a diversas técnicas de exhibición tanto para los comisarios internos como para invitados y visitantes. Con un ambiente informal, el edificio no sólo alberga exposiciones, sino que también proporciona una plataforma para el discurso y las actividades educativas, como conferencias y proyecciones de películas que se llevan a cabo en las salas de la galería en lugar de espacios separados. El espacio de exposición principal se encuentra en los pisos superiores y optimiza el uso de la luz natural para la galería. Cada área comprende una serie de lugares que brindan convivencia social y comunitaria. Una lógica multifunción de lados abiertos se encuentra entre las galerías superiores y la planta baja, lo que permite a los visitantes disfrutar de vistas elevadas del paisaje y de la vida urbana de la calle. El formato de las placas del suelo y la posición de los núcleos del edificio proporcionan grandes habitaciones singulares que se pueden subdividir fácilmente en dos o más espacios individuales. El distintivo techo en forma de diente de sierra crea una geometría rítmica que define el tercer piso, el cual consta de una estructura de acero con luces de techo orientadas al Oeste y una capa difusora; el techo distribuye la luz uniformemente para iluminar las obras de arte y crea una luz ambiental para el espacio. La iluminación se puede moderar para cumplir con requisitos curatoriales.

La planta baja alberga las instalaciones de almacenamiento de arte, salas de planta, administración, oficinas y un salón de usos múltiples. Cuatro pisos más abajo se cuenta con un amplio estacionamiento. Descansando sobre catorce columnas, toda la propiedad se asienta sobre un pedestal elevado, permitiendo que la planta baja se fusione con la plaza pública. Este concepto de maximizar el espacio de acceso público continúa desde la plaza hasta el primer piso del edificio. El zócalo, las columnas, los núcleos de la planta baja y primer piso, y los plafones son de hormigón blanco visto, mientras que las fachadas, el techo y los suelos –desde el zócalo hacia arriba– están hechos de travertino de origen local de Xalapa, Veracruz. Todas las ventanas son acristaladas de altura completa con marcos de acero inoxidable. La continuidad del revestimiento de travertino le da al edificio un carácter sólido que hace recordar las tradiciones indígenas escultóricas. davidchipperfield.com

Metal y estructuras APARENTES UNIVERSIDAD CENTRO | TEN ARQUITECTOS | CIUDAD DE MÉXICO, 2015

El diseño de este campus universitario sobresale por tener una estructura ‘flotante’ que alberga una mediateca de cuatro niveles y que sirve como puente entre dos de los edificios del complejo.

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Fotos Michael Moran y Luis Gordoa

Este plantel educativo está concebido a partir de volúmenes yuxtapuestos.

EN PRINCIPIO, cuando la Universidad CENTRO se construyó en 2004 –por iniciativa de Gina Diez-Barroso y Abraham Franklin– era una institución de educación superior en diseño, comunicación, marketing, cine y medios digitales a nivel de pregrado y posgrado, con la idea de convertirse en un referente en el campo educativo en México. Este es un edificio en la zona de Lomas de Chapultepec que, con el tiempo y el crecimiento de la institución, aumentó su mátrícula de estudiantes y personal administrativo, lo que demostró que las instalaciones no estaban siendo lo suficientemente aptas para la capacidad que en realidad se requería. Por ello, en 2012, con el fin de brindar mayor y mejor equipamiento e instalaciones profesionales, fue necesaria la ampliación del campus, proyecto realizado por TEN Arquitectos en un nuevo espacio. Dicho desarrollo se proyectó en una de las calles más activas de la Ciudad

de México: Avenida Constituyentes, una calle memorable en donde también se puede admirar directamente el Bosque de Chapultepec, por lo que el despacho tuvo que tomar en cuenta todas las áreas del entorno del espacio y detallarlas de acuerdo con el plan académico de CENTRO. El nuevo plan de construcción de CENTRO –que puede acomodar a más de 2,500 estudiantes– se integra desde el volumen entre los bucles. La estructura alberga una biblioteca multimedia y un puente que permite la unión entre dos edificios. Además de la biblioteca, el plan también incluye un auditorio con capacidad para 360 personas, oficinas administrativas, talleres, aulas, estacionamiento subterráneo, foros de cine y áreas profesionales de diseño industrial, editorial y laboratorio de fotografía. El artista holandés Jan Hendrix, radicado en México desde hace varios años, recibió el encargo de diseñar la monumental escalera que refleja el espíritu moderno de la institución, para la cual trabajó ‘mano a mano’ con material de mármol, granito y resina. De esta manera, su diseño representa la continuidad del trabajo que se realizó anteriormente. El muro exterior del campus anterior representa un conjunto de semillas, por lo que, en las instalaciones actuales el tema principal del espacio se enfocó hacia la germinación de estas semillas en varias flores.

Hace 33 años, desde que Enrique Norten fundó el despacho TEN Arquitectos (por sus siglas: Taller de Enrique Norten Arquitectos), se han realizado múltiples desarrollos que han permitido presentar un extenso portafolio de proyectos culturales, residenciales, hoteles e infraestructura. El reconocido despacho diseña siempre con perspectiva global y sensibilidad internacional, por ello cuenta con oficinas en la Ciudad de México, Nueva York y Miami. Sin duda alguna, el taller de arquitectura ha expandido su conocimiento por todas las partes del mundo, incluyendo el Guggenheim Museum de Guadalajara, la New York Public Library, la Rutgers Business School en New Jersey, entre otros que destacan como CENTRO. ten-arquitectos.com

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Un ícono para EL FÚTBOL ESTADIO BBVA BANCOMER RAYADOS MONTERREY | VFO ARQUITECTOS + POPULOUS | MONTERREY, 2015

La imagen industrial contemporánea en este espacio hace presente a la industria regional tomando como pretexto el diseño de las ollas de cocción de la malta con la que se prepara la cerveza local como un gesto hacia el dueño del equipo de Los Rayados.

Fotos cor tesía VFO Arquitectos

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Por su desarrollo de punta, este recinto fue nombrado sede para el mundial de fútbol 2026 por la FIFA.

EL ESTADIO de Fútbol Monterrey, espacio al que hoy se le conoce como Estadio BBVA (casa de Los Rayados de Monterrey), le fue entregado un cuidado muy especial por parte del despacho VFO arquitectos, ya que la experiencia de planear, diseñar y ejecutar este proyecto fue muy significativa: crear una extensión para todos los aficionados del equipo, lo cual no se trataba de una tarea sencilla. La experiencia de aplicar los conocimientos adquiridos del diseño del Estadio de las Chivas fue sin duda, uno de los momentos más significativos para este reconocido despacho, debido a que tenían en sus manos la responsabilidad de construir un proyecto emblemático para la ciudad de Monterrey. “Levantar un ícono para la ciudad conlleva implicaciones sociales enormes, fue una de las vivencias que marcaron un antes y un después al equipo de trabajo”, cuenta Luis Fernández de Ortega, socio director de VFO arquitectos. El diseño de este recinto fue diseñado en conjunto con la firma norteamericana Populous, antes conocida como HOK Sports. El estadio se construyó sobre una superficie de 110, 000 000 m2 en un predio de 28 hectáreas; tiene una capacidad de 53,500 espectadores, 324 palcos y dos restaurantes.

Los dueños del equipo de fútbol, quienes en ese entonces tenían un negocio de cerveza, juegan un papel muy importante en el diseño, ya que de ellos emana la inspiración del estadio. La forma de este apasionado espacio se basa en las ollas de cocción de la malta para cerveza. Grupo FEMSA encomendó la tarea del proyecto a VFO arquitectos y a HOK Sports en 2008, luego de siete años de arduo trabajo, el estadio finalmente fue inaugurado en 2015. El equipo de VFO estuvo a cargo del desarrollo del proyecto, así como de la dirección arquitectónica de la obra, en colaboración con varios especialistas de diversas materias, desde arquitectura de paisaje, alimentos y bebidas, protección civil e iluminación, entre otros. La estructura de este desarrollo es compleja, y se presenta a través de una serie de trípodes que forman un tejido sucedido que recuerda una letra ‘M’; estos trípodes colados en sitio reciben en la parte baja los niveles de palcos y en la parte superior las gradas prefabricados del segundo nivel de tribuna. Simultáneamente hacen puntos de conexión con la cubierta y fachada sostenidas por las estructuras metálicas y forradas con lámina de aluminio.

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Con el objetivo de lograr el nivel de precisión y exigencias de cada uno de los sistemas constructivos, se optó por hacer elaborados modelos tridimensionales cuidadosamente trazados en campo para conseguir la integración correcta de los mismos. Este estadio de fútbol es un lugar emblemático, un espacio con doble funcionalidad, ya que no sólo permite la entrada al deporte, sino también a los espectáculos; así como se han vivido momentos llenos de pasión en el fútbol, también se ha visto la locura tras el concierto que dio el cantante de música pop, Justin Bieber en 2017. La isótopica es el elemento fundamental del diseño, y se cuidó en cada rincón del estadio, tanto ver-

tical como horizontalmente, de tal manera que todos los visitantes pueden tener una visión completa de la cancha. Asimismo, el ancho de la tribuna se creó con una profundidad de 84 cm, la óptima y necesaria para permitir el paso cómodo de los espectadores. La fachada y cubierta de este emblemático y significativo espacio cuenta con una serie de aperturas a modo de branquias que permite el flujo de aire del exterior y atraviesa el estadio de lado a lado. v-fo.com populous.com

ESPECIAL DÉCIMO ANIVERSARIO

Fotos cor tesía VFO Arquitectos

Conjuntar tres sistemas constructivos diferentes para lograr hacer un estadio con una imagen unitaria representó un reto técnico muy importante que debió ejecutarse en obra cuidadosamente.

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Frente a la Torre BBVA que busca ser un elemento icónico en el perfil citadino, este Centro Operativo ofrece una escala distinta, más acorde al contexto. Para ello, en lugar de ser un edificio compacto que impacte sobre la zona, su volumetría se escalona y descompone en diversos cuerpos de vidrio con distintas alturas.

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Actualidad y MODERNIDAD del siglo xxi CENTRO DE OPERACIONES BBVA BANCOMER | SKIDMORE, OWINGS & MERRILL LLP (SOM) + IDEA ASOCIADOS | CIUDAD DE MÉXICO, 2015

Foto Rafael Gamo

El uso fundamental de este espacio es servir como espacio de oficinas. Éstas ocupan la mayor parte de la superficie y se suman a otras áreas que complementan el programa: un jardín y huerto urbano, sala de conferencias y terrazas con vistas sobre la ciudad.

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Fotos Rafael Gamo

Este centro de operaciones es el resultado de concursos premiados, que cambiaron por completo el entorno laboral de BBVA Bancomer en el siglo xxi. EL CENTRO DE OPERACIONES de 154,000 m2 creado por el despacho Skidmore, Owings & Merrill LLP (SOM), en colaboración con la firma mexicana IDEA Asociados para llevar a cabo la dirección arquitectónica de obra del proyecto, es un hito arquitectónico que consolidó y reposicionó la ubicación física de BBVA Bancomer en la Ciudad de México. Este avanzado edificio, ambientalmente sostenible, tiene 135 metros de altura, elevando el umbral de nuevos proyectos comerciales en la capital mexicana y mejorando la imagen de BBVA Bancomer en América Latina. El diseño de SOM es adecuado para transformar la estructura operativa de la empresa de un modelo jerárquico tradicional a una organización colaborativa más horizontal. A través de oficinas abiertas y espacios interactivos compartidos, el edificio brinda oportunidades para reuniones informales.

Como parte del desarrollo planificado en un entorno urbano denso, el proyecto está relacionado con su entorno residencial circundante a través de escalas. Se considera una “ciudad vertical”, un conjunto de volúmenes verticales desplazados en sus intersecciones para crear puntos de conexión, equipado con cafetería, salón, terraza exterior y espacio para reuniones y otras instalaciones para potenciar el sentido de comunidad entre los empleados. Las vívidas características estructurales del edificio crean una sensación de escala y vitalidad visual, lo que contribuye a las características peatonales del área y crea un ambiente interior propicio para la productividad. El edificio recibió la certificación LEED Gold y elevó los estándares de calidad y desempeño del inmueble en el mercado comercial de la Ciudad de México. “El exquisito muro cortina de vidrio del proyecto está rodeado por mamparas verticales de listones escalonadas, que han sido calibradas según el ángulo de los paneles de vidrio. Reduzca la absorción de calor solar, mientras maximiza el campo de visión y filtra la luz solar. El proyecto promueve la sostenibilidad ambiental de toda la estructura, así como muchas características de ahorro de agua y energía integradas en el diseño”, describen los arquitectos.

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SOM tenía la tarea de crear un edificio que transforma la imagen de BBVA Bancomer en una compañía adentrada en el siglo xxi con una cultura mucho más abierta, colaborativa e inteligente.

El desarrollo estableció nuevos puntos de referencia para la región, como la redundancia, para superar cortes ocasionales de energía en la región. El centro de operaciones está ubicado cerca del renovado Parques Polanco y ha contribuido a la revitalización de esta antigua zona industrial. La torre está ubicada en una intersección prominente cerca del espacio verde abierto, proporcionando un importante punto de anclaje comercial para el plan maestro de uso mixto de la comunidad. Desde el inicio del proyecto, el desarrollo residencial y comercial en los alrededores se ha incrementado. Este desarrollo estimuló la inversión en el ámbito público, incluidas mejoras en espacios abiertos, paisajes y paisajes hostiles, lo que despertó más interés en el área. “La edificación es un cuerpo geométrico en permanente cambio con la luz del día. Al acercarse, uno descubre que los prismas en la fachada

son una ilusión óptica generada por los perfiles diseñados para el desvío de la luz. Los estanques, los muros verdes, las plazoletas, todos se integran a manera de prólogo a la suntuosidad que se percibe al ingresar al vestíbulo”. La escala de tonos en blanco, gris y marfil prevalente en los interiores, destacan con acentos de color en su mobiliario para diferenciar sus diversas áreas, y es que –por el alto nivel de concentración que demandan las operaciones en este centro– los espacios de trabajo están diseñados para desempeñar las labores con asertividad y sin distracciones. som.com ideasociados.com

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SENCILLEZ visual CAPILLA RLJ | RICARDO YSLAS GAMEZ ARQUITECTOS | SAN JUAN COSALÁ, JALISCO, 2016

Un espacio de culto con volumetría simple en el que sobresale el uso de materiales naturales como madera, cantera y piedra, además de herrerías personalizadas.

Fotos Jaime Navarro

El proyecto se caracteriza por el uso del hormigón visto y acero como materiales dominantes.

“EL PROCESO CREATIVO y constructivo de la Capilla RLJ tiene un significado muy especial para Ricardo Yslas Gámez Arquitectos, ya que es el primer proyecto religioso que desarrollamos como despacho y nos dio la oportunidad de crear una arquitectura con significado espiritual, en donde la sobriedad volumétrica fue indispensable por la función del espacio en sí mismo, al mismo tiempo que el manejo de la luz ayudó a resaltar la estructura y a enfatizar las texturas, todo lo cual contribuyó a enriquecer el proyecto”, platica Ricardo Yslas Gámez, fundador de este taller. “Fue un proyecto muy especial –continúa en su relato–, pues se logró con una idea arquitectónica simple mediante el juego geométrico de dos grandes muros de concreto y la estructura de la cubierta, la cual se transforma a lo largo

de los muros. Por un lado, el volumen principal es rematado con patio con una cruz escultórica suspendida –la cual fue la primera obra artística en acero hecha por el propio arquitecto Ricardo Yslas Gámez– y en su lado opuesto, se encuentra con el área del coro, como un sólo elemento de madera diseñado para funcionar acústicamente”. Otro factor que tiene gran significado para el despacho, es el valor y sentido de pertenencia de la Capilla hacia su comunidad, generando la apropiación tanto de los usuarios del complejo de eventos, así como de los habitantes de su comunidad; siendo administrada por el párroco de San Juan Cosalá, Jalisco. Ubicada hacia las orillas del lago Chapala, cerca de la ciudad de Guadalajara, Capilla RLJ se integra a la topografía natural del predio sin afectar la vegetación existente. Se aprovecharon materiales como piedra, teja y madera de la región, además de concreto y herrerías básicas. Los muros de concreto albergan también un

patio al descubierto en el que, al centro, se encuentra suspendida de los muros la cruz de acero, diseñada y fabricada por el despacho. Este patio remata al fondo con un muro de cantera diseñado con una fuga geométrica que acentúa la profundidad del patio sobre el que flota la cruz. En el interior se buscó la simpleza, adornando únicamente con los muebles esenciales que conforman una capilla. Asimismo, la Capilla RLJ cuenta con una salida hacia el resto del rancho, el cual también puede ser utilizado como acceso al salón de eventos, construido como parte del mismo complejo. Este proyecto ganó el premio Faith and Form de Estados Unidos, otorgado específicamente a proyectos nacionales e internacionales de carácter religioso. También obtuvo una mención honorífica en la iii Bienal de Arquitectura (2017) en la Ciudad de México. ricadoyslasgamez.com

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Fotos cor tesía Teodoro González de León

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La arquitectura INVERTIDA TORRE VIRREYES | TEODORO GONZÁLEZ DE LEÓN | CIUDAD DE MÉXICO, 2016

En conjunto con Grupo Danhos y la firma londinense Arup, Teodoro González de León planificó esta torre en un terreno muy pequeño de 4,479 m2 del cual logró 126,000 m2 de superficie construida.

TEODORO GONZÁLEZ, nació en la Ciudad de México el 29 de mayo de 1926 y falleció en septiembre de 2016; fue un catedrático reconocido por su personalidad arquitectónica, que es conocida como sello distintivo en la Ciudad de México, con diversas obras que son emblemas arquitectónicos para la sociedad mexicana. Es uno de los arquitecto mexicanos altamente aplaudido por su maestría para plasmar el pasado ancestral y fusionarlo con la cultura actual y crear de ello arquitectura contemporánea, hizo que el mundo entero volteara a ver su trabajo ya que dignificó ante los ajenos lo que el México actual era: imponente, pleno y en plena evolución. Durante su trayectoria creó su área de expertise y mostró su visión a través de planos de museos, edificios gubernamentales, universidades y complejos de oficinas. La monumentalidad de muchos de sus desarrollos evoca en las pirámides y plataformas de las ciudades antiguas de Mesoamérica y en los importantes palacios e iglesias de los conquistadores de Sudamérica. Una de las obras más complejas, por tanto, impresionantes y fascinantes que el catedrático y su equipo realizaron, fue la emblemática Torre Virreyes ubicada junto al Bosque de Chapultepec. El proyecto incluyó la recuperación del edificio de Vladimir Kaspé, el antiguo Súper Servicio Lomas, que corona el inicio del conjunto, y que es tan importante que la obra giró en torno suyo. Esa forma trapezoidal no es un capricho, es producto de muchas maquetas (unas 15 aproximadamente) que trazó el arquitecto González de León para saber cómo volar encima del edificio de Kaspé. Y es precisamente esa configuración la más lógica, la más prudente para resguardar el edificio histórico. La torre –que cuenta con 24 niveles de oficinas, 1 de comercio y 16 de estacionamiento,

plantas de oficina de hasta 3000 m2 y 2550 m2 de azotea verde– fue un logro realizado gracias a la interacción y el constante diálogo entre arquitecto y cliente. El inmueble resolvió de manera eficiente sus formas, pues pudo prescindir de columnas en sus espacios de 16 metros libres. Todo está sostenido de un núcleo de concreto, colado en sitio, que sujeta a la estructura y la vuela 60 metros. La clave es ése núcleo. El estacionamiento lo rodea en una pendiente de 4% que nadie parece percibir, y sale por una rampa helicoidal. Dos alas surgen del centro del inmueble pegadas al núcleo que la sostiene, una de ellas avanza más que la otra y la otra se vuela más, y se juntan a 125 metros de altura. Eso es precisamente porque el edificio de Kaspé tiene una saliente que se aprovechó así. A nivel de piso, por otra parte, se creó una plaza pública que está integrada al Parque de la Luz recuperado, perfectamente

jardinado y limpio, un área que destaca además por las dos esculturas del suizo Ugo Rondinone: Los Gigantes de Piedra, que son como esculturas prehistóricas que tienen una gran fuerza. Aprovechando que no existen columnas que estorben a la vista, el vestíbulo fue colocado al fondo, del lado del jardín, no del acceso, así el peatón debe atravesar la plaza, observar las esculturas, el parque y encontrar al final la recepción: transparencia, verdor y espacio es lo que percibimos. Es un lugar impresionante de 50 por 16 metros con una gran altura. Torre Virreyes tiene otra característica que ha sido muy apreciada por los hoy –y los futuros– inquilinos del inmueble, la cual no la tiene ningún otro edificio en México, y es que su forma hace que no haya ni un piso igual a otro, todos van variando y eso le da una riqueza de convertirse en espacios inigualables.

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Muros curvos de CONCRETO BLANCO MUSEO INTERNACIONAL DEL BARROCO | TOYO ITO & ASSOCIATES | PUEBLA, 2016

Este espacio opta por cortar con el orden rígido de la arquitectura arcaica para conseguir espacios fluidos sin romper la conexión con la vegetación del lugar, dejando emanar el espacio conforme a su entorno.

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Fotos Patrick López Jaimes/Danstek y Luis Gordoa

Gracias a un sistema de iluminación digital, el recinto ahorra hasta 40% en consumo de energía.

EL MUSEO INTERNACIONAL DEL BARROCO (MIB) es un espacio que invita a escuchar el susurro del tiempo con espacios de concreto que fluyen y desembocan en el diálogo entre la raza humana y la naturaleza a través de la comunicación por medio del aprendizaje y el paseo. El proyecto original se planeó con el objetivo de mantener la conservación, investigación y difusión de las diversas manifestaciones del arte barroco, para mostrar sus vertientes artísticas, culturales y tecnológicas. La obra arquitectónica fue diseñada por el arquitecto japonés Toyo Ito como parte del plan de infraestructura turística y cultural del gobierno de Puebla. La idea se basó en hacer una contribución a la sociedad para generar un mayor interés por el arte y una mejor apreciación del valor que el arte aporta a la ciudad y a todo el país. Este emblemático desarrollo incita al turismo, el arte

y al conocimiento, tres disciplinas que conjugan entre sí para lograr atraer a más visitantes no sólo de México sino del mundo entero. La mente creativa del museo decidió sumergirse en el mundo del origen y secretos del barroco para lograr crear el concepto arquitectónico idóneo para las exigencias del cliente. Para materializarlo, se llevó a cabo una convergencia de profesionales mexicanos y japonenses. Shuichi Kobari y Alejandro Bribiesca –colaboradores creativos dentro del MIB– revelan que: “el desarrollo del proyecto ejecutivo, las diversas ingenierías y la construcción fueron actividades realizadas por profesionistas mexicanos. Equipos que estuvieron a la par de un proyecto y una obra arquitectónica de máxima complejidad en donde el tiempo fue uno de los mayores retos”. Toyo Ito retomó tres elementos fundamentales del arte barroco para la construcción del Museo Internacional del Barroco: el movimiento, la luz natural como claroscuro y la relación hombre-naturaleza. Estos tres factores se expresaron a través de la forma con la que la que se lograron generar espacios fluidos y responder a las complejas necesidades de los museos internacionales. El edificio, el cual brota de la tierra como un manantial que crece –según la descripción del arquitecto Toyo Ito– se intentó de cierta manera controlar al interior, expulsando y poniendo

barreras al exterior, bajo una filosofía antro-centrista en la que la arquitectura se traduce en una trama funcional. La superficie del lugar se enmarca en 5 hectáreas, con 9,855 m2 construidos en la primera planta, 978 m2 en la planta mezzanine y 7,316 m2 en la segunda planta, obteniendo un total de 18,149 m2 de construcción esparcidos por sus diferentes niveles. La arquitectura se debe mostrar como un árbol, siendo éste un organismo que crezca y se desarrolle en función de su entorno para regalar experiencias que enriquezcan la vida de las comunidades a su alrededor. La estructura del edificio está construida en concreto armado precolado y concreto armado, y se emplearon sistemas prefabricados de muros y losas. Para los muros curvos con hasta 17º de inclinación se utilizaron 701 paneles precolados de concreto blanco fabricados con 65 moldes de diversos tamaños y formas, mientras que las losas de hasta 23 m, se requirieron 670 piezas. toyo-ito.co.jp

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ALTURA y sustentabilidad TORRE BBVA BANCOMER | LEGOROGERS + LEGORRETA + ROGERS STIRK HARBOUR PARTNERS | CIUDAD DE MÉXICO, 2016

Este rascacielos aporta presencia y personalidad en su totalidad al paisaje urbano de la ciudad de México, adecuándose de manera satisfactoria al entorno e incluso mejorándolo, ya que su ubicación sobre Paseo de la Reforma es única.

Fotos Lourdes Legorreta y María Dolores Robles

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Un edificio alto, que como tal demandaba una arquitectura ligera.

La estrcutura de este rascacielos ha renovado el skyline de la Ciudad de México. EL 9 DE FEBRERO DE 2016 fue inaugurada Torre BBVA Bancomer por el expresidente Enrique Peña Nieto en el perfil urbano de la Ciudad de México. Este complejo de oficinas fue el primer edificio construido de LegoRogers, en conjunto con la firma mexicana Legorreta y el despacho británico Rogers Stirk Harbour + Partners. El desarrollo emanó de una propuesta de emplazamiento para generar un nuevo espacio que diera soluciones a las aspiraciones de BBVA Bancomer para establecer su nueva sede en la Ciudad de México. Esta emblemática torre se encuentra ubicada sobre Paseo de la Reforma y marca la entrada hacia el Bosque de Chapultepec, con un paisaje lleno de vegetación y jardines elevados que miran hacia la ciudad y el parque. El nuevo complejo se basa en la reinterpretación de la compañía financiera, cuya creación comprende un espacio de oficinas y ofrece una variedad de novedosos entornos de trabajo para todos sus colaboradores enriqueciendo el modelo universal del espacio comercial.

La estructura del espacio se presenta en una superficie de construcción total de 188, 777 m2, en un área de 78,800 m2 de oficinas, con 50 pisos sobre el nivel de banqueta y 3 pisos adicionales técnicos, con una altura de 235 metros. La torre exhibe una arquitectura que pretende proponer un sentido de pertenencia, comunidad e interacción entre el staff, ya que en la planta baja –que recibe a los visitantes con una entrada monumental de triple altura– vincula las operaciones cotidianas de la sucursal bancaria con los negocios comerciales a nivel ejecutivo que se desarrollan en los pisos superiores. Por un lado, el edificio gira entorno a un núcleo central ligero con un sistema de arriostramiento estructural sujeto a un megamarco metálico para otorgar una amplia flexibilidad en el espacio de oficia. La disposición espacial interna logra responder a la geometría y emplazamiento del edifico en el sitio. Su estructura y centro de servicios corren diagonalmente en la planta y permiten una reinterpretación del área tradicional de oficinas, ofreciendo una variedad

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El diseño de la Torre representa la posición de liderazgo, solidez e innovación que caracteriza al grupo bancario internacional.

El edificio reinterpreta la organización tradicional de un espacio para oficinas. inalcanzable de lugares de trabajo eficientemente organizados. En su estructura vertical, cada nueve niveles se presenta una serie de jardines elevados que brindan la posibilidad de incrementar la riqueza y variedad del espacio, ya que ofrece una opción agrupada en comunidades con vistas al exterior. Hay puntos focales para hacer realidad el sentido de comunidad de trabajo que enfatiza la cultura de la empresa financiera. Una característica de este edificio es su eficiencia en el uso de recursos. La geometría de la estructura diagonal es utilizada para crear una trama de celosías que lo protegen de la luz y el calor del sol, lo que le permitió obtener la certificación LEED Platino. legorretalegorreta.com rsh-p.com

Fotos Lourdes Legorreta y MarĂa Dolores Robles

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Entre muros de CONCRETO EXPUESTO TORRE REFORMA | LBR&A ARQUITECTOS | CIUDAD DE MÉXICO, 2016

Con una imponente altura sostenida por dos grandes muros de concreto y la ausencia de columnas en su interior, Torre Reforma preserva una antigua casona en su fachada y un alto grado de resistencia al movimiento sísmico, como el rascacielos más alto de la Ciudad de México.

Fotos cor tesía LBR&A Arquitectos

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Torre Reforma es un referente de los rascacielos mexicanos de clase mundial por la eficienia en su diseño arquitectónico, tecnología, ingeniería, estructura y sustentabilidad. LA CONCEPCIÓN ESTRUCTURAL del edificio y el proyecto arquitectónico de la Torre Reforma es de LBR&A (L. Benjamín Romano Arquitectos), mientras que el diseño y cálculo estructural estuvo a cargo de la consultora de ingeniería Arup (Nueva York). Por otro lado, las instalaciones fueron concebidas por Arup (Los Ángeles) y la tropicalización de las ingenierías en México corrieron a cargo de DITEC en la estructura, Garza Maldonado, CYVSA y Uribe Ingenieros en las instalaciones MEP. La Torre Reforma se presenta a partir de dos grandes muros de concreto expuesto, desplantados en forma de ‘libro abierto’ con una dirección hacia el Bosque de Chapultepec. Ambos muros dan forma a la volumetría del edificio y contienen el espacio interior; asimismo, soportan la estructura y empotran los cimientos a 60 metros bajo el nivel de banqueta. Son 14 clústeres de cuatro niveles cada uno, con programas e instalaciones independientes, generando espacios diáfanos para la libre adaptabilidad de las oficinas, espacios deportivos, área de servicios y de los diferentes espacios comunitarios. Estos clústeres cuelgan del volumen generado por los muros.

La Torre cuenta con un total de 57 niveles superiores divididos en clústeres y nueve sótanos. El primer clúster se encuentra en los vestíbulos principales y espacios de servicios, telecomunicaciones y el control del edificio (BMS); el segundo de éstos está enfocado hacia los niveles del espacio deportivo; el tercero, cuarto y quinto están destinados para oficinas en renta y sala de juntas para el servicio de los usuarios; el sexto, séptimo, octavo y noveno son oficinas en renta del mid rise; los clústeres décimo, onceavo, doceavo y treceavo son oficinas en renta del high rise. En el volumen posterior de la Torre se encuentran cuatro áreas técnicas y el estacionamiento robótico, cuya capacidad enmarca 480 automóviles. Y los niveles subterráneos incluyen la planta comercial (S-1) y ocho niveles más de estacionamiento privativo con una capacidad de 680 coches. El diseño de la Torre presenta la utilización eficiente de cada uno de los espacios que alberga en su interior con una alta comprensión del impacto climático. Al interior de cada clúster se crearon patios ajardinados de triple altura, ventilados e iluminados naturalmente, que son un perfecto complemento para la vista privilegiada hacia el Bosque de Chapultepec. Para lograr el recorrido de aire y luz natural se realizaron unas rasgaduras de los muros de concreto. Para el proceso de construcción de este recinto se respondieron, como parte intrínseca, plásticamente al proceso de colado, las perforaciones MEP y a las aberturas controladas visuales al exterior, así como a la necesidad estructural de la liberación de energía para la prevención de la zona sísmica. La alta complejidad del desarrollo se presentó al lograr el adecuado flujo de movimiento entre los usuarios, automóviles, telecomunicaciones, drenajes, entre muchos otros elementos con los que necesita contar un espacio adecuado para evitar la saturación de la energía interna; por ello, para el entendimiento del proyecto, en el espacio y la volumetría, todos los factores de energía se amalgaman interesantemente. lbrarquitectos.com

Fotos cor tesía LBR&A Arquitectos

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Patrimonio cultural en RESGUARDO EDIFICIO DEL ARCHIVO HISTÓRICO DEL ESTADO DE OAXACA | MENDARO ARQUITECTOS | SANTA LUCÍA DEL CAMINO, OAXACA, 2016

El edificio está construido en muros de concreto aparente, utiliza el color de la tierra mixteca y está impregnado del color del mortero de cal acabado con yeso. Es un proyecto que literalmente marca el camino dentro de un laberinto de documentos escritos.

Fotos Elena Marini Silvestri

Una sala especial rinde homenaje al investigador, esa figura inmersa en los documentos y que solicita la opinión de los archiveros, quien necesitan silencio y una iluminación ideal.

La riqueza cultural del Estado de Oaxaca se ve reflejada en la arquitectura mural y el claroscuro que se leen en la secuencia de las terrazas que envuelven este espacio. EL ARQUITECTO Ignacio Mendaro Corsini, nacido en Marquina, Vizcaya, es egresado de la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid; fue profesor Asociado al Departamento de Proyectos de esa misma escuela y profesor-visitante en el Departamento de Proyectos de la Escuela de Ingeniaría de Cagliari, Cerdeña entre los años 2004 y 2007. Entre sus obras hechas en México se encuentra el Edificio del Archivo Histórico del Estado de Oaxaca, construido en 2016. Mendaro y su equipo fueron los encargados de darle vida a este recinto, cuyo fundamento es la necesidad absoluta de preservar los acervos documentales que son el Patrimonio de Oaxaca, muchos de los cuales se encontraban en estado de emergencia, diseminados o al borde de su destrucción. Este inmueble se integra a ‘La Ciudad de los Archivos’ ubicada en un sitio altamente simbólico: el parque ‘Las Canteras’, lugar de donde se extrajo la piedra para construir la ciudad de la Verde Antequera. Este hecho enriquece la escena e hizo que el reto

arquitectónico para construir el Edificio del Archivo Histórico se volviera aún más notable y trascendente. Y es que el edificio no sólo se implantó en el parque, sino que generó una inercia para intervenir la totalidad del mismo (12 hectáreas), potencializando los límites del municipio de Oaxaca. La enorme colección de documentos –16 estantes lineales– de la historia de Oaxaca debió pasar por complejos y estrictos controles antes de llegar a la bodega, sobre todo para ser analizado, seleccionado, organizado y clasificado después de una adecuada restauración. Todas estas operaciones requirieron tareas especializadas, cuyos requisitos funcionales tuvieron que cumplirse en la construcción. También era importante que el parque y sus visitantes se beneficiaran de la cultura en los archivos, lo que se resolvió con la integración de estos espacios públicos al edificio principal mediante el ingreso a auditorios, aulas, bibliotecas, salas de exposiciones y cafeterías, sin confundir ni perturbar la organización y restauración del patrimonio. Las alturas de dichos espacios dependen de la topografía; las áreas están distribuidas en cuatro niveles, el primero destinado a las actividades públicas y acceso de los documentos, los niveles superiores destinados a las actividades propias del archivo. Al interior del conjunto, se encuentran los repositorios de documentos que ocupan la superficie mayor. De esta manera, los visitantes pueden navegar por los archivos sin perturbar sus actividades en una serie de patios, que se justifican por la presencia de ciertos árboles de diferentes niveles. Los volúmenes que conforman el edificio se distribuyen respetando los árboles existentes, generando un conjunto de edificios conectados entre sí por patios y pasillos interiores. Los patios que existen dentro del proyecto, además de permitir una ventilación cruzada, capturan una cantidad importante de aguas de lluvia y para el cual se proyectó una red pluvial dirigida a las pozas existentes en el parque. Los dos accesos del edificio, con un salto topográfico de cuatro metros, son el inicio y final del recorrido, la intención de estos dos niveles de acceso es que el edificio esté muy ligado al parque y se pueda convertir de facto en un recorrido peatonal más de los que ya existen. mendaroarquitectos.es

Fotos Elena Marini Silvestri

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Regeneración urbana y SUSTENTABILIDAD FRONTÓN MÉXICO | MOYAO ARQUITECTOS | CENTRO DE LA CIUDAD DE MÉXICO, 2017

Como monumento artístico patrimonial, el Frontón México brinda una valiosa mirada al pasado a través de su composición, al tiempo de su sólida presencia y al carácter de la imagen urbana de la plaza en la que se ubica.

Fotos Jaime Navarro

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Para no afectar al inmueble se colocaron bajo tierra sistemas de agua potable y de reciclaje.

UN TORNEO DE JAL ALAI marcó el reinicio de las actividades del Frontón México en la colonia Tabacalera de la Ciudad de México que, después de estar cerrado por más de 20 años, reabrió sus puertas en 2017 tras un proceso de remodelación de más de un año. El proceso de renovación de este recinto estuvo a cargo de Moyao Arquitectos. “Para mí, este proyecto significó lograr una continuidad y madurez de seguir rescatando el patrimonio arquitectónico y artístico de la Ciudad de México; ejemplos anteriores de intervención han sido el Palacio de los Deportes, el Teatro Metropolitan y el Teatro Orfeón”, comenta José de Arimatea ‘Pepe’ Moyao, al respecto de esta obra cuyo diseño y supervisión estuvo a su cargo. La decisión a favor del rescate de este importante inmueble surgió a partir de complicadas consideraciones incluyendo su ubicación, estado físico, costo de restauración, valores arquitectónicos y rentabilidad financiera. Los muros del Frontón México, aunque envejecidos, destacan como un ejemplo fiel de la

arquitectura art déco en México. Fue diseñado por los arquitectos Teodoro Kinhard y Joaquín Capilla. Tiene una afamada fachada en pan coupé, con el nombre del edificio grabado, y planos sucesivos rectilíneos y sobrios, así como ventanas ochavadas. Posee distintos relieves de estilo también art decó, además de que el frontis del frontón fue hecho con mármol sobrante del Palacio de Bellas Artes. El rescate del inmueble no fue a partir de una intervención para su conservación arquitectónica de la manera convencional, ya que con el tiempo ésta ha pasado a formar parte de una estrategia de mayor alcance enfocada a la regeneración urbana y la sustentabilidad. Los procesos de conservación y restauración arquitectónica, se llevaron a cabo con el fin de la reutilización adaptativa del inmueble, abandonado a su suerte durante más de dos décadas. “Retomando en gran parte su uso original, se desarrollaron acciones con el objetivo de habilitar de manera integral todas las instalaciones modernas del nuevo recinto con tecnologías de

punta. La idea fue brindar a los espacios las condiciones de seguridad y confort que se requieren en estos nuevos tiempos. Los distintos sistemas modernos que se incorporaron al inmueble, al no haber existido originalmente, tuvieron que ser adecuados a las condiciones existentes, afectando lo menos posible los elementos arquitectónicos originales”, cuenta Moyao. También hubo que hacer modificaciones para contar con espacio suficiente en los plafones y permitir la ubicación de los ductos de aire acondicionado. Los frisos de yeso con motivos clásicos se retiraron para colocarse nuevamente unos centímetros más abajo y no ser obstruidos por los ductos. El sistema de aire acondicionado que, por especificación técnica debe de estar al aire libre, fue colocado en la azotea, en la cual se construyó una mampara con el fin de no permitir que se vieran los equipos”. @moyaoarquitectos @pepemoyao

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Espacio de aprendizaje del SIGLO xxi BIBLIOTECA DEL TECNOLÓGICO DE MONTERREY | SASAKI ASSOCIATES + GLR ARQUITECTOS + RDLP ARQUITECTOS | MONTERREY, NUEVO LEÓN, 2017

Una biblioteca de vanguardia que expande su razón de ser más allá de funcionar como un contenedor de libros; se convierte en un espacio de cocreación entre los diversos grupos generadores de conocimiento.

Fotos Jorge Taboada

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Con las modificaciones realizadas, este espacio se ha convertido en una sala abierta y transparente que le permite a la comunidad estudiantil, docente y de investigación, colaborar, inspirarse y tener acceso a información en un ambiente de excelencia. CREAR UN ESPACIO ÚNICO para que los estudiantes mexicanos y extranjeros puedan tener un mejor aprendizaje, sin duda, es algo que satisface enormemente a nuestra sociedad. La Biblioteca del Tecnológico de Monterrey, construida en 2017, cuenta con una extensión de 17,160 m2 y es un proyecto que estuvo a cargo de Sasaki Associates, GLR Arquitectos y RDLP Arquitectos, para quienes ha sido una de las construcciones más satisfactorias. Uno de los principales retos durante el desarrollo de esta obra fue coordinar el trabajo entre la firma internacional Sasaki Associates y los diversos consultores locales, los cuales no necesariamente tenían todas las herramientas BIM (procesos Building Information Model que han generado un nuevo

paradigma en el sector de la edificación y la obra pública) que se requerían para la ejecución proyecto. La colaboración con RDLP Arquitectos y el estudio de diseño arquitectónico ConVirtus fue esencial a fin de terminar el desarrollo de manera exitosa en tiempo y forma. La Biblioteca del Tecnológico de Monterrey forma parte del Plan Maestro del Campus de Monterrey 2014 (también conocido como Distrito Tec), el cual fue desarrollado por Sasaki Associates en colaboración con urbanistas, arquitectos e ingenieros mexicanos para reconsiderar el espacio del campus y su relación con el entorno urbano. Pese a los grandes retos que surgieron durante el desarrollo del espacio, el resultado final fue extraordinario, pues se logró crear un proyecto que trasciende y se ha convertido en un parteaguas para la comunidad estudiantil. Este edificio está diseñado para reflejar la misión académica de la universidad y convertirse en un espacio común para todos los cursos académicos que se imparten en las instalaciones del TEC. La biblioteca es un espacio de cinco pisos, en donde estudiantes, profesores y grupos de investigación se encuentran durante largos periodos de tiempo para obtener información, y colaborar juntos. Por tanto, la experiencia en el recinto representa y consolida

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La vieja manera de pensar las bibliotecas es en silencio, la gente sin hablar y sin comer, sin encontrarse entre ellos. Aquí todo está al revés. La envolvente del inmueble está definida por una piel de vidrio, por lo que para mejorar el rendimiento térmico se utiliza vidrio de alto rendimiento, que sólo absorbe el 23% del calor. Después de esta línea, se incluyen sensores de iluminación externos y se ajustan automáticamente las persianas internas y los sistemas de aire acondicionado. Asimismo, debido a un diseño basado en la eficiencia de los recursos, el rendimiento energético se mejora en un 32%. sasaki.com glrarquitectos.com rdlparquitectos.com

Fotos Jorge Taboada

el ciclo de aprendizaje y práctica del TEC en el día a día. Reconociendo la naturaleza dinámica del modelo de enseñanza, el edificio tiene la capacidad de ser flexible y adaptable para garantizar que esta experiencia se mantenga en el presente y futuro. El edificio crea un nuevo corazón en el centro del campus. Su función es recibir fondos generales, espacios administrativos y de personal bibliotecario, espacios expositivos, auditorios, áreas públicas y multifuncionales, etc. Según el tamaño y las necesidades específicas del grupo, el proyecto propone una variedad de áreas de aprendizaje, comenzando con mesas de lectura, espacios de aprendizaje grupal y cubículos privados. Este centro también reúne colecciones especiales en un sólo lugar para promover el desarrollo de nuevas investigaciones. Cuenta con espacios que se consideran áreas de cuarentena, procesamiento, clasificación y lectura de nuevos materiales.

Esta biblioteca es un espacio de encuentro, un contenedor flexible para la experiencia de aprender.

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El edificio que trasciende como un volumen de VANGUARDIA y elegante CORPORATIVO FINANCIERO TLALPAN | BROISSIN ARCHITECTS | SUR DE LA CIUDAD DE MÉXICO, 2017

Fotos Alexandre d’la Roche

Un edificio corporativo de uso privado que trasciende en el contexto urbano como un volumen de vanguardia elegante, carácter firme y porte amable.

Un espacio abierto funciona como parque, y plaza pública en donde los colaboradores pueden convivir de manera casual.

UBICADO HACIA LA ZONA SUR de la Ciudad de México se encuentra el Corporativo Financiero Tlalpan, construido sobre un área de 56,800 m2 y el cual se ejecutó bajo la dirección de los arquitectos Gerardo Broissin y David Suárez, en conjunto con su equipo de trabajo Bruno Roche, Luis Barrera, Rosario Mestre, Lorena Sánchez y Laura Ortiz. Este edificio corporativo fue acreedor a los premios A’Design Award, Medalla de oro en Arquitectura Construcción y Diseño de Estructuras, Italia, 2018, y a los IDA Design Award, Mención Honorífica Anual, Estados Unidos, 2017. “Uno de los más grandes retos fue cumplir a cabalidad con requerimientos de presupuesto y tiempo marcados por el cliente; para la mente de un arquitecto a veces se logra entender la complejidad de los obstáculos para crear una arquitectura sin sacrificios formales estéticos, y, en este caso, nunca se perdió el enfoque de cumplir con estos principios importantes para el cliente”, dice Broissin. La modernización de la planta y de las oficinas de este grupo financiero se llevó a cabo por fases. La primera y segunda etapas consistieron en la readecuación de una bodega preexistente, que se

utilizó como área de almacenamiento y marcó la limitación espacial del desarrollo del proyecto. La intervención incluyó la adecuación del inmueble desde el frente hacia el interior mediante trabajos de diseño desde la estructura hasta el interior. Dado que el edificio más sostenible es el que ya existe y va acompañado de la mejor decisión, la premisa del diseño fue ocupar el 100% de la carcasa exterior del edificio anterior. Se contemplaron aberturas en la fachada para permitir el paso de la luz por los interiores con un toldo para protegerlos de la lluvia y de la luz solar directa. La etapa final de modernización es el resultado de un agresivo plan de financiamiento de vehículos, implementado por la compañía financiera en beneficio de sus empleados; así pues, se crearon un total de 44.700 m2 de estacionamiento en los sótanos y pisos de la superestructura. “El volumen acristalado se ve favorecido por su altura estructural, que puede albergar a 1.143 personas en dos plantas con una superficie de 6,000 m2; se necesitaba una solución potente para que cada usuario tuviera un área disponible con luz natural cercana. Decidimos crear cuatro patios abiertos, además de aliviar los problemas de

luz del lugar y organizar cada espacio físicamente para optimizar sus operaciones y funciones”. Actualmente, el nuevo edificio está conectado con su antecesor a través de un espacio abierto que funciona como plaza pública y logra que los empleados puedan coexistir de forma aleatoria o premeditada e ingresar al estacionamiento, ubicado íntegramente en el nuevo edificio para dar servicio a todo el complejo. “Sin duda, Corporativo Financiero Tlalpan fue un gran reto para el despacho, pues tuvimos que poner a prueba todas nuestras habilidades y aplicar la experiencia del equipo en el diseño del edificio. El objetivo se cumplió: construimos un inmueble altamente funcional conforme un estilo vanguardista y de carácter sólido que hacen que el inmueble trascienda en el entorno de espacios corporativos contemporáneos”, concluye el arquitecto Broissin. broissin.com

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Plástica brutalista FRENTE AL MAR FORO BOCA | ROJKIND ARQUITECTOS | BOCA DEL RÍO, VERACRUZ, 2017

La sede de la Orquesta Filarmónica de Boca del Río en Veracruz es un recinto cultural que busca incitar la modernización del área con su diseño de vanguardia. Con un total de 5,410 m2, Foro Boca se ha convertido en el corazón cultural de la ciudad.

Fotos Jaime Navarro

ESPECIAL DÉCIMO ANIVERSARIO

Fotos Jaime Navarro

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FORO BOCA forma parte de un plan maestro que tiene el objetivo de revitalizar un área urbana en deterioro localizada en la desembocadura de Boca del Río, Veracruz, un espacio de historia y tradición culinaria. En 2014 se consolidó la creación de la Orquesta Filarmónica de Boca del Río, gracias al desarrollo de un proceso de fortalecimiento de la vida musical y cultural. Esta instancia ha servido como enlace y apertura para atraer a diversas expresiones musicales, tanto locales como internacionales, y se ha convertido en el corazón de la vida cultural de la ciudad. La Orquesta Filarmónica impulsa tres ejes de acción que consisten en la temporada de conciertos sinfónicos, temporada de recitales de música de cámara y finalmente un programa de educación musical llamado: ‘Orquestando Armonía’ –infantil y juvenil– para crear estrategias de fortalecimiento social. Las dinámicas de la orquesta han tenido un desempeño exitoso, social y cultural; sin embargo, estas actividades han encontrado la necesidad de crear un nuevo recinto cultural que sirva de sede y casa de la orquesta, así como de todos los programas que éste impulsa.

Foro Boca tiene la intención de articular las dinámicas del centro de Boca del Río con la avenida costera y ser un detonador urbano con la capacidad de mostrar la modernización lograda en la zona. El edifico presenta una expresión atemporal con los cubos de concreto que forman las escolleras; las asimila como su origen y las reinterpreta en un edificio de concreto aparente formado por diversos volúmenes que se organizan en forma aleatoria para contener la sala de conciertos. Al interior de este majestuoso recinto, se expresa el conocimiento técnico de especialistas en acústica, isóptica y mecánica teatral, tanto nacionales como internaciones; además que cuenta con el equipamiento técnico que permite a este recinto ser una de las salas de conciertos más sofisticadas del país. Dentro del programa arquitectónico se muestra la sala de conciertos de música clásica, tradicional y popular para 966 espectadores; cuenta con la capacidad de presentar espectáculos de teatro, danza y cine. Asimismo, alberga un espacio para ensayos que permiten la presentación al público de conciertos de cámara, funciones de teatro de piso, cine y danza contemporánea con

una capacidad de 150 espectadores. La estructura del área pública se basa en un vestíbulo a triple altura que combina los niveles de losas con el vacío y los accesos a la sala. Las diversas plataformas del vestíbulo forman espacios que permiten realizar conciertos de solistas o de cámara, presentaciones de danza y teatros contemporáneo o funciones de cine. El desarrollo Foro Boca genera un espacio público en su exterior, el cual da apertura a extender la plaza de acceso por toda la escollera y crear puntos de entretenimiento o lúdicos para fortalecer la vida pública de la sala. Su sistema de proyección y audio permite proyectar los conciertos del interior sobre algunas fachas del lugar con el objetivo de consolidar un espacio interpersonal y de encuentro que refuerce la esfera pública. rojkindarquitectos.com

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Foro Boca enmarca un recinto de arte musical que logra atraer a todos los artistas de talla nacional e internacional; así como hacer una invitación a toda la comunidad a vivir una experiencia llena de acústica y arquitectura.

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Fotos Jaime Navarro y Rory Gardiner

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Empatía con la COMUNIDAD CENTRO CULTURAL COMUNITARIO TEOTITLÁN DEL VALLE | PRODUCTORA | OAXACA, 2017

Un espacio que reconoce y difunde el patrimonio cultural de Teotitlán del Valle, comunidad zapoteca que se distingue por su producción artesanal de tejido de lana, cuya calidad de manufactura es reconocida a nivel mundial.

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“EL PROYECTO Centro Cultural Comunitario Teotitlán del Valle fue un proyecto muy especial para el equipo de Productora, ya que el hecho de diseñar un edificio público, de uso cultural y que generara impacto social y comunitario, es con lo que sueña cualquier arquitecto”, dicen Carlos Bedoya, Wonne Ickx, Abel Perles y Víctor Jaime quienes conforman dicho estudio de arquitectura. El proceso que se vivió con tantas instancias de diálogo e instituciones involucradas hizo que el equipo de Productora se concientizara sobre lo que implica la realización de un proyecto de estas características, además de la energía y las ganas que se deben dedicar a un recinto de esta magnitud. Durante las etapas de diseño y contrucción del edificio hubo un periodo de acercamiento con la comunidad; arquitectos, ingenieros y demás personas involucradas lograron empatizar con sus necesidades, costumbres, rituales, interéses y deseos. Ello con el objetivo de hacer sinergia y entrar en entendimiento puro con los habitantes de la región para generar una conexión fuerte y genuina con ellos y las autoridades del municipio. “El fin último era enfrentar y desarrollar de manera conjunta y efectiva el largo proceso de cuatro años que requería

el desarrollo de la obra”, dicen los arquitectos. Este Centro Cultural comunitario muestra la riqueza arqueológica y textil de Teotitlán del Valle, un pequeño pueblo de Oaxaca. El museo está ubicado junto a la plaza de la ciudad y alberga la colección principal del museo, hacia donde se han movido las colecciones y actividades del Museo de Historia de Teotitlán. Formalmente, el programa arquitectónico del inmueble se rige por la estética ambiental, la cual determina los parámetros de altura, color y materiales. El segundo volumen contiene la biblioteca municipal y el área de servicios. Dos de los edificios ocupan sólo el 18% de la superficie total, dejando grandes espacios públicos como plazas y jardines. De esta forma, se han mejorado las aceras que pasan por el solar y conectan con la plaza principal, intentando insertar el nuevo espacio público generado por el centro cultural en el bucle de la plaza existente que define la estructura urbana de la localidad. El volumen del edificio muestra un aspecto sencillo y neutro. La forma y los materiales de la construcción –como los techos inclinados dobles planos, los muros de hormigón de 30 cm de espe-

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sor y las aberturas controlables– forman un sistema pasivo que hace frente a las condiciones climáticas. Esta estrategia básica ayuda a regular la temperatura en el interior del edificio y proporciona un espacio cómodo para que los visitantes y usuarios de las instalaciones lean libros, trabajen o visiten el museo, al tiempo que elimina la necesidad de instalar sistemas de regulación térmica. El espacio interior muestra una iluminación y calidades espaciales muy diversas (doble y triple altura), lo que crea una atmósfera diferente para exposiciones y eventos procedimentales. En cuanto a materiales, se usa una paleta mínima, conformada por hormigón pigmentado, madera, ladrillos de arcilla y ladrillos para integrarse con el entorno. Este recinto es y está hecho para la comunidad, ya que ellos fueron la pieza central para hacer un desarrollo que estuviera en contexto con el ambiente y creara una sinergia positiva entre la localidad y el centro. productora-df.com.mx

Un volumen primario alberga al museo y otro secundario contiene la biblioteca municipal; ambos edificios ocupan menos de la quinta parte del terreno, liberando una gran zona para espacios públicos.

Fotos Jaime Navarro y Rory Gardiner

Las estructuras del inmueble destacan por una austera materialidad definida por ladrillo, barro, madera y muros de concreto de gran espesor.

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ESPECIAL DÃ&#x2030;CIMO ANIVERSARIO

Cultura como PROGRESO SOCIAL CENTRO CULTURAL TEOPANZOLCO | ISAAC BROID + PRODUCTORA | CUERNAVACA, MORELOS, 2017

Actualmente, este lugar se ha transformado en un parque urbano gracias a los patios abiertos y arbolados, ofreciendo diferentes puntos de contacto entre el interior y las zonas al aire libre.

Fotos cor tesĂa

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ESPECIAL DÉCIMO ANIVERSARIO

Gracias a las largas escalinatas intercaladas con los rincones más recónditos del edificio, los visitantes pueden experimentar diferentes perspectivas del entorno.

FUE EN 2014 cuando el gobierno del estado de Morelos lanzó un concurso para realizar un centro cultural que debía ocupar el lugar destinado a un antiguo auditorio en la zona arqueológica de Teopanzolco, en Cuernavaca. El equipo compuesto por Isaac Broid + Productora se adjudicó dicho proyecto con una propuesta que aborda la cultura como un instrumento de progreso social. Así pues, el arte figura como vehículo de integración del actual Centro Cultural Teopanzolco, un complejo dedicado al teatro, a los espectáculos y a la música, que surge en una zona que se encuentra entre un barrio desamparado y otro compuesto por suburbios de lujo. El empuje artístico experimentado en la ciudad de Cuernavaca se había quedado disponible para una élite limitada, al no poder llegar a las clases sociales más débiles que carecían de lugares de debate cercanos y accesibles. La creación de un centro cultural que sustituye –por deseo expreso del gobierno– el auditorio existente, cumple con el objetivo de un programa enfocado al aprendizaje, cuya arquitectura reviste además un papel simbólico. El primer reto que hubo que afrontar fue con los vestigios históricos allí presentes: las ruinas aztecas del siglo xiii (aunque de acuerdo con los más recien-

tes descubrimientos ocasionados por el terremoto del 2017, su origen sería aún más antiguo), las cuales ocupan el terreno situado al oeste del punto en el que se debía construir el nuevo centro cultural. A partir de la relación con este monumento de arqueología funeraria fue que se desarrolló el proyecto: un conjunto cuya planta se basa en la figura del triángulo, construido en cemento, y cuyos colores se inspiran en la superposición de las piedras del monumento azteca. El nuevo edificio no sólo mantiene la misma escala de la Gran Pirámide, sino que se sitúa frente a ella, de forma que el eje del portal de entrada se alinea con el eje de la pirámide. A partir del vestíbulo de planta triangular que alberga la taquilla y la cafetería se forma un segundo triángulo cuyo tamaño duplica proporcionalmente el primero y que contiene la sala del auditorio con la platea, el escenario, los bastidores y espacios dedicados a los servicios técnicos. Este bloque se sitúa sobre un basamento también de cemento, pero que crea una explanada más amplia de planta rectangular casi completa, en cuyo interior se alojan las zonas operativas (camerinos, almacenes y oficinas, así como un teatro experimental) y sobre el cual se abren varios patios que sirven de miradores sobre la ciudad y más concretamente hacia la zona arqueológica. Por el lado norte sorprende un segundo inmueble, se trata de un majestuoso anfiteatro al aire libre, trazado como si fuera la prolongación de las gradas de la cubierta del primer auditorio, ofreciendo a los visitantes una vista incomparable de las ruinas arqueológicas. De esta manera, se crea una intersección de planos profundos que descienden en direcciones opuestas como en una danza que continúa hasta la base, con un juego de llenos y vacíos creados por los patios arbolados y por las escalinatas. La construcción está realizada completamente en cemento, vista que luce el trazado horizontal del encofrado impreso en las superficies. A las paredes se ha aplicado un tono tierra, así como a las gradas y a los planos, lo que evoca las estructuras arqueológicas de enfrente, pasadas por el tamiz de las técnicas modernas. Tanto el vestíbulo como el interior del auditorio están revestidos de madera que, junto con la secuencia de puertas de la entrada principal, corrobora el vínculo entre el pasado y el presente arquitectónico con el uso de materiales. isaacbroid.com productora-df.com.mx

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Localizado enfrente de la zona arqueológica de Teopanzolco, este centro cultural fue desarrollado con la finalidad de albergar la vida cultural de la ciudad con actividades, como teatro y música.

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Fotos cor tesía RZERO Estudio

PLANEACIÓN ESTRATÉGICA de regeneración urbana PASEO URBANO MONUMENTO A LA MADRE | RZERO ESTUDIO + PAAR | CENTRO DE LA CIUDAD DE MÉXICO, 2018

“Este proyecto es la materialización de una visión, de la persecución de ideas e ideales, trabajo colectivo y de un interés genuino por la ciudad, la sociedad y el espacio público”.

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Un modelo innovador de transformación, impacto ambiental y social que cuida la movilidad, áreas verdes y servicios públicos.

“CON LA VISIÓN ESTRATÉGICA en proyectos de regeneración urbana entendemos cómo estos forman parte de diferentes sistemas, escalas y componentes que se interrelacionan continuamente entre sí, esto ayuda a desarrollar proyectos integrales que se alineen a objetivos que buscan un mejor futuro para las ciudades”, mencioan en entrevista los creadores de Paseo Urbano Monumento a la Madre. La nueva agenda urbana marca ejes claros para el desarrollo de las urbes; las centralidades son de las piezas clave para trabajar en la transformación de la ciudad. Y es que de acuerdo con las proyecciones para 2030, 6 de cada 10 personas vivirá en las ciudades, con esta premisa debemos pensar que la respuesta debe estar en las ciudades mismas, su capacidad de renovarse y de resiliencia. Ubicado en el corazón de la CDMX y adyacente a los corredores Reforma e Insurgentes, el Paseo Urbano Monumento a la Madre (MALM) paradójicamente sufrió de un deterioro desde hace 30 años, dejándolo a la merced de procesos de abandono, marginación y delincuencia. Con el concurso público realizado, RZERO estudio (Alejandro Zárate de la Torre | Edgar Velasco Casillas) + PAAR (Carlos Alberto Ríos | Paola

López) construiríamos juntos una nueva visión de este espacio con tantos años de tradición. El MALM es un proyecto de regeneración urbana de 72,000 m2 de diseño; en su primera fase se intervinieron 37,000m2 que tienen una influencia en 2 km a la redonda, con un beneficio directo a 31,083 personas de las colonias Cuauhtémoc y San Rafael. Las mejoras impactan en distintas escalas y ámbitos como: accesibilidad, percepción de seguridad, inclusión y hasta la plusvalía de la zona, la que en los últimos años ha repuntado, sobre todo en lo comercial. “La regeneración de espacios urbanos requiere de una visión con sentido social y pensamiento estratégico; incluimos y escuchamos las diferentes voces que habitan la zona antes que nosotros, sabemos que existen valores, historias, memoria, identidad y arraigo, estas cualidades adecuadamente entendidas suman potencial y hacen un proyecto regenerativo”. Ahora este corredor se liga fuertemente a su contexto, genera un sistema de caminos que son claros, intenta establecer un diálogo en su recorrido con los edificios existentes con remates como el de la Parroquia del Perpetuo Socorro o el Museo el ECO, también puede activar nuevos

eventos o programas, respetando e incentivando los anteriores. La explanada del MALM es un espacio con identidad e historia que puede pasar de lo cívico a la máxima expresión social en un paso; con tales posibilidades de reunión e impacto, puede albergar diferentes tipos de manifestación social, así como incluir y generar las posibilidades para nuevos programas como el skate park, que suman valor e incluyen una invitación a nuevos actores en la zona, al mismo tiempo que amplían el horario de uso, esto va de la mano con la mejora en la percepción de seguridad. “Las actividades que hoy se manifiestan en los diferentes espacios en toda su longitud, la vibrante vida de los barrios que ahí confluye, las representaciones artísticas y eventos cotidianos como la hora de comida de los oficinistas, hacen evidente la necesidad de espacios públicos funcionales y renovados en la ciudad; esperamos con gusto y ansia ver cómo madura este espacio y su contexto inmediato”, concluyen los creadores de este proyecto. r-zerostudio.com paar-taller.com

Fotos Rafael Gamo

ESTILO orgánico HOTEL SOLAZ LOS CABOS | SORDO MADALENO ARQUITECTOS | SAN JOSÉ DEL CABO, BAJA CALIFORNIA, 2018

Un espacio cuyas formas orgánicas hacen referencia al movimiento de las olas, lo que se logra gracias a una volumetría estética que se adapta a su entorno natural.

EL EXTRAORDINARIO ENTORNO natural de la península de Baja California con su paisaje semidesértico en tonos ocre que contrasta con el azul intenso del mar de Cortés fue el contexto ideal para erigir un nuevo referente hotelero en el país. Celebrando la unión entre paisaje, arquitectura y arte, Solaz Los Cabos se desarrolla frente del mar sobre una extensión de 9.8 hectáreas con formaciones topográficas únicas. El concepto arquitectónico rector fue la correcta integración de la construcción y se logró a través de las formas orgánicas que hacen referencia al movimiento de las olas, resultando en una volumetría que se adapta al entorno.rbano y cuenta con las ventajas del tráfico vial, lo que reduce notablemente el tiempo de entrada al edificio en coche. La selección de materiales, vegetación y métodos de construcción, al ser minuciosamente

estudiados, refuerzan este concepto de simbiosis y dan una congruencia contextual con este paradisiaco terreno. Los servicios de este desarrollo hotelero se extienden para brindar más opciones de alojamiento y hospedaje a los visitantes nacionales e internacionales, siendo un proyecto que integra hotel, departamentos, restaurantes, spa, amenidades, museo de sitio y plazas abiertas. A partir de la topografía natural del terreno, que crece de manera ascendente hacia el norte desde el nivel del mar, se decidió conformar tres grandes terrazas curvas de oriente a poniente, albergando habitaciones de hotel en el costado poniente. La circulación a través de estas terrazas se planteó como tipo “cañadas”, para que pudieran servir como pasillos divisorios ambientados con una densa vegetación entre usos y así lograr una mayor privacidad.

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ESPECIAL DÉCIMO ANIVERSARIO

La selección de materiales, vegetación y métodos de construcción fueron minuciosamente estudiados para ser congruentes con este paradisiaco terreno. Por la misma pendiente, cada terraza es subsecuente a la otra; es decir, se forman de manera escalonada con fachadas hacia el sur para que todos los espacios gocen de una espectacular vista al mar. Las amenidades del hotel –albercas, club de playa, restaurante grill y asoleaderos– se encuentran en el nivel más bajo sobre la playa. El nivel de acceso se ubica dentro del edificio principal. Este edificio dispone de una gran plasticidad y movimiento orgánico, gracias a que está compuesto por tres niveles de bloques sobrepuestos. Cada bloque tiene dos niveles, formando un total de seis, en los que se alojan diversas habitaciones del hotel en su interior. La volumetría de este edificio conlleva el mismo concepto de integración con el contexto, y el movimiento de sus cuerpos genera la posibilidad de mejores vistas, otorgando un carácter tectónico al desarrollo.

Distribuidos a lo largo de la colindancia sur, los departamentos –operados por el hotel– se disponen y acomodadn dentro de tres volúmenes de proporciones cuadradadas. Las diferentes tipologías de habitaciones y suites del hotel emergen de la topografía que se desliza en armonía sobre la arena. Para acceder a ellas, un patio-foyer sirve como entrada y, a la vez, como puente para conectar entre las sinuosidades topográficas del exterior y la geometría acogedora del interior. sordomadaleno.com

Fotos Rafael Gamo

El Hotel Solaz se desarrolla frente del mar sobre una extensión de 9.5 hectáreas con formaciones topográficas únicas, cuya arquitectura se integra armoniosamente a dicho entorno.

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Presencia en el CONTEXTO URBANO MUSEO MORELENSE DE ARTE CONTEMPORÁNEO JUAN SORIANO | JSA ARQUITECTURA | CUERNAVACA, MORELOS, 2018

El jardín del museo abarca 80% del predio. ¿Dónde termina el museo y dónde inicia la ciudad? Esta obra se vuelve un atajo hacia la equidad a través del paisaje, la arquitectura y el arte. Se convierte en el escenario que plasma el espacio pictórico y el trabajo de Juan Soriano.

Fotos Rafael Gamo

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Este museo muestra una aproximación en dos tiempos sincrónicos: plástica y espacio colectivo. Los visitantes viven un paseo urbano para continuar su camino. ESTE RELATO INICIA reconociendo el proyecto como una adición a la ciudad de Cuernavaca. Dentro de un predio rodeado de árboles y la corriente de agua de un aplantle, este jardín de 7,366 m2 se extiende invitando a los habitantes cercanos y lejanos a recorrerlo, atravesarlo y vivirlo, no como un jardín privado, sino como nos recuerda Michel de Certeau: “como el espacio privado que debe saber abrirse a flujos de entrantes y salientes, ser el lugar de paso de una circulación continua, haciendo de su recorrido una disposición al encuentro de objetos, gente, experiencias, palabras e ideas”. El acceso a esta narrativa se ofrece mediante cuatro entradas distribuidas en distintos puntos del predio. Al suroeste se encuentra una plaza cuyo frente se abre a la ciudad, espacio hospitalario para la con fluencia urbana que recibe a sus visitantes con una escalinata que desemboca en el edificio. Desde el

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este se puede acceder a los talleres, con un esquema de patio central que ofrece la posibilidad de generar un programa con gran carga y sentido social vinculado al centro de barrio de Amatitlán. Desde el oeste, una pequeña escalinata ofrece un camino alternativo al de la calle Dr. Guillermo Gándara y, finalmente, desde el norte una esquina se abre hacia la riqueza arbórea del sitio. El objetivo de crear continuidad y conexión con el jardín se traduce a gestos como la elevación del proyecto sobre un juego de columnas perimetrales para ofrecer una planta libre extendida con un marcado carácter público, en franca relación horizontal con el contexto del jardín y la ciudad. Un segundo ademán hacia el entorno se da enterrando parte del programa para dar lugar a elementos que se integran al jardín: espejos de agua, un juego de senderos de concreto, grava y tierra, que se desarrollan en torno a la vegetación preexistente, y esculturas monumentales de Juan Soriano. El unico argumento del artista tapatío era descifrar la historia de las ideas a partir de pinturas, esculturas, escenografias y diseños. Radical y observador, Soriano frecuentaba el Cafe ParÍs y deambulaba por la ciudad en busca de rostros y testigos de su delirio.

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ESPECIAL DÉCIMO ANIVERSARIO

En este museo se expone parte del acervo conformado por 1,200 obras que Juan Soriano realizó a lo largo de su carrera como escultura, pintura, grabado, cartas y escenografías.

Fotos Rafael Gamo

Este recinto se hizo acreedor al máximo galardón de la IV Bienal de Arquitectura de la Ciudad de México, en la que interviene la decisión del Colegio de Arquitectos. Producto de un concurso por invitación a través de la Secretaría de Cultura del Estado de Morelos, el proyecto de JSa aporta elementos que van más allá del programa: lo no solicitado. Su aportación concreta urbanidad y empatía local. La propuesta posibilita un atajo (pasaje) y un umbral (museo). El primero conecta dos puntos creando un circuito extrapolando las calles del Centro Histórico hacia el barrio de Amatitlán en una diagonal que trasciende los muros muselsticos; y el segundo apela a una narrativa construida que reúne momentos, secuencias espaciales, vanos, encuadres, trayectos, plazas, esculturas, espejos de agua, jardines y érboles. En 6,000 metros, el centro cultural ensambla museo, talleres, biblioteca, salas de exposición y restaurante. Reúne la huellas de las preexistencias para respetar la vegetación entre amantes, ceibas, casahuates guajes, así como enaltecer el apantle

(acueducto) que cruza el predio. La colección del museo se compone de 150 esculturas de gran formato que hizo el artista, además de más de mil obras en óleo, obra gráfica, tapices y cerámicas. Se trata de un refugio urbano de cierres y aperturas a través de contenedores y envolventes en concreto blanco aparente que figuran como lienzos para acercar el arte a la ciudad y viceversa. Además de que las esculturas, obra de Juan Soriano, se exhibieron como una primera exposición de obra bidimensional. Este proyecto cultural se incorpora a una serie de espacios rehabilitados en Cuernavaca que ya suman La Tallera Siqueiros, el Jardín Borda, la Academia de Música Benning en la Antigua Estación del Ferrocarril, el Centro Cultural Teopanzolco y el Centro de Desarrollo Comunitario Los Chocolates. jsa.com.mx

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ECOLOGÍA y espacio público PARQUE LA MEXICANA | GRUPO DE DISEÑO URBANO (GDU)/MARIO SCHJETNAN + VMA/VÍCTOR MÁRQUEZ | CIUDAD DE MÉXICO, 2018

Un gran reto para levantar Parque La Mexicana fueron las condiciones previas del suelo y su geología, ya que fue una mina de extracción de piedra y arena por más de 50 años; además de que en épocas recientes también se usó como tiradero de cascajo en la zona.

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Fotos cor tesía GDU

El parque presenta nuevas formas de desarrollo de espacios abiertos y manteminiento comunitario.

IMAGINEMOS un sitio localizado en el poniente del Valle de México, que durante 50 años se excava continuamente; una mina a cielo abierto que a través del tiempo fue creando un enorme socavón, un hueco de 70 mts. de profundidad en un área de 40 hectáreas. Imaginemos que años después la comunidad urbana circundante quiere hacer un gran parque en ese hoyo y que se debate arduamente entre la comunidad y las autoridades de la ciudad si, en vez de parque, se hicieran más viviendas. Imaginemos que, después de muchas negociaciones y encuentros, se llega a un acuerdo en el que se destina el 70% del área para parque y el 30% a vivienda privada y que los promotores inmobiliarios construyeran a cuenta de sus terrenos el parque y la infraestructura necesaria. Es este el encuadre del contexto social, político y económico que sustenta la posibilidad de creación de un nuevo parque en la zona de Santa Fe, en la Ciudad de México; un área de crecimiento acelerado sin parques o espacios públicos. La Mexicana es un proyecto de arquitectura de paisaje y arquitectura a gran escala, que planteó reciclar una herida ambiental para convertirla en un espacio verde, recreativo, comunitario, lúdico y bastante accesible. Ubicado en una antigua cantera de arena, grava y piedra en las colinas occidentales y las afueras del área metropolitana de la Ciudad de

México. En el Parque La Mexicana se remedia el suelo, se almacena el agua de lluvia y se esculpe la topografía para crear un nuevo bosque, acuático y verde, parque alegre y comunitario en un contexto urbano denso que carece de áreas verdes y espacios públicos. Existen varios ejes primordiales en el diseño. Por un lado un eje hídrico que se extiende longitudinalmente y que va captando las aguas de lluvia en una ‘biozanja’ que la infiltra y conduce hasta llegar a un nuevo lago y a una enorme cisterna que recibe y retiene dichas aguas. Por otra parte, existe un eje peatonal que atraviesa el parque y que va ofreciendo actividades distintas en plataformas que resultan de un aprovechamiento de la topografía, convirtiéndose en jardines: áreas infantiles, para mascotas, áreas verdes de reposo, miradores, anfiteatro, skatepark, etc. Todas los cuales se complementan con un circuito para correr, una ciclopista y un andador, que dan al parque una condición de movimiento. El parque es único en la zona, esperando ser el primer detonador tanto ecológico y de espacio público en la zona poniente de la Ciudad de México, impactando directamente un radio urbano de unos 6.5 kilómetros. El parque cuenta con un edificio lineal de 300 metros, denominado “terraza gourmet” con restaurantes y cafés, y otros pabellones y cafeterías

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Fotos cor tesía GDU

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Este es un espacio público que atrae a una población diversa a través de un diseño de alta calidad.

distribuidos a lo largo del recorrido. Esta infraestructura de servicios sirve para el mantenimiento económico del parque. Existe también un eje poético, que sustenta belleza, alegría y libertad a través de sus lagos, cascadas, su gran cantidad de árboles y variedad de especies de plantas polinizadoras que pronto volverán un paisaje erosionado y fantasmagórico en uno de acogimiento, de sol y sombra, de olor y color para disfrutar. Los sistemas de humedales del parque MartinLuther King en París, Francia, fueron retomados por los arquitectos Víctor Márquez y Mario Schjetnan para el diseño de La Mexicana. Dichoparque se encuentra en el barrio de Clichy-Batignolles y fue, en parte, la inspiración para proyectar La Mexicana. El parque parisino fue diseñado por el taller de Jacqueline Osty y asociados. Es una propuesta que responde a una nueva política en París para generar crecimiento vertical a partir del espacio público. Está construido sobre una plataforma ferroviaria y su primera etapa se inauguró en el 2007 con 4-7 hectáreas. Se espera que para el 2020 se inaugure su segunda fase y que funcione como un espacio de conexión entre

Batignolles y otros cinco barrios. Se caracteriza por tener diferentes actividades, como juegos para niños y un skatepark. Lo que más destaca de esta obra es su carácter sustentable. Usa energía limpia para su ilumi nación y un sistema de humedales. Esta última característica fue retomada por el arquitecto Víctor Márquez para aplicarla en el diseño de La Mexicana. Hoy en día, más de 4,000 personas por día visitan Parque La Mexicana, teniendo un registro máximo de 22,000 visitantes los fines de semana. El espacio se ha convertido en un punto de reunión, referencia e identidad de Santa Fe. Podemos encontrar una gran diversidad de habitantes de la zona: trabajadores de oficina, estudiantes, residentes y visitantes de otras colonias de la ciudad y del área metropolitana. gdu.com.mx

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La condiciรณn topogrรกfica fue un enorme reto para adecuar las actividades y elementos del programa arquitectรณnico a cada zona del parque.

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Espacios de cohesión COMUNITARIA JARDINES CENTRALES DE JOJUTLA | ESTUDIO MMX | JOJUTLA, MORELOS, 2019

La idea inicial para este proyecto fue tomada de los árboles, únicos elementos que, tras los fuertes sismos de 2017, quedaron de pie y sin daños. De forma simbólica, la vegetación evoca el concepto de resiliencia.

Fotos Dane Alonso

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El mayor reto fue reconstruir la identidad de una comunidad a través de espacios urbanos.

SEGUIDOS DE LA TRAGEDIA aparecen, en ocasiones, situaciones de oportunidad para la inventiva, la generosidad, la vitalidad y la cohesión social; los Jardines Centrales de Jojutla son producto del esfuerzo de una comunidad que junto con profesionistas, asociaciones civiles y autoridades gubernamentales comprobaron la fuerza de los (complejos) procesos de reconstrucción. “Esta es la historia de un camino abierto de aceptación, recuperación, memoria, resistencia, concepción, consenso, construcción, culminación y, afortunadamente, de apropiación espacial”, coinciden en opinar Jorge Arvizu, Ignacio del Río, Emmanuel Ramírez y Diego Ricalde de Estudio MMX, cuyo equipo estuvo detás de la realización de este proyecto. “Estos ejercicios políticos y de participación profesional condujeron a un escenario donde afortunadamente pudimos participar como actores de la reconstrucción del centro cívico, un espacio que la comunidad considera el corazón de su ciudad que si bien es pequeña, ha demos-

trado la grandeza de su comunidad”, dicen los arquitectos sobre la realización del proyecto. Enfatizan que “la fortuna de participar en esfuerzos colaborativos se vio materializada al terminar la obra, que si bien no fue un proceso sencillo, terminó por ser una celebración a los espacios de cohesión comunitaria; la arquitectura prueba su valía en el momento donde más fue necesitada, aunque sin duda aún queda mucho por hacer”, enfatizan. La historia fue así: Tras los sismos de septiembre de 2017 en México, Jojutla fue una de las comunidades más afectadas en el estado de Morelos, sufriendo daños en múltiples construcciones y espacios públicos. Conseguir reconstruir la identidad a través de los espacios urbanos, y que el proyecto fuera aprobado por la comunidad, fueron los principales retos del proyecto para los nuevos Jardines centrales de Jojutla. Líderes de la comunidad, historiadores, arquitectos, gobierno y ciudadanos fueron integrantes de un ejercicio participativo y abierto, que se materializó a través de un proceso de diseño. La idea inicial fue tomada de los árboles, únicos elementos que, tras los fuertes sismos

quedaron de pie y sin daños. Por ello, y de forma simbólica, se plantea convertir el corazón cívico de Jojutla en los “Jardines Centrales de Jojutla”, evocando con la vegetación la idea de resiliencia. Acompañando a los jardines, las estructuras de arcos que reinterpretan la arquitectura tradicional de la región alojan los programas cívicos y comunitarios que exigía la ciudad de Jojutla. Como materiales se escogieron: ladrillo artesanal color ocre, piedra basáltica gris para los pavimentos y una paleta vegetal de especies locales. Tres ideas destacan en el proyecto: 1. Generar una nueva identidad en la plaza cívica a través de entender y ordenar el espacio que anteriormente estaba desarticulado; 2. Crear diferentes zonas para contar con espacios de estar, zonas de encuentro de la comunidad, una plaza cívica y foro al aire libre y, en general, espacios para el tránsito, la pausa, el encuentro y el gozo de las personas y 3. Generar espacios de sombra en una plaza abierta a través del diseño de paisaje y crear diversas atmósferas en los diferentes espacios de los jardines. mmx.com.mx

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Tradición, innovación y TECNOLOGÍA ESTADIO ALFREDO HARP HELÚ | TALLER ADG + FGP ATELIER | CIUDAD DE MÉXICO, 2019

Diseñado con materiales locales del Valle de Mexico e inspirado en su materialidad y geometría básica en formas prehispánicas, este estadio tiene referencias específicas a la cancha del antiguo juego de pelota mesoamericano y enfatiza la conexión entre el inframundo y el cielo.

Fotos Rafael Gamo

Se fusionaron materiales modernos y prehistóricos para hacer referencia a la historia y cultura mexicana.

EL ESTADIO ALFREDO HARP HELÚ es el principal estadio de béisbol de México; fue inaugurado en marzo de 2019 y se ubica dentro del complejo deportivo de Magdalena Mixhuca, un parque deportivo que se usó durante los Juegos Olímpicos de 1968. El gran reto para diseñar y construir este estadio de béisbol se enfocó en la búsqueda de combinar tradición, innovación y tecnología en un sólo espacio; por lo que, los equipos de Taller ADG + FGP Atelier “pensamos, en primer lugar, en enfatizar el contraste entre el México prehispánico (basameto piramidal y pétreo) y el México moderno (cubierta de acero y textil, como una analogía del juego de pelota prehispánico y el juego de pelota moderno)”, cuentan los arquitectos. “Incorporamos conceptos importantes dentro de la cultura mexicana como la realización de una gran arena pública en donde el espacio abierto es tan importante como el espacio construido, entendiendo que los espacios exitosos fomentan

un fuerte compromiso social, incorporan tradiciones mexicanas y respetan las condiciones naturales existentes. Quisimos desafiar el arquetipo de las instalaciones deportivas –el concepto de contenedor– reuniendo a una comunidad diversa, que al final se conectan en un espacio”, expresa Alonso de Garay, fundador y director de Taller ADG. El resultado es claro: las personas experimentan el espacio y se compenetran con él. “Además, tuvimos que respetar al entorno; por lo que, incorporamos elementos sustentables como: bajo consumo de energía, residuos y emisiones. Empleamos técnicas de construcción modernas, ya que se utilizó la grúa más grande del mundo para levantar las armaduras de la cubierta y se emplearon técnicas de escaneo digital para garantizar la alineación precisa”, cuenta De Garay sobre el proceso de diseño y construcción que conllevó la realización de este proyecto. La procesión desde los terrenos del Estadio Diablos a través de la gran explanada de acceso

hasta el estadio de béisbol presenta un espíritu de templo mesoamericano. Cuando el espectador se acerca a la gran entrada, se enfrenta a seis pirámides truncadas revestidas con paneles prefabricados a base de roca volcánica. Una vez dentro, un anillo conecta todos los asientos y funciones subyacentes en una experiencia con vistas sin obstáculos al campo. La monumental, pero liviana estructura de la cubierta se asemeja a la lanza del tridente del equipo y se diferencia drásticamente de la geometría predecible de las cubiertas que tradicionalmente han definido los estadios de béisbol en todo el mundo. Indicativo del cielo, el diseño del techo es nítido, translúcido, luminoso y dinámico. Construido en acero y cubierto de una membrana de PTFE, la plaza está destinada a convertirse en un símbolo icónico de la gran Ciudad de México. talleradg.com fgp-atelier.com

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ESPECIAL DÉCIMO ANIVERSARIO

Valor del DISEÑO AMANI | ARCHETONIC | PUEBLA DE ZARAGOZA, PUEBLA, 2019

El edificio Amani es una prueba de que la vivienda puede ser mejor, aun cuando se piensa y construye en grandes escalas y volumen.

ESPECIAL DÉCIMO ANIVERSARIO

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Fotos Yoshihiro Koitani

Áreas abiertas en los niveles más altos del edificio complemental el paisaje y enmarcan las vistas.

“En Archetonic hemos diseñado vivienda desde hace años. Hemos proyectado vivienda unifamiliar, edificios medianos y vivienda de gran escala. Amani, junto con otros proyectos que tenemos hoy activos en la oficina, son la consolidación de nuestra práctica en esta tipología”. “Entendemos que en nuestro país el mayor volumen de vivienda se hace con la intención principal de hacer negocio y eso ha propiciado que la calidad de la vivienda se vea profundamente afectada. Hemos dedicado muchos años a encontrar el equilibrio entre las visiones de negocio, el costo del producto y la calidad que demanda este tipo de arquitectura para realmente favorecer a la comunidad que la habitará. Hemos ideado fórmulas para poder proveer de vivienda digna y bien diseñada a quienes la habitarán”, explican Jacobo Micha Mizrahi + Jaime Micha Balas, directores del despacho fundado en 1992.

“Confiamos en el valor del diseño e invertimos todos los recursos e intelecto necesario en los proyectos para obtener un buen resultado sin necesariamente incrementar el valor de la edificación de los mismos. Vemos con satisfacción que en Amani este esfuerzo ha sido reconocido por sus usuarios y premiado por diferentes instituciones en México y el mundo y eso es un gran aliento para nosotros en la oficina”, dicen los arquitectos. Amani cuenta con una ubicación privilegiada dentro de un sector en crecimiento en la ciudad de Puebla: Lomas de Angelópolis Cascatta. El desarrollo de este fraccionamiento incorpora una variedad de servicios como bancos, escuelas, comercio, espacios verdes y recreativos. El proyecto contempla 226 viviendas de 84 a 168 m2 distribuidas en dos cuerpos de 22 niveles de altura. El hall de acceso cuenta con un mezzanine que recibe a los visitantes y habitantes del conjunto con conexión a las áreas verdes, mientras que los niveles restantes albergan los departamentos y amenidades. Los dos esbeltos bloques de vivienda de 9 metros de ancho por 64 metros de altura incorporan grandes huecos en niveles estratégicos donde se alojan las amenidades. Estos espacios se sustraen

a la volumetría del edificio, de forma que enmarcan las afortunadas vistas. Los extremos de cada bloque, rematan en voladizo dando el aspecto de piezas de rompecabezas que tienen como objetivo fundir la relación interior-exterior y conectarse visualmente con el entorno. Algunos espacios recreativos comunes se insertan en los primeros niveles, con mayor contacto hacia las áreas verdes. Estos primeros elementos visibles al acceder en Amani son de geometría pura y básica; resultado de la búsqueda por incorporar volúmenes de dimensión diferente que den balance a la gran escala del edificio. Un prisma rectangular de concreto blanco que alberga un cuerpo de agua se integra al entorno con una sutil entrada de luz lineal y reflejándose en el espejo de agua de la alberca exterior. El total de los departamentos cuenta con iluminación y ventilación natural; los cuales fueron diseñados para disfrutar las vistas panorámicas de la ciudad, el jardín de las cascadas y los volcanes. Cada unidad fue dotada con generosas terrazas que refuerzan la convivencia con el entorno. archetonic.mx

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ESPECIAL DÉCIMO ANIVERSARIO

Arquitectura marítima del GOLFO SISTEMA DE PLAZAS DEL ANTEPUERTO DE VERACRUZ | TALLER DIEZ 05 | VERACRUZ, VERACRUZ, 2019

Un espacio público en el que se integran elementos urbanos con diferentes funciones para crear entornos variados; su diseño incorpora islas de descanso y cubos-miradores-filtros, que sirven de remansos y goce de las vistas del mar en el puerto.

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Fotos Luis Gordoa

“Finalmente, un significado especial tuvo el reto de diseñar con características propias las diferentes areas del recorrido urbano, ya que cada una de las plazas cuenta con una identidad propia, integradas por algunos elementos urbanos que buscan adaptarse a la tipología de las condiciones marítimas, históricas y sociales del sitio, así como la posibilidad de intervenir en la ciudad a una escala que afecta directamente las condiciones de vida del lugar”, platica Herrera al recordar el proceso creativo y de construcción de esta magnífica obra que hoy se ha convertido en un sistema de plazas, al que se integran Plaza del Migrante y Plaza Marina Mercante. La Plaza del Migrante es un parque urbano desarrollado en una superficie aproximada de una hectárea; tiene la finalidad de provocar el recorrido del usuario a través de diversos espacios de texturas, vegetación, descanso, sombras y visuales; el sitio se encuentra localizado en la denominada zona del antepuerto marítimo, comúnmente llamada Playa Regatas, cerca del centro histórico de la ciudad de Veracruz. Su concepto general gira en torno a la “teoría de bordes” y la “experiencia de sentir la orilla”;

EL SISTEMA DE PLAZAS del Antepuerto de Veracruz es un proyecto urbano que unifica y extiende las condiciones del borde marítimo en la denominada zona del Antepuerto comercial, donde se ubica la zona de playa más proxima al centro histórico del puerto de Veracruz. “Este proyecto significó un desafío para la oficina de Taller DIEZ 05 en varios sentidos; primeramente, realizar un proyecto público para la ciudad fue un reto en la manera de integrar elementos culturales, históricos, urbanos y de flujos peatonales en un espacio que conecta con el centro histórico del puerto, a lo largo de su recorrido”, comparte el arquitecto Manuel Herrera, fundador y director de Taller DIEZ 05. “Otro aspecto importante –continúa en su referencia– fue diseñar con las condiciones naturales del entorno, donde se aprecian de manera directa las visuales marítimas, así como condiciones atmosféricas y climáticas que predominan en la ciudad de Veracruz y particularmente, en el borde propio del antepuerto comercial”.

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asimismo se apropia de la idea de movimiento continúo del oleaje marítimo; por ello, su recorrido no es lineal, sino de pausas y ritmos discontinuos, aunque formando un todo urbano. Curiosamente, hace referencia tipológica a uno de los barrios más emblemáticos de la ciudad: el barrio de la Huaca, donde sus construcciones originales guardan un colorido particular propio de las arquitecturas del golfo, además de haber sido el punto de entrada al país de los ritmos musicales más representativos del caribe. Plaza Marina Mercante, por su parte, surge por la condición de crear un lugar donde se pueda convivir al aire libre y promover la cultura de los espacios abiertos, además con el propósito de conectar la escollera poniente del antepuerto marítimo con el corredor marítimo del boulevard hacia el centro de la ciudad. Culturalmente hablando cuenta con referencias a la carga histórica marítima del puerto y con elementos arquitectónicos-espaciales que integran el contexto marino, además de una plaza menor, donde se ubica un Obelisco, que rinde homenaje a la Marina Mercante de nuestro país. tallerdiez05.com

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ID Por RAÚL HUITRÓN RIQUELME Ilustración ZAMARRIPA @zamarripa.mx

UN SELLO DE PERPETUIDAD sobre la memoria colectiva declara un origen evidente, silencioso en descubierto: Identidad (ID). El diseño suscribe esta aspiración como legítimo recurso de trascendencia perceptiva, reconociendo en la inmediatez “quiénes fuimos” sin importar “hasta cuándo”, admitiendo su intangible mérito tras la multitud de distractores trasladados por la incansable comunicación digital. Esta propulsión cultural asimila “vectores” artísticos de probada aceptación entre comunidades –físicas y virtuales–, devolviendo nuestra capacidad de asombro si reconoces parte de su historia. Se capitula un acervo de acertijos sin la pretensión inmediata por asimilarse aunque su trascendencia es inevitable y auténtica. El arte y la palabra escrita frecuentan el poder de identidad si conecta la abstracción del símbolo o la redacción anecdótica-ingeniosa con el momento de tres letras: hoy. Francisco Toledo, convencido por Tamayo para viajar a París, reaccionó la influencia francesa y su menú de recuerdos desde Juchitán, Oaxaca; como verse invadido de abejas cuando su padre usara la casa de almacén temporal de azúcar y su zumbido a coro fuera más alto que sus conversaciones durante la cena. Chapulines, saltamontes, mayates, chicharras, vinagrillos, sin olvidar los colores del istmo,

La apariencia puede simular discursos, pero se delata cobrando cuenta del contexto, clima y la referencia acumulada que la gente reparte desde crónicas populares. sumaron votos como reactivo de inspiración de provocadoras exposiciones sobre su “bestiario fantástico” en Londres, Nueva York, Ginebra… “Hacía tantos años que no alzaba la cara, que me olvidé del cielo” –Pedro Páramo, 1955–. Juan Rulfo también se serviría de la evocación de Apulco, San Gabriel, su pueblo en Los Bajos de Jalisco, donde la “consecuencia lógica es irrazonable” y el “tiempo está roto”, como él se refería. La violencia de personajes sin rostro era como en Apulco, pero tampoco lo fue. Es “realismo mágico”. Además del legendario Luis Ramiro Barragán

Morfín, premio Pritzker 1980, quisiera abundar con este ritmo a los hacedores de la arquitectura mexicana de finales siglo xx y principios del xxi, pero necesito re-leer el primer párrafo y no distraer esta afiliación por el impacto que la pura formalidad –de los edificios– propone nuestra memoria. La apariencia puede simular discursos, pero se delata cobrando cuenta del contexto, clima y la referencia acumulada que la gente reparte desde crónicas populares sobre su colonia, barrio, ciudad, reduciendo este padrón de obras sin intención de limitar las aspiraciones autorales. Hoy nos arrincona el valor de la tierra y su rentabilidad lee los derechos del diseño; construir rápido frente a la prefectura de presupuestos; la repetición de modelos comerciales, suman una oposición que entumece sin tentarse por lo que la distraiga. Pero la identidad nos sigue viendo, callada y de lejos, como levanta la mano la Escuela de Artes Plásticas de Oaxaca (2008) o el Centro Cultural Teopanzolco en Cuernavaca (2017)… esto también es realismo mágico.

@raul_huitron_arquitectura

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@zamarripa.mx

Grandes de la identidad Por HOMERO HERNÁNDEZ TENA

Ilustración ZAMARRIPA

“CUANDO LA INSPIRACIÓN LLEGA, debe encontrarte trabajando”: Pablo Picasso. Las grandes ideas tienen un proceso de maduración que a menudo toman tiempo para catalizarse. En mis épocas de estudiante recuerdo que los maestros nos atormentaban diciéndonos: “a este trabajo le hacen falta muchas horas-restirador”. Seguramente este término ya no es claro para las nuevas generaciones, pero el mensaje es aún vigente y significa que al proyecto aún le falta tiempo de análisis, revisión y maduración para quedar terminado. Así son los proyectos de cualquier disciplina relacionada con el diseño. En junio de este año llegó a mis manos un nuevo libro dedicado a reconocer la trayectoria de 5 profesionales de la identidad gráfica en nuestro país. A pesar de que todos nosotros estamos inmersos desde pequeños en el mundo de las marcas a través de la publicidad y de los medios de comunicación, el tema de la identidad gráfica en nuestro país no ha sido suficientemente explorado ni documentado, por lo que este libro se vuelve un recurso fundamental. Es así como dos entusiastas jóvenes culichis, Carlos Losan (Losan Brands) e Iván Gastélum (Serrano Comunicación) unen esfuerzos para localizar a las personalidades en materia de identidad en nuestro país y documentar su trabajo.

El resultado fue una serie de cápsulas dedicadas a contar los procesos de diseño de reconocidas marcas mexicanas y a contar las historias de vida dedicadas a incrementar el patrimonio de diseño gráfico en nuestro país. Como parte del proyecto, se editó un hermoso libro de 200 páginas que incluye además el estudio de las retículas generadoras de muchos logotipos e imagotipos. En este primer proyecto se recopilaron los testimonios de Luis Almeida (Cervantino, CNA, DDF, Infonavit, Auditorio Nacional, Polyforum), Laura Medina Mora (Aeroméxico, Hoteles Presidente, Asemex, GNP), Fernando Mercado (Banamex, Inverlat, Bachoco, Mac'ma), Gonzalo Tassier (Liomont, Pemex, Del Fuerte, BMV, Correos de México, Tamalli) y Franz Teuscher (Cinemex, Superama, Alpura, ADO, IZZI, Dina, Herdez, Bancomer, Mexicana, Ferromex, Serfín), todos ellos autoridades en el diseño de marcas. Desafortunadamente ya no fue posible documentar el testimonio de uno de los baluartes de la identidad como lo fue el arquitecto Pedro Ramírez Vázquez a quien, en colaboración de su taller de diseño, se le atribuyen las identidades de Pronósticos Deportivos, Universidad La Salle y Televisa, entre muchos otros. Cabe destacar que, si bien todos estos profesionistas son los más reconocidos en el medio

del diseño en nuestro país, no son los únicos y probablemente en las nuevas entregas de “Grandes de la Identidad” se explorará el trabajo de otros profesionistas como Juan Carlos Fernández y Pep Palau (Ideograma), Enrique Saavedra (Sol Consultores), Eduardo Calderón (MBLM) y Toño Serrano/Juan Pablo Reverter (BAMF), entre otros. Será entonces indispensable seguir a estos jóvenes emprendedores en su próximo proyecto editorial dedicado a recuperar la historia del diseño gráfico, identidad y creación de marcas en México (grandesdelaidentidad.com).

Grandes de la identidad es un proyecto editorial dedicado a recuperar la historia del diseño gráfico, de la identidad y de la creación de marcas en México. @Jomerman

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Espacios sanos y necesidad de ventila Por DARÍO IBARGÜENGOITIA Ilustración ZAMARRIPA @zamarripa.mx

YA HEMOS PLATICADO en este espacio, la importancia de poder proveer a los espacios interiores, de una buena calidad del ambiente interior, pero cada vez es más la gente que me pregunta, cómo puedo mejorar el interior de los lugares donde estamos, para dar tranquilidad y reducir las posibilidades de un contagio, con los tiempos que vivimos. Siempre he pensado y visto que la buena arquitectura, ya sea del edificio o de los interiores, ya trae en su concepto inicial, el tema de sustentabilidad, es decir, ya considera los requerimientos de los propietarios en cuanto a inversión financiera, considera reducir a lo mínimo los impactos negativos al medio ambiente y, de manera muy marcada, lograr que las personas que habitarán y mantendrán esos espacios, tengan confort y logren los dos primeros conceptos. Si bien entonces, la arquitectura ya nace con esa idea, ahora es imprescindible lograr los conceptos de diseño integrativo, logrando una integración real y completa hacia las ingenierías y las estructuras, así como a las tecnologías, para que los diseños y las edificaciones logren esa sustentabilidad tan mencionada. Si vemos que los edificios en sí son responsables del 39% de las emisiones de gases de efecto invernadero a la atmósfera, en todo su ciclo de vida, es decir, desde que se diseñan hasta que termina su vida útil, es imprescindible el pensar en lograr una descarbonización de los edificios.

En el Consejo Mundial de Edificación Sustentable (WorldGBC) estamos proponiendo la descarbonización de los edificios en dos etapas: • Para 2030 lograr que todas las edificaciones nuevas, ya tengan desde su diseño el concepto de ciclo de vida completo, para lograr ser carbón neutro, es decir, diseñarlas, construirlas y operarlas con los más altos estándares de eficiencia energética, para poder entonces utilizar las energías renovables necesarias, ya sea en sitio o fuera del terreno, para compensar y llegar al neutro en emisiones de carbono. • Para 2050 lograr que todas las edificaciones, nuevas y existentes, logren esa descarbonización y cumplan con el objetivo de alcanzar el concepto de neutralidad en carbono. Es una meta ambiciosa, pero necesaria y urgente que nos involucra absolutamente a todos y que debemos de hacerla nuestra. En la actualidad se están trabajando en México la normativa y los estándares para que esto sea no solo voluntario, si no logremos hacerlo obligatorio, generando un mercado más competitivo, pero lo más complicado será entonces que los tres órdenes de gobierno se comprometan a hacer de estas normas y estándares, un requerimiento para cualquier edificación, ya sean residenciales o no, para alcanzar estas metas. Debemos cambiar nuestra visión hacia una realidad holística, que no sólo vea mi edificio, sino las ciudades donde nos movemos y vivimos.

En el aislamiento nos impresionamos con las imágenes de un planeta limpio; es responsabilidad de todos, hacer que la sociedad siga en esa línea. Todos nos impresionamos con las imágenes de un planeta renaciendo ahora que estuvimos aislados, por lo que es la responsabilidad de todos, hacer que este planeta siga en esta línea de limpieza, reducción de contaminación y descarbonización. Los invito a que cada uno se acerque a las diferentes asociaciones que actúan en la industria de la construcción, así como los colegios y juntos, hagamos una meta común para mejorar nuestro planeta y dejarles a las generaciones futuras un planeta digno y mejor de como lo encontramos.

@dibargon

OBJETO GLOCAL

El círculo cromático y sus matices Materia | Moisés Hernández Design Studio

Materia es una representación ordenada y circular que se conforma de manera armoniosa gracias a la combinación perfecta entre lo matices de sus colores. A través de su estudio, el diseñador mexicano Moisés Hernández ha creado esta pieza que adentra a los usuarios en un ejercicio de transición de tonalidades; su diseño surge a partir de la experimentación cromática de un material traslúcido, que permite la producción de diferentes colores y tonos que al mezclarse dan como resultado una combinación melódica y armoniosa a primera vista. Materia es una colección que se conforma por una mesa ovalada y una mesa de comedor redonda, las cuales se presentaron durante

Zsona Maco 2019 como parte de una colaboración con el despacho de arquitectura e interiorismo Ezequiel Farca + Cristina Grappin. En 2019, esta mesa llena de color y armonía fue galardonada por el Good Design Award, uno de los programas más antiguos que condecora la excelencia en el diseño e innovación. El trabajo de Moisés Hernández es una evidente muestra de la influencia que siguen teniendo en él algunos de los más variados elementos de la ciudad de México en donde creció, como: el caos de la sobrepoblación, las tradiciones, las texturas, los contrastes sociales y la diversidad cromática”. –GA moises-hernandez.com

Fotos Moisés Hernández Design Studio

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glocal.mx

MATERIALES INNOVADORES PARA DISEÃ&#x2018;O DE INTERIORES

Glocal Design Magazine No. 58 Homenaje a la Trayectoria: Sordo Madaleno Arquitectos

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Darío Ibargüengoitia

Público Coworking

Homero Hernández

Ensamble Artesano

Marcqó Diseño

Vieyra Arquitectos

Olga Hanono

JF Studio

Uribe Krayer

Faci Leboreiro

López Duplan Arquitectos

Manada Architectural Bounderies