GLOCAL DESIGN MAGAZINE No. 32 Portada por / Cover by: EUGENI QUITLLET by GLOCAL DESIGN MAGAZINE

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PORTADA POR EUGENI QUITLLET

ESPECIAL PABELLONES / SALONE / M&O / VALENCIA 2016 GAETANO PESCE, EDWARD BARBER, ODILE HAINAUT, PATRICK JOUIN, RICARDO CASAS, SARAH LAVOINE Y MARIANGEL COGHLAN

Calidad • Innovación • Diseño pisos • azulejos • muebles para baño • cocinas • materiales de instalación México • Estados Unidos • Canadá • Centroamérica • China

Piso y muro: Urban New York Vanity Amsterdam marca Interceramic

Glocal Abril 2016.indd 1

Altair Jarabo

4/1/16 3:25 PM

DIRECTORA GENERAL

CONSEJO EDITORIAL

EDITORA EN JEFE

PRESIDENCIA

Greta Arcila

Gina Diez Barroso

greta.arcila@glocal.mx CONSEJEROS HONORARIOS EDITORA

Arturo Aispuro Coronel

Janine Porras

Miguel Ángel Aragonés

janine@glocal.mx

Jorge Arditti Arturo Arditti

COORDINADORA EDITORIAL

Juan Carlos Baumgartner

Itayedzin Aragón

Fernando Camacho

itayedzin@glocal.mx

Carmen Cordera Héctor Esrawe

ASISTENTE EJECUTIVA

Rodrigo Fernández

Gabriela Arcila

Jorge Gamboa de Buen

gabriela@glocal.mx

Juan Manuel Lemus Beata Nowicka

DISEÑO

Carlos Pascal

Carla Hernández Vadillo

Gerard Pascal

carli@glocal.mx

Ariel Rojo

Martín Pech

Fernando Rovzar Sagrario Saraid

COLABORADORES Cristina Cruz

CONTABILIDAD

Pamela Ruiz

Víctor Villareal Arturo Xochipa

MAQUETACIÓN Cítrico Gráfico

CONTACTO glocal.mx

COLABORADOR Y TRADUCTOR

info@glocal.mx

Francisco Barriopedro

Mánchester 13, piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc,

VENTAS Y PUBLICIDAD

México, D.F.

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Teléfono 52(55) 55.33.68.18

FOTOGRAFÍA Gabriel González José Margaleff

PORTADA Eugeni Quitllet Glocal Design Magazine es una publicación de Color y Espacio Editorial S.A. de C.V. Revista Bimestral: abril - mayo 2016. Publicación protegida por la Ley de Propiedad Industrial y la Ley Federal de Derecho de Autor. Número de Certificado de Reserva otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor: 04-2013-041513043400102. Número de Certificado de Licitud de Título y Contenido 15894. Editora Responsable: Greta Vanessa Arcila Romero. El contenido de los artículos y de los anuncios es responsabilidad de los autores y de las empresas. Todos los derechos reservados. Domicilio: Mánchester 13, Piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, C.P. 06600, México, D.F. Distribución: Comercializadora GBN S.A. de C.V., Calzada de Tlalpan 572, despacho C-302, colonia Moderna, delegación Benito Juárez, 03510, México, D.F., Tel. 5618-8551. Impresa en: Preprensa Digital, S.A. de C.V., Caravaggio 30, Col. Mixcoac, C.P. 03910. Del. Benito Juárez. México, D.F. Tel 5611-9653.

¿Q

CARTA EDITORIAL

ué busca el mundo del diseño en estos tiempos? Fue una pregunta que estuvo en mi cabeza estos meses de tantos viajes y ciudades visitadas. Cada vez que conocía a alguien y lo miraba, parecía preguntarse si yo estaba interesada en su discurso. Y hacía un especial énfasis en este importante detalle pues a muchos de ellos los sentí muy nerviosos y ansiosos por decir, por explicar. Quizá esa ansiedad sea porque la mayoría de los creativos los vi en alguna feria de diseño, y es tanta la gente que los visita y pregunta a veces cosas inútiles, que seguramente pierden la concentración en algún momento. Entre tanto ruido, propuestas y eventos de creativos —todos diciendo ser únicos—; entre muchísimos discursos y entrevistas llegué a la conclusión de que lo único que como seres humanos deseamos es ser vistos, que nuestras palabras valgan algo para alguien; queremos ser parte de un grupo que valore nuestro pensar; necesitamos a alguien con quien debatir una idea, un concepto; hacer un proyecto que llene el espíritu de los involucrados y que eso cambie algo por lo menos un metro a la redonda. Más allá de las tendencias, están las sensaciones y, sí, sabemos que el diseño sensorial fue una tendencia hace apenas unos años, pero hoy y ahora lo importante es el espíritu. Ya no importan los colores, los materiales, las formas; somos tantos de tantas latitudes del mundo caminando en las mismas calles que lo básico es reconocerse en los ojos del otro, en las ideas del otro… sumergirse en ellas y en las libertades que éstas dan. Y si alguien ha sabido leer este momento es Eugeni Quitllet, quien se autodefine como un disoñador, un cazador de sueños, de esas cosas y momentos etéreos que marcan los momentos de la vida y los hacen únicos. Él, con su alma de diseñador, ha tratado de crear piezas que lleguen a las masas, pero busca dar objetos que den ese sentido de ligereza y que, por la facilidad de su factura, sean viables para las empresas con las que trabaja y puedan tener un precio asequible. Y en ese sentido, preparamos un especial de pabellones, de arquitectura efímera que nace con ese sentido: tener un discurso fuerte sin permanencia en un espacio determinado, pero con tal fuerza que pueda quedarse en la mente de todo aquel amante de lo estético.

Glocal Design Magazine Greta Arcila

@Glocal Design @gretaarcila

glocal_design arcilagreta

CONTENIDO EDITORIAL AGENDA CASA GLOCAL

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TEXTILES

029

Anemone, France & Tapigri La Chance

DISEÑO + EMPRESA Somatres Tane

Cocinas Baños Infantil Clóset

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HISTORIA + DISEÑO iMac G3

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LOCAL MATERIALES

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Colección Residencial Formica 2016

Duco Laboratorio de diseño multidisciplinario

TRAZOS

ILUMINACIÓN Alma Light Candle + dcw editions + Fontanaarte io

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031

041 RESEÑA Arquitecture Now! Museums Philip Jodidio, Ed. Taschen

045

SHOWROOM TECHNO iF Design Awards 2016 Logitech

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AUTOMOTRIZ Smart Fortwo Mercedes Benz

Republic of Fritz Hansen Urbana

HOST El Moro Cadena + Asoc.

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Hotel Sanará Studio Arquitectos

050

RESIDENCIAL

ENFOQUE Eugeni Quitllet Los grandes sueños son curvos

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104

textil y moda industrial, mobiliario y objeto

Casa rr Buro Arquitectura

ENTREVISTAS Gaetano Pesce Tan fácil como hacer un mundo interdisciplinario

Casa brh Vieyra Arquitectos

arquitectura y diseño de interiores

multidisciplinario

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ESPECIAL PABELLONES Vanke Pavilion Studio Libeskind | Milán Italia

Edward Barber Ideas simples y astucia infantil

UK Pavilion Wolfgang Buttress + Simmonds Studio + bdp | Milán, Italia

Odile Hainaut Cofundadora de Wanted Design

Serpentine Pavilion Selgascano | Londres, Inglaterra

Ricardo Casas + Shelf Editor de piezas

Wind Eaves Kengo Kuma & Associates | Hsinchu, Taiwan

Gabriel de la Mora Entre el tiempo y la fragilidad Patrick Jouin El diseño sin fronteras

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ArqMov + Factor Eficiencia + La invencible | Ciudad de México, México Pabellón La Suma Restada bnkr Arquitectura | Ciudad de México, México Pabellón Pangolin Architectural Body | Ciudad de México, México

Volu Zaha Hadid & Patrik Schumacher | Florida, EUA

Alejandra Gandía-Blasco La transformación a través del diseño

Unbuilt Harvard University Graduate School of Design | Florida, EUA

Sarah Lavoine Arriesgarse en libertad

Forschungspavillon Institut Für Computerbasiertes Entween (ICD) | Stuttgart, Alemania

Marianghel Coghlan Diseño con mueca de monstruo

Museo Inflable Guachimontones Estudio 3.14 | Jalisco, México Pabellón DIGFABMTY 1.0 Estudiantes de Diseño del itesm 2014 | Nuevo León, México

COLUMNA Principios para el buen diseño en México

128

OBJETO GLOCAL Home Collection Skultuna

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Palloon Relaxation Pavilion J. Mayer H. Los Trompos Esrawe + Cadena + Asoc. Concept Design

ESPECIAL FERIAS Avances Salone del Mobile 2016 Talento Made in Valencia Maison&Objet Paris 2016

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Mirar Morag Myerscough & Luke Morgan | Ciudad de México, México Estación Glocal

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ABRIL MAYO

AGENDA

LA GUÍA GLOCAL, QUÉ VISITAR EN MÉXICO Y EN EL MUNDO

ANISH KAPOOR Nacido en Bombay, Kapoor es considerado uno de los escultores de mayor influencia entre los artistas de su generación. La exposición gira entorno a la indagación y exploración del artista, proceso que le ayuda a encontrar y replantear significados. La exhibición —curada por Catherine Lampert y Cecilia Delgado (asociada)— no es cronológica, sin embargo se muestran 23 piezas de 1980 a 2015, desde las cuales y a partir de cuatro núcleos temáticos seducen al espectador gracias a la materia, la forma y el contenido.

Mayo 8, 2016 – enero 8, 2017 MUSEO UNIVERSITARIO ARTE CONTEMPORÁNEO Insurgentes Sur 3000, Centro Cultural Universitario, Coyoacán, 04510, Ciudad de México. (55) 5622 6972 www.muac.unam.mx

agenda

SALONE DEL MOBILE Esta edición del Salón del mueble cumple 55 años de crear tendencia, pues creativos y diseñadores de todo el mundo se dan cita para observar el trabajo realizado por las más prestigiosas marcas de todo el globo, así como de los noveles creadores. El año pasado, la exhibición recibió más de 310,000 visitantes que recorrieron Salone del Complemento d’Arredo, EuroCucina, EuroLuce, ftk, Salone Internazionale del Bagno, Salone Satellite, Salone Ufficio, entre otros. Toda la ciudad muestra diseño y respira diseño. Abril 12 a 17

Foro Buonaparte 65, 20121, Milán, Italia. 00 + 39 (02) 725941 www.salonemilano.it

ABSTRACCIONES. NUEVA YORK, PARÍS, CUENCA, MÉXICO Curada por Sylvia Navarrete y organizada por el Museo de Arte Moderno (mam), esta muestra reúne los mejores ejemplos pictóricos manados del expresionismo abstracto que floreció en Estados Unidos. Surgidas de la Colección PeraltaDoménech, 52 piezas realizadas entre 1950 y 1970 de Francisco Toledo, Gunther Gerzso, Juan Dubuffet, Manuel Felguérez, Mark Rothko, Pierre Soulages, Willem de Kooning y Vicente Rojo, entre otros. El asistente podrá observar ejemplos del tachismo, el informalismo, la pintura de acción y la ruptura.

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Febrero 25 – mayo 22

MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE MONTERREY (MARCO) Zuazua y Jardón s/n, Centro, Monterrey, Nuevo León, 64000 (81) 8262 4500 www.marco.org.mx

LA DISEÑADORA DESCALZA: UN TALLER PARA DESAPRENDER Esta exposición se deriva de la muestra presentada en el Isabella Stewart Gardner Museum hace dos años, donde se evidencia el trabajo de exploración y análisis de las técnicas textiles tradicionales del estado de Chiapas, Ciudad de México, Estado de México, Yucatán y Campeche de las que hace uso la diseñadora Carla Fernández. La exhibición presenta esta red de colaboración que ha logrado Fernández con los artesanos dando nueva vida a prendas que están en peligro de desparecer y a las que les ha otorgado un giro contemporáneo que ha sido muy bien aceptado en el mundo. Marzo 23 – mayo 15

MUSEO JUMEX Miguel de Cervantes Saavedra 303, Granada, 11529, Ciudad de México. (55) 5395 2615 www.fundacionjumex.org

EERO AARNIO Una de las exhibiciones más extensas sobre el trabajo de este bien conocido diseñador y arquitecto de interiores, Eero Aarnio, tendrá lugar en el Design Museum. Muebles, lámparas, pequeños objetos y piezas únicas hechas desde 1950, hasta la fecha, son ejemplo de la tensión entre creatividad, color, humor, realidad con anarquía, irrealidad... Todos ellos vendrán acompañados de dibujos y bocetos que evidencian la forma de trabajar de Aarnio. La muestra fue curada por Suvi Saloniemi y la exposición de arquitectura por Ville Kokkonen y Florencia Colombo. Abril 8 – septiembre 25

DESIGN MUSEUM Korkeavuorenkatu 23, 00130 Helsinki, Finlandia +358 9 6220 540 www.designmuseum.fi

agenda

FERIA PURO DISEÑO Esta feria se ha institucionalizado como un espacio único para el posicionamiento de nuevos talentos del diseño local —Buenos Aires, Argentina— y regional. Se trata de una plataforma de difusión, comercialización y de crecimiento profesional de más 350 diseñadores reunidos en un espacio de 12,000 m2.

A JAPANESE CONSTELLATION: TOYO ITO, SANAA, AND BEYOND La muestra tiene como objetivo exhibir el trabajo de arquitectos y diseñadores que se han desarrollado alrededor de los ganadores del Pritzker, Toyo Ito y el estudio Sanaa, es el caso de Kazuyo Sejima, Ryue Nishizawa, Sou Fujimoto, Akihisa Hirata y Junya Ishigami. La exposición parte de dos trabajos: La Mediateca de Sendai (2001) y el Museo de Arte Contemporáneo, Siglo xxi de Kanazawa (2004), de éstos se desprenden 44 diseños a diferentes escalas que van desde pequeñas casas hasta museos, donde se pone de manifiesto el impacto global de la arquitectura japonesa.

Mayo 24 al 29

Hasta julio 4

AGE NDA

Azopardo 579, Ciudad Buenos Aires, Argentina. +54 11 4346 0155 www.feriapurodiseno.com.ar

MOMA 11 West 53 Street, New York NY 10019 (212) 708 9400 www.moma.org

MAVERICKS. BREAKING THE MOULD OF BRITISH ARCHITECTURE

LA CASA IRRACIONAL. PEDRO FRIEDEBERG. ARTE Y DISEÑO El Museo Franz Mayer se ha caracterizado por conservar y difundir la belleza e importancia histórica de las artes decorativas y el diseño, pero también presenta el trabajo de creadores contemporáneos destacados, como el maestro Pedro Friedeberg, un artista que incorpora a su quehacer una amplitud variada de intereses. En sus obras y piezas podemos encontrar relecturas de estilos de las artes decorativas históricas como lo muestra esta exhibición.

Se trata de un viaje a través de 400 años de historia de arquitectura británica. Esta colorida instalación presenta a 12 arquitectos disidentes: Smythson, Vanbrugh, Wyatt, Soane, Cockerell, Mackintosh, Holden, Goodhart-Rendel, Stirling, Price, fat y Hadid. Existen muchos arquitectos que, a pesar de correr el riesgo de tener poco trabajo, deciden imponerse sus propias reglas, romper el molde y cambiar la historia de la arquitectura, así lo muestra esta revisión histórica que vale la pena observar. Enero 26 – abril 20 THE ROYAL ACADEMY OF ARTS Burlington House, Piccadilly London, W1J0BD 020 7300 8090 www.royalacademy.org.uk

EL FUTURO ME PERTENECE: NIKOLA TESLA A través de lenguaje multimedia e interactivos, el espectador podrá recorrer el mundo de Tesla, así como de sus inventos y teorías: del Imperio Austrohúngaro a Nueva York, de la fama a la impopularidad, de la genialidad a la locura. En la muestra se puede apreciar la recreación de su laboratorio en Colorado Springs y una instalación de realidad aumentada realizada específicamente para esta exposición, entre otras varias actividades paralelas.

Mayo 19 – julio 17

Hasta junio 12

MUSEO FRANZ MAYER Hidalgo 45, Centro Histórico, Ciudad de México, 06300 (55) 5518 2266 www.franzmayer.org.mx

GALERÍA CENTRAL DEL CENART Río Churubusco 79, esq. Calzada de Tlalpan, Country Club, Ciudad de México 4155 0000 www.cenart.gob.mx

CASA GLOCAL

[COCINAS] [BAÑOS] [INFANTIL] [CLÓSET]

Atelier Collection de Mosaïque Surface & BlazysGérard, modelo Lanvin.

Contenedores Voltasol Copper de Studio BAG Disseny

CÓMODO • HONESTO Fotografía cortesía de las marcas

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[CÓMODO] La tecnología nos ha dado estilos de vida maravillosos, posibilidades para hacer más eficientes algunos procesos gastronómicos y cada vez es más tangible que el diseño es una característica importante para hacer de la experiencia de uso un proceso cómodo. La intención de este espacio es evidenciar que aunque tengamos una cantidad considerable de electrodomésticos, estos pueden dialogar entre sí con su lenguaje visual. Ayudados con el color, las formas y los materiales se pueden crear espacios consistentes y bien armonizados. A Ambiente Cocina de la residencia Heathdale de tact Design Inc. 1 Monomando de salida flexible e-308 de Helvex 2 Cafetera Espresso de Krups para Casa Palacio 3 Banco Carbon Bar de Bertjan Pot & Marcel Wanders para moooi 4 Campana de pared Slate de ge Profile 5 Wok Calphalon para Crate&Barrel 6 Estufa a gas Slate de ge Profile

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[HONEST0]

En el mercado de accesorios para cocina existen ofertas bastante diversas, podemos encontrar objetos que dejan ver los materiales con los que están hechos al natural, a esto lo llamamos honestidad. No hay acabados exagerados, ni adornos saturados, el propósito es dejar que la comida con sus colores y aromas sea la protagonista de este ambiente. Los materiales favoritos son maderas macizas, mármoles, bambú, cerámica y cuerdas naturales, su ventaja sobre otros materiales es que envejecen con elegancia, adquiriendo coloraciones y texturas propias de su inevitable desgaste. B Ambiente Barra de roble blanco c401 de Kastella 1 Superficie de corte mt2 de Alessandra Scarfò Design 2 Lámpara Xuán de Pinwu para From Yuhang 3 Plato Jardin Indien de Bernardaud 4 Sillas Les Copains de Kati Meyer-Brühl para Brühl 5 Contenedores Natural Paint. Tar Collection de Luis Velazquez 6 Vaporera de bamboo de Crate&Barrel

Mobiliario Indoor & Outdoor collection Las modas pasan, los gustos evolucionan, los diseĂąos se renuevan... Nuestra calidad permanece.

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CASA GLOCAL

[COCINAS]

[BAÑOS] [INFANTIL] [CLÓSET]

Colección Six de Céragrès

RECTO • ORGÁNICO Fotografía cortesía de las marcas

casa glocal

[RECTO]

Las variaciones geométricas más sencillas que existen en los objetos están conformadas por líneas rectas, es más fácil manipular objetos de estas características, en transporte, almacenamiento y colocación, aunque no por ello dejan de ser interesantes para los usuarios. En esta propuesta incluimos piezas que comparten esta cualidad, además de hacer uso mínimo del color. Son altamente compatibles con espacios mínimos y se desenvuelven bien con objetos más llamativos, el objetivo es tener un espacio flexible para el cambio continuo con accesorios temporales. A Ambiente Colección Selv de Sieger Design para Dorn Bracht 1 Encimera Felt de Norm Architects 2 Mezcladora Acueducto Vértika de Helvex 3 Vela Dirigo de Note Design Studio + La chance 4 Banco Lloyd de Serener para Functionals 5 Tina Stand de Norm Architects

[ORGÁNICO]

La contrapropuesta de lo recto sería lo orgánico, propio de líneas suaves y contornos que parecen haber sido trazados manualmente. Los cuartos de baño habitados por objetos con estas características sirven naturalmente como espacios de relajación, porque visualmente contagian al usuario de sensaciones apacibles. Para darle fuerza al espacio hay que aprovechar los muros que lo contengan, aportando color o textura, en este caso proponemos acentos en color rojo para tener un foco de atención de características más juveniles. B Ambiente Colección Prima de Pininfarina para Bluform 1 Perfumero Anémone de René Lalique para Lalique 2 Mezcladora Nautilia de Helvex 3 Lámpara de techo Hal de Guillaume Delvigne para La chance 4 Lavabo Copper de Kräus 5 Tina Prima de Pininfarina para Bluform

CASA GLOCAL

[COCINAS] [BAÑOS]

[INFANTIL]

[CLÓSET]

Alfombra Kowhai de David Trubridge

Cojines Nidi de Battistella

PASTEL • VIVO Fotografía cortesía de las marcas

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[PASTEL]

Todos requerimos sentirnos dueños de nuestro espacio, sentir que éste refleja nuestra identidad, estar a gusto con los elementos que lo integran; por esta razón, para los niños es de suma importancia tener una habitación acorde con su personalidad porque ese ambiente será refugio y observatorio del mundo exterior. Buscar elementos neutros puede ser un buen arranque para que ellos empiecen a crear su espacio. Aquí proponemos tonos pastel, texturas suaves y materiales naturales en formas afables y sencillas para los más pequeños. A Ambiente Cama Perch Bunk y cajonera Merlin de oeuf 1 Alfombra Aube de Benjamin Graindorge para Hartô 2 Gabinetes Collage de Sigrid Strömgren para Ex.t 3 Sillón Merano de Alex Gufler para Ton 4 Carrito La Fionda de Katerina Kopytina 5 Contenedores con espejo Edmée de Piergil Fourquié para Hartô

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[VIVO]

Conforme crecen, los niños van construyendo su personalidad, algunos son alegres y muy activos, su energía también debe vibrar en el espacio que habitan, esto puede ser a través de colores intensos o con accesorios de formas juguetonas. Las texturas también invitan a la interacción; lo más importante es promover que la energía de nuestros pequeños se manifieste de maneras positivas. En esta propuesta multicolor, destacan las referencias a formas básicas, como la casa o las aves, cuyo propósito es convertir la habitación en un espacio divertido y dispuesto a ser un área que provoque sonrisas. B Ambiente Cama Carlina con Casita de Mariangel Coghlan para mc auténtico 1 Repisa Birdie de Hiroshi Kawano para Ex.t 2 The Guest de Jaime Hayón para Lladró Atelier 3 Organizador Charlie de Tomas Kral para Hartô 4 Frazada Tint de Anne Lehmann para Normann Copenhagen 5 Cojines Fusion de Nendo para BoConcept

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CASA GLOCAL

[COCINAS] [BAÑOS] [INFANTIL]

[CLÓSET]

Silla pp130 Circle Chair de Hans J. Wegner para PP Mobler

The Atelier Collection de Mosaïque Surface & BlazysGérard, modelo Valetta

BOHO CHIC • DULCE | FRESCO • VIVAZ Fotografía cortesía de las marcas

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A Look Fall-Winter 2016 de Carolina K 1 Superficie Earth de Pininfarina para Casalgrande Padana 2 Jeans Row Fringe de Acne Studios 3 Pendientes Hallelujah de Sangre de mi sangre 4 Bolsa Najchoj de Pablo Aragonés para Tzaquil Tzumut 5 Lentes Porfirio Flamingo Rosa de District Eyewear 6 Botín Contessina ss’16 de Aldo

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[BOHO CHIC] El Boho-chic es un estilo inspirado en la vida bohemia y hippie, pero con un toque de elegancia o explicado de otra manera: con un orden visual. La idea es combinar piezas que quizá provengan de diferentes marcas o no coincidan a la misma temporada, el propósito es hacer que el look sea único, desenfadado y cómodo. El básico por excelencia en este caso es un buen pantalón de mezclilla, el favorito de muchas ya que bien combinado puede ocuparse durante una salida casual o un evento más glamoroso. Proponemos combinarlo con piezas de influencia étnica o de diseñadores locales.

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B Look Autum-Winter 2015 de ciff Kids 1 Tapiz Catch a star de Katie Bourne Interiors 2 Colgante Conejo de oyoy 3 Suéter de Mango Kids 4 Bufanda infinita de Ingugu para DaWanda 5 Tutú de Kate Pearson para Bella and Lace 6 Balerinas Ultragirl II de Mini Melissa

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[DULCE] Para las más pequeñas siempre será un sueño vestirse lindo, con tonos pastel combinados con colores fríos que añadan un toque más formal. Proponemos un look tierno con tules y tejidos que combinan bien para cualquier ocasión. Lo más importante es conservar el lenguaje visual que una pequeña debe proyectar, evitar forzar el uso exagerado de color o telas pesadas. El elemento clave es el tutú color rosa que evoca a las bailarinas de ballet y a la fantasía que esta danza representa en el mundo del arte.

casa glocal

A Look ss16 de Carla Fernández 1 Recubrimiento Mayfair de Innovations 2 Backpack Walt Dark de Ina Koelin 3 Lentes Miguel Azabache Pelicano de District Eyewear 4 Pulsera Dragón de Mauricio Serrano 5 Anillos El Puñal de Manuel Antonio Melendrez + Pascual Estudiante para La Tlapalería 6 Sandalia Original Universal de Teva

[FRESCO] La temporada es perfecta para salir en sandalias y pasar un buen día, sabemos que no es fácil combinar este calzado, por ello proponemos elegir sandalias ligeras, de diseño sencillo. La pieza clave de este look es el pantalón diseñado por Carla Fernández para su colección ss16, combinado con una túnica de algodón de manga corta. Se pueden añadir accesorios más arriesgados, de colores más cálidos o bien metálicos, la combinación arroja un resultado interesante y llamativo. Se pueden utilizar anillos, pulseras o un buen par de gafas para darle un giro informal y divertido. 26

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B Look ss’13 de Levi’s 1 Tapiz Once upon a star de Katie Bourne Interiors 2 Backpack Mini Tracker de Quiksilver 3 Camiseta Shapes de Rock your baby para MiraMira 4 Cojin Nulle de Lucky Boy Sunday para MiraMira 5 Carritos Mo-To de Candylab Toys 6 Jeans de Mango Kids 7 Tenis Chuck Taylor All Star Kids ChuckIt Slip de Converse

[VIVAZ] Y para los pequeños que tienen mucho estilo proponemos un clásico absoluto: mezclilla por doquier con elementos básicos, un par de tenis y una playera de estampado divertido y quizás un poco adulto. La influencia de “chico travieso” se exalta con un par de gafas y mucha actitud. Los básicos no pasan de moda y siempre combinan con todo, incluso con las actividades de cualquier niño dispuesto a jugar 24/7. Lo mejor es elegir tejidos naturales, ligeramente gruesos y resistentes.

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textil y moda

Tapigri

France

ANEMONE, FRANCE & TAPIGRI LA CHANCE Texto Itayedzin Aragón Fotografía cortesía de La Chance

l nombre de la marca es un guiño hacia el optimismo, la buena suerte y el azar, justo lo que Jean y Louise querían crear para los interiores contemporáneos, como si se tratara de “tomar chances”. Desde su fundación, La Chance ha expandido su terreno de mercado en 18 países a través de 40 puntos de venta. Dentro de sus productos destacamos la calidad visual de sus tapetes Anemone, France y Tapigri. Primero está Anemone, diseñado en 2011 por François Dumas, inspirado en una de sus pinturas en la que las pinceladas imitan el movimiento de las anémonas marinas. El tapete está hecho a mano por artesanos que insertan y cortan la lana hasta obtener el relieve específico para el diseño que puede personalizarse: eligiendo uno de tres colores (azul, gris o rojo) para el motivo visual y combinarlo con uno de tres colores (beige, negro o blanco) para el fondo. El año pasado, La Chance presentó France de Nathalie du Pasquier, un tapiz lleno de gráficos alineados al estilo visual de la diseñadora y artista. Los motivos hacen referencia a la herencia colorida de los países africanos. Para esta colaboración con La Chance, Du Pasquier eligió los colores de la bandera francesa: rojo, azul y blanco que se anudan hasta formar un tapete de la dimensión que el cliente desee. También de Nathalie está Tapigri, disponible en dos gamas cromáticas (escala de grises y una combinación de amarillo, morado y negro) donde pueden observarse varias capas de figuras geométricas, por un lado hay una retícula de cuadrados y círculos sobre la cual se han colocado figuras geométricas que dan la apariencia de ser tridimensionales, el propósito es hacer que los muebles que queden sobre el tapete sean la continuación de estas capas.

Anemone

www.lachance.fr 29

materiales

COLECCIÓN RESIDENCIAL FORMICA 2016 EL LANZAMIENTO DEL VERANO

Diez nuevos diseños planteados con base en las últimas tendencias del año. Superficies que se dieron a conocer durante el pasado Kitchen and Bath Industry Show 2016 celebrado a principios de año. Texto redacción Fotografía cortesía Formica

esde 1913, Formica Corporation se ha constituido como una de las empresas líderes en el diseño, fabricación y distribución de productos para superficies de espacios comerciales y residenciales. Como parte de su constante renovación recién presentó la nueva colección Residencia Formica compuesta por colección 180fx, Formica Laminate y Jonathan Adler Colección. Este nuevo lanzamiento fue posible gracias al trabajo de 12 meses de investigación, se incluyeron novedosos e innovadores laminados en alta presión. Adicionalmente, toda la colección cuenta con la tecnología EliteForm que permite una mayor resistencia al rayado, a la deformación y le agrega durabilidad al material. Dentro de 180fx, Formica ofrece tres nuevos diseños: Café Azul, un modelo atemporal basado en el cuarzo de líneas color gris y marrón sobre fondo blanco; Black Fusión, inspirado en piedra de negro profundo y vetas grises, blancas y oro;

y Oxidized Maple, con aspecto de madera desgastada y en proceso de oxidación, tonos grises y marrones claros. Por otro lado, Formica Laminate se renueva con Neo Cloud, caracterizado por recordar al cuarzo con un fondo blanco y líneas grises; Weathered Cement, evoca al cemento, de aspecto moderno y minimal; Timberworks, su patrón proviene de diferentes especies de madera recuperada. Finalmente, como parte de la colaboración con el reconocido diseñador e interiorista Jonathan Adler, la línea agrega cuatro nuevos elegantes y eclécticos productos: Grasscloth con diseños reales del creativo que conforman texturas únicas. Tres presentaciones ofrece Formica: Natural Grasscloth, Lime Grasscloth y Slate Grasscloth. Además, Gray Josef Lino, de patrón simple inspirado en Josef Albers: formas geométricas en tono carbón, humo y blanco. www.formica.com

iluminación

ALMA LIGHT + DCW ÉDITIONS +FONTANAARTE Proyectos recientes en la industria de la iluminación y diseño, a través de tres trabajos: lámpara de mesa con Alma Light, lámpara de pared con FontanArte e iluminación de escritorio por dcw Éditions, donde el lumen y la forma iluminan los espacios. Texto redacción Fotografía cortesía de Alma Light, FontanaArte y dcw Editions

on 25 años de presencia en el mercado, la empresa Alma Light se ha dedicado a la iluminación y la fabricación de lámparas para el hogar con lo último en diseño. Cristian Cubiñá diseñó Candle, una luminaria con una propuesta formal, sobria y sencilla que se adapta a cualquier espacio y decoración. Su pantalla es de cristal soplado tripex opal en forma cilíndrica, tiene 5 cm de diámetro y usa tecnología led en su interior para evitar sobrecalentamientos. Cuenta con un dimmer para regular la intensidad de la luz. La serie de lámparas diseñadas por Bernard-Albin Gras, llamada No. 317, para dwc Éditions, tanto para residencias como espacios de trabajo, se caracterizan por sus soportes articulados que permiten dirigir la luz hacia cualquier espacio. Los brazos, hechos en acero y acabado negro satinado, se ensamblan en diferentes posiciones lo que la hace móvil y dinámica, con la posibilidad de rotar 360°.

Finalmente, la compañía italiana FontanaArte sorprende con un juego de pequeños discos circulares en aluminio moldeados a presión. Estos arcos luminosos hacen uso de la luz proyectada, así su propuesta estética también incluye el juego de sombra reflejadas en la pared. Con la facilidad para cambiar de lugar y posición, io propicia diversas ambientaciones y decoración. Se puede encontrar en cuatro colores: blanco, azul, gris y rojo. www.almalight.com www.dcw-editions.fr www.fontanaarte.com

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ConferenceCam Connect

Mouse Play Collection Felicity Fox Bocina ue Roll Red

iF DESIGN AWARDS 2016

LOGITECH Texto Ana María Galvis Fotografía cortesía de Logitech

esde 1981, Logitech ha diseñado dispositivos periféricos para mejorar la experiencia digital de sus usuarios, su producto estrella era un ratón electrónico, novedad significativa en aquel entonces. Ahora, son líderes en la fabricación de una larga serie de dispositivos de interfaz que representan un vínculo necesario entre el usuario y los artefactos digitales. Logitech se mueve como un pez en el agua en el desarrollo de productos de navegación en pc, juegos, música digital y control de sistemas multimedia de cobertura doméstica. Naturalmente sus productos han dado resultados en el ámbito del diseño, convirtiendo a la empresa en la actual ganadora de ocho premios otorgados por los iF Design Awards 2016. Los productos destacados son: la cámara para conferencias ConferenceCam Connect; la familia de protectores para iPad Logi Blok; el volante para consolas de videojuegos G29 Driving Force; el teclado para varios dispositivos con

Mouse Play Collection Daisy Lion

Mouse mx Master

conexión vía bluetooth K480; la serie de ratones inalámbricos Play Collection 2015; el ratón inalámbrico mx Master; la familia de altavoces ue, que incluyen el ue Boom 2, el ue Megaboom, y el ganador del codiciado iF Gold Award: el ue Roll, mismo que representa lo último en portabilidad con tan sólo 135 mm de base por 40 mm de altura, ligero, a prueba de agua, con conexión de largo alcance vía bluetooth y una batería que perdura hasta por 9 horas, compatible con smartphones, tablets, etcétera. El reconocimiento a estos productos está basado en la calidad del diseño y de los acabados, en la selección de materiales, grado de innovación, funcionalidad, ergonomía y aspectos de diseño universal. Para llegar al resultado, el comité de los iF Design Awards recibió desde 70 países, más de 5,000 propuestas, de las cuales, sólo 75 fueron ganadoras del iF Gold Award 2016. www.logitech.com

automotriz

SMART FORTWO | MERCEDES BENZ Texto Cristina Cruz Fotografía cortesía Mercedes Benz

ercedes-Benz lanza al mercado una nueva versión de vehículos Smart Fortwo diseñado para rodar por la ciudad con estilo. Esta nueva propuesta se distingue por su cromatismo y gran variedad de funciones que se encuentran a la vanguardia tecnológica. Este pequeño automóvil mide 2.69 m de largo, tiene un ligero motor de tres cilindros que recorre 20 km/l en espacios urbanos, y 27 km/l en carretera. Atrás quedaron los kilómetros por hora para dar paso a las exigencias de la ciudad: rendimiento. Presenta faros de halógeno con luces diurnas led, tapizado en tela negra, techo panorámico con parasol y una puerta trasera de dos hojas para facilitar la carga y descarga. Realiza un diámetro de giro pequeño lo cual lo hace más maniobrable en calles angostas y presenta poco esfuerzo de movilidad en el volante. Las funciones de asistencia de conducción notifican cuando hay riesgo de colisión, cuenta con alarmas de advertencia visual y acústica

que detectan zonas de acercamiento riesgoso. Los sensores del asistente para viento lateral registran posibles desalineaciones y mantienen su trayectoria mediante un sistema de frenado. Su sistema de seguridad es de acero de alta tecnología para un óptimo resguardo de pasajeros, tiene cinco bolsas de aire para conductor y acompañante en dos laterales de torso, cabeza y rodillas. En cuanto a conectividad se refiere, el smart Media-System tiene una pantalla multi-touch y navegación integrada. El sonido denominado AudioSystem es una aplicación para disfrutar de contenidos multimedia, incluye una función de navegación para localizar plazas de aparcamiento y dispone de conexión usb y aux, además de una transmisión de audio que reproduce canciones desde cualquier smartphone.

www.smart.com 33

diseño + empresa

SOMATRES

OBSESIÓN POR EL DETALLE

“No somos mercadólogos que se nos ocurre hacer diseño, no somos publirrelacionistas haciendo eventos, somos diseñadores.” Jorge Bustamante Texto Jaime Contreras Fotografía cortesía Somatres

omatres es una empresa dedicada al diseño gráfico, industrial y arquitectónico, enfocada al sector de lujo, su trabajo puede apreciarse ampliamente en el Salón Internacional de Alta Relojería (siar) desde hace ya varios años con cabinas o pop-up store con altos estándares de calidad. Para conocer más sobre el trabajo que hacen hablamos con Jorge Bustamante, el ceo de la firma y uno de los tres socios de la empresa. Hace más de 15 años, Jorge trabajó como director de diseño en una compañía que se dedicaba a libros y catálogos de arte que proveían materiales gráficos a Chanel y Parfumerie Versailles, nadie hablaba francés ni inglés y él tuvo que atender directamente los requerimientos de las marcas. Cuando Jorge salió de aquella imprenta las marcas lo buscaron. Él ya había pasado certificaciones, validaciones, revisiones y evaluaciones que enseñarle a alguien más implicaba mucho trabajo y tiempo. Así nació

Somatres, como respuesta a una necesidad. Jorge cuenta con bastante experiencia en el ramo porque trabajó en una constructora que hacía más de 30 exposiciones anuales en todo el país, fue docente de la unam y la Ibero, además de tener excelente ortografía y formación editorial. Su perfil como líder es formativo, por lo que le interesa enseñarle a su equipo —ahora de 14 personas— a entender el lenguaje que hablan las marcas de lujo. Así nos explica su proceso de trabajo: “Empezamos diseño con la parte creativa, incorporamos interiorismo, después nos vamos con producción, tenemos varios talleres con los que fabricamos escenografía y vamos integrando otras cosas como productores independientes de lámparas, y el año pasado trabajamos con La Metropolitana usando todos sus muebles”. Alcanzar buenos estándares de calidad aquí y en otros países cuesta mucho trabajo, Jorge lo logró buscando talento. “Los talleres de fabricación

diseño + empresa

con los que trabajamos son de gente grande (más allá de los 50-60 años), personas que han sido escenógrafos durante muchos años; gente de la industria del cine, arquitectos, diseñadores industriales…”. Tienen muy bien ubicadas a las personas que han perfeccionado su trabajo en tapicería, muebles antiguos, en madera, vitrinas iluminadas, luminarias, etcétera; “ese tipo de investigación también lo hace mi equipo, están siempre buscando. Yo tengo mi celular y voy sacando fotos de servicios. Hablamos, vamos, vemos, certificamos y los ponemos a prueba. Es mucha obsesión, de verdad, o aman la chamba o salen corriendo”, nos explica entre risas. Mientras me platicaba sobre las exigencias de Somatres y la de los clientes, pensamos en aquellas restricciones y demandas donde instalan sus pop-up stores. Cómo conciliar ambas visiones y dar cabal cumplimiento a todo: “Mucho son relaciones públicas. Tratar a la gente por igual. Nosotros no hacemos distinciones. Aquí hay un fenómeno en Somatres: todos pegamos, todos manejamos, todos llevamos, todos instalamos y también nos colgamos todos las medallas. Llegar a un lugar a instalar y que sea todo adverso tiene 100% que ver con la gente que está en el lugar y llevarte bien, pero muy bien con ellos. Nuestro productor tiene esa labor”. En Somatres todos los días son diferentes, los retos son distintos, las identidades no se repiten y los objetivos no son iguales. Pero qué hay de los desechos: “Reciclo y guardo. Estamos usando cada vez más materiales ecológicos. Sí destruimos y lo hacemos enfrente de las marcas que así nos lo piden, se certifica y mandamos reporte, pero mucho reciclamos, por eso lo hacemos bien, para que dure. Desde el año pasado estamos utilizando papeles que no tienen cloro y que sean de algodón, que sean reciclados y están funcionando, el problema es el costo, pues es casi el doble”.

www.somatres.com.mx 35

diseño + empresa

Texto Nina Paz y Soto Fotografía Nasser Malek, cortesía Kababié Arquitectos

AMOATO + ELÍAS KABABIÉ

TANE EN MACO 36

diseño + empresa

ane, desde 1974, se ha convertido en una firma aliada de la creatividad, pues desde entonces comenzaron las colaboraciones con artistas que, al principio, elaboraban esculturas en pequeño formato hechas en plata. Hoy esas participaciones abarcan a una gran cantidad de creativos en una amplia gama de objetos. Este año se destacan dos figuras importantísimas tanto en el diseño como en el arte, así nos lo explica Nino Bauti, director creativo de la empresa. “La propuesta de Tane en este año se llama ‘La explosión creativa’ y como puedes ver es una explosión de dos individuos, la mitad del stand es de Iris Apfel —una colaboración que hemos hecho con ella de joyas—, y la otra mitad con Pedro Friedeberg; con él hicimos una serie de mascadas y sedas, y nuestro arte objeto de este año que se llama ‘Euclides, el perro’; luego hicimos una colección de arte utilitario que son objetos de escritorio [Cocodrópolis]. Con Iris Apfel diseñamos una colección de joyas, estuvimos con ella en Nueva York y fue una experiencia increíble”. El impacto creado en el stand estaba planeado, de hecho seducía a los sentidos que se debatían entre las piezas de Friedeberg y la joyería de Apfel. El trabajo escenográfico estuvo perfectamente cuidado, de tal suerte que los objetos

y la joyería de ambos artistas resaltaran y obtuvieran el papel deseado: el protagónico. El diseño fue creado en conjunto por el arquitecto Elías Kababié y el trío de Amoato: Melissa Falcón, Raymundo Botello y Saraí Noguez, una verdadera explosión de color, textura y volumetrías. Amoato, por su parte, se distinguió por su conocido manejo del papel, y partiendo del logo de la marca crearon un universo de figuras que como el Big Bang detona sus partes y las transforma, del lado de Friedeberg eran figuras geométricas y del de Apfel, aves rojas —por ser la “rare bird of fashion”—. Ambas representan la personalidad de los artistas: sobre cubos rojos se exhibieron los objetos para escritorio y las mascadas sostenidas por manos inconexas, y por el otro, ajuarando torsos flotantes de maniquíes con lentes (como los de Iris) colgaban collares y pulseras. Más que un stand, la creatividad de las tres firmas logró que la presentación de Tane en Zona Maco fuera lo más parecido a una instalación. www.amoatostudio.com www.kababiearquitectos.com www.tane.com.mx 37

historia + diseño

iMAC G3 Se trata de la primera computadora personal desarrollada por Apple Inc., una pieza que fue la responsable de alertar a la industria sobre la importancia del diseño aplicado a la función, la comodidad del usuario, del más es menos, pero también del diseño adherido a las interfaces y apariencia de los programas. Este fue uno de los primeros pasos para el cambio. Texto redacción Fotografía cortesía Apple

on una empresa como esta —que, por cierto, en abril cumplió 40 años de existencia— que ha producido tantos productos icónicos como Apple Inc., nos podemos dar el lujo de elegir uno y ahondar aunque sea un poco en la transformación que trajo consigo, es el caso de la iMac G3, la “Mac de huevo” que algunas generaciones anhelaban y ahora recuerdan con melancolía por su diseño, color y presentación. Este modelo con monitor crt tuvo 16 versiones que entre tantos ires y venires perdió la unidad de disco flexible añadiendo el cd rom y agregó puertos de usb. Fue lanzada al mercado en 1998 y puso a temblar a todos los competidores quienes entonces desarrollaban computadoras lentas, de viejas generaciones i/o, con displays de 13 y 14 pulgadas, y sobre todo feas, al menos así lo dijo Steve Jobs en aquellos años: “This things are uuuuugly”. La gran promesa era su velocidad con G3/233 de procesador, 32 megas de memoria, 4 gigas en su disco duro, un sistema operativo intuitivo y amigable; sonido estéreo con dos bocinas en el frente que franqueaban la unidad de cd y una

entrada para audífonos. Su caparazón colorido y traslúcido permitía entrever el interior luminoso, una verdadera novedad. En su lado derecho concentraba todos los conectores (internet, usb…), y atrás tenía una asidero incorporado a la coraza que permitía moverla con facilidad. El teclado, con las mismas características translúcidas y de color, presentaba dos conectores de usb al lado derecho o izquierdo para que tanto diestros como zurdos pudieran conectar el redondo mouse y usarlo en la posición más conveniente. La iMac G3 apareció y revolucionó la apariencia de las computadoras, logró que el monitor y la unidad cpu se unieran en una sola pieza ahorrando espacio: all-in-one computer. Lo anterior ya era una innovación gigantesca, a la que se le agregaba color, al principio azul y luego cuatro más —ruby, sage, graphite y snow—. Al respecto, Jobs dijo: “Looks like from another planet. A good planet. A planet with better designers”.

www.apple.com

local

DUCO L AB O RATO R I O D E D I S E Ñ O M U LT I D I S C I P LI N A RIO Duco Lab es un equipo de diseño multidisciplinario que hace uso de diversos materiales, sus proyectos Petra, Ensamble y Tequio son colecciones que serán exhibidas durante 2016 en ferias de diseño en Milán y Nueva York. Texto Cristina Cruz Fotografía cortesía Duco Lab

uco Lab cuenta entre su variada lista de clientes a Mercado Roma, Moshi Moshi, Nike y Starbucks, por mencionar algunos, se autodenominan laboratorio de diseño ya que en cada uno de sus proyectos buscan integrar tecnología, ingeniería y fabricación a través de procesos que trasciendan el uso de materiales y cumplan con una solución estética y funcional. Su más reciente entrega, denominada Petra, es una colección de accesorios para el hogar que fue realizada en cantera originaria de Huichapan, Hidalgo. “En este taller se logró un entendimiento con el artesano tornero e incluso se ajustó la herramienta para lograr el resultado deseado en colaboración con los expertos que llevan trabajando ese material por generaciones”, así lo comentó Longuinos González. Tequio creativo es una edición limitada de objetos decorativos donde el reto consistió en observar el comportamiento de los materiales, pues fue la primera

vez que trabajaron con la técnica de vidrio soplado en moldes de arena. La primera fase de pruebas y prototipaje se realizó en colaboración con un taller artesanal oaxaqueño: “se tuvieron que realizar varios ensayos hasta lograr el resultado deseado”. La calidad y los acabados fueron una continua búsqueda del equipo Duco, que los llevó a realizar las piezas finales en Nouvel Studio. La línea de mobiliario Ensamble, por su parte, está conformada por banco, consola, mesa, escritorio y silla, entre otros accesorios para el hogar. Por el momento se fabrican en madera tzalam o álamo con metal, disponibles en varios colores. “Queríamos lograr una línea de productos que permitieran transportarse y armarse de forma sencilla, pero con gran calidad, usando materiales que perduraran en el tiempo”, concluye Longuinos. www.ducolab.com 39

trazos

CONJUNTO TOR DI VALLE STUDIO LIBESKIND Roma, Italia

tudio Libeskind diseñó tres torres que formarán parte del distrito de negocios Tor di Valle, al sur de Roma, en Italia. El proyecto fue concebido en colaboración con Meis Studio y se inserta en el parque empresarial de 287,000 m2 que a su vez está inmerso en un plan maestro que cuenta con el estadio as Roma, instalaciones de entrenamiento, edificios de oficinas de baja y gran altura, tiendas, restaurantes y cines. El distrito será sostenible y vinculará el espacio urbano con el centro de la ciudad. “Hacer una contribución arquitectónica a la Ciudad Eterna es una oportunidad preciada, ahora Roma tendrá un parque de negocios de clase mundial conectado con el estadio que será un área vibrante y sostenible.”, comentó Daniel Libeskind, fundador y director de diseño de Studio Libeskind. Las tres torres son el eje central del parque empresarial, están estrechamente relacionadas entre sí por su volumetría, y aparentan haber sido separadas de un bloque en común, ya que los volúmenes podrían encajar unos contra otros, como

si se tratara de una escultura compositiva. Las torres estarán colocadas en una formación triangular y darán pie a una plaza pública de 3,000 m2 con jardines y espejos de agua. Con hasta 220 m de altura, las torres emergen de un podio de tres pisos con techos verdes, que a pie de calle proporcionarán servicios comerciales. Sus fachadas revestidas con paneles opacos crean una estética unificada entre sí. Cada torre cuenta con una o dos zonas jardinadas, además de espacios abiertos para el trabajo, recreación o eventos públicos. La Torre Uno constituye la pieza central de la composición, con dos jardines verticales ubicados en lados opuestos, uno en la mitad inferior y el otro en las plantas superiores. Como núcleo central, la torre ofrece un diseño de oficinas eficiente, mientras que sus zonas verdes permiten espacios de trabajo flexibles y abiertos.

www.libeskind.com 41

trazos

FERIA DE LAS CULTURAS AMIGAS 2016 AMBROSI | ETCHEGARAY Ciudad de México, México

esde 2009 se celebra en la Ciudad de México la Feria de las Culturas Amigas, donde anualmente se reciben a diferentes representantes internacionales que se suman a un intercambio cultural a través de diversas actividades que se apropian del espacio público. En un esfuerzo por mejorar e incentivar el crecimiento de países participantes y asistentes, la organización convocó a concurso el pabellón de la feria que desde 2014 ocupa el Zócalo Capitalino. El proyecto ganador de este año fue el de los arquitectos Jorge Ambrosi y Gabriela Etchegaray, quienes encabezan un equipo colaborativo integrado por: Rafael Amparán, Mariana Ávila, Javier Caro, Ivonne Cervera, Miguel Coloma, Lucas Hoops, Ivo Martins, Alberto Molina, Rubén Oliveros, Gerardo

Reyes, Raúl Soria, Omar Vergara y Miguel Vieyra. El pabellón representa de manera simbólica la unidad y la universalidad en su esquema: en un área de 8,545.22 m2, un módulo tipo se repite delineando dos circunferencias que albergarán 100 stands de las mismas dimensiones, 25 m2. El sistema estructural está hecho con andamios que se unifican al estar cubiertos con costales de yute —alusión a la antigua unidad de intercambio comercial—. El esquema radial permitirá un recorrido continuo que aísla y contiene, permitiendo el flujo de los visitantes hacia y desde el Zócalo a través de varios accesos. www.amet.mx

trazos

THE LEGO HOUSE BJARKE INGELS GROUP Billund, Dinamarca

entro de la provincia de Billund, Dinamarca, Bjarke Ingels Group —grupo de arquitectos daneses con sede en Rotterdam y Nueva York, liderados por Bjarke Ingels— planea la apertura de The Lego House en este año, la finalización de una obra que inició en 2014. La ciudad resulta muy importante para la marca ya que Lego fue fundado en Billund, y la idea es hacer de ésta la Capital de los Niños, que a su vez promueva el desarrollo bajo el concepto “jugando y aprendiendo”. La firma proyectó este museo con base en gigantescas piezas de Lego donde los fanáticos podrán vivir una experiencia creativa, imaginativa y educativa desde afuera hacia adentro. Con 30 metros de alto y 12,000 m2 de área total, la planta baja alojará una plaza que unificará tanto áreas públicas como los espacios propios del museo: un restaurante,

una tienda dotada de todos los productos Lego y un foro. En las plantas superiores estarán las zonas de juego y la Keystone Gallery. Este inmueble está inspirado en el juego de las piezas two-by-four Lego brick que superpuestas generarán terrazas y áreas de esparcimiento reflejando la idea principal constructiva de la marca que desde su creación en 1932, siempre ha aproximado al niño o adulto a la arquitectura. Y bajo esa misma premisa de creatividad es como se planteó The Lego House, el lugar donde se desarrollan las habilidades y las herramientas para hacer que este mundo, un lugar para construir y crear, resulte divertido. www.big.dk www.lego.com 43

reseña de libro

ARC H IT EC TURE NOW ! M USE UMS PHILIP JODIDIO, ED. TASCHEN, 2010.

Texto Pamela Ruiz Fotografía cortesía Taschen

no de los espacios en donde se manifiestan las ultimas tendencias arquitectónicas es en el museo de arte, ya sea en nuevos edificios, en ampliaciones o remodelaciones de los ya existentes, estos espacios ofrecen la posibilidad de la experimentación e innovación arquitectónica. En Architecture Now! Museums de Philip Jodidio (Taschen, 2010), el autor presenta un catálogo de arquitectos y despachos que han realizado proyectos para los diferentes museos alrededor del mundo, desde la década de los 90 hasta los primeros diez años del siglo xxi. Además de una interesante descripción de los elementos más destacados de los edificios, podemos encontrar reseñas sobre las trayectorias de los arquitectos, así como un muy completo apoyo visual de fotografías, blue prints y bocetos de los proyectos, que sin duda ayudan a entender la propuesta arquitectónica de una forma más completa. Un material muy recomendable para conocer las últimas tendencias en arquitectura, museografía e iluminación, así como un panorama de las nuevas propuestas para espacios que podrían considerarse muy tradicionales. Dentro de la revisión histórica encontrarás ejemplos de: Hitoshi Abe, Acebo x Alonso Arquitectos, Aires Mateus, Jun Aoki, ARM, Shigeru Ban, Behnisch Architekten, David Chipperfield, Preston Scott Cohen, Frank O. Gehry, Teodoro González de León, entre otros. www.taschen.com 45

showroom

REPUBLIC OF FRITZ HANSEN

A propósito de la inauguración del primer showroom en México, Iván Carretero, Gerente de ventas de la marca Fritz Hansen en América Latina, platicó con Glocal y nos explica por qué incursionar en México con sus 17 diseñadores, y sus piezas históricas y contemporáneas de diseño. Texto redacción Fotografía José Margaleff

showroom

ritz Hansen ha llegado a México con la tienda número 17 en América Latina y una propuesta escandinava de ambientes en su nuevo showroom. Antes de contar con un salón de exhibición, iho era el encargado de la distribución de la marca en México, y siguen estando presentes en Casa Palacio Antara y Santa Fe, además de Copenhague, Milán, Nueva York, entre otros puntos importantes del mundo. Iván nos comentó que en un país como el nuestro sí es posible valorar piezas como las de Poul Kjærholm, que ya murió y la familia no permite introducir ninguna mejora técnica, así que todo se hace como se hacía en los años 50, por artesanos en Dinamarca. “México representa el 70% de nuestras ventas en América Latina […], y México es el destino 10, porque hay facilidad de entrada del producto. Hay entendimiento, porque es un país con bastante cultura de diseño, lo aprecia. Vemos que hay un segmento que aprecia las piezas exclusivas”. En Fritz Hansen también podemos encontrar mobiliario de vanguardia, “Nos hemos reinventado con la irrupción de nuevas piezas, por ejemplo, Jaime Hayón —que es un diseñador español, era un artista callejero que hacía grafiti— quien le da ese toque barroco a la marca y ha conseguido que entremos fuertemente en América Latina”, continuó Iván.

Los clientes de Fritz Hansen han encontrado predilección tanto por la colección clásica, como por la contemporánea dividiendo en un 50% las ventas, pero se han añadido más marcas a sus productos como las luminarias Lightyears y accesorios. “No somos un vendedor de muebles sino de lifestyle. Creamos un circuito con la iluminación, el mobiliario, con los accesorios. Son piezas que cuentan una historia, son piezas de Arne Jacobsen, candelabros de Jaime Hayón, etcétera…”. Al respecto de su salón de exhibición ubicado en una preciosa casona estilo Californiano en Polanco —Alejandro Dumas 124—, Iván nos comenta: “Nuestras piezas pueden estar en cualquier entorno: en un ambiente minimalista, en otro barroco o neoclásico, encajan perfectamente porque son atemporales, no están dentro de ninguna moda. […] En la casa queremos transmitir los valores escandinavos, no es una tienda al uso, intentamos presentar los productos en un ambiente real, es algo aspiracional”.

www.fritzhansen.com 47

showroom

URBANA ALEJANDRO ESCUDERO

El éxito de un buen interiorismo no radica en la marca de los muebles ni en una excelente pieza, en los materiales o la escala, sino en la interacción de todo el conjunto en un espacio. Urbana se abre como un ejemplo vivo de generación de ambientes. Texto redacción Fotografía José Margaleff

n Prado Norte 360, Lomas de Chapultepec, se encuentra Urbana, el showroom de Alejandro Escudero que comparte espacio con su despacho de arquitectura, ambos conviven como dos entes autónomos pero conectados. Dentro de la tienda se puede apreciar mobiliario antiguo y contemporáneo en combinación con producciones propias de Alejandro. “Nosotros vamos por el mundo dando vueltas, encontrando cosas padres y las traemos aquí. Eso sirve para que en los proyectos podamos tener ese tipo de objetos y no tengamos que hacer exactamente lo mismo pero para un solo cliente”. Urbana tiene 12 años de existencia, no obstante sufrió una remodelación en su espacio, más por refrescar la vista y porque resulta el ejemplo perfecto para transformar diversos ambientes con mobiliario, telas, piezas con carácter, que por tendencia. Urbana no es para las masas, la gente que entra en ella lo hace para sentir el lugar, para vivir un espacio diferente al suyo: “Siempre hemos tenido nuestro estilo, hemos sobrevivido a través del tiempo con eso porque al fin y al cabo no nos dedicamos a hacer moda ni a hacer cosas comerciales. Esa es un poco la clave de la vida: las cosas buenas son buenas siempre”, comenta seguro Alejandro.

showroom

En la etapa actual en la que se encuentra el despacho, el interiorista prefiere decir “sí” a los proyectos donde también se incluye la arquitectura y el interiorismo. “Me gusta dejar las cosas al azar, pero no al azar de alguien más. Así como trabajamos con diferentes especialistas en diferentes áreas y te apoyas con cosas que te ayudan a sumar, un perfil de cierto cliente te ayuda a sumar algo y a sacar lo mejor de ti”. Alejandro no está casado con líneas de muebles ni con materiales, aunque en Urbana sí se encuentran piezas que están ligadas a la naturaleza por su belleza, su textura y por ser sustentables. “Soy muy respetuoso de la naturaleza, yo no tiro un árbol, a mí me cuesta la vida, aunque me den permiso y lo pague […] Creo que la naturaleza sí tiene un derecho y lo que hago nace de este derecho”. Así, Urbana se presenta como una extensión del estudio Alejandro Escudero, un espacio que conjunta el taller de arquitectura e interiorismo con el salón de exhibición que no sólo muestra piezas curadas por el diseñador, sino una filosofía de vida que queda capturada en cada ambiente. www.alejandroescudero.com 49

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EL MORO CADENA + ASOC. CONCEPT DESIGN

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Desde 1935, la churrería El Moro ha sido un punto de encuentro familiar, donde varias generaciones han compartido una taza de chocolate caliente con el sabor tradicional de los churros, pieza clave de la gastronomía popular mexicana, fuente de inspiración para Cadena + Asoc., en esta propuesta de diseño. Texto Marisol Guerrero Fotografía Moritz Bernoully, cortesía de Cadena + Asoc.

ara renovar su imagen, El Moro llamó a Cadena + Asoc., con la misión de combinar la tradición que les caracteriza con un enfoque fresco y dinámico que debería quedar plasmado en su nueva sucursal de la colonia Cuauhtémoc de la Ciudad de México. Para ello, Ignacio Cadena —líder del despacho— retomó los valores fundamentales de la churrería y las características más icónicas de su primer establecimiento, ubicado en Eje Central, en el Centro Histórico. Los clásicos azulejos y vitrales fueron tomados como detonador visual y llevados a su más mínima expresión estética, conservando la esencia de El Moro a través de grafismos contemporáneos. El sistema gráfico se puede traducir en un sinfín de posibilidades compositivas que pueden aplicarse de forma notable en la identidad, comunicación, arquitectura e interiorismo de El Moro. La paleta cromática nace de los inconfundibles mosaicos que han sido testigos de la trayectoria de El Moro, contrastando con el blanco inspirado en el color del azúcar, ingrediente imprescindible de los churros.

El mobiliario, integrado por las mecedoras de Los Patrones, y las sillas y mesas de La Metropolitana, está fuertemente influenciado por el estilo Art decó que predominó en la Época de Oro mexicana, parte fundamental del desarrollo de propaganda, cine, tipografías y expresiones artísticas del segundo tercio del siglo xx. En las mesas y sillas de La Metropolitana se observa la referencia innegable a los batidores tradicionales de chocolate, piezas de madera torneada con diámetros variables, también llamados molinillos. La parte fundamental del desarrollo creativo fue crear un concepto integral, que se conectara emocionalmente con los usuarios, desde el equipo de trabajo del establecimiento hasta los visitantes incidentales. Los elementos gráficos, simbólicos y de comunicación —desarrollados por Jay Castruita y Luis Medellín— ofrecen una experiencia completa de la marca en el local de 76 m2.

www.cadena-asociados.com 51

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HOTEL SANARÁ STUDIO ARQUITECTOS 52

host

Relajación y bienestar son los objetivos primordiales que Hotel Sanará ofrece a sus huéspedes, a quienes invita a respirar libremente la brisa fresca del mar con las comodidades de un lujoso hotel boutique de carácter ecológico.

Texto Marisol Guerrero Fotografía Pablo García Figueroa, cortesía de Studio arquitectos

otel Sanará es un escape de la ebullición citadina, su diseño con aspectos ecológicos fue propuesto por Studio arquitectos, quienes de manera respetuosa con el contexto completaron el centro hospitalario con 22 habitaciones frente al mar Caribe, en el sureste de la República mexicana. El conjunto está conformado por espacios planeados para actividades enfocadas al bienestar como salas de masaje, lugares de relajación y el salón de yoga que puede ser ocupado para esta práctica o para conciertos, talleres o eventos privados. El concepto de diseño está basado en el orden y formalidad urbana pero con un entorno natural. Por eso el emplazamiento de las habitaciones quedó en alineaciones variables, la razón esencial de esto fue preservar, en la mayor medida posible, la vegetación existente. En medio del terreno ocupado por el Hotel Sanará destaca el edificio principal, la única construcción preexistente de todo el conjunto a la que se le confirieron las cualidades más importantes en materia de servicios de cuidado integral, donde se busca la sanación física, mental, emocional, espiritual u holística. Como el proyecto está enfocado en cuidar el ambiente, todas las habitaciones están elevadas del suelo, permitiendo el paso del viento, las tortugas marinas y, cuando sea el caso, de las mareas altas. Las habitaciones son una variación de planos, siendo las suites Big Apple las de mayor dimensión,

las habitaciones Plum de menor tamaño y por último los Tamarindos. Todas ellas cuentan con un patio trasero donde se ubica un jardín privado con una tina de relajación y al frente una terraza con vista al mar. Studio arquitectos propuso materiales vernáculos para todo el proyecto, como piedra, madera y algunos elementos locales para los detalles decorativos, como las lámparas de bejuco, los entramados de cuerda y las celosías de barro. La mayoría de los muros interiores tienen acabados en cemento blanco pulido ofreciendo cualidades de elegancia y frescura. La fusión entre estos materiales y el juego de concretos texturizados logra un resultado que permite conectar con la naturaleza sin olvidar que lo urbano está presente. Uno de los espacios más reconocidos de Hotel Sanará por la comunidad es el restaurante The Real Coconut, que da una vista completa de la playa a sus comensales además de rodearlos con la vegetación local, la que contrasta con el tono café oscuro de la madera. La decoración de las habitaciones estuvo a cargo de Daniella Hunter y Philippa Allam, el mobiliario es de Koko Design, mientras que la construcción y el proyecto arquitectónico fue de Studio arquitectos.

www.studioarqs.com

enfoque

EUGENI QUITLLET Los grandes sueños son curvos

enfoque

Dream Machine para Lenox

El ganador del premio al Diseñador del año en la pasada Maison&Objet 2016, Quitllet tiene un carrera que bien puede representar la evolución de la estética contemporánea y el pulso del cambio constante que es el sello personal de este visionario. Entrevista Greta Arcila Texto Francisco Barriopedro Fotografías Claude Weber, Govin Sorel, Anne Emmanuelle Thion, cortesía Eugeni Quitllet

ugeni nació en Ibiza en 1972 y como graduado de La Llotja Escola Superior de Disseny i Art en Barcelona, comenzó a desarrollar su creatividad a la par de los cambios sociales y tecnológicos, logrando sintetizarlos y representarlos en sus diseños para distintas empresas. Todo el trabajo de los últimos tres años se caracteriza por la combinación de formas orgánicas con tecnología de punta, la naturaleza y la robótica, la humanidad y el futuro. En el marco del gran evento parisino, tuvimos la oportunidad de platicar con él en una entrevista exclusiva y Eugeni, refiriéndose a sí mismo como “sólo un disoñador” (la unión de diseñador y soñador), nos reveló algunas de las ideas que él considera interesantes para compartir. “Que haya o no ganado el reconocimiento, creo que es bueno que exista el Salón y que en él se reconozcan las tendencias y que gracias a él se pueda medir la temperatura de la creatividad en el mundo. Vamos, claro que es importante que se te elija como el representante más notorio de estas tendencias y te sirve de confirmación para ver que la labor que tienes años realizando, está llegando adonde quieres y marcando una diferencia. Que indica, en mi caso, que no me he estado equivocando y que lo que hago ha estado marcando el momento. Además, es maravilloso contar con este espacio tan generoso donde se te permite mostrar todo tu trabajo y no para presumirlo, sino para compartirlo con el público y los colegas”. Sabiendo que existe toda una historia detrás de su autodescripción como “disoñador”, le preguntamos qué fue lo que le hizo ver que estaba convertido en un dreamcatcher —como dice él, y lo llaman los ingleses—, y cuándo fue que comenzó a soñar.

Masters, en colaboración con Philippe Starck para Kartell

enfoque

No me gusta quedarme en la idea de soñar por soñar, sino de soñar para realizar.

Fire Vase para Designerbox

Dream Catcher

enfoque

Light Air Crystal para Kartell

Liquid Pot para Lexon

Colección Dream Tools para Lexon

“Bueno, en realidad no fue que comenzara a soñar. Más bien me di cuenta de que siempre estaba y estoy siempre soñando. Además, no me gusta quedarme en la idea de soñar por soñar, sino de soñar para realizar. Por eso, el disoñador es el que toma los sueños y los convierte en realidad, los hace objetos cotidianos que tengan esta dimensión de ensueño, de ser mágicos, que siempre pase algo distinto en cada objeto, y así que sea el sueño lo que nos despierte, que nos lleve a hacer mejor, a crear más. Eso es lo importante. Siempre he hecho esto (desde pequeño), pero luego me di cuenta de que había gente que se ganaba la vida haciendo algo similar a lo que yo hacía, y que esas personas se llamaban 'diseñadores'. Ahí me di cuenta de que yo también podía diseñar y además aportar esta dimensión que es la que me gusta, la del sueño”. Un claro ejemplo de esto lo podemos ver con la silla Tube, para Mobles 114, que muestra la fascinación de Eugeni por la sensación de ingravidez y los detalles que se antojan fantásticos, al lograr separar el asiento de las patas 58

traseras y, de todas formas, conseguir un estructura sólida y de una belleza discreta. De la misma manera, trabajó con Dream’Air, la silla diseñada para Kartell, que él describe como: “una mascada al viento, una silla que enmarca la belleza de las curvas de un cuerpo sentado en el vacío. Se trata de una estructura muy sólida y un asiento transparente que hace que la persona parezca suspendida en el aire. Además está el juego de palabras: dreamair y dreamer, que completa todo el concepto. Es decir, la mayoría de los materiales que se utilizan en diseño industrial son muy fuertes, resistentes; por eso es que yo he querido darles esta noción de ligereza, de que son livianos, de que no están sujetas a las reglas de la gravedad… son libres. De hecho yo diseño un poco con miras al espacio... la silla Dream-Catcher es un tanto ‘espacial’, con ella ilustro mi idea de la proyección al infinito. Yo no creo que el diseño industrial tenga que asociarse con materiales duros, rígidos y tristes. Siempre intento romper las reglas y hago que el objeto sea libre de alguna manera. Sobre todo porque las sillas son cómodas mas no

enfoque

se trata de hacer sillas para que sólo sean cómodas. Para mí, se trata de que tengan un toque de alegría, un poco de magia que te motive sobre todo a seguir imaginando el futuro”. El trabajo de Eugeni hasta el momento ha resultado en contactos y colaboraciones con varias firmas y la total aceptación del público. Cuando le preguntamos si además de su talento, su éxito también estaba basado en tocar las puertas indicadas, Eugeni nos respondió: “Bueno, en realidad yo no he tocado ninguna puerta. Empecé trabajando con gente que me conocía y que me ha dado su confianza. Es a partir del resultado que ya todos conocen que otras personas se acercan a verme. Tengo la fortuna de elegir con quien trabajo. Como somos un estudio muy pequeño y a mí me gusta estar muy atento a todos los detalles del proceso, me puedo dar el lujo de elegir a la persona con la que voy a trabajar pues el proceso de diseño a producción se lleva dos y hasta tres años, por lo que para mí es vital relacionarme con aquellos que están buscando lo mismo que yo. Para mí lo más importante es que también tengan el deseo de hacer algo único, que el proyecto que hayamos ideado juntos sea su foco principal, que estén concentradas en él hasta que se haga realidad como producto. Cuando llevas a cabo un proyecto para realizar un producto industrial, la inversión en tiempo, dinero, vida y demás recursos es muy grande y, por lo tanto, el producto una vez que es revelado y puesto al alcance del público, debe permanecer el mayor tiempo posible. Debe tener ese carácter de atemporal y maravilloso. Yo sé que el tiempo que le estoy dedicando a un objeto es tanto que no puede tener una vida de aparador de tres o cuatro

Colección Shine para Kartell

Exhibición en Maison&Objet 2016 59

Stone para Habitat

Silk para Kartell

Tube para Mobles 114

Tabu para Alias

Cloud-io para Kartell

Elle para Alias 60

Dreamâ&#x20AC;&#x2122;Air para Kartell

enfoque

vk1 para aëdle

Ona, bocina bluetooth y radio am/fm para Lexon

L’âme, colección completa de cubiertos

años, algo que está inscrito en ‘la moda’ y que por eso había que hacerlo y luego adiós. No. Yo busco crear objetos que capturen el momento y que se queden en el tiempo. El diseño de mobiliario tiene la particularidad de no estar obligado a seguir la moda, pero puede que genere modas o tendencias. Eso es lo maravilloso y en eso hay que estar muy atentos, es generador mas no está circunscrito a moda o tendencia alguna… o al menos no debe estarlo”. Cuando comentábamos con él acerca de cuáles eran las principales motivaciones que tiene para iniciar cualquiera de sus proyectos, Eugeni nos respondió de inmediato: “Yo quiero que la gente tenga un poco de arte. Además, está la cuestión de hacer que una pieza sea única. Vamos, yo no quiero llegar con DreamCatcher y ver una o dos piezas en una galería y que me digan que se han hecho una o tres y por eso son únicas. A lo que voy es que no porque sólo exista una pieza o tres copias, éstas son más únicas que una mesa que se puede hacer en cierto número de réplica mediante un proceso industrial. Es única porque yo he decidido pararla en un estado de proceso, porque cada una de las piezas cumple con una función irrepetible en el imaginario de quien la adquiere y con

ellas viste su mundo, engalana su espacio y bueno… me hace segunda en mis ideas. La pieza, que es única porque así la he pensado yo, está creada para estar producida en serie y no tiene que ser una para ser única, ni por ser de producción en serie deja de ser un objeto de arte”. Para finalizar, cuando le pedimos su impresión acerca del premio que había recibido, Eugeni cerró con su habitual sencillez y agradecimiento ante la vida: “ha sido una experiencia única porque es un reconocimiento para el que no propones nada. Es decir, no entras a concurso o presentas una pieza o portafolio para que sea juzgado. Se te otorga por lo que representas en un momento específico, y para mí ha sido maravilloso ver que mis sueños significan tanto para la gente que los disfruta y los valora. Para eso lo hago, para que ellos —y no yo— sean quienes queden satisfechos con el fruto de mi trabajo. Si por eso me reconocen, se los agradezco mucho. Ahora, me toca seguir creando y trabajando como disoñador para que la gente tenga más cosas bellas que disfrutar junto conmigo”.

www.eugeniquitllet.com 61

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G A E TA N O P E S C E TA N FÁCIL CO M O HACER U N MU N D O I N TER D IS CIP L IN A RI O

Luego de una trayectoria mundialmente reconocida como uno de los mejores proponentes del diseño industrial contemporáneo, Pesce reconoce que los retos jamás terminan y la satisfacción siempre motiva a llegar a nuevos niveles de inventiva para dar pie a la conexión entre los individuos y sus sociedades. Entrevista Greta Arcila Texto:Javier Barriopedro Fotografía de retrato Paul Barbera, de producto Sebastian Piras, cortesía Gaetano Pesce 62

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aetano Pesce nació en La Spezia en el año de 1939, y recientemente tuvimos la oportunidad de platicar con él en su oficina particular. Siendo un hombre directo y muy ocupado, decidió que lo mejor era comenzar sin preámbulos, así que cuando le preguntamos cómo fue que logró hacer que su carrera de arquitectura se combinara tan bien con la de diseñador industrial, nos respondió sin dudarlo: “Es muy fácil. Todo radica en la educación que recibimos en Italia, resultado de una larga tradición donde no hay variación entre ambas disciplinas. Vamos, ¿has escuchado acerca del director de cine llamado Bertolucci o del difunto Ferré, el diseñador de moda? ¿Del otro director de cine, Antonioni? Bueno, pues los tres son egresados de la escuela de arquitectura. Así que creo que, en aquellos tiempos, no sé si ahora, pero en aquellos tiempos la escuela estaba preocupada por darnos conocimiento en distintos campos y, si nos vamos hasta el Renacimiento, existen muchas personas que son poco menos que increíbles en esta forma de expresarse a sí mismos en distintas maneras. Rafaello, mientras estaba retratando los primeros uniformes de la Guardia Suiza, también trabajaba en la planeación de lo que sería la base para la ciudad vaticana moderna. Puedo darte muchos más ejemplos como estos. Es una cuestión cultural. En tiempos más recientes, en Italia tenemos un movimiento artístico que va acorde con la característica más notable de nuestro tiempo, la producción, y es el Futurismo. En él celebramos el movimiento, el sonido, la máquina, la velocidad… todos son elementos relacionados con la producción. Con estas cosas y a lo largo del tiempo, un grupo de personas entendimos que la nueva manera de expresarnos no era a través del arte tradicional, sino por medio de un arte nuevo que era el diseño. De ahí pasamos a la moda, la fotografía, el cine y la comida. Esos son los nuevos campos de la cultura y creo que conforme vayamos avanzando en el tiempo, veremos más estos grandes cambios en la historia de cómo nos expresamos, siempre mezclando diversas disciplinas para lograr que nuestras carreras profesionales sean interesantes. El diseño es la base o la dupla perfecta de todo esto”. Como parte de sus observaciones acerca de cómo podemos determinar la importancia de los cambios culturales de la actualidad, el maestro Gaetano nos dijo: “Bueno, si tomamos el caso de Deschamps, él era pintor, pero lo dejó para centrarse en la producción, porque se dio cuenta de que el producto era lo importante y por eso comenzó a poner producto en las

galerías de arte. Así que tomando esta base, veremos que ahí es donde se empezó a crear un nuevo tipo de lenguaje para la expresión, y yo me considero una de las personas que siguió este concepto. Con esto me refiero a que no veo la diferencia entre la arquitectura, el interior, el exterior, el objeto y demás. Todo parte del diseño, todo se mejora con diseño… el diseño expresa nuestras ideas y da forma al mundo actual”. Sabiendo que Gaetano es un profesional que siempre se ha caracterizado por estar a la vanguardia y aventurarse en sus propuestas, le preguntamos qué era lo que consideraba que podría ser la siguiente gran revolución, no vaciló ni un segundo. “Yo creo que una verdadera revolución en nuestro medio se dará cuando podamos ir a una tienda y comprar un artículo que sea único, diseñado sólo para ti… pero no a los precios altísimos como los que había en tiempos remotos y que aún hay. Hoy podemos crear piezas únicas con lo que nos cuesta hacer productos en serie, pero eso depende de la tecnología disponible. Pero bueno, también hay que reconocer que la realidad del proceso industrial juega el papel más importante. Por ejemplo: tengo una silla llamada Felt, que fue aceptada sólo porque es una pieza sencilla de producir, que ofrece una excelente solución y que no cuesta mucho dinero. Así es como funcionan la grandes empresas, si no hay costos altos y el producto es de fácil ejecución, lo harán. No sé cuál es fin de los nuevos diseñadores que se empeñan en hacer su pieza única y no les importa los costos, no se interesan en la producción… yo hago mi investigación y cuando lo que investigo resulta en algo interesante, usualmente voy con una compañía para que lo produzca. Creo que decir que eres diseñador y no pensar en poner tu producto al alcance de la gente y sólo hacer piezas únicas es un tanto incongruente. Es válido, pero yo no concibo el diseño de esa manera”.

www.gaetanopesce.com 63

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EDWARD BARBER

ID E AS S IM PL ES Y ASTU CI A I NFA N T IL

Pensar en diseño es integrar todo los elementos necesarios a una solución destinada para todos los públicos, respetando la esencia y la naturaleza del sujeto. Ésta es la manera en que Barber&Osgerby practica y conmueve con su diseño. Entrevista Greta Arcila Texto Javier Barriopedro Fotografía cortesía Barber&Osgerby

dward Barber nació en Shrewsbury, Inglaterra, en el año de 1969. Luego de que en 1996 formara el reputado estudio de diseño Barber & Osgerby junto con su socio Jay Osgerby, su carrera comenzó a despegar de manera vertiginosa en 1997 tras la presentación de su primer producto: la Loop Table para Isokon. No obstante, fue a raíz de la llegada de la colección que hicieron para The Rug Company, que Glocal tuvo una conversación telefónica con el diseñador para platicar acerca de la idea detrás del diseño de tapetes pensados para niños. Así es como nos enteramos qué hay detrás de la colección Animals y como es que se ve ampliada con la llegada de Croco, Frog, Tiger y Peacock. “En un principio, Jay y yo queríamos trabajar con una forma geométrica simple. Así comenzó todo. De pronto, recordamos cómo se veían las piezas infantiles de antaño: colores sólidos y brillantes aplicados a casi toda la superficie, ilustraciones sencillas e interesantes. A partir de nuestro trabajo previo con la empresa —que tienen colores suaves y diseños complejos, porque los clientes no compran colores obscuros—, fue cuando decidimos hacer algo más divertido, pero sencillo, y experimentamos con el contraste. Todo comenzó a partir de una plática con Chris Oliver, el dueño

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de The Rug Company y, bueno, fue muy receptivo. Le gustó la idea y dijo que lo intentáramos. Así que lo hicimos, diseñamos cuatro tapetes aquella primera ocasión y fueron muy exitosos. Por eso es que continuamos con la colección”, nos revela. Le comentamos que nuestros favoritos son Frog y Croco, y Edward se rió con gusto. “¿Saben? Eso es lo maravilloso. Siempre que salen a relucir los tapetes, la gente nos dice 'pero mi favorito es...', y siempre es uno diferente. No podemos decir que haya uno que sea el claro favorito porque no se ve una predilección marcada por uno en particular y eso es lo fabuloso. Ése era nuestro plan. Incluso en algunos países donde consideran que la serpiente o los peces son 'de mala suerte', recibimos comentarios donde nos dicen que les encanta la serpiente o los peces... y lo curioso es que los representantes de The Rug Company alrededor del mundo nos llegaron

a decir que estábamos locos, que no íbamos a vender éste o aquel diseño específico en esos países y bueno, a la gente le encantó la idea y la volvió un éxito. Se trata de no detenerse ante el prejuicio o hacer caso de las opiniones preconcebidas; cuando ustedes mencionan que alguna de las imágenes es conmovedora, sabemos que hicimos bien nuestro trabajo porque como diseñadores, buscamos capturar la esencia del sujeto representado, entender el carácter de cada uno y entonces lo simplificamos para que se pueda plasmar su naturaleza específica y única. Es un poco ver el mundo con la sencillez e intensidad con la que lo experimentan los niños”.

www.barberosgerby.com www.therugcompany.com 65

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Curadoras y fundadoras de Wanted: Clair Pijoulat y Odile Hainaut 66

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ODILE H AI N AU T

CO FU NDA D O RA D E WA NTED D ES I GN Su trayectoria está llena de reconocimientos y grandes obras, pero desde hace cinco años Odile viene deleitándonos con un escaparate que exhibe propuestas novedosas de diseño en donde es posible observar pasión por el entorno, los nuevos talentos y la innovación. Entrevista Greta Arcila Texto Javier Barriopedro Fotografía cortesía Wanted Design

on la nycxdesign como punto de encuentro, conversamos un poco con Odile Hainaut acerca de qué fue lo que la motivó para comenzar a organizar un evento como Wanted Design y ella no reparó en darnos los detalles de manera muy precisa. “Bueno, comenzó en 2011. Claire [Pijoulat] y yo llevábamos ya varios años en Nueva York, ambas francesas y relacionadas con la industria del diseño, cuando nos dimos cuenta de que no había una semana de diseño realmente en forma, en el sentido de que abriera espacios para las propuestas de jóvenes talento. Existía la plataforma de exhibición... pero no estaba esa tan necesaria plataforma para la interacción. Ahí es donde se generan propuestas, ahí se descubre el talento. Pues bien, un conocido mutuo nos presentó a Claire y a mí, y de ahí comenzamos a trabajar esta idea. Gracias a mi trabajo con empresas que desarrollan embalaje y mi galería, tuve la oportunidad de crear una red de contactos aquí, en París, Miami, Londres y Milán; sumados a los contactos de Claire, nos dieron una visión muy clara de que existía una posibilidad muy grande para realizar algo como Wanted Design: un foro real para los diseñadores, no sólo un escaparate, sino un espacio para generar dinámicas de colaboración y oportunidades para jóvenes de Estados Unidos y de Francia. Eso es lo que vimos que hacía falta, y así fue que comenzamos con esto. Hicimos hincapié en tener talleres, conferencias y sobre todo mucha interacción entre personalidades reconocidas y jóvenes prometedores porque eso es lo que hace falta: una parte de educación, de aprendizaje. Así que de esa manera creamos la fórmula que caracteriza Wanted Design:

mostramos el producto, hacemos conferencias acerca de él y además demostramos cómo fue creado. Eso complementa muy bien nuestra idea… aunque luego de estos cinco años aún tenemos algunas frustraciones, pero mantenemos nuestra idea de darle lugar a todos y en eso concentramos nuestra energía porque seguimos creciendo como evento. Conservamos nuestra mira en lo que las personas nos dicen y en expandir de manera precisa los alcances del evento, siempre con la intención de mejorarlo y sabiendo que habrá detalles que corregir, pero que no demeritan todo este esfuerzo”. Parte de esta iniciativa radica en viajar a otras partes del mundo para hacer un evento de verdad incluyente, y por eso se han establecido vínculos con otros países para que grupos creativos de México, El Salvador, Guatemala, Colombia, Brasil y Argentina sigan participando. “Nosotros tenemos que ir a los países para entender. Es decir, si un profesional desea tener o servir al mercado internacional o de un país específico, si quiere que su iniciativa funcione tiene que ir a ese país para entenderlo. Eso es lo que estamos haciendo: visitamos no sólo las ferias de diseño sino los estudios, las plantas de producción, los sitios para comprender todo el proceso y reconocerlo como propio de la gente de ese país, así es como podemos hablar de un diseño particular para cada nación. Eso es lo que nos gusta y caracteriza: sabemos qué buscamos y por eso sabemos dónde y cómo buscarlo”, concluyó Odile.

www.wanteddesignnyc.com

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RICARDO CASAS+SHELF E D I TO R D E PI EZ AS

Zona Maco fue el lugar ideal para dar a conocer la primera colección de Shelf, un trampolín sobre el que diferentes propuestas de diseño estarán expuestas como una comunidad que trabaja para un mismo fin: producir buen diseño. Texto redacción Fotografía José Margaleff

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icardo Casas, quien lleva ocho años proyectando interiorismo con su propio taller, platicó con nosotros sobre una marca nueva, Shelf, la cual nace como una inquietud comercial que tiene como fin presentar los productos que se desarrollaron durante los proyectos de rcdesign, así como colaboraciones conjuntas con otros diseñadores. “Se han generado muchos desarrollos que finalmente se quedan en una maqueta o una volumetría digital, son experimentaciones que vale la pena rescatar y llevar a un plano comercial, así nace Shelf”. Al principio se produjo mobiliario y objeto del estudio, no obstante Ricardo no quiso dejar ahí la primera colección, sino ampliarlo bajo el concepto Greyscale. “Poco a poco fuimos armando e invitando a otros colaboradores con la intención de que existiesen piezas de otra escala, de otra categoría, enfocada a otro mercado, de manera que pudiéramos generar una colección con una gama de productos muy variada”, comenta Casas a Glocal. Así Shelf se establece como una plataforma donde podemos encontrar diversas colaboraciones. De esta primera serie se encuentran las piezas de joyería en 3d printing con Iker Ortiz; un atuendo con Cihuah de Vanessa Guckel; la gráfica de Isauro Huizar; un tapete con Rodrigo Tovar; unas anforitas de 3df Estudio de diseño y prototipo 3d. “El resto fueron exploraciones del despacho en donde quisimos empezar a trabajar con otras escalas y otros procesos, salirnos de lo que siempre hacíamos —carpinterías y herrerías muy enfocadas a los muebles— y empezamos a dislocar estas indagaciones para llevarlas hacia otros procesos: nos metimos a trabajar con concreto, con cerámica, con metal…”. ¿El resultado? Una antología variada apta para diferentes gustos, donde se nota la línea sobre la cual trabajaron todos. “El resto de los materiales son muy honestos, muy naturales. Puedes ver madera, cobre, latón, pero su expresión es natural y se termina integrando muy bien a la colección”. Los planes a corto plazo para Shelf es mostrarse en ferias y expos, y

comenzar a trabajar la siguiente colección. “Entre más piezas interesantes tengamos y podamos generar negocio para todos, mejor. […] Shelf es esta última salida comercial a todo el ciclo, desde el diseño, la producción, hasta la salida comercial del producto. Eso es lo que estoy intentando hacer con otros diseñadores. Que ellos se acerquen a nosotros para generar las piezas juntos, nosotros les ayudamos con la parte productiva en el estudio que es como la parte que ya hemos desarrollado, que la tenemos bien dominada o nos apoyamos de otras marcas como Muebles de concreto, Cerámica la mejor o gente que ya sabe y conoce su negocio”. Shelf paga un porcentaje o regalía al diseñador. www.rcdesign.mx

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GABRIEL DE LA MORA E N T R E E L TI EMPO Y L A FRAGI LI DAD

Ed: Frank. Frank: Huh? Ed: This hair. Frank: Yeah. Ed: You ever wonder about it? Frank: Whuddya mean? Ed: I don't know... How it keeps on coming. It just keeps growing. Frank: Yeah, lucky for us, huh pal? Ed: No, I mean it's growing, it's part of us. And we cut it off. And we throw it away. Frank: Come on, Eddie, you're gonna scare the kid. The Man Who Wasn’t There (2001), Ethan Jesse y Joel David Coen. Diálogo entre Ed Crane (Billy Bob Thornton), y Frank (Michael Badalucco). Entrevista y texto Janine Porras Fotografía de retrato José Melgareff | Fotografía de obra cortesía Timothy London

lgo con lo que Gabriel de la Mora —artista plástico actualmente representado por la galería londinense Timothy Taylor—, nació fue con la posibilidad de expresarse a través del dibujo pero, llegado el momento, se decidió por la arquitectura, carrera que le permitió experimentar con el espacio, materiales, luz y color, no obstante no le daba la libertad que es propia del arte. De entrada, lo primero que le preguntamos a De la Mora es qué tanto ha sublimado de la arquitectura en sus obras: “De alguna forma la arquitectura siempre ha estado y sigue estando presente en todo esto, no sé si es la premisa de saber que regresaría a la arquitectura no como arquitecto sino como artista. Como Gabriel utiliza elementos que fueron hechos para una función específica, como son las suelas de zapatos, cascarones de huevo, las

mantillas de caucho empleadas por las imprentas offset…, no se le mira como un pintor, un escultor, un fotógrafo, un dibujante, ni el mismo lo hace: “Soy una persona que trabaja con ideas y con conceptos, y cada proyecto te pide una técnica en particular. Me interesa encontrar el balance entre lo formal y lo conceptual. Exploro el dibujo, la pintura y la escultura tratando de irme a otros campos”. Se considera a sí mismo como un seguidor de la pintura moderna, “me fascinan las conexiones y diálogos que existen entre movimientos y pintores modernos como Mark Rothko, Barnett Newman, Yves Klein; movimientos expresionistas, arte povera, no sé, entra una gran cantidad de información en esta y en otras series”. Conforme avanza nuestra conversación vamos entendiendo que las etiquetas no son para él, que tiende a desinteresarse del mercado internacional (que lo ha acogido bien), que colecciona objetos con valor

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estético-formal, con texturas interesantes, con las huellas que les han dejado su anterior función y las transforma, así dejan su etiqueta de deshecho para colocarse una nueva. “Hay piezas como las mantillas de caucho, que podrían leerse como una pintura pero no es técnicamente un pintura, me encanta encontrar cosas donde es todo y nada a la vez, donde hay contradicciones, donde hay efectos pictóricos pero no están hechos propiamente como una pintura. Es más, no los hice yo sino es un objeto encontrado, es como una especie de ready-made asistido que tiene una ‘imagen pictórica’ pero va mucho más allá”. Existe en el trabajo de Gabriel una conciencia del tiempo y la fragilidad que se tejen desde la recolección de los objetos que finalmente utilizará en sus obras, el periodo en el que forman parte de una composición y su irremediable fin en el devenir de la historia, pero en ese camino esos objetos transformados nos hablan, nos invitar a reflexionar y a cuestionarnos. “Qué es lo más importante en el arte, yo creo que no lo es el artista, el curador, el crítico, el museo ni el coleccionista. Yo creo que lo más importante en el arte son las piezas en sí y lo que nos pueden mover. Me gusta ver el arte como una pregunta y me gusta ver el resultado como una respuesta”. Gabriel siempre se cuestiona, plantea y su taller está en constante movimiento: “En el estudio el trabajo genera trabajo, el trabajo genera ideas, las ideas más ideas y más trabajo”. Sobre todo se enfoca a diferentes series en las que se invierten meses o años —en recolectar los objetos utilizados, generar las piezas y luego crear un grupo que pueda ser exhibido. “Algunas piezas las tengo que ‘probar’ y asesorarme con un restaurador, porque son materiales que siguen trabajando y me interesa preservarlos lo más que se pueda”.

Y de la conversación intuimos rituales, intereses repetidos, así que le preguntamos sobre sus obsesiones y temas recurrentes: “Son muchísimas cosas, desde los objetos que reuno todo el tiempo en mercados de pulgas. Me doy cuenta que colecciono manos (de santitos y cosas así), colecciono pelo, suelas de zapatos con agujeros (que son clasificadas), son cosas que tienen que ver con uno mismo y hay muchos temas, no podría decir uno. Creo que hay muchísimas ideas y muchísimos temas que se van repitiendo […] Todo lleva una repetición y todo es serial, incluso la exposición de Timothy Taylor se llama así ‘Serial’”. La utilización de pelo humano en las obras de Gabriel hace que nos detengamos a pensar en la finitud —nuevamente el tiempo—, en las secreciones corpóreas, en la increíble resistencia y flexibilidad de una delgada fibra de queratina, que vista desde otra perspectiva y puesta en otro contexto nos genera sensaciones que quizá para algunos puedan ser incómodas, pero no pasan desapercibidas. “Tengo una bolsa donde voy recolectando todas mis uñas y el pelo que me rasuro del cuerpo, son elementos que marcan tiempo, es algo que me interesa: el crecimiento de las uñas, del pelo. Son los dos elementos que aunque uno esté muerto siguen creciendo. Si eso lo transporto a las mantillas de caucho o las placas de aluminio es exactamente lo mismo, fueron desechadas, cumplieron su función y efectúan ahora otra función o desfunción”.

www.gabrieldelamora.net www.timothytaylorgallery.com 71

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PATRICK JOUIN E L D I S EÑO S I N FRO N TERAS

Reconocido por estar abierto a los retos, Patrick propone soluciones creativas con un enfoque multidisciplinario que sólo podemos definir como “de flujo constante”. Eso es lo que caracteriza su obra: el dinamismo y la conjugación perfecta de todos los elementos de cada uno de sus proyectos. Entrevista Greta Arcila Texto Javier Barriopedro Fotografía Thomas Duval, cortesía Patrick Jouin

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laticando con Patrick, sentados en su estudio de París, tuvimos la oportunidad de preguntarle cómo es que define su proceso creativo y su desarrollo profesional, para entender mejor cuál es la naturaleza de su formación académica y el enfoque que decidió darle. Patrick no lo pensó mucho y nos respondió muy seguro de sí mismo: “Mi trabajo es un mezcla de dos facetas; mi entrenamiento formal es el de diseñador industrial, pero cuando egresé mi tesis fue sobre el concepto de la espera y de ahí fue que ideé The Railway Station, y mi maestro me dijo: 'no eres un arquitecto, no deberías hacer esto', pero yo quería desarrollar los asientos y su mejor distribución dentro de la estación de trenes así que, al final, tuve que diseñar la estación completa. Yo estaba indeciso acerca de este par de hermosas ocupaciones, ser arquitecto o diseñador; luego, me entró la duda entre ser dibujante o ilustrador. Así que al final, sí: yo estudié diseño industrial, pero lo que hacemos aquí es arquitectura, arquitectura de interiores y diseño de producto. Lo que hemos hecho va desde los letreros de Taxi en París, pasando por una silla para Coedition o la que está atrás para Kartell; en uno de estos casos, la silla está hecha por inyección en un proceso más técnico. En el otro, hay cuero, maderas... es mucho más artesanal. Por supuesto, tenemos el proyecto de la casa Cadence en Ucrania... en esencia vamos de la pequeña escala hasta las escalas monumentales. Ustedes vieron una torre cuando entraron, también estamos trabajando en el diseño de la estación de trenes de París Montparnasse. Así que para mí no existe una frontera entre las disciplinas o los proyectos, sobre todo porque en los de arquitectura y de interiorismo diseñamos todos los objetos. En el caso de la estación, desarrollo desde los asientos hasta las lámparas y su distribución: todo. Hace tiempo había arquitectos haciendo diseño, ahora en mi caso soy un diseñador haciendo arquitectura, y me funciona”.

Cuando le mencionamos el concepto de la Triada Perfecta — humano, tecnología y artesano—, Patrick estuvo de acuerdo con ella y complementó la idea contándonos su experiencia personal. “En mi caso, soy muy afortunado porque mi padre es un artesano... pero con un título de ingeniero. Esto resultó en una mezcla de baja tecnología y astucia, con tecnología y procesos ultracomplejos. Todo producto de sus ideas y en un equilibrio ideal. Utiliza sus manos y con ellas usa herramientas, que pueden ser muy simples o computadoras. Por eso, yo estoy acostumbrado a la combinación de disciplinas; digamos que nadaba en esta corriente creativa desde que era un niño. Así que entendí muy bien quién y qué era un artesano, lo que podía hacer y lo que no le era posible, su orgullo en lo que hacía, y cómo crear una relación sólida con el artesano. También descubrí la manera de poner la labor del artesano en contacto con las disciplinas más duras y la alta tecnología sin quitarle mérito al hombre ni eficiencia al proceso. Encontramos el modo de llevar al artesano más allá de lo que hacía de manera regular, pero con respeto a su conocimiento. Por eso, la mayoría de las veces, confían en nosotros. Los ayudamos también a que comprendan a lo que me refiero cuando hablo de que no existen fronteras. Por medio de nuestra relación con ellos, los ayudamos a que salgan de esa prisión que puede ser su conocimiento y procesos tradicionales. Les enseñamos que no se trata de olvidarlos, sino de complementarlos, sino de hacer algo nuevo, y eso funciona muy bien para todos los que estamos implicados”, concluyó.

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L A T R AN S F O R MACI Ó N A TRAVÉS D EL DISE ÑO:

ALEJANDRA GANDÍA-BLASCO GandíaBlasco y Gan Rugs encontraron inspiración en el Mediterráneo, sus formas, su sencillez, su modo de vida, creando así una travesía que ha sido posible gracias al trabajo en equipo y a una labor que potencia el diseño. Texto Janine Porras Entrevista Greta Arcila Fotografía cortesía GandíaBlasco 74

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sta empresa española cuenta con un rico pasado, pues desde 1941 se incorporó a la industria textilera o al menos así lo fue en un principio. Por lo anterior, quisimos saber más sobre la evolución de GandíaBlasco a 75 años de su fundación, y así se lo preguntamos a Alejandra Gandía-Blasco, quien nos concedió una entrevista en Hábitat Valencia 2016. “[GandíaBlasco] la fundó mi abuelo y era una empresa dedicada a la industria textil pero muy local, dentro de Valencia básicamente y en algunas zonas de España. El desarrollo de la empresa fue bastante intuitivo, mi abuelo vio que el mercado cambió y ese tipo de industria dejó de ser rentable, entonces entró José Gandía-Blasco —su hijo—, y a él siempre le ha gustado el mundo del diseño, la arquitectura y el arte. Eran los ochenta y algo, la época posfranquista, y en Barcelona se agrupó gente, personas que querían cambiar las cosas, proponer ideas nuevas y fue a través del diseño: mobiliario y objetos. A Valencia llegó tarde, pero con un círculo de gente joven que se hacía llamar La nave, José tenía contacto con ellos. Él propuso repensar la estrategia empresarial, introdujo el diseño poco a poco a través de las alfombras, porque claro, la empresa venía de la industria textil”, comienza Alejandra. Así fue como el diseño se coló a los textiles con el trabajo de La nave, específicamente de Marisa Guillén y Sandra Figuerola, y produjeron una primera colección que tuvo mucho éxito e incluso ganó el premio Innovación en la Feria de Valencia. El cambio de dirección en la otrora textilera se le debe fundamentalmente a José, a sus gustos, sus contactos con diseñadores, arquitectos y artistas. De hecho, fueron sus propias necesidades las que impulsaron la producción de la primera colección de muebles de exterior, con la ayuda de artesanos que se dedicaban

a realizar ventanas. El mobiliario fue concebido como un eco de la arquitectura que la alojaba, no como algo accesorio. “Se crearon dos marcas porque las alfombras y el mobiliario exterior no cazaban, incluso la red comercial es diferente, pero se dividieron en GandíaBlasco y —para no tener una desvinculación total—, la de alfombras se llamó Gan [Rugs], por ahí del 96”. Para incluir nuevas ideas y planteamientos diferentes en su línea de producción, la marca trabaja de la mano con universidades españolas a través de talleres, y también organiza un concurso anual en el que pueden participar jóvenes diseñadores. “El tema de este año, por ejemplo, es hacer un columpio en el exterior. Es un concurso internacional y lanzamos la convocatoria en todo el mundo: en México, en Estados Unidos, en Europa. Después un jurado define quién es el ganador y hay tres premios. El jurado se compone de José Gandía-Blasco; Carlos Urroz, director de Arco, la feria de arte de aquí de España; Fernando Caruncho, un paisajista que ha hecho varios jardines del Palacio Real; Kike Sarasola de Room Mate; Manuel Aires Mateus…, entre otros”. La firma detecta a sus futuros diseñadores a través del contacto activo con talleres, estudios e incluso buscando en revistas, aseguran que al ver un objeto pueden identificar su personalidad y si éste puede colaborar con ellos. “México es inspirador, también son como muy de carácter alegre”, concluyó Alejandra.

www.gandiablasco.com www.gan-rugs.com 75

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SARAH LAVOINE AR R IES GA RS E EN LI BERTA D

Con una carrera breve, pero muy exitosa, la polaco-francesa Sarah Lavoine se ha convertido en símbolo del buen gusto, son sus diseños atrevidos y elegantes los que caracterizan lo mejor del interiorismo contemporáneo francés.

entrevista

Entrevista Greta Arcila Texto Javier Barriopedro Fotografía cortesía Sarah Lavoine

n una breve conversación con Sarah Lavoine, le pedimos que nos revelara cómo trabaja y es capaz de estar involucrada en tantos proyectos. Su rostro se iluminó y su respuesta fue directa: “La manera en que yo trabajo es gracias a la pasión. No fue resultado de que hace diez años yo me pusiera a decir que iba a hacer éste, aquel y este otro proyecto. Todo nace a partir de la pasión y el deseo de hacerlo. Si le ponemos una fecha, todo comenzó hace 12 años con el diseño de interiores. En un principio sólo eran casas y departamentos, yo sola. Luego tuve un asistente y después fueron dos, tres, cinco y crecimos. ¡Mucho! Mas fue hace cuatro años que un conocido que tiene una tienda famosa me dijo que era un poco ilógico que yo no tuviera un showroom si yo diseñaba cosas para las casas y departamentos de mis clientes, pero no exhibía estas creaciones para el público en general. Así fue como se creó la marca. ¡Ya soy una marca! En todo ese tiempo, siempre estuve pensando en lo que quería hacer. Me gusta diseñar sofás, los hice. Luego, diseñé una mesa, una lámpara… en realidad, también debo decir que es un poco de suerte. El área en donde vivo y trabajo, Saint-Germain-des-Prés, es un foco importante de mi diseño y, además, le simpatizo a la prensa. Es fantástico porque ahora trabajo en varios proyectos: algunos muy grandes (y además están un par de libros), diseño para otras marcas o hacemos proyectos de co-branding

para pinturas, tapetes… de todo. Por eso ahora mi cartera de diseño de productos es mucho más amplia. Ya no sólo son muebles, ahora también tengo accesorios art de la table (vajillas), luminarias e incluso espejos, cashmere y ahora estamos presentando líneas de homeware. De todo… a veces no es tan sencillo porque yo soy la única que se está arriesgando con un nuevo proyecto de diseño, diseñando cosas, pero es muy bueno estar libre para intentar cosas nuevas y hacer lo que te gusta o interesa en ese momento. Lo mejor es que tengo un excelente equipo a mi alrededor y eso es lo que me permite hacer las cosas de esta manera. Yo pienso que ésta es la razón por la que la gente acepta lo que les quiero dar, pues hago lo que me gusta y quiero que las personas se sientan bien siempre que regresen a casa… ésa es la parte importante de mi trabajo. Eso le da sentido a lo que hago. La vida es dura y por eso mi trabajo es hacer que las personas se sientan felices cuando llegan a casa, eso es lo importante. Yo no realizo este trabajo para que se vea bien en las fotografías o las pantallas. Yo quiero que los espacios que diseño sean habitados, que se usen y se disfruten; que le den un significado propio a cada una de mis propuestas. Quiero que estén contentos y satisfechos. Eso me hace feliz”.

www.sarahlavoine.com/fr 77

entrevista

MARIANGEL COGHLAN

D IS E Ñ O C O N MU ECA D E MO N STR UO Crear objetos, diseño e interiorismo para niños no parece ser algo que se dé todos los días, se deben cumplir una serie de requisitos que si bien no constituyen una rareza, sí reclaman pasión, querencia, compromiso, pues es necesario adentrarse en el usuario infantil, interesarse en él, explorar sus gustos, sus deseos y explotar su capacidad de asombro. Texto y entrevista Janine Porras Fotografía Mariangel Coghlan, cortesía mc auténtico

entrevista

a niñez se pasa tan deprisa que las más de las veces no le damos la debida importancia al espacio que está destinado al niño, al ambiente que le pertenece, no sabemos dónde buscar los ajuares para su recámara, su salón de estudio, y ciertamente es un nicho de mercado que puede darnos más sorpresas. No obstante, descubrimos una marca que está apostando por el interiorismo y diseño de mobiliario para los pequeños, mc auténtico. Arquitecta, interiorista, diseñadora de mobiliario, fotógrafa y pintora, Mariangel Coghlan se percibe como una apasionada de lo que hace… “La historia de mc auténtico surge muchos años atrás, porque siempre he tenido la inquietud de producir más en serie, cuando haces interiorismo cada pieza que haces es edición limitada […] hay pocos proyectos en los que influyes en estas familias que te dicen ‘oye, mejoraste mi espacio, mejoraste mi calidad de vida’, eso es emocionante y me encanta, […] así que me pregunto cómo ayudar a más personas a que vivan mejor, esa es mi misión de vida desde que decidí dedicarme al interiorismo”, comienza Mariangel. Con un equipo de 10 creativos en la firma y 6 personas que hacen las labores de plomería, electricidad, carpintería, etcétera, se lanzaron a esta aventura tanto en su showroom en San Ángel, como en línea, para ofrecer algo diferente, pensado, reflexionado y puesto a consideración de los cuatro hijos de la diseñadora. “A la gente en México sí le importa la niñez, desde luego, no hay más opciones y la gente se conforma con lo que les ofrecen. Cuando empecé a diseñar mi primera marca de niños todas mis amigas tenían hijos y me di cuenta que había poca oferta en el país de cosas para niños. Empecé por diseñar una cama, una mecedora, una cuna y me fui… Siento que es un tema en el que hay mucho más que ofrecer, porque existe lo mismo de siempre. A mí me encanta el tema de la escala, por eso yo tengo ‘tallas’ en los muebles, no de todos, porque los niños crecen muy pronto”. Esta arquitecta se decidió por materiales resistentes y naturales auténticos, sin enchapados ni cubiertas, en combinación con barnices y colores no tóxicos

—medidas de seguridad bien conocidas por la firma—, no obstante van más allá de eso: “el mobiliario es para servirte y los niños son rudos, los niños avientan, los niños experimentan y prueban, y tardan en entender que hay que cuidar las cosas. En ese sentido, todo lo que proponemos es en madera maciza; es seguro si un bebé chupa o babea un mueble, no se van a intoxicar, porque todo está supercontrolado, pero más que esa seguridad (que es evidente), queremos saber cómo desarrollar su autoestima, cómo hacer para que vivan en un mundo en el que se sientan capaces de lograr lo que quieren, de perseguir sus sueños; por eso usamos camas chaparritas, no creo en los barandales porque el niño siente que se va a caer. Es importante desarrollar algo que provoque que los niños sientan seguridad. Me emociona ver cuando pasa, tengo un chiquito de dos años que llega y se sienta en su sillón como rey, y parece que dice ‘es mío, es mi espacio’”. Actualmente mc auténtico inició su lanzamiento con tres colecciones: Carlín, Trino y Franzel, líneas perfectamente bien acabadas, bien diseñadas y con diferentes tamaños. Destacan taburetes, credenzas, banquitos, escritorios, mesas, sillas, repisas, contenedores, camas, entre otros enseres, todos personificados, todos bautizados y ostentando su propia personalidad. “A veces antes de crear el objeto ya tenemos el nombre, como los Anacletos, que es un caballito que no es caballito sino algo entre dinosaurio y dragón. Los sillones Felicios, Felicio y Felicín, como el hermano grande y pequeño, son felices porque sonríen. Nos divertimos mucho bautizándolos, y en realidad fue por eso, por diversión. Trabajar sin que disfrutes o te deleites en lo que haces no tienes caso”. Finalizamos con lo que para Mariangel Coghlan es trascender. “No me interesa dejar mi sello o la huella de mi genialidad o estilo, me interesa que cada persona con la que yo he tenido la oportunidad y el privilegio de trabajar diga: ‘después de la asesoría de un experto... vivo mejor’”. www.mcautentico.mx www.mcoghlan.mx 79

avances

Salone

del Mobile 2016 Texto redacción Fotografía cortesía de las marcas

ste 2016 se constituye como una edición especial pues el Salone cumple 55 años de existencia. Cinco décadas basadas en esfuerzo y constancia han hecho que el Salone del Mobile sea hoy lo que es: el escaparate del diseño más importante del mundo. La última vez que Glocal Design Magazine tuvo oportunidad de platicar con Marva Griffin, curadora y fundadora de uno de los espacios más propositivos —por tratarse de la zona donde se muestran las propuestas de los jóvenes creativos— el Salone Satellite, nos contó del nacimiento de esta vital área y la necesidad de no sólo atesorar el diseño desarrollado y de calidad, sino hacer un puente entre la industria y los autores de las nuevas ideas. Su importancia es tal que no sólo vinculan a empresarios con talentosos diseñadores, también asesoran al creativo próximo a adentrarse en la producción masiva para reconocer los buenos tratos de los que no lo son. Entrenar el ojo en manifestaciones creativas, por otro lado, sólo se logra al mirar y volver a mirar, lo bueno, lo malo, lo regular y lo peor; así el Salone se convierte en el centro de un festejo nacional italiano donde por una semana todo —todo— es diseño. Orgullosos como se sienten los italianos de su cultura, han logrado que la arquitectura, el diseño y el arte dejen de pelearse terreno, lo comparten de la misma manera que dan la bienvenida a las nuevas ideas sin importar su lugar de origen. Este avance es ejemplo de la combinación entre tradición y contemporaneidad, entre el espíritu italiano y el ciudadano del mundo, entre función y forma. www.salonemilano.it

ferias

Trace de Sarah Böttger y Hanna Emelie Ernsting para Normann Copenhagen

Coppelia de Arihiro Miyaki para Moooi

Mesa en colaboración con Darío Melendez de Fábrica Astilla Raimond Tensegrity de Raimond Puts para Moooi

ferias

Yori de Setsu and Shinobu Ito para Désirée Divani

Silla Lounge Círculos de Jorge Diego Etienne

M´Afrique: Baobab de Marc Thorpe para Moroso

Línea Óxford de Fritz Hansen

ferias

Lloyd de Jean-Marie Massaud para Poltrona Frau

Skorpio Keramik de Andrea Lucatello para Ardesia

Phoenix de Luca Nichetto para Offecct

Gran Kobi de Patrick Norguet para Alias Design

ferias

Fade Pendant Copper y mesa Slab de Tom Dixon

ferias

Volatile de The Citco Privé

Ico de Ora ïto para Cassina

M´Afrique: Husk de Marc Thorpe para Moroso

ferias

Bespoke de Carlo Colombo para Antonio Lupi

tt Soft de Alfredo HĂ¤berli para Alias

Oxford pluralis de Fritz Hansen

ferias

Miuccia de Ruadelpapavero Creative Studio para tm Italia

Sway de Akihiro Yoshida para Nendo

Verรณnica de Design Studio 63 para Marioni

ferias

Homeland 2 de Reuber Henning

Lily de Marc Thorpe para Casamania

Power Nap de Marcel Wanders para Moooi

ferias

Optical de Lee Broom

ferias

Curve Pendant Ball de Tom Dixon

ferias

Twins de Giulio Manzoni para Flexform

B side de Massimo Castagna para Henge

Sabi para DĂŠsirĂŠe Divani

e n l to a t

Made In Valencia A propósito de Hábitat Valencia 2016, una de las ferias más importantes donde se muestran los nuevos productos y las últimas propuestas de diseño Made in España, nuestra editora en jefe tuvo oportunidad de observar los diseños de talentosos creativos y aquí los mostramos. Fotografía cortesía de las marcas

NUEVE ESTUDIO

Porcelanas La Cija para niños y adultos.

ferias

JAUME MOLINA Este joven diseñador español recién egresado de Ingeniería en Diseño Industrial de la Universidad Politécnica de Valencia decidió emprender su empresa homónima y lanzar al espacio Nude 16 de Hábitat Valencia (el espacio por excelencia de los jóvenes noveles) su sistema modular Moveon y la lámpara Koebel. Moveon está compuesto por una serie de sofás cuya esencia es adaptarse a las necesidades del usuario, ya que puede reconfigurar su composición espacial en cualquier momento. Se pueden remover y desplazar los respaldos. Por su parte, Koebel está hecha en madera y acero para cambiar su propuesta de lámpara de pie a luminaria de lectura usando tan sólo la gravedad y el peso para mantenerla en su lugar. www.jaumemolina.com

ACTIU En 1968 comenzó la historia de Actiu, cuando Vicente Berbegal comenzó un pequeño taller donde fabricaba muebles por encargo. A partir de 1982 incursionó en el mobiliario de oficina y hasta 1995 aquella pequeña empresa fue bautizada como Actiu que hoy se ha consolidado internacionalmente exportando a más de 70 países con mobiliario de oficina que ha expandido su campo de acción hacia instituciones gubernamentales, hospitales, centros educativos, auditorios y terminales. www.actiu.com

HÉCTOR SERRANO + BOREALIS Este diseñador fundó su estudio homónimo en Londres en el 2000, su quehacer se encuentra dividido entre el desarrollo de producto y el interiorismo bajo la firma comercial Borealis. Aboga por el diseño honesto, sin pretensiones. Algo de diversión podemos encontrar en sus propuestas. Entre sus clientes destacan marcas como Muji, FontanaArte, Roca, Moooi, Matalarte, etcétera. Sus productos han sido expuestos en museos como el Cooper-Hewit y el v&a en Londres, y forman parte de la colección del Central Museum de Ámsterdam. www.hectorserrano.com

ferias

SANDRA FIGUEROLA Esta reconocida diseñadora española, que formó parte del grupo de diseño La Nave, estudió artes en la Escuela de San Carlos de Valencia. Se encuentra interesada en el interiorismo, multimedia, ilustración, packaging y diseño de producto, entre otros. En el marco de la feria Hábitat Valencia, Sandra presentó la última colaboración textil que realizó con GandíaBlasco, se trata de una colección de alfombras y espacios modulares, colaboración que se repite año con año. Dentro de sus propuestas podemos observar que en su lenguaje se encuentra algo de la música, la danza, las artes plásticas y el teatro. www.sandrafiguerola.com

MIGUEL HERRANZ

B&V

Miguel es un diseñador industrial que trabaja en una gran variedad de áreas donde siempre considera que el enfoque sea comercial y que las ganancias no sólo sean económicas, sino también sociales y ambientales, pero sobre todo que se conecten con la sociedad, ideas que ha desarrollado en lo que él llama La no metodología y su proceso creativo: La nebulosa conceptual. Su primer diseño fue la lámpara Nido para Vanlux en 1994. Este joven diseñador se siente cómodo en diversas escalas: mobiliario, iluminación, automovilismo, producto, así como interiorismo y diseño de stands.

Esta empresa española de tapizados lleva 20 años en el mercado. Su éxito se basa en que han sabido combinar tradición, artesanía, pasión, experiencia y creatividad con tecnología avanzada. Cada una de sus piezas fue concebida por diseñadores y trabajada a mano por maestros artesanos. Existen dos colaboraciones constantes: Edeestudio y Alegre Design. Edeestudio, conformado por Esther Albert y Eduardo Alcón, se encarga de la dirección artística de b&v, así como la aportación de ideas originales, estéticas y funcionales. Alegre Design, por otro lado, es un despacho de diseño con sede en Suecia y Valencia, firma que apuesta no sólo por la estética sino por proporcionar soluciones aplicables a la vida del producto, por eso su aporte incrementa el valor de la marca.

www.miguelherranz.com 94

www.byvtapizados.com

ferias

YONOH ESTUDIO CREATIVO Se trata de un estudio de desarrollo creativo multidisciplinario que fue fundado en 2006 por las diseñadoras industriales Clara del Portillo y Alex Selma, tras haber desarrollado sus carreras por separado. Unieron sus inquietudes creativas creando modelos que se diferencian por su sencillez y funcionalidad, al tiempo que desarrollan piezas frescas y singulares, sin abandonar la innovación y la originalidad. El estudio ha obtenido prestigiosos premios de diseño, como el Red Dot, if Design Award, Good Design o Wallpaper Design Award entre otros.

www.yonoh.es

SANTIAGO SEVILLANO INDUSTRIAL DESIGN Este estudio de diseño ubicado en Valencia, España, liderado por Santiago Sevillano, ofrece propuestas diferenciadoras en diseño gráfico, iluminación, mobiliario y producto. “Ser un estudio es más que un individuo: es un equipo profesional asociado a un servicio de desarrollo de producto y proyectos”, comentó Santiago Sevillano. Ellos se centran en los nichos de mercado donde aportan su trabajo en equipo —Víctor Barberá, Juanma Gallego, Vicente Moreno, Raúl Romeu y Andreu Belenguer—, la atención al detalle y la eficiencia para lograr sus objetivos: aportar valor a lo que diseñan. “Hay muchos factores que nos podrían definir, pero el credo principal sería una absoluta creencia en la globalización del diseño cuando éste se concibe correctamente. El buen diseño no tiene fronteras”. www.santiagosevillano.com

JORGE HERRERA STUDIO Jorge Herrera, originario de Las Palmas de Gran Canaria, España, es el líder de su estudio homónimo que desde 2008 ha trabajado para firmas como Alfa Romeo, Arkoslight y Donaliving que le ha valido la sensibilidad y experiencia multidisciplinaria en el proceso de diseño. Desde 2009 comenzó a colaborar con Flos, y desde finales de 2013 el estudio se coloca como director de arte de Stratta creando toda la imagen y las seis primeras colecciones de mobiliario de la empresa. La firma ha recibido múltiples galardones y sus piezas se han expuesto en Alemania, Italia, España y Reino Unido. www.jorgeherrera.es 95

ferias

ANDREU WORLD Colección de sillería

JOSÉ MARTÍNEZ MEDINA PARA JMM Madison

MASQUESPACIO PARA MISSANA Toadstool

ferias

JORGE PENSI STUDIO PARA CÁRMENES Sal y pimienta

JOAQUÍN HOMS PARA POINT Armadillo

ALBERTO SÁNCHEZ PARA EXPORMIM Twins 97

Maison&Objet PARIS 2016 L

a primera edición 2016 de Maison&Objet Paris se celebró durante el pasado mes de enero, con apenas cuatro días para visitar a más de 3,500 expositores. Cerca de 80,000 asistentes recibieron una selección de objetos diseñados para inspirar, pues m&o fue creado para exponer piezas que habiten espacios, elementos de interiorismo provenientes de diferentes latitudes se despliegan dos veces al año en los 260,000 m2 del Parc des Expositions de Paris Nord Villepinte. Uno de los eventos más esperados es el reconocimiento que hace la organización de la feria a los personajes más destacados del diseño internacional. En 2015, el diseñador catalán Eugeni Quitllet recibió el nombramiento como Diseñador del Año, elegido por la interacción que ha realizado entre piezas únicas y de producción masiva, ejemplificada con una exhibición en un espacio exclusivo para su trabajo denominada: “One of a kind to infinity”. Con un continuo crecimiento, m&o actualmente se celebra en París y ha ampliado sus horizontes con la creación de dos eventos adicionales, Maison&Objet Asia y Americas, donde se hace la selección general con marcas mundiales y también una curaduría con diseñadores locales consagrados y emergentes. Para enfatizar el propósito de difusión que tiene la feria se ha creado la iniciativa Talents à la carte, donde se eligen jóvenes promesas del diseño y del arte, en esta ocasión fue dedicada al diseño escandinavo con seis nuevos talentos: Jonas Edvard de Dinamarca, Katriina Nuutinen de Finlandia, Studio Kneip de Noruega, el danés Troels Flensted, Färg & Blanche de Suecia y el islandés Kjartan Oskarsson. La selección de las marcas se hace a través del Observatorio de la Maison que decodifica nuestros tiempos y realiza un análisis de los nuevos comportamientos de consumo para definir el tema que cada edición tendrá que explorar. www.maison-objet.com

ferias

Satéliset de Forestier

Cassia de Petra Krausova para Lasvit

Bonbon de Katriina Nuutinen

Lollipop de los hermanos Campana para Lasvit

Lámapra de piso Oma de Katriina Nuutinen

ILUMINACIÓN

Lámpara Simizu de Lladró Design

Bell de Tom Dixon

ferias

Mask de Federico Floriani para Petite Friture

Petite Mariee de Alessi Littala de Issey Miyake para ittala

Birds de Toikka Mari para iitala

Miroir Ellipse de Red Edition

ACCSESORIOS

Vulpes Red fox de Klaus Haapaniemi para iittala

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ferias

Firmin de Florian Bédé & Julien Phedyaeff

KJ Artan Oskarsson Studio

Plato porcelana para Arita de Kengo Kuma

ACCSESORIOS

Ignacio Cadena para Nouvel

Envases Lyyli box series y repisa Aava de KatriinaNuutinen

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ferias

Tapete Red Vulcano de All The Way To Paris para &Tradition

Tapete Parasol de Red Edition

Tapigri de Nathalie du Pasquier para La Chance

TEXTIL 102

Lune de Gio Ponti para Amini

Coussin de Jacques-Emile Rulhmann para La Chance

ferias

Pivot de Tom Dixon

Secrétaire de Gaston Noyer para Hartô Design

Straein Barstook de Simon Morasi Pipercic para Prostoria

Bent Glass Stool-Bent Glass Bench de Naoto Fukasawa para Glas Italia

Ercol Marino Chair y posapiés

MOBILIARIO

Kristalia by Carlo Bartoli

Marius De Pierre-Francois Duvois para Hartô Design

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residencial

CASA BRH

VIEYRA ARQUITECTOS AVÁNDARO, ESTADO DE MÉXICO

Esta casa de verano fue diseñada con “espacios fluídos e integrados mediante el manejo de materiales y detalles que permitieron que el interior se fusionara con el exterior”, así nos lo platica Lorena Vieyra de Vieyra Arquitectos, encargados del diseño arquitectónico de Casa brh. Texto Carmina Romero Miranda Fotografía cortesía Vieyra Arquitectos

a casa se constituye como la villa principal de un conjunto residencial ubicado en Avándaro, Estado de México. Su forma rectangular permite no sólo la entrada de luz, poniendo en evidencia la preocupación por el ambiente y el ahorro energético, sino también posibilita que el paisaje que rodea al inmueble se introduzca a éste. “El punto de partida era una casa ecológicamente consciente, por lo que el uso de materiales locales, así como el ahorro y conservación de energía eran un punto importante”, nos comenta Lorena Vieyra. Por ambos lados y a través de muros de cristal, el bosque forma parte vital de esta propuesta a dos plantas. Aprovechando una pendiente del terreno, el piso superior se abre a un área verde creada por el despacho donde resalta la piscina. “Las áreas públicas son el punto de reunión familiar, por lo que debían estar muy integradas al exterior, en sí es una plataforma que funciona como un puente entre el bosque y la terraza que integra la alberca y el área abierta del jardín. En cuanto a las áreas privadas se buscó que tanto en la recámara principal

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como en la de los invitados también participaran del bosque, pero en un ambiente de serenidad y descanso al ser una casa de fin de semana”. En la construcción de la residencia se utilizaron los materiales que el lugar otorgaba, así podemos encontrar piedra local en paredes, maderas, muros de tierra apisonada que no repele el concreto y los metales de la edificación. Paneles solares caldean el agua de la alberca y distribuyen este calor a través de un sistema de recirculación. Adicionalmente, se instalaron chimeneas que inyectan aire caliente a diferentes espacios en los días fríos, no obstante las fachadas ventiladas proporcionan un control térmico en los días calurosos. Así, Vieyra Arquitectos logró que “la simpleza del espacio fluyera hacia un lugar hermoso” donde la casa se inserta como un volumen arquitectónico que flota en medio de la naturaleza. www.vieyrarquitectos.com

residencial

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residencial

Esta residencia ubicada en Valle de Bravo, Estado de México, se presenta con una forma trapezoidal poco convencional. La idea de Buro Arquitectura fue que el inmueble emergiera como surgido del paisaje, como una escultura tallada y absolutamente geométrica. Texto Lorena Riquelme Fotografía Ana Ferrer Gómez-Tejedor, cortesía Buro Arquitectura

l edificio entero presenta dos niveles: en la planta baja se ubican los estacionamientos, los jardines y el área recreativa; en el primer nivel las habitaciones y los servicios; en la planta alta se encuentran el acceso peatonal, las áreas sociales (comedor, estancia y bar) y la terraza, además de un módulo de servicios. “El proyecto se fue trabajando de manera integral, debido a las condiciones topográficas del terreno era de vital importancia analizar y estudiar meticulosamente la forma en que podríamos adaptar la casa lo menos invasiva posible, cuidando las vistas, el asoleamiento, las ventilaciones cruzadas, los niveles y las alturas, obviamente sin descuidar volumetría y función. Un caso particular fue el layout de recámaras y baños, fue una demanda de los clientes: la vista de todas las habitaciones hacia el lago. En un formato tipo hotel teníamos que sacrificar iluminación y ventilación natural de baños dejándolos ahogados, así que ahondamos en el diseño de esa parte en específico hasta solucionar el layout colocando los baños entre cada habitación, lo que permitía liberar completamente la vista de recámaras. Ahora también los baños verían al lago para obtener la adecuada ventilación e iluminación natural en los dos locales. Lo anterior logró en fachada un juego rítmico muy rico de volúmenes entrantes y salientes”, nos describe Guillermo Herrera Arochi.

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Predominó la distribución lineal gracias a la orientación del terreno que permitió que Casa rr dominara la vista hacia la presa y el sol poniente bañara su fachada con su luz cálida de atardecer, esto fue fundamental para distribuir las habitaciones de forma lineal. La planta alta está cubierta por una losa ligera acompañada de vigas de madera que otorgan color y sutileza al conjunto. “La casa es más bien una plataforma de observación del paisaje, del cielo, del lago, de los atardeceres y del bosque. Para mis clientes es un retrato arquitectónico de su familia”. Los materiales fueron utilizados de tal forma que aportaran textura y sensaciones; las volumetrías de la residencia logran sus propios juegos de luces y sombras cambiantes a lo largo del día. Pero el cuidado al entorno no fue tomado a la ligera: “Encausamos el agua pluvial hacia los jardines y la dejamos correr libre, tenemos además un pozo de absorción, biodigestores y trampas de jabones y grasas, colocamos especies endémicas en el jardín —sin dejar de implantar algunas otras—, rescatamos piedra para utilizar en obra; la casa es de bajo mantenimiento y las maderas usadas son explotadas de manera ecológicamente responsable”, concluyó el equipo de Buro Arquitectura. www.buroarquitectura.com

residencial

CASA RR

BURO ARQUITECTURA VALLE DE BRAVO, ESTADO DE MÃ&#x2030;XICO

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GrupoHabita 108

@GrupoHabita

especial pabellones

ESPECIAL PABELLONES C

onceptualmente, un pabellón es una estructura ligera, a veces temporal, creada con una carga estética que al habitar un espacio cambia su función, lo replantea; en este sentido, existen un sinnúmero de expresiones temporales en la arquitectura global, podemos hablar de ejemplos de larga tradición como el de la Serpentine Gallery, que año con año suma a su programa de actividades un pabellón creado por algún arquitecto de renombre. Estos espacios se definen por el usuario, es la apropiación del visitante lo que realmente les inyecta vida. Por otro lado, existen los de carácter privado, de propuestas encaminadas a otras razones, las del aislamiento que además se añaden a una serie de cualidades enfocadas a la exclusividad. Lo interesante de esta tipología arquitectónica es que el diseño puede llevar cualquier apellido: social, educativo, paramétrico, efímero, cultural, experimental, por ello, la variedad de proyectos valiosos (en cuanto a calidad propositiva) es amplia, sin embargo, en esta selección intentamos condensar las cualidades que hemos mencionado y al exponerlas consideramos que se enriquece el significado colectivo que pueden llegar a tener. Esperamos, lector, que disfrutes esta selección.

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VANKE PAVILION

STUDIO LIBESKIND | MILÁN, ITALIA

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especial pabellones

Texto Nina Paz y Soto Fotografía Hufton + Crow, cortesía Studio Libeskind

tudio Libeskind se ha caracterizado por expresar la vida contemporánea y el optimismo en sus diseños arquitectónicos y Vanke Pavilion no fue la excepción. Creado para Expo Milán 2015, debía representar una empresa inmobiliaria china e introducirse dentro de la temática “Feeding the Planet, Energy for Life”. El concepto incorpora tres ideas de la cultura china: el tradicional comedor, shi-tang; el paisaje, elemento fundamental de la vida del gigante asiático; y el dragón, animal que forma parte de la mitología relacionada con la agricultura y el sustento. Lo anterior fue una petición especial del ceo de la inmobiliaria Vanke, Wang Shi, pues los elementos buscan representar los objetivos de la empresa: la posibilidad de crear comunidades sanas, sostenibles e innovadoras. De forma predominantemente vertical, Vanke Pavilion pareciera surgir del suelo con su forma escultural, revestido con más de 4,000 escamas rojas creadas en colaboración con Casalgrande Padana. Situado en la orilla de Lake Arena, de 1000 ft2, presenta una gran escalera exterior revestida de concreto gris que lo mismo da entrada que asiento a los peatones. El programa incluye un área de exhibición, una sala vip y una terraza jardinada en lo alto del pabellón que permite disfrutar las vistas de la expo, todo lo anterior distribuido en tres niveles. Las escamas carmesí que constituyen la dermis del pabellón no sólo instan a nuestra imaginación a igualarla con la lustrosa piel que podría tener un dragón, también posee alta tecnología de autolimpieza y un sistema que purifica el aire que la rodea. La pintura metálica con la que está cubierto el pabellón cambia de color según la hora del día y el punto de vista del espectador: de un rojo profundo a dorado e incluso blanco. Una vez dentro del Vanke Pavilion los visitantes encontrarán el espacio de exhibición conformado por 200 pantallas montadas en un andamiaje de bambú rodeado de un espejo de agua. Cuando el usuario recorre la exhibición comienza una experiencia visual y de sonido que dura diez minutos, el tema: la comida. La instalación hace que la experiencia cambie a cada paso. El despacho encargado del interiorismo fue Ralph Appelbaum Associates, una firma familiar cercana al interiorismo de museos. En el más alto nivel, el usuario encontrará un espacio privado y cómodo con un deck y un piso de bambú que hace perfecto juego con la losas de vidrio soplado que cubren las paredes, elementos diseñados por Libeskind en colaboración con una fábrica artesanal de vidrio checo, Lasvit. www.libeskind.com

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W O L F G A N G B U T T R E S S + S I M M O N D S S T U D I O + B D P | M I L Á N , I TA L I A

UK PAVILION 112

especial pabellones

Texto Lorena Riquelme Fotografía Hufton + Crow, cortesía Wolfgang Buttress

ste pabellón ganó varias preseas en el contexto de Expo Milán 2015, entre las que destacan fx Design Award por Mejor iluminación, la bie Gold Award como Arquitectura de paisaje y el Iconic Awards 2015 como Best of Best en arquitectura. Se trata de una creación conjunta realizada por el artista Wolfgang Buttress con los ingenieros Simmonds Studio, los arquitectos de bdp y Stage One. La propuesta del pabellón del Reino Unido —y en respuesta al tema de la Expo Milán 2015: “Alimentando el planeta”— estuvo inspirada en las abejas mieleras, pues la idea fue llevar al visitante de la mano a través de una serie de paisajes que demuestran lo vital que es la polinización para el planeta entero y su alimentación. Con una planta rectangular y alargada, el recorrido comenzaba en un huerto de árboles de manzana —una réplica del tradicional huerto inglés—, que se encontraba sonorizada por zumbidos y música de Sigur Rós, Soulsavers, The Orb, Youth y Spring Heel Jack ofreciendo una experiencia multisensorial. Los árboles tuvieron tiempo para madurar sus frutos durante los seis meses que duró la exposición. Es importante destacar que una colonia de abejas es capaz de polinizar 4,000 m2 de árboles frutales.

Una vez cruzado el huerto, un prado de flores silvestres típicas del Reino Unido se abría y coronaba un anfiteatro que permitió a los visitantes tener una zona de descanso y observación. La Colmena, diseñada por Buttress, se erigió 14 metros a lo alto. Fue creada con más de 169 mil piezas de aluminio ensambladas en 32 capas horizontales. El usuario que se paró debajo de esta gran colmena podía escuchar zumbidos y ver pulsaciones de 891 luces led que se encontraban conectadas a un verdadero panal de abejas en el Reino Unido. Esta tecnología estuvo a cargo del doctor Martin Bencsik de la Universidad de Nottingham. La experiencia no podía darse por cerrada sin una terrazacomedor y bar, desde la cual se podía observar la estructura de la Colmena, y en la que se ofrecía un menú de platillos tradicionales con un toque saludable. El menú fue elegido y creado por los chefs Tom Aikens, Tom Kitchin, Atul Kochhar, Anton Mosimann, Angela Hartnett y Ken Hom. www.ukpavilion2015.com

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especial pabellones

SERPENTINE PAVILION 2015 S E L G A S C A N O | L O N D R E S , I N G L AT E R R A

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especial pabellones

Texto Paula Torres Fotografía Jim Stephenson y John Offenbach, cortesía de Serpentine Galleries

esde el año 2000, Serpentine Galleries invita anualmente a un despacho de arquitectura reconocido internacionalmente para crear el Serpentine Pavilion que debe quedar terminado en seis meses, contando a partir de la convocatoria. La selección del despacho depende de la constancia que éste tenga hacia su práctica arquitectónica. Los objetivos esenciales del proyecto son: diseñar un pabellón de 300 m2 que pueda ocuparse como café por el día y como foro para debates, talleres o entretenimiento por la noche. Usualmente no hay presupuesto para el pabellón, por lo tanto, su construcción depende totalmente de patrocinios, ayuda en especie y, posteriormente, su venta. Para el quince aniversario, los arquitectos invitados fueron los españoles José Selgas y Lucía Cano de Selgascano, quienes edificaron el pabellón con la ayuda de The Lars Windhorst Foundation, Golman Sachs, aecom, David Glocer, Stage One y Weil. El pabellón consiste en una construcción amorfa de doble capa, la estructura poligonal expone paneles de plástico etfe, traslúcido y multicolor contrastados con redes desordenadas hechas de cintas plásticas. Los visitantes pueden entrar y salir de la estructura de 541 m2, desde varios puntos, pasando a través de un corredor secreto entre la capa interna y la capa externa de la estructura. Lucía y José se inspiraron en el espacio que ocuparía el pabellón y en los transportes que los londinenses utilizan para trasladarse a través de la ciudad. La referencia inmediata es el subterráneo con sus múltiples líneas que, aunque caóticas, mantienen un flujo bien estructurado. “Estamos orgullosos de trabajar con Selgascano en este proyecto, el único que continúa mostrando lo más innovador en materia de

diseño arquitectónico contemporáneo. Selgascano mantiene su reputación de trabajar con diseño divertido, con el uso de color y su extraordinario pabellón similar a una crisálida, tan orgánico como el paisaje que le rodea”, comentaron Julia Peyton-Jones y Hans Ulrich Obrist, directores de Serpentine Galleries. Por su parte, Selgascano comparte: “Cuando fuimos invitados para diseñar el pabellón comenzamos a pensar sobre qué debía ofrecer la estructura y de qué materiales tendría que estar hecha para poder ocupar el Royal Park de Londres. Esas preguntas combinadas con nuestros intereses arquitectónicos, y sabiendo que el diseño debe conectarse con la naturaleza y formar parte del paisaje, nos arrojaron un concepto basado en la experiencia pura del visitante. Buscamos una manera en que los visitantes experimentaran la arquitectura a través de elementos simples: la estructura, la luz, la transparencia, las sombras, la ligereza, la forma, la sensibilidad, el cambio, la sorpresa, el color y los materiales. Por ello diseñamos un pabellón que incorpora todos estos elementos. Conscientes de que se trataba del pabellón del 15o aniversario, tratamos de que la estructura sirva como un tributo y homenaje a los pabellones previos”. Los pabellones construidos en años anteriores para Serpentine Galleries han sido diseñados por: Zaha Hadid, Daniel Libeskind + Arup, Oscar Niemeyer, Rem Koolhaas + Cecil Balmond, Frank Gehry, Herzog & de Meuron + Ai Weiwei, Jean Nouvel, entre otros. www.serpentinegalleries.org www.selgascano.net

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WIND EAVES

K E N G O K U M A & A S S O C I AT E S | H S I N C H U , TA I W A N

Texto Cristina Cruz Fotografía Cheng Dean, cortesía Kengo Kuma & Associates

n el año 2013, el estudio Kengo Kuma & Associates con oficinas en París y Japón, realizó el proyecto Wind Eaves instalado en el jardín de un pequeño hotel llamado The one Nanyuan. Con una interesante lista de pabellones alrededor del mundo en países como Italia, Alemania y en esta ocasión en Hsinchu, Taiwan. Este pabellón multiusos está construido con piezas de madera de ciprés y cubierto por una delgada membrana de etfe que abarca un área de 180 m2. Al encontrarse en un entorno natural, la firma decidió explorar las posibilidades de la madera, como huella del inconfundible estilo del arquitecto japonés, y minimizando el uso de metal. Wind Eaves es evidencia de un concepto armonizador con su entorno y adaptado al estilo de vida del habitante taiwanés. Para generar este complejo entramado, la estructura se compone de piezas dispuestas en distintos ángulos y con

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diferentes puntos de apoyo, con una trayectoria donde las partes se encuentran formando un arco, brindándole dinamismo y aparente flexibilidad. Desciende de manera escalonada en su lado posterior y le provee de una compleja vista frontal. Visto desde varios ángulos, la composición parece tener un aspecto azaroso pero Wind Eaves se caracteriza por el estudio de un sistema de fuerzas y contrapesos que proporcionan estabilidad. La iluminación en su interior crea en el “follaje” del pabellón un peculiar juego de sombras y texturas donde un concierto nocturno adquiere un ambiente romántico y acogedor, además de tener muy buena acústica. www.kkaa.co.jp

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VOLU

Z A H A H A D I D & P AT R I K S C H U M A C H E R FLORIDA, EUA Texto Baltazar Baños Fotografía Zaha Hadid Design, cortesía de Zaha Hadid Design

olu es parte del Revolution Project, una iniciativa de Robbie Antonio de Revolution Pre-Crafted Properties que plantea la posibilidad de hacer pabellones y viviendas por encargo. El proyecto Volu, diseñado por Zaha Hadid y Patrik Schumacher, fue presentado durante DesignMiami 2015 en el área de Satellites, su tipología central es la de ser un comedor, tratándose así de un pabellón para comer, pero sirvió como una plataforma donde se realizaron mesas redondas y reuniones informales durante el festival de diseño en Miami. Para su producción se tomaron en cuenta cualidades de diseño por computadora, ingeniería en estructuras ligeras y fabricación de alta precisión. El diseño contemporáneo incorpora a la geología como principio para su manufactura, para ello se realizó un estudio similar al que se hace para comprender la estructura tectónica. La programación virtual que se llevó a cabo para su diseño expuso las limitaciones que pudiesen presentarse en la fabricación, ahorrando pruebas y errores en escala 1:1, ya que son innecesarios habiendo simulaciones estructurales en el modelado virtual. También se incorporaron retroalimentaciones constantes en los temas de ingeniería, haciendo un

proceso iterativo de entrega, mismo que permitió que los paneles con los que fue construido — presentes en el mercado como simples hojas planas— adoptaran expresivas y complejas formas curvas. A través del análisis geométrico y de cargas, la estructura y las cubiertas del pabellón se optimizaron digitalmente para eliminar el material innecesario, haciéndolo lo más ligero posible e imitando la lógica estructural que rigen muchos de los principios que se encuentran en la naturaleza. El pabellón de edición limitada está disponible para seis o diez comensales, sus dimensiones generales son de 6 m de longitud por 4.6 m de ancho, y una altura de 3.2 m, lo que ocupa un área de 20 m2. Asimismo se compone de una serie de bandas estructurales que emergen de una columna central, distribuyendo el peso hacia el soporte del pabellón a través de 184 nodos. El patrón de toda la estructura está diseñado a favor de las condiciones variables de carga estructurales. www.zaha-hadid.com www.revolutionprecrafted.com 117

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U N B U I LT

H A R V A R D U N I V E R S I T Y G R A D U AT E S C H O O L O F D E S I G N | F L O R I D A , E U A

Texto Ana María Galvis Fotografía Harvard University Graduate School of Design, Steven Meyer, Yiliu Shen-Burke, cortesía de Unbuilt Team

ada edificio que existe contiene posibilidades creativas que quedaron congeladas en el proceso de diseño, las ciudades son cementerios de proyectos invisibles que nunca se construyeron. En este sentido, el diseño arquitectónico es la producción no sólo del proyecto final sino de un campo entero de posibilidades. Unbuilt brinda la oportunidad de entender y ver estos proyectos invisibles. El pabellón, que fuera la instalación de bienvenida para DesignMiami 2015, contiene 198 modelos a escala —hechos a mano—, que a su vez son proyectos experimentales y en algunos casos especulativos concebidos por estudiantes y profesores de la Harvard Graduate School of Design. Si bien estos proyectos tal vez no se construyan nunca, son ejemplo de las habilidades, investigaciones y creatividad de sus diseñadores. El pabellón fue diseñado por Joanne Cheung, Douglas Harsevoort, Steven Meyer, Jenny Shen y Yiliu Shen-Burke, quienes idearon una estructura para que cada uno de los modelos sirviera como nodo, evidenciando así las ligas que existen entre ellos.

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Desde su interior, el pabellón presenta una vista aérea de un paisaje urbano imaginario con 198 visiones del futuro totalmente diferentes, siendo éstas una exploración de cómo las ideas individuales están relacionadas a una estructura comunitaria y esto influye en la memoria, las experiencias y la cultura colectiva; el objetivo es voltear la mirada de los visitantes hacia el diálogo narrativo del diseño y sembrar las historias que cada diseñador imaginó para sus proyectos. Cada uno de los diseños puede analizarse a detalle en el sitio web de Unbuilt, donde cada proyecto está explicado con una memoria descriptiva, un modelo virtual que puede explorarse desde todos sus ángulos y una semblanza breve del creador. “En Unbuilt se hace una afirmación epistemológica en la medida en que el diseño es tres cosas a la vez: un medio de análisis y exploración, la presentación de una idea, y el requisito previo necesario para adquirir experiencia y conocimiento”, comentó K. Michael Hays, profesor de Teoría de la Arquitectura y consejero para Unbuilt. www.unbuilt.miami

especial pabellones Texto Jaime Contreras Fotografía cortesía Institute for Computational Design (icd)

ste pabellón creado por el Institute for Computational Design (icd) de la Facultad de Arquitectura y Planificación Urbana en conjunto con el Institute of Building Structure and Structural Design (itke), a cargo de los profesores Menges y Knippers, demuestra que no existe mejor inspiración que la naturaleza de la que sacamos las mejores ideas para hacerlas realidad. Es el caso del icd/itke Research Pavilion 20142015 (cada año este instituto propone un novedoso pabellón), que parte de la observación de la araña de agua (Agyroneda aquatica) y la forma en que fabrica su nido, un principio constructivo perfectamente trasladable a la arquitectura. Una vez capturado el modelo de la naturaleza, el Instituto de Diseño Computacional fabricó un brazo robótico que replicó o simuló la creación del nido de la araña, un movimiento que traslada la seda artificial (fibra) a varios puntos que, a fuerza de intersecarse, se vuelven resistentes y crean una consolidada burbuja de aire capaz de resistir el agua, su fricción, su fuerza. El proceso tomó año y medio en desarrollarse, tiempo en el

que participaron tanto estudiantes de arquitectura, ingeniería, como de ciencias naturales. Tal como lo hace la araña, primero se colocó una membrana flexible y suave de etfe (Etileno-Tetrafluoroetileno), un polímero termoplástico de gran resistencia soportado por unos puntos de fibra de carbón e inflada gracias a la presión del aire; posteriormente, el brazo robótico hizo su aparición y trasladó de punto a punto y de lado a lado hasta crear un caparazón que fue planeado desde un software. El proceso es capaz de adaptarse a diversas demandas arquitectónicas por su flexibilidad y por evitar el uso del encofrado dando como resultado un sistema eficiente. El logro de este pabellón no sólo implica un éxito del proyecto, también ofrece nuevas oportunidades para adaptar la robótica a los procesos de construcción que no debemos desaprovechar. www.icd.uni-stuttgart.de

FORSCHUNGSPAVILLON

INSTITUT FÜR COMPUTERBASIERTES ENTWEFEN (ICD) | STUTTGART, ALEMANIA

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Texto Itayedzin Aragón Fotografía David Corona y Cintia Durán, cortesía de Estudio 3.14

uachimontones es el nombre de un antiguo asentamiento prehispánico ubicado en el municipio de Teuchitlán, Jalisco, próximo al volcán de Tequila. El sitio incluye varios basamentos de planta circular y estructura cónica escalonada, dos juegos de pelota, anfiteatro y algunos templos. Justamente a los basamentos circulares se les denomina guachimontón, siendo esta peculiaridad arquitectónica representativa de la tradición y herencia histórica tapatía. El año pasado, la Secretaría de Cultura de Jalisco convocó a Estudio 3.14 para crear un espacio que vinculara a los niños de primaria con un inmueble de valor y orgullo patrimonial. El proyecto, aunque atractivo, no tenía muchas facilidades para trasladarlo a diferentes comunidades, lo que llevó al equipo a pensar en la solución portable que representan las estructuras inflables. Así se creó el Museo Inflable Guachimontones, una sala itinerante que aloja contenido científico —generado por la arqueóloga, Ericka Blanco—, que fue dictando la configuración de núcleos temáticos con juegos didácticos, todos con las dimensiones y escalas aptas para el público central: los niños. La idea es que los pequeños se apropien del espacio y adquieran una conexión clara con el mensaje interactivo.

El museo diseñado por Norberto Miranda presenta un recorrido de 30 metros en un espacio de 22 × 18 metros, que puede colocarse en cualquier patio escolar. El cuerpo del museo está conformado por 250 anillos inflables hechos con más de 150 piezas de lona cosidas a mano que han sido intervenidas gráficamente en su interior para reclamar la atención completa de los visitantes, además de la proyección de videos y la realización de diversas actividades lúdicas relacionadas con la tradición prehispánica de Teuchitlán. El espacio temporal de 300 m2 hace referencia a los tianguis tradicionales y transforma por completo el contexto escolar donde se ubica, enfocando su esfuerzo en inspirar a los pequeños a cuidar el patrimonio nacional y a involucrarse con su contexto local.

ESTUDIO 3.14 | JALISCO, MÉXICO

MUSEO INFLABLE GUACHIMONTONES

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www.e314.mx

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ESTUDIANTES DE DISEÑO DEL ITESM 2014 | NUEVO LEÓN, MÉXICO

PABELLÓN DIGFABMTY 1.0 Texto Cristina Cruz Fotografía Alejandro Rodríguez, cortesía de Arquidromo

studiantes de la Escuela de Arquitectura, Arte y Diseño del Tecnológico de Monterrey presentaron en 2014 el proyecto: Digital Fabrication Monterrey, denominado por sus siglas digfabmty 1.0. Un pabellón paramétrico hecho para la asignatura Tecnologías Avanzadas de la Arquitectura y realizado por un equipo de 11 estudiantes, entre quienes destacan Andrés Martínez y Alberto Frías, ahora socios y fundadores de Arquidromo. Comenzaron con el desarrollo de un algoritmo para crear una serie de pirámides que se acoplaban entre sí para generar una bóveda. La variedad en las alturas e incorporación de las perforaciones triangulares fueron las principales características de su morfología. Cada pieza fue hecha a partir de láminas de polietileno corrugado cortado con láser, dobladas y ensambladas por medio de grapas industriales y aseguradas con cinchos, éstas fueron colocadas sobre una estructura reforzada de cinco arcos de pvc anclados al piso. Andrés Martínez considera que una de las causas del auge del diseño paramétrico es su eficiencia y uso de técnicas de fabricación digital. “Son una gran oportunidad para hacer exploraciones y descubrimientos en diferentes ámbitos del diseño, que además obliga al diseñador a trabajar y explotar su creatividad. Lo que en el ayer soñabas, hoy lo puedes hacer, de hecho digfabmty 1.0 fue un proyecto que se realizó de inicio a fin en no más de 5 semanas gracias a las herramientas paramétricas”. www.arquidromo.com 121

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PALLOON RELAXATION PAVILION J. MAYER H. PARA WALLPAPER

Texto Paula Torres Fotografía cortesía de Revolution Precrafted

e edición limitada, Palloon es un refugio para la relajación. Diseñado para exteriores puede ubicarse en medio de un jardín o en un espacio abierto, el entramado tridimensional crea una relación estrecha con el ambiente y unifica lo mejor de dos mundos: los materiales nobles y las posibilidades técnicas de la modernidad. El pabellón fue diseñado para Wallpaper por el arquitecto alemán Jürgen Mayer H., en su propuesta —de 5.89 metros de largo por 5.29 metros de profundidad y 5.34 metros de altura— se crea un espacio de 25 m2 hacia el exterior y tan sólo 7 m2 en su interior, espacio ideal para crear la sensación de aislamiento y la posibilidad de ver a través de la estructura en una semitransparencia casi voyerista. Además, Palloon es uno de los proyectos del Revolution Project, lanzado por Revolution Pre-Crafted Properties, donde se explora con diversas configuraciones la creación de pabellones y viviendas bajo demanda dentro del mercado inmobiliario de lujo. Para esta iniciativa se han invitado a diversos arquitectos y diseñadores, como: Marcel Wanders, Ron Arad, Daniel Libeskind, Kengo Kuma, entre otros. www.jmayerh.de www.revolutionprecrafted.com

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Queríamos hablar de las tradiciones y las habilidades de los artesanos de México como una herencia de nuestra cultura. Héctor Esrawe

LOS TROMPOS ESRAWE + CADENA + ASOC. | GEORGIA, EUA Texto Marisol Guerrero Fotografía Abel Klainbaum

os Trompos es el nombre de la segunda instalación interactiva que el High Museum of Art encargó a los diseñadores Héctor Esrawe e Ignacio Cadena, para ser ubicada dentro de The Woodruff Arts Center en Atlanta, Georgia. El proyecto es parte de la iniciativa anual del museo para activar el espacio público del Centro y conectar a sus visitantes a través de una experiencia artística en el área del Carroll Slater Sifly Piazza. La instalación es consecuencia del éxito obtenido con la propuesta de 2014, “Mi Casa, Your Casa”, realizada por los mismos diseñadores. Aquella consistía en el ícono universal de la casa fabricado en una estructura tridimensional en color rojo. Por su parte, Los Trompos favorecen a la recreación de quienes visitan el museo y además brindan el espacio ideal para socializar, observar performances, realizar actividades artísticas y eventos especiales. El proyecto está inspirado en el juguete popular homónimo y se compone de 30 piezas tridimensionales de distintas formas y colores colocados de manera aleatoria dentro de la Piazza. Cada trompo está habitado por un tejido multicolor hecho a mano por artesanos mexicanos. Las piezas están diseñadas para ser giradas por los visitantes y sólo en movimiento se puede ver el objetivo estético de la instalación. www.cadena-asociados.com www.esrawe.com

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MIRAR

MORAG MYERSCOUGH & LUKE MORGAN | CIUDAD DE MÉXICO, MÉXICO

Texto Paula Torres Fotografía cortesía Morag Myerscough & Luke Morgan

urante la pasada muestra del Abierto Mexicano de Diseño (amd), edición denominada Soluciones, los británicos Morag Myerscough y Luke Morgan, fundadores de Supergroup London —colectivo creativo que destaca por sus instalaciones temporales ligadas al color, al poder del asombro y a la creación de comunidad e identidad a través del espacio público— colocaron, con ayuda del British Council en México, Mirar en la plancha del Zócalo de la Ciudad de México. Mirar sirvió como cámara oscura y permitió a sus visitantes advertir puntos del Zócalo a través de una serie de periscopios ubicados en la estructura de la instalación. El propósito fue permitir que los espectadores establecieran una lectura del espacio público a través de la observación. La razón por la que eligieron el Zócalo como escenario para Mirar es el nivel de representación y apropiación que los capitalinos tienen con este lugar. Siendo el diseño el motor del amd, Morag y Luke idearon en el pabellón un canal para mostrar su esencia y que pudiera ser interpretada fácilmente por cualquiera, así concluyeron que en su andar creativo el acto de mirar es el origen de partida para cualquier proyecto. Mirar y pensar el objeto de estudio desde diferentes ángulos, voltearlo de arriba abajo, deconstruirlo y reconstruirlo son partes fundamentales del proceso creativo, justamente son estas fases las que impregnaron su proyecto. La frase “Mirar y ver” que corona a la instalación reitera el propósito de observación que dio vida a este pabellón y que permitió avistar el Zócalo Capitalino y reparar en sus otros ángulos tan cercanos y tan faltos de atención. www.supergrouplondon.co.uk

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ESTACIÓN GLOCAL

A R Q M O V + FA C T O R E F I C I E N C I A + L A I N V E N C I B L E CIUDAD DE MÉXICO, MÉXICO

Texto Carmina Romero Miranda Fotografía Sófocles Hernández

uestra revista ha generado expectativa en cada edición de Expo Cihac, una de las exposiciones más importantes de la industria de la construcción, pues se ha caracterizado por ofrecer a los visitantes un espacio de descanso donde es posible leer nuestras ediciones y disfrutar de una propuesta novedosa de arquitectura en su pabellón. El estudio encargado de diseñar la Estación Glocal en 2015 fue ArqMov; Factor Eficiencia y La invencible fueron los responsables de erigir el pabellón; Masisa, por su parte, proveyó del material para su creación. Las necesidades exigían una estación de fácil montaje, con espacio para almacenar, que fuera itinerante, por lo que debía ser sencilla de transportar y adaptable a diversas condiciones tanto espaciales como de superficie. Estación Glocal se diseñó como un sistema modular basado en placas comerciales de mdf, del que se despliega un perfil geométrico que es al mismo tiempo plataforma, muro y techo, se trata de un elemento habitable, con el que se logra contención, como un envolvente que invita y acerca al usuario a tener contacto directo con el material de construcción. El resultado final arrojó una serie de perfiles armonizados que hacían alusión a los lomos de nuestras ediciones. ArqMov también diseñó el mobiliario de acuerdo con el espíritu vertical de la estación, el cual incluye asientos, mesas y zonas de almacenamiento, aunque, en este caso Herman Miller prestó cuatro sillas Spun con la que los usuarios podían divertirse. Los arquitectos aprovecharon al máximo el material para no generar residuos, pensando en una larga vida de uso. www.arqmov.com www.factoreficiencia.com www.manada.com.mx

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PABELLÓN LA SUMA RESTADA BNKR ARQUITECTURA | CIUDAD DE MÉXICO, MÉXICO

Texto Jaime Contreras Fotografía Esteban Suárez y Marcell Ibarrola, cortesía bnkr

a suma restada es un pabellón propuesto por bnkr Arquitectura en el Abierto Mexicano de Diseño (amd) 2015, el cual estuvo expuesto en el atrio de la iglesia de San Francisco en el Centro Histórico de la Ciudad de México. “La intención del pabellón fue crear un objeto sencillo a primera vista, un cubo, y generar una experiencia compleja al transitar su interior”, nos comenta Esteban, líder de bnkr Arquitectura. El nombre que el despacho dio a este pabellón responde a una de las citas atribuidas a Miguel Ángel Buonarroti que parafraseándola dice que para hacer una escultura sólo se debe retirar del bloque de mármol todo lo que no es necesario, como si la figura ya estuviera contenida en el material y sólo bastara una mano para develarla… pero no cualquier mano. Así, La suma restada es una propuesta donde ha sido mejor quitar que añadir, en un proceso de abstracción donde todo comenzó a partir de una geometría básica que, al menos conceptualmente, fue devastada, dando como resultado una superficie orgánica, pixelada. El pabellón está compuesto por 1,690 polines de madera (2 × 2 pulgadas) superpuestos uno sobre otro sin ningún otro aditamento para fijarlos que su propio peso. La retícula formada por las barras está perfectamente calculada, 5 × 5 cm es el espacio que existe entre separaciones. “Estos polines, al terminar el festival, se reutilizaron en su totalidad para la remodelación de un departamento en la colonia Roma”, concluye Esteban. www.bunkerarquitectura.com

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PABELLÓN PANGOLIN

ARCHITECTURAL BODY | CIUDAD DE MÉXICO, MÉXICO

Texto Lorena Riquelme Fotografía Marcos Betanzos Correa, cortesía Emmanuel Ruffo

l Pabellón Pangolin o Arco estructural fue diseñado y calculado por Architectural Body —un laboratorio de diseño y fabricación digital y de experimentación en técnicas constructivas artesanales ubicado en Italia—, para el taller “Fabricación digital”, organizado por la Coordinación de Educación a Distancia y Nuevos Medios de la Facultad de Arquitectura de la unam y Emmanuel Ruffo, el líder del despacho. El proyecto final se centró en el diseño de este pabellón mediante tecnologías de innovación y a través de algoritmos digitales que calcularon el material —relacionado con las fuerzas estructurales— para generar un arco de doble curvatura. La idea siempre giró en torno al proceso de fabricación y en el diseño del ensamble. El Arco estructural fue creado a partir de tasaciones matemáticas que arrojaron la cantidad de piezas que se debían utilizar, el tipo de forma de éstas (cuadrado, pentágono,

hexágono o heptágono) y sus dimensiones (anchura, altura, espesor, peso); asimismo el ensamblaje y la intersección de los elementos mencionados. “El pabellón Pangolin está inspirado en los tejidos artesanales que por su conexión o método de ensamble generan una estructura geométrica casi indestructible”, nos comenta Emmanuel Ruffo. El pabellón fue realizado con 400 piezas de madera de pino de 1.5 cm de espesor, cortadas con láser, que al trabajar con fuerzas conjuntas lograron crear un arco de 8 × 4 metros de largo por 4 de ancho y una altura de casi 4 metros. “El pabellón es, sin duda, único en su género, ya que se autosoporta a partir de la sincronización del ensamble que une a las casi 400 piezas. […] Podría ser construida a diversas escalas y para diferentes géneros o tipologías”, concluye el arquitecto. www.architecturalbody.com

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PRINCIPIOS PARA EL BUEN DISEÑO EN MÉXICO Texto Eduardo Duarte Ilustración Martín Pech

e declaro fan de los manifiestos. Siempre me ha gustado que los conceptos (acerca de cualquier tema) sean desmenuzados y presentados en oraciones simples, concretas y breves. Me agrada saber que el autor se tomó un tiempo para condensar una serie de ideas en pequeñas, pero poderosas dosis de conocimiento. Hace algunos años, como parte de mi tesis de la maestría en Estudios del Diseño me di a la tarea de escribir un manifiesto de diseño industrial para México, cosa que no fue fácil, requirió una investigación amplia en temas muy variados: desde economía hasta ciencias sociales y, por supuesto, diseño, área en la cual decidí partir por el camino más lógico posible, es decir, por los manifiestos de diseño más relevantes como el de la Bauhaus, el inconcluso de Bruce Mau, entre algunos otros.

Debido a su enfoque y claridad recurrí como principal referencia a los “Diez principios del buen diseño” de Dieter Rams, de ahí la decisión de tomar prestado para el título los conceptos de principio y buen diseño. Antes de comenzar, encuentro pertinente aclarar que defino principio, como el comienzo o el surgimiento de algo, así que invito a que este texto sea tomado como un punto de partida y sirva como un marco teórico y de contexto. Habría también que entender a qué se refiere el texto cuando se habla de “buen diseño”, que desde mi perspectiva es la sinergia equilibrada de diferentes cualidades, estéticas, funcionales, productivas sustentables y de negocios, que combinadas adecuadamente generan productos de alto valor para todos los involucrados en su creación y uso. Sin más por añadir, aquí mi humilde contribución al pensamiento del diseño.

El buen diseño es una proyección hacia un bienestar futuro El diseño per se es una actividad centrada en el futuro, no importando si éste se encuentra cerca o se vivirá en décadas. Hoy los diseñadores debemos de ir un paso adelante y contribuir en la creación de productos geniales, que consideren el futuro como un factor determinante. Habría que dejar de pensar en diseñar productos que son copias de otras copias, que no dejan más que contaminantes a nuestro ambiente y no aportan nada a la sociedad. El buen diseño en México debe de valerse de la tecnología que cada día es más asequible y amigable, existen amplios recursos digitales a la mano de los diseñadores y éstos van en incremento, echemos mano de ellos. El uso de la ciencia a través de la tecnología y el diseño son disciplinas complementarias.

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La genialidad es la innovación de la innovación En nuestros tiempos el mundo experimenta cambios a diario, hoy los diseñadores y las empresas debemos mirar más hacia productos geniales1 que no sean copias con mejorías banales, que de alguna forma sólo engañan al consumidor y que realmente no aportan más que mayores utilidades a las industrias. El cambio de color de un producto, la sustitución de un empaque, la publicidad engañosa, etc. No son más que innovaciones del siglo pasado que tratan de aparentar una mejoría, pero no le aportan ningún valor real. La genialidad se refiere a generar conceptos de innovación global donde los cambios en un producto o la creación de uno nuevo realmente contribuya con algo a todos los involucrados. El mundo no se puede concebir sin industria, sin embargo, las industrias que necesitamos son aquellas que se comprometen a generar productos con justos márgenes de utilidad, con poco impacto en el ambiente y con una alta durabilidad y adaptabilidad para quien los usa. 1 Tomado de “El manifiesto de la genialidad” de Umair Haque.

No hay que diseñar bien, hay que diseñar mejor El buen diseño en México proyecta sistemas, más que productos aislados Un sistema es una estructura compleja que integra a varios componentes que interactúan con un fin común, el diseño futuro proyecta la creación de sistemas como una ventaja y una necesidad, por lo tanto, debemos considerar los siguientes puntos en la creación de objetos: • El buen diseño de sistemas utiliza productos existentes y normalizados para la creación de nuevos bienes haciendo eficiente la manufactura y evitando la sobre ingeniería. • Integrar nuevos productos a sistemas ya existentes. • Crear sistemas con una larga vida y con capacidades de adaptabilidad futura. • Desmaterializar objetos e integrarlos todos en uno solo, por medio de la tecnología generar eficiencia y disminuir las materias primas, por lo tanto, reducir los residuos.

El diseño no es un proceso intuitivo, no se basa en corazonadas, cada producto debe de tener una metodología estricta que debería de incluir los siguientes aspectos: 1. Un análisis minucioso y profundo del usuario y el contexto, donde se filtre lo que realmente es importante. 2. Ningún componente en el diseño está puesto al azar o al gusto del diseñador, cada característica dentro de un producto debe de tener una razón de ser, respaldada en su mejor funcionamiento; un buen análisis funcional deriva en una excelente estética. 3. Una adecuada búsqueda y selección de materias primas que certifiquen su procedencia y su impacto ambiental. 4. Una apropiada manufactura que evite mermas y desperdicio de materias primas y que por medio de la tecnología se utilice efectivamente tanto recursos como procesos. 5. El buen diseño prevé escenarios de uso, tiempos largos de vida útil y una fácil forma de desecho y reintegración a la cadena productiva.

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Hagamos productos responsables, busquemos equilibrios

México es una potencia cultural, no olvidarlo

Antes de diseñar y producir es pertinente hacernos una pregunta: ¿realmente se requieren los objetos que diseñamos? Tenemos sobreproducción de tantas cosas que muchas son destinadas al desecho tras poco tiempo de uso. Esto no quiere decir que no podemos diseñar objetos comunes como una silla o una lámpara, más bien su creación debería de estar supeditada a un proceso de diseño responsable y equilibrado. No hay equilibrio sin sustentabilidad, donde ésta ya no es un valor agregado ni un punto que publicitar para generar mayor consumo, más bien debe ser parte inherente de los productos y de los requerimientos comunes del diseño. No hay responsabilidad sin ética, todo lo que se diseña y se produce debería ser éticamente adecuado para el ambiente; cada producto debería ser capaz, de una u otra forma, de devolver lo que el planeta le ha otorgado. Debemos ser justos con quienes manufacturan los objetos, a través de compensaciones equilibradas con respecto al trabajo que realizan, justos con quienes los financian y justos con quienes los consumen.

México posee una larga y rica historia artística; las artesanías, el arte popular son en sí una fuente inagotable de inspiración para nuestros diseñadores. Retomar formas, motivos, materiales y técnicas de manufactura traídas a la actualidad es de suma importancia, y en muchos casos constituye una gran ventaja para el diseño nacional en otros mercados internacionales. Formemos una sinergia entre nuestros capaces artesanos y nuestros diseñadores haciendo un beneficio mutuo y verdadero, logrando dignificar la experiencia artística y la gran vocación artesanal de nuestro país y proyectemos la identidad del diseño mexicano.

La artesanía nacional está tan necesitada de diseño, como el diseño mexicano tan necesitado de identidad. Usemos el diseño para beneficiar a los que más lo necesitan Más de la mitad de la población en México se encuentra en situación de pobreza, existen muchas razones causantes de este problema, las soluciones son complejas y, muchas veces, insuficientes. No es que el buen diseño sea el salvador, pero el pensamiento divergente puede ser de gran ayuda al mejorar la vida de las personas menos afortunadas. La población en pobreza no es la única que necesita de mejores objetos, existe en el país una gran cantidad de grupos en necesidad que pocos diseñadores atienden, por ejemplo, la población de la tercera edad o las miles de personas con discapacidades, el buen diseño apunta para allá. Dejemos por un momento de pensar en productos banales o piezas de diseño que casi pisan el campo del arte y busquemos proyectos generadores de valor real, hagamos algo por los que nos rodean con nuestras habilidades.

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El buen diseño es muy importante para dejarlo únicamente en manos de los diseñadores El diseño por sí sólo no es capaz de generar buen diseño, en general, el buen diseño es la interacción y la sinergia de muchas otras disciplinas, el departamento de diseño de una empresa puede ser una excelente conexión entre las áreas de una compañía haciendo de éste un buen lazo de comunicación y una especie de traductor entre el usuario-cliente y las industrias a través de sus productos. El buen diseño está hecho por buenos diseñadores, capaces de comprender todos los factores que involucran la creación de objetos y entienden cómo insertar al diseño como un punto estratégico que colabora con otras disciplinas de igual importancia, entiéndase que el diseño por sí sólo no es muy útil. Los buenos diseñadores mexicanos tienen hoy la tarea de ser agentes de cambio y promover la profesión mostrando los alcances, las ventajas y beneficios que tiene el diseño bien hecho en la vida de las personas.

El término “buen diseño” no debería de existir Es paradójico proponer la desaparición del “buen diseño” siendo el tema central de este manifiesto, la razón es simple: el diseño tiene como objetivo desde su origen la creación o el mejoramiento de objetos, el término supone la existencia de categorías, por lo tanto, “buen diseño” sería el peldaño superior donde los productos hechos bajo esta premisa ofrecen alta calidad, son conscientes del usuario, su contexto, y no necesariamente son costosos, es decir, cumplen con los puntos anteriormente mencionados en el manifiesto. Entonces ¿dónde nos perdimos? ¿En qué momento el diseño se volvió malo, regular o bueno? Lo que sucede es que hay muchos objetos pobremente planeados destinados a empobrecer nuestra sociedad en todos los sentidos, muchos hechos por no-diseñadores, algunos concebidos por diseñadores pero con un muy bajo análisis. Lo cierto es que no debería de haber buen diseño ni mal diseño, más bien sólo “diseño de productos”. Lo anterior significaría la dignificación de los objetos, la creación de bienes de consumo ideales, el estándar que todos deberíamos de buscar para evitar la creación de términos que sólo generan complicaciones en el idioma y en nuestra profesión.

Finalizando… Traté de ser lo más claro y breve posible, esperando que este texto enriquezca nuestro proceso-concepción de objetos. Es innegable que tiene un punto de vista particular, es un manifiesto subjetivo que trata de tener el mayor sustento teórico posible, no obstante, existen ciertos aspectos que quisiera puntualizar. Con el paso del tiempo quizá este documento pierda su frescura, pero le propongo al lector que utilice cualquier concepto aquí expuesto y lo adapte de acuerdo a sus necesidades, ya que al final lo único que busca este manifiesto es ser una herramienta que contribuya de forma discreta al bienestar de nuestra comunidad.

Los puntos que abordo tratan de dar una visión general de lo que es hoy el diseño en México, sus retos y sus necesidades. Este texto se centró en encontrar esos puntos que hoy son relevantes para exponerlos brevemente y darles un posible rumbo. Espero que la lectura haya sido enriquecedora y puedan aportar conocimientos útiles que se transformen en mejores productos.

* E DUA RDO DUA RTE ES M A ESTR O EN ESTUD I O S D EL DI SEÑO PO R C ENTR O, ADEMÁS DE SE R P RO F ESO R D E L A M IS M A IN S TITU CIÓN . ES D I R EC TO R C R EATI VO DE RIBBA MAR C A D E MO B I LI ARI O ME X I C AN A . 131

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HOME ACCESSORIES SKULTUNA Texto Itayedzin Aragón Fotografía cortesía de Skultuna

esde hace más de 400 años, Skultuna ha producido objetos de gran calidad hechos en metal: candelabros, vasos, bandejas, pantallas, contenedores, macetas, campanillas y trébedes, entre otros objetos que se convierten fácilmente de piezas funcionales a ornamentos llamativos. Skultuna fue fundado en 1607 como una fundidora de latón en la ciudad homónima en Suecia, hoy en día la empresa es una de las compañías más antiguas en el mundo. Actualmente cuenta con dos líneas de accesorios: para vestir y para el hogar, dentro del que se cuentan diseños de líderes creativos de talla mundial, como GamFratesi, Luca Nichetto, Monica Förster, y Claesson Koivisto, entre otros. Durante Maison&Objet París 2015, Skultuna presentó su colección de primavera 2016, integrada por los vasos Boule de Olivia Herms, quien actualmente trabaja para Konstantin Grcic, y el trébede Dew de Objecthood, hecho de latón sólido vaciado en un molde de arena, las figuras que lo componen están inspiradas en los patrones florales Art decó del siglo xx. www.skultuna.com

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28.05 - 27.11 / 2016 TÚ TAMPOCO PODRÁS DEJAR DE VERLO MUSEO UNIVERSITARIO ARTE CONTEMPORÁNEO

Centro Cultural Universitario. UNAM

muac.unam.mx