GLOCAL DESIGN MAGAZINE No. 33 Portada por / Cover by: ARQUITECTURA EN MOVIMIENTO WORKSHOP by GLOCAL DESIGN MAGAZINE

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PORTADA POR ARQUITECTURA EN MOVIMIENTO WORKSHOP

DIRECTORA GENERAL

FOTOGRAFÍA

EDITORA EN JEFE

Gabriel González

Greta Arcila

José Margaleff

greta.arcila@glocal.mx CONSEJO EDITORIAL EDITORA

PRESIDENCIA

Martha Lydia Anaya

Gina Diez Barroso

martha@glocal.mx CONSEJEROS HONORARIOS COORDINADORA EDITORIAL

Arturo Aispuro Coronel

Itayedzin Aragón

Miguel Ángel Aragonés

itayedzin@glocal.mx

Jorge Arditti Arturo Arditti

ASISTENTE DE DIRECCIÓN

Juan Carlos Baumgartner

Gabriela Arcila

Fernando Camacho

gabriela@glocal.mx

Carmen Cordera Héctor Esrawe

DISEÑO

Rodrigo Fernández

Carla Hernández Vadillo

Jorge Gamboa de Buen

carli@glocal.mx

Juan Manuel Lemus Beata Nowicka

BECARIAS

Carlos Pascal

Cristina Cruz

Gerard Pascal

Pamela Ruiz

Ariel Rojo Fernando Rovzar

COLABORADORES

Sagrario Saraid

Karla Rodríguez Flavio Rivera

CONTABILIDAD

Germán Velasco

Víctor Villareal

Jorge Maceo

Arturo Xochipa

Juanma Constantino Luis Mercado

CONTACTO

Martín Pech

glocal.mx

Ricardo Luévanos

info@glocal.mx

Rogelio Flores

Mánchester 13, piso 1,

Tián Nait

Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, México, D.F.

CORECCIÓN DE ESTILO

Teléfono 52(55) 55.33.68.18

Fruta Editorial VENTAS Y PUBLICIDAD TRADUCTOR

publicidad@glocal.mx

Francisco Barriopedro

PORTADA Arquitectura en Movimiento Workshop Glocal Design Magazine es una publicación de Color y Espacio Editorial S.A. de C.V. Revista Bimestral: junio - julio 2016. Publicación protegida por la Ley de Propiedad Industrial y la Ley Federal de Derecho de Autor. Número de Certificado de Reserva otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor: 04-2013-041513043400102. Número de Certificado de Licitud de Título y Contenido 15894. Editora Responsable: Greta Vanessa Arcila Romero. El contenido de los artículos y de los anuncios es responsabilidad de los autores y de las empresas. Todos los derechos reservados. Domicilio: Mánchester 13, Piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, C.P. 06600, México, D.F. Distribución: Comercializadora GBN S.A. de C.V., Calzada de Tlalpan 572, despacho C-302, colonia Moderna, delegación Benito Juárez, 03510, México, D.F., Tel. 5618-8551. Impresa en: Preprensa Digital, S.A. de C.V., Caravaggio 30, Col. Mixcoac, C.P. 03910. Del. Benito Juárez. México, D.F. Tel 5611-9653.

CARTA EDITORIAL

l cierre de esta edición ha sido uno de los más atípicos que hemos tenido. ¿Cómo resumir en tan pocas hojas tres ferias internacionales, entrevistas con grandes personajes del diseño, del arte y diseñadores emergentes de gran propuesta? No suena y no fue tarea fácil –ojalá tuviéramos 500 páginas para compartir con ustedes todo lo que vimos–. El proceso de trabajo fue el siguiente: la actualización de toda la información, seleccionar lo que realmente fue un nuevo proyecto, quiénes y qué logra destacar con una propuesta firme, la reacción de la gente al ver y tocar el objeto, y claro, porqué negarlo, lo que nos mueve personalmente tratando de ser lo más objetivo e inclusivo posible. Así, hoy les presentamos más de 40 páginas de personajes y de la selección de lo que nos atrapó en Milán, París y Miami. Esperamos sus comentarios sobre la selección. Para nuestra portada, invitamos a Arquitectura en Movimiento Workshop, taller creativo que de unos años a la fecha ha logrado tomar notoriedad gracias a que no se queda en su área de confort. Diseña y, en ocasiones, construye desde arquitectura de interiores para corporativos; arquitectura e interiorismo residencial; participa en concursos internacionales para distintas tipologías como museos y hoteles; realiza instalaciones y pabellones; se involucra en ferias de diseño y arte locales, pero lo importante es que también su trabajo ya comienza a tener presencia en países como Estados Unidos e India. Arquitectura en Movimiento Workshop ha logrado, a través de una práctica multidisciplinaria y colaborativa, comunicar y realizar una arquitectura de sencilla y franca lectura, en donde la búsqueda por los materiales locales y con un lenguaje propio ha sido una constante, dando como resultado proyectos que nos acercan a una identidad con nuestro presente. Y en lo que se refiere a Glocal Design, estamos en proceso de cambio, abriendo nuevas secciones y apoyándonos con expertos para ser un medio más ágil e incluyente. Esta edición damos la bienvenida al arquitecto Germán Velasco, editor de la sección de Macrotendencias ¿Y cómo es que surge y de qué se trata? Me acerqué a él y le comenté de mi interés en abrir un espacio editorial que hablara y afirmara cómo es que todas las disciplinas del diseño están relacionadas entre sí –como siempre en la historia se ha visto–, pero que faltaba un medio que lo firmara. Entre pláticas y el trabajo de un gran equipo, logramos una primera propuesta de la cual, también esperamos su aportación en redes sociales. ¡Celebremos que el diseño está en cada detalle de nuestra vida!

Glocal Design Magazine Greta Arcila

@Glocal Design @gretaarcila

glocal_design arcilagreta

CONTENIDO EDITORIAL AGENDA CASA GLOCAL Exteriores

2 7 11

MACROTENDENCIAS HISTORIA + DISEÑO

015 AUTOMOTRIZ

021

Setsuna Toyota

Kettal

LOCAL Herminio Menchaca Hiperobjetos

027 028

RESEÑA Arquitectura para un futuro sostenible Jacobo Krauel, Ed. Links

029

TRAZOS TECHNO HP Spectre HP Inc.

022

SHOWROOM Piacere

030 034

ILUMINACIÓN Quasar | Laurent Giorgia Zanellato | Lambert & Fils

023

CIUDAD CDMX Letra intervenidas

025

DISEÑO + EMPRESA B&B Italia Migliore+Servetto Architects 4

026

HOST Manolo y Benancio Miguel de la Torre

036

HOTELERÍA

ENFOQUE Arquitectura en Movimiento Workshop El hambre por diseñar espacios

038

ENTREVISTAS Anish Kapoor La controversia de maravillar con la forma

046

Ron Arad Cuando la creatividad es un juego en las periferias

Casa Carpinos Andrés Stebelski Arquitecto Casa Irekua Anatani Broissin Architects Casa Ora E Qui Félix Blanco Diseño y Arquitectura

Sofitel Tamuda Bay GM Architects | Marruecos

industrial, mobiliario y objeto multidisciplinario

094

107

One day in Paris Dariel Studio | Francia

Sacha Walckhoff Colaborar y reconstruir desde la fuerza de la alegría

Apartamento Ordovás Dirk Jan Kinet | España

Berjan Pot El placer de la experimentación constante y la inversión a largo plazo

Sainte-Anne Academy Taktik Design | Canada Casa Ronald McDonald Jannina Cabal & Arquitectos | Ecuador

Marck Thorpe Andando en una fábrica creativa que nutre ideas

Bar Anglais ÅF Lighting | Suecia

ESPECIAL FERIAS

063

Behance/Adobe Installation SOFTLAB | EUA Garten Rebecca Louise Law | Alemania Softtek Toreo Pentágono Estudio | México

PABELLONES

086

JÓVENES TALENTOS Jorge Diego Etienne - Salone David Pompa - Salone Ad Hoc - M&O

textil y moda

ESPECIAL COLOR

Oki Sato La pasión por sorprender, tomando el tiempo preciso

Casa México: Casa Ideal Design Revolution - Milán Mexican Pavillion - NY

090

RESIDENCIAL

Rossana Orlandi Esperando encontrar el talento y acertando siempre

Salone del Mobile 2016 Maison&Objet Americas Wanted Design ICFF

Mar Adentro Miguel Ángel Aragonés

arquitectura y diseño de interiores

089

COLUMNA Color y tendencias

126

OBJETO GLOCAL Proyecto Palma Moisés Hernández

136

AD61 ZD + A | México La Purísima Bandada Studio | México Disco Club Estudio Guto Requena & Mauricio Arruda | Brasil

GrupoHabita

@GrupoHabita

JUNIO JULIO

AGENDA Foto: Ensamble de boda, por Karl Lagerfeld para house of Chanel, AW 2014-15 © The Metropolitan Museum of Art

LA GUÍA GLOCAL, QUÉ VISITAR EN MÉXICO Y EN EL MUNDO

MANUS X MACHINA FASHION IN AN AGE OF TECHNOLOGY En esta exhibición del Costume Institute para la temporada de primavera se explora cómo los diseñadores de moda han reconciliado lo hecho a mano (manus) con los procesos maquinados (machina) en la creación de alta costura y el ready-to-wear de vanguardia. Más de 170 ensambles que datan desde principios del siglo xx hasta nuestros días, integran esta muestra que explora las dicotomías presentes en los procesos creativos, cuestionando la relación y distinción entre lo que se califica como exclusivo o masivo.

Mayo 5 — agosto 14, 2016 METROPOLITAN MUSEUM OF ART FIFTH AVENUE 1000 Fifth Avenue New York, NY 10028 (212) 535 7710 www.metmuseum.org

agenda

Foto: Arturo González de Alba

Muestra retrospectiva de la visión de Isamu Noguchi, quien exploró de manera continua el medio escultórico hasta expandirlo a otras disciplinas como la escenografía, la arquitectura, el paisaje y el diseño. Noguchi creció entre dos culturas que constantemente se contraponen en su obra. La exposición está enfocada hacia su visión sobre los parques como espacio público de esparcimiento, retomando ideas relevantes respecto a la forma de aproximar a los usuarios al juego, la recreación y el aprendizaje a través de maquetas, dibujos, escenografías e imágenes de archivo.

75 años de historia de la moda en el país son revisados a través de más de 400 piezas, provenientes de cerca de 100 colecciones públicas, privadas, acervos de diseñadores y casas de moda nacionales e internacionales. El conjunto mantiene un diálogo entre materiales, formas y motivos ornamentales distinguidos entre piezas tradicionales de arte popular indígena, de carácter mestizo y diseño contemporáneo que coexisten y se complementan. Se explora, además, la influencia innegable de la indumentaria popular sobre la alta costura mexicana.

PALACIO DE CULTURA BANAMEX – PALACIO DE ITURBIDE Madero 17 Centro Histórico, 06000, Ciudad de México www.fomentoculturalbanamex.org

Abril 28 — septiembre 4, 2016

VITRA DESIGN MUSEUM Charles-Eames-Str. 2 D-79576 Weil am Rhein, Alemania +49 7621 702 3200 www.design-museum.de

MUSEO DE ARTE MODERNO Paseo de la Reforma y Gandhi s/n Bosque de Chapultepec, 11580, Ciudad de México (55) 8647 5530 www.museoartemoderno.com

Foto: Bill Jacobson

Alexander Girard (1907-1993) fue uno de los diseñadores de interiores y textiles más prolíficos del siglo xx. Sus diseños se caracterizan por una carga fuerte color y ornamentación influenciada por el arte folclórico, tendencia que marcó la estética del diseño americano de la postguerra. La muestra presenta su trabajo de manera retrospectiva con textiles, mobiliario, modelos, objetos pequeños, documentos personales y dibujos paralelos al trabajo de sus contemporáneos, como Charles & Ray Eames y Eero Saarinen. Marzo 12, 2016 — enero 29, 2017

MUSEO TAMAYO Paseo de la Reforma 51 / esq. Gandhi Bosque de Chapultepec, 11580, Ciudad de México (55) 4122 8200 www.museotamayo.org

Exposición en torno al trabajo del modisto español. Ocho vestidos diseñados por Balenciaga y 31 fotografías de Manuel Outumuro, provenientes del Museo Cristóbal Balenciaga en Guetaria, España, así como piezas provenientes de colecciones particulares en España y México: vestidos, sombreros, mascadas y figurines que dan testimonio del delicado proceso de diseño y confección. La exhibición se enlaza con acervo del MAM, ofreciendo similitudes entre los diseños del modisto español y la vestimenta de la burguesía mexicana reflejada en retratos.

Mayo 4 — agosto 31, 2016

ALEXANDER GIRARD. A DESIGNER’S UNIVERSE

Mayo 11 — octubre 9, 2016

CRISTÓBAL BALENCIAGA

Foto: Manuel Outumuro

AGE NDA

EL ARTE DE LA INDUMENTARIA Y LA MODA EN MÉXICO. 1940-2015

Foto: ©Kevin Noble

LOS PARQUES DE NOGUCHI

ANDY WARHOL: SOMBRAS Organizada por Dia Art Foundation, Sombras (1978-79) es una monumental obra de arte compuesta por 102 paneles serigrafiados de gran formato. Pese a su apariencia repetitiva, el método “mecánico” de Warhol es, en realidad, totalmente manual y pictórico, lo que imposibilita su reproducción y pone en tela de juicio la estética del “plagio” de Warhol. Cada sombra dirige la mirada del espectador hacia la luz, tema central de la serie, presentada con estallidos de color, la exposición regresa al problema fundamental del arte: la percepción.

Febrero 26 — octubre 2, 2016 MUSEO GUGGENHEIM BILBAO Avenida Abandoibarra, 2 Bilbao, 48009, España +34 944 35 9000 www.guggenheim-bilbao.es

agenda

STUDIO JOB MAD HOUSE

Marzo 22 — agosto 21, 2016

Foto: Adrien Millot

MUSEUM OF ARTS AND DESIGN 2 Columbus Circle New York, NY 10019 212 299 7777 www.madmuseum.org

Retrospectiva de gran alcance sobre el trabajo de Pierre Paulin, diseñador que dejó su marca en la segunda mitad del siglo xx contribuyendo al diseño de interiores, mobiliario e industrial. Más de 100 piezas reflejan la fascinación del diseñador por las técnicas de innovación, los textiles elásticos y la inyección de plástico. Se muestran piezas clave que raramente han sido exhibidas al público, como el escritorio Bonheur du Jour o la luminaria Araignée junto a objetos icónicos como el sillón Tongue, además de piezas únicas y prototipos. Mayo 11 — agosto 22, 2016

Abril 16, 2016 — marzo 12, 2017 VICTORIA & ALBERT MUSEUM Cromwell Road SW7 2RL, Londres +44 (0)20 7942 2000 www.vam.ac.uk

ISABELLA BLOW: A FASHIONABLE LIFE Con ensambles de Alexander McQueen, Philip Treacy, Hussein Chalayan, Julien Macdonald y otros artistas, esta muestra exhibe la colección privada de la visionaria Isabella Blow. Profesional del estilismo, editora y musa dentro de la moda británica, Blow encaminó la carrera de múltiples diseñadores, fotógrafos y modelos en la década de los 90. La exposición cuenta con más de 100 piezas, entre fotografías y prendas de su propio guardarropa, sombreros, zapatos y joyería de más de veinte diseñadores top de todo el mundo. Mayo 14 — agosto 28, 2016 MUSEUM OF APPLIED ARTS & SCIENCES / POWERHOUSE MUSEUM 500 Harris Street Ultimo NSW 2007, Sydney, Australia +61 (02) 9217 0111 www.maas.museum

CENTRE POMPIDOU Place Georges Pompidou 75004, Paris, Francia +33 (0) 1 4478 1233 www.centrepompidou.fr

UNDRESSED: A BRIEF HISTORY OF UNDERWEAR

ANISH KAPOOR | ARQUEOLOGÍA: BIOLOGÍA

Recorrido que explora la relación íntima entre la ropa interior y la moda, su rol en la configuración corporal hacia el cuerpo ideal, entre cortes, tallas, textiles y decoraciones que revelan problemáticas de género, sexualidad y moral. La muestra cronológica contiene más de 200 ejemplos, incluyendo indumentaria del siglo xviii hasta piezas de nuestros días, interiores masculinos y femeninos, algunos con carga innovadora o de lujo, prendas hechas en casa y diseños de nombres reconocidos como Stella McCartney, Rigby & Peller y Paul Smith.

Kapoor es considerado uno de los escultores de gran formato más influyentes de nuestra época. Nació en Bombay, pero ha vivido y trabajado en Londres desde inicios de la década de los 70. A través de la investigación y la exploración, encuentra y replantea significados en su obra. La misma dinámica se repite para la muestra, donde el espectador puede contemplar 22 piezas de escultura e instalación. La exhibición fue curada por Catherine Lampert y Cecilia Delgado (asociada). Mayo 28 — noviembre 27, 2016 MUSEO UNIVERSITARIO ARTE CONTEMPORÁNEO Insurgentes Sur 3000 Centro Cultural Universitario, Coyoacán, 04510, Ciudad de México (55) 5622 6972 www.muac.unam.mx

AGE NDA

PIERRE PAULIN

Foto: Donald Mcpherson

Primera exhibición dedicada a Studio Job en los Estados Unidos, donde se explora la visión creativa de Job Smeets y Nynke Tynagel quienes trabajan en la firma desde 1998. Para la muestra, los creativos transformaron dos pisos del museo en una experiencia de diseño envolvente, creada exprofeso para la ocasión, dentro de ella se incluye: escultura, luminarias, mobiliario, cubiertas, tapices, dibujos y otros objetos diseñados durante los últimos 16 años. La organización, sin ser cronológica, imagina narrativas que fusionan historia y fantasía a través de 57 piezas.

CASA GLOCAL

[EXTERIORES]

Silla Gardenias de Jaime Hayon para BD Barcelona Design

Mesa Monkey de Jaime Hayon para BD Barcelona Design

CÓMODO • ACOGEDOR Fotografía cortesía de las marcas participantes

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[SERENO] La oferta actual de mobiliario para exteriores permite crear espacios que sigan la misma tendencia, independientemente de las marcas de las que cada objeto provenga; ya que, como en todas las vertientes del diseño, existen tendencias que facilitan la toma de decisiones y aportan una variedad considerable de colores, texturas y acabados. En esta ocasión, abrimos la posibilidad de configurar una terraza que aporte serenidad con elementos clave en color azul, combinado con tonos claros de gris y arena. Los objetos en esta propuesta son de líneas suaves y acabados sencillos, texturas agradables al tacto y complementos básicos como un servicio de cristal en tono azul cobalto, además de bandejas y candiles de cerámica. A Ambiente Air Collection de Manutti para Jardin de Ville 1 Boma de Rodolfo Dordoni para Kettal 2 Banco Lloyd de Serener para Functionals 3 Pantalla Tealight de Issey Miyake para Iitala 4 Mesa Drei de Philipp Mainzer para e15 5 Vasos Cin Cin de Klaar Prims 6 Platos cerámicos de Norm para Menu

3 2

[ACOGEDOR]

Los espacios hogareños de uso social son necesariamente agradables, el sentido es facilitar la estadía de los usuarios, hacerlos habitables en toda la extensión de la palabra. Para armonizar los espacios exteriores, aunque parezca contradictorio, buscar un sentido acogedor es un buen punto de partida. La madera es, por excelencia, el primer material que nos conecta con la calidez y la naturaleza, en este caso proponemos maderas claras y oscuras que convivan con elementos en colores: gris, verde olivo, terracota e incluso rosa para redondear la conexión con la naturaleza y su hospitalidad. B Ambiente Colección Mesh y silla Roll de Patricia Urquiola para Kettal 1 Silla Rion de Andrea Radice & Folco Orlandini para Fast 2 Bancos New Antiques 66 y 76 de Marcel Wanders para Moooi 3 Banca pp589 de Hans J. Wegner para pp møbler 4 Mesa Bowlkan de Harri Koskinen para Zanat 5 Banco Knit de Curver para Keter Group 6 VFrazada Tint de Anne Lehmann para Normann Copenhagen 7 Botella La Siesta de Raky Martínez, Alberto Martínez y Héctor Serrano para Gandía Blasco

[MACROTENDENCIAS] [DISEÑO DE INTERIORES] [MOBILIARIO] [MODA] [ARTE] [ACCESORIOS]

GERMÁN VELASCO EDITOR DE SECCIÓN

Intervención visual Ricardo Luévanos

macrotendencias

Él Camisa de pentágonos Z Zegna Suéter amarillo Z Zegna Saco Z Zegna Jeans Z Zegna Tennis Z Zegna

Lámpara Duii de Diesel Living & Foscarini @B-lux, Mesa Gem de Tom Dixon @Studio Roca Sillón Lounger de Jaime Hayón para BD Barcelona Design @Addrede Mesa Mondai de Héctor Esrawe

macrotendencias

Ella Blusa Yakampot Chaleco Yacampot Falda tableada akampot Accesorios Tane by Iris Apfel Zapatillas de brazalete Brantano

SillĂłn Egg de Arne Jacobsen para Republic of Fritz Hansen Calavera Huichola de Onora Casa Mesa Trace de Tom Dixon @Studio Roca Alfombra MĂŠlange Zoom de Sybilla para Nani Marquina @Esrawe

macrotendencias

ร l Traje de cuadros Z Zegna Camisa Ermenegildo Zegna Cinturรณn Louis Vuitton Zapatos Louis Vuitton

Ella Bomber jacket Trista Vestido de capas Trista Zapatos de plataforma Brantano Aretes y anillo Fernando Rodriguez

Jarrones Showtime de Jaime Hayรณn para BD Barcelon Design @Addrede Credenza Forma T @Parada54 Silla Y de Tom Dixon @Studio Roca Lรกmpara Nesso de Giancarlo Mattioli de Artemide @B-lux

macrotendencias

Concepto creativo: Germán Velasco Arquitectos + Greta Arcila Producción: Germán Velasco Arquitectos + Glocal Design Magazine Equipo creativo: Carmina Cué, Chantal Fernández Arquitectura floral: Arlette Salas Fotógrafo: Tian Nait Estilista de moda: Jorge Maceo Maquillaje y pelo: JuanMa Constantino Modelos: Ana Luz y Gaspar @Prototyp3 Intervención visual: Ricardo Luévanos Locación: Republic of Fritz Hansen México Relaciones Públicas: Flavio Rivera - Elefant PR

Lámpara AIM de Ronan & Erwan Bouroullec para Flos @B-lux Biombo LOS de Héctor Esrawe Centro de mesa Fruit Tenants (House) de Rodrigo Red Sandoval @ Ángulo Cero Mesa Analog de Jaime Hayón para Republic of Fritz Hansen Silla Sphere de Boris Tbacoff @Parada54 Silla Sammen de Jaime Hayón para Republic of Fritz Hansen

Agradecemos a Republic of Fritz Hansen México por las facilidades otorgadas para realizar la toma fotográfica

Mobiliario Indoor & Outdoor collection Las modas pasan, los gustos evolucionan, los diseĂąos se renuevan... Nuestra calidad permanece.

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automotriz

SETSUNA | TOYOTA

La primera aparición de Toyota en la Semana del Diseño en Milán, Italia, fue a través de la presentación de Setsuna, un automóvil de concepto hecho principalmente con madera. Texto Ariadna Sanz Fotografía cortesía de Toyota

a madera es un material orgánico y duradero que tiende a modificarse con el paso del tiempo. La decisión de utilizar madera para su modelo Setsuna, alude a los esfuerzos de Toyota de darle forma a las relaciones entre las personas y sus vehículos. El prototipo simboliza la transformación gradual que experimentan los vehículos a través de los años y cómo reflejan las aspiraciones, los recuerdos y las emociones de sus usuarios. Cuando un vehículo se hereda a través de generaciones acumula valores emocionales, que sólo los miembros de la familia pueden apreciar. Esta es la noción principal que persigue el diseño del Setsuna, palabra que en japonés significa “momento”. El prototipo tiene 3.03 m de longitud, 1.48 m de ancho y una altura de tan sólo 97 cm. La distancia entre ejes es de 1.7 m, únicamente ofrece dos plazas para su ocupación y funciona con motor eléctrico. Kenji Tsuji, ingeniero de Toyota, supervisó su desarrollo y la selección de materiales, ya que se eligieron diferentes tipos de maderas japonesas.

Los paneles exteriores se cubrieron con cedro (en conjunto con Sumitomo Forestry Co., ltd.) y el bastidor se hizo en abedul. Para la estructura de ensamblaje se adoptó la técnica tradicional de carpintería okuriari, que no utiliza clavos ni tornillos. La línea de la carrocería de Setsuna traza una curva que remite a las embarcaciones. El arquitecto Naohiko Mitsui ideó el sitio para la presentación, donde acentúa la presencia del auto. La exposición inicia con una fachada construida con cedro envejecido, material que anuncia el futuro del prototipo. Una entrada angosta funciona como introducción al concepto del auto y se abre hacia la sala principal, denominada Spazio Eterno, alegoría al infinito del cielo azul, con una serie de espejos colocados de manera precisa que refleja puntos clave del prototipo e insinúan nuevas relaciones entre el auto y sus dueños, a través del tiempo y el espacio. www.toyota.com

techno

HPHP SPECTRE INC. HP Inc. convocó a dos importantes diseñadores de joyería para crear computadores de autor, basándose en su modelo Spectre, su laptop más delgada. Texto David Romero Fotografía cortesía de HP Inc.

ord Boontje y Jess Hannah presentaron dos notebooks de edición limitada que exaltan la exclusividad y el lujo, hechos con diamantes y oro de 18k. Los diseñadores partieron del modelo Spectre de 13,3” para crear sus versiones, trabajando en conjunto con los diseñadores de la marca, para conceptualizar y construir sus ideas. “Esta colaboración exhibe las posibilidades derivadas de unir la tecnología con el esplendor y el glamour, permitiendo que la PC se convierta en una expresión de estilo”, declaró Stacy Wolff, vicepresidente de diseño de sistemas personales en hp Inc. hp Spectre by J. Hannah está enchapada en oro pulido en las partes superior, posterior y en el teclado. El logotipo de hp está incrustado con diamantes, cada uno colocado cuidadosamente por un engastador de gemas, mientras que el botón de encendido está tapizado también con diamantes. En conjunto se percibe la filosofía del diseño minimalista del artista de las joyas radicado en Los Ángeles. Por su parte, el diseñador holandés Tord Boontje creó la hp Spectre by Tord Boontje que exhibe un patrón delicado, intricado y onírico en toda su estructura. El diseño combina distintos motivos florales, con animales delicados como el pavorreal y la mariposa, mediante detalles enchapados en oro que contrastan con cristales Swarovski incrustados sobre el fondo azul medianoche del computador. Únicamente se fabricaron dos dispositivos de cada diseño, que fueron subastados durante el Festival de Cannes en mayo pasado. Lo recaudado por cada uno de estos equipos exclusivos, fue destinado a la Fundación Nelson Mandela, organización sin fines de lucro, fundada por el propio Mandela en 1999, que centra su trabajo en la memoria y el diálogo, así como en la búsqueda de libertad e igualdad universal, que mantuvo el activista, político y filántropo sudafricano durante su vida.

www.hp.com 22

iluminación

GIORGIA ZANELLATO | LAMBERT & FILS

En una mirada a las últimas tendencias en iluminación, destacamos dos propuestas de los recientes festivales icff en Nueva York y el Salone del Mobile en Milán. Texto Ana María Galvis Fotografía cortesía de Giorgia Zanellato y Lambert & Fils Studio Quasar, Giorgia Zanellato

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Foto: Arseni Khamzin

Quasar, Giorgia Zanellato

G Foto: Arseni Khamzin

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iorgia Zanellato es una diseñadora independiente de gran trayectoria desde que, en 2009, se unió como asesora a Fabrica, el Centro de Investigación del grupo Benetton. En abril, presentó las luminarias “Quasar” en la Galería Luisa Delle Piane, una serie de piezas centradas en los sugestivos flujos cromáticos generados al experimentar con la difusión de la luz. Usando Plexiglás a manera de lienzo, Zanellato usa la tecnología led y sus posibilidades de control de intensidad y gradación del color para “pintar” con luz. Las fuentes lumínicas se funden con su entorno de forma inesperada y delicada, siguiendo su depurado lenguaje. Por su parte, el estudio canadiense Lambert & Fils presentó una elegante reinterpretación de la clásica luminaria colgante de globo con la colección Laurent. Esta luminaria, inspirada en la Bauhaus y el modernismo, explora el juego entre líneas y volúmenes a partir del diálogo entre la forma circular y el volumen esférico, por ello vincula las esferas de vidrio soplado opalescente, mediante soportes en materiales como: acrílico, aluminio pintado y latón. Este objeto abre sus posibilidades para habitar el espacio desde las formas puras del orbe, hasta composiciones más intrincadas que remiten al art déco y que maximizan su efecto en arreglos rítmicos dentro de espacios públicos.

www.lambertetfils.com 23

Di s eñoapl i c ado

Enc i noPol ar

mas i s a. c om c onex i on. ex pr es s @mas i s a. c om / 018008493335 Mas i s aMex i c o

@mas i s a_mx

mas i s ai ns pi r a

DI SPONI BLEENPLACACENTROMASI SAYPRI NCI PALESDI STRI BUI DORESDELPAÍ S.

CDMX

LETRAS INTERVENIDAS

MIGUEL DE LA TORRE Y JORGE CEJUDO

El Distrito Federal dejó de existir y letras gigantes inundaron la ciudad. La designación oficial de la capital del país ahora es “Ciudad de México” y por ello se ha creado una identidad gráfica reforzada con una campaña que incluye esculturas de las letras cdmx, a la manera de otras ciudades, como Ámsterdam en los Países Bajos. Texto Marisol Guerrero Fotografía Jorge Garrido

a idea central del proyecto, iniciativa de Grupo am, es replantear la identificación visual en otros formatos y dimensiones, con el propósito de acercar la nueva designación a los ciudadanos a través de la intervención plástica de Miguel de la Torre y Jorge Cejudo —alias “El Cejas”—, responsables del concepto creativo. Las intervenciones exploran la posibilidad de darle un enfoque social a las esculturas, haciendo de ellas, el pretexto para crear un espacio de encuentro, descanso y convivencia para los habitantes. Elevar el carácter de un logotipo a un sentido social, funcional y artístico, genera identidad y cercanía con los ciudadanos y sus visitantes. El proyecto se transforma en una ambientación armónica y funcional que se apropia de varios puntos estratégicos dentro de la Ciudad de México. Las intervenciones son una traducción de la propia ciudad: un ente

multicultural, social, cosmopolita, festivo e incluyente. La producción estuvo a cargo de Factor Eficiencia, bajo el liderazgo de Fermín Espinosa. Cada letra está forrada con fibra de vidrio pulida con cantos a 90 grados, con aplicación de pintura vinílica y acabado poliéster para exteriores. Su estructura interna cuenta con nervaduras de fibra de vidrio que dan soporte y resistencia a las piezas. Las medidas generales son 10.33 metros de ancho, 2.40 de altura y 1.20 de profundidad.

www.migueldelatorre.com www.elcejas.com www.factoreficiencia.com 25

THE PERFECT DENSITY diseño + empresa

B&B ITALIA + MIGLIORE+SERVETTO ARCHITECTS Para celebrar el 50 Aniversario de B&B Italia, los arquitectos Ico Migliore y Mara Servetto crearon una instalación que usa el concepto de densidad como punto de apoyo en su narrativa Texto Paula Torres Fotografía Andrea Martiradonna, cortesía de b&b Italia

a firma Migliore+Servetto Architects cuenta con una amplia experiencia en proyectos museográficos y de exhibición, concebidos como interfaces activas que combinan diseño con un uso expresivo de luz y nuevas tecnologías; por ello, fue invitada por la empresa b&b Italia para que creara The Perfect Density. El término densidad fue tomado por los arquitectos como una característica que identifica a B&B Italia, abarcando desde lo conceptual hasta lo material. La marca italiana cuenta con una sólida cantidad y calidad de ideas y proyectos, encaminados hacia el futuro a través de una línea continua de comunicación. En el espacio, ocho jaulas verticales de gran altura crean un tejido de bandas luminosas que aparentan movimiento, donde se proyectan imágenes y textos que trazan un sistema de alusiones y sugerencias sobre la historia de la marca. Este gran cerebro rodea al visitante con una muestra conformada por varias capas anecdóticas, ya que cada torre es temática y ofrece una narrativa diferente. Tres están dedicadas al producto, su tipología y detalle; dos, ubicadas al centro,

proyectan a las personas involucradas con la marca en pasado y presente. Las tres torres restantes plantean detalles de los procesos llevados a cabo por b&b Italia para crear, fabricar y posicionar sus productos. Una serie de pantallas, colocadas en las paredes laterales, revelan un vídeo con microrelatos, imágenes y personas que con el tiempo han ayudado a construir el legado de la marca, cuyos rostros y gestos se reflejan de manera infinita al fondo del salón, gracias a un sistema de espejos. La instalación, colocada en el Impluvium de La Triennale di Milano, materializa una síntesis narrativa de la marca, construida por las historias entrelazadas de personajes, productos y procesos. Se trata, además, de una representación simbólica del cerebro de la empresa que, a lo largo de los años, ha sido capaz de producir piezas únicas y convertirlas en verdaderos íconos del diseño italiano.

www.bebitalia.com www.architettimiglioreservetto.it

50 ANIVERSARIO

historia + diseño

KETTAL Ilustración Martín Pech

1966 1968 1970

La segunda generación de la familia toma la dirección de la empresa. Se incorpora la colección Maia de Patricia Urquiola, aportando una nueva manera de trenzar de modo tridimensional.

Empiezan a diseñar y fabricar sus propios muebles de aluminio en Bellvei, a 60 km de Barcelona.

2009

Traslada sus oficinas generales al centro de Barcelona, donde además expone sus propias fabricaciones.

Presentan su primera colección en cuerda, creada por su departamento de diseño Kettal Studio. Incorporan la colección de objetos diseñados por Emiliana Design Studio.

1974

Se crea la colección Bambú, primera colección en tubo de PVC soplado. Un nuevo concepto lounge para exterior.

1979 1994 1996 1999

2006

La empresa inicia actividades, importando en exclusiva muebles para exterior de la marca alemana Kettler. Se crea el primer almacén de muebles para jardín en Barcelona.

Lanzamiento de la colección Mimbre, trenzada a mano artesanalmente con cintas de vinilo.

2010 2012 2014

Introducen la colección Park Life, primera colaboración en mobiliario exterior de Jasper Morrison.

Lanzamiento de dos nuevas colecciones de Patricia Urquiola: Roll y Mesh. Kettal edita el sillón Basket, diseñado en 1950 por los daneses Nanna y Jørgen Ditzel.

2015

Introducen la primera colección de fibra artificial trenzada.

Presentan la colección Stampa, primera colaboración hecha con los diseñadores Ronan y Erwan Bouroullec, además de la colección textil Terrain, diseñada por el estudio Doshi Levien.

Empiezan a exportar sus productos al continente americano, creando Kettal KNA y abren su showroom en Miami, Florida.

Inician procesos para la personalización de sus productos. Abren la primera tienda de muebles para jardín en Barcelona.

Se incluyen diseños de Rodolfo Dordoni al catálogo. Presentan la segunda colaboración con Patricia Urquiola. Obtienen el Premio Nacional de Diseño.

2016

Celebran su 50 aniversario con diseños realizados por Ronan y Erwan Bouroullec, Jasper Morrison y Doshi Levien. www.kettal.com

local

HERMINIO MENCHACA HI PEROB JE TOS

Herminio Menchaca vive en Tlaquepaque, Jalisco, y es diseñador industrial por la Universidad de Guadalajara. Trabaja la neoartesanía, que integra técnicas tradicionales con diseño. Texto Itayedzin Aragón Fotografía cortesía de Herminio Menchaca

erminio nació en Veracruz y ha residido en diferentes lugares dentro y fuera del país, participó en un intercambio académico en Corea del Sur, desarrolló un proyecto de investigación sobre técnicas tradicionales de manufactura en India y realizó una estancia técnica en Japón, de la que se desdobla Hiperobjetos. La palabra “hiperobjetos” es utilizada por Herminio para describir la innovación como parte fundamental en la evolución de los productos artesanales. Es un valor agregado que logra prolongar la presencia de lo artesanal en lo utilitario y que demuestra la sinergia presente entre diseñador y artesano. Evocando las prácticas japonesas de pensar en

objetos con un propósito específico, eligiendo el material óptimo para su fabricación e involucrando la intervención del diseño, Herminio creó una línea llamada Monolitos y añadió las colecciones: Nipón, y 800°. Los productos que integran la línea se manufacturaron en colaboración con Fukui Yogyo Co., Ltd. y maestros artesanos especialistas para cada técnica. Mesas, lámparas y centros de mesa han sido realizados con materiales provenientes de Kioto, Fukui y Akita.

www.hiperobjetos.com

reseña de libro

ARQUITECTURA

PARA UN FUTURO SOSTENIBLE JACOBO KRAUEL, ED. LINKS, 2013 Texto Pamela Ruiz Imagen cortesía Links

mposible pasar por alto las transformaciones ambientales en el planeta. La preocupación por revertir el daño y conservar la armonía con el entorno está presente en muchos de los ámbitos del quehacer humano; la arquitectura es uno de ellos. La llamada arquitectura “sustentable” o “sostenible”, busca integrar el diseño arquitectónico con materiales y técnicas, tomando en cuenta factores sociales y urbanísticos, que minimicen el impacto ambiental de los proyectos. Existen muchas críticas en torno a esta tendencia, sobre todo porque pretende ser más “ecológica” de lo que realmente es, aun así no basta con sólo descartarla. Es importante conocerla. Jacobo Krauel, arquitecto y crítico que actualmente investiga el trabajo de Gaudí, presenta en Arquitectura para un futuro sostenible, algunas de las propuestas de los últimos años: la arquitectura en relación simbiótica con la naturaleza. A través de los trabajos de estudios ya reconocidos, así como de las nuevas propuestas de los jóvenes arquitectos, este libro muestra soluciones innovadoras para resolver los problemas de sustentabilidad. Este libro es una buena fuente de inspiración e información, no sólo para arquitectos, sino también para diseñadores, ingenieros, ambientalistas y todos aquellos interesados en encontrar nuevas formas de convivir, producir, diseñar y crear en armonía con el medio ambiente. www.linksbooks.net

trazos

E LY T R A F I L A M E N T P A V I L I O N Thomas Auer, Moritz Dörstelmann, Jan Knippers y Achim Menges

a ingeníeria es el héroe invisible del diseño. Así lo considera el v&a Museum en la exposición sobre ingeniería que presenta dentro del marco del London Design Festival. Ahí se destaca su importancia en nuestra vida diaria, así como el papel importante y vital que desempeña dentro de los roles creativos y la construcción. Elytra Filament Pavilion es una instalación desarrollada por el arquitecto experimental Achim Menges, Moritz Dörstelmann, y los ingenieros Jan Knippers y Thomas Auer. En él se explora el impacto que las tecnologías robóticas emergentes han tenido sobre el diseño arquitectónico y la ingeniería. El pabellón que estará colocado en el jardín del museo, está inspirado en los escarabajos voladores de la especie Elytra, y

será un dosel ondulante de fibras de carbono tejidas mediante un nuevo proceso de producción robótica. Estas se incrementarán durante su presencia en el v&a gracias a una serie de sensores que captarán en tiempo real el comportamiento estructural y los patrones de estancia del jardín. La construcción de Elytra Filament Pavilion se basa en desarrollos de Achim Menges, para su construcción será utilizado un robot producido por kuka, compañía alemana que fabrica robots industriales para diversas tareas dentro de la industria automotriz, metalmecánica, alimenticia y constructiva.

www.londondesignfestival.com

trazos

VISIONARY CRAZY GOLF Paul Smith

esde el año 2007, el London Design Festival invita a los mejores diseñadores y arquitectos del momento, tanto a los consagrados como a los emergentes, a crear instalaciones que respondan a un material, tema o locación. Dichas instalaciones son colocadas en espacios prominentes de Londres, como el v&a Museum, el Southbank Centre, el Tate Modern o el Trafalgar Square. Para la edición 2016, el London Design Festival lanzó una campaña en la plataforma virtual de financiamiento Kickstarter, con el proyecto Visionary Crazy Golf, a realizarse en el Trafalgar Square. La idea es construir hoyos de golf, diseñados por Tom Dixon, Zaha Hadid, Mark Wallinger, neon, Ordinary Architecture, Atelier Bow-Wow, Camille Walala, hat Projects + Tim Hunkin y Paul Smith. Este último participa como curador

y embajador del proyecto de intervenciones públicas, pero también de manera individual, con la propuesta de transformar los escalones de la National Gallery con una serie de franjas de diferentes colores, coronadas por una casa club de construcción neoclásica que tendrá eco en el museo, césped en su techo y palos de golf en sus columnas. Además de colorear el Trafalgar Square con arte pop y formas vanguardistas, las intervenciones proyectadas para este año tendrán una función más allá de la contemplación y la expresión de discursos creativos, le darán un giro lúdico al festival y estarán abiertas para que los visitantes jueguen en ellas.

www.londondesignfestival.com 31

trazos

BRICKELL CITY CENTRE Galante Real Estate

rickell City Centre es un proyecto pensado para el distrito financiero Brickell, en Miami, Florida. Actualmente, es el único plan de uso mixto que está en construcción en esta zona. El desarrollo contará con áreas corporativas, dos condominios verticales con 390 unidades cada uno, una torre de 89 apartamentos equipados para renta, 263 habitaciones de hotel, zonas comerciales y de entretenimiento que, en conjunto, suman 501,676 m2 de construcción, sin tomar en cuenta el estacionamiento subterráneo de dos niveles con 2,600 plazas. El complejo contará con el Climate Ribbon , que es una característica arquitectónica que se destaca por proporcionar un control ambiental innovador y permitir que los habitantes caminen

inmersos en un clima agradable. El desarrollo también cuenta con una plataforma de equipamiento expansiva que aloja jardines tropicales, parrillas, áreas al aire libre para actividades físicas, áreas infantiles, piscinas y jacuzzis, biblioteca, gimnasio, spa, centro de negocios y otros servicios. Gracias a su ubicación, facilitará a los usuarios transitar y tener acceso a los principales medios de transporte locales, como el servicio de tren eléctrico Metromover; además de una incorporación sencilla a la vía Interestatal 95.

www.brickellcitycentre.com

trazos

METROPICA yoo Design Studio

etropica será un complejo residencial ubicado en Miami, Florida. Promete ofrecer una visión hacia el futuro a través de servicios de alta calidad y tecnología habitacional. El diseño de interiores corrió a cargo de yoo Design Studio, quienes partieron de la idea de una arquitectura de formas fuertes con estilo moderno y urbano. El conjunto está conformado por 263 residencias de lujo, que cuentan con uno a tres dormitorios, además de diversas zonas comunes como: piscina, salas de terapia y masaje, gimnasio, dos pistas de tenis, zona al aire libre para clases de yoga, áreas de juegos infantiles, entre otras. Éstas lucirán a base de un

tono gris pálido, una paleta de blancos y detalles metálicos que contrastarán con un toque de color diferente para cada zona. Las residencias contarán con increíbles vistas a las marismas naturales de Florida, con una amplia terraza con barandas de vidrio y aluminio, además de equipamiento tecnológico para el control residencial. El área total es de 371, 612.16 m2, e incluye un conjunto de torres que servirán como punto comercial, donde habrá tiendas y restaurantes.

www.livemetropica.com 33

showroom

PIACERE

Carlos Trujillo nos abrió las puertas del espacio de exhibición de Piacere, una de las empresas mejor consolidadas e íntegras de mobiliario habitacional de diseño europeo en México, donde es socio y director operativo y nos explicó cómo llegaron a Reforma 625. Texto Itayedzin Aragón Fotografía José Margaleff

a historia de Piacere nace en 1994. Francisco Acuña y Carlos Trujillo comenzaron a importar y comercializar cocinas de la marca italiana Arclinea, una de las mejores firmas, especializadas en el hogar, a nivel mundial. Con el tiempo, diversificaron su oferta hacia otros espacios de la casa, como baños y vestidores. En ese tiempo no había oferta de diseño para cocinas en nuestro país, que tuviera alta calidad y funcionalidad. Hoy en día, Piacere cuenta con un amplio catálogo de marcas europeas. Además de conservar la representación de Arclinea, han integrado a: Agape, Poliform, Varenna, cor, Interlübke, Gandia Blasco, Kettal, Lapalma, Antoniolupi, Cassina, Nanimarquina, Brokis y Umbrosa. Piacere no sólo importa las marcas a México; además, realiza una selección específica para sus clientes; eligen productos afines con las necesidades locales y las tendencias globales; colores, texturas y materiales adecuados para nuestro país, su arquitectura y su clima. Ofrecen también un servicio donde se guía al cliente antes, durante y después de cada proyecto, ya que cuentan con un equipo de arquitectos y diseñadores industriales.

Inicialmente, ofrecían sus productos por catálogo. Después tuvieron algunos salones de exhibición en Polanco de formatos diversos. Hoy por hoy, cuentan con un par de inmuebles en Paseo de la Reforma, que de manera amigable reciben a sus clientes con auténticos espacios habitables, mostrando sus productos en habitaciones, cuartos de baño, vestidores y por supuesto, cocinas que funcionan al 100% y favorecen la percepción espacial de cada ambiente. Ambos inmuebles, uno de carácter moderno y el otro más clásico, contienen propuestas integrales creadas de la mano con la arquitecta y diseñadora de interiores, Lorena Vieyra, que cambian de manera periódica para mostrar espacios vigentes. Por fortuna, hoy el diseño mexicano cuenta con una gran calidad propositiva y estética; por ello, Piacere, aunque representa a 14 exclusivas marcas europeas, se encuentra en negociaciones para incluir el trabajo de diseñadores locales a su inventario y ampliar la diversidad de su oferta.

www.piaceremexico.com

host

MANOLO Y VENANCIO MIGUEL DE LA TORRE

En la Ciudad de México se han abierto nuevos espacios gastronómicos, como Casa Quimera, en el corazón de la colonia Roma, que incluye dentro de su oferta al restaurante de comida española Manolo y Venancio. Texto Baltazar Baños Fotografía Jorge B. Garrido

host

asa Quimera está ubicada en una casona de principios del siglo xx. En sus instalaciones aloja una galería, además de una serie de restaurantes, de donde extraemos Manolo y Venancio, que apenas ocupa un par de habitaciones para recibir a sus comensales. El despacho de Miguel de la Torre recibió la encomienda de adaptar este espacio. Las primeras restricciones correspondieron al uso de suelo, como galería, y a la protección histórica de la casa, ya que se encuentra catalogada. Por tal motivo, se plantearon diversas acciones para conservar y enaltecer el diseño interior del inmueble. El espacio de Manolo y Venancio fue forrado por espejos negros en todos sus muros, para dar la sensación de amplitud y mantener la discreción visual. El mobiliario de diseño clásico y funcional mantiene la apariencia natural y sobria de la madera, acentuando la carpintería original de la casa. Se creó un plafón virtual con luminarias colocadas a 3.25 m de altura, dejando el plafón existente en color negro. Para respetar la normatividad de uso de suelo, se incorporó una instalación de arte en los muros, conformada por 365 cochinitos de cerámica monocromática, ya sean blancos o negros, los cerditos son el factor que otorga identidad al restaurante. El objetivo de la instalación es crear un impacto visual en el usuario. www.migueldelatorre.com

ARQUITECTURA EN MOVIMIENTO WORKSHOP El hambre por diseñar espacios Glocal Design Magazine se reunió con Eduardo Micha y Fabio Correa, de Arquitectura en Movimiento Workshop, despacho con vocaciones múltiples que en sus 20 años de existencia, no ha parado de diseñar espacios. Entrevista Greta Arcila Texto Rogelio Flores Retrato Gabriel González Fotografías de proyecto cortesía Arquitectura en Movimiento Workshop

n la plática sobre cómo comenzar un despacho de arquitectura se preguntó si había interesados. Era 1996. Sólo tres de los alumnos presentes levantaron la mano: Eduardo Micha, Fabio Correa y Ernesto Terán. Así comenzó la aventura. El primer paso fue abrir una pequeña oficina. El escritorio que debían compartir les obligó a trabajar hombro a hombro, a tomar cada decisión en equipo, tal como lo habían hecho en la Universidad Anáhuac y lo harían en el futuro. Veinte años después, alrededor de un conjunto de mesas de trabajo, Micha y Correa –ya sin Terán, quien radica en su natal Panamá–, analizan los proyectos que llegan a sus manos, con un equipo de trabajo donde todos son engranajes fundamentales. Nada ha cambiado, Arquitectura en Movimiento Workshop, antes que nada, es un taller. Siempre lo ha sido. En 1994, Eduardo trabajaba en una tienda de muebles de diseño importados de Italia (se llamaba Interiorismo, por cierto), que cerró al poco tiempo, debido a la devaluación de esos años. Sin embargo, aquel negocio dejó en él algunos clientes, quienes fueron los primeros en contratar sus servicios ya con el despacho en funciones.

Para 1998, hicieron su primera casa. Su deseo por ser innovadores y experimentar les llevó a replantear el pedido del cliente, a cambiarlo en todos los aspectos. “Nos habían pedido una casa mexicana –cuenta Fabio–, y una semana antes de entregar el proyecto, pensamos: esto no es lo que queremos. Así, volvimos a trazar algo que nos hacía mucho más sentido, algo más libre, de trazo más orgánico”. Lo hicieron desde cero, corriendo riesgos. Y justo ese riesgo, esa búsqueda por lo orgánico y sus formas vivas, fue lo que los llevó a nombrarse como Arquitectura en Movimiento Workshop. No han parado desde entonces, pero sí han diversificado su trabajo, realizando proyectos de arquitectura, mobiliario, diseño, interiorismo, arte urbano, desarrollo y construcción inmobiliaria, todo a un ritmo vertiginoso. Siempre en movimiento, siempre mutando. Hoy día, cuentan más de 200 proyectos, cuya particularidad es no tener características principales. En sus dos décadas como despacho y taller, Arquitectura en Movimiento ha decidido no tener un estilo definido. Lo único que reconocen como constante en su trabajo es el hambre por diseñar espacios, el no estar quietos. No paran, ni quieren hacerlo. No pueden.

Foto: Rafael Gamo

Casa LPZ, Ciudad de MÃ©xico

enfoque

Fender Custom Shop, Ciudad de México

Arquitectura en Movimiento Workshop no tiene un estilo. “Nuestros proyectos siempre son diferentes. No hay una marca, un patrón o modelo. Hay geometría y vértigo”. NO TENEMOS UN ESTILO

EL AGUA BRINCA Y SALPICA

Arquitectura en Movimiento Workshop se desenvuelve en el medio con discreción, manejando un bajo perfil. Se conoce más a la firma que a sus miembros. Se conoce más la obra que al autor, porque no hay autor. No por lo menos con un nombre y un apellido en busca de gloria. No hay en su trabajo culto a la personalidad. “Cuando nos asociamos Ernesto, Fabio y yo –comenta Eduardo–, pensamos en Arquitectura en Movimiento, no en Micha, Correa o Terán, siempre fue un colectivo”. Gabriel Merino se sumó al equipo en 2006. “El día que los conocí me platicaron más de arquitectura y de las ideas, que de ellos y de dónde tenían proyectos o clientes. En Arquitectura en Movimiento Workshop, la arquitectura siempre va al frente, los conceptos e ideas van al frente, esta es la forma de ser del despacho”. En sus trabajos recientes se percibe la contraposición de elementos como un tema. Y si bien eso parece intencional, al punto de percibirse como una búsqueda, ellos piensan distinto. No lo ven, de hecho, como algo premeditado. Incluso afirman tajantes: nosotros no tenemos un estilo, nuestros proyectos siempre son diferentes. Y así es. No hay una marca, un patrón o modelo. Hay movimiento, geometría y vértigo. Mucho.

Para Arquitectura en Movimiento Workshop, el trabajo constante va decantando las intenciones de su apuesta arquitectónica. A todos sus miembros les gusta aprender, y lo recibido, lo consideran parte de un ciclo. Recientemente, el taller ha buscado generar espacios para las personas que no son los usuarios principales, sin temor a cruzar los límites. Además de cumplir con sus proyectos, les atrae la idea de que estos cobren vida y se derramen, por decirlo de alguna manera. Lo anterior, busca fortalecer los entornos inmediatos. Lo comunitario, lo local, el barrio mismo. En sintonía con la tendencia global de construir pequeños núcleos en las ciudades, que mejoren las relaciones humanas y empoderen la integración social, Eduardo Micha se refiere al edificio que diseñaron en Benjamín Hill y su zona exterior. “Efectivamente esa parte es para darle a la ciudad, si se hubiera quedado en el interior sería un espacio muerto. No costaba nada diseñar hacia fuera. Hoy, el resultado es que siempre que caminas por ahí, hay alguien echando novio, o personas sentadas leyendo un libro. Hemos visto, incluso, policías comiéndose su torta. Pasan todo tipo de cosas allá afuera”. La vida misma, por poner el ejemplo superlativo. 41

Gabriel lo resume con una metáfora: “es justo como cuando estás alrededor de una fuente. El agua brinca y salpica y, con la brisa, te refrescas, la fuente te está salpicando. Esa es la idea. Jugamos con los elementos. No tienen que ser cien por ciento físicos. Diseñando espacios, podemos generar y ‘salpicar ciudad’ con otras cosas”. Fabio abunda: “hay un discurso arquitectónico excluyente, es el de las jardineras con forma de pico, que buscan que nadie se siente, o que nadie entre y pise el pasto. Lo que nosotros buscamos es lo contrario a esto. En el edificio de Colima, por ejemplo, hicimos un lugar donde cualquiera que venga caminando se pueda sentar o pueda entrar si está lloviendo. Esta área tiene jardín, una banca, buena luz e internet libre. Y te puedes sentar ahí si estás cansado, como si fuera un oasis pequeñito. Si pasas en este momento, encontrarás gente sentada o niños jugando”.

HAMBRE DE DISEÑO Conforme se conoce su historia, así como su filosofía de trabajo, queda claro que en efecto, el movimiento es una de sus principales constantes. Deliberadamente, no se comprometen con estilo alguno. Ni siquiera con un área de especialidad. Abrazaron desde su inicio, el diseño de interiores. Pero también proyectan, construyen y desarrollan. Son arquitectos, aman su trabajo y se les nota en seguida. Sus gestos lo dicen, su lenguaje corporal también. Ante la pregunta de qué es lo que más disfrutan hacer; si interiores o arquitectura, Fabio responde sin chistar: “a mí me gustan las dos cosas. En lo personal, cuando diseño un edificio o una casa, me imagino los interiores instantáneamente”. “Para mí lo más divertido es un nuevo reto, que te pidan algo distinto”, añade Eduardo. 42

Foto: Rafael Gamo

Just be, Ciudad de México

Foto Rafael Gamo

Departamento Hegel, Ciudad de México

Gabriel interviene también, entusiasmado: “un denominador de todo el colectivo, es esta hambre por diseñar, por solucionar. Sí, está muy claro que hay una línea entre arte urbano, planner, arquitectura, e interiorismo; pero cada reto nos emociona. Esta hambre de diseño nunca la contenemos. Yo creo que por eso nos abrimos a cualquier propuesta”. De ahí la variedad de sus proyectos, lo distinto entre unos y otros, lo diferente de sus alcances y sus múltiples rostros. Arquitectura en Movimiento Workshop, lo mismo maquina bodegas que edificios, restaurantes, tiendas pequeñas o centros comerciales ambiciosos; un tipo de tabique en especial, uniformes, sillones, cines de lujo; lo mismo hacen minimalismo, que atmósferas cargadas y excesivas. No hay riesgo que les intimide, son voraces.

ARMONÍA ESPECTACULAR En la zona de Bombay, India, existe un proyecto que ha dado la vuelta al mundo en los medios especializados en arquitectura e interiores: el departamento sdm, superficie de dos pisos y más de 500 m2 que pertenece a un proyecto privado, elaborado para una familia. Ese es uno de sus proyectos más conocidos, debido a una singular escalera de roble de diseño orgánico y conceptual, que es espectacular a la vez que armónica. Con honestidad, los miembros del despacho reconocen que dicha escalera es más famosa que ellos. No exageran. “A nosotros nunca nos pasó por la mente que un objeto simple como la escalera iba a ser algo que se iba publicar en todos lados”, asegura Eduardo. Pero el departamento sdm no es sólo esta escalera, hay en su concepción, un tratamiento del espacio prácticamente personalizado, que integra un diseño vanguardista con las tradiciones de la familia que lo habita.

Foto: Bharath Ramamrutham

enfoque

Departamento sdm, Bombay

Sala de última espera Master Card, Ciudad de México

Foto: Rafael Gamo

enfoque

El flujo natural del funcionamiento y los círculos que identifican a Master Card se replican en cuerpos volumétricos, plafones, acabados y mobiliario en la sala de espera de la marca en el Aeropuerto Internacional de la Ciudad de México. 44

enfoque

Lo anterior está relacionado con una de las metas que Arquitectura en Movimiento Workshop se trazó desde el inicio: diseñar fuera de México, y que tiene que ver con sus constantes ya mencionadas; el hambre de diseño y el movimiento, el no estilo como método. Nueva York y Bombay son dos de las ciudades donde han llevado sus ideas, por poner dos ejemplos, convencidos de lo universal de la arquitectura y de su pasión por aprender. “Yo creo –señala Eduardo–, que no debería haber fronteras ya en nada, mucho menos en la arquitectura. Deberíamos de romper más fronteras. Hay que ser cada vez más incluyentes, cada vez más globales”.

DESARROLLOS, EL DISEÑO VENDE Eduardo es el hombre de los números. Y también en esa parte es creativo, lúdico, inquieto. Consciente de que no siempre hay clientes con proyectos mente, y en la búsqueda de tener siempre trabajo, pensó que además de lo que ya hacían, podían ser desarrolladores. Ese fue su primer motor, así se diversificaron también en esta área, igualmente con éxito. “Empezamos con desarrollos, yo creo hace once años, los primeros dos edificios fueron Bolívar y Calle 47. El diseño vende, los desarrollos que hemos hecho siempre están cargados en gran parte de diseño, de concepto, de ideas nuevas. Pero, lo más importante es siempre dar un rendimiento, el mejor que se pueda. Los inversionistas son gente que, antes que nada, confían en nosotros y buscamos

darles el mayor rendimiento posible”. Los inversionistas que trabajan con Arquitectura en Movimiento Workshop lo han hecho de manera constante. No sólo por lo financiero. Además de recuperar su inversión y obtener rendimiento, les gusta ser parte de los proyectos. “Son dos cosas –señala Fabio–, ellos quieren que les demos un buen negocio y nosotros queremos hacer arquitectura”. Así sucede. Ambas partes quedan satisfechas. Pero aún con esa satisfacción, el deseo por hacer arquitectura permanece. Su hambre por diseñar no ha sido saciada. Ni lo será nunca. A veinte años de su fundación, y después de 200 proyectos de toda índole, Arquitectura en Movimiento Workshop conserva el entusiasmo de aquella plática en la que se preguntó si había interesados en comenzar un despacho. Eduardo Micha, Fabio Correa y Gabriel Merino, siguen siendo los primeros en levantar la mano, contagiando ese entusiasmo a sus becarios y colaboradores más jóvenes, a sus socios, a sus clientes, a sus amigos. Aún hay cosas por hacer, proyectos para concursar, desarrollos que levantar de la nada. “Al final –concluye Fabio, mientras sonríe con gesto casi infantil– hacemos lo que nos gusta. Yo todavía hoy me levanto diario, emocionado para ir a trabajar. Todavía”. Le creemos, por supuesto.

www.arqmov.com

Museo del Internet, Londres

entrevista

ANISH KAPOOR L A CO N T R OV E R S I A D E M AR AV IL L AR CO N L A FO RMA El escultor visitó la Ciudad de México para la apertura de su exposición "Arqueología: Biología" en el Museo Universitario Arte Contemporáneo, obra del arquitecto Teodoro González de León, donde se logra entablar una buena relación entre la obra artística y la arquitectura. Entrevista Greta Arcila Retrato y fotografías Gabriel González

entrevista

Mi patria roja — My Red Homeland, 2003

nish Kappor crea sus obras con la visión de un arquitecto, donde experimentarlas va más allá de sólo observarlas; están hechas para ser vividas y, como la vida misma, Kapoor sabe que van a dar de qué hablar y serán generadores de discusiones acerca de su razón, su forma y su validez como piezas de arte. Cuando Glocal tuvo la oportunidad de escucharlo, el escultor nos recordó su exhibición en los jardines de Versailles en 2015. “Fue un poco controvertida. A una pieza en particular, un grupo de periodistas, se le ocurrió bautizarla como ‘la vagina de la reina’, de manera curiosa —que hubiese logrado que el Sr. Freud hiciera su agosto aquellos días— en cuanto lo convirtieron en un objeto sexual… y no es un objeto sexual… es como si pusiera este vaso de lado y lo mostrara, ¡no tiene nada de sexual! pero bueno, en cuanto se le sexualizó y el nombre hacía referencia a una parte de la anatomía femenina, parece que apareció una necesidad de externar y verter odio en la pieza. Creo que eso fue un fenómeno social y público muy interesante, muy francés, sobre todo porque si consideramos esto como un suceso francés y entendemos lo francés como algo relacionado con una sexualidad liberada, pensaríamos que Francia en realidad es muy liberal… pero la realidad es que no lo es. Es muy conservadora, en especial en Versailles. Del tipo de derecha ultra conservadora, totalmente opuesta a lo progresista. Pues bien, la primera vez que la vandalizaron con grafiti, decidí removerlo justo como pasa en esas situaciones. “Entonces sucedió una segunda vez, esta vez con mensajes muy violentos y de naturaleza antisemita. Esa vez decidí dejarlo ahí y en ese momento fue cuando las autoridades francesas, muy en su papel, decidieron que era

hora de intervenir y me llevaron a mí ante el tribunal, acusándome de ser yo quien estaba mostrando mensajes antisemitas. Muy interesante, de hecho, porque fue una inversión completa de lo que en realidad pasó y se me transformó de víctima a culpable. Así que me ordenaron remover el grafiti y yo me negué de inmediato pues, para ese momento, ya era una batalla que ellos volvieron personal y decidí que la única manera de darla era dando un respuesta artística. Así que cubrí parte de las letras con hoja de oro porque, por supuesto, Versailles es sinónimo de opulencia. Al terminar aquello, me asaltó la pregunta de cuál era la obra. ¿La estructura original o las letras cubiertas por hoja de oro? Justo en una época cuando vemos a tanta gente desplazada y lugares majestuosos de las culturas ancestrales del Medio Oriente que están siendo destruidos… en un momento en el que vivimos un terrible conservadurismo cultural… yo estoy convencido de que es muy importante hacer esta demostración a partir de la acción. “Mi respuesta es que es válido tocar temas controvertidos, habida cuenta de no autocensurarnos y nos coloquemos en una posición en la que no nos sea posible decir lo que se necesita expresar. Hay que tener muy presente que el mercado es la otra parte de la ecuación del arte y que el mercado es una entidad tiránica que dicta y valida, pero para el artista que quiere tratar un tema concreto, si todo está en venta, ¿cómo es algo que puede ser controvertido? Así que para mí, el artista debe mantenerse ligeramente fuera del influjo del mercado. Eso es difícil, para todos nosotros. Como ciudadanos, como artistas, como personajes públicos… es muy difícil mantenernos fuera del influjo, pero creo importante que lo hagamos de alguna manera”. 47

entrevista

Mollis, 2003. Arqueología y biología — Archaeology and Biology, 2007

entrevista

Una de las cualidades que más admiramos de su trabajo es su capacidad de hacer a los espectadores regresar a ver sus obras varias veces. Se lo dijimos y le preguntamos sobre lo que él esperaba de los espectadores, Kapoor nos respondió directo: “Para mí es importante que las personas vayan a los museos y se pregunten ‘¿qué estoy viendo?, ¿por qué esto es arte?, ¿es interesante?’, yo pienso que ésas son muy buenas preguntas porque nos llevan a analizar el valor de la cultura, el valor de la experiencia estética. Nos llevan a cuestionarnos por qué es tan complejo o por qué tiene tantas palabras… mi aventura personal, si lo podemos llamar así, en esto es que me interesa saber cómo es que el individuo experimenta un objeto y donde el acto de observar no se centra en una narrativa convencional hecha con palabras. Me gusta ver la reacción ante la pieza, ver cómo se expresa o concibe la relación entre el material y el significado. Mi interés es la respuesta individual y dónde se asemejan y en dónde divergen. Eso me nutre y, a su vez, me llena de nuevas preguntas que se vuelven piezas que generarán nuevas respuestas. Esa es la maravilla de la forma”. Hablamos sobre las cualidades de los espejos y lo que éstos transmiten al espectador, y categórico nos respondió: “Los espejos son objetos muy complejos. Durante muchos años realicé formas cóncavas muy oscuras. Creaban espacios ‘llenos’ de oscuridad. Los espejos cóncavos con los que he trabajado están llenos, de la misma forma, de esa cualidad especular; ahí es donde surge lo más interesante: el reto a mirarse deforme o quizás inconcluso; el espectador cuando ve otra imagen de sí mismo se cuestiona, y es cuando el arte ya está cumpliendo su función. Yo busco el no-objeto. En los espejos me interesa su calidad de material no objetual”. Kapoor suele hacer estudios sobre la percepción de la escala para cada una de sus obras. Tanto el efecto físico como el psicológico, al respecto le

preguntamos sobre la "escultura mental" a la que ha referido en diversas ocasiones. Y afirmó: “La escala lo es todo en escultura. No temo hacer piezas grandes pues la enormidad es una de las herramientas de la escultura. Citando a Barnett Newman, la escala es cuestión de contenido, no de tamaño. Por eso, es importante tener en cuenta el significado y el sentido de una pieza que nos seduce con su poesía. Como creo profundamente en la idea del no-objeto, puedo concebir una obra que exista sólo en la imaginación”. Le pedimos que nos contara como es un día regular en su estudio y su proceso de trabajo. Nos respondió que es como cualquier persona, su jornada es con un horario y rutina normal. “Llego muy temprano a mi taller, a las ocho quizá. Me preparo un café y leo un poco. Al poco tiempo llega mi equipo y comenzamos a ver los pendientes del día. Las obras, los materiales con los que trabajar. Es un espacio muy grande pues sólo así puedo apreciar la escala y la forma en que resulta la pieza. Salgo a las cinco a caminar, a ver la ciudad ya que me interesa observar qué sucede afuera; encuentro siempre mucho que admirar en la humanidad y en las ciudades”. Con motivo de la exposición, el muac desarrolló una aplicación digital para apreciar la muestra a través de una experiencia de realidad virtual, preguntamos el camino del arte con estas herramientas, a lo que respondió: “Sí sirve para maximizar la experiencia del ser humano, es maravilloso, pero yo iría con cautela, pues no estoy tan seguro de que realmente los sentidos estén alerta en su totalidad”.

www.anishkapoor.com www.muac.unam.mx

Esquina dorada — Gold Corner, 2014

entrevista

ROSSANA ORLANDI E S P E R AN DO ENCO N TRA R EL TA LE NTO Y ACERTA N D O S I EMPRE

Con una trayectoria de más de 30 años, Rossana Orlandi ha contribuido a la industria del diseño a partir de nuevos talentos. Año con año trae el talento y la innovación dignos de ser notados, en esta edición del Salone sigue asombrando con sus descubrimientos más recientes.

Entrevista Greta Arcila Retrato Carla Hdz. Vadillo (edición) 50

entrevista

l trabajo de Rossana Orlandi va más allá de Spazio, la antigua fábrica que se encargó de convertir en la galería más afamada para la industria del diseño europeo. Mujer de mucho trabajo y enormes responsabilidades, Rossana Orlandi siempre está ocupada en cualquier lugar a donde vaya. No obstante, aunque sus actividades con creadores, empresarios y medios ocupan su agenda, ella se tomó el tiempo de sentarse para conversar con Glocal de la manera en que hace su selección y dónde busca al talento merecedor de ser exhibido y compartido. Ella, rápidamente entró en materia y deja en claro que ser parte de las muchas exhibiciones de Spazio Rossana Orlandi no es lograr la mejor plataforma posible, sino la confirmación inequívoca de la consagración de los creadores gracias a su talento y esfuerzo, y la declaración de Orlandi acerca de que el resto del mundo haría bien en ponerle atención y seguir de cerca el trabajo de estos individuos. “No tenemos lugares específicos. Vamos a muchos, muchísimos eventos grandes y exhibiciones pequeñas. Vamos a ver qué se nos comparte en ellos y, en demasiadas ocasiones, no encontramos a alguien que cumpla con nuestras ideas y nuestros criterios de selección. No tengo espacios o corrientes u orígenes preferidos. Dejo que el talento hable por sí solo. Nosotros encontramos talento donde sea. Así sucedió con Orlando Academia hace muchos años y aún seguimos trabajando con ellos. Pero no es un lugar único, aunque claro que existen los eventos donde es más probable que se dé la conjunción de potencial y talento. Sin embargo, hemos visto y promovido creadores estadounidenses, coreanos, africanos, sudafricanos… hay que admitir que tenemos diseñadores de todas las partes del mundo”. Dada la importancia y trayectoria de Rossana y cómo creció más rápido a partir de 2002, año en que abrió su galería Spazio, le preguntamos cómo le era posible prestar atención a lo que sucedía en el mundo del diseño y dónde se encontraban las mejores propuestas o las más interesantes en estos momentos. Ella nos respondió categórica: “No existe un único grupo o semillero del que se obtenga ‘lo mejor’, pero si me pides que diga dónde está el pulso actual y las propuestas más interesantes de diseño en este momento, debo decir que está en Italia y miren que durante muchos años, no encontramos a ningún diseñador que

pudiésemos exhibir. No había uno que demandara nuestra atención. No obstante, ahora para nuestra muestra en el Salone del Mobile 2016 que llamamos ‘Up in the Sky’, nos topamos con un número considerable de creadores que tienen propuestas interesantes y eso es lo que se puede ver en la sala que curamos este año. Es el primer año en el que tenemos más propuestas italianas que de otros países. Puedo decir, sin temor a exagerar, que ha habido un ‘boom’ en el panorama del diseño en Italia y eso es algo bueno. No es competencia absurda, sino una verdadera intención de proponer e innovar con sentido de lo funcional y lo estético. Es algo que nutre el panorama nacional y se refleja en una especie de ‘oleada’ creativa donde los talentosos ofrecen más cosas y se notan más por ser muchos y muy interesantes. Es lo que trajimos aquí para esta edición del Salone”. Respecto a su experiencia con el desarrollo del evento, quisimos saber si pensaba que sus objetivos quedaron cumplidos y si las propuestas que habían elegido ya estaban generando el interés de firmas importantes. “Este año, me da gusto decir que ahora tenemos muchos italianos más trabajando para la galería. Eso habla de un crecimiento y sólo puede traer beneficios. Luego, nacionalidades a parte, nos dedicamos a acercar a empresarios con diseñadores jóvenes para promover colaboraciones y ver cómo nacen proyectos. Es importante mencionar que a nosotros no nos llaman pidiendo a alguien, nosotros proponemos una colaboración porque creemos que ambas partes son las adecuadas para trabajar en conjunto. Siempre hemos operado así; nos gusta ver cómo exhibimos una pieza y luego del acercamiento, ésta se produce y llega a manos del público. No tiene sentido señalar el talento sin generar nuevas oportunidades y presentarle nuevos retos. Por eso, cuando tenemos un talento que creemos que es el idóneo para cierto tipo de proyecto, nosotros llamamos a la empresa que consideramos la adecuada y sólo sugerimos. No nos piden gente. Nosotros no hacemos eso. Nuestro papel es sugerir una manera interesante de conjuntar talento con recursos. Nuestro trabajo no va más allá de ser quienes exhiben las piezas y reconocen el talento de quienes las crean, diciéndole al mundo que aquí tenemos algo digno de su atención. Sólo eso”. www.rossanaorlandi.com

Spazio Rossana Orlandi 51

RON ARAD

CUA N D O L A CREATI VI DA D E S U N JU EGO EN L AS PERI FERI AS Ron Arad estudió en la Academia de Arte de Jerusalén y más tarde en la Architectural Association School of Architecture, de Londres. En 1981 cofundó su primera empresa y, desde entonces, no ha parado de reinventar su imagen como empresario y productor de proyectos tan variados como las formas de sus obras. Entrevista Greta Arcila Retrato cortesía Mark Cocksedge

ace menos de un mes, dentro del Salone 2016 en Milán, tuvimos la suerte de platicar con Ron Arad, quien luego de una de las agotadoras jornadas del evento, se sentó con nosotros para conversar de su larga carrera y sus ideas más frecuentes, presentadas de maneras muy distintas. “Cuando me dicen que yo comencé como artista y después me convertí en arquitecto, siempre hago la aclaración de que no se trata de dejar de ser una cosa para convertirte en otra. Vamos, independientemente de lo que estudié primero y lo que vino después, yo hago arquitectura y hago arte y hago diseño, y también juego ping-pong. Un nuevo panorama no niega o borra el anterior. Una cosa no contradice la otra. Es cierto, al mundo le gustaría ponerte en un compartimiento específico; los periodistas escribiendo sobre arquitectura no quieren hablar de arte o diseño, pero… 52

¿a quién le importa? Se trata del creador, de su creatividad y esta no está compartimentada. Digamos que, la obra es parte integral de todo lo que forma al creador”. A Ron le encanta la forma y experimenta con ella, por eso quisimos saber de qué manera se preparaba para realizar un proyecto y qué tanto de su experiencia personal en Israel se reflejaba en lo que hacía. “Bueno, yo pasé mi niñez en Tel Aviv y después mi juventud se desarrolló en Londres, que es una ciudad de la que universalmente se tiene un imagen muy específica por la literatura, el cine, el teatro y… nunca es exactamente igual a como la imaginaste a partir de esas descripciones. Es una ciudad que construyes con tus experiencias y eso te lleva a descubrirla de nuevo… justo como un proceso artístico, o un proyecto arquitectónico o el desarrollo de un diseño. Cada vez que llegas ‘ahí’, comienzas a

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descubrirlo de nuevo por ti mismo. Como yo en Londres, esa es la metáfora que me gusta emplear, llegas como un extranjero y tiene sus ventajas ser el forastero, pues comienzas a descubrir los espacios y rincones que construyen esa, la que ahora será tu ciudad a partir de lo que observas, experimentas y le aportas. Estar en esa situación te libera de compromisos y, entonces puedes hacer las cosas a tu estilo. También sucede que me dicen que la creatividad en mi familia era una cosa especial, pero yo no lo veo así. Así es la vida, llena de conversaciones y estas llenas de ideas que forman cadenas que se convierten en proyectos. Eso no tiene algo que sea especial, pero visto desde el exterior, sí debo admitir que tuve una niñez privilegiada porque se me permitió nutrirme de estas ideas y ponerlas en práctica. Eso incluso me dio la oportunidad de participar en la creación del primer museo de diseño de Israel y en ese proceso me topé con algo que ya intuía, pero no había experimentado directamente: muchas veces en la periferia te encuentras con una energía que existe en las zonas centrales. Las cosas se magnifican en su importancia a medida que te alejas del centro donde todos quieren converger. Por ejemplo, en Polonia existen personas que saben más de mi trabajo de lo que yo mismo sé y, justo ahora camino por Milán y lo veo lleno de diseñadores que no se presentan en el Salone, pero

Matrizia para Moroso

Gilder Sofa para Moroso

Spring Collection para Moroso

Misfits para Moroso

que están llenos de energía, llenos de creatividad y propuestas interesantes. Todo es muy intenso, muy fresco… vivo. Así, el proceso no se acaba y las conversaciones siguen y redescubro esas ciudades e ideas para mis proyectos, a través de los ojos de los forasteros que ya estaban ahí, pero yo no había visto antes”. Por último, le preguntamos acerca de su colaboración durante un cuarto de siglo con Moroso, la cual se presentó en el Salone del Mobile 2016, y la experiencia en sí misma de trabajar con ellos. “Es obvio que es sencillo hacerlo. Nos mantenemos ocupados, es dinámica y muy productiva. Es una empresa familiar y está claro que las cosas entre nosotros, aunque son con fines de negocio, se mantienen en un tono cordial y de amistad fincada en el respeto de nuestras respectivas habilidades. Quizá por eso esta colección está llena de sillas, sillones y sofás con formas tan variadas… por una parte, son tan distintas como las personas en una familia y sus amistades cercanas, y luego son el lugar ideal para sentarse y convivir, intercambiar ideas, generar esas cosas que nos hacen crecer como eso… una familia”. www.ronarad.co.uk www.moroso.it 53

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OKI SATO

L A PASI Ó N PO R SO RPREND ER , TO M AND O EL TI EMPO PRECI SO Nacido en Toronto, Canadá, Oki Sato concluyo su maestría en Waseda University en 2002 y, ese mismo año abrió la oficina de Nendo en la ciudad de Tokio. Sólo tres años después, ganó la admiración de la industria y desde entonces su firma tiene presencia en Milán Entrevista Equipo Glocal Design Magazine Fotografía cortesía de Nendo

Oki Sato con H Horse de Nendo para Kartell 54

l trabajo de Oki Sato es reconocido y muy buscado, avalado por 18 premios internacionales y la colaboración constante con importantes firmas internacionales. Durante la Milan Design Week y el Salone del Mobile 2016, el equipo de Glocal pudo ver porqué. Acercarse a Oki es una experiencia interesante, por decir lo menos. Para alguien tan joven y con una carrera tan dinámica y exitosa, de quien esperarías una vertiginosa lluvia de respuestas, dado lo ocupado de su agenda y ver la calma con la que se toma todo, absolutamente todo lo que hace, comienza a formar una imagen muy precisa del diseñador y artista en nuestras mentes. Nos acercamos a la mesa que él sugirió con una sonrisa sincera y amable, en un rincón tranquilo, e iniciamos nuestra charla acerca de qué fue lo que había acontecido durante el Salone. “Sí, seguro. Con mucho gusto. Bien, pues este año mostramos nuestro trabajo para distintas colecciones y, ésta de aquí es nuestra muestra individual. Estamos en el atrio de la Basílica de San Simpliciano, sitio que se asignó para que montáramos nuestra instalación llamada ’50 manga chairs’, que está inspirada en las revistas de cómic japonesas o ‘de manga’ (dibujo). Resulta que cuando era pequeño, a mí me gustaba leer manga y mis padres se molestaban porque me escondía en mi cuarto y leía manga. Era una situación donde yo me sentía extraño porque si visitaba museos o galerías, mis padres estaban contentos conmigo, pero si leía manga se enojaban. Mucho. No comprendía porqué. Quizá porque eran cultura ‘popular’ — entendida como ‘no seria’— y yo siempre estuve convencido de que existen ambas formas, ambos canales, para comunicarse; dos vías de inspiración y… ¿por qué todo mundo está enojado con el manga? Así que comencé a pensar mucho en ese tipo de historieta y cómo es que es parte de la cultura japonesa y su manera de expresar sentimientos, emociones y también

movimiento, usando líneas negras muy sencillas, tinta y un pincel y poco más. Esto me llevó a pensar en si podría usar estas técnicas en mobiliario y, pues al final, terminé con cincuenta sillas con acabado espejo”. El resultado de su proceso de investigación y propuesta es muy limpio y como él apunta, gracioso también. Su intención principal era hacer un espacio donde la gente pudiera relajarse y disfrutar. “Si lo vemos desde el punto de vista de lo que ofrece, es interesante porque están todas las texturas de las paredes, el contraste en el brillo y lo opaco, la luz y la oscuridad; siempre cambiando frente a los ojos, lo nuevo y lo viejo… pero lejos de abrumar, dan la sensación de familiaridad y calma, que en conjunto funcionan perfectamente y las sillas reflejan todo. Aumentan la luz y las sombras, cuando anochece se iluminan y multiplican los haces de luz y todo termina siendo parte de la naturaleza también. De la naturaleza de este espacio particular y del cielo justo arriba de nosotros. Lo curioso y que me divierte es que, habiendo tantas sillas aquí en medio, las personas están sentadas en las bancas de los costados. Y eso no les quita valor sino que como yo lo veo, les agrega una solución más: ser objetos de contemplación y entretenimiento. De alguna manera eso refleja el proceso por el que pasé cuando las estaba proyectando: pensé mucho y me divertí proponiéndolas, y terminé con una interesante sensación de paz, una satisfacción alegre… muy parecida a la que las personas dicen que experimentan aquí”.

www.nendo.jp www.kartell.com 55

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SACHA WALCKHOFF CO L ABO RA R Y RECO N STRU I R D E S D E L A FU ERZ A D E L A A LEGR ÍA

Con una experiencia profesional de casi dos décadas y un estilo tan dinámico como propositivo, pero que no rompe con el canon de Christian Lacroix Paris, Sacha es uno de los exponentes más interesantes de la innovación y la utilización de textiles en proyectos personales que nunca dejan de sorprender el público de Milán. Entrevista Greta Arcila Retrato Christian Lacroix Fotografía cortesía de Moooi 56

Colecciones Malmaison y Palais Royal de Lacroix para Moooi

acha es un hombre alegre, energético y sobre todo, muy observador. Su mundo está lleno de posibilidades y combinaciones inesperadas. Esto llevó a Lacroix —la firma que encabeza— a realizar una colaboración con Moooi, a partir de lo que él dice que fue “una relación de hombres”. “Todo fue muy divertido. Me encanta lo que hace Marcel y le he comprado varias piezas, las cuales se ven en una sesión fotográfica de mi departamento que fue publicada por varias revistas en el mundo. En una de estas, Marcel leyó que yo hablaba de él, aunque aún no lo conocía personalmente, comentaba sobre su trabajo y reconocía que me encantaba”. Reconocido por su franqueza y su admiración por el trabajo de diseñadores de todo el mundo, desde que tomó el puesto como director del estudio-confección de Lacroix Maison –en 1996–, lo deja ver en cada uno de sus trabajos. “Mi mención de su trabajo lo llevó a escribirme una carta diciendo ‘gracias por hablar de mí, me encanta tu apartamento’. Con la carta me envió dos libros dedicados. Yo pensé que era una broma porque en Francia, no hay un sólo diseñador que haga esto, porque no se atrevería o se consideran demasiado ‘chic’ para hacer las cosas así. Por esto, yo llamé a la editorial de Marcel en Holanda y les dije que, al parecer, yo había recibido estos libros de su parte y no sabía si estaba en lo correcto. Ellos me dijeron que claro, que él mismo había hecho el envío. Por lo tanto, en reciprocidad y agradecimiento por sus atenciones, yo lo invité a un desfile de Lacroix para hombre, él aceptó, vino y así fue que nos conocimos en persona. Desde entonces, han pasado cuatro años, somos amigos y el año antepasado, el día de Navidad, me llamó y me comentó que estaban preparando una línea de alfombras y que le encantaría que yo formara parte de una colaboración entre Moooi y Lacroix. Acepté, yo recordé un dibujo para el pañuelo que traigo aquí, que habíamos hecho ese mismo año, y se lo envié. El dijo ‘me

encanta, ese es perfecto’. ¡Ya estaba hecho y fue vía whatsapp! Así que aquí estamos, en Milán, después de que el primer tapete tuviera mucho éxito el año pasado y ahora estamos con una colección completa”. El trabajo exhibido por Sacha para las colecciones Lacroix siempre se caracteriza por su audacia y el manejo experto del color en los textiles, por lo tanto, no era de sorprenderse que la colaboración con Moooi tuviera un efecto tan notable entre el público. “Para esta ocasión, nos pidieron hacerles una propuesta de una manera un poco más formal… y el resultado es que ahora en el Salone presentamos este tapete en cuatro versiones, estas dos alfombras —una de ellas más clásica en su imagen—y la otra mucho más atrevida. Estoy muy contento porque a mí me gusta mucho colaborar con Marcel, es una persona increíble y es muy fácil trabajar con él. De hecho, yo tenía mis dudas, así que le envié el diseño y Marcel me dijo: ‘¡me encanta, me encanta! ¡Pero hay que hacer muchos colores!’. Para mí es fantástico estar en esta relación colaborativa porque Marcel tiene esta fuerza que sólo puedo definir como la de la alegría. Y para nosotros, Lacroix, yo y Francia en general, eso es muy importante porque como sabes el año pasado fue terrible, muy duro… nos hace falta ese júbilo. Pero ese dolor también nos da fuerza y nos lleva a hacer más cosas, que cuando las combinamos con la alegría de Marcel, nos mueve a hacer cosas mejores y más bellas. Ahora, en este momento, no propongo soluciones específicas. La solución es que nos pongamos a hacer cosas como estas”.

sacha.walckhoff www.moooi.com www.christian-lacroix.com 57

B E R TJ A N P O T

EL P L ACE R D E L A EXPERI MEN TACI Ó N CONSTANT E Y L A IN VERS I Ó N A L A RGO PL A ZO Ampliamente reconocido por su trabajo Random Light (1999), es quizá uno de los talentos más identificables, pero menos mencionados por el gran público. Quizá tenga que ver con su naturaleza sencilla o por su gusto de contemplar el mundo y dejar que sean sus proyectos, y no él, quienes sean observados por los demás. Entrevista Greta Arcila Retrato cortesía Nike (edición Carla Hdz. Vadillo)

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Resting Pods parte de la instalación The Nature of Motion de Nike

n los eventos internacionales donde Glocal ha tenido presencia recientemente, tuvimos la oportunidad de sentarnos y platicar con Bertjan Pot, el diseñador industrial holandés que decidió dejar un poco lo industrial de su diseño para convertirlo en una práctica de experimentación continua. Cuando le preguntamos por el momento y el estado de ánimo en que tomó la decisión de experimentar más dentro de su práctica profesional, su respuesta no se hizo esperar. “Bueno, para mí fue una cosa que se dio naturalmente. También debo decir que pasó mucho tiempo para que me diera cuenta de que era poco usual trabajar de esa manera, porque yo siempre he experimentado con cosas. Desde que era un niño, yo construía cometas y boomerangs, intentando con distintas formas, poniéndolas a prueba y haciéndolas de nuevo. Creo que eso volvió a surgir durante mi educación y estoy contento de haber tenido una, donde el diseño no se resume en hacer un dibujo, seguir el patrón y pensar que eso es la verdadera práctica. Porque para mí, si bien eso es válido, también está el camino de hacer muchísimos modelos y probarlos todos con diferentes cosas para descubrir si lo que estás haciendo es la solución idónea… tu solución real. Después, tuve la suerte de que una de las primeras cosas que hice, luego de graduarme, fuera Random Light, aquella lámpara que hice para Moooi y que luego de algunos años obtuviera muy buenas regalías de ese proyecto. De hecho, a la fecha, cuando alguien compra una lámpara de ese tipo, yo aún recibo un poquito de dinero. No es mucho por cada pieza, pero si sumas todas las piezas que se han vendido, resulta una suma agradable”. Al escucharlo, quisimos saber si ese era el plan que tenía con sus resting pods para la sala The Nature of Motion de Nike, la cual se presentó en el Salone del Mobile de este año. “Bueno, lo interesante de todo esto es que, desde el punto de vista de un estudio de diseño, los integrantes deben calcular el número de horas que piensan dedicar a desarrollar el proyecto para mandarlo a producir. Así pues, de acuerdo con el presupuesto, pueden decir: ‘bien, tenemos tres

mil euros para este proyecto; podemos trabajar tres días en este diseño y en ese tiempo deber estar terminado’. No obstante, yo llegué al punto de aplicar el principio de esperar a ser remunerado cuando el producto está vendiéndose en el mercado, lo cual es arriesgado porque a veces, en muchas ocasiones, comienzas sin dinero para el proyecto y sabes que se recibirá la remuneración dentro de dos o tres años. Con Nike, al igual que Moooi y Cassina, trajimos varias ideas que estuvimos madurando durante distintos lapsos de tiempo y queremos medir el resultado aquí mismo. Estimar qué tanto éxito tiene cada línea según la respuesta del público. Pero lo más emocionante de comenzar un proyecto, es que se puede experimentar mucho y decidir por uno mismo cuándo parar. Boxblocks fue la propuesta más sencilla que convenció a la gente de Cassina, pero aun así era una propuesta arriesgada y, en el fondo, así sucede siempre con todos nuestros proyectos. Trabajamos la idea, la valoramos y llegamos al punto de tomar la decisión de continuar o bien parar por completo; la revisamos tanto que podemos decir que luego de una semana o un mes más, el proyecto será tan bueno que sí cubrirá todos los costos de su desarrollo… o saber que en ese momento específico, quizá la idea no da para más y es momento de dejarla archivada. O desecharla definitivamente, porque sin importar cómo nos parecían al momento de concebirlas, no todas las ideas son buenas o rentables. Para eso y por eso se experimenta, creo yo, para refinar las mejores ideas y encontrar las soluciones más adecuadas para cada proyecto propuesto. Me parece que los resting pods de Nike son justo eso: la suma y el resultado de un proceso de experimentación muy libre aunque siempre muy objetivo, para saber qué era lo que estábamos buscando y cómo lograrlo. Con Moooi, propusimos un mini tatami para su colección de tapetes y alfombras… y una lámpara que, por supuesto, es algo que podemos decir es muy representativo de mi trabajo”.

www.bertjanpot.nl www.nike.com 59

MARC THORPE AN DA N D O EN U NA FÁ BRI CA CR E ATI VA Q U E NU TRE I D EAS

Conocido por su fascinación hacia las texturas naturales y su reinterpretación en objetos cotidianos, Marc Thorpe llevó al Salone del Mobile piezas creadas para la colección M'Afrique de Moroso Entrevista Greta Arcila Retrato Craig Salmon Fotografía cortesía de Moroso

l trabajo de Marc Thorpe dio de qué hablar entre los asistentes del Salone del Mobile Milan 2016. El equipo de Glocal quiso saber cómo se había gestado la colaboración con la prestigiada firma italiana y Marc nos contó al respecto. “Conocí a Trizzia a través de un amigo mutuo, en una junta muy breve en una edición anterior del Salone. Después, la volví a ver en Nueva York, durante una de sus visitas a la ciudad y fue en un lanzamiento que nos sentamos a discutir algunas ideas y ella expresó interés en ver algo de mi trabajo. Yo le dije que, de hecho, quería viajar a Italia y ella me dijo que no, no era necesario; que se quedaría en Nueva York. Así que aproveché aquello y ella revisó el portafolio y seleccionó la mesa Mark, que se convirtió en el primer producto que hicimos con Moroso. Lo interesante de esto fue que yo

ya había producido un prototipo de la mesa, en lugar de render o dibujo que es lo usual. Así que ya tenía el producto ‘completo’ y era algo hecho para mi primer proyecto de diseño de interiores, para un bar lounge llamado Mark, y la idea era que estas mesas fueran diseñadas para que las usaran los clientes durante sus veladas. Ella la consideró muy buena y me dijo que funcionaría muy bien con su colección y… así sucedió. Regresó a Italia y comenzó la relación que, con el tiempo, fue convirtiéndose en un entendimiento mutuo, la razón por la que trabajamos tan bien juntos y, he aprendido muchísimo de todos ellos por su apertura respecto a la creatividad. Las cosas fluyen rápido, hay mucha creatividad y el proceso es dinámico; es algo muy refrescante y hermoso de experimentar. Sobre todo desde el punto de vista de un joven diseñador, porque venimos con una especie de disciplina muy bien impuesta,

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Sillas Husk para Moroso

Mesas Morning Glory para Moroso

Colección Baobab para Moroso

que adquirimos durante nuestros años de estudio, lo que hace que las cosas se hagan muy rigurosas… sobre todo en arquitectura donde casi todo es riguroso en extremo… entonces llego a un lugar como Moroso y me topo con esta fluidez creativa y, con ideas que siempre están en desarrollo, abiertas a su transformación y nuevas aplicaciones”. Interesados en su mención de la manera en que se trabaja dentro de la empresa de la familia Moroso, le preguntamos cómo era que ese ambiente había influido en su trabajo. “Pues en resumen, trabajar con Moroso es un intercambio abierto, una conversación constante. Mencionaste la palabra ‘familia’ y eso es justamente lo que es la organización. Patrizzia es famosa por trabajar con las personas a las que estima de verdad, y ahora eso se puede decir de mí pues yo también adoro trabajar con las personas que me gusta tener a mi alrededor, a nivel personal, y me gusta tratar a todos de la misma manera, con una política de brazos abiertos…es este tipo de actitud la que

funciona como la llave que abre la comunicación y ahora, esa es la clave de la manera en que trabajo. Así es como se transformó mi idea de cómo colaborar y participar con otras personas porque, eventualmente, llegas a un punto en el que puedes discutir cualquier idea, material… cualquier cosa: cultura, arquitectura, música, comida, arte… lo que sea… y eso es lo que genera más ideas y así es como todos estos elementos se mezclan y generan proyectos que son un logro mutuo, porque de una manera u otra, todas las personas con las que estuviste intercambiando opiniones te ayudaron a dar forma a tu propuesta de solución. Trabajar con ellos me hizo ver que en todas partes existen elementos de mucho valor para mejorar tu proyecto o transformarlo en otra cosa aún más interesante”.

www.marcthorpedesign.com www.moroso.it 61

salone del mobile milano 2016 Salone 2016. La dignificación del pasado; la fusión entre la tradición e innovación, alta tecnología y lo hecho a mano… casi alcanzando la perfección del objeto. Texto Greta Arcila Fotografía cortesía de las marcas

ste año me fui a Salón Internacional del Diseño con muchas preguntas en la cabeza —sí, más ¡qué presión!—; y todo gracias a que me habían hecho una entrevista sobre `La´ tendencia actual del diseño; mi respuesta fue categórica y no me canso de repetirla: NO existe sólo una tendencia, sino diferentes formas de comunicarse a través de los objetos. Para mí, un buen diseñador es un gran comunicólogo y gran contador de historias; pero sobre todo, un sesudo lector y observador de su mundo, de su cliente-colaborador, y de su propia mente. Lo que he logrado leer a través de los años es que el diseño responde con más entusiasmo cuando el creador y su público establecen un diálogo cercano, casi íntimo, con su memoria colectiva. Poniendo un ejemplo concreto: la fuerza que ha tomado el diseño en México, y sacándolo del contexto `gremial´, se da gracias a que la gente entiende lo que ve; a un comprador ajeno al diseño, le hace más sentido adquirir algo con lo que sin saber porqué está conectado, ese algo que logra establecer un diálogo claro con su lado sensorial —y aquí no quiero dejar de mencionar que la fórmula diseñador-artesano, me parece un poco desgastada en términos de mercadotecnia y comunicación, más no en fondo y forma ¿qué sería del diseño italiano sin sus maestros artesanos? Pero allá ya se logró algo: comprender el valor de la mano de obra y estar dispuesto a pagar por ello, y ahí es cuando nos toca como sociedad tomar responsabilidades con nuestros artesanos; pero es un tema muy amplio que da para mucho y que en un futuro espero desarrollar más a fondo—.

CON LOS SENTIDOS BIEN DESPIERTOS

Y se preguntaran por qué comienzo hablando del diseño local cuando lo importante es hablar de las 'tendencias'. Sencillo, porque ahora que tenemos acceso a tanta información y a que las distancias se han acortado gracias a la tecnología, hemos obligado a nuestros sentidos a estar más alerta, nuestro lado sensorial está despierto 24x7 y sabe –más bien, intuye– todo lo que sucede, lo que escucha, lo que huele… lo que siente; y eso, los creativos lo saben y están conscientes de que el usuario busca establecer un diálogo con aquello que `toca´ sus sentidos. El diseño industrial está viviendo un momento importante, pues el usuario está consciente de lo que una pieza expresa y se quiere conectar con ella. Ahora todo trata de sentidos. Y sí, los organizadores del Salone Internazionalle del Mobile lo saben y hacen que Milán sea, desde un inicio, una experiencia totalmente sensorial. Nos dieron la bienvenida en el hotel con una emotiva carta y un detalle en la habitación. Y ya para comenzar a respirar diseño, la noche del lunes que antecede a la apertura, ofrecieron a todo el gremio creativo y a los empresarios del diseño una cena de gala que este año tomó lugar en los archivos del Teatro alla Scala. En la mesa que me correspondió sentarme, figuraban Fabio Novembre, Jean Marie-Massaud, Mario Bellini, Patricia Urquiola y grandes empresarios del mueble italiano, sí, no me desmayé de la impresión. Lo inmejorable: la plática de esa noche no rondó en torno al

diseño en sí –refiriéndonos al objeto–, pero sí se habló de los sabores de la cena ofrecida por la institución, presidida ahora por Roberto Snaidero, quien de la mano de Marva Griffin y del equipo de profesionales del diseño, dieron el banderazo para una semana que rendiría honor a lo bien diseñado. Como siempre, ya el martes 12 de abril llegamos muy temprano a Rho-Fiera, que está a media hora de la ciudad vía metro. Ya en la entrada nos esperaba la famosa tarjeta roja que da acceso a las áreas vip dentro de la feria. Está por demás decirles que los salones dedicados al diseño contemporáneo son los más visitados; pero lo más fascinante de recorrer ese recinto creado por Massimiliano Fuksas, es saber que estarás ‘hombro con hombro’ con los creadores del ayer, hoy y futuro del diseño. LA EXPERIENCIA DE CAMINAR LA HISTORIA DE UNA PASIÓN

Decir que vimos los objetos más impresionantes y que las empresas se esmeraron con el diseño de sus stands, está por demás ya que los medios electrónicos –incluidos nosotros a través de nuestra plataforma web y nuestros videos editados para esa semana–, ya se encargaron de compartir el diseño del stand de Knoll por Rem Koolhaas, el de Cassina por Patricia Urquiola, el de Kartell por Ferruccio Laviani, entre muchos otros; así como los lanzamientos de las distintas firmas, además de todo lo que sucede en el Fuori Salone. Hablemos pues, de los conceptos presentados. Si algo se ha valorado es la ausencia de la excentricidad, la limpieza de las formas, ahora más que nunca comprendí que el término Supernormal acuñado por Jasper Morrison en el año 2005 durante el Salone -y que en sí fue una lectura a lo que vio durante su recorrido por el recinto ferial-, ha logrado permear a todas las nuevas generaciones. Éste habla de un diseño responsable que añora la limpieza del espacio al tiempo de ser respetuoso con el ambiente –hablando desde empaque hasta el fin de su vida útil–, y es el resultado de una larga tradición de avance evolutivo en la forma de lo cotidiano, no intenta romper con la historia de la forma, sino más bien trata de ser una pieza que con el tiempo –y su comprensión– puede llegar a ser insertado a la vida cotidiana; sin ruido, sin protagonismo. Y siguiendo a esta respuesta, vimos metales más delgados, colores neutros que nos remiten a la tierra, a lo táctil. Nosotros no podíamos evitar tocar los textiles con empresas como Moroso que tienen una larga tradición con los maestros del textil y que a su vez, usando la tecnología actual, crean telas de indescriptible viveza material, pero siempre de patrones muy básicos. Algo irrefutable, y que nos maravilla y esperamos se siga amplificando, es la influencia de oriente. La perfecta mano de obra. La dignificación del pasado; la fusión entre la tradición e innovación, alta tecnología y lo hecho a mano. Una influencia que bien asimilada, nos llevará a descubrir el silencio de los materiales. www.salonemobile.it

ferias

SALONE DEL MOBILE MILÁN 2016

Avio de Piero Lissoni para Knoll, colección Still Life

n su edición número 55, el Salone del Mobile de Milán presentó alrededor de 2,400 exhibiciones de carácter internacional, mostrando así la importancia de este evento como un punto de referencia para conocer las últimas tendencias en materiales, tecnologías y soluciones para el diseño. Este contexto denota porqué la ciudad de Milán es considerada como una de las capitales artísticas más prolíficas del mundo. Los principios de ‘creatividad, innovación y tecnología’ han hecho del Salone del Mobile 2016 un escaparate ideal para mostrar la relación entre los procesos del diseño, las nuevas tecnologías aplicadas y su trascendencia en materia de funcionalidad, estética y presencia en el ámbito social. prism de Tokujin Yoshioka para Glas Italia

Gender Pouf de Patricia Urquiola para Cassina

lofoten de Luca Nichetto para Casamania

targa Sofa 200 de GamFratesi

para Gebrüder Thonet Vienna

Officina de Bouroullec Brothers para Magis

Alfi Armchair de Jasper Morrison para Emeco

furia Rocking Horse de

Front para Gebrüder Thonet Vienna

Perching de Studioilse para Artifort

majordomo de Nathan Yong

para Gebrüder Thonet Vienna 64

ferias

All Plastic Chair de Jasper Morrison para Vitra

Kaari Collection para Artek de Bouroullec Brothers

Montparnasse de Christophe Pillet para offecct

Nueva Gaulino easy chair de Oscar Tusquets para bd Barcelona Design

Little de Big Game para Magis

Do-Maru de Doshi Levien para B&B Italia

Serena de Lievore Altherr Molin para Andreu World

Branca de Sam Hecht para Matiazzi 65

Geometrics de Doshi Levien para Kettal

Utrecht Collectors Bertjan Pot Edition con tela Boxblocks para Cassina

cc-tapis visioni B soie by Patricia Urquiola

Opalina de Cristina Celestino para Tonelli Design Lattice de Bouroullec Brothers para Nanimarquina Leaf de Gordon Guillaumier para roda

Bahia de Illulian Carpets

Mix & Match de Flavia del Pra para Gan 66

Orande de Eli Gutierrez Pond Chevalier ĂŠdition

Riva de Jasper Morrison para Kettal

Claudio Fusina para Lama Librería para Gentilin Design

Clerici de Konstantin Grcic para Matiazzi

olá de Matthias Lehner para o céu

Waterfall de Arik Levy para Verreum

Cala de Doshi Levien para Kettal

José de Giorgio Bonaguro para Valsecchi 1918

Pli Side Table de Victoria Wilmotte para ClassiCon

Cross Cut de Hella Jongerius para Danskina

Sir Gio de Phillipe Starck para Kartell

ferias Good vibrations de Ferruccio Laviani para Fratelli Boffi

Donna Table de Diogo Carvalho para Delightfull

commodore de Piero Lissoni para Glas Italia

Wooden Side Table de Jasper Morrison para Vitra

Vitroidi de Luca Nichetto para Verreum

Ming's Heart de Shi_Chieh Lu para Poltrona Frau

Lantern de Fabio Novembre para Kartell 68

Red Square de Giorgio Bonaguro para Driade

ferias

Chapeau Collection de Milia Seyppel

Waldo de Romy Di Donato

Morris Collection de Richa Gujadhur

Tatous Chair de Valentin Van Ravestyn

SALONE SATELLITE– MILÁN 2016

entro del Salone del Mobile en Milán, el Salone Satellite es de los eventos más importantes para los jóvenes diseñadores. El tema de este año, la edición 19, giró en torno a la relación entre los nuevos materiales, la ciencia y el diseño, es así como éste se convierte en un espacio para la experimentación y las nuevas propuestas. Las innovaciones presentadas en el Salone Satellite son sometidas a certamen. El ganador de este año fue el Studio Philipp Beisheim, de Alemania, con una mesa inflable hecha a base de Hypalon, un material muy durable que busca tener un impacto ante una sociedad altamente consumista. 69

ferias

BRERA DESIGN DISTRICT – MILÁN 2016

bicado en uno de los distritos comerciales y creativos de Milán, Brera, se llevó a cabo el evento Fuorisalone 2016, cuyo tema este año fue Design is listening. Las diferentes conferencias, mesas redondas, instalaciones en el espacio público y presentaciones de proyectos culturales, que formaron parte del evento, giraron en torno a la relación que existe entre el proceso de composición musical y el desarrollo creativo del diseño. Se hace una comparación entre ambas disciplinas y, la propuesta es que el acto de escuchar es propio de ambos procesos. Así como en la música, en el diseño también se ‘escucha’ a los materiales, a las funciones, a los objetos y a los espacios. Fuorisalone 2016 también buscó resaltar el carácter pedagógico y poder del ‘buen diseño’ como una forma en que el diseñador puede y debe representar su entorno a partir de su trabajo, en el que la investigación y la tarea de ‘escuchar’ son claves fundamentales.

captain flint de Michael

Anastassiades para Flos

Credenza de Patricia Urquiola y Federico Pepe para Spazio Pontaccio

Tray de Tomas Alonso para Swarovsky

Totem da Colore de Matteo Thun para Dilmos Gallery

light & shadow de Nendo para Marsotto Edizioni

ferias

Feel It de via Design University

Studio Mieke Meijer Overzicht parte de la exhibción Maybe Blue

City Rokk Stokk de Studio Molen en Monopoly Gallery Home de Robert Bronwasser

VENTURA LAMBRATE – MILÁN 2016

n la séptima edición de este evento llevado a cabo en la Via Ventura, en Milán, se presentaron diferentes exposiciones que tocaron temas como Thinking Traditions, Return of..., The Young Ones, Memphisism, Mad men, Galleries & Garages, Technology y Academies. Ventura Lambrate conjuga en torno a una misma calle, diferentes espacios y exhibiciones que presentan un caleidoscopio de nuevas propuestas en cuanto al diseño en todas sus facetas. Este abanico de posibilidades le ofrece al espectador una experiencia diferente al recorrer la zona. Es, sin duda, un claro ejemplo de la necesidad de relacionar el diseño con el espacio y la sociedad. 71

The Restaurant, earth kitchen de Tom Dixon en colaboración con Ceasarstone

Forest Light de Sou Fujimoto para Cos. Instalación que con sonido, luz y neblina recrea el bosque

Feel It de via Design University

FUORI SALONE

Patricia Urquiola para Budri Contemporary en los aparadores de Santoni en via Monte Napoleone 72

no de los atractivos más grandes para los amantes del diseño y el arte, en el contexto del Fuori Salone, son las exposiciones e instalaciones que realizan creativos de la mano de empresas que no necesariamente están involucradas con el diseño industrial, pero que sí buscan acercarse a un mercado conocedor de la estética actual. De tal forma, que caminar por Milán se vuelve una muy grata experiencia pues en las distintas zonas encuentras instalaciones y exposiciones de lo más atractivo. Este año dos creativos de origen asiático fueron los protagonistas: Sou Fujimoto y su trabajo para la firma de moda COS, y Nendo con la impresionante "50 Manga Chairs", las cuales se basan en las líneas abstractas y las redes utilizadas en los gráficos al estilo manga para los cómics.

ferias

TORTONA – MILÁN 2016

ortona Design Week es un evento que forma parte del Fuorisalone 2016 y que se realiza en la comunidad de Tortona, en Italia. En diferentes locaciones de la región se organizan exposiciones, pláticas en torno al tema del diseño en todas sus facetas y ponencias diversas sobre arquitectura, tecnología, publicidad, arte, iluminación y nuevos medios, además de visitas guiadas por los espacios arquitectónicos e instalaciones más destacadas de los alrededores. La iniciativa para este proyecto viene de Associazione Tortona Area Lab, BASE Milano, Magna Paris, Milano Space Makers, Superstudio Group y las instituciones representativas de las diferentes locaciones asentadas en Tortona, que se ha convertido en una de las ‘pequeñas ciudades’ con el mayor foco de atención para el mundo creativo internacional.

Crystal Rose de Marcel Wanders para Moooi Carpets

New Legacy Donna Chair de Shuwa Tei para Stellar Wokrs

Perch Light Branch de Umut Yamac para Moooi

Shiraz de Valerio Sommella para Moooi Carpets

Dowry Cabinet II de Neri&Hu para Stellar Works

Collection Amami de Lorenza Bozzoli para Moooi 73

Aqua Collection Ilda Pires para Serip

Maison&Objet AMERICAS Texto Martha Lydia Anaya Fotografía cortesía de las firmas participantes

nas 300 marcas de más de 20 países iluminaron con su talento y sus propuestas el Centro de Convenciones de Miami, Estados Unidos, donde se presentó Maison&Objet Americas. En su primera edición en el continente americano, la feria —nacida en París, Francia— ofreció un espacio de expresión para que talentos emergentes se presentaran ante las grandes editoras de diseño de todo el mundo. Desde su creación, Maison&Objet ha evolucionado en el uso de una idea original: reunir a creadores de todo el mundo con el fin de atraer a profesionales en busca de excelencia, innovación y nuevas tendencias. Con los años, esta visión —compartida por un número cada vez mayor de marcas y

diseñadores— ha consolidado una plataforma percibida como uno de los principales eventos internacionales. Hoy en día, la misión de la feria para mostrar sus talentos y marcas literalmente ha ido ´más allá’ y ha llegado a las regiones más dinámicas del mundo, a través de exposiciones anuales. Después de Asia y Singapur, donde se llevó a cabo una primera reunión en marzo de 2014, Maison&Objet recién se asentó en Miami, destino que ofrece una plataforma de negocios en el corazón de las Américas y sus 954 millones de habitantes.

www.maison-objet.com

ferias

Wright de William Pianta para Nahoor

Romina de Paco Camús para Collection

Platon 8ung! de la colección Artwork de Klaar Prims

Sara Bond de Paco Camús para Collection

Collection Strypy de Jaime Hayon para Bosa

Platos y bowls de Hedwig Bollhagen

Gravity Collection de Vanessa Mitrani

Medusa de Benoit Convers para Ibride

fakir Coupe de

Vanessa Mitrani 76

M&O RISING AMERICAN TALENT

ferias

GUILHERME WENTZ | BRASIL Conocido por su propuesta moderna que hace mérito a la sencillez con piezas que se adaptan a la vida cotidiana, el diseñador brasileño Guilherme Wentz —de 28 años de edad— ha sido reconocido por su trabajo con premios, como idea Brasil, Brasil Design Award e if Design. Comenzó su carrera colaborando con la marca de lujo Riva, para luego abrir su estudio de diseño y hacer mancuerna con empresas cariocas como la marca de iluminación Lumini, para la que presentó una edición especial de 10 piezas con acabados en oro plateado; Decameron, en donde se desempeña como director de arte; y Eva, para la cual, diseñó una serie de piezas de madera, incluyendo su icónica silla Eva.

www.guilhermewentz.com

GREAT THINGS TO PEOPLE (GT2P) | CHILE Fue en 2009 cuando los socios Tamara Pérez, Sebastián Rozas, Guillermo Parada, Víctor Imperiale y Eduardo Arancibia unieron su talento y creatividad para formar Great things to people (o gt2P), un estudio de arte y diseño que investiga y experimenta continuamente con la mezcla de fabricación digital y conocimiento tradicional. A ese concepto, ellos le llaman Paracrafting. Con esta idea cobran vida desde vasijas geométricas hasta paredes acanaladas y onduladas, muebles modulares e iluminación en tela de porcelana mezclada con lava. Recientemente el estudio presentó la colección Tarrugao, su obra está representada, desde 2015, por la galería de Nueva York Friedman Benda.

www.gt2P.com

BEN MEDANSKY | ESTADOS UNIDOS Los paisajes, el cielo azul y las resaltantes formaciones minerales de Arizona, el estado natal del ceramista Ben Medansky, son su inspiración. Esa inquietud de crear lo llevó a estudiar en la School of the Art Institute of Chicago, de donde poco después se mudó a Los Ángeles (en 2010). Ahí trabajó con renombrados artistas, como Peter Shire, Anthony Pierson, Shio Kusaka y Haas Brothers. Fue en el verano del 2012, cuando Medansky —con tan sólo 24 años de edad— creó su estudio Ben Medansky Ceramics en la misma ciudad. En su obra, el creador explora variaciones de simetría y cuadrícula radiales, y utiliza una gama limitada de colores. El resultado es una meditación sobre minimalismo y mecánica. Toda es diseñado y fabricado a mano, nunca producido de manera masiva.

www.benmedansky.com

JAVIER GÓMEZ | PANAMÁ El artista y fotógrafo panameño Javier Gómez, de 34 años de edad, figura entre los creativos visuales de tendencia urbana más innovadores y propositivos de las nuevas generaciones. Radicado en Nueva York, Estados Unidos, Gómez estudió fotografía en la Universidad de Nueva York y The Cooper Union for the Advancement of Science and Art. Con su estilo de fotografía abstracta trata de conectar al ser humano con la naturaleza. Por eso, en su trabajo se deja llevar por los principios de la geometría y con su lente capta imágenes, que acentúan el color, el volumen y las texturas en armonía con la naturalidad de los ambientes cotidianos.

www.javiergomezphotography.com

SAMUEL AMOIA | ESTADOS UNIDOS La propuesta de Samuel Amoia se enfoca en utilizar materiales naturales y métodos innovadores para el diseño de muebles e interiores. Ese sello distintivo ha llamado la atención de empresas y marcas de todo el mundo, las cuales lo han contratado para desarrollar proyectos, como Ian Schrager, Hotels ab (Andre Balazs) y Foundry Collective, el restaurante Indochine en Miami y el nuevo local para Delorenzo Gallery en Madison Avenue, NY. Haciendo equipo con su hermano menor, Amoia Studio diseñará piezas de edición limitada para Delorenzo Gallery NY, Dover Street Market NY, Jean de Merry (Dallas, Los Ángeles, Chicago, Nueva York) y The Store by Alex Eagle en Londres.

www.samuelamoia.com

WANTED

DESIGN Texto Martha Lydia Anaya Fotografía cortesía de las firmas participantes

e nueva cuenta el talento se destapó en Nueva York, donde Manhattan y Brooklyn han sido el escaparate de WantedDesign desde hace cinco años. Este foro, de interacción real para los diseñadores, tiene la particularidad de abrirle espacio a las propuestas de los jóvenes talentos de todo el mundo. Además de que también entrelaza cultura y comercio de manera hábil, ya que los países participantes siempre exhiben una inspiradora combinación de un buen diseño y artesanía local. Ahí, el diálogo internacional entre diseñadores y marcas es de fronteras abiertas. En ésta, su sexta edición, la respuesta de la comunidad creativa fue simplemente abrumadora: talleres, conferencias y exhibiciones sirvieron para crear los vínculos ideales entre personalidades del diseño y aquellas promesas en formación artística.

Los eventos de este año marcaron un nuevo capítulo de crecimiento para Odile Hainaut y Claire Pijolaut, fundadoras de WantedDesign, quienes sin duda han emprendido un tipo de feria sin precedentes en Nueva York. Las dos concuerdan con entusiasmo: “Estamos orgullosas del éxito que ha tenido la creación de un lugar para servir a nuestra industria, un lugar donde los profesionales pueden desarrollar una red sólida y descubrir el pulso internacional del diseño”. Sin duda, WantedDesign ha madurado hasta convertirse en un sitio de prestigio donde la energía creativa fluye de manera impresionante.

www.wanteddesignnyc.com

ferias

A Few Good Things: Nuevos Diseñadores Noruegos

Sofá Mellow de Océane Delain para Bernhardt Design

Colección The Rhythm of Light de Studio Suzanne de Graef

Between Two Rivers de Siba Sahabi

` Vajilla Blue Line de Modus Design para Cmielów Porcelain

Medallón Life-size de Carina Wagenaar

Colección Iittala X Issey Miyake

ferias

Diatom de David Trubridge

Lรกmpara Jax de Lake and Wells

Collar de Marina Massone

Bloomx de Chiara Debenedetti para Filz Felt

Lรกmpara Urchin y Silla Femme de Studio Rik ten Velden

Vol de Nuit de Marc Thorpe para Ligne Roset

Colecciรณn Make&Mold de HandMade Industrials

Glass PLA de Tu Taller Design

A Few Good Things: Nuevos DiseĂąadores Noruegos

Silla Volley de Jaime Mclellan y lĂĄmpara Midnight de Resident Studio, ambos para Resident

Tablero Al Andalus de Siba Sahabi

Tapetes Crownmoss de Lizan Freijsen Silla Drum de Mac Stopa para Cappellini

Tetera Circus de Marek Mielnicki para Kristoff Porcelain

Vaso de Hend Krichen

ICFF Texto Martha Lydia Anaya Fotografía cortesía de las firmas participantes

ada año, International Contemporary Furniture Fair (ICFF) se descubre como la plataforma más importante de América del Norte para el diseño contemporáneo. Esta ocasión, su edición 29th en el New York City’s Jacob K. Javits Convention Center, no fue la excepción: unos 750 expositores de todo el mundo hicieron gala de su talento y creatividad, al presentar nuevas propuestas y lanzamientos recientes en líneas de muebles interiores, alfombras, iluminación, revestimientos de paredes, accesorios, textiles e incluso mobiliario de cocinas y baños. Durante los cuatro días que duró la feria (Mayo 21-24, 2016), ICFF cumplió con su objetivo de reunir y atraer a aquellos

artistas y creadores en busca de ideas frescas e innovadoras en cuanto a las nuevas tendencias de diseño. Para el público, en general, la feria se convirtió en un escenario enciclopédico y, a la vez, placentero y divertido para los sentidos, sobre todo por el conocimiento de las ofertas del momento. Al final del día, las distintas audiencias se hicieron una sola al deleitarse con proyectos originales, de características únicas y de convivir a través de un calendario repleto de variadas exposiciones.

www.maison-objet.com

LĂĄmpara Bubbly de Rosie Li Studio

Mesa Salto de Kino Guerin

Ă&#x2030;lan Vital Murals de Ovando para Flavor Paper

Reloj Time Maze de Daniel Libeskind para Alessi

Mesa Layered y bancos Chess Piece de Anna Karlin

Ribbon de un Studio para Alessi

St. Charles Vanity de Volk Furniture 83

ferias

Lámpara de pared Expansión de Rob Zinn para BlankBlank

Tapiz Shweshwe de Ghislaine Viñas para Flavor Paper

Colección Flask deTom Dixon

Mea Lunar de Florestan Schubert para Studio Marfa

Candil sencillo de Jaime Hayón para Fritz Hansen

ferias

Vaos de Jaime Hayón para Fritz Hansen

Mesa St.Charles de Volk Furniture

Lámpara Stella de Rosie Li Studio

Reloj La Stanza Dello Scirocco de Mario Trimarchi para Alessi Espejo Feehan de Egg Colletive

Credenza Landscape de Andrés Amaya para Zafra

pabellones

CASA MÉXICO | CASA IDEAL XXI TRIENNALE ESPOSIZIONE INTERNAZIONALE

Texto Paula Torres Fotografía cortesía de Advento Art Design

on el tema “21st Century. Design after Design”, Casa México presentó Casa Ideal en el Palazzo della Permanente. La instalación, creada específicamente para la Triennale, representa una visión en términos estéticos y funcionales a través de una experiencia participativa. La suma de disciplinas se hizo evidente con colaboraciones entre sectores técnicos, culturales y empresariales, presentando propuestas y productos de más de 18 autores en una alianza dirigida por Advento Art Design, Ital-Mex, APA, Confatigianato Milán, Monza y Brianza, Studio Roca, Calvi Rugs y la Universidad Anáhuac. Casa Ideal hizo una referencia a la denominación de origen, presentando sólo una parte de lo hecho en México, con la participación de más de 18 autores. Casa México 86

MEXICAN PAVILION DESIGN REVOLUTION

pabellones

VENTURA LAMBRATE Texto Marisol Guerrero Fotografía cortesía de Grow add

Charolas Oli de Onora

Momentos Collection de Coramodi

Taller De Obsidiana Vasos Alebrije de Tsimani

l pabellón mexicano, organizado por Grow add, estuvo inmerso en Ventura Lambrate, en él se retomaron ideas posrevolucionarias sobre la búsqueda de una identidad nacional, mismas que sirvieron como eje conceptual para la muestra, pero con un giro enfocado al diseño. Ahí se reunieron firmas, reconocidas y emergentes, de diseñadores y arquitectos, como: Anudando, Duco Lab, Rebeca Cors, Taller de Obsidiana, Soho Arquitectos, Mauricio Valdés, Nord, Apotema, Coramodi, Tsimani, Monalola Prints, Onora y 11:11 by Mike Palomino.

www.grow-add.com 87

pabellones

PABELLÓN MEXICANO WANTED DESIGN Texto Pamela Ruiz Fotografía cortesía de las firmas participantes

l pasado mes de mayo se llevó a cabo en la ciudad de Nueva York, la feria de diseño WantedDesign, durante la semana del diseño en esta ciudad. Dicho evento se ha ido posicionando los últimos cinco años como una de las plataformas más importantes para los nuevos diseñadores. Esta edición toma especial importancia para el diseño mexicano ya que, aunque anteriormente se había contado con la ayuda de Design Week, es la primera vez que un organismo gubernamental como ProMéxico brinda el apoyo para la organización del Pabellón Mexicano y abre las puertas al mundo del diseño internacional para sus diez integrantes. Entre los propósitos de dicho apoyo, estaban dar a conocer al mundo la capacidad de creación en México, así como poner en alto el diseño nacional, enriquecido por la cultura, materiales y tradiciones; es así como

Duco, Feltum, inexo, iTeknia, itz, left, Natural Urbano, Nomade Atelier, Colección Zafra y Shift Studio, se presentaron en una de las galerías más grandes del evento, con una colección de muebles que logró representar al diseño contemporáneo mexicano. Así mismo, este apoyo logró llevar a los participantes a la tienda de WantedDesign en Industry City, ampliando el mercado de sus diseños y llevándolos a nuevos espacios, satisfaciendo así una de las preocupaciones principales para que ProMéxico se vaya involucrando en este tipo de eventos.

www.promexico.gob.mx

Light 14.07.15 de Nomade Atelier

Mesas Esterno de Xavier Loránd para inexo

Silla Muna de Ania Wołowska para itz

Sillón Miss Eames y mesas Abanico de Victor Alemán para left

JÓVENES TALENTOS

ferias

JORGE DIEGO ETIENNE | CÍRCULOS SALONE SATELLITE

STUDIO DAVID POMPA | CUPALLO SALONE SATELLITE

La colección Círculos es una exploración de la figura geométrica bidimensional trasladada al diseño tridimensional. Cada objeto ocupa al círculo como elemento primario en su apariencia y estructura, además de crear un diálogo entre el volumen y su construcción. Jorge Diego también se inspiró en los ciclos, ya que los objetos forman parte de la vida diaria y satisfacen necesidades específicas en lapsos definidos por cada usuario. Círculos está integrada por una silla lounge, lámparas de techo y espejo de mesa, siendo una combinación diversa de materiales, ensamblajes y procesos.

El Studio David Pompa se ha caracterizado por su diseño contemporáneo y su compromiso con la identidad mexicana, a través de sus tradiciones y materiales. La lámpara Cupallo no es la excepción, ya que en su manufactura se combina vidrio soplado y latón, ambos trabajos artesanales. Por un lado, el vidrio de superficie irregular, 100% reciclado, presenta pequeñas burbujas de aire atrapadas en su interior y; por otro, el latón pulido fue torneado manualmente. Los trabajos de vidrio fueron realizados en el estado de Hidalgo, mientras que los de latón se hicieron en la Ciudad de México.

www.jorgediegoetienne.com

www.davidpompa.com

AD HOC | RISING AMERICAN TALENT MAISON&OBJET AMERICAS Ad Hoc fue fundado por el diseñador industrial Juan José Nemer y el arquitecto Mauricio Álvarez, ambos egresados de la Universidad Iberoamericana. Su despacho dedicado a desarrollar mobiliario e interiores, revaloriza el proceso manual y la importancia del detalle en cada una de las piezas que van desde objetos y muebles hasta espacios complejos. Sus propuestas dialogan con las raíces culturales de México, en armonía con la tecnología contemporánea y las técnicas tradicionales. El resultado muestra una remuneración estética y funcional como, por ejemplo, su cantina que cuenta con una pata de madera tallada en forma de molinillo (una batidora manual de tradición mexicana). Ad Hoc formó parte de la selección de talentos emergentes en el m&o celebrado recientemente en Miami, EUA. www.adhoc.mx 89

hotelería

MAR ADENTRO MIGUEL ÁNGEL ARAGONÉS Texto María Ceballos Fotografía Joe Fletcher Photography

hotelería

ar Adentro es un hotel en San José del Cabo, Baja California Sur, que más allá de ofrecer descanso a sus visitantes, los invita a integrarse con la naturaleza al encontrarse suspendido sobre espejos de agua del océano. El complejo cuenta con 198 suites, habitaciones y villas, así como 39 exclusivas residencias privadas. Miguel Ángel Aragonés, arquitecto conocido por la sencillez y elegancia que imprime en sus proyectos, es su creador. A lo largo de la construcción es posible ver muros altos en color blanco, mobiliario en su mayoría también blanco, acentos decorativos que no agreden la pureza estética del sitio y materiales naturales como madera y mármol, que brindan frescura y elegancia a las habitaciones. Cada una de estas cuenta con paredes de cristal cuya vista es el mar, el sol o la luna en el cielo y una amplia variedad de fauna y vegetación.

Además de ser un refugio para el descanso y la contemplación por sus maravillosas vistas, Mar Adentro también ofrece áreas de yoga, spa holístico, gimnasio, club de playa privado, restaurantes con una oferta gastronómica de primer nivel, galería de arte, boutiques de diseñadores exclusivos y conciertos mensuales. Aragonés afirma que “en Mar Adentro las casas están hechas de vidrio y hormigón a la orilla del mar, donde se reúnen el sol y el desierto. Son cubos en medio del océano que utilizan el agua no para navegar, sino para mantener la vida”. De esta forma, este proyecto es un archipiélago de islotes blancos dentro de un paisaje marino de tonos cerúleos.

www.talleraragones.com.mx

hotelerĂa

residencial

CASA CARPINOS ANDRÉS STEBELSKI ARQUITECTO Este proyecto residencial está sumergido en una zona arbolada que integra distintos elementos naturales en su composición a la vez que anima los espacios cotidianos de la vida en familia. Texto Marisol Guerrero Fotografía Nasser Malek

residencial

a propiedad Carpinos está ubicada en la Ciudad de México en un terreno de forma casi cuadrada, dividido en dos rectángulos perpendiculares a la calle; en uno se planeó el jardín y en el otro, la construcción de la casa. La topografía irregular del terreno fue fundamental para decidir sobre algunos aspectos funcionales de la residencia. El estacionamiento y las bodegas se convirtieron en la base de la casa, que parece un prisma rectangular que flota ligeramente. Sus fachadas tienen un acabado en tierra que añade al cemento gris un suave tono cálido y evita servicios de mantenimiento constante. La fachada sur, abierta por vanos de piso a techo, se integra física y visualmente con el jardín, diluyendo los límites entre el exterior y el interior.

La organización de la planta baja de la casa cuenta con sala, comedor, cocina, mientras que en la planta alta se distribuyeron cuatro recámaras. Todos los espacios disfrutan del jardín y reciben luz natural durante todo el día. Hacia el interior, la casa mantiene una línea de comunicación visual a través de los ocres naturales de la madera en pisos y carpintería fija; los muros, en su mayoría blancos, permiten juegos de luz y sombra con algunos domos e iluminación artificial. Algunos detalles decorativos como mesas auxiliares y libreros bajos, refuerzan las tonalidades doradas que dominan en la casa. Las cancelerías en negro enmarcan con fuerza las vistas hacia el jardín.

www.asarquitecto.com 95

residencial

CASA IREKUA ANATANI

BROISSIN ARCHITECTS

Casa de descanso familiar en medio de una zona boscosa en Avándaro, Estado de México. Se trata del trabajo más reciente de la firma mexicana de arquitectura, liderada por Gerardo Broissin.

residencial

Texto Ana María Galvis Fotografía Alexandre d’ La Roche

l proyecto, de 700 m2, toma su nombre de las palabras en purépecha: irekua y anatani, que significan “casa familiar” y “estar bajo un árbol”. Los integrantes del despacho entendieron, desde que conocieron el predio, que la casa tendría que vivir bajo toda la espesura del bosque y formar parte de dicha naturaleza, gobernada por oyameles, pinos y encinos. De ahí su nombre. Para implementar el partido arquitectónico, el equipo eligió un espacio que no afectara a la mayoría de los árboles, el remanso se ubicaba en una parte libre en medio del monte; por ello el programa de necesidades se adaptó a su topografía, acomodaron los espacios según su uso y función dentro del conjunto. Las fachadas de la casa están orientadas en función del clima local, que es templado y semi-húmedo. La fachada sur oriente, dominada por una cortina de madera, filtra los rayos del sol por la mañana, aportando calidez al corredor ubicado

entre esta pantalla y el muro de concreto armado que sirve de estructura principal y diluye la separación entre los espacios, tanto públicos como privados, que consisten en salas de estar y terrazas. La fachada sur poniente, en cambio, exhibe en mayor medida vidrio, que captura los últimos rayos del sol vespertino y contiene la temperatura en las habitaciones y baños. La fachada norte remata hacia el lago de Valle de Bravo y se extiende de manera semiabierta, lo que fortalece la intención de vivir de forma íntegra con el entorno, ya que aquí se encuentra la terraza principal y la alberca. Por su parte, la quinta fachada es completamente verde, lo que mantiene uniforme la temperatura en los techos durante todo el año y mimetiza la residencia con el contexto natural.

www.broissin.com 99

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CASA ORA E QUI

FÉLIX BLANCO DISEÑO Y ARQUITECTURA Propiedad de 1,027 m2 ubicada en una zona boscosa en el Circuito Avándaro, en Valle de Bravo, Estado de México. Desarrollada como una casa familiar de fin de semana.

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Texto David Romero Fotografía Félix Blanco Diseño y Arquitectura

l programa de la casa se desarrolla sobre un cauce natural cerca de una pequeña cascada, el propósito central del proyecto fue hacer que todas las áreas sociales tuvieran vista hacia la caída de agua, por ello la planta arquitectónica general está hecha en forma de herradura. El terreno, naturalmente, tiene cierta pendiente por lo que los accesos (peatonal y vehicular) se encuentran en la planta alta, donde un espejo de agua es el receptáculo de los visitantes. A la entrada de la residencia, el vestíbulo guía —mediante un pasillo— hacia las áreas privadas, donde se encuentran tres habitaciones con vista al bosque, cada una cuenta con baño-vestidor. La recámara principal tiene vista hacia el bosque y hacia la caída de agua. Del mismo vestíbulo, se baja por la escalera principal hacia las áreas sociales; la sala-comedor se conecta hacia una terraza que sirve de paso hacia la cocina abierta y el jacuzzi.

La cocina principal se encuentra en un extremo de la herradura, se comunica directamente con el comedor y se integra con la cocina abierta. En el otro extremo de la herradura se localiza la recámara de visitas que, aunque es independiente del resto, conserva cierta cercanía al área social. Los interiores de la casa presentan acabados de mármol dorado Tepeji en pisos, y basalto para el vestíbulo y los pasillos, además de duela de madera en las áreas privadas. En el exterior, las fachadas combinan diversos materiales tradicionales, como: teja, madera, tabique y concreto aparente; ofreciendo una paleta cromática cálida que se contrapone con las cancelerías de acero, los ventanales de cristal y el pasiaje natural que se impone con su verdor.

www.felixblanco.com.mx 103

residencial

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especial color

ESPECIAL COLOR Texto Karla Rodríguez

uando hablamos de color nos transportamos a tonos vibrantes basados, naturalmente, en los colores primarios: amarillo, rojo y azul, e imaginamos proyectos de carácter dinámico, divertido e incluso desafiante. En esta ocasión queremos presentar una selección de obras que, si bien no pertenecen a la misma tipología, envuelven todo un proceso creativo que brinda valor al color como herramienta creativa y de comunicación. La relación del ser humano con el color resulta primordial, basta con saber que este elemento es capaz de transformar sus emociones y actitudes con sólo posarse frente a un muro. De ahí la importancia de su uso en la amplia oferta de proyectos: residenciales, institucionales, corporativos, de hotelería, entretenimiento, hasta montajes temporales; sitios que día a día alojan a decenas de personas que, quizá de manera indirecta, son influenciados por lo que observan. Los profesionales encargados de crear espacios, ya sea en arquitectura o diseño de interiores, se ven ante un gran reto: lograr transmitir su pasión y al mismo tiempo facilitar que cada usuario se sienta parte del resultado, y ello lo hacen a través de un gran análisis, desde lo general hasta las particularidades más específicas, que son las que necesitan más estudio para cumplir con las expectativas del proyecto. Este es el caso del color que, más allá de atraer la atención visual del usuario, busca expresar significados y arraigar al ser humano con el lugar en el que se encuentra.

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THE SOFITEL TAMUDA BAY GM ARCHITECTS | MARRUECOS Fotografía cortesía Sofitel

a firma gm Architects, especializada en la realización de proyectos arquitectónicos de hotelería de lujo y centros turísticos, recientemente presentó The Sofitel Tamuda Bay, un hotel de cinco estrellas en Mediek, Marruecos, que abrirá sus puertas a partir de junio de este año. El proyecto combina el arte de vivir al estilo francés con el refinamiento del estilo marroquí. Galal Mahmoud, fundador y director de gm Arquitectos, se aseguró de estudiar el entorno, el clima, la geografía e incluso la topografía de Mediek. De ahí que el diseño involucre elementos de la historia local, a través de una paleta de color con azul cobalto y blanco. Su arquitectura y diseño interior se centra en vistas estratégicamente colocadas, que buscan darle protagonismo al cielo y la profundidad del mar.

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The Sofitel Tamuda Bay cuenta con acentos que revelan la influencia de Marruecos en la obra de diferentes artistas franceses del siglo xx, donde trazos redondeados y aves que habitan en el mar Mediterráneo, son representados con colores vivos en los muros de sus diversas y agradables habitaciones y pasillos. En total 104 habitaciones y suites, ocho búngalos y cinco villas dan vida a una superficie de 38, 128 m2 que corresponde a una de las playas más bellas de la costa norte de Marruecos que, en contraste, brilla ante el Rif, una región montañosa al noroeste de África.

www.gm-architects.com

especial color

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ONE DAY IN PARIS DARIEL STUDIO | FRANCIA Fotografía Dariel Studio

ne Day in Paris es el primer proyecto residencial que la firma Dariel Studio, fundada en Shanghai, realiza en el corazón de Francia, en el distrito 4 de Boulevard Morlan. Su diseño surgió de la mezcla entre la elegancia parisina y el surrealismo, por lo que ha pasado de ser un espacio en blanco absoluto a uno repleto de color. Al entrar al apartamento, un azul profundo a lo largo del pasillo, atrae la atención de manera inmediata; su intensidad conduce hacia la sala de estar, donde la luz cobra protagonismo a través de dos ventanales y el juego de contrastes: blanco con azul en los muros, divididos horizontalmente, mientras que el mobiliario tiene tonos violeta, negro y menta, así como, variantes en madera, mármol y acero. Todos los elementos se comunican entre sí, pues comparten una evidente y muy marcada geometría, misma que comparte con las obras de arte, dispuestas en las paredes. La atmósfera de color intenso se confronta con un ambiente puro y suave: la cocina, donde destaca la funcionalidad y la nobleza de los materiales naturales. Baldosas de color gris oscuro, el suelo de madera cortada en forma de espiga y el equipamiento de última generación de roble y mármol la convierten en un espacio elegante, moderno y eficiente, como lo define Thomas Dariel, fundador de la marca. Por último, el cuarto de baño fue transformado en una especie de selva extravagante, en la que conviven diversas especies de flora sobre un fondo en color menta. Dariel Studio plasmó en el proyecto un toque serio, pero al mismo tiempo juguetón, espontáneo y atrevido, apostando por el buen gusto y la elegancia. www.darielstudio.com

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APARTAMENTO ´ ORDOVAS

DIRK JAN KINET INTERIORS| ESPAÑA Fotografía Lupe Clemente

l interiorista belga, Dirk Jan Kinet fue convocado por Susana Ordovás para realizar el diseño de interiores de su casa de descanso en Madrid, España. Aunque actualmente ambos residen en México, el proyecto fue un detonante para combinar la creatividad de los dos. Susana, quien es madrileña, deseaba sentirse como una turista en su ciudad natal, petición a la que Jan Kinet, respondió transformando un apartamento restaurado que data del año 1905, ubicado a espaldas de la Gran Vía, famosa por ser una de las calles principales en Madrid, donde se encuentran museos y lugares de interés turístico. En la distribución del apartamento Ordovás, el salón principal ocupa la fachada exterior, razón por la cual, los retoques únicamente fueron de pintura para así conservar los elementos originales y característicos del inmueble, como la carpintería

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de las ventanas y el piso de madera. Para el mobiliario, Jan Kinet recurrió a piezas únicas adquiridas en mercados de pulgas, añadiendo un sentido de nostalgia multitemporal a las áreas comunes que se conectaron con las habitaciones, a través del color negro, hilo conductor del proyecto, protagonizado por el retrato antiguo de un caballero quien, a manera de vigilante, ocupa el vestíbulo. Cada una de las habitaciones tiene su propio carácter, con tapices de vibrantes rojos o estampados florales, piezas contemporáneas y clásicas se combinan con mobiliario antiguo y midcentury para crear un ambiente cosmopolita.

Dirk Jan Kinet Interiors

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SAINTE-ANNE ACADEMY TAKTIK DESIGN | CANADÁ Fotografía Maxime Brouillet

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especial color

a escuela del mañana está en Canadá. Así lo afirma el despacho Taktik Design: Sainte-Anne Academy, es un proyecto en la ciudad de Dorval, que sin duda reinventa los espacios educativos a nivel primaria. Esta es la nueva cara de un edificio construido en el año 1896 que, actualmente, cuenta con los últimos estándares de enseñanza infantil, basados en el desarrollo intelectual e imaginativo. Taktik Design decidió ampliar los espacios para obtener mayor luz natural en todas las áreas, y así mejorar la comunicación directa entre los niños, facilitando su desenvolvimiento motriz. La incorporación de un invernadero y un teatro estuvo ligada con la forma de trabajar de los profesores, que busca desarrollar el sentido de responsabilidad y la habilidad creativa. El diseño interior consta de 700 hojas moldeadas de madera contrachapada, que resultó ser un material más rentable comparado al mobiliario que normalmente ofrece el mercado en este ámbito. Además, el

tratamiento de la madera permite su fácil limpieza, en consideración de que los niños buscan descubrir y experimentar con el entorno. Todas las áreas fueron adaptadas según la edad de los estudiantes. Por ejemplo, unidades de almacenamiento y guardarropas en las aulas, responden a la altura de los niños y a sus necesidades específicas. Las señalizaciones se establecieron de tal manera que hasta los más pequeños las entiendan; a través de la asignación de un color único a cada uno de los grupos, el cual es visible en los pasillos. Sin embargo, ante el colorido del exterior de las aulas, los interiores se cubrieron con blanco y negro, para evitar la sobreestimulación visual y la distracción de los alumnos. Todo coordinado para garantizar coherencia y fortaleza en la identidad de los espacios. www.taktikdesign.com 115

CASA RONALD McDONALD

JANNINA CABAL & ARQUITECTOS | ECUADOR Fotografía jag Studio, cortesía Jannina Cabal & Arquitectos

a Casa Ronald McDonald es un proyecto de la Fundación homónima que proporciona alojamiento gratuito a familias de escasos recursos que deban desplazarse a la ciudad de Guayaquil en Ecuador, el servicio está ligado a los pacientes infantiles del Hospital solca. El inmueble se desplanta en un terreno rectangular de 900 m2 con un área de construcción de 1,243 m2 que cuenta con 18 habitaciones, cuartos de juegos y entretenimiento, área de computadoras, comedor, cocina, zona de lavandería, baños con duchas, oficina, sala de reuniones, bodegas, altar, jardines y un patio interno. La casa tiene capacidad para alojar a 70 personas y funciona también como albergue para niños y jóvenes, su diseño permite que cada planta tenga áreas asignadas para atender las necesidades de sus habitantes. El proyecto se enfrentó a limitantes al estar ubicado en una zona que carece de parques. La propuesta de Jannina Cabal & Arquitectos fue crear una planta arquitectónica de organización radial, que rodeara al patio central con árboles. Esto facilita la entrada de luz natural y viento, además de que permite grandes vistas hacia el corazón de la casa. En planta baja se

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prescindió de muros de hormigón para darle paso a ventanales corredizos de piso a techo, mientras que en planta alta se emplazaron los dormitorios con ventanales hacia el centro, creando una circulación perimetral interna. El uso de colores y materiales jugó un factor importante para mejorar el confort y ánimo de los pequeños con interiores poéticos y divertidos. Una rampa de color rojo remarca la importancia de los niños dentro de la casa, la escalera principal en color verde, así como los balcones, ventanas y puertas multicolor, transmiten la idea de diversidad, contrastando con muros blancos y pisos en gris. La fachada está revestida con alucobond amarillo y pintura gris, los cubos que enmarcan las ventanas son de porcelanato tipo madera, mientras que los perfiles y vigas metálicas son negras. Los elementos utilizados en el exterior son autolimpiantes y de fácil mantenimiento.

www.janninacabal.com

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BAR ANGLAIS ÅF LIGHTING | SUECIA Fotografía Tobías Olsson

n octubre del año pasado Bar Anglais fue restaurado. Ahora, es un lugar ideal para el descanso y disfrute de una gran variedad en bebidas y comidas ligeras; el espacio pertenece al hotel Scandic Anglais, uno de los hoteles con mayor prestigio en el barrio Stureplan, ubicado en el centro de Estocolmo, Suecia. ÅF Lighting, la firma nórdica experta en el diseño de iluminación profesional, fue la responsable del diseño. Las lámparas de araña se integran de manera natural con los pisos alfombrados en un tono azul arena, sillas altas, mesas de servicio en mármol, sillones y sofás tapizados en fino terciopelo y cuero brindan confort a los usuarios, rodeados por muros dorados y con acentos en tono borgoña.

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El elemento estrella de Bar Anglais es una isla rodeada por una barra de 19 metros de largo con superficies de mármol, coronada por una colección de volúmenes lumínicos que repiten texturas pétreas enmarcadas con ángulos dorados. Al fondo de la barra, una celosía zigzagueante cubierta de espejos crea la ilusión óptica de un espacio infinito. Además del área común en el bar, hay salas privadas, en las que obras de arte cuelgan de los muros y fortalecen la elegancia, pero también son protagonistas del estilo ecléctico del lugar.

www.af-lighting.com

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BEHANCE/ADOBE INSTALLATION SOFTLAB | EUA Fotografía Alan Tansey

petición de Behance, el estudio neoyorquino, softlab realizó una instalación multicolor en las nuevas oficinas de la plataforma, ubicadas en Nueva York, las cuales presentan acabados, casi en su mayoría, en blanco. El organismo está dividido en dos pisos conectados por una escalera central, dicha estructura se convirtió en el sitio ideal para la instalación, que se extiende por ambos pisos y puede ser vista desde cualquier rincón. La pieza funciona como una especie de lentilla tridimensional que proyecta luces de colores en todo el espacio. Conformada por paneles traslúcidos y multicolores, la pieza crea una transición del rojo al azul, los colores institucionales de Behance y Adobe; en ambos lados se combinaron de manera aleatoria pequeños paneles de otros tonos para hacer aún más vibrante la presencia del color. La estructura que sostiene los paneles cuelga desde el segundo piso, desde la cual se extienden cinco brazos multicolor hasta llegar al primer nivel. Los brazos azules se fusionan como una membrana, para enmarcar la base de las escaleras con un domo orgánico de perímetro rectangular. Por su parte, los brazos rojos terminan en dos aros metálicos que cuelgan a diferentes alturas sobre algunos escritorios de la oficina. Desde la planta baja se puede observar que la instalación deja libre una lámpara circular, colocada en lo más alto de la oficina, que es la que da vida a todos los paneles. El espectro de color fue generado con un algoritmo; cada panel, al ser formalmente único, fue cortado con láser y numerado con un código para su correcta colocación, tratándose de una forma orgánica se tuvo que controlar hasta el más mínimo detalle. La instalación, además, cuenta con una red de tiras de poliéster de color blanco traslúcido, que sirve de estructura, todas las piezas se unieron por medio de remaches metálicos.

www.softlabnyc.com

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GARTEN

REBECCA LOUISE LAW | ALEMANIA Fotografía cortesía Rebecca Louise Law

ebecca Louise es una artista especializada en obras florales que exploran la relación entre el ser humano y la naturaleza. Durante la primavera realizó Garten, una instalación en el centro comercial de concepto Bikini Berlin, en Alemania. Hortensias, peonías y otras especies de flores de temporada conformaron la puesta que, durante el periodo del 23 marzo al 1 de mayo, atrapó la mirada de los usuarios del centro comercial. 30,000 flores, donadas por el Dutch Flower Council, formaron cadenas con alambre de cobre de diferente longitud que caían desde una jaula aérea de acero al centro de la planta baja del edificio. A la manera de una lluvia impregnada de color, las personas se encontraban con la naturaleza, su belleza y su misteriosa inmensidad. www.rebeccalouiselaw.com 120

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SOFTTEK TOREO

PENTÁGONO ESTUDIO | MÉXICO Fotografía Adrenorama, Pentágono Estudio

ofttek es una empresa global dedicada a la solución de procesos de it (Information Technology), que necesitaba el brandscaping para sus instalaciones en la zona del Toreo. La firma responsable de este proyecto fue Pentágono Estudio. Pentágono Estudio se especializa en soluciones basadas en las artes gráficas y resolvió las diferentes necesidades de las áreas de Softtek a través de un diseño colorido, organizado y lúdico. En los dos niveles del corporativo se distribuyen las áreas de trabajo en andadores identificados con letras del abecedario y un color único. Los colores, aunque pertenecen a una paleta de tonos fríos (verde, azul, violeta y amarillo) son utilizados de manera atractiva, y con la flexibilidad del blanco y el negro, generan mayor atención en su diseño. Cubículos de cristal con patrones geométricos en el mismo color y acabados mate, ofrecen una propuesta basada en dinamismo y sencillez. La distribución del mobiliario ofrece a los empleados la libertad necesaria para desempeñar sus tareas de la mejor manera. En los espacios compartidos se alojan barras sobre la pared, que ahorran espacio y permiten la relación directa entre los usuarios. La señalización, comunicación e iluminación, además de tener trazos limpios y concretos, generan un ambiente fresco y limpio, óptimo para realizar un buen trabajo. Y, por supuesto, las áreas abiertas y comunes juegan un papel importante en Softtek, en estas se encuentran obras artísticas que ligan a los empleados con un entorno distinto al de su zona particular de trabajo, lo que busca fomentar el sentimiento de pertenencia y el trabajo en equipo; de este modo, el centro de trabajo adquiere un carácter altamente afable y eventualmente, productivo. www.pentagonoestudio.mx 121

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AD61

ZD+A | MÉXICO Fotografía Jaime Navarro

d61 es el nombre que recibe este proyecto del

despacho mexicano de arquitectura zd+a y que consiste en un conjunto habitacional ubicado en el área Nuevo Polanco, un punto clave de la Ciudad de México en los últimos años, debido al crecimiento comercial de la zona, impulsado por la construcción de las plazas Carso y Antara. El proyecto está integrado por dos torres rectangulares que albergan 128 unidades de diversos metrajes entre 50 y 150 m2 en 15 niveles, además de una alberca, un salón de usos múltiples, un gimnasio y cinco sótanos de uso común. La decisión que tomaron los integrantes de zd+a (Yuri Zagorin Alazraki —su fundador—, Erik Alfonso Carranza López y Felipe Buendía Hegewisch) de construir los apartamentos de

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diferentes medidas y opciones de forma y distribución, fue satisfacer las distintas necesidades, gustos y estilo de vida de sus usuarios potenciales. A primera vista, la fachada propone una degradación de dos materiales que contrarrestan las limitaciones del terreno de 2, 015 m2, rompiendo sus planos y su verticalidad. Las bandas horizontales color rojo y blanco permiten visualizar ambas torres como una sola. En el interior de los departamentos se percibe una pureza única, así como acabados naturales y detalles en tonos mediterráneos.

www.zda.com.mx

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LA PURÍSIMA BANDADA STUDIO | MÉXICO Fotografía Jaime Navarro

uando el Centro de Desarrollo Integral para niños (cendi) de la Delegación Iztapalapa, en la Ciudad de México, rebasó su capacidad, fue necesario construir uno nuevo y fue Bandada Studio, firma dirigida por el arquitecto Iván Valero, la responsable del proyecto: La Purísima. La constitución del nuevo cendi —de 940 m2 cambió de manera drástica su uso y condiciones, pues la superficie fue multiplicada al igual que el volumen interior. Ahora, el cendi cuenta con patios y lucernarios que proveen la iluminación

natural necesaria para las diversas actividades de los niños, además de una ventilación cruzada en las aulas, salones y sanitarios, lo que representa una mejor calidad en el aire. Bandada Studio consideró necesario mostrar una imagen innovadora que estimulara a los niños y, por supuesto, a sus padres, por lo que usó paneles de cemento y madera en colores cálidos y mediterráneos. Para la fachada, la firma experta en planes urbanos, de espacio público y edificios a diferentes escalas y con proyectos en Ciudad de México, Alicante y Barcelona, optó porque las ventanas exteriores fueran traslúcidas o filtradas para así imposibilitar el contacto visual de los niños con extraños. Otro cambio destacable es que ahora el cendi La Purísima cuenta con cocina, zona de mantenimiento y de intercambios de abastecimiento y residuos, estos, aislados de los niños para evitar accidentes y enfermedades.

www.bandada-studio.com

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DISCO CLUB ESTUDIO GUTO REQUENA & MAURICIO ARRUDA | BRASIL

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Fotografía Fran Parente

isco Club es un espacio de entretenimiento nocturno en São Paulo, cuyo principal distintivo arquitectónico es la exposición de su infraestructura hidráulica; tuberías, aire acondicionado y tecnología digital que interactúan entre sí, crean una atmósfera inusual que cautiva a sus visitantes. Para obtener diversas texturas dentro del lugar, se emplearon materiales nuevos y viejos que le otorgan identidad. Por ejemplo, su perímetro está cubierto con tablas de madera de ébano en forma vertical y con diferente anchura, lo que permite una acústica perfecta; la parte superior de los muros cuenta con placas de fibra de cemento que generan un efecto degradado en conjunto con la iluminación. Otro material que resalta en el club es la cerámica, localizada en los mosaicos del área del bar y en los baños. El diseño de mobiliario de Disco Club se centró en sillones de textiles y cuero negro, combinados con madera y mesas laterales que combinan el estilo conservador del hormigón con la sofisticación del acrílico brillante. Todos los elementos no lucirían igual sin su apuesta por la iluminación: una extensión de 250 metros lineales a lo largo del marco del lugar con rieles metálicos con cintas led, que se desplazan y cambian de color dependiendo del ritmo musical y del ambiente que impere en la pista. Uno de los principales atractivos del lugar es su acceso, un túnel resultado de una intervención del artista brasileño Kleber Matheus, la primera sorpresa para los visitantes del club en la que conviven contrastes de color visualmente fuertes y trazos inexactos. www.gutorequena.com.br www.mauricioarruda.net 125

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COLOR Y

TENDENCIAS Texto Pamela Ruiz Ilustración Martín Pech

“Si quieres que un color contraste agradablemente con el que tiene al lado, es preciso que observes la misma regla que observan los rayos del sol, cuando componen en el aire el arcoíris, cuyos colores se engendran en el movimiento de la lluvia, pues cada gota al tiempo de caer aparece de su respectivo color” Tratado de Pintura. Leonardo da Vinci

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a relación del ser humano con el color ha llamado la atención y propiciado la reflexión de estudiosos de muy diversos ámbitos, desde la física, la psicología o el arte, por mencionar algunos; así mismo, tiene impacto y un papel fundamental en las creaciones de artistas, diseñadores, arquitectos que se sirven del color para transmitir emociones o ideas en todo aquello que producen. Pocas veces pensamos en la importancia que el color tiene en nuestra vida cotidiana. Es algo que damos por hecho, los colores están ahí y nosotros los percibimos, reconocemos algunos objetos por su color y consumimos otros basados en lo mismo, si nos llama la atención o no, si nos gusta o no,

pero a qué se debe todo esto, qué pasaría si no los pudiéramos percibir. Ya desde el siglo xvii, Isaac Newton propuso la teoría de que el color no existe; a través de varios experimentos, determinó que el color se encuentra en la luz y que cuando choca con los objetos, estos absorben ciertos colores y reflejan otros, nosotros percibimos aquellos que son reflejados. Esta teoría empezó a tener ecos en las nociones de cómo percibimos el mundo, y sobre todo, de cómo lo representamos. Más de un siglo después, Wolfgang Von Goethe, en oposición a la versión puramente física de Newton, propone que el color también depende de nuestra percepción, de cómo funciona el cerebro en conjunto con la vista, y que estos

Pocas veces pensamos en la importancia que el color tiene en nuestra vida cotidiana. Es algo que damos por hecho, los colores están ahí pero, ¿qué pasaría si no los pudiéramos percibir?

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factores afectan de forma directa en nuestras emociones, pues como seres vivos, respondemos a estímulos, siendo el color uno de ellos; esta teoría dio origen a la Psicología del Color, disciplina sustancial dentro de los procesos creativos contemporáneos del diseño, arquitectura, arte, publicidad, etc. En la actualidad, han surgido varias teorías alrededor de la propuesta de Goethe, algunas a favor y otras en oposición, pero se ha reconocido que efectivamente, el color tiene influencia en nuestros estados de ánimo. Dentro del ámbito creativo, esta idea se ve manifestada de diferentes maneras, desde los estilos pictóricos como los de Rothko o Gerzso, donde los campos de color son los protagonistas, en la relación entre el color y la luz en la arquitectura como en los trabajos de James Turrell, hasta las tendencias en el diseño industrial o textil, por ejemplo las selecciones que hace Pantone Color Institute para el Pantone color of the year.

A propósito de este último ejemplo, el Pantone Color Institute explica cuáles son sus criterios para elegir los colores, con la idea de generar una tendencia en el diseño; mencionan que el aspecto emocional del color influye considerablemente, y que está relacionado con el ambiente cultural del momento, es decir, qué es lo que está pasando en el mundo, cómo lo estamos representando y qué nos dice esto de nosotros mismos como sociedad. Al tomar en cuenta estos factores se pueden generar tendencias que permean los diferentes ámbitos creativos, marcando estilos y también épocas. El color está presente en nuestro día y día, nos afecta de forma consiente e inconsciente, valdría la pena poner un poco más de atención en los colores que nos rodean, en aquello que nos gusta y en lo que, como creativos, podemos producir; tal vez como un ejercicio para comprendernos mejor, como individuos y como sociedad. 129

P. 38 ARQUITECTURA EN MOVIMIENTO THE HUNGER FOR DESIGNING SPACES Glocal Design Magazine met with Eduardo Micha, Fabio Correa and Gabriel Merino, from Arquitectura en Movimiento, a studio with multiple callings that in its 20 years of existence has not stopped designing spaces. During the chat about how to start an architecture studio, the question was made about if there were any interested parties. This was 1996. Only three of the students there raised their hands: Eduardo Micha, Fabio Correa and Ernesto Terán. That is how the adventure began. The first step was to open a small office. The desk that had to be shared forced to work shoulder to shoulder, to make every decision as a team, just like they had done at the Anáhuac University and they would do in the future. Twenty years later, around the group of worktables, Micha and Correa–no longer with Terán, who now live in Panama, his country of birth–analyze the projects that reach them, along with a workteam where everyone is an essential cog in their well-oiled machinery. Nothing has changed, Arquitectura en Movimiento, is a workshop above anything else. It has always been so. In 1994 Eduardo worked in an Italian imports designer furniture store (it was called Interiorismo, by the way), which closed after a short period of time because of the catastrophic drop in the exchange rates that struck on that same year. Still, that business left him with a few clients who were the first to contract his services once the studio was fully operational. It was in 1998 when they built their first house. Their desire to be innovators and experiment lead them to rework the client’s order, to change in all of its aspects. “We were asked for a Mexican-style house,” Fabio tells us “and a week before our delivering of the project, we thought: this is not what we want. So, we went back to the sketching of something that made far more sense to us, something more free, with a more organic feel to its lines.” They started from scratch, taking risk; and it was just this risk, this search for the organic feel and its living forms, what led them to name themselves Arquitectura en Movimiento. They have diversified their work, coming up with architecture, furniture, design, interior design, urban art, and real estate development and construction, all of it with an incredible speed. Ever moving, always mutating. Nowadays, they have over 200 projects, where their main characteristic is not having any main features at all. In their two decades as a studio and workshop, Arquitectura en Movimiento has decided not to have a defined style. The only thing they acknowledge as constants on their work is the passion for designing spaces, the refusal to stand still. They do not stop nor they want to. They cannot. We do not have a style Arquitectura en Movimiento develops discreetly within the industry, remaining low-key. The firm is more well-known than its members. The works are better known than their author because there is none. At least, not one with name and surname looking for the accolades. There is no cult of personality in their work. “When Ernesto, Fabio and me became partners,” Eduardo notes, “we thought about Arquitectura en Movimiento, not in Micha, Correa or Terán; it was always a collective.” Gabriel Merino came on board in 2006. “The day I met them, they talked to more about architecture and ideas than about themselves and where they had projects or clients. In Arquitectura en Movimiento, architecture is always at the forefront, concepts and ideas are at the vanguard, this is the way our studio is.” In their recent work we can perceive the counter-positioning of elements as a theme; an even though this might seem intentional, the point of it being perceived as an active search, they think differently. They do not see it as premeditated, in fact. The even firmly declare: “we do not have a style, our projects are always different.” And that is so. There is neither brand nor pattern nor model. There is movement, geometry and vertigo. A lot of it.

Water leaps and splashes For Arquitectura en Movimiento, the constant work decants the intentions in their architectonic wager. All of its members like to learn and what they receive, they consider it part of a cycle. Recently, the wokshop has looked into generating spaces for the people that are not the main users, without fear of crossing the boundaries. Besides delivering their projects, they are attracted to the idea becoming alive and overflow, so to speak. The latter seeks to enhance the immediate surroundings. The communal, what is local, the neighborhood itself. In accordance with the global trend of building small nuclei within the cities, which improve human relations and empower social integration, Eduardo Micha refers us to the building they designed and located Benjamín Hill and its exterior areas. “Indeed, that part is to give back to the city, if it had stayed in the interior it would have become a dead space. It did require much to design outwardly. Today, the result is that every time you walk around the zone, there are couples kissing or people sitting down and reading a book. We have even seen policemen having their lunch there. All sorts thing take place out there.” Life itself, to mention the grandest of examples. Gabriel sums it up with a metaphor: “is just like when you are near a fountain. Water leaps and splashes, and with the drizzle you freshen up; it is the fountain that is splashing at you. That is the idea. We play with the elements. They do not have to be 100% physical. By designing spaces, we can generate and ‘splash at the town’ with other things.” Fabio adds: “there’s an exclusive architectonic, that is the one with the planters with pointy railings that are meant for no one to sit or enter and trample the lawn. What we look for is the exact opposite to this. At the building at Colima, for example, we made a place where everyone who walks can sit or go inside if it is raining. This area has a garden, a bench, good lighting and free internet access. And you can just sit there is you are tired, as if it were a little oasis. If you go near there right now, you will find people sitting or children playing.” Hunger for design As one comes to know their story as well as their work ethos, it is perfectly clear that, truly, movement is one of its constants. Deliberately, they do not commit to a single style. Not even with a specialty discipline. Since their beginning they embraced interior design. But they also project, build and develop. They are architects, they love their work and it immediately shows. Their faces say it, their body language does, too. Faced with the question about what is it that they enjoy doing the most, whether architecture or interior design, Fabio answers without a doubt: “I like both things. Personally, when I design a building or a house, I immediately imagine the interiors.” “For me, the most enjoyable part is a new challenge, when someone asks for something different,” Eduardo adds. Gabriel also intervenes, enthused: “this hunger for design, for solutions, is a common denominator for the whole studio de. Yes, it is very clear there is a line between urban art, planner, architecture and interior design; but every challenge thrills us. This hunger for design is never contained. I believe that is why we are open to every proposal.” This is why we see their projects being so many and varied, the difference between one another, the differentiation in reach land their multiple façades. Arquitectura en Movimiento, makes warehouses just as it comes up with buildings, restaurants, small stores or ambitious malls; a special type of brick, uniforms, couches, luxury movie theaters; they engage in minimalism as well as in excessive, heavily loaded atmospheres. There is no danger in being intimidated, they are voracious. Spectacular harmony In the Mumbai region in India, there is a project that has been hailed by the media specialized in architecture an interior design the world over: the apartment SDM, a two-story surface over de 500 m2 that belongs to a private project designed for a family. That is one of the their most renowned projects, due to a peculiar oak stair with an

organic and conceptual design, that is spectacular as well as harmonious. With absolute honesty, the members of the firm acknowledge that the stair is far more famous than any of them. They are not exaggerating. “We never thought the stair was something that would get published everywhere,” Eduardo assures us. But the sdm apartment is not just this stair, in its conception there is a treatment of space that is practically personalized; one that integrates vanguard design with the traditions of the family inhabiting it. The latter is related to one of the Arquitectura en Movimiento’s goals that was set from the start, design outside of México, and it has to do with the constants they already mentioned: the hunger for design and movement, the non-style as method. New York and Mumbai are two of the cities where they have taken their ideas, just to mention two examples, convinced about the universal nature of architecture and their passion for learning. “I believe, ”Eduardo points out, “there should not be borders anywhere, especially in architecture, architecture is already global, we should be abolishing more borders every time. We must be ever more inclusive, more global each time.” Developments, design sells Eduardo is the accounting man, and he is also creative, playful and restless about it. Aware that there not always are clients with a project in mind and always searching to have something going on, he came up with the idea that added to what they were already doing, they could become developers. That was their initial motivation, so they diversified into this area and successfully, as well. “We started with the developments some eleven years ago, I think; the first buildings were Bolívar and Calle 47. Design sells; the developments we have built are always loaded with design concept, and new ideas for the most part. But the most important is to always offer high yield, the best possible. The investors are persons that, above everything else, trust us. So we look to offer them the highest yield possible.” The investors working with Arquitectura en Movimiento have dons so constantly. Not only because of the financial gain; besides getting their investment back and obtaining nice profits, they like to be a part of the projects. “There are two things,” Fabio points out, “they want us to offer them a good business and we want to practice architecture.” That is how it happens. Both parties are satisfied, but even with this satisfaction, the desire to practice architecture remains. Their hunger for design has not been sated. Nor will it ever be. Twenty years after their founding and over 200 projects of all kinds, Arquitectura en Movimiento preserves its enthusiasm about that chat where they were asked if anyone was interested in starting a studio. Eduardo Micha, Fabio Correa and Gabriel Merino, are still the first to raise their hands, infusing their interns and younger collaborators, their partners, clients and friends with that same enthusiasm. There are still many things to be done, projects to be won, development to build out of nowhere. “In the end,” Fabio concludes as he smiles with an almost childish face, “we are doing what we like, I still wake up every day, excited to go to work. I still do.” We believe him, of course. P. 46 ANISH KAPOOR: THE CONTROVERSE IN INSPIRING AWE WITH FORM Anish Kappor visited México City for the opening of his “Arqueología: Biología” exhibition that takes place in the Museo Univesitario Arte Contemporáneo (muac). This space, designed by Teodoro González de León, according to Kapoor, is the best place where he has had an exhibition because of the special relation achieved between the artistic work and the surrounding architecture. We had the opportunity to have a conversation with him regarding his daily life, but even more importantly about the reactions people have concerning his work. The sculptor creates his pieces with an architect’s vision, where experiencing goes beyond the mere act of simply observing them; they are made to be lived and as with life

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itself, Kapoor knows these will be conversation starters and will generate discussions about their reasons, their shape and their validity as works of art. When Glocal had the chance to listen to him, the sculptor reminded us about his exhibition at the Versailles’s gardens in 2015. “It was a bit controversial. With one piece in particular, a group of journalists had the idea to rename it ‘the Queen’s vagina’, and in a curious manner—one that would have made one Mr. Freud a nice income then—the moment it was turned into a sexual object… and it is not a sexual object… it is as if I put this glass on its side like this and I showed it to you, there’s nothing sexual about it! Still, the moment it was sexualized and the named referred to a part of the female anatomy, it seems to have sparked the need to express and display hatred against the piece. I consider this to be a very interesting social and public phenomenon, quite French, especially when we consider this as French incident and French, as we understand it, is something related with a liberal sexuality. If we did this we would come top the conclusion that France is quite liberal… but it really is not. At all. They are quite conservative, especially in Versailles. Of the Ultra Conservative Right Wing sort, actually; totally opposed to progessist outlooks. Well, when it was first vandalized by doing con graffiti on it, I decided to remove it just like it is usual with this kind of situations. “Then, it happened a second time and this time with very violent messaged and ones of an anti-Semite nature. This time I decided to leave it there and it was in that moment that French authorities, doing their job as authorities, decided it was time to intervene and they cited me to appear in Court, under the accusation of being me the one who was displaying Anti-Semite messages. Quite interesting, in fact, as it was a complete reversal of what had actually happened and ended up transforming me from victim to perpetrator. So I was ordered to remove the graffiti and I immediately refused as, about that time, it was a battle they had made personal so I decided that the only way to fight it was giving and artistic answer. So I covered part of the letters with gold leaf because, of course, Versailles is synonym to opulence. After I was done with it, I was hit by the question about which was the piece. The original structure or the letter covered in gold leaf? Precisely in a time where we see so much people displaced and the majestic places of ancient Middle Eastern cultures being destroyed…e in a time where we are living under a terrible cultural conservatism… I am convinced that it is very important to take this stand and always act upon it. “My answer is that it is valid to deal with controversial subjects, understanding we must not censure ourselves and we place ourselves in a position where it is not possible for us to express what needs to be said. We must always be very clear about that it is the market the other part of art’s equation, and that the market is a tyrannical entity that both dictates and validates, bur for the artist who wants to delve in a very concrete issue, if everything is for sale, how can anything be controversial? So for me, the artist must remain slightly out of if the market’s influence. That is difficult, for all of us. As citizens, as artists, as public persons… it is very difficult to remain outside the influx, but I do believe its is very important for us to do so, in some way.” One of the qualities we admire the most about his work is his ability to make the spectators come back to watch his pieces several times. We said so to him and we asked about what it was that he expected from the public, and Kapoor answered directly: “For me it is very important that people go to museums and ask themselves ‘what am I looking at? Why is this art? Is it interesting? I think those are very good questions because they drive us to analyze the value of culture, the value of the aesthetic experience. The make us question why is it so complex o why it has so many words… my personal adventure in all of this, I we can call it that, is that I am interested in understanding how the individual experiences an object and where the act of observation is not centered on an conventional narrative made out of words. I like to see the reaction in front of the piece, seeing how the relation between material and meaning is expressed or conceived. My interest is in the individual responses and where these

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are alike and where they become divergent. This nurtures me and, of itself, fills me with new questions that become pieces that will generate new responses. That is the marvelous nature of form.” We talked about the qualities of mirrors and what these transmit to the spectator, and he replied to us, categorically: “Mirrors are very complex objects. Over many years I created very dark concave shapes. They created spaced “full” of darkness. The concave mirrors I have worked with are likewise full with this specular quality; this is where what is most interesting emerges: the challenge to look at oneself deformed o perhaps inconclusive; when they see another image of themselves, the onlookers question their nature and it this moment when art is already fulfilling its purpose. I am searching for the non-object. With mirrors, I am interested in their quality as non-object quality.” Kapoor usually make studies about the perception of scale for each of his works; both for the physical and psychological effect. So we asked him about “the mental sculpture” he has referred to on several occasions, and he declared: “Scale is everything in sculpture. I am not afraid of making larger pieces because massiveness is one of Sculpture’s tools. Quoting Barnett Newman, scale is a matter of content, not size. That is why it is important to always mind the meaning and the sense of a piece that seduces us with its poetry. As I vehemently believe in the concept of the non-object, I can conceive a piece that exists only in imagination.” We asked for him to tell us about what is a regular day in his studio and his creative processes. Kapoor replied that his is like any regular person and that he enjoys the mornings. “I arrive early to my workshop, at eight o’clock maybe. I brew myself a coffee and I read for a bit. Soon afterwards my staff comes in and we go through the things left pending for that day. The pieces, the materials used for working on. It is a very big space as only this way I can assess the scale and the shape the piece results with. At five o’clock in the afternoon I go out for a walk, to see the city as I am interested in observing what happens outside; I always find a lot to admire in humanity and the cities.” As part of the exhibition, MUAC developed a mobile app to complement the observation of the showcase through a virtual reality experience, and we enquired about the future of art using these tools, to which Anish replied: “It is useful, yes, to maximize the experience for the human being; it is wonderful, but I would be rather cautious as I am not so sure about the senses being completely alert.” P. 50 ROSANNA ORLANDI: WAITING TO FIND TALENT AND BEING ALWAYS ON TARGET Rossana Orlandi’s work goes beyond Spazio, the old factory she turned into the most reputed gallery for the European design industry. She is interested in sharing talent and innovation worthy of being noted. Thus, a career more than 30 years long spent grounding the industry based on new talents, arrives at the Salone in Milan, to continue to awe us with her more recent discoveries. A woman who loads of work and enormous responsibilities, Rosanna Orlandi is always busy everywhere she goes. Nevertheless, even when her activities with creators, entrepreneurs and media require most of her time, she took the time to sit and chat with Glocal about the way she makes her selections and where she looks for the talent worthy of being showcased and shared. She quite rapidly took us up on our word and clearly stated that being a part of the various exhibits at Spazio Rosanna Orlandi is not achieve a spot in the best platform possible, but the unequivocal confirmation of the consecration of the creators thanks to their talents and efforts, and the statement by Orlandi about the rest of the world doing well in paying attention to the works by these individuals. “We have no specific places. We go to many, many major events and small exhibitions. We go to see what is shared with us there and in several occasions, too many, we don’t find someone who fulfills our ideas and our selection criteria. I have neither preferred spaces nor trends nor origins. I allow

the talent to speak for itself. We find talent anywhere. That is how it happened with Orlando Academia many years ago and we still work with them. But it isn’t a unique place, even when there exist those vents where it is more probable to have this junction of potential and talent, of course. Still, we have seen and promoted American, Korean, African, South-Africans creators… we must admit we have designers from all over the world.” Given Rossana’s importance and career, and how it grew faster after 2002, when she opened her Spazio gallery, we asked how it was possible to pay attention to what was happening in the design world and where were the best or most interesting proposals to be found at the moment. She replied categorically: “The is no one group or incubator where to obtain ‘the best’, but if you ask me to tell you where the current pulse and the most interesting design proposals are right now, I must say these are in Italy, and you have to understand that for many long years we did not find one Italian designer that whose work we could display. There was not one that commanded our attention. Yet, now for our showcase at the Salone del Mobile 2016 that we called ‘Up in the Sky’, we found ourselves with a considerable number of interesting creators, and that is what can be seen in the room we curated for this year. It is the first year that we have more Italian proposals that from any other countries. I can say without fear of exaggeration that there has been a ‘boom’ in the Italian design landscape and that is something good. It is not absurd competition, but a real intention of coming with proposals and innovating with a sense of functionality and aesthetics. It is something that nurtures the national scene and reflects into a kind of creative ‘wave’ where the talented offer more and are more notorious because they are many and very interesting. That is what we brought here for this edition of the Salone.” In respect to her experience with the development of the event, we wanted to know if she felt her objectives had been achieved, and if the proposals that they had selected were already generating interest on the major firms’ part. “I am glad to say that this year we now have many Italians working for the gallery. That speaks of growth and can only be beneficial. The, nationalities aside, we dedicate ourselves to bring the entrepreneurs and designer together to promote collaborations and observe how projects are born. It is important to mention no one calls us and requests us to present them with someone; it is us who propose collaboration between them because we believe both parties are fit to work as a team. We have always operated like this; we like to see how we showcase a piece and from the meeting we initiate, this gets produced and ends in the hands of the public. It makes no sense to point at talent without generating new opportunities and presenting it with new challenges. That is why when we have a talent we believe to be the ideal for a certain kind of project, we call the company we consider the most adequate and we merely suggest. We are not asked for people. We do not do that. Our role is to suggest an interesting way to bring talent and resources together. Our work does not go beyond being the ones who display the pieces and recognize the talent of those who created them, telling the world that here we have something worthy of their attention. Just that.” P. 52 RON ARAD: WHEN CREATIVITY IS A GAME IN THE PERIPHERIES Ron Arad studied at the Academy of Art in Jerusalem and later at the Architectural Association School of Architecture, in London. On 1981 he cofounded his first firm and ever since then he has not stopped reinventing his image as an entrepreneur and producer of projects as varied as the shapes of his pieces, as well as what he discovers on his strolls around the cities in each of his most recent visit. Not a month ago, during the Salone 2016 in Milan, we were lucky enough to have a conversation with Ron Arad who after one of the tiresome days of the fair, sat with us and talked about his long-lived career and his most frequent ideas, presented in very different ways.

“When people tell me that I started as and artist and the I turned into an architect, I always note that it is not about stop being one thing in order to become another. I mean, independent of what I studied first and what came later, I make architecture and I make art and I make design, and I play ping-pong, too. A new scenery does not erase or negates the previous one. One thing does not contradict the other. It sis true, the world would like to put you in a very specific compartment; journalists writing about architecture do not want to talk about art or design, but… who cares? It is about the creator, about his creativity and this is not compartmentalized. Let us just say the work is an integral part of everything that makes the creator be.” Ron loves shape and he experiments with it, that is why we wanted to know how he prepared for a project and just how much of his personal experience in Israel reflected into what he did. “Well, I spent my childhood in Tel Aviv and afterwards my youth took place in London, that is a city that has a universally very specific image because of the literature, cinema, theater—and it never is exactly how you imagined it because of those descriptions. It is a city you build with your experiences and that takes you to discover it again… just like an artistic process or an architectonic project or the development of some design idea. Every time you get ‘there’, you start discovering it again on your own. Just like me in London, that is the metaphor that I like to use: you arrive as a foreigner and it has its advantages to the outsider, as you start discovering the spaces and corners this thing which will now be your city based on what you observe, experience and give back. Being in that position liberates you of commitments and then you can do thing in your own way. It also happens that that I am told that the creativity in my family is something special, but I do not see it that way. That is just life, full of conversations and these are full of ideas that form chains that turn into projects. That does not have anything to do with being special, but seen from the outside, I must admit that I had a privileged childhood because it allowed me to feed on these ideas and put them into practice. This even gave me the opportunity to participate in the creation of the first Design museum in Israel, and during that process I came to discover something I had already thought about but had not directly experienced yet: many times, in the periphery you stumble into and energy that is not there in the central areas. Things are magnified in their importance as you step away from the center where everyone wants to converge. For example, in Poland there are individuals that know more about my work than what I know myself, and just know I walk around Milan and see it full of designers that do not have a presence in the Salone, but who are full of energy, full of creativity and interesting proposals. Everything is very intense, so fresh… alive. Thus, the process does not end and the conversations continue and I rediscover those cities and ideas for my projects, through the eyes of the foreigners that were already there, but that I had not seen before.” To close our conversation, we asked him about his 25-year collaboration with Moroso, which was showcased during the Salone del Mobile 2016, and the experience of working with them. “It is quite obvious it is simple to do it. We keep ourselves busy, and it is dynamic and very productive. It as family company and it is clear that thing between us, even though they have a business purpose, are kept in a cordial and friendly level based in the mutual respect in our respective abilities. Maybe this is why this collection is full of chairs, couches and sofas with such varied shapes… on hand, they are as different as the individuals in a family and their close friends, and then they are the ideal place to sit and share, exchange ideas and generate those things that make us grow just like that… a family.”

P. 54 OKI SATO: THE PASSION TO SURPRISE, TAKING THE TIME NEEDED Born in Toronto, Canada, Oki Sato graduated from his Master’s Degree at Waseda University in 2002 and on that same year, he inaugurated the Nendo offices in Tokio. Only three years later he won the industry’s admiration and ever since we have the Nendo offices in Milan. His work is very renowned and quite sought after, as shown by 18 international awards, and during Milan Design Week and the Salone del Mobile 2016, the Glocal team could be a witness of this. Getting near Oki is an interesting experience, to say the least. For someone so young and with such a dynamic successful career, from whom one would expect a storm or rapid answers given his busy schedule, and seeing the calm and time it takes for him to do absolutely everything he does, starts forming a very precise image of the designer and artist in our minds. We get closer to a table he suggested with a amiable and sincere smile, located in a tranquil corner, and we start our conversation about what had happened during the Salone. “Yeah, sure. My pleasure. Well, this year we showed our work for different collections and this one here, is our individual showcase. We are at the atrium of the Saint Simpliciano’s Basilica, the place that was assigned for us to display our installation called ’50 manga chairs’, that is inspired in the Japanese Manga comic books (‘manga’ means drawing). It turns out that when I was a child, I liked reading manga and my parents got angry with me because I would hide in my room and read manga. It was a situation where I felt awkward because if I went to galleries and museums, my parents were happy with me, but if I read manga they would be angry. A lot. I could not understand why. Maybe it was because it was ‘popular’ culture —understood as ‘not serious’— and I was always convinced there are two forms, two channels, to communicate; two avenues for inspiration and… why is everyone angry at manga? So I started to think a lot about that kind of comic book and how it is a part of the Japanese culture and its way to express feelings, emotions and movement also, using very simple black lines, ink and a brush and little else. This got me into thinking about the possibility of me using these techniques in furniture and, at the end of it all, I ended up with fifty chairs with a mirror finish.” The result of his research and proposal process is very clean and just how he notes, fun, too. His main intention was to create a space where people could relax and enjoy themselves. “If we look at it from the perspective of what it offers, it is interesting because all the textures are in the walls, there is this contrast between brightness and opaqueness, light and darkness; always changing in front of our eyes, the new and the old… but far from overwhelming, these give the sensation of familiarity and calm, that as a set work perfectly and the chairs reflect it all. They intensify the light and shadows, when night comes they get lighting and the multiply the light beams and everything end up being a part of the nature, too. Of this particular space’s nature and that of the sky right above us. The curious and amusing thing for me is that there being all this chairs here in the middle, people are sitting on the bench at the sides; and that doesn’t take away their value but, as I see it, it adds one more solution: being objects of contemplation and entertainment. In a way, that reflects the process I went through when I was working on the project: I thought a lot and had fun with my proposals, and I ended with an interesting sense of peace, a joyful satisfaction... very similar to what people say they experience here.”

P. 56 SACHA WALCKHOFF: COLLABORATING AND REBUILDING WITH THE STRENGTH BORN OF JOYFULNESS With a professional career spanning almost two decades and a style that is both dynamic and adventurous, but that doesn’t break with the Lacroix canon, Sacha continues to be one of the most interesting proponents of innovation and the use of textiles in personal projects that never cease to amaze the public at Milan. Sacha is a happy, energetic and, above all, a very observant man. His world is full of possibilities and unexpected combinations. This have led Lacroix—the firm he commands—to have a collaboration with Moooi, born out of what he describes as a “relationship between men.” “It was all very fun. I love what Marcel does and I have bought several pieces from him, which can be seen in a photo session taken at my apartment that was published in various magazines around the world. In one of these, Marcel read about me talking about him, even though I have not met him in person, and I commented about his work and how much I loved it.” Renowned for his sincerity and admiration for the works by designers from all over world, ever since he took charge as Director of the Lacroix studio-workshop–in 1996–he evidences this in every one of his pieces. “My mentioning of his work made him write a letter for me that read: ‘thank you for talking about me, I love your apartment’. Along with the letter he sent me two autographed books. I thought this was a joke because in France, there not one designer that would do this, either because they would not dare to go to these lengths or because they consider themselves too ‘chic’ to do such things. This is why I called Marcel’s publishing house in Holland and told them that, apparently, I had received these books from him and I did not know if I was right in my assumptions. Their answer was that of course I was, he had personally mailed them. So, in reciprocity and as appreciation of his efforts, I invited him to a Lacroix fashion show for men, he accepted, came over and that is how we met in person. This was four years ago and ever since then, we have been friends and on Christmas 2014, on Christmas Day, he called me and told me they were preparing to launch a line of rugs and that he would love it if I could make one as part of a collaboration between Moooi and Lacroix. I accepted, remembering I had a drawing for a handkerchief I have right here with me, which we had released that same year, and I sent it to him. He said ‘I love it, that one is perfect.’ I was already done and this was all through whatsapp! So, here we are in Milan, after the first rug had met with a lot of success last year and now we are showcasing a complete collection.” The work displayed by Sacha for the Lacroix collection is always characterized for its audacity and the expert use of on the textiles, thus it was not unexpected to find the collaboration with Moooi had such a noticeable effect on the public. “For this occasion, we were asked to make them a more formal proposal —in terms of procedure— and the result is that now during the Salone we present this rug in four versions, these two carpets—one more classic in style and the other a lot bolder. I am very happy because I like to collaborate with Marcel, a lot. He is an incredible person and it is very easy to work with him. As a matter of fact, I had my doubts about it, so I sent him the design and Marcel told me: ‘I love it, I love it! But we must make more color versions!’ For me it is fantastic to be in this collaborative relationship because Marcel has this strength that I can only define as one born out of joy; and for us at Lacroix, me and France in general, that is very important because as you know this past year was terrible, very hard… we are in sore need for this joy. But this pain also gives us strength and drives us to do better and more beautiful things. Now, in this moment, I do not propos any specific solutions. The solution is for us to set out and do things like these.”

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P. 58 BERTJAN POT: THE PLEASURE OF CONSTANT EXPERIMENTATION AND LONG-TERM INVESTMENT In the international events where Glocal has recently been present, we had the opportunity to sit and have a conversation with Bertjan Pot, the Dutch industrial designer who decided to leave the industrial out of his design for a bit in order to transform it into a continually experimental practice. Bertjan Pot, widely renowned piece Random Light (1999), is perhaps one of the most identifiable talents there are, yet one of the less mentioned by the public at large. It may have to do with his humble and somewhat private nature; or because of his proclivity to contemplate the world, and let his projects and not him, the ones that have to be observed by the rest of us. When we asked him about the moment when he decided to do more experimentation in his practice, his answer was immediate. “Well, for me it was something that came about quite naturally. I must also say that it was a long time before I realized it was rather unusual to work this way because I have always experimented with things. Ever since I was a boy, I built kites and boomerangs, trying out new shapes, putting them to the test and building them anew. I think that came out again during my college years and I am happy of having received an education where design wasn’t reduced to making a sketch, follow the pattern and then think that is the real practice. Because for me, even when that is also valid, there is also the way of building a lot of models and try them all with different things to discover if what you are building is the optimal solution… your true solution. Afterwards, I had the luck of having one of the first things I did after graduating was Random Lights, that lamp I did for Moooi and after a few years yielded some very nice royalties from than project. As a matter of fact, to this date, when someone buys a lamp of that kind, I still receive a pinch of that money. It is not a lot per piece, but once you add up all the pieces that have been sold, it turns out it is a very nice sum.” Listening to him, we wanted to know if that was the plan he had for his resting pods made for The Nature of Motion de Nike room, which was presented at the Salone del Mobile this year. “Well, the interesting thing in all of this is that when seen form the perspective of a design studio, the team must calculate the number of hours they will dedicate to developing the project until they send it to production. This way, according to the budget, the can say: ‘well, we have three thousand Euros for this project; we can work three days on this design and it must be completed in this time.’ Nevertheless, I reached a point where I applied the principle of waiting for remuneration to be made once the product is already selling on the market, which is a risk because, sometimes, you start out without any money for the project and you know that remuneration will come in two or three years. With Nike, as with Moooi and Cassina, we brought various ideas that we were nurturing during several timeframes and we want to measure the results right here. To estimate how successful each line is according to the public’s response to them. But the most exciting thing about starting a project is that one can experiment a lot and decide when to stop. Boxblocks was the simplest proposal that convinced the people at Cassina, but it still was a risky proposition; in the end, that is how it happens every time with all our projects. We work on the idea, we asses it and we reach a point where we make the decision to continue with it or completely stop; we go over it so many times that after one more week or month, we are able to say that the project will be so good that it will cover all the expenses of its development process… or know that in that precise moment maybe the idea can go any further and it is time to put in on the archive. Or to dismiss it definitively because no matter what we thought about them when we first conceived them, not all ideas are good or profitable. It for this and because of this that we experiment, I think, to refine the best ideas and find the best possible solutions for each project being proposed. I believe that the Nike’s resting

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pods are just that: the summation and the result of a very free although always objective experimentation process, so as to know what was it that we were looking for and how to achieve it. With Moooi, we came up with a mini tatami for the rug and carpet collection… and a lamp that is something we can label as very representative of my work, of course.” P. 60 MARC THORPE: WALKING IN A CREATIVE FACTORY THAT NURTURES IDEAS Fascinated by the natural textures and their reinterpretation in daily objects, Marc Thorpe took several pieces to the Salone del Mobile, all for various collections by Moroso. All of these have in common that they are pleasant on the eyes because of their concrete beauty, and the simplicity and elegance of their shapes. During the days the Salone del Mobile Milan 2016 was open, Marc Thorpe’s work was a conversation starter among the visitors. Glocal’s team wanted to know how it was that the collaboration between the prestigious Italian firm and him came to be, and he told us about it. “I met Trizzia through a mutual friend, at a very short meeting during a previous edition of the Salone. Afterwards, I met her again in New York during one of her visits to the city and it was at a launch party that we sat to discuss some ideas, and she expressed interest in seeing some of my work. I told her that I, in fact, wanted to travel to Italy and she told me no, that it would be necessary; that she would be staying in New York. So I took advantage of it and she went through my portfolio and selected the Mark table, which turned into the first product that we did with Moroso. The interesting thing in all of this is that I had already produced a prototype of the table instead of a rendering or sketch, which is the usual. So I already had the ‘complete’ product and it was something made for my first interior design project, for a lounge bar called Mark, and the idea was that these tables were designed so the clients would use them at night. She considered it to be very good and told me that it would work very well with their collection and… that was how it happened. She went back to Italy and our relationship started, one that time turned into a mutual understanding—the very reason why we work so well together— and I have learned a lot from all of them thanks to their openness regarding creativity. Things flow very rapidly, there is a lot of creativity and the process is dynamic; it is something very refreshing and beautiful to experience. Especially from the perspective of a young designer because we come with a sort of an very well imposed discipline, one we acquire during our years at college, which makes thing to be executed very rigorously… especially in Architecture where almost everything is extremely rigorous… then I arrive to a place like Moroso, and I find myself within this creative flux and with ideas that are always developing, open to their transformation and new applications.” Interested by his mention of the way people work inside the Moroso family company, we asked Marc how this environment had influenced in his work. “Well, summing it up. Working with Moroso is an open exchange, a constant conversation. You mentioned the word ‘family’ and that is exactly what the organization is. Patrizzia is famous for working with the persons she really appreciates and now that can be said about me too, as I also love to work with the people I like to have around me, on a personal level, and I like to treat everyone in the same way, with an open arms policy… this is the kind of attitude that works as the key that opens up communications and now, that is the key to the way that I work. That is how my ideas of how to collaborate and participate with others was transformed, as one eventually reaches a point where one can discuss any idea, material… anything: culture, architecture, music, food, art… whatever it is… and that is what generates more ideas, and that is how all these elements are mixed and spawn more projects that area a mutual achievement because, one way or another, all the people with whom one had an exchange of opinions helped

us to shape our proposals for a solution. Working with them opened my eyes to elements possessing a lot of worth that exist and can improve your project or transform it into something else that is even more interesting.” P. 63 SALONE 2016. THE DIGNIFICATION OF THE PAST; THE FUSION BETWEEN TRADITION AND INNOVATION, HIGH TECHNOLOGY AND HAND-MADE… ALMOST ACHIEVING PERFECTION IN THE OBJECT This year I went to the International Design Salone with a mind full of questions—yes, even more, oh, the stress!— and all thanks to an interview where I was asked about ‘the’ current trend in design; my answer was categorical and do not tire myself repeating it: there is NO one trend, but different forms of communicating through objects. For me, a good designer is a great communicator and a fantastic storyteller; but above all else, they are avid readers and observers of the world around them, of their client-collaborator, and of his own thoughts. What I have been able to read throughout the years is that design responds more enthusiastically when the creator and the public establish a close dialogue, almost intimate, with the collective memory. By way of concrete example and one close to us all: the strength the Mexican design has taken at a national level and taking it out of the `guild´ concept, is born thanks to the fact people is understanding what they see; to a buyer oblivious to design, it makes more sense to acquire something that they feel connected to, although they don’t know why. That something is what achieves the establishing of a clear dialogue with his sensorial side–and here I do not want to refrain from mentioning that the designer-artisan formula, it seem to me his now a bit old in terms of marketing and communication, but not in content and execution. What would Italian design be without its master artisans? But over there, something has already been achieved: the understanding of the cost of labor and being willing to pay for it, and this is where we as a society must be responsible about our artisans; yet this is a very broad issue that make for plenty of discussion and that I hope to address more properly in the future. With the senses wide open You will wonder why I began this editorial addressing local design when the important thing is to talk about the `trends´ we saw there. Simple. It is because now we have access to so much information and the fact that distances have become manageable thanks to technology, that we have forced our senses to remain more alert; our sensorial side is open 24x7 and knows—more like intuits– everything that is happening, what it hears, what it smells … what it senses; and that, the creative minds in all the fields know it and are conscious about the fact the user seeks to establish a dialogue with that which ‘touches’ his senses. Industrial design is going through a very important time because the user is really conscious about what a piece expresses and is willing to intimately connect with it. Now, everything is about the senses. Yes, the Salone Internazionalle del Mobile organizers know it and from the moment one arrives, they turn Milan into a completely sensorial experience. We were welcomed at the hotel with a moving letter and a small gift waiting for us at the room. Them to start breathing in design, Monday night just before the opening, they offered the whole creative guild and the design entrepreneurs a gala banquet that this year took places in the archives of the Teatro alla Scala. At the table I was seated, I met Fabio Novembre, Jean MarieMassaud, Mario Bellini, Patricia Urquiola and renowned Italian furniture impresarios. Yes, I did not faint at the surprise. The very best: the chat that night had nothing to do with design itself—referring to the object—but about the flavors of the dinner offered by the institution, now presided by Roberto Snaidero, who side by side with Marva Griffin and the whole staff composed of design professional, declared the start of one week that would honor the things well made, those aptly design.

As usual, on Tuesday april 12th we arrived very early to Rho-Fiera, that is half an hour across town by metro. At the entrance the famous red card was waiting for us, which grants access to the vip areas inside fair, and the we went to experience the Salone in another ways as we were granted a chauffeur who droves us in and out of the `Città´ and to the `Fiera´. I don’t need to tell you that the exhibition rooms dedicated to contemporary design are the most visited. Still, the most fascinating thing about strolling the room created by Massimiliano Fuksas, is to know you are walking right next to the creators of yore, those contemporary and the ones that will come to be displayed here in the future, an who all have a place in the history of design. The experience of walking through the story of a passion Stating we saw the most impressive objects and that this year in particular the companies gave their very best in the design of their exhibition areas is unnecessary as the media took care of it and it is all on the internet–incluiding us through our website and our edited videos for that week. The media had already sheared with viewers the Knoll booth’s design by Rem Koolhaas; that of Cassina by Patricia Urquiola; the one for Kartell by Ferruccio Laviani, among many others; as well as launches by the various firms, and everything occurring at the Fuori Salone. So, let us address the concepts presented. If we have come to acknowledge something as a society, it is the value of the Past as we all know we are the result of the most far-fetched ideas by persons who were visionaries or understood the present perfectly. Now, if something has been valued is the absence of eccentricity, the cleanliness in shapes. I understood, now more than ever, the term “Supernormal” coined by Jasper Morrison on 2005 during the Salone—which was in and unto itself his reading about what he saw throughout his walks around the fair grounds—and it has permeated all the new generations. Morrison’s term speaks of a responsible design that long for the clean spaces and it is respectful of the environment, at the same time—speaking of the product from it he moment it is still packed to the end of its useful life. It is the result of a long tradition of evolution and advancement in the shape of the quotidian; it doesn’t try to break with the history of the form, but it tries to be a piece that in time—and understanding of it—can be inserted in our daily life; silently, without protagonism. The object as a dignification of life, of the past of the ‘precious little’ concept; a multifaceted reading to the refined Scandinavian simplicity which has permeated new generations so much. And following up on the answer, we saw thinner metals, neutral colors that evoke earth, that what is tactile. We couldn’t help but touch the textiles by companies like Moroso who have a long tradition working with textile masters and who, and moreover, using current technology, crate indescribably vivid textures and fabrics, always with the characteristic basic patters. Something undeniable, and that we hope keeps on expanding, is the oriental influence. The perfect workmanship; the exaltation of the past; the fusion of tradition and innovation, advanced technology and handicraft. The kind of influence that, if adequately assimilated, will lead us to the discovery of the silence of materials. SALONE SATELLITE– MILAN 2016 As part of the Salone del Mobile in Milan, the Salone Satellite is one of the most important events for Young designers. This year’s theme, for the 19th edition, was the relationship between new materials, science and design. This is the reason this became a space for experimentation and the new proposals. The innovations presented at the Salone Satellite are subject to a selection process to earn the award. This year’s winner was Studio Philipp Beisheim, from Germany, with an inflatable table made out of Hypalon, a very durable material, and it is planned to have an impact in a highly consumerist society.

BRERA DESIGN DISTRICT – MILAN 2016 Located in one of the commercial and creative districts in Milan, Brera, the Fuorisalone 2016 event took place and this year it had the theme Design is listening. The various conferences, round tables, installations in public spaces and presentations of cultural projects that were part of the event, all dealt with the subject of the relationship that exists between the process of musical composition and the creative development of design. A comparison is made between both disciplines and the proposal is that the act of listening is a part of both processes. As with music, in design there is also ‘listening’ to the materials, the functions, the objects and spaces. Fuorisalone 2016 also looked into showcasing the pedagogic case and the power of ‘good design’ as a way the designers can and should represent their environments using their work, where research and the task of ‘listening’ are fundamental pieces. VENTURA LAMBRATE – MILAN 2016 On the seventh edition of these event which took place in La Via Ventura, at Milan, a variety of exhibits were displayed which addressed subjects like Thinking Traditions, Return of…, The Young Ones, Memphisism, Mad men, Galleries & Garages, Technology and Academies. Ventura Lambrates encompasses around a single street, different spaces and exhibits which present a kaleidoscope of new styles in regard to design in all its facets. This spectrum of possibilities offers the spectator with different experiences while touring the venue. It is, without a doubt, a clear example of the need of linking up design with space and society. P. 74 MAISON&OBJET AMERICAS Some 300 brands from over 20 countries lit up the Miami Beach Convention Center—where Maison&Objet Americas took place—with their talent and their proposals. During its first edition on the American continent, the fair—born in Paris, France—offered a space for expression to the emerging talents presenting themselves to the world. Ever since its creation, Maison&Objet has evolved in the use of an original idea: gather creators from the world over with the goal of attracting professionals in search for excellence, innovation and new trends. With the years, this vision—shared with an ever-increasing number of brands and designers—has consolidated into a platform perceived as one of the main international events. Today, the fair’s mission is to showcase talents and brands that have literally gone “beyond” and reached the most dynamic regions of the world, through annual shows. After Asia and Singapore, where a first meeting took place in march 2014, Maison&Objet just recently arrived to Miami Beach, a destination offering a business platform in the heart of the Americas and its 954 million inhabitants.t

of the success on creating a place that serves the industry, a place where professionals can develop a solid network and discover the pulse of international design”. Without a doubt, WantedDesign has grown to become a place where creative energy flow in an impressive fashion. P.82 ICFF Each year, the International Contemporary Furniture Fair (ICFF) reveals itself as North America’s most important platform for contemporary design. This time, it’s 29th issue at the Jacob K. Javits Convention Center in New York, was no exception: around 750 expositors from around the globe displayed their talent and creativity by presenting new work and recent releases on indoor furniture lines, carpets, lighting, wall coverings, accessories, textiles and even kitchen and washroom furnishings. Throughout the four-day fair (May 21 to 24, 2016), the ICFF accomplished it’s goal of bringing together and attracting artists and creators on the lookout for fresh ideas concerning design trends. For the general public, the fair turned into an encyclopaedic and, simultaneously, delectable and fun setting for the current design statements. At the end of the day, diverse audiences turned into one, relishing on the unique characteristics of projects and partaking through a schedule teeming with exhibits. P. 88 MEXICAN PAVILION – WANTED DESIGN Last month, on May, the design fair WantedDesign took place on New York during Design Week. The fair has positions itself as one of the most important platforms for new designers through the last five years. This is an important issue for mexican design for, despite counting with WantedDesign’s support before, it is the first time the government trade office, ProMexico, assists on the coordination of the Mexican Pavilion and opens the world if international design to it’s ten exhibitors. Among the objectives of this assistance was to reveal to the world the creative capacity in Mexico, as well as to showcase national design, enriched by culture, materials and tradition. This is how Duco Laboratorio de Diseño, Feltum, INEXO, ITX, Left, Natural Urbano, Nomade Atelier, Colección Zafra and Shift Studio, displayed their work on one of the greatest galleries in the world, with a furniture exhibit that represented Mexican contemporary design. This effort accomplished the work of these exhibitors to be taken to the WantedDesign shop at Industry City, broadening the reach of their designs and taking them to new spaces and markets, achieving one of ProMexico’s primary concerns when getting involved in these events.

P. 78 WANTED DESIGN Once again talent blows the lid in New York, with Manhattan and Brooklyn as showcases for WantedDesign for five years now. This forum, with real interaction for designers, has the particular feature of giving room to the work of young talents from around the world. Moreover, skilfully weaving together art and business, for the partaking countries always display an inspiring combination of fine design and local crafts. The international conversation between designers and brands is boundless. In this, it’s sixth edition, the creative community’s response was simply overwhelming: workshops, conferences and exhibits helped create ideal links among design personalities and young artistic promises in their formative years. This year’s events marked a new growth chapter for Odile Hainaut and Claire Pijolaut, founders of WantedDesign who have, undeniably, launched a fair of an unprecedented kind in New York. Both enthusiastically agree: “We are proud

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objeto glocal

PROYECTO PALMA MOISÉS HERNÁNDEZ Texto Itayedzin Aragón Fotografía cortesía de Moisés Hernández

l diseñador mexicano Moisés Hernández viajó a Tlamacazapa, Guerrero, invitado por la Secretaría de Cultura. El propósito de su viaje fue diseñar diferentes objetos con tejido de palma, ya que este tipo de trabajo es una actividad de la localidad del municipio de Taxco de Alarcón. El proyecto se realizó en colaboración con veinte artesanas de la región. Proyecto Palma gira en torno a tres conceptos: el color, el uso de materiales complementarios y la palma como material precioso. Las formas y usos están basados en las técnicas y tipologías que las artesanas ya comercializan: canastas y bolsas. Como material complementario, Moisés eligió el cobre que, en contraste con la palma, sirvió para diseñar un bolso de uso diario y una canasta para campo. Ideó, además, un juego de canastillas teñidas de forma degradada, proponiendo un diseño que optimiza recursos. Por último, a un tejido de palma se le agregó un material metalizado que remite al oro e incrementa el valor percibido del tejido. El objetivo de crear nuevos diseños es reactivar la economía de la región mediante la comercialización de objetos originales, atractivos y contemporáneos.

www.moises-hernandez.com www.diarioshop.com

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