GLOCAL DESIGN MAGAZINE No. 20 Portada por / Cover by: RAYMUNDO SESMA by GLOCAL DESIGN MAGAZINE

Convocatoria para la comunidad de Interiorismo, Arquitectura y Diseño

Premio Noldi Schreck 2014

Los invitamos a participar en la segunda edición del Premio Noldi Schreck, el cual, este año cuenta con distintas categorías, además del premio honorario que será otorgado a una importante trayectoria del Interiorismo en México.

Categorías:

La selección de los proyectos ganadores estará a cargo de nuestro Consejo Editorial, conformado por un grupo de destacadas personalidades de distintas disciplinas del diseño, con el fin de brindar la mayor seriedad posible al evento.

Arquitectura Residencial Interiorismo Residencial Arquitectura Corporativa Interiorismo Corporativo Hotel Gran Turismo Hotel Boutique Arquitectura Institucional Arquitectura Efímera Tienda Pop-Up Stand Noveles Talentos*

Bases: 1. Los proyectos no podrán tener más de dos años de antigüedad. 2. Se entregará en archivo digital: Memoria descriptiva, 10 imágenes en alta resolución, plantas y cortes sin cotas y ejes, descripción de proceso de trabajo de máximo tres párrafos, presentación en Power Point en archivo PDF. 3.Cada despacho podrá sólo participar con un máximo de tres proyectos y máximo dos por categoría. Fecha límite de entrega: 14 de julio 2014

*Noveles Talentos Se premiará una carpeta de trabajo. Los participantes deberán ser recién egresados y no tener más de 28 años. Podrán participar las siguientes disciplinas: Arquitectura Interiorismo Diseño Industrial La premiación se llevará a cabo el día 14 de agosto con la exposición de los finalistas de cada categoría.

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CICLO DE CONFERENCIAS ■ ■ ■ ■ ■

Tips básicos para el diseño residencial Caso de éxito / Diseño de Que Bo Chocolatería Iluminación, Caso de Éxito Tendencias Habitat 2014 Aciertos y Errores / Diseño del Restaurante Azul Histórico

EVENTOS III PREMIO DE INTERIORISMO MEXICANO Reconociendo al talento consolidado en la industria

VI PREMIO DE DISEÑO PROMESAS MÉXICO Reconociendo los nuevos talentos en la industria

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Portada Raymundo Sesma. Glocal Design Magazine es una publicación de Color y Espacio Editorial S.A. de C.V. Revista Bimestral: Abril-Mayo 2014. Publicación protegida por la Ley de Propiedad Industrial y la Ley Federal de Derecho de Autor. Número de Certificado de Reserva otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor: 04-2013-041513043400-102. Número de Certificado de Licitud de Título y Contenido 15894. Editora Responsable: Greta Vanessa Arcila Romero. El contenido de los artículos y de los anuncios es responsabilidad de los autores y de las empresas. Todos los derechos reservados. Domicilio: Mánchester 13, Piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, C.P. 06600, México, D.F. Distribución: Pernas y Cia. Editores y Distribuidores, Poniente 134 No. 650, Col. Ind. Vallejo, Delegación Azcapotzalco, 02300 México, D.F., Tel. 5587-4455. Impresa en: Preprensa Digital, S.A. de C.V. Caravaggio 30, Col. Mixcoac, C.P. 03910. Del. Benito Juárez. México, D.F. Tel 5611-9653.

EDITORIAL A

bril es época de renacer. Todas las actividades más importantes a nivel mundial del gremio que nos atañe comienzan de la mejor manera. El Salone Internazionale del Mobile nos recuerda que el humano está lleno de pasión. En la capital del diseño italiano, los aparadores nos recuerdan que es cuando el color llega para cambiarnos el estado de ánimo y para trasladarnos a un estado de plenitud física y mental. Vemos que los colores fluorescentes siguen en efervescencia y en lo mismo se replica en el mobiliario y vestuario de tendencia. En las calles se mira cómo se erigen los cuerpos arquitectónicos que recibirán Expo Milán 2015 y las universidades muestran las propuestas de algunos de los países visitantes. Lo mismo sucede en nuestro país, claro, guardando las proporciones en tamaño, no en talento. El Fashion Week Mercedes Benz acogió a lo mejor del diseño mexicano en donde, aun siendo las colecciones que veremos en el mercado para otoño-invierno, la viveza la encontramos en las texturas y volúmenes; en los juegos asimétricos que se logran gracias al uso de la tecnología; en los acabados raw que algunos diseñadores utilizan y que nos remiten a lo más auténtico del ser humano. Pensando con quién participar para esta edición en lo que se refiere a nuestra portada, también nos fuimos por la línea del colorido abstracto, de los ángulos encontrados pero que en su perfección estructural detonan un plasticismo sumamente enriquecedor; por eso, y con la intención de renacer como proyecto editorial, invitamos al maestro Raymundo Sesma, quien a su vez es un gran heredero de aquél muralismo que tanto nos abrió las puertas del arte a nivel internacional en tiempos pasados. Sesma al intervenir desde recintos culturales como la Sala Ollin Yolistli o edificios con un valor arquitectónico, comprende y explota al máximo la construcción y la utiliza para provocar en el habitante o espectador sensaciones de todo tipo; sin duda es un trasgresor de la forma plástica como la entendemos y su estética es algo que llena los espacios en donde se encuentra de una belleza retadora y silenciosa al mismo tiempo. Sabemos que para que el ser humano pueda alcanzar su plenitud creadora, tiene que estar también en la solitud total para que su diálogo sea fluido y claro. Por eso en esta edición proponemos espacios para la hospitalidad en donde el diseño es el detonante perfecto de emociones. Esperamos nuestra selección sea de su grado. Y para cerrar de la mejor manera, con espíritu renacentista, les presentamos la nueva cara de nuestro sitio web, con un discurso más apegado a la imagen de Glocal Desig Magazine. En glocal.mx encontrarán lo más actual en Diseño, Arquitectura e Interiorismo, así como opiniones de nuestros bloggers que poco a poco daremos a conocer ¡Los invitamos a visitarnos diariamente!

Greta Arcila

CONTENIDO Editorial Trazos

15 18

TECNOLOGíA

022

Tecnología Autodesk

casa

COLUMNA Ciencia de diseño anticipatorio Estados Unidos

glocal

024 D ise ñ o + e m p r esa BoConcept Chapas y tableros finos Dinamarca | México

FOAM Lifestyle Studio México

Markus Johansson Suecia

DESIGN Bruno Jahara Brasil

SALONE INTERNAZIONALE DEL MOBILE 2014 MILÁN

040 041

Apertura

Ambientes

Iluminación

Colectivo

TEXTILES

048

036

no v el

Odabashian México

044

042

051 052 054 056

arquitectura y diseño de interiores textil y moda industrial, mobiliario y objeto multidisciplinario

ENFOQUE Raymundo Sesma México

058

Hotelito Desconocido Dalaithy Amaral México

080

Hotel Escondido Grupo Habita México E´ Terra Samara Farrow Canadá

066 068 072

Casas La punta Grupo Arquitectura México

102 108

Casa de los cuatro patios Andrés Stebelski México

114

Casa de la barranca Ezequiel Farca México

HOTELES DE CONCEPTO Introducción

RESIDENCIAL

I-Resort a21 Studio Vietnam Au Vieux Panier Tilt Francia PUBLIC Chicago Ian Schrager Estados Unidos

084 087 088

TEXTURAS Salvatore Ferragamo Primavera-Verano 2014 México

Hotel Anticavilla BGP México B¨O Muro Rojo Arquitectura México

0 74 076

Andaz Amsterdam Marcel Wanders Holanda Tree Snake Houses Luis Rebelo De Andrade & Tiago Rebelo De Andrade Portugal

090 094

co r p o r ati v o Haworth Las Oficinas del futuro México Nowicka Studio Oficinas con sentido México

Traducciones

096 098

Croquis

Objeto Glocal

118

120 127 128 17

trazos

ASIAN CAIrNS Vincent Callebaut | Shenzhen | 2014

l arquitecto belga Vincent Callebaut es, actualmente, una de las figuras más prometedoras en el diseño de espacios futuristas inspirados en las formas de la naturaleza. Su trabajo está basado en el desarrollo de conceptos en los que se involucran, de manera importante, la biotecnología y la arquitectura, para crear estilos de vida sofisticados con una visión diferente e innovadora. Callebaut da por hecho que, en algunos años, la gente podrá vivir en casas voladoras, y su filosofía radica en una utopía artística en la que sólo la imaginación del autor pone los límites. Ejemplo de esto es la propuesta de la construcción de cinco torres de formas orgánicas en la ciudad china de Shenzhen. Recientemente, el despacho de Callebaut, fue nominado por este proyecto al premio Design German Awards 2014, en la categoría de Espacios Sustentables realizado en la ciudad de Frankfurt. Además, el arquitecto ha sido seleccionado para pertenecer a la lista de los 50 mejores arquitectos sustentables del mundo, de la agrupación Green Planet Architects.

www.vincent.callebaut.org

THE URBAN FOREST MAD Architects | Beijing | 2013

El diseño de edificaciones verticales que rompen el contexto tradicional de vivienda a partir de formas y conceptos orgánicos, representan para el despacho MAD Architects, la base del urbanismo en un futuro no muy lejano. Desde su oficina establecida en Beijing, el despacho realiza cada año una exhaustiva exploración de culturas, tradiciones y formas de vida de diferentes ciudades del mundo. Con base en esto, su director, Mag Yansong, ha pensado en aportar su ingenio para la solución del problema de densidad en la ciudad de Chongqing, con una torre de departamentos que lleve como característica principal, la posibilidad de crear jardines y áreas verdes tanto dentro de cada apartamento como en las áreas comunes. El proyecto lleva por nombre The Urban Forest y según su creador, “no es una pieza mediocre más de maquinaria arquitectónica urbana china, sino un órgano artificial que vive y respira una nueva vida dentro de una ciudad de acero y hormigón”. El edificio tendrá 385 metros de altura y albergará tiendas, oficinas y hoteles, en un solar de 7.700 m2. La superficie total construida será de un total de 216.000 m2. Cada planta tiene una forma abstracta diferente y todas las fachadas son de cristal con lo que se consigue atractivas vistas de la ciudad. Una estructura cilíndrica central soporta el edificio a la vez que contiene los ascensores y demás servicios. www.i-mad.com

trazos

Block 39 Off Architecture | Serbia | 2013

Ante la necesidad de la comunidad estudiantil de la ciudad de Belgrado por tener un espacio dedicado al desarrollo de la investigación y exhibición de la ciencia, el despacho de arquitectos Off Architecture planea construir una edificación que romperá por completo con la imagen de su entorno. Se trata del Nuevo Centro de Ciencias de Belgrado, que contará con una estructura en forma de un platillo volador que parecerá haber aterrizado en lo más alto de la montaña Avala, ubicada cerca del río Danubio. Ubicados en el “cuerpo del edificio”, un planetario y una sala de conferencias se alojan en dos niveles diferentes. Superpuestos en la masa de la montaña, cada espacio interior ha sido creado conforme al mismo contexto de su estructura, ofreciendo no sólo áreas funcionales para el visitante sino acabados y diseños de vanguardia con un toque futurista. Un museo y laboratorios constituyen el único objeto en equilibrio sobre la parte superior de la montaña con una terrazaobservatorio. El proyecto brindará una nueva y sorprendente tipología al paisaje natural. www.offarchitecture.com

P alai s de

J u st i c e Renzo Piano | París | 2013

ara el arquitecto italiano Renzo Piano la arquitectura gubernamental tiene que dejar a un lado la solemnidad, y dar paso a edificaciones modernas con un diseño que aporte una imagen de innovación para la ciudad. Así lo demuestra con la propuesta arquitectónica del Palacio de Justicia que tiene pensado erigir en el área norte del centro de París, como parte del proyecto de expansión urbano en la zona de Clichy-Batignolles. Se trata de una edificación de cristal compuesta por 30 pisos que ofrecerá diferentes servicios a los ciudadanos como oficinas, 90 cuartos de la Suprema Corte de Justicia, salas de juntas magisteriales, salas de atención al público y presídiums jurídicos. La transparencia forma parte importante de la estructura para ofrecer al usuario diferentes vistas de la ciudad, con la intención de mantener una completa interacción entre el exterior y el interior; además ofrece espacios de convivencia ubicados en terrazas al aire libre. www.rpbw.com

tecnología

AUTODESK

UNA NUEVA REVOLUCIÓN INDUSTRIAL

Texto Marcos Betanzos Fotografía cortesía Autodesk

a Revolución Industrial que tuvo origen en Reino Unido, en pleno siglo XVIII, concretó una serie de profundas transformaciones económicas y sociales en todo el mundo, cambios inmediatos y otros más pausados que influyeron directamente en los sistemas de producción de un sinfín de bienes e industrias que incrementaron su productividad al aplicar de forma constante –y al parecer irreversible- nuevos conocimientos tecnológicos. Se derribaron múltiples fronteras históricas en diversas disciplinas; la máquina dejó de lado la manufactura artesanal y a la par, el ferrocarril marcó una vertiginosa expansión en las rutas comerciales que incrementaron la demanda de productos; la vida rural fue transformada por la vida urbana. Las necesidades nunca se satisficieron del todo, simplemente se transformaron. Las ciudades poco a poco fueron incrementando su escala, su concentración poblacional y los recursos necesarios para brindar comodidad, confort, comunicación y otros aspectos más que, hasta nuestros días se han convertido en imprescindibles. Por lo anterior, es posible pensar que la revolución industrial, como tal, nunca se ha detenido, sigue inmersa en un proceso continuo de evolución que actúa de forma

paralela en nuestra forma de vida, y en muchos casos sus manifestaciones están vinculadas a procesos casi imperceptibles de la cotidianidad, como pueden ser nuestros sistemas de comunicación, una de las plataformas de interacción social más influyentes y vertiginosamente cambiante. Así, desde la aparición del teléfono Dynatac 8000x que fue desarrollado y puesto a la venta en el año 1983 por Motorola, siendo el primer móvil del mundo; la Macintosh 128K, el primer ordenador personal lanzado en 1984 y, también el sistema operativo Microsoft Windows (1985), la tecnología y también la manera de comunicarnos, han consolidado una nueva revolución industrial, en este caso teniendo como instrumento principal, el desarrollo de software para lograr nuevas herramientas de trabajo pero también más conocimiento. Rediseñar el mundo En la más reciente celebración de Autodesk University 2013 en la ciudad de Las Vegas, Nevada, Jeff Kowalski, vicepresidente y jefe de la oficina de tecnología de Autodesk, afirmó que los avances tecnológicos se han consolidado como el principal motor de cambio de nuestra manera de vivir y diseñar el mundo en el inicio del siglo XXI. Lo cual –asegurano es exclusivo de alguna disciplina; el argumento tiene fuerza desde el

diseño arquitectónico, el industrial, la ingeniería mecánica o civil, hasta la medicina o la industria automotriz. Todos ellos, campos desde los cuales Autodesk se ha posicionado brindando un impresionante portafolio de más de un centenar de productos que ofrecen soluciones a más de 100 millones de usuarios en el mundo. El software y sobre todo la innovación, son un reflejo de las necesidades de un mundo cambiante que día con día aspira a dar mejores respuestas con mayor precisión y celeridad, pero que también ha evidenciado que el sustento del nuevo proceso de adquisición de conocimiento es el marco multidisciplinar de trabajo, donde lo común es cruzar y tejer experiencias o información para lograr objetivos de alto impacto para toda la sociedad como base de una pirámide comunitaria. “Por ello, para ser vigentes en esta industria debemos pensar cómo llevar toda la información que producimos y conocimiento que ya tenemos a la vida común de las personas. Eso es innovar y estamos siempre promoviendo sacar a flote muchas cosas que no están dentro de nosotros sino afuera. Nada de lo que se produce como tecnología sirve si esto no es socializado, de ahí que nuestros esfuerzos también se concentren en mejorar el acceso a esa información y, curiosamente la telefonía, el internet (la nube) y los sistemas actuales de comunicación son el medio que sustenta el verdadero potencial del software en la actualidad”. Complejidad, incertidumbre, volatilidad, y ambigüedad, desde la perspectiva de Kowalski, estos cuatro conceptos rigen la filosofía de la industria del software, que es actualmente, la que más rápida evolución ha tenido (casi similar a la industria telefónica) y unas de las que más personas emplea en el mundo. Sin embargo, deja claro que la única forma verdaderamente eficaz en que puede verse un beneficio significativo es llevar sus avances a campos de colaboración y análisis holísticos, donde se consolide la idea prioritaria de diseñar menos objetos atractivos y más sistemas complejos de información. Flexibilidad y vinculación Kowalski concluye que, “vivir 45 años implica experimentar el proceso ideológico de al menos tres generaciones que, evidentemente tendrán sistemas distintos de comunicarse, aprender o dar soluciones. De ahí que en

nuestra plataforma de trabajo pensemos en la colaboración y la importancia de entender que el mundo necesita mucho más flexibilidad para comprender otros ámbitos del conocimiento y obtener mejores resultados ante los retos actuales”. Así, el experto comenta a Glocal y pone de ejemplo Reverse Innovation, un concepto de Autodesk que permite que el talento joven ayude a compañeros más experimentados a moverse a través de herramientas como las redes sociales, la programación o los sistemas de comunicación contemporáneos; una excelente idea que tiene como finalidad mantenerse vigentes, siempre creando y por qué no, desmitificar la idea de que ya poseen todas las respuestas ante los cuestionamientos del mundo. Así, Autodesk University 2013 tuvo como objetivo no sólo mostrar innovaciones de los productos de la marca, sino lograr que la comunicación entre personas se consolide: la experiencia de reunir a un diseñador industrial y a un músico para diseñar guitarras, por ejemplo, es el fundamento que da certidumbre la idea de generar en el futuro, mejor calidad de vida en las personas, mejores ciudades, ambientes protegidos y sistemas eficaces de productividad para las industrias y las ciudades globales. Autodesk en Números › 7,200 empleados en todo el mundo › Más de 100 productos en su portafolio de soluciones › Más de 100 millones de usuarios › Los últimos 18 ganadores del premio Oscar por mejor efectos visuales han usado su software The Autodesk Education Community tiene más de 6.5 millones de miembros, entre estudiantes, profesores de diferentes niveles académicos. www.autodesk.com

casa glocal

os arquitectos siempre han considerado a la terraza como una importante extensión en los espacios de sus edificaciones. Por lo regular, estas áreas al descubierto inspiran a estos creativos a generar ambientes en los que el color, las siluetas del mobiliario y los materiales deben adaptarse a los rasgos particulares de cada proyecto, así como a la personalidad y gusto del usuario. Desde un balcón en la ciudad o una terraza en la playa, el diseño de vanguardia está presente para agregarle a estas estancias la sofisticación y confort necesarios.

CAMPIRANO 1

1. Sala de la colección Outdoor Collection para Kettal 2. Sillón Swingerst Hanging Lounger, Natural; de Dedon 3. Rack para exteriores de Sko Italia 4. Chimenea de la colección Outdoor de Kettal 5. Macetero de Ramón Esteve para Vondom 6. Tumbona plastificada de la firma Leaf

casa glocal

as terrazas pueden convertirse en el espacio favorito de la casa, al cumplir su función del refugio perfecto que nos ayudará a olvidar el caos citadino. En esta ocasión, Casa Glocal se dio a la tarea de encontrar aquellas cuyo diseño evoque no sólo a la tranquilidad y al descanso, sino a la diversión y convivencia en familia. Actualmente existe una gran diversidad de opciones para estancias al aire libre, donde la funcionalidad converge con la innovación en materiales y formas únicas para lograr que este espacio tome la misma relevancia que los interiores. Las firmas internacionales más reconocidas del diseño ofrecen novedades en mobiliario, accesorios y sofisticados complementos que harán más cómodo nuestro día en el jardín, alberca o cualquier exterior.

VANGUARDIA 1

1. Terraza Balear de Gandia Blasco 2. Jarrón luminoso Uovo Di Colombo de Serralunga 3. Side Table, colección High Garden de Wing Collection 4. PortavelasThe Insert, de Souto de Moura para Larus Design 5. Parasol Sunshade de Odo Design

BAﾃ前S Washbasins an Table de Bisazza Bagno

casa glocal

a calidez envuelve la atmósfera de las salas de baño contemporáneas, donde el diseño de vanguardia se adapta a las necesidades del acelerado ritmo de vida actual. La tecnología se integra a este contexto

en el que las regaderas, lavabos, tinas y accesorios consienten al usuario con sus novedosos sistemas y formas únicas. Diferentes estilos de ambientes son creados pensando en brindar la comodidad y relajación necesarios a partir de acabados y complementos que van desde lo más minimalista, hasta el uso del color, texturas y amplios volúmenes. El acabado en bronce, los laqueados, las cerámicas y novedosos recubrimientos componen la tendencia actual en estos espacios que también inspiran a los diseñadores a crear originales detalles como regaderas en forma de lámparas, grifería parecida a una pequeña cascada, entre otras genialidades.

CONTRASTES 1

1. Colección Shower Products de Front para Axor 2. Regadera Lamp Shower de Nendo para Axor 3. Grifo Prodotti de Danilo Fedeli para Rubinetterie Ritmonio 4. Jaboneras Bambú de Ikea 5. Lavabo L’Antic Colonial de José Manuel Ferrero, para Porcelanosa

COCINAS

Kitchen Island de Ludovica + Roberto Palomba

casa glocal

l diseño se rinde a las órdenes del arte culinario para hacer de sus espacios recintos en los que el placer no sólo está en los sabores, sino en cada detalle con los que son concebidos.

La cocina en la actualidad toma un papel esencial en la vida de los seres humanos, y deja de ser el espacio olvidado de la casa para convertirse en punto de reunión dedicado a convivir, experimentar y hasta trabajar. Desde mesas con parrillas integradas, cajones térmicos y hasta refrigeradores con Internet son algunas de las novedades que podremos encontrar en la cocina del siglo XXI.

1. Cocina Food Shelf de Scavolini 2. Estufa Moisture Plus, de Miele 3. Batería de cocina de Marcel Wanders, para Alessi 4. Olla con mango de madera estilo rústico de Bulthaup

CÁLIDO 1

diseño + empresa

Diseño lúdico y funcional Creaciones de dos culturas Texto Redacción Imágenes cortesía BoConcept

a sobriedad, la elegancia y el ingenio de dos culturas se fusionan en un nuevo concepto de interiorismo donde los objetos sorprenden no sólo por su función, sino por el sentido lúdico con el que fueron concebidos. Se trata de Fusion by Nendo, que lanza la firma danesa BoConcept en México, como parte de su más reciente colección 2014. En esta ocasión, los representantes de la marca decidieron integrar el característico sello del afamado diseñador japonés Oki Sato, (fundador del estudio Nendo), para lograr todo un estilo de vida a partir de piezas únicas. “Es una colección muy interesante donde encontramos varias similitudes entre las culturas danesa y japonesa como la estética, el minimalismo y la limpieza de las líneas en los trazos.”, dijo Juan Carlos Fandiño, director de mercadotecnia de BoConcept. Sillones, libreros, tapetes y complementos para casa se convierten en toda una pasarela de colores y texturas que llenan los espacios de originalidad y buen gusto. “En cuestión de materiales resulta interesante que los creativos de ambas regiones no se interesan tanto por brindarle acabados detallados al mueble, sino que prefieren mantener un estilo ‘zen’, dejando casi al natural las maderas y la naturalidad de la materia prima.”, explica Fandiño. El origami ha inspirado a Sato para dar origen a estampados plasmados en juegos de tazas basados en la unión de formas geométricas y coloridas, similares a los pliegues y trazos de esta técnica en papel. Esto se aprecia también en el diseño de alfombras y tapetes que hacen juego con mobiliario de formas puras y colores neutros. “Pienso que los objetos que nos rodean en la vida deben estar fundamentados en la premisa de no cumplir sólo con su función, sino que deben estar diseñados para sorprendernos y divertirnos, para así generarnos sensaciones de bienestar.”, dijo el empresario. La colección ya se encuentra disponible en todas las sucursales BoConcept, de la Ciudad de México.

diseño + empresa

Concepto policromático

Jóvenes creativos, le dan vida a la madera Texto Redacción Imágenes cortesía de los diseñadores

l ingenio de creativos mexicanos del diseño se hizo presente en la pasada edición de la feria de arte Zona MACO en la que sus organizadores, desde dos ediciones anteriores, decidieron integrar el tema del diseño industrial y el interiorismo a sus espacios de exhibición. En esta ocasión, la empresa Chapas y Tableros Finos, especializada en marquetería, invitó a los diseñadores Emiliano Godoy, Daniel Romero y Emmanuel Aguilar a crear una línea de mobiliario con la que pudieran exhibir las diferentes formas y usos de la madera. Emiliano Godoy creó una línea de mesas denominada Backseat Driving elaboradas en madera de Huanacaxtle con incrustación de marquetería, ensamblada con cinco diferentes tipos de chapas. El concepto es sustentable y toda la madera proviene de bosques protegidos, para hacer de cada pieza un elemento biodegradable, no tóxico y amigable con el ambiente. Los gráficos de la marquetería que se plasman en su superficie representan una progresión direccional formada por un largo bloque de líneas anchas con pequeñas subdivisiones y variación de patrones, con esto define una propuesta diferente del uso clásico de la marquetería, un nuevo lenguaje en el que enfatiza tres premisas: asimetría, imperfección y fragmentación. La línea de mesas fue lanzada en febrero de 2014 y es una edición limitada que consta de sólo de tres piezas. Por su parte, Daniel Romero creó la colección de mesas Caleidos, la cual nace de una exploración de figuras geométricas: el cuadrado, el hexágono y el octágono, divididas en figuras más sencillas que son diseminadas y multiplicadas hacia el resto de la superficie. Cada pieza que la conforma es única como la madera con la fue creada, se orienta así, de manera distinta, creando un lienzo geométrico complejo pero común en los trabajos tradicionales de la marquetería. La línea consta de tres piezas. A este contexto se integra la obra de Emmanuel Aguilar, compuesta por la credenza Cross Stich y los carritos de servicio Picnic. Se trata de una antología inspirada en el punto de doble cruz, una técnica de bordado en la que se usan puntadas en forma de equis. Aguilar tomó como inspiración este patrón y se plasmó en marquetería a partir de materiales en madera de fresno entintado en negro desde raíz, madera de Huanacaxtle y fresno blanco. En el caso de los carritos de servicio, el diseñador tomó como inspiración los manteles que se utilizan tradicionalmente en los días de picnic, los cuales están fabricados a partir de un patrón de cuadro repetido continuamente y donde siempre predomina un solo color. Aquí el creativo empleó madera de Huanacaxtle con birch playwood enchapado con marquetería tipo picnic.

Emiliano Godoy

Emmanuel Aguilar

Daniel Romero

Emmanuel Aguilar

novel nacional

FOAM LIFESTYLE STUDIO EL ENCUENTRO CON LAS FORMAS

Texto Redacción Imágenes cortesía FOAM

Con la geometría como su máxima inspiración, el despacho de diseño mexicano FOAM, se ha dado la tarea de difundir una nueva forma de vivir los espacios a través de conceptos únicos llenos de color y funcionalidad.

ste despacho surgió en 2012 por iniciativa de los diseñadores industriales Alejandro Grande y Omar Ramos quienes tenían como objetivo “materializar ideas trazando una relación directa entre el mundo bidimensional y tridimensional, respaldados por la rica información visual que un país como México ofrece”. El color, los aromas y sabores de nuestro país son abstraídos por estos dos creativos y traducidos en nuevos objetos que se adaptan a espacios de reducidas dimensiones, tomando en cuenta las necesidades de la sociedad actual. Libreros, trinchadores, mesas de colores y biombos entre otras piezas 40

forman parte de su colección de mobiliario en el que resaltan las líneas rectas, los triángulos y otras formas que llenan de originalidad los espacios. Así, han logrado concebir el diseño de bares, oficinas, pequeños departamentos y otros proyectos de instalación relacionados con la naturaleza en colaboración con BIOS Ex MachineA, Margarita Taedo y FES-Cuautitlán, en el Museo de Arte Contemporáneo. www.FOAMdf.com

novel internacional

MARKUS JOHANSSON DE LO IDEAL A LO REAL

Texto Redacción Imágenes cortesía David Derksen

Los productos de Johansson se ven involucrados en la creación de formas nuevas y de gran durabilidad, aspecto que ha permitido que su trabajo sea reconocido en plataformas como el Salone Internazionale del Mobile en Milán.

arkus Johansson es un diseñador sueco cuyo trabajo se ha caracterizado por conjuntar tecnología, función y forma, elementos que al adherirse a su ingenio y creatividad logran objetos capaces de crear un espacio en el que el usuario puede disfrutar de un momento de descanso gracias al diseño. Markus es uno de los diseñadores jóvenes que ha tenido presencia en el Salone Satellite en Milán y sus obras han provocado un buen impacto en los asistentes, por ello, este año también se presentó durante el encuentro creativo, Salone Internazionale del Mobile 2014, con productos como: el sofá Coquille, la lámpara Solstice, la Fortress table y la lámpara de mesa Hello Dude.

La conciencia ambiental es un factor importante en el proceso de creación de Johansson, sin perder de vista su objetivo principal: crear productos con formas nuevas, con un valor duradero, y que cobren vida en la cotidianidad de quien los usa. El sueco afirma que la mejor etapa de un proceso creativo es ver plasmada la idea inicial en algo real; además de que, tomando en cuenta que hace lo que más le gusta —diseñar—, espera continuar desarrollándose dentro del diseño experimental: “Desde que yo era un niño siempre sentí una gran energía y deseo de crear. Cuando crecí me solía comunicar mediante imágenes y dibujos, dando forma y color”. www.markusjohansson.com 41

textiles

ODABASHIAN HISTORIA CONTADA CON LAS MANOS

Hereke Bomb de

Paisaje en mi dentro y fuera

Coatl

Roadsigns

Texto Redacción Imágenes cortesía Jaime Odabashian

on más de 93 años de experiencia en el diseño y fabricación de alfombras de lujo hechas a mano, la empresa Odabashian, dirigida por Jaime Odabashian, es una de las más antiguas de América dedicada a este trabajo artesanal. Cada una de las piezas está respaldada por una historia única, al igual que por un desarrollo y un diseño irrepetible. India, Turquía, Pakistán, Nepal, así como Samarcanda y Tashkent —consideradas ciudades de la Ruta de la Seda—, en Uzbekistán, son los puntos donde se sitúan los centros de tejido de este empresa, cuyas relaciones con sus artesanos asciende a tres generaciones. Recientemente la firma presentó lo más nuevo de su colección compuesta por seis diseños de autor: Damasco (ciudad revistada) por el diseñador Manuel Álvarez Fuentes, elaborado en técnica de nudo nepalí, en lana neozelandesa. Otra de las piezas es Roadsigns por Lance Wyman, diseñador industrial cuyo trabajo se caracteriza por el manejo de logotipos y simbología. El tapete fue elaborado en lana neozelandesa cardada a mano y seda. En la colección aparece el trabajo de Johanna Boccardo en el tapete Hereke Bomb, el cual es el resultado de la intervención artística de un tapete 42

antiguo tejido en el pueblo de Hereke, Turquía, con una técnica de arte urbano en nudo Ghiordes. El Paisaje en mi dentro y fuera, es el título que el diseñador Jorge Cejudo otorgó a su creación con la que hace referencia a un tapete persa. El tapete fue elaborado en técnica de nudo nepalí y fabricado en lana neozelandesa cardada a mano y seda. La marca Eos México presentó Sisma Pashtun, un tapete que une tradición representada en la simbología persa y contemporaneidad reflejada en el uso de un software para su creación. Fue elaborado en nudo nepalí, en lana neozelandesa cardada a mano y seda. Finalmente Coatl es un diseño basado en la celosía de la fachada del Museo de Antropología, obra memorable de Ramírez Vázquez. El tapete es una estilización abstracta que simboliza a la lluvia. La selección de colores y materiales se llevó a cabo de manera personal entre Ramírez Vázquez y Odabashian en 2011, y únicamente se produjeron dos piezas. La técnica empleada fue nudo nepalí en lana neozelandesa cardada a mano y seda. www.odabashian.com

columna

CIENCIA DE DISEﾃ前

ANTICIPATORIO 44

Texto Luis Mercado Imágenes cortesía de los espacios publicados

R. Buckminster Fuller es uno de esos personajes semiolvidados en el mundo del diseño. Cada vez son menos las personas que lo conocen o identifican su trabajo. Sospecho que, en buena medida, es porque Fuller se dedicó más al desarrollo de lo que él llamaba “La ciencia del diseño anticipatorio”, que a realizar sus propuestas.

s imposible que nadie, dentro o fuera del mundo del diseño, se haya cruzado con uno de los diseños o ideas de Buckminster Fuller, quien fue una persona enigmática con una idiosincrasia muy particular, casi rayando… O más bien, del otro lado de la locura. Pero entre más nos involucramos en su trabajo y en su forma de pensar, y desciframos su forma de escribir, nos damos cuenta que fue uno de los principales ideólogos del siglo XX, y que de una u otra forma todos los diseñadores actuales le debemos más de lo que imaginamos. El trabajo más reconocido de Fuller son, ni más ni menos, los domos geodésicos; su investigación y exploración sobre el uso más racional de materiales lo llevaron a la conclusión geométricamente más lógica: cómo lograr la mayor superficie con la menor cantidad de material, y fue justamente él quien acuñó la frase: “hacer menos con más”.

Uno quedaría satisfecho con esta referencia pues, después de todo, a muchos diseñadores se les recuerda por uno o dos diseños que lograron traspasar la barrera del tiempo, pero entendemos que la cúpula geodésica fue solamente la expresión más visible de los estudios en materiales y estructuras que ocupaban la mente de Fuller. Para entender mejor su trabajo tenemos como referencia que su tíaabuela fue Margaret Fuller (1810-1850), una de las principales filósofas trascendentistas. Los trascendentistas concluían que el advenimiento de una Nueva Era sería posible durante sus vidas, y fueron extremadamente críticos de la sociedad contemporánea por su “conformidad irreflexiva”, y urgieron a que cada individuo buscara “una relación original con el universo”. Este tipo de ideología seguramente dejó una fuerte impresión sobre el pequeño Buckminster, quien vivió convencido de que el mundo se 45

enfrentaba a una nueva era, y la responsabilidad de encararla radicaba en cada individuo. En 1927, Fuller estaba a las orillas del Lago Michigan considerando seriamente suicidarse. No sólo no había logrado superar la muerte de su primera hija (se culpaba de su enfermedad al no haberle provisto de un hogar y una vida de calidad), sino que en ese momento se encontraba en bancarrota después de que su negocio fracasara, y su esposa estaba embarazada nuevamente. Mientras sopesaba si valía más vivo que muerto, tuvo una experiencia similar a una epifanía. En el archivo de Fuller encontramos una anotación que captura el momento que definiría el resto de su extraordinaria vida: “Parado al borde del lago mientras contemplaba la opción de brincar, tuve un pensamiento espontáneo: si dejo de lado todo lo que me han pedido que debería creer y recurriera únicamente a mis experiencias, ¿hay alguna convicción a partir de esas experiencias que desacrediten o asuman un intelecto superior a priori que el intelecto del hombre?”.1 La respuesta a este dilema epistemológico fue una revelación para Fuller: el intelecto humano, unido al rango de posibles experiencias humanas, es sagrado. “Aparentemente dirigiéndome a mí, dije: ‘¿Tienes el derecho de eliminarte?, tú no te perteneces, le perteneces al Universo’”. 2 Surgió de esta experiencia renovado y seguro de su posición en el universo, y se entregó a lo que consideraba su destino en la historia de mundo; se enfocó en un experimento de autorrealización que calculaba duraría 33 años —“diseñado para hacerse efectivo en 1952”—, pero que en realidad duraría toda su vida. En su manuscrito de 1982 (un año antes de morir) titulado “Conejillo de Indias B” —Guinea Pig B—, Fuller se refirió a sí mismo como: “Un caso viviente de una historia perfectamente documentada durante medio siglo sobre un proyecto de búsqueda e investigación diseñado para descubrir que, si acaso algo, un individuo desconocido, sin dinero… podía mejorar la condición humana de una forma que no podían hacer los gobiernos, las grandes organizaciones, religiones o las empresas privadas”. 3 Y fue en 1927, lo que los académicos refieren como su “Annus Mirabilis”, que desarrollaría las bases de lo que se convertiría en una vida de investigación. 46

Fue de los primeros, si no el primero, en darse cuenta de que el nivel de consumo es insostenible y predijo el uso de energía renovable calculando el valor de la energía solar. Su pensamiento sobre los recursos limitados que tenemos en la tierra fue su mayor preocupación y lo llevó a crear el término “Nave espacial Tierra” para referirse de forma muy gráfica a nuestro planeta, pues todos somos pasajeros dentro de este sistema; otro término que inventó fue “synergetics” y que ahora usamos y abusamos como “sinergia”. Fuller era un tecnócrata y es imposible definir su profesión usando los términos convencionales, él prefería el título de “científico diseñador anticipatorio exhaustivo”. Sus investigaciones sobre energía renovable lo convencieron de que lo mejor era dormir brevemente cuando la “energía primaria” bajaba, así nunca usaríamos la “energía secundaria” y, por lo mismo, sería más fácil “recargar pilas”. Durante dos años durmió sólo dos horas al día (30 minutos cada 6 horas), no obstante tuvo que abandonar esta práctica, porque era incompatible con la sociedad. Estaba convencido de que las imprecisiones del lenguaje eran una fuente de errores y confusiones, por lo que renunció al lenguaje mismo: “Fue muy difícil para mi esposa, pero decidí mantener un moratorio en el habla… así que por aproximadamente dos años no me permití usar palabras.”4 Inventó el término “dymaxion” (Dynamic Maximum Tension) para describir su filosofía, y con él bautizó casi todo lo que creó, desde la Casa Dymaxion hasta un coche de tres ruedas. Pero indudablemente la obra más importante de Buckminster Fuller fue el Dymaxion chronofile, su archivo personal, que consta de más de 750 volúmenes y pesa por encima de las 45 toneladas. En vida, mientras buscaba una institución interesada en el archivo, la valuó de una forma muy sencilla: su peso en oro.

En 1999 la Universidad de Stranford compró el archivo por mucho menos dinero, y ha pasado la mayor parte de estos 15 años poniéndolo en orden y tratando de hacerlo lo más accesible al público en general y a los investigadores. Esto ha generado toda una nueva ola de investigación sobre la vida y obra de este futurólogo que redefinió la relación del hombre con el mundo y la tecnología, y que nos inspira a jugar con la idea… “¿y si asumo mi vida como un experimento para averiguar qué tanto un individuo puede beneficiar a la humanidad?”. Bibliografía 1 .R. Buckminster Fuller, “Later Development of My Thoughts,” en Ideas and Integrities: A Spontaneous Autobiographical Disclosure, ed. Robert Marks (Englewood Cliff, NJ: PrenticeHall, 1963), 45. 2. Íbid 3. R. Buckminster Fuller, What I have Learned (Nueva York, Simon and Schuster, 1968) 73. 4. R. Buckminster Fuller, “Guinea Pig B: The 56 Year Experiment”, repr. ed. (Clayton, CA: Critical Path Publishing, 2004) -“New Views on R. Buckminster Fuller”, ed. Hsiao-Yun Chu y Roberto G. Trujillo (Standford, CA, 2009) R. Buckminster Fuller, “Critical Path”, St. Martins Press (Nueva York, NY, 1981)

www.luismercadorojo.com

diseño

EL VALOR DE LO COTIDIANO BR U N N O JA HA RA

Texto Redacción Imágenes cortesía Brunno Jahara

Las creaciones del diseñador brasileño Brunno Jahara, rinden tributo a sus raíces a través del color y materiales que forman parte de la cultura sudamericana.

n su obra, Jahara combina las formas orgánicas con la funcionalidad, para dar origen a toda una colección de objetos que dan vida a los espacios con un toque exótico característico del Brasil. Sus conocimientos sobre el diseño los adquirió en Europa, donde absorbió todas las ideas y técnicas de producción, formas y tendencias con las que actualmente produce cada una de sus piezas. Desde jarrones de plástico multicolores, hasta lámparas y vajillas forman parte de su colección que ha dado a conocer en las ferias de diseño más importantes como La Triennale im Milán, Fondazione Bevilacqua, La Masa in Venice, Ventre Georges Pompidou y Tokyo Designers Block, entre otras. Actualmente, Brunno lleva a cabo una intensa actividad en Sao Paulo, realizando productos creados a partir del reciclaje. Esta labor le ha dado 48

el reconocimiento necesario para continuar promoviendo el tema de la sustentabilidad y el cuidado del medio ambiente, el cual, ha sido una constante dentro del ámbito del diseño internacional en los últimos años. Al mismo tiempo, experimenta en otras áreas como el diseño gráfico, de interiores y el de joyería en los que desarrolla su creatividad e ingenio para crear conceptos que van de la mano con la vanguardia y los estilos de vida contemporáneos. www.brunnojahara.com

photographty by: Gwenael Lewis

diezcompany.mx t: +55 5281 8606 c: Blend, Palmas 520 Lomas De Chapultepec Mexico DF 11000 tw: @diezcompany fb: /diezcompanymx

28 Series by Omer Arbel Standard fixtures and custom chandeliers

www.bocci.ca info@bocci.ca

diseño internacional

PREVIEW SALONE DEL MOBILE 2014 MILÁN

Una vez más, la creatividad internacional se da cita en el Salone del Mobile 2014 Milán, donde los representantes del diseño de espacios dictan la tendencia que marcará los estilos de vida durante el resto del año. Con propuestas llenas de vanguardia y funcionalidad, los creativos de la escena del interiorismo presentan nuevas opciones para habitar el espacio con el uso materiales sofisticados en mobiliario, accesorios, iluminación y otros detalles que van de la mano con los importantes avances tecnológicos que harán de cada rincón del hogar el sitio ideal.

AMBIENTES A RP E R Zinta Es un sofá modular cuyo asiento soporta la inclinación ocasional del cuerpo. Sistema de variables longitudes y ángulos permite que se adapte a diversos espacios. Éste puede servir como un sofá simple o uno a mayor escala; al mismo tiempo, su gama de cojines y materiales, resulta flexible a cualquier ambiente. Están disponibles en madera de roble natural y marrón. www.arper.com

C A PP E L L I N I Esta pieza es una evolución de Cap Chair que fue presentada por Jasper Morrison en el Salone 2013. Fue personalizada a base de un diseño discreto hecho a mano, ahora es una silla totalmente tapizada en cuero y su simplicidad en líneas y el mismo material, la hace un clásico de los salones de reuniones. www.cappellini.it

TOM DIXON Con el tema ‘CLUB’, Tom Dixon presentó nuevo mobiliario, iluminación y accesorios. Aquí aparece la línea Grey Beat que es un ejercicio de minimalismo expresivo compuesto por lámparas colgantes que se colorean en gris con una placa interior que crea un brillo cálido. Esta hace juego con la línea de mobiliario Flood, que cobra inspiración en el dominio técnico de la industria automotriz; se conforma de polímeros moldeados. Dixon diseñó además, una serie denominada Pivot, compuesta de una silla de respaldo alto, una silla baja y un taburete de bar. Finalmente dio a conocer la Table, fabricada con poliuretano durable y disponible en dos tamaños con acabados de distintos esmaltes. www.tomdixon.net

ACCESORIOS ELICA Amelie La nueva campana puede adaptarse a diversos estilos de cocina gracias al marco de madera laqueada blanca, desteñida o natural, que le permite personalizar cada color. Dispone de un motor de alta rendimiento y alta eficacia, con doble zona de aspiración y filtro en poliuretano, fácil de utilizar y mantener. www.elica.co.uk

SOMETHING GOOD La marca, fundada en 2011 por Giorgio Biscaro y Matteo Zorzenoni, presentó su nueva colección de accesorios, artículos de cocina y objetos para el hogar y la oficina, los cuales, a base de su simplicidad en forma y su tonalidad neutra, cobran un fuerte sentido decorativo, característica que se adhiere a la funcionalidad de cada objeto. www.somethinggood.it

LUZ STUDIO BERTJAN POT LED’s Go light Con la intensión de descubrir diferentes sensaciones hacia la luz, el estudio de diseño Bertjan Pot presentó esta lámpara, la cual cobra inspiración en sus anteriores creaciones de luminarias: Downstairs light, Disco Dome y Disco Dish; la estructura de LED’s Go es de malla cuadrada y está disponible en diversos tamaños y colores. www.bertjanpot.nl

DSIGNED BY SAYS CIAO Table “T” Esta mesa incorpora en su estructura la sujeción metálica y una serie de iluminación LED sin que ésta sea visible; es posible asociarla con la sensación de una fuente de luz de vela romántica. La pieza es ideal para bares y restaurantes, sin dejar a un lado la posibilidad de exhibirla como protagonista de la estancia principal. www.dsigned-by.cc

COLÉ GALLERY Tato, una empresa joven en accesorios de iluminación fundada por Filippo Cristina, presentó lámparas icónicas y atemporales con la intensión de ser apreciadas y transmitidas a las nuevas generaciones. Se trata de lumínicos de pared y escritorio que llevan en su concepción un estilo retro basado en la geometría y en la sutileza de los materiales. www.coleitalia.it

MOOOI La empresa fundada en 2001 por Marcel Wanders y Casper Vissers present贸 una recopilaci贸n de piezas encontradas alrededor de los cinco continentes; mobiliario, accesorios y variedad de colores crean la combinaci贸n perfecta para lograr comunicar la forma de crear un ambiente rodeado de historias. www.moooi.com

COLECTIVO MINDCRAFT14 Es un colectivo apoyado por Danish Arts Foundation y organizado por Danish Agency for Culture. Mindcraft, una exposición anual reconocida a nivel internacional con diversos participantes, fue introducida inicialmente en Milán por la organización Danish Crafts en 2008. www.mindcraftexhibition.com

NODUS Bajo la reelaboración y reinterpretación de la forma antigua de tejer alfombras, en conjunto con arquitectos y diseñadores internacionales, Nodus presentó una colección de alfombras hechas a mano, mismas que son piezas únicas y basadas en diseños de edición limitada: Russia, Viking y Withered Flowers. www.nodusrug.it

LOSING MY AMERICA Chilean studio Gt2P y Colectivo Amor de Madre Gallery desarrollaron el proyecto Bridging America, una plataforma para construir diálogo dentro del diseño mediante la exploración de nuevas tecnologías y técnicas locales tradicionales. Losing my America expresa el trabajo y colaboración entre artesanos y diseñadores locales de Chile, México y Brasil, y cada pieza exhibida tuvo una investigación previa. Gt2P, Chile; Ariel Rojo, México; y, Estudio Guto, Brazil; son los diseñadores involucrados en el proyecto en conjunto con artesanos como: Teresa Olmedo, Polychromed Ceramics of Talagante, Santiago, Chile; Vanderlino De Souza, Handwoodworking, Sutaco Community, Sao Paulo, Brasil; y, Florentino López, Ceramics and Glass Counts Huichol, Jalisco, México. www.gt2p.com / www.arielrojo.com/ www.gutorequena.com.br

MOUSTACHE Esta es una de las compañías francesas más importantes de diseño, que presentó la pieza Half Decade Beast como resultado de sus primeros cinco años en el ámbito, los cuales se han desarrollado a favor de proyectos de carácter cultural. Este año conjuntaron creaciones de Scholten & Baijings, Raw-Edges, Jean-Baptiste Fastrez, Ferréol Babin y ECAL/Dimitri Bähler. www.moustache.fr

enfoque

PASIÓN POR LA GEOMETRÍA RAYMUNDO SESMA Texto Gerardo León Fotografía Carlos Madrid y cortesía Raymundo Sesma

El artista plástico Raymundo Sesma nos abre las puertas de su espacio para dejar al descubierto los secretos de su arte y la sensibilidad que hay detrás de cada uno de sus trazos con los que logra cambiar el paisaje urbano.

ara el artista plástico Raymundo Sesma el color tiene cualidades poéticas, es el complemento básico de la arquitectura y el cómplice innegable de los espacios. Pero el color no es lo único que mueve la obra de este creativo mexicano, sino que ha encontrado en la geometría una de sus mayores inspiraciones para dar origen a conceptos únicos plasmados sobre muros y superficies que él identifica como lienzos en blanco. Oriundo de San Cristobal de las Casas, Sesma ha realizado varios proyectos dentro y fuera de la Ciudad de México en los que ha logrado que importantes edificaciones, como el Centro Cultural Ollin Yoliztli, tomen una nueva cara a partir de la unión de líneas, prismas y otras coloridas figuras. “Mi misión es intervenir lo que ya existe dentro del paisaje urbano; yo no destruyo… complemento. Es como lo que sucedió en la Plaza de la Señoría en Florencia. Se construyó hace 300 años y posteriormente se complementó con lo que ya existía, así debemos actuar, destruir lo que ya está construido es un costo superior en todos los sentidos”, afirma Sesma. Su sensibilidad hacia el arte la fue desarrollando de una manera fortuita desde muy joven, cuando diferentes sucesos lo llevaron por el camino de las formas y la creación. “Mi padre, de profesión farmacéutico, se quedó ciego, y fue entonces cuando a mi hermano gemelo y a mí nos cambió de inmediato la perspectiva de nuestro futuro, ya que pensamos que nos dedicaríamos al cuidado del negocio familiar”, narra Sesma. Pero en aquel entonces, sucedió algo inesperado que lo llevó a su primer contacto con el arte: “Los laboratorios que surtían la farmacia en ocasiones nos regalaban libros de diferentes autores, y en una ocasión nos enviaron uno de Walter Gropius y otro de Frank Lloyd Wright. Dos arquitectos que me cambiaron y me influenciaron demasiado para pensar en no seguir trabajando en la farmacia”, afirma el artista. Posteriormente, en sus estudios dentro del Colegio Americano, estuvo en contacto con el teatro, las artes plásticas y la literatura; después de unos años, cuando radicaba en la ciudad de Puebla, ingresó a la Universidad de las Américas. Recuerda que había un maestro, que dirigía el Departamento de Artes, quien lo involucró con el cine y con toda la expresión artística de los años 70. “Ese maestro nos proyectaba películas de 16 milímetros, y nos 59

mostraba todo lo que estaba pasando en los años 70, lo cual era una cosa increíble. Ahí descubrí la obra de Joseph Beuys y además el arte cinético, que fue para mí algo revelador”, señala. En ese tiempo, Sesma también conoció el trabajo de artistas mexicanos como Manuel Felguérez y Francisco Corzas, entre otros: “fue toda una experiencia e innovación… esa nueva geometría, esa manera de ver el arte y su espacialidad del mismo... ir más allá del simple caballete, de sus fronteras cuadradas o rectangulares, me inspiró muchísimo. Se trataba de una mentalidad súper abierta donde el arte no se limitaba, sino que estaba abierto a otras disciplinas”, dice. Todo esto cautivó por completo su espíritu creativo, y empezó a pintar y a utilizar los medios necesarios para crear su obra, y sobre todo, a jugar y experimentar con la geometría que actualmente es su mayor motivación. “Empecé a hacer geometría a finales de los años 70 y principios de los 80, pero después me fui a Canadá y experimenté con nuevas técnicas como el grabado y la litografía. Regresé a la geometría en el 2000, después de darme cuenta de muchas cosas que me hicieron evolucionar”. A partir de una imagen (que vio por computadora), de una figura que tomaba diferentes formas lineales, fue como dio inicio a su concepto actual: Campo Expandido —como él lo llama—, que desarrolla a partir de trazos hechos a mano, con reglas de más de tres metros de largo, tiralíneas y otras

herramientas, usando diferentes colores sobre los techos y fachadas de casas y edificios. Sus formas las lleva también a conceptuales esculturas de acero que se compilan en toda una colección personal. Con su diseño, Sesma crea diferentes efectos visuales en los que las estructuras parecen moverse por sí mismas, los techos parecen ser infinitos y algunos muros parecen transportarnos a otras dimensiones. “El color tiene cualidades poéticas, físicas y prácticas; incluso puede llegar a cambiar la temperatura de un ambiente y hasta puede llegar a irritar desde el punto de vista sicológico. Por otra parte, la geometría es una estructura, es soporte… es la fuerza que te permite construir el esqueleto de cualquier cosa”, expresa. Uno de los principales retos de este artista mexicano es pintar con su obra todo un barrio de México. Su trabajo ha sido exhibido en más de 50 exposiciones en ciudades como Tokio, París, Nueva York, Roma, Lisboa, Washington, entre otras; y ha representado a México en la Exposición Internacional de Arte de la Bienal de Venecia, entre otras importantes muestras. www.raymundosesma.com

“La geometría es una estructura, es soporte… es la fuerza que te permite construir el esqueleto de cualquier cosa”. 61

“Mi misión es intervenir lo que ya existe dentro del paisaje urbano; yo no destruyo… complemento”.

“Regresé a la geometría en el 2000, después de darme cuenta de muchas cosas que me hicieron evolucionar”.

diseño

HOTELES

CONCEPTO

UNA MIRADA A TRAVÉS DEL SUEÑO CREATIVO

Textos Karla Rodríguez

o cualquiera puede lograr que un espacio transmita diferentes sensaciones a través de los detalles, aromas, colores y formas que lleven al usuario a obtener total confort y descanso. Los creadores de hoteles lo saben, y se involucran con una gran responsabilidad que radica en hacer de cada estancia una experiencia única e irrepetible. “Se trata de generar una experiencia de 360 grados, donde el usuario tenga una historia que contar y su estancia se vuelva memorable”, dijo Elizabeth Gómez, arquitecta y fundadora de Muro Rojo Arquitectura. Las etapas que conforman el proceso de construcción de un proyecto hotelero están rodeadas de historias y anécdotas; es un trabajo en conjunto donde diseñadores y arquitectos intentan cumplir el sueño de las personas a través de la hospitalidad. En entrevista, Humberto Lerma, director general de Hotelito Desconocido, afirmó que durante el camino de creación y construcción hay dos etapas que se disfrutan en mayor medida: la primera es cuando se plasma toda la idea en papel y la segunda cuando se está en contacto directo con el equipo de trabajo, pues en ésta es posible afirmar si el proyecto realmente tendrá éxito.

“Este enfrentamiento entre sueño y realidad suele traer consigo obstáculos que, si se ven desde una perspectiva distinta, son retos que se presentan y nutren de fuerza y esencia el proyecto. Estas limitantes normalmente se encuentran en el terreno, el tiempo, los recursos o las condiciones en las que se pretende llevar a cabo el plan”, afirma Lerma. Actualmente se ha observado que a los hoteles, en los que el objetivo principal es descansar, se les han adherido otros puntos centrales de donde parte toda su realización, entre estos se encuentra la interacción del usuario con el entorno y las raíces de la región donde se sitúan. La arquitecta y el empresario coinciden en que “el éxito de un proyecto de hotelería consiste en la pasión por el trabajo de quien lo crea, y en el reto por cumplir todo aquello que conforma los sueños de los huéspedes”.

HOTEL ESCONDIDO G R U P O

H A B I T A

Fotografía cortesía Grupo Habita

n la costa oaxaqueña —entre el Pacífico y la Sierra Madre del Sur— se encuentra Hotel Escondido, un espacio para el descanso, erigido en una playa alejada al norte de Puerto Escondido, destino turístico considerado dentro del Top Ten del surf. Con 13 años de experiencia en la construcción de hoteles y logrando que cada obra refleje el entorno en el que se sitúa, Grupo Habita llevó a cabo este proyecto estrechando ideas y trabajo con el arquitecto Federico Rivera Río, quienes decidieron darle un giro moderno a la palapa tradicional. Son 16 bungalows los que conforman a Hotel Escondido, los cuales mantienen el minimalismo característico de Grupo Habita; líneas claras con techos de auténtica palma y pisos de madera tropical, son los elementos que, fusionados con la luz natural de cada habitación, transforman 200 metros de playa en un espacio privado que hace honor a la tradición y el diseño local.

A unos pasos de los bungalows, se pueden tomar lecciones de surf, navegación y kayak, qué mejor lugar para aprender que la meca del surf. Siendo famosa por sus oleajes, Playa Zicatela se presta para la práctica de este deporte, tanto para principiantes como para profesionales. Desde la alberca del Hotel Escondido, es posible apreciar las olas del mar, el azul del océano y los tonos verdosos del entorno, la perfecta opción para los más románticos y aventureros. Naturaleza y diseño se conjugan en este proyecto, reflejando, de este modo, elementos característicos de la región de Oaxaca como: calidez, armonía, colorido y expresión máxima de la naturaleza mismos que transmiten placidez en la estancia. www.grupohabita.mx

E’TERRA SAMARA F

Fotografía cortesía Farrow

arrow, estudio de diseño londinense, llevó a cabo el diseño de E’Terra Samara, un ecoresort de cinco estrellas ubicado en la Península de Bruce en Ontario, Canadá, el cual se basó en la relación de la naturaleza con el ser humano. Está conformado por 12 dormitorios suspendidos en árboles de la zona —declarada Reserva Mundial de la Biósfera por la Unesco—, con el objetivo de respetar la naturaleza, formar parte de ella sin intervenciones e ir en contra de la práctica común de clavar en el tronco, perforar y lastimar su madera. La estructura de los dormitorios está inspirada en la forma de un sámara —fruto del olmo, que simula un ala aplanada—, el cual cuelga de los árboles y aparece en temporada de otoño. Cada habitación abraza el tronco y se sostiene mediante cables de alta resistencia inspirados en las cuerdas yukiysuri del Jardín Kenrokuen en Japón, — mismas que también se emplean para sostener las ramas de los pinos y evitar que se rompan con el peso de la nieve—, con el objetivo de preservar la fauna de la reserva. La electricidad de cada villa es autogenerada por una red de energía

fotovoltaica descentralizada, y se realizó una selección de materiales con base en las cualidades ambientalmente sensibles, es decir, no son tóxicos. El diseño arquitectónico de E’Terra Samara forma parte de un reflejo de conciencia creciente y el aprecio por el diseño biofílico, el cual deriva de la relación que existe entre el ser humano, los seres vivos y los sistemas ambientales. Con este proyecto, Farrow celebra las estructuras de bajo impacto ambiental que conectan a la gente directamente con la vida a través de imágenes, materiales y estructuras.

www.farrowdesign.com

HOTEL ANTICAVILLA

BGP ARQUITECTURA

Fotografía Jaime Navarro

bicado en Cuernavaca, Morelos, el Hotel Anticavilla es un espacio conformado por elementos contemporáneos plasmados en una estructura arquitectónica constituida por materiales de demolición de edificios coloniales del siglo XVIII. Al diseño arquitectónico existente, que estuvo a cargo de BGP arquitectura —despacho multidisciplinario establecido en la Ciudad de México y fundado por Bernardo Gómez-Pimienta—, se le agregó un nuevo edificio que presenta una losa de concreto aparente sostenida por columnas metálicas, bajo la que se resguarda el restaurante, el cual está abierto y ve hacia el jardín, aprovechando así, el clima templado de Cuernavaca. La misma losa varía su altura conforme avanza hacia el fondo con la intención de dar escala al bar y a los servicios de Anticavilla. Cada habitación del hotel tiene una identidad propia, ya que pintores italianos del siglo XX fueron inspiración para el diseño interior, es decir, el uso de colores y tonalidades depende de las obras del artista seleccionado para cada espacio. De este mismo modo, dos suites se ubican en el ala nueva del edificio. El jardín tiene fuerte presencia en el diseño de Hotel Anticavilla, pues las flores le otorgan los colores que lo distinguen, variando sus tonalidades dependiendo las estaciones del año. www.bgp.com.mx

HOTEL B¨O MURO ROJO ARQUITECTURA

Fotografía Jaime Navarro

n una de las ciudades más concurridas del estado de Chiapas se encuentra ubicado B¨O, un hotel que mediante la conservación de elementos propios de la región ofrece una estancia llena de riqueza y tradición a sus huéspedes. El uso de colores llamativos, textiles y texturas, revelan la identidad cultural que conforma el diseño del hotel. Muro Rojo Arquitectura es el estudio arquitectónico y de diseño mexicano que se encargó de hacer de este proyecto un hábitat lleno de significado y espíritu. Para lograr que el usuario dirija su mirada a un México que encuentra sus raíces en la tierra, fue necesario adentrarse en la identidad de la cultura mestiza. B¨O significa ‘agua’ en lengua tzotzil. Este vocablo fue el punto de partida del diseño para adentrarse en la búsqueda de una experiencia que involucrara los cuatro elementos, tal como la filosofía tradicional de Chiapas: "la tierra es el cuerpo, el viento es el vaho, el agua es la sangre y el fuego es el espíritu". El hotel cuenta con 14 habitaciones estándar, 6 Jr. suite con jardín privado y pileta, una máster suite con tina freestanding, terraza y jardín privado, y una suite presidencial con tina freestanding y roof garden con pileta;

además de un área de biblioteca, lobby bar, fitness center, salón de eventos, servicio de spa a la habitación y más de 1,000 m2 espacios todos que hacen de este hotel un lugar que ofrece una estancia acogedora La propuesta arquitectónica destaca la relación que existe entre el interior y el exterior del edificio al incluir en su esquema la planta del tradicional patio andaluz, la calidez de la madera, la poética de sus cubiertas, los tejados, por supuesto, el color —los tonos cafés son los que predominan en combinación con azul, rojo, verde y violeta— y la textura de los muros; todo esto rodeado de un entorno montañoso en el que la lluvia parece ser el origen de la vida y la niebla el medio por el cual se pierde la misma. B¨O parte de la intensión de mostrar, a través de elementos de diseño basados en la cultura chiapaneca, una atmósfera cálida y acogedora llena de historias que involucran hilos, textiles, nudos, grecas, texturas, colores, tal y como se inscribe la vida en San Cristóbal de las Casas, Chiapas. www.murorojo.com

HOTELITO DESCONOCIDO D A L A I T H Y 80

A M A R A L

Fotografía cortesía Dalaithy Amaral

otelito Desconocido está situado en La Cruz de Loreto, Tomatlán, Jalisco; éste representa un referente en el campo de la hotelería sustentable de lujo, y resulta una muestra clara de cómo se transforman las ideas creativas —intangibles para el ser humano— en algo físico que se percibe de manera táctil. La arquitecta Dalaithy Amaral, propietaria de Hotelito Desconocido, fue capaz de convertir su sueño en realidad gracias al gran equipo de trabajo del que echó mano: pintores, albañiles, carpinteros, herreros y hasta pescadores de la región, lograron plasmar un característico variopinto de la cultura mexicana, convirtiendo un estilo rústico en sofisticado. Los involucrados en dar vida al recinto —en su mayoría originarios de Cruz de Loreto— desde un inicio trabajaron para hacer de este hotel un espacio que, mediante el empleo de técnicas manuales y materiales de carácter ecológico, ofrece un vínculo entre el diseño y el entorno que lo rodea, logrando de esta manera, un ambiente armónico. Un elemento clave en la coordinación de este proyecto fue Julián García, "El Soldado", quien organizó la labor de 400 personas divididas en tres turnos, con el fin de que todo tuviera una lógica creativa al momento de levantar la estructura de los palafitos que conforman el hotel. Los muros, terminados por Andrés Hernández, "La Foca", adquirieron

durabilidad y refinamiento mediante la técnica ancestral de enjarrado. La madera fue uno de los materiales fundamentales en el proyecto de diseño de Hotelito Desconocido, pues a través de un buen manejo de modelado y tallado se consiguieron curvas imposibles y diseños únicos en mobiliario, principalmente en libreros, anaqueles y puertas con herrería del siglo XVII, y fue el experto Enrique Carbajal, "Alequín", quien le dio vida a este material natural. Los espacios al aire libre, como los jardines, consiguieron estética, cuidado y diseño único gracias al conocimiento que aportó Maximiliano Castillón, "Don Maxi", para conservarlos (cabe destacar que la parte más difícil fueron las áreas verdes). Éstos son sólo algunos ejemplos que ilustran la labor detrás de lo que ahora conforma a Hotelito Desconocido, los que de forma agrupada transmiten una esencia basada en la cultura nacional y la visión de Amaral ante la importancia del cumplimiento de ideas, sueños y anhelos en el ámbito creativo y de diseño. www.hotelito.com

EXCLUSIVA: Al presentar este número, los lectores de Glocal tendrán un ascenso inmediato de categoría (up grade, dependiendo de la habitación que reserve), más un circuito de Talasoterapia para dos personas.

I-RESORT A21 STUDIO

Fotografía David Matthiessen

ecurriendo a la arquitectura tradicional de Vietnam, a21 Studio, despacho de diseño vietnamita que trata de insertar su concepción de la vida a los proyectos a su cargo, tuvo la intensión de dar a los turistas una experiencia nueva y diferente en I-Resort. El hotel está ubicado en una pequeña colina cercana al río principal que separa al sitio del centro de la ciudad de Nha Trang. El estilo de vida es tan tranquilo que permite a los visitantes tomar relajantes baños de lodo. Por lo anterior, el proyecto tuvo como objetivo ofrecer espacios de aguas termales en siete hectáreas. El estudio establecido en Vietnam —conformado por cinco diseñadores que se interesan por llevar su visión de la vida a la arquitectura—, empleó materiales típicos como la madera, la piedra y la hoja de coco para transmitir armonía entre los turistas y el ambiente. La creación de estanques de flores de loto, calabaza y jardines logran matizar el implacable sol y el clima tropical de la región, de hecho la distribución del patio es resultado de estas condiciones culturales y territoriales. Los espacios fueron organizados de manera flexible para que se lograra la adaptación de diversas funciones y fuera posible tener diferentes vistas de la zona, un ejemplo de ello son los lugares de paz y tranquilidad en los que es posible conectarse con el entorno a través de la captación solar y la ventilación natural. También se pensó que para evitar el exceso de calor debido a la saturación de espacios libres, la solución era adaptar jardines internos techados que crearan una frescura ambiental. Se sabe que para crear una estructura de madera por lo general se hace uso de pegamento, clavos o conectores prefabricados para unir distintos componentes, sin embargo, a21 Studio usó mortaja y espiga como una nueva adopción de ensamble, esto con ayuda de un experto para evitar problemas debido a la tensión. A esta área se le agregó un spa, el cual consta de nueve casas de hotel que están conectadas por un techo continuo, con un espacio de relajación, baño de barro y baño de minerales, junto con un pequeño bar y restaurante. Los edificios fueron construidos en nueve meses por 90 albañiles, carpinteros y artesanos de la región, quienes mediante técnicas de construcción y materiales locales, lograron un diseño que combina piedra, madera y hojas de coco. Por otro lado, el techo de estas casas está construido con métodos tradicionales con caja y espigas, siendo la madera el elemento más destacado. El bar está por encima de la tierra, vinculando así el espacio exterior con el interior ofreciendo un nuevo punto de vista a los usuarios sin tocar a la naturaleza del área. El entorno y el ambiente es el valor fundamental en este proyecto, ya que se puede contemplar su belleza casi a partir de cualquier rincón del hotel y del spa. www.a21studio.com.vn

AU VIEUX PANIER T I L T

Fotografía Big Addict

ilt es un artista de grafiti originario de Toulouse, sur de Francia, cuya carrera artística ha sido influenciada por su afición a viajar y el gusto por apropiarse de muros, trenes, puertas, azoteas y otros lugares alrededor de la ciudad, teniendo como filosofía que ésta es una forma de disfrutar su dominio público. El dueño de Au Vieux Panier —hotel en Francia que ofrece a sus huéspedes una estancia estrechamente relacionada con el arte— le pidió a Tilt que diseñara el interior de una habitación plasmando su sello personal a través del grafiti, ya que el hotel se caracteriza por la variedad de ambientes en sus habitaciones, los que son renovados cada año con el objetivo de que el usuario duerma y forme parte de una obra “efímera” de arte. Al recibir la propuesta, Tilt confesó que no estaba interesado en crear la decoración interior del dormitorio, sino en llevar a cabo una instalación. Su idea fue recrear lo que normalmente se ve en algunos lugares abandonados: etiquetas, frases y expresiones callejeras que se van sobreponiendo unas a otras. Así surgió Panic Room.

El artista pidió ayuda a algunos conocidos suyos, quienes también están involucrados en el mundo del grafiti en Francia: Tober, un amigo que domina la vieja escuela en etiquetas; Grizz, quien actualmente está llevando a cabo un video sobre este proyecto y que estará listo próximamente; y a Don Cho, un cantante de hip-hop de Marsella, Francia, que solía ser etiquetador en Toulouse. El juego con la composición y el color blanco de la habitación dieron como resultado un espacio dividido en el que es posible vivir dos ambientes al mismo tiempo. Por un lado, se encuentra el caos representado con colores llamativos mezclados en una diversidad de etiquetas y frases de esta particular forma de expresión artística —que puede ser apreciado dependiendo el punto de vista de la persona— y, por el otro, la tranquilidad que ofrece la inmensidad del color blanco. www.graffitilt.blogspot.mx

PUBLIC CHICAGO I A N S C H R A G E R

Fotografía cortesía Ian Schrager

UBLIC es un nuevo concepto de hotel que destaca por la selección de lo mejor de la serie de lujo y del conjunto boutique con lo mejor del servicio. Es así como Ian Schrager Company logra un cambio en los estándares de negocios y de la industria ya establecidos. Schrager —fundador y presidente de la compañía— es un empresario reconocido internacionalmente por sus propuestas en el ámbito del entretenimiento, industrias residenciales y de hostelería. El estilo de vida es un elemento primordial y se toma en cuenta en los proyectos de este empresario, y por ello, resulta destacable su forma de expresarlo a través de su filosofía basada en conceptos como: "El hotel como en casa lejos de casa", "el hotel como el teatro", "cheap chic", "lobby socialización", "el interior / exterior del vestíbulo", "el complejo urbano" y "el spa urbano". PUBLIC marca un nuevo enfoque desprovisto de exceso y un rechazo de la antigua idea de lo que define el lujo y lo que realmente significa para los usuarios; de este modo, Schrager quiso llevar el proyecto a una experiencia cultural para el viajero moderno considerando que éstos, además de dormir, buscan tener una experiencia única durante su estancia. Un diseño sobrio, refinado y clásico es el que combina con la creación de un ambiente familiar que hace sentir al huésped como en casa. 88

PUBLIC Chicago es la transformación de la institución 285-room Chicago, Ambassador East, construida en 1926 en Gold Coast. Para este proyecto, Schrager mantuvo la estructura existente y los detalles arquitectónicos del edificio e incluyó aspectos nuevos y modernos para evocar un estilo cálido y personal. Las amplias habitaciones y las suites, así como los espacios públicos —tales como los pasillos, considerados como los lugares de mayor actividad social—, ejemplifican lo anterior. Se crearon áreas que justamente responden a la necesidad de socializar, éstas fueron denominadas como “chat rooms”, tales como el salón y la biblioteca, que albergan una barra de café durante el día. Por la noche, la biblioteca se convierte en un atractivo lounge y bar. Además, proyecciones privadas, videoinstalaciones, lecturas de poesía, obras originales, entre otras ofertas culturales, conforman a PUBLIC Chicago, un hotel que a través de su tan personalizado diseño combina gusto y lujo en cada espacio.

www.ianschragercompany.com

ANDAZ AMSTERDAM PRISENGRACHT HOTEL MARCEL WANDERS

Fotografía cortesía Marcel Wanders

eflejar una visión de la historia holandesa fue clave en el diseño de este hotel en Ámsterdam, el cual corrió a cargo del arquitecto y diseñador holandés Marcel Wanders, quien hizo uso de elementos característicos del exclusivo estilo de vida local —actividades y comportamientos que adoptan y desarrollan las personas de forma individual o colectiva— enfocándolos en los detalles . Andaz Amsterdam Prinsengracht se ubica en la zona creativa y el espíritu dinámico del barrio de Jordaan y Nine Streets, pues se encuentra rodeado de importantes galerías de arte de la región, tiendas exclusivas y restaurantes que reflejan una esencia de carácter cultural entre la diversidad de la ciudad. Ámsterdam es una región en la que prospera el espíritu aventurero en la vida de sus habitantes y Marcel Wanders lo retoma para emprender el proyecto de diseño interior del hotel, inmueble que, anteriormente, albergaba la Antigua Biblioteca en el corazón de Ámsterdam. Los huéspedes tienen la posibilidad de relacionarse con la cultura local a través de las imágenes que decoran las habitaciones, los libros colocados en estantes, así como los alimentos y las bebidas que ofrece Andaz en su restaurante Bluespoon. 90

El diseño del recinto retoma elementos de la Edad de Oro, los característicos tulipanes y el color anaranjado, además de contar con la colección de arte en video más grande del mundo, conformada por 40 obras únicas de diversos artistas, tanto residentes de Ámsterdam como internacionales, tales como Ryan Gander y Erwin Olaf, entre muchos otros. Las obras se exhiben en diferentes áreas del hotel (plantas y pasillos), al mismo tiempo que se transmiten a través de un canal especial disponible en las televisiones de las habitaciones. Detalles como el decorado a mano de los lavabos, un fondo de pantalla único visible en la habitación y en las paredes del baño, una silla diseñada especialmente para la lectura, un espejo de cuerpo completo y un walk-in closet, complementan el diseño de las habitaciones, conformando así, los espacios de mayor importancia para la estancia y comodidad de los usuarios. www.marcelwanders.com

TREE SNAKE HOUSES

LUIS REBELO DE ANDRADE & TIAGO REBELO DE ANDRADE

Fotografía Ricardo Oliveira Alves

ree Snake Houses es proyecto en el que los elementos del diseño combinan con el entorno que lo rodea. Estas casas se ubican entre los árboles del Parque Pedras Salgadas en Bornes de Aguiar, Portugal, haciendo alusión a una serpiente deslizándose en el hábitat . Los materiales se seleccionaron con base en la idea de conectar la casa con el parque, estableciendo una imagen coherente e involucrando perfectamente los símbolos de la naturaleza y el diseño. Los arquitectos Luis y Tiago, quienes conforman el estudio Rebelo Andrade, hicieron uso de nueva tecnología para una construcción eficiente y con la intensión de ofrecer al usuario una estancia agradable. Este proyecto se enfocó en la sustentabilidad y la ecología, y para llevarlo a cabo, se emplearon sistemas sanitarios en los que prevalece la importancia de la reutilización del agua; paneles solares para aprovechar la energía natural; para ahorrar y aprovechar al máximo la luz, usaron tecnología LED, entre otras soluciones estrechamente relacionadas y amables con el ambiente.

Luis y Tiago Rebelo de Andrade en colaboración con Modular System, hicieron que la edificación previera múltiples fines y que se pudiera adaptar a diferentes paisajes y climas, pero sin perder el objetivo inicial de éste: hacer realidad la fantasía de las casas en los árboles que toda persona (o en su mayoría) ha deseado en alguna etapa de su vida. Los modelos de las casas Mountain Snake House, River Snake House y Sand Snake House, cuyas dimensiones y materiales se adaptan fácilmente a diferentes ambientes, se siguen desarrollando y pronto estarán disponibles para todo el público, así cualquiera tendrá la posibilidad de adquirir una de estas casas y ubicarlas en diversas zonas, tales como la costa, orillas de ríos, una montaña o un entorno urbano.

www.rebelodeandrade.com

corporativos

Las oficinas del futuro H a w orth Texto Redacción Fotografía cortesía Haworth

aworth, firma internacional dedicada a la configuración de espacios de trabajo, se ha enfocado en estudiar la forma en la que trabaja la gente para comprender el todo. Es una empresa que realiza investigación para el desarrollo, tomando como punto de partida la innovación. El comportamiento y la forma de comunicarse de las personas en un espacio de oficina, son elementos que la marca líder en mobiliario toma en cuenta para llevar a cabo propuestas de diseño. Las oficinas del futuro están estrechamente ligadas a la tecnología, pues actualmente la mayor parte de la sociedad se mueve a todos lados en compañía de un aparato móvil, con el beneficio de trabajar de forma local en cualquier parte del mundo. El espacio genera nuevas tendencias, cuya raíz de crecimiento se encuentra en la cooperación, esto trae consigo un desarrollo empresarial. La colaboración móvil cada vez cobra mayor impacto en el ámbito laboral y, por lo tanto, cada vez resulta menos conveniente continuar en los espacios de oficina tradicionales, es decir, en los que los empleados permanecen sentados todo el tiempo, al contrario, cada día se necesita de mayor movilidad en estas áreas y, por ello, Haworth propone a las empresas oficinas flexibles.

Para lograr la relación deseada entre los empleados mediante las oficinas del futuro “analizamos directamente cuál es la cultura de la empresa, desarrollando estrategias de consultoría a través de cuestionarios, entrevistas e implementación de mejores prácticas con la intensión de entender cuál es la forma en la que la empresa debe o quiere trabajar en un futuro”, aclara Rodrigo Llop, director de Haworth Latinoamérica, en entrevista. La creación de suficientes espacios para el intercambio de ideas es otro tema que cobra importancia en esta propuesta, pues resulta fundamental saber las necesidades de los trabajadores, para ello existen dos tipos de diseño: por un lado se encuentran aquellas personas que necesitan de mayor concentración y, para ellos es más eficiente un espacio cerrado con iluminación eficaz; por otro lado, aquellos que necesitan compartir ideas creativas, requieren de áreas con buena amplitud y mobiliario ergonómico. El entendimiento del perfil de los trabajadores es una de las prácticas que Haworth lleva a cabo para emprender una propuesta de entorno perfecto. www.haworth.com

corporativos

Nowicka Studio

Oficinas con sentido Texto Redacción Fotografía Carlos Madrid

os espacios de trabajo deben ser diseñados con una sensibilidad especial, para que cada detalle tenga como objetivo lograr la armonía necesaria que se verá reflejada en la productividad y el éxito de la empresa. La arquitecta Beata Nowicka lo sabe y se ha dado a la tarea de crear novedosos conceptos para oficina en los que toma como base no sólo los requerimientos de la empresa, sino elementos que llevan detrás un sentido más humano. Ejemplo de ello, es el lobby y oficina ejecutiva que el despacho Nowicka Studio, que ella dirige, ha creado para el corporativo Zurich en la Ciudad de México. “El director general invitó a un concurso y nuestro despacho resultó ganador para diseñar este espacio. Fue una importante labor en la que debíamos adaptarnos al giro y parámetros establecidos por la empresa”, dice Nowicka. Para esta arquitecta, de origen polaco, la primera impresión es básica, sobre todo si se trata de una recepción en la que la atención al público es constante. “Existe una regla que dice que los primeros 30 segundos rigen la sensación que vas a tener de un espacio, y es mucho esfuerzo, pero si 98

creas una mala imagen se quedará posicionada en tu mente y no reflejarás los objetivos de la empresa”, afirma la arquitecta. En el proyecto se debía trabajar sólo con una gama de siete colores que la misma compañía tiene como parámetro establecido por ser parte de su imagen corporativa. De esta forma Nowicka creó una atmósfera integrada por sillones de respaldo alto en color azul rey, de la firma Vitra, que además cumplen con la función de “envolver la conversación de los visitantes quienes no están expuestos y mantienen cierta privacidad. Esto es parte de una visión humana muy diferente… es una traducción de la idea que tiene la empresa hacia el factor humano”. Los sillones hacen juego con dos tipos de mármol que cubren la superficie del piso en tonos gris y negro. Éstos conviven con una pintura de la artista mexicana Martha Flores que se ubica en el techo. “Para mí el techo tiene la misma importancia que los muros, el piso y otros complementos del espacio. Y es que nadie se fija en él”. La iluminación toma un papel importante en la obra de Nowicka que, en esta ocasión, ha pensado en lámparas de techo negras de forma cilíndrica, de luz cenital, ubicadas

estratégicamente; además instaló un conjunto de lámparas en forma de esfera que parecen flotar por encima del mostrador. Este concepto toma continuidad en el siguiente piso donde ha creado una recepción con un toque mexicano contemporáneo: “La empresa deseaba un diseño en el que lo mexicano estuviera presente pero de una manera diferente y moderna, no de cliché. Así que creamos un diseño especial en talavera fabricado por la empresa poblana Uriarte que aparece tanto en el piso como en el techo de la recepción”. Esta área en la que también se montó un muro verde, nos conduce a la oficina principal donde un importante ejecutivo desarrolla sus actividades diarias entre piezas de arte, sillas de piel, laqueados y pisos de madera de la firma Fine Floors. El despacho de Nowicka está por estrenar otros proyectos entre los que destaca una residencia, las oficinas de una revista y un showroom de diseño.

www.nowickastudio.com

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“La regla dice que los primeros 30 segundos rigen la sensación que vas a tener de un espacio, si creas una mala imagen, se quedará en tu mente y no reflejarás los objetivos de la empresa”. — Beata Nowicka

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CASA BARRANCAS

EZEQUIEL FARCA ARQUITECTURA Y DISEﾃ前 Texto Redacciﾃｳn Fotografﾃｭa cortesﾃｭa Jaime Navarro

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n los años 60, el mobiliario y los objetos decorativos parecían no ser suficientes para llenar las estancias de aquellas grandes residencias diseñadas para familias numerosas. En aquel entonces, el espacio era delimitado por las necesidades de estilos de vida sofisticados donde la amplitud era una prioridad. El despacho Estudio Ezequiel Farca, vivió una nueva aventura con la remodelación de Casa Barrancas, una casona de los 60 que no era visualmente atractiva pero contaba con potencial espacial. El objetivo primordial, por lo cual la casa se convirtió en un gran reto, fue crear un proyecto que se definiera por su enfoque al detalle, modernidad y recorridos que generan gran expectación y sorpresa en quien transita el espacio. La residencia cuenta con una vista privilegiada al bosque, por lo que se instalaron ventanales de piso a techo, logrando atraer los elementos naturales del exterior hacia el interior. Por esta razón, la iluminación natural y la agradable panorámica se integran hacia dentro de la casa sin comprometer la comodidad e intimidad del usuario. La selección de materiales como mármol, piedra y madera, junto con las tonalidades naturales de verde oscuro y café, refuerzan la integración de los exteriores y crean la sensación de espacio ilimitado.

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Como programa, se crearon diversas amenidades para que la familia pudiera disfrutar de diferentes actividades: cine, cava, gimnasio, dos terrazas, alberca, jardín y áreas verdes. En el recorrido a través de los pasillos y los vestíbulos aparecen espacios multifuncionales impredecibles, logrados por celosías movibles, puertas ocultas, cancelerías empotrables, mobiliario diseñado especialmente para cada área, e iluminación artificial con sistema de automatización, para las diferentes necesidades del usuario. El paisaje fue cuidadosamente diseñado con plantas propias del clima local; se utilizaron azoteas verdes y jardines verticales en los muros. También se implementaron sistemas ecológicos para aprovechar la energía solar y ahorrar el agua.

www.ezequielfarca.com

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CASAS LA PUNTA GRUPO ARQUITECTURA Texto Redacción Fotografía cortesía Grupo Arquitectura

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n eficaz manejo de la transparencia, acabados naturales a la vista y novedosas herramientas tecnológicas, fueron las premisas que dieron origen al diseño del proyecto La Punta, un conjunto arquitectónico ubicado al poniente de la Ciudad de México. El despacho Grupo Arquitectura, que dirige el arquitecto Daniel Álvarez, es el creador de este concepto que se compone de dos casas escalonadas de manera natural, al seguir la topografía del sitio. Las casas se mantienen alineadas entre sí, lo que les permite mantener suficiente privacidad entre ellas. El proyecto presenta dos muros paralelos de piedra que cierran el conjunto en su colindancia norte y abren con la estructura metálica, de una fachada muy ligera, integrada a los jardines hacia el sur. Por la altura de sus espacios y orientación esta fachada presenta unos cortasoles de aluminio que filtran el asolamiento de sus terrazas de madera y piedra, generando suficientes sombras para que el usuario pueda permanecer en el exterior. Los materiales que conforman los inmuebles son estructuras metálicas a la vista con sus anclajes y tornillerías, muros de piedras calizas, pisos de madera, volcánicos y de granito. Las cancelerías son de aluminio con vidrios de tecnología (Low-E), que permiten un aislamiento térmico y acústico. Los muros secundarios se encuentran forrados de madera de nogal para integrarse al diseño de estilo contemporáneo de los muebles y las puertas. Ambas casas tienen sistemas de control y automatización avanzados para iluminación, audio, video, persianas, riego, espejos de agua y fuentes. Cada casa cuenta con cuatro habitaciones con vestidor y baño, además de sala de televisión, estancia, comedor, servicios y bodegas; además de estacionamiento para 12 autos de autoservicio, salones de juego, gimnasio, terrazas y jardines.

www.grupoarquitectura.com

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CASA CUATRO PATIOS

ANDRÉS STEBELSKI Texto Redacción Fotografía cortesía Onnis Luque

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levar a cabo la reinterpretación de la antigua casa mexicana, en la que los patios principales eran los protagonistas, ha sido todo un reto para el despacho del arquitecto mexicano Andrés Stebelski, quien mantiene su interés por crear conceptos arquitectónicos contemporáneos conservando la esencia del pasado. Así lo proyecta en la residencia Los Cuatro Patios, ubicada en el antiguo pueblo de Tacubaya, donde se demolió una vieja y deteriorada vecindad para erigir este nuevo concepto en el que destacan la transparencia, los materiales de tipo industrial y la calidez de la madera. Un muro perimetral de seis metros de altura aísla la casa de su entorno, conteniendo el espacio. Hacia la calle, este muro se convierte en una discreta fachada que respeta la altura de los predios vecinos. La casa se lee como un tablero de ajedrez, intercalando volúmenes sólidos y patios, pero al ser un vidrio el que cubre toda él área, el espacio se concibe como uno solo. La estructura metálica juega un papel importante en el proyecto y crea una cuadrícula tridimensional que delimita los espacios; es también suficientemente delgada para permitir la completa transparencia. Esta estructura es visible tanto en los plafones como en los pisos, y proporciona ritmo y orden. La casa se desarrolla en dos plantas, en la primera se encuentran los espacios de uso público: entrada, estacionamiento, lavandería, cocina, comedor, sala y estudio; en la segunda, se ubican tres recámaras con sus respectivos vestidores y baños. La sala, de doble altura, conecta espacialmente las dos plantas, la escalera y los patios. La vegetación de éstos últimos se vuelve parte de la casa, dando la impresión de que el exterior se integra al interior; gracias a estos mismos patios el sol baña la casa todo el día creando un juego de reflejos y sombras que le brindan un ambiente especial al espacio. En el techo-jardín, en medio de las plantas, sobresale un cubo de vidrio que tiene la función de regular la temperatura de la casa, y es el lugar ideal para leer, contemplar la vegetación y los techos del antiguo pueblo de Tacubaya.

www.asarquitecto.com

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La arquitectura mexicana marca tendencia Texto Gerardo León Fotografía cortesía Salvatore Ferragamo

Durante años, la arquitectura ha influido en los cortes y patrones que dan origen a las colecciones de moda más importantes del mundo. En esta ocasión, los espacios mexicanos han inspirado a Massimiliano Giornetti, a crear la nueva colección primavera-verano 2014 de la casa de moda italiana Salvatore Ferragamo.

iornetti retoma los trazos del desaparecido arquitecto Luis Barragán y el contemporáneo Miguel Ángel Aragonés, dos de los grandes representantes del diseño de espacios de nuestro país, para plasmarlos en prendas de fina silueta y frescura. La colección se compone de vestidos de líneas rectas y depuradas en las que aparece el uso de drapeados que evocan la geometría en las estructuras arquitectónicas retomando la sobriedad de los acabados en la obra de Aragonés.

El guardarropa de los caballeros está integrado por sudaderas, pantalones rectos, suéteres con estampados de números, calzado bostoniano, entre otras piezas, que a su vez, rinden tributo al hombre que cuida su físico al máximo. La paleta de color incluye el blanco y algunos tonos vivos que remiten al destacado trabajo que Barragán dejó como legado nacional en las zonas de Tacubaya, Pedregal y Satélite. Fue el mismo Giornetti quien se adentró en los archivos de la obra de Barragán cuya creación Casa Estudio de la zona de Tacubaya, fuera considerada Patrimonio de la Humanidad. Posteriormente, su investigación se enfocó hacia lo más contemporáneo encontrando en la figura de Aragonés, los elementos necesarios para dar vida a toda una antalogía que lleva la esencia de México en cada costura. www.ferragamo.com

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texturas

La firma italiana Salvatore Ferragamo lanza una nueva colección inspirada en las formas, colores y trazos de la obra de Luis Barragán y Miguel Ángel Aragonés, haciendo un homenaje al diseño de espacios mexicanos.

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Passion for geometry 1 Raymundo Sesma Text: Gerardo León Photo: by Carlos Madrid The plastic artist Raymundo Sesma opens us the doors of his place to reveal the secrets of his art and the sensibility behind each of his traces with which he manages to change the urban landscape. For the plastic artist Raymundo Sesma, the color has poetic qualities; it is the basic element of architecture and the undeniable accomplice of the places. But the color is not the only element which moves the pieces of art of this Mexican creator; he has also met in geometry one of his greatest inspirations to create unique concepts expressed on walls and surfaces which for him are paintings in white. Sesma was born in San Cristóbal de las Casas and carried out various projects inside and outside Mexico City with which he managed important buildings such as the Cultural Center Ollin Yolizti to take a new face from the union of lines, prisms and other colorful figures. “My mission is to modify what already exists in the urban landscape; I don´t destroy… I complement. This is like what happened in the Piazza della Signoria in Florence. This square was built 300 years ago and currently it is complemented with what already existed; we have to do so: destroying what is already built has a superior cost in all the meanings.”, Sesma says. He fortuitously developed his sensibility for art from a very early age when different events took him to the way of forms and creation. “My father, a pharmacist, turned blind and this was when my twin brother and I changed the perspective of our future as we thought we would devote ourselves to take care of the family business.”, Sesma tells. But at that time, something unexpected happened and led him to have his first contact with art. “The laboratories which sometimes supplied the pharmacy gave us books of different authors and once they sent us one of Walter Gropius and Frank Lloyd Wright. These two architects changed and influenced me so much that I stopped thinking to keep working in the pharmacy.”, the artist says. Afterwards, during his studied in the Colegio Americano, he was in contact with theatre, the plastic arts and literature; after some years when he was living in Puebla, he entered the Universidad de las Américas. He remembers that there was a professor who headed the Department of Arts who involved him in cinema and in all the artistic expression in the 70´s. “This professor showed us 16-milimeter 120

movies and showed all what he was thinking about in the 70´s which was an incredible thing. There I discovered the piece of work of Joseph Beuys and the kinetic art which was for me something revealing.”, he says. At that time, Sesma also knew the work of Mexican artists such as Manuel Felguérez, Francisco Corzas, among others: “it was a whole experience and innovation… this new geometry, this way of seeing art-the spatiality of it, and going beyond the simple easel, the square or rectangular borders, inspired me a lot. It was about a very open-mind mindset where art was not restricted but was open to other disciplines.”, he says. All this captured his creative spirit, and he started to paint and use the necessaries means to create his piece of work and especially to play and experiment geometry which is his current greatest motivation. “I started to do geometry at the end of the 70´s and beginnings of the 80´s but afterwards I went to Canada and experimented new techniques such as etching and lithograph. I came back to geometry in 2000 after becoming aware of a lot of things which made me evolve”. Seeing an image (he saw by computer) of a figure which was taking different linear forms was how he started to work on his current concept: Expanded field-as he calls it- he develops from hand-sketched traces with rules of over three meters, drawing pens, using different colors on the roofs and facades of houses and buildings. With his design, Sesma creates different visual effects where the structures seem to move by themselves, the ceilings seem to be infinite and some walls seem to take us to other dimensions. “The color has poetic, physical and practical qualities; it can even change the temperature of an atmosphere and irritate from the psychological point of view. Furthermore geometry is a structure, a support… It is the force which enables you to build the skeleton of anything.”, he explains. One of the main challenges of this Mexican artist is to paint his piece of work in a whole neighborhood of Mexico. His work has been exhibited in over 50 exhibitions in cities such as Tokio, Paris, New York, Rome, Lisbon, Washington, among others; and he represented Mexico in the International Exhibition of Art in the Venice Biennial, among important things. Column Text: Raymundo ledesma Photo: by published buildings R. Buckminster Fuller is one of the almost forgotten persons in the world of design. Fewer and fewer people know or identify his work. I suspect that it is more

largely because Fuller devoted himself to develop what he called “The Science of the Anticipatory Design” than to carry out his proposals.But it is impossible that nobody, inside or outside the world of design, has not seen one of his designs or ideas. Buckminster Fuller was an enigmatic person with a very particular idiosyncrasy almost bordering madness or even being on the other side of madness. But the more we get involved in his work and in his way of thinking-and we decipher his way of writing-, the more we realize he was one of the main ideologists of the XXth century and in one way or another we owe more to the designers than we imagine. The most recognized works of Fuller are no less than the geodesic domes; his investigation and exploration on the more rational use of materials led him to the most geometrically logical conclusion: how to obtain the largest surface with the least quantity of material and it was precisely him who coined the sentence: “to do less with more”. One would be satisfied with this reference because, after this, many designers remember one or two designs which managed to cross the barrier of time but we understand that the geodesic cupola was only the most visible expression of the studies in materials and structures which occupied Fuller´s mind. To understand his work in a better way, the reference we have is his great-aunt who was Margaret Fuller (1810-1850), one of the main trascendentalist philosophers. The trascendentalists concluded that the coming of a new era would be possible during their lives and were extremely critical on the contemporary society for its “unthinking acceptance” and urged every people to look for “an original relation with the universe”. This type of ideology probably left a strong impression on the young Buckminster who lived convinced that the world was facing a new era and everybody had the responsibility to face it. In 1927, Fuller was on the shores of the Michigan Lake, seriously considering to suicide. Not only couldn´t he overcome his first daughter´s death (he blamed himself for his disease because he did not give her a home and a good-quality life) but in this moment he was bankrupt after his business failed and her wife was pregnant again. While he was thinking if it was worth being dead or alive, he had an experience similar to an epiphany. In Fuller´s archive, we found a note which captured the moment defining the rest of his extraordinary life: “Standing on the border of the lake while I was considering the option to jump, I had a spontaneous thought: if I leave aside all what I was requested to believe and

if I only resort to my experiences, is there a conviction from these experiences which discredits or assume an a priori intellect superior to the man?” The response to this epistemological dilemma was a revelation for Fuller: the human intellect united to a range of possible human experiences is sacred. “Apparently speaking to me, I said: “Do you have the right to eliminate you? You do not belong to you, you belong to the universe”. He came back renewed and confident of his position in the universe from this experience. And he devoted himself to what he considered his destiny in the history of the world; he focused on a self-fulfillment experiment which according to him would last 33 years “designed to be effective in 1952” but in reality it lasted all his life long. In his 1982 manuscript (one year after dying) entitled “Guinea Pig B”, Fuller referred to himself as: “a living case of a perfectly documented story during half a century on a research and investigation project designed to discover that if by accident an unknown individual without money could improve the human condition in a way the governments, the great organizations, the religions or the private companies could not do”. And it was in 1927the year the academics refer to as his “Annus Mirabilis”-when he developed the basis of what became a life of investigation. He was one of the first, if not the first, in realizing that the consumption level is unstainable and he predicted the use of renewable energy, he calculated the value of the solar energy which is accumulated in the hydrocarbons and proposed this cost to be included in the selling price. His thought on the limited resources we have on earth was his greater worry and it led him to create the term “Earth Spaceship” to refer to our planet in a graphic way as we are all passengers in this system; another term he invented was “synergetics” we now use and abuse as “synergy”. Fuller was a technocrat who was convinced that all the problems of humanity could be solved through design and technology. He understood his work and life as a “whole”. He was a real man of the Renaissance and it is impossible to define his “profession” by using the conventional terms; he preferred the title of “anticipatory and exhaustive scientific designer”. His investigations on the renewable energy convinced him that the best thing to do was to sleep briefly when the “primary energy” was decreasing. Thus we would never use the “secondary energy” and for this reason it would be easier to “recharge batteries”. During two years he only slept two hours a day (30 minutes every 6 hours). Notwithstanding

he had to abandon this practice because it was incompatible with society. He was also convinced that the language imprecisions were a source of mistakes and confusions; so he renounced to language: “It was very difficult for my wife but I decided to keep a moratorium on language… Therefore for approximately two years I did not allow me to use words.” It was these kind of eccentric attitudes which very probably slowed down the appreciation of the advanced step of his thought. He thought that in the 70´s decade society would have all the necessary knowledge and have exploited all the necessary raw material to recycle it and start a truce with the planet; he calculated that if everybody could access to the electric energy, there would not be social differences. And to propose his model of energetic distribution he created his own cartographic projection. He invented the term “dymaxion” (Dynamic Maximum Tension) to describe his philosophy and with this he named almost everything he created: from the Dymaxion House to a threewheel car which if it had not provoked a mortal accident, Fuller would have certainly been able to develop much more. We can ask Architect Norman Forester who commissioned the unique existing copy of how advanced is design even under modern standards. But undeniably the most important piece of work of Buckminster Fuller was the Dymaxion chronofile, his personal archive which has more than 750 volumes and weighs over 45 tones. While he was looking for an institution interested in the archive, he valued it in a very simple way: its weight in gold. In 1999 the Strandford University bought the archive for a lot of money and spent most of these 15 years in bringing order and trying to make it more accessible for the general public and investigators. This generated a new wave of investigation on life and work of this futurologist who redefined the relation between man, the world and technology and who inspires us to play with the idea: “and if I assume my life as an experiment to check how much an individual can expect from humanity?”. Bibliography 1 .R. Buckminster Fuller, “Later Development of My Thoughts,” en Ideas and Integrities: A Spontaneous Autobiographical Disclosure, ed. Robert Marks (Englewood Cliff, NJ: PrenticeHall, 1963), 45. 2. Íbid 3. R. Buckminster Fuller, What I have Learned (Nueva York, Simon and Schuster, 1968) 73. 4. R. Buckminster Fuller, “Guinea Pig B: The 56 Year Experiment”, repr. ed. (Clayton, CA: -Critical Path Publishing, 2004) -“New Views on R. Buckminster Fuller”, ed. Hsiao-Yun Chu y Roberto G. Trujillo

(Standford, CA, 2009) R. Buckminster Fuller, “Critical Path”, St. Martins Press (Nueva York, NY, 1981)Hotel Escondido Text: Karla Rodríguez Not everyone can achieve a forward spaces different sensations through the details, smells, colors and forms with you to obtain total comfort and relaxation. Hotels creators know this and are involved with a great responsibility lies in making each stay a unique and unforgettable experience. "This is generating a 360 degree experience where the user has a story to tell and your stay becomes memorable", said Elizabeth Gómez, architect and founder of Red Wall Architecture. The steps in the process of construction of a hotel project are surrounded by stories and anecdotes; is a joint project where designers and architects attempt to fulfill the dream of people through entertainment. Hotel Escondido Grupo Habita Photo: courtesy of Grupo Habita On the Oaxaca coast, -between the Pacific and the Sierra Madre del Sur-, there is Hotel Escondido, inserted in a remote beach in the north of Puerto Escondido, a touristic destination considered in the Top ten of surf. With 13 years of experience in the construction of hotels and managing that each work reflects the environment where it is, Grupo Habita carried out this project linking ideas and work with the architect Federico Rivera Río who decided together to give a modern turn to the traditional palapa . 16 bungalows compose Hotel Escondido, which keep the characteristic minimalism of Grupo Habita; clear lines with ceilings of authentic palm and tropical wooden floors are the elements which are merged with the natural light of each room and transform 200 meters of beach in a private place which honors the tradition and local design. A few steps away from the bungalows, you can take surf, navigation and kayak classes, where else can you learn this than in the Mecca of surf? Being famous for its swells, Playa Zicatela is appropriate to practice this sport, for both beginners and professionals. From the swimming pool sheltered by the hotel, it is possible to appreciate the sea waves, the blue of the ocean and the greenish tones of the environment, the perfect option for the least courageous. Nature and design are brought together in this project, reflecting in this way characteristic elements of the region of Oaxaca such as: warmth, harmony, colors and maximum 121

expression of nature, which transmit placidity during the stay. www.grupohabita.mx

E’Terra Samara Farrow Photo: courtesy of Farrow Farrow, a London studio, carried out the design of E’Terra Samara, an eco-resort of five stars located in the peninsula of Bruce Ontario, Canada, which based its relationship of nature with the human being. It is composed of twelve bedrooms hung in trees of the area-which is part of the World Biosphere Reserve declared by UNESCO- with the objective of respecting nature, being part of it without interventions and going against the common practice of nailing the trunk, perforating and hurting its wood. The structure of each bedroom is inspired from the form of a maple key-fruit of the maple of the elm or the ash, a flattened wing-which hangs from the trees and appears in autumn. Each maple key-bedroom embraces the trunk and is sustained through highly resistant cables inspired from the yukiysuri strings of the Kenrokuen Garden in Japan-which sustain the branches of the pines to avoid them to break under the weight of the snow- with the objective of preserving the fauna of the reserve. The electricity of each villa is auto-generated for a network of photovoltaic energy decentralized, with a selection of materials based on the environmentally sensible qualities that is to say they are not toxic. The architectural design of E’Terra Samara is part of a reflection of increasing consciousness and the appreciation of biophilic design which derives from the relationship existing between the human being, the living beings and the environmental systems. With this project, Farrow celebrates the structures of low environmental impact which connect people directly to life and things through images, materials and structures. www.farrowdesign.com Hotel Anticavilla BGP arquitectura Photo: Jaime Navarro Located in Cuernavaca, Morelos, the hotel Anticavilla is a place composed of contemporary elements shaped in an architectural structure made of materials of demolition of colonial buildings of the 18th century. To the existing architectural design BGP architectura was in charge of-a 122

multidisciplinary office established in Mexico City and founded by Berbardo Gómez Pimienta-, was added a new building which presents an apparent gravestone sustained by metallic columns under which the restaurant is sheltered. The restaurant is open and unfolds to the garden, thus taking advantage of the temperate climate of Cuernavaca. The same gravestone varies its height as it moves towards the bottom with the intention of giving a stop at the bar and the services of Anticavilla. Each room of the hotel has a proper identity as Italian painters of the 20th century inspired the interior design that is the use of colors and tones depends on the pieces of work of the artist selected for each place. In the same way two suites are located in the new wing of the building. The garden has a strong presence in the design of the Hotel Anticavilla as the colors are given by flowers which decorate it; its tones vary depending on the year seasons. www.bgp.com.mx Hotel BÖ Muro Rojo Arquitectura Photo: Jaime Navarro In one of the busiest cities of the Chiapas state, there is BÖ, a hotel which offers a stay full of richness and tradition to its guests by using the conservation of elements proper to the region. The use of flashy colors, textiles and textures reveal the cultural identity which form the hotel design. Muro Rojo Arquitectura is the architectural and Mexican design studio which was in charge of making this project an habitat full of meaning and spirit. To manage to make the user direct his glance to a Mexico which meets its roots in the land, penetrating into the mestiza culture was necessary. BÖ means “water” in Tzotzil lenguaje. This dialect was the starting point of the design to penetrate into the search for an experience which involved the four elements such as the traditional songs of Chiapas where the earth is the body, the wind is the breath, the water is the blood and the fire is the spirit. The hotel has 14 standard rooms, 6 suites with private garden and sinks, a master suite with freestanding bathtub, balcony and private garden, and a presidential suite with freestanding bathtub and roof garden with sink; and a library area, lobby bar, fitness center, event room, spa service to the room and over 1,000 m2 ; all places which make this hotel a place offering a warm stay. The architectural proposal emphasizes the relation existing between the interior and the exterior of the building by including in its structure the floor of the traditional

Andalucian courtyard, the warmth of the wood, the poetics of its covers, the roofs and off course the color-the coffee tones are predominant in combination with blue, red, green and violet- and the texture of the walls; all this is surrounded by a mountainous environment where the rain seems to be the origin of life and the fog the fear whereby life is lost. B¨O starts from the intention to use design elements based on the Chiapas culture to transmit a warm and welcoming atmosphere full of stories which involve threads, textiles, knots, borders, textures and colors as life in San Cristóbal de las Casas, Chiapas is. www.murorojo.com Hotelito Desconocido Amaral W&G Arquitectos Photo: courtesy of Amaral W&G Arquitectos Hotelito Desconocido is located in La Cruz de Loreto, Tomatlán, Jalisco; it represents a model in the field of the sustainable luxury hotel industry and turns out to show clearly how the creative-intangible for the human being- ideas are transformed into something physical which is perceived in a tactile way. The architect Dalaithy Amaral, owner of Hotelito Desconocido, was capable of making her dream true thanks to the great work team who gave her a hand: painters, construction workers, carpenters, blacksmiths and even fishers of the region managed to express a characteristic mix of Mexican culture, converting a rustic style into a sophisticated one. The people who were involved in giving life to this site-mostly coming from Cruz de Loretoby using manual techniques and ecological material worked from the beginning to make this hotel a place which offers a link between design and the environment which surrounds it, and managed to create a harmonious atmosphere. A key element in the coordination of this project was Julián García-the Soldier-who organized the work of four hundred persons divided in three turns so that everything had a creative logic when building the structure of the palafitos which make the hotel up. The walls whose finish was taken care of by Andrés Hernández-the seal-acquired durability and refinement through the ancestral technique of the “enjarrado” . The wood was one of the fundamental materials in the design project of Hotelito Desconocido because through a good handling of modeling and engraving, it was possible to obtain impossible curves and unique designs in furniture, mainly in bookcases, shelved and doors with the 17th century forge. And it was Enrique Carbajal-Alequín who gave

life to this natural material. The outdoor places such as gardens got aesthetics, cares and unique design thanks to the knowledge Maximiliano Castillón broughtDon Maxi- to conserve them (it is worth noting that the most difficult part were the green areas). These only are some examples which illustrate the labor behind what now makes up Hotelito Desconocido, those which jointly transmit an essence based on the national culture and the vision of the Amaral before the importance of the compliance of ideas, dreams and wishes in the creative and design matter. www.hotelito.com I-Resort a21 Studio Photo: Hiroyuki Oki, Nam Phan By resorting to the traditional architecture and the Vietnam structure, a21 studio, a design office which tries to insert its conception of life into the projects it is in charge with, had the intention of giving tourists a new and different experience in I-Resort. The hotel is located in a small hill close to the principal river which separates the site from the downtown of the city Nha Trang; lifstyle is so peaceful that it enables the visitors to have mud baths and enjoy life. On the contrary, in first instance, the project had the objective to offer water places in 7 hectares. The study based in Vietnam, used typical materials such as wood, stone and the coconut leaf to transmit harmony between the tourists and the environment. The creation of lotus ponds, pumpkins and gardens and the tropical climate of the region; in fact the distribution of the courtyard results from these cultural and territorial conditions. The places were organized in a flexible way to reach the adaptation of various functions and to have different views of the area; an example of this is the peaceful places where connecting with the environment is possible through solar capture and natural ventilation. It was also thought that to avoid the excess of heat due to the saturation of free place; the solution was to adapt internal roofing gardens which will create environmental freshness. It is known that to create a wooden structure generally glue, nails or premade connectors are used to join different components. However a21studio used shroud and spike as a new assembling adoption with the support of an expert to avoid problems due to the tension. To this area, a spa was added which has 9 hotel houses which are connected by a continuous roof with relaxation place, mud bath and mineral bath, with a small bar and restaurant. The buildings were built in nine months by

ninety construction workers, carpenters and craftsmen of the region who used construction techniques and local materials and managed to create a design which combines materials such as stone, wood and coco leaves. From the other hand, the roof of these houses is built with traditional methods with box and spikes, the wood being the most outstanding element. The bar is over the land, linking the exterior place to the interior, giving a new point of view to the users without modifying the nature of the area. The nature, the environment and the atmosphere is the fundamental value in this project as its beauty can be contemplated from any corner of the hotel and the spa. www.a21studio.com. Au Vieux Panier Tilt Photo: Big Addict Tilt is a graffiti artist from Toulouse, in the south of France, whose artistic career has been influenced by his passion for travelling and the pleasure to appropriate walls, trains, doors, flat roofs; his philosophy being that this is a way of enjoying his public domain. The owner of Au Vieux Panier-hotel in France which offers its clients a stay closely related to art-requested Tilt to design the interior of a room expressing its personal touch through graffiti as the hotel is characterized by the variety of atmospheres in its rooms; the atmospheres are renewed every year so that the user sleeps and is part of an “ephemeral” piece of art. When Tilt received the proposal, he thought he was not interested in creating the interior decoration of the bedroom but what he wanted to conceive was an installation. His idea was to recreate what normally is seen in some abandoned places: tags, graffiti, ceiling drain pipes and street expressions which get superimposed. This is how Panic Room appeared. The artist requested assistance from some friends of him who are also involved in the graffiti world in France: Tober, a friend who masters the old school of tags, Grizz who is currently carrying out a video on this project and which will be finished soon and Don Cho, a hip hop singer from Marseille, France, who used to be tagger in Toulouse. The game with the composition and white color of the room resulted in a place divided where it is possible to experience two atmospheres at the same time. From the one hand there is the chaos represented with flashy colors mixed in a diversity of tags and graffiti of this particular form of artistic expressionwhich can be appreciated depending on the point of view of the person. From the other

hand, there is the serenity offered by the immensity of the white color. www.graffitilt.blogspot.mx Andaz Amsterdam Prisengracht Hotel Marcel Wanders Photo cortesía Ian Schrager Reflecting a vision of the Dutch history was the key in the design of this hotel in Amsterdam, which is under the supervision of the Dutch architect Marcel Wanders who makes use of elements of the best of the lifestyle and the hotels boutique, focusing them in the contemporary. Andaz Amsterdam Prinsengracht is inserted into the creative zone and the dynamical spiritof the neighborhood of Jordaan and Nine Streets- as it is surrounded by art galleries of the region, exclusive stores and restaurants which reflect an essence of cultural character among the diversity of the culture. Amsterdam is a region where the adventure spirit abounds in its inhabitants´ life and Marcel Wanders retakes it to undertake the interior design project, furniture which previously hosted the Old Library in the heart of Amsterdam. The guests have the possibility to relate with the local culture through images which decorate the rooms, the books placed in shelves as well as food and drinks Andaz offers in its restaurant Bluespoon. The design of the area includes the Golden Age, the characteristic tulips and the orange color in addition of having the greatest collection of art in video of the world, composed by 40 unique pieces of art of various artists both resident of Amsterdam and international such as Ryan Gander and Erwin Olaf, among others. The art pieces are exhibited in different areas of the hotel (plants and corridors) and at the same time are transmitted through a special channel available in the televisions of the rooms. Details such as the hand-made decoration of the sink, a unique and visible screen in the room and in the walls of the bathroom, a chair especially designed to read, a full-body mirror and a walk-in wardrobe complement the design of the rooms, thus forming the places of major importance for the stay and commodity of the users. www.marcelwanders.com Tree Snake Houses Luis Rebelo de Andrade & Tiago Rebelo de Andrade Photos: Ricardo Oliveira Alves A project in which the natural elements of design such as wood combine with the 123

environment surrounding each of the houses form Tree Snake Houses. They are located between the trees of the Park Pedras Salgadas in Bornes de Aguiar, Portugal, alluding to a snake sliding in the habitat. The materials were selected on the basis of the idea of connecting the house to the park, establishing a coherent image and perfectly involving the symbols of nature and design. The architects Luis and Tiago who staff the studio Rebelo Andrade used new technology for an efficient construction and with the intention to give the user a nice stay. This project was focused on sustainability and ecology. To carry it out, sanitary systems were used where the importance of reusing water prevails-solar panels to optimize natural energy. To optimize the light, they created LED technology among other closely related and environment-friendly solutions. Luis and Tiago Rebelo de Andrade in collaboration with Modular System made the project have multiple aims and adapt to different landscapes and climates; but they never lost the initial objective: make real the fantasy in the trees any person (or the majority) wished in some step of one´s life. The models of the houses Mountain Snake House, River Snake House and Sand Snake House whose dimensions and materials are easily adapted to different atmospheres are still developed and will soon be available for the whole public. Therefore anyone will have the possibility to acquire one of these houses and locate them in various zones, such as the coast, the shores of rivers, a mountain or an urban environment. www.rebelodeandrade.com

The offices of the future Haworth Images: courtesy of Haworth Haworth, an international firm specialized in configuring organic work places, has always been focused on studying the way people work to understand the whole thing. Haworth is a company which carries out investigation for development, taking innovation as a starting point. The behavior and the way of communicating of people in an office are elements the leader in furniture brand takes into account to elaborate design proposals. The offices of the future are closely linked to technology as the greater part of society moves everywhere with a mobile phone, with the advantage of working locally in any place of the world. The place gets merged with technology, generating new trends whose growth root is in the collaboration; all this brings about a 124

business development. Mobile collaboration gets greater impact in the workplace and therefore it turns out to be less and less convenient to keep being in the traditional offices that is to say in the places where the employees keep seated all the time long. On the contrary, every day you need more mobility in these areas and for this, Haworth proposes the companies flexible offices. To manage to get the relation whished between the employees through offices of the future, “we directly analyze which is the company culture-by developing consulting strategies through questionnaires, interviews and implementation of best practices with the intention of understanding what is the form the company has to or wants to work in a future”, clarifies Rodrigo Llop, director of Haworth Latin America in an interview. The sufficient places created to exchange ideas is another topic which gets importance in this proposal of offices as knowing the workers´ needs turns out to be fundamental. To do so, there are two types of design of place: on the first hand, there are two types of place design; on the second hand there are those people who need major concentration and for them a closed place is more efficient; and from the other hand, there are those who need greater mobility, those who need to share creative ideas. Understanding the profile of the employees is one of the practices Haworth has to carry out to undertake a proposal of perfect environment. To foster the functionality of the offices of the future, some technologies were added, considering the way the employees make their presentations CoWork-application for Smartphone which helps to increase the productivity of the user reducing the costs of the company. Technology is not only present in equipments but also in furniture as it adapts to the physiognomy of whom uses it. Many of the products, among them the Zody chair-masterpiece of Haworth- are made from different recycled parts and the production is generated by wind energy; furthermore, the GREEN and LED certification check the commitment of the company with the environment. “Finally you do not work with furniture but with people, you manage to understand what you want to develop, what their dreams and ideas are as a company. This is about making sure people tell you at the end of the day: “I love to come to work!” “You help the organizations to develop and have a better relation with their employees. This is the most interesting part of our projects”, Rodrigo Llop concluded. www.haworth.com

Nowicka Studio Meaningful offices Photo: Carlos Madrid Workplaces have to be designed with a special sensibility so that each detail has the objective of achieving the necessary harmony which will be reflected in the productivity and the success of the company. The arquitect Beata Nowicka knows it and was given the task to create new concepts for the office in which she not only takes as a basis the company requirements but also the elements which have a more human meaning. An example of this is the lobby and the executive office Nowicka Studio she heads has created for the corporative Zurich in Mexico City. “The Chief Executive Officer launched a competition and our office won to design this place. It was an important work in which we had to adapt to the turn and parameters established by the company.”, Nowicka says. For this architect born in Poland, the first impression is basic especially if it is a reception where the attention to the public is constant. “There is a rule saying that the first 30 seconds determine the sensation you will have from a place and it is a lot of effort. But if you create a bad image, it will stay in your mind and won´t reflect the company objectives”, the architect says. In the project we only had to work with a range of seven colors the same company has established as a parameter for being part of its corporative image. Nowicka thus created an atmosphere composed of high, navy blue armchairs of the firm Vitra which also has the function of “wrapping the conversation of the visitors who are not exposed and keep certain privacy. This is part of a very different human vision… It is a translation of the idea which the company has towards the human factor”. The armchairs combine with two types of marble which cover the surface of the floor in grey and black tones. They are with a painting of the Mexican artist Martha Flores which is on the ceiling. “For me the ceiling has the same importance of the walls, the floor and the other complements of the place. And nobody observes it”. The light has an important role in Nowicka´s work; in this case, she thought of lamps of black ceiling of cylindrical form, zenith light strategically located; furthermore she installed a set of lights in form of sphere which seem to hang over the counter. This concept continues in the second floor where it created a reception with a Mexican contemporary touch. “The company wanted a design where the Mexican style was present but in a different and

modern way, not with cliché. So we created a special design in talavera made by the Puebla company Uriarte which appears both on the floor and the ceiling of the reception”. This area does not lead to the main office where an important executive director develops his daily activities.“Here we wanted to project a masculine image of a young entrepreneur who travels a lot and needs his office to bring him the necessary commodity for his lifestyle.” Leathers, Woods, chromes and the chromes in black, white and grey create a sober atmosphere where the user personality is reflected. Nowicka office is about to make other projects among which a residence, the magazine offices and a design showroom stand out. www.nowickastudio.com Very trendy Mexican architecture Tex: Gerardo León Images: courtesy Salvatore Ferragam

OCD Héctor Esrawe A solution for chaos Text: Editorial team Images: courtesy Héctor Esrawe Keeping the order of our objects surrounding us in our daily life turns out to be a stressing adventure. To achieve it, the designer Héctor Esrawe proposes that each thing come in its place-through an original table with spaces divided on its surface. This is OCD-Obsessive Compulsive Disorder- a piece which, according to the author, enables to inventory the daily-use objects which integrate the customs and preferences of each user and that at the same time become a reflect of their own identity. OCD was made of brass and also in metal with an electrostatic painting and is part of the line Host where Dermal also comes from, a decorative blown-glass piece and Balanza, an elegant fruit basket; both made for the Mexican glass firm Nouvel Studio. www.esrawe.com

The forms, the color and the majesty of the Mexican architecture have inspired Massimiliano Giornetti, the creative director of the brand Salvatore Ferragma, to create the new collection spring-summer 2014 of this recognized house of Italian fashion. This time, Giornetti retakes the traces of the unnoticed architect Luis Barragán and the contemporary artist Miguel Ángel Aragonés, two of the great representatives of design of places of our country, to express them in cloths of great elegance and freshness. The collection is composed of dresses of straight and refined lines in which the use of drapes which evoke the geometry in the architectural structures, retaking the sobriety of the finishes in Aragonés work. The wardrobe of the men has sweatshirts, straights trousers, sweaters stamped with numbers, Boston lacquer shoes, among other pieces which pay a tribute to the man who cares his physique at the maximum. The range of colors includes the white and some notes of intense color allude to the outstanding work Barragán left as a national legacy in the areas of Tacubaya, Pedregal and Satélite. www.ferragamo.com

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SUSCRÍ BE T E POR UN AÑO Y RECIB E 6 E DIC IO N ES Recuerda que cada una de nuestras portadas es coleccionable ya que es realizada por reconocidos talentos del diseño. Busca en cada edición las propuestas de los personajes que generan vanguardia.

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croquis

M O T E K LUCA C H A I R NICHETTO L

a inspiración detrás de la silla Motek es una hoja de papel, la cual es flexible y ligera por su propia naturaleza. Originalmente, una hoja de papel no puede soportar peso, pero los artistas del origami japoneses, pueden lograr que a partir de la unión de una gran cantidad de pliegos, el papel adopte formas y estructuras lo suficientemente resistentes, y de esta forma, la hoja puede ofrecer una nueva función. Gracias a la nueva tecnología de la empresa italiana Cassina, como el moldeado bajo presión, sobre una hoja de fieltro, que brinda la suficiente rigidez, se creó esta silla, la cual brinda completo confort sin perder la naturaleza y originalidad de su materia prima con la que fue creada. En este proyecto, la investigación de los detalles y la experimentación de los materiales se llevó a cabo en conjunto con el despacho de diseño japonés Nichetto, dirigido por Luca Nichetto, quienes lograron llevar al fieltro a sus alcances más inesperados, brindando estética y funcionalidad al objeto.

www.cassina.com www.lucanichetto.com/

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objeto glocal

OC D Héctor Esrawe

Una solución para el caos

Texto Redacción Fotografía Cortesía Héctor Esrawe

antener el orden de los objetos que nos rodean en nuestra vida diaria resulta toda una estresante aventura. Para lograrlo el diseñador industrial Héctor Esrawe propone que cada cosa esté en su lugar a través de una original mesa con espacios divididos en su superficie. Se trata de la OCD —Obssesive Compulsive Disorder—, una pieza que, según su autor, permite inventariar los objetos cotidianos del usuario que a la vez, se convierten en un reflejo de su propia identidad. La OCD está fabricada en latón y también en metal con pintura electrostática, y forma parte de la línea Host de donde surgen también Dermal, una pieza decorativa de vidrio soplado, y Balanza, un elegante frutero, ambos fabricados para la firma mexicana de vidrio Nouvel Studio. www.esrawe.com

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