GLOCAL DESIGN MAGAZINE No. 21 Portada por / Cover by: BNKR ARQUITECTURA

R T O C P ITE A U D Q TA R R A O R P NK B

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A

E 4 N 01 LO 2 A E K S AL EE N W IO N AZ SIG RN DE TE Y IN N &

S ES I R OR JE I U R M TE IN

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Campana Sweet Design fabrizio Crisá

Producto ganador

DISEÑO ITALIANO EN CAMPANAS DE COCINA Distribuidor exclusivo

tel.: (81) 8625 5000

ENCUÉNTRALAS EN: MÉXICO DF: JAMES & STEVEN (55) 5575 0992 - PIACERE (55) 5282 2103 - PORCELANOSA (55) 5831 7340 / (55) 2620 0186 - DISEÑO 4.13 (55) 5280 1435

DEMASEME STUDIO (55) 5684 9880 - ARTE CUCINE (55) 4159 7823 - METROPOLITAN KITCHENS (55) 6051 0063 COCINAS BENETTI (55) 2167 5301 - ATTARIA MEXICO (55) 5894 6086 - COCINAS QUETZAL (55) 5814 1000 - COCINAS OLIMPIC (55) 1323 3000 EDOMEX : CUCINE E PIU (55) 5290 0500 CUERNAVACA: DI COCINAS Y BAÑOS (77) 7316 6077

www.elica.com

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¡El espacio para tu creatividad!

Los invitamos a participar en la segunda edición del Premio Noldi Schreck, el cual este año cuenta con distintas categorías, además del premio honorario que será otorgado a una importante trayectoria del Interiorismo en México.

La selección de los proyectos ganadores estará a cargo de nuestro Consejo Editorial, conformado por un grupo de destacadas personalidades de distintas disciplinas del diseño, con el fin de brindar la mayor seriedad posible al evento.

Categorías: Arquitectura Residencial Interiorismo Residencial Arquitectura Corporativa Interiorismo Corporativo Hotel Gran Turismo Hotel Boutique Arquitectura Institucional Arquitectura Efímera Tienda Pop-Up Stand

Categoría Especial

Noveles Talentos* Arquitectura Interiorismo Diseño Industrial * Los participantes deberán ser recién egresados y no tener más de 28 años.

Fecha límite de inscripción 24 de Julio de 2014 Bases en glocal.mx

Directora General

FOTOGRAFÍA

Editora en Jefe

Carlos Madrid

Greta Arcila

Juvencio Bermúdez

greta.arcila@glocal.mx

Sófocles Hernández

EDITOR ADJUNTO

Consejo editorial

Gerardo León

Presidencia

gerardo@glocal.mx

Gina Diez Barroso

CORRECCIón de estilo

Consejeros honorarios

Janine Porras

Arturo Aispuro Coronel Miguel Ángel Aragonés

Asistente de Dirección

Jorge Arditti

Verónica Del Pozo

Arturo Arditti

veronica@glocal.mx

Juan Carlos Baumgartner Fernando Camacho

Becaria

Carmen Cordera

Karla Rodríguez

Héctor Esrawe

karla@glocal.mx

Rodrigo Fernández Jorge Gamboa de Buen

MaQUETACIÓN

Juan Manuel Lemus

Cítrico Gráfico

Beata Nowicka Carlos Pascal

Diseño

Gerard Pascal

Carrer

Ariel Rojo Fernando Rovzar

Traducción

Sagrario Saraid

David Ravaux Contabilidad DIRECTORA DE VENTAS

Víctor Villareal

Y ESTRATEGIA DIGITAL

Arturo Xochipa

Adriana Rodríguez G. adriana@glocal.mx

Contacto www.glocal.mx

Gerente de VENTAS

info@glocal.mx

y PUBLICIDAD

Manchester 13, piso 1,

Eduardo Rodríguez Moreno

Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc,

eduardo@glocal.mx

México, D.F. Teléfono 52(55) 55.33.68.18

Colaboradores Alejandro Cabrera José Luis González Cabrero Luis Mercado Rojo Juan Carlos Baumgartner

Portada Bunker Arquitectura.

Glocal Design Magazine es una publicación de Color y Espacio Editorial S.A. de C.V. Revista Bimestral: Junio-Julio 2014.

Publicación protegida por la Ley de Propiedad Industrial y la Ley Federal de Derecho de Autor. Número de Certificado de Reserva otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor: 04-2013-041513043400-102. Número de Certificado de Licitud de Título y Contenido 15894. Editora Responsable: Greta Vanessa Arcila Romero. El contenido de los artículos y de los anuncios es responsabilidad de los autores y de las empresas. Todos los derechos reservados. Domicilio: Mánchester 13, Piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, C.P. 06600, México, D.F. Distribución: Pernas y Cia. Editores y Distribuidores, Poniente 134 No. 650, Col. Ind. Vallejo, Delegación Azcapotzalco, 02300 México, D.F., Tel. 5587-4455. Impresa en: Preprensa Digital, S.A. de C.V. Caravaggio 30, Col. Mixcoac, C.P. 03910.

Del. Benito Juárez. México, D.F. Tel 5611-9653.

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EDITORIAL

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ara mí, la parte más fascinante de este mundo editorial es la oportunidad de conocer a muchos y variados personajes durante la creación de cada número. Esta edición 21 de Glocal Design Magazine, ha sido una de las más intensas en donde tuve el placer de escuchar miles de anécdotas de diseño y de vida.

Todo comenzó en febrero con una llamada a Esteban Suárez, de Bunker Arquitectura, para invitarlo a hacer este año nuestro proyecto emblema durante las plataformas de exhibición: Estación Glocal. Todo el proceso de trabajo creativo, en conjunto con la empresa Masisa, conllevó a la realización de este stand y fue de lo más gratificante, pues vimos evolucionar una sencilla pieza en todo un innovador concepto de arquitectura efímera. De esta colaboración aprendí el valor de la escala, de cómo un pequeño proyecto bien pensado puede convertirse en algo muy representativo para un grupo de personas. Nuestro concepto de portada nace de este proyecto, el cual los invitamos a visitar en las diversas ferias en las que tendremos presencia este año.

Posteriormente, viajamos a Milán a realizar la cobertura completa del Salone Internazionale del Mobile. Cada año las lecciones son enormes, pero las palabras de Oki Sato de Nendo se quedaron grabadas en mi mente: “Si algo no tiene el mínimo esfuerzo, entonces no vale la pena hacerlo pues si no se puede aprender nada nuevo el alma se muere y con ello las razones para vivir esta vida”.

También durante el Salone Noé Duchaufour-Lawrance me recordó algo tan básico para la vida pero que, por lo mismo, no lo vivimos como tal: la pasión con la que debemos de encarar toda situación… “Si la pasión y las sensaciones que se desatan con el tacto de una pieza, o de la persona amada, están presentes aunque sea una milésima de segundo durante el día, entonces valió la pena despertar”.

En Chicago por invitación de Herman Miller conocí a Mark Shurman, encargado de comunicación. En él vi el compromiso de una persona con su empresa, y entendí cómo personajes como él son los que hacen enormes los proyectos que parecen sencillos.

Durante la visita a Nueva York, conviví varios días con Víctor Alemán, quien presentó por primera ocasión su trabajo en el contexto de una feria internacional; de él me quedo con su manera de referirse a su socio y la confianza depositada en él, con quien está en pleno crecimiento, pero lo más valioso, además de su talento, es la sencillez con la que ve a sus colegas como un ejemplo a seguir. ¡Bienvenidos a nuestra edición 21 y los esperamos en nuestro sitio web en donde publicamos diariamente noticias de este mundo del diseño, interiorismo y arquitectura!

Greta Arcila 7

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CONTENIDO Editorial Trazos

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CASA GLOCAL

NOVEL

017

Alejandro Macías Olga Bielawska México | Milán

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T e ch n o Audio y video

HOSt Lobby Hotel W Ambienta México

032 034

A U T O M O TRI Z Volvo México

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SHOWROOM Edición limitada México

044

TE X TI L E S Wild Furs Milán

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C olu m n a Nuevas tecnologías

050

Design Milán & ICFF

d i s e ñ o + e m p r e sa Laufen Driade Milán

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052

arquitectura y diseño de interiores textil y moda industrial, mobiliario y objeto multidisciplinario

C O RP O R A TI V O Herman Miller Estados Unidos

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Mariangel Coghlan México

Paola Calzada México

EN F O Q U E Bunker Arquitectura México

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M U J ERE S INTERI O RI S T A S Introducción

Andrea Cesarman México

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R e s i d e n c i al

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Mews 04 Andy Martin Londres PH Diamante Archetonic México

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MODA Líneas Infinitas Ermenegildo Zegna Ligne Roset México Erica Krayer & Ofelia Oribe México

Gloria Cortina México

Jimena Hernández México

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Traducciones

Objeto Glocal

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trazos

ARbre BLANc Sou Fujimoto | Montpellier | 2014

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l concepto orgánico en términos de forma y funcionalidad, ha sido en los últimos tiempos una de las premisas en el desarrollo de espacios habitacionales.

En este tema, surgen novedosas propuestas arquitectónicas que llevan en su concepción toda una filosofía relacionada no sólo con el cuidado del medio ambiente, sino que rinden tributo a la naturaleza a partir de su diseño.

Es el caso del Arbre Blanc (Árbol Blanco), el nuevo proyecto del arquitecto japonés Sou Fujimoto que resultó ganador de la segunda edición del concurso Architecture Folie (Arquitectura de Locura) del siglo XXI, realizado recientemente en Montpellier, Francia.

El equipo multidisciplinario liderado por Fujimoto, presentó el render ganador en el que aparece un edificio que asemeja la forma de un arbusto gigante cuyos departamentos con terrazas voladas, simulan las ramas de un árbol.

“El edificio extenderá sus ramas a todos los residentes y visitantes de la ciudad, desde el restaurante de la planta baja, hasta la galería de arte, dirigidos a los puntos de vista que ofrece su fachada”, describió Fujimoto.

Los organizadores del concurso han buscado la localización estratégica para erigir esta obra, entre el centro de la ciudad de Montpellier y los distritos de nuevo desarrollo de Odysseum y Port Marianne.

La torre de aproximadamente de 10 mil metros cuadrados de construcción, será de usos mixtos y alojará oficinas, viviendas, una galería de arte, restaurante y un bar panorámico. www.sou-fujimoto.net

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ARTE-S Spark Architects | Malasia | 2014

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l despacho Spark Architects, con sede en Beijing, ha tomado a la naturaleza como base del diseño de dos torres residenciales que a pesar de su modernidad, se adaptarán por completo al entorno gracias a su forma orgánica: Arte-S. Las torres se asentarán a los pies de Bukit Gambir, una exuberante montaña tropical ubicada en el corazón de la isla de Penang, en el Océano Índico de la costa occidental de Malasia. La geometría y la composición de las torres estarán inspiradas en los elementos de los alrededores y paisajes marinos que median entre el verde ascendente de la montaña y las corrientes que fluyen al estrecho de Malacca.

Las dos estructuras se generan a partir de una placa elíptica simple y eficiente, mientras que la fachada tendrá forma de una aleta ondulada que se despliega hasta lo más alto y en cada nivel. Los distintos salientes toman como referencia las corrientes marinas del estrecho de Malacca que separa la isla de la península de Malasia. La torre occidental está más cerca de la montaña, y se compone de 49 plantas por lo que se convertirá en el edificio más alto de la isla, con espectaculares vistas al mar desde los niveles superiores orientados al este.

El ritmo orgánico de una de las torres incorporará un jardín panorámico en el nivel 35, cuya fachada será completamente curva como si fueran dos huevos de perfil con un hueco en el centro. Estas fachadas crearán un hito especial, que de noche, gracias a su iluminación, será todo un espectáculo visual. La torre más baja se eleva a 27 plantas y al igual que la otra, contarán con servicios de usos múltiples y recreativos para los residentes y visitantes. www.sparkarchitects.com 13

trazos

W RIT H IN G TOWER Lycs Architecture | Lima | 2014

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n términos de conceptos habitacionales, las formas cambian y la modernidad abre paso a nuevas maneras de vivir los espacios dentro de sofisticadas propuestas arquitectónicas.

Ejemplo de esto, es el planteamiento del despacho chino Lycs Architecture, que ha encontrado en Latinoamérica el terreno ideal para llevar a cabo la construcción de una edificación diferente y única, cuyo objetivo, es destacar en medio de su entorno urbano.

Se trata de Writhing Tower, un condominio que se erigirá en una de las más exclusivas zonas residenciales de Lima, Perú. La propuesta fue presentada en un concurso de arquitectura global creado por Arquia, firma internacional de desarrollo interesada en promover a la arquitectura como una disciplina más del arte. Cada piso de este edificio dará la sensación de girar 45 grados para otorgar al usuario vistas panorámicas tanto del parque público, como del océano.

Cada unidad es un departamento de dos pisos, con una terraza que incluye un jardín con árboles y una piscina cubierta.

Debido a la singularidad de la obra geométrica de la torre, cada terraza es capaz de recibir por completo la luz del sol y la brisa.

La estructura en general da la apariencia de ser una bisagra en movimiento.

Para brindar más comodidad, se ha integrado un triángulo de malla que cubre parte de las ventanas para proporcionar protección solar adicional y dar un efecto traslúcido, que se adapta al diseño general de la estructura. www.lycs-arc.com

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K ing Ab du la ziz Centre Snohetta Architects | Arabia Saudita | 2014

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rabia Saudita rendirá tributo al petróleo, -materia prima que ha colocado a este país entre las primeras 20 economías más grandes del planeta-, con una imponente edificación que se erigirá cerca del “Pozo de la prosperidad”, monumento nacional que conmemora el lugar donde fue encontrado por primera vez el preciado líquido, y que se ubica en la ciudad de Dhahran.

Es el Centro para la Cultura Mundial del Rey Abdulaziz, cuya construcción que ocupará más de 80 mil metros cuadrados, estará a cargo de la firma noruega Snohetta. Será el lugar de archivos de clase mundial, biblioteca, centro de enseñanza, un museo con cuatro galerías y un museo para niños que incluirá exhibiciones permanentes y actividades de recreación; además contará con cafeterías, tiendas de regalos y otros servicios.

Le geología de Arabia Saudita y sus formaciones rocosas han inspirado la estructura de acero inoxidable de esta obra que en contraste con su modernidad, también integrará técnicas tradicionales y locales de construcción, incluyendo el método de embutido de tierra mezclada con arena, gravilla y macilla para la fabricación de muros y estructuras internas.

El diseño llamativo se asemejará a una colección de piedras brillantes apiladas en el desierto con cinco edificios conectados entre sí con su propia función única y geometría estructural.

El estudio Snohetta fue galardonado con este diseño en el Concurso Internacional de Empresas de Diseño Arquitectónico. www.snoarc.no

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Aveo new generation

lA evolUciÓN De lA belleZA NATUrAl Inodoros, lavabos, muebles para baño, tinas y accesorios

Aguascalientes: VITRO HOGAR (449) 913 7675 / Cancún: SPAZIO (998) 887 2770 / Celaya: AZUPISO (461) 611 9996 Colima: MODA CERÁMICA (312) 315 2418 Culiacán: FINISSIMO (667) 713 7125 / Guadalajara: VANDIEX 01 800 504 6863 ZENTH (338) 995 8034 / EL FLUXOMETRO (333) 615 4042 / Irapuato: AZUPISO (462) 104 7455 / Hermosillo: ELEMENTOS (662) 260 5656 León: GALO (477) 779 4800 / Mérida: SPAZIO (999) 912 2809 / Mexicali: PISOS Y RECUBRIMIENTOS (686) 557 2488 / KURODA (686) 500 2020 México: ART IN LIVING (556) 385 8081 / ARQUIDECO 01 800 710 9090 / DOLSA (555) 545 0130 / VALVO (553) 612 0460 / RECUBRE 01 800 999 94000 PIACERE (555) 520 7022 / PER IL BAGNO (552) 623 2891 / Monterrey: CaSa AQUABOUTIQUE 01 800 713 2463 / GILSA 01 800 014 4572 GRUPO TENUE (818) 338 3825 / Puebla: DECORÁMICA (222) 298 3737 / VALVO (222) 573 9032 / Queretaro: AZUPISO (442) 217 0777 Saltillo: GILSA (844) 454 8001 / PLOMEX (844) 134 0814 / MULTIPISOS (844) 485 1334 / San Luis Potosi: / PLOMERIA SELECTA (444) 813 3090 Tepic: AMBIENTES DE CERAMICA (311) 218 1813 / Uruapan: GRUPO ARFI (452) 524 9980 / Zamora: NOVA CASA (351) 515 5800 FLAGSHIP STORE: MEXICO VALVO (553) 612 0461

www.villeroy-boch.com mexico@villeroy-boch.com

SALAS

Ambiente: Blend Design México Sala de Blend Design Cojines diseño de K Studioo Mesas de centro diseño de John Beck Colgantes diseño de David Pompa Fotografía: Carlos Madrid

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casa glocal

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os contrastes toman protagonismo y se apoderan de las estancias principales donde convergen estilos diversos, e inclusive hay cabida para los detalles rústicos, con la intención de formar un especial eclecticismo manteniendo ante todo el equilibrio del que se componen las creaciones de buen gusto.

Desde sillones en terciopelo inspirados en lo clásico y detalles campiranos con toque de vanguardia, se integran a esta propuesta en la que también aparecen complementos que avocan a estilos de principios del siglo XX, como el art déco.

1. Ambiente: Arketipo, sofa Auto-reverse de la colección Divani / Salone, Milán 2014 2. Sofá Maralunga de Vico Magistretti, para Cassina / Salone Milán 3. Escritorio rústico de Inkiostro / Salone, Milán 2014 4. Cajoneras Brest de Giulio Cappellini para Cappellini / Salone, Milán 2014 5. Carro de servivio Steel Pipe Drink Trolley de Shiro Kuramata para Cappellini / Salone, Milán 2014

RÚSTICO CONTEMPORÁNEO 1

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Axor Starck Organic Follow your Head and your Heart

▸ La armonía entre la razón y el corazón Una colección para el baño radicalmente nueva, pero también una manera revolucionaria de utilizar el elemento vital que es el agua: el chorro de spray de ducha con un consumo de agua de 3,5 l/min y el novedoso concepto de funcionamiento permite experimentar con mayor conciencia el uso sustentable del agua. Para más información visite www.hansgrohe.com.mx o head-and-heart.com

COCINAS

Cocina Intra de la marca Santos

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a cocina actualmente es más que un espacio culinario, es la inspiración para los artistas y diseñadores quienes en conjunto con las novedosas ideas de arquitectos contemporáneos, dan a origen a conceptos únicos en los que intervienen sofisticados sistemas de operación que cumplen los caprichos de los más exigentes expertos en gastronomía.

Desde parrillas inteligentes hasta los materiales más innovadores como el poliuretano transparente como una opción económica y de gran resistencia, se imponen como parte de la tendencia este 2014.

La iluminación OLED se une a esta propuesta y destaca como parte del diseño de lámparas con originales formas, así como en alacenas y campanas extractoras. Estas últimas aparecen ahora con formas minimalistas que se adaptan a una sofisticada ambientación y además son mucho más silenciosas y con una gran capacidad de absorción.

HI TECH 1

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1. Ambiente: Cocina de la colección Krystal de Adriani & Rossi para Gicinique Cucine 2. Campana extractora de Aria Nera 3. Parrilla PV140 de Smeg tecnologia che Arreda 4. Lámpara colgante Pantheon de Targetti 5. Platos de Jean Marie Massaud para Kartell / Salone Milán 2014

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l arte culinario se apoya en las últimas tendencias del diseño de cocinas en el ámbito internacional, donde se aprecian los colores neutros que van desde blancos, arenas y negros para hacer de la sobriedad un must en la ambientación de este importante espacio de la casa.

Los materiales para las superficies y los muebles destacan por su suavidad, como las maderas finas y los cristales lacados.

Sin embargo, las cocinas coloridas y vistosas continúan siendo parte del gusto del público apostando por el concepto vintage que toma como referencia las atmósferas de los lofts neoyoquinos.

En el diseño se apuesta por texturas lisas como acabados de piedra, mármol o encimeras de cuarzo que se combinan con electrodomésticos de acero inoxidable y muebles de madera o cristal.

1. Ambiente: Cocina Sterdec de Veneta Cucine 2. Jarra de la colección Socks Rolled de Anu Penttinen para Marimekko 3. Tetera Pava Zen de Catellan Italia 4. Silla Danda de Catellan Italia 5. Grifo cromado Metris de Hansgrohe

EQUILIBRIO 1

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you only live once AZÚCAR

HOTEL ESCONDIDO

DISTRITO CAPITAL

BOCA CHICA

HÔTEL AMERICANO

LA PURIFICADORA

HABITA

HABITA MONTERREY

DOWNTOWN

CONDESA DF

MAISON COUTURIER

DESEO (HOTEL+ LOUNGE)

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BAﾃ前S

Ambiente: Interceramic Muro Marble Collection (59x59 cm) y Tessuto Tweed Black (59x59 cm) Piso de Marble Collection (59x59 cm) Bata, pantuflas y toalla de Frette Kit after shave y body cream de Givenchy Jabﾃｳn lﾃｭquido para el cuerpo The Body Shop Crema exfoliadora de Biotherm Fotografﾃｭa : Carlos Madrid

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a calidez de un cuarto de baño depende de cada uno de los elementos que lo componen. Desde el más simple hasta el más amplio y sofisticado, este tipo de espacios deben contar con un diseño que no solamente sea amable a la vista sino que satisfaga las necesidades de los usuarios brindándoles completa intimidad.

Las principales marcas de diseño internacional se dan a la tarea de hacer del baño el recinto perfecto para la relajación, con avanzados sistemas que van desde regaderas que imitan la caída del agua de lluvia, hasta tinas ergonómicas que invitan a permanecer en ellas por largas horas bajo el efecto del aroma de las velas.

Los detalles son los más importantes para crear la atmósfera ideal, y para esto, aparecen desde mesas para lavabos de estilo rústico, hasta elegantes y prácticos armarios de formas sobrias y colores neutros con lo que se logra la armonía perfecta.

CONFORT 1

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1. Ambiente: Baño Melograno de Artesi 2. Espejo Another Perspective de Lucent Mirror / Zona Ventura, Milán 2014 3. Credenza Rexa de Mónica Graffeo, para Esperanto / Salone, Milán 2014 4. Lavabo de cerámica con encimera de Krion, Pack Mood 120 cms, de la Serie Mood de Porcelanosa 5. Tina Muse, de Zuchhetti Kos / Salone, Milán 2014 6. Piso ceramico de Diego Grandi para Lea Ceramiche / Zona Brera, Milán 2014

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l diseño de salas de baño va de la mano con los últimos avances de la tecnología en la producción de materiales y procesos innovadores de donde surgen nuevas propuestas en accesorios acompañados de complementos ricos en estética y funcionalidad.

La grifería toma otras dimensiones y su imagen cambia para dar paso al vidrio, el cual, evoluciona y se pone al servicio de los más reconocidos creativos del diseño, para crear llaves transparentes con un monomando que deleita al usuario por su forma sencilla pero sorprendente.

La cerámica también se integra a este concepto de evolución, se experimenta con ella para desafiar sus límites y así, lograr la producción de lavabos de ligeros volúmenes que son parte de una sobriedad que vuelve a tomar fuerza y marca tendencia acompañada de ideas de vanguardia.

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1. Ambiente: Antonio Lupi de la colección Il Bagno / Salone, Milán 2014 2. Lavabo Tray en cerámica y charola de la marca Tray / Zona Brera, Milán 2014 3. Llave Axor Starck V Basin Mixter de Philippe Starck para Hansgrohe / Salone, Milán 2014 4. Espejo rectangular de Studio Thier van Dalen / Zona Ventura, Milán 2014 5. Regadera Fir de la colección Synergy Showers / Zona Brera, Milán 2014

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techno

VANGUARDIA A u d i o

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Texto redacción Imágenes cortesía de las marcas

Desde pantallas inteligentes hasta los más avanzados sistemas de audio, se incorporan a la vida cotidiana como una herramienta básica no sólo para trabajar, sino para vivir y disfrutar aún más de nuestro espacio.

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l diseño de vanguardia de las marcas líderes trae consigo los más sofisticados sistemas que consienten los caprichos de melómanos, cinéfilos y gamers.

Es el caso de Samsung y sus Smart TV 2013, televisores con avanzados controles de voz y movimiento que incluyen también un nuevo Smart Hub, que permite ver videos a través de Facebook y Twitter, e incluso ofrece la posibilidad de hacer videollamadas por Skype.

Por su parte, la marca Bang of Olufsen presenta BeoSound 5 Encore, un reproductor de CD, radio, Ipod y USB que cuenta con una rueda de aluminio que permite elegir sus emisoras de radio favoritas entre más de 13 mil, además de toda la música digital que se muestra en el panel LCD. Este aparato cuenta con algunos de los mejores procesadores de señal, por lo que puede reproducir diversos formatos manteniendo la calidad y amplia fidelidad de la música.

En cuestión de audio, la marca Digital Habits presenta Cromática, un producto digital con doble función: lámpara de escritorio y bocina, controlada a través de una interfaz gestual y de forma remota por medio de una aplicación con la que logra crear sinergia entre la luz y sonido.

Está equipada con un puerto de recarga USB, y se complementa con función de alarma.

Para facilitar las funciones de la oficina, la empresa alemana Senneheiser presenta su innovadora línea de productos en diademas telefónicas para Contact Center y telefonía en Internet. Desde los modelos alámbricos los cuales brindan un audífono de gran calidad para todo uso, hasta las diademas inalámbricas que brindan una tecnología Digital Enhanced Cordless Telecommunications.

www.samsung.com www.bang-olufsen.com www.mundosennheiser.com.mx www.digitalhabits.it

Samsung Smart TV

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BeoSound 5Encore

HTS BH9520TW

Cromรกtica

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host

L O B B Y - B A RD

HOTEL W

NEMAWORKSHOP

Texto Gerardo León / Fotografía cortesía de Nemaworkshop

La riqueza cultural de México ha hecho que la imaginación del arquitecto Anurag Nema, tome un nuevo sentido que da origen a un espacio lleno de contrastes, tal cual y como es nuestro país.

espués de una exhaustiva investigación realizada por lugares típicos, paisajes y diferentes zonas de México, el arquitecto Anurag Nema pudo descubrir el estilo de vida de los mexicanos, y con lo anterior propuso detalles, paleta de colores y materiales del nuevo lobby-bar del Hotel W en la zona de Polanco. “Una de las cosas que más quería era conectarme con la ciudad de México, y sobre todo con su parte histórica, descubrir sus secretos y costumbres. Todo viene de un proceso de investigación… de un análisis que dio origen a cada uno de los ambientes que componen el nuevo lobby”, dice el arquitecto de origen Indú, radicado en la ciudad de Nueva York.

Anurag, quien dirige el despacho Nemaworkshop, rinde homenaje al diseñador italiano Fabio Novembre empleando la silla Mask, que se ubica en todas las áreas del lobby en diferentes colores.

Algunos muros están inspirados en los lagos y lagunas de los alrededores de la ciudad, por lo que se aplicaron materiales metalizados reflejantes, “Cuando conoces México, quieres seguir conociéndolo sin parar. Uno de los elementos que más me ha llamado la atención son sus lagos”, dijo el creativo.

Actualmente, dentro de los proyectos más importantes del despacho Nemaworkshop, se encuentra el diseño de espacios del Hotel W de Nueva Orleans, en el que realizó un proceso similar al de México, investigando sobre la ciudad y sus costumbres. Además está trabajando sobre la ambientación de un café en una de las principales avenidas de Nueva York, y planea desarrollar su obra en China. www.nemaworkshop.com

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AMBIENTA

A TM Ó S F ER A S IN O L V ID A B L E S

Texto redacción Fotografía cortesía de Ambienta

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rear atmósferas tan especiales que logren quedarse para siempre en la memoria de las personas, es para Susana Casares y Susana Puente su principal misión como especialistas de eventos.

A través de Ambienta, firma que ambas dirigen desde el 2002, crean conceptos únicos que cuentan una historia por medio de los detalles y de cada elemento del que se compone su proyecto. Desde que decidieron empezar esta empresa de decoración ofreciendo mobiliario de diseño, que hasta entonces no existía en México, innovaron en el tema de la ambientación de eventos y abrieron una ventana a nuevas formas de disfrutar cualquier tipo de celebración.

“En estos 12 años hemos sido parte de muchos proyectos muy interesantes y de grandes retos, por ejemplo, el montaje del Bicentenario en diferentes puntos de Reforma y Palacio Nacional, fiestas privadas sobre la playa, conciertos de grandes artistas, bodas de alto nivel, en fin… cada evento es un reto y un gran gusto para nosotras”, dice Susana Casares.

Ambienta se encuentra en constante creación de líneas decorativas, las últimas de este año son la Santa Fe y la Industrial, cada una ofrece materiales y un look muy diferente que brindan una amplia gama de posibilidades para dar origen a nuevos montajes. En total son 14 colecciones que aportan posibilidades infinitas de diseño.

“Siempre vamos de la mano con las últimas tendencias en eventos que actualmente se definen por las maderas, pesas largas sin mantel pero sí con caminos, sillas de madera o metal, muchas flores y follajes naturales con

toques de elegancia a partir del uso de sillones de respaldos altos”, describe Susana Puente.

Entre las características principales de la marca es que produce cada mueble en sus propios talleres de fabricación, por lo que además de ser piezas 100 % artesanales y hechas a mano, son únicas y mantienen siempre una exclusividad a beneficio del cliente. www.ambienta.com.mx

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automotriz

V40

SPEED & LUXURY

Texto redacción Imágenes cortesía Volvo

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olvo recibe a un nuevo integrante de su familia automotriz: el V40, un auto que conjuga diseño y vanguardia en cada una de sus versiones, las cuales, se adaptan a los estilos de vida más exclusivos, permitiendo que el usuario elija de entre los diferentes interiores y exteriores, chasis sport opcional y motores de rendimiento deportivo.

La marca Volvo es una de las más influyentes en el mundo, ya que basa sus diseños en la innovación y el funcionamiento, satisfaciendo las necesidades y exigencias del conductor. Volvo V40 es la muestra de ello, ya que se distingue por el empleo de líneas limpias y elegantes que hacen de su aspecto una singular silueta.

La tecnología que está presente en su diseño se refleja en el panel de instrumentos interactivo que cuenta con tres configuraciones: Elegance, Eco y Performance, las que ofrecen al conductor un ambiente de confort y ergonomía.

El empleo de luces LED colocadas en el interior del vehículo —cuyo brillo puede ajustarse entre siete modos de luz escénica—, lo hace único en su clase, además de contar con el sistema Star-Stop, una disposición eficaz para reducir emisiones y consumo de gasolina. Este sistema apaga el vehículo automáticamente cuando se detiene por largo tiempo y lo vuelve a encender cuando se requiere.

Resulta tan importante la creación de un ambiente en el interior de Volvo V40, que su diseño incorporó un techo de vidrio panorámico opcional que permite la entrada de luz natural tanto en la parte delantera como en la trasera. En caso de que la luz solar sea muy intensa es posible cerrar una cortinilla para refrescar el espacio.

Tanto el interior como el exterior hacen de este automóvil una completa experiencia y, con todos los elementos que lo componen, logra colocarse entre los favoritos del mundo. www.volvocars.com

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diseño + empresa

Laufen Tradición y estilo Texto redacción Imágenes cortesía Laufen

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a marca suiza Laufen convocó a los diseñadores industriales Konstantin Grcic y Toan Nguyen para enfrentarse con una cerámica desconocida para ellos y crear un lavabo clásico y de diseño tradicional, pero que pudiera reflejar algo extraordinario y diferente.

El objetivo de este proyecto fue forzar los límites físicos de la cerámica, por ello para lograr el Saphir Keramik —nombre que se le dio al lavabo, y que fuera presentado este año en el Salón Internacional del Baño en Milán—, se experimentó hasta lograr completa ligereza y delgadez, al mismo tiempo que se generaron curvas suaves y bien definidas.

La cerámica empleada es un material que ha revolucionado el mundo del diseño de baños, ya que además, destaca por su resistencia, pues se compone de zafiro lo que proporciona mayor fuerza y resulta más ecológico. Las curvas que se pueden lograr con ésta van de 1 a 2 milímetros de ancho a diferencia de la tradicional, en la que la máxima delgadez es de 7 a 8 milímetros.

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Los resultados de innovación obtenidos se concentran en la combinación de estilo y funcionalidad, y en la reinvención de los detalles del lavabo, proponiendo así variaciones en tamaño y en formas. Respecto a su funcionalidad, se ve principalmente reflejada en las piezas antigoteo que adquieren un valor decorativo, ya que (como lo consideran sus creadores), el producto debe entablar una relación con el usuario además de tener un significado especial.

El diseño de Saphir Keramik resulta algo inédito en la fabricación de accesorios por la reducción significativa de espesor. Esta cerámica ya ha sido patentada por Laufen y permite redefinir los límites y determinar las nuevas funciones de los lavabos en un futuro próximo. www.laufen.com

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diseño + empresa

Driade

Creación en conjunto Texto redacción Imágenes cortesía de los diseñadores

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riade, una de las marcas legendarias del diseño italiano, presentó su colección durante el Salone 2014, la cual es el resultado de un arduo trabajo en conjunto con diferentes creadores, que ha significado algo sin precedentes para la compañía.

Cuatro conjuntos de sofás, dos mesas de comedor, dos mesas de café, un librero, dos unidades de almacenamiento, dos sillas, dos lámparas y dos juegos de jardín, son las piezas que conforman esta línea, y que proyectan en cada trazo las ideas de diseñadores, arquitectos, maestros del diseño y nuevos talentos que reflejaron su propio estilo, manteniendo la filosofía de Driade.

ItalianCreationGroup —asociación cuyo objetivo es proporcionar apoyo administrativo a empresas productoras de alta calidad y generar respeto por el patrimonio artesanal local—, mostró interés en Driade por impulsar el diseño y dar origen a esta propuesta conjunta en la que participaron: Atelier Oï, Lievore Altherr Molina, Carlo Colobo, Gordon Guillaumier, Francesco Rota, Patrick Norguet, Maurizio Galante y Tal Lancman, junto con socios como Fredrikson Stallard y Parque Associatti, además de Alessandro Mendini.

El diseñador Maurizio Galante, quien ha participado en numerosas exhibiciones en diversas partes del mundo, presentó Rikka, una silla que refleja la magnificencia de la naturaleza a través de la estructura de su

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Silla Rikka Maurizio Galante

asiento, que toma la forma de una flor en un jarrón, además de que ésta se conforma de tiras de cuero entrelazadas en el metal.

La lámpara Lucky Star, diseñada también por Galante en conjunto con Tal Lancman, evoca la idea de una noche llena de estrellas, gracias al juego que se genera entre las “constelaciones” intercambiables que la conforman.

La perfección y el detalle en la colección Driade 2014 es visible en el trabajo del diseñador francés Patrick Norguet, quien eligió fabricar muebles para espacios al aire libre, un ejemplo de ellos es Khaima, un juego de jardín que consta de un sofá de tres plazas y una mesa de café que puede crear diversos ambientes con los cojines.

Anapo es un set de mesas de forma rectangular y circular cuya inspiración surge en los años 70, y en la idea de ambientar una casa de clase media de forma funcional e indiferente a modas pasajeras.

La colección fue presentada en Salone del Mobile 2014 en Milán y éstas son sólo algunas de las piezas que la constituyen y que son parte del resultado del trabajo entre dos empresas con la misma filosofía de acrecentar el diseño y el trato directo con diversos creadores. www.driade.com

Mesa de la colecci贸n Anapo de Gordon Guillaumier

Mesa lateral de la colecci贸n Anapo de Gordon Guillaumier

Banca para exteriores Khaima de Patrick Norguet

L谩mpara Lucky Star de Maurizio Galante y Tal Lancman

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novel nacional

Alejandro Macías Historias de diseño Texto Karla Rodríguez Fotografía Fabiola León / José de la O

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l diseñador industrial Alejandro Macías, originario de Aguascalientes, ha basado su trabajo en el interés de transformarse en un agente de cambio a través de la creación de objetos que comparten con el usuario una interesante historia.

En la actualidad, en nuestro país se observa un mayor interés hacia el diseño, no obstante, Alejandro Macías se enfrenta a un reto: eliminar la idea de que esta disciplina es costosa y superficial. Macías considera que la calidad con la que se educan a los diseñadores es fundamental, pues de eso dependerá la aceptación y el crecimiento del quehacer diseñístico.

Lograr que exista una relación emocional entre el usuario y el objeto es de donde parte Alejandro para la elaboración de sus proyectos, con el objetivo de que éstos trasciendan las barreras materiales, sin olvidar la conexión que hay entre lo económico, lo ambiental y lo social.

Macías ha tenido presencia en exposiciones como DECODE Generación 2013 en la Galería Conarte, Monterrey, en la exposición “Blanco fácil” como parte del Abierto Mexicano de Diseño 2013, y de manera paralela en la Torre Latinoamericana, Ciudad de México, además de que en marzo de este año fue considerado el Diseñador del mes por Masisa Lab, y formó parte del Salone Internazionale del Mobile de Milán en la Muestra Internacional de Diseño Mexicano MIDIM 2014.

El joven creativo busca transmitir con su trabajo “un diseño honesto que refleje sus orígenes y la historia que le transmite cada individuo que se relaciona con el proyecto, obra que se concibe entre varias personas trabajando bajo la misma idea, compartiendo experiencias y creando lazos que al final es lo que nos define como humano”, afirma.

Además de buscar la oportunidad de generar trabajo en conjunto con la manufactura necesaria, posicionamiento, y venta de productos, Alejandro desea atraer la mirada de los grandes consorcios de la industria.

Dentro de sus próximos proyectos está el impartir clases, ya que considera que los diseñadores “tenemos la responsabilidad y el deber de forjar nuevas generaciones”.

Así es como nacen visionarios nacionales que logran ser competitivos en un sector que continúa en crecimiento. www.alejandromaciasdesigns.com

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novel internacional

Olga Bielawska Dinamismo geométrico Texto Karla Rodríguez Fotografía cortesía Olga Bielawska

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acida en Varsovia, Polonia, Olga Bielawska ha basado su trabajo en la creación de muebles y artículos inspirados en el buen humor, con la intensión de acompañar al usuario y hacer su vida cotidiana más divertida.

Fue en el 2006 cuando esta joven diseñadora —egresada de la Bauhaus University de Weimar, Alemania—, junto con Astrid Schildkopf, una colega suya, fundó Miss Geschick & Lady Lapsus, una marca de accesorios que más tarde fue el punto de partida para independizarse y llevar a cabo en 2012, su propia línea de artículos y productos para la vida cotidiana.

La colección que define el trabajo de Olga es Sphere and Quadrat, con la cual debutó en la última edición del Salone Internazional del Mobile 2014 en Milán. Está compuesta por cajas, espejos, tazones, mesas, bancos y otros objetos de formas geométricas, en una gran diversidad de materiales y técnicas artesanales de producción para acabados y tratamientos del vidrio.

Cada una de estas piezas tiene una esencia única cuyo origen se encuentra en la variedad de colores y formas que, en conjunto, generan un concepto lúdico ideal para los espacios contemporáneos.

La funcionalidad es otro de los elementos que cobra relevancia en cada creación de Olga, por lo que sus piezas no sólo cumplen como objetos decorativos sino que son utensilios para cocina, botaneros o elegantes joyeros.

Lo mismo pasa con su mobiliario que es óptimo para pequeños espacios.

Ligado a su debut en Milán, ha presentado su trabajo en exposiciones como Designpreis der Bundesrepublik Deutschland en Berlín, Architect@ Work en Francia y Light and Building en Frankfurt; además, ha sido acreedora a diferentes premios tales como el premio FORM #2012 Tendence Lifestyle, Crystal Vision en 2008 y Neudeli Gründerwettbewerb en el 2006. www.bielawska.de

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showroom

EDICIÓN LIMITADA Texto Gerardo León Fotografía Carlos Madrid

El interiorismo como esencia de la arquitectura y la experimentación a partir de los contrastes, texturas e influencias de otras culturas ha dado como resultado la creación de un espacio donde la calidez es la mejor anfitriona.

E

dición Limitada es el nombre de este showroom creado por los arquitectos mexicanos Rafael Rivera y Javier Claverie, quienes han dado forma a toda una filosofía basada en la búsqueda de la funcionalidad a partir de objetos únicos que llevan consigo una interesante historia.

“Es parte de todo un trabajo de arquitectura e interiorismo que llevamos haciendo desde algunos años, tiene más movimiento a diferencia de Habitación 116, que fue el primer showroom que creamos donde casi todos los modelos son de nosotros. En este nuevo incorporamos piezas de otras épocas y países, además de que decidimos darle un lugar especial al arte”, dice Rivera.

Diseños daneses de los años 50, antigüedades chinas, detalles de influencia rústica, entre otras propuestas, llenan de originalidad cada rincón de este sitio en el que se percibe un eclecticismo fundamentado en el gusto exquisito y en un exclusivo estilo de vida.

“Parte de nuestro trabajo es correr el riesgo de combinar muchos estilos: es un eclecticismo muy sutil, hay gente que lo hace de manera muy barroca y mezclan cosas que no tienen nada que ver; nosotros lo hacemos a partir de un discurso paralelo… una mezcla con diseños que hablan sobre la misma línea”, dice el arquitecto.

Así, surge la combinación de diferentes tipos de arte como algunos grabados de Mathias Goeritz, junto con diferentes propuestas de mobiliario como una silla de Pierre Jeanneret, además de creaciones de artesanos mexicanos, vajillas y accesorios. También se da cabida al ingenio escandinavo en ambientes simples en los que también aparecen elementos del Japón.

La neutralidad marca la pauta y se perciben colores sutiles para crear atmósferas que evoquen a la relajación y a la tranquilidad.

“Con diseños simples, atemporales y cálidos damos un toque especial al espacio. Utilizar texturas como linos sobrios y neutros es desarrollar la creencia de que la belleza del color no está en el color en sí mismo, sino en la diferencia de los tonos que transmite la naturaleza de las telas y las texturas. Hay contrastes de un claro con un oscuro aunque sea en la misa gama grises”, explica el creativo quien afirma que está dispuesto a seguir tendencias, sobre todo las de otros tiempos como las de los años 50.

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textiles

WILD FURS | I+I

Texto redacción Fotografía cortesía I + I

W

ild Furs es un proyecto de creación de alfombras que corre a cargo de I + I —una compañía de diseño y producción de tapetes hechos a mano, fabricados en la India y Nepal—. Éste recauda el trabajo de diferentes diseñadores y artistas que fueron invitados a participar, generando así resultados únicos que reflejan la personalidad del creador.

El enfoque que se le dio a esta colección partió de lo individual a lo general, es decir, las alfombras se llevaron a cabo tomando, en primera instancia, la esencia creativa del diseñador y basándose en la filosofía de I + I. Haciendo uso de lana y seda, los artistas lograron dar vida a diversos ambientes y seres vivos plasmados en obras textiles.

Esta serie artesanal tomó como referencia alfombras tibetanas como las de la figura del viejo tigre y la iconografía de sus pieles silvestres y, con base en ello, cada uno de los artistas —Stephen Burks, Alex Davis, Massimo Giacon, Paolo Giordano, Nicole Jeanneret, Alessandro Mendini, Prospero Rasulo, Setsu & Shinobu ITO— fue libre de elegir el enfoque de su obra teniendo como única limitación la fabricación de los textiles.

Tiger Rug de Massimo Giacom / Via Ettore Ponti

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Colores cálidos como el arena, texturas suaves, relieves precisos y detalles representativos, son los elementos que caracterizan el trabajo de Paolo Giordano y Silvio Caputo —fundadores de I + I—, quienes desde sus inicios en 1996, han tenido una red de lazos estrechos con artesanos de la India, país que cobra importancia en el significado del nombre de la compañía, ya que tiene su origen en la realización de cajas de madera por parte de Paolo para la marca italiana Alessi, llevándolo a la decisión de producir una colección de objetos en la que estuvieran involucrados artesanos indios. Siendo esto lo que le da sentido al significado de I + I: ‘Italia e India’.

Wild Furs es sólo una muestra del interés existente por la producción de piezas únicas con una historia de por medio, además de ser una fuente importante en la conservación de tradiciones, costumbres e ideologías de la región. www.i-and-i.it

Elusive Tiger de Nuala Goodman / Via Ettore Ponti

Tiger No More de Alex Davis / Via Ettore Ponti

columna

NUEVAS TECNOLOGÍAS

Y LA PRÁCTICA DEL DISEÑO Texto Luis Mercado / Imágenes cortesía Exnovo

Detalle de lámpara en impresión 3D de Exnovo

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Cápsula de Luz Orion, L´Ecole de Design Nantes Atlantique

Estamos viviendo un momento muy importante dentro de la práctica del diseño industrial a nivel mundial. La proliferación de métodos de producción computarizado es una realidad, mandar a hacer piezas a un router CNC es ya una práctica normal, y la impresión 3D ya está al alcance de todo mundo, e incluso se están “imprimiendo” hasta órganos humanos.1 2

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reo que es momento de hacer una pausa para revalorar el rol que juegan estas tecnologías en el campo profesional.

Hay un fenómeno que llamo “La paradoja de la Fórmula 1”.

Supuestamente, la Fórmula 1 (F1) es la máxima expresión de tecnología del automovilismo de competencia, y durante toda su historia se entendía que los coches eran lo más avanzado que los ingenieros podían diseñar, de hecho durante muchos años fue así, pero a mediados de los años 80, los avances empezaron a tomar un camino un poco inquietante; los desarrollos tecnológicos comenzaron a reemplazar las habilidades de los pilotos. Si siguieran el camino de utilizar los desarrollos tecnológicos más avanzados, no es imposible imaginarse un futuro con un coche sin piloto o uno con un piloto con capacidades inferiores que puedan ser competitivos. La solución sería cambiar el enfoque a diseñar un coche con menos tecnología y que necesitara de un verdadero piloto de carreras para manejarlo. De hecho, hoy en día existen coches de calle —comunes y corrientes— que incluyen tecnologías más avanzadas que las que se encuentran en un auto de F1. La gran incógnita es cómo hacer un coche tecnológicamente relevante, pero no en detrimento de las habilidades del piloto.

Lo mismo ha venido sucediendo en el mundo del diseño. No hace mucho empecé a notar una tendencia que hasta la fecha me pone muy nervioso, con la capacidad de diseñar directamente en la computadora, y producir renders que a veces son difíciles de diferenciar de una foto, la tecnología pasó de ser una herramienta de diseño y representación a un fin en sí mismo. Los casos más extremos son cuando diseñadores y arquitectos hacen diseños en computadora que sencillamente no se pueden fabricar en la vida real, propuestas que simplemente no funcionan, como por ejemplo, piezas de mobiliario que no van a soportar el uso para los que, en teoría, fueron diseñados, pero eso sí, que se ven increíbles en el pantalla de la computadora.

Los casos más alarmantes son los que, por un lado, tienen como única directriz de diseño que se vean impresionantes en el render, y no están basados en un método riguroso de diseño donde la producción, uso y

mantenimiento sean el eje principal de trabajo; por otro lado, los casos más extremos: diseños que se rigen por las capacidades del diseñador para usar un programa de diseño, supeditando las soluciones formales a las que pueden realizar en la computadora.

Esa misma tendencia se está expandiendo al mundo de la producción y aquí es donde se empiezan a encontrar situaciones que, en mi opinión, vale la pena considerar.

Una de las tendencias actuales es el distanciamiento que se está dando entre diseño y producción. Estamos proyectando en la computadora y mandamos a fabricar las piezas con un maquilador, mismo que usa cada vez más tecnologías computarizadas/mecanizadas para fabricarlas. Lo anterior tiene dos aspectos muy negativos: por un lado, la desconexión que se da entre el diseñador y la producción tiene como resultado una falta de entendimiento íntimo con el material y los procesos utilizados. Sin este entendimiento es muy difícil explorar soluciones novedosas y pasamos la responsabilidad de producción al fabricante, es decir, nosotros diseñamos en un mundo virtual, y después esperamos que el fabricante solucione técnicamente cómo lo va a fabricar.

El gran riesgo en esta relación es que, muchas veces, el fabricante busca soluciones que le convengan a él, su criterio se basa en la facilidad de construcción, y sus parámetros tienen que ver con la velocidad, la sencillez y el bajo costo, y no la exploración.

Algo muy similar está sucediendo con la impresión 3D. Esta tecnología nos permite crear piezas que antes eran extremadamente complicadas y costosas de fabricar, pero que ahora con un programa de diseño podemos crear y mandar imprimir. Mucho de lo que se está haciendo son procesos de investigación de la nueva tecnología, para ver qué se puede y qué no se puede hacer, un proceso que me parece muy importante para entender esta nueva tecnología, pero que corre el peligro de convertirse en un fin, como con los renders, y que, como en muchos casos, rigen el proceso creativo para terminar con una pieza llamativa, pero con poca sustancia.

El problema al que nos vamos a enfrentar es que entre más accesibles 49

y sencillos de usar sean los programas de diseño, y más comunes y económicos sean los equipos de producción 3D vamos a pasar por la misma situación por la que pasaron los diseñadores gráficos, la triste historia que casi siempre empieza con un “…tengo un sobrino que le sabe y dibuja muy bonito, él me hace el diseño, y lo imprimo aquí en la oficina”. Muchos diseñadores gráficos han encontrando una solución a este problema y que, definitivamente, tenemos que tomar como ejemplo: por un lado, aplicar un rigor y un nivel de diseño extremadamente refinado, creando propuestas que reafirman su posición como profesionales del diseño, y por otro lado explora soluciones técnicas muy avanzadas, que están mas allá de las capacidades de una impresora a color.

En el primer caso, están llevando la práctica profesional a nuevos niveles, como Stefan Sagmeister3 que redefine el campo de trabajo de un diseñador gráfico, y en el segundo, la exploración de nuevos materiales y procesos, proponiendo una mezcla de procesos clásicos de impresión con tecnologías de punta y que dan como resultado diseños y aplicaciones novedosas.

Esta situación no es nada nueva, ya desde finales del siglo XIX, William Morris, denunciaba la estética industrial y la falta de sensibilidad de los nuevos diseños, creando el movimiento Art & Crafts, que sería de gran influencia en la forma de percibir el rol del diseñador en la etapa de desarrollo industrial que vivía el mundo durante ese periodo.

Detalle de lámpara en impresión 3D de Exnovo

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Creo que es momento de revisitar lo que significa ser diseñador en esta etapa postindustrial, y alinearnos con la corriente económica4 que se fundamenta en un considerable aumento de tecnologías, creando una “era de la información”, donde el conocimiento y la creatividad son las nuevas materias primas de la economía, y el valor agregado es lo que aportamos como diseñadores, en lugar del valor por la producción per se de los bienes.

Tenemos que aprovechar este momento para redefinir nuestro rol y nuestra área de expertise, para tener un lugar relevante y reafirmar nuestra posición profesional.

Bibliografía 1 . http://www.organovo.com/ 2. http://www.ted.com/talks/anthony_atala_printing_a_human_kidney 3. http://www.sagmeisterwalsh.com/ 4. John MacInnes y Julio Pérez Díaz, The reproductive revolution, Sociological Review, 57, 2009, pág. 262-284.

www.luismercadorojo.com

SALONE FUORI SALONE & NEW YORK DESIGN WEEK LOS APARADORES MUNDIALES DE LAS TENDENCIAS DEL DISEÑO Texto Greta Arcila

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a invitación para visitar el Salone este año, por parte del comité de Cosmit, llegó a mediados del mes de febrero. Ya habían llegado comunicados de muchas empresas dando un preview de lo que presentarían en el Salone Internazionale del Mobile.

Dada la recesión económica mundial en la que estamos, no esperábamos muchos lanzamientos, veíamos en los previews que la mayoría de las grandes empresas darían sólo un giro en colores, materiales y relanzamientos. Y así fue, no hubo grandes retóricas sobre lo que ya sabemos, vimos un Milán muy depurado en gusto y, con ganas de recordar el valor histórico de muchas de las piezas del diseño.

La institución En plática con Claudio Lutti, presidente de Cosmit y CEO de Kartell, llegamos a la conclusión de que fueron pocas las empresas que crecieron el año pasado dentro del mercado europeo, sin embargo, los números de empresas que invirtieron en su crecimiento fuera de Europa, sobre todo en países como China, México, Brasil o Chile, aumentaron en exportaciones más de 20%. Hablando de Kartell, presentó estos mismos porcentajes de crecimiento, gracias al desarrollo y aceptación de la cultura del diseño en países subdesarrollados, ahora tienen un nuevo nicho de mercado muy interesado en comprar aquello que antes, sin tanta comunicación y tratados de comercio entre países, veían como inalcanzable.

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En el caso específico de nuestro país, Lutti nos comentó: “México es, sin duda, uno de los países que más nos interesan ya que nuestros especialistas en mercadotecnia nos indican que, después de Brasil, es uno de los países que más han crecido en el consumo de las firmas de Life & Style. Nosotros, por ejemplo, también tendremos corners en Casa Palacio, y tengo entendido que es uno de los mayores distribuidores de diseño en ese país”.

“En lo que respecta a la feria, este año subió el número de visitantes latinos en 20% lo que para nosotros resulta una estadística altísima, pues sabemos la inversión que es para ellos viajar a Europa a comprar diseño; sabemos también que vienen por el Made in Italy y que están dispuestos a pagar por ello. Ya avanzamos mucho en ese sentido, ya que saben que lo hecho en nuestra tierra está bien hecho”.

La expresión del material El recorrido del recinto ferial lo reservamos para los pabellones dedicados al diseño, Salón satélite y, en esta edición, EuroCucina, Technology for the Kitchen y al Salone Internazionale del Bagno —estos últimos los presentaremos en el siguiente número de Glocal Design Magazine—. La semana no pudo comenzar mejor para nosotros. Platicamos con el diseñador francés Ronan Bouroullec sobre muchos temas, pero el principal fue la relación que ellos como creativos buscan con las empresas, en el caso muy específico nos habló de Matiazzi: “Creo más

en el valor de las pequeñas empresas que siguen haciendo las cosas bien. Sí hemos trabajado [y lo seguirán haciendo] con las grandes firmas internacionales, pero nosotros tenemos la obligación de ayudar a crecer a las pequeñas empresas familiares que aún respetan la mano de obra del artesano, pues nosotros mismos somos una pequeña empresa que hace diseño, no somos más”.

Además, Bouroullec aclara: “nos interesa que nos vean como aliados de ellos y de los materiales; no buscamos explotar ni a la empresa ni al poblado o país de donde se extraen los materiales para nuestros diseños. Por eso apostamos por Matiazzi, es una colaboración muy estrecha ya que vamos y venimos de Francia para estar cerca del detalle”.

Por otro lado, el experto afirma que a pesar de no tener mucha presencia en el Salone, logró atraer la atención del público con algunas piezas.

“Sólo venimos por dos o tres días; estamos contentos con 5 ó 6 diseños bien pensados y desarrollados a través de un extenso proceso de trabajo; sin duda, lo que más disfrutamos es de ese momento creativo de experimentación.

La silla Uncino que presentamos para Matiazzi representaba el lujo del detalle, y en eso nos centramos, en ver una paleta de colores muy básica pero que puede estar presente en muchos lados, y claro, en el valor agregado que le da la madera natural”.

La libertad creativa Ese mismo día platicamos del valor agregado que da la libertad creativa a los diseñadores con Eugeni Quillet, quien en años anteriores logró una estupenda mancuerna de trabajo con Philippe Starck y Kartell. En esta ocasión puntualizamos sobre la colección Bom Bom Family que realizó para Vondom, firma española que en poco tiempo ha logrado colocarse como puntera en mobiliario para exterior gracias a lo diverso de las colecciones y los diseñadores con los que hacen mancuerna.

Quillet valoró eso de la empresa: “Desde un inicio me dieron la oportunidad de proponer mis diseños, claro, después de saber lo que ellos buscaban dar a sus compradores finales. Bom Bom es una colección rica y divertida para todo tipo de usuario, desde un niño hasta una persona de la tercera edad. Fue un reto el diseño y el molde para hacerla posible, pero sin duda, el resultado ha sido grato para mí y ahora creo, lo está siendo para los visitantes del Salone”.

Quillet afirma que toma al diseño como “una forma de manifestar qué está sucediendo en la sociedad para, a través de una lectura concienzuda, ofrecer mi trabajo, ¿y qué hace falta ahora en nuestra sociedad? Pues algo de diversión; eso es lo que intenté lograr”.

El diseñador explica que las nuevas generaciones ahora piensan que “haciendo un render y que te publiquen en miles de blogs te da trabajo, y no es así. Sí, te da fama momentánea pero de eso no se vive. Las nuevas generaciones deben de estar conscientes de que trabajan para un usuario final y que con su diseño no están cambiando el mundo, sólo están dando una nueva opción de vivir una pieza”.

Sobre este tema yo le pregunto cómo ser un pequeño empresario del diseño, y nos comenta: “Eso no lo vi en la escuela. Ahora ya existen Masters in Bussiness especializados en diseño pero a nosotros nos tocó aprender y quebrar, en ocasiones, nuestras empresas. Lo que un diseñador debe de hacer para ser empresario es sí, nunca dejar el lápiz, pero con la conciencia de que éste debe de dar de comer a un estudio.

Debemos de ser soñadores pero siempre creando una estrategia de captación de clientes y de retención del talento, pues muchas veces el diseñador quiere ser sólo él la estrella y que su equipo no brille; debemos de compartir todo, desde lo económico, hasta la ‘fama’ que llega si haces bien tu trabajo”.

La perfección Una de las pláticas que más disfrutamos fue la que tuvimos con Oki Sato, creador de la firma Nendo, quien este año celebró a lo grande con una retrospectiva de su carrera en Zona Brera. El

lugar de encuentro fue en el stand de Emeco, con quien presentó la colección de bancos SU la cual, sin duda, fue una de las más gustadas por los visitantes del Salone.

Con él hablamos de la dupla perfecta que logran sus raíces culturales niponas y la búsqueda de la perfección y el detalle, así como la pasión constante por amalgamar la tecnología más pura en los materiales que aplica en sus diseños.

“Para mí todo tiene que estar más que perfecto. Soy un fiel creyente de que las cosas si no cuestan trabajo, no valen la pena; y no es que busque complicarme la vida, al aceptar el trabajo que ahora tengo sabía que iba a viajar tres semanas al mes para visitar a todos y cada uno de mis clientes, pues nunca envío a ningún otro diseñador de Nendo, y la semana en la oficina es muy intensa y con largas jornadas laborales. Si quiero entender a mi cliente y a lo que queremos llegar en conjunto, me tengo que sentar muchas horas a hablar con él y tengo que visitar sus talleres o plantas durante días para ver que el desarrollo de la pieza alcance la perfección; y ésta se encuentra el en detalle”.

A lo anterior, le expongo mi punto de vista: que para mí con 20 proyectos en el Salone y en Fuori Salone, me parecía que estaba dejando su vida en esto, a lo que contundente refirió: “esto es mi vida, el día que lo vea como un trabajo, esto se acabó para mí. Claro está que dejo gran tiempo para mi bienestar personal y mi familia pues eso es lo que mantiene mi alma de luz. Platico con mis colegas constantemente sobre muchas ideas, pues sé que de éstas llegarán flashazos de inspiración para el siguiente proyecto”.

La estructura Una de las firmas más sólidas en el mercado del diseño italiano es B&B Italia que, a lo largo de su historia, ha invitado a los más destacados diseñadores internacionales. Con ellos trabajó nuevamente Patricia Urquiola, quien sacó proyectos que no habían terminado de madurar del clóset de las ideas y los desarrollaron este año.

Para ella, lo más importante de este tipo de colaboraciones es la estructura para el diseño que generan estas empresas que están dispuestas a invertir lo necesario para que la pieza pedida llegue a un buen término.

“Llevamos años de colaboración y no deja de sorprenderme su maestría al ejecutar cada pieza.

Y esto se logra sólo estando cerca de tu equipo de trabajo, así como valorando y respetando los años de enseñanza que esto les ha dejado como empresas. Yo aprendo de los artesanos que trabajan con ellos cada pieza, cada detalle. Creo, sin duda, que el pasado genera la estructura; por eso voltear a ver unos diseños que hicimos hace

años y darles nueva vida a través de materiales que sólo hoy podemos tener, es una manera de gozarlos y vivirlos con otro lenguaje”.

Al cuestionarla sobre la posibilidad de repetirse en cada proyecto —más siendo uno de los taller de mayor producción del día de hoy—, respondió categórica: “Sí, tengo un estilo que me hace única y por eso mis clientes (a quienes veo más como amigos), me buscan, pero ellos también saben que jamás haría algo muy similar a algo que hice años atrás, para algo sirven todos los prototipos y ensayos que se producen antes de que una pieza llegue al mercado. Jamás les mentiría pues me estaría mintiendo a mí misma”.

La sensualidad Uno de los diseñadores franceses más prolíficos es Noé Duchaufour-Lawrance, quien gracias a la excelente mancuerna que ha logrado con firmas como Ligne Roset, Bernhart Design o Tacchini, entre otras, cada vez es más un referente del nuevo entendimiento de la actualidad.

Para Duchaufour-Lawrance lo importante en el diseño es acercarse al estilo de vida que hoy demandan las nuevas generaciones. El valor del diseño está en la factibilidad y en la calidad de vida que aporta, pero sobre todo en la intimidad que se logra con determinadas piezas.

Para estas nuevas generaciones el diseño es algo ya inherente y muy intuitivo, “no veo el diseño siendo algo que cueste trabajo. Amo que la gente llegue a un diseño creado por mí y que le guste tocarlo, que le guste la sensualidad que un material bien llevado puede provocar. Los diseñadores somos buscadores de emociones, y cuando alguien intima con una pieza, ya se logró el objetivo final: sintonía entre la piel y con la vida del usuario; finalmente un diseño es exitoso cuando pasa por generaciones entre familias y tienen una historia; el diseño es un detonador de historias personales”. Hablando de la Rocking Chair que lanzó este año con Bernhardt Design en el contexto del ICFF en Nueva York, habló también de la historia que el mismo material puede tener. “Que la silla fuera hecha en su totalidad con maderas americanas era sumamente importante pues le da solidez y frescura. También, en la memoria colectiva francesa, a una silla mecedora la relacionamos con la historia americana, siempre está presente en las terrazas, en un sin fin de espacios. Para mí es una manera de honrar la manera en la que yo veo la historia de los EE.UU., por eso, que me invitara una de las firmas de diseño más sólidas de este país fue un gran honor”.

* En glocal.mx encontraran más noticias y novedades del Salone 2014.

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design

Boceto por Eugeni Quitllet

SALONE / DESIGN D

entro del Salone sabemos que se presentan las grandes firmas. Este año la sorpresa la dio Tom Dixon con un booth en uno de los pabellones más visitados. Su ausencia en Zona Brera se notó, pero empresarialmente se fue al lugar que sabe le daría la exposición necesaria.

Como lo mencionamos en un inicio, las empresas del diseño abrieron sus arcas y relanzaron diseños de antaño, claro con materiales que ahora están muy presentes. Los colores que siguen generando propuestas interesantes son el cobre y el oro rosado; pero sin duda alguna la tendencia más gustada fueron los degradados.

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Aunts & Uncles de Philippe Starck para Kartell

Shimmer de Patricia Urquiola para Glas Italia

Color Fall de Garth Roberts para Casamania

Globe de Studio Job para Gufram

T-Table de Jaime Hayon para Bosa

SU bar de Nendo para Emeco 55

Djuna de Kazuhide Takahama para Cassina

Uncino de los Hermanos Bouroullec para Mattiazzi

Light Air New de Eugeni Quitllet para Kartell

Diapositive de Ronan & Erwan Bouroullec para Glas Italia

Rew de Rafa GarcĂ­a para Sancal

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To be de Gino Carollo para Bonaldo

Gina de Jocopo Foggini para Edra

Sparkle de Tokujin Yoshioka para Kartell

April, May & June por Gino Carollo para Bonaldo

Crystal Rock de Arik Levy para Lasvit

Traffic Armchair de Konstantin Grcic para Magis 57

2=1de Jean Nouvel para Cassina

Peg Specchio de Nendo para Cappellini

Worn de Samuel Wilkinson para Casamania

Tango de Francisco Gomez Paz para Luce Plan

Sharky de Neuland. Paster & Geldmacher Parter para Kristalia

Bom-Bom de Eugeni Quitllet para Vondom 58

Battery de Ferruccio Laviani para Kartell

Frozen de Maxim Velcovsky para Lasvit

Gardenias de Jaime Hayon para BD Barcelona

Torei de Luca Nichetto para Casssina

Nivola sofa y armchair de Roberto Lazzeroni para Poltrona Frau

Carbon Fiber Chair de Michael Young para Coalesse

Tailor de Louise Hederstrom para Offecct

Twinkle de Tokujin Yoshioka para Kartell

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Washington de David Adjaye para Knoll

Airberg de Jean Marie Massaud para Offecct

Das Pop de Maarten Baas para Lasvit

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Legato de Claesson, Koivisto, Rune para Casamania

Clover de Michael Young para Lasvit

Wall Street de Eugeni Quitllet para Vondom

Boceto por Jaime Hayon

A

ZONA VENTURA

hí es donde el valor del riesgo sigue a pie. Los organizadores siguen procurando una curaduría especial a los proyectos que se presentan en estas calles de las afueras de Milán. Universidades, colectivos, galerías, experimentos es lo más que vemos ahí. El área reservada para las universidades fue la que más sorpresas causó, primero por la alta participación de muchos países —entre ellos México con la Universidad Anáhuac del Norte—, además por la calidad de sus propuestas como la de la Universidad de Viena que con una gran exposición mostró también arte y moda, así como varios proyectos 3D.

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Tile Sashi por Rui Pereira & Ryosuke Fukusada para Another Perspective2

Japanese Folklore Jaime Hayon para Nodus

Reflection Collection por Lucas & Lucas

Fade Collection de John Astbury and Kyuhyung Cho para Another Pespective2

Collection 2014 por Something Good

Laval Aluminium Brass por Hopf

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Boceto por Andrea Trimarchi y Simone Farresin

ZONA BRERA U

bicada en pleno corazón de Milán, una de las áreas en donde muchos creativos tienen sus oficinas, y en donde múltiples galerías de diseño presentan año con año pequeñas exhibiciones con excelente curaduría, esta zona tomó nuevos brios; lo anterior se debió a la mancuerna que hizo con Cosmit, con esto tuvo el apoyo de los grandes empresarios del diseño. Así, muchas de las empresas que habían apostado por tener sus muestras dentro de Zona Tortona regresaron con mucha calidad. Para nosotros la mejor presentación fue la retrospectiva que Nendo en Via Delle Erbe, algo de lo más gustado por el público fue la instalación que ejecutó con COS llamada "Space Dipped Shirts".

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New Echiquier Harcourt de Nendo para Baccarat

Molletta por Baldessari e Baldessari

Jan Kath por Cover

Seams Collection por Benjamin Hubert para Ceramiche

Laval por Laval & OeO 64

On the Rock por Lee Broom

Boceto por Jaime Paolo Ulian

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ZONA TORTONA

ste es el lugar que antes era buscado por los diseñadores para exponer diseños más arriesgados y donde las nuevas generaciones podrían exponer sus más recientes producciones. Esta zona, desde mi muy particular punto de vista, ya perdió todo su encanto. Ahora sólo vemos empresas con campañas de mercadotecnia mal entendidas “haciendo diseño” pero que su finalidad es vender otra cosa muy diferente. Lo más valioso de ésta fue la instalación que hizo Marcel Wanders y su firma Moooi, así como los tapices de Studio Job.

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Tapiz Condotti por Inkiostro Bianco

L'Afrique Carpet por Studio Job para Moooi

Archives Wallpaper por Studio Job

Tudor Cupboard por Kiki van Eijk & Joost van Bleiswijk para Moooi

Collection 2014 por Moooi

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Boceto por Noé Duchaufour Lawtance

NY DESIGN WEEK V

isitar nuevamente ICFF después de algunos años de no haber estado ahí, fue algo muy sorpresivo. Primero porque vimos cómo esta plataforma bajó su calidad de expositores y su falta de diálogo entre ellos mismos, años atrás se notaba cierta curaduría y las firmas de gran nombre estaban dentro.

Este año, pocas fueron las que sí estuvieron presentes en el Jacob Javit Center, uno de los recintos más importantes, entre ellas Bernhardt Design, Tom Dixon, Lasvit, Moooi y Studio Job. Las firmas italianas las encontramos con instalaciones en sus showrooms de la ciudad. Lo más destacado fue Wanted Design nuevamente, pues había jóvenes con propuestas interesantes y atractivas para los compradores internacionales. Cabe destacar el esfuerzo que hizo México Design Week al presentarse dentro de este entorno con Territorio Creativo, ahí los acompañó Rococó, David Pompa, Valentina Wohlers, Sally Serur de Azar, entre otros diseñadores mexicanos.

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Neutra Collection de Richard Neutra de VS

Retort Vanity y Pagan Chair por Material Lust

Analog de Jaime Hayon para Fritz Hansen

Shape Mirror Fold por Bower

Ellsi Table Lamp por Rosie Li 68

Shape Up por Ladies & Gentlemen Studio

Toro Smoke Side para Blue Dot

Harper por Noé Duchaufour Lawrance para Bernhardt

Flux Table Lamp por Noé Duchaufour Lawrance para Gaia & Gino

Anne por Ross Lovegrove para Bernhardt

Angel Coffee Table por Rococo

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Neo Laminati Collection por Kellybehun Studio

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Omkompositioner por Jenny Nordberg

Poul Kjaerholm Collection para Fritz Hansen

Hella Jongerius de Artek

Plank table white y silla Butterfly de Ercol

Limited Edition Chippensteel Copper de Zieta

coporativos

INTERIORISMO URBANÍSTICO

Movilidad, actividad, espacios para la concentración… es la apuesta de Herman Miller para las oficinas de hoy Texto Greta Arcila Fotografía cortesía Herman Miller

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ecientemente fui invitada por Herman Miller a visitar algunas de sus plantas, centro de diseño y oficinas. Siendo honesta, el viaje no me era tan atractivo ya que yo pensaba: ¿Qué puedo aprender de Herman Miller si ya los he visitado en muchas ocasiones en México y no me pierdo su showroom cada año en NeoCon? Y me gusta decir que me equivoqué. Para mi grata sorpresa, desde que llegué me encontré con una compañía comprometida con su historia y su legado para cultura del diseño industrial internacional, sin olvidar que es una de las empresas que más invierte anualmente en investigaciones del comportamiento del ser humano en su hábitat y entorno de trabajo, y de cómo afectan éstas a su salud física y mental, así como en tecnología de avanzada para sus plantas y en la investigación de nuevos materiales –en últimos años invirtió más de 50 MDD en diseño—. Y claro, viendo el panorama de manera horizontal, como bien dijo Greg Bylsma, CFO de Herman Miller, ¿Quién en el mercado no hace lo necesario para obtener un capital de 13 billones de dólares anuales sólo en los Estados Unidos?

El recibimiento fue en el mítico hotel boutique de Herman Miller, Marigold Lodge, en Holland, Michigan. Construido en 1913 por Egebert Gold y su esposa Margaret para servir como casa de campo en una pequeña bahía, el cuerpo edilicio sigue los preceptos de la Prairie School, y fue diseñado por el arquitecto Thomas E. Tallmadge, de la firma Tallmadge & Watson, petición de este empresario norteamericano. La casa perteneció

a la familia del presidente de The Vapor Car Company hasta 1963, posteriormente fue adquirida por Herman Miller con la intención de preservar el valor arquitectónico e histórico de Marigold Lodge. Hoy, este bello espacio es el lugar en donde Herman Miller recibe a sus invitados especiales, clientes, así como un centro importante de reunión para el corporativo.

Los días de visita comenzaron en el Design Yard –construido en 1989-, ahí es donde laboran los máximos directivos de Herman Miller, desde el CEO hasta el director de diseño, en sí el espacio recibe diariamente a 140 ejecutivos y aplica día con día la afamada filosofía o sistema de trabajo Living Office. Para éste aplican 10 escenarios o formas de trabajo los cuales al convivir –dependiendo de las necesidades de cada espacio-, crean un lugar de trabajo que responde totalmente a las nuevas necesidades laborales y a los requerimientos de las empresas. Así, Haven está pensado para áreas en las que estén implícitos la creación, contemplación y conversación, se piensa en espacios independientes que bien pueden estar aislados o semi privados; Hive para actividades que conlleven actividades como procesar y responder, crear así como charlar, de tal manera se propone un espacio abierto en donde todos puedan colaborar; Jump Space para procesar y responder, y pláticas informales, para esto se sugieren estaciones de trabajo de uso temporal y de gran acceso para todo el equipo; Club House fue diseñado para la co-creación, pueden ser estaciones pensadas para equipos 71

grandes de trabajo de largo plazo; Cove también fue diseñado para grandes equipos de trabajo que necesitan reuniones informales de poco tiempo de duración y que en sus actividades están la plática y la colaboración cercana; Metting Space es un sistema para las presentaciones en donde hay uno o más oradores y el resto de los participantes puede interactuar entre sí; Landing se diseñó para esos momentos en donde uno está sólo charlando sobre detalles, o ya sea esperando una reunión o quizá finalizando el día o la reunión de trabajo, son áreas abiertas y no muy amplias; Workshop es ideal para sentar a gente que trabaja junta y generar nuevas ideas; Forum por su parte, es para momentos de presentaciones grandes y está delimitado por la arquitectura interior del lugar; y finalmente está el sistema Plaza, el cual es el lugar que incluye a diversos sistemas pero que al mismo tiempo los cobija en un solo espacio.

En sí, el sistema de Living Office es una excelente propuesta de interiorismo urbanístico en donde hacen que el usuario circule de manera inteligente por toda un área de trabajo creando momentos de reposo, de colaboración, de interactividad, de solitud, de creación, de concentración, de interacción con la tecnología, y de distracción; claro con la movilidad siempre presente ya que es mejor para la salud. Es una pequeña ciudad que propicia la circulación de sus usuarios elevando, gracias a esto, su nivel de vida. Y como era de esperarse, esta teoría se desarrolló para utilizar de manera más eficiente todo el mobiliario que ha desarrollado esta empresa.

A decir del ingeniero Lauren Zulli, quien labora dentro del área sustentable de Herman Miller, lo anterior responde a tres tendencias: Transparencia, un mañana más verde y sano, y a la obtención inteligente de recursos. Ejemplo de ello es el 30% de peso que perdió la silla Mirra 2 en su rediseño al usar aluminio, bajando también su huella de carbono un 30%. Estos esfuerzos se hacen con varios productos ya que es necesario hacer las cosas con una conciencia ecológica más a fin con lo que necesita el planeta hoy en día, por ello los directivos son parte activa del consejo del Green Building Council y la teoría del Cradle to Cradle es parte también de los sistemas de producción de esta empresa. Y sí, con ganas de aprender más me dejó este viaje, en el que más que ver mobiliario, vi historia, responsabilidad y futuro.

Public Office Landscape de Yves Behar para Herman Miller

www.hermanmiller.com.mx

Silla Mirra 2 de Studio 7.5 para Herman Miller 72

Hotel Marigold Lodge

Design Yard, oficinas centrales de Herman Miller

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BNKR T R A Z O S

S I N

E S C A L A S

A R Q U I T E C T U R A

Texto Gerardo León Fotografía cortesía Bunker Arquitectos Retrato Carlos Madrid 74

enfoque

Esteban Suárez

La obra del arquitecto mexicano Esteban Suárez está definida por un interés especial hacia la experimentación; sus proyectos están fundamentados en una filosofía que va más allá de los estilos y la figura arquitectónica tradicional.

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ue en el 2005 cuando Esteban Suárez fundó Bunker Arquitectura, despacho que actualmente dirige y con el que ha logrado posicionarse entre los más reconocidos creadores de espacios nacionales.

“Estudié en la Universidad Iberoamericana, y a los seis meses de haber terminado la carrera comencé a remodelar una cafetería, eso me motivó para crear mi propio proyecto. Encontré una bodega debajo de los sótanos del Polyforum Siqueiros que era como un búnker, con un solo escritorio y de ahí surgió el nombre que lleva el despacho”, narra Suárez.

A este proyecto se sumó su hermano Sebastián, quien tiene a cargo la parte de diseño gráfico, imagen y redes sociales de la empresa. De esta forma comenzaron a llegar los proyectos con los que se dieron a conocer y con los que Bunker fue tomando forma.

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“Creamos un edificio de departamentos en Acapulco, después una capilla, luego un hotel, un restaurante y algunos trabajos para el gobierno.

Nunca hemos sido la oficina que se enfoca en un solo concepto como residencial u hotelería, etcétera… hemos hecho de todo, incluyendo intervenciones en la galería del Polyforum Siqueiros; hacemos todo tipo de interiores y hasta diseño de pabellones en importantes ferias de diseño.

Ahora estamos trabajando en nuestra primera torre de usos mixtos”, explica.

Este joven de 35 años está consciente de que el cuidado del ambiente debe ser una constante en el oficio de la creación de espacios, y es algo en lo que, por añadidura, cualquier arquitecto debe mantener en cada uno de sus proyectos.

“El despacho no está casado con alguna tipología, pero tenemos una visión clara de la sustentabilidad, por ejemplo, al crear un pabellón de exhibición en Expo Cihac, nos dimos cuenta de que todos estos espacios efímeros de exposiciones terminan en la basura y generan una gran contaminación ambiental, así que pensamos en crear un espacio reutilizable con 5 mil cajas de refrescos. Este diseño ganó varios premios entre ellos Architizer A + Awards”.

Lo mismo hizo recientemente para la revista Glocal Design Magazine, para el stand Estación Glocal, en la pasada edición de Habitat Expo 2014, en la que en conjunto con la firma Masisa, creó 3 mil piezas de MDF Smart que,

Capilla Atardecer

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“Las torres son una herramienta eficaz para contrarrestar el crecimiento desmedido de la ciudad de México”

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“La arquitectura es una solución específica a un problema particular y único”

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a manera de un Lego, se fueron uniendo para crear toda una estructura que funcionaba como exhibidor para las ediciones de la revista.

“Pienso que la sustentabilidad hay que manejarla como un requisito de diseño, pero puedes abordarla de una manera poco convencional, no tienes que forrar tus edificios de plantas para demostrar que son sustentables”, afirma el creativo.

Tomando como base su idea de “la arquitectura es una solución específica a un problema particular y único”, Bunker ha desarrollado algunas propuestas para el beneficio de la Ciudad de México en cuestión de urbanización y densidad de población. Es el caso de un proyecto al que su despacho ha titulado como “Rascasuelos”.

“Constantemente hacemos proyectos de investigación, los cuales, se han publicado bastante. El ‘Rascasuelos’ es un proyecto de investigación en torno al Centro Histórico de la ciudad de México, que vendría a resolver la problemática de falta espacio; y es que actualmente ya no hay donde construir”, expresa.

El proyecto consiste en diseñar un edificio subterráneo en la plancha del Zócalo, en el cual, existirían desde departamentos, hasta plazas públicas, centros comerciales y otros servicios con los que cuentan actualmente los edificios verticales.

“El proyecto hasta el momento no ha sido aceptado aquí, pero el gobierno Sueco nos pidió permiso para presentarlo ante el congreso como una solución viable al problema de falta de nuevos espacios de su centro histórico de Estocolmo”, dijo.

Crear soluciones reales que generen diálogo, es una de las premisas que Bunker Arquitectos mantiene dentro de su intención por aportar beneficios

tangibles para un país “donde hay mucha competencia en el tema de la arquitectura y el diseño”.

Así lo refleja en obras ya construidas de una capilla en el puerto de Acapulco donde experimentó una nueva forma de suspensión y soporte para una estructura de grandes dimensiones, descubriendo nuevas formas de moldear el concreto y aprovechar todas sus posibilidades.

“Se trataba de una estructura que debía responder al terreno, a las intenciones del cliente y las nuestras, la cual, con un sistema tradicional de construcción de cimbra y polines de madera logramos una forma en concreto sumamente compleja. La gente que la visita se pregunta cómo pudimos lograr algo así, con el tiempo y el presupuesto tan limitados. La respuesta es: utilizando el ingenio y también la colaboración de un amigo cercano, el constructor Fermín Espinosa”, describe Esteban.

El reto de la capilla consistía en poder soportar grandes volados de doble emparrillado y concreto de 30 centímetros de espesor: “ideamos un sistema de soporte entre los muros de concreto en donde los atamos con cable de acero entre ellos para que el peso de un muro funcionara como el contrapeso del muro que tenía enfrente. Era como una telaraña de cables de acero que soportaba la estructura conforme se iba colando en cinturones de concreto de 1.20m de altura… una solución muy fácil y económica”.

En su trabajo la escala no es una limitante, así ha participado en diseños alternativos como la casa de un perro para una exposición, hasta grandes proyectos de infraestructura. Su obra a corto plazo es una torre de usos mixtos que estará ubicada en avenida Insurgentes.

“Las torres son una herramienta eficaz para contrarrestar el crecimiento desmedido de la mancha urbana. La migración de la gente

Capilla Ecumenical

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“No tienes que forrar tus edificios de plantas para demostrar que son sustentables”

Pabellón Panel Rey

Proyecto Rascasuelos

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Proyecto Torre Taiwan

a las ciudades aumenta día con día y al establecerse en la periferia estas crecen en extensión. Hay que redensificar las ciudades para volverlas más sustentables… las ciudades tienden actualmente a ser verticales porque ya no tenemos territorio. Si te expandes más, vas consumiendo más las áreas verdes.”

Para Esteban, hay un nuevo movimiento o una nueva generación “que no trata de hacer arquitectura mexicana contemporánea, que es un discurso que existe en México hace tiempo y que para mí es una inseguridad… no puedes ponerte la cultura mexicana como un sarape y decir: es que eso es mexicano y por eso me visto de charro y eso lo reflejo en mi arquitectura”.

Pero la arquitectura no es la única pasión de Esteban, quien también ha encontrado en la música un medio para desarrollar su talento. “Soy músico (guitarrista), tengo un grupo de rock que se llama Chikita Violenta. La pasión por la arquitectura siempre se ha complementado con la música y nuestra postura hacia ésta, siempre ha sido la misma: no encasillarnos con un estilo y siempre tratar de ir reinventándonos y experimentando”.

Además ha creado los Bunkertoons, caricaturas que aparecen en su Facebook y que satirizan a algunos personajes de diferentes ámbitos de la sociedad. Estos surgieron cuando lanzó su primer libro Stop: Keep Moving, un acercamiento oximonórico a la arquitectura.

Para este creativo, Bunker es una plataforma para estudiar y experimentar con el fenómeno arquitectónico del siglo XXI y para buscar soluciones no convencionales a problemas cotidianos. www.bunkerarquitectura.com

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Topograf铆a Social

Estaci贸n Glocal

Equipo Bunker Arquitectura

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diseño

MUJERES I N T E R I O R I S TA S

E L T O Q U E F EMENIN O M A R C A L A P A U T A DE L DI S EÑ O

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llas imponen tendencia en el diseño de espacios contemporáneos. Son seis mujeres mexicanas que con su talento cumplen los sueños del usuario al convertir cada uno de los rincones de su casa, en el mejor refugio para vivir.

Glocal rinde homenaje a estas mujeres visionarias quienes logran que la arquitectura envuelva sus creaciones llenas de vanguardia, donde cada elemento converge entre sí creando la armonía perfecta. Su misión, es que las personas estén rodeadas de cosas bellas con las que puedan sentirse bien. Gracias a la calidad de sus proyectos, han recibido el reconocimiento nacional e internacional por hacer de una casa, oficina o departamento conceptos únicos donde proyectan su pasión por el arte, las formas y el color para que cada estancia sea algo sorprendente.

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ANDREA CESARMAN Fotografía cortesía Andrea Cesarman

Estudió: Arquitectura en la Universidad Anáhuac Despacho: C Cúbica Proyectos destacados: C Cúbica Arquitectos y Design Week ¿Por qué decidiste ser diseñadora de interiores?

Estudié la carrera de arquitectura y la vida me llevó a los interiores en donde conocí un mundo súper creativo con muchísimas posibilidades de aprendizaje y desarrollo. También sentí que el estudiar los interiores, era como analizar la anatomía del cuerpo. ¿Cómo defines tu propuesta y en qué te basas para llevar a cabo un proyecto?

Para mí, diseñar es como seguir el guión al pie de la letra para poder crear la mejor escenografía de una película. ¿Hacia dónde va la tendencia actual en el interiorismo alrededor del mundo?

El objetivo es reconocer mejor la naturaleza humana, simplificarse y subir la calidad de vida en todos los niveles. ¿Cuál es tu visión del espacio perfecto?

En donde la gente se sienta feliz.

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¿Cuál consideras que es el papel de la mujer en el ámbito del diseño?

No me gusta que nos separen por género. Creo que tanto hombres como mujeres tenemos nuestro grado de complejidad. Lo que más importa es quién es la persona. Aunque sí sé que como mujer y madre te tienes que organizar muy bien en la logística para no abandonar a nadie incluso a ti misma.

México ha avanzado mucho en temas de diseño en los últimos años ¿consideras que existe un mercado potencial para esta disciplina?

Definitivamente hay un campo para el diseño en México. Tenemos que insistir en este tema y lograr que esto nos lleve a una mejor calidad de vida El diseño está en todo, desde el envase de yogurth que comes en la mañana, la cucharita de plástico, el autobús en el que te subes, la misma calle que te lleva el edificio al que llegas… hay que dejar de ver al diseño como algo compuesto sólo de objetos elitistas.

Como miembro activo del gremio de los interioristas en nuestro país ¿cómo te gustaría ser recordada, y en qué área de tu trabajo?

Por mi trabajo en general, por reconocer al gremio, trabajar en equipo y promover a México.

Hablando de la tecnología aplicada en los materiales para las obras ¿con cuál experimentaste más y fue el "gran descubrimiento" al momento de aplicarlo?

Yo creo que lo que tenemos en México es la mejor tecnología del mundo: la creatividad y la imaginación de poder hacer mucho con poco. Nuestra mano de obra es oro puro. ¿Qué nos falta para crear una cultura de unión gremial?

Dejar la envidia, los complejos y encontrar el punto donde sepamos que el trabajo en equipo suma logros, que juntos somos más fuertes que solos, que el ser humano por naturaleza debe obtener mejores resultados en tribu.

Define tu trabajo con cinco palabras.

Amor, paciencia, luz, psicología y camino.

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ERICA KRAYER & OFELIA URIBE Fotografía cortesía UribeKrayer

Erica Krayer Estudió: Licenciatura en Arquitectura en la Universidad Anáhuac y Diplomado de Arte Contemporáneo en el ITAM Ofelia Uribe Estudió: Licenciatura en Arquitectura en Universidad Iberoamericana Despacho: UribeKrayer Proyectos destacados: Casa Chandris, Porto Heli, Villas Four Seasons en Grecia, y Casa Palmasola en Punta Mita Nayarit ¿Por qué decidieron ser diseñadoras de interiores?

Erica: Estudié arquitectura y trabajando con el arquitecto Ricardo Legorreta, me invitó a dirigir el departamento de interiores en su despacho y me encantó esta especialidad.

Ofelia: Trabajando con el arquitecto Ricardo Legorreta, realicé proyectos de interiores y después cuando Erica me invitó a formar un despacho, nos enfocamos más a este tema.

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Siempre nos ha interesado el arte y de alguna manera siempre está presente en nuestro trabajo.

¿Cómo definen su propuesta y en qué se basan para llevar a cabo un proyecto?

Ofelia: Primero hacemos un análisis exhaustivo del sitio, de las necesidades del cliente, del entorno, materiales de la región, luz, colores, arte, etcétera... Como resultado de esta investigación y cuestionamiento sacamos un concepto que funcione para el cliente y dé al proyecto un toque único y especial. ¿Hacia dónde va la tendencia actual en el interiorismo alrededor del mundo?

Erica: Actualmente, la tecnología ha influido considerablemente en el diseño de espacios, lo que ha dado origen a nuevos materiales y técnicas. También hay un creciente interés por utilizar materiales sustentables. Vemos un vistazo al pasado y propuestas con formas orgánicas y colores parecidos a los de los años 60 y 70.

¿Cuál es su visión del espacio perfecto?

Aquel espacio que te haga sentir acogido, cómodo, alegre. Un espacio luminoso y con ventilación natural. ¿Cuál consideras que es el papel de la mujer en el ámbito del diseño?

Ofelia: Cada vez hay más mujeres que se involucran y hacen un destacado papel sumamente profesional en el diseño. Hay muchas profesionistas que se fijan mucho en los detalles y pulen los proyectos con exquisitez. Creo que no es exclusivo de género, pero recientemente en el Design House -en donde sólo participamos mujeres-, observamos que en general los espacios estaban diseñados y ambientados con muchísimo detalle y buen gusto.

Las mujeres están cada vez más involucradas en todos los ámbitos profesionales, y por supuesto en la arquitectura y diseño, posicionando su manera de ver el mundo.

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Fotografía cortesía Ian Schrager

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México ha avanzado mucho en temas de diseño en los últimos años ¿consideras que existe un mercado potencial para esta disciplina?

Erica: Claro, el diseño es cada vez más apreciado por el ciudadano común. Hay muchas exposiciones de arte y diseño que aportan mucho y ayudan a entender y darle valor al diseño.

Hay tanto por hacer en México en todos los sentidos, que no puede faltar el diseño en cualquier área de crecimiento.

Como miembro activo del gremio de los interioristas en nuestro país ¿cómo te gustaría ser recordada, y por qué área de tu trabajo?

Erica: Me encanta que mis clientes estén felices con sus proyectos y si logramos generar bienestar a su vida, es un gran logro. Disfruto poder trabajar con artesanos y técnicos como carpinteros, tapiceros, marmoleros con quienes aprendemos y colaboramos. Saber que en alguna medida podemos generar empleos que beneficien a varias familias, es muy gratificante.

Me encantaría ser reconocida por nuestros diseños, sabiendo que aportan algo bueno al diseño mexicano.

Me encantó diseñar una escenografía para una obra de teatro y espero que sea la primera de muchas.

Ofelia: me encanta diseñar espacios donde la comunicación con el cliente fluya de manera natural y con esto lograr un espacio que disfrute y logre hacer mejor su vida.

Disfruto mucho el trabajo en equipo, con nuestro grupo interno -que son como nuestra familia-, y con diferentes disciplinas como artistas, artesanos, diseñadores y todo tipo de profesionales que enriquecen mucho nuestro día a día y nuestro trabajo. Me gustaría que nos recordaran más bien por el conjunto de proyectos y por el ambiente de trabajo, no solo por los resultados sino por la manera de llegar a éstos.

Nos gustan los materiales naturales, expresivos y con carácter, la tecnología de cómo conservarlos y lograr resaltar más este carácter.

¿Qué nos falta para crear una cultura de unión gremial?

Considero que los organizadores de Design Week: Andrea Cesarman, Emilio Cabrero, Marco Coello y Jaime Hernández han hecho una gran labor en este sentido.

Con estos eventos se ha generado una súper buena vibra de cooperación y admiración. Cada vez hay más eventos como éste y creemos que México va por buen camino en este sentido.

Define tu trabajo con cinco palabras Erica: Divertido, cálido, sencillo, sofisticado y congruente.

Ofelia: Reto, colaboración, fluido, congruente y divertido.

Hablando de la tecnología aplicada en los materiales para las obras ¿con cuál experimentaste más y fue el "gran descubrimiento" al momento de aplicarlo?

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GLORIA CORTINA Fotografía cortesía Gloria Cortina

Estudió en: Parsons School of Design, Nueva York Despacho: Gloria Cortina Estudio Proyectos destacados: Casa Cárpatos y casa en Colorado ¿Por qué decidiste ser diseñadora de interiores?

Considero que nací con este talento.

¿Cuál es tu visión del espacio perfecto?

Aquel que me transmita algo, que me sorprenda. ¿Cuál consideras que es el papel de la mujer en el ámbito del diseño?

Es fundamental, es una de las pocas áreas en donde podemos desarrollar nuestra sensibilidad.

¿Cómo defines tu propuesta y en qué te basas para llevar a cabo un proyecto?

Lo que más me interesa es la interacción con los clientes, mi ideal es crear un lenguaje único entre ambas partes para entonces dar origen a una propuesta.

México ha avanzado mucho en temas de diseño en los últimos años ¿consideras que existe un mercado potencial para esta disciplina?

México tiene mucha sensibilidad para el diseño.

El reconocimiento y el potencial son cada vez más grandes. Hay que consolidarlo y enseñarle al mundo lo que somos capaces de hacer.

¿Hacia dónde va la tendencia actual en el interiorismo alrededor del mundo?

Lo interesante ahora es encontrar piezas únicas, crear lenguajes interesantes y desarrollar cromáticas inesperadas.

Como miembro activo del gremio de los interioristas en nuestro país ¿cómo te gustaría ser recordada, y en qué área de tu trabajo?

Gloria Cortina Estudio está empezando con el

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increíble proyecto de trabajar con una galería de muebles en Nueva York haciendo piezas únicas de mobiliario. Nuestra idea es pasar a la historia poniendo en alto el nombre de México en el mundo.

Hablando de la tecnología aplicada en los materiales para las obras ¿con cuál experimentaste más y fue el "gran descubrimiento" al momento de aplicarlo?

Metales, piedras y todo lo que podemos hacer con sus combinaciones. ¿Qué nos hace falta para crear una cultura de unión gremial?

Lo que los diseñadores debemos entender es que juntos llegaremos más lejos. El éxito de nuestro gremio es general, no particular.

Define tu trabajo en cinco palabras Crear lenguajes únicos y sofisticados...

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JIMENA HERNÁNDEZ Fotografía cortesía Space

Estudió: Arquitectura en la UNAM y en la Universidad Anáhuac, Maestría en la Universidad Politécnica de Madrid en Edificios de tecnología Avanzada y es LEED AP por el USGBC. Despacho: Directora de comunicación y diseño Space Proyectos destacados: Oficinas de Colgate y Google en México ¿Por qué decidiste ser diseñadora de interiores?

Siempre me gustó la arquitectura, y desde chiquita me cambiaba el humor al sentir un espacio, para bien y para mal. Me encantan las sensaciones que puedas crear con un buen diseño. ¿Cómo defines tu propuesta y en qué te basas para llevar a cabo un proyecto?

Lo primero para mí es lo que el cliente quiere y necesita, con base en eso trato de presentar las propuestas que pienso pueden ser su solución. Me encantan los diseños atrevidos y me encanta cuando se pueden lograr.

Disfruto los retos. Cada nuevo proyecto lo veo como una oportunidad de reinventarme. ¿Hacia dónde va la tendencia actual en el interiorismo alrededor del mundo?

El diseño debe de dar al usuario esa sensación de calidez y pertenencia. Lo 96

importante es crear un verdadero compromiso con el usuario a largo plazo, ¿cómo? Apostando por lo natural, los materiales reales, la cultura orgánica y el respeto al espacio de cada persona, es a donde se enfoca el diseño interior actual.

¿Cuál es tu visión del espacio perfecto?

No existe un único estereotipo del espacio ideal. Para mí depende del momento en que estás en tu vida. Debe ser un espacio que te hace feliz al entrar. Por ejemplo: si estoy abrumada, un espacio puro, amplio y abierto, se siente perfecto. Si estoy en un estado de ánimo más aventurero, un ambiente divertido y atrevido me invita a estar feliz. ¿Cuál consideras que es el papel de la mujer en el ámbito del diseño?

Estamos en un momento en que la mujer despunta en todos los ámbitos, ya no existen diferencias laborales entre géneros. Las mujeres siempre hemos estado presentes en el mundo del diseño, pero ahora se espera mucho más de nosotras. Al ser multitask estamos pendientes de varias cosas a la vez, tenemos más responsabilidades, por lo mismo podemos diseñar diferente.

México ha avanzado mucho en temas de diseño en los últimos años ¿consideras que existe un mercado potencial para esta disciplina?

México está de moda en el mundo, dónde quiera que vas, aparece diseño tradicional mexicano. Hay gran oportunidad en el diseño si retomamos nuestras raíces. Hay que revivir el sentimiento de nacionalismo por un país que tiene infinidad de inspiración que dar.

Como miembro activo del gremio de los interioristas en nuestro país ¿cómo te gustaría ser recordada, y en qué área de tu trabajo?

Me encantaría que me recordaran por cambiar la manera de pensar en cuanto a atreverse a hacer más cosas, a que el fallar no es un fracaso, sino un camino para innovar. Me gustaría que mis obras hablaran por mí y que enseñen lo que quiero transmitir. Y sobre todo, que al entrar a un espacio diseñado por mí, la gente se sienta feliz.

¿Qué nos falta para crear una cultura de unión gremial?

Nos falta comunicación y apertura, mientras más abiertos seamos, más podremos hacer competencia justa. Darle la importancia que tiene el trabajo que hacemos, y no malbaratarlo. Demostrar con números reales el impacto que tenemos y que tiene el diseño en la vida del cliente.

Define tu trabajo con cinco palabras Divertido, limpio, relajado, apasionado y comprometido.

Hablando de la tecnología aplicada en los materiales para las obras ¿con cuál experimentaste más y fue el "gran descubrimiento" al momento de aplicarlo?

Creo que actualmente en cuanto a materiales, nos encontramos con una innovación estancada. Nada nuevo… nosotros intentamos innovar descontextualizando objetos e integrándolos a la arquitectura. Creo que hay una gran oportunidad para traer nuevos materiales de fuera.

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MARIANGEL COGHLAN Fotografía cortesía Mariangel Coghlan

Estudió: Arquitectura en la Universidad de las Américas de Puebla con especialidad en Diseño de Interiores Despacho: Mariangel Coghlan Proyectos destacados: Estilo MarqCó, la firma de diseño Mariangel Coghlan ¿Por qué decidiste ser diseñadora de interiores?

Porque me apasionan los espacios bellos, la sensación de estar en un lugar hermoso es uno de los grandes placeres de la vida… desde pequeña soñaba en contribuir para mejorar mi entorno. Todo lo relacionado al diseño me atrae, especialmente en el sentido en que mejore nuestra calidad de vida. ¿Cómo defines tu propuesta y en qué te basas para llevar a cabo un proyecto?

Mi propuesta de diseño es fresca y auténtica; para realizar un buen diseño me baso principalmente en las personas, siempre tengo 100

presente a los habitantes de cada espacio, sus gustos y necesidades guían mi proceso creativo.

¿Hacia dónde va la tendencia actual en el interiorismo alrededor del mundo?

Una de las características del mundo contemporáneo es precisamente la falta de una tendencia particular; lo único que podemos encasillar en los tiempos actuales en un solo concepto es la búsqueda de lo auténtico en la pluralidad, lo cual no siempre es una garantía de calidad.

México ha avanzado mucho en temas de diseño en los últimos años ¿consideras que existe un mercado potencial para esta disciplina?

Sí, pienso que vivimos una oportunidad histórica que no debemos desaprovechar.

¿Cuál es tu visión del espacio perfecto?

Aquel en el que me siento plena y feliz.

Como miembro activo del gremio de los interioristas en nuestro país ¿cómo te gustaría ser recordada, y en qué área de tu trabajo?

Por la aportación de nuevas soluciones de espacios que han sido inspirados en la búsqueda del bienestar integral de las personas.

¿Cuál consideras que es el papel de la mujer en el ámbito del diseño?

No me gusta hacer una diferenciación entre el papel de las mujeres y el de los hombres, puesto que pienso que lo que aportan los dos géneros, desde sus particularidades muy especiales, es lo que genera la riqueza creativa de este mundo.

Hablando de la tecnología aplicada en los materiales para las obras ¿con cuál experimentaste más y fue el "gran descubrimiento" al momento de aplicarlo?

Más que enfocarme en el encuentro de nuevos materiales, me he inspirado en los materiales del “pasado” pero amoldándolos a las formas de

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vanguardia. De tal manera que la tecnología la he utilizado para reunir el pasado con el presente.

¿Qué nos hace falta para crear una cultura de unión gremial?

Que podamos aceptar el hecho de que los avances o logros de un diseñador pueden contribuir al crecimiento colectivo de nuestra profesión; es de esta manera que movimientos tan grandes como los que se logran en la semana del diseño en Milán, apunten hacia un solo propósito: el beneficio de todos, y la palabra que los une es la de sinergia.

Define tu trabajo con cinco palabras Calidad, auténtico, creativo, servicio y significativo.

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PAOLA CALZADA Fotografía cortesía Paola Calzada Arquitectos

Estudió: Arquitectura en la Universidad Iberoamericana, Maestría en Diseño Industrial por la Escuela Futurarium de Arte Arquitectura y Diseño, Milán, Italia.

Despacho: Paola Calzada Arquitectos S.C. Proyectos destacados: Casa Las Lomas y despacho Katz Abogados ¿Por qué decidiste ser diseñadora de interiores?

Estudié arquitectura, pero me di cuenta de la afinidad tan grande que tenía con el diseño de interiores cuando trabajé en Italia para Matteo Thum & Partners. Yo entré en el área de interiores de ese despacho porque había una vacante, pero mi plan siempre fue que me cambiaran al área de arquitectura. Los primeros dos meses de los dos años que trabajé ahí estaba muy descontenta pensando que estaba haciendo algo menos importante, como si los interiores no fueran tan importantes como la arquitectura. Una junta me cambió la forma de ver esto, estábamos una 104

persona de cada área del despacho: gráfica, arquitectura, interiores e industrial. Cada uno opinaba de su tema y los demás escuchaban con respeto, el arquitecto no mandaba ni decidía sobre el tema de los demás. Ahí me di cuenta que cada profesional tiene una escala diferente y no necesariamente una persona tiene la facultad de hacer dos de ellas correctamente.

¿Cómo defines tu propuesta y en qué te basas para llevar a cabo un proyecto?

Cada proyecto es único y una nueva oportunidad de divertirme, de recrearme. Va más allá de estilos o tendencias momentáneas, es una metodología que lleva a un resultado. El espacio te dice qué le sobra, le falta y necesita para ser único. ¿Hacia dónde va la tendencia actual en el interiorismo alrededor del mundo?

En ser más sincero y conceptual. Ya no existe la posibilidad de hacer sólo cosas agradables o de buen gusto, como interiorista, debes de integrarte

a un concepto generador y cada color, textura, material y espacio deben responder al mismo.

¿Cuál es tu visión del espacio perfecto?

No hay perfección en los espacios. Hay espacios que generan experiencias sensoriales y hay los que no lo logran. ¿Cuál consideras que es el papel de la mujer en el ámbito del diseño?

Retomando el punto pasado acerca de la creación de experiencias sensoriales, creo que a las mujeres se nos facilita entender mejor cómo a través de los detalles podemos lograrlo, aunque obviamente no es exclusivo del sexo femenino.

México ha avanzado mucho en temas de diseño en los últimos años ¿consideras que existe un mercado potencial para esta disciplina?

El buen diseño se hace espacio en cualquier mercado. Un producto novedoso, útil, de costo

proporcional y por ende estético, siempre tendrá un espacio en el mercado.

México ha cambiado mucho, el entendimiento del diseño ha evolucionado y los clientes ya no están dispuestos a pagar lo mismo por un producto o servicio de diseño mediocre. Digamos que el cliente al tener más acceso de imágenes y productos de mejor calidad, exige lo mismo y también está dispuesto a pagar más por ello.

Como miembro activo del gremio de los interioristas en nuestro país ¿cómo te gustaría ser recordada, y en qué área de tu trabajo?

Me gustaría que me recordaran como alguien que tenía un estilo propio, mismo que no se repetía en los proyectos. Espero que mi trayectoria pueda ser evolutiva, cada proyecto un paso más a una dirección clara en la que los procesos y los materiales pesaban sobre un “estilo”.

En cuanto a género, me gustaría ser recordada en el área de la hotelería ya que es mi favorita.

Hablando de la tecnología aplicada en los materiales para las obras ¿con cuál experimentaste más y fue el "gran descubrimiento" al momento de aplicarlo?

Las oficinas sobre paseo de la Reforma donde utilicé la celosía pobre como elemento más relevante, me parece muy interesante. ¿Qué nos hace falta para crear una cultura de unión gremial?

Yo creo que el mercado está creciendo y esto libera el estrés hacia la competencia. Entre más trabajo haya, creo que disminuirá la insana competencia que existe en el gremio actualmente. En el momento que nos sintamos menos amenazados por el de a lado, podremos ver su trabajo con más respeto y admiración, y para mí, eso hará que nos unamos más como gremio.

Define tu trabajo con cinco palabras Evolutivo, creativo, multidisciplinario, divertido.

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residencial

ME W S 0 4 ANDY MARTIN

Texto Gerardo León Fotografía cortesía AMA

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l arquitecto inglés Andy Martin fue galardonado con el premio London-Based, por su destacada labor (de más de diez años) en el desarrollo de espacios habitacionales. A través de su despacho que lleva por nombre AMA, el arquitecto difunde una filosofía de diseño basada en un ejercicio creativo con identidad y estilo único a partir de contrastes de colores, texturas y materiales de vanguardia.

Esto se evidencia a través de una amplia gama de proyectos internacionales que ofrecen las soluciones adecuadas para la vida contemporánea. La visión profesional de Martin y su amplio conocimiento se extienden a todas las facetas de la arquitectura y del diseño, como lo plasma en la residencia Mews 04 ubicada justo frente al Hyde Park, en Londres, que ha creado para una joven pareja apasionada del arte, la lectura y los más finos detalles.

La casa cuenta con amplios interiores en los que se ha alcanzado la combinación óptima entre un estilo clásico y elementos contemporáneos.

Así se aprecia en la estancia principal donde el eclecticismo define la atmósfera compuesta por mobiliario contemporáneo que hace juego con

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detalles decorativos como ceniceros, jarrones y otras curiosidades que han sido obtenidos por la pareja como parte de sus continuas travesías por el mundo.

Los muros blancos logran resaltar las piezas de arte en las que se muestra una marcada tendencia por la geometría, lo abstracto y los grabados, temas que se encuentran también documentados en los libros de arte que se ubican en la pequeña biblioteca que fue instalada a un costado de la sala. La luz natural es un factor esencial dentro de esta obra arquitectónica y es a través de domos que se iluminan pasillos completos y áreas comunes en las que se alojan algunas esculturas y otros accesorios de gran valor estético.

El uso de materiales como la madera de haya en puertas, y otros acabados, además de diferentes tipos de mármol, pisos artesanales y un eficaz uso del cristal, se integran al contexto general de esta ambientación que se convierte en el refugio perfecto para la relajación. www.andymartinstudio.com

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P H DI A M A NTE A R C H E T O N I C Texto redacción Fotografía cortesía Archetonic

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a sobriedad marca la pauta en el diseño de este espacio, en él se ha tomado como base las líneas puras, las tonalidades neutras y los elementos que conviven entre sí dentro de una atmósfera minimalista y, a la vez, cálida.

Se trata de PH Diamante, donde el arquitecto mexicano Jacobo Micha, a través del despacho Archetonic, logró reflejar en cada rincón la personalidad y gusto de sus residentes.

La amplitud fue un factor esencial, pues permitió generar espacios abiertos y sin muros divisorios, buscando a su vez, integrar la luz natural en ambientes de estilo contemporáneo que conviven con piezas de arte y objetos de gran originalidad.

El mobiliario se destaca por sus líneas rectas, y ha sido creado con dimensiones específicas para unificar sus formas, y así lograr que éstas no se interpongan con la imponente vista que ofrecen los grandes ventanales.

En cuanto a los acabados se realizó una mezcla de madera y piedra aplicada en superficies lisas y puras, que propician la temperatura adecuada en el interior.

En la planta baja se localizan las áreas públicas que se comparten en familia; cuenta con un vestíbulo de acceso, salón de juegos, estudio, salacomedor, baño de visitas, cocina y terraza.

En la planta alta se ubican las áreas privadas: una sala de TV familiar, tres recámaras junior con baño y vestidor, y una recámara máster con ante sala y un monumental baño vestidor que también aprovecha las vistas a la ciudad. www.archetonic.mx 112

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Líneas INFINitas Texto Gerardo León Fotografía Sofía Felguérez

La geometría define los trazos que logran la composición perfecta de una pieza de arte, una prenda y hasta la edificación más icónica. En la historia, las líneas más puras se han unido para dar origen a estilos como el art déco de los años 30 o el Memphis de los 80, que aún influyen en las creaciones de nuestros tiempos.

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a arquitectura y la moda buscan un punto de encuentro del cual parten para conseguir un mismo objetivo basado en la inspiración que brinda el color, el arte y las diferentes expresiones de la creatividad.

Los diseños de la marca Philipp Plein, se integran a este contexto creando toda una propuesta de formas definidas a través del cuero que se amolda al cuerpo para resaltar la silueta femenina con un estilo vintage inspirado en el rock y el punk.

El contraste lo impone la formalidad de Garou Paris, firma que sugiere una elegancia con un toque casual que se crea a partir de sacos estructurados en tonalidades sobrias y otras piezas de detalles sutiles con toque de romanticismo y sensualidad que hacen aún más interesante esta temporada. Lo mismo sucede con la marca Plein Sud que propone vestidos de siluetas estructuradas.

Por su parte, el hombre contemporáneo mantiene el estilo a toda costa con un sello particular basado en siluetas ceñidas al cuerpo, como lo dicta Ermenegildo Zegna con su colección Z Zegna, primavera-verano 2014, inspirada en el minimalismo y en el dueto más famoso de la moda: el blanco y negro.

En esta línea, aparecen trajes, smokings y otras piezas en las que la 117

texturas

perfecta confección da paso a una elegancia urbana más relajada, sin olvidar los principales códigos de la sastrería contemporánea.

Actualmente, uno de los objetivos de esta marca italiana es innovar e integrar la tecnología en los patrones de sus diseños; así surge la Icon Jacket, una chaqueta deportiva que ofrece total conectividad inalámbrica a través de tecnología Bluetooth, un micrófono integrado y un control en la manga que permiten conversaciones de voz e incluso marcación cuando el dispositivo se encuentra a cierta distancia de una pantalla portátil de última generación.

La tecnología, las formas y las texturas convergen en espacios llenos de geometría y accesorios de la firma francesa Ligne Roset, destinados a crear exclusivos estilos de vida que van de la mano con las tendencias más propositivas de las pasarelas internacionales.

Entre sus productos top resalta la lámpara Chio, con malla de alambre de aluminio y luces blancas pequeñas que iluminan una caja de plexiglás transparente. Tomando como referencia el círculo, aparece el trabajo del francés Philippe Mathieu quien ha creado para Roset una línea especial de mesas auxiliares que ofrecen funcionalidad completa a estancias principales y espacios de convivencia. A esta propuesta se integran salas, mobiliario y accesorios de la colección 2014, en los que el diseño de vanguardia toma protagonismo especial para así conjuntar, desde el guardarropa hasta los elementos que harán nuestra vida más placentera.

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MODA: Ermenegildo Zegna y Boutique Bloom INTERIORISMO: Ligne Roset MAQUILLAJE Y PEINADO: Ariel Farfán, arielfarpra@gmail.com MODELOS: Boga Models FOTO: Sofía Felguérez COORDINACIÓN DE MODA: Gerardo León

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P. 48 New technologies and the design practice

By Luis Mercado We are living a very important moment in the industrial design practice at a world level. The proliferation of computerized production methods is a reality: making a CNC router make pieces is already a normal practice and the 3D printing is accessible for all and even human organs can be printed.1 2 I think it is time to have a break to reevaluate the role played by these technologies in the professional field.

There is a phenomenon I call “Formula 1 paradox”.

Formula 1 is supposedly the highest expression of competition car technology and along all its history cars were thought to be the most advanced the engineers could design; it has been so for many years but in the mid of the 80´s, the advances started to take a little worrying path; the technological developments started to replace the drivers abilities.

If the path of using the most advanced technological developments is followed, it is not impossible to imagine a future with a driverless car or a car where a driver with inferior abilities can be competitive. Indeed, nowadays, street-common and current-cars coexist and include more advanced technology than a Formula 1 technology.

The solution would be to change the focus on designing a car with less technology which a real race car driver would need to drive it. The big question is how to make a technologically relevant car without being detrimental to the driver abilities.

The same thing has occurred in the world of design. Not so long ago, I started to notice a trend which makes me very nervous up to date as regards the ability to design directly in the computer and produce “renders” which are sometimes difficult to distinguish from a picture; technology was converted from a design tool and representation into an end in itself. The most extreme cases are when designers and architects make designs in the computer which cannot be made in real life, make proposals which just do not work such as furniture pieces which will not support the use for which they were designed in theory but which do look incredible on the computer screen.

The most alarming cases are those which, on the one hand, have the unique design instruction to look impressive in the render and they are not based on a rigorous design method where production, use and maintenance are the main work axis; from the other hand, in the most extreme cases, there are designs are governed by the designers abilities to use a design program, being dependent on the formal solutions they can carry out in the computer.

This same trend is expanding to the world of production and this is where one starts to find situations which in my opinion are worth considering.

One of the current trends is the separation between design and production. We project things in the computer and send pieces to be made by a worker who uses more and more computerized/mechanized technology 120

to manufacture them. This has two very negative aspects: from the one hand, the disconnection occurring between the designer and the production results in a lack of intimate understanding with the material and the processes used. Without this understanding it is very difficult to explore new solutions and we give the manufacturer the production responsibility that is to say we design in a virtual world and then wait the manufacturer solves how he will technically manufacture it.

The great risk in this relation is that many times the manufacturer looks for solutions corresponding to his interests-his criterion is based on the construction easiness and his parameters have to see with speed, simplicity and low cost, and no with exploration.

This technology enables us to create pieces which used to be extremely complicated and expensive to manufacture but which now can be created and printed with a design program.

Many of the things currently done are investigation processes of the new technology to see what can and cannot be done, a process which appears to me very important to understand this new technology but which runs the risk of becoming a risk such as the renders and which in many cases govern the creative process to finish an attractive piece but with little substance.

The problem we are going to face is that the more accessible and friendly user the design program are and the more common and economical the 3D production equipments are, we will then experience the same situation the graphic designers experiences; the sad story which almost always starts with a “I have a nephew who is good at drawing, he makes me the design and I print it here in the office”.

Many graphic designers found a solution to this problem which we definitively have to take as an example: on the one hand, to apply a rigor and an extremely refined level of design, creating proposals which reaffirm their position as design professionals; and on the other hand to explore very advanced technical solutions which go beyond the abilities of a color printer.

In the first case, the professional level is put at new levels such as Stefan Sagmeister3 who redefines the work field of a graphic designer and in the second case the exploration of new materials and processes, proposing a mix of classic printing processes with high technology and which result in new designs and applications.

This situation is not new; since the end of the 19th century, William Morris was denouncing the industrial aesthetics and the lack of sensibility of the new designs, and created the movement Art & Crafts which greatly influenced the way of perceiving the role of the designer in the industrial development step the world was living in that time.

I think it is time to revisit the meaning of being a designer in this new post-industrial step and align oneself with the economic current4 which relies on a considerable increase of technologies, creating an “information era” where knowledge and creativity are the new row materials of economy and the added value is what we bring as designers instead of the value given by the production per se of the goods.

We have to take advantage of this moment to

redefine our role and expertise area to have an important place and reaffirm our professional position.

NOTES 1. http://www.organovo.com/ 2. http://www.ted.com/talks/anthony_atala_ printing_a_human_kidney 3. http://www.sagmeisterwalsh.com/ 4. John MacInnes y Julio Pérez Díaz, The reproductive revolution, Sociological Review, 57, 2009, pages 262-284. www.luismercadorojo.com P.52 Salone & New York Design Week The world display windows of the trend design

By Greta Arcila The invitation from the Cosmit commitee to visit the Salone this year arrived at the end of February. Comuniqués had been sent from many companies giving a preview of what will the Salone Internacionale del Mobile present.

Due to the world economic recession we are living we did not expect many launches; we saw that in the previews that most of the big companies will give only one exhibition in colors, materials and relaunches. And thus it was; there was no pompous exhibition on what we know. We saw a Milan very polished in taste and willing to remind the historical value of many of the pieces of design.

The institution According to Claudio Lutti, president of Cosmit and CEO of Kartell, last year few companies grew in the European market; however the number of companies which did invert for their development out of Europe in countries such as China, Mexico, Brasil or Chile achieved an important growth. Regarding the specific case of Kartell, its sells increased by 30% and this is due to the following: thanks to the growth of design culture in underdeveloped countries, they have a new niche market very interested in buying what used to be seen as unattainable without so much communication and trade treaties between countries. As regards the specific case of our country, Lutti commented us: “Mexico is undoubtedly one of the countries we are most interested in as our marketing specialists indicate us that after Brazil, it is one of the countries which most grew in the consumption of Life & Style firms.

For example we will also have corners in Casa Palacio and I know it is one of the biggest design distributers in this country. Regarding the fair, this year the number of Latino American visitors increased by 20% which is for us a very high statistic because we know the investment it represents for them to travel to Europe to buy design; we also know that they come for the Made in Italy and they are ready to pay for this. We advanced a lot in this sense as they know that what is made in our country is well made”.

The material expression The tour in the fair area was reserved for the pavilions dedicated to design, Salón satellite and in this edition to EuroCucina,

Technology for the Kitchen and to the Salone Internazionale del Bagno- these ones will be presented in the next edition of Glocal Design Magazine. The week could not start in a better way for us. We talked with the French designer Ronan Boroullec about many issues but mainly on the relation with the companies they look for as design creators; in the very specific case, he talked to us about Matiazzi: “I think more in the value of the small companies which keep doing things well. “We did workand they will keep doing so-“with the big international firms but we have the obligation of helping to make the small family-owned companies grow; we work with the companies which still respect the craftsmen manpower because we are a small company which makes design, and no more”. Moreover Boroullec clarifies that “we are interested in is being seen as their allied and allied of materials; we do not seek to exploit neither the company nor the village or the country the materials for our designs are extracted from. But we rely on Matiazzi; it is a very close collaboration as we go to and go back from France to be close to the detail”. From the other hand, the expert states that in spite of having a lot of presence in the Salone, he managed to attract the public attention with only some pieces. “We only came for two or three days; we are happy with 5 or 6 well-thought and developed designs through an extensive working process; what we undoubtedly enjoy most is this creative moment of experimentation. The Uncino chair we presented for Matiazzi represented the detail luxury and we focused on this, on seeing a range of very basic colors but which can be present in many sites and of course on the added value he gives to the natural wood”.

Creative freedom On this day, we talked about the added value creative freedom gives to the designers with Eugeni Quillet who had managed to create an amazing working alliance with Philippe Starck and Kartell some years ago. At this moment, we talked about the collection Vum Vum Family he carried out for Vondom, a Spanish firm which rapidly managed to become a leader in outdoor furniture thanks to the various range of the collections and designers with those who make the alliance. Quillet gave value to this element of the company: “From the outset I was given the opportunity to propose my designs, of course after knowing what they were seeking to give to their final buyers. Vum Vum is a rich and funny collection for all type of user, from a child to an elderly person. For design and mold it was a challenge to make it possible but undoubtedly the result has been pleasant for me and now I think it is doing this for the visitors of the Salone”. Quillet affirms he considers design as a form of showing what is happening in society to offer my work through a conscientious reading. And what is lacking in our society? Well, something funny; this is what I tried to achieve”. The designer explains that new generations now think that by making a render and being published in thousands of blogs, you can get a job but this is not true. It makes you momentary famous but you cannot live by doing this. New generations have to be aware that they work for a final user and that they are not changing the world with their design; they only give a new option to experience a piece”. On this issue, I ask him

how to be a small design business owner and he comments us: “I did not study it at school. Now there are Business Masters specialized in design but we had to learn and see our companies go bankrupt. What a designer has to do to be a business owner is never let the pencil but knowing that this pencil has to sustain a studio.

We have to be designers but always creating a customer attraction and talent recruitment strategy because the design often wants to be the only star and does not want his team to stand out; we have to share this, from the economic to the fame you manage to have if you do your job well.

Perfections One of the discussions we most enjoy was one we had with Oki Sato, the creator of the firm Nendo which highly celebrated with hindsight its career in Zona Brera. The meeting place was in the Emeco stand with which it presented the collection of SU benches which was undoubtedly one of the most appreciated by the visitors of the Salone. We talked with him about the perfect duo he achieves with his cultural Japanese roots and about the perfection and detail it give to him and the constant search to unite the purest technology in the materials he applies to his designs.

“For me, everything has to be more than perfect. I truly believe that things which do not require efforts are not worthy; and I do not seek to complicate my life; when accepting the work I now have I knew that I was about to travel three weeks a month to visit everybody and every client I have because I never send material to another Nendo designer; and the week in the office is very intense and with long working days. I do want to understand my client and what we want to achieve together; I have to meet them for many years to talk with him and I have to visit its workshops or plants for days to see that the piece development achieves the perfection; and you get perfection in the detail”. On this regards, I expose him my viewpoint: that for me with 20 projects in the Salone and in Fuori Salone I had the impression that he was inverting his life into this; so he answered: “this is my life, the day when I see it like a work, this will be over for me. Of course I miss a long time in my personal well-being and my family as this is what keeps my soul full of ideas and enlightens me. I constantly talk with my colleagues on many ideas as I know there will be inspiration bursts for the next project depend on these discussions”.

The structure One of the strongerst firms in the Italian design market is B&B Italia which invited the most outstanding international designers throughout its history. Patricia Urquiola worked with them again; he did projects which did not have finish to get matured from the ideas and they developed them this year. For her, the most important in this type of collaborations is the structure for design these companies generate; these companies are ready to invert the necessary so that the piece requested is fruitful. “We have been collaborating for years and his mastery when he makes a piece does not stop surprising me.

And this is only reached when you are close to your work team and when you value and respect the learning years this gave to the companies.

I learn from the craftsmen who work each piece and detail with them. I think without a doubt that the past generates the structure; this is why looking behind to see some designs we made some years ago and giving them a new life through materials we can only have today is a way of enjoying and experiencing them with another language”.

When I asked her about the possibility of repeating herself in each project-being one of the most productive workshops today-, she categorically answered: “I do have a style which makes me unique and therefore the clients I see more as friends look for me but they also know that I will never do something similar to something I did years ago; hence the usefulness of the prototypes and tests which are produced before a piece comes onto the market. I would never lie them as I would lie to myself”.

Sensuality One of the most prolific French designers is undoubtedly Noé Duchaufour-Lawrence who thanks to the excellent alliance he achieved with firms such as Ligne Roset, Bernhart Design o Tacchini among others is increasingly a reference of the new understanding of the current modernity. For Duchaufour-Lawrance, what is important in design is to focus on the life style new generations now request. The design value has to be found in feasibility and life quality it brings but especially on the intimacy reached with determined pieces. For these new generations, design is something inherent and very intuitive. “I don´t see design as something difficult. I love when people know a design created by me and like to touch it, I love when they like the sensuality a good quality material can provoke. As designers, we are emotion seekers and when someone really likes a piece, the final objective has been achieved: harmony between the skin and the user life: finally a design is successful when it passes through generations among families and when they have a history; design is a generator of personal stories”. Speaking about the Rocking Chair he launched this year with Bernhart Design in the ICFF context in New York, he also talked about the history the material can have. “It is highly important for the chair to be totally made from American woods because it gives it solidity and freshness.

In the collective French memory, a chair is also related with the American history; it is always present in the terraces in an endless array of places. For me it is a way to honor the way I see the Unites States history; this is why it was an honor when one of the strongest design firm of the country invited me”.

SALONE / DESIGN In the Salone we know that the biggest firms come. This year the surprise was given by Tom Dixon with a booth in one of the most visited pavilions. His present in Zona Brera was noticed but from a corporate point of view, he went to the place he knows it would give him the necessary exhibition. As we mentioned at the beginning, the design companies opened their products box and relaunched older designs, of course with materials which are now very present. Colors which keep generating interesting proposals are copper and rosy gold; but undoubtedly the most appreciated trend was the color ranges.

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TORTONA ZONE This is the place which used to be sought by designers to expose more risky designs and where the new generations could expose their latest productions. Undoubtedly from my very particular point of view, this area lost enchantment. Now we can only see commercial companies which “do design” but their aim is to something else, something very different.

The most valuable was the installation Marcel Wanders did and its firm Moooi as weel as Studio Job´s tapestries.

VENTURA ZONE This is where the risk value keeps existing.

The organizers keep trying to get a special exhibition of the projects which are presented in these streets of the suburbs of Milan.

Universities, collectives, galleries, experiments are what we most see there. The reserved area for the universities was what most caused surprised: first for the participation of many countries- among them was Mexico with the Anáhuac Univesity of the North-, moreover for its proposals quality such as the Vienna University which also showed art and fashion as well as various 3D projects in a great exhibition.

NY DESIGN WEEK Visiting again ICFF after some years of absence was something very unexpected. First because we saw how the ICFF decreased the quality of exhibitors and its lack of dialogue between them. There was some artistic exhibition and the renowned firms were there. This year few firms were in the Jacob Javit Center, one the most important areas; among them there were Bernhardt Design, Tom Dixon, Lasvit, Moooi and Studio Job. You could find the Italian firms with installations in their showrooms. The most outstanding firm was Wanted Design again because there were young people with interesting and attractive proposals for the international buyers. It is worth noting the effort Mexico Design Week did by presenting itself in this place with Territorio Creativo; it was accompanied by Rococó, David Pompa, Valentina Wohlers, Sally Serur de Azar among other Mexican designers.

P.71 Urban interior design Mobility, activity, places dedicated to concentration… is Herman Miller´s bet for today´s offices

By Greta Arcila Images: courtesy of Herman Miller I was recently invited by Herman Miller to visit some of his plants, design centers and offices. Honestly the trip was not so attractive to me as I thought: “What can I learn from Hernan Miller if I already visited them on many times in Mexico and I do not miss his showroom every year in NeoCon? And I like to say I was wrong. To my pleasant surprise since I arrived I found a company committed to its history and legacy for a culture of the international industrial design, without forgetting it is one of the companies which most annually inverts into investigations on human being in his habitat and working

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environment and on how they affect physical and mental health as well as in advanced technology for its plants and in investigation on new materials – in the last years it inverted more than 50 millions of dollars. And of course, considering the panorama in a horizontal way, as Greg Bylsma, vice CFO, rightly said “In the market, who does not do the necessary to get part of an annual 13-trillion market just in the United States?

The reception took place in the mythic hotel boutique Herman Miller, Marigold Lodge, in Holland, Michigan. Built in 1913 by Egebert Gold and his wife Margaret to be used as a county house in a small bay, the city council follows the Prairie School precepts and was designed by architect Thomas E. Tallmadge, from the firm Tallmadge & Watson and on the request of the President of The Vapor Car Company. The house belonged to the family of the President of The Vapor Car Company until 1963 and was then acquired by Herman Miller with the intention of preserving the architectural and historical value of Marigold Lodge. Today this beautiful site is the place where Herman Miller receives his special guests, clients and is also an important meeting center for the corporation.

The visiting days started in the Design Yardbuilt in 1989. This is where the top managers of Herman Miller work from the CEO to the design director. The place in itself daily receives 140 executives and applied day after day the famous philosophy or work system denominated Living Office. To do so they apply 10 stages or ways of working; when they are together-depending on the needs of each place-they create a work place which totally responds to the new labor needs and to the companies´ requirements.

Thus Haven is thought for areas where creation, contemplation and conservation are implicit. Independent places are considered and they can be isolated or semi-private; Hive is thought for activities which have activities such as processing and responding, creating as well as talking; thus an open space is proposed where everybody can collaborate; Jump Space is thought to process and respond and informal chats; for this work stations of temporary use and with a wide access for the whole team are suggested; Club House was designed for the co-creation. It can be stations thought for big long-term work teams; Cove was also designed for big work teams which need informal short-time meetings and its activities include discussion and the close collaboration; Metting Space is a system for the presentations where there are one or more speakers and the rest of the participants can interact; Landing was designed for these moments when someone is only talking about details or waiting for a meeting or maybe finishing the day or the work meeting. They are open and not very wide areas; Workshop is ideal to invite people to sit when they work together and generate new ideas; for its part, Forum is for big presentations moments and is delimited by the interior architecture of the place; and finally there is the Plaza system which is the place including various systems but which also homes them in a same place.

The Ideal Settings system in itself is an excellent urban interior design proposal and makes the user circulate in an intelligent way through a work area creating moments of rest,

collaboration, interactivity, request, creation, concentration, interaction with technology and distraction; of course with the mobility always present as it is the best for health. And as expected this theory was developed to use in a more efficient way the whole furniture which has developed this company.

According to the engineer Lauren Zulli who works in Herman Miller sustainable area, all this responds to three trends: transparency, a greener and healthier tomorrow and the intelligent acquisition of resources. A proof of this is the 30% of weight the chair Mirra 2 lost in its redesign by using aluminum; it also cut its carbon footprint. These efforts are made with various products as it is necessary to do things with an ecological awareness more in accordance with what the planet needs nowadays; therefore the managers play an active role in the Green Building Council and the Cradle to Cradle theory is also part of the production systems of this company. And this trip did let me a willingness to learn, a trip during which I did not only see furniture but also history, responsibility and future. www.hermanmiller.com.mx

P.74 Scaleless architecture Bunker Arquitectura Text: Gerardo León Photos: Carlos Madrid and courtesy of Bunker Arquitectos The work of the Mexican architect Esteban Suárez is defined by a special interest towards experimentation; each project he carries out is based on a philosophy which goes beyond the styles and the traditional architectural figure and brings efficient solutions to the user through innovative production tools.

It was in 2005 when Esteban Suárez founded Bunker Architectura, a design office he currently leads and with which he managed to become one of the most recognized designers of national sites.

“I studied in the Universidad Iberoamericana and six years after finishing my studies, I started to remodel a coffee shop. This motivated me to create my own project. I found a wine cellar under the basement of Polyforum Siqueiros which was like a bunker, with only one desk and this is where the office name came from”, Suárez tells.

His brother Sebastián joined this project; he is in charge of the graphic design, image and social networks of the company. This is how projects came, they got famous and Bunker took shape.

“We created an apartment building in Acapulco, then a chapel, a hotel, a restaurant and some construction works for the government. We never had been the office which only focuses on one concept such as residence or hotel etc… We have made a bit of everything including interventions in the Polyforum Squeiros gallery; we have made all type of interiors and even pavilion design in important design fairs. We are now working on our first tower mixed use tower”, he explains.

This 35 year-old young man is aware that

the environment care shall be a constant in the work of creating places and is moreover something in which any architect has to project in each of his creations.

“The design office does not have a typology but we have a clear vision of sustainability. For example, we realized that all these momentary exhibition places end up in the garbage and generate a great environmental pollution. We are thus thinking in creating a reusable place with 5 thousand soda boxes. This design won several prizes; among them is Architizer A + Awards”.

He recently made the same in a collaboration for the magazine Glocal Design Magazine, for the stand Estación Glocal in the last edition of Habitat Expo 2014 where together with the firm Masisa he created 3 thousand MDF pieces which were gathered like a Lego to create a whole structure which was working like a display case for the magazine editions.

“I think sustainability has to be handled like design requirement but you can deal with it in an unconventional way, you don´t have to cover your floor buildings to demonstrate they are sustainable”, the creator affirms.

The designer based his work on his idea that “architecture is a specific solution to a particular and unique project” and developed some proposals for Mexico City benefit in terms of urbanization and population density.

This is the case of a project his office named “Rascasuelos”.

“We constantly carry out investigation projects which were published on many times.

“Rascasuelos” is an investigation project on the Mexico City Downtown which will resolve the lack of space problem; and currently there is nowhere to build.

The project consists in designing an underground building on the main square where there would be apartments, even public squares, malls and other services the vertical buildings now have.

“Up to date the project has not been accepted here but the Swiss government requested us a permission to present the Congress a solution to the downtown overpopulation problem”, he said.

Creating real solutions which generate dialogue is one of the premises Bunker Arquitectos keeps intending to reach with the aim of bringing tangible benefits for a country “where there is a lot of competition in architecture and design issues”.

He thus reflects it in existing works such as the chapel in Acapulco harbor where he experimented a new form of suspension and support for a big dimension structure, discovering new forms of molding the concrete and taking advantages of all its possibilities.

“It was a complex structure which had to respond to the field, the customer intentions and ours which had never been made in concrete material and with a traditional system of a formwork construction and wooden poles. The visitors wonder how we could reach something like that with so limited time and budget. The answer is: by using genius and also collaborating with a close friend, the builder Fermín Espinos”, Estebán describes.

The challenge of the chapel consisted in supporting the double-slatted overhangs and the 30 centimeters thick concrete. “We needed a large quantity of formwork and pour concrete with metal belts to get the necessary

support. It was like a spider web of steel cables which were converted into supports… a very easy and economic solution”.

In his work, the chairs are not a limiting factor; he thus participated in alternative designs such as the dog house for a competition, even great infrastructures projects. His short-term work is a mixed use tower which will be located in Insurgentes Avenue.

“Towers are an efficient tool to counteract Mexico City excessive growth. Migration of people coming from the countryside or the province is growing day by day and people settle on the fringes of the city and are progressing. Trying to increase the city density enables to get a more sustainable city… the cities currently tend to be more vertical because we do not have territory anymore.

If you expand more, you will consume more green areas. The tower will be ready at the end of the year”, he affirms.

For Esteban, there is currently a new movement or a new generation which “does not try to make contemporary Mexican architecture; it is a speech which has been existing in Mexico for a long time and which is for me an insecurity… you cannot put the Mexican culture like a “sarape” and say “I am Mexican and therefore I wear a “charro” costume and I reflect this in my architecture”.

But architecture is not the unique passion of Esteban who also found in the music a means to develop his talent. “I am a musician (bass guitarist), I am part of a rock band named Chikita Violenta. The passion for architecture has always been complemented with music and our conception of it has always been the same: we are not categorized in a style and we always try to reinvent and experiment”.

Moreover he created the Bunkertoons, comics which appear in his Facebook and which always are a satire on some people of various spheres of society. They came when we launched our first book: Keep Moving, un acercamiento oximonórico a la arquite ctura .

For this designer, Bunker is a specific solution to a particular problem as it enables to get a visual or esthetic line which simply tries to deal with every project like a sort of blank sheet of paper. www.bunkerarquitectura.com 1. A “sarape” is a Mexican colored blanket.

2. A “charro” is a typical Mexican clothe.

3. Keep moving: an oxymoronic approach to architecture

P.83 WOMEN INTERIOR DESIGNER The feminine touch sets the norm of design They impose trends in the design of contemporary places. They are six Mexican women who use their talent to make dreams come true by converting each of the house corners in the best refuge to live.

Glocal pays a tribute to these visionary women who manage to do that architecture surround their creations full of vanguard where each element converge, creating the perfect harmony to give the user the possibility of

living surrounded of beautiful things and fine details which will make his life nice.

Thanks to the quality of their projects, they have received the national and international knowledge, making a house, office or apartment unique concepts where they project their passion for art, forms and color to make each stay something surprising.

P.84 ANDREA CESARMAN | PLACES IN HARMONY Photo: courtesy of Andrea Cesarman Studio: Arquitectura en la Universidad Anáhuac Office: C Cubica Outstanding projects: C Cubica and Design Week México Why did you decide to be an interior designer?

I studied architecture and life led me to interior design where I knew a super creative world with plenty of possibilities of learning and developing. I also felt it was like the body anatomy; when I understood the interiors in a better way I could do the architecture projects in a better way.

How do you define your proposal and what are your guidelines to carry out a project?

For me the most important is the script: who will play to be able to create the best scenography for the movie.

Where does the current interior design trend around the world go?

Towards recognizing the human nature in a better way, simplifying and increasing life quality at all levels.

What is your vision of the perfect place?

Where people feel happy.

According to you, what is the woman role in interior design?

I don´t like to be separated by gender. I think both men and women have their degree of complexity. The most important is who the person is. Although I do know that as a woman and mother you have to organize very well in logistics not to abandon someone even yourself.

In the last years, Mexico has greatly advanced in design issues. Do you consider there is a potential market for design?

There is definitely a field for design in Mexico. We have to insist on design and this leads us to a better life quality. Design is everywhere from the yogurt container you eat in the morning, the plastic spoon, the bus you get in, the street which leads you, the building where you arrive. It is necessary to move away from seeing design as something of only elitist objects.

As an active member of the interior designer profession in our country, how would you like to be reminded? For which working area?

For my work in general, for recognizing the profession and working as a team. For promoting Mexico.

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Speaking about the technique applied in the materials for the works, which one did you experiment and appeared to be the “great discovery” when applying them in a work?

I believe that what we have in Mexico is the best technology of the world of creativity and the imagination of being able to do much with little. Our manpower is pure gold.

What are we lacking to create a professional union culture?

To abandon jealousy, the complexes and to find a point where we know that team work yields results. To know that together we are stronger than alone, that the human being by nature has to obtain best results in tribe.

Define your work in five words.

Love, Patience, Light, Psychology, Path P.88 ERICA KRAYER & OFELIA ORIBE She studied: Degree in architecture in Anáhuac University and diploma in contemporary art in the ITAM Ofelia Uribe She studied: Degree in architecture in Universidad Iberoamericana Office: UribeKrayer Outstanding projects: Casa Chandris, Porto Heli, Villas Four Seasons en Grecia, Casa Palmasola en Punta Mita Nayarit Why did you decide to be an interior designer?

Erica: I studied architecture and when working with Architect Ricardo Legorreta, he invited me to lead the interior design department in his office and I loved this specialty.

Ofelia: When working with architect Ricardo Legorreta, we completely get focused. We have always been interested in art and in some way it is always present in our work.

How do you define your proposal and what are your guidelines to carry out a project?

Ofelia: We first do a thorough analysis of the site, the clients´ needs, the environment, the region materials, light, colors, art… As a result of this investigation and questioning we get a concept which works for the client and gives a unique and special touch to the project.

Where does the current interior design trend around the world go?

Erica: Currently technology has considerably influenced the design of places, which originated new materials and technics. There is also an increasing interest to use sustainable materials.

We see the past and proposals in organic forms and colors similar to those used in the 60´s or 70´s.

What is your vision of the perfect place?

The place which makes you feel received, comfortable, happy. An illuminated place and with natural ventilation.

According to you, what is the woman role in interior design?

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Ofelia: There are more and more women involved and having an outstanding and highly professional role in design. There are a lot of professionals who pay a lot of attention to the details and polish the projects with exquisiteness. I think that there is not gender exclusivity but recently in the Design Housewhere only women participate –we observe that in general the places were designed and decorated with a lot of detail and good taste.

Women are more and more involved in all the professional fields and of course in architecture and design too, committed and defining their way of seeing the world.

In the last years, Mexico has greatly advanced in design issues. Do you consider there is a potential market for design?

Erica: Of course design is more and more appreciated by the common citizen. There are a lot of art and design exhibitions which bring a lot and help to understand and give value to design. There is so much to do for Mexico in all the sense, so design cannot be missing in any developing area of Mexico.

As an active member of the interior designer profession in our country, how would you like to be reminded? For which working area?

Erica: I love when my clients are happy with their projects and if we manage to generate well-being, it is a great achievement. I enjoy being able to work with craftsmen and technicians such as carpenters, upholsterers, marble artists with whom we learn and collaborate. Knowing that to some extent we can generate some jobs which benefit various families is very gratifying. I would like to be recognized for our designs, knowing that they bring something good to Mexican design. I loved to design a scenography for a play and I hope it will be the first of many.

Ofelia: I love designing places where communication with the client naturally flows and I love achieving a place I enjoy and manage to make his life better. I really enjoy team work with our internal team -which is like our family-and with different disciplines like artists, craftsmen, designers and all type of professionals who enrich a lot our day to day and work. I would rather like to be reminded for the set of projects and the work environment, not only for the results but for the way of achieving these results.

Speaking about the technique applied in the materials for the works, which one did you experiment and appeared to be the “great discovery” when applying them in a work?

We like natural, expressive and strong materials, technology of how to conserve them and manage to highlight more this character.

What are we lacking to create a professional union culture?

I consider the Design Week organizers, Andrea Cesarman, Emilio Cabrero, Marco Coello y Jaime Hernandez, have made a great work in this sense. With these events a great cooperation and admiration vibration has been generated. There are more and more events like this one and we believe Mexico is going on the right track.

Define your work in five words.

Erica: Funny, warm, simple, sophisticated and coherent.

Ofelia: Challenge, collaboration, fluid, coherent and funny.

P.92 GLORIA CORTINA | SOPHISTICATED LANGUAGES She studied in: Parsons School of Design, New York Her office: Gloria Cortina Estudio Outstanding projects: Carpathian house and house in Colorado.

Why did you decide to be an interior designer?

I consider I was born with this talent.

How do you define your proposal and what are your guidelines to carry out a project?

What I am more interested in is the interaction with clients. Mi ideal is to create a unique language between both parts to generate a proposal.

Where does the current interior design trend around the world go?

What is interesting is to find unique pieces, create interesting languages and develop unexpected chromatics.

What is your vision of the perfect place?

The place which transmits me something, which surprises me.

According to you, what is the woman role in interior design?

It is fundamental; it is one of the few areas where we can develop our sensibility.

In the last years, Mexico has greatly advanced in design issues. Do you consider there is a potential market for design?

Mexico has a lot of sensibility for design. The recognition and the potential are increasing.

We have to consolidate it and show the world what we are able to do.

As an active member of the interior designer profession in our country, how would you like to be reminded? For which working area?

Gloria Cortina Estudio is starting with the incredible project of working with a furniture gallery in New York, and makes unique furniture pieces. Our idea is to go down in history, making famous the name of Mexico throughout the world.

Speaking about the technique applied in the materials for the works, which one did you experiment and appeared to be the “great discovery” when applying them in a work?

Metals, stones and all we can do with their combinations…

What are we lacking to create a professional union culture?

What we, the designers, have to understand is that together we will go further. The success of our profession is general, not particular.

Define your work in five words.

To create unique and sophisticated languages.

P.96 JIMENA HERNÁNDEZ | SEARCHING FOR INNOVATION She studied: Architecture in the UNAM and in the Anáhuac University, Master degree in the Polytechnic University of Madrid in Advaced Technology buildings and is LEED AP by the USGBC. Office: Space Outsanding projects: Colgate and Google offices in Mexico Why did you decide to be an interior designer?

I always liked architecture and since my childhood my mood changed for better or worse when feeling a place. I love sensations which you can create with a good design.

How do you define your proposal and what are your guidelines to carry out a project?

The first thing for me is what the client wants and needs. On this basis I try to present the proposals I think they can be their solution. I love daring designs and I love when they can be made. I enjoy the challenges. I see every new project as an opportunity to reinvente me.

Where does the current interior design trend around the world go?

Design has to give the user this warmth and belonging sensation. The important is to create a real compromise with the user on the long term. How? By fostering the natural, the real materials, the organic culture and respect to the place of each person. This is where the current interior design goes.

What is your vision of the perfect place?

There is no unique stereotype of the ideal place. For me it depends on the moment when you are in your life. It has to be a place which makes you feel happy. For example: if I feel down, a pure, broad and open place makes me fell perfect. If I feel like more adventurer, a funny atmosphere invites me to be happy.

According to you, what is the woman role in interior design?

We are at a moment when the woman excels in all the fields. There are no more labor differences between genders. Women have always been present in the world of design but much more is expected from us. By being multitask we are doing various things at the same time. We have more responsibilities so we can design in a different way.

In the last years, Mexico has greatly advanced in design issues. Do you consider there is a potential market for design?

Mexico is in vogue in the world. Wherever you go, there is Mexican traditional design.

There is a great opportunity in design if we retake our roots. We have to retake the nationalism feeling for a country which has an unlimited inspiration to give.

As an active member of the interior designer profession in our country, how

would you like to be reminded? For which working area?

I would love to be reminded for having changed the way of thinking about daring to do more things, that failing is not a failure but a way to innovate. I would like my works to speak for me and show what I want to transmit.

And especially I would like the people who enter a place designed by me feels happy.

Speaking about the technique applied in the materials for the works, which one did you experiment and appeared to be the “great discovery” when applying them in a work?

I think that currently as regards materials, we are facing a stagnant innovation. Nothing new… we try to innovate by decontextualizing objects and integrating them into architecture.

I think there is a great opportunity to bring new materials from outside.

What are we lacking to create a professional union culture?

We are lacking communication and openness; the more opened we will be, more fair competition we will be able to do. Giving importance to the work we do, and no selling it off. To demonstrate with real numbers the impact we have and design has in the client´s life.

Define your work in five words.

Funny, clean, relaxed, exciting and committed.

P.100 MARIANGEL COGHLAN | PASSIONATE ABOUT DESIGN Studies: Arquitecture in the Universidad de las Américas of Puebla with a specialty in interior design.

Office: Mariangel Coghlan Outstanding projects: Estilo MarqCó, the design firm Mariangel Coghlan Why did you decide to be an interior designer?

Because I am passionate for the beautiful places, the sensation of being in a beautiful place is one of the great life pleasures… Since my childhood I was dreaming of contributing to improve my environment. Everything related to design attracts me especially in the sense that our life quality improves.

How do you define your proposal and what are your guidelines to carry out a project?

My design proposal is fresh and authentic; to do a good design, I mainly resort to people.

I always bear in mind the inhabitants of each place; their tastes and needs guide my creative process.

Where does the current interior design trend around the world go?

One of the characteristic of the contemporary world is precisely the lack of a particular trend; the only thing we can adjust to the current times in only one concept is the search for the authenticity in the plurality which is not always a quality guarantee.

What is your vision of the perfect place?

The place where I feel fulfilled and happy.

According to you, what is the woman role in interior design?

I don´t like to make a difference between the role of the women and the role of the men as I think that what both genders bring from their very special particularities is what generates creative richness of this world.

In the last years, Mexico has greatly advanced in design issues. Do you consider there is a potential market for design?

Yes, I think we are living an historical opportunity we do not have to miss.

As an active member of the interior designer profession in our country, how would you like to be reminded? For which working area?

For the contribution of new solutions for places which have been inspired in the search for the comprehensive well-being of the persons.

Speaking about the technique applied in the materials for the works, which one did you experiment and appeared to be the “great discovery” when applying them in a work?

More than focusing on finding new materials, I find inspiration in the materials of the past but mold them to the vanguard forms to such a point that I used technology to gather past and present.

What are we lacking to create a professional union culture?

The acceptance of the fact that the advances or achievements of a designer can contribute to the collective increase of our profession; this is how so big movements such as the ones achieved during the Milan design week point to only one proposal: the benefit of all and the word which unites them is synergy.

Define your work in five words.

Quality, authentic, creative, service and meaningful.

P.104 PAOLA CALZADA | SENSORIAL EXPERIENCES She studied: Architecture in the Universidad Iberoamericana, Master degree in industrial design for the Escuela Futurarium of Art, Architecture and Design, Milan, Italy.

Office: Paola Calzada Arquitectos s.c.

Outstanding projects: Casa Las Lomas and office Katz Abogados Why did you decide to be an interior designer?

I studied architecture but I realized the so big similarity it had with interior design when I worked in Italy for Matteo Thum & Partners.

I worked in the interior design area because there was a vacancy but my plan was always to be moved to the architecture area. The first two months of the two years I worked there, I was very discontented thinking that I was doing something less important as if the interiors

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were not so important as architecture. A meeting changed my way of seeing this. Every person belonging to one area of the office was present: graphic, architecture, interiors and industrial. Each one gave his opinion on his issue and the others listened with respect, the architect did not command nor decided on the others´ issue. It was at that moment when I realized that each professional has a different scale and a person has not necessarily the faculty to correctly do two of them.

How do you define your proposal and what are your guidelines to carry out a project?

Every project is unique and a new opportunity to have fun, to entertain. It goes beyond styles or momentary trends. It is a methodology which yields results. The place tells you what is left over, what it lacks and needs to be unique.

Where does the current interior design trend around the world go?

Towards being more sincere and conceptual.

There is no possibility of only doing nice or tasteful things. As an interior designer, you have to get into a generator concept and each color, texture, material and space have to respond to the same.

What is your vision of the perfect place?

There is no perfection in the places. There are places which generate sensorial experiences and there are those which achieve it.

According to you, what is the woman role in interior design?

Retaking the previous point regarding the creation of sensorial experiences, I think that women better understand how, through the details, we can achieve it although obviously it is not a female sex exclusivity.

In the last years, Mexico has greatly advanced in design issues. Do you consider there is a potential market for design?

Good design makes its own place in any market. A new, useful, proportionately priced and esthetic product will have a place in the market. Mexico changed a lot. The understanding of design has evolved and clients are not willing to pay the same for a product or mediocre design service. Let´s say that the client has more access to better quality images and products and therefore demands the same and is also ready to pay more for it.

As an active member of the interior designer profession in our country, how would you like to be reminded? For which working area?

I would like to be reminded as someone who has his own style which did not appear again in the projects. I hope my career can be evolutionary, every project being a step more towards a clear direction where the processes and materials had an influence on a “style”. As regards gender, I would like to be reminded in the hotel industry area as it is my favorite area.

Speaking about the technique applied in the materials for the works, which one did you experiment and appeared to be the “great discovery” when applying them in a work?

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The offices on Paseo de la Reforma where I used poor lattice as more relevant element seem very interesting to me.

What are we lacking to create a professional union culture?

I think that the market is growing and this sends stress to competition. The more work there is, I think it will reduce the unhealthy competition there is currently in the profession.

When we feel less threatened by the neighbor, we will see his work with more respect and admiration and for me this will lead us to unite more as a profession.

Define your work with five words.

Evolutionary, creative, multidisciplinary, funny.

P.108 MEWS 04 ANDY MARTIN Text: Gerardo León Photo: courtesía AMA The English architect Andy Martin received the London-Based prize for its outstanding work (of more than ten years) in developing housing places. In his design office named AMA, the architect spreads a design philosophy based on the creative exercise with identity and unique style made from color contrasts, textures and vanguard materials.

A proof of that is the large range of international projects which give suitable solutions for the contemporary life. Martin professional vision and broad knowledge extend to all the facets of the architecture and design as expressed in the residence Mews 04 located just in front of Hyde Park, in London, created by a young couple passionate about art, lecture and the thinnest details.

The house has broad interiors where the optimal combination has been reached between a classical style and contemporary elements.

This is what is appreciated in the main living room where the outstanding eclecticism defines the atmosphere composed of contemporary furniture which plays with decorative details such as ashtrays, vases and other curiosities the couple got as part of its continuous journeys throughout the world.

The white walls manage to highlight the art pieces where there is a marked trend for geometry, the abstract and the engraved, some topics which are also documented in the art books located in the small library which was built next to the living room.

The natural light is an essential factor in this architectural piece of art and complete corridors and common areas get illuminated through domes where some sculptures and other accessories of great aesthetic value are hosted The use of materials such as door beech wood and other finishes in addition to different types of marbles, handmade floors and an efficient use of crystal get integrated in the general context of this interior design which becomes the perfect refuge for lecture and relaxation. www.andymartinstudio.com

P.112 PH DIAMANTE ARCHETONIC Text: editorial team Photo: courtesy of Archetonic Sobriety sets the tone in the design of this place; what have been taken as a basis are pure lines, neutral lines and the element which coexist between each other in a minimalist atmosphere and at the same time its quality.

This is PH Diamante where the Mexican architect Jacobo Micha in the design office Archetonic managed to reflect in each corner the personality and taste of its residents.

Spaciousness was an essential factor because it enabled to generate open spaces and without divisive walls to integrate the natural light in atmospheres of contemporaneous style which coexist with art pieces and objects of great originality.

The furniture stands out for its straight lines and has been created with specific dimensions to unify its forms and thus make them not interpose with the imposing view given by the large windows.

Regarding the finishes, what was carried out was a mix of wood and stone applied on smooth and pure surfaces which favor the suitable temperature inside the place.

On the ground floor, there are the family shared public areas; it has an entrance hall, play areas, studio, living room, guest bathrooms, kitchen and terrace.

On the upper floor, there are the private areas: a family TV room, three junior bedrooms with a bathroom and dressing room, a master bedroom with entrance hall and a monumental bathroom-dressing room which also makes you enjoy the views over the city. www.archetonic.mx

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objeto glocal

S ere n o

FREDRIKSON STALLARD

U n ho m e n aj e a la t r a n qu i l i d a d

Texto Redacción Fotografía cortesía Fredrikson Stallard

E

l silencio y la quietud absoluta inspiraron al estudio de diseño Fredrikson Stallard a crear Sereno, una pieza que representa el expresionismo abstracto característico del trabajo de Patrick Fredrikson e Ian Stallard —fundadores de la marca británica—, el cual se basa en la eliminación de la figura tradicional del objeto.

Se trata de una mesa de centro que se compone de tres esculturas creadas bajo proceso de fundición de aluminio pulido o cromado en tono dorado, cubierto de acero inoxidable; éstas sostienen la delgada placa de vidrio, misma que ofrece una perspectiva y reflejo de sus elementos estructurales. Para Fredrik Stallard, Sereno es una pieza que emana energía a través de su simetría existente.

Para lograr la configuración de Sereno, el estudio partió de ideas y lenguajes relacionados con la calma y la soledad; realizaron piezas de manera violenta —por sus formas— que llegan a unificar la tranquilidad a través de la reorganización de sus trazos. www.fredriksonstallard.com

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