GLOCAL DESIGN MAGAZINE No. 24 Portada por / Cover by: BERNARDO GÓMEZ-PIMIENTA by GLOCAL DESIGN MAGAZINE

FEBRERO

25 y 26 23 24 27 y 28 CONFERENCIAS

WORKSHOPS OCTUBRE

2015 2014 Polyforum Siqueiros

¿Quiénes nos acompañarán? Glocal Design convoca a 7 ciudadanos del mundo que han participado en sus portadas o están próximos a hacerlo. » Marva Griffin / Directora Salone / Venezuela » Emiliano Godoy / Diseñador/ México » Fabio Novembre / Arquitecto / Italia » Mario Bellini / Arquitecto / Italia » Noé Duchaufour-Lawrance / Diseñador / Francia » Héctor Esrawe / Diseñador / México » Luis Mercado / Diseñador / México

DIRECTORA GENERAL EDITORA EN JEFE Greta Arcila greta.arcila@glocal.mx FOTOGRAFÍA EDITOR ADJUNTO

Carlos Madrid

Gerardo León

Sófocles Hernández

gerardo@glocal.mx

CONSEJO EDITORIAL ASISTENTE EJECUTIVA

PRESIDENCIA

Gabriela Romero

Gina Diez Barroso

gabriela@glocal.mx CONSEJEROS HONORARIOS ASISTENTE DE DIRECCIÓN

Arturo Aispuro Coronel

Juan Carlos Barriopedro

Miguel Ángel Aragonés

juan@glocal.mx

Jorge Arditti Arturo Arditti

BECARIA

Juan Carlos Baumgartner

Karla Rodríguez

Fernando Camacho

karla@glocal.mx

Carmen Cordera Héctor Esrawe

MAQUETACIÓN

Rodrigo Fernández

Cítrico Gráfico

Jorge Gamboa de Buen Juan Manuel Lemus

DISEÑO

Beata Nowicka

Maricarmen Tovar

Carlos Pascal

maika@glocal.mx

Gerard Pascal Ariel Rojo

CORRECCIÓN DE ESTILO

Fernando Rovzar

Janine Porras

Sagrario Saraid

TRADUCCIÓN

CONTABILIDAD

Francisco Barriopedro

Víctor Villareal Arturo Xochipa

GERENTE DE VENTAS Y PUBLICIDAD

CONTACTO

Eduardo Rodríguez Moreno

www.glocal.mx

eduardo@glocal.mx

info@glocal.mx Manchester 13, piso 1,

COLABORADORES

Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc,

Gerardo Broissin

México, D.F.

Luis Mercado Rojo

Teléfono 52(55) 55.33.68.18

PORTADA Bernardo Gómez Pimienta. Glocal Design Magazine es una publicación de Color y Espacio Editorial S.A. de C.V. Revista Bimestral: diciembre-enero 2014. Publicación protegida por la Ley de Propiedad Industrial y la Ley Federal de Derecho de Autor. Número de Certificado de Reserva otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor: 04-2013-041513043400-102. Número de Certificado de Licitud de Título y Contenido 15894. Editora Responsable: Greta Vanessa Arcila Romero. El contenido de los artículos y de los anuncios es responsabilidad de los autores y de las empresas. Todos los derechos reservados. Domicilio: Mánchester 13, Piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, C.P. 06600, México, D.F. Distribución: Pernas y Cia. Editores y Distribuidores, Poniente 134 No. 650, Col. Ind. Vallejo, Delegación Azcapotzalco, 02300 México, D.F., Tel. 5587-4455. Impresa en: Preprensa Digital, S.A. de C.V. Caravaggio 30, Col. Mixcoac, C.P. 03910. Del. Benito Juárez. México, D.F. Tel 5611-9653.

CARTA EDITORIAL C

on esta edición celebramos 4 años de existencia. Festejamos 48 meses de buscar un cambio constante de la mano con el gremio creativo. Han sido 1,460 días dedicados a buscar un contenido de calidad que lleve a nuestros lectores lo mejor del diseño a como nuestros ojos y experiencia lo comprenden. Han sido 24 portadas hechas por gente a la que admiramos por su propuesta única y de valor. Y, bueno, no podemos contar eso intangible que nos hace despertar día a día y que nos llena de emoción al recibir en nuestras oficinas cada edición: la pasión. En Glocal Design Magazine comprendemos que los personajes que ocupan nuestras ediciones son gente que da lo mejor de sí mismos en su trabajo, por ese motivo, tratamos de ir por el mismo sendero. No habría ediciones como las que preparamos para ustedes sino lleváramos en nuestros genes ese sentir por el diseño. En lo personal y profesional, quiero dedicar esta carta editorial al gran equipo que hace posible cada edición. Gracias Gerry por tu conocimiento, dedicación, pero sobre todo, por estar dispuesto a escuchar todos los días. De ti Juan, agradezco tus ansias de investigar, de dar con la palabra correcta, de querer aprender siempre. De ti Karliu, agradezco tu sonrisa y tu inocencia, tu silencio al trabajar, y tus ojos de admiración cuando escuchas algo nuevo. De ti Maika, agradezco que siempre seas propositiva, que me hagas ver cosas de las que yo no soy capaz, y tu insistencia cuando buscas algo. Gracias Gaby por mantener la calma y recordarme todo, pero además, porque sé que a pesar de que esto es nuevo para ti, buscas aprender. ¡GRACIAS TOTALES! Quisimos celebrar nuestro aniversario con un personaje que este mes inaugura una de las obras más importantes y polémicas para nuestra ciudad: la nueva cara de Masaryk, una de las avenidas de mayor afluencia de la Ciudad de México. Se trata de Bernardo Gómez-Pimienta, con quien hablamos de éste y de algunos de sus proyectos más destacados así como de su gran dedicación al detalle. También, invitamos a muchos de los personajes que nos han acompañado en estos 4 años, y que siguen marcando pauta a nivel local y global. Esperamos disfruten esta edición tan especial para nosotros. Greta Arcila

Equipo Glocal

CONTENIDO EDITORIAL TRAZOS

6 10

C A S A

G L O C A L

015

T E C H N O Bose LG Loewe

034

H O S T Jean-Michel Basquiat & José Cuervo Matisse

S H O W R O O M Pirwi México

026

D E S I G N David Trubridge

DISEÑO + EMPRESA Ross Lovegrove & Barrisol Inglaterra

036 038

028

A U T O M O T R I Z Continental GT, Bentley México

030

T E X T I L E S Déjate querer México Sashiko textile & Nendo Japón

032

NUEVA PROPUESTA NACIONAL Maison & Objet Nuevos talentos

PERSONAJES DEL DISEÑO Héctor Esrawe

051 062

arquitectura y diseño de interiores textil y moda industrial, mobiliario y objeto multidisciplinario

Alejandro Villarreal

Studio Roca

Ricardo Casas

EOS México

Emiliano Godoy

Cecilia Léon de la Barra

Ezequiel Farca

063 064 065 066 067 068 069

ABIERTO MEXICANO DE DISEÑO

080

La fiesta del diseño en Centro Histórico

D E S I G N

W E E K

México-Reino Unido

084

R E S I D E N C I A L Design House 2014

089

E S C A P A R A T E S Vitrinas internacionales

070 ARQUITECTURA ACTUAL La nueva propuesta arquitectónica nacional

Traducciones

051

Objeto Glocal

116 120 9

trazos

REFORMA TOWERS Richard Meier & Partners | México

a obra del arquitecto estadounidense Richard Meier se ha enfocado principalmente en la creación de museos, residencias, y edificios corporativos cuyo diseño y propuesta lo han llevado a obtener importantes reconocimientos como el premio Pritzker y la Medalla de oro de American Institute of Architects. Su visión e ingenio ha llegado hasta nuestro país para desarrollar en Paseo de la Reforma, avenida más importante de la Ciudad de México, en conjunto con un seleccionado grupo de arquitectos internacionales, el proyecto de la nueva Torre Reforma que se convertirá en un desarrollo dinámico de usos mixtos compuesto de dos torres con oficinas, un hotel, comercio, restaurantes y un centro deportivo. Este nuevo desarrollo se compone de dos edificios unidos por una base. Un torre icónica de 40 pisos de uso mixto considerará una serie de programas que generan una interacción social dentro y fuera de las instalaciones.

Además, un hotel de 27 pisos que sigue los mismos principios de diseño que su contraparte complementará las actividades del complejo. El diseño total del proyecto considera las limitaciones actuales de la ciudad mientras toma en cuenta la posibilidad de un futuro desarrollo y cambio de su entorno. Al centro del complejo hay un vacío central, un patio urbano en la torre principal que es una celebración del espacio, la forma y la luz natural. Este elemento es uno de los recursos básicos empleados en la obra de Meier, quien la emplea y la filtra a través del vacío entre los módulos de oficinas proporcionando condiciones de iluminación especialmente dinámicas. Se ha dado un diseño especial a la superficie y el volumen de las torres para tomar ventaja de la luz natural, de cambios de escala y de las vistas de la ciudad. El proyecto aún está en proceso de realización y aún no se tiene fecha específica para su culminación. www.richardmeier.com

NOVARTIS CORPORATE Weiss/Manfredi | Nueva York

l despacho neoyorquino Weiss/Manfredi integrado por los arquitectos Marion Weiss y Michael Manfredi, se especializa en la creación de desarrollo de espacios, paisajismo y urbanismo de vanguardia tomando como referencia su estrecha relación con temas como la tecnología y el arte contemporáneo. Los proyectos de la firma se caracterizan por una amplia visión hacia las formas atrevidas y la innovación de materiales, lo que la ha llevado a obtener el reconocimiento de "Voces Emergentes" de América del Norte por la Architectural League de Nueva York, además del Premio de Arquitectura de la Academia Americana de las Artes y las Letras. Otros honores adicionales incluyen el Tau Sigma Delta Medalla de Oro y la Medalla de Oro AIA Nueva York. Recientemente presentaron el proyecto para la construcción del edificio que alojará la sede de Novartis en América del Norte; se trata de las oficinas de estudios oncológicos cuya estructura

abarca 140.000 m2 con cinco pisos de áreas laborales conectadas por una espiral ascendente de amplias vistas dirigidas a un terreno arbolado. Marcada por acabados de madera, columnas de concreto aparente, vidrio, hierro y acero, la edificación contará con salones diseñados para generar el trabajo colaborativo e interactivo en grupos especializados en proyectos de salud. Las áreas de trabajo principales se distinguen por la entrada de luz natural que generan los cristales de doble altura de su fachada. Cada área ha sido planeada para obtener la máxima flexibilidad y la colaboración interdisciplinaria. Vestido con un muro cortina grabado al agua fuerte, que refleja el paisaje para ser parte de su diseño. El edificio se integra al renovado plantel de América del Norte de Novartis, que también incluye los edificios de Rafael Viñoly, Fumihiko Maki, y Vittorio Lampugnani. www.weissmanfredi.com 11

trazos

ONE THOUSAND MUSEUM Zaha Hadid / Miami

a arquitecta Zaha Hadid ganadora del Premio Pritzker (2004) y reconocida internacionalmente por sus revolucionarios diseños arquitectónicos de edificios en las ciudades más importantes del mundo, incluyendo Pekín, Abu Dhabi, Roma y Londres, ha sido elegida por la empresa desarrolladora de bienes raíces One Sotheby’s International Realty con sede en Miami, para construir un nuevo rascacielos en esta cálida ciudad de Florida. El proyecto lleva por nombre One Thousand Museum y será el primer rascacielos residencial de Zaha Hadid en el Hemisferio Occidental. La torre constará de 62 pisos, con viviendas de un piso y medio piso, viviendas dúplex, y un único penthouse dúplex. El proyecto forma parte del Museum Park (anteriormente conocido como Bicentennial Park), la futura sede del Peréz

Art Museum Miami y el Frost Museum of Science, que se está convirtiendo en uno de los destinos culturales más prestigiosos de Miami. La estructura estará cubierta de cristal y destacará por su verticalidad en la que Hadid ha aplicado algunos detalles orgánicos como parte de las vistas de su fachada principal. Estos acabados también se ubican en los techos de algunos salones del interior. Cada residencia será lujosamente diseñada con cocinas Gatto Cucine y Gaggenau, además de electrodomésticos Sub-Zero, grifería de Dornbracht, armarios a medida Molteni & C, iluminación de Kreon, y sistemas inteligentes, todos elegidos por la misma Zaha Hadid .Se estima que el proyecto esté listo para finales del 2017. www.1000museum.com

COSTAMAR Ricardo Boffil, Taller de Arquitectura | Lima

l despacho Ricardo Bofill, Taller de Arquitectura, fundado en la ciudad de Barcelona en 1963, ha sido a lo largo del tiempo un pionero en el empleo de nuevos materiales para el diseño de conceptos arquitectónicos innovadores. Incluso los estudios de Boffil en el uso del hormigón prefabricado, contribuyeron a generar el uso de este material en diferentes tipos de construcción. Recientemente presentó el proyecto para la construcción de la torre Costamar en el distrito de San Isidro Lima, Perú, justo en el centro de negocios de esta urbe donde resaltará en el entorno urbano con su original forma. La torre de 18 pisos, estará inspirada en el dinamismo y actividad financiera de la zona; su fachada destacará por una

especie de cicatriz que representa una gráfica como las que aparecen por lo regular en las escalas de medidas empleadas en el ámbito financiero. El edificio contará con tiendas departamentales, 8 pisos de oficinas y una cafetería ubicada en la terraza que ofrece una vista panorámica de la ciudad. El uso de cristales inteligentes que cubrirán la estructura, permitirán el máximo aprovechamiento de la luz de día, reduciendo el consumo de energía eléctrica. Su funcionamiento y esquema general, ha sido creado bajo los parámetros de cuidado del medio ambiente establecidos por las normatividades internacionales LEED. www.ricardobofill.es 13

Axor Starck Organic Follow your Head and your Heart

▸ La armonía entre la razón y el corazón

Una colección para el baño radicalmente nueva, pero también una manera revolucionaria de utilizar el elemento vital que es el agua: el chorro de spray de ducha con un consumo de agua de 3,5 l/min y el novedoso concepto de funcionamiento permite experimentar con mayor conciencia el uso sustentable del agua. Para más información visite www.hansgrohe.com.mx o head-and-heart.com

casa glocal

Galería Mexicana de Diseño: Silla Ru chair / HAY Juego de charolas Kaleido / HAY Juego de servicio Toss Around / Muuto Plato y cremera colección Mormor/ Normann Copenhagen Banco alto / Q-bito Fotografía: Sófocles Hernández

l estilo rústico con acentos contemporáneos predomina en el gusto del público que busca crear estancias culinarias con la calidez necesaria para generar la convivencia familiar. En este tema, el diseño consiente a los usuarios con uno de los materiales más empleados en la superficie de la cocina: la madera natural, que con un mantenimiento regular mantendrá su calidad por largo tiempo, además de ofrecer grandes ventajas al ser capaz de absorber la humedad. Otro de los recubrimientos de más demanda en la actualidad para este tipo de espacios es el silestone, piedra reconstruida compuesta por cuarzo natural y un pequeños porcentaje de resina. Es el único con protección antibacterial, que garantiza la máxima higiene en sus superficies.

1. Ambiente: Cocina de la colección Nature/ Ercol Holland para Yoo Home 2. Mesa de servicio/ Mai Table 3. Estantería de madera / Bridge&Buss 4. Range Group of Three Shot / Vitamin Core 5. Banco de madera / Federico Gregorutti para Established & Sons 6. Mr. Bear / Vanessa Holden para West Elm

CÁLIDO 1

3 2

6 5

a cocina se convierte en una importante estancia donde el diseño de vanguardia se plasma en cada uno de sus rincones para hacer de las labores culinarias todo un deleite. La tendencia en este tipo de espacios se sustenta en novedosos sistemas que incluyen puertas de alacenas automatizadas, mesas multifuncionales que expanden su estructura y otros importantes avances que pronto estarán presentes en nuestro hogar. El brillo de los materiales disminuye para dar paso a los acabados opacos, por lo que el acero inoxidable pierde presencia. Asimismo, se apuesta por las transparencia para crear ambientes más ligeros y sencillos por lo que el vidrio y el poliuretano traslúcido se convierten en los favoritos como opciones económicas y resistentes para todo los estilos.

FUNCIONAL 1

1. Ambiente: Cocina Cumbres / DCPP Arquitectos 2. Accesorios de cerámica / Benjamín Hubert 3. Cajonera / Reddot21 4. Prop Light / Bertjan Pot 5. Vajilla Indigo Storm collection / Faye Toogood 6. Eclipse Table / Vitamin Design

5 6 5

casa glocal

Lavabo Scontorno / Art Ceram Tina de baño Immagine por Antonio Lupi Galería Mexicana de Diseño: Mueble auxiliar B_MA / La Metropolitana Luminaria Cozy / Muuto Contenedores de cerámica colección Mormor/ Normann Copenhagen Fotografía: Sófocles Hernández

os elementos que componen el baño contemporáneo deben ser elegidos con el objetivo de generar sensación de amplitud, sobre todo actualmente cuando los espacios tienden a ser más reducidos. Esta propuesta del espacio da libertad para generar interesantes efectos con materiales y texturas con los que se logran gran diversidad de estilos, y a su vez, una atmósfera más cálida y amigable. Detalles de corte clásico como herrajes torneados de forma orgánica, el uso de madera en elementos arquitectónicos o accesorios discretos, ayudan a restar severidad al conjunto y remarcan un estilo desenfadado y funcional.

1. Ambiente: Colección Hermitage / Artceram 2. Luminaria Plug / PCM 3. Lavabo Immagine / Antonio Lupi 4. Juego de Lavabo Tray / Planit 5. Match Tealight Holder / Muuto 6. Banco Zumi / Área Dos para Galería Mexicana de Diseño

BÁSICO 1

íneas modernas y un sentido de atemporalidad, definen la forma general del cuarto de baño. La actualidad se refleja en mobiliario de perfiles muy depurados y geométricos. Un juego sutil de texturas relacionadas entre sí revisten las superficies. Mosaicos básicos en piedra o cerámica hacen juego con muebles de baño y accesorios de tipo industrial, centrados en la funcionalidad. El protagonismo del espacio recae en los complementos, que pueden distinguirse en el manejo de los materiales, destacando las posibilidades decorativas del metal y el vidrio. Puntos focales en acero, bronce, latón o cobre destacan como una constante en la tendencia internacional.

1. Ambiente: Colección Venticello / Villeroy & Boch 2. Contenedores Mormor / de Normann Copenhagen 3. Monomando Línea Quadro / EOS México para Urrea 4. Shower plate / Villeroy & Boch 5. Luminarias / Álvaro Catalán

SOFISTICADO 1

EL ARTE DE LA FUNCIONALIDAD

JORGE PARDO & PIRWI El despacho de diseño Pirwi convocó al escultor cubano Jorge Pardo a crear una colección especial de mobiliario donde convergen el arte y la funcionalidad. Texto Gerardo León Fotografía cortesía Pirwi y Carlos Madrid

a línea fue presentada en la tienda Pirwi de Polanco, durante la reciente edición de la Design Week México 2014, donde el artista expresó su filosofía y describió los procesos con los que realizó cada uno de los objetos en ésta que es su primera incursión en el ámbito del diseño industrial. Lámparas, un juego de mecedoras, taburete, una mesa lateral y otra de comedor componen esta línea de edición limitada en la que su autor comparte la misma visión que ha distinguido a Pirwi en la producción de mobiliario contemporáneo. “Es la primera vez que trabajo en diseño, ya que mi obra siempre se basa en la escultura. Creamos un interesante diálogo con Pirwi, y trabajamos bajo los mismos procesos naturales de la marca combinándolos con algunos de tipo industrial para obtener un gran resultado”, dijo Pardo. Los diseños están fabricados en contrachapado de abedul con distintos acabados y su forma surge de la admiración del artista por la arquitectura, el arte y la naturaleza.

showroom

“Es muy diferente realizar una colección de esculturas para un museo o una galería, que piezas de mobiliario como éstas. La temática cambia y los procesos son muy distintos. Mi estudio trabaja de manera digital y a partir de láser realizamos los cortes de cada estructura y material”, afirma el artista. La estética de Jorge Pardo se guía por la constante redefinición de los límites entre la creatividad, forma y función de los objetos. El escultor se ha encargado de renovar espacios diversos para hacerlos más habitables; ha montado varias exposiciones en museos de países de América y Europa y ha elaborado diferentes instalaciones en espacios públicos. Es reconocido por fusionar elementos arquitectónicos y artísticos en sus obras, como la luz, el color y los patrones orgánicos. Para Pirwi, la colaboración con distintas disciplinas es una forma de repensar constantemente su quehacer, descubrir puntos de vista enriquecedores e innovar sus piezas desde una perspectiva siempre cambiante. Desde 2007, la marca ha trabajado con diseñadores industriales y arquitectos, y es la primera vez que lo hace con un artista plástico. www.pirwi.com

diseño + empresa

ROSS LOVEGROVE Y BARRISOL

LÓGICA DE FORMAS Y MATERIALES

Barrisol, líder mundial en fabricación de superficies de cielos rasos y plafones elásticos, desarrolló en alianza con Ross Lovegrove una línea de productos para expandir la gama de opciones en diseño de espacios que ofrece la compañía. Texto Juan Barriopedro Fotografía cortesía Ross Lovegrove y Barrisol

as nuevas propuestas de Barrisol en conjunto con Ross Lovegrove se mostraron en la pasada Biennale Interieur de Bélgica, para la que se diseñó una instalación tipo pabellón en la que se destacan las posibles aplicaciones de los materiales elásticos y laminares que maneja Barrisol, explorando distintas propiedades como son la traslucidez, disminución de ruido ambiental y la reflectividad lumínica. El pabellón, desarrollado a modo de una caja acústica, tiene dos pieles: una interior forrada con tela elástica para generar un ambiente sonoro aislado, y otra por fuera que se recubre de módulos con acabado metalizado que descomponen la luz y emiten reflejos, cambiando la perspectiva de la instalación dependiendo de la perspectiva desde donde se aprecie. Con un gran potencial para explorar espacios de morfologías lineales u orgánicas, la empresa se ha enfocado en ampliar su oferta para reducción de reverberaciones y ecos, reflexión especular, difusión de la luz y ligereza en estructuras, siempre comprometida con la innovación y la modernidad. La luminaria Manta, otra de las piezas de esta línea, es ejemplo de la sinergia perfecta entre el material y la estructura. El romboide modular permite un número de

distintos arreglos y ofrece también atenuación acústica. Su ligereza la hace perfecta para techos de grandes dimensiones. La Infinite Loop es otra luminaria tridimensional construida sobre un marco de cinta continua fabricado en aluminio. La piel circundante genera volumetrías tipo Moebius. Para la personalización de las composiciones de estas luminarias, hay tres modelos diferentes que varían entre dimensiones verticales y horizontales, que las hacen funcionales en un amplio rango de espacios arquitectónicos. Barrisol muestra con esta iniciativa el valor inherente en el uso de sus materiales, que por medio de avanzadas técnicas de manufactura, como el corte por control numérico y el doblado tridimensional de control digital, permiten alcanzar un alto grado de precisión. Ross Lovegrove fue convocado por Barrisol por su diseño visionario, que ha redefinido y promovido un cambio profundo en la manera en que percibimos la fisicalidad del mundo del diseño tridimensional. Inspirado por la lógica y belleza de la naturaleza, sus diseños muestran una sinergia entre tecnología, materiales y ciencia. www.barrisol.com 29

automotriz

C O N T I N E N TA L G T

BENTLEY

ontinental GT es el nuevo modelo que presenta la marca británica automotriz, Bentley, el cual, cuenta con una forma más alargada en su estructura, manteniendo ante todo su elegancia y concepto deportivo. Líneas discretas y afiladas, curvas ligeras y definidas, son los elementos que conforman el diseño de este automóvil, que se convierten a su vez, en detalles que le brindan presencia y fuerza en su exterior. Las llantas de alineación con una selección de acabados pintados o pulidos complementan su dinamismo y le aportan un toque juvenil y vanguardista. La cabina interior del Continental GT sufrió una evolución con la intensión de hacer de ésta un espacio más silencioso y refinado para la estancia del usuario. Las vestiduras en cuero de los asientos, -que en el caso

LÍNEA DEPORTIVA

Texto Karla Rodríguez Imágenes cortesía Bentley

de los delanteros cuentan con masaje-, crean un diálogo con la iluminación en color naranja para un ambiente cálido. A los sillones se les adhieren tres paneles en la parte trasera sobre el apoyo para la cabeza. El diseño especial de la palanca de velocidades representa un emblema de la marca, al igual que los pedales deportivos de aleación. Continental GT es ideal para aquellas personas que buscan comodidad, relajación y goce a la hora de manejar, así como para quienes buscan hacer de su automóvil un valioso tesoro de colección.

www.bentleymotors.com

textiles

Sashiko-textile | Nendo

TEJIENDO SÍMBOLOS

Texto Karla Rodríguez Fotografía Akihiro Yoshida

ishijin es un distrito en Kyoto, Japón, que es famoso por su labor textil tradicional, la cual data de hace más de 1200 años y ha sido llevada a cabo a lo largo de la historia por emperadores de la región, la nobleza, la aristocracia terrateniente y la gente que actualmente habita en el pueblo. Partiendo de la importancia que esta actividad ha tenido, Nendo presenta Sashiko-textile, una colección de carpetas realizada por Hooso, una casa de tejido fundada en 1688, cuyo diseño se representa en cinco patrones diferentes: stairs, la cual hace alusión a unas escaleras interminables; math, en la que se introducen símbolos matemáticos tales como: +, -, ÷, y =; map, involucrando símbolos cartográficos; post, carpeta que alberga símbolos de oficina de correo japonés, y forest, cuya secuencia se compone de los símbolos japoneses: 木 que significa árbol y 森 que se refiere a bosque. Hosoo se ha especializado en emplear técnicas cada vez menos recurrentes, dentro de las que se encuentra la introducción de pan de oro (lámina fina de oro batido para decoración) y laca en textiles, lo que logra la creación de efectos en tres dimensiones y textiles que visualmente cambian su forma dependiendo el ángulo y la posición en que se vean. A través de esta colección basada en la técnica sashiko-textil, misma que originalmente se inventó para fortalecer prendas y añadir parches, Nendo, en conjunto con Hosoo, busca introducir un nuevo modelo de tejido que surge de la tradición y respeto hacia toda una cultura en Nishijin para el decorado en el hogar. www.nendo.jp

Déjate Querer

UNIDADES REGIONALES

Texto Karla Rodríguez Fotografía cortesía Déjate Querer

ste proyecto creativo surgió de la fusión de conocimientos entre Rocío Cortés, antropóloga social, y Ana Paula Alatriste, diseñadora industrial, ambas mexicanas interesadas en la tradición y cultura nacionales quienes decidieron trasladar este gusto a tapetes hechos de fieltro de lana inspirados en la naturaleza. La línea lleva por nombre Déjate Querer, título que hace referencia a la calidad y suavidad de las texturas de estos diseños que se realizan manualmente al tejer unidad por unidad hasta crear una red geométrica que finalmente conforma la pieza. La colección más reciente de la firma cobra fuerza al recurrir a los símbolos y las formas geométricas encontradas en los textiles mexicanos tradicionales, en los que destaca el punto de cruz, una técnica que forma parte de los procesos artesanales. La serie más reciente de Déjate Querer se conforma de tres tapetes: Aldama, el cual se hizo pensando en los bordados del poblado de Magdalena Aldama en los altos del estado de Chiapas; el Tapete Huipil que combina colores y formas de esta prenda típica, y Colmena, un tapete conformado por piezas hexagonales en colores neutros como el negro y el gris. En el mismo año (2012) en el que se conformó esta marca textil mexicana, el dúo de creativas fue acreedor del Premio Quorum en la categoría Diseño Industrial – Accesorios de Decoración. Además, durante el 2013 tuvo presencia en diversas exhibiciones dentro de la ciudad, tales como: Hotel Diseño en el Corredor Cultural Roma-Condesa, Hecho en México en el Museo Rufino Tamayo y Contenido en Polanco; asimismo, este año Déjate Querer formó parte de la exposición internacional Wanted Design en Nueva York. www.dejatequerer.mx 33

techno

HIGH SISTEM

Texto redacción Fotografía cortesía de las marcas

Desde pantallas de cristal inteligente hasta los más avanzados sistemas de automatización, logran hacer de nuestro hogar todo un sofisticado centro de entretenimiento donde el diseño y la tecnología son los mejores huéspedes.

n los últimos lanzamientos tecnológicos de las principales marcas internacionales, se aprecia un marcado interés por adaptar los productos de vanguardia al diseño de los espacios. Las formas y materiales de estos complementos van de la mano con los estilos y conceptos que marcan las tendencias del interiorismo actual. Ejemplo de esto es el proyector Wall-Mounted AN110, de la marca LG, el cual se puede adaptar a la pared a manera de un cuadro decorativo para plasmar las imágenes de películas, fotos y videos almacenados en su memoria, a través de un control remoto. Su panel frontal de acrílico calado reduce las huellas digitales y lo protege del polvo. Ya sea montado en el muro o sobre su base para escritorio o de pie, este proyector digital tiene varias características útiles tales como una puerta automática de la lente, un ventilador, una función de enfoque automático, y un control remoto de zoom. AN110 puede generar una imagen de 100 pulgadas desde una distancia de más de 4 metros.

Companion 5 review

Hometheatre, Loewe

Otra innovación en el campo de audio y video es el uso de cristal inteligente que nos presenta la firma alemana Loewe en su televisior Invisio. Es el primer televisor totalmente transparente y capaz de transmitir imágenes por ambas caras de su superficie, permitiendo así pasar totalmente desapercibido lo que a su vez lo convierte en una original pieza de estilo minimalista. A la lista de innovaciones de Loewe se integran mincomponentes y hometheatre que destacan por sus líneas puras y delgadas que rompen con los tradicionales aparatos de grandes dimensiones. Por su parte, Bose lanza su nueva línea de bocinas Bose Companion 5 review, diseñadas especialmente para conectarse a una Mac o una PC. Hay un controlador de escritorio que les permite ajustar el volumen y conectar los auriculares. También cuenta con una entrada de 3,5 mm para un iPod. Además al tocar la parte superior de su controlador, se apaga el sonido automáticamente. www.lg.com www.loewe.com www.bose.com

Wall-Mounted AN 110 35

host

JEAN-MICHEL BASQUIAT & JOSÉ CUERVO

José Cuervo vuelve a ofrecernos excepcionales obras gráficas de consagradas figuras del arte que engalanan sus botellas de edición limitada, enmarcando la naturaleza vibrante y exquisita de su contenido. Texto redacción Fotografía cortesía José Cuervo

ara la sexta edición limitada de Tequila 1800 Essential, la marca eligió celebrar honrando el estilo único y la técnica rebelde de Jean-Michel Basquiat con seis diferentes envases que presentan seis de sus pinturas originales, y que convierten a cada botella en una pequeña obra de arte. Actualmente crean la atmósfera de eventos sociales, corporativos, congresos y convenciones, tanto para clientes privados como institucionales. Basquiat fue uno de los artistas más conocidos de su generación, y es considerado uno de los más representativos de la plástica americana del siglo XX. Antes de su carrera como pintor —que abarcó de finales de los setenta hasta su muerte en 1988—, fue conocido por sus grafitis político-poéticos firmados con el seudónimo SAMO. Sus obras son agudas y crudas, pero evidencian una profunda sensibilidad. En su trabajo podemos apreciar el balance audaz entre elementos contradictorios como el control y la espontaneidad, o la contraposición de imágenes urbanas de la escena neoyorquina y el primitivismo originado en su ascendencia afrocaribeña. A manera de pintas, algunas de sus pinturas integran diferentes códigos como textos, números, logotipos y símbolos. El uso del collage, la utilización de diversos soportes como lienzos y superficies con densa composición, y escritura superpuesta son elementos que caracterizan su estilo. Basquiat se integra a un selecto grupo de artistas que ya ha incluido a Shepard Fairey y Gary Baseman, que han sido elegidos para plasmar su arte en las botellas de tequila Cuervo. Tequila 1800 es una línea de tequila 100% agave de calidad premium, elaborado a partir del maridaje de tequilas con diferentes añadas. Su perfil se caracteriza por una extraordinaria suavidad, otorgada por la maduración en barricas de roble blanco y partes de soleras francesas, filtrado en carbón para darle un tono mucho más claro. www.josecuervo.com.mx

ESPACIO QUE NUTRE

LOS SENTIDOS Establecido en el corazón de la colonia Condesa cuando aún era un barrio exclusivamente residencial, el restaurante Matisse cumple 18 años, manteniéndose en su misión de esmerada calidad y servicio.

Texto redacción Fotografía cortesía Matisse

n grupo de amigos comenzó esta historia en 1996, cuando iniciaba el boom de la emblemática colonia. Para ubicar esta nueva propuesta, se rescató una casona Art Déco de los años 30, devolviéndole el brillo de sus mejores días. Conservar el patrimonio arquitectónico de sus establecimientos es parte fundamental del concepto de Matisse, preocupándose por conservar los detalles de los espacios que eligen. En la sucursal Condesa se aprecian pisos de duela y mosaico, una escalera de granito negro con herrería forjada en detalles geométricos y vitrales emplomados. El local de Polanco, por su parte, está enclavado en una casa porfiriana con un vestíbulo que alberga grandes candelabros y realces de yesería en los techos. En cuanto a su oferta, el concepto que han mantenido desde el principio es la comida casera, con un balance entre sabores europeos y mexicanos, además de su afamada repostería vienesa. Los huevos Matisse y los chilaquiles poblanos son

favoritos del desayuno, mientras que para la comida o cena, el pato en salsa de chabacano con estragón y el goulash de ternera con col agria o puré de espinacas son imperdibles. Estas fusiones gastronómicas corren a cuenta de los chefs Juan Morales y Edgar Delgado, quienes imponen su sello cuidando la tradición de la cocina centro-europea, conservando en todo momento platillos clásicos e innovando cada tres meses con sugerencias de temporada, manteniéndose al margen de tendencias internacionales y guiándose por el gusto de su clientela. Visitar Matisse no sólo es disfrutar una deliciosa comida, sino vivir una experiencia integral, de la mano de noches a la luz de las velas con música en vivo o las vistas a la calle desde un balcón. El Grupo Matisse sigue expandiéndose con una exitosa sucursal en la Colonia del Valle y el restaurante hermano “Exacto”, también en la icónica colonia Condesa. www.matisse.com.mx 37

design

DAVID TRUBRIDGE LA RELACIÓN USUARIO-OBJETO

El creador de origen inglés radicado en Nueva Zelanda, nos habla de su experiencia de negocios y cómo difunde su labor. Conversamos con David Trubridge en su más reciente visita a México. Más allá del diseño, David nos cuenta sobre los valores incorporados en su trabajo, que hacen de su marca un modelo de negocios distinto. Texto Juan Barriopedro Fotografía cortesía David Trubridge

a inspiración detrás de las líneas contemporáneas de Trubridge viene de su experiencia como viajero, cuando comenzó hace más de tres décadas a recorrer el mundo a bordo de un yate. David comenta que no hay una traducción literal de la experiencia de viaje hacia el diseño, se trata de provocar un cambio en la forma de pensar y de romper esquemas. En la vida diaria tenemos rutinas, vemos y hacemos lo mismo casi todos los días, siendo más difícil motivar la inspiración y creatividad. Cuando se viaja y se confronta un medio extraño, las ideas surgen naturalmente. “Puede ser caminando solo en medio del bosque o conociendo gente nueva. La jornada siempre es diferente, te rodeas de otras culturas y eso es un bombardeo de información e imágenes. No se trata de decir ‘esto está influenciado por este país’ se trata de cómo la experiencia cambia tu forma de pensar”.

Como parte de sus viajes, Trubridge no sólo se dedica a recorrer destinos en búsqueda de inspiración e ideas, sino que busca transmitir y contagiar el espíritu de su diseño y su preocupación por la sustentabilidad en los lugares donde se venden sus productos: “Hay que hacer consciencia en las personas para que tomen una postura respecto a la explotación de recursos y la contaminación... En el último mes he visitado diferentes lugares de América del Norte, donde hablo de mi trabajo y cómo lo hago. Estoy intentando transmitir mi historia personal y mis valores, para que las personas que distribuyen la marca puedan comunicarlo a su vez a los clientes finales. Esto es muy importante porque la historia puede perderse entre Nueva Zelanda y cualquier tienda en otra parte del mundo.” Los valores humanos también son fundamentales en la concepción del negocio. Aunque actualmente busca alianzas con productores locales – incluyendo mexicanos- para dar licencias de producción de sus diseños de mobiliario, la línea en su conjunto aún se produce en Nueva Zelanda por un equipo de apenas 22 personas incluyendo a David, que nos dice que la clave para mantener una operación relativamente pequeña está en la alta eficiencia del trabajo, sin descuidar (y al contrario, favorecer) la calidad de vida de los trabajadores. El equipo de trabajo no sólo se centra en la producción de la línea, sino que está abierto a la colaboración en comisiones y proyectos especiales. “Me gusta decir que yo no tengo un negocio para hacer dinero, yo hago dinero para mantener un negocio. Por supuesto tenemos que pagar sueldos e invertir en materiales y procesos, pero lo más importante para mí es el estilo de vida de mis trabajadores, que sean felices haciendo cosas que hacen felices a otras personas. Si la empresa no crece, no importa. No necesitamos crecer.

Si crecemos y hacemos a otras personas felices con nuestro trabajo, es bueno, pero la meta no es hacer dinero”. Bajo su visión la estética puede considerarse como función en sí misma. Las personas compran un producto porque lo encuentran bello y esa es su función, ser hermoso y hacer feliz a la gente. David explica: “Todas las piezas que hacemos son funcionales, no hacemos piezas decorativas y no hay una preferencia por la estética sobre la función”. La estética no sólo recae en la calidad formal de los productos, sino en la vivencia que envuelven. En este sentido, una de las estrategias implementadas en la línea de luminarias para involucrar al usuario final, es que éstas sean adquiridas desensambladas (factor que además es congruente con la economía y lógica de empaque y transportación) y armadas por el comprador, en un proceso que se vuelve personal y que crea relaciones emocionales con el objeto. La gente se siente partícipe del diseño y genera una experiencia personal y una historia. Acerca de nuevos proyectos, Trubridge nos platicó del desarrollo de luminarias con pantallas acústicas hechas en fieltro y un tipo de papel especial fabricado en Nueva Zelanda, llegaron a esta solución ya que muchos edificios pueden ser espacios muy bien diseñados arquitectónicamente, pero tienen una acústica estropeada por los ecos y el ruido ambiental y quienes diseñan el espacio no quieren fragmentarlo para no destruir el concepto. Ya que estos espacios siempre requerirán iluminación, se pensó en llevar el material acústico a las luminarias y con esto reducir los ecos y reverberaciones. www.davidtrubridge.com 39

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BGP NUEVA VISIÓN URBANA

ARQUITECTOS Texto Yolanda Bravo Saldaña Fotografía Carlos Madrid y cortesía BGP

n el estudio BGP Arquitectos — dirigido por Bernardo Gómez-Pimienta— les apasiona proyectar desde obras que buscan mejorar el espacio público, como es el caso del rescate de la avenida Presidente Masaryk de la Ciudad de México, hasta pequeñas grandes piezas de diseño industrial, como puede ser una taza de café, un perchero o una silla. Con varias décadas de quehacer intenso, profundo y pleno de pasión, el arquitecto Gómez-Pimienta nos recibió en su taller localizado en una apacible calle del barrio de Coyoacán, para contarnos de su trabajo profesional reciente.

Rescate del espacio público

Bernardo Gómez-Pimienta

Con el paso de las décadas la Ciudad de México ha perdido espacios públicos ya que, desgraciadamente, el automóvil es el rey de la urbe; sin embargo, arquitectos como los que conforman BGP, están intentando regresarle al peatón esos lugares que han sido robados por el tránsito vehicular. Una avenida con una severa problemática era Presidente Masaryk, una de las más importantes de la Ciudad de México; con su arquitectura, sus tiendas y su ambiente sofisticado. Para bien común BGP buscó rescatar el valor que tiene esta zona como patrimonio histórico y como corazón comercial de Polanco, a través de un cambio de imagen de la avenida, mejorando las condiciones de uso y de seguridad e identificando la diversidad de funciones coexistentes, tanto en el aspecto vehicular, como peatonal.

Casa Monterrey, San Pedro Garza García, Nuevo León

“Es una responsabilidad buscar las mejores formas para educar a las generaciones que nos reemplazarán” 41

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Biblioteca Antonio Castro Leal, de la Ciudad de los libros (La Ciudadela) México D.F

“ En la arquitectura la influencia puede venir de muchos lados: de la poesía, la pintura o el cine”

Sala infantil, (La Ciudadela), México D.F 42

Fue un grupo de vecinos quien se acercó a BGP Arquitectos para mostrarles el grado de desastre de la avenida; estaba llena de escalones, coches estacionados en las banquetas y con una zona de tránsito vehicular bastante deteriorada. El despacho hizo el proyecto el cual fue presentado a las autoridades correspondientes. Por cierto, resulta increíble saber que nunca antes había sido revitalizada la avenida Presidente Masaryk desde que nació la misma colonia Polanco. “Encontramos drenaje de barro de la época de Porfirio Díaz”, comenta Bernardo Gómez-Pimienta. “Es un proyecto ambicioso que no trata sólo de cambiar banquetas y calle. Logramos un accesibilidad universal, quitando los coches que estaban estacionados tanto en la calle como en la banqueta pues ésta, es para los peatones”, expresa el arquitecto. La accesibilidad universal consistió en no tener rampas; en eliminar obstáculos y en cambiar la pendiente de las aceras. Ahora la banqueta en Masaryk sube y baja para todos por igual. En las esquinas ésta se encuentra a nivel de calle, mientras que en la parte central las banquetas tienen una altura de 12 cm. El proyecto abarca 3.1 km de longitud y fue dividido en tres secciones para su mejor desarrollo. Incluye la colocación de concreto en calle, con un espesor de 21 centímetros, y granito en banquetas. También contempló quitar el cableado aéreo para hacerlo subterráneo. Asimismo, se ordenaron banquetas, se colocaron bolardos, se unificaron toldos, se repobló parte de la vegetación, se creó mobiliario nuevo y señalización.

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LIbrerĂa Alejandro Rossi, de la Ciudad de los libros (La Ciudadela) MĂŠxico D.F 43

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Desde noviembre pasado fue abierta la calle en la parte intermedia del proyecto, que va de Moliere a Arquímedes, donde existe la mayor cantidad de locales comerciales y de actividad. Cabe decir que Masaryk, antes de este trabajo de recuperación (que será totalmente terminado en el verano de 2015), tenía un promedio de velocidad de 8 km; ahora es de 30 Km/hora. También se hicieron mejoras para que el tráfico sea más fluido en la glorieta donde está la efigie del presidente Masaryk. En cuanto a la presencia de ciclistas, no se plantearon carriles confinados pues estudios han comprobado que, en algunos casos, es una pésima solución, por lo cual, bicicletas y automotores conviven en los dos carriles en la misma dirección. Cabe señalar que el proyecto de BGP Arquitectos se circunscribe a Masaryk; pero la delegación ha estado trabajando en otras calles de esa colonia. Con este trabajo de “actualización” se buscó subrayar que la ciudad no sólo se deteriora, sino que también puede mejorar; lo que brinda una mejor circulación y mayor plusvalía.

La ciudadela Fachada de cantera, Casa-estudio HXMX

“En Masaryk logramos una accesibilidad universal; la banqueta es para los peatones”

Otra obra reciente de BGP Arquitectos (junto con Alejandro Sánchez), fue el Plan Maestro de la Ciudad de los Libros, en el edificio que conocemos como La Ciudadela, una construcción terminada en 1807 para albergar la Real Fábrica de Tabaco. Con el paso del tiempo, el edificio fue cuartel militar, cárcel, fábrica de armas, escuela y desde 1946, Biblioteca de México. En 1987 el arquitecto Abraham Zabludovsky realizó una intervención.

Casa-estudio HXMX

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Se emplearon concreto en calle y granito en banqueta

“Masaryk es un proyecto ambicioso que no trata sólo de cambiar banquetas y calles” El trabajo de BGP para este espacio emblemático buscó reorganizar el acomodo programático de las diferentes funciones para contar con un espacio eficiente y lógico. También se buscó rescatar el esquema de patios que tenía originalmente, restaurar sus componentes, así como restituir las circulaciones continuas a través del edificio, tanto las perimetrales como la del eje norte-sur. Además, se mejoraron las condiciones de iluminación y ventilación natural. También se buscó tener una accesibilidad universal; esto a través, por ejemplo, del empleo de guías táctiles y del uso de rampas en topografías que eliminaron el uso de los escalones en las áreas comunes del edificio. Finalmente, se trató de actualizar las instalaciones y equipamiento, conforme a las necesidades de usos e interconectividad de la vida actual.

Una vivienda ejemplar Dentro del rubro de vivienda, Bernardo Gómez-Pimienta nos cuenta un poco de la Casa Monterrey, localizada en San Pedro Garza García, Nuevo León, donde se buscó generar 46

un mínimo impacto ambiental con el entorno montañoso y con la masa arbórea. Se trata de una obra, en varios lotes de 10,000 m2, generada por varios volúmenes colocados de manera discreta. El proyecto fue desarrollado a partir de una serie de cajas que fluyen entre el relieve y la vegetación existente en el terreno. Cada volumen logra una independencia formal con respecto a los demás. En el conjunto destaca el uso de materiales como la madera y el vidrio; éste último con el fin de potencializar el escenario natural.

Labor académica La docencia y la función académica es otra importante faceta de Gómez-Pimienta, quien actualmente es director de la Escuela de Arquitectura de la Universidad Anáhuac. “Desde hace décadas he estado metido en la Universidad; primero como estudiante, luego como profesor y ahora como director. Es una responsabilidad buscar las mejores formas para educar a las generaciones que nos reemplazarán”.

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Se instal贸 mobiliario nuevo dise帽ado por BGP

Proyecto Masaryk

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Sill贸n ACL, de la colecci贸n de mobiliario BGP

Equipo BGP Arquitectos

Mecedora Madga

Dibujos de Bernardo Gómez-Pimienta

El arquitecto nos cuenta que además de la carrera, la vida cultural de la universidad es bastante dinámica: “Tenemos conferencias donde vienen no sólo arquitectos, sino profesionales de otras disciplinas pues se busca que el arquitecto esté metido en la cultura en general. Arquitectura es una carrera en la que debes de saber de todo porque la influencia puede venir de muchos lados: de la poesía, de la pintura o del cine”. Por cierto, la Escuela de Arquitectura está en el patrón de excelencia, conforme a un examen que fue aplicado por el Ceneval donde obtuvo la primera posición en la Estadística Anual de resultados EGEL.

Un viajero que captura su experiencia Al ver el trabajo que realiza BGP, que se desdobla desde el reordenamiento del amplio espectro de un espacio público, a una tasa o a un perchero, se reafirman sus palabras: “Todo acaba siendo la misma disciplina; es la misma manera de pensar el cómo solucionar algo y conocer el proceso constructivo”, expresa. Antes de terminar la charla, Bernardo Gómez-Pimienta nos muestra una serie de cuadernillos de viaje, sólo algunos, ya que han sido demasiadas las travesías que ha dejado plasmadas en dibujo; su experiencia sensorial ante lo que estaba viendo. “Cuando está uno de viaje, a veces se toman montón de fotos que luego ni se encuentran; en cambio esto aquí lo tengo”. Sus bocetos hechos en 15 minutos, son el recuerdo y la carga emotiva de un momento o de un lugar en especial. bgp.com.mx 49

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EL NUEVO PULSO

DEL DISEÑO

MEXICANO

PHILIPPE BROCART, PRESIDENTE DE MAISON & OBJET, PRESENTÓ A LOS NUEVOS TALENTS À LA CARTE 2015, UN GRUPO DE CREATIVOS NACIONALES QUIENES SERÁN PROTAGONISTAS DE ESTA IMPORTANTE INICIATIVA DE LA FERIA FRANCESA. Texto Greta Arcila

no de los personajes que tuvimos la oportunidad de conocer durante DWM 2014 fue Philippe Brocart, presidente de Maison & Objet, quien visitó México con una principal intención: presentar a los jóvenes diseñadores mexicanos que serán los principales invitados en Talents à la Carte para la edición de enero de Maison & Objet 2015. De trato amable y muy entusiasta, nos platicó que el motivo de invitar a talentos connacionales a participar es porque hicieron una gran investigación del mercado mexicano en el rubro del diseño y descubrieron que la calidad de lo hecho en México es realmente impresionante: “Al ver los books de los seleccionados quedé gratamente impresionado y creo que el mercado francés e internacional de nuestra feria los recibirá muy bien”. Brocart asegura que esta es una gran plataforma de promoción pues de Talents à la Carte han salido grandes personajes como Philippe Nigro, Matali Crasset, entre muchos otros. Por otro lado, muchos empresarios y cazadores de talento caminan obligadamente esta área de Maison & Objet ya que saben que es un semillero de talentos; y lo mismo sucede con la prensa internacional, quienes en cada edición tienen los ojos puestos en esta zona pues desean conocer a los futuros hacedores del diseño. Como bien sabemos, México es uno de los países con mayor consumo de productos de alto perfil, inclusive muy por arriba que Brasil, lo que ha despertado el interés de muchísimos mercados, así que le preguntamos qué le significa esto y cómo buscarán posicionarse entre interioristas y arquitectos, y respondió categórico: “con la calidad y seguridad de que somos una propuesta muy distinta a otras. Nosotros no sólo ofrecemos mobiliario, Maison & Objet es la única feria en donde el visitante puede encontrar todos los detalles para vestir su casa: desde el más mínimo detalle para el menaje hasta el mobiliario con la más alta calidad en factura e innovación”. Este año es muy especial para Maison & Objet, celebra su 20 aniversario y por primera vez celebrarán su edición para Las Americas en el mes de mayo en Miami Beach y para Philippe Brocart es la oportunidad de compartir con el continente americano la histórica tradición de las Artes Decorativas francesas y a todas las empresas de diseño que son parte de esta importante feria. Y, debido a esta importante ocasión para el diseño mexicano, Glocal Design invitó a los diseñadores seleccionados por la feria a exponer en sus palabras su propuesta. Les auguramos muchísimo éxito. Así mismo, nos sumamos a su esfuerzo y presentamos otra selección de creativos que con su trabajo ya son parte de la comunidad de diseño mexicana con proyección internacional.

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MAISON& OBJET Texto redacción Fotografía cortesía de los diseñadores Ilustración Richard Zela

Alejandro Grande FOAM Lilina Ovalle Perla Valtierra

Omar Ramos FOAM

David Pompa

Rodrigo Berrondo PAUL ROCO

Christian Vivanco

Pablo Igartúa PAUL ROCO

Ian Ortega

Moisés Hernández Jorge Diego Etienne

José de la O

Joel Escalona

Cooperativa Panorámica

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CHRISTIAN VIVANCO ¿Cómo defines tu concepto de diseño? Basado en la experiencia. ¿Qué materiales empleas en tu creación? Los más inmediatos, sencillos y rudimentarios. No suelo sustentar mi perfil en vanguardias tecnológicas ni de materiales. ¿Cuál es tu influencia “Glocal”, es decir, los elementos que tomas de la cultura local para transmitirlos en un contexto global? Cada vez más fuerte, y a la vez más discreta. Busco eliminar vocablos estéticos predeterminados, estilismos y clichés, y sustituirlos por argumentos contemporáneos que reflejen mi realidad de una manera sincera y natural, más basada en los gestos y estilo de vida y menos en formatos y arquetipos. ¿Qué libro tomas como referencia en tu vida como diseñador? Designing Design, de Kenia Hara

no tenemos solamente un concepto de diseño sino que vamos encontrando diferentes conceptos para desarrollar cada proyecto en particular.

tiene una identidad, la cerámica es un material con posibilidades infinitas. También me gusta trabajar con diferentes materiales naturales, y técnicas artesanales.

¿Qué materiales emplean en su creación? Nos gusta mucho la experimentación, tenemos una gama de materiales que siempre exploramos como la madera, el metal, el acrílico y el vidrio, sin embargo, estamos por desarrollar algunos productos con piedra, mármol y filamentos metálicos. Nos gusta experimentar con mezclas de materiales que nos ayuden a reforzar visual y conceptualmente nuestros diseños. Cada proyecto dicta, en su momento, las características materiales de los diseños finales.

¿Cuál es tu influencia “Glocal” ,es decir, los elementos que tomas de la cultura local para transmitirlos en un contexto global. La diversidad cultural de México me enriquece muchísimo, cultural, visual y formalmente. Y al mismo tiempo, me encuentro muy motivada para empezar nuevos proyectos de diseño social y colaborativo, que involucran desarrollo de tecnología, e intercambio de conocimientos que se adapten al contexto actual.

¿Cuál es su influencia “Glocal”, es decir, los elementos que toman de la cultura local para transmitirlos en un contexto global? Nos gusta explotar los diferentes temas que se viven hoy en día en el país, entender la postura que toman los mexicanos para, a partir de esta información, poder desarrollar una propuesta que esté alineada con una visión hacia lo nacional, sin necesidad de recurrir a elementos formales evidentes o trillados.

@foamdf www.foamdf.com

LILIANA OVALLE ¿Cómo defines tu concepto de diseño? Una de las intenciones detrás de mi trabajo es generar una narrativa a través de los objetos cotidianos. Las personas nos relacionamos subjetivamente con nuestras cosas, construimos diferentes significados alrededor de los objetos. En mis diseños trato de sugerir una historia, una situación abierta a la interpretación.

PERLA VALTIERRA Alejandro Grande y Omar Ramos

¿Cómo defines tu concepto de diseño? Para mí el diseño es un proceso, no un resultado. Me interesa la cultura material, (la evolución de los objetos, los materiales y las técnicas) la tradición y los objetos de todos los días.

¿Cómo definen su concepto de diseño? Como diseñadores, tratamos de ver más allá de lo evidente, es decir, conseguimos suficiente información alrededor de la necesidad para traducirla y encontrar diferentes detonadores tanto conceptuales como formales. Digamos que

¿Qué materiales empleas en tu creación? Trabajo mucho con cerámica porque me permite hacer experimentos con los que busco las nuevas posibilidades de este material. Trabajar con cerámica es como un juego misterioso. Me gusta que cada lugar tiene su tierra y cada tierra

perlavaltierra.tumblr.com/

¿Qué libro toman como referencia en su vida como diseñador? Redesigning Leadership, de John Maeda, habla de la vida del autor la búsqueda que emprende para encontrar el equilibrio entre el arte, la ingeniería y el diseño.

@chris_vivanco www.christianvivanco.com

FOAM

¿Qué libro tomas como referencia en tu vida como diseñadora? México Profundo de Ricardo Bonfil Batalla.

¿Qué materiales empleas en tu creación? A lo largo de mi carrera he utilizado diferentes materiales y procesos: textiles, fundición en metal, maderas, corian, vidrio y recientemente cerámica. Cada material tiene su propio lenguaje y cada uno presenta un reto diferente. Me gusta explorar diversas opciones dependiendo de qué material sea el más adecuado para el proyecto, aunque a veces en el proceso de experimentar hay resultados inesperados que resultan mejores a lo que uno tenía planeado. ¿Cuál es tu influencia “Glocal”, es decir, los elementos que tomas de la cultura local para transmitirlos en un contexto global. Creo que los diseñadores leemos nuestro

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entorno y lo reinterpretamos al generar nuevas propuestas. Cada diseño que hacemos representa una visión de cómo nos relacionamos con el mundo, y esa visión definitivamente es influenciada por el contexto en el que nos formamos y por cómo crecimos. En mi caso, yo viví toda mi vida en la Ciudad de México, y tengo un interés particular por ciertas características de su ambiente urbano. Son situaciones que no son exclusivas de México pero para mí han sido una referencia muy importante.

No es muy evidente, pero cuando utilizamos materiales mexicanos como la parota, la vaqueta y el recinto, la gente inmediatamente percibe algo mexicano en nuestros diseños. ¿Qué libro toman como referencia en su vida como diseñador? Tage Frid Teaches Woodworking: Three Step-by-Step Guidebooks to Essential Woodworking Techniques de Tage Frid. @paulroco www.paulroco.com

¿Qué libro tomas como referencia en tu vida como diseñadora? El fin del mundo y un despiadado país de las maravillas, de Haruki Murakami.

DAVID POMPA

@ovalle_liliana www.lilianaovalle.com

COOPERATIVA PANORÁMICA PAUL ROCO Rodrigo Berrondo y Pablo Igartúa

¿Cómo definen su concepto de diseño? Nuestra filosofía (Rodrigo Berrondo y Pablo Igartúa) se basa en el uso de materiales, no importa cuál sea, aunque en lo general nos especializamos en la madera. Nos gusta encontrar la estética de la materia prima en su forma más natural, tratando de evitar colores, porque sentimos que cada uno tiene sus características y hay que saber explotarlas. Sumado a esto, tratamos de ser siempre muy honestos en la construcción de cada pieza por lo que el diseño tiene que partir desde adentro buscando la estética como un resultado y no como un punto de partida. ¿Qué materiales emplean en su creación? Principalmente usamos madera de Huanacaxtle: (conocida también como Guanacaste o Parota), madera nacional y centroamericana; madera tropical pero muy ligera. Su característica principal es el peso, la flexibilidad y sus colores muy particulares. También usamos vaqueta, es la piel de res en bruto sin tratamiento, que se usaba en los equipales. Además aplicamos tela de lana e hilo de nylon, e incluimos piedra recinto (la del molcajete), y finalmente vidrio. ¿Cuál es su influencia “Glocal”, es decir, los elementos que toman de la cultura local para transmitirlos en un contexto global?

Joel Escalona, Jorge Diego Etienne, Ian Ortega, José de la O Moisés Hernández, Christian Vivanco.

¿Cómo definen su concepto de diseño? En Cooperativa Panorámica estamos interesados en usar nuestros diseños como un medio de expresión, críticos, inclusivos y diversos a través de ejercicios de diseño puntuales. ¿Qué materiales emplean en su creación? La naturaleza del proyecto nos permite trabajar con varios materiales, procesos y colaborar con diferentes talleres y artesanos. Para la Cooperativa no existen limitaciones en materiales, tamaños o formas, siempre buscamos retos y oportunidades para experimentar. ¿Cuál es su influencia “Glocal”, es decir, los elementos que toman de la cultura local para transmitirlos en un contexto global? Al trabajar desde México en proyectos que pueden llegar a cualquier parte del mundo, la influencia, por más sutil que sea, está presente en cada uno de nuestros proyectos. ¿Qué libro toman como referencia en su vida como diseñadores? No hay un libro como tal. Somos un grupo de seis diseñadores, cada uno aporta sus referencias empleadas en trabajos anteriores al proyecto nuevo, enriqueciendo el trabajo de colaboración. . @wearepanoramica www.wearepanoramica.com

¿Cómo defines tu concepto de diseño? Como un diseño bicultural por mis raíces mexicanas/austriacas en lo relativo a las motivaciones y emociones. El resultado es diseño global porque los objetos no tienen una carga local. De todas las vivencias hay una huella en los procesos de diseño y al final es una mezcla que busca provocar sensaciones sin importar el país de origen. ¿Qué materiales empleas en tu creación? Los materiales provienen, en su mayoría, de la tradición artesanal mexicana. Materiales de poco valor cuando son descontextualizados y, sin embargo, son el detonador de varias piezas. Barro negro o Talavera por ejemplo, llevados al límite durante los procesos de producción para resignificarlos e incorporarlos al diseño contemporáneo. Qué mejor que el uso de materiales avalados por una tradición artesanal para ejercer diseño contemporáneo producido por quienes conocen las capacidades y limitantes de la materia prima. ¿Cuál es tu influencia “Glocal”, es decir, los elementos que tomas de la cultura local para transmitirlos en un contexto global? La influencia principal es relativa a dos ejes: la materialidad y la carga emotiva que tiene la tradición artesanal en México. Como antes mencionaba, el uso de los materiales elegidos se debe a su carga histórica que se traduce en formas contemporáneas. Esto permite suavizar el gesto artesanal mexicano, pero conserva la capacidad de sorprender al espectador a través de las nuevas formas e historias de la materia prima. 4. ¿Qué libro tomas como referencia en tu vida como diseñador? No tengo un libro en específico. Pero me inspiran libros de arte contemporáneo. @_davidpompa_ www.davidpompa.com 55

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NUEVOS TALENTOS Texto redacción Fotografía cortesía de los diseñadores Ilustración Richard Zela

Fernando Laposse

Laura Noriega María Beckmann Legorreta

Alexander Andersson

Juskani Alonso

Julián Benítez

Andrés Lhima

Eduardo Wignall

Cristina Orozco

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Cada vez busco más artesanos en México, me inspiran y me dan ideas en producción. Hay una importante riqueza de procesos industriales en nuestro país pero está en camino al olvido por falta de innovación y de visión, esto me motiva a implementar procesos tradicionales mexicanos en mi obra y ser parte de la conservación del know how de diseño.

CRISTINA OROZCO ¿Cómo defines tu concepto de diseño? Experimental + espontáneo = Nunca repetirse

thmn.eu

FABRICA ASTILLA

¿Cuál es tu influencia "Glocal", es decir, los elementos que tomas de la cultura local para transmitirlos en un contexto global? Siempre tomo elementos globales, de todas partes del mundo.

@cri_orozcoeduardo@www. cristinaorozcocuevas.com

Eduardo Wignall y Julián Benítez

JUSKANI ALONSO ¿Cómo defines tu concepto de diseño? Basado en lo mexicano. ¿Qué materiales empleas en tu creación? Me gusta trabajar con gran diversidad de materiales, creo que es necesario conocerlos, entenderlos y aprender a trabajarlos. Ahí está uno de los factores fundamentales para una buena respuesta de diseño. Mi favorito es la madera.

ALEXANDER ANDERSSON ¿Cómo defines tu concepto de diseño? Está basado en la fusión entre procesos industriales y técnicas de ebanistería escandinavas. ¿Qué materiales empleas? Maderas sólidas, acero, latón, piedra, espejo… Realmente hay pocos materiales que no haya incluido. ¿Cuál es tu influencia "Glocal", es decir, los elementos que tomas de la cultura local para transmitirlos en un contexto global? 58

@juskani_estudio www.juskanialonso.mx

¿Qué libro tomas como referencia en tu vida como diseñadora? Realmente mis libros son el escape de mi trabajo, son como mis “mini vacaciones”… y uno especial que me inspira es What I talk about de Haruki Murakami.

¿Qué materiales empleas en tu creación? De todo: papel, lápiz, hilos, fotografía, todo lo que pueda tomar como punto de inspiración. En cuanto a la creación de textiles, depende de si va a ser un trabajo artesanal o industrial, aunque siempre parto de la hoja en blanco o un mapa mental que representa cómo me imagino la pieza.

¿Qué libro tomas como referencia en tu vida como diseñadora? En realidad, ninguno; las fotografías mentales de algunos viajes es lo que más me ha marcado.

de una identidad mexicana. Preocupación que sigue estando vigente y que creo, es necesario reflexionar sobre ella en este momento crucial del Diseño en México.

¿Cuál es tu influencia "Glocal", es decir, los elementos que tomas de la cultura local para transmitirlos en un contexto global? Hay muchos conocimientos y saberes implicados en la técnica y experiencia de nuestros pueblos. Ahí radica el verdadero y auténtico valor de nuestra cultura. Al diseñar intento escuchar e integrar esas voces y conocimientos para plasmarlos en objetos que respondan a las necesidades de la aldea global. ¿Qué libro tomas como referencia en tu vida como diseñador? Paulo Freire, quien parte de la educación como principal proceso político en el cual se problematiza y construye nuestra realidad. Arte come mestiere de Bruno Munari me ayudó a entender el diseño de manera más terrenal, humano. Actualmente estoy leyendo Laberinto de la Soledad de Octavio Paz, que publicado en el año de 1950 aborda una preocupación por la búsqueda

¿Cómo definen su concepto de diseño? Está basado en una manufactura “a la antigua”, nos esforzamos por crear muebles con un valor agregado en calidad y diseño. Lo definimos como una línea simple sobre la hoja, en donde nacen las ideas, y al avanzar se mezcla con el concepto que se esté manejando… Bocetamos libremente sin pensar en soluciones y, de esta manera, generamos perspectivas falsas que ayudan a explorar la forma y el concepto. En un nivel estético nos gusta explorar, aunque siempre intentamos exponer los materiales de una forma honesta, exponemos los defectos hasta convertirlos en virtud. ¿Qué materiales emplean en su creación? La madera siempre va a tener un lugar especial en Fábrica Astilla, sin duda, nos obsesiona, encontramos en este material milenario una opción difícil de igualar, en cuanto a su versatilidad y estética. Especialmente, estamos muy interesados en usar madera doblada con vapor, como el que usó Thonet a finales del siglo XIX. Nos inspiramos en los fabricantes clásicos. Hemos manejado fierro, como material complementario, ya que nos brinda propiedades que difícilmente alcanzan otros materiales, explorando en sus acabados, y en ocasiones acero, cerámica y piedra. Dentro de nuestros planes queremos hacer exploraciones con el vidrio soplado, donde se conserve el aspecto franco del material, como burbujas e imperfecciones. ¿Cuál es su influencia "Glocal", es decir, los elementos que toman de la cultura local para transmitirlos en un contexto global? Nuestra esencia mexicana viene implícita en muchos más aspectos de los que podemos darnos cuenta. Un diseño que no se esfuerza por parecer mexicano

lo lleva implícito. Tenemos una gran fascinación por las artesanías mexicanas como el barro negro, la talavera, los alebrijes entre otras, así como en los diferentes métodos de fabricación desde artesanales como industriales, y las antigüedades inusuales que invitan a la curiosidad y el respeto por la mano de obra de antes. Creemos que para lograr globalizar nuestro diseño, debemos comenzar por el posicionamiento local, aunque nunca perdemos de vista la escena internacional y la oportunidad de colaboración con diseñadores de todas partes del mundo. Dentro de la visión de Fábrica Astilla nos gustaría ser una productora de mobiliario que apoye a diseñadores jóvenes, creemos que podemos tomar propuestas de diseñadores de diferentes partes del mundo y fabricarlas en México, sin necesidad de importar el producto. ¿Qué libro toman como referencia en su vida como diseñadores? En la oficina contamos con muchos libros de inspiración, como pueden ser los versátiles libros de AM editores, o colecciones de Arquine, nunca falta Phaidon Design Classics para una lectura de inspiración en un clásico. julian@fabricaastilla.com eduardo@fabricaastilla.com

súper herramienta que puede solucionar con calidez y onda sin perder la calidad. ¿Qué libro tomas como referencia en tu vida como diseñadora? Anish kapoor de Phaidon. Además los libros de Taschen de Ando, Eames, Loui Kahn, Piano, Saarinen, Le Corbusier, entre otros. Y me llegan las revistas de Frame y Mark que son mis enciclopedias de arquitectura y diseño: ¡buenísimas! www.vever.mx

ANDRÉS LHIMA ¿Cómo defines tu concepto de diseño? Creo que no lo he definido y trato de no hacerlo, pero observando lo que he hecho últimamente puedo encontrar estas palabras o conceptos: figurativo, lúdico, conceptual y anecdótico (que el objeto/proyecto cuente una historia). ¿Qué materiales empleas en tu creación? He trabajado con tela, madera, cerámica, barro, plástico… Me gustan todos, pero tengo muchas ganas de trabajar con vidrio y piedra.

MARÍA BECKMANN ¿Cómo defines tu concepto de diseño? Diseñar es resolver con ingenio el espacio, el objeto, la ilustración, trabajando entre la función (práctica) y la forma (estética). ¿Qué materiales empleas en tu creación? En los muebles maderas, a veces, metales y vidrio. Más que materiales ostentosos, prefiero emplear unos resistentes. Sin caprichos. ¿Cuál es tu influencia "Glocal", es decir, los elementos que tomas de la cultura local para transmitirlos en un contexto global? De México aprovecho la calidad y accesibilidad de la mano de obra que tenemos, tanto en la fabricación de los muebles como en los interiores, ya sea pintando, colgando, armando dentro del espacio… Gracias a esto, cada proyecto envuelve un carácter artesanal y se abren miles de posibilidades. Es una

¿Cuál es tu influencia "Glocal", es decir, los elementos que tomas de la cultura local para transmitirlos en un contexto global? Trato de saber y entender en qué producto o proyecto puedo utilizar los elementos de nuestra cultura (materiales, formas, conceptos) para que esto sea una ventaja y enriquezca la propuesta. Los conceptos más evidentes que he usado para un contexto global son la malla utilizada en las bolsas de mandado en el Fidencio Sillón y los luchadores y sus llaves, para los Luchadores destapador. ¿Qué libro tomas como referencia en tu vida como diseñador? Uno es Vitra Project, lo conocí desde que estaba en la carrera y trataba de sacarlo de la biblioteca todas las veces que podía. Otro es Ronan & Erwan, Bouroullec Drawing, me gustan mucho sus bocetos y ver como se originaron algunos de sus productos que ya he visto terminados; finalmente La Danza de la Realidad de Alejandro Jodorowsky. www.andreslhima.com

FERNANDO LAPOSSE ¿Cómo defines tu concepto de diseño? El hilo conductor en mis proyectos y lo que podría llamarse el concepto general en mi diseño es el tratar de utilizar materiales no convencionales para crear objetos, e instalaciones. Mi metodología para crear ideas y relizarlas está fuertemente basada en la cultura del DIY (do it yourself) por lo que trato a toda costa de no depender de productores o artesanos independientes sino de hacer todo dentro de mis capacidades físicas y las herramientas que tengo a la mano en mi estudio. ¿Qué materiales empleas en tu creación? Mi paleta de materiales siempre está expandiéndose pero algunos de los que han sido protagonistas es el zacate o estropajo, y el azúcar, el cual lo trabajo como si fuera vidrio. Recientemente, he estado trabajado con jabón hecho en casa utilizando grasas animales y cenizas, también he estado haciendo espejos utilizando plata disuelta en ácido nítrico. ¿Cuál es tu influencia "Glocal", es decir los elementos que tomas de la cultura local para transmitirlos en un contexto global?. Yo vivo en Londres, probablemente la ciudad más global del mundo por lo que es difícil decir que hay una influencia cultural estética que pudiera ser calificada como londinense. Sin embargo esta ciudad ha tenido una gran influencia en mi forma de trabajar y de crear proyectos es a través de las limitaciones que te impone, por ejemplo: cuando yo terminé mis estudios, me era imposible mandar a hacer prototipos de mis ideas porque la mano de obra aquí es carísima (un carpintero gana igual o más que un diseñador). Esto es un fenómeno que ha impulsado a muchos diseñadores jóvenes Londinenses a convertirse en lo que se empieza a calificar como designer-maker. ¿Qué libro tomas como referencia en tu vida como diseñador? Leo libros muy diferentes en función del proyecto en el que estoy trabajando. El último fue Philosopher's Stone: A quest for the Secrets of Alchemy de Peter Marshall, un libro bastante conciso. @FernandoLaposse www.fernandolaposse.com 59

design

Carlos Acosta Studio Roca

Ricardo Casas Ezequiel Farca

Rodrigo Alegre Studio Roca

PERSONAJES DEL

DISEÑO

Con motivo de su cuarto aniversario, Glocal Design Magazine convocó a 10 reconocidos diseñadores para que describieran su visión del diseño nacional, y la forma en que éste se fortalece para ser parte de una industria con los valores de crecimiento necesarios para integrarse al ritmo de competitividad de las principales capitales del mundo. La cita fue en el Museo de Arte Moderno, que en su 50 aniversario nos abrió las puertas de sus instalaciones como parte de su compromiso e importante difusión hacia el arte y la creatividad en sus diferentes expresiones.

Texto redacción Fotografía cortesía Carlos Madrid y cortesía de los entrevistados

Héctor Esrawe

design

Sebasti谩n Lara Eos

Cecilia le贸n de la Barca

Mauricio Lara Eos

Emiliano Godoy Alejandro Villarreal

design

HÉCTOR ESRAWE Balanza

Bowls Giro

Dermal

l diseño mexicano necesita instituciones que establezcan los canales de comunicación adecuados de difusión crítica. No se trata de recibir estímulos, ni de una cultura empresarial para los industriales, no sólo significa recibir un fondo para hacer una pieza, sino que debe haber un entendimiento, una cultura para que queden claros los beneficios que este ámbito puede aportar. Hay que establecer acuerdos entre el diseño, la artesanía y entender la relación que existe entre ambos oficios así como lo hacen los finlandeses quienes mantienen una relación horizontal con el artesano. El peso del valor artesanal es equiparable al valor del diseño. No estamos hablando de egos o de individualidad, la colaboración ahora es entre los diseñadores, y actualmente, ya existe una inquietud por acercarse también a los artesanos como una fuente de generación de nuevos productos diseño. Sin embargo, la plataforma responde más hacia los reconocidos, no 62

Oruga

existen suficientes plataformas donde juzgues a las nuevas generaciones. Esto no quiere decir que no haya una evolución, pero aún no hay un diseño mexicano consolidado. El movimiento actual es muy ecléctico en expresión y en intención. Hay una visión epidérmica. Las dos plataformas que existen en México (Design Week y el Abierto Mexicano de Diseño) están muy distanciadas y es importante que exista un diálogo entre ellas, se deben alinear para que se logre una sola semana del diseño. En el tema de las nuevas generaciones hay una inquietud por no parecerse a las generaciones anteriores y esto habla de que existe un terreno positivo que hay que incentivar a través de plataformas donde los nuevos talentos expongan su trabajo para así juzgarlo y fomentar su disfusión. www.esrawe.com

TRAYECTORIA • Diseñador Industrial por la Universidad Iberoamericana, inició su trabajo bajo la firma Esrawe Studio y desde 2005 forma parte del Colectivo NEL. • Fundó la carrera de Diseño Industrial en Centro de Diseño, Cine y Televisión. • Se ha hecho acreedor a premios como Special Mention in the German Design Awards (2015), Green Good Design Award (2014), Winner of the World Interiors News Awards (2013), Iconic Awards (2013), Quórum Award in the Industrial Design (2012), entre otros.

ALEJANDRO VILLARREAL

Brick Collection

ivo en Londres desde hace seis años, pero percibo que el panorama del diseño en México es muy favorable. Veo nuevas rutas para el crecimiento de este ámbito, hay más lugares para exhibirlo y se está fortaleciendo como actividad profesional en el país. A nivel internacional aún percibo muy poca exposición del trabajo de diseño nacional, creo que nuestra oferta aún está muy regionalizada. Uno de los principales problemas es que no tenemos un organismo que una y promueva los esfuerzos, en este sentido se están tomando iniciativas valiosas a nivel institucional como ProMéxico. Recordemos, por ejemplo, el 2015 será el año del diseño mexicano en el Reino Unido, este tipo de esfuerzos son los que se hacen necesarios para catapultar el talento que existe en nuestro país, pero es una labor que requiere la cooperación del gobierno y el gremio, pero también necesita del apoyo de la industria, que es la que más necesita ver a esta disciplina como una importante oportunidad comercial. Me cuesta trabajo definir qué es la tendencia como tal, es un tema complicado pero yo siempre busco una exploración personal. Mi trabajo inevitablemente refleja mis raíces pero no aspira a nacionalismos. www.hierve.com

TRAYECTORIA • Alejandro Villarreal funda Hierve en 1999, firma creativa multidisciplinaria que hoy cuenta con sedes en la Ciudad de México y Londres, • La filosofía del despacho tiene un sólo propósito: brindar algo benéfico a la gente. • En despacho Hierve ha obtenido importantes premios como el Home & Gardens Designer Awards (2014), Azure Az Awards (2011), La obra del año (2010) y MIPI Architectural Review (2010), entre otros.

Silla Leather Collection

design

STUDIO ROCA

Rodrigo Alegre y Carlos Acosta

Silla 69

Silla Primitiva

l diseño mexicano ha sufrido una enorme transformación en los últimos 10 años, la cual se debe a la constante lucha de los diseñadores que quieren que en sus creaciones se represente nuestra cultura. El apoyo global por parte de los medios de comunicación que difunden esta disciplina, la hacen más deseable al público, acción que favorece en la exigencia del usuario al querer más y mejor diseño, al mismo tiempo que se convierte en un “conocedor”. Esta difusión será una importante influencia para mejorar la calidad y la creación de un diseño con mucho más fondo, honestidad y, por ende, mayor responsabilidad. Por otra parte, la sustentabilidad deberá ser explorada y usada en sus cuatro aspectos: ambiental, social, cultural y económico, generando una cadena productiva donde el diseñador coordine el proceso completo, es decir, desde el surgimiento de una idea y al afilar el lápiz, hasta llegar a lo comercial de forma responsable que beneficie a sus participantes. Afortunadamente, el tema predominante en la actualidad es el diseño sustentable, estamos inmersos en 64

Buró calado

este cambio que pide a gritos el replanteamiento de las formas de diseñar, al preguntarnos objetivamente qué beneficio social, cultural, económico y medioambiental generaremos con nuestras ideas y la manera en que hasta ahora concebimos al diseño. Se trata de generar valor con el diseño, el cual es, en definitiva, un generador de cambios, conductas y estilos de vida. Hay una buena frase: “today it’s not about lifestyle it’s about lifecycle”. Falta que el diseño forme parte de la vida diaria de todos, no importando su nivel cultural ni clase social. Creemos que las instituciones, los líderes, las grandes empresas y los medios deberían tomar esta disciplina como parte de la estrategia en su filosofía de negocios, comunicación, mercadotecnia y servicios. Debemos seguir sumando esfuerzos para que nuestro diseño trascienda y se perfeccionen los procesos de calidad para que como tantas cosas en México, finalmente sean dignas, se exhiban y comercialicen de la misma forma en todo el mundo, este mundo al que tanto le gustamos. www.studioroca.com

TRAYECTORIA • Studio Roca surge en el 2002 como una iniciativa de Rodrigo Alegre y Carlos Acosta, ofreciendo servicios y productos tanto de diseño propio como de marcas nacionales e internacionales. • Se han consolidado como una referencia en el ámbito del diseño nacional. • Actualmente, se destacan por traer a nuestro país importantes marcas internacionales como Tom Dixon y recientemente, son los anfitriones de la firma holandesa Moooi.

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RICARDO CASAS

Poltrona Clara para Notwaste Black Edition

e parece que el diseño en el país vive un buen momento y está en desarrollo. Como primer paso la tecnología nos ha brindado facilidades de acercamiento y difusión en otros sectores, mercados y audiencias; como siguiente paso las redes sociales están cambiando el cómo se presenta, se consume y se vende diseño; por último la digitalización del diseño está generando herramientas más accesibles que pondrán al alcance la posibilidad de creación a mucha más gente y eso tendrá una repercusión directa en nuestra profesión. El tema actual más importante y urgente es generar más acercamientos entre los diseñadores y la industria, cambiar la visión que tienen del diseño de un gasto innecesario a una herramienta de venta y factor de desarrollo económico. Una de las cosas más urgentes es generar conexiones con la industria; como diseñadores esperamos que se acerquen, pero no existe la cultura empresarial para contemplar al diseño como una inversión y no como un simple gasto. Hay que replantear y dirigir nuestros esfuerzos, cambiar paradigmas, pensar en qué público y mercado queremos incidir y qué queremos comunicar. En este sentido eventos emergentes como el Abierto Mexicano de Diseño son una gran plataforma. No es tanto hacer eventos de diseño para diseñadores y prensa

especializada. Necesitamos más apertura, nuevos mercados y clientes, así como generar un conocimiento del público general de lo que es el diseño y lo que hace y puede hacer un diseñador industrial. Mis esfuerzos se están encaminando en este sentido, promover la autogestión debido a la ausencia de instituciones promotoras y de vinculación, hay que volverse un agente real de cambio. Siempre existirán dos polos de mercado, el más exclusivo y al que no hay que pretender que no queremos llegar, porque todos queremos estar ahí y tener comisiones o presupuestos millonarios para trabajar, pero también hay gran potencial en ser no sólo el desarrollador sino el productor y comercializador de tu propio trabajo. Cerrar el ciclo de producto y encargarse de todas las etapas involucradas. También hay que detectar el valor de los procesos productivos a los que tenemos acceso, la fabricación y manufactura disponibles en México generan objetos y productos con una estética propia. Podemos hablar desde las posibilidades materiales como un valor en sí mismo y aquí entra en juego la adaptabilidad del diseñador para desarrollar un mercado donde la competencia aumenta con la formación de más y mejores generaciones.

TRAYECTORIA • Ricardo Casas es egresado de la Universidad Iberoamericana. Ha impartido clases en la Universidad Iberoamericana, Centro de Diseño Cine y Televisión y Universidad Anahuac del Norte. • Es fundador y parte del Colectivo NEL desde el 2004 así como de su propio estudio RCD (Ricardo Casas Design) fundado en 2009. • Sus piezas forman parte en colecciones de distintas marcas internacionales. Recientemente fue Premiado con dos Premios Quórum y Seleccionado para trabajar con Heineken Internacional para el diseño del “Lounge of the Future” en el Design Week Milan 2014.

www.ricardocasas.com.mx 65

design

EOS MÉXICO

Sebastián y Mauricio Lara

Mesa Cortina

reemos que el diseño en México está en uno de sus mejores momentos, ya que cada día más diseñadores se han percatado de las herramientas que el país tiene; herramientas como materias primas de la región, mano de obra y diferentes procesos de transformación artesanal. Sin embargo, no todo en nuestro país es artesanía, existen empresas que cuentan con la mejor tecnología y que están invirtiendo en diseño mexicano, como es el caso de Urrea quien desde hace más de una década lo ha hecho. En nuestro caso, por segunda ocasión nos invitó a colaborar con ellos diseñando la línea Quadro, una colección de grifería que se complementa con el diseño del sanitario y del lavabo. Afortunadamente, cada día hay más ejemplos de alianzas de diseñadores mexicanos con empresas como Urrea. Pensamos que si las compañías se convencen de que el diseño es una inversión muy redituable — en vez de un gasto—, la situación seguirá siendo prometedora para la industria y los diseñadores de este país. www.eosmexico.com

TRAYECTORIA • Mauricio y Sebastián Lara son diseñadores industriales egresados de la Universidad Autónoma de Guadalajara. • En 1998 Mauricio Lara fundó la firma de diseño EOS México, dedicada al diseño, producción y comercialización de objetos. • En 2002 la firma se replantea para consolidar un estudio de diseño multidisciplinario. • En 2012, el despacho fue reconocido con el Galardón al Diseño Industrial, otorgado por el comité organizador de Guadalajara Design Week 2012, entre otros reconocimientos.

Accesorio para baño de la colección QUADRO para Urrea

design

EMILIANO GODOY

Pizelle, para Nouvel Studio

Sillón frazada

Mesa de la colección Estrellas Fugaces

reo que el diseño nacional está finalmente pasando el punto de quiebre, un momento en el cual el esfuerzo quijotesco de los diseñadores (haciendo todo el trabajo) pronto dejará de ser el principal motor del gremio. Finalmente, estamos viendo ejemplos contundentes de la industria involucrando diseñadores en la generación de nuevos productos, en la determinación de los modelos de negocios y en su escalamiento comercial. Desde mediados de los ochenta, cuando la política nacional abandonó la idea de un país industrial para orientarlo a un país maquilador, no había existido un ecosistema de diseño que de hecho entablara un diálogo con el mercado y la capacidad productiva instalada en México. Si bien el diseñador-empresario, o diseñador emprendedor es aún el esquema más común y de mayor fertilidad en el panorama nacional, creando las mejores y

más aventuradas propuestas, es importante notar cómo estos mismos diseñadores que producen y venden a baja escala están ahora tanto escalando su operación como ofreciendo su conocimiento a fabricantes y marcas de mayor envergadura y alcance. Un factor clave para esta vinculación es que el diseño esté abarcando más campos de trabajo, con una mayor diversidad en los servicios, los estilos y las capacidades que ofrece. La efervescencia en el diseño nacional es algo que lleva construyéndose al menos 30 años, pero es muy claro que esto apenas está empezando. Lo mejor está todavía por suceder.

TRAYECTORIA • Godoy estudió Diseño Industrial en la Universidad Iberoamericana, continuando su especialización en Pratt. • Godoy es también parte del taller boutique TUUX, cofundador de Pirwi, miembro del colectivo NEL y consejero del Abierto Mexicano de Diseño. • Por su trabajo ha recibido numerosos premios como tres Good Design Awards en Chicago (2009, 2012), dos selecciones nacionales y una mención honorífica para la Bienal Iberoamericana de Diseño,

www.studioroca.com 67

design

CECILIA LEÓN DE LA BARRA

Diseño de losetas hidráulicas e interiorismo para Travesías Media

Banco 2 en 1 para Colección 10, 100, 1000, proyecto de Francisco Torres y Luis Arredondo Curaduría de la exposición COPIAS para ARCHIVO, (colaboración con Jorge Gardoni)

partir de mi trayectoria, puedo decir que cada vez hay más talento e interés. No es lo que fue hace 15 años cuando yo me gradué, hoy tenemos publicaciones, mucho contenido en internet y más apoyo institucional. Como académica veo que se trata de un ciclo de multiplicación exponencial. Cada vez hay más demanda y en cada generación egresada hay una semilla que gestará su fruto y renovará la misma academia además del medio profesional. Al ser docente puedo contar mis experiencias y contagiarme de propuestas nuevas, además de diseñar, hoy divido mi tiempo entre la enseñanza y la actividad curatorial. Para un estudio serio de la profesión es necesario conservar y catalogar la memoria de la actividad profesional, así como mostrar los objetos en distintos contextos, hay gente que quiere comprar y hacer una compra informada, y no sólo comprar sino producir o comisionar producciones. Una de las grandes carencias 68

que detecto es la falta de registro histórico, las tendencias van y vienen y como diseñador tienes que adaptarte cuando lo requieras pero también está la búsqueda de atemporalidad. En este sentido, es necesario hacer un registro de nuestra producción, porque si no se pierde la huella del trabajo realizado. Se trata de generar, poco a poco, una cultura tangible de los productos y objetos en la sociedad, que ésta valore el papel del diseño y a partir de esto procure tenerlo como parte de su vida común y lo adquiera o coleccione no sólo como asunto de moda. En México hay de todo para todos. Creo que la industria se está abriendo al diseño, desde los emprendedores hasta la mediana empresa, se está reconociendo y apostando por el potencial de crecimiento que posee. Es un asunto de exposición, mientras más personas sepan al respecto se crea un mayor acercamiento. www.cecilialeondelabarra.com.mx

TRAYECTORIA • Cecilia León de la Barra es diseñadora industrial por la Universidad Iberoamericana y actualmente se dedica a la docencia y la curaduría. • Fue fundadora del despacho de diseño MOB, así como del colectivo de diseñadores independientes NEL. • Su trabajo ha sido expuesto en México y el extranjero, destacando las muestras Rethinking Tradition, Contemporary Design from Mexico en el instituto Mexicano de Cultura, en Washington D.C. en 2010 y Hecho a Mano: Nuevos procesos colaborativos de Diseño, en México.

design

EZEQUIEL FARCA

Departamento MU

Regina chair

or mucho tiempo México ha generado una fuerza creativa reconocida internacionalmente. Este reconocimiento está tomando forma cada vez con más carácter y solidez. No es suficiente un buen diseño, sino una buena manufactura, que sea constante y que pueda responder a los volúmenes que el mercado necesita, esto sólo si queremos competir internacionalmente. Afortunadamente, cada vez más, la industria en México está dedicando tiempo y recursos al diseño y al talento mexicano, creo que existe una preocupación por impulsar el talento y apostar que éste puede vender y hacerlo bien. La transformación del diseño debe de estar ligada a la globalización y las tendencias, y no a la evolución de la calidad de la manufactura. El diseño hoy es global y tenemos que pensar que el éxito depende de que seamos capaces de atender esta demanda; no creo en el diseño de

tendencia ya que éste se convierte en una moda y, por lo tanto, tiene caducidad. Para mí la transformación viene al retar a los mercados internacionales, aprender y competir, esto es lo único que creará una transformación del diseño en México. El camino que va tomando el diseño nacional depende de nosotros, de cuál es nuestro objetivo, de dónde y en cuánto tiempo queremos estar ahí. Los cambios van tomando su propia forma pero debemos tener un objetivo claro y trabajar para y con esa idea en la cabeza todos los días. Creo que hoy en día hay talento y manufactura, pero la parte más importante de esto es que el timing sea el correcto para que se dé a conocer cada uno de nuestros trabajos, nuestros procesos y nuestra pasión por lo que hacemos.

TRAYECTORIA • Ezequiel Farca es director creativo del estudio Ezequiel Farca arquitectura y diseño. Egresó de la Universidad Iberoamericana y fue becado por la Western Washington University para la especialización en Diseño Industrial. En 1995 abrió su primer estudio de diseño. • En su trayectoria ha sido reconocido con más de 60 premios nacionales e internacionales, siendo los más recientes la medalla de plata y bronce del International Interior Design Award.

www.ezequielfarca.com 69

escaparates

ESCAPARATES El diseño de un escaparate debe transportar al espectador a un pequeño mundo en el que, a través de los objetos, se describa una interesante historia, que genere la necesidad de consumo y de pertenencia. La mercadotecnia se pone al servicio del arte y el diseño de vanguardia para crear conceptos únicos de ambientación en las vitrinas de las marcas más importantes del mundo, que exhiben temporada tras temporada las tendencias en moda, mobiliario, accesorios para el hogar, joyería, iluminación y otros aspectos que forman parte de nuestro estilo de vida. Textos redacción

PAUL SMITH

LON DRES

Fotografía cortesía Paul Smith

l diseño de la nueva tienda Paul Smith en Albermarle Street, Londres, representa una complejidad óptica debido a las diferentes texturas de su fachada, misma que reinterpreta las boutiques del siglo XVIII a través de un patrón de círculos entrelazados de hierro que hacen resaltar las vitrinas, en forma de cápsula, donde se exhiben los productos. Durante el día, la luz natural juega un papel importante, pues es generadora de sombras que, debido a la repetición circular, proporciona mayor profundidad y aparenta ser un tejido fino. Cada panel de hierro fue modelado digitalmente e incorpora una serie de solapes para ocultar la estructura de revestimiento, al mismo tiempo que permite la expansión térmica y ventilación. www.paulsmith.co.uk

SWAROVSKI BASELWORLD TOKU JI N YOSHI O K A | SU I Z A Fotografía Tokujin Yoshioka

l despacho con sede en Japón, Tokujin Yoshioka, llevó a cabo el diseño de la tienda Swarovski con motivo de la Feria Internacional de Joyería y Relojería, Baselworld, en Suiza, la cual estuvo inspirada en la luz reflejada en el agua y en el brillo de las estrellas. La fachada se compone de 23 mil reflectores metálicos de forma hexagonal que simulan las facetas de los cristales de Swarovski, éstos extienden la curvatura de la boutique al crear unos muros dinámicos que, en conjunto con iluminación LED estratégicamente posicionada, ofrecen un espacio de luz y destello a los asistentes. A esto se le agrega el efecto lumínico que recrea la idea de que un cisne (logo de la firma) se encuentra en un lago con las alas extendidas y éstas brillan por la luz del sol. www.tokujin.com 71

escaparates

DE BIJENKORF UX US | HOL AN DA

Fotografía cortesía Uxus

xus fue el despacho invitado por la firma holandesa De Bijenkorf, para la creación de sus vitrinas en Amsterdam, las cuales resultaron ser auténticas escenografías que simulan un bosque encantado, habitado por criaturas mágicas como hadas y huevos de piedra de colores tornasol, así como también por elementos de la naturaleza como ramas de árboles. La inspiración en el diseño de estos pequeños escenarios surgió de los teatros de juguete hechos de papel de la Época Victoriana, y para representarlos se emplearon capas escenográficas en 2D y 3D. Todas envuelven de forma enigmática los artículos exhibidos con la intención de incitar al espectador a indagar y conocer de cerca cada uno de los objetos. En conjunto, Uxus y De Bijenkorf proyectaron la idea de lo que podría pensarse que pasa en las boutiques mientras las personas duermen. Un mundo de ilusiones y espacios misteriosos que transmiten toda una aventura llena de fantasía. www.uxusdesign.com

DIOR PARÍ S

Fotografía cortesía Dior

rquitectura y diseño se hacen presentes en las vitrinas de Dior de la Avenue Montaigne en París, las cuales, a través del azul del cielo y las estructuras geométricas, conducen hacia un mundo más allá de la realidad, pues están inspiradas en la obra del pintor surrealista de origen belga René Magritte, quien invitaba al observador a volverse “hipersensitivo” a lo que acontece en su entorno. Los artículos que visten el espacio parecen estar suspendidos entre las nubes que rodean las ventanas en color blanco, mismas que provocan profundidad en el panorama gracias a los diferentes planos utilizados, que, paralelamente, enmarcan las piezas de la firma con el objetivo de provocar la sensación de situarse en un sueño. www.dior.com 73

escaparates

THEORY NORTH BEVERLY NEN DO |NU EVA YO R K

Fotografía cortesía Nendo

l seguir la línea de la firma de diseño de moda Theory con sede en Nueva York, la cual se caracteriza por su simplicidad y funcionalidad, en el empleo de materiales, la firma japonesa Nendo vierte su filosofía creativa al crear todo un concepto de exhibidores en los que el usuario interactúa con el espacio. Para lograr lo anterior, se pensó en un plan de circulación urbanista dentro de la tienda en el que el flujo resultara constante y natural; sentido que, del mismo modo, se ve reflejado en los aparadores, por lo que los maniquíes se encuentran perfectamente alineados permitiendo la visión del interior. Asimismo, los tonos sobrios del piso, en el que cuadrados remarcan la figura de los objetos; el techo es color negro, cuya iluminación brinda profundidad al espacio, y los espejos a los costados crean un instante de orden y ligereza simultáneamente. www.nendo.jp

escaparates

GALERIES LAFAYETTE PARÍ S

Fotografía cortesía David Small Hugonot

impieza y geometría es lo que ofrecen las cuatro vitrinas de la tienda Lafayette, París, pues es a través de círculos y líneas rectas que las prendas exhibidas resaltan en medio de paneles de color blanco que se apoderan de todos los elementos. Para este proyecto creativo se recurrió a la experimentación y al juego entre los productos, los cuales, en conjunto con la estructura que los rodea, conforman un ritmo visual. Una sensación de suavidad y pulcritud es la que transmiten estas vitrinas que incluyen también esferas blancas de diferentes dimensiones, que brindan a su reducido interior un contexto orgánico. Las líneas que mantienen continuidad, son también protagonistas de este escaparate, el cual podría definirse como una hoja en blanco con cortes de tijera que dan origen a la estructura de la que emergen vestidos, camisas, zapatos y accesorios de las últimas colecciones que ofrece el famoso almacén. www.lafayette.com 75

escaparates

SND FASHION STORE 3 GAT TI | CHI NA

Fotografía Shen Qiang

e la idea de “colgar todo” surge este proyecto creativo, un espacio en el que el techo es el elemento principal gracias a que aparenta ser derribado, característica a la que se agregan factores como la iluminación, la cual permite la diferenciación de tonalidades en éste y proporciona movimiento y dinamismo en cada una de las piezas de fibra de vidrio traslúcido. Para llevar a cabo este proyecto, 3GATTI —estudio de diseño interdisciplinario que integra arquitectura y artes visuales— orientó la luz emitida para que se reflejara en los muros de espejos de la SND fashion store, en China, y cristales que van de suelo a techo y así lograr un paisaje espacial más grande y desorientar a los usuarios que caminan alrededor de las “cavidades etéreas”. Así, el interior de la tienda se conecta directamente con la fachada, pues su transparencia permite mostrar el volumen del techo, provocando una atracción escultórica para aquellos interesados en la moda. www.3gatti.com

BERGDORF GOODMAN + SOTHEBY'S NU EVA YORK

Fotografías por Ricky Zehavi

a casa de subastas Sotheby’s llevó a cabo una alianza con la tienda departamental Bergdorf Goodman de Nueva York, para promocionar su Art Day Sale de 2014 en los escaparates de sus instalaciones de la Quinta Avenida. El equipo creativo de Bergdorf Goodman curó una serie de atuendos elegidos especialmente de entre la gama de alta moda que ofrece la tienda, para elaborar composiciones con trabajos artísticos realizados por nuevos y consumados artistas. Esta fusión dio origen a interesantes piezas que fueron exhibidas en los aparadores de Bergdorf Goodman previo a la subasta pública del Art Day Sale de Sotheby’s en noviembre de 2014. Los trabajos incluyen íconos del arte pop como Andy Warhol y Robert Indiana, así como jóvenes artistas que están dando de

qué hablar en la escena actual del arte, tales como Dan Colen y Michael Manning. Los trabajos han sido consignados a Sotheby’s por coleccionistas de la talla de The Sender Collection, que incluye a algunos de los artistas más influyentes de las últimas décadas, así como de la colección privada de Peter B. Lewis, renombrado hombre de negocios que fuera patrono de las artes hasta su fallecimiento en 2013. La subasta, promoviendo obras que este año iban de unos pocos miles de dólares hasta los 4 millones, es una oportunidad para que tanto coleccionistas emergentes como compradores ya establecidos en el medio crezcan sus adquisiciones en materia de arte. www.bergdorfgoodman.com 77

escaparates

STELLA CADENTE AT E L I ER DU PONT | PARÍ S Fotografía Shen Qiang

l diseño de esta boutique en París surge de la estrecha relación de amistad entre la diseñadora Stella Cadente y la arquitecta Anne-Cécile Comar de Atelier du Pont, quienes han llevado a cabo proyectos en conjunto al compartir las visiones de su profesión. En esta ocasión, el color dorado y la creación de una perspectiva de ondas son los elementos que se hacen presentes. Cristales de piso a techo enmarcados en metal dorado son los elementos que conforman la calidez en el interior del lugar, junto con la iluminación y el brillo de color que envuelven las vitrinas. Este espacio parisino rompe con los escaparates habituales que suelen ser en mayor medida monocromáticos y sobrios. Además, la forma cilíndrica que empleó Atelier du Pont, en la que se colocan las prendas colgadas, complementa la visión de dos elipses que rodean al usuario al encontrarse dentro del establecimiento. www.atelierdupont.fr 78

escaparates

BLEND DESIGN STORE PEDRO FRI EDEB E R G | MÉ XI C O Fotografía Carlos Madrid

entro del marco de la sexta edición de Design Week México 2014, la obra del artista de origen italiano Pedro Friedeberg, quien fue considerado por el artista André Breton (1896-1966), como el último de los surrealistas mexicanos, tuvo presencia en los escaparates de Blend Design Store, ubicadas en Avenida Palmas. En estas vitrinas, el creativo dio muestra de su arte conceptual a través de una escenografía de líneas definidas, colores vibrantes que caracterizan a la cultura mexicana: rosa mexicano, azul, amarillo, anaranjado y morado acompañados de la neutralidad del negro, blanco y gris, además de símbolos religiosos antiguos, que conformaron un ambiente lleno de contrastes e historia. Sin duda, una de las piezas que no podía faltar en estas vitrinas es la “Mano-silla”, diseñada en 1962 (originalmente creada en madera cubierta por láminas de oro), en diferentes colores. Ésta tuvo como escenografía los patrones ópticos de Friedeberg plasmados en paneles como parte de la exhibición. www.blendmexico.com 79

design

A BI E RTO MEXICA N O D E D ISEÑ 0 2 0 14 En su segunda edición, el Abierto Mexicano de Diseño 2014 reunió proyectos cuya esencia creativa se vio reflejada en los procesos de realización, estos involucraron la experimentación de técnicas y materiales con el objetivo de destacar y hacer valer lo que hay detrás de cada una de las piezas exhibidas en las diferentes sedes del Centro Histórico de la Ciudad de México. Este año destacó la presencia de personajes internacionales como Kengo Kuma, Moritz Waldemeyer y el colectivo GT2P. Texto redacción Fotografía Carlos Madrid, Karla Rodríguez y Sófocles Hernández

COMPLEMENTOS

TALLER NACIONAL Y A MAYÚSCULA

Set de geometría, Ricardo Casas

on el objetivo de materializar la fusión de ideas de 14 diseñadores, el Taller Nacional, fundado por Luis David Arredondo, y A Mayúscula, creado por Alejandra Rodríguez y Maggie Delgado, llevaron a cabo Complementos, un proyecto que experimentó con diferentes técnicas de diseño y generó una colección en la que se unieron diferentes procesos de producción. La serie exhibida en el tercer piso de un edificio de la calle 5 de Mayo, se conformó por objetos diseñados bajo la temática de los complementos básicos para áreas de trabajo y con la intensión de comercializarlos y venderlos tanto en México como en el extranjero para dar a conocer el diseño nacional. Las piezas fueron fabricadas a través de procesos que involucran el trabajo 80

Botiquín de Taller NU

en madera y metal, materiales que dieron como resultado una serie de accesorios útiles en el desempeño de actividades laborales como escuadras, reglas, pisapapeles, bancos, ábacos, entre otros utensilios. Algunos de los diseñadores participantes fueron Olga Olivares y Pilar Obeso con Taller NU, especializado en diseño de moda y calzado; Nancy Rodríguez a través de su firma joyera: Driguez; Michel Galindo con Gala is love; Rocío Cortés y Ana Paula Alatriste, fundadoras de la marca textil Déjate Querer; Francisco Torres con Ediciones Jalapa, entre otros.

www.complementosmx.com

Espejo de Paul Roco

HABITACIÓN NATURART MASISA LAB

romover los enchapados de Masisa en piezas de diseñadores que están marcando las nuevas tendencias en el país es uno de los objetivos principales de esta marca que, a su vez, mantiene su compromiso como importante impulsora de los nuevos talentos del diseño nacional. En esta ocasión, como patrocinador del Abierto Mexicano de Diseño, la firma eligió a un grupo de cuatro diseñadores emergentes para ambientar con sus creaciones una habitación del Hotel Down Town, del Centro Histórico, bajo el concepto de “habitación boutique”, empleando los enchapados Naturart de Masisa. El grupo estuvo integrado por Laura Noriega, FOAM, Rodrigo Noriega y Paul Roco quienes crearon una colección compuesta por bancos, armarios, vitrinas, espejos y otros complementos en un concepto de interiorismo funcional y contemporáneo. La habitación fue presentada al público en la final internacional del Concurso de Diseño Masisa 2014.

www.masisa.com

Escritorio de Rodrigo Noriega

Guardado Básico, Foam

design

F.B.5_01

LUIS MERCADO

l diseñador industrial Luis Mercado tomó como marco las instalaciones del Centro Cultural España para presentar la colección F.B.5 _01 que está desarrollando para la firma Colektivo, que en ésta —su primera entrega— se compone de un juego de silla y mesas. Siguiendo los procesos de fabricación de aeronaves utilizados a principios del siglo XX, el creativo ha investigado la forma de maximizar la resistencia de los componentes, al mismo tiempo que se reduce el material. Estas investigaciones han dado como resultado piezas con una fuerte carga estética, pero que al mismo tiempo comunican con precisión su utilidad, evitando estilismos y elementos que no sean imprescindibles. Según el diseñador, la solución de ensamble de la mesa presenta una polivalencia, pues utiliza una misma solución en las patas para poder usarse en una variedad de tamaños y formas en la superficie, enfatizando el no tener que hacer una adecuación específica en cada aplicación, al mismo tiempo que crea una uniformidad formal entre silla y mesa que las identifica como parte complementaria y que son la base del resto de las piezas de la colección. www.luismercadorojo.com

VARIACIONES DE ALUMINIO FRANCISCO TORRES

entro de esta plataforma, el diseñador industrial Francisco Torres, en conjunto con Dear, una agencia que desarrolla proyectos en diferentes campos creativos, presentó Variaciones de aluminio, una serie de piezas realizadas a partir de este material. La colección fue lanzada por primera vez en la Feria del Mueble de Milán en 2007, como resultado de la colaboración entre seis diseñadores suizos; a diferencia de ésta, en su segunda edición fue el talento de 28 jóvenes diseñadores mexicanos quienes la conformaron y trabajaron bajo la instrucción de diseñar un objeto-mueble funcional con una hoja de 120 x 90 cm, de un espesor que varió dependiendo la pieza y con un acabado negro mate texturizado. Variaciones de aluminio es una labor en conjunto que ofrece la posibilidad de crear un ambiente distinto dentro de un espacio, a través de diferentes propuestas en luminarias, taburetes, repisas, mesas, percheros, libreros, entre otras piezas que componen el proyecto que fue exhibido en Café 123 de la calle Artículo 123 del Centro Histórico de la Ciudad de México. www.vimeo.com 82

LA PERCEPCIÓN DEL ESPACIO KENGO KUMA

engo Kuma, uno de los arquitectos japoneses con más presencia en el desarrollo de espacios actual, fue invitado a la segunda edición del AMD, donde tuvimos oportunidad de preguntarle su parecer sobre el quehacer profesional del arquitecto y los valores que lo inspiran. Lo cuestionamos sobre su vocación y nos relató cómo su visión hacia el diseño de los espacios comenzó desde temprana edad. “Mi casa de la infancia me parecía muy pequeña, vieja y oscura. Al crecer me di cuenta de que era un lugar muy cómodo y comencé a pensar en términos del espacio, cómo podría ser éste el espacio ideal en términos de las necesidades humanas”, narró el arquitecto. Enfatizó que la inspiración para un proyecto siempre viene del lugar, “no viene de mí. Suelo recorrer los lugares, observar a la gente que vive en los alrededores. Pienso que la inspiración debe venir desde fuera”. Platicamos sobre sus preocupaciones como arquitecto hablando de sus comienzos, proyectos actuales y el futuro. Kuma comenzó su práctica en 1985, momento en que la economía japonesa tenía una fuerte inercia. Con los 90 llegó la década perdida y las obras se redujeron. Entonces decidió viajar al interior del país y ponerse en contacto con la gente, sobre todo con artesanos. A través de esta vivencia, el creativo se cuestionó necesidades para el diseño arquitectónico y cayó en cuenta de la importancia de encontrar y entender la esencia de los materiales y el papel del humano en el espacio. En tiempos más recientes ha tenido la oportunidad de desarrollar proyectos fuera de Japón, pero conserva la misma actitud de buscar algo propio de los lugares que pueda transmitir en su obra. Para el futuro, nos dice que quiere encontrar nuevos campos para la arquitectura, distintos de como ésta se ha planteado en el siglo XX. “En el siglo pasado la apuesta fue por la internacionalización y la globalización, creo que la meta del diseño hoy en día debe ser regresar a la localidad. En ese tiempo se intentó eliminar las diferencias, creo que hoy en día tenemos que exaltarlas. De otra forma los lugares pierden esencia, desaparecen”, dijo Kuma. Respecto al rol del arquitecto, dice que “no debe ser solamente un artista sino un buen comunicador entre la gente y los lugares. La visión artística es básicamente egoísta, de externar sólo tu visión interior”. En su labor como docente, comenta que “el sistema educativo es muy limitante y yo quiero destruir esta clase de educación. Como profesor en la Universidad de Tokio, yo encuentro y acerco artesanos —quienes normalmente no van a las universidades—, a mis estudiantes”, lo anterior con el fin de acercarlos a los conceptos de localidad y materialidad. Le pedimos que nos contara cuál ha sido el mayor reto profesional que ha enfrentado y nos relató sobre el proyecto

Ensamble: Bosque Habitable

para la reforma del Teatro Kabuki-za en Tokio. “Hace dos años tuvimos que diseñar un nuevo teatro para el Kabuki, la ópera tradicional japonesa. Nos confrontamos mucho con la gente ya que no querían una nueva construcción, querían que se conservara. Para desarrollar el proyecto nos volvimos hacia la esencia del Kabuki y nos alejamos de las nociones occidentales de las casas de ópera”, describió. Se trataba de reinterpretar la tradición y darle un sentido contemporáneo. Kuma nos dice que la tradición no es ver hacia atrás ni con nostalgia, sino tomar elementos de la historia para lograr algo nuevo. Para finalizar le preguntamos cómo se puede considerar una buena obra de arquitectura, a lo que nos respondió: “Yo busco hacer con los materiales lo mismo que hace un chef de sushi con sus ingredientes, donde la materia prima se toma tal y como se encuentra, se respeta en su naturaleza pero también se transforma mediante el ingenio y el gusto personal. Una buena obra tiene que realizarse con buenos materiales, pero creo que la gran arquitectura surge de las relaciones, entonces hay que encontrar una buena relación entre el edificio y su emplazamiento, en su relación con las personas. Estos tres elementos básicos no pueden estar desarticulados, sino deben crear una importante unidad”. www.kka.co.jp 83

design

D ES IN G W EEK M ÉXICO 2 0 14 Texto Gerardo León Fotografía Sófocles Hernández y Carlos Madrid

n su sexta edición, Design Week México 2014 reunió lo más destacado del ámbito del diseño nacional e internacional, en un importante despliegue de propuestas en las que pudimos descubrir novedosas ideas basadas en la experimentación de materiales, formas y otras innovaciones con las que se demostró una vez más, que el talento en este ámbito trasciende y se expone ante la sociedad como un importante generador económico que necesita ser promovido como parte fundamental del rubro empresarial e industrial de nuestro país. En esta ocasión, el Reino Unido fue el país invitado, por lo que el evento contó con la presencia de destacados representantes del diseño mundial entre los que se econtraban Tom Dixon, Phlippe Nigro, Mathew Hilton, Sir John Sorrell, Christopher Sharp, Anna Karlin, Aliya Khan, Marc Thorpe y Sam Grawe entre otros, que impartieron una serie de conferencias donde describieron los procesos de producción, y la forma en que han desarrollado innovadores conceptos en el tema de mobiliario, textiles y otros tópicos relacionados con el diseño de espacios. Además de la Design House, sede principal del evento, que este año estuvo ubicada en Lomas de Chapultepec, la semana del diseño presentó diferentes escenarios de exhibición como el Parque Lincoln, donde 20 firmas de despachos de diseño mexicanos mostraron sus productos dentro de contenedores instalados en la avenida Julio Verne bajo el tema de Diseño contenido y Estructuras efímeras. En este concepto, se incluyó el trabajo de universidades y prestigiadas firmas de arquitectura que realizaron un interesante trabajo de instalación sobre el espejo de agua del parque, que consistió en el diseño de estructuras temporales con las que el público podía interactuar. Aquí, destacó la colaboración del despacho mexicano Broissin Arquitectos, Glocal Design Magazine y la empresa Masisa con el diseño de la instalación Tradición y Juego, compuesta por figuras de barcos y aviones de gran escala fabricados en laminados MDF, que representan la relación entre la familia, el juego y la creatividad. La ruta de diseño consistió en un recorrido por boutiques y galerías de la zona de Polanco y Lomas, donde el público pudo conocer de cerca la tendencia actual en las diferentes disciplinas del diseño creadas por las firmas más reconocidas del extranjero y nacionales. Aademás, se rindió un homenaje a la obra del desaparecido arquitecto Luis Barragán, donde el público pudo conocer las instalaciones de la casa y el Estudio Barragán, y otras creaciones que forman parte del acervo cultural de México. 84

Proyecto Tamayo Pirwi Estructura circular flexible inspirada en las ventanas como aberturas, en un muro que permite percibir el entorno de una forma siempre cambiante.

PA BE LLÓN [ PAR QUE L INCOL N ]

"El diseño y personalidad de una silla o un objeto puede variar de acuerdo a la cuestión cultural de cada país", Tom Dixon, diseñador industrial.

ESTR UCTUR AS EFÍMER AS

Mural Constante Primal Studio Primal Studio creó un diseño inspirado en una vieja cámara fotográfica.

Hackeado Universidad Anáhuac Norte Estructura compuesta de hilos de plástico y metal con puentes y asientos.

Tradición y juego Broissin Arquitectos, Masisa y Glocal Design Magazine La instalación está compuesta por barcos y aviones creados por la unión de placas de MDF. Las figuras están montadas sobre estructuras de metal que representan a una familia: padre, madre e hijo, que juegan con los aviones en el parque; un diseño que expresa la relación entre la familia, el juego y la creatividad.

ES T R UCT UR AS EFÍ MER AS

ESTR UCTUR AS E FÍMER AS

“Tres aspectos involucran la realización de una pieza: simplicidad, limitantes y relevancia”, Mathew Hilton, diseñador industrial.

[ PA RQU E LINC OLN ] “La importancia del diseño recae en ser una actividad que impacta en la vida de las personas”, Sir John Sorrel, fundador de London Design Festival.

DISE ÑO C ONTE NIDO

ES TRU C TU RA S E F ÍM E RA S

Contenedores Diseñadores, universidades y empresas mostraron sus creaciones dentro de contenedores de carga naviera restaurados y adapatados para convertirse en galerías y áreas de exhibición temporal. ¿Cuál es tu huella? Ibero Arquitectura Instalación creada a partir de tarimas de madera sobre las que cuelgan distintos tipos de zapatos, con un mensaje a favor del medio ambiente.

design

Thalos Universidad La Salle La estructura es un diseño de geometría paramétrica, elaborado en laminado de plástico, con un puente por el que la gente podía transitar.

Dentro de la ruta del diseño, Pirwi presentó una nueva colección de mobiliario y lámparas creada por el artista cubano Jorge Pardo.

PIR W I ES T R U C T U R A S EFÍMERAS

“La responsabilidad social al diseñar es: adecuar el costo acorde al diseño”, Christopher Sharp, fundador de The Rug Company.

[ PARQ UE L I N C O L N ] [ RU TA DE L DISE ÑO ]

LI G N E R O S E T

Design Primario La tienda de diseño tuvo como escaparate lo más reciente de la colección de mobiliario del diseñador francés Philippe Nigro para Ligne Roset.

"Es muy importante que a la hora de invertir en un objeto, el cliente sepa su proceso de diseño de principio a fin", Philippe Nigro, diseñador industrial.

El público conoció de cerca la colección Fusión realizada en conjunto con el despacho japonés Nendo y esta firma danesa.

BO CONCEPT

El diseñador Ezequiel Farca invitó a su colega Alexander Andersson a presentar su más reciente trabajo en el que rinde homenaje a Pedro Ramírez Vázquez, al reinterpretar mobiliario creado por el prestigiado arquitecto en la mitad del siglo pasado. Estudio Lofft El showroom dio a conocer la propuesta del diseñador inglés David Trubridge, basada en el diseño de luminarias de formas geométricas inspiradas en la vida marina.

ESTUDIO LOFT

EZ EQ UI EL FA RCA

“Cree en ti mismo y en el mensaje que quieres transmitr con la obra o trabajo que realizas”, Lisa Immordino, directora fílmica y directora del documental de Diana Vreeland.

[ R U TA DE L DISE ÑO ]

I NÉD I TO Y F UN C I O N AL

P ORC E LA NOSA

Pedro Ramírez Vázquez En el marco de su 50 aniversario, el Museo de Arte Moderno (1964-2014) celebró a quien fuera su autor, Pedro Ramírez Vázquez (1919 - 2013), con una exposición de su obra.

A RTE M IDE La marca exhibió las tendencias en mobiliario de baños y cocinas, con novedosas propuestas en materiales y formas.

Artemide Copernico suspensión y Cosmic Landscape de Ross Lovegrove, fueron dos de las colecciones que ofrece esta marca en su showroom de Polanco. 87

residencial

D ESIGN HOUSE 2014

ESPACIOS INTERVENIDOS, DWM 2014 Texto Gerardo León

Fotografía Sófocles Hernández

na vez más, Design Week México 2014 convocó a arquitectos e interioristas nacionales e internacionales a transformar una residencia de los años 70 en un recinto de diseño donde plasmaron sus propuestas para crear todo un estilo de vida. Innovación en materiales, formas y diseños de lo más alternativo se pudieron apreciar en esta ocasión en la que los creativos pudieron recrear estancias inspiradas en diferentes temáticas que iban desde un bar, una sala de televisión, un cuarto de velador y hasta un baño donde una gran avestruz es la protagonista. Uno de los objetivos principales de la casa este año, fue el trabajo colaborativo que debían realizar los diseñadores en cada uno de sus espacios para generar alianzas con otros creativos y fomentar la importancia del trabajo de equipo en la industria nacional.

residencial

C CÚBICA

l espacio de C Cúbica, organizador de Design Week México, propuso un espacio inspirado en la obra del artista estadounidense James Turrel, la cual se define por bañar con luz de color los interiores más minimalistas, creando diferentes efectos ópticos. “Nos inspiramos en la obra de este artista involucrando mobiliario y los más mínimos detalles para crear una habitación que a su vez, hiciera referencia a una biblioteca de nuestros tiempos en la que los libros se encuentran encerrados en una vitrina sellada en el piso. Esto lleva detrás un claro mensaje porque a la gente ya no le gusta tocar los libros, mismos que poco a poco van quedando enterrados en el olvido gracias al uso de la tecnología actual”, describe Andrea Cesarman, directiva de C Cúbica Arquitectos. www.ccubicaarquitectos.com

MATERIA ARQUITECTÓNICA P

or lo regular, uno de los espacios que más pasa desapercibido en la casa es el del velador, pero en esta ocasión el arquitecto Gustavo Carmona en conjunto con su socia Lisa Beltrán, del despacho Materia Arquitectónica, ha logrado que este pequeño lugar tome un sentido mucho más sensible en el que se conjugan el arte y el diseño para crear todo un concepto de tiempo y espacio en el que el usuario se encuentra inmerso en la contemplación. “El punto de partida fue el concepto del tiempo y en cómo éste se alarga y se contrae dependiendo de la manera en que lo abordamos, en la manera funcional en la que lo gastamos. “El cuarto se divide en dos partes: el de la función y el que ocupa el aspecto contemplativo del velador; se trata de activar los sentidos, hemos sobrevalorado la parte visual de la arquitectura y no experimentamos otros

sentidos. Es un ejercicio de contenido visual, sentir la textura de los muros la temperatura, la luz tenue… es necesario ocupar otros sentidos más que solo la vista”, explica Carmona. En este sitio aparece la colaboración de Adrián Guerrero con una gualdra de madera; David Pompa, con las lámparas de barro negro; una curaduría de audio por parte de José Ita quien conceptualizó el ambiente a través de sonidos que estimulan los sentidos; y finalmente Roberto Blanco con un muro con moldes de concreto colado en color negro.

www.materia-arquitectonica.com.mx

residencial

ESRAWE STUDIO

l diseñador Héctor Esrawe en conjunto con el director creativo de Esrawe Studio, Javier García y el artista mexicano Roberto Barquet intervino la sala de estar de la casa en donde el objetivo fue integrar el exterior con el interior. “El proyecto es una intervención de la sala de estar de la casa y consistió en redefinir la frontera entre el interior y el exterior. Fue una intervención en el sitio donde trabajamos sobre lo que ya existía, como un muro con acabados de estilo Clásico", describe Esrawe. Se creó una especie de velo que fuera monocromático que a su vez formara un diálogo con el jardín (intervenido por el paisajista Pedro Sánchez), manteniendo de alguna manera la memoria del lugar. "Dos vidrios de formas curvas envuelven de forma orgánica tres espacios: el primero recibe al visitante con plantas aromáticas, posteriormente existe una zona de lectura y reflexión y al final una zona para compartir y conversar", explicó Javier Gacía. La intervención se complementa con la participación del artista Omar Barquet (Galería Arróniz) con una obra realizada en el sitio con duración de tres semanas donde el espacio se mantiene activo, bajo el título de Hedera que representa una hiedra que crece desde las molduras florales y el jardín invadiendo día a día el espacio interior. La técnica utilizada es a partir del uso de cintas adhesivas (utilizadas previamente en diversas obras del artista), esmalte y desgaste de la pintura en sitio.

www.esrawe.com 92

ESTUDIO 2.28 L

as diseñadoras de interiores Alejandra Albarrán y Mariana Rivero han recreado la habitación de un hotel dedicada a un hombre o una mujer apasionados del diseño y de los viajes. Se trata de un ambiente en el que se plasma una atmósfera cálida para una estancia temporal ubicada en un clima invernal, tal vez, en las montañas de Aspen o en los Andes. “Es una cabaña contemporánea en tonos muy neutros como negro y blanco y un poco de gris. El atractivo del espacio es cómo las figuras geométricas van formándose y se van descomponiendo para dar forma al escritorio y a la chimenea.

“Se emplearon 495 piezas de madera de encino colocadas a mano, una por una, para crear el lambrín, el cual cubre un ventanal que deja pasar la luz del exterior de manera sutil, para darle un toque acogedor a la estancia”, Describe Alejandra Albarrán. El color negro le brinda un look elegante y sofisticado al interior con el propósito de darle un aspecto contemporáneo en el que también conviven el arte y la moda.

www.estudio228.com 93

residencial

VELASCO ARQUITECTOS E

l baño creado por Germán Velasco fue uno de los más controvertidos de la casa, el emplear objetos y detalles únicos que dieron origen a una atmósfera llena de contrastes. “El espacio está inspirado en la Gruta Azul de Capri. Entras por un hueco como si fuera una caverna a la que entras por el mar y se pinta de azul todo el espacio como podría verse una gruta en la noche”, explica el diseñador. Al estar dentro, aparece la marquetería creada por la firma Chapas y tableros finos, que contrasta con muros de color azul con una lámpara en forma de tubería de latón y un tapiz de la marca Déjate Querer instalado en la pared a manera de cascada, cerca de la tina. Dentro de ésta se halla una avestruz de color negro del artista Miguel Ángel Madrigal. “El tapiz de la tina simula las rocas de una cueva y se convierte después en marquetería. Este cuarto tiene un sauna y el área de las regaderas. Otras piezas de autor resaltan en el espacio como regadera Axor Lampshower diseñada por Studio Nendo, llave de lavabo Axor Starck Organic, llave de tina de Jean-Marie Massaud con chorro de cascada de Hansgrohe y un WC de Philippe Starck de la marca Duravit. Además, en el sauna aparece una lámpara de origami de Issey Miyake. Los acabados y marquetería se realizaron en colaboración con la marcas Masisa y Chapas y tableros finos. www.velascoarquitectos.com

STUDIO ROCA P

romover los detalles de la arquitectura típica mexicana junto con el diseño contemporáneo, es uno de los objetivos actuales de la firma de diseño Studio Roca, integrada por Rodrigo Alegre y Carlos Acosta, quienes estuvieron a cargo del diseño de la terraza y la barbería de la Design House. “El volumen arquitectónico de la terraza no existía y lo creamos por completo. El concepto se basó en el país invitado Gran Bretaña y la forma en que íbamos recibir a los creativos de este país en nuestro espacio, como el reconocido diseñador Tom Dixon quien colabora actualmente con Studio Roca. “Se pensó que el espacio fuera como un club o bar, donde al igual que la barbería empleáramos materiales mexicanos como piedras nativas, maderas nacionales y otros detalles tanto por fuera como por dentro, para que se convirtiera en un diseño contemporáneo pero a su vez representativo de nuestra arquitectura”, explica Rodrigo Alegre.

La paleta de color es oscura y en tonos tierra para representar la materia prima de los materiales y al mismo tiempo resaltar el brillo de las piezas elaboradas en metales como las luminarias de cobre de Tom Dixon. Talavera, barro y otros acabados se muestran en estos espacios donde “proponemos nuestra tendencia, que consiste en plasmar una interpretación de lo que nosotros creemos que es la arquitectura nacional actual”, señala Alegre.

www.studioroca.com 95

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A R Q UI TECT URA AC TUA L Texto redacción Fotografía cortesía

En el contexto del cuarto aniversario de Glocal Design Magazine, nuestro equipo editorial decidió brindarle espacio a una selección de obras arquitectónicas realizadas recientemente en México, que sobresalen por la calidad de su concepto y realización. Tras una ardua investigación, mostramos obras de distinta tipología, en la que resaltamos el balance entre la estética y la funcionalidad de proyectos realizados dentro de un desarrollo congruente del plan arquitectónico.

BODEGAS DECOTE SERRANO MONJARAZ Fotografía cortesía Serrano Monjarraz

as bodegas de vino se han transformado con los años, dando espacio a una serie de actividades paralelas a la cosecha de la vid. Ejemplo de esto, es el programa arquitectónico de Bodegas De Cote, ubicadas en la región de Ezequiel Montes, en el estado de Querétaro, que debía facilitar la operación de los viñedos y además asegurar que los visitantes pudieran pasear por en medio de ellos. Las salas de tanques, la embotelladora y la bodega se ubican en el sótano y se plantearon dos espacios exclusivos para los visitantes: un bistró para degustación donde se pueden comprar vinos y diversos alimentos, y un salón de usos múltiples con restaurante para eventos. La bodega se creó a seis metros de profundidad, y mantiene la temperatura adecuada de las botellas de vino, lo que evita el uso de equipos de refrigeración y control de humedad, ahorrando al máximo el uso de energía. La tierra obtenida de la excavación del sótano sirvió para fabricar bloques que, a su vez, formaron una retícula ordenada acorde con el trazo de las líneas del sembradío de la vid. Lo anterior no sólo tuvo un fin útil, también se capacitó a los trabajadores de la región y se logró promover la actividad milenaria de construir con la tierra. www.serranomonjaraz.com

Se hizo un s贸tano a seis metros de profundidad que mantiene la temperatura adecuada de las botellas de vino, para evitar el uso de los equipos de refrigeraci贸n y control de humedad, ahorrando al m谩ximo el uso de energ铆a.

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CASA LA ELÍAS RIZO ARQUITECTOS Fotografía cortesía Elías Rizo

ompiendo el orden de construcción establecido por las casas vecinas, la Casa LA, erigida en Tapalpa, Jalisco, retrocede una distancia considerable de la línea de calle para generar un amplio camino abierto y arbolado, que da la bienvenida y conduce a la entrada principal. Ésta, a su vez, dirige a un pasadizo abierto, que corre a lo largo de un muro labrado en piedra. Una caja de cristal que contiene un estudio, sobresale del edificio y parece flotar sobre un espejo de agua, el cual, cuenta con un camino de adoquín, a manera de puente, que lleva a las zonas comunes de la casa. Se implementó un esquema de patio central para introducir ventilación natural en todos los espacios del interior. Ampliando el tema de la permeabilidad 98

que domina la planta baja, soluciones similares se llevaron a cabo en el segundo nivel, para conceder espacios privados abiertos. Lo mismo sucede con el pequeño patio que permite la ventilación natural de la recámara principal y los generosos balcones que proveen de agradables vistas del jardín a todas las habitaciones. Cruzando el césped, más allá de los espacios de la planta baja, se encuentran una piscina y un volumen de concreto que alberga una sala de entretenimiento con un ventanal que deja apreciar un barranco cercano a la propiedad. www.thelivingnewyork.com

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Una caja de cristal que contiene un estudio, sobresale del edificio y parece flotar sobre un espejo de agua, el cual cuenta con un camino de adoquines, a manera de puente, que conduce a las zonas comunes de la casa. 99

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CASAP L A SLAT I K ATOMATINA RQUITECTOS Fotografía cortesía Óscar Hernández

l proyecto de esta casa de fin de semana se divide en dos partes y está pensada según el nivel de privacidad de los recintos: un volumen cerrado de piedra que resguarda las habitaciones y un volumen abierto en cristal que da la bienvenida y permite apreciar las funciones públicas de la casa. Piedra natural, concreto aparente y oxidado, madera y acero componen la estructura de la casa de forma discreta y en balance con el contexto. La zona pública pierde su materialidad hacia el exterior. Desde el interior los límites del espacio se extienden fuera de la vivienda generando un diálogo con el paisaje, intensificando la fluidez espacial. La construcción se adecúa a las condicionantes del lugar en busca de las mejores vistas y orientaciones.

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El área privada cuenta con muros divisorios de carga. El área pública se resolvió en una planta libre con losa nervada y columnas metálicas; sobre esta última, la casa cuenta con una terraza abierta que permite vistas panorámicas. El acceso está resuelto mediante plataformas y escalinatas, creando un recorrido que conecta los diferentes espacios exteriores: una plaza para eventos sociales, un área para fogatas y las terrazas de la zona pública y del área privada.

www.plastikarquitectos.com

Desde el interior, los lĂmites del espacio se extienden fuera de la vivienda generando un diĂĄlogo con el paisaje, intensificando la fluidez espacial.

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CASA P CHEREM ARQUITECTOS Fotografía cortesía Enrique Macías

decir de los arquitectos la Casa P, en Bosque Real Country Club, Huixquilucan Estado de México, se construyó "como un único trazo lineal de muros de concreto, que conforman la silueta de la casa, integrando toda la composición en un arreglo geométrico fluido". Dos volúmenes principales cubiertos con una piel externa se entrelazan, para integrarse a la naturaleza circundante y crear así un patio central y un pórtico con vistas hacia el paisaje. Un muro curvo nos conduce a través del acceso y revela las primeras áreas de la casa. La disposición trapezoidal de la planta genera perspectivas donde diferentes planos se intersectan. Primero se nos muestra el patio para después exponer el jardín. Los muros interiores a manera de cortinas de concreto, se "deslizan" para dejar que penetre la luz hacia el interior y mostrar el exterior, guiándonos en un recorrido natural a través de todo el recinto. La edificación desarrolla una relación dinámica entre planos sólidos y transparencias, lo cual permite que las vistas se crucen por todos los espacios del interior percibiendo la vista del bosque. www.cheremarquitectos.com 102

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Dos volĂşmenes principales cubiertos con una piel externa se entrelazan, para integrarse a la naturaleza circundante y crear asĂ un patio central y un pĂłrtico con vistas hacia el paisaje.

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REFORMA DIANA ARDITTI+RDT ARQUITECTOS Fotografía cortesía Arturo Arditti

l corporativo Reforma Diana se localiza en el corredor financiero más importante de la Ciudad de México: Av. Paseo de la Reforma y frente a la escultura de la Diana Cazadora. Uno de los principales retos para el despacho fue entender la importancia y la responsabilidad que se presentaba al diseñar un edificio en la vía más importante de México, testigo del cambio histórico del país. Entre los objetivos primordiales de la construcción, destacó el de diseñar el edificio con una arquitectura atemporal que envejeciera con dignidad y se integrara al entorno, así como la incorporación de distintas normas nacionales e internacionales en criterios de sustentabilidad. La concepción formal del

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proyecto fue acentuar escalonamientos en los cuerpos que configuran el complejo, aprovechando al máximo las condiciones del terreno y permitiendo el paso de la luz natural hacia la calle que corre por la parte trasera del predio. Para lograrlo se diseñó una torre esbelta de 27 niveles que en su parte superior tiene un entrepiso desfasado de la volumetría general, dándole un efecto lúdico a la fuerte verticalidad de la composición. El edificio está generado por tres elementos geométricos limpios, cuya audacia dinámica se manifiesta a través de volúmenes horizontales intersectados en cada desnivel de la torre. www.arditiarquitectos.com

Entre los objetivos primordiales de la construcci贸n, destaca el de dise帽ar el edificio con una arquitectura atemporal que envejeciera con dignidad y se integrara al entorno.

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GREEN HILLS BROISSIN ARQUITECTOS Fotografía cortesía Brossin Arquitectos

as intenciones del despacho para el proyecto de esta escuela ubicada en Lomas Verdes, Estado de México, se basan en la adecuación al entorno: “que el colegio viva en el bosque, que respire su aire, la construcción lo respete y ocupe los espacios que éste le presta”. El sol determina la orientación de los volúmenes y la topografía su lugar. La estructura está definida a través de curvas geométricas que dan origen a cada uno de los patios. La plaza de acceso es importante ya que es el primer punto de contacto al colegio, por eso es sólida, con gran presencia y peso visual. Cada prisma representa el espíritu de los alumnos y juntos, la visión de vanguardia 106

y liderazgo de la institución. “Imaginamos a cada usuario del espacio disfrutándolo a su modo, forjando su carácter en un ambiente sustentable”. El corredor principal es amable y abre su vista a la naturaleza que en todo momento los acompaña. Los usuarios -los niños- son el corazón del espacio, lo demás es sólo la forma… es una sencilla serie de espacios bien alineados y con la misma fuerza y honestidad con la que juegan ellos. El terreno espera cinco intervenciones más que complementarán el conjunto. www.broissin.com

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La edificación se basa en la adecuación al entorno: “que el colegio viva en el bosque, que respire su aire, la construcción lo respete y ocupe los espacios que éste le presta". 107

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MUSEO JUMEX DAVID CHIPPERFIELD Fotografía cortesía de Museo Jumex

l Museo Jumex se concibió como el espacio de muestra para una de las colecciones privadas de arte más grande de Latinoamérica, así como parte de un extenso plan de remodelación urbano. La calidad individual de los edificios vecinos dejaba de lado la posibilidad de una integración formal, por lo que se optó por acentuar el sentido único de la propuesta arquitectónica contribuyendo de forma importante a la estética ecléctica del vecindario. El propósito de este recinto es albergar exposiciones en un punto clave de la Ciudad de México. Los espacios de la galería están pensados para instalar diferentes propuestas museográficas con distintas temáticas, de la mano de curadores residentes e invitados. Dentro de las funciones a desarrollar se planteó no sólo alojar exhibiciones, sino ofrecer una atmósfera informal que pudiera albergar actividades educativas como ponencias, charlas, debates y muestras fílmicas, dentro de los mismos espacios que fueron destinados para el espacio de galería. El área de exhibición principal está localizada en las dos plantas superiores y optimiza el uso de la luz natural en el útimo piso. La planta baja comprende una serie de espacios que alojan las actividades más sociales del programa. Una planta abierta por los costados separa los pisos superiores de la planta baja y permite a los visitantes disfrutar de vistas hacia el paisaje y la vida urbana. www.davidchipperfield.co.uk/ www.fundacionjumex.org/site/museojumex

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Se optó por acentuar el sentido único de la propuesta arquitectónica contribuyendo a la estética ecléctica del vecindario. 109

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CASA NARIGUA P+O ARQUITECTURA | DAVID PEDROZA CASTAÑEDA Fotografía cortesía David Pedroza Castañeda

a casa Narigua se localiza en El Jonuco, Nuevo León, y está rodeada de vistas espectaculares por su enclave en una zona montañosa. Este sitio está basado en la tradición mexicana de crear asentamientos en valles delimitados por los cerros. Aquí los habitantes conviven con naturaleza del noreste mexicano, en este sentido, el terreno poblado de enormes y viejos árboles, plantearon un importante reto de diseño: respetar la vegetación. La mejor opción era lograr que la casa “volara”, ubicándose en un área más alta que los árboles del terreno. Esto se logró gracias a que se acentó sobre una ligera pendiente de 10 metros por encima del acceso. 110

Respondiendo al entorno, la casa se zonifica respetando y conservando los grupos de cedros que existen en el solar desde hace décadas. La edificación en su conjunto se divide en tres prismas y en contraste con la imagen de su estructura exterior, la transparencia convierte al paisaje en parte de la cotidianidad.

www.pmascero.com

Este sitio estĂĄ basado en la tradiciĂłn mexicana de crear asentamientos en valles delimitados por los cerros. AquĂ los habitantes conviven con naturaleza del noreste mexicano. 111

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SPORT CITY OAXACA ROOTSTUDIO + ARQUITECTOS ARTESANOS Fotografía cortesía Ángel Valdivia

rquitectos Artesanos, despacho liderado por Juan José Santibáñez asociado con RootStudio, del portugués João Caeiro y el italiano Fulvio Capurso, ponen de manifiesto los valores que comparten, como desarrollar nuevas perspectivas para los materiales y la construcción a través de diversas percepciones culturales, trabajando en diferentes países. Algunas de las estrategias para lograr esto son el trabajo en comunidades rurales, la promoción de arquitectura sustentable, la investigación en técnicas vernáculas y de auto-construcción, así como la transferencia tecnológica a partir de talleres, clases y conferencias. Su visión se centra en la localidad, no sólo en el sentido de lo que el sitio, su gente y los materiales pueden aportar, sino de entregar un objeto arquitectónico congruente con el entorno. 112

Sport City Oaxaca fue un proyecto para el que la cadena de gimnasios decidió arriesgarse y construir un edificio con materiales tradicionales; una línea totalmente distinta a los demás espacios que posee la cadena. La materialidad del edificio combina técnicas de construcción vernáculas de Oaxaca con los recursos de la tecnología moderna, buscando un encuentro entre dos mundos. Adobe, piedra, madera, bambú, tejas, ladrillos, cal, concreto y acero, se combinan, destacando el valor potencial de cada material.

www.rootstudio.com www.arquitectosartesanos.org

Su visi贸n se centra en la localidad, no s贸lo en el sentido de lo que el sitio, su gente y los materiales pueden aportar, sino de entregar un objeto arquitect贸nico adecuado y congruente con el entorno. 113

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CENTRO ROBERTO GARZA SADA, UDEM TADAO ANDO

Fotografía cortesía Roberto Ortiz y Jorge Taboada

ara su nuevo Centro de Arte, Arquitectura y Diseño, la Universidad de Monterrey eligió a Tadao Ando para la concepción del proyecto. El célebre japonés es una figura consolidada en el mundo de la arquitectura, famoso al crear un estilo reconocible por el uso del concreto aparente y, sobre todo, por el uso de luz natural en composiciones que apelan a la poética del espacio y un sentido espiritual que trasciende la materialidad de las edificaciones. Las superficies de esta estructura parecen doblarse y replegarse a manera de un abanico para descubrir un umbral. Así, el edificio se convierte en un pórtico. Se trata de una “Puerta de la creación” como lo nombró conceptualmente el despacho japonés, describiendo no sólo un ámbito emotivo y físico, sino al hito arquitectónico que se buscaba conseguir. Los constructores mexicanos tuvieron la habilidad de traducir las ideas del arquitecto y resolver una obra que presentaba retos en la complejidad de su forma y estructura.

www.andotadao.org 114

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Las superficies de esta estructura parecen doblarse y replegarse a manera de un abanico para descubrir un umbral. As铆, el edificio se convierte en un p贸rtico. 115

P. 40 Bernardo Gómez-Pimienta Recuperating the urban fabric Text; Yolanda Bravo Saldaña Photography Carlos Madrid and courtesy of BGP In the BGP Architects studio—run by Bernardo GomezPimienta—people is passionate about engaging in projects for works that strive for the betterment of the urban space, as is the case with the rescue of Presidente Masaryk avenue in Mexico City, and in great minuscule pieces of industrial design such as a coffee mug, a coat hanger or a chair. With several decades of hard, profound and passionate work behind him, architect Gómez-Pimienta received us in his workshop located in a peaceful street of the Coyoacan barrio, to tell us about hos most recent professional endeavors. Rescuing the public space With the passing of various decades, Mexico City has lost public spaces given that, unfortunately, automobile is king of the city; nevertheless, architects such as the ones forming a part of BGP, are trying to take the pedestrians back to those places that have been taken away from them by the vehicular transit. Presidente Masaryk was an avenue presenting a severe transit problem, one of the most relevant in the whole of Mexico City with its architecture, its high-end retailers and its sophisticated air. In terms of the common good, BGP sought to recue the value this zone has as a historical landmark and as the commercial epicenter of Polanco, through a change in the avenue’s image, improving the conditions of use and safety, and identifying the diversity of coexisting functions both in vehicular as well as pedestrian transit. It was a group of the zone’s neighbors who reach out to BGP Architects to show the degree of disrepair that avenue presented; it was full of steps, cars parked on the sidewalk and with a highly deteriorated zone for vehicular transit. The studio devised a project that was presented to the pertinent authorities. By the way, it might come as unbelievable that Presidente Masaryk avenue had never been revitalized before, not since the Polanco neighborhood was created. “We found clay sewers from Porfirio Diaz’s times,” Bernardo Gómez Pimienta commented. “It is an ambitious project that is not only about renovating sidewalks and street ways. We achieved universal accessibility, removing the cars that were parked both on the street and on the sidewalk given this area is for pedestrians,” the architect noted. This universal accessibility consisted in disposing of ramps, eliminating obstacles and to change the slope on the sidewalks. Now, the pathway in Masaryk goes up and down the same way for everyone. On the corner it is on the same level as the street while in the central sections it is 12cm high. The project is 3.1 km long and it was divided in three sections for an improved construction. It included the placement of concrete slabs on the street, 21 centimeters thick, and granite on the sidewalks. It also involved the removal of the hanging electric lines in order to make them subterranean. At the same time sidewalks were rearranged, bollards were erected, awnings were unified, vegetation was replanted, new furnishings as well as new street signs were manufactured. Since November last year the street was reopened on the project’s middle section, running from Moliere street to Arquimedes street, and where the majority of the commercial establishments and activity is located. It must be noted that Masaryk, prior to this renewal operation (that will be completed in full by Summer 2015), had an average cruise speed of 8 km/h; now it has been improved to 30 Km/h. Improvements were made to insure a more fluid transit on the roundabout where the statue of Masaryk is located. Regarding the presence of bicycle users, no special lanes were considered as studies have shown that in certain cases, these present for a less-than-ideal solution; thus, bicycles and automobiles coexist in two lanes running in the same direction. It must also be noted that the project by BGP Architects is centered on Masaryk avenue; but the regional administration

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has been working on other streets of the same neighborhood. With this “renewal” project we sought to stress that the city not only deteriorates, but that it can also be made better; this results in improved transit and increased real state value.

“When one is traveling, there are times where a lot of pictures are taken and then these go missing, while I have these here with me.” It is one of his ways to remember, with a 15-minute sketch, the emotional power in a moment or a special place.

The Ciudadela Another recent work by BGP Architects (along with Alejandro Sanchez), was the Master Plan for the City of Books, in the edifice we know as La Ciudadela (The Citadel), a building complex finished on 1807 to accommodate the Royal Tobacco Factory. As the years passed, the edifice turned into military headquarters, penitentiary, weapons factory, school and ever since 1946, the Biblioteca de Mexico (Library of Mexico). In 1987, architect Abraham Zabludovsky performed and intervention. The work by BGP planned for this space sought to reorganize the different functionalities’ programmed placement in order to have an efficient and logical plot. It also looked into rescuing the patio-scheme it originally had, restore all of its elements, as well as restitute the continuous circulation throughout the complex, both those in the perimeter as well as the one in the north-south axis. In addition, both the lighting and ventilation conditions were also improved. It was also a priority to achieve a universal accessibility; this through the use of tactile guides and the use of ramps in topographies that eliminated the use for steps in the common areas inside the building. Finally, an attempt was made to update both the facilities and furnishings according to the need for interconnectivity in modern life.

QUOTES “It is a huge responsibility to search for the best ways to educate the generations that are going to be a our successors.” “Everything ends ups being the same discipline; it is the same way to figure out how to solve a situation and to learn the construction process.” “In Masaryk we achieved universal accessibility, removing the cars that were parked both on the street and on the sidewalk given this area is for pedestrians.” “Masaryk is an ambitious project that is not only about renovating sidewalks and street ways.”

An exemplar homestead In the housing field, Bernardo Gomez-Pimienta tells a bit about the Casa Monterrey, located in San Pedro Garza Garcia, Nuevo Leon, Mexico, where the firm wanted to generate the minimal environmental impact to the mountain surroundings and the vegetation. This is a project spread over several plots of land in a 10,000 m2 area, composed of various volumes situated in a discreet manner. The project was developed based on a series of boxes flowing through the existing slope and vegetation in the plot. Every volume achieves a formal independence in respect to the rest of them. Throughout the complex the use of material like wood and glass is notable; this last one is used with the objective for maximal displaying of the natural views. The Academic Endeavor Teaching and the academic responsibility is just another one of Gomez-Pimienta’s facets, currently Dean at the College of Architecture at Universidad Anahuac. “It has been decades since I’ve been involved with the University; first as a student, then as a professor and now as Dean. It is a huge responsibility to search for the best ways to educate the generations that are going to be a our successors.” The architect told us that besides the career program itself, the cultural life in the University is very dynamic: “We schedule conferences where not only architects are present but also professionals in other areas. We strive to have an architect who is immersed in general culture endeavors. “Architecture is a career in which one must have an ample base of knowledge because inspiration and influence can come from many sources: it can be ignited by poetry, painting or cinema.” By the way, the College of Architecture is on the Excellence List, according to an examination by the Ceneval (National Evaluation Center) where it achieved the first place in the EGEL Annual Results Statistic. A traveler who captures his experience After witnessing the work made by BGP, that unfolds from the reorganization of the very wide spectrum a public space ought to have, to a mug or a coat hanger, his word ringer ever more true: “everything ends ups being the same discipline; it is the same way to figure out how to solve a situation and to learn the construction process.” Before the chat was over, Bernardo Gomez-Pimienta shows us a series of travel sketchbooks, just a few, for there have been many travels he has captured in his drawings.

P. 52 Maison & Objet Liliana Ovalle How do you define your concept of design? One of the intentions behind my work is to generate a narrative through the daily objects. We people relate subjectively to/ with our things, we build different meanings around the objects. In my designs I try to suggest a story, a situation open to interpretation. What are the materials you use in your creations? Throughout my career I have used different materials and processes: fabrics, casting in metal, woods, glass mosaic, glass, and recently ceramics. Each material has its own language and each one presents a different challenge. I like to explore different options depending on the type of material that is most suitable to the project at hand, even though at certain times during the experimentation process I get unexpected results that end up being better to what I had envisioned originally. What is your “Glocal” influence? (Those elements you take from the local culture to communicate them in a global context.) I believe that we designers read our surroundings and reinterpret them to generate new proposals. Each design we make represents a vision of how we relate with the world, and that vision is definitely influenced by the context we are formed in and by how we were raised. In my case, I lived my whole life in Mexico City, and I have a particular interest in certain features of the urban environment. These are situations that are not exclusive to Mexico, but they have been a very important point of reference. What is the book that you have made your main reference for your life as a designer? The End of the World and A merciless wonderland by Haruki Murakami www.lilianaovalle.com Christian Vivanco How do you define your concept of design? As based on experience. What are the materials you use in your creations? The most immediate, simple and rudimentary; I do not usually support my creator profile with technological vanguards or materials. What is your “Glocal” influence? (Those elements you take from the local culture to communicate them in a global context.) It is becoming stronger each time, and yet more discreet. I look to suppress predetermined aesthetic parlance, stylings and clichés, and substitute them with contemporary arguments that reflect my reality in a sincere and natural way; one based more on actions and lifestyles, and less on format and archetypes. What is the book that you have made your main reference for your life as a designer? Designing Design, by Kenia Hara. @chris_vivanco www.christianvivanco.com

FOAM .How do you define your concept of design? As designers we try to see beyond what is evident; that is, we gather enough information regarding the need in order to translate it and find different detonating factors both conceptual as well as formal. Let us just say that we do not have one concept only, but rather we find different concepts to develop each particular project. . What are the materials you use in your creations? We like experimentation a lot, we have series of products where we explore wood, metal, acrylic and glass: Nevertheless, we are about to develop some products using glass, marble and metallic filaments. We like experimenting by combining materials that help us enhance our designs both visually and conceptually. Each project dictates the materials’ characteristics in the final designs, in its own time. . What is your “Glocal” influence? (Those elements you take from the local culture to communicate them in a global context.) We consider the values in society as a starting point is a way to incorporate Mexico and its richness in our works; we like to explore the different themes that are currently relevant in our country, to understand the stance taken by the Mexicans, so we can develop a proposal that is in line with a vision aimed at being national based on this information; all this without necessarily resorting to evident or worn-out formal elements. . What is the book that you have made your main reference for your life as a designer? Redesigning Leadership by John Maeda; it deals with the life of the author and the search he beings to find a balance between life, engineering and design. @foamdf www.foamdf.com Coopertiva Panoramica .How do you define your concept of design? In Cooperativa Panoramica we are interested in using our design as a channel for expressions, being critical, inclusive and varied via clearly defined design exercises. . What are the materials you use in your creations? The project’s nature allows us to work with various materials, processes and to collaborate with different workshops and artisans. For Cooperativa there are no limitations regarding materials, size or form; we are always looking for challenges and opportunities for experimentation. . What is your “Glocal” influence? (Those elements you take from the local culture to communicate them in a global context.) By working from Mexico in projects that can reach any corner of the world, this influence, subtle as it may be, is present in each one of our projects. . What is the book that you have made your main reference for your life as a designer? There is not one book as such. We are a group of six individual designers, each one contributing the sources and references used in previous projects to the current one, making the whole collaboration process a very rich one in terms of knowledge. Depending on the project and the previous experiences of each one of us is how everyone’s references come to light. @wearepanoramica www.wearepanoramica.com David Pompa . How do you define your concept of design? As a bicultural design given mi Mexican/Austrian roots in respect to the motivations and emotions. The result is global design because objects do not have local “baggage”. There are traces of all the experiences in the design process and it ends up being a combination that strives to provoke emotions without regard to the country of origin. . What are the materials you use in your creations? The materials mostly come from the Mexican artisan traditions. (We use) decontextualized low cost materials wich become detonators for various pieces. Barro negro or Talavera

for example: when taken to the limit during production processes to resignify them and incorporate them to contemporary design. What is better for contemporary design than using a material that has been validated by an artisan tradition, and produced by those who know the capabilities and limitations of the raw materials? . What is your “Glocal” influence? (Those elements you take from the local culture to communicate them in a global context.) The main influence is relative to two axes: materiality and the emotional baggage that the artisan traditions have in Mexico. As I mentioned earlier, the use of the chosen materials is owed to the historical baggage that translates into contemporary forms. This allows for the softening of the artisan’s Mexican imprint, but still retains the capacity to awe the viewer through new forms and stories given to the raw material. . What is the book that you have made your main reference for your life as a designer? I do not have a specific book, but I am inspired by contemporary art books. Twitter: _davidpompa_ www.davidpompa.com Paul Roco Rodrigo Berrondo and Pablo Igartua . How do you define your concept of design? Our philosophy is based on the use of materials, no matter what these may be, even though we generally specialize in those made out of wood. We like to fin the aesthetic in the raw material at its most natural form, trying to avoid colors because we feel that each one has it own characteristics and you have to know how to make the most of them. Added to this, we always try to remain honest in the construction of each piece, so this is why the design has to come from the inside in search for the aesthetic as a result and not as the starting point. We deal with assembly, elements and evident gestures so the user can know how (the object) is made, and that it is supporting the combined weight when the user sits on the chair, if it comes to that. . What are the materials you use in your creations? We mainly use Huanacaxtle wood: (also known as Guanacaste or Parota), a national and Central-American timber; a tropical yet quite light wood. Its main features are its weight, flexibility and its very particular colors. We also use Vaqueta: this is cow rawhide devoid of any treatment that is used in equipales (rustic leather furniture). We also utilize wool and nylon-thread fabrics and include Recinto stone (that used for molcajetes, “stone mortars”), and lastly glass. . What is your “Glocal” influence? (Those elements you take from the local culture to communicate them in a global context.) It is not very evident, but when we use Mexican materials like Parota, Vaqueta and Recinto, people immediately perceive something Mexican in our designs. . What is the book that you have made your main reference for your life as a designer? Tage Frid Teaches Woodworking: Three Step-by-Step Guidebooks to Essential Woodworking Technique. @paulroco www.paulroco.com Perla Valtierra . How do you define your concept of design? Design is a process and not a result, to me. I am interested in material culture (the evolution of objects, materials and techniques), tradition and every-day objects. . What are the materials you use in your creations? I work a lot with ceramic because it allows me to experiment and search for new possibilities for this material. Working with ceramic is like a mysterious game. I like the fact that every place has it own kind of clay and each type of clay has an identity of its own; ceramic is a material with infinite possibilities. I also like to work with different natural materials, and artisan techniques.

. What is your “Glocal” influence? (Those elements you take from the local culture to communicate them in a global context.) Mexico’s cultural diversity nurtures me greatly, in cultural, visual and formal terms; and at the same time I find myself highly motivated about starting new social and collaborative design projects which involve developing the technology required, as well as a knowledge exchange that adapt to the current context. . What is the book that you have made your main reference for your life as a designer? Mexico Profundo by Ricardo Bonfil Batalla. P. 56 Emerging talents Juskani Alonso .How do you define your concept of design? As one based on what is Mexican. .What are the materials you use in your creations? I like to work with diverse materials, it do believe it is necessary to get to know them, then understand them and learn to use them all. There you find one of the essential factors for a good design answer. Wood is my personal favorite. .What is your “Glocal” influence? (Those elements you take from the local culture to communicate them in a global context.) There is plenty of knowledge and wisdom involved in the technique and experience of our indigenous peoples. That is where the authentic and true value of our culture lays. When designing, I try to listen and integrate those voices and knowledge in order to integrate them into objects that respond to the needs of the World Village. .What is the book that you have made your main reference for your life as a designer? Paulo Freire, who starts with education as the main political process where the problems and our reality are both built upon. Arte come mestiere by Bruno Munari helped me to understand design in a more down-to-earth manner, more human. I am currently reading Laberinto de la Soledad by Octavio Paz, published in the year 1950 and dealing with a genuine concern about finding a Mexican identity. A concern that still is valid and it still is necessary for us to ponder during this crucial time for Design in Mexico, or so I believe. @juskani_estudio www.juskanialonso.mx Fabrica Astilla Eduardo Wignall / Julian Benitez .How do you define your concept of design? It is based on “old-fashioned” manufacturing; we strive to create furniture with an added value in terms of both quality and design. We define with a simple line on paper, which is where all our ideas are born and as it advances it mixes with the concept that we are dealing with… we sketch freely without thinking in solutions, and this way we generate false perspectives that allow us to explore the form and the concept. On an aesthetic level we like to explore even when we always try to display the materials in an honest way, we expose the defects until they become a virtue. .What are the materials you use in your creations? No doubt wood will always have a special place in Fabrica Astilla; we are obsessed by it, this is a millenary material that we find an option that is hard to imitate in terms of versatility and aesthetics. We are especially interested in using vapor-folded wood like the one used by Thonet during the late 19th Century. The classic manufacturers inspire us. We have worked with iron as a supplementary material, given it grants us possibilities that are hard to emulate with other materials; we explore its finishes, and at times, we go for steel, ceramics and stone. It is within our plans to explore with blown glass, in a way that preserves the material’s true aspect, such as bubbles and

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imperfections. .What is your “Glocal” influence? (Those elements you take from the local culture to communicate them in a global context.) Our Mexican essence is implicit in many more aspects that we are capable of noticing; in a way we are doing design that is not consciously trying to look Mexican, yet it nevertheless is inherent to the piece. We are really fascinated by Mexican crafts like barro negro, talavera, and alebrijes among others, as well as with the different manufacturing methods ranging from artisan traditions to industrial ones, and the unusual antiques that provoke both curiosity in and respect for the labor techniques of the past. We believe that in order to go global with our design we must begin by positioning ourselves locally, even when we never loose either sight of the international scene or the opportunity for collaboration with designers from every corner of the world. It is deeply rooted in Fabrica Astilla’s vision that we would like to become producers of furniture that endorses young designers; we believe that we take proposals by designers the world over, and manufacture them in Mexico without having to import the product. .What is the book that you have made your main reference for your life as designers? We have many books that inspire us at the office; these can be the various and versatile by AM editores, or collections by Arquine. Phaidon classics are always present for an inspiring reading about a classic. We also have small collection of art books such as Star Wars Cross Sections, Cosmic Motors by Daniel Simon among a few others. On a personal level we like to read biographical books about figures such as Vincent Van Gogh, Escher or Leonardo DaVinci, as well as adventure books and novels. Eduardo’s favorites are La Montaña Desnuda or the Misterio del Everest. Julian’s ones are The 1924 Surrealist Manifiesto by André Breton and the abstract art by Worringer. .ulian@fabricaastilla.com eduardo@fabricaastilla.com María Beckmann Legorreta .How do you define your concept of design? Designing is using ingenuity to solve spaces, objects, illustrations; you name it. But always working with both function (practice) and form (aesthetic). .What are the materials you use in your creations? For furniture I go for wood, I sometimes go for metals and glass. More than flashy materials, I rather use resistant ones. There is no whim to it. .What is your “Glocal” influence? (Those elements you take from the local culture to communicate them in a global context.) From Mexico I take advantage of quality and accessibility to the labor we have to offer, both in terms of furniture manufacturing as well as of finishing touches, be it painting, framing, hanging, or assembly armando dentro del espacio… Thanks to this each project embraces the essence of craftsmanship, open to thousands of possibilities.This is a huge tool that may be used with warmth and charm without loosing quality. .What is the book that you have made your main reference for your life as a designer? Phaidon’s Anish kapoor . As well as the Taschen books on Ando, Eames, Loui Kahn, Piano, Saarinen, and Le corbusier among many others. And I am subscribed to FRAME and MARK, and both serve as my architecture and design encyclopedias. They are top notch! www.vever.mx Cristina Orozco ..How do you define your concept of design? Experimental + spontaneous = Never repeating oneself .What are the materials you use in your creations? Everything: paper, pencil, thread, photography, anything

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that I can turn into a source of inspiration. In regards to the creation of textiles it all depends if it is going to be an artisan piece or an industrial product; still I always start with a blank piece of paper or a mental map representing how I imagine the piece will end up looking. .What is your “Glocal” influence? (Those elements you take from the local culture to communicate them in a global context.) I always borrow global elements from all parts of the world. .What is the book that you have made your main reference for your life as a designer? None, really. It is the mental pictures of some of my travels that things that have had the most impact in me. @cri_orozco www.cristinaorozcocuevas.com Andrés Lhima .How do you define your concept of design? I thinl I’ve yet to define it and I try not to, but seeing what I’ve been doing lately I can conjure the following adjectives for it: figurative, ludic, conceptual and anecdotic (in the sense of the object/project telling a story). .What are the materials you use in your creations? I have worked with fabric, wood, ceramics, clay, plastics… I like them all, but I am really interested in working with glass and stone. .What is your “Glocal” influence? (Those elements you take from the local culture to communicate them in a global context.) I try to know and understand in which project or product I can use the elements pertaining our culture (materials, forms, concepts) so as to turn them into and advantage and make them enrich the proposal. The concepts that I have more evidently used for a global context are mesh used for market bags in the Fidencio Sillon (Chair) and our luchadores and their trademark holds, for my Luchadores bottle openers. .What is the book that you have made your main reference for your life as a designer? One is Vitra Project, I discovered it when I was at the University and I tried to take it in loan from the library every time I possibly could. Another is Ronan & Erwan, Bouroullec Drawing, I really their sketches and seeing how some of their products originated the very same I’ve seen as finished pieces; finally La Danza de la Realidad by Alejandro Jodorowsky. www.andreslhima.com Alexander Anderson .How do you define your concept of design? It is based on the fusion between industrial process and Scandinavian woodworking techniques. .What are the materials you use in your creations? Solid woods, steel, brass, stone, mirrors… there are very few materials I have not included in my design, really. What is your “Glocal” influence? (Those elements you take from the local culture to communicate them in a global context.) Now I am looking for more Mexican artisans, they inspire me and give me ideas about manufacturing. There is a very important richness in industrial processes in our country, but it somehow is on its way to oblivion due to a lack of innovation and vision. This motivates me to implement traditional Mexican processes in my work and to be a part of the conservationist of the know how in design. .What is the book that you have made your main reference for your life as a designer? My books are really my escape from work and double s my mini-vacations… but there is one in special that inspires and motivates me, it is What I talk about when I talk about running by Haruki Murakami. Laura Noriega .How do you define your concept of design? My concept changes according to the needs in a project, it is for this reason that I rather define my ideals and values as a designer based on coherency and simplicity. .What are the materials you use in your creations?

I have worked with many materials. In my design process I really enjoy scale modeling, I call it "tridimensional sketching” and I use cardboard, balsa wood, some other material’s leftovers, among others. .What is your “Glocal” influence? (Those elements you take from the local culture to communicate them in a global context.) Our results and design proposals are definitely influenced by our surroundings, the context and the experiences we’ve had in our lives. That is my “Glocal” influence, to keep my eyes wide open, the unending curiosity and rigorous revisions of what I do always from a global perspective. .What is the book that you have made your main reference for your life as a designer? Everything I read nurtures me, but more than just books, it is author’s the ones I’ve identified myself with when it comes to my work: Munari, Soetsu Yanagi, and Octavio Paz. @laura_noriega_ www.lauranoriega.net Fernando Laposse .How do you define your concept of design? The driving idea in my projects and what could be called the overall concept in my design is trying to use unconventional materials to create objects, and installations. My methodology to come up with ideas and make them come true has strong ties with DIY culture, so I try to not depend on manufacturers or independent artisans, but rather do everything physically possible for me and with the tools at my disposal inside my studio. .What are the materials you use in your creations? My materials catalogue is always expanding, but some of the ones that have been protagonists are zacate or estropajo, and sugar that I work like it was glass. Recently, I have worked using homemade soap utilizing animal fat and ash; I have also been crafting mirrors by dissolving silver in nitric acid. .What is your “Glocal” influence? (Those elements you take from the local culture to communicate them in a global context.) I live in London, quite possibly the most global city in the world, and this reason enough to find it hard to say that there is cultural aesthetic influence that could be termed as Londinian. Nevertheless this city has had a great influence in my way of doing things and how I create projects through the limitations it imposes on you, for example: when I ended college, it was impossible for me to have my prototypes produced because labor here is too costly (there are time when a carpenter has a salary equal or superior to that of a designer). This is a situation that has driven many young Londoner designers to become what is starting to be referred to as designer-maker. .What is the book that you have made your main reference for your life as a designer? There have been plenty, I try to read very different book always according to the project I am working on; by way of example, when I was developing my projects made with sugar, I read various cuisine and patisserie books. The last one was Philosopher's Stone: A quest for the Secrets of Alchemy by Peter Marshall, a very concise book where the mythology and the chemical concepts behind the practices of Alchemy are explained. It was from this text that I got some of the references for my piece Malachi 3:2. Fernando Laposse www.fernandolaposse.com

P. 60 Top Designers As part of our fourth anniversary, Glocal Design Magazine called upon eight renowned designers to describe their vision about national design, and the way this field is strengthened to become a part of an industry and provided with the values for growth required to cope with the competitiveness flux within the national and international markets. Ezequiel Farca For a long time, Mexico has been an international creative

force. This recognition is becoming more characteristic and robust every time. Good design, one with good manufacture, one that is constant and can cope with the volume required by the market, is not enough; and this is a must if we want to be competitive on the global scale. Fortunately, the Mexican industry is assigning more time and resources to design and Mexican talent; I believe that there is a preoccupation to achieve a true promotion of the talents and for betting on these being able to sell and do so nicely. Design’s transformation must be linked to globalization and trends, and not to the evolution of manufacturing quality standards. Design today is global and we have to think that success is based on our capacity of addressing this demand; I do not believe in trendy design given this become a fad and, therefore, it has an expiration date. To me, transformation is in our challenging the international markets, learn and compete, this is the only thing that will ignite a transformation in Mexican design. The road taken by national design is up to us, it depends on our objective, the where we want to be and how long will it take us to get there. The changes are taking on their form, but we still must have a clear objective and work with that idea in mind every single day. I do believe that there is talent and manufacturing capabilities nowadays, but the most important part of all this is the perfect timing for letting our works, our processes and our passion for what we do be known by the world at large. www.ezequielfarca.com Studio Roca Rodrigo Alegre and Carlos Acosta Mexican design has suffered a major transformation in the last 10 years, one due to the constant struggle by designers who want our culture to be represented in their creations. It is also due to the global support on the part of the media that cover this discipline making it more desirable for the public, an action favoring the user’s demand for more and better design while becoming a connoisseur at the same time. This coverage will be an important influence for the betterment of quality and the creation of a more profound, honest and, thus, more responsible design. On the other hand, sustainability should be explored and used in its four aspects: environmental, social, cultural and economic, generating a production chain where the designer coordinates the whole process; that is, from the birth of the idea and the sharpening of a pencil, to reaching the commercial planning that benefits all the participants. Fortunately the currently predominant theme is sustainable design, we are immersed in this change that screams for the refiguring of the ways we design by objectively asking what social, cultural, economic and environmental benefits we are generating with our ideas, and the way in which we’ve considered design until now. It is about design generating value because it definitely is a generator of changes, conducts and lifestyles. There is a good phrase around: “today it’s not about lifestyle it’s about lifecycle.” We have to understand what is missing for design to become a part of everyone’s daily life, cultural level or social class apart. We believe that the institutions, the leaders, the great corporations and the media should take this discipline as part of their strategies and their business, communication and services philosophies. We must keep adding our personal efforts so our design transcends and our quality processes are perfected, so as with many other things in Mexico, so they become worthwhile, exhibited and sold in the same way over the world, this world that happens to like us so much. www.studioroca.com Cecilia León de la Barra Given my career’s development, I can say that there is more talent and quality every time. It is not what it used to be when I graduated 15 years ago; nowadays we have magazines, a lot of Internet content and more support on the part of the institutions. As an academic I see that this is a cycle of exponential multiplication. There is an increasing demand and there is a

seed in every new class that graduates that will yield its fruit and renew the very Academy as well as the professional scene. Being an academic allows me to tell about my experiences and be immersed with new proposals, today I dedicate half of my time to teaching and the other half to curatorial activities. To have a serious study of the profession, it is necessary to preserve and catalogue the memoirs of the professional activity, as well as show the objects themselves in various contexts, there is people who wants to buy and they want to make an informed decision, and not only buy but produce or commission production of goods. One of the biggest pitfalls I can see is the lack of a historical record, the trends come and go, and as designer one must adapt when it is required of you, but there must also be a search for timelessness; and it is in this sense that it is necessary to come up with a register of our production because this way no trace of the work we’ve done before can be lost. It is about generating a tangible culture of products and objects in society, little by little, so it comes to appreciate the role design plays and upon this realization, it attempts to incorporate it to its daily life and acquires it or collects it, but not only as a matter of passing fad. In Mexico there is a thing for everyone. I believe that the industry is becoming more open to design, from start-ups to midsized enterprises, the potential for growth it has is now being recognized and bet upon. It is a matter of exposure: the more people now about it, the larger the numbers of those approaching it. www.cecilialeondelabarra.com.mx Ricardo Casas It seems to me that design in this country is living a great moment for its development. As a first step towards expansion, technology has given us a chance to have an easier approach and more promotion in other market sectors and audiences; as a next step social media are changing how design is presented, consumed and sold; lastly, the digitalization of design is generating more easily accessible tools that will empower the ability to create in more people, and that will have a direct repercussion in our profession. It seems to me that the most important and urgent current topic to address is that of generation of more meeting points between designers and the industry, to somehow change their perception of design from an unnecessary expense to a selling tool and a factor in the economic growth. My efforts are heading this way, promoting selfmanagement in the absence of promoting and networking institutions, in order to become a real agent of change. There will always be two poles in the market: the most exclusive one and the one we do not want to pretend we do nor carter to because we all want to be there and have millionaire commissions and budgets to work with, but there ‘s also great potential in not only being the developer but also the producer and marketer of one’s own creations… in closing the product cycle and taking charge of all the stages involved. We must also detect the value in the production process we have access to, and the manufacturing available in Mexico generates objects and products with an aesthetic all of their own. We can talk about the materials’ possibilities as a value in and of itself, and here is where the designer’s adaptability to develop a market and its clients comes into play. Competition is a must and with the training of more and better generations we are helping to improve the market starting with the offer, and educating the consumer in the process. www.ricardocasas.com.mx EOS Sebastian and Mauricio Lara We believe design in Mexico is now in one of its best moments given there are more designers every day that have become aware of the tools the country has, tools such as: regional raw materials, man power and their ways of transformation via artisanship. Nevertheless not all of our country is craftsmanship, there are manufacturing firms that possess the best technology available and that are investing in Mexican design, as is the case with Urrea that has been doing so for more than a decade.

In our case this is the second occasion we have been invited to collaborate with them by designing the Quadro line, a bathroom fittings collection that is complemented with the design of the bathroom’s toilet and sink. Fortunately, every day there are more examples of alliances between Mexican designers and companies like Urrea. We think that if companies are convinced about design being a very profitable investment instead of it being an expense the situation will continue to be one full of promise both for the industry and the designers in this country. www.eosmexico.com Hector Esrawe Mexican design needs institutions that can establish the proper communication channels for critical promotion. This is neither about receiving incentives nor of an entrepreneurial culture for the industry barons; it does not only mean to receive a fund to create a piece, but to create an understanding, a culture where the benefits that this activity can provide are clearly stated. Agreements between design and artisanship have to be established, and the relationship between both has to be understood in the same way that the Finnish do, maintaining a horizontal relationship with the craftsman: the weight of the value added by the artisan is equal to that contributed by the design. We are not talking about egos or individuality, the collaboration is now between designers, and there currently is a preoccupation to also approach the artisans as a source for creating new design products. Nonetheless, the platform responds more to those most prominent, there are not enough proving grounds where the new generations can be evaluated. This does not mean there is no evolution, but there is not a consolidated Mexican design as of yet. The current movement is very eclectic in its expression and its intention. There is a surface view, so to speak. The two platforms that exist within Mexico (Design Week and the Abierto Mexicano de Diseño) are very far apart and it is imperative that there is a dialogue between them; they must line-up their interests so there is one design week. In respect of the newer generations, there is a preoccupation about not looking like the previous generations and this evidences that there is a positive ground that has to be tended through platforms where new talents can exhibit their works so these can be judged and its promotion enhanced. www.esrawe.com Emiliano Godoy I believe that national design is finally going beyond its point break, a moment where the quixotic effort made by designers to do all of the work will soon stop being the guild’s main running engine. We are finally seeing strong examples of the industry involving designers with generating new products, in determining the business models and their commercial scaling. Ever since the mid 80s when the national politics abandoned the idea of an industrial country to drive it into becoming a bonded-manufacturing one, there had not been a design ecosystem that actually established a dialogue with the market and the productive capacity already established in Mexico. Even when the designer-entrepreneur or the startupdesigner still is the most common scheme and the one with the more fertile opportunities within the national scene, by creating the best and most adventurous proposals, it is important to note how these same designers that manufacture and sell on a low scale are now both escalating their operations as well as offering their know-how to manufacturers and brands with bigger size and increased reach. A key factor for this partnership is that design is expanding into more professional fields, with an increased variety in the services, styles and capacities it offers. The vibrancy in national design is something that has been 30 years in the making, but it is quite clear this is just the beginning. The best is still to come. www.emilianogodoy.com

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objeto glocal

SPUN

Texto Karla Rodríguez Fotografía cortesía Heatherwick

HEATHERWICK S T UDIO ROTACIÓN AXIAL

pun es una silla rotativa realizada por el estudio de diseño Heatherwick, el cual también es reconocido por su labor en arquitectura, infraestructura urbana y escultura. El diseño de esta silla se llevó a cabo mediante el proceso de rechazado (obtención de formas de revolución) tradicionalmente empleado para hacer objetos circulares, tales como timbales y cilindros de gas; esta técnica consiste en girar un disco o tubo de metal a alta velocidad para generar simetría axial en las piezas. Para lograr ergonomía en Spun, el equipo de Heatherwick experimentó e investigó diferentes técnicas para que el asiento de la silla fuera capaz de servir como un soporte para la espalda aun cuando ésta se encuentre girando, por lo que los conocimientos sobre metales de Thomas Heatherwick, fundador de la firma, influyeron de manera esencial en su realización. El estudio colaboró en la creación de una segunda versión de esta pieza usando plástico como materia prima, bajo el proceso de rotomoldeo donde, a diferencia del método metalúrgico, la rotación de éste es relativamente baja y en varios ejes.

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